PLATFORM ARCHITECTURE AND DESIGN #27 ITALY 2020 by PLATFORM NETWORK NEWSSTAND

ITALY 2020

BEST ITALIAN ARCHITECTS AND DESIGNERS UNDER 40

Numero 27 - Anno VI - 2020 - Publicomm Srl - Milano - Italy 10 € - A 16 € - B 15 € - D 19 € - F 16 € - UK 12 £ - P 14 € - E 14 € - CH 15 Chf - ISSN 2420-9090

5 8 15

ITALY 2020 EDITORIAL

Luca Molinari

Αα - ALPHURA. THE ARCHITECTURE OF A DENIED FUTURE Maria GELVI

NEW PARADIGM UNDER CONSTRUCTION. PLEASE PARDON THE MESS

Federica RASENTI

18 22

FRAGMENTS OF ITALIAN DESIGN AND NEW HYBRIDS

Violetta BARBA

ANTE LITTERAM. AN UNEXPECTED CONDITION, A POSSIBLE FUTURE

Lorenzo GIORDANO

ITALY 2020

BEST ITALIAN ARCHITECTS AND DESIGNERS UNDER 40 KEYWORD

126

AVVENIRE

Marco Filoni CINEMA

128

BLACK FAIRY TALES

Simone MOLINARI - Francesca PINTON - Francesco ZANATTA

130

PRINTED Luca Galofaro ITALIAN EXCELLENCE

134 BOLOGNA VILLAS IN PARCO GHIGI ART

142

EXHIBITION REVIEW

Cristina Bigliatti

INTERNATIONAL FOCUS

146

3,000 YEARS OF THE WORLD’S HISTORICAL CAPITAL, THE BUILDING RADIATES THE VITALITY OF BREATHING

150 154

BACKSTAGE

LIGHT OF MADE IN ITALY

Cristina Bigliatti

HIGHLIGHTS

MATER FAMILIAS DAY BED

157

CONTENTS

PRODUCTS

LET’S GO OUTSIDE

Cristina Bigliatti

8 15

18 66 22 134 146

150 154

CONTENTS

128

Italian Smart Working Fix is a light and recyclable modular system designed for home and workplaces. Its space-saving structure ensures a wide working and storaging surface.

www.estel.com

PROJECT

Ph. ©Gökhan Pola

These have been difficult months from which we all come out marked from North to South, in different but equally radical ways. No one can predict what we have in front of us, but we know with certainty that these will be difficult times for the Italian economy and society in which the gap between those who are safe and those who are fragile, wealth and poverty, will widen even further, as well as for the younger generations, who are trying to enter into the life of our country. For this reason, we have decided to dedicate the core of this issue of Platform to a selection of 50 architecture and design studios, all rigorously under 40, putting them at the centre without any rhetoric. There is a well-known Italian architecture historian who recently, from the pages of his blog, said in a provocative way that nothing will remain of the work of the generation between 40 and 50 years old. A little for the impalpability of their action and perhaps but, above all, for the real lack of concrete and important occasions in which to express themselves. Instead Platform has decided to listen, study and search, asking advice to many younger colleagues who have generously indicated us authors, links, sites that reveal an interesting world to tell. Not only that, in addition to publish the works and words of 50 studies, we decided that also the critical writings were produced by authors of the same generation, so that this issue of Platform became a real, imperfect, manifesto of a world that deserves attention and space to tell its own story, consistently following the philosophy that guides our magazine. What emerges are realities of fierce and loving research in places that ask for new visions without necessarily being shouted, that mix disciplines, materials, economies and knowledge to find new paths suitable for a time of profound metamorphosis. It is now useless to separate architecture, design, landscape, image, writing, science and technology but, rather, to look at them as areas of our life and knowledge that must mix in an authentic and courageous way. This issue is our tribute to Italy and to a different time in which we must have the courage to invest in those who have so much to say and do, so that the world we will inhabit will be different from the one we left behind us.

ITALY 2020

#BEST ITALIAN 2020 Sono stati mesi difficili da cui usciamo tutti segnati da Nord a Sud, in maniera differente ma ugualmente radicale. Quello che abbiamo davanti nessuno lo può prevedere, ma sappiamo con certezza che saranno tempi duri per le economie e la società italiana in cui rischia di allargarsi ancora di più la forbice tra chi è al sicuro e chi è fragile, ricchezza e povertà, oltre che per le generazioni più giovani che stanno provando a entrare nella vita del nostro Paese. Per questa ragione abbiamo deciso di dedicare il cuore di questo numero di Platform a una selezione di 50 studi di architettura e design tutti rigorosamente under 40, mettendoli al centro senza alcuna retorica. C’è un noto storico dell’architettura italiano che recentemente, dalle pagine del suo blog, ha detto in maniera provocatoria che non rimarrà nulla del lavoro della generazione tra i 40 e i 50 anni. Un po’ per impalpabilità della loro azione e forse ma, soprattutto, per la mancanza reale di occasioni concrete e importanti in cui esprimersi. Invece Platform ha deciso di ascoltare, studiare e cercare, chiedendo consiglio a tanti colleghi più giovani che ci hanno generosamente indicato autori, link, siti che rivelano un mondo interessante da raccontare. Non solo, oltre a pubblicare i lavori e le parole di 50 studi abbiamo deciso che anche gli scritti critici fossero prodotti da autrici e autori della stessa generazione, in maniera tale che questo numero di Platform diventasse un vero manifesto imperfetto di un mondo che merita attenzione e spazio per raccontarsi in autonomia, seguendo coerentemente la filosofia che guida la nostra rivista. Quello che emerge sono realtà di ricerca accanita e amorosa in luoghi che chiedono visioni inedite senza che vengano necessariamente urlate, che mescolano discipline, materie, economie e saperi per individuare strade inedite e adatte a un tempo di profonda metamorfosi. È inutile ormai separare architettura, design, paesaggio, immagine, scrittura, scienza e tecnica ma, piuttosto, guardarle come aree della nostra vita e conoscenza che devono mescolarsi in maniera autentica e coraggiosa. Questo numero è il nostro omaggio all’Italia e a un tempo diverso in cui avere il coraggio d’investire in chi ha tantissimo da dire e fare, perché il mondo che abiteremo sia diverso da quello che abbiamo lasciato alle nostre spalle.

Luca M O L I N A R I

|E D I TO R I A L

by Maria GELVI

Αα -

ALPHURA

THE ARCHITECTURE OF A DENIED FUTURE

If architecture were made of words, these would be revealed in the simultaneous translation of a succession of images in sequence. Words are deeply necessary, indispensable, to fix a concept and make it immediate, evident, clear to everyone, even for architecture. They distance us from the indeterminate, becoming a measure of thought, an instrument of design as well as geometry and mathematics. Aldo Rossi, Robert Venturi or Le Corbusier himself knew this very well, authors who never abandoned writing to strengthen, spread and defend their ideas and thoughts. After all, architecture is the art of storytelling par excellence which in construction sees the last act of an uninterrupted narrative in which ideas take shape, conquer space, transforming themselves into amplifiers of thought. But what architecture is today or what the world will be tomorrow in relation to what we have violently experienced - the breakthrough covid-19 that left an indelible and silent scar in each of us - can only be made with words generated from a reflection: on missed opportunities, the absence of perspective, the refusal to believe in the future they promised us. For those born at the end of the 1980s, surviving this tumultuous, confused world was possible after having

Se l’architettura fosse fatta di parole, queste, si rivelerebbero nella traduzione simultanea di una carrellata di immagini in sequenza. Le parole sono profondamente necessarie, indispensabili, per fissare un concetto e renderlo immediato, chiaro, palese a tutti, anche per l’architettura. Ci allontanano dall’indeterminato, diventando misura del pensiero, strumento del progetto così come la geometria e la matematica. Lo sapevano benissimo Aldo Rossi, Robert Venturi o lo stesso Le Corbusier, autori che non hanno mai abbandonato la scrittura per rafforzare, diffondere e difendere le proprie idee e pensieri. Infondo, l’architettura è l’arte del racconto per eccellenza che nella costruzione vede l’ultimo atto di una narrazione ininterrotta in cui le idee prendono corpo, conquistano lo spazio, trasformandosi in amplificatori del pensiero. Ma cosa è oggi l’architettura o cosa sarà il mondo domani in relazione a ciò che violentemente abbiamo vissuto - il frangente covid-19 che come uno schiaffo inaspettato ha lasciato in ognuno di noi indelebili e silenti cicatrici - si può rendere solo con vocaboli generati da una riflessione: sulle opportunità mancate, l’assenza di prospettiva, il rifiuto di credere nel futuro che

"Alphura" mixed technique on cardboard Maria Gelvi February 2020

ARCHITECTURE

I TEAX LPYO2 S0 E2 D0

"The room. Ephemeral living ", Maria Gelvi, march 2020

had a specific role within it and architecture was chosen as a lifeline because, among many others, it was the only discipline that offered the opportunity to cultivate dreams, positively renewing thoughts, even if, with the passing of the days, we understood that those dreams and all the good intentions, were stolen from those who passed us the witness of a broken and arrived present at the terminus. So architecture has helped us find the right way to respond to a personal emergency by becoming an intimate weapon with which to feel safe and be able to believe in the possibility of a future, something, today, that you cannot see and, for this, more to imagine. We loved the noir scenarios of German expressionism by Fritz Lang and Friedrich Wilhelm Murnau. The manifest images of a time too distant and outdated where black / white, good / evil become dualistic options unable to summarize the nuances of the story, merciful to those who go ahead without asking too many questions. The dystopian visions of the 70s, with the vibrant head of thoughts, lost among wet and worn books, the scratched VHS. From Pierre Boulle and his extraordinary La Planète des singes from 1963, to James Graham Ballard's High Rise in 1975; since 2001: A Space Odyssey by Stanley Kubrick from 1968 to move to the 9:34 minute

ci hanno promesso. Per i nati alla fine degli anni ’80 sopravvivere a questo mondo tumultuoso, confuso, era possibile dopo averne avuto all’interno un ruolo preciso e l’architettura si eleggeva ad ancóra di salvezza perché, tra le tante, era l’unica disciplina che offriva la possibilità di coltivare i sogni, rinnovando positivamente i pensieri, anche se, con il passare dei giorni, abbiamo capito che quei sogni e tutti i buoni propositi, ci sono stati rubati da chi ci ha passato il testimone di un presente disgregato e giunto al capolinea. Così l’architettura ci ha aiutato a trovare la strada giusta per rispondere a un’emergenza personale diventando un’intima arma con la quale sentirsi sicuri e poter credere nella possibilità di un futuro, qualcosa, oggi, che non si riesce a vedere e, per questo, più a immaginare. Abbiamo amato gli scenari noir dell'espressionismo tedesco di Fritz Lang e Friedrich Wilhelm Murnau. Le immagini manifesto di un tempo troppo distante e superato dove bianco/nero, bene/male diventano opzioni dualistiche incapaci di riassumere le sfumature della storia, clemente con chi va avanti senza porsi troppe domande. Le visioni distopiche degli anni ’70, con la testa vibrante di pensieri, persi tra libri umidi e consumati, le VHS graffiate. Da Pierre Boulle e il suo straordinario La Planète des singes del 1963, al High Rise di James

unharmonious feedback from the Sonic Youth Washing Machine to Paul Kalkbrenner's Sky and Sand. We, echo boomers, fed on murky snapshots, learning to settle for leftovers without ever losing enthusiasm and desire to do; supporting the rapid intuitions of a "cut and sew" in which to voluntarily put aside the craftsmanship of the craftsmen and the exceptional nature of a slow and detailed work, to strengthen, not so much the idea itself but what it communicates. More than any other generation, the one belonging to the new millennium has grown with the unexpressed value of translation, with the importance of transferring the new by mixing, sharing, borrowing styles from dissonant albeit parallel disciplines and artistic universes, combining David Hockney with Henri Rousseau. We have been affected by the legacy of a perfect, courtly, untouchable and prosperous past, with a history so heavy that at times we would prefer to forget so as not to preclude any possibility. We have fought an internal battle for the inability or perhaps the renunciation of projecting ourselves into the future, dividing the shreds of the legacy of Superstudio and Archigram without courageously relaunching.

Graham Ballard del 1975; da 2001: Odissea nello spazio di Stanley Kubrick del 1968 per passare ai disarmonici feedback di 9:34 minuti della Washing Machine dei Sonic Youth fino a Sky and Sand di Paul Kalkbrenner. Noi, echo boomers, ci siamo nutriti di torbide istantanee, imparando ad accontentarci degli avanzi senza mai perdere entusiasmo e voglia di fare; assecondando le rapide intuizioni di un “taglia e cuci” in cui mettere volontariamente da parte la maestria degli artigiani e l’eccezionalità di un lavoro lento e dettagliato, per rafforzare, non tanto l’idea in sé ma ciò che essa comunica. Più di ogni altra generazione, quella appartenente al nuovo millennio è cresciuta con il valore inespresso della traduzione, con l’importanza di trasferire il nuovo mischiando, condividendo, prendendo in prestito stili da discipline e universi artistici dissonanti seppur paralleli, combinando David Hockney a Henri Rousseau. Abbiamo risentito del lascito di un passato perfetto, aulico, intoccabile e prosperoso, con una storia così pesante che a volte preferiremmo dimenticare per non precluderci nessuna possibilità. Abbiamo sostenuto una battaglia interiore per l’incapacità o forse, la rinuncia di proiettarci al futuro, dividendoci i brandelli dell’eredità

ARCHITECTURE

ITALY2020

"The Rooms" installation by Maria Gelvi inside the laboratory of ephemeral Architecture directed by Cherubino Gambardella location: Cloister of the Department of Architecture and Industrial Design, University of Campania Luigi Vanvitelli Year of realization: 2015

Yet, we continued to dream by building projects like poems where ideas and words come together to communicate the many universes and scenarios, suspended between the imperfection that we love so much, because it makes us human and different from the machines we use. We renewed ourselves on the sacrifice of renunciation by speaking about an architecture based on the time of the alpha privative. An Asocial (?), Acritic (?), Atemporal (?), Asymmetric (?), Ataractic (?), Stateless (?) Architecture all words to be spelled out on the obvious aspects of change. That responds to the need to elect new symbols to make up for violated dreams (?) And for this raw (?) Dried (?), Absolute (?), Imprudent (?). The cry of a generation that claims the right to rethink tomorrow by building the laws of the world to come out of absence.

di Superstudio e Archigram senza rilanciare con coraggio. Eppure, abbiamo continuato a sognare costruendo progetti come poemi dove idee e parole si saldano insieme per comunicare i tanti universi e scenari, sospesi tra l’imperfezione che tanto amiamo, perché ci rende umani e diversi dalle macchine che usiamo. Ci siamo rinnovati sul sacrificio della rinuncia facendo parlare un’architettura fondata sul tempo dell’alfa privativo. Un’architettura Asociale(?), Acritica(?), Atemporale(?), Asimmetrica(?), Atarattica(?), Apolide(?) tutte parole da sillabare sugli aspetti evidenti del cambiamento. Che risponde alla necessità di eleggere nuovi simboli per sopperire ai sogni violati(?) e per questo cruda(?) disseccata(?), assoluta(?), imprudente(?). Il grido di una generazione che rivendica il diritto di ripensare al domani costruendo sull’assenza le leggi del mondo che verrà.

Happy D.2 Plus. Lâ&#x20AC;&#x2DC;unione perfetta di design e tecnologia. La combinazione perfetta di forme iconiche e tecnologie innovative: Happy D.2 Plus, il classico per il bagno con angoli armoniosamente arrotondati, ora in nuove varianti. Le esclusive tecnologie Duravit, come il processo brevettato c-bonded, permettono nuove soluzioni individuali. Design by sieger design. Ancora piĂš design per il bagno su www.duravit.it

PROJECT

R I V E S T I M E N T O M U R A L E « PA P E R S C U L P T U R E »

Auteur & Éditeur.

C A RTA D A PA R AT I , T E S S U T O , R I V E S T I M E N T O M U R A L E , L’ A C C E S S O I R E

SHOWROOM : VIA SAVONA 97, 20144 MILANO

WWW.ELITIS.FR

“New Paradigm Under Construction. Please Pardon the Mess” by Federica RASENTI

ARCHITECTURE

I T PA RL O Y 2J E0 C 2 0T

To look today at the architects born between the 80s and 90s, one cannot refrain from taking a broader look at a generation to whom so many names have been attributed as a social phenomenon: Millennials, Erasmus generation or “crisis generation,” as it was renamed by the think thank Resolution Foundation, referring to the economic recession of 2008. This same generation today, newly embarking on a career path, finds itself facing a further upheaval in the global panorama, caused by Covid-19 health emergency. This emergency, even more strongly, has the potential for a disruptive impact on our social structures. In the words of Bruno Latour: “If everything has stopped, and all cards can be put on the table, they can be turned, selected, triaged, rejected for ever, or indeed, accelerated forwards. Now is the time for the annual stock-take. When common sense asks us to ‘start production up again as quickly as possible’, we have to shout back, ‘Absolutely not!’ The last thing to do is repeat the exact same thing we were doing before”. Source: *http://www.bruno-latour.fr

Considering all these contextual factors as not negligible, a new paradigm in architectural work and practice could be envisaged over the next few years. As has already happened in many other areas of our lives, the events of recent months will have the role of accelerating processes and setting projects in motion, awakening sensibilities, and re-ignite dormant discussions. Reading precisely the blurred boundaries of this ongoing metamorphosis, it is not yet possible. It will take time, and a certain historical distance will help us to support what nowadays remains only hypotheses. It might be a time for productive latency before we can affirm a reversal of trend in themes and modalities. Perhaps we will have to go through a moment of mess and necessary doubt looking for strategies to be implemented. A settling time that is beneficial to create a space for reflection on reality. As the title of this article says, the slogan for this phase could be “New Paradigm Under Construction. Please Pardon the Mess!” quoting a famous protest sign shown during the Occupy Wall Street demonstrations. What we see today, however, is a slow but decisive trajectory that emerged before the last global disruption of our quiet lives. This generation of architects has shown to be free from prejudices so far, not confined within strict disciplinary boundaries, ready for cultural and architectural contamination, essentially non-dogmatic. They are also free in the organization and structure of work, starting long-distance collaborations and approaching to the practice in a flexible way. This attitude is sometimes positive and other times a downside, as flexibility in some cases means precariousness.

Looking at the design outcomes, these appear to be heterogeneous and diversified due to this tendency towards the mixture of knowledge. Naming just a few examples, there are those who operate from a social standpoint, such as Orizzontale or Sardarch, both of them often involved in public space regeneration projects, sometimes working alongside associations in developing collaborative processes in which different actors and professionals could be involved. There are those who worked on the legacy of indiscriminate territorial practices and the role of these new contemporary monuments in the landscape, as seen in the project Incompiuto, curated by Fosbury Architecture in collaboration with Alterazioni Video. Others carried out their researches focusing on the domestic habitat, Superdomestico by Casati Buonsante is an example of that. Some of them found their approach in the free mixture of languages and references, ranging from design to architecture, as Parasite 2.0. Drawing and representation have been investigated for the affirmation of a personal modality of expression, as for (Ab)Normal and Davide Trabucco. Regardless of their singularity and the formal outcomes, the fil rouge is represented by the collective awareness of the necessity to let go of the dominant utopia of the early 2000s, highlighting the figure of the architect as omniscient and demiurgical. They opt for a more curious and exploratory approach, led by the awareness of having to work within the field allowed by an uncertain and ever-changing reality that offers limited possibilities. Irony and disenchantment, are the traits of a generation that has found itself and will find itself making - as told in the common expression - a virtue out of necessity.

17 Per guardare oggi agli architetti nati a cavallo tra anni 80 e 90, non si può prescindere da uno sguardo più ampio verso una generazione alla quale sono stati attribuiti tanti nomi in qualità di fenomeno sociale: millennials, generazione erasmus o “generazione della crisi, come ribattezzata dal centro studi Resolution Foundation, in riferimento alla recessione economica del 2008. Questa stessa generazione oggi, da poco avviata verso un percorso professionale, si trova a scontrarsi con un ulteriore stravolgimento del panorama globale, causato dell’emergenza sanitaria da Covid-19. Emergenza che in maniera ancora più forte, è potenzialmente destinata ad avere conseguenze dirompenti sulle nostre strutture sociali. Per dirla con le parole di Bruno Latour: “Se tutto viene fermato, tutto può essere rimesso in discussione, flesso, selezionato, ordinato, interrotto per davvero o, al contrario, accelerato. È ora il momento di fare l’inventario annuale. Alla richiesta data dal buon senso: “Riavviamo la produzione il più rapidamente possibile”, dobbiamo rispondere con un grido: “Assolutamente no!”. L’ultima cosa da fare sarebbe rifare esattamente ciò che abbiamo fatto prima”. Source: *http://www.bruno-latour.fr

In virtù di tutti questi fattori contestuali non trascurabili, quello che potrebbe andare a prefigurarsi nel corso dei prossimi anni è un nuovo paradigma del lavoro e della professione di architetto. Come già avvenuto in molti altri ambiti della nostra vita, gli eventi degli ultimi mesi, avranno il ruolo di accelerare e mettere in moto processi e progetti, risvegliare sensibilità e accendere discussioni sopite. Leggere con accuratezza i confini sfumati di questa metamorfosi in corso, non credo sia ancora possibile, sarà necessario del tempo, e una certa lontananza storica ci aiuterà a suffragare quelle che ad ora rimangono solo ipotesi. Si potrebbe immaginare un periodo di latenza produttiva, prima di poter parlare con convinzione di un’inversione di tendenza su temi e modalità. Magari si dovrà attraversare un momento di confusione e di necessaria indecisione sulle strategie da mettere in atto, un tempo di decantazione auspicabile come spazio di riflessione sul reale. Lo slogan di questa fase, per riprendere il titolo di questo articolo potrebbe essere: “è in corso la costruzione di un nuovo paradigma, scusate la confusione!” come citava un famoso cartello di protesta durante le manifestazioni di Occupy Wall Street. Quella che però è possibile constatare oggi è una traiettoria lenta ma decisa, emersa già prima che gli ultimi sconvolgimenti globali disturbassero la quiete delle nostre vite. Questa generazione di architetti, ha dimostrato di essere finora libera da pregiudizi, non costretta entro rigidi confini disciplinari, pronta alla contaminazione, sia culturale che progettuale, in sostanza non dogmatica. Libera anche nella maniera di organizzare e strutturare il lavoro, avviando modalità di collaborazione a distanza e interpretando la professione in una maniera flessibile, in un’accezione in alcuni casi positiva e in altri negativa, in quanto sinonimo di precarietà. Da un punto di visto di esiti progettuali, questi appaiono eterogenei e difformi proprio per questa inclinazione alla contaminazione dei saperi. Per citare solo alcuni esempi c’è chi ha lavorato partendo dal dato sociale, come gli Orizzontale o il collettivo Sardarch, entrambi spesso coinvolti in processi di rigenerazione dello spazio pubblico, talvolta al fianco di associazioni, sviluppando di concerto processi in cui interlocutori e professionalità diverse potessero aiutarli nella lettura del reale, applicando così al progetto una dimensione collaborativa. C’è chi ha ragionato sul lascito di politiche territoriali indiscriminate e sul ruolo paesaggistico di questi nuovi monumenti del contemporaneo, come nel caso del progetto Incompiuto curato da Fosbury Architecture

in collaborazione con Alterazioni Video. Altri hanno svolto delle ricerche sul tema dell’ambiente domestico, Superdomestico di Casati Buonsante ne è un esempio. Altri ancora hanno trovato nella commistione libera di linguaggi e riferimenti, spaziando dal design all’architettura, il focus della loro produzione, come nel caso Parasite 2.0. Disegno e rappresentazione sono stati invece ambito di indagine per l’affermazione di modalità espressive proprie, come nel caso di (Ab)Normal e Davide Trabucco. Indipendentemente quindi dalle specificità e dagli esiti formali di ognuno di questi professionisti, il fil rouge è rappresentato dalla consapevolezza di dover abbandonare l’utopia dominante dei primi anni 2000, quella dell’architetto onnisciente e demiurgo, a favore di un approccio più curioso e esplorativo, guidato dalla presa di coscienza di dover lavorare entro i limiti consentiti da una realtà che offre possibilità limitate, incerta, e in continua metamorfosi. Ironia e disincanto proprie di una generazione che si è trovata e si troverà a fare - per dirla con un modo di dire - di necessità, virtù.

ARCHITECTURE

ITALY2020

Detail of t’K-AT, object designed and realised by Tellurico for the exhibition ‘’The biggest Living room in the Netherlands’’ presented for the first time in 2018 during the DDW and curated by Tellurico and MoltoMoltoProject.

FRAGMENTS OF

ITALIAN DESIGN AND NEW HYBRIDS Violetta BARBA

Contemporaneity is living in the awareness of one's own society and the young designer, as in every historical period, is a child of his time. Are there orientations in the new Italian design? Is it possible to identify a common desire with different languages?

Lotus Paper. Paper sample realised with lotus stems, leftovers from silk production, picked in the Mincio Park in Mantua. Realized by Eugenia Morpurgo

Contemporaneità è vivere nella consapevolezza della propria società e il giovane progettista, come in ogni periodo storico, è figlio del suo tempo. Emergono degli orientamenti nel nuovo design italiano? Si può individuare un desiderio comune dai linguaggi differenti?

DESIGN

ITALY2020

20 Contemporaneity is living in the awareness of one's own We live in an increasingly multi-faceted, post-modern and globalized society, where environmental problems are accentuated, production is relocated and new lifestyles and consumer habits have emerged. A process in which the figure of the designer is also immersed. The result is the apparent crisis of this figure, his identity and the possibility of maintaining his own shape. It has become a liquid profession, to put it to Z. Bauman. It is time to abandon the typically Italian nostalgic attitude, to avoid that the new designer remains anchored to the fascinating, as well as fundamental, work of the great masters of Italian design of the past. The new generation is able to follow new paths never taken before, avoiding falling into individualism. Hybrid" figures emerge, multidisciplinary studies with transversal skills and the consequent creation of an increasingly dense network of relationships. The new Italian design experiences a sort of fragmentation in its practice, giving rise to a multiplication of orientations and circular research. It is not easy to identify a unique, collective and social project, but the new design has in common the attitude to transversal collaboration overcoming that with companies and artisans. The designer had the need to go beyond the notion of industrial, to embrace that of self-production and research, sometimes alongside experts in technical-scientific fields, figures not necessarily linked to the world of design. This is the case of the Formafantasma duo, engaged in a constant investigation of ecological and political responsibilities, an investigation that today design is called upon to carry out, easily embodying the figure of the contemporary designer who speaks of processes, research and new possibilities, from which one does not necessarily expect a finished product. Following these new codes, however, it is not written that it is not possible to start again from a past. If the designer uses them in a conscious and intelligent way, he will have the ability to make it dialogue with the present. The designer Eugenia Morpurgo, aka EUMO, with Fiore di Loto recalls the past through ancient traditional techniques in a work of experimentation on new materials. She imagines less impacting production processes in favour of alternative scenarios and new products. Inheriting knowledge, tracing identities and preserving cultural heritage, transferring them into their own projects, are the new ways of making Italian design with an alchemical flavour, where material meets technology and the past meets the present. The Tellurico studio of Francesco Pace, born and raised in Pozzuoli, on the outskirts of Naples, blends the different historical, geological and

Viviamo in una società postmoderna e globalizzata sempre più sfaccettata, dove i problemi legati all'ambiente sono accentuati, le produzioni sono delocalizzate e sono nati nuovi stili di vita e abitudini tese al consumo. Un processo in cui è immersa anche la figura del designer. Il risultato è l'apparente messa in crisi di tale figura, della sua identità e possibilità di mantenere la propria forma. È diventata una professione liquida, per dirla alla Z. Bauman. È tempo dell'abbandono dell'atteggiamento nostalgico tipicamente italiano, per evitare che il nuovo progettista resti tutt'ora ancorato all'affascinante, quanto fondamentale, lavoro dei grandi Maestri del design italiano del passato. La nuova generazione è in grado di seguire nuovi tragitti mai percorsi prima, evitando di cadere nell'individualismo. Si delineano figure "ibride", studi multidisciplinari dalle competenze trasversali e la conseguente creazione di una rete sempre più fitta di relazioni. Il nuovo design italiano vive una sorta di frammentazione nella propria pratica, dando vita a una moltiplicazione di orientamenti e a una ricerca circolare. Non è facile individuare un progetto unico, collettivo e sociale, ma il nuovo design ha in comune l'attitudine alla collaborazione trasversale superando quella con aziende e artigiani. Il progettista ha avuto la necessità di andare oltre la nozione di industrial, per accogliere quella di autoproduzione e ricerca, talvolta al fianco di esperti nei settori tecnico-scientifici, figure non necessariamente legate al mondo del progetto. È il caso del duo Formafantasma, impegnato in una costante indagine dalle responsabilità ecologiche e politiche, indagine che oggi il design è chiamato a svolgere, incarnando facilmente la figura del designer contemporaneo che parla di processi, ricerche e nuove possibilità, dal quale non ci si aspetta necessariamente un prodotto finito. Seguendo questi nuovi codici però non è scritto che non sia possibile ripartire da un passato. Nel caso in cui il progettista se ne serva in modo consapevole e intelligente, avrà la capacità di farlo dialogare col presente. La designer Eugenia Morpurgo, in arte EUMO, con Fiore di Loto richiama il passato attraverso antiche tecniche tradizionali in un lavoro di sperimentazione sui nuovi materiali. Si immaginano processi di produzione meno impattanti a favore di scenari alternativi e nuovi prodotti. Ereditare saperi, tracciare identità e custodire patrimoni culturali, trasferendoli nei propri progetti, sono i nuovi modi di fare design italiano dal sapore alchemico, dove la materia incontra la tecnologia e il passato incontra il presente. Lo studio Tellurico di Francesco Pace, nato e cresciuto a Pozzuoli, periferia di Napoli, fonde i diversi aspetti storici, geologici e sociali dell'umanità e li connette

social aspects of humanity and connects them to their own identity. The strong appeal of his own land, however, becomes the fil rouge of his poetics for many. A design that, approaching the edge of the art world, can sometimes be translated into a gallery object, a unique piece aimed at telling the material culture. The approach of the new generation's designers combines contemporary craftsmanship and refinement, creating symbolic connections and opening up new narrative possibilities each time. This new generation that is experiencing the crisis of the figure of the designer finds itself, however, with a wider range of choices, first of all formative, then analytical, than two generations ago. It must be understood that, like other professional figures, the designer must not remain a stranger to everyday life. Emergencies have changed, but not the degree of influence that design must have in society, that is, to improve our experience in the world.

alla propria identità. Il forte richiamo della propria terra tuttavia diventa il fil rouge della propria poetica per molti. Un design che, avvicinandosi al confine del mondo dell’arte, può tradursi talvolta in oggetto da galleria, in pezzo unico volto a raccontare la cultura materiale. L'approccio dei progettisti della nuova generazione accorda manifattura e raffinatezza contemporanea, creando delle connessioni simboliche e aprendosi ogni volta a nuove possibilità narrative. Questa nuova generazione che vive la messa in crisi della figura del progettista si trova ad avere però una più ampia gamma di scelte innanzitutto formative, poi analitiche rispetto a due generazioni fa. Occorre comprendere che, come altre figure professionali, anche il designer è tenuto a non restare estraneo alla vita di tutti i giorni. Sono cambiate le emergenze ma non il grado di influenza che il design deve avere nella società, cioè quella di migliorare la nostra esperienza nel mondo.

