Preámbulo No.5 by Preámbulo

No.5

PREÁMBULO PROGRAMA DE MANO Marzo y Abril 2016

SALA GÓMEZ MIRALLES CENTRO DE CINE ENTRADA GRATUITA

EL CINE Y... LA PINTURA

RETROSPECTIVA LARS VON TRIER

TERRITORIOS Dinamarca contemporánea

CENTROAMÉRICA Y EL CARIBE DE FESTIVALES

HACIA UNA CINEMATECA NACIONAL DE COSTA RICA

Ministerio de Cultura y Juventud Sylvie Durán Salvatierra - Ministra de Cultura y Juventud Max Valverde Soto - Viceministro de Cultura José Ricardo Sanchéz Mena - Viceministro de Juventud

Centro Costarricense de Producción Cinematográfica Dirección

Fernando Rodríguez Araya - Director Patricia Castro Muñoz - Secretaria Ejecutiva

Administración

Carolina Thompson Soto - Administradora Rodolfo Zamora- Administración Karla Castillo Fernández - Contadora Jonathan Gamboa Bolaños - Auxiliar de Contabilidad Didier Ortega Corrales - Asistente de Producción José Luis Salas Barboza - Servicios Generales

Producción

Laura Molina Valverde - Producción José Bermúdez Villalobos - Producción / Comunicación Roberto García Herrera - Producción Vania Alvarado Rivera - Producción David Rodríguez González - Producción / Edición Adriana Campos Durán - Producción William Miranda Bogantes - Archivo de la Imagen

Preámbulo

Jurgen Ureña - Curaduría y Programación David Rodríguez - Producción, Diseño y Comunicación Adriana Campos Durán - Producción Roberto García Herrera - Revisión Filológica William Miranda,Vania Alvarado, José Bermúdez y Didier Ortega - Proyeccionista

Un espejo posible Jurgen Ureña Programador y Curador del Proyecto Preámbulo

En las imprescindibles memorias de Luis Buñuel, reunidas bajo el título de Mi último suspiro, el cineasta español afirmaba: “Bastaría que el párpado blanco de la pantalla pudiera reflejar la luz que le es propia para que hiciera saltar el universo; pero podemos estar tranquilos, pues la luz cinematográfica está convenientemente dosificada”. Algunas pocas veces, contra las previsiones señaladas por el maestro aragonés, ocurre el milagro: la imagen en movimiento se libera, nos roba la tranquilidad y llena la pantalla de preguntas sin respuesta, de dudas y de vida. Eso es lo que ocurre -o al menos ocurre algo que se le acerca mucho a ese deseo buñuelesco- en Bailarina en la oscuridad (2000). El principal artífice de esa suerte de milagro es Lars von Trier: un sospechoso habitual en la escena del cine contemporáneo que escribió, junto a Thomas Vinterberg, las reglas del Manifiesto del Dogma 95, y cuya ópera

prima, El elemento del crimen (1984), fue recibida con una ovación en el prestigioso Festival de Cannes. Algunos años después recibió la Palma de Oro de ese festival porBailarina en la oscuridad y después fue declarado por las autoridades del certamen como “persona non grata”, debido a unas declaraciones suyas, de tono ambiguamente antisemita. Von Trier es sin duda un personaje polémico. Es también el cineasta danés más celebrado de su país desde Carl Theodor Dreyer. Con Bailarina en la oscuridad, el cineasta indaga en lo profundo del suburbio industrial norteamericano, en sus espacios más íntimos y en sus grandes traiciones, en un ejercicio que recuerda laAmérica de Kafka. Al igual que el escritor checo, von Trier ha vislumbrado la situación del inmigrante en una tierra que no visitará jamás debido a su terrible fobia a los vuelos aéreos. Bailarina en la oscuridad es cine que cuestiona y que duele, que dificulta la respiración porque nos introduce en un mundo demasiado mezquino y opresivo para sobrevivirlo. La película cierra la llamada Trilogía del Corazón de Oro, formada además por Rompiendo las olas(1996) y Los idiotas (1998), y se interna en un universo plagado de alucinaciones colectivas, prejuicios políticos y “actos justicieros” como la pena de muerte. Selma, la protagonista del filme, tiene la capacidad de ver más allá de sus ojos atrofiados, canta en medio de un musical imaginario y sueña con la operación que salvará a su hijo de una ceguera hereditaria. Los musicales siempre han sido un medio ideal de evasión, lo fueron para los Estados Unidos de América que ahuyentaron la pesadilla económica de 1929 y lo son para esta niña extranjera que trata de sobreponerse a las sombras que gobiernan su vida. “Lo he visto todo, he visto la oscuridad, he visto lo que fui y lo que seré”, cantan Bjork y Selma, intérprete y personaje hermanadas en el gesto frágil e infantil en la película. Von Trier fue adivinando el perfil del ser humano predispuesto al sacrificio cuando leyó el libro El corazón de oro, siendo aún un niño. Lo leyó cientos de veces a pesar de que su padre lo encontrara ridículo. Lo llevó posteriormente a la pantalla, en tres largometrajes, a pesar de que sus personajes parecieran demasiado bondadosos para ser verosímiles. En el tercero de ellos, Selma representa a los héroes de lo cotidiano, a los seres excepcionales que iluminan la vida de sus semejantes a pesar de que reciben a cambio egoísmo e incomprensión.Bailarina en la oscuridad representa una muestra de ese cine luminoso, inquietante y excepcional, que predicó con el buen ejemplo el recordado señor Buñuel.

