ARTE - DISEﾃ前 - FOTOGRAFIA 1
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Somos una revista que mezcla las nuevas tendencias sobre el arte, la fotografía y la ilustración. Queremos actualizarnos y conocer nuevos artistas y genios emergentes en este ambiente. Búscanos en las redes sociales, mientras más personas veamos arte ,más creativo haremos este mundo.
INDICE
erik jones
matias costa
alvaro cortega
inti castro
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ERIK Hoy queremos acercaros la obra del artista Erik Jones un joven pintor que destaca por trabajar a la vieja usanza, sin ordenadores ni aplicaciones súper innovadores. Él solo utiliza el lienzo como soporte de trabajo De momento no tiene exposiciones confirmadas pero a través de su web puedes contactar con el artista y comprar originales de sus obras.
El artista nació en 1982 en la comunidad de St Pettersburgo, Florida. Es un artista totalmente multifacético, trabaja la pintura mezclado lo figurativo con la geometría, los pasteles con el flúor y la pintura con la ilustración. Mirar su obra es como sumergirse en un cuadro de infinitos guiños. Su trabajo indaga en diferentes estilos. Dentro de ellos, lo más destacados son el surrealismo, el arte abstracto y la pintura figurativa
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JONES Los colores y patrones geométricos y la belleza de los rostros femeninos, son el sello personal que intenta darle a cada una de sus piezas, consiguiendo un efecto que podría confundirse con la moda y lo fashion, sin embargo,el prolífico acabado de los retratos que esconde la geometría le dan una elegancia y prestancia absoluta. Es ilustrador y artista contemporáneo, reside en Brooklyn (NY) y trabaja con collage, dibujo, pintura y digital.
En un primer plano, su obra es una crítica a las modas que se siguen en el arte actual usando en exceso figuras geométricas y una paleta de colores muy amplia. Sin embargo, yuxtapone elementos para crear una obra distinta, innovando de forma creativa y fluida. Para pintar usa muchas técnicas distintas, desde lápiz de grafito y pinturas pastel, hasta pinturas acrílicas y acuarelas.
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matĂas costa la soledad, la memoria, la pĂŠrdida y la bĂşsqueda
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Matías Costa asume un trabajo creativo que pone en riesgo su cuerpo emocional, la coherencia, la continuidad, el discurso de la identidad propia. Es precisamente en la pérdida de nortes, en lo incierto, donde encuentra un agujero de salida para sus trabajos: especies de estudios de campo de realidades dadas en la dificultad, el vacío o el infortunio. Costa no ha sabido salir de estas circunstancias hasta tocar los bordes de la confusión. Se lleva a sí mismo al extremo de verse cáHACER
FOTOGRAFÍAS
ES
EN
CIERTO MODO COMO DIBUJAR UN MAPA. UNO COMIENZA UNA BÚSQUEDA DE FORMA IMPRECISA, SIGUIENDO UNA INTUICIÓN.
mara en mano sin saber a qué, cuándo, cómo y porqué disparar. En tal descarrío surgen los contenidos atmosféricos, las sugerencias, los silencios concretos de sus fotografías. Se trata –tal vez– de respirar el aire más denso, penumbroso o retirado, de los contextos que investiga. Y capturarlo.
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M A PA
EFÍMERO,
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S O L O U S O . H AY Q U E C O N ST R U I R U N O N U E V O PA R A C A DA V I A J E , I N C LU S O S I V O LV E M O S A L M I S M O LU G A R .
Matías Costa asume un trabajo creativo que pone en riesgo su cuerpo emocional, la coherencia, la continuidad, el discurso de la identidad propia. Es precisamente en la pérdida de nortes, en lo incierto, donde encuentra un agujero de salida para sus trabajos: especies de estudios de campo de realidades dadas en la dificultad, el vacío o el infortunio. Costa no ha sabido salir de estas circunstancias hasta tocar los bordes de la confusión. Se lleva a sí mismo al extremo de verse cámara en mano sin saber a qué, cuándo, cómo y porqué disparar. En tal descarrío surgen los contenidos atmosféricos, las sugerencias, los silencios concretos de sus fotografías. Se trata –tal vez– de respirar el aire más denso,
penumbroso o retirado, de los contextos que investiga. Y capturarlo. Parece existir en este fotógrafo la necesidad de alcanzar un punto cero para remontar el lomo de sus temas. A saber: el desarraigo, la trashumancia cultural, las migraciones actuales o del pasado reciente, la imposibilidad de un destino definitivo o de una pertenencia inequívoca, la identidad erigida sobre lo fragmentario y disperso, las readaptaciones, la pérdida, la fragilidad de todo lo alcanzado, la extrañeza, la memoria, la vida y la muerte, el no futuro.
Es quizá ese uno de los mayores argumentos de sus imágenes. Los ojos que las contemplan desconocen esos lugares puntuales o esos personajes que los habitan o transitan, pero los descubren de algún modo entrañables. E x p l o ra l a m e m o r i a , l a pérdida y la búsqueda de identidad
Sus fotografías inéditas son reconocidas por coincidir con la materia de los recuerdos y las impresiones.
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El chileno que partió pintando murallas a los 14 años en Valparaíso, a espaldas de la policía, Hoy uno de los referentes del street art mundial. Con 15 años de trayectoria, el artista acumula murales en Europa, Asia y América Latina. El 18 de diciembre se lanza el primer libro recopilatorio de su obra en el GAM.
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Inti Castro tenía 14 años y, como todo grafitero, se apropiaba de murallas ajenas para pintarlas de noche, a escondidas de la policía. Intuía que lo suyo era ilegal y peligroso, pero se equivocaba. “Una vez arrancamos toda la noche para pintar una muralla y al otro día descubrimos que al dueño de casa le había encantado. En Valparaíso, a la gente le gusta ver los muros llenos de colores. Hay cultura de grafiti y hasta los ‘pacos’ identifican de quién es cada mural”, dice el artista, quien a los 30 años está convertido en uno de los máximos referentes del street art local.
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Porteño de nacimiento, Inti pasó por la Escuela de Bellas Artes de Viña del Mar, pero nunca dejó el arte callejero. A partir de 2009, su trabajo en el grafiti se intensificó y traspasó fronteras, al realizar sus primeros murales públicos en Suecia, Noruega, Perú y Bolivia. Fue este último viaje el que definió para siempre su estética. Hasta ese momento, los personajes de Inti eran especies de alienígenas blancos, de cabezas pequeñas y manos enormes, envueltos en cintas de colores. Tras el viaje, los íconos latinoamericanos habitaron sus dibujos.
“En el Carnaval de Oruro, los bailarines hacen sus trajes con muy poco. Me marcó esa riqueza creativa y me encanté con los personajes. Me apropié del kusillo, un bufón altiplánico que he ido transformando hasta hacerlo mío. Mi pintura refleja lo que es Latinoamérica, donde el sincretismo es clave, la mezcla de la cultura española con la precolombina es potente”, dice el artista, quien partió tomando como referentes de su pintura a la Brigada Ramona Parra, al colectivo DVE Crew y a los portugueses Os Gemeos. Desde entonces, el kusillo se hizo presente en todas sus obras. Inti lo cubre con prendas de diseños mapuches o mayas, y como a un equeco lo carga de sueños: le cuelga un collar de pimientos, choclos, calaveras y algunos instrumentos musicales.
Hace dos años, Inti Castro (1982) pintó su mural más grande: en una muralla de 47 metros de largo, de una torre de departamentos en el centro de París, el grafitero chileno plasmó la imagen de un niño gigante que juega con la marioneta de un obrero, que a su vez maneja otra, la de un hombre vestido de traje. Quería hablar de una utopía social, donde el débil se sobrepone y termina controlando al más fuerte. Desde entonces, el artista ha pintado más de 70 murales en varios países del mundo, claro que ninguno de esas dimensiones: “El de París fue muchísimo trabajo, con grandes complejidades. Con el tiempo he encontrado mi tamaño ideal, de máximo 20, 25 metros de largo, en el que me siento más a gusto y donde el impacto es el mismo”, dice Inti, quien acaba de pintar su último mural hace unas semanas en Cali, Colombia.
La fórmula para dejar estampado su arte en las calles del mundo funciona casi siempre igual. Inti es invitado a festivales internacionales de street art, que hoy proliferan y que buscan repletar zonas urbanas de murales. Este año fue invitado al Urban Forms de Polonia y al Urban Samtidskunst de Noruega, para intervenir muros en las ciudades de Lodz y Oslo. En la primera pintó una especie de santo guerrero, con un cinturón de balas, y en la segunda un kusillo agricultor con una pala al hombro. Ambos de 18 metros de alto.
Hubo una época en que los grafitis de Inti pertenecían a la gran diversidad de rayados que acumula la ciudad de Valparaíso. A los 14 años, corría como cualquiera de sus amigos, a hurtadillas de la policía, para dejar su estampa en las calles. En esa época, más que una motivación social o artística, lo que movía a Inti era el sentido de pertenencia: estar en la pandilla incluía el riesgo y la emoción de ver sus nombres plasmados en las paredes de su barrio. “Veníamos del mundo del hip hop y buscábamos siempre apropiarnos del espacio público. Sentíamos respeto por las personas que lograban dejar sus nombres en las murallas y nosotros también queríamos ver los nuestros allí. Más que comunicar algo al transeúnte, tenía que ver con la amistad, con la gente que estaba metida en el ambiente, con unos códigos y estéticas que no cualquiera podía descifrar”
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“ R a ya r n u n c a e s t u vo permitido”
“Creo que no vale la pena colocarle nombre a lo que estoy haciendo. Entonces de ahí a decirte que el graffitero de hoy en día está siendo aceptado o no, tendría que decirte que yo soy graffitero y no lo podría afirmar, porque no sé lo que estoy haciendo, sólo sé que estoy pintando en la calle, que intento hacer algo novedoso, que intento continuar con mi trabajo y hacerlo evolucionar, sin saber muy bien todavía hacia donde va. Lo único que sé es que si le coloco un nombre voy a limitarme en las posibilidades de que ese trabajo pueda realmente evolucionar, y si lo dejo sin nombre, sin saber lo que estoy haciendo, las posibilidades son infinitas. Entonces, yo no sé si lo que estoy haciendo es graffiti o no. De que hay toda una nueva generación que ha logrado profesionalizar su trabajo y si eso sigue siendo graffiti o no, no lo sé” “Las personas están empezando a entenderlo de otra forma, se están dando cuenta de que esta especie de invasión del espacio público no es con malas intenciones, sino que la mayoría de las veces es constructivo, que es positivo también ver la realidad de los otros plasmada en la calle y que se genere una interacción que no necesariamente es invasiva”.
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ALVARO CORTEGA ganador del afiche oficial de Lollapalooza Chile
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Nos puedes contar quien eres, tu formación y a que te dedicas actualmente? AA: Soy Álvaro Arteaga, Diseñador Gráfico de profesión, Ilustrador por opción y feliz docente de la Escuela de Diseño de la Universidad Diego Portales en Santiago de Chile. Qué aspectos de tu trabajo son los que más te apasionan? AA: Por un lado, el entender que cualquier proceso creativo tiene que ver no con estar esperando que las “inspiración” lleguen a tu lado, sino que tiene que ver con entender una metodología de como las ideas nacen a partir de la investigación de referentes y de cómo a partir del estudio de estos van creándose nuevas relaciones que dan cabida a lo que podemos llamar una “nueva creación”. Por otro lado, y tiene que ver con ser docente , en donde uno puede ir haciendo descubrir a los alumnos que no hay que tener miedo a equivocarse, que con un claro proceso el ejercicio del diseño se transforma en una disciplina y que el encontrar la motivación en lo que uno hace a diario puede llevar a hacerte profundamente feliz.
respecto de que tan chileno hubiera tenido que ser el afiche ya que generó mucha discusión en redes sociales. Mi decisión fue mostrar la pasión por la música a través del personaje tatuado, en donde lo central es un oído que se corona como el rey de este espectáculo. Decidí no aportar de elementos notoriamente chilenos o folclóricos ya que en mi opinión debía centrarse en este desembarco de artistas internacionales, más que un festival de música chilena. Creo que hay que tener bastante cuidado en no confundir el gusto personal con un discurso muchas veces descalificador hacia aquellas piezas que no cumplían con los requisitos de cada uno de los espectadores.
Qué significó ser el ganador del afiche oficial de Lollapalooza Chile 2014? AA: En lo personal es un orgullo tremendo, ya que ver tu pieza impresa, disfrutada y compartida por cientos o miles de personas es una sensación muy gratificante. En lo profesional significa haber dado un paso en el escalón profesional, ya que la vitrina que Lollapalooza proporciona es de un alto nivel y de una gran llegada a muchos tipos de público. En que te inspiraste para diseñar el afiche de Lollapalooza? AA: En primer lugar el concepto es el amor por la música y su relación con el Rock como decía el nombre del concurso “Del Rock al Arte”. La música es una disciplina que me apasiona y me motiva día a día (escucho música todo el día). Me inspiró el trabajo realizado por los afichistas de los años 60 en el espacio de los conciertos musicales, tanto la forma de abordar el formato, como de tratar de mostrar la información de texto de una forma no tradicional o realizada a través del computador. Me gustaría abordar
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AFICHE GANADOR
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Qué o quién ha sido la influencia más importante para tu trabajo como ilustrador? AA: Sin duda Robert Crumb, Gustave Doré, Al Hirschfeld y Quino Nos puedes contar qué te motivo para convertirte en ilustrador? AA: Allá por el año 2007 descubrí a partir de una plataforma de ilustración para camisetas que podía formalizar, profesionalizar y hacer de la ilustración un medio para poder vivir. Qué requisito debe tener un determinado tema para ser de tu interés? AA: Por sobre todo el que me motive, el que me haga perder la noción del tiempo, en que me pueda pasar horas sumergido sin que me de cuenta. A tu juicio, que convierte una ilustración en una gran ilustración? AA: La ilustración en primera instancia es un arte gráfico por lo que debe respetarse y entenderse como tal. Como dijo Eric Gill, la ilustración debe Ilustrar, clarificar e iluminar el texto (o mensaje). Una buena pieza de ilustración no conoce fronteras, transmite los conceptos de forma no subjetiva y logra captar no sólo la atención del lector visual, sino que también crea unas ganas de éste por adentrarse a cabalidad en el texto o idea que es presentada de forma subyacente. Cómo describirías tu estilo? AA: Creo que respeta y reconoce todos los pasos que serán necesarios para lograr una pieza gráfica. Quiero decir que si debo realizar una ilustración o pieza de diseño gráfico puedo reconocer todos los engranajes que será necesario abordar para lograr finalizarla de forma satisfactoria. En lo formal reconozco un amor por el detalle y el sentir una alegría muy potente mientras trabajo y una vez que veo lo que fui capaz de mejorar a través de reconocer los errores propios.
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TRABAJO 2 : REVISTA RAMO: PUBLICACIONES DIGITALES INTEGRANTES : DANIELA BARRAZA - SEBASTIAN ESPINOZA Este es un proyecto academico de Duoc UC, donde realizamos una revista. Nosotros somos una revista que mezcla las nuevas tendencias sobre el arte, la fotografía y la ilustración. Queremos actualizarnos y conocer nuevos artistas y genios emergentes en este ambiente. Búscanos en las redes sociales, mientras más personas veamos arte ,más creativo haremos este mundo.