WARM HEART OF AFRICA

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WARM HEART OF AFRICA www.primaenoctis.com info@primaenoctis.com Via Canonica, 7 6900 Lugano, Switzerland tel. +41 91 922 2003 fax +41 91 922 2004

“By now, the art world has finally become post-colonial and actually is post-modern. The keyword of our age is integration, and no longer segregation. Artists from all parts of the world now feature at renowned art shows such as Documenta in Kassel and the Venice Biennale as part of global art discourse. African artists no longer have to solely rely on African stages, such as the one provided by the Dakar Biennale, they have become fixtures at art shows across the globe.”

Wouter Welling (Abdoulaye Konaté: the world in textile, Afrika Museum, 2013) “I would like to exhibit my work without being labelled as anything but an artist, perhaps a complex concept for some critics and historians because it would force a new dialogue and ‘language’ that is not confined by the labels of the past. There seems to be an unfortunate disregarding of the fact that we all have individual experiences of our realities. I did not experience Apartheid or the residue of Colonialism in the same way as other South African people, be they Black, White, Indian, Coloured etc.

The perpetuation of labels is reductive and stunts any growth or new understanding of art generally.

The world is too globalised for these terms to even matter anymore. My experiences are global. I don’t live anywhere in particular and travel so much that my immediate environment changes all the time; my exposure to South Africa is not my only influence. I think that people ‘conveniently’ forget that Africa is a large and complex continent; it does not make sense to box it and its people all as one thing. Africa and Africans are bombarded with American and European products, television, music, clothing and lifestyle, even if one has not travelled off the continent there is a constant reminder of the globalised world. How we understand Africa is not a static thing and this term makes it seem as though it is a never changing reality.”

Nandipha Mntambo (interview by Sue Ecclestone) “Joël’s production and artistic attitude are beyond space and within his own time and could just as easily come from a New Yorker, a Carioca, a Kinshasan or a Parisian.”

Jean Loup Pivin (Joël Andrianomearisoa - The war of the senses, Revue Noire / N°26 / 1997) “Since the early nineties, the term Contemporary African Art has been used to define the art created within specific geo-political boundaries of the African continent, without analyzing its specificity.

The significance of artistic production should not be sought in a continental identity and unity, but rather in its transcendence due to the continuous contact with other cultures and continents and the internal changes experienced by contemporary society.”

Vitshois Mwilambwe Bondo (Artist Statement)

(Cover) Joël Andrianomearisoa Le Labyrinthe des Passions Noir, 2013 paper collage on canvas, 80 x 130 cm

“Il est temps de casser les codes d’un eurocentrisme qui n’a plus grand sens sur un scene mondialisées. Il faut changer les cadrages. Accepter les faits positifs, changer les paradigmes.”

Ayana V Jackson (interview by Oliver Bergeron)

ABDOULAYE KONATÉ Le strisce di cotone tessute sono diventate il marchio di fabbrica di Abdoulaye Konaté e delle sue opere monumentali. Nato in Mali nel 1953, ha studiato arte a Bamako e Cuba ed ha partecipato a numerosissime esposizioni museali internazionali.

La sua scelta di utilizzare il cotone è stata ispirata dal desiderio di lavorare con materiali locali: “La decisione di concentrarmi sul tessuto nasce dalla volontà di utilizzare materiali prodotti nel mio paese, di lavorare a partire dagli elementi che mi sono più vicini. Nel Mali produciamo molto cotone e di conseguenza vi è una grande disponibilità di questo materiale per gli artisti. Senza dimenticare che esso risulta particolarmente adatto per la creazione di opere di grandi dimensioni.” (A.K.) Partendo da uno schizzo annotato da Konatè su un taccuino nero e talvolta con l’aiuto di alcuni di assistenti, questi enormi lavori vengono prodotti orizzontalmente, distesi sul pavimento.

L’intera opera di Konaté costituisce un pensiero totale, globalizzante, con continue correlazioni interne. L’interesse dell’artista si condensa in una scrittura tutta personale: grandi allegorie legate dai materiali, dalla densità del colore, dal ritmo e dall’impulso vitale, dove non è mai in scena la brutalità fisica.