Tiempos Modernos Fernando Rodríguez Director del Centro Costarricense de Producción Cinematográfica

Cada vez que pienso en cine –y algunas veces en la vida- pienso en la escena final de “Tiempos Modernos”. Muchas veces, en el plano final de otras películas, vimos al vagabundo alejarse de la cámara y dirigirse hacia el horizonte. En “Tiempos Modernos”, luego de criticar duramente la deshumanización de los avances técnicos (proyección del creador en su criatura), el vagabundo se aparta de nuevo de nuestra presencia, caminando hacia el porvenir. Solo que esta vez marcha tomado del brazo de una compañera. Las lecturas que pueden hacerse de esa transición son múltiples, la mía, se define en cuatro palabras: “El momento es ahora”. Y es justo ahora, 8 meses después del inicio de “Preámbulo”, que esa imagen me viene a la mente como una forma de transmitir mis emociones sobre la gestación de una nueva Cinemateca Nacional, cuyo momento es hoy. Teorizar sobre el futuro no tiene sentido. Algo bueno nos espera, pero es en este instante cuando la construimos, tomados del brazo de todos ustedes. Vamos a paso seguro con los diseños arquitectónicos y los planos constructivos de lo que será la nueva Cinemateca Nacional en el Teatro Variedades; pero todo inició hace 8 meses, aquí en esta Sala que nos congrega y que pronto también estará renovada. Por lo pronto, como Chaplin, disfrutemos de la función y sigamos juntos caminando hacia el horizonte.

El cine y... la pintura Sobre la relación que existe entre la pintura de Edward Hopper y el cine, a propósito de la película Shirley: visiones de una realidad (Fragmento). Escrito por Carlos González García / Tomado de la Revista El Aleph de julio de 2015

La obra de Hopper y la cinematografía han ejercido una influencia mutua como parte de un precioso diálogo. Edward Hopper (1882-1967) fue un célebre pintor norteamericano que influyó en el cine de manera notable, tanto en su forma como en su fondo. Lo anterior se debe, principalmente, a la manera tan peculiar de utilizar la luz; pero también a sus composiciones, al acomodo que le brinda a los objetos y a las personas en los espacios, a las actitudes de sus personajes y al uso peculiar del color.

Alguna vez Josephine, su mujer, reveló que Hopper solía acudir a solas al cine, por la noche, en busca de inspiración. Bien se sabe que su famosa pintura Halcones de la noche (1942), surgió del relato de Hemingway; no es casualidad que más tarde la versión cinematográfica Forajidos (The Killers, Robert Siodmark, 1946), la cual terminaría siendo la gran influencia del cine negro, utiliza este cuadro como punto de partida para sus secuencias. Mujeres sonámbulas, diáfanas, con miradas que trascienden sus respec-

tivos espacios físicos, desfilan en muchas de las obras de Hopper. Aparentan mirar algo o a alguien pero muy probablemente apuntan a la nada misma, testigos de que podría ser en realidad lo único que existe, sugiriendo una calma desconexión de la realidad o quizá aludiendo al mal de posguerra; esa ambigüedad en su significado le brinda mucha fuerza al pintor. El cine de la segunda parte del siglo XX es terreno fértil para estos personajes en la pantalla. Una versión ejemplar de esto son las mujeres que en distintas películas de Antonioni (el gran poeta fílmico de la alienación) protagonizó su esposa y musa, Monica Vitti. Por ejemplo, en El desierto rojo (1972) Vitti una madre burguesa al borde de la histeria, en pasajes industriales de color intenso que podrían haberse derramado de los lienzos de Hopper. Esa vacuidad espacial que bien podría pertenecer al purgatorio, conecta a Hopper con Giorgio de Chirico. Hopper desarrolla este aspecto temáticamente, en las estaciones de gasolina en medio de la carretera o en estaciones de trenes vacías; un rasgo que parece haber influenciado notablemente a Wim Wenders. Y es que justo la fascinación del director alemán por el sueño americano, o por ese lado oscuro que se esconde tras de él, se traduce es una perspec-

tiva fundamental para entender al pintor. París, Texas (Wenders, 1984) es una obra maestra en este sentido y parece extraída de una de las pinturas de Hopper. La impactante cinematografía de Robby Müller completa el hechizo con saturados colores que le brindan homenaje al maestro. Desde un inicio en los tempranos cortometrajes de Wenders, donde no había personajes y existen únicamente desamparados lugares en encuadres fijos, se notaba esta influencia.

Alfred Hitchcock llega al centro de la propuesta de Hopper en varias de sus cintas pero particularmente en La ventana indiscreta (1955), donde un fotógrafo observa desde su cama a sus vecinos, con ayuda de su teleobjeti-

vo. Más tarde De Palma vuelve a usar los mismos mecanismos en Doble de cuerpo (1984), cuando el protagonista, usando un telescopio, atestigua los espectáculos que le propicia la sensual vecina. En ambas cintas, por cierto, se respira una cierta tensión, lo mismo que ocurre con los ambientes hopperianos. Las majestuosas casas en los horizontes de los cuadros de Hopper, representan no un cálido hogar sino el abandono. En particular hay una pintura de 1925, House by the Railroad, que resuena en distintas películas, entre ellas Gigante (George Stevens, 1956) y Días de cielo (Terrence Malick, 1978). La obra de Hopper es un claro preámbulo para la escuela norteamericana de expresionismo abstracto. Las sombras geométricas proyectadas en las paredes a medio día y la calidad de la luz sobre los objetos, invocan la abstracción. Mark Rothko dijo alguna vez que nunca gustó de las diagonales en la pintura, a excepción de las de Hopper, pues en su caso estaban justificadas por la luz que entra a los espacios. Las diagonales a las que Rothko se refiere son sombras en la pared creadas a partir de luz, pero más allá de la justificación es la textura que Hopper logra con su técnica. Sería imposible ima-

ginar el cine de directores como David Lynch, Todd Haynes, Aki Kaurismäki o Terrence Malick, sin haber conocido la obra de Edward Hopper. El prolífico y genial escritor Norman Mailer dirigió únicamente una película titulada Los hombres duros no bailan (1987), basada en su novela. Aunque no del todo lograda, la cinta es maravillosa por la manera como ejecuta las ideas pictóricas de Hopper. Edward Hopper pintó un cuadro en 1939 que contempla directamente al cine dentro del lienzo, se titula Cine de Nueva York y es una pintura referenciada directamente en cintas como Dinero caído del cielo (Herbert Ross, 1981) y Lejos del cielo (Todd Haynes, 2003). Aquí se sintetiza el diálogo

El Cine y... LA PINTURA La muchacha con el arete de perla Renoir El artista y la modelo Shirley: visiones de una realidad Cutie and the boxer

2003 2012 2012 2002 2015

Retrospectiva Lars von Trier Entrevista realizada por Stig Björkman a propósito del estreno de Dogville. (Fragmento). Tomado de la revista Cahiers du Cinéma nº 579, Mayo de 2003.

Podría contar como tuvo la idea de la que surgió Dogville? Quería hacer una película sobre la venganza. Además, me dije que sólo iba a hacer películas que se desarrollasen en los Estados Unidos, quizás porque al salir de Bailarina en la oscuridad se me reprochó el hecho de haber realizado un film sobre un país que nunca había visitado. Me cuesta comprender esta crítica y pienso de todos modos que la verdadera motivación de esta cábala se encuentra más bien en la carga del film contra el sistema judicial americano. Me atrevo a pretender que conozco mejor América a través de las imágenes que ella misma envía a través de los medios de comunicación que el conocimiento que los propios americanos tenían de Marruecos cuando rodaron Casablanca. Ellos tampoco fueron nunca a Casablanca. Kafka escribió una novela muy interesante llamada América y él tampoco fue nunca a los Estados Unidos. Además, Dogville se sitúa en las Montañas Rocosas, un paisaje que para mí siempre ha

simbolizado a los Estados Unidos, un paisaje imponente, sembrado de profundos barrancos. ¿La forma de Dogville surgió en el mismo momento en que surgió la historia? No, escribiendo el guión la imaginaba como una película convencional, pero me pareció aburrida. Luego, un día, fui a pescar a Suecia, y de repente tuve la idea

de que se podría ver todo Dogville como encima de un mapa. La historia entera se desarrollaría sobre un mapa de geografía. Me fascina la coacción que puede ejercer la unidad de lugar. La dirección de Trevor Nunn de Nicholas Nickleby de Dickens con la Royal Shakespeare Company, una de mis grandes experiencias televisivas, también fue una fuente de inspiración. Mezclando planos de conjunto donde pueden verse a todos los actores en escena y primerísimos planos de Grace (Nicole Kidman) y de otros actores principales, se produce un suspense muy sugestivo. Deseaba que los actores adoptasen una interpretación completamente realista incluso si el decorado y los arreglos exteriores están lejos de serlo. Son como los dibujos de los niños. Cuando a un niño pequeño se le dan unos lápices de colores y se le pide que dibuje una casa, crea una casa con unos trazos muy simples. Nuestro decorado funciona del mismo modo, creamos una convención con el público que hace que éste acepte las condiciones. Si esa convención está suficientemente clara, creo que no existen límites a lo que puede realizarse, no tengo ninguna duda al respecto.

En Dogville, la acción está en gran parte guiada por la voz de un narrador, un poco en la línea de la vieja tradición de la novela inglesa. ¿Fue así desde el principio? Sí, estuvo ahí desde el comienzo. Como siempre, escribí el guión muy rápido. Es un guión considerable de casi 150 páginas, pero cuando se me ocurre una idea y comienzo a escribirla, las palabras se atropellan por entrar en el texto y el proceso de escritura es un asunto que se soluciona rápido. El rodaje fue extremadamente agotador. Dogville se rodó en apenas

seis semanas, lo cual es rápido, demasiado rápido. Fue un trabajo muy duro; me paseaba durante jornadas completas con esta puta cámara a mis espaldas. Sé que a determinados espectadores les molesta este estilo de dirección, siempre en movimiento. Sólo puedo defender esta técnica de un modo: pienso que es el mejor modo de filmar mis películas. ¿Qué opinan de todo esto las estrellas de Hollywood con las que ha adornado su película? No están habituadas a ello. No sé, habrán tenido todo tipo de pensamientos sobre mi modo de trabajar, pero creo que han estado bastante contentos a pesar de todo. De cualquier modo, sé que Nicole (Kidman) comprendió completamente de qué trataba este asunto. Le pedí cosas de una gran exigencia y las llevó a cabo de un modo muy sencillo; debió comprender que trabajar así tenía un sentido. ¿Cuándo pensó en ella para este proyecto? Desde un principio. Escribí el guión con la idea de que tendría el papel principal femenino. La había visto en Horizontes Lejanos de Ron Howard, que ciertamente no es una buena película, y había leído en una entrevista

que le gustaría trabajar conmigo. Entonces me dije: “OK, escribo una película para ella”. Hasta la fecha no nos habíamos encontrado nunca. Ignoraba que fuese tan grande. ¡Es magnífica! En su “trilogía corazón de oro”, hay mujeres que se sacrifican por un hombre, una idea, una misión. En Dogville, la perspectiva es diferente. Es cierto que Grace está dispuesta a sacrificarse, pero su respuesta será violenta. ¿Se ha cansado ya de mártires? Sí, he querido hacer una película sobre la venganza, y la venganza femenina es más divertida de tratar que la masculina. Es algo extraño, pero creo que las mujeres interpretan y expresan mejor esta parte de mí mismo, puede ser. Encuentro más fácilmente una excusa para mí mismo o mis pensamientos cuando la expreso a través de una mujer. Cuando lo expreso a través de un hombre, lo primero que se ve es brutalidad y crueldad.

Retrospectiva LARS VON TRIER Europa Bailarina en la oscuridad Dogville Anticristo Melancolía

1991 2000 2003 2009 2011

Películas del Programa Anticristo

(Lars Von Trier, 2009) P: Dinamarca Dur:104 min G: Lars von Trier F: Anthony Dod Mantle Con: Willem Dafoe, Charlotte Gainsbourg Cal: +15

Sinopsis: Un sicólogo ayuda a su mujer a superar la muerte de su hijo y decide llevarla a una cabaña perdida en un bosque, donde ella había pasado el último verano con el niño. Sin embargo, la terapia no funciona…

Bailarina en la oscuridad (Lars Von Trier, 2000) P: Dinamarca Dur: 140 min G: Lars von Trier F: Robby Müller Con: Björk, Catherine Deneuve Cal: +12

Sinopsis: Selma, inmigrante checa, trabaja en Estados Unidos. La vía de escape a su rutina es la música. Selma esconde un secreto: está perdiendo la vista, pero lo peor es que su hijo también quedará ciego, si no consigue el dinero para que se opere.

Chance

(Abner Benaim, 2009) P: Panamá Dur: 90 min G: Abner Benaim, Lino Georg von Saenger F: Mauricio Vidal Con: Francisco Gattorno Cal: +12

Sinopsis: Toña y Paquita, empleadas de una adinerada familia, les bastaron tres días para hacer un cambio que solo un sicoanalista hubiese logrado en un político, su “chic” esposa y las hijas adolescentes, que no se imaginan sin ir de shopping a Miami.

Cutie and the boxer

(Zachary Heinzerling, 2013) P: EEUU Dur: 81 min G: Z. Heinzerling F: Z. Heinzerling Con: Noriko Shinohara, Ushio Shinohara Cal: +12

Sinopsis:Esta historia de amor explora los caóticos 40 años de matrimonio del famoso pintor Ushio Shinohara y su esposa, Noriko. Ansiosa por dejar de lado su papel de asistente de su autoritario marido, Noriko busca una identidad propia.

Dogville

(Lars Von Trier, 2003) P: Dinamarca Dur: 177 min G: Lars von Trier F: Anthony Dod Mantle Con: N. Kidman, Paul Bettany Cal: +15

Sinopsis: Grace llega a Dogville huyendo de unos forajidos. Los vecinos la ocultan y, a cambio, trabaja para ellos. Sin embargo, cuando Dogville es sometido a presión para dar con la fugitiva, Grace aprende que en Dogville la bondad es algo relativo.

El artista y la modelo

(Fernando Trueba, 2012)

P: España Dur: 104 min G: Fernando Trueba, Jean Claude Carriere F: Daniel Vilar Con: Jean Rochefort Cal: +15.

Sinopsis: Verano del 43. En un lugar de la Francia ocupada, la llegada de una joven española que se ha fugado de un campo de refugiados, despierta en un viejo escultor los deseos de vivir y de esculpir su última obra.

El doble

(Richard Ayoade, 2013) P: Reino Unido Dur: 89 min G: R. Ayoade, A. Korine (Novela: F. Dostoievski)F: E. Wilson Con: Jesse Eisenberg Cal: +15

Sinopsis: Adaptación contemporánea de la novela de Dostoievski sobre un burócrata que empieza a perder la cabeza cuando un doble exacto a él aparece trabajando en su misma oficina y parece tener intenciones de suplantarle.

En un mundo mejor

(Susanne Bier, 2010)

P: Dinamarca Dur: 110 min G: Anders Thomas Jensen F: Morten Soborg Con: Mikael Persbrandt Cal: +15

Sinopsis: Anton es un médico que divide su tiempo entre una ciudad danesa y un campo de refugiados en África. Elías, el mayor de sus hijos, entabla una estrecha amistad con Christian, un chico que involucra a Elías en una peligrosa revancha.

Enter the void

(Gaspar Noé, 2009)

P: Francia Dur: 161 min G: Gaspar Noé F: Benoit Debie Con: Paz de la Huerta, Nathaniel Brown, Cyril Roy Cal: +15

Sinopsis: Oscar y su hermana viven en Tokio. Él trafica con drogas, ella trabaja en un club nocturno. Durante un forcejeo con la policía, Oscar muere. Pero fiel a la promesa de no abandonar a su hermana, rechaza abandonar el mundo de los vivos.

Europa

(Lars Von Trier, 1991) P: Dinamarca Dur:114 min G: Lars von Trier F: H. Bendtsen, Jean-Paul Meurisse Con: Jean-Marc Barr Cal: +16

Sinopsis: Leo Kessler, americano de origen alemán, se traslada a Alemania para trabajar en una compañía de ferrocarriles. Su trabajo le permitirá viajar, fascinado, por un país destruido por la guerra; pero también lo enfrentará a la barbarie nazi.

Knight of cups

(Terrence Malick, 2015) P: Estados Unidos Dur: 118 min G: Terrence Malick F: Emmanuel Lubezki Con: Christian Bale Cal: +15.

Sinopsis: Había una vez un joven príncipe cuyo padre, el rey de Oriente, lo envía a Egipto para encontrar una perla… Así empieza el relato que Rick escuchaba de su padre en la niñez. Ahora, adulto, el camino hacia Oriente se extiende ante Rick.

La caza

(Thomas Vinterberg, 2012) P: Dinamarca Dur: 111 min G: Thomas Vinterberg F: Charlotte Bruus Christensen Con: Mads Mikkelsen Cal: +18

Sinopsis: Tras un divorcio difícil, Lucas ha encontrado una nueva novia y trata de reconstruir su relación con Marcus, su hijo. Pero algo empieza a ir mal: un comentario inocente y una mentira insignificante se extienden como un virus.

La muchacha con el arete

de perla (Peter Webber, 2003)

P: Reino Unido Dur: 96 min G: Olivia Hetreed F: Eduardo Serra Con: Scarlett Johansson, Colin Firth Cal: +15

Sinopsis: Griet entra a servir en casa del pintor Johannes Vermeer. Al descubrir la sensibilidad de la joven para percibir la luz y el color, Vermeer la introduce poco a poco en el mundo de su pintura y Griet se convierte en la musa del artista.

La pantalla desnuda

(Florence Jaugey, 2014)

P: Nicaragua Dur: 90 min G: Florence Jaugey F: Frank Pineda Con: Paola Baldion, Salvador Espinoza Cal: +15

Sinopsis: Un joven y su novia se filman mientras hacen el amor. Al muchacho le roban el teléfono celular y al día siguiente el video se viraliza por toda la ciudad, destruyendo la relación.

Melancolía

(Lars Von Trier, 2011) P: Dinamarca Dur:136 min G: Lars von Trier F: Manuel A. Claro Con: K. Dunst, Charlotte Gainsbourg Cal: +15

Sinopsis: Justine y su prometido Michael celebran su boda con una suntuosa fiesta en la casa de su hermana y su cuñado. Mientras tanto, el planeta Melancolía se dirige hacia la Tierra.

Puro mula

(Enrique Pérez Him, 2011) P: Guatemala Dur: 89 min G: Ariel Escalante, E. Pérez F: A. Juárez Con: Domingo Lemus, J. Salguero Cal: +12

Sinopsis: Puro Mula narra la historia de Joel Fonseca, un joven adulto que por primera vez tendrá que encarar la responsabilidad que representa su sobrino.

Reconstruction

(Christoffer Boe, 2003) P: Dinamarca Dur: 89 min G: Christoffer Boe, Mogens Rukov F: Manuel Claro Con: Nikolaj Lie Kaas Cal: +15

Sinopsis: A primera vista es una historia de amor entre dos desconocidos en un andén del metro. Pero es mucho más que esto. Es una meditación sobre el amor y la suerte. La vida puede cambiar en una noche y obligarnos a una reconstrucción.

renoir

(Gilles Bourdos, 2012) P: Francia Dur: 101 min G: Gilles Bourdos F: Mark Ping Bing Lee Con: M. Bouquet, Romane Bohringer Cal: +15

Sinopsis: En el ocaso de su existencia, Auguste Renoir sufre por la pérdida de su esposa y por la noticia de que su hijo ha sido herido en la guerra. Sin embargo, cuando una joven entra en su mundo, el pintor se siente dueño de una nueva energía.

Shirley: visiones de una

realidad (Gustav Deutsch, 2013) P: Austria Dur: 92 min G: Gustav Deutsch F: Jerzy Palacz Con: Stephanie Cumming, C. Bach, F. Groll Cal: +15

Sinopsis: Shirley es una mujer atractiva, carismática, comprometida y emancipada que querría cambiar el curso de la historia, una mujer que no acepta la realidad de la época que le ha tocado vivir: América entre los años 30 y los 60.

Tangerine

(Sean Baker, 2015) P: Estados Unidos Dur: 88 min G: Sean Baker, Chris Bergoch F: Sean Baker, R.Cheung Con: Kitana Kiki Rodriguez Cal: +15

Sinopsis: En la víspera de Navidad, la prostituta trans género Sin-Dee Rella, quien acaba de cumplir una sentencia en prisión, se encuentra con su amiga Alexandra, que le informa que su novio Chester ha estado engañándola. Sin-Dee buscará la verdad.

Tempo

(Nicole Villalobos, 2015) P: Costa Rica Dur: 100 min G: Nicole Villalobos, Natasha Zúñiga F: Raúl Sánchez Con: OSN Cal: TP

Sinopsis: En este documental, las glorias y las tribulaciones de la Orquesta Sinfónica Nacional en 75 años de existencia, son examinadas en las voces de sus protagonistas.

The salvation

(Kristian Levring, 2014) P: Dinamarca Dur: 92 min G: Anders Thomas Jensen, Kristian Levring F: Jens Schlosser Con: Mads Mikkelsen Cal: +15

Sinopsis: Al matar al hombre que asesinó a toda su familia, John despierta la furia del cabecilla Delarue. El apacible pionero ya no cuenta con el apoyo de los habitantes cobardes y corruptos del pueblo. Tendrá que buscar al criminal por su cuenta.

Unos pocos con valor

(Douglas Martin, 2010)

P: Honduras Dur: 81 min F: Douglas Martin Con: Álvaro Matute, Óscar Izaguirre, Jenifer Sosa Cal: +12

Sinopsis: Inspirada en el libro Los Pájaros de Belén, de Mario Berrios, la trama de esta película sigue a un grupo de agentes especiales de las fuerzas policiales que vienen en contra de la banda más peligrosa de Honduras.

Valhalla Rising

(Nicolas Winding Refn, 2009) P: Dinamarca Dur:100 min G: Roy Jacobsen, Nicolas Winding F: Morten Søborg Con: Mads Mikkelsen Cal: +18

Sinopsis: Edad Media. Un enigmático guerrero que ha permanecido esclavizado, mata a su amo y escapa con la ayuda de un niño al que lleva consigo. Tras enrolarse en un barco vikingo, emprenden un viaje que los lleva a una tierra de dolor y de sangre.

Territorios Dinamarca contemporánea Sobre la película La caza Escrito por Israel de Francisco Tomado de la revista Miradas de cine, abril de 2013 (Fragmento)

¿Está asegurada en nuestros días la presunción de inocencia? Esta pregunta es la base y da sentido al relato con el que Thomas Vinterberg despliega en The hunt (La caza, 2012) un retrato universal: el del falso acusado, perseguido por la comunidad a la que pertenece. Muchos son los referentes que se pueden rastrear en los fotogramas de esta pequeña joya del actual cine danés, desde el indignante arrebato de Furia (Fritz Lang, 1936) hasta el te-

rrorífico relato alegórico contenido en La quinta estación (Peter Brosens y Jessica Woodworth, 2012), pasando por el clásico hitckcockiano de Falso culpable (1956). En definitiva, el grupo y su fuerza contra el individuo y su debilidad, donde el ímpetu de la sospecha prevalece sobre un frágil contrato social ante la psicosis de la comunidad. Es el caso de Lucas (Mads Mikkelsen), injustamente acusado de abusos sexuales por Klara

(Annika Wedderkopp), una niña que asiste a la guardería en la que él trabaja, a raíz de un pequeño desencuentro entre ambos que la pequeña magnifica en forma de rechazo hacia sus sentimientos. El hecho de que ella sea la hija de su mejor amigo Theo (Thomas Bo Larsen) precipitará a este hombre hacia un abismo de difamación, desprecio y atosigamiento, tanto por parte del conjunto de la colectividad como, sobre todo, por parte de su círculo de amistades, de los cuales pocos creerán en su inocencia. El guión de esta película —escrito a cuatro manos entre el propio Vinterberg y Tobias Lindholm— trasciende su argumento para establecer una reflexión sobre los difusos límites de la verdad, allí donde la fe —concepto alejado aquí de cualquier vinculación religiosa— condiciona la toma de decisiones, estableciendo la responsabilidad que en cada ámbito —laboral, social, familiar, etc.— debe tener cada individuo. Así, la mala praxis de un psicólogo infantil —el cual condiciona a la pequeña a través de preguntas dirigidas, interpretando sus silenciosas afirmaciones como una incuestionable confirmación de lo ocurrido— determina las precipitadas y erróneas decisiones de la imprudente directora de la guardería, quien inicia un proceso de alarma social a través del falso

mantra «los niños nunca mienten» —la misma teoría política inaugurada por Goebbles y su «una mentira repetida adecuadamente mil veces se convierte en una verdad»—, transformando a los espantados padres en bolas de nieve que provocan la avalancha que terminará sepultando al inocente Lucas. Así, los aterrados progenitores interpretarán los recuerdos inducidos de sus hijos en válidos argumentos, al tiempo que la negación de los mismos se traducirá como una forma de ocultar el trauma, decodificando la cotidianeidad —una simple pesadilla o un comportamiento fuera de lo normal— en válido argumento que haga verosímil la sospecha. El ciudadano Lucas no tendrá, por lo tanto, forma de demostrar su inocencia, encajonado entre el delirio general y la catarsis colectiva. Lucas acaba siendo observado como un miembro gangrenado al que la quirúrgica sociedad debe extirpar a través de la cirugía de la amputación para salvaguardar su pureza. Lo preventivo adquiere aquí el más siniestro de sus significados, al denunciar la hipocresía de los ritos sociales —el baño del que los amigos disfrutan en las gélidas aguas de un río; la ceremonia navideña en la congregación religiosa; la fiesta de iniciación del hijo de Lucas, Marcus (Lasse Fogelstrøm), quien recibe

el dramático regalo del rifle de caza familiar—, donde el perdón y la integración son meros elementos decorativos, sin el peso específico que su valor requiere. Al final del relato, abandonamos a estos personajes con la sensación de que algo oscuro mora en la intimidad de sus hogares. La elección de Thomas Bo Larsen para interpretar al padre de Klara no es gratuita en este aspecto, pues la sombra del personaje traumatizado por los abusos sexuales infantiles en Celebración (1998) le sigue acompañando en su figura. Si es cierto aquello de que los hijos reproducen el comportamiento de sus padres, la forma en el que en un momento determinado la niña observa a su padre —desde un punto de vista muy bajo, en un contrapicado que acentúa su oscura silueta adentrándose en la penumbra, avanzando hacia ella de forma amenazante— indica que algo más siniestro de lo se nos ha ofrecido habita en el seno familiar. Secretos inconfesables que podrían haber salido a la luz de la misma manera que habían encontrado al perfecto cabeza de turco para desviar la atención. La última acción sobre Lucas, confiado y aparentemente integrado un año después de su tormento, sorprende y extraña, tanto a él como a nosotros mismos. Pero de su suspenso, producto

de su anonimato, deviene la idea de que las relaciones entre él y la comunidad a la que pertenece nunca volverán a ser las mismas, pues la conciliación social es a veces tan sólo una utopía.

Territorios Dinamarca Contemporánea Reconstruction

2003

Valhalla Rising En un mundo mejor La caza

2009 2010 2012

The Salvation

2014

Centroamérica y el Caribe Un paso adelante en el cine panameño (Fragmento), a propósito de la película Chance

Escrito por Enrique Kirchman Tomado de la Revista Encadenados de octubre de 2010

Panamá es uno de los varios países latinoamericanos que no ha desarrollado una cultura cinematográfica. Desde 1903, cuando se convirtió en república con su independencia de la Gran Colombia, los intentos por hacer cine fueron muy pocos y sin resonancia nacional, ni mucho menos internacional. Muchos cineastas nacionales independientes, haciendo uso de los escasos recursos tecnológicos y económicos que brinda el país, pudieron finiquitar obras audiovisuales que no trascendieron ni captaron la atención de un público fielmente

arraigado a la cultura hollywoodense. Y es que para cautivar a un espectador que ha estado sometido al modus vivendi de la cultura yankee por más de un siglo, se requiere de un análisis minucioso y exhaustivo de la actualidad de la sociedad panameña y cómo se puede contribuir, desde el arte cinematográfico, con dicha sociedad. De esta manera, el panameño Abner Benaim, fundador de Apertura Films, logró sintetizar en su obra más reciente algunos de los aspectos más característicos de

la cultura panameña, recorriendo todos los estratos sociales, desde las clases bajas hasta las más altas. Chance, protagonizada por las actrices colombianas Isabella Santo Domingo y Aida Morales, junto con el cubano Francisco Gattorno y la debutante panameña Rosa Lorenzo, fue basada en una historia de la vida real ocurrida en Brasil, cuya situación no fue tan divertida como en la película, por lo que Benaim decidió cambiarle algunos aspectos del género para hacerla apta para todo público, conduciendo a los espectadores, a través del humor, a crear conciencia con respecto a nuestro trato con personas de distintos ámbitos sociales. Para una primera aproximación al público panameño, después de años de no estrenar una película nacional, (recordemos que en el 2001, Joaquín Carrasquilla estrenó La noche), la mejor elección para crear ese vínculo con el espectador fue el género comedia. Panamá es igual a diversión. Si los haces reír, te ganas la admiración de los panameños. No en vano el programa televisivo La cáscara tiene tanto éxito, convirtiéndose, prácticamente, en el Saturday Night Live panameño. Si sumado al humor, resaltas la cultura panameña, tienes la combinación perfecta. Benaim optó por rasgos culturales más generales y definitivamente más cómicos: los típicos hindúes

dueños de todos los locales de compra y venta de automóviles, el asiático dueño de una casa de empeño, el pavo (acompañante de los conductores de autobuses) de los buses que no escatima en piropos, los bien cuidao (cuidadores de autos en las calles), el travestido fashion, la empleada doméstica adicta a las telenovelas, el político que habla como si siempre estuviese haciendo campaña o la mujer nacida en cuna de oro que no tiene idea de qué hacen sus hijos mientras ella se relaja en los clubes sociales más exclusivos del país.

Al igual que el resto de Latinoamérica, la televisión panameña está plagada de telenovelas; siendo México y Colombia sus principales creadores. La falta de programas creativos, originales y

nacionales da cabida a un sin número de telenovelas diarias que hipnotizan principalmente a las clases media y baja. Chance hace alusión a esta costumbre que en un principio era propia de las empleadas domésticas y amas de casa. Público estereotipado por las soap operas o telenovelas de Estados Unidos que fueron hechas exclusivamente para mujeres; de allí el término soap que significa jabón y alude a que las publicidades transmitidas durante las telenovelas eran todas de jabones de lavar ropa, precisamente porque su target era la mujer. En la película, Benaim mantiene la costumbre de las empleadas domésticas adictas a las telenovelas, hasta el punto de descuidar sus quehaceres por verlas. Se hacen constantes referencias al efecto del star system televisivo en la vida de estas mujeres de clase baja y sin educación que aspiran a encontrar galanes parecidos a los de su telenovela favorita. Lo cierto es que las continuas referencias a la telenovela en la película no son gratuitas ni casuales. En mi opinión, hay todo un reto que Benaim le hace a la televisión panameña. Una manera de decirle al espectador y a los realizadores que giren su mirada al cine nacional. Que dejen de

consumir la misma basura televisiva extranjera que han consumido por décadas y se aventuren a ver algo distinto, original y panameño.

CentroAmérica y el Caribe Chance Unos pocos con valor Puro mula La pantalla desnuda Tempo

2010 2011 2014 2014 2014

De Festivales Erótica y liturgia, a propósito de la película Knight of cups

Escrito por Carlota Moseguí Tomado de la Revista EAM de junio de 2015

El 16 de mayo de 2011 fue la fecha categórica que cambió el cine de Terrence Malick para siempre. El escándalo originado durante la presentación de El árbol de la vida (2011) en el Festival de Cannes, y su consiguiente triunfo de la Palma de Oro, abrazaron el advenimiento de su metamorfosis cinematográfica. A partir de ese momento, los largometrajes del realizador estadounidense nunca volvieron a ser como antaño. Atrás quedaron los nostálgicos dramas de época al estilo de Malas tierras (1973) o Días del cielo (1978), la exaltación pacifista de La delgada línea roja

(1998) y la épica romántica de El nuevo mundo (2005). Con El árbol de la vida, Malick inaugura una trilogía metafísica sobre la vida humana, en la que predomina la idea de su nimiedad ante Dios y el estudio de las pautas de comportamiento que el buen cristiano debe seguir para no desviarse de su recto camino. Si en el primer filme de la tríada el autor resume el significado de la vida a partir de la representación del devenir de la familia de Sean Penn; To the wonder (2012) desarrolla una disertación sobre

el amor como matriz inherente al hombre. En cuanto a la tercera película del tríptico, Knight of Cups (2015), es una síntesis conceptual de las ideas principales de las dos obras comentadas.

Knight of Cups está dividida en ocho episodios que llevan por título ocho de las nueve cartas del tarot citadas, a excepción del Caballero de Copas. El filme da comienzo con la lunática y promiscua Imogen Poots, siempre ataviada con una peluca rosa en sus citas con el protagonista. Rick (Christian Bale) es un millonario que vive en un lujoso apartamento en Santa Mónica y pertenece a la industria de Hollywood. Sin especificar en qué sector trabaja, el hipotético guionista, actor, director o productor

ingresa grandes sumas de dinero que incrementan su adicción al éxito y a las mujeres. Rick ha alcanzado la fama deseada por todos los mortales pero, igual que las celebrities de Maps to the stars (2014), no consigue ser feliz. La primera pareja de Rick es abandonada por éste porque, según anuncia la voz en off de la chica, Rick no quiere amar, sino perpetuar la acción de recolectar cuantas más experiencias posibles. Este patrón psicológico que fuerza al personaje de Christian Bale a renunciar la monotonía y estabilidad que le aportan todas las mujeres que va conocido es un síntoma del vacío provocado por su errónea forma de amar. Por otro lado, aunque la presencia femenina sea superior a la masculina en el elenco de actores secundarios, debemos señalar que Knight of Cups no es un drama romántico como To the wonder. Los únicos dos episodios que rozan la categoría melodramática corresponden al divorcio de Rick con Cate Blanchett y al aborto secreto de Natalie Portman. El resto de capítulos conciernen a la puesta en escena de la malversación avara y libidinosa de los privilegiados; noción que de forma metafórica es encarnada por el personaje de Antonio Banderas, el anfitrión de las lujosas fiestas. En este sentido, no resulta improcedente que decenas de modelos

de una belleza indescriptible se paseen en bikini sobre vertiginosos zapatos de Jimmy Choo o regalando desnudos frontales a la cámara. El nuevo y arriesgado experimento de Terrence Malick aspira encontrar la mística en la dimensión más terrenal del ser humano. Por otro lado, esa interpretación caótica y fragmentaria del mundo, siempre ligada al deseo de amar, que los críticos más venturosos de la Berlinale compararon con 2046 (2004) de Wong KarWai, paralelamente se convirtió en la coyuntura de los detractores para destrozar el largometraje. En otras palabras, la saturación que crea un visionado incoherente, repleto de crípticas imágenes plagadas de metáforas que en cuestión de segundos saltan de los 35 milímetros, a los 65 o al digital, requiere una concentración extrema para el público; un ejercicio difícil de mantener durante las dos horas de metraje. En este sentido, la experiencia que ofrece el visionado de Knight of Cups es muy similar a la de The forbidden room (2015). El último trabajo de Guy Maddin, en colaboración con Evan Johnson, comparte con el filme de Terrence Malick esa voluntad de convertir una pieza cinematográfica en la célebre corriente literaria del flujo de conciencia. Sin embargo, la

diferencia fundamental entre ambos largometrajes es el método a través del cual desarrollan el stream-of-consciusness. Mientras Maddin y Johnson alcanzan una saciedad visual, tan sugestiva y como fascinante, mediante un orden esquizofrénico que se articula a partir del concepto de multiplicidad, Malick no dispone de ecuaciones matemáticas porque su mayor deseo es perderse en el caos pasional del ser humano. Una vez más, el autor persiste en el lenguaje cinematográfico que él mismo ha creado gracias al propio eros litúrgico con el que percibe el acto de existir.

De Festivales Enter the void El doble

2009 2013

Tangerine Knight of cups

2015 2014

Programaci贸n Marzo J3

4 p.m 7 p.m

Enter the void

J10

Knight of Cups (CC)

V11

4 p.m 7 p.m

La caza (CC)

Shirley: visiones de una realidad

Chance

La muchacha con el arete de perla

S12

D13

La pantalla desnuda

Anticristo

Tempo

El artista y la modelo (CC)

El doble

J17

V18

S19

D20

Cutie and the boxer

Tangerine (CC)

Reconstruction

Renoir

Melancol铆a (CC)

The salvation

J31

Valhalla Rising (CC)

Europa (CC)

Renoir

Chance

4 p.m 7 p.m

En un mundo mejor (CC)

4 p.m 7 p.m

Dogville

Enter the void

CC: Funci贸n con cineforo.

CI: Funci贸n con invitado internacional.

Programaci贸n Abril J7

D10

Puro mula (CC)

Melancol铆a

Cutie and the boxer (CC)

Tangerine

Unos pocos con valor

V15

S16

D17

El doble

Tempo (CC)

4 p.m 7 p.m

Bailarina en la oscuridad

J14 4 p.m 7 p.m

Reconstruction (CC)

Knight of cups

En un mundo mejor

La muchacha con el arete de perla

J21

V22

S23

D24

4 p.m 7 p.m

Europa La caza

Anticristo (CC)

Unos pocos con valor

Valhalla Rising

J28

V29

S30

The salvation (CC)

arete de perla (CC)

4 p.m 7 p.m

Dogville

CC: Funci贸n con cineforo.

El artista y la modelo

CI: Funci贸n con invitado internacional.

Shirley: visiones de

una realidad (CC)

Bailarina en la oscuridad

La muchacha con el

Puro mula

El Centro de Cine y la Sala Gómez Miralles

Centro de cine

AVENIDA 9 MINISTERIO DE RELACIONES EXTERIORES

INS

CASA AMARILLA AVENIDA 7

PARQUE ESPAÑA

CENAC

A pesar de la proliferación de parqueos y edificios de cajón en San José, el Centro Costarricense de Producción Cinematográfica se levanta en la cima del Barrio Amón, uno de los sectores arquitectónicos más bellos de la capital. En esta vetusta residencia de estilo victoriano, sede de la Legación Norteamericana en 1920, de la Junta Fundadora de la Segunda República en 1948, zarpó en 1973 la navegación de un sueño: la producción de cine en Costa Rica. Del primer impulso nació un cine documental directo y contestatario. No obstante, tras cada estreno del Dar voz a quien no la tiene, no se vislumbraba otro puerto que los estantes de la filmoteca. Había que respaldar el afán de hacer con la misión de mostrar. Por eso, se inauguró en la década de los 90 la Sala Manuel Gómez Miralles, en honor al pionero de la fotografía y del cine documental. Hoy, la Gómez Miralles es sala oscura, butaca fértil y espacio del Proyecto Preámbulo, carta de navegación y estrategia institucional hacia la Nueva Cinemateca Nacional. Cine para mirar y disfrutar; para pensar y educar; cine para trascender.

PREÁMBULO HACIA UNA CINEMATECA NACIONAL DE COSTA RICA No.5

/PREÁMBULO @PREÁMBULOCR Tel: (506) 2542-5200