An unexpected condition, a possible future

Ante litteram by Lorenzo GIORDANO

We live in an age of extraordinary change. The state of emergency that has gradually enveloped the time of our contemporaneity has irreparably initiated a process of revision and alteration of what were considered the rituals of globalized society, highlighting, in an unequivocal way, its structural fragilities, be they economic, political or social. The possibility, technological and economic, of the heterogeneous, polyvalent, pluralistic and decentralized contemporary society, the one where everything is possible everywhere, has suffered an abrupt stop, presumably also ideological, leaving room for the insinuation of an intense and shared collective critique of those mechanisms that have defined the society of which we are part. It is interesting, in fact, to see how such social conflicts are outside of a traditional political vision of ideological struggle. The latter vision is linked to the constant deconstruction and separation between ideology and political thought, opening towards a renewed and generalistic system of sharing of the great planetary rebellions of which we are witnesses today. In this sense, a question arises spontaneously: how can architecture confront, within the revision of such systems, with those that will be the next drivers of the disputes, including cultural ones, of the years to come, imbued, moreover, by an ever wider horizon of values? The possibility of interpreting the issues relating to our contemporary world offers a very broad spectrum of conditions with respect to which we can set ourselves in an autonomous and innovative way, without however denying those specific shared cultural roots capable of representing a coherent relationship with our past. The failure of dogmatic architectural theories relating to the last decades of the twentieth century, combined with the globalist irruption of the so-called "spectacularisation" of architecture, represented the impossibility of pursuing those collegial cultural projects that hoped for concrete change. The need to free oneself from a formal model dropped from above, structured according to a static theoretical principle, is reflected in the reintroduction of a collective, hermeneutical and circular cultural terrain, within which one can confront the past autonomously. A cultural atlas, legitimate heir to Aby Warburg's Bilderatlas in its diachronic

Viviamo un’epoca di straordinario cambiamento. Lo stato emergenziale che ha gradualmente avvolto il tempo della nostra contemporaneità ha irrimediabilmente avviato un processo di revisione e alterazione di quelli che erano considerati i rituali propri della società globalizzata, mettendo in evidenza, in modo inequivocabile, le sue fragilità strutturali, siano esse economiche, politiche o sociali. La possibilità, tecnologica ed economica, dell’eterogenea, polivalente, pluralistica e decentralizzata società contemporanea, quella dove tutto è possibile ovunque, ha subito un brusco arresto, presumibilmente anche ideologico, lasciando spazio all’insinuarsi di un’intensa e condivisa critica collettiva a quei meccanismi che hanno definito la società della quale facciamo parte. È interessante, difatti, poter constatare come tali conflitti sociali esulino da una tradizionale visione politica di lotta ideologica. Una visione, quest’ultima, che si lega alla costante destrutturazione e separazione tra ideologia e pensiero politico, aprendo verso un rinnovato e generalistico sistema di condivisione delle grandi ribellioni planetarie di cui oggigiorno siamo testimoni. In questo senso, una domanda sorge spontanea: come può l’architettura confrontarsi, entro la revisione di tali sistemi, con quelli che saranno i prossimi motori delle vertenze, anche culturali, degli anni a venire, intrisi, inoltre, da un sempre più ampio orizzonte di valori? La possibilità interpretativa delle questioni relative al nostro contemporaneo offre uno spettro di condizioni molto ampio rispetto al quale potersi porre in maniera autonoma e innovativa, senza tuttavia rinnegare quelle determinate radici culturali condivise in grado di rappresentare un coerente rapporto con il nostro passato. L’insuccesso delle dogmatiche teorie architettoniche relative agli ultimi decenni del ventesimo secolo, unite all’irruzione globalista della cosiddetta “spettacolarizzazione” dell’architettura, hanno rappresentato l’impossibilità di perseguire quei collegiali progetti culturali che auspicavano un concreto cambiamento. La necessità di svincolarsi da un modello formale calato dall’alto, strutturato secondo uno statico principio teoretico, trova riscontro nella reintroduzione di un terreno culturale collettivo, ermeneutico e circolare, entro cui potersi confrontare autonomamente con il passato. Un atlante culturale, erede legittimo del Bilderatlas di Aby

Adalberto Libera - La città ideale

possibility of referential paraphrase, concretizes the operative possibility within which, to date, the younger generations of architects refer in a more or less conscious way, adhering to a collective intellectual perception in respect of a personal phenomenological interpretation of approach to the architectural project. A set of notions capable of freeing themselves from a suffocating historical continuum where tradition is depowered to become a cultural memory ready to welcome in its order, in its canons, novelties that in turn will later be reabsorbed in the reorganization of the cultural memory itself 1. This is probably the great challenge, of today and tomorrow, that lies before the inner gaze of the young generation of contemporary architects. The reintroduction of the concept of novitas within an anaciclic interpretation of history where, given the impossibility of adhering to a dogmatic and almost doctrinal normative reference, it will be

Warburg nella sua diacronica possibilità di parafrasi referenziale, concretizza la possibilità operativa entro cui, ad oggi, le giovani generazioni di architetti fanno riferimento in modo più o meno consapevole, aderendo ad una collettiva percezione intellettuale nel rispetto di una personale interpretazione fenomenologica di approccio al progetto di architettura. Un insieme di nozioni in grado di svincolarsi da un soffocante continuum storico ove la tradizione si depotenzia per diventare una memoria culturale pronta ad accogliere nel suo ordine, nei suoi canoni, novità che in seguito verranno a loro volta riassorbite nel riassetto della stessa memoria culturale1. È questa, probabilmente, la grande sfida, di oggi e di domani, che si pone dinanzi allo sguardo interiore della giovane generazione di architetti contemporanei. La reintroduzione del concetto di novitas entro un’anaciclica interpretazione della storia ove, data l’impossibilità di aderire a

Mimmo Jodice - Enrico Berlinguer, Mostra d'Oltremare (estratto)

ARCHITECTURE

ITALY2020

Aby Warburg - Mnemosyne, panel 37

indispensable to direct efforts towards the clarification of an individual theoretical construct of approach to architecture. A collective approach to a new line of design horizon able to express, even in the individuality, a collegial sense of common values. Ultimately, it is not a bold idea to say that this generation of young architects can represent a concrete hope to give continuity to the best of Italian architectural cultural heritage; a possibility that can only be realized through a congruous, conscious and critical interpretation of its own time, to be legitimized through a process of decoding those original values and ideals of history. A sum of tenacious energies and cultural values, all too often mitigated by a fearful prejudice of inadequacy, which the new generation of architects now has the right and the duty to put in place in favour of our next contemporary time.

1 Pedretti, B. (a cura di), (2016). L’atlante dell’architetto.

un dogmatico e quasi dottrinale riferimento normativo, sarà indispensabile per indirizzare gli sforzi verso la chiarificazione di un individuale costrutto teoretico di approccio all’architettura. Un avvicinamento collettivo ad una nuova linea di orizzonte progettuale capace di esprimere, pur nelle singole individualità, un collegiale sentore di valori comuni. In definitiva, non è azzardato poter affermare che questa generazione di giovani architetti possa rappresentare una concreta speranza per attribuire continuità al meglio dell’eredità culturale architettonica italiana; eventualità, quest’ultima, concretizzabile solo in virtù di una congrua, consapevole e critica interpretazione del proprio tempo, da legittimare attraverso un processo di decodifica di quei valori originari e ideali della storia. Una summa di tenaci energie e valori culturali, troppo spesso attenuati da un timoroso pregiudizio di inadeguatezza, che la nuova generazione di architetti ha, oramai, il diritto e il dovere di mettere in campo a favore del nostro prossimo tempo contemporaneo.

TA D M SI PA A A E TE ZA A BU BA C FU A O RI SO D ST RE N A B C FO N O RE SA ST VL W A SU FE JO FA G M A SA D ST W A SU FE JO FA G M A SA D ST W A SU FE JO FA G M A SA D ST W A SU FE JO FA G M A SA D ST W A SU FE JO FA G M A SA D ST W A SU FE JO FA G M

AVOLETTA VALENTINA CAMERANESI SGROI JONAS CARPIGNANO CASATIBUONSANTE ARCHITECTS CORTESE / MAZZA DAMIANO D’INNOCENZO FABIO D’INNOCENZO FABBRICANOVE FONDAMENTA FOSBURY ARCHITECTURE FURLAN BEEL MARIA GELVI LORENZO GIORDANO GNOMONE GOSPLAN IN-NOVA STUDIO ASTRID LUGLIO MERA ARCHITECT IMONE MOLINARI MARIALUISA MONTANARI EUGENIA MORPURGO OASI ARCHITECTS ORIZZONTALE OVRE25 DESIGN ARASITE 2.0 FRANCESCA PINTON FEDERICA RASENTI ALESSANDRO REDAELLI SARA RICCIARDI ALESSIO RIGO DE RIGH ALICE ROHRWACHER ELENA SALMISTRARO MARIA SANTANGELO SARDARCH SET ARCHITECTS SMALL SOFT METROPOLITAN ARCHITECTURE & LANDSCAPE LAB SOVRAPPENSIERO DESIGN STUDIO SPAZIOZERO STARTT STUDIO DI ARCHITETTURA TRASFORMAZIONI TERRITORIALI STUDIO OSSIDIANA STUDIO VLORA STUDIO WOK SUPERLUNA STUDIO SUPERVOID ELLURICO DAVIDE TRABUCCO VG13 ARCHITECTS WAR WAREHOUSE OF ARCHITECTURE AND RESEARCH FRANCESCO ANATTA MATTEO ZOPPIS 120 GRAMMI LABORATORIO DI ARCHITETTURA A402 STUDIO (AB)NORMAL AIDNA AM ARCHITETTI ASSOCIATI AMARCHITECTRUE ASSOCIATES ATI SUFFIX B22 VIOLETTA BARBA ALESSANDRO BAVA BD UREAU BE.ST STEFANO BELINGARDI FABRIZIO BENDAZZOLI FEDERICA BIASI FABIO BOBBIO BT ARCHITETTI FABIO ARATTO E CONCETTA TAVOLETTA VALENTINA CAMERANESI SGROI JONAS CARPIGNANO CASATIBUONSANTE ARCHITECT CORTESE / MAZZA DAMIANO D’INNOCENZO FABIO D’INNOCENZO FABBRICANOVE FONDAMENTA FOSBURY ARCHITECTUR URLAN BEELI MARIA GELVI LORENZO GIORDANO GNOMONE GOSPLAN IN-NOVA STUDIO ASTRID LUGLIO MERA ARCHITECTS SIMONE MOLINARI MARIALUISA MONTANARI EUGENIA MORPURGO OASI ARCHITECTS ORIZZONTAL OVRE DESIGN PARASITE 2.0 FRANCESCA PINTON FEDERICA RASENTI ALESSANDRO REDAELLI SARA RICCIARDI ALESSIO IGO DE RIGHI ALICE ROHRWACHER ELENA SALMISTRARO MARIA SANTANGELO SARDARCH SET ARCHITECTS SMAL OFT METROPOLITAN ARCHITECTURE & LANDSCAPE LAB SOVRAPPENSIERO DESIGN STUDIO SPAZIOZERO STARTT STUDIO DI ARCHITETTURA E TRASFORMAZIONI TERRITORIALI STUDIO OSSIDIANA STUDIO VLORA STUDIO WOK SUPERLUNA TUDIO SUPERVOID TELLURICO DAVIDE TRABUCCO VG13 ARCHITECTS WAR WAREHOUSE OF ARCHITECTURE AND ESEARCH FRANCESCO ZANATTA MATTEO ZOPPIS 120 GRAMMI LABORATORIO DI ARCHITETTURA A402 STUDIO (AB NORMAL AIDNA AM3 ARCHITETTI ASSOCIATI AMARCHITECTRUE ASSOCIATES ATI SUFFIX B22 VIOLETTA BARBA ALESSANDRO BAVA BDR BUREAU BE.ST STEFANO BELINGARDI FABRIZIO BENDAZZOLI FEDERICA BIASI FABIO BOBBIO T ARCHITETTI FABIO BARATTO E CONCETTA TAVOLETTA VALENTINA CAMERANESI SGROI JONAS CARPIGNANO CASATIBUONSANTE ARCHITECTS CORTESE / MAZZA DAMIANO D’INNOCENZO FABIO D’INNOCENZO FABBRICANOV ONDAMENTA FOSBURY ARCHITECTURE FURLAN BEELI MARIA GELVI LORENZO GIORDANO GNOMONE GOSPLAN IN NOVA STUDIO ASTRID LUGLIO MERA ARCHITECTS SIMONE MOLINARI MARIALUISA MONTANARI EUGENIA MORPURGO OASI ARCHITECTS ORIZZONTALE OVRE DESIGN PARASITE 2.0 FRANCESCA PINTON FEDERICA RASENTI ALESSANDRO EDAELLI SARA RICCIARDI ALESSIO RIGO DE RIGHI ALICE ROHRWACHER ELENA SALMISTRARO MARIA SANTANGELO ARDARCH SET ARCHITECTS SMALL SOFT METROPOLITAN ARCHITECTURE & LANDSCAPE LAB SOVRAPPENSIERO DESIGN TUDIO SPAZIOZERO STARTT STUDIO DI ARCHITETTURA E TRASFORMAZIONI TERRITORIALI STUDIO OSSIDIANA STUDIO LORA STUDIO WOK SUPERLUNA STUDIO SUPERVOID TELLURICO DAVIDE TRABUCCO VG13 ARCHITECTS WAR WAREHOUSE OF ARCHITECTURE AND RESEARCH FRANCESCO ZANATTA MATTEO ZOPPIS 120 GRAMMI LABORATORIO D ARCHITETTURA A402 STUDIO (AB)NORMAL AIDNA AM3 ARCHITETTI ASSOCIATI AMARCHITECTRUE ASSOCIATES AT UFFIX B22 VIOLETTA BARBA ALESSANDRO BAVA BDR BUREAU BE.ST STEFANO BELINGARDI FABRIZIO BENDAZZOL EDERICA BIASI FABIO BOBBIO BT ARCHITETTI FABIO BARATTO E CONCETTA TAVOLETTA VALENTINA CAMERANESI SGRO ONAS CARPIGNANO CASATIBUONSANTE ARCHITECTS CORTESE / MAZZA DAMIANO D’INNOCENZO FABIO D’INNOCENZO ABBRICANOVE FONDAMENTA FOSBURY ARCHITECTURE FURLAN BEELI MARIA GELVI LORENZO GIORDANO GNOMON GOSPLAN IN-NOVA STUDIO ASTRID LUGLIO MERA ARCHITECTS SIMONE MOLINARI MARIALUISA MONTANARI EUGENIA MORPURGO OASI ARCHITECTS ORIZZONTALE OVRE DESIGN PARASITE 2.0 FRANCESCA PINTON FEDERICA RASENT ALESSANDRO REDAELLI SARA RICCIARDI ALESSIO RIGO DE RIGHI ALICE ROHRWACHER ELENA SALMISTRARO MARIA ANTANGELO SARDARCH SET ARCHITECTS SMALL SOFT METROPOLITAN ARCHITECTURE & LANDSCAPE LAB SOVRAPPENSIERO DESIGN STUDIO SPAZIOZERO STARTT STUDIO DI ARCHITETTURA E TRASFORMAZIONI TERRITORIALI STUDIO OSSIDIANA TUDIO VLORA STUDIO WOK SUPERLUNA STUDIO SUPERVOID TELLURICO DAVIDE TRABUCCO VG13 ARCHITECTS WA WAREHOUSE OF ARCHITECTURE AND RESEARCH FRANCESCO ZANATTA MATTEO ZOPPIS 120 GRAMMI LABORATORIO D ARCHITETTURA A402 STUDIO (AB)NORMAL AIDNA AM3 ARCHITETTI ASSOCIATI AMARCHITECTRUE ASSOCIATES AT UFFIX B22 VIOLETTA BARBA ALESSANDRO BAVA BDR BUREAU BE.ST STEFANO BELINGARDI FABRIZIO BENDAZZOL EDERICA BIASI FABIO BOBBIO BT ARCHITETTI FABIO BARATTO E CONCETTA TAVOLETTA VALENTINA CAMERANESI SGRO ONAS CARPIGNANO CASATIBUONSANTE ARCHITECTS CORTESE / MAZZA DAMIANO D’INNOCENZO FABIO D’INNOCENZO ABBRICANOVE FONDAMENTA FOSBURY ARCHITECTURE FURLAN BEELI MARIA GELVI LORENZO GIORDANO GNOMON GOSPLAN IN-NOVA STUDIO ASTRID LUGLIO MERA ARCHITECTS SIMONE MOLINARI MARIALUISA MONTANARI EUGENIA MORPURGO OASI ARCHITECTS ORIZZONTALE OVRE DESIGN PARASITE 2.0 FRANCESCA PINTON FEDERICA RASENT ALESSANDRO REDAELLI SARA RICCIARDI ALESSIO RIGO DE RIGHI ALICE ROHRWACHER ELENA SALMISTRARO MARIA ANTANGELO SARDARCH SET ARCHITECTS SMALL SOFT METROPOLITAN ARCHITECTURE & LANDSCAPE LAB SOVRAPPENSIERO DESIGN STUDIO SPAZIOZERO STARTT STUDIO DI ARCHITETTURA E TRASFORMAZIONI TERRITORIALI STUDIO OSSIDIANA TUDIO VLORA STUDIO WOK SUPERLUNA STUDIO SUPERVOID TELLURICO DAVIDE TRABUCCO VG13 ARCHITECTS WA WAREHOUSE OF ARCHITECTURE AND RESEARCH FRANCESCO ZANATTA MATTEO ZOPPIS 120 GRAMMI LABORATORIO D ARCHITETTURA A402 STUDIO (AB)NORMAL AIDNA AM3 ARCHITETTI ASSOCIATI AMARCHITECTRUE ASSOCIATES AT UFFIX B22 VIOLETTA BARBA ALESSANDRO BAVA BDR BUREAU BE.ST STEFANO BELINGARDI FABRIZIO BENDAZZOL EDERICA BIASI FABIO BOBBIO BT ARCHITETTI FABIO BARATTO E CONCETTA TAVOLETTA VALENTINA CAMERANESI SGRO ONAS CARPIGNANO CASATIBUONSANTE ARCHITECTS CORTESE / MAZZA DAMIANO D’INNOCENZO 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ITALY

BEST ITALIAN ARCHITECTS AND DESIGNERS UNDER 40

120 GRAMMI LABORATORIO DI ARCHITETTURA A402 STUDIO (AB)NORMAL AIDNA AM3 ARCHITETTI ASSOCIATI AMARCHITECTRUE ASSOCIATES ATI SUFFIX B22 ALESSANDRO BAVA BDR BUREAU BE.ST STEFANO BELINGARDI FABRIZIO BENDAZZOLI FEDERICA BIASI BT ARCHITETTI VALENTINA CAMERANESI SGROI CASATIBUONSANTE ARCHITECTS CORTESE/MAZZA FABBRICANOVE FONDAMENTA FOSBURY ARCHITECTURE FURLAN BEELI GNOMONE GOSPLAN IN-NOVA STUDIO ASTRID LUGLIO MERA ARCHITECTS MARIALUISA MONTANARI EUGENIA MORPURGO OASI ARCHITECTS ORIZZONTALE OVRE DESIGN PARASITE 2.0 SARA RICCIARDI ELENA SALMISTRARO SARDARCH SET ARCHITECTS SMALL SOFT METROPOLITAN ARCHITECTURE & LANDSCAPE LAB SOVRAPPENSIERO DESIGN STUDIO SPAZIOZERO STARTT STUDIO DI ARCHITETTURA E TRASFORMAZIONI TERRITORIALI STUDIO OSSIDIANA STUDIO VLORA STUDIO WOK SUPERLUNA SUPERVOID TELLURICO DAVIDE TRABUCCO VG13 ARCHITECTS WAR WAREHOUSE OF ARCHITECTURE AND RESEARCH

ITALIAN -40

WWW.120LAB.NET 120_GRAMMI_ARCHITETTURA WWW.XXXXX.NET

120 GRAMMI LABORATORIO DI ARCHITETTURA

PRIMORAMO temporary installation VEGA Parco Scientifico Tecnologico, Venice Porto Marghera 2015

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Industriæ attraverso Porto Marghera exhibition VEGA Parco Scientifico Tecnologico, Venice Porto Marghera 2017 Ph. Giorgio Bombieri

120 grammi :: laboratorio di architettura collects the experiences of Carlo Pavan and Nicola Pavan. They focus their research on building and narrating contents in order to trigger and support transformation processes. 120 grammi, the paper weight. Craftsmanship as a method of research on contents and materials. The laboratory: a space where you can get your hands dirty and experiment with new operational practice. The elephant as logo: one of the largest paper size used before ISO standards and suitable for hosting the urban and landscape scale. And finally the doubt, that trigger a thousand of theories. The idea that the project is necessarily built every time from the beginning, outcome of the goals, of the site, of the contents that are generated in the interactions between actors. It is not a search for a tradition, necessarily belonging to a certain school. It is a search

for the craft value, the possibility to imagine themselves in a longer time span. Their first opportunities and experiences allowed them to face seemingly different issues. Ranging from exhibition design, to curatorship, cultural heritage restoration, new buildings, urban studies, landscape architecture. Furthermore, they developed urban regeneration strategies, playing the role of actors and supporters. The common thread throughout all these experiences is a curatorial approach to the project and a rediscovered and growing focus on the development of contents, able to lead the thought and the design process. The attention to the formal aspects, far from a self-referenced research, is based on the needs of narration and good construction in order to create spaces and atmospheres that are consistent with their contents, and thus project-specific.

120 grammi :: laboratorio di architettura raccoglie le esperienze di Carlo Pavan e Nicola Pavan. 120 grammi ricerca, costruisce e racconta contenuti capaci di innescare e accompagnare processi di trasformazione. 120 grammi, il peso della carta. Il fare artigianale come metodo di ricerca sui contenuti e sulla materia. Il laboratorio: uno spazio in cui sporcarsi le mani e sperimentare nuove modalità operative. L'elefante, il logo: uno tra i formati più grandi utilizzati prima degli standard ISO e adatto ad ospitare la scala urbana e del paesaggio. E infine il dubbio, innesco di mille teorie. L’idea che il progetto si costruisca necessariamente ogni volta dal principio, esito degli obiettivi, del luogo, dei contenuti che si generano nelle interazioni tra gli attori. Non è la ricerca di una tradizione, appartenere per forza ad una certa scuola. È la ricerca di valore del mestiere, il pensarsi all’interno di un tempo più lungo. Le occasioni e le esperienze dei primi anni di attività, hanno permesso allo studio di confrontarsi con temi progettuali apparentemente molto diversi tra loro: si sono occupati di allestimenti, per i quali sono stati costruiti anche i contenuti, di restauro, di costruzione, di ricerca in ambito urbano, di paesaggio, fino alla costruzione di strategie di rigenerazione urbana in cui sono stati attori e accompagnatori. Il filo che lega queste esperienze è un approccio curatoriale al progetto, una crescente attenzione allo sviluppo di contenuti capaci di guidare il pensiero e l’atto progettuale. L’attenzione per gli aspetti formali, lontana da una ricerca autoreferenziale, si fonda sulle esigenze della narrazione e della buona costruzione. A Small Family Chappel the artist Pietro Callegari at work Porcellengo, Paese (Treviso) 2019 on going Ph. Andrea Tomasino

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A402studio

International competition for a new innovative school complex south of Palermo, 2018

@A402STUDIO @A402STUDIO

WWW.XXXXX.NET

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International competition for the reconstruction of the former library of the Zoological Station Anton Dohrn, Naples, 2017

A402 studio is a laboratory for research and architecture - established in 2017 in Naples by Alberto Calderoni, Marianna Ascolese, Vanna Cestarello and Luigiemanuele Amabile - whose projects delve into a deep reading of the built environment and layering of the landscape, and experiment, through the grammar of making, different answers that investigate the fragility of adequacy and the ineffability of beauty. The immersion in the project of architecture guides through the intense discovery of specific conditions of places, to compose a precise, personal yet shared archive - their working table - from which emerge possible means to stage the osmotic exchange between people and places. A way of living the project that focuses on experience and on tireless investigations of the sensitive qualities of the buildings. Making, an indispensable connection with the slow, gradual and certain work of the hands that, in the time of the project, think, grab, and finally decide, is the principle of a precise way of working that is translated and precisely clarified

through models. The process of the project looks at architecture, searches for its characters, captures the atmospheres, in a slow but feverish construction, moving forwards and backwards, reflecting on the particular and on the general, showing the attitude to remember and forget. The indeterminacy of the methodology invites us to never cover the same distance twice, while constantly opening questions on the meaning and the value of time: “What is time? If you don’t ask me, I know; but if you ask me, I don't know" (St. Augustine).

New health center, Naples, 2019

A402 studio è un laboratorio di ricerca e di architettura nato a Napoli nel 2017, formato da Alberto Calderoni, Marianna Ascolese, Vanna Cestarello, Luigiemanuele Amabile, i cui progetti si immergono nella lettura profonda dell’ambiente costruito e delle stratificazioni del paesaggio e sperimentano, nelle possibilità date dalla grammatica del fare, risposte che ricercano la misura dell’appropriatezza e l’ineffabilità della bellezza. Il progetto di architettura è sempre una intensa scoperta delle specifiche condizioni dei luoghi: così viene costruito un preciso archivio personale e condiviso - il tavolo di lavoro - da cui emergono possibili modi con cui mettere in scena lo scambio osmotico fra l'uomo e i luoghi. Un modo di vivere il progetto che mette al centro l’esperienza e l’instancabile investigazione delle qualità sensibili delle cose costruite. Il fare, il legame irrinunciabile con il lento lavorio, graduale e sicuro delle mani che, nel progetto, pensano, prendono e infine decidono è il principio di un preciso modo di lavorare che si traduce e si esplicita proprio attraverso i modelli. Il processo del progetto guarda all’architettura, ne ricerca i caratteri, coglie le atmosfere, in una costruzione lenta ma febbrile, fatta di scatti in avanti e passi indietro, di riflessioni sul pulviscolare e sul generale, di attitudine a ricordare e a dimenticare. L’incertezza del metodo invita a non percorrere mai la stessa strada due volte alla stessa maniera, e a interrogarsi continuamente sul significato e il valore del tempo: “Cos’è dunque il tempo? Se nessuno me lo chiede, lo so; se voglio spiegarlo a chi me lo chiede, non lo so” (Sant’Agostino).

ARCHITECTURE

ITA 2 0L S PL YE 2C 0I A

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WWW.ABNORMALSTORY.COM @ABNORMAL_STORY

(ab)NORMAL

Everyday Ruins - Back then, People believed to represent the embodiment of a superior strain of beings, surely more than animals. It was more than a perception, for, to their eyes, Humans are more likely deities, gifted with free will

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image credits(ab)normal, m. carpino, m. inselvini, d. masserini, l. savio

Warehouse real-estate - Proposals for an e-commerce society. Confidential brand headquarters. Fully reflective structural facade, undisclosed location, 100% off-grid, smart storage

(ab)Normal is a creative agency engaged in the multidisciplinary exploration of different realms such as design, architecture, scenography and graphic design, founded by Marcello Carpino, Mattia Inselvini, Davide Masserini e Luigi Savio in 2017. The project began as a Graphic Novel without chronology, in which outdated 3d objects and unrealized formal obsessions were rearranged into spatial narratives. The images, highly iconographic, allegorically describe the strange intersection between the Internet, Gaming and Religion.A shared diary where we would be able to test,

express and reinterpret our obsessions gathered outside our professional career as architects and designers. We found ourselves stuck in the very intricate process of designing architecture, a process that often kill initial and pristine ideas for the sake of final output.(ab)Normal has been published in magazines such as Domus and Abitare and has contributed with his works to various cultural eventsrelated to design and architecture, such as the Oslo Triennale (OAT2019), the Ljubljana Biennale (BIO26), The Swiss Architecture Museum (S AM), Triennale of Milan, Haus der Architektur in Graz (HDA).

(ab)Normal è un’agenzia creativa multidisciplinare cheopera in diversi ambiti -design, architettura, scenografia e illustrazione -fondata da Marcello Carpino, Mattia Inselvini, Davide Masserini e Luigi Savio nel 2017. Il progetto è iniziato come una Graphic Novel priva di cronologia, nella quale oggetti 3dobsoleti e ossessioni formali irrealizzate vengono riarrangiati in narrazioni spaziali. Le immagini, altamente iconografiche, descrivono allegoricamente la strana intersezione tra Internet, Gioco e Religione. Un diario condiviso in cui testare, esprimere,reinterpretare le nostre ossessioni assorbite al di fuori della carriera professionale di architetti e designer, troppo spesso invischiati nel processo di progettazione dell’architettura; un processo che inibisce le idee iniziali -incontaminate -per soddisfare le richieste stringenti di clienti e normative, per il bene dell'output finale. (ab)Normal è stato pubblicato in riviste come Domus e Abitare ed ha contribuito con le sue opere a diversi eventi culturali legati al design e all’architettura, come laTriennale di Oslo (OAT2019), la Biennale di Lubiana (BIO26), Lo Swiss Architecture Museum (S AM), Triennale di Milano, L’Haus der Architektur di Graz (HDA).

Hybrid Field - We started having faith in data when we could not understand them anymore. Humans were used to study pulse frequencies of flowers, methane emissions of insects and humidity peaks in biological cortexes. Until the day when machines started collecting and processing on their own, so that we could live in peace and carelessness. Data storages became temples of our time

ARCHITECTURE

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AIDNA

WWW.AIDNASTUDIOS.COM @AIDNASTUDIOS @AIDNASTUDIOS

New school cafeteria in Fino Mornasco, competition, 2020 - Credit: L. De Rosa, S. Scandurra, A. Sorece, R. Soreca, A. P. Verde

AIDNA is an architecture collective from Naples, Italy, that explores contemporary languages in architecture and beyond. The main research field is architectural, urban and landscape design with specific interest towards nature and contemporary cities’ conditions, carrying out a nonphilological, multidisciplinary and crosshistorical sampling, indiscriminately tapping into the conspicuous and complex historical and contemporary heritage.

Knowing that architecture is a mindset, projects are elaborated as the result of a horizontal and open dialogue. This dialogue is the shape of architecture itself, a symposium nourished by confrontation and in the meantime the silence of individual intuition. It dives in the real and - getting lost in the chaos of principle - resurfaces with “how to” instructions. It hides in ordinary to unravel its veil, tirelessly reformulating questions to unmovable

answers, and answers to never changing questions. AIDNA is built on the constant evolution and variation of its performers and investigates on construction and de-construction, studying relationships between things, reasoning about the domesticity of public space and on the image of a world. Performers: Lorenzo De Rosa, Salvatore Scandurra, Antonio Soreca, Riccardo Soreca, Antonio Paolo Verde. AIDNA believes in architecture.

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Cappelle medicee new exit, competition, 2018 Credit: A. Balsamo, L. De Rosa, V. Golia, S. Scandurra, A. P. Verde

AIDNA è un collettivo di Napoli che esplora i linguaggi contemporanei, anche oltre l’architettura. Tratta di progettazione architettonica, urbana e paesaggistica con un interesse particolare per la natura e le condizioni della città odierna. Effettua un campionamento non filologico, trans-storico e multidisciplinare, attingendo in maniera indiscriminata dal cospicuo e complesso patrimonio storico e contemporaneo. Cosciente che l'architettura sia un sistema di pensiero, elabora progetti effetto di un dialogo orizzontale e aperto. Questo dialogo è la forma stessa dell'architettura, un simposio nutrito dal confronto e dal silenzio dell’intuizione soggettiva.

Experimental kitchen, mention, 2017 Credit: A. Balsamo, L. De Rosa, V. Golia, S. Scandurra, A. P. Verde

Si immerge nel reale e - confondendosi nel caos dei principi - riaffiora con le “istruzioni per l’uso”. Si nasconde nell’ordinario per squarciarne il velo. Riformula instancabilmente quesiti a risposte immutabili, così come rinnova risposte a quesiti invariabili. AIDNA è fondata sulla costante evoluzione e variazione dei propri interpreti e indaga sulla costruzione e sulla de-costruzione, studia i rapporti tra le cose, riflette sulla domesticità dello spazio pubblico e sull’immagine di un mondo. Interpreti: Lorenzo De Rosa, Salvatore Scandurra, Antonio Soreca, Riccardo Soreca, Antonio Paolo Verde. AIDNA ha fede nell’architettura.

ARCHITECTURE

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AM3 ARCHITETTI ASSOCIATI

Rendering of the liturgical hall 'Cuore Immacolato di Maria' in Villaggio Mosè, Agrigento (2017 - under construction)

WWW.AM3STUDIO.IT MARCO ALESI, CRISTINA CALÌ, ALBERTO CUSUMANO

@AM3ARCHITETTI

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Picture of Balestrate seafront (completed in 2014 in collaboration with Studio Camgemi sas)

The firm operates in Palermo since 2011 and works on projects both in the private and in the public sphere, expanding the theme of urban redevelopment through the design and construction of elements set in high-value historical, archaeological, and landscape contexts. A careful analysis of the specific context in which each work is placed is of great importance in the project procedure: in fact, this critical reading of the places aims at identifying the characteristics and peculiarities of all the fragments that make up each site. At first, the various aspects are isolated analytically, then they are reassembled and recreated in a new and coherent way. establishing precise spatial relationships between structure and context both on a large scale and on a very small scale. From the design point of view, the Studio

analyzes the many tensions that intersect the areas of the project, trying to find adequate solutions that are able to meet the diverse needs arising from the site itself. The firm received several recognitions: in 2015 they received an honorable mention at the prize giving for ’Young Talent of Italian Architecture’. In 2016 they was selected at Italian Pavilion of the 15th Architecture Venice Biennale “Taking care”, exhibiting Balestrate Seafront Renovation. In 2018 they was invited to exhibit a project about Gibellina and Belìce Valley, at Italian Pavilion of the 16th Architecture Venice Biennale “Arcipelago Italia”. At present the firm is dealing with the building of a church in Agrigento, and of a school complex in Madonie Park, Sicily.