“Egli ha rifiutato di entrare nella mischia di immagini oggi disponibili. Agisce con mezzi semplici e terribilmente efficaci. Crea degli interstizi per una riflessione, proponendo angoli di visuale differenti, che invitino lo spettatore a fare un’indagine approfondita del significato dell’arte e del ruolo dell’uomo nel mondo.” Joël Busca Nel suo testo critico, scritto in occasione della pubblicazione del libro “Abdoulaye Konaté, The world in textile” (Afrika Museum, Berg en Dal, 2013), Joëlle Busca individua nel lavoro dell’artista tre grandi aree tematiche.

La prima area si articola attraverso interpretazioni di soggetti correlati al patrimonio del Mali, alla sua cultura e alla sua tradizione.

Un secondo filone riguarda opere che Busca chiama “une plastique du géopolitique”, un plastico della geopolitica, dunque, che raccoglie in sé un’attualità permanente e senza tempo, quella dei disordini e dei tumulti, diventando una riproduzione analitica della politica strategica e dell’ecologia planetaria.

La terza categoria di lavori, invece, meno abbondante (un progetto iniziato verso il 2007) partecipa a una ricerca più estetica, con lavori più leggeri, lirici, in diverse varianti di colore.

Ed è proprio in questa terza tipologia di opere che s’inserisce Symphonie Bleue N°6.

Qui il colore diventa presenza epifanica e giubilante, indirizzata verso l’emozione e il piacere dello sguardo. Davanti a quest’opera lo spettatore non può far altro che immergersi in un oceano di purezza e di intensa immaterialità.

Symphonie Bleue N°6, 2013, textile, 205 x 140 cm

ABDOULAYE KONATÉ Stripes of cotton have become the trademark of Abdoulaye Konaté and his monumental works. Born in Mali in 1953, he studied art in Bamako and Cuba, and has participated in numerous international museum exhibitions .

His choice to use the cotton was inspired by the desire to work with local materials : “The decision to focus on fabric comes from the desire to use materials produced in my own country, to work from elements that are closest to me. In Mali we produce a lot of cotton and therefore there is a wide availability of this material for artists. Not to mention that it is particularly suitable for the creation of large-scale works.“ (AK) Starting from a sketch annotated by Konate on a black notebook, and sometimes with the help of some assistants, these huge works are produced horizontally, lying on the floor.

The whole work of Konaté is a cohesive thought, global, with internal connections. The artist’s interest is condensed in a very personal writing: great allegories related by materials, by the density of color, by the rhythm and the vital impulse, that never staged the physical brutality.

“He refuses to approach the rid of images available today. He works with simple and terribly effective means. Hecreates spaces for reflection, offers new perspectives inviting the viewer to make a thorough investigation of the meaning of art and of the place of man in the world.” Joël Busca In her critical essay, written for the publication of the book “Abdoulaye Konaté, The world in textile “ ( Afrika Museum, Berg en Dal, 2013) , Joëlle Busca identifies in the work of the artist three major thematic areas.

The first area is articulated through interpretations of subjects related to the heritage of Mali, its culture and its tradition .

A second strand is relates to works that Busca called “ une plastique du géopolitique “, a model of geopolitics, therefore, that brings in itself the permanent and timeless modernity, the modernity of disorder and riots, becoming analytical reproduction of the strategic politics and ecology of the world.

The third category of artworks, less abundant, (a project begun around 2007) participates in a more aesthetic research. These works have pleasant and lyrical content, with sophisticate colors.

It is in this third type of works that fits Symphonie Bleue N°6.

Here, the color becomes epiphanic and jubilant presence, addressed to the emotion and pleasure of the gaze. In front of this artwork the viewer can not help but dive into an ocean of purity and intense immateriality.

Homme Nature, 2013, textile, 232 x 186 cm

VITSHOIS MWILAMBWE BONDO Vitshois M. Bondo è un giovane artista congolese conosciuto per il suo attivismo e le sue performance radicali, nelle quali rende il suo stesso corpo un territorio della sofferenza.

Luogo di ogni sperimentazione, il corpo, reale o rappresentato, diventa per Vitshois un simbolo e un’arma, tutta la sua opera, infatti, si basa sul corpo come ricettacolo centrale delle passioni umane e specchio della società culturale e politica.

Nei suoi lavori, attraverso la tecnica del collage, Vitshois ricompone corpi e volti utilizzando ritagli di riviste commercializzate a livello globale. Gli sfondi astratti, leggeri, lasciano spazio al corpo e alla figura, per suggerirne la teatralità.

Nelle opere in mostra la figura umana diviene veicolo di unità, di relazione, dove il tutto è imprescindibile dal particolare, eppure rimane anche simbolo di un’armonia impossibile.

Infatti, i corpi e i volti assumono sembianze mozzate, mancanti, perennemente incomplete.

“Le teste ritratte da Vitshois sono il risultato di una composizione di molti visi, mani e parti indeterminate di corpi ritagliati dalle riviste di moda che lui raccoglie in tutto il mondo. Questi giornali, commercializzati a livello globale, vengono riconfigurati in composizioni raffinate incorporando tutte le sfumature dell’incarnato, dei capelli e del colore degli occhi, prendendo le sembianze di esseri che sintetizzano perfettamente una moltitudine di razze, generi ed apparenze. Cyborgs perfetti che sono immagini ideali di noi stessi nel nostro tempo” (Sandra Skurvida) Questi dipinti/collage si insinuano a forza nella nostra quotidianità, attraverso la scelta dei ritagli e dei prodotti presenti in essi, cumuli di realtà, di globalizzazione, di moda, di estetica e di idealizzazione sono ristrutturati per formare il corpo e il volto della società contemporanea.

I lavori di Vitshois divertono l’occhio dello spettatore che non può far altro che perdersi in quest’unicità impossibile, in quest’autorappresentazione del sé (nonché aspirazione estetica contemporanea del sé) che include corpi spersonalizzati e ricomposti attraverso la tecnica del collage in soggetti sintetici, mediati ed assolutamente artificiali.

Le rappresentazioni di Vitshois diventano una figura ibrida, un’unità visiva che rappresenta l’esperienza individuale, il desiderio, e la sua controparte: i singoli oggetti, i prodotti del consumismo, molecole imprescindibili del tutto, struttura portante dell’essere contemporaneo, traccia viva in noi della sovrastruttura sociale e mediatica che canalizza il desiderio e l’esperienza.

Untitled, 2011-2012, collage and acrylic on canvas, 50 x 50 cm (each)

VITSHOIS MWILAMBWE BONDO Vitshois M. Bondo is a young Congolese artist, known for his activism and his radical performances, in which he makes his own body a territory of pain.

Each experiment lays on the body, real or represented. For Vitshois the body becomes a symbol and a weapon, all his works, in fact, point out the body as the central focus of human passions and the mirror of society and politics.

In his work, through the technique of collage, Vitshois reassembles bodies and faces with the use of clippings by globalized magazines. The abstract backgrounds, soft and light, let space to the body and the figure, to disclose the theatricality .

The art works on show reveal the human figure as the vehicle for unity, for relationship, where the part is indispensable to the whole, yet it remains a symbol of an impossible harmony: bodies and faces appear severed, missing, perpetually incomplete.

“Vitshois’s portrait heads are composed of many faces, hands, and indeterminate body parts excised from glossy style magazines that he collects around the world; this globalized commercial printed matter has been reconfigured into exquisite composite beings of all shades of skin, hair, and eye color, into likeness of perfect synthesized beings of multiple races, genders, and appearance – perfect cyborgs, that are indeed ideal self images of our times.”

(Sandra Skurvida ) These paintings/collages creep into our daily lives, through the choice of cut-outs and products present in them. Heaps of reality, globalization, fashion, beauty and idealization are restructured to form the body and the face of the contemporary world.

Vitshois’s artworks amuse the viewer’s eye that can not help but get lost in this impossible uniqueness, in this portrayal of the self (as well as contemporary aesthetic aspiration of the self ) that includes depersonalized bodies, reconstituted through the collage technique in synthetic, mediated and absolutely artificial subjects.

Vitshois’s representations become a hybrid figure, a whole vision that represents the individual experience, the desire, and its counterpart, the single objects, the products of consumerism, essential molecules of the whole, the contemporary being’s supporting structure, the track of the social and the media superstructure that channel our desire and experience.

Untitled, 2011-2012, collage and acrylic on canvas, 170 x 190 cm

JOËL ANDRIANOMEARISOA L’opera di Joël Andrianomearisoa nasce dall’ibrida commistione di moda, architettura, fotografia e video. Punto fondamentale della poetica dell’artista è il tempo: “L’unica cosa che per me conta è di interagire con il tempo. Ciò che mi spaventa di più è non essere mai in tempo, essere superato. Il mio modo di rispondere a questa sfida è di essere sempre controcorrente”. (J.A.) Il tempo nelle opere di Joël Andrianomearisoa si dispiega attraverso un tempo passato, il tempo della produzione, del sogno e della progettazione. Un tempo che si costruisce attraverso un movimento continuo di affermazione e negazione, di binomi costanti di forze opposte: costruire/decostruire, piegare/spiegare, riempire/vuotare e un tempo presente, del realizzato e dell’osservatore. Un tempo anch’esso costantemente in via di evoluzione, impercettibilmente passato e futuro, contemporaneamente ricettacolo di disegno, memoria, aspettativa e curiosità.

“L’opera nasce da varie manipolazioni che mi portano a un risultato finale. Quando creo un’installazione non immagino a priori la sua forma. So quali sono gli elementi che la compongono, ma ogni volta che li combino fra loro scopro qualcosa di diverso. Ed è in questo che trovo il senso delle mie opere”. (J.A.) I lavori presenti in mostra, installazioni monocromatiche create con morbidi, fragili e spesso effimeri materiali come carta (Le Labyrinthe des passions noir) e stoffa (Untitled), con il loro accumulo di varietà e sovrapposizioni, vengono accomunati dal nero, pietra miliare nell’opera dell’artista.

Il nero viene trattato da Joël come un colore dalle infinite possibilità e sfumature, studiato, sperimentato, incessantemente sfidato, reinterpretato e rinnovato, per diventare al contempo uno e mille colori diversi.

“Per me è una sfida. In ogni pezzo, devo trovare i vari colori, diverse posture di nero. Non è solo il colore, ma anche un atteggiamento che non esclude nulla e mira verso l’universale. Il nero è incredibile, inquietante, in grado di avere un significato in tutto il mondo”. (J.A.) E come sostiene Virginie Andriamirado: “Il nero può incarnare austerità e minimalismo, ma allo stesso tempo dà all’artista la libertà di decostruire e disintegrare la struttura della propria opera. Il nero da all’artista la libertà di agire con esuberanza”.

Untitled, 2013, textile, d. 100 cm

JOËL ANDRIANOMEARISOA The art of Joël Andrianomearisoa is born from hybrid exchanges between fashion, architecture, photography and video and the artist’s poetics is focused on time: “The only thing that matters to me is to deal with time. And what frightens me most is never to be on time, to be outdated. My way of answering this challenge is to be permanently against the current. “ (J.A.) In the artworks of Joel Andrianomearisoa the time unfolds through a past time, the time of production, of dream and of design, constructed through a continuous ambivalent movement of affirmation and negation, made of constant pairs of opposing forces : build/deconstruct, bend/explain, fill/drain and a present time, the time of the fulfilled and of the observer, at one time constantly evolving , imperceptibly past and future, simultaneously receptacle of design, memory, expectation and curiosity.

“The work arises from various manipulations that lead me to the final result. When I set up an installation, I do not imagine its finality. I know the elements that compose it, but in the intant I set them up I discover something else. And that is when the work makes sense.” (J.A.) The works on show are monochrome installations created with soft, brittle and often ephemeral materials such as paper (Le Labyrinthe des passions noir) and fabric (Untitled ).

Black, milestone in the work of the artist, is the link of this accumulation of variety and overlapping.

Black is handled by Joël as a color of infinite possibilities and shades. This color is designed, tested, constantly challenged, reinterpreted and renewed, to become one and, at the same time, a thousand different colors.

“For me it is a challenge. In every piece, I have to find various colors, different postures of black, It is not only the color, but also an attitude that does not exclude the rest. It aims toward the universal. Black is amazing, disturbing, but it is present and makes sense everywhere.” (J.A.) And as argued by Virginie Andriamirado : “Black can embody austerity and minimalism, but it gives the artist the freedom to deconstruct and disintegrate the structure of the work. Black gives him the freedom of exuberance.”

Le Labyrinthe des Passions Noir, 2013 paper collage on canvas, 80 x 130 cm

CAMERON PLATTER Cameron Platter è riuscito con eguale fortuna nei settori più disparati, dai disegni allucinati alla pittura brutale, dalle sculture cariche di colore alle installazioni confusionarie sino alla video-arte.

Il suo lavoro interdisciplinare esamina, a suo modo, il degrado, l’eccesso, il detrito, lo scontro, il conflitto, attraverso l’utilizzo di risorse transitorie, documentando una realtà contemporanea disfunzionale.

Artista conflittuale e sovversivo attraverso un linguaggio spesso infantile e stilizzato, rivolto all’essenziale, nelle sue opere plasma un mondo contemporaneo fatto di violenza, brutalità, degrado e precarietà: “Penso sia una forma di reportage. Io descrivo solamente quello che vedo attorno a me: night clubs, prostitute, fast food, storie di cronaca nera, il mondo dell’arte, la TV, i film, la politica, il consumismo…

Il fatto che il linguaggio sia “infantile”, riflette semplicemente il modo in cui guardo le cose. Non mi interessa capire come questo arrivi allo spettatore. E’ una loro scelta decidere cosa “mangiare” e cosa invece “sputar fuori”. Tratta gli adulti come bambini e viceversa e vedrai che non ti sbaglierai…” (C.P.) I suoi lavori più recenti diventano monumenti ibridi della caducità e della provvisorietà, relitti contemporanei di un futuro distorto, terre di mezzo, luoghi popolati da spazzatura, bellezza e disgrazia.

Le ceramiche presenti in mostra si basano su vasi di scarto, contenitori di fast-food usati, secchi, pentole da cucina, tazze e boccali. Questi lavori sono simbolo di un processo duplice, la progressione creativa e la regressione, infatti, sebbene questi oggetti di scarto vengano raccolti con un approccio artistico-terapeutico, subiscono nuovamente tutta l’incertezza, la degradazione e la perdita nel processo di cottura.

Bucket 1, 2014 glazed ceramic, 40 x 37 cm

Bucket 2, 2014 glazed ceramic, 40 x 37 cm

CAMERON PLATTER Cameron Platter has succeeded in the most disparate fields: his hallucinated drawings, his brutal paintings, his colorful sculptures, his confusing installations and his videos.

His interdisciplinary work examines , in its own way, the degradation, the excess, the detritus, the clash, the conflict, through the use of transient resources, documenting a contemporary dysfunctional reality.

Artist conflicting and subversive, in a language often childish and stylized, addressed to the essentials, in his works he models a contemporary world made of violence, brutality, degradation and insecurity: “I think of it as a form of reportage. I only transcribe what I see around me: night clubs, hookers, sex, fast food, tabloid horror stories, the art world, TV, films, politics, consumer culture etc. The fact that the “style” is childlike, that’s just how I see things. It doesn’t really matter to me how it affects the viewerthey choose to eat it up how they want and then spit it out again. Treat adults like children and children like adults and you can’t go wrong…” ( C.P. ) His most recent works become hybrids monuments of transience and impermanence, contemporary relics of a future distorted, middle lands, places populated by junk, beauty and disgrace.

The ceramics featured in the show are based on marginal vessels, fast-food containers, buckets, cooking pots, cups and mugs. These works are a symbol of a two-way process, the creative progression and regression, in fact, although these discarded objects are collected with an artistic and therapeutic approach, they undergo again all the uncertainty, the degradation and loss in the cooking process.

Bucket 3, 2014 glazed ceramic, 40 x 37 cm

Bucket 4, 2014 glazed ceramic, 40 x 37 cm

AYANA V. JACKSON Ayana V Jackson è conosciuta per i suoi lavori fotografici che indagano l’Africa contemporanea e la diaspora africana. Nata a Livingstone, nel New Jersey (USA), ora vive e lavora tra New York, Johannesbourg e Parigi.

Le sue opere intendono analizzare e sovvertire criticamente l’approccio contemporaneo all’immagine, un approccio troppo noncurante e semplicistico, che accetta senza riflettere un immaginario fittizio e ridotto, ricreato attraverso l’uso della fotografia.

L’intento dell’artista è di liberare l’occhio dagli stereotipi dell’immaginario comune per indirizzarlo verso una visione analitica, rendendo concreta l’opportunità di sbloccare molteplici punti di vista nell’osservazione di una fotografia.

L’artista stessa si pone come oggetto di una rappresentazione fittizia e ricostruita in studio, riproposta in una molteplicità pressante, divenendo unica e molteplice controparte di dagherrotipi dell’epoca coloniale e, conseguentemente, di immagini d’attualità, che sviluppano uno strabismo insidioso nella rappresentazione dell’Africa e dei territori in via di sviluppo.

Nella fattispecie, i suoi lavori Does the brown paper bag test really exist? Will my father be proud? e Prototype / Phenotype si ricollegano alla storia del colonialismo e all’ideale collettivo dell’epoca, ricreato attraverso le immagini di un’Africa selvaggia, esotica che potesse giustificare il colonialismo come nobile impresa di “civilizzazione”.

Dopo un lungo lavoro di ricerca negli archivi fotografici, Ayana ha realizzato una serie di lavori fotografici che esplorino l’immaginario dell’epoca sovvertendolo attraverso la riproposizione di se stessa, una donna nera, di origini africane, in vesti che, nell’ideale collettivo occidentale, erano solite indossare le bianche colone agli inizi del Novecento.

“Guardando queste immagini nel 2013, in un contesto post coloniale, percepiamo che non sappiamo nulla di esse (popolazioni africane n.d.r.) in realtà, e che non abbiamo appreso nulla su di loro attraverso queste immagini. Ciò che abbiamo compreso, osservando queste fotografie, riguarda maggiormente le preoccupazioni degli uomini europei dell’epoca.” (A.V.J) L’artista cerca di rompere, di complicare questa memoria collettiva presentata dagli archivi fotografici del tempo, affinché queste immagini vengano rilette criticamente dal mondo contemporaneo.

Come sostiene Achille Mbembe: “(Ayana) Cautamente passa attraverso il tempo e le identità, e riscrive la storia, posizionandosi da entrambe le parti della lente.”

Does The Brown Paper Bag Test Really Exhist? / Will My Father Be Proud?, 2013 archivial pigment print, 137 x 108.5 cm

AYANA V. JACKSON Ayana V Jackson is known for his photographic series that explore contemporary Africa and the African Diaspora. Born in Livingstone, New Jersey (USA ), now lives and works between New York, Paris and Johannesburg .

Her works intend to critically analyze and subvert the contemporary approach to the image, that is careless and too simplistic.The contemporary approach to the image accepts without reflecting an imaginary fictitious and reduced, re-created through the use of photography.

The artist’s intention is to free the eye from the stereotypes of the collective memory to direct it towards an analytical vision, giving the opportunity to unlock multiple points of view in the observation of a photograph.

The artist herself stands as the primary subject of a fictional representation rebuilt in the studio, she repeats herself in a pressing multiplicity, becoming a unique and manifold counterpart of daguerreotypes of the colonial era and, consequently, of images of contemporaneity that develop an insidious squint in representation of Africa and emerging territories.

In this exhibition, her works Does the brown paper bag test really exist ? Will my father be proud ? and Prototype/Phenotype are related to the history of colonialism and the collective memory of that period, that has been created through the images of a wild and exotic Africa, to justify colonialism as a noble enterprise of “ civilization.”

After a long research in the photo archives, Ayana Jackson has created a series of photographic works where explores the imagery of that historical period, subverting it, through the revival of herself, black woman of African origin, in clothes that, in the western collective imagery, they used to wear the white settlers in the early twentieth century.

“Looking at these pictures in 2013 , in a post-colonial context , we feel that we know nothing of them (about African populations ed.), and that we have not learned anything about them through these images. What we realized, looking at these photographs, is more about the concerns of European men of that time.” (AVJ) The artist tries to break, to complicate this collective memory produced by the photographic archives of that period, she critically re-read these images from the contemporary world.

As Achille Mbembe argues : “She gingerly strides time and identities, and rewrites history by positioning herself on both sides of the looking glass.”

Prototype / Phenotype, 2013 archivial pigment print, 100 x 116 cm

NANDIPHA MNTAMBO Nata nello Swaziland, Nandipha Mntambo si è imposta all’attenzione di critica e pubblico fin da giovanissima grazie ad opere in grado di provocare lo spettatore e sfidarne le aspettative.

L’artista è divenuta famosa per l’impiego di pelle di mucca, lavorata e modellata sul suo corpo per creare spettrali figure femminili allestite in modo tale da apparire allo spettatore come sospese nel vuoto.

I suoi lavori sono un continuo forzare confini e limiti ben definiti dai binomi della contemporaneità: umano/animale, uomo/donna, sessualità/sensualità, giusto/sbagliato, attrazione/repulsione. Però per l’artista: “Talvolta la linea è così sottile che non possiamo dirne la differenza”.

Parte fondamentale della sua ricerca è il corpo, un corpo che nelle installazioni sparisce per rimanere come spettrale forma sospesa, un corpo dove i caratteri che contraddistinguono il genere sono cancellati, nascosti o, addirittura, sovvertiti.

Ed ecco che nelle due foto in mostra, The Rape of Europa e Narcissus, in una selva folta e oscura, che richiama un’attenzione estrema al dettaglio floristico come fosse un dipinto di John Everett Millais, corpi femminili prendono il posto di corpi maschili, si ricoprono di irsuti peli, divenendo figura ibrida, priva di un’identità riconoscibile, tra l’umano e l’animale, che attrae e repelle allo stesso tempo, reinterpretando l’arte e i miti riproposti dai più grandi artisti nel corso della storia. Tiziano, Caravaggio, Picasso, sono solo alcuni tra i grandi nomi che hanno interpretato questi due miti e con i quali l’artista deve confrontarsi.

Attraverso un filtro oscuro e un linguaggio visuale barocco, l’artista esplora luce e ombra utilizzando il suo stesso corpo come oggetto fotografico primario, diventando uomo e donna, doppio, specchio e ombra di se stessa che esiste come “altro”.

Nella sua rielaborazione del mito Nandipha Mntambo cerca di sovvertire anche un altro gioco prospettico, un altro binomio, quello di africano/europeo: “La perpetuazione di etichette è riduttiva e arresta lo sviluppo di ogni crescita o nuova comprensione dell’arte. Il mondo è troppo globalizzato perché questi termini abbiano ancora un significato.”

The Rape of Europa, 2009 archivial pigment ink on cotton rag paper, 112 x 112 cm

NANDIPHA MNTAMBO Born in Swaziland, Nandipha Mntambo has gained the attention of critics and the public when she was very young, thanks to works able to provoke the viewers and challenge their expectations.

The artist has become famous for her aesthetics centred on the use of cowhide, which is processed and modeled on her body to create ghostly female figures arranged in installations that appear to the viewer as frozen in a vacuum.

Her works constantly push boundaries and borders defined by the Contemporaneity’s pairs: human/ animal , man/woman, sexuality/sensuality, right/wrong , attraction/repulsion. And the artist states: “Sometimes the line is so thin we cannot tell the difference.”

A fundamental part of her research is the body, a body that disappears in the installations and remain suspended as spectral shape, a body where the characters that distinguish the genus are deleted, hidden, or even subverted .

In these two photos, The Rape of Europa and Narcissus, in a thick and dark forest (which recalls the extreme attention to flora’s details, like in a painting by John Everett Millais) female bodies take the place of male bodies and, covered with bristly hairs, become hybrid figures, degenderized, between human and animal, which attracts and repels at the same time, reinterpreting the art and myths illustrated by the greatest artists throughout history. Tiziano, Caravaggio, Picasso, among the others, interpreted these two myths, and the artist must confront herself with them.

Through a dark filter and a Baroque visual language, the artist explores light and shadow using her own body as a primary photographic object , becoming men and women, double, mirror and shadow of herself that exists as “other.”

In her reworking of the myth Nandipha Mntambo seeks to subvert another perspective game, another duo, that of African/European : “The perpetuation of labels is reductive and stunts any growth or new understanding of art generally.

The world is too globalized for these terms to even matter anymore.”

Narcissus, 2009 archivial pigment ink on cotton rag paper, 112 x 112 cm

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