Lo studio opera a Palermo dal 2011 lavorando a progetti in ambito privato e pubblico, sviluppando il tema della riqualificazione urbana attraverso la progettazione e realizzazione di opere inserite in contesti di pregio storico, archeologico e paesaggistico. L’analisi del contesto specifico nel quale ogni processo si inserisce ha un ruolo centrale nell’iter progettuale: tale attività di lettura critica è volta a individuare le caratteristiche e le peculiarità dei frammenti che compongono i luoghi. Isolati, in un primo momento, in modo analitico, vengono ricomposti in un senso nuovo e coerente, instaurando precise relazioni spaziali con il contesto sia a una scala più ampia sia a una scala minuta. Dal punto di vista progettuale, lo studio tenta di accogliere le molteplici tensioni che si intersecano sulle aree di progetto trovando soluzioni che rispondano alle diverse esigenze derivanti dal luogo stesso. Lo studio ha ottenuto negli anni diversi riconoscimenti: nel 2015 riceve la Menzione d’onore per il Premio Giovane Talento dell’Architettura Italiana. Nel 2016 è selezionato alla 15° Biennale di Venezia - Padiglione Italia “Taking care” con la riqualificazione del Lungomare di Balestrate. Nel 2018 è tra invitato ad esporre presso il Padiglione Italia “Arcipelago Italia” alla 16° Biennale di Venezia con un progetto su Gibellina e la Valle del Belìce. Attualmente lo studio sta lavorando alla realizzazione di un complesso parrocchiale ad Agrigento, e di una scuola nel Parco delle Madonie, Sicilia.

Plan of the boarding school with canteen and gymnasium in Malles, Bozen (first prize competition, in collaboration with Studio Camgemi sas)

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AMArchitectrue Portico from Mama house in Milan, 2019

AMARCHITECTRUE.STUDIO FAKEAUTHENTIC.ORG WWW.CADTAINER.COM @AMARCHITECTRUE @AMARCHITECTRUE @FA_FAKEAUTHENTIC @CADTAINER

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Primo factory renovation in Trezzano sul Naviglio, 2018. Drawings from Cadtainer

AMArchitectrue is a practice based in Milano, lead by Stefania Agostini & Luca Mostarda. Graduated at the Accademia di Mendrisio, they started together in 2018, focusing the practice on many various themes and scales that the work of an architect can deal with. Nuances.

They position theirselves in-between the production of a small piece of furniture and the renovation of a large factory from its foundation to the roof. They believe the most important features for their work are curiosity and genuinity. They always try to include, to each single project they’re dealing with, a certain range of curiosity and genuinity which sometime become obsession. Obsessions become moments of creative investigation. Bugnato, Ziggurat, Pastel, Shades, Triangles, Circles, Barbacan, Capitelli, of course Mirrors. Things they love. They live passionately every moment capable to catch their curiosity. In parallel to the practice, Luca is teaching in Mendrisio, with Jan De Vylder and Bijoy Jain for several years and with Grafton nowadays. In 2019 AMA with Matteo Moriani developed Cadtainer, a virtual library of handmade digital drawings, better known as cad blocks, available for free online. In occasion of Fuorisalone2019, AMA founded and curated F/A FakeAuthentic, a physical event and a virtual platform for youngsters, through which creatives present each a piece of furniture shaping the topic FakeAuthentic. The event will continue in Fuorisalone 2021, under the title Iconic Ironic host by Antonia Jannone Gallery.

AMArchitectrue è uno studio di architettura in Milano fondato da Stefania Agostini e Luca Mostarda nel 2018. Laureati entrambi all’Accademia di Mendrisio, condividono il desiderio di focalizzare il loro lavoro sull’intera gamma e varietà dei temi che un architetto può abbracciare. Nuances. Spaziano dal disegno di un piccolo suppellettile alla ristrutturazione di una grande industria, dalle sue fondamenta al tetto. Stefania e Luca credono che gli aspetti più importanti del loro lavoro siano la curiosità e la genuinità, qualità immancabilmente presenti in ciascun progetto con cui si confrontano. Curiosità e genuinità talvolta sfociano in ossessioni che a loro volta diventano momenti di indagine creativa. Bugnato, Ziggurat, Pastelli, Ombre, Triangoli, Cerchi, Barbacani, Capitelli, senza dubbio Specchi. Cose che amano. Vivono con passione ciascun momento in grado di catturare la loro curiosità. Parallelamente all’attività dello Studio, Luca insegna a Mendrisio, in un primo momento e per diversi anni con Jan De Vylder e Bijoy Jain, ed oggi insieme a Grafton architects. Nel 2019 AMA con Matteo Moriani sviluppa Cadtainer, una libreria virtuale di disegni realizzati a mano libera e digitalizzati a supporto di architetti. In occasione del Fuorisalone2019, AMA dà il via al progetto F/A FakeAuthentic, evento fisico e piattaforma virtuale ideata e curata per promuovere giovani talenti selezionati tramite concorso per presentare un suppellettile che rifletta sul tema FakeAuthentic. L’evento intitolato Iconic Ironic proseguirà con l’edizione del Fuorisalone 2021 presso la Galleria Antonia Jannone.

Matitone from Architetture Illuminate series, 2020 with T7 from Elefanti series, 2019

ARCHITECTURE

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WWW.XXXXX.NET

ASSOCIATES

ASSOCIATESARCHITECTURE.IT @ASSOCIATESARCHITECTURE @ASSOCIATES.ARCHITECTURE

Chapel of Silence, laic chapel built in Botticino (Brescia)

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Model laboratory in the office in Brescia

Spontaneous Landscape, a research on spontaneous architecture exhibited at the 12th São Paulo Architecture Biennale (Brazil) and at the 5th Lisbon Architecture Trienniale (Portugal)

Associates is an architectural office based in Brescia, founded in 2017, and directed by the Italian - South African duo composed by Nicolò Galeazzi (Brescia, 1987) and Martina Salvaneschi (Johannesburg, 1989). The office is conceived as a laboratory where practice meets architecture and craftmanship. They work, with their collaborators, through a process that aims to investigate the primary and primitive idea of things, starting from understanding the place and the cultural context in which they are called to operate. They study the place in depth to fully understand its intrinsic potential, the visible and invisible traces, the material and climatic aspects as well as the historical sediments that can help guide the project.

This study also implies a detailed examination of the local cultures, their history, rituals and in particular the anonymous and spontaneous architecture that was built over the time by the inhabitants of the region. Architectures that they see as manifestations of a sincere work, expressions of values that they try to pursue every day in their profession. The process subsequently moves through a patient work in which these contributions intertwine with the first drawings made on the images and with the creation of multi-scale models through which they investigate the material, the spatial and formal possibilities of an architecture that they want to be the bearer of memory and identity of the place where they operate.

Associates è uno studio di architettura, con sede Brescia, fondato nel 2017 e diretto dal duo italo-sudafricano composto da Nicolò Galeazzi (Brescia, 1987) e Martina Salvaneschi (Johannesburg, 1989). Lo studio è concepito come un laboratorio in cui la pratica architettonica incontra quella artigianale. I due soci lavorano, con i collaboratori, attraverso un processo che mira ad indagare l’idea prima delle cose, a partire da una profonda comprensione del luogo in cui sono chiamati ad operare e di cui cercano di comprendere a pieno le potenzialità intrinseche, le tracce visibili e invisibili, gli aspetti materici, climatici e i sedimi storici che possono guidare il progetto. Questo studio implica anche un approfondimento riguardante il contesto culturale, la storia, i rituali e le architetture spontanee realizzate nel tempo dagli abitanti di questi luoghi. Architetture che pensano essere manifestazioni di un operare sincero, espressioni di valori che cercano di perseguire ogni giorno nella professione. Il processo muove successivamente attraverso un paziente lavoro in cui questi contributi si intrecciano con i primi disegni e con la produzione di numerosi modelli a scale differenti con i quali indagano la materia, la luce, le relazioni, le possibilità spaziali, formali e strutturali di un'architettura che vogliono sia portatrice di memoria e identità dei luoghi in cui lo studio opera.

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ATI SUFFIX

WWW.ATISUFFIX.NET

Illustrations by Panagiotis Samsarelos

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Ati suffix is an interdisciplinary collective based in Rome committed to alter itself on a project base. The spirit is exemplified by the constant change of nomination and the methodological use of highly diversified characters during their interventions. The adoption of the Italian grammar suffix -ATI is methodologically devised to allow each project to be conceived and understood as reciprocal; imperative to the public and selftransformative for the project members. At the base of the collective's research is the understanding and the stressing of the contributions given by each actor participating in the construction of the city. They conceive their involvement as contaminated contaminants in co-created processes open and co-directed by the circumstances, the contexts, the people and the communities encountered. they refuse to operate in the urban environment within the logic already governing the city, thus they push their research as a trojan horse to decode, provoke and break pre-established convictions while operating as an unbalancing factor. The specificity and concreteness of their urban intervention lies in their heterodoxy and unpredictability: from decorum to indecency, they work at the relational and imaginative level to counter professionalism towards an undisciplined form of engagement in the city to come.

ATI suffix è un collettivo di architetti, artisti, filosofi e ricercatori dal nome variabile con base a Roma, il cui lavoro intreccia architettura e arte relazionale. L'adozione del suffisso grammaticale -ATI racconta l'intento di concepire ogni progetto come un'azione reciproca: un imperativo verso il pubblico e una trasformazione dei membri stessi del progetto. Il collettivo promuove dal 2013 progetti nei musei e nello spazio pubblico, affrontando le più urgenti questioni urbane del contemporaneo. I progetti sono accomunati da un bisogno di provocare, sperimentare nuove forme di interazione tra storia sociale e spazi urbani, tra abitanti e città, attivando dispositivi spaziali e processi di co-ideazione che interroghino i limiti del processo di creazione architettonica. All'interno di una ricerca eterogenea sulla città e sulla dimensione urbana, attivano performance, azioni, installazioni e laboratori dalla spiccata attitudine relazionale, effimera, interattiva, ludica e dissacrate. Concepiscono il loro coinvolgimento come attori contaminanti e contaminati di processi co-creati aperti e co-diretti dalle circostanze, dai contesti, dalle persone e dalle comunità incontrate, spingendo la loro ricerca come cavallo di Troia per decodificare, provocare e rompere le convenzioni e operando come fattore di squilibrio. La specificità e la concretezza del loro intervento urbano risiede nell’eterodossia e nell’imprevedibilità: dal decoro all'indecenza, lavorando nel tessuto immaginativo per contrastare la professionalità imperante verso una forma di attivismo indisciplinato impegnato a partecipare nel divenire della città. Alla base della ricerca del collettivo c'è l’ascolto e l’attenzione per contributi dati da ciascun attore che partecipa alla costruzione della città.

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B22

WWW.B22.IT @WWW.B22.IT

Cascina Merlata social housing, via Pier Paolo Pasolini, Milano, 2012-15. Ph. Filippo Romano

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Stefano Tropea, founding partner, B22. Ph. Federico Villa

Background - Kingdom of Bahrain pavilion at the 13th International Architecture Exhibition La Biennale di Venezia (in team with Matilde Cassani, Francesco Librizzi), Venezia, 2012 - Ph. Giovanna Silva

B22 is a practice committed to producing architecture for complex programs at all scales. They provide architecture, interior design, urban and landscape design for clients both from the public and private sector: clients are supplied with tailored solutions, suitable for specific programs and projects requirements. They believe in architecture as a co-authorial practice: their work is based on process and programme control, and on an intensive dialogue with the city, clients, consultants, contractors, stakeholders and end users. Their goal is to tackle open-ended problems in a multidisciplinary way. They combine an articulated professional

expertise with careful onsite interventions and a consistent track on innovation. Work by the practice includes the Cascina Merlata social housing building (Gold Medal for Italian Architecture - First work special award, Triennale di Milano) and the Kingdom of Bahrain pavilion at the 13th and 12th Venice Architecture Biennale (Golden Lion award for the best national participation, La Biennale di Venezia). B22 has been selected in 2016 for the Europe 40 under 40 award by The European Centre for Architecture and The Chicago Athenaeum, and nominated for the Italian Architecture Young Talent Prize 2015 by the National Council of Architects and Planners.

B22 produce progetti di architettura, urbanistica e paesaggio dalla piccola alla grande scala, per clienti pubblici e privati: lo studio è specializzato nell’ideazione, gestione e comunicazione di progetti complessi, caratterizzati dalla compresenza di una molteplicità di attori e interessi. Il loro credo è la co-autorialità dei processi ideativi e di trasformazione del paesaggio, e l’attività si fonda su una gestione efficiente dei processi creativi e su un dialogo intenso con abitanti, amministrazione pubblica, committenti, imprese costruttrici e stakeholder. Il metodo di lavoro coltivato dallo studio è aperto e in continua evoluzione, basato sull’equilibrio tra capacità di ascolto, competenza, coerenza delle scelte e innovazione. L’obbiettivo è rispondere in modo puntuale e specifico alle differenti sfide che caratterizzano ogni singolo progetto. I lavori recenti dello studio includono un edificio di housing sociale in via Pier Paolo Pasolini a Milano e i progetti per un edificio residenziale cooperativo e per il recupero del complesso di Cascina San Carlo sempre a Milano. Lo studio ha seguito il coordinamento locale e l’allestimento del padiglione del Regno del Bahrain alla 12a e 13a Mostra Internazionale di Architettura La Biennale di Venezia e partecipato alla 14a e 15a Biennale nelle sezioni Monditalia - Tortona Stories e Padiglione Venezia. B22 ha ricevuto il Premio speciale all’opera prima - Medaglia d’oro all’architettura italiana (2015), ed è stato inoltre selezionato per il Premio Europe 40 under 40 (2016) e segnalato per il Premio Giovane talento dell’architettura italiana (2015). Con il team del Padiglione del Regno del Bahrain ha ricevuto il premio Leone d’oro per la migliore partecipazione nazionale (2010).

SON center for mental fragility "Cascina San Carlo" (in team with Carlo Venegoni), via privata Trasimeno 67, Milano, 2016-ongoing - Ph. B22

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ALESSANDRO

BAVA WWW.ALESSANDROBAVA.COM @___BAVA

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Immagini progetto cas-co Leuven - Ph. Mattijs van der Burgt

Architecture as pratica sperimentale! Armonia cosmica e politics of materials!! Non-normativa-emotiva-rationalist!!! Femminista, androgina, queer!!!! Beauty, felicitĂ , amore!!!!!

Ph. Calla Henkel and Max Pitegoff

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WWW.BDRBUREAU.COM @BDRBUREAU @BDRBUREAU

BDR BUREAU

Fermi School, Torino 2017-2019 (ph. Simone Bossi)

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Sampling Opportunities, strategies for the reuse of Porto Marghera 2016

BDR bureau works in the fields of architecture, it is based in Turin and was founded by Alberto Bottero and Simona Della Rocca. They intend the practice as a slow and evolving path, which weaves personal interests and experiences, and whose narration requires a reflection on one's intentions and obsessions. In their work they try to experiment with spatial strategies by following the idea of an open architecture that responds to the evolving needs of our time; this also means thinking of generous spaces, reasoned but not excessively predetermined in the design, which have their own quality and the ability to adapt over time. Projects are developed starting from a broad interpretation of places and of contextual conditions, with the tension to transform limits into opportunities. Perhaps also for this reason they are interested in working in contexts of reuse, where architecture becomes integral part of a stratification process. Then there are themes that interest (or obsess) them and with which they repeatedly confront: autonomous

objects able to reconfigure the space in which they are inserted and multiply their uses; the search for a coincidence between structure and space; careful work on materials and surfaces, the search for mediation spaces between opposite poles (internal / external, public / private). Following these tracks, the project becomes an opportunity for experimentation, regardless of the program and size, from the housing unit to the urban space.

BDR bureau è uno studio di architettura con base a Torino e fondato nel 2016 da Alberto Bottero e Simona Della Rocca. Lo studio interpreata la pratica come un percorso lento e in divenire, che intreccia interessi ed esperienze personali, e il cui racconto richiede una riflessione sulle proprie intenzioni e ossessioni. Nel loro lavoro gli architetti cercano di sperimentare strategie spaziali seguendo l'idea di un'architettura aperta, che risponde alle esigenze in evoluzione del nostro tempo; questo significa anche pensare spazi generosi, ragionati ma non eccessivamente predeterminati nel disegno, che abbiano una propria qualità e la capacità di adattarsi nel tempo. I progetti sono sviluppati a partire da un'ampia interpretazione dei luoghi e quindi delle condizioni del contesto, con la tensione a trasformare limiti in opportunità. Forse anche per questa ragione lo studio ama lavorare in contesti di riuso, dove l'architettura si misura con un processo di stratificazione e ne diventa parte integrante. Ci sono poi dei temi che interessano lo studio e con cui gli architetti si confrontano ripetutamente: oggetti con una propria autonomia formale che riconfigurano lo spazio in cui sono inseriti e ne moltiplicano gli usi; la ricerca di una coincidenza tra struttura e spazio; un lavoro attento su materiali e superfici, la ricerca di spazi di mediazione tra poli opposti (interno/esterno, pubblico/privato). Seguendo queste tracce, il progetto diventa un'occasione di sperimentazione, indipendentemente dal programma e della dimensione, dall'unità abitativa allo spazio urbano.

Triptych, a square three spaces, Rivarolo 2018

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BE.ST BELINGARDI STEFANO

WWW.STEFANOBELINGARDI.COM @BEST.BELINGARDISTEFANO

Prisma - Client: Ardian & Prelios - Type: Office Building - Size: 10.000 M2 - Location: Milan, Piazza Fidia 1 Status: Under Authorities Evaluation. Architect: Stefano Belingardi Clusoni

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Frame - Client: Sic Srl - Type: Office Building - Size: 8.500 M2 - Executive Project: L22 - Location: Milan, Via Bisceglie 95 Status: Under Construction. Design Architect Stefano Belingardi Clusoni

The philosophy of his architecture was influenced at the Mendrisio Academy. The fundamental principles of his creative process come from his passion for his work and as well from his interest in the construction technique that follows the idea until the end of the process. His projects have a rationalist character where the structure generates the shape and not vice versa. The aim is to obtain the maximum emotions and functionality by mixing durability, integrity, warmth and armony, considering

the importance social aspect of his work. A continuous research on the interpretation of the location, imagining an atmosphere: a space that will be lived and that must be functional. Creating an harmonious and strong image that clearly states its presence and its will. Among his projects: “Prisma” is the winning project of the competition of a tender promoted by Ardian & Prelios for the construction o fan office office building in Milan - Piazza Fidia 1. The possibility of being involved in such a competition full of International scale architects and being part of this important project for the city of Milan, has been possible thanks to a visionary client - mainly in the person of Rodolfo Petrosino (managing director), Matteo Minardi and Nicola Plescia with the technical support of Perelli Consulting (project manager) during the evaluation of the projects - with the courage to bet on the project of a 33 years old architect. The project has been delivered to the authorities and it is under evaluation. “Frame” is located in Milan, Via Bisceglie 95, it concerns the construction o fan office building which is part of a urban context under development. The project will be completed around the end of October.

La filosofia dell’architettura di Stefano Belingardi parte dalle influenze ricevute all’Accademia di Architettura di Mendrisio. Le basi fondamentali del processo creativo derivano dalla sua grande passione per questo mestiere e in parallelo dal fascino della tecnica costruttiva che accompagna l’idea fino alla realizzazione dell’opera. I suoi progetti hanno un’impronta razionale dove la struttura è generatrice della forma e non viceversa. Un approccio architettonico che punta a trasmettere il massimo delle emozioni nel massimo della funzionalità mischiando durevolezza, integrità, calore e armonia, nel rispetto e nella consapevolezza dell’importanza sociale del suo lavoro. Una continua ricerca sull’interpretazione del luogo, cercando di attivare nell’immaginario un’atmosfera, uno spazio che andrà vissuto e che dovrà essere funzionale. Creare un'immagine armoniosa e di impatto allo stesso tempo che dichiari in maniera chiara e netta la sua presenza e la sua volontà. Tra i suoi progetti: “Prisma” è l’immagine vincitrice del concorso di un bando promosso da Ardian/Prelios per la realizzazione di un immobile ad uso uffici in piazza Fidia 1 a Milano. La possibilità che l’architetto si sia potuto confrontare con studi di fama internazionale e di far parte di un progetto cosi importante per Milano in una zona di grande trasformazione, è stata resa possibile da un cliente illuminato in particolare nella figura di Rodolfo Petrosino (Managing Director), Matteo Minardi e Nicola Plescia con il supporto tecnico in fase di valutazione di Perelli Consulting in Qualità di Project Manager - che hanno avuto il coraggio di scommettere sul progetto di un architetto di 33 anni. Il progetto è stato consegnato in comune ed è in fase di valutazione. “Frame” si trova in via Bisceglie 95 a Milano, si tratta della realizzazione di un edificio per uffici anch’esso inserito in un contesto di grande sviluppo urbano. Il progetto è in costruzione e terminerà intorno alla fine di ottobre 2020.

Prisma model

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FABRIZIO

BENDAZZOLI

WWW.FABRIZIOBENDAZZOLI.IT @FABRIZIOBENDAZZOLI

Somma Light Table - Company: Citco

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Pasticceria Cucchi website - Fabrizio Bendazzoli with Blabla.agency www.pasticceriacucchi.it

Fabrizio Bendazzoli was born in Verona in 1988 and currently lives in Milan where he works and continues his multidisciplinary study project to fully respond to the diversification of work throughout the range of design. The character of the studio is essential, clean, conceptual and it is conceived as a hub of interpersonal situations and relations, a meeting point between the constructed and the world of human bonds. Every shade of his personality is reflected in his works: care, consideration and attention to detail, discipline and passion. Contemporary aesthetic, highly

recognisable and characterised by a strong visual force, can be seen in the great sophistication of the product, in its identity strength and in the incredible functionality of each composing feature. Currently the results of the study are objects, spaces, visual identities, websites, coherent and integrated communication tools. The design methodology and approach to work give an exceptional effectiveness in perceiving, developing and guiding the project in all its aspects, paying special attention to the needs and dynamics resulting from the work carried out in cooperation with clients.

Fabrizio Bendazzoli nasce a Verona nel 1988 e attualmente risiede a Milano dove lavora e porta avanti il suo progetto di studio multidisciplinare per rispondere appieno alla diversificazione lavorativa in tutto il ventaglio del design. Il carattere dello studio è essenziale, sintetico, concettuale e viene concepito come un fulcro di situazioni e relazioni interpersonali, come rapporto in essere con il mondo costruito e con il mondo dei legami umani. Nei lavori si riflettono tutte le peculiarità del suo carattere: premura, attenzione, cura del dettaglio, rigore e passione. L’estetica contemporanea, altamente riconoscibile e di grande impatto visivo, si evince nella ricercatezza del risultato, nella forza dell’identità e nell’incredibile funzionalità di ogni elemento che ne fa parte. Attualmente i risultati dello studio sono oggetti, spazi, identità visive, siti internet, strumenti di comunicazione coerenti e integrati. La metodologia progettuale e l’approccio al lavoro conferiscono un’eccezionale efficacia nel percepire, sviluppare e guidare il progetto sotto tutti i suoi aspetti, rivestendo particolare attenzione ai bisogni e alle dinamiche derivanti dal lavoro svolto in cooperazione con i clienti.

Restaurant Carmè Milano Brand Identity - Ph. Erika Ciancio

ARCHITECTURE

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FEDERICA BIASI WWW.FEDERICABIASI.COM @FEDERICABIASISTUDIO

Wooden structure, Livre armchair for Gallotti& Radice 2020, design Federica Biasi

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Livre for Gallotti&Radice 2020, design Federica Biasi

Italian designer and art director, internationally recognized for her works. After several italian experience in interior and product design, She moved for two years in the Netherlands where she focuses on nordic design and emerging trends, focusing on the aesthetic research and formal simplicity that inspires her personal style: soft, clean, graceful, detailed. In 2015 she returned to Italy and founded Federica Biasi Studio in Milan. Currently she works as art director and product designer for many different brand and companies focusing the research and forecasting of international trends: colors, materials and finishes, with particular attention to the functionality and shape always finding a perfect balance with the know-how of every

company she works with and her sign. From 2016 she is been teaching and lecturing in IED Milano and Marangoni in product design courses and Masters. In January 2018 has been nominated by the master Andrea Branzi, and awarded in Paris, during Maison&Objet as one of 6 Italian Rising Talent of contemporaneity. Federica is a 360 ° designer, she works with companies all over the world, her philosophy is based on a clean aesthetic approach: nothing is left to chance, every detail has a specific aim both it is a product and artistic direction. Now Biasi works among others with Italian, dutch, and swiss companies such as Lema, Nestlè, Gallotti&Radice, CC-tapis, Fratelli Guzzini, Frigerio, Mingardo, Manerba, Nason Moretti.

Ph. Matteo Imbriani

Designer e art director italiana, riconosciuta a livello internazionale per le sue opere. Dopo diverse esperienze italiane nel campo dell'interior e del product design, si è trasferita per due anni in Olanda dove si è concentrata sul design nordico e sulle tendenze emergenti, puntando sulla ricerca estetica e sulla semplicità formale che ispira il suo stile personale: morbido, pulito, aggraziato, dettagliato. Nel 2015 torna in Italia e fonda a Milano lo Studio Federica Biasi. Attualmente lavora come art director e product designer per diversi marchi e aziende concentrandosi sulla ricerca e la previsione delle tendenze internazionali: colori, materiali e finiture, con particolare

attenzione alla funzionalità e alla forma, trovando sempre un perfetto equilibrio con il know-how di ogni azienda con cui lavora e con il suo segno. Dal 2016 è docente e docente presso lo IED Milano e Marangoni in corsi e master di product design. Nel gennaio 2018 è stata nominata dal maestro Andrea Branzi, e premiata a Parigi, durante Maison&Objet, come uno dei 6 talenti emergenti italiani della contemporaneità. Federica è una designer a 360°, lavora con aziende di tutto il mondo, la sua filosofia si basa su un approccio estetico pulito: nulla è lasciato al caso, ogni dettaglio ha un obiettivo specifico sia di prodotto che di direzione artistica. Ora Biasi collabora tra gli altri con aziende italiane, olandesi e svizzere come Lema, Nestlè, Gallotti&Radice, CC-tapis, Fratelli Guzzini, Frigerio, Mingardo, Manerba, Nason Moretti.

Sketch Livre, Federica Biasi

DESIGN

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BTArchitetti Fabio Baratto & Concetta Tavoletta

WWW.BTARCHITETTI.COM @BTARCHITETTURA @BTARCHITETTURA

C. Tavoletta, digital collage for Jomeyo, Shenzhen, China, 2019 The cassettonatoâ&#x20AC;&#x2122;s theme relives in the contemporary through a relationship between tongues of light, squares and rectangles that fit together in the ceiling frame.

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The Balcony. Jomeyo, Shenzhen, China, 2019 (ph. BTArchitetti) The first level overlooks on double height of the square, a real balcony from which to observe the city of beauty. Glossy black D-Bond, geometries of bright colors envelop the space where the structure is emphasized by an artificial cassettonato made up of blocks of light

BTArchitetti Fabio Baratto (Naples, 1980) and Concetta Tavoletta (Caserta, 1986), architects and PhDs in Architectural and Urban Design are the BTArchitetti founders. The office is for them the first place of experimentation and combines the skills resulting from the experience of the two partners. The architectural project is accompanied by a lively theoretical production derived from their academic research and partnership with some of the most important architecture and design magazines. Concetta Tavoletta, adjunct professor since 2016, has published two monographs "The persistence of the Trilite" (2016) and "Paratassi. Architecture for parts” (2019). The study was reported for the Gold Medal of Italian Architecture - Young de Albertis Award and included in the scientific

journal Platform Architecture and Design as one of the emerging studies in the New Generation column. In 2019 the office won the first prize in Commercial & Retail category in the Archmarathon Selection MADE Expo Award. Overwriting traditional objects that transform into unexpected elements has become the Manifesto of their way of understanding the project; capsize the point of view is the method that they choose to convert the ordinary into the extraordinary. Their portfolio includes than 400 domestic interiors and retail spaces in Italy, Malta, Serbia, Kosovo, France, Spain, Russia, Ukraine, Latvia, Kazakhstan, Mongolia, Georgia, UAE, Qatar, Lebanon, Malaysia, and China. Gianmaria Radice and Rosalia Mezzacapo, Senior Architect, collaborate with BTArchitetti since the office foundation.

BTArchitetti Fabio Baratto (Napoli, 1980) e Concetta Tavoletta (Caserta, 1986) sono architetti e PhD in Progettazione Architettonica e urbana e fondatori di BTArchitetti. Lo studio è per loro il primo luogo di sperimentazione e unisce le competenze frutto dell’esperienza dei due partner. Al progetto di architettura accompagnano una vivace produzione teorica derivata dalla loro ricerca accademica e dalla partership con alcune delle più importanti riviste di architettura e design. Concetta Tavoletta, professore a contratto dal 2016, ha pubblicato due monografie “La persistenza del Trilite” del 2016 e “Paratassi. Architettura per parti” del 2019. Lo studio è stato segnalato per la Medaglia d’oro dell’Architettura Italiana - Premio Young de Albertis e inserito nella rivista scientifica Platform Architecture and Design come uno degli studi emergenti nella rubrica New Generation. Nel 2019 lo studio si aggiudica il Primo Premio (Commercial&Retail) all’Archmarathon Selection MADE Expo. Sovrascrivere oggetti tradizionali che si trasformano in elementi inaspettati è diventato il Manifesto del loro modo di intendere il progetto; ribaltare il punto di vista è il metodo che scelgono per convertire l’ordinario in straordinario. Il loro portfolio include più di 400 interni domestici e spazi di retail in Italia, Malta, Serbia, Kosovo, Francia, Spagna, Russia, Ucraina, Lettonia, Kazakistan, Mongolia, Georgia, Emirati Arabi, Qatar, Libano, Malesia, e Cina. Gianmaria Radice e Rosalia Mezzacapo collaborano con BTArchitetti dalla fondazione dello studio.

Axonometric view for Jomeyo, Shenzhen, China, 2019 The make-up space is commutend into a real city of beauty where the contour / limit on the ground floor is made up of a "curtain" of elements and in the center there is a square where you can share your beauty idea.

ARCHITECTURE

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VALENTINA CAMERANESI SGROI

Tivoli table for operativa arte

VALENTINACAMERANESISGROI.COM @VALENTINACAMERANESI

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Becco Classico

In her personal research, which began in 2012 after studying industrial design at Isia in Rome and an experience as an employee in a company - for which she followed both design and communication - Valentina tried to combine the aesthetic and formal component, very present in her work, with a deep and flexible understanding of the craft practice and the representation of the object. She started out by designing vases but also designed tables, glasses and fabrics. Since then the relationship with artisans has become increasingly important both in the design and execution phases. Valentina's goal is to find signs that can be contemporary without being "trendy" and create a language that is based not only on the search for perfection but also on doubt, on the variable in proportions and above all on the revaluation of the value of "applied art". Part of the project is also for her the installation and photography of the objects for which she collaborates with various photographers. She designed for Pretziada, Karpeta, Sem Milano and Bloc Studios for object projects and with Operativa Arte and private clients for limited edition pieces. Since 2012 she also collaborates with Enrico Pompili with whom she follows interior and set design projects, shop windows and fittings for design and fashion.

Nella sua ricerca personale, iniziata nel 2012 dopo un percorso di studi di disegno industriale presso l’Isia di Roma e un’esperienza come impiegata presso un’azienda - per la quale seguiva sia il design che la comunicazione - Valentina ha cercato di coniugare la componente estetica e formale, molto presente nel suo lavoro con una comprensione profonda e flessibile della pratica artigianale e della rappresentazione dell’oggetto. È partita dal disegnare vasi ma ha disegnato anche tavoli, bicchieri e tessuti. Da allora il rapporto con gli artigiani ha assunto sempre più importanza sia nella fase di progettazione che di esecuzione L’obiettivo per Valentina è trovare dei segni che riescano a essere contemporanei senza essere "di tendenza” e creare un linguaggio che si basi non solo sulla ricerca della perfezione ma anche sul dubbio, sulla variabile nelle proporzioni e soprattutto sulla rivalutazione del valore dell’“arte applicata”. Parte del progetto è per lei anche l’installazione e la fotografia degli oggetti per le quali collabora con diversi fotografi. Ha disegnato per Pretziada, Karpeta, Sem Milano e Bloc Studios per progetti di oggetti e con Operativa Arte e committenze private per pezzi in edizione limitata. Dal 2012 collabora anche con Enrico Pompili con il quale segue progetti di interior e set design, vetrine e allestimenti per design e moda.

Elements Coat Rack by Valentina Cameranesi, made by Fratelli Argiolas for Pretziada

DESIGN

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WWW.CASATIBUONSANTE.COM

CASATIBUONSANTE ARCHITECTS

Detail 1# Ph. Â© Piercarlo Quecchia DSL Studio

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Founded in Milan in 2017 by Antonio Buonsante and Federico Casati, casatibuonsante architects tackles architecture and design at different scales, from domestic landscape to urban dimension. Thanks to selected advisors, the office operates at the intersection between research, set design and brand identity, for products and companies. casatibuonsante architects contemplates architecture primarily as a spatial experience, and tests quality and works limits through implementation, while maintaining control over the entire process. One of the office’s aims is to develop a scientific work methodology, which is readable through shared parameters, and which overrides personal narrative speculations. Aware of the changing social, cultural and economic context, and of limits and new dynamics that define the domestic and urban space, casatibuonsante architects permits a certain level of compromise, never as dilution, but always as a springboard to a richer and more inclusive vision. casatibuonsante architects aims to define a generic architectural model which, sporadically adapts to specific client and market requests, without sacrificing coherent, ethical, shared and accurate results. Eventually romantic. Detail 2# Ph. © Louis De Belle

Fondato a Milano nel 2017 da Antonio Buonsante e Federico Casati, casatibuonsante architects si occupa di architettura e design a tutte le scale, dall’ambiente domestico alla dimensione urbana. Grazie a consulenti selezionati, lo studio opera nell’ambito della ricerca, dell’allestimento e dell’immagine coordinata per prodotti e aziende. casatibuonsante architects vede l’architettura principalmente come pratica spaziale e tende a verificare qualità e limiti del lavoro attraverso la realizzazione, mantenendo il controllo sull’intero processo. Tra gli obiettivi dello studio vi è quello di sviluppare una metodologia di lavoro scientifica, comprensibile

Detail 3# Ph. © Louis De Belle

attraverso parametri condivisi, evitando speculazioni narrative personali. Consapevoli delle mutate condizioni sociali, culturali ed economiche, dei limiti e delle nuove dinamiche che definiscono lo spazio domestico e urbano, lo studio ammette di buon grado un certo livello di compromesso, che non viene visto come rinuncia, ma come punto di partenza per una visione più ricca e inclusiva. casatibuonsante architects punta a definire un modello di architettura generico che di volta in volta si adatti alle singole richieste del committente, del mercato, senza rinunciare a un risultato coerente, che sia etico, condiviso, esatto. Qualche volta romantico.

ARCHITECTURE

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CORTESE|MAZZA WWW.CORTESEMAZZA.COM @CORTESEMAZZA

Case study for a hotel in Kyoto (JP) Caso studio per un hotel a Kyoto (JP). @2020 cortese/mazza

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cortese/mazza is an architecture practice founded by Claudio Cortese (1991) and Barbara Mazza (1992). They both graduated at Accademia di Architettura of Mendrisio (CH) and from 2016 they are based in Belgium, where they have been collaborating with architecten de vylder vinck taillieu, Dogma, and Baukunst, working on the development of international projects at different scales and phases. Since then, they are based in Belgium, Between Brussels and Ghent, they share interests and ambitions. The extensive common background built during the first years of collaboration shaped a realm of references so similar, yet so different. Together they officially founded cortese/mazza in 2020. Fundamental moment, which brings together each project, is the initial development of a precise set of rules which are depending on logic, program, and context, and want to find new opportunities through the given constraints. Although the method used follows a common line, it is not afraid to question itself to escape repetitiveness and evolve through time. Transformation and adaptability are key elements for the practice itself and for each design on every scale, from a table to a public

Pavilion for an art and music festival in Ponte Delgada (PT). Structure for multiple scenarios. @2020 cortese/mazza

building. Technology and Craftmanship are then main tools. The research on single detail can be the driving force throughout the work. As a result, cortese/mazza like to free themselves by any academic prejudice and find cues from the furthest and most unusual culture, looking at things with a keen yet enthusiastic eye.

cortese/mazza è uno studio di architettura fondato da Claudio Cortese (1991) e Barbara Mazza (1992). Entrambi laureati presso l'Accademia di Architettura di Mendrisio (CH), dal 2016 risiedono in Belgio, dove collaborano con architecten de vylder vinck taillieu, Dogma e Baukunst, lavorando allo sviluppo di progetti internazionali a diverse scale e fasi. Tra Bruxelles e Gent condividono interessi e ambizioni. L'ampio background condiviso e costruito durante i primi anni di collaborazione ha dato forma a un regno di riferimenti così simili, eppure così diversi. Insieme hanno fondato ufficialmente cortese/mazza nel 2020. Momento fondamentale, che riunisce ogni progetto, è lo sviluppo iniziale di un preciso insieme di regole che dipendono dalla logica, dal programma e dal contesto, e che vogliono trovare nuove opportunità attraverso i vincoli dati. Sebbene il metodo utilizzato segua una linea comune, non teme di mettersi in discussione per sfuggire alla ripetitività ed evolversi nel tempo. La trasformazione e l'adattabilità sono elementi chiave per la pratica stessa e per ogni progetto ad ogni scala, da un tavolo a un edificio pubblico. La tecnologia e l'artigianato sono quindi strumenti principali. La ricerca sul singolo dettaglio può essere la forza trainante di tutto il lavoro. Di conseguenza, cortese/mazza ama liberarsi da ogni pregiudizio accademico e trovare spunti dalla cultura più lontana e insolita, guardando le cose con occhio acuto ma sempre entusiasta.

Study for an easy-to assemble table made in aluminum. @2020 cortese/mazza

ARCHITECTURE

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FABBRICANOVE WWW.FABBRICANOVE.COM @FABBRICANOVE

Milan Luiss Hub (MI) - Client: L. Lab Srl. Ph. Filippo Romano

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House on the Gulf of Baratti (LI) - Client: Private. Ph. Filippo Romano

Founded in Florence in 2009 by Enzo Fontana and Giovanni Bartolozzi, Fabbricanove can now count on a multidisciplinary team, made up of twenty young professionals including architects and engineers. The studio stood out for its radical approach to design and for its attention to the context and construction phases. Fabbricanove has taken part in many international design competitions and participated in the 16th Venice Biennale. Much of the research and development work has been dedicated to the recovery of the existing building heritage both within consolidated historical contexts and in more peripheral areas. The heterogeneity, complexity and fragility of the Italian landscape (both urban and rural), with its historical overlaps and stratifications, with its riches and contradictions, have contributed to the developing of a series

of response actions, capable of giving a change of direction within contexts often degraded and inert to change. It is a way of working that has converted dialectics and exchange in a value, not only regarding the strictly disciplinary terrain of architecture, but also that of constructive confrontation with institutions, public administrations, Superintendence for Cultural Heritage, users and basically all the participants in the design process. It is a constant exercise with attention both on the quality of the result and on the production, evaluation and enhancement of possible scenarios. With this approach Fabbricanove is also focusing its research on the most marginal and small-scale contexts, involving local communities and raising their awareness of the investment on existing assets and on the quality of architecture.

Fondato a Firenze nel 2009 da Enzo Fontana e Giovanni Bartolozzi, Fabbricanove può oggi contare su un team multidisciplinare, composto da venti giovani professionisti. Lo studio si è distinto per la radicalità nell’approccio progettuale e per l’attenzione al contesto e alle fasi realizzative. Ha partecipato a numerosi concorsi internazionali, ottenendo importanti risultati, e alla XVI edizione della Biennale di Architettura di Venezia. Gran parte del lavoro di ricerca e sviluppo, è stato dedicato al recupero del patrimonio edilizio esistente, sia all’interno di contesti storici consolidati che in ambiti più periferici. L'eterogeneità, la complessità e la fragilità del paesaggio italiano (urbano e rurale), con le sue stratificazioni storiche, le ricchezze e le contraddizioni, hanno contribuito a sviluppare una serie di azioni di risposta, capaci di imprimere una nuova direzione all'interno di contesti spesso degradati e inerti ai cambiamenti. Si tratta di una modalità di lavoro che ha fatto della dialettica e dello scambio un valore non solo sul terreno strettamente disciplinare dell'architettura, ma anche su quello del confronto costruttivo con le Istituzioni, le Pubbliche Amministrazioni, le Soprintendenze, gli utenti finali e tutti gli attori che partecipano all'iter progettuale. Un esercizio costante, attento sia alla qualità del risultato che alla produzione, valutazione e valorizzazione di scenari possibili. Con questo approccio Fabbricanove sta concentrando la sua ricerca anche sui contesti più marginali e di piccola scala, coinvolgendo le comunità locali e sensibilizzandole all’investimento sul patrimonio esistente e sulla qualità dell'architettura.

ARCHITECTURE

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FONDAMENTA WWW.FONDAMENTA.ARCHI @FONDAMENTA_

Winery in Monforte dâ&#x20AC;&#x2122;Alba - Interior Rendering. Built Project

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Private House in Lugano - Switzerland, Exterior Rendering ©Dima Preliminary Phase Francesca Gagliardi & Federico Rossi. ©Mikael Olsson

Ph. Mikael Olsson

Graduated at the Accademia di Architettura di Mendrisio, Switzerland, Francesca Gagliardi and Federico Rossi founded Fondamenta with Matteo Clerici in 2016. Based in Milan, it has been represented by the Gagliardi-Rossi creative union since 2017. Fondamenta questions conventions and supports contradictions. Strong is the belief in research and in experimentation applied to construction. Free from constraint, Fondamenta seeks to explore the possibilities behind an architectural concept taken to the extreme and the impact this has on those who live within. The premises for Fondamenta’S work are fascination for structure, freedom from any prejudice as to what may be or become and the belief that no force is indomitable. By interrogating the meaning of the actors, their system of reference and the laws that make up a specific organism, the practice

creates the conditions needed to react and take a stance. The creative process then unfolds and, alongside physical models, technology becomes a necessary support. Surrealism reigns supreme. The elements involved in Fondamenta projects, may appear to stem from some fantastical freedom but instead, every single element involved in the creation of the organism abides to a strict structural logic. The studio has just completed its first new building, The Winery in Monforte d’Alba, and exploration continues with projects of different scales: from a quiet 3m2 hut for confidential meetings to a domestic infrastructure masterplan in Sicily, soon to be under construction, as well as the restoration of a neoclassic villa, completed in 2019, and the underground extension of an old Farmstead in Bergamo, now under construction.

Francesca Gagliardi e Federico Rossi, insieme a Matteo Clerici, nel 2016, dopo essersi laureati presso l’Accademia di Architettura di Mendrisio, Svizzera, hanno fondato Fondamenta. Dal 2017 lo studio è rappresentato da Francesca Gagliardi e Federico Rossi e ha sede a Milano. Fondamenta mette in discussione le convenzioni e supporta le contraddizioni. Forte è la convinzione nella ricerca e nella sperimentazione applicata alla costruzione. Privo di limiti, l’interesse di Fondamenta risiede nel questionare le possibilità dietro un’intenzione architettonica e l’impatto che questa possa avere su chi abita. Fascinazione per la struttura, libertà di pregiudizio su ciò che può essere o divenire, insieme alla convinzione che non esista convenzione che non possa essere messa in discussione, rappresentano le premesse della ricerca di Fondamenta. Questionando il significato degli attori, il loro sistema di riferimento e le leggi che costituiscono un preciso organismo, lo studio crea il presupposto per essere chiamato a reagire e prendere una posizione. Il meccanismo del processo creativo, che mira alla costruzione dell’edificio, viene cosi innescato e modelli quanto tecnologia diventano supporto necessario. Il surrealismo regna supremo.Gli elementi che compongono i progetti di Fondamenta, apparentemente figli di una libertà fantastica, sono in realtà conseguenza di una logica strutturale rigorosa. Fondamenta ha appena terminato il primo edificio, la cantina vinicola a Monforte d’Alba, e sta portando avanti progetti di diversa scala: da un dispositivo spaziale di 3 mq per riunioni confidenziali a un masterplan di infrastrutture domestiche in Sicilia, passando dalla ristrutturazione di una Villa neoclassica, terminata nel 2019, all’ampliamento ipogeo di una cascina a Bergamo, in costruzione.

Landscape Infrastructures - 4 Houses in Avola, Sicily. Model 1.200. Under Construction

ARCHITECTURE

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FOSBURY ARCHITECTURE

Rocco - Triennale di Milano, 2018 - Ph. Gianluca Di Ioi

WWW.FOSBURYARCHITECTURE.COM @FOSBURYARCHITECTURE

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Verde Prato - Centro Pecci, Prato, 2019 - Ph. OKNOstudio

Today young Italian architects should: escape the recurring death prophecies of the discipline, compensate for the gaps accumulated along a mediocre academic path, actively contribute to the improvement of education for future generations, accept its poor economic treatment, write manifestos, take a position, accumulate experiences abroad with the promise of bringing the brain back home, work in a shrinking market, decrease, compete by depreciating and accelerating, draw "from the spoon to the city", build to satisfy those of the "wise, correct and magnificent game of volumes grouped under the light ", write for those of the "architect as a humanist", actively verify and move the

limits of the project, radicalize reality, design against, "choose a city and reject another", make architecture to go "beyond architecture”, juggle between action and politics, self-build to democratize creativity, reduce the budget to save money, feel satisfied because one thing leads to another, rejoice in having been selected, avoid being sucked into the Biennial mechanism, combine a generational program to mend fragile territories and secure the historical heritage, complete the unfinished, face climate change, gender and sex claims, mass migration, global pandemics, confront the globalization of taste, find a way to put all these challenges on the bill, stay forever young.

Oggi i giovani architetti italiani dovrebbero: scansare le ricorrenti profezie di morte della disciplina, compensare le lacune accumulate lungo un percorso accademico mediocre, contribuire attivamente al miglioramento della formazione per le future generazioni, accettarne il misero trattamento economico, scrivere manifesti, prendere posizione, accumulare esperienze all’estero con la promessa di riportare il cervello in patria, districarsi in un mercato in contrazione, decrescere, competere deprezzando e accelerando, disegnare “dal cucchiaio alla città”, costruire per soddisfare quelli del “gioco sapiente, corretto e magnifico dei volumi raggruppati sotto la luce”, scrivere per quelli dell’“architetto umanista”, verificare e spostare attivamente i limiti del progetto, radicalizzare la realtà, progettare contro, “volere una città e rifiutarne un’altra”, fare architettura per andare “oltre l’architettura”, barcamenarsi tra azione e politica, autocostruire per democratizzare la creatività, ridurre il budget per far risparmiare, accontentarsi perché da cosa nasce cosa, gioire di essere stati selezionati, evitare di farsi risucchiare dal meccanismo delle Biennali, coniugare un programma generazionale di ricucitura dei territori fragili con la messa in sicurezza del patrimonio storico, completare l’incompiuto, affrontare i cambiamenti climatici, le rivendicazioni di genere e sesso, le migrazioni di massa, le pandemie globali, confrontarsi con la globalizzazione del gusto, trovare un modo per mettere tutte queste sfide in fattura, restare giovani per sempre.

Gold Rush - Architecture and landscape Biennial, Versailles, 2019

ARCHITECTURE

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FURLAN BEELI WWW.FURLANBEELI.COM @FURLANBEELI

Rwanda Chapel - Rukomo, Rwanda, 2019 - in collaboration with Andreas Amodio

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Furlan Beeli et al. was founded in 2016 by Giulia Furlan (1985) and Mario Beeli (1983). Since the very beginning, Furlan Beeli et al. is committed to explore both the physical and ideational potential of architecture. As an integral part of their work, Giulia and Mario have engaged actively in teaching and research activities (Accademia di Architettura, Mendrisio; Architectural Association, London). Their practice aims to make architecture with dimensions that reach beyond the limitations of the measurable. An architecture that belongs to the domain of imagination but which anyone is able to decode into a personal image that is exciting and meaningful. They seek to make architecture that can trigger an emotional sizing which goes beyond facts to carve deeper into the lives of those experiencing it fostering their ability to shape the world through personal feelings and thoughts. Their understanding of space, as a site of physical confrontation imbued with experiences and fantasies, has its roots in the fascination for enigmatic phenomena.

Furlan Beeli et al. è stato fondato nel 2016 da Giulia Furlan (1985) e Mario Beeli (1983). Sin dalla sua fondazione Furlan Beeli et al. esplora il potenziale sia fisico che ideazionale dell’architettura. Come parte integrante del loro lavoro, Giulia e Mario sono impegnati attivamente nell’insegnamento e nella ricerca (Accademia di Architettura, Mendrisio; Architectural Association, Londra). Il loro lavoro mira a realizzare un’architettura le cui dimensioni trascendono i limiti del misurabile. Un’architettura che appartiene al mondo dell’immaginazione ma che chiunque possa tradurre in un’immagine personale stimolante e ricca di significato. Lo studio cerca di produrre un’architettura che sia in grado di innescare un processo emotivo che vada oltre la forma per scavare più a fondo nelle vite di coloro che ne fanno esperienza, coltivando la loro capacità di plasmare il mondo attraverso sentimenti e pensieri personali. La loro comprensione dello spazio, come sito di confronto fisico che è intriso di esperienze e fantasie, ha le sue radici nel fascino per i fenomeni enigmatici.

Ph. Barbara Hartmann Fotografie, München

Via Pontaccio - Milan, 2017

New exit of the Medici Chapel - Florence, 2018 - in collaboration with Andreas Amodio

ARCHITECTURE

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GNOMONE GNOMONE.COM @GNOMONE.ARCHITETTURA @GNOMONE.ARCH

Terre in movimento - Ancona (IT), 2019. Ph. Marco Maria Zanin

Ph. Giovanna Buccino

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Piarcoplein - Amsterdam (NL), with M. Mondello, 2019

Gnomone is a group of architects based in Rome, founded in 2013 and composed of Federica Andreoni, Mattia Biagi, Annachiara Bonora and Valerio Socciarelli. Gnomone considers the project a research practice and moves between different and heterogeneous typologies and scales, albeit all equally guided by a precise design attitude, from time to time declined according to the demand. Gnomone adopts a systemic vision of the project in which all the elements - original and introduced, material and immaterial are mutually interconnected and interacting with each other and with the surrounding environment; thanks to these relationships, their projects react and define themselves as a synthetic whole. Through simple but targeted operations, their design

research establishes relationships in order to create a complex and transcalar system, coherent and continuous from the minute to the urban scale. Adhering to this attitude, they have faced and elaborated, among others, exhibition design projects (Terre in Movimento, 2019), temporary installations (Demanio Marittimo KM278, 2013 and YAP MAXXI, 2020), public spaces design (Piarcoplein Amsterdam, 2019) and urban regeneration (Undergrowth Amsterdam, 2017). Gnomon was invited to discuss and present his research and works on numerous exhibitions and meetings. They also obtained prizes in national and international competitions (Europan 13 and 14) and won the honorable mention at the CNAPPC national prize.

Gnomone è un gruppo di architetti con base a Roma, fondato nel 2013 e composto da Federica Andreoni, Mattia Biagi, Annachiara Bonora e Valerio Socciarelli. Gnomone considera il progetto una pratica di ricerca e si muove tra tipologie e scale diverse ed eterogenee tra loro, seppur tutte ugualmente guidate da una precisa attitudine di progetto che di volta in volta si declina in virtù della domanda. Gnomone adotta una visione sistemica di progetto in cui tutti gli elementi - originali e introdotti, materiali e immateriali sono reciprocamente interconnessi e interagenti tra loro e con l’ambiente circostante; grazie a queste relazioni, i loro progetti reagiscono e si definiscono come un tutto sintetico. Attraverso delle operazioni semplici ma mirate, la loro ricerca progettuale stabilisce cioè dei rapporti che creano un sistema complesso e transcalare, coerente e continuo dalla scala minuta fino a quella urbana. Aderendo a questa attitudine, hanno affrontato ed elaborato, tra gli altri, progetti di allestimento espositivo (Terre in Movimento, 2019), di installazioni temporanee (Demanio Marittimo KM278, 2013 e YAP MAXXI, 2020), di spazi pubblici e viabilità (Piarcoplein Amsterdam, 2019), di rigenerazione urbana (Undergrowth Amsterdam, 2017). Gnomone è stato invitato a esporre e presentare la propria ricerca e il proprio lavoro in numerose mostre e incontri. Ha inoltre ottenuto premi in concorsi nazionali e internazionali (Europan 13 e 14) e ha vinto la menzione d’onore, nell’ambito del premio nazionale del CNAPPC.

Demanio Marittimo - km 278 Senigallia (IT), 2013, with M. Mondello, V. Lollobattista. Ph. Emanuele Marcotullio

ARCHITECTURE

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GOSPLAN

“A-frame for life” - axonometric view of a student housing in Oulu, Finland. Proposal for Europan 14 competition (2017)

WWW.GOSPLAN.IT @GOSPLANARCHITECTS @GOSPLANARCHITECTS

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Gosplan, Nicola Lunardi, Veronica Rusca and Lorenzo Trompetto

Into the woods - Interior renovation in Genoa, 2018. Ph. Anna Positano

Gosplan looks into architecture as a mass medium. It follows that architecture is production of forms, a space narrative. Like every medium, architecture is founded not on his incidental message (i.e. sustainability, functional program, authorship, formal metaphors, etc.), but on establishing new connections among forms, concepts and in the end - among people. An architecture aware of its role as a medium carefully evaluates its footprint on the world, because every medium aims to change - for first - the perception of reality and - subsequently reality itself. Like every medium, architecture

has a double nature, physical and intellectual at the same time: it's a complex product built thanks to the effort of a group of people and an act of communication. The same happens to the architect, “intellectual worker” who needs technical and cultural skills together. For this reason, besides the design work, gosplan carries out a complementary research activity by contributing to exhibitions and conventions, teaching graduate and post-graduate courses and curating exhibitions, publications and events. Like every medium, architecture is a mirror where everybody can try to glimpse himself.

Gosplan crede nell’architettura come mezzo di comunicazione di massa. In quanto tale, l’architettura è produzione di forme, racconto dello spazio. Come ogni medium, l’architettura non si basa sul messaggio trasmesso occasionalmente (sostenibilità ambientale, programma funzionale, cifra autoriale, metafora formale, ecc.) ma sulla creazione di nuove relazioni tra forme, concetti e infine persone. Un’architettura consapevole del suo ruolo di medium valuta con attenzione il suo impatto sul mondo, perché fine di ogni mezzo è produrre un cambiamento, prima nella percezione della realtà e poi nella realtà stessa. Come ogni medium, l'architettura è caratterizzata da una doppia natura, fisica e intellettiva: essa è arte della costruzione che può realizzarsi solo grazie al concorso di una molteplicità di attori e, allo stesso tempo, arte retorica, comunicazione e condivisione del pensiero. Questa stessa doppia natura si riflette sull'attività dell'architetto, lavoro intellettuale che deve tenere assieme capacità tecnico-professionali, passione e cultura. Per questo, accanto all'attività di progettazione, gosplan conduce una complementare attività di ricerca che si concretizza nella partecipazione a mostre e convegni, nell'insegnamento universitario e post-universitario, nella curatela di mostre, pubblicazioni e attività culturali. Come ogni medium, l'architettura è anche uno specchio dentro cui ognuno può cercare sé stesso.

Molo house - Interior renovation in Genoa, 2018. Ph. Anna Positano

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IN-NOVA

WWW.IN-NOVASTUDIO.COM @INNOVASTUDIOARCHITECTURE @IN_NOVASTUDIO

STUDIO

Casa DPM - Apartment in Naples - renovation and interior design - Ph.Mario Ferrara

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In-Nova Studio Founders - Ph. Marianna De Luca

Ecoville - Construction site for a housing complex in Parete (CE)

IN-Nova Studio was founded in 2016 in the heart of Naples, near the historic complex of Santa Maria la Nova. The office has been established following the encounter of three young architects: Marcello Ferrara, Martina Russo and Riccardo Teo. The three of them, with their diverse knowledge and professional experiences acquired while working in various international firms, shared the desire to return to their native land with the ambition to take matters into their own hands by answering the various questions raised by present day society to the architect. Over the years, the studio has grown, carrying out projects with private clients and winning national competitions and international awards, such as the latest edition of “Ecoluoghi 2018” and

the “NIB 2018 award”, being included among the top 10 Italian architectural firms in the under 36 category, and the “Big See Interior Design Award 2019”. The office research innovative solutions for every project it handles; experiments with materials and technologies while taking into account the local resources and the client’s request; realizes projects ranging from interior design and restoration to architectural and urban projects, using well-thought-out multidisciplinary approaches. Aware of the responsibility of being an architect, IN-Nova Studio designs sustainable architecture, attentive to the environment, public space and historical context, creating dynamic spaces, ready to meet the challenge of the future.

IN-Nova Studio nasce nel 2016 a Santa Maria La Nova, nel cuore di Napoli, dall’incontro e dalle idee di tre architetti: Marcello Ferrara, Martina Russo e Riccardo Teo. I tre, forti della propria formazione e delle esperienze professionali acquisite lavorando in diversi studi internazionali, condividono il progetto di tornare nella propria città per confrontarsi in prima persona con le tematiche poste dalla società contemporanea all’architetto. Nel corso degli anni lo studio è cresciuto, realizzando progetti su committenza privata e vincendo concorsi e premi internazionali, come l’edizione di “Ecoluoghi 2018”, il “Premio NIB 2018” con l’inserimento tra i primi 10 studi di architettura italiani nella categoria under36, e il “Big See Interior Design Award 2019”. Lo studio ricerca soluzioni innovative per ogni singolo progetto con il quale si confronta; sperimenta materiali e tecnologie tenendo conto delle risorse del territorio e delle esigenze del cliente e realizza progetti dall’interior design, al restauro, alla progettazione architettonica e urbana, con un approccio critico e multidisciplinare. Consapevole della responsabilità dell’essere architetto, IN-Nova Studio progetta un’architettura sostenibile, attenta all’ambiente, allo spazio pubblico e al contesto storico, dando vita a spazi dinamici e cangianti, pronti a raccogliere la sfida del futuro.

Pizzigoni School - 2nd PRIZE at the International Design Competition (2 degrees) for a new secondary school in Milan

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ASTRID

LUGLIO

ASTRIDLUGLIO.COM WWW.XXXXX.NET ASTRIDLUGLIO ASTRIDLUGLIO

Travasi for Ichendorf Milan - Ph. Alberto Strada

Ph. Sirio Vanelli

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Camere Olfattive - Ph. Sirio Vanelli

Astrid Luglio, born in Naples, currently lives, designs and teaches in Milan. Graduated in Product Design at Naba, New Academy of Fine Arts in Milan, where she now teaches in the course Small Objects at the BA of Design in English. Since 2011 she has been collaborating with several design studio in Milan including Accurat and Tourdefork. Traveling is an important part of her professional training in fact, Astrid has lived and worked in Melbourne, Australia, Ho Chi Minh, Vietnam and Oslo, Norway, where part of her family lives. In 2016 she co-founded the design collective The Ladies' Room with which she started a reflection on contemporary design by creating artworks and experiences that investigate the renewed need for sense

involvement. In 2018 she founded her own studio and began collaborating independently with companies, galleries and privates both in Italy and abroad. Often produced alongside expert local craftsmen, her projects aim to generate an experience through a sensory narrative. Her work has been exhibited in fairs such as Salone del Mobile, Operae, Edit-Napoli, Maison & Object, art and design galleries like Amelie Maison D’art and Building Gallery, museums such as la Triennale di Milano. At the moment Astrid continues her research and experimentation in the world of furnishing accessories with a particular fondness for kinetic sculptures, tableware, perfume bottles and all the small objects that emphasize rituals and reinterpret traditions.

Astrid Luglio, nata a Napoli, attualmente vive, progetta e insegna a Milano. Laureata in Design del Prodotto alla Naba, Nuova Accademia di Belle Arti di Milano, dove ora insegna nel corso di progettazione in inglese Small Objects al triennio di Design. Collabora dal 2011 con diversi studi di Milano tra cui Accurat e Tourdefork. Viaggiare è parte importante della sua formazione, Astrid ha infatti vissuto e lavorato a Melbourne in Australia, Ho Chi Minh, Vietnam ed Oslo, Norvegia dove vive parte della sua famiglia. Nel 2016 co-fonda il collettivo The Ladies’ Room con il quale avvia una riflessione sul design contemporaneo creando artefatti ed esperienze che indagano il rinnovato bisogno di un coinvolgimento dei sensi. Nel 2018 fonda il suo studio e inizia a collaborare autonomamente con aziende, gallerie e privati sia in Italia che all’estero. Spesso prodotti al fianco di esperti artigiani locali, i suoi progetti mirano a generare un’esperienza tramite un racconto sensoriale. Il suo lavoro è stato esposto in fiere come il Salone del Mobile, Operae, Edit-Napoli, Maison&Object, gallerie d’arte e design quali Amelie Maison D’art e Building Gallery, musei come la Triennale di Milano. Al momento Astrid continua la sua ricerca e sperimentazione nel mondo della progettazione dei complementi d’arredo con una particolare passione per le sculture cinetiche, l’oggettistica per la tavola, le boccette di profumo e tutti quei piccoli oggetti che enfatizzano rituali e reinterpretano tradizioni.

Disordine - Ph. Claudia Zalla

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MERA ARCHITECTS WWW.MERA-ARCHITETTI.IT @MERA-ARCHITETTI-147342395406142 @MERA.ARCHITETTI

CASA DEI COPPI - Coppiâ&#x20AC;&#x2122;s house, included in an historical context, shows on the facade its "magrittian" rain of roof tiles - Ph. Mario Russo

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Mera Architects: Mario Russo and Anna Esposito, a partnership born in Naples in 2007 from the sharing of a wide idea of architecture. Mendini wrote: "I'm not an architect, I'm a dragon", with the idea of attaching to an architect's body a designer's head, artist's feet, craftsman's hands and a poet's tail. At the base of the works there is a “Mediterranean philosophy”, described by pure volumes, by the patios that open in the cores of the villas to let Nature come in it, by the “holes” designed to chase the sun, by the light colors and the rough plasters. As a result Mera Architetti studio pursues an architecture that is an expression of the background, through the reinterpretation of the traditional architectural vocabulary, but also and above all a sort of storytelling through the language of art and design. This is basically because the architects of this generation are called to tell about our time where everything seems to float indistinctly, including architecture. Starting from this point, the idea that the skin of a building is not only its envelope, but also its plot grows, as it happens in the Coppi’s House. The interiors designed by the architects are the story of the people who live there; two, three, several chats with the clients, in front of a cup of coffee, clearly espresso, always anticipate the first sketch, the first trait design pattern, so that a precise, distinctive and tailoring identity is transferred to the volumes, spaces and every single piece of furniture.

Mera Architetti: Mario Russo e Anna Esposito, una collaborazione che nasce a Napoli nel 2007 dalla condivisione di un’idea trasversale di architettura. “Io non sono un architetto, sono un drago” scriveva Mendini, attaccando a un corpo di architetto la testa da designer, i piedi da artista, le mani da artigiano e una coda da poeta. Alla base dei lavori vi è una filosofia mediterranea, raccontata dai volumi puri, dai pati che si aprono nei cuori delle ville per lasciare che la Natura vi entri, dalle bucature studiate per inseguire il sole, dai colori candidi e dagli intonaci rudi. Così lo studio Mera Architetti insegue un’architettura che sia espressione di un territorio, attraverso la rilettura del vocabolario architettonico tradizionale, ma sia anche e soprattutto narrazione di storie, attraverso il linguaggio dell’arte e del design. Perché in fondo gli architetti di questa generazione sono chiamati a raccontare tempi in cui tutto sembra galleggiare in maniera indistinta, compresa la stessa architettura. Da qui matura l’idea che la pelle di un edificio non sia solo il suo involucro, ma la sua narrazione, come accade ad esempio nella Casa dei Coppi. Gli stessi interni disegnati dagli architetti sono il racconto di chi li abita. Due, tre, diverse chiacchierate coi committenti, davanti ad una tazza di caffè rigorosamente alla napoletana, anticipano sempre il primo schizzo, il primo

STUDIO C - The studio in an historical building, redesigned to host a professional studio, becomes the theater of a dialogue between late 19th century architectural elements and contemporary design Ph. Antonio Mauriello

tratto progettuale, affinché ai volumi, agli spazi e a ogni singolo elemento di arredo venga trasferita un’identità precisa, distinta, sartoriale per l’appunto.

CASA M - In the house M the attic was designed like a magma that starting from the back of the sideboard overwhelms the living room reaching then any other room - Ph. Mario Ferrara

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MARIALUISA

@MARIALUISAMONTANARI

MONTANARI

Act I “The Squared Villa”

Impossible architectures A tragedy in IV acts Prologue: the title "Impossible Architectures" openly declares the dimension of the absurd. It’s a digital motionless journey through emotional buildings that come together and then collide, arguing while loving each other. Gods and great modern architectures are involved in the plot. Parodos: the performance voices many common themes around architectural

history, mostly grounded on universal values such as living, dying, the conflict between nature and artifice, the need to obey gods and the restrictive building codes. Episodes: familiar and comfortable values collapse. The juxtaposition of two architectures far from space and from time makes room to paradoxical alterations, ruins, deaths and bloody fights in Academia. Image title, expressed with intention, declares the omen of the catastrophe. Reality is overwhelmed by nonsense due to

the apparent dissimulation of the building’s true nature. Act I “The Squared Villa” Act II “Ronchadid” Act III “Notre Dame du Vent” Act IV “Volcanserai” Exodus: modern architecture is dead. The unattainability of "Impossible Architectures" provides the Deus ex machina that saves images from divine punishment.

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Act II “Ronchadid”

Architetture Impossibili Tragedia in IV atti Prologo: il titolo “Architetture Impossibili” riconduce dichiaratamente a una dimensione dell’assurdo e del paradosso. È un viaggio immobile attraverso edifici d’affezione che si accostano, si scontrano, litigano amandosi. Nell’azione drammatica sono coinvolte divinità e architetture del Moderno. Parodo: la vicenda rappresentata è nota, in quanto tratta dalla storia dell’architettura.

Act III “Notre Dame du Vent”

Vengono affrontati argomenti dal valore universale, comuni all’esperienza di ogni uomo e alla vita di ogni società, quali l’abitare, il morire, il contrasto tra natura e artificio, la necessità di obbedire al volere degli dèi e a quello dei regolamenti edilizi. Episodi: l’accostamento di due architetture lontane nello spazio e nel tempo sovverte la vicenda inizialmente condivisa e rassicurante, causando alterazioni paradossali, rovina, morte e laceranti conflitti tra accademici. Il presagio della catastrofe è annunciato dai

titoli dei montaggi. Domina il nonsense, provocato dall'apparente dissimulazione della vera natura o entità degli edifici. I atto “Villa la Quadrata” II atto “Ronchadid” III atto “Notre Dame du Vent” IV atto “Vulcanserraglio” Esodo: il Moderno è morto. L’irrealizzabilità delle “Architetture Impossibili” è il Deus ex machina che salva i montaggi dall’ira degli dèi.

Act IV “Volcanserai”

ARCHITECTURE

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EUGENIA MORPURGO

WWW.EUMO.IT WWW.XXXXX.NET

The lotus flower which usually grows up to 150 cm on average, in Mantua grows up to 350 cm. Project done in collaboration with Olivia de Gouveia

She’s a product designer, even if she rarely designs products. Because of the entanglement between production and the current environmental and social crisis, she sees in product design the potential and responsibility for experimenting and proposing alternative systems to the current capitalistic one. Therefore with her work she’s interested in researching the environmental, economic, social and cultural impact that production processes have or can have on society, investigating

and prototyping alternative scenarios and products. More specifically, her practice develops around the following domains: material and immaterial local resources, cultural heritage and open knowledge. Her approach draws from a tradition of what Terry Irwin defined “Transition Design,” design which is intended to “develop design solutions that protect and restore both social and natural ecosystems through the creation of mutually beneficial relationships between

people, the things they make and do, and the natural environment”. She tries to share her work under creative commons licenses when possible and she believes in the positive impact that appropriate technologies can have on communities. She works as an independent designer under commissions but mostly run self initiated research projects, with the support of diverse cultural institutions, such as Museums, Universities and Fablabs.

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Eugenia è una designer che si occupa di prodotti, anche se raramente ne ha progettati. Partendo dall'intreccio tra i sistemi produttivi contemporanei e l'attuale crisi ambientale e sociale, riconosce nel design del prodotto il potenziale e la responsabilità di sperimentare e proporre sistemi alternativi a quello capitalistico attuale. Le interessa quindi ricercare l'impatto ambientale, economico, sociale e culturale che i processi produttivi hanno o possono avere sulla società, indagando e prototipando scenari e prodotti alternativi. Più specificamente, la sua pratica si sviluppa intorno ai seguenti ambiti: risorse locali materiali e immateriali, patrimonio culturale e conoscenza aperta (open knowledge). Il suo approccio si fonda su una tradizione di quello che Terry Irwin ha definito "Transition Design", design che si propone di "sviluppare soluzioni progettuali che proteggano e risanino gli ecosistemi sociali e naturali attraverso la creazione di relazioni reciprocamente vantaggiose tra le persone, le loro azioni, le cose che producono, e l'ambiente naturale". Quando possibile condivide i suoi progetti sotto licenze aperte e crede nell'impatto positivo che le tecnologie appropriate possono avere sulle comunità. Lavora come designer indipendente su commissione, ma per lo più si occupa di progetti di ricerca avviati autonomamente, supportati da diverse istituzioni culturali, come Musei, Università e Fablabs.

A sample of lotus silk realised with the plants from the Valli del Mincio. Project done in collaboration with Olivia de Gouveia

Botanical illustration of the current growth situation of the Lotus flower in the Valli del Mincio near the city of Mantua. 100 x 350 cm print. Project done in collaboration with Olivia de Gouveia

DESIGN

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OASI ARCHITECTS

WWW.OASIARCHITECTS.COM @OASI_ARCHITECTS

Como - Construction site May 2020 - Triangular extension of a single family house in Como

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Cranz - Construction site March 2020 - Detail of the curved wooden bench for the new square of Cranz, Russia

Art as experience Since university we had the privilege to work for two artists. This possibility to work at a close contact with them allowed us to maintain a certain distance from architecture and thought us how to observe before doing, keeping questioning ourselves. Some days the work was only dialogue or silence: we were trying to discover the world, the society, ourselves. Identity and Approach More than a style or a maniera, we are interested in the approach. Is in the approach to architecture that we catch the reference. It’s the method, more than the style. This leads us to be more critical and eager to deepen some examples of contemporary and part architecture. Approach’s study entails an effort to study and research about every specific project and environment. The approach that we are looking for il what T. S. Eliot describe as: “There comes a moment when a new simplicity, even a relative crudeness, is the only way out”. Crisis architects The economic crisis of the last 10 years had two opposed effects onto the sociopolitical situation: in one side the crisis is a thriving and fertile time full of unhoped-

for occasions and therefore requires a continuous freshness and originality in the creative process; on the other side the crisis damaged the culture and generated a closure to the needs of the collectivity in favour of the individual’s emphasis. On every level - social, political, cultural and economic - the emphasis of individualism nullify the perception (and the need) of the idea of community. Architecture could be crucial to overturn this statement. But it’s not the administration (or the society) that has to change, but architects themselves who can restart, through their projects, to design spaces for collective life more than private’s.

L’arte come esperienza Sin dai tempi dell’università abbiamo avuto la fortuna di lavorare per due artisti. La possibilità di vivere a stretto contatto con loro ci ha permesso di mantenere una certa distanza dall’architettura e ci ha insegnato ad osservare prima ancora che agire, ponendosi continuamente domande. Vi erano giornate in cui il lavoro era solo dialogo o silenzio: cercavamo di scoprire il mondo, la società, noi stessi. Identità e Approccio Più che uno stile o una maniera siamo interessati all’approccio. È nell’approccio dove cogliamo il riferimento. È il metodo, più che lo stile. Questo ci porta ad essere più critici e più desiderosi di studiare a fondo alcuni esempi contemporanei e del passato. Lo studio dell’approccio implica uno sforzo nello studiare e fare ricerca su ogni specifico ambito e progetto. L’approccio che stiamo ricercando è quello che T. S. Eliot descrive così, “Arriva un momento in cui una nuova semplicità, anche una relativa crudezza, è l’unica via d’uscita”. Architetti della crisi La crisi economica degli ultimi 10 anni ha avuto due effetti antitetici che si sono riversati nel panorama socio-politico: se da un lato la crisi è un tempo florido e fertile di occasioni insperate e richiede una continua freschezza inventiva, dall’altro la crisi ha intaccato la cultura e generato una chiusura al collettivo in favore dell’enfasi dell’individuo. Ad ogni livello sociale, politico, culturale ed economico - l’autonomia del soggetto (B. Secchi) ha azzerato la percezione comunitaria e le necessità di collettività.

Albizzate Square - Construction site June 2020 - Detail of the new staircase. Where there was a wall, today there is a collective bench

ARCHITECTURE

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ORIZZONTALE

WWW.XXXXX.NET WWW.ORIZZONTALE.ORG @ORIZZONTALE @ORIZZONTALE_ARCHITECTURE

Simul et Singulis Cityleaks Festival 2019, Colony (Germany) - Ph. Orizzontale

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Casa do Quarteirão, Walk&Talk Festival 2016, Ponta Delgada (Azzorre, PT) - Ph. Rui Soares

Orizzontale is an architects’ collective based in Rome whose work crosses the fields of architecture, urbanism, public art, and DIY practice. Their goal is to respond to new social needs through experimentation in public space, trying to create a synergy between different types of “urban waste”: discarded materials, residual spaces and forgotten or uncommon uses. They inhabit spaces through their installations. The aim of these urban machines is to produce a collective imagination, to stimulate reflections and to encourage interaction. Therefore they involve inhabitants in redefining the use and configuration of contemporary public space. Temporary architecture allows them to explore unknown territories: the ephemeral goes far beyond the meaning

of short duration, it triggers semantic stratification systems that transform the spaces into common places. They believe in open design processes, where the architectural project continually receives inputs, even after the start of construction. For this reason they adopt the laboratory approach as a design strategy, trying to reduce the distance between the actors of the architectural process and hybridizing research, design and construction phases. These kind of processes are complex and indeterminate. Residents, administrations, associations, urban planners, activists, anyone who belongs to a specific area should be part of the process, each at the right time and with a common goal: to encourage new ways of using public space and make it genuinely a common ground.

Orizzontale è un collettivo di architetti con base a Roma il cui lavoro attraversa architettura, paesaggio, arte pubblica e autocostruzione. Obiettivo della loro ricerca è cercare risposte ai bisogni della società contemporanea attraverso la sperimentazione di nuove modalità di intervento nello spazio pubblico, per creare sinergie tra diversi tipi di “rifiuti urbani”: scarti materiali, spazi residuali e usi dimenticati o inediti. I luoghi della città vengono abitati tramite le installazioni realizzate dallo studio. Lo scopo di queste macchine urbane è dare vita a immaginari collettivi, stimolare riflessioni e coinvolgere gli abitanti nella riconfigurazione degli spazi. L’architettura temporanea permette di esplorare territori sconosciuti: l’effimero va ben oltre il significato di breve durata e innesca nello spazio processi di stratificazione semantica che lo trasformano in luogo. Orizzontale crede nei processi aperti, durante i quali il progetto architettonico riceve continuamente input anche dopo l’inizio della costruzione. Per questo adotta l’approccio laboratoriale come strategia progettuale, riducendo le distanze tra gli attori del processo di creazione architettonica e ibridando le fasi di ricerca, progettazione e costruzione. Il processo di progettazione condivisa è complesso e indeterminato. Abitanti, amministrazioni, associazioni, urbanisti, attivisti, chiunque si senta parte di uno specifico territorio dovrebbe rientrare in questo processo, ciascuno nella fase più opportuna ma con un obiettivo comune: incoraggiare nuove modalità di utilizzo dello spazio per renderlo effettivamente territorio del confronto.

8½, YAP Maxxi 2014, Rome (Italy) - Ph. Alessandro Imbriaco

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OVRE DESIGN

WWW.OVREDESIGN.COM @OVRE.DESIGN

Ombre tiles - Intarsio in marmo - Designed for FMG Shapes Italian Luxury Marbles

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Diva Estate Interior Design & Creative Direction Disegned for Maurizio Luccarelli

Ovre encompasses a multitude of disciplines and creates innovative and thoughtful strategies, interior design and products. After years of international experience as senior designers for awardwinning studios in New York, the architects Giulia Delpiano and Corrado Conti moved back to Italy and founded Ovre. The studio is a team of designers, architects and creative minds, with headquarter in North of Italy and subsidiary in New York City. They are in the loop of the ever evolving real estates and hospitality markets and they design to set up the style that suits not only the market but especially the strategy and brand identity of their clients. At Ovre they face every project with uniqueness, fully convinced that each one must suit their clients expectations and be treated with a tailor-made solution. Every design is treated as a unique piece with a deep awareness of spaces, shapes, light and finishes that makes them proud ambassadors of the italian style and taste. Their Italian and American souls co-exist in their creative process: inspired by their history and art, they create products and interiors in which armony, beauty, character and innovation come to light. Influenced by the American efficiency they work to respect budgets

and deadlines. Ovre believes in the power of sinergies, they work with outstanding Italian artisans and suppliers and thanks to their ability to make their ideas real, they achieve excellence. They are driven by high attention to details, empathy with a creative evironment and the belief in core values as passion, balance and integrity. And in the meantime, they have fun. Everytime.

Ovre si occupa di interior design, direzione creativa e prodotto. Dopo anni di esperienze internazionali in qualità di senior designers per studi a New York City, gli architetti Giulia Delpiano e Corrado Conti sono rientrati in Italia e hanno fondato Ovre. Lo studio è composto da un team di designer, architetti e menti creative, con sede nel centro storico di Reggio Emilia e filiale a New York City. Lo studio è specializzato nella progettazione hospitality e real-estate e progetta per definire lo stile che rappresenta non solo il contesto ma specialmente la strategia creativa e il brand identity dei clienti, definendo spazi esperienziali che li rappresentino. Ad Ovre ogni progetto viene affrontato con specificità, pienamente convinti che ognuno di essi debba rispecchiare le aspettative del cliente ed essere trattato con soluzioni su misura. Ogni design è curato nel dettaglio, con una profonda consapevolezza di spazi, luci e materiali che li rendono orgogliosamente ambasciatori dello stile italiano. Le anime italiana e americana coesistono nel processo creativo dello studio: ispirati dalla loro storia e dalla loro arte, creano prodotti e interior in cui coesista l’armonia delle forme, la bellezza, il carattere e l’innovazione. Influenzati dall’efficienza americana, lavorano per rispettare budget e tempistiche. Ovre crede nella forza delle sinergie, lavora con eccellenti artigiani italiani e grazie alla loro abilità di realizzare le loro idee, è in grado di fornire eccellenza. Guidati dall’alta attenzione per i dettagli, empatia con un ambiente creativo e dalla profonda appartenenza di valori come passione, equilibrio e integrità. Senza dimenticare di diversi. Sempre.

Ovre Studio Interior Design

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PARASITE 2.0 WWW.PARASITEPARASITE.COM

Something terrible should happen, collective show, Van Eyck Academy Open Studios 2020, Ph. Parasite 2.0

Ph. Camille Blake

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The notebooks of Giancarlo De Carlo, ©Triennale_Milano, 2020, Ph. Gianluca di Ioia

They define themselves neophile architects. Every single project they develop is conceived through an obsessive initial research of references about the topic, and then of an appropriation and reelaboration of them according to the final purpose. Even though they are not directly hit by a certain topic, about the design world or not, they try to make it theirs, discuss it and analyse it in order to expand their consciousness as designers and individuals. They cannot afford to undervalue the multitude of interactions and phenomena that happen with an unbridled pace around them. They are not afraid to trespass the border of their specific design field. At the same time, they see a tendency that could be defined as intellectual looting, that is the practice of appropriate and instantly speculate on a precise theme just for the sake of being on the front lines. They saw this attitude especially with the current pandemic, with what Kate Wagner defined Coronagrifting, “cheap mockups of Covid-related design “solutions” filling the endlessly scrollable feeds of PR-beholden design websites such as Dezeen, ArchDaily, and designboom1. They think it is necessary to develop that social honesty that allows people to understand when they have the right to speak and when not.

Si definiscono architetti neofiliaci. Ogni singolo progetto che sviluppano è frutto di una iniziale ricerca ossessiva di riferimenti sul tema affrontato, e poi di una appropriazione e rielaborazione degli stessi a seconda dell’obiettivo finale. Anche se non vengono intaccati personalmente da un determinato tema, inerente all’ambito progettuale o meno, cercano comunque di farlo loro, discuterlo e analizzarlo per ampliare la loro coscienza di progettisti e di individui. Non possono permettersi di sottovalutare la

moltitudine di interazioni e fenomeni che si susseguono a ritmo sfrenato attorno a loro. Non hanno paura di scavalcare il campo della progettualità specifica. Allo stesso tempo però, oggi notano una tendenza che potrebbe essere definita sciacallaggio intellettuale, la pratica di appropriarsi e speculare istantaneamente su determinato argomento per il gusto di essere sempre in prima linea. Lo hanno specialmente notato nel caso della pandemia, con quello che Kate Wagner ha definito Coronagrifting, “cheap mockups of Covid-related design “solutions” filling the endlessly scrollable feeds of PR-beholden design websites such as Dezeen, ArchDaily, and designboom1. Ritengono quindi che sia necessario sviluppare anche quell’onestà sociale che permetta di capire quando si ha diritto di parola e quando no.

Galeria e bregdedit, Valona, Albania, 2019 - Ph. Giaime Meloni

1) Wagner Kate, Coronagrifting: A Design Phenomenon, may 23, 2020. https://mcmansionhell.com/post/618938984050147328/coronagrifting-a-design-phenomenon

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SARA

RICCIARDI

Progetto Pecten - Vasi apotropaici con conchiglie e ottone - pezzi unici Ph. Cartacarbone

WWW.SARARICCIARDI.ORG @SARA.RICCIARDI.378 @SARA___RICCIARDI

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Progetto - L'Ile de Serge - per l'azienda di tessuti tecnici outdoor Serge Ferrari Installazione in via Santa Marta, distretto 5 Vie - Milan Design week 2019 - Ph. Delfino Sisto Legnani

Born in Benevento 31 years ago, among peacock feathers and many books, Sara Ricciardi lives and works in Milan. She is a multifaceted designer, she studied in Milan, Istanbul and New York, graduating in 2015 at Naba - the New Academy of Fine Arts, in the Department of Product Design. Since 6 years she has opened her own studio where she designs products for companies, unique pieces for galleries, performing actions, interiors and installations. His approach is characterized by a deep narrative exploration: every aesthetic elaborates a narrative. The form follows the message. Great poetic and formal research is at the base of his method. Materials and processes are defined each time with the help of great masters of Italian craftsmanship. She is an excellent collector of bizarre objects. During Pitti 2019 she signed her first interior "Eden",

for the high fashion store Luisa Via Roma in Florence. In 2019 she becomes the art director of the project "La Grande Bellezza - The Dream Factory" for the Starhotels Group, a patronage project for high Italian craftsmanship, in collaboration with the Fondazione Cologni, OMA Osservatorio dei Mestieri D'Arte in Florence. He teaches social design and relational practices at NABA and holds courses and lectures for various institutions and foundations on the theme of urban regeneration. The triennial of Design pays homage to her by including her among the Women of contemporary Italian design with the exhibition Women in Design. She founds together with the designers Agustina Bottoni, Ilaria Bianchi and Astrid Luglio the collective The Ladies' Room creating sensorial projects for galleries such as Building in Milan and Amelie Maison D'Art in Paris.

Nata a Benevento 31 anni fa, tra piume di pavone e molti libri, Sara Ricciardi vive e lavora a Milano. È una designer poliedrica, ha conseguito gli studi tra Milano, Istanbul e New York laureandosi nel 2015 presso la Naba - la Nuova Accademia di Belle Arti, nel dipartimento di Product Design. Da 6 anni ha aperto il suo studio dove progetta prodotti per aziende, pezzi unici per gallerie, azioni performative, interni e installazioni. Il suo approccio è caratterizzato da una profonda esplorazione narrativa: ogni estetica elabora una narrativa. La forma segue il messaggio. Grande ricerca poetica e formale alla base del suo metodo. Materiali e lavorazioni vengono definiti ogni volta con l’ausilio di grandi maestri dell’artigianato italiano. È una collezionista eccelsa di oggetti bizzarri. Durante il Pitti 2019 firma il suo primo interior “Eden”, per il negozio di alta moda Luisa Via Roma a Firenze. Diventa nel 2019 l’art director del progetto “La Grande Bellezza The Dream Factory” per il Gruppo Starhotels, un progetto di mecenatismo per l’alto artigianato Italiano, in collaborazione con la Fondazione Cologni, OMA Osservatorio dei Mestieri D’Arte di Firenze. Insegna design sociale e pratiche relazionali presso la NABA e tiene corsi e lecture per varie istituzioni e fondazioni sul tema della rigenerazione urbana. La triennale di Design la omaggia inserendola tra le Donne del design contemporaneo Italiano con la mostra Women in Design. Fonda insieme alle progettiste Agustina Bottoni, Ilaria Bianchi e Astrid luglio il collettivo The Ladies’ Room creando progetti sensoriali per gallerie come Building a Milano e Amelie Maison D’Art a Parigi.

Ph. Delfino Sisto Legnani

Progetto di Interni EDEN per il negozio di Firenze Luisa Via Roma Progetto lanciato durante il Pitti 2019 - Ph. Marina Denisova

DESIGN

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ELENA SALMISTRARO

WWW.ELENASALMISTRARO.COM @ELENASALMISTRARO @ELENASALMISTRARODESIGN

Chimera for Cedit

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Elena Salmistraro, product designer and artist, born in 1983, lives and works in Milan where in 2009 she founded her studio focusing her research on the expressive language of the object. She is the creator of a highly distinctive style that is unique in its type, and she is interested in the development of a work that crosses between illustration, design and visual arts, through which she tends to define a highly energetic communicative code that stimulates emotions and sensitivity. The interplay of shapes and volumes, materials and colours merge between tradition and innovation. One of the priorities of her creations is the attention to detail and the harmonic study of shapes searched in anthropomorphism and Primitivism. An excess of graphic symbols offers the object a stereoscopic image, transporting it in a territory

Primates, Ceramic vases for Bosa 2017

suspended between fantasy and reality. She has worked with different companies in the sector, including Bosa, Apple, Disney, Alessi, Cc-Tapis and many others. In 2017 she won the "Salone del Mobile Milano Award" as " Miglior designer esordiente " and in the same year she was appointed “Ambasciatore del Design Italiano nel Mondo” on the occasion of the "Italian Design Day". Her projects have been selected for some of the most important international exhibitions and are present in the most important national and international fairs of the sector.

Elena Salmistraro product designer ed artista, nata nel 1983 vive e lavora a Milano dove nel 2009 avvia il suo studio concentrando la sua ricerca sul linguaggio espressivo dell’oggetto. È artefice di un tratto stilistico altamente riconoscibile unico nel suo genere, ed è interessata allo sviluppo di un lavoro che si collochi a cavallo tra illustrazione, design e arti visive, mediante il quale intende definire un codice comunicativo fortemente energico e desideroso di stimolare emotività e sensibilità. Giochi di forme e volumi, materiali e colori si fondono tra tradizione e innovazione. Tra le priorità delle sue creazioni, spiccano l’attenzione al dettaglio e la ricerca armonica delle forme, inseguite nell’antropomorfismo e nel primitivismo. Un eccesso di simboli grafici offre all’oggetto un'immagine stereoscopica trasportandolo in un territorio sospeso tra fantasia e realtà. Ha collaborato con diverse aziende del settore, tra le quali Bosa, Apple, Disney, Alessi, Cc-Tapis e molte altre. Nel 2017 vince il premio “Salone del Mobile Milano Award” come “Miglior designer esordiente” e nello stesso anno viene nominata “Ambasciatore del Design Italiano nel Mondo” in occasione dell’“Italian Design Day”. I suoi progetti sono stati selezionati per alcune tra le più importanti esposizioni internazionali e sono presenti alle più importanti fiere nazionali ed internazionali del settore.

Lisetta by Bottega Intreccio, wicker chair, Salone del Mobile 2019

ARCHITECTURE

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SARDARCH WWW.SARDARCH.IT @COLLETTIVOSARDARCH @COLLETTIVOSARDARCH

Spop research platform about Sardinia's depopulation and inner areas - Ph. CÃ©dric Dasesson

Ph. Maria Pina Usai

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The installation project for the exhibition "Barbagia, Arcipelago Italia" in collaboration with Simone Solinas, at the “Ex Manifattura Tabacchi” Cagliari - Ph. Cédric Dasesson

Sardarch was founded as a collective that studies phenomena of urban and territorial transformation and proposes strategies for the urban environment with the active participation of citizens, in 2019 it becomes Spin-Off of the University of Cagliari as an interdisciplinary cooperative company of design and research. It is currently directed by Nicolò Fenu and Matteo Lecis Cocco-Ortu. Sardarch promotes forms of research-action through co-design, urban planning and local development processes that focus on the needs of people and territories. The spinoff aims to bring innovations to university research by experimenting tools to support the planning and implementation of local development policies in fragile contexts. In addition to urban planning as a process based on active participation and awareness of landscape values and architectural projects, the design activities are characterized in interventions on public space and exhibition spaces collected in the books "Verso un urbanistica della collaborazione" and "Barbagia. Arcipelago Italia." Sardarch was involved in the project

of the collective "Arcipelago Italia" exhibited to the 16th Venice Architecture Biennale, inside the Italian Pavilion for a Citizens' House as a place for the health of Barbagia located in Ottana. It is part of “Stato dei Luoghi”, National Network of activators of places and spaces regenerated from a cultural basis. They are currently involved in projects on the integrated management of the coastal areas of Sardinia and the good experiences of managing houses at one euro in the inner areas of the island.

Sardarch nasce come collettivo che studia fenomeni di trasformazione urbana e territoriale e propone strategie per l’ambiente urbano con la partecipazione attiva dei cittadini, nel 2019 diventa Spin-Off dell’Università di Cagliari come società cooperativa interdisciplinare di progettazione e ricerca. Attualmente diretto da Nicolò Fenu e Matteo Lecis CoccoOrtu. Sardarch promuove forme di ricercaazione attraverso la co-progettazione, la pianificazione urbanistica e processi di sviluppo locale che mettano al centro le esigenze delle persone e dei territori. L'obiettivo dello spin-off è quello di portare le innovazioni della ricerca universitaria sperimentando strumenti di supporto alla pianificazione e all’attuazione di politiche di sviluppo locale in contesti fragili. Oltre alla pianificazione urbanistica intesa come processo basato sulla partecipazione attiva e sulla consapevolezza dei valori del paesaggio e a progetti prettamente architettonici, l’azione progettuale si caratterizza in interventi sullo spazio pubblico e gli spazi espositivi raccolti nei libri “Verso un’urbanistica della collaborazione” e “Barbagia. Arcipelago Italia”. Ha lavorato al progetto per una Casa dei cittadini come luogo per la salute della Barbagia localizzata a Ottana, portato alla XVI Biennale di Architettura di Venezia con il collettivo “Arcipelago Italia”, all’interno del Padiglione Italia. Fa parte dello Stato dei Luoghi, Rete nazionale di attivatori di luoghi e spazi rigenerati a base culturale. Attualmente Sardarch è impegnata in progetti sulla gestione integrata delle zone costiere della Sardegna e sulle esperienze virtuose di gestione delle case a un euro nelle aree interne dell’Isola.

Renovation of a social housing house and its expansion for a young couple in collaboration with Mauro Soddu - Ph. Sardarch

ARCHITECTURE

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SET ARCHITECTS

Press Box - Ph. Marco Cappelletti

WWW.SET-ARCHITECTS.COM @@SETARCHITECTS @@SETARCHITECTS

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House for a Couple - Ph. Simone Bossi

SET Architects è uno studio di architettura, urbanistica e design con sede a Roma e Londra, diretto da Onorato di Manno e Andrea Tanci. Lo studio crede in un’architettura essenziale che guarda alle forme archetipe per immaginare scenari futuri. SET ricerca la purezza dello spazio architettonico indagando il rapporto tra luce ed ombra, la gerarchia e la proporzione tra gli elementi. Il lavoro dello studio è impostato su un numero limitato di regole geometriche che viene utilizzato come quadro di partenza per sperimentare soluzioni architettoniche sempre diverse ma appartenenti ad un unico linguaggio formale. La sintesi critica è il tema chiave dell’intero processo creativo, dall’idea astratta al progetto. SET affianca la progettazione alla teoria e l’insegnamento. Questi aspetti sono strettamente legati tra loro e portano a un continuo scambio tra ricerca, lavoro accademico e attività professionale. Dal 2015, anno di fondazione, SET si è aggiudicato il primo posto in diversi concorsi internazionali di progettazione (Bologna Shoah Memorial, Polo scolastico di Sassa) e ha ottenuto premi e riconoscimenti (Young Italian Architects 2018), oltre ad aver tenuto lecture in sedi istituzionali e in occasione di eventi culturali.

Ph. Studio Daido

SET Architects is an architecture, urban planning and design studio based in Rome and London, led by Onorato di Manno and Andrea Tanci. The firm believes in an essential architecture that looks at archetypal forms to imagine future scenarios. SET aims to search the purity of the architectural space by investigating the relationship between light and shadow, the hierarchy and the proportion between the elements. The studio’s work is based on a limited number of geometric rules which is used as a starting framework to experiment different architectural solutions belonging to a single formal language. The critical synthesis is the key theme of the entire creative process, from the abstract idea to the design solution. SET combines architecture, theory and teaching. These aspects are closely related to each other and lead to a continuous exchange between research, academic work and professional activity. Since its foundation in 2015, SET has won first place in various international design competitions (Bologna Shoah Memorial, Sassa school complex) and has received prizes and awards (Young Italian Architects 2018), as well as having held lectures in institutional locations and on the occasion of cultural events.

Bologna Shoah Memorial - Ph. Simone Bossi

ARCHITECTURE

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WWW.SMALLAB.IT @SMALLARCHITECTURE @SMALL_RESEARCH

SMALL SOFT METROPOLITAN

ARCHITECTURE & LANDSCAPE LAB

Piazza De Nicola, Bari (project: 2016-2020, planned construction: 2021-2022)

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Maison Operative, Bari (project and realization: 2019)

Since 2011, Small - Soft Metropolitan Architecture & Landscape Lab, is an architecture office and glocal cultural platform based in Bari and Milan, investigating on the contemporary urban condition through both design (at any scale from landscape to furniture) and forms of activism and parallel curatorial and academic research. The collective has recently focused on multimedia practices of reuse of abandoned urban landscapes and on the socio-technological evolutions of public space design, but it considers design itself as permanent research occasion, and faces projects with a simultaneously sartorial and experimental approach. Researches by Small have been featured among others, at: Politecnico di Milano, Politecnico di Torino,

IUAV (Venezia), Facoltà di Architettura di Ferrara, Triennale di Milano, Open Design School (Matera), Biennale di Architettura di Venezia, Biennale dello Spazio Pubblico (Roma), Medioera Festival di Cultura Digitale (Viterbo), New Italian Blood (Salerno), Onassis Cultural Centre (Athens, GR), Anuala Timisoreana de Arhitectura (Timisoara, R), Insituto Tecnológico de Monterrey (Monterrey, MEX), Institute of Advanced Arquitecture of Catalonia (Barcelona, E), TEDxBari, Fondazione Feltrinelli and on magazines like Domus, Abitare and Gizmo. SMALL is: Alessandro Cariello (architecture and urbanism), Luigi Falbo (architecture and technology), Rossella Ferorelli (architecture and curatorship), Andrea Paone (architecture and interior design).

Dal 2011, SMALL - Soft Metropolitan Architecture & Landscape Lab è uno studio di architettura con base a Bari e Milano, concepito come una piattaforma culturale glocale che indaga sulla condizione urbana contemporanea sia attraverso il progetto (a tutte le scale dal territorio agli oggetti), sia attraverso forme parallele di attivismo e ricerca curatoriale e accademica. Il collettivo si è concentrato in ricerche sulle pratiche multimediali di riuso del paesaggio urbano in abbandono e sulle evoluzioni socio-tecnologiche del progetto dello spazio pubblico, ma concepisce il design come ricerca permanente esso stesso, con un approccio assieme sartoriale e sperimentale al progetto. Le ricerche di SMALL sono apparse presso: Politecnico di Milano, Politecnico di Torino, IUAV, Facoltà di Architettura di Ferrara, Triennale di Milano, Open Design School (Matera), Biennale di Architettura di Venezia, Biennale dello Spazio Pubblico (Roma), Medioera Festival di Cultura Digitale (Viterbo), New Italian Blood (Salerno), Onassis Cultural Centre (Athens, GR), Anuala Timisoreana de Arhitectura (Timisoara, R), Insituto Tecnológico de Monterrey (Monterrey, MEX), Institute of Advanced Arquitecture of Catalonia (Barcelona, E), TEDxBari, Fondazione Feltrinelli e su riviste tra cui Domus, Abitare e Gizmo. SMALL è: Alessandro Cariello (architettura e urbanistica), Luigi Falbo (architettura e tecnologia), Rossella Ferorelli (architettura e curatela), Andrea Paone (architettura e interior design).

Piazza 2 Giugno, Valenzano (project: 2016-2017, expected construction: 2021-2022)

ARCHITECTURE

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SOVRAPPENSIERO

DESIGN STUDIO

Bialetti coffee can, styling Sarah Richiuso - Ph. Francesca Iovene

WWW.XXXXX.NET WWW.SOVRAPPENSIERO.COM @SOVRAPPENSIERODESIGN

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Furnature collection, Styling Sarah Richiuso - Ph. Dario De Sirianna

Sovrappensiero Design Studio was founded in 2007 by Lorenzo De Rosa and Ernesto Iadevaia, designers from south of Italy, now based in Milan. They consider theirselves a multifaceted study, over the years they have worked on very different projects, approaching this discipline from different points of view: experimental research but also industrial production, the limited edition next with the art design world but also the small functional intuition, set-up design and interior design. In their work the solicitations of the street culture marry the stimuli of contemporary art and design and so their synthesis begins to be recognizable, respected and requested. When they approach a new project they always start from the idea that the existence of a new product must be justified by the stratification of the contents that the object brings with it. Each object has different layers of interpretation: the most immediate is the functional layer where they always

delicately try to facilitate the affordance; other layers may be more symbolic or narrative when, for example, they entrust the object with the story of a place or of a new gesture or even digital layers as in their "somewhere" project for the quarantine. At the end the aesthetic layer is never casual but accompanies and highlights the story of the underlying layers.

Sovrappensiero Design Studio nasce nel 2007 dalla collaborazione tra Lorenzo De Rosa ed Ernesto Iadevaia, designer campani con studio a Milano. Studio poliedrico, negli anni hanno lavorato a progetti molto diversi tra loro, approcciando a questa disciplina da diversi punti di vista: la ricerca sperimentale ma anche la produzione industriale, la serie limitata prossima al ricercato mondo dell'art design ma anche l'intuizione funzionale, l'allestimento, il progetto di interni e quello per le aziende. Nel loro lavoro le sollecitazioni della cultura della strada sposano gli stimoli dell'arte e del design contemporaneo e così la loro sintesi inizia ad essere riconoscibile, rispettata e richiesta. Quando si approcciano a un nuovo progetto partono sempre dall'idea che l'esistenza di un nuovo prodotto debba essere giustificata dalla stratificazione dei contenuti che l'oggetto porta con sé. Ogni oggetto ha diversi layer di progettazione e di interpretazione: il più immediato è il layer funzionale sul quale lo studio interviene con delicatezza per agevolare l'affordance; altri livelli di lettura possono essere più simbolici o narrativi quando ad esempio viene affidato all'oggetto il racconto di una storia o di una nuova gestualità o anche layer digitali come nel loro progetto per la quarantena “somewhere”. Infine il layer estetico non è mai pretestuoso ma accompagna ed evidenzia il racconto dei livelli sottostanti.

Sopovria table - JCP universe

DESIGN

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WWW.SPAZIOZEROATELIER.COM @__SPAZIOZERO__

WWW.XXXXX.NET

SPAZIOZERO

First Prize Europan 14 competition, Linz (AT), Legal zoning plan on going. Wienerstrs. Masterplan. Landscape Elisabetta Sanna e Roberta Serra.

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First Prize, Perliminary design on going. Cultural center. Restoration and extension of Villa Giacomini in Varmo (UD

Spaziozero is a collaborative architectue and urban design practive led by Lorenzo Ciccu, Simone Langiu, Nicola Melis and Carlo Pisano (scientific advisor). The group has won numerous international and national competitions. Among them the extension of a primary and secondary school in Guasila (IT), the masterplan for a mixed use neighborhoods in Linz (AT) and the restoration and extension of Villa Giacomini in Varmo to create a civic and cultural center. The most recurring design themes concern school and residential buildings together with urban regeneration with a particular attention to the spatial qualities of the new transformations. This variety of themes and scales have a common purpose that pursues the relationship between architecture, urban space and place. The design approach is characterized by a strong pragmatism that allows to limit the infinite possibilities or initial doubts and to solve the complexity of the project through a few essential moves. Together with the precise preliminary decision and initial freedom the project always start with the investigation of the place, its physical and imaginary aspects and the filter of the personal sensitivities and intuitions. Through this process they decipher the raw materials that they transpose in their projects.

Spaziozero è un collettivo di architetti e urbanisti composto da Lorenzo Ciccu, Simone Langiu e Nicola Melis e Carlo Pisano (consulente scientifico). Il gruppo ha vinto numerosi premi in concorsi nazionali e internazionali di progettazione che spaziano dalla scala dell’oggetto architettonico e quella progetto urbano e di paesaggio. I progetti più rilevanti attualmente in corso comprendono l’estensione della scuola Gaetano Cima a Guasila, il masterplan per il nuovo quartiere residenziale e produttivo di Wienerstrasse a Linz in Austria e il restauro e l’estensione di Villa Giacomini a Varmo per la creazione di un polo socio-culturale. I temi progettuali più ricorrenti riguardano l’edilizia scolastica e residenziale e la rigenerazione urbana con particolare attenzione alle qualità spaziali delle nuove trasformazioni. Questa varietà di temi e scale è accomunata da una ricerca che persegue la relazione tra architettura, spazio urbano e luogo. L’approccio progettuale è caratterizzato da un forte pragmatismo che permette di porre limiti alle infinite possibilità o dubbi iniziali e di risolvere la complessità del progetto attraverso pochi e essenziali mosse. Alle precise scelte e libertà iniziali si affianca

l’indagine sul luogo, i suoi aspetti fisici e immaginari e il filtro della sensibilità e intuizioni personali. Attraverso questo processo lo studio decifra i materiali grezzi che traspone nei progetti.

ARCHITECTURE

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stARTT STUDIO DI ARCHITETTURA

WWW.STARTT.IT @STARTT.ARCH @STARTT_ARCHITETTURA

E TRASFORMAZIONI TERRITORIALI

La CitÃ© des Cultures D'Italie - project for the extension of the Italian Cultural Institute of Paris - Selected Competition- First Prize (visualization by inIMAGEnable)

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Flexi - project for the recovery of the Foyer-Ridotto of Teatro Rossini in Pesaro - in progress (visualization by Fabriviz)

Ph. Gabriele Lungarella

Design for people. stARTT is the acronym of office for architecture and territorial transformation. The name comes from the idea that architecture is part of a wider territory where our work interacts with different groups, cultures, needs into the environment and society. Architecture is considered as infrastructure for associated life - the open and built space where people live, work, communicate and have fun together. Urban dimension and imaginary. The office is interested in the urban dimension and collective life, where the signs of a society emerge and overlap, expressing both physical landscapes - to be transformed through architecture, engineering and urban policies, both imaginary landscapes and cultural values, nourished by the actions of the artists.

Scale, shape, scape. The research is addressed to the relationship with the site and its existing environment; how the project integrates and transforms it; how to answers to the client and the people living and crossing it; finally which imaginaries and values do the intervention recall when realized. This work is developed through shape, scale sequences and spatial organization. Working / playing with architecture means to stARTT passionate commitment towards the issues of culture, heritage, environment and urban regeneration, in the continuous search for a synthesis among figurative investigation, sustainability, program and care of the process to achieve the goals shared with the client and the society.

Tribute to Luigi Ghirri -rehabilitation of the urban courtyard of Pavaglione, Lugo (Ravenne) - Sustainability Award 2018 - category Urban Design, Honorable Mention at Premio Gubbio 2018 for the contemporary intervention into historical sites (design group: stARTT with P'ARC - Enrica Dall'Ara, Matteo Zamagni, Sara Angelini)

Architettura per la vita associata. stARTT è l’acronimo di studio di architettura e trasformazioni territoriali. L’idea che motiva questa scelta è che l’architettura faccia parte di un territorio ampio dove il progetto interagisce con gruppi, culture e istanze diverse della società e dell’ambiente. L’architettura è pensata come infrastruttura per la vita associata, lo spazio aperto e costruito dove le persone comunicano, vivono, lavorano e si divertono insieme. Dimensione urbana e immaginario. L’interesse dello studio è rivolto alla dimensione urbana del vivere insieme, dove i segni di una società si affermano e si sovrappongono, esprimendo sia paesaggi reali - da trasformare per mezzo dell’architettura, dell’ingegneria e delle politiche urbane, sia paesaggi immaginari e valori culturali, nutriti dallo sguardo e dalle azioni degli artisti. Scala, forma, paesaggio. La ricerca sullo spazio è rivolta alla relazione con l’ambiente preesitente: come il progetto lo integra e lo trasforma; come risponde alle istanze della committenza e delle persone che lo abitano e attraversano; infine quali immaginari e valori evocano le architetture proposte. Questo lavoro è affrontato per forma, rapporti di scala e organizzazione dello spazio. Intervenire nel mondo dell'architettura significa per stARTT dedicarsi con passione e consapevolezza ai temi della cultura e del patrimonio, della natura e della rigenerazione urbana, nella ricerca continua della sintesi fra indagine figurativa, sostenibilità e funzionalità e cura del processo per il raggiungimento degli obbiettivi condivisi.

ARCHITECTURE

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STUDIO

OSSIDIANA

WWW.STUDIO-OSSIDIANA.COM @STUDIO-OSSIDIANA-729281133881917 @STUDIO_OSSIDIANA

Amsterdam Allegories, winner of the Dutch Prix de Rome 2018. The project is a proposal for experimental public spaces on water for the city of Amsterdam Ph. Majda Vidakovic

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Playground in Vleuten. The project is a landscape at children heigh, a space to pass through and explore, a surface to be touched - Ph. Gert Jan van Rooijen

scales - from interiors to material research, furniture to landscape projects. They’ve been developing over the past few years a design method which relies on working with models and materials throughout the process, from concept to production, and on “exploring” the translation of their design across these changes of scale. They often produce elements or prototypes of their projects in their studio, while cherishing the collaboration with artisans and manufactories. Two years ago, they won the Prix de Rome, an urban scale design competition held every four years in the Netherlands, which gave them the possibility to conceptualize and “scale up” their thinking, as well as connect the material research with their background in urbanism.

Ph. Loes van Duijvendijk

Studio Ossidiana was founded in 2015, and they are mainly involved in projects ranging between architecture, installations, and public art. The Studio exists somewhere between a workshop (or an artists’ atelier), and an architecture studio: material research precedes or intertwines with computer work, model making borders with the in-house production of installations and exhibitions. The studio was founded following their studies at Politecnico and TU Delft (Alessandra), and IUAV and MIT (Giovanni), and some years of experience in offices in Spain, the Netherlands and the US. What brought them together was a desire to engage with the material culture in the discipline, something they felt was too often left aside, and the desire to work across

Studio Ossidiana nasce nel 2015, e oggi lavora principalmente su progetti di architettura, installazioni, e arte per lo spazio pubblico. Lo studio opera in uno spazio, e con una mentalità in parte da laboratorio, da workshop (o atelier), in parte da studio di architettura. La ricerca e sperimentazione sui materiali procede in parallelo al disegno, la produzione di modelli architettonici sconfina spesso nella produzione di mostre o installazioni. Lo studio è stato aperto dopo aver studiato al Politecnico di Milano e TU Delft (Alessandra), e allo IUAV e al MIT (Giovanni), e dopo alcuni anni di esperienza in studi di architettura in Spagna, Olanda, e Stati Uniti. Ciò che ha unito i fondatori è il desiderio di lavorare con i materiali dell’architettura, una cultura che sembrava spesso trascurata sia in Università che nella pratica, e l’ambizione di lavorare su scale diverse - dall’interno all’installazione, dall’arredo al progetto di paesaggio. Durante questi anni hanno sviluppato un metodo di lavoro basato sulla produzione di modelli e prototipi, dal concetto al dettaglio, e sullo sviluppo del progetto come esercizio di “traduzione” attraverso diverse scale. Spesso nello studio vengono prodotte parti o prototipi dei progetti, ma Alessandra e Giovanni lavorano anche in collaborazione con artigiani e fabbriche locali. Due anni fa hanno vinto il Prix de Rome, un concorso a scala urbana che si tiene ogni quattro anni in Olanda, che ha dato a Studio Ossidiana la possibilità di formulare un’agenda di lavoro, quasi un manifesto, e presentare una proposta di progetto a grande scala, ricollegando la ricerca sui materiali al progetto di città.

A collection of materials from the world of horticulture and farming Ph. Studio Ossidiana

Alessandra Covini, Giovanni Bellotti, founders of Studio Ossidiana

DESIGN

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WWW.STUDIOVLORA.COM @STUDIO__VLORA

STUDIO VLORA

Antilibreria - Ph. Jacopo Valentini

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Ph. Studio Vlora

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House with a courtyard - Ph. Studio Vlora

Architecture must be remembered Distracted, we forget more and more what we live and see. The goal of Studio Vlora as architects is to create spaces and objects that last in the visitor's mind. The project must be intriguing and attractive, it has to offer a pause to be contemplated and understood. If a project, its images, the emotion of visiting it lasts in the visitor, then somehow it changes its way of being. It is vitally important that an architectural or design work possesses a "complexity"

that demands time to be understood stimulating the visitor in an active and dynamic way. They try to make each of their projects the manifesto of a concept, of an idea. They always start from an intuition, which through a long dialogue, takes more and more shape until it becomes a real project. They want the concept behind their work to be as precise and concise as possible, coherent with the theme of the project. A project is finished when it can be described with one word.

L’architettura va ricordata Distratti, dimentichiamo sempre più spesso quello che viviamo e vediamo. L’obiettivo dello Studio Vlora come architetti è quello di creare spazi e oggetti capaci di durare nella mente del visitatore. Il progetto deve incuriosire e attrarre, offrire una pausa per essere contemplato e compreso. Se un progetto, una sua immagine, l’emozione nel visitarlo perdura nel visitatore, allora in qualche modo cambia il suo modo di essere. È di vitale importanza che un’opera architettonica o di design siano dotati di una “complessità” che richieda del tempo per essere compresa stimolando, in modo attivo e dinamico, il visitatore. Gli architetti dello Studio Vlora cercano di rendere ogni progetto il manifesto di un concetto, di una idea. Partono sempre da una intuizione, che attraverso un lungo dialogo, assume sempre più forma fino a diventare un progetto vero e proprio. Vogliono che il concetto alla base di un loro lavoro sia il più preciso e conciso possibile, coerente con il tema del progetto. Un progetto è finito quando può essere descritto con una parola.

Studio in white - Ph. Studio Vlora

ARCHITECTURE

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WWW.STUDIOWOK.COM @STUDIOWOKARCHITECTURE @STUDIO_WOK

STUDIO WOK

A country home in Chievo, Verona 2018 - Ph. Simone Bossi photographer

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House in Montevecchia, ongoing project. Maquette

most of natural and environmental aspects - specific to each location. They prefer the use of natural materials, capable of evolving over time and able to mature in step with the architectural structure that welcomes them. Every project comes from the comparison of the ideas of all members of the company and the integration of specific expertise from consultants who work alongside them. The concept of habitat, for them, refers to the quality of living: conceiving, designing and building positive environmental conditions is their aim. And this design research constantly infuses their work, whether it be developed on a residential or urban scale.

Ph. Federico Villa Studio

studio wok is Marcello Bondavalli, Nicola Brenna and Carlo Alberto Tagliabue. Since 2012, they have focused their research on architecture, design and landscape, paying great attention to the quality of living. Their methodological and design approach is artisanal. For the development of their work, they carefully note the physical features of the project site: the landscape, the materials that characterise the area, the light, the atmosphere. Their quest for environmental sustainability does not only involve the use of certain technical devices and systems, it is primarily a design and construction process that considers - and makes the

studio wok è Marcello Bondavalli, Nicola Brenna e Carlo Alberto Tagliabue. Dal 2012 lo studio focalizza la ricerca sull’architettura, il design e il paesaggio ponendo grande attenzione alla qualità dell’abitare. Il loro approccio metodologico e progettuale è artigianale. Per lo sviluppo dei loro lavori, rilevano con attenzione le caratteristiche fisiche del luogo di progetto: il paesaggio, i materiali che connotano il territorio di riferimento, la luce, l’atmosfera. La ricerca della sostenibilità ambientale non è solo legata all’uso di determinati dispositivi tecnici e impiantistici, ma è soprattutto un processo progettuale e costruttivo che considera - e sfrutta - gli aspetti naturali e ambientali specifici di ogni luogo. Prediligono l’uso di materiali “naturali”, capaci di avere un’evoluzione nel tempo e in grado di maturare di pari passo con la struttura architettonica che li accoglie. Ogni progetto nasce dal confronto delle idee di tutti i componenti dello studio e dall’integrazione delle competenze specifiche dei consulenti che li affiancano. Il concetto di habitat, per loro, rimanda alla qualità dell’abitare: pensare, disegnare e costruire condizioni ambientali positive è il loro fine. E questa ricerca progettuale permea con costanza il loro lavoro, sia esso da svilupparsi su scala residenziale o urbana.

Apartment in Porta Venezia, Milano 2019 - Ph. Federico Villa studio

ARCHITECTURE

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SUPERLUNA

STUDIO

Etel Milano, Gallery for Modern & Contemporary Brazilian Design, Milan, Italy – 2017, completed - Ph. ©Filippo Bamberghi

WWW.XXXXX.NET WWW.SUPERLUNA.IT @SUPERLUNA @SUPERLUNASTUDIO

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Casa da Soja, Private House, Itu, Brazil – 2017, on going - Ph. Mammut Lab

Established in Como in 2017 by Andrea Romano, Marco Bonfatti Paini, and Luca Sartori, Superluna is a creative co-working space with a contemporary focus on architecture and design. After the university years at the Accademia di Architettura di Mendrisio, CH, professional experiences around the world including Switzerland, England, Germany, Australia, Japan, and Brazil, and collaborating with renowned architecture offices we decided to combine our skills, experiences, and knowledge to create a new concept studio which smartly response to the actual needs of today’s clients, both for private and public commissions. We like to see Superluna as a meeting point for creative and visionary people

who need to express, share their ideas and experiences in order to support a reliable and sustainable way of living - critically and democratically. Superluna's interests and research activities flows on different scales of design, mainly between Italy, Switzerland, and Brazil, whether it's a restoration or a new construction, an object, an urban planning. Among the principal works of Superluna we highlight the new design gallery for “Etel” in Milan in 2017; the refurbishments of an early 1900s farm’s “La Barchessa” at the countryside of Cremona; a family house “Casa da Soja” at Itù, state of San Paolo, Brazil, and a new resort “Condominio Irauà” at Maraù, state of Bahia, Brazil.

Fondato a Como nel 2017 da Andrea Romano, Marco Bonfatti Paini e Luca Sartori, Superluna è uno spazio creativo di co-working con una visione contemporanea sull’architettura e il design. Successivamente agli anni universitari presso l’Accademia di Architettura di Mendrisio, CH, ed esperienze professionali nel mondo, tra cui Svizzera, Inghilterra, Germania, Australia, Giappone e Brasile, collaborando con alcuni rinomati studi di architettura, hanno deciso di unire le loro capacità, esperienze e conoscenze per creare un nuovo concetto di studio che rispondesse alle esigenze odierne dei clienti, sia per commesse private che pubbliche. A loro piace, infatti, vedere Superluna come un punto d'incontro di persone creative e visionarie con la necessità di esprimere e condividere idee ed esperienze a sostegno di uno stile di vita migliore e più sostenibile, in modo critico e democratico. Gli interessi e le attività di ricerca di Superluna si muovono su scale differenti di progettazione, principalmente tra Italia, Svizzera e Brasile, che si tratti di un restauro o di una nuova costruzione, di un oggetto o di uno studio urbanistico. Lo dimostrano alcuni dei progetti, eseguiti o in corso d’opera, tra i quali ricordiamo la Galleria di Design “Etel” a Milano, 2017; il recupero della cascina “La Barchessa” nella campagna Cremonese; l’abitazione unifamiliare “Casa da Soja” a Itù, nello stato di San Paolo, Brasile e un nuovo resort, “Condominio Irauà”, sulla penisola di Maraù nello stato di Bahia, Brasile.

La Barchessa, Private House in Rivarolo del Re ed Uniti, Cremona, Italy – 2017, on going - Ph. Mammut Lab

ARCHITECTURE

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SUPERVOID

Doria Pamphilj Apartment, Roma Â© Giorgio De Vecchi-Gerdastudio

WWW.SUPERVOID.EU @SUPERVOIDARCHITECTS

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Supervoid is an office that deals with architecture. The various adjectives associated with this term - always in a rapid evolution following the changing conditions of the production of architecture itself or worse the fashion of the moment (ephemeral, permanent, sustainable, domestic, parametric, etc.) - do not shift the focus of their practice, which remains the project of space and the relationships it entails with the history of the discipline and context. Making projects is for them the most effective way of understanding architecture and positioning theirselves within the debate on it. The study of architecture and the production of designs, which is in general oriented towards their construction, is, therefore, a necessary but not sufficient condition for the articulation of a design practice able to hold together theory and praxis. The office’s practice is understood as research in constant evolution, embracing the complexity and the manifold possibilities of the project, and not as the consequence of a theoretical statement or a manifesto. A non-dogmatic approach which allows them to freely draw from different formal solutions, clarifying their language in the making, just like generations of architects have done in the past. In fact, the clearest statement about their design approach will not be found in these words, but rather in the projects themselves.

Supervoid è un ufficio che si occupa di architettura. I diversi aggettivi che si associano a questo termine, sempre in rapida evoluzione a seconda del mutare delle condizioni di produzione dell’architettura stessa, o peggio, della moda del momento (effimera, permanente, sostenibile, domestica, parametrica ecc.) non cambiano il fuoco della loro attenzione, che rimane il progetto dello spazio e le relazioni che questo stabilisce con la storia della disciplina e con il contesto. Produrre progetti è per Supervoid il modo più efficace per “capire l’architettura” e prendere posizione all’interno del dibattito su di essa. Lo studio dell’architettura e la produzione di progetti, che ha generalmente come scopo la loro realizzazione, è dunque condizione necessaria ma non sufficiente per l’articolazione di un pensiero progettuale che riesca a tenere insieme la dimensione della prassi con quella della teoria. La pratica dell’ufficio si svolge sotto forma di ricerca in constante evoluzione che accoglie la complessità e le molteplici possibilità del progetto, e non come conseguenza di un’enunciazione teorica o di un manifesto. Un approccio non-dogmatico che permette allo studio di attingere a soluzioni formali diverse, e di precisare un linguaggio progettando, come hanno fatto generazioni di architetti prima di loro. In effetti l’enunciazione più chiara dell’approccio di Supervoid non si potrà rintracciare in queste parole, ma nei progetti stessi.

Monteverde Apartment, Roma © Giorgio De Vecchi-Gerdastudio

Garden pavilion, Pontignano 01 © SUPERVOID

ARCHITECTURE

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TELLURICO

WWW.TELLURICO.COM @TELLURICO

The Unchecked Chain at Van Abbe Museum is a multi-channel video installation which investigates the transforming of the landscape on the northern suburb of the city of Naples Ph. Tellurico Design Studio

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Ph. Alessandra Finelli

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The T’Kat tower and La Mesa coffee table, standing together in the Summer Opening show at Palau De Casavells, by Side Gallery - Ph. Josep Plaja

After graduating from the Master of Contextual Design at Design Academy of Eindhoven, in 2017 Francesco Pace founded Tellurico, a multidisciplinary design studio specialised in objects, spaces and installation design. The investigation of alternative solutions through the study of folklore, together with the relationship between crafts and the environment has been the centre of Tellurico’s practice. The context in which a project is born has been the primary focus of these years research. What binds the objects of a place to the characteristic of the place itself intertwines the historical, geological and social aspects of humankind, as well

as the uniqueness and simplicity of everyday life. It is an always expanding field of investigation, as endless as there are ways to live. So far, Tellurico’s works have been presented in many international venues such as Biennale of Architecture in Venice, Van Abbe Museum in Eindhoven, M.A.D.RE. in Naples, Triennale di Milano, Brohan Museum in Berlin, Beirut Design Fair, Italian Pavilion in Barcelona, Zoya Gallery in Bratislava and others. He received commissions from private clients as well as different galleries such as Palau de Casavells in Barcelona, Mint London, Camp Design Gallery, Galleria Salvatore Lanteri in Milan and Functional Art Gallery in Madrid.

Dopo essersi Laureato al Master di Contextual Design della Design Academy di Eindhoven, nel 2017 Francesco Pace fonda Tellurico, studio di design multidisciplinare specializzato nella progettazione di oggetti, interni e installazioni, per privati, aziende o istituzioni. La ricerca di soluzioni alternative e lo studio del folclore, insieme alla relazione fra artigianato e condizioni ambientali, sono sempre stati al centro della pratica progettuale di Tellurico. Il contesto in cui nasce un progetto definisce l’insieme delle regole che servono a sviluppare il progetto stesso, e sono il fulcro del lavoro di Tellurico in questi anni. Ciò che lega gli oggetti di un luogo alle caratteristiche del luogo stesso, combina gli aspetti storici, geologici, economici e sociali insieme alla semplicità della vita di tutti i giorni. Il campo di indagine è in continua espansione, come infiniti sono i modi di vivere. Finora, i lavori di Tellurico sono stati presentati in differenti sedi internazionali, come la Biennale del Design di Venezia, il Van Abbe Museum di Eindhoven, il Madre di Napoli, la Triennale di Milano, il Bröhan Museum di Berlino, la Design Fair di Beirut, il Padiglione della Cultura Italiana di Barcelona e la Zoya Gallery di Bratislava. Ulteriormente, Tellurico lavora con clienti privati e collabora con differenti gallerie come Palau de Casavalles di Barcelona, la Mint di Londra, Camp Design Gallery a Milano e Functional Art Gallery di Madrid.

Telluride, Stracciatella big bowl at Alcola with Galleria Salvatore Lanteri, Milan 2018. A research-based project which look into the possibility of using the lava stones as compound elements in the creation of a brand new porcelain clay mixture (Volcanic Porcelain) - Ph. Op-Fot

DESIGN

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WWW.DAVIDETRABUCCO.IT @CONFORMI_

DAVIDE TRABUCCO All tomorrow's Pantheon, WAR - Warehouse of Architecture and Research, Roma, 2018, ph. credit Flavia Rossi

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Confórmi, private collection, Bologna, 2017, courtesy the artist

Interested in obsessive research on shapes, his work focuses mainly on archiving, drawing and installation. The shape is, among the visual elements of an object, the one that generates the

most interest and fascination in Davide. Shape always represents a relationship between the things of the world. In fact, shape characterizes one thing to another, because having one shape excludes the possibility of having another. His main interest is in archetypical forms, which possess an inexhaustible energy of new meanings to discover, elaborate and experiment. Through drawing it’s possible to explore the infinite formal possibilities that an object could have or will not have; it is therefore always the free step of the work, which exceeds in quantity the works you finally produce. Analogy is his main working method, it represents the time that speaks of itself, because it makes us reappropriate old things in a new way. The project that best represents his research is @conformi_, where he was able to make his obsessions visible and concrete. This project is born from the excess of images in which we are immersed every day, impossible to memorize and often enjoyed in a distracted way. The main purpose is to use social media not only as a channel to share information, but also as a work in itself, building a device that almost automatically produces its object, the image cut in half. The appropriation of other people's images is a method to save them from the oblivion of abundance, because the things we select today may have been discarded yesterday and will be discarded again tomorrow.

Interessato a un’ossessiva ricerca sulle forme, il lavoro di Davide Trabucco si concentra soprattutto sull’archiviazione, il disegno e l’installazione La forma è, tra gli elementi visivi di un oggetto, quello che genera in Davide maggior interesse e fascino. La forma rappresenta sempre un rapporto tra le cose del mondo. La forma caratterizza infatti una cosa rispetto ad un’altra, perché l’avere una forma esclude la possibilità di averne un’altra. L’interesse principale è per le forme archetipiche, che posseggono un’inesauribile energia di nuovi significati da scoprire, elaborare e sperimentare. Attraverso il disegno si possono indagare le infinite possibilità formali che un oggetto avrebbe potuto avere o che non avrà; è quindi la fase libera e gratuita del lavoro, che eccede in quantità rispetto alle opere prodotte. L’analogia è il suo principale metodo di lavoro, rappresenta il tempo che parla di sé, perché ci fa riappropriare di cose antiche in modo nuovo. Il progetto che meglio incarna la sua ricerca è @conformi_, in cui l’artista è riuscito a rendere visibili e concrete le sue ossessioni. Questo progetto nasce dall’eccesso di immagini in cui giornalmente ci immergiamo, impossibili da memorizzare e fruite spesso in modo distratto. Il fine principale è quello di utilizzare i social non solo come canale distributivo di informazioni, ma anche come opera in sé, costruendo dunque un dispositivo che produce quasi automaticamente il suo oggetto, ovvero l’immagine tagliata a metà. L’appropriazione di immagini altrui è un metodo per salvarle dall’oblio dell’abbondanza, perché le cose che seleziono oggi magari erano state scartate ieri e saranno scartate nuovamente domani.

Stilopòdi, Fondazione Collegio Artistico Venturoli, Bologna, 2017, courtesy the artist

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WWW.VG13.CH @VG13.CH

VG13 ARCHITECTS Ã&#x153;bernahme / Takeover, 16. Biennale di Architettura di Venezia, with Walter Angonese Architekt - Ph. Paolo Riolzi

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Nuovo Circolo Tennis, Rimini - Image by DIMA

VG13 Architects is the practice led by Tommaso Fantini and Alberto Rossi. VG13 started during their studies at the Accademia di Architettura - USI in Mendrisio, from the desire to juxtapose their academic paths with experiences in the field of the profession. This contiguity between theory and practice is something that continues to distinguish their work. They invest theirselves in every project they work on, always engaging in an intellectual research throughout they are able to realize their idea of architecture. The aim, nonetheless, is never theoretical, but focused on creating building of striking quality that can have an intrinsic value of beauty and solidity. Each one of their projects takes its premises from a precise intention and

become defined through a caring constant work. Every choice they make comes from careful thoughts and long discussions; in doing so they want to charge each part of each building with their own identity and reason. Along the process they are surely influenced by various external aspects - being them economic, legislative - but never to the extent in which their intention is no longer evident and visible. What they think, what they draw, what they eventually build is their life. By building they are building theirselves, their work is a passion and also a philosophical choice. Through this process they trust they will be able to give value to both the physical and spiritual life of the individuals who will inhabit the worlds they will get to define.

VG13 Architects è lo studio guidato da Tommaso Fantini e Alberto Rossi. VG13 nasce durante gli studi all’Accademia di Architettura - USI a Mendrisio, dal desiderio di affiancare al percorso scolastico le prime esperienze di pratica nel mondo dell’architettura. Questa contiguità tra teoria e pratica è qualcosa che continua a caratterizzare il loro lavoro. Gli architetti investono se stessi in ogni progetto su cui lavorano, sempre cercando di impostare una riflessione intellettuale attraverso la quale sono in grado di realizzare la loro idea di architettura. L’obiettivo, in ogni caso, non è mai teorico, ma orientato alla costruzione di edifici di grande qualità che possano avere un valore intrinseco di bellezza e solidità. Ognuno dei loro progetti parte da una precisa intenzione e si raffina e definisce attraverso un paziente e costante lavoro. Ogni scelta che fanno deriva da attenti pensieri e lunghe discussioni; così facendo vogliono caricare ogni parte di ogni edificio di una propria identità e, soprattutto, una propria ragione. Lungo il processo sono sicuramente influenzati da vari aspetti pragmatici - siano essi economici, normativi - ma mai fino al punto in cui la loro intenzione non è più evidente e visibile. Ciò che pensano, ciò che disegnano e ciò che, qualche volta, costruiscono è la loro vita. Costruendo si stanno costruendo da loro stessi, il loro lavoro è una passione e anche una scelta filosofica. Attraverso questo processo credono di poter dare un valore fisico e spirituale alla vita di coloro che abiteranno i mondi che riusciranno a definire.

Maison H, Villa in Marrakech

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STUDIOWAR.COM @WAROME @WAREHOUSE.ARCHITECTURE

WAREHOUSE OF ARCHITECTURE AND RESEARCH

(WAR)

Theseus in the 80's, temporary installation by WAR, Unfolding Pavilion, Venice, 2018 â&#x20AC;&#x201C; Ph. Laurian Ghinitoiu

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Kipple/Palta: a collection designed by WAR (Bellino, Panteon, Pavese, Ufo), digital drawing, Rome, 2020

Double coding: any sign or text which is open to two different interpretations depending on the frame of reference which is used to interpret it. Irony has sometimes been referred to as a form of ‘double coding’. In irony, double coding is open to both a literal and an ironic interpretation: the former can be seen as depending on a broadcast code and the latter as depending on a narrowcast code. Thus interpretations would diverge. However, referring to irony as double coding obscures the role of context as well as code: determining that the preferred reading is ironic can be seen as requiring a greater sensitivity to context, rather than requiring access to another code. For the American architectural theorist Charles Jencks, a defining characteristic of postmodern architecture, art, and literary works in which modern techniques are combined with ‘quotations’ of traditional or historical styles (Oxford Reference). WAR was founded in Rome in 2013. Its essence lies between the concept of a mannerist architecture studio and an independent space for research. The Warehouse of Architecture and Research is extremely tied to the roman culture. Theory alongside practice, dialogue before design. In the warehouse, a collective hive-mind

of documents, books and drawings, the team elaborates architectures and books, exhibitions and furnitures, schemes of urban development and questionable ideas. WAR held lectures at La Sapienza in Rome, Politecnico in Milan, Parsons, Pratt, Tulane in the US. Their works have been exhibited in Rome, Venice, Milan, New York, London, Shenzhen and published in magazines such as Cor. Sera, Domus, Ideat, Summa+, The Architect’s Newspaper among others.

Sulla superficie terrestre il 91% dei vulcani è sottomarino. La condizione di questi primi 7 anni di attività ci ha costretto a lasciare sommerso almeno il 91% dei progetti germinati tra le mura del deposito di architettura e ricerca, che per ragioni legate ad una presunta propensione alla competizione su scala globale — da Sabaudia a Sanaʽa, direbbe Pasolini, da Carbognano a Shenzhen, diremmo noi — si chiama war: warehouse of architecture and research, nome costantemente manomesso da chi ci coinvolge in qualsiasi tipo di attività. Lo studio, manierista per vocazione, prende nota degli scarti come degli episodi eroici interni alla disciplina architettonica, senza soluzione di continuità. Accumula, cataloga, cestina, smonta, copia e riassembla architetture eccellenti in ogni occasione progettuale. Un double coding ironico ma anche serissimo, incline alla celebrazione come alla beffa, che ha trovato in Roma un palinsesto ideale dal quale attingere nutrimento per questa azione ambivalente. WAR ha esposto e curato mostre negli Stati Uniti (Parsons, Pratt, Tulane), al RIBA e alla Betts Project di Londra, alla Biennale di Shenzhen; ha ideato il magazine Panteon, collabora con il Centro Studi Giorgio Muratore e svolge attività di docenza presso La Sapienza e lo IED. Dopo un lungo e peculiare percorso immaginifico e professionale, iniziato progettando con il premio oscar Luca Bigazzi e la Cineteca di Bologna la mostra I Vestiti dei Sogni, oggi lo studio prosegue un’attività che oscilla tra l’effimero ed il permanente, una ininterrotta dichiarazione d’amore nei confronti del progetto d’architettura.

Panteon 1/Billboards, Rome, 2020 – Ph. Emiliano Zandri

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There was a time of great, radiant future. A time when magnificent progressive fortunes were dreams of attainable utopias. The future shone - and it was there, within reach of all and for all. But then progress lost its enamel. Fascination was lost and only ideologies remained. And so that dream that was the future became small. Today people think that the ability to think about the future is a characteristic of young people. As if to say: it is the sign of those who know how to plan what is to come. Perhaps. Certainly things have changed - and, as the poet Paul Celan said, it could happen because we are still the same. There is, however, an interesting little story that was told among the chassidìm. This story told how the world will be coming: everything will be as it is now, here; our room will be our room even in the world to come; where our child sleeps now, there will also sleep in the world to come. And what we wear, now in this world, we will wear also in the world to come. Everything will be as it is now, as it is here - only a little different. When you try to define the future you should keep this little story in mind. Walter Benjamin told it in his pages on Kafka. He added that it is so because it is like imagination: "It is only a veil that it spreads over what is far away. Everything there can remain as it was, but the veil floats, and imperceptibly things below move. It is a change and a permutation; nothing remains and nothing disappears. Benjamin knows how the world will come, he says, because a "great rabbi", his great friend Gershom Scholem, told him so. That world to come - which for the chassidìm is the world after the coming of the Messiah - then it will be light: the Messiah will not intend to change the world, he will only adjust it, and very little. The future then is that day when everything will change, but perhaps nothing will have changed. This is because from the perspective of our present it is not the future that is uncertain, but the past, which we will be able to mention in all its moments, in all its phases, even those that exist today even if they have never really happened. We learn from Walter Benjamin to dream of history and therefore also of our future as a fire alarm, because it is precisely in its moments of worst crisis that history becomes more readable. And in the meantime, as Paul Celan wrote again, "the unpredictable, already tomorrow, already today".

Avvenire C’è stato un tempo di grandi, radiosi futuri. Un tempo in cui le magnifiche sorti progressive erano sogno di utopie realizzabili. L’avvenire brillava ed era lì, a portata di tutti e per tutti. Poi però il progresso ha perso il suo smalto. Il fascino è andato perduto e sono rimaste solo le ideologie. E così quel sogno che era l’avvenire s’è fatto piccolo. Oggi si pensa che la capacità di pensare l’avvenire sia una caratteristica dei giovani. Come dire: è il segno di coloro che sanno progettare quel che verrà. Forse. Di certo le cose sono cambiate - e, come diceva il poeta Paul Celan, è potuto accadere perché noi siamo sempre gli stessi. C’è però una storiella interessante che si raccontava fra gli chassidìm. Questa storiella diceva come sarà il mondo a venire: tutto sarà come è ora, qui; la nostra stanza sarà la nostra stanza anche nel mondo a venire; dove il nostro bambino dorme ora, lì dormirà anche nel mondo a venire. E anche quel che indossiamo, ora in questo mondo, indosseremo anche nel mondo a venire. Tutto sarà come è ora, come è qui - soltanto un po’ diverso. Quando si tenta di definire il futuro bisognerebbe tenere a mente questa storiella. L’ha raccontata Walter Benjamin nelle sue pagine su Kafka. Aggiungendo che è così perché è come l’immaginazione: «È solo un velo che essa distende su ciò che è lontano. Tutto lì può restare com’era, ma il velo fluttua, e impercettibilmente le cose al di sotto si spostano. È un cambiare e un permutare; nulla resta e nulla scompare». Benjamin sa come sarà il mondo a venire, dice, perché gliel’ha riferito un “gran rabbino”, e cioè il suo grande amico Gershom Scholem. Quel mondo a venire - che per gli chassidìm è quello dopo la venuta del Messia - allora sarà lieve: il Messia non intenderà mutare il mondo, lo aggiusterà soltanto, e di pochissimo. L’avvenire allora è quel giorno in cui tutto cambierà, ma forse nulla sarà cambiato. Questo perché dalla prospettiva del nostro attuale presente non è il futuro a essere incerto, bensì il passato, che potremo citare in tutti i suoi momenti, in tutte le sue fasi, pure quelle che esistono oggi anche se non sono mai davvero successe. Impariamo da Walter Benjamin a sognare la storia e quindi anche il nostro avvenire come un segnalatore d’incendio, perché è proprio nei suoi momenti di peggior crisi che la storia diventa maggiormente leggibile. E nel frattempo, come scriveva ancora Paul Celan, «l’imprevedibile, già domani, già oggi».

|K E Y

WORD

| Marco F I LO N I

/av·ve·nì·re/1 aggettivo e sostantivo maschile 1. aggettivo Futuro. "negli anni a." 2. sostantivo maschile L'insieme delle situazioni o delle condizioni che si presenteranno nel futuro ( l'a. è ignoto ; lavorare per un a. migliore ), immaginato incerto o prospero secondo l'umore o l'atteggiamento ideale di chi parla: la vita è dura, pensa al tuo a., ragazzo mio!; far fosche previsioni per l'a; Il mondo è bello e santo è l'avvenir (Carducci); spunta il sol dell'avvenir! Origine Dalla loc. a venire •sec. XIII. traduce l’ingl.: paradise

/av·ve·nì·re/ 2 intransitivo 1. Avere luogo, accadere: com'è avvenuto il fatto?; + che e cong. o + di e inf.: avvenne che ci trovassimo (o di trovarci) per caso sullo stesso treno. 2. arcaico o lett. Di persona, giungere; part., approdare alla vita. "io avvenni dal niente e irruppi involontario nel mondo" 3. arcaico Con uso impers., convenire.

intransitivo pronominale 1. rcaico Trovarsi per caso (+ in ). "la giovane... s'avvenne in un luogo fra gli scogli riposto" Imbattersi (+ in, a ). "contento d'essermi a così fatto oste avvenuto" 2. arcaico Addirsi. Origine Dal lat. advenire, der. di venire ‘venire’, col pref. ad- prima metà sec. XIII .

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The last Berlin International Film Festival saw the film Favolacce by the Damiano brothers and Fabio D'Innocenzo win the Best Screenplay Award. The two young directors stage a real black fairy tale through an elegant but incisive direction in which every solution appears significant for the story. In an ordinary suburb, under the summer sun, a narrator introduces a precise and distressing story in which the familiar environment takes on grotesque tones. It is not the first time in recent years that a young Italian director has been internationally recognized: Alice Rohrwacher stood out in 2014 with Le Meraviglie, winner of the Special Jury Grand Prix, and in 2018 with Lazzaro Felice, awarded for best screenplay. Already with Le Meraviglie, the director shows a clear interest in the magical and fairy-tale dimension that will be fully realized in the next film. Her debut, Corpo Celeste (Heavenly Body), on the other hand, remains more tied to the dynamics of everyday life; her lyrical and delicate gaze is directed not only at the characters but also at the urban landscape. Among the young Italian directors there is an evident tension towards documentary, parallel to the more fictional approach. Jonas Carpignano immerses himself in environments little explored by local cinema, telling stories where the boundary between fiction and reality becomes more and more subtle, the screenplay seems only sketched and the camera relies on life itself. Mediterranea follows a young Burkinabé and his odyssey from the coast of Africa to the picking of oranges in deep Calabria. In Ciambra she enters the life of a young Roma and his community of Gioia Tauro, narrating the process of initiation into the life of the adults in the family.

Black Fairy Tales Simone MOLINARI Francesca PINTON Francesco ZANATTA

L’ultimo Festival internazionale del cinema di Berlino ha visto il film Favolacce dei fratelli Damiano e Fabio D’Innocenzo vincere il premio per la miglior sceneggiatura. I due giovani registi mettono in scena una vera e propria favola nera attraverso una regia elegante ma incisiva in cui ogni soluzione appare significativa per il racconto. In una periferia qualunque, sotto il sole estivo, un narratore introduce una storia precisa e angosciante, in cui l’ambiente familiare assume toni grotteschi. Non è la prima volta che negli ultimi anni un giovane regista italiano viene riconosciuto a livello internazionale: Alice Rohrwacher si è fatta notare nel 2014 con Le Meraviglie, vincitore del Grand Prix Speciale della Giuria, e nel 2018 con Lazzaro Felice, premiato per la miglior sceneggiatura. Già con Le Meraviglie, la regista mostra un chiaro interesse verso la dimensione del magico e del fiabesco che si compirà pienamente nel film successivo. L’esordio, Corpo Celeste, rimane invece più legato alle dinamiche del quotidiano; il suo sguardo lirico e delicato si rivolge non solo ai personaggi ma anche al paesaggio urbano.

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The young man, without a defined role, moves in the places of his daily life that in front of the camera become a set. The two films can be seen as a diptych: the protagonists are linked by a particular friendship and both of them stage themselves in the communities in which they live, highlighting their internal mechanisms. The camera thus creates a breach through which we can enter a hidden world where life shows itself as it is. There are other interesting cases of stories outside the traditional narrative, where the line between true and fictional remains out of focus. Fabio Bobbio's I cormorani recalls in some ways the genre of the observation documentary. In the context of a provincial summer we witness the growth of two boys in a journey between an almost lost childhood and a new adolescence. Another similar example is Il solengo by Alessio Rigo de Righi and Matteo Zoppis. This sort of documentary moves continuously between the stories of some peasants and freer moments, where the camera imagines and walks among the places of a rural legend in which a solitary figure whose existence is never certain, not even in front of the images. The blurred boundary between reality and fiction seems to be resolved in a film like Funeralopolis in which immersion in real life reaches its extreme manifestations. Alessandro Redaelli follows for a year and a half two young underground musicians in the Milanese suburbs, documenting their relationship with drugs and nighttime adventures. The young director gets into the heart of their experiences without leaving out details that can rarely be seen in traditional cinema with such intensity; the image speaks clearly, the direction puts few filters and leaves space for the spectator. It is difficult to look at the last ten years of Italian cinema without noticing common interests and research among young directors. Their gaze often turns towards lives on the margins, exploring stories outside the box and ever-changing landscapes, where life is re-imagined in configurations that are each time different and never defined. These authors leave space for the spectator with intelligence and awareness, making him or her participate in the construction of the film, and it is here that we can identify the strength on which the future of our cinema will be built.

Tra i giovani registi italiani si individua, parallelamente all’approccio più finzionale, un’evidente tensione verso il documentario. Jonas Carpignano si immerge in ambienti poco esplorati dal cinema nostrano, raccontando storie dove il confine tra fiction e reale si fa sempre più sottile, la sceneggiatura pare solo abbozzata e la camera si affida alla vita stessa. Mediterranea segue un giovane burkinabé e la sua odissea dalle coste dell’Africa fino alla raccolta di arance nella Calabria profonda. A Ciambra entra nella vita di un giovane rom e della sua comunità di Gioia Tauro, narrandone il processo di iniziazione alla vita degli adulti della famiglia. Il ragazzo, privo di un ruolo definito, si muove nei luoghi della sua quotidianità che davanti alla cinepresa si fanno set. I due film possono essere visti come un dittico: i protagonisti sono legati da una particolare amicizia ed entrambi mettono in scena sé stessi nelle comunità in cui vivono, mettendone in luce i meccanismi interni. La macchina da presa crea così una breccia attraverso la quale possiamo entrare in un mondo nascosto dove la vita si mostra così com’è. Ci sono altri casi interessanti di racconti al di fuori della narrazione tradizionale, in cui il limite tra vero e fittizio rimane fuori fuoco. I cormorani di Fabio Bobbio ricorda sotto certi punti di vista il genere del documentario di osservazione. Nel quadro di un’estate di provincia assistiamo alla crescita di due ragazzi in un percorso tra la quasi perduta fanciullezza e una nuova adolescenza. Un altro esempio simile è Il solengo di Alessio Rigo de Righi e Matteo Zoppis. Questa sorta di documentario si muove continuamente tra il racconto di alcuni contadini e momenti più liberi, dove la camera immagina e cammina tra i luoghi di una leggenda rurale nella quale si nasconde una figura solitaria la cui esistenza non è mai certa, neanche di fronte alle immagini.

The camera thus creates a breach through which we can enter a hidden world where life shows itsel as it is. Il confine labile tra realtà e finzione sembrerebbe risolversi in un film come Funeralopolis in cui l’immersione nella vita vera arriva alle sue estreme manifestazioni. Alessandro Redaelli segue per un anno e mezzo due giovani musicisti underground nella periferia milanese, documentandone il rapporto con le droghe e le avventure notturne. Il giovane regista si addentra nel vivo delle loro esperienze senza tralasciare dettagli che di rado si possono vedere nel cinema tradizionale con tale intensità; l’immagine parla chiaro, la regia pone pochi filtri e lascia spazio allo spettatore. È difficile guardare gli ultimi dieci anni del cinema italiano senza notare interessi e ricerche comuni tra i giovani registi. Il loro sguardo si rivolge spesso verso vite ai margini, esplora storie fuori dagli schemi e paesaggi sempre mutevoli, dove la vita si ri-immagina in configurazioni ogni volta diverse e mai definite. Questi autori lasciano spazio allo spettatore con intelligenza e consapevolezza rendendolo partecipe alla costruzione del film, ed è qui che si può individuare la forza sulla quale si farà il futuro del nostro cinema.

CINEMA

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Jesús Vassallo

EPICS IN THE EVERYDAY PHOTOGRAPHY ARCHITECTURE AND THE PROBLEM OF REALISM

Park books - 2020

There is a thin thread that binds architecture to photography as well as the fact that both disciplines investigate the forms of reality. And this thread often links photographers, their work on the image, to architects who, when they build their architecture, have in their memory the photographs taken by photographers, their gaze on the world. Jesus Vassallo investigates this faint boundary between disciplines and to do so, he studies couples of architects and photographers who during their careers have shared an Imaginary, a mental space of experimentation that sometimes seems to define an enlarged field of action where the real is a field of comparison. These dialectical couples use the image as a ground for comparison, on the one hand the photographers who use their technique to reinvent places and spaces, on the other hand the architects who use images to build their projects. In this book Jesús Vassallo explores a particular condition over a long period of time from the post-war period to the present day. The reality observed is always that of the city and the architecture of everyday life, an often anonymous architecture that builds urban places and that in the hands of architects reinvents itself through language. It is a book on the history of the image but also a book on the history of architecture, realism emerges from the intersection between these two natures. Page after page we ask ourselves if Vassallo is interested in reality or its representation, if he considers these dialectical couples a single thought or if he is interested in architecture as a form of narration and photography as a tool to achieve it. But it doesn't matter because this journey is first of all a journey about abstraction and about how reality is always born from something we have to discover by looking through the eyes of others, in order to be able to modify it. The Smithsons discover the city of London through the eyes of Nigel Henderson. Venturi and Dennis Scott Brown can learn from Las Vegas by studying it through the instrument that Ed Ruscha uses to narrate Los Angeles, the photographs taken by a moving camera. Herzog & de Meuron reinvent their architecture through Thomas Ruff's way of looking at it, which for an instant gives the photographic medium the materiality of architecture itself. Or we can follow Caruso St John and Thomas Demand in their mutual mirroring of each other, in an immaterial world that then, as if by magic, becomes real, only to return to being a simple representation of a state of mind. As it already happened when conceptual art discovered photography, we find ourselves at a turning point, a new beginning, where architecture appears not as a form but as a shadow of the collective imagination. A really important book.

PRINTED

| Luca GA LO FA RO

Esiste un sottile filo che lega l’architettura alla fotografia oltre al fatto che entrambe le discipline indagano le forme del reale. E questo filo spesso lega i fotografi, il loro lavoro sull’immagine agli architetti che quando costruiscono le loro architetture hanno nella loro memoria impressi gli scatti dei fotografi, il loro sguardo sul mondo. Jesus Vassallo indaga questo confine labile tra le discipline e per farlo, studia coppie di architetti e fotografi che nel corso della loro carriera hanno condiviso un’Immaginario, uno spazio mentale di sperimentazione che sembra a volte definire un campo d’azione allargato dove il reale è un terreno di confronto. Queste coppie dialettiche usano l’immagine come terreno di confronto, da una parte i fotografi che sfruttano la loro tecnica per reinventare luoghi e spazi, dall’altro gli architetti che usano le immagini per costruire i loro progetti. In questo libro Jesús Vassallo esplora una condizione particolare nel corso di un tempo lungo che va dal dopoguerra fino ai giorni nostri. La realtà osservata è sempre quella della città e dell’architettura del quotidiano, un’ architettura spesso anonima, che costruisce i luoghi urbani e che in mano agli architetti si reinventa attraverso il linguaggio. E’ un libro di storia dell’immagine ma anche un libro di storia dell’architettura, il realismo emerge dall’intersezione tra queste due nature. Pagina dopo pagina ci chiediamo se Vassallo è interessato al reale o alla sua rappresentazione, se considera queste coppie dialettiche un’unico pensiero oppure se sia interessato all’architettura come forma di narrazione e alla fotografia come strumento per raggiungerla. Ma non importa perché questo viaggio è prima di tutto un viaggio sull’astrazione e su come la realtà nasce sempre da qualcosa che dobbiamo scoprire guardando attraverso gli occhi degli altri, per poi poterla modificare. Gli Smithsons scoprono la città di Londra attraverso lo sguardo di Nigel Henderson. Venturi e Dennis Scott Brown possono imparare da Las Vegas studiandola attraverso lo strumento che Ed Ruscha usa per raccontare Los Angeles, le fotografie scattate da una macchina in movimento. Herzog & de Meuron reinventano la loro architettura attraverso il modo di guardarla di Thomas Ruff, che per un istante è in grado di dare al medium fotografico la materialità propria dell’architettura stessa. Oppure possiamo seguire Caruso St John e Thomas Demand il loro specchiarsi reciproco, in un mondo immateriale che poi come per magia diventa reale, per poi tornare ad essere semplice rappresentazione di uno stato mentale. Come è già successo quando l’arte concettuale ha scoperto la fotografia, ci troviamo ad un punto di svolta, un nuovo inizio, in cui l’architettura appare non come forma ma come ombra dell’immaginario collettivo. Un libro davvero importante.

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PA E S A G G I O 3 MARMI, 4 TEXTURES

di Gumdesign

D A L D I A LO G O I N F I N I TO T R A F O R M A E M AT E R I A N A S C E U N N U O V O D E S I G N

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DESIGN BY SIMONE MICHELI

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URBANITÀ SPONTANEE

Libria - 2020

When we talk about public space we think only of open space, the places in the city. When Cedric Price thought about his architecture, the spontaneous component, the actions of the users were the important part of the generative diagram of the project, architecture for Price was something that gave shape to spontaneity. The use of this term by the author of the book, a member of the Orizzontale studio, is perhaps the most interesting part of this brief history of public architecture. The paradigm of participation has, in my opinion, always been a risk that only a few designers have been able to face in the best way. The term Spontaneity, on the other hand, encapsulates new potentialities for an architecture that, besides being exploited for its functional characteristics, must leave space for users to their freedom of movement, flexibility of use and the reversibility and reuse of the architecture itself. The projects narrated in this book in fact have the purpose of being objects but at the same time a mirror of a community. They are children of a concrete radicality, the same concreteness hidden in every proposal of the architect Price. It is a book written by a designer who tries to understand the reality that surrounds him by reading the history of contemporary architecture. It is a biased book because each project presented hides something that the author considers interesting for his projects. The book thus becomes a manual of design actions that through a retroactive path become tools to imagine the future. Quando si parla di spazio publico si pensa unicamente allo spazio aperto, ai luoghi della città. Quando Cedric Price pensava le sue architetture, la componente spontanea, le azioni dei fruitori erano la parte importante del diagramma generativo del progetto, l’architettura per Price era qualcosa che dava forma alla spontaneità. L’uso di questo termine da parte dell’autore del libro, membro dello studio Orizzontale, è forse la parte più interessante di questa breve storia d’architettura pubblica. Il paradigma della partecipazione è a mio avviso da sempre un rischio che solo pochi progettisti hanno saputo affrontare al meglio. Il termine Spontaneità racchiude invece nuove potenzialità per un’architettura che oltre ad essere sfruttata per le sue caratteristiche funzionali, deve lasciare spazio agli utenti alla loro libertà di movimento, alla flessibilità d’uso e alla reversibilità e al riutilizzo dell’architettura stessa. I progetti raccontanti in questo libro infatti hanno lo scopo di essere oggetti ma allo stesso tempo specchio di una comunità. Sono figli di una radicalità concreta, la stessa concretezza nascosta in ogni proposta dell’architetto Price. È un libro scritto da un progettista che cerca di capire la realtà che lo circonda leggendo la storia del contemporaneo. È un libro di parte perché ogni progetto presentato nasconde qualcosa che l’autore ritiene interessante per i propri progetti. Il libro diventa così un manuale di azioni progettuali che attraverso un percorso retroattivo diventano strumenti per immaginare il futuro.

A cura di Joaquim Moreno

THE UNIVERSITY IS NOW ON AIR, BROADCASTING MODERN ARCHITECTURE

CCA-Jap Sam Books - 2018

A multi-part book edited and narrated through 8 episodes by Joaquim Moreno, which analyzes the experience and the birth of the Open University, in particular the pioneering course in History of Architecture and Design. The Open University through radio and television broadcasts between 1975 and 1982, outlines the portrait of an era, a teaching method that today seems to be very topical again. An important story, something more than a simple distance education initiative. A school that does not want to replace traditional systems but wants to integrate them with the media. The Open University is linked to the concept of teaching on a large scale, and is based on three post-war educational trends, the desire to teach an adult audience, the need to create a media-related industry, the spread of education as a system capable of levelling out class differences. Education moves beyond the physical spaces of traditional universities and reaches a wide audience. The lessons were the result of teamwork and were constructed in a completely different way from traditional didactics. A book of great actuality capable from a certain distance of talking about the present, about the many questions that the University is asking itself. What does it mean to teach in a world dominated by the media and where distance will continue to transform the space of the community? And what is the space of knowledge. Moreno tells us through his careful research, that tools in every age must be understood and exploited to amplify the meaning of physical space. Un libro a più voci curato e narrato attraverso 8 episodi da Joaquim Moreno, che analizza l’esperienza e la nascita della Open University in particolare del pionieristico corso di Storia dell’architettura e del design. L’Open University attraverso trasmissioni radiofoniche e televisive tra il 1975 e il 1982, delinea il ritratto di un’epoca, un metodo di insegnamento che oggi sembra di nuovo di grande attualità. Una storia importante, qualcosa di più di una semplice iniziativa di istruzione a distanza. Una scuola che non vuole sostituire i sistemi tradizionali ma li vuole integrare con i media. L’Open University è legata al concetto di insegnamento su grande scala, e si basa su tre tendenze educative del dopoguerra, la volontà di insegnare ad un pubblico adulto, l’esigenza di creare un’industria legata ai media, la diffusione dell’educazione come sistema capace di livellare le differenze di classe. L’educazione si sposta oltre gli spazi fisici delle università tradizionali ed arriva ad un vasto pubblico. Le lezioni erano il frutto di un lavoro di equipe ed erano costruite in modo completamente diverso rispetto alla didattica tradizionale. Un libro di grande attualità capace da una certa distanza di parlare del presente, delle tante domande che l’Università si sta ponendo. Cosa significa insegnare in un mondo dominato dai media e in cui la distanza continuerà a trasformare lo spazio della collettività? E cosa è lo spazio della conoscenza. Moreno ci dice attraverso la sua ricerca attenta, che gli strumenti in ogni epoca devono essere capiti e sfruttati per amplificare il significato dello spazio fisico.

Luca GA LO FA RO

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Bastian Modular Sofa, Auryn side low table, Bastian Pouff, Atreyu low table: design Mauro Lipparini for Visionnaire. Keu Consolle, Jurgen upholstered chair: design Alessandro La Spada and Samuele Mazza for Visionnaire. Tinne ceramic wallstone, Duir Floor Lamp: design Samuele Mazza for Visionnaire

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Bologna

VILLAS IN PARCO GHIGI A history of modern architecture for the residence of Leopoldo Cavalli Una storia di architettura moderna per la residenza di Leopoldo Cavalli

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The Exterior of Villa Ghigi

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The park around Villa Ghigi

The complex of the houses in Parco Villa Ghigi in Bologna is one of the most intimate examples of the architectural activity of Enzo Zacchiroli. These villas contain a tribute to the projects of Frank Lloyd Wright and Alvar Aalto, a modern conception of architecture with almost Brutalist overtones, in a dialogue between the brick and concrete of linear volumes and the park with its gentle slopes in the hills near Bologna. The villas have been conceived in such a way that from every vantage point, the geometry and construction - in brick and concrete - establish a harmonious relationship with the surrounding forest. The masonry enclosure is imposing: the barrier wall of the property, in reinforced concrete, is crossed by precise, deep openings for access to the house and the garage; the shape is marked by a sequence of angles and concave and convex curves, suggesting an entrance. The perimeter of the house, on the other hand, in brick - a distinctive trademark of Zacchiroli - is interrupted by smaller openings and ribbon windows. While the exterior of the house conveys a forceful sense of engagement and intimacy, the interior displays a surprising openness to the surrounding environment. The living area features the presence of a ribbon window facing the park, and the observer cannot help being captured by the view of this green band that frames and pervades the domestic space. The osmosis between construction and greenery, the mastery in the “projection” of nature into the dwelling, and the evocative force of these linear glimpses, are undoubtedly the identifying factors of this work of architecture. This is the home of the entrepreneur Leopoldo Cavalli, who lives there with his wife Monica, and their two children Michele and Anna, as well as cherished pets (a Cane Corso, an Amstaff, a Jack Russell Terrier, an inseparable parakeet, two hamsters and many goldfish). “Monica and I immediately fell in love with this house that had been abandoned by the previous owners for many years, after they moved abroad, though the household staff had remained in place for nearly a decade. They welcomed us with an apple pie fresh from the oven and a delightful tea service, and helped us to explore every corner, even the most hidden recesses of the house. We are both from Bologna, and in this residence we

have rediscovered a meditative space, a private dimension of wellbeing that is perfect for our family. We have enhanced the place not only with sensorial elements - which on their own are capable of boosting the quality - but also careful selection of low-emission products, finishes and materials.” In this architectural setting with a rationalist matrix, an interior design project has been inserted, entirely carried out by Visionnaire, the metaluxury lifestyle brand Leopoldo launched 15 years ago, together with his sister Eleonore and their father Luigi. Iconic products by the brand emphasize the size and luminosity of the spaces, while the meditative atmosphere brings harmony to the decor. The living area is arranged around a fireplace at the center, from which the various areas branch out. The zone for relaxation with the Bastian modular sofa seems designed to act as a privileged observatory of nature. Seated on the sofa, you can get lost in contemplation of the forest, which almost seems to embrace the viewer. The adjacent music area features a grand piano, obviously facing towards the natural spectacle. Musical instruments are a recurring theme, with two grand pianos, reflecting Leopoldo Cavalli’s passion for this art form, also assiduously cultivated in his professional life. “Music is my greatest passion. Not a single moment of my day fails to be paced by a melody - Leopoldo says. - I have a past as an aspiring singer-songwriter and pianist, thanks to my mother who helped me to discover the world of music when I was very young, and I have fulfilled my dream by acquiring the historic Fonoprint recording studio (previous the Museum of Sound and Song of the city of Bologna) from the heirs of the great Lucio Dalla, quite close to our new house. I also wanted to have a small recording studio at home, a space where all the members of the family enjoy composing, dancing and singing.” Music as a passion, but also as a form of therapy. In two large areas of the house excellent sound systems designed by the Fonoprint studios make the listening experience totally immersive, thrilling, for a daily “rebirth” of energy. Leopoldo’s studio is a very striking setting: entirely clad in wood on the walls, it envelops the observer and transmits a contemplative atmosphere. A small opening to the greenery, created with

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Larix piano and bench Design Alessandro La Spada for Visionnaire

the modules of the wooden bookcase behind the antique desk, acts as a source of abundant light. The adjacent area has again been set aside for music, and contains a Larix piano bar, with a Riverside sofa and ottoman in milk white leather. “The desk is one of my favorite pieces in the new house, and one of the very few items not created by Visionnaire. I found it in an old warehouse of historic treasures in Bologna; it has been renovated and enhanced by a top in Patagonia stone, which mixes granite and quartz a masterpiece of nature!” The design of the kitchen is no less ambitious, and features the hanging cabinets of the Victorian kitchen, a product that stands out for the use of steel enhanced by ornamental brass inserts. Here again, a ribbon window crosses the walls and furnishings, offering a striking view while filling the room with light and shifting shades of green. “The kitchen as a matter for discussion with Monica. Our two personalities had to coexist in this intimate space. The soft feminine touch of oak and the hard, angular presence of steel. Contrasts that repeat in the dining table, where we like to gather with our children and close friends; I chose a Visionnaire icon, the Versailles table designed by Alessandro La Spada in 2008, which stands out for its truncated conical steel legs and blown glass, and the top in Port Saint Laurent marble that connects with the kitchen cabinets. Forty square meters of refined design, for a very evocative, inspiring, engaging setting.” Great care has also gone into the bathrooms of the house, all clad in stone (with widespread use of the Rosa Egeo and Invisible Grey from the Antolini collection). All the spaces are unique: from the sculptural bath, the Forma Mentis, a design by Simone Micheli for Visionnaire featuring a ceramic head

The Ferrari car of Leopold Cavalli

The owner Leopold Cavalli

as a washstand with a faceted mirror, to the Kobol bathroom of the latest generation by Alessandro La Spada, which contains a large wellness area, a true domestic spa with cryosauna, hypersalinized tub, fitness gear and a Turkish bath. “Total wellbeing, based on a philosophy of mindfulness, has always been my goal and that of my wife Monica, so much so that four years ago we opened a new Beauty Salon concept in our native city: a green space where the choice of natural materials for zero emissions and respect for the environment meets cutting-edge technologies in a unique location; a Beauty Academy, to learn how to care for ourselves in a concrete, lasting way. After this experience, it was only ‘natural’ to transfer the knowledge and technology into the most intimate spaces of our home, which thus becomes a true ‘greenhouse’ of relaxation and wellness.” The extraordinary value of this residence, with an indoor area of over 1200 square meters plus 13 delightful terraces, lies not only in its architecture, an expression of the Brutalism of Zacchiroli, not only in the refined design approach (all the levels have a double slab to create an interspace of 130 cm, to prevent mildew and humidity and to contain all the physical plant systems inside the floors), but above all in the fact that the house stands at the center of a marvelous public park, Parco Villa Ghigi, just 2 kilometers from the historical center of the city, and contains extraordinary trees in its private garden, including the oldest Himalayan Cedar in Bologna, almost 30 meters high, listed and protected as natural heritage. Nature and architecture, contaminations and vision, values that are reflected in this project, values the Visionnaire brand epitomizes and explores on an everyday basis.

Kobol wellness unit and towel holder Design Alessandro La Spada for Visionnaire

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The entrance The Dubhe Chaise Longue Design Samuele Mazza for Visionnaire Acer consolle Design La Conca. Artdesign Trofeo Bufalo Design Michele Astolfi for Visionnaire

Il complesso delle Case nel Parco di Villa Ghigi di Bologna è una delle testimonianze più intime dell’attività architettonica di Enzo Zacchiroli. C’è un omaggio ai progetti di Frank Lloyd Wright e Alvar Aalto in queste ville, una concezione moderna dell’architettura dall’eco quasi brutalista, che mette in dialogo mattoni e cemento di volumi lineari con il parco e i dolci declivi delle colline bolognesi. Le ville sono concepite in modo tale che, da ogni prospettiva di osservazione, la geometria e il costruito - il mattone e il cemento - dialoghino armoniosamente con la foresta circostante. L’involucro murario è imponente: il muro di cinta della proprietà, in cemento armato, è attraversato da aperture nette e profonde per l’accesso alla casa e al garage, l’andamento è caratterizzato dal susseguirsi di segni spigolosi e curve concave e convesse a suggerimento di un ingresso. Il perimetro della casa invece, in mattoni - cifra distintiva di Zacchiroli - è interrotto da aperture a dimensione contenuta e da finestre a nastro. Se l’esterno della casa rimanda ad un forte senso di avvolgimento ed intimità, l’interno invece mostra un sorprendete respiro verso l’ambiente circostante. Il living della casa è caratterizzato dalla presenza di un’apertura a nastro che affaccia sul parco, e l’osservatore non può che non rimanere catturato dalla vista di questa fascia verde che incornicia e pervade lo spazio domestico. L’osmosi tra il costruito e il verde, la maestria nel “progettare” una natura nella dimora, e la suggestione di questi scorci lineari, sono senz’altro i segni distintivi di quest’ opera architettonica. È in questa dimora che abita l’imprenditore Leopoldo Cavalli con la moglie Monica, i due figli Michele e Anna e i suoi affezionatissimi animali domestici (un cane corso, un amstaf, un jack Russell, un papagallino inseparabile, 2 criceti e tanti pesci rossi). “Con Monica ci siamo subito innamorati di questa casa, disabitata dai proprietari precedenti trasferiti all’estero da moltissimi anni, ma abitata dal personale di servizio per quasi una decade. Sono loro che ci hanno accolto con una torta alle mele appena sfornata ed

Terrace Coney Island Armchair Design Samuele Mazza

un incantevole servizio di thè, e che per primi ci hanno fatto scoprire ogni angolo, anche quelli più segreti, della casa. Entrambi bolognesi abbiamo ritrovato in questa dimora un ambiente meditativo e una dimensione privata di benessere perfetta per la nostra famiglia che abbiamo voluto arricchire, non solo con la presenza di elementi sensoriali - che di per sé elevano la qualità dell’ambiente - ma anche con un’attenta scelta di prodotti, finiture e materiali a bassa emissione”. In questa cornice architettonica di matrice razionalista, si inserisce un progetto di interni interamente firmato Visionnaire, il metaluxury lifestyle brand che lo stesso Leopoldo ha lanciato 15 anni fa, assieme alla sorella Eleonore ed al padre Luigi. Alcuni prodotti iconici del brand enfatizzano lo spazio ampio e luminoso e viceversa l’ambiente meditativo infonde armonia all’allestimento. La zona living ruota attorno ad un camino posto al centro dell’ambiente, dal quale si snodano le diverse aree. La zona del riposo con il divano modulare Bastian sembra progettata come un osservatorio privilegiato sulla natura. Seduti sul componibile non si può non rimanere in contemplazione della foresta che sembra quasi avvolgere lo spettatore. Adiacente è l’area della musica, con il pianoforte a coda rivolto ovviamente verso lo spettacolo naturale. Gli strumenti musicali sono ricorrenti nella casa, ci sono ben due pianoforti a coda, a traccia della passione di Leopoldo Cavalli per questa forma d’arte, coltivata ampiamente anche nella sua vita professionale. “La musica è la mia più grande passione, non c’è momento della mia giornata che non sia scandito da una melodia - racconta Leopoldo - Ho un passato di aspirante cantautore e di pianista, merito di mia madre che mi ha fatto scoprire il mondo della musica in giovanissima età, e ho coronato il mio sogno rilevando lo storico studio di registrazione Fonoprint (già Museo del Suono e della Canzone della citta di Bologna) dagli eredi del grande Lucio Dalla, studio a pochi passi dalla nostra nuova casa. Anche qui ho voluto ricavare un piccolo studio di registrazione domestico, uno

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Made to measure bed Artwork Dragone by Michele Astolfi for Visionnaire

spazio dove con tutti i componenti della mia famiglia ci dilettiamo a comporre, suonare, ballare e cantare”. La musica come passione ma anche come terapia dello star bene. In due ampie zone della casa, sistemi di diffusione ad alta fedeltà progettati dagli studi fonoprint rendono l’esperienza sonora totalmente immersiva, emozionante, per una “rinascita” energetica quotidiana”. Lo studio di Leopoldo è un ambiente molto evocativo: interamente rivestito in legno sulle pareti, avvolge l’osservatore e trasmette un’atmosfera contemplativa. Una piccola apertura sul verde, ricavata dai moduli della libreria in legno, alle spalle dello storico scrittoio, filtra una splendida luce. L’area attigua è nuovamente destinata alla musica ed ospita un’ allestimento di pianoforte a coda Larix, divano Riverside e pouff in pelle bianco latte. “La scrivania è uno dei pezzi che preferisco nella mia nuova casa, uno dei pochissimi non firmati Visionnaire. L’ho scovata in un vecchio magazzino di reperti storici bolognese, ristrutturata ed impreziosita sapientemente con una lastra on top di marmo Patagonia che mescola il granito con il quarzo, una capolavoro della natura!” Non meno ambizioso è il progetto per la cucina, in cui sono stati scelti i pensili della Victorian, un prodotto contraddistinto dall’utilizzo dell’acciaio arricchito da inserti ornamentali in ottone. Anche qui, una finestra a nastro attraversa le pareti e l’arredo della cucina, offrendo la vista suggestiva e riempendo la stanza di luce e di verde. “La cucina è stato il terreno di sfida con Monica. In questo spazio così intimo dovevano convivere le nostre due personalità. La morbidezza e la femminilità del legno rovere con la durezza e la spigolosita dell’acciaio. Contrasti ripetuti nel tavolo da pranzo, dove amiamo riunirci con i nostri ragazzi e gli amici più intimi; ho scelto un’icona di Visionnaire, il tavolo Versailles disegnato da Alessandro La Spada nel 2008, peculiare per le sue gambe a tronco cono in acciaio e cristallo soffiato con on top il marmo port saint Laurent che si raccorda ai mobili cucina. Sono 40 metri quadri molto progettati e molto evocativi, ispiranti, emozionanti”. Molta attenzione è stata

Forma mentis single wellness unit Design Simone Micheli for Visionnaire Forma mentis mirror Design Simone Micheli for Visionnaire

posta nella realizzazione dei bagni della casa, tutti rivestiti in pietra (ampiamente utilizzato il Rosa Egeo e l’Invisible Grey della collezione Antolini e tutti unici: dal bagno scultura, il Forma Mentis, un disegno di Simone Micheli per Visionnaire raffigurante una testa in ceramica come lavabo con specchiera sfaccettata, al bagno Kobol di ultima generazione a firma Alessandro La Spada che raccoglie un ampia area wellness, una vera e propria spa domestica con tanto di criosauna, vasca ipersalinizzata, palestra e bagno turco. “Il benessere a 360 gradi così come la filosofia mindfulness appassionano da sempre sia me che mia moglie Monica, tanto da averci spinti quattro anni fa ad aprire nella nostra città natale una nuova concezione di Beauty Salon: uno spazio green dove l’attenzione alla scelta di materiali naturali e rispettosi dell’ambiente ad “emissione zero” ha incontrato tecnologie d’avanguardia in una location unica; una Beauty Academy, per imparare a prendersi cura di sé in modo concreto e duraturo nel tempo. Da questa esperienza è stato “naturale” trasferire conoscenza e tecnologia negli ambienti piu intimi della nostra casa, che in questo modo diventa una vera e propria “serra” del rilassamento e del benessere”. Il valore straordinario di questa abitazione, che supera i 1200 mq di superficie coperta oltre a 13 deliziosi terrazzi, risiede non solamente nella sua architettura, espressione del brutalissimo cementizio dello Zacchiroli, non solo nella preziosità edilizia con cui è stata progettata (tutti i piani hanno un doppio solaio atto a creare un vespaio di 130 cm per evitare muffe e umidità e per alloggiare tutta l’impiantistica a pavimento), ma soprattutto nel fatto che questa dimora risiede nel centro di un parco pubblico meraviglioso, il parco di Villa Ghigi, a soli 2 kilometri dal centro storico della città ed ospita nel suo giardino privato alberi straordinari tra cui il piu antico Cedro dell’Himalaya di Bologna, alto quasi 30 metri, censito e protetto nella cartografia cittadina. Natura ed architettura, contaminazioni e visione, valori che risiedono in questo progetto, valori che il brand Visionnaire esalta ed esplora quotidianamente.

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Woodstock soundbar Design La Conca for Visionnaire. Acanthus Chandelier Design Samuele Mazza for Visionnaire Jurgen upholstered chair Design Alessandro La Spada and Samuele Mazza for Visionnaire. Desk made to measure

Victorian Kitchen Design Alessandro La Spada for Visionnaire Versailles dining table Design Alessandro La Spada for Visionnaire Boreal 2 Chandelier Design Marco Piva for Visionnaire Saturday dining chair Design Roberto Lazzeroni for Visionnaire

Palazzo Ducale consolle Visionnaire

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E X C PE R L LOEJ NE C ET

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ART EXHIBITION REVIEW PLATFORM INTERNATIONAL EXHIBITIONS REVIEW ARTE&DESIGN PLATFORM INTERNATIONAL

DANIEL BUREN

CRISTINA BIGLIATTI

ILLUMINARE LO SPAZIO, LAVORI IN SITU E SITUATI 9TH JULY - 1ST NOVEMBER 2020 - GAMEC, BERGAMO GAMeC - Galleria d'Arte Moderna e Contemporanea di Bergamo has reopened its doors to inaugurate the Daniel Buren exhibition. Illuminare lo spazio, works in situ and located curated by Lorenzo Giusti - which will take place at the historic Palazzo della Ragione until November 1st, 2020. The presentation of a new, important exhibition project of international significance, located in the Italian city most affected by the recent pandemic, today assumes a strong symbolic value as a sign of rebirth. From the encounter between a group of "in situ" interventions, imagined specifically for the space of the hall, and a series of "situated" works adapted to the spaces of the Gran Salone but ideally transferable to other contexts, Buren's project for the

city of Bergamo was born, which for the first time opens the doors to the thought and creativity of the famous French artist, entrusting him with the reinterpretation of one of its most representative historical places. The luminous fibre canvases are the latest result of Buren's research. They not only represent the technological evolution of consolidated compositional concepts and principles, but also constitute a new way of existing in space, due to their intrinsic qualities, their being both internal bearers of radiant substance and, at the same time, a source of light for the rooms. Buren's optical fibres find themselves on this occasion experiencing for the first time a new spatial dimension and a new dialogue with a historical context of great value.

Photo-souvenir: Diamonds and Circles, travaux permanents in situ, Tottenham Court Road station, Londra, 2008-2017. Detail - © Daniel Buren by SIAE 2020

Photo-souvenir: "Quand le Textile s’éclaire: Fibres optiques tissées, travaux situés 2013-2014", Kunstsammlungen, Chemnitz, 2018© Daniel Buren by SIAE 2020

Photo-souvenir: Daniel Buren, Fibres optiques tissées. Illuminare lo spazio, lavori in situ e situati, GAMeC, Palazzo della Ragione, Bergamo, 2013 - 2020. Copyright Daniel Buren by SIAE 2020. Foto di Lorenzo Palmieri

La GAMeC – Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea di Bergamo ha riaperto le sue porte per inaugurare la mostra Daniel Buren. Illuminare lo spazio, lavori in situ e situati – a cura di Lorenzo Giusti - che avrà luogo presso lo storico Palazzo della Ragione fino al 1 novembre 2020. La presentazione di un nuovo, importante progetto espositivo di respiro internazionale, collocato nella città italiana maggiormente colpita dalla recente pandemia, assume oggi una forte valenza simbolica come segno di rinascita. Dall’incontro tra un gruppo di interventi “in situ”, immaginati appositamente per lo spazio della sala, e una serie di lavori “situati”, adattati cioè agli spazi del grande salone ma idealmente trasferibili in altri contesti, nasce il progetto di

Buren per la città Bergamo, che per la prima volta apre le porte al pensiero e alla creatività del celebre artista francese, affidandogli la rilettura di uno dei suoi luoghi storici più rappresentativi. I teli in fibra luminosa sono l’ultimo esito della ricerca di Buren. Essi non rappresentano soltanto l’evoluzione tecnologica di concetti e principi compositivi consolidati, ma costituiscono un nuovo modo di esistere nello spazio, in ragione delle loro peculiari qualità intrinseche, del loro essere portatori interni di sostanza raggiante e, allo stesso tempo, fonte di luce per gli ambienti. Le fibre ottiche di Buren si trovano in questa occasione a vivere per la prima volta una nuova dimensione spaziale e un inedito dialogo con un contesto storico di grande valore.

Lavagnoli. A Constant Evolution

“Stone Tornado” project in collaboration with Studio Marco Piva

Lavagnoli Marmi S.r.l. – Ronchis (UD), Italy www.lavagnolimarmi.com

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ART EXHIBITION REVIEW PLATFORM INTERNATIONAL EXHIBITIONS REVIEW ARTE&DESIGN PLATFORM INTERNATIONAL pay particular attention to the theme of denied freedom and at the same time to the obvious perception that Westerners have of it, who, right now, in moments of strong limitation, feel the measure of it.

Original walnut and pine table conceived in 1941 by Curzio Malaparte in situ at Casa Malaparte, Capri © Malaparte. Photo: Dariusz Jasak

CASA MALAPARTE. FURNITURE 15TH JUNE - 19TH SEPTEMBER 2020 GAGOSIAN, LONDON In 1937, renowned author Curzio Malaparte purchased a plot of land overlooking the Tyrrhenian Sea. There, he supervised the construction of Casa Malaparte, his residence and architectural brainchild, to which he referred affectionately as “casa come me”. Designed in its entirety by Malaparte, from floor plan to furniture, the house blends classical and modernist influences, united under one roof with inimitable poetic drama. Nel 1937 il noto autore Curzio Malaparte acquistò un terreno affacciato sul Mar Tirreno. Qui supervisionò la costruzione di Casa Malaparte, sua residenza e idea architettonica, a cui si riferiva affettuosamente come "casa come me". Progettata nella sua interezza da Malaparte, dalla planimetria all'arredamento, la casa fonde influenze classiche e moderniste, unite sotto lo stesso tetto con un inimitabile poeticità.

FABIO VIALE, Souvenir David, 2020. Photo credit e Courtesy Fabio Viale Studio, Torino

FABIO VIALE. TRULY 27TH JUNE - 4TH OCTOBER 2020 PIETRASANTA In white marble and extremely detailed drapery, the sculpture has as its subjects three women from Ghardaia, an Algerian city of Islamic Ibadite where the woman wears the traditional haik. Viale wishes to

In marmo bianco e dal panneggio estremamente dettagliato, la scultura ha come soggetti tre donne originarie di Ghardaia, città algerina di religione islamica ibadita dove la donna indossa il tradizionale haik. Viale desidera porre particolare attenzione sul tema della libertà negata e al contempo sulla percezione scontata che ne hanno gli occidentali, i quali, proprio adesso, in momenti di forte limitazione, ne avvertono la misura.

Anupama Kundoo, Wall House, 2000. Photo: Javier Callejas Architecture Photography.

THE ARCHITECT’S STUDIO. ANUPAMA KUNDOO-TAKING TIME 8TH OCTOBER 2020 - 31ST JANUARY 2021 OBEYFIDELITY.THEARTOFSHEPARDFAIREY LOUISIANA MUSEUM OF MODERN ART, 4TH JULY - 1ST NOVEMBER 2020 HUMBLEBAEK PALAZZO DUCALE, GENOVA Anupama Kundoo (1967) was born and

Credit: Flavio Favelli, Golden Experience, 2020

FLAVIO FAVELLI, PROFONDO ORO 18TH SEPTEMBER 2020 - 28TH MARCH 2021 ARTE IN FABBRICA , CALENZANO The theme of "gold" is the leitmotif of the exhibition, whose "preciousness", shiny and fictitious, refers not so much to the metal itself but to the coatings and patinas that disguise less noble materials. From here the artist traces an itinerary through the history of our country and its personal history, where gold takes on subtle metaphors and meanings: sociological, economic, cultural and political, and which speaks to us of the aspiration to luxury that has characterized the Italian dream from the 1950s until today. Il tema dell'”oro” è il filo conduttore della mostra, la cui “preziosità", lucente e fittizia, è riferita non tanto al metallo in sé ma ai rivestimenti e alle patine che travestono materiali meno nobili. Da qui l’artista traccia un itinerario nella storia del nostro paese e nella sua vicenda personale, dove l’oro assume sottili metafore e significati: di carattere sociologico, economico, culturale e politico, e che ci parla di quell’aspirazione al lusso che ha caratterizzato il sogno italiano dagli anni '50 fino a oggi.

The exhibition is a visual journey that crosses four thematic points - Woman, Environment, Peace, Culture - recreating at Palazzo Ducale an ideal walk in the metropolitan night. The works in the exhibition are organic parts of the same family, an urban conversation between militant messages, pacifist visions, solidarity passions. Obey stimulates reflections on humanitarian themes, existential passages, social utopias, values of justice above the law. La mostra è un viaggio visivo che incrocia quattro punti tematici - Donna, Ambiente, Pace, Cultura - ricreando a Palazzo Ducale un’ideale passeggiata nella notte metropolitana. Le opere in mostra sono parti organiche della stessa famiglia, una conversazione urbana tra messaggi militanti, visioni pacifiste, passioni solidali. Obey stimola riflessioni sui temi umanitari, sui passaggi esistenziali, sulle utopie sociali, sui valori di giustizia al di sopra delle leggi.

OTHER EXHIBITIONS

NANDA VIGO LIGHT PROJECT 20TH MAY - 13TH SEPTEMBER 2020 MACTE, TERMOLI MASSIMO IOSA GHINI. VADO AL MASSIMO. CRONACHE DALL’ITALIA POSTMODERNA 20TH JUNE - 30TH SEPTEMBER 2020 GALLERIA ENRICO ASTUNI, BOLOGNA NINO MIGLIORI. STRAGEDIA 27TH JUNE - 27TH SEPTEMBER 2020 EX CHIESA DI SAN MATTIA, BOLOGNA

grew up in India, but has lived and worked in the USA and in Europe. Her projects have all to be found in India, most of them in the experimental city Auroville in the southern part of the country. Kundoo’s focus is on the lessons to be learned from and the rethinking of regional architecture and craftsmanship. ‘Time’ is a central element in Kundoo’s way of working. Anupama Kundoo (1967) è nato e cresciuta in India, ma ha vissuto e lavorato negli Stati Uniti e in Europa. I suoi progetti si trovano tutti in India, la maggior parte dei quali nella città sperimentale di Auroville, nella parte meridionale del Paese. Kundoo si concentra sugli insegnamenti da trarre e sul ripensamento dell'architettura e dell'artigianato regionale. Il "tempo" è un elemento centrale nel modus operandi di Kundoo.

STARS: SIX CONTEMPORARY ARTISTS FROM JAPAN TO THE WORLD 31ST JULY 2020 - 3RD JANUARY 2021 MORI ART MUSEUM, TOKYO BIENNALE GHERDËINA 7. - A BREATH? A NAME? - THE WAYS OF WORLDMAKING 8TH AUGUST - 20TH OCTOBER 2020 ORTISEI MARIO CRESCI. LA LUCE, LA TRACCIA, LA FORMA 12TH SEPTEMBER 2020 - 10TH JANUARY 2021 FONDAZIONE MODENA ARTI VISIVE, MODENA I DISEGNI GIOVANILI DI LE CORBUSIER 1902-1916 19TH SEPTEMBER 2020 - 24TH JANUARY 2021 TEATRO DELL’ARCHITETTURA, MENDRISIO

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LIQUID

Design: Walter De Silva

www.performanceinlighting.com

PROJECT

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Schematic Drawing

3,000 YEARS OF THE WORLD’S HISTORICAL CAPITAL, THE BUILDING RADIATES THE VITALITY OF BREATHING

PROJECT YinWeiYang ARCHITECT Architects GAD LOCATION Xi’an City, China YEAR 2020

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Schematic Drawing

This cultural project, curated by Luca Molinari Studio and GA, aims to create a network of people in order to share and investigate the themes around urgent matters in contemporary urban culture and architecture. Established and renown architects, designers and experts will discuss about this challenging topics, with the aim to investigate the everchanging relationship between people wellness and architectural space. We truly believe that dialogue is the most relevant tool to enhance a better future for our cities involving different points of view and provoking innovative visions for the built and natural environment. Last year, we started to explore the relationship between living environment and people wellbeing. The exhibition we curated inside The Master of the Nets Garden in Suzhou, where we involved three prominent Chinese architects to design a temporary installation inside the traditional garden, showed very well that dialogue between modernity and tradition is a powerful strategy to make people more aware of the role of Nature and history. Sustainability and sensible choices in a broader sense are the objectives to aim for, in order to better understand how to improve people’s comfort, drive better and conscious choices, and generally enhance, not compromise, people’s health. Three experts from the fields of art, architecture and design are invited.

Il progetto culturale, curato da Luca Molinari Studio e GA, si propone di creare una rete di persone per condividere e approfondire le tematiche legate alle urgenze della cultura urbana e dell’architettura contemporanea. Architetti, designer ed esperti affermati e rinomati si confronteranno su questi temi impegnativi, con l’obiettivo di indagare il rapporto sempre mutevole tra il benessere delle persone e lo spazio architettonico. Crediamo davvero che il dialogo sia lo strumento più rilevante per valorizzare un futuro migliore per le nostre città, coinvolgendo diversi punti di vista e provocando visioni innovative per l’ambiente costruito e naturale. L’anno scorso abbiamo iniziato a esplorare il rapporto tra ambiente di vita e benessere delle persone. La mostra che abbiamo curato all’interno di The Master of the Nets Garden a Suzhou, dove abbiamo coinvolto tre importanti architetti cinesi per progettare un’installazione temporanea all’interno del giardino tradizionale, ha dimostrato molto bene che il dialogo tra modernità e tradizione è una strategia potente per rendere le persone più consapevoli del ruolo della Natura e della storia. Sostenibilità e scelte sensate in senso più ampio sono gli obiettivi a cui puntare, per capire meglio come migliorare il comfort delle persone, guidare scelte migliori e consapevoli e, in generale, migliorare, e non compromettere, la salute delle persone. Sono invitati tre esperti dei settori dell’arte, dell’architettura e del design.

1. Curator of the Italian Pavilion at the Venice Biennale of Architecture: Luca Molinari Affected by the profound influence of Chinese culture, the lifestyle of the unity of man and nature has become a common aspiration of human settlements around the world. It’s impossible to imagine a new project for communities without a perfect merging between modern architecture and Nature because our future goal will be to take care of the environment for the next generations. Garden aesthetics is a part of Chinese people’s life philosophy. It pays attention to the integration of houses and landscapes. People live in it as if they live in nature, breathing and growing together with nature. The creation of a scene for the whole age space is also based on the perspective of human care to adapt to nature and feed the idea of an harmonious circularity between man and natural environment. Let the elderly, children, adults enjoy themselves and maintain an appropriate distance, this kind of living building called “the unity of heaven and man”, conform to nature and integrate differently imagining a better and a safer future.

1. Curatore del Padiglione Italia alla Biennale di Architettura di Venezia: Luca Molinari Colpito dalla profonda influenza della cultura cinese, lo stile di vita dell’unità dell’uomo e della natura è diventato un’aspirazione comune degli insediamenti umani in tutto il mondo. È impossibile immaginare un nuovo progetto per le comunità senza una perfetta fusione tra architettura moderna e natura, perché il nostro obiettivo futuro sarà quello di prenderci cura dell’ambiente per le prossime generazioni. L’estetica del giardino fa parte della filosofia di vita del popolo cinese. Presta attenzione all’integrazione di case e paesaggi. Le persone ci vivono come se vivessero nella natura, respirando e crescendo insieme alla natura. La creazione di una scena per tutto lo spazio dell’epoca si basa anche sulla prospettiva della cura dell’uomo per adattarsi alla natura e alimentare l’idea di una circolarità armoniosa tra l’uomo e l’ambiente naturale. Lasciate che gli anziani, i bambini, gli adulti si divertano e mantengano una distanza adeguata, questo tipo di edificio vivente chiamato “l’unità del cielo e dell’uomo”, si conformi alla natura e si integri in modo diverso immaginando un futuro migliore e più sicuro.

INTERNATIONAL

FOCUS

148

Sketching by Architect

2. Harvard GSD Architectural Design Critic, Founding Principal at Bureau 0-1: KAZ YONEDA As human beings we need spaces to think, organize and re-orient the directions we want to cross in our lives. The natural landscape, historically has provided and still provides the opportunity to refocus and unwind. Gardens are very much a private space for internal contemplation and spiritual journey. Parks and gardens deal with different kinds of natural and symbolic features, lakes, ponds, streams and rivers work altogether to create a comprehensive landscape that could increase the quality of life, not only for the people who experience directly the natural place, but also for the neighborhood areas, enriching the quality of the urban fabric. Being able to use nature as a medium of interaction in the everyday life, through breathing fresh air, having access to clean water, having a space to contemplate and also to exercise is a great benefit inside the complexity of the urban context. In this meaning landscape is able to cover different degrees of personal and territorial growth within a urban community. 3. Photographic Artist, Cultural Producer, Expert on Japanese Garden: Everett Kennedy Brown The influence of the ecological environment is incresingly important in redefinig values for the real estate and urban development. Shaping the nature, involves not only the careful design of the visual and aesthetical features, but also a more complex thinking on how the natural environment affects the human senses, whether it be smell, heard or felt. The concept of Biotope, developed in Europe in 1970s is a good starting point to develop a successful project. This process involves moreover researching and studying the local ecology, learning its history, not only reading the anthropic signs on the territory. Starting from the big picture, through the understanding of the peculiar fauna characterized by different species that are originally there, to the smallar scale, studying the pathways of animals, birds, insects and even the wind. How does the wind and sun move through the landscape? These kinds of details are often forgotten but really important to make a project that has lasting value. Landscape design is very important for the improvement of human environment and architecture.

Sketching by Architect

2. Critico di progettazione architettonica della GSD di Harvard, direttore fondatore dell’ufficio 0-1: KAZ YONEDA Come esseri umani abbiamo bisogno di spazi per pensare, organizzare e riorientare le direzioni che vogliamo attraversare nella nostra vita. Il paesaggio naturale, storicamente ha fornito e fornisce ancora oggi l’opportunità di rifocalizzarsi e rilassarsi. I giardini sono uno spazio privato per la contemplazione interiore e il viaggio spirituale. I parchi e i giardini hanno a che fare con diversi tipi di elementi naturali e simbolici, laghi, stagni, ruscelli e fiumi lavorano insieme per creare un paesaggio completo che potrebbe aumentare la qualità della vita, non solo per le persone che vivono direttamente il luogo naturale, ma anche per le aree del quartiere, arricchendo la qualità del tessuto urbano. Poter utilizzare la natura come mezzo di interazione nella vita quotidiana, attraverso la respirazione di aria fresca, l’accesso all’acqua pulita, avere uno spazio di contemplazione e anche di esercizio fisico è un grande vantaggio all’interno della complessità del contesto urbano. In questo senso il paesaggio è in grado di coprire diversi gradi di crescita personale e territoriale all’interno di una comunità urbana. 3. Artista fotografico, produttore culturale, esperto di giardini giapponesi: Everett Kennedy Brown L’influenza dell’ambiente ecologico è estremamente importante per la ridefinizione dei valori per lo sviluppo immobiliare e urbano. Dare forma alla natura, comporta non solo un’attenta progettazione delle caratteristiche visive ed estetiche, ma anche un pensiero più complesso su come l’ambiente naturale influisce sui sensi umani, sia che si tratti di odore, di udito o di tatto. Il concetto di Biotopo, sviluppato in Europa negli anni Settanta, è un buon punto di partenza per sviluppare un progetto di successo. Questo processo comporta inoltre la ricerca e lo studio dell’ecologia locale, l’apprendimento della sua storia, non solo la lettura dei segni antropici sul territorio. Partendo dal quadro generale, attraverso la comprensione della peculiare fauna caratterizzata da diverse specie che vi si trovano in origine, fino alla scala ridotta, studiando i percorsi di animali, uccelli, insetti e persino il vento. Come si muovono il vento e il sole nel paesaggio? Questo tipo di dettagli sono spesso dimenticati, ma sono davvero importanti per realizzare un progetto che abbia un valore duraturo. La progettazione del paesaggio è molto importante per il miglioramento dell’ambiente umano e dell’architettura. Anche con piccoli e precisi gesti, come ad esempio l’uso di contrasti, come l’ombra e la luce, la mescolanza di elementi culturali vecchi e nuovi, questo tipo di molteplicità aumenta la complessità del paesaggio. 4. Professore associato del Graduate Center for Planning della Pratt Institute School of Architecture, Presidente del Board of Center for Active Design: David J. Burney Vorrei fare due osservazioni generali. La prima ha a che fare con la salute e l’ambiente costruito. E la seconda ha a che fare con la questione dell’autenticità. In realtà, stiamo scoprendo che il mercato immobiliare lo esige. La gente vuole vivere in comunità sane ed è disposta a pagare per questo privilegio. Così abbiamo scoperto che gli sviluppatori chiedono soluzioni sane ai loro progettisti, architetti e paesaggisti. Abbiamo trascurato nelle recenti fasi dell’urbanistica, l’introduzione del paesaggio simbolico delle piante di pietra e dell’acqua. Non sono idee nuove. Sono state incarnate nel design tradizionale dei giardini, e l’influenza di queste arti è stata ampia e corposa. La maggior parte del mondo ha una tipologia tradizionale, metodi di costruzione zan che rispondono non solo alle

149

Schematic Drawing

Even with small and precise gestures as for example the use of contrasts, such as shadow and light, the mixture of old and new cultural elements, these kinds of complexity enhance and uplift the experience. 4. Associate Professor of the Graduate Center for Planning of Pratt Institute School of Architecture, Chair of the Board of Center for Active Design: David J. Burney I’d like to make two general observations. The first has to do with health and the built environment. And the second has to do with the question of authenticity. In fact, we’re now finding that the real estate market is demanding this. People want to live in healthy communities and they’re willing to pay for that privilege. So we found that developers are demanding healthy solutions from their designers, architects and landscape architects. We’ve neglected in recent phases of urbanism, the introduction of symbolic landscape of plants of stone and water. They’re not new ideas. They’ve been embodied in traditional garden design, and the influence of those arts has been extensive and bodied. Most parts of the world have traditional typology, zan construction methods that respond not only to local topographic and climatic conditions, and to the availability of material resources, but also to local cultural norms and traditions. We are very pleased to see that Xi’an Dongyuan has combined the local historical culture and natural landscape of the city with the modern architectural design to their project, in order to promote a healthy and sustainable living environment. New York’s Global Luxury Cultural Awards was accompanied by the initiative. Xi’an Dongyuan won the “Global Best Ecological Architecture Award for a new project on the bank of Weiyang Lake in the ancient capital of “Oriental Cultural Living Fossil” Xi’an. The award-winning work was created by the well-known landscape master Kobkaikit Tawatchai and internationally recognized architectural design firm GAD from China. Xi’an Dongyuan Weiyang Lake‘s works stand out among thousands of candidates from around the world, not only because of its globally design teams, to build high-standard human settlements with international mastery standards, but also due to the core of the building’s history. The city’s longing for the future makes the building full of vitality, so it has been highly recognized by the global architectural professional field. In the future, Eastern history and Western international aesthetics will merge and regenerate generating new places where people will enjoy contemporary life. Architecture and nature, human settlements and the environment, the concept of “Taoism, Nature and Man in One” will create lofty ideals, and architecture will radiate life.

condizioni topografiche e climatiche locali, e alla disponibilità di risorse materiali, ma anche alle norme e tradizioni culturali locali. Siamo molto lieti di vedere che Xi’an Dongyuan ha unito la cultura storica locale e il paesaggio naturale della città con il design architettonico moderno al loro progetto, al fine di promuovere un ambiente di vita sano e sostenibile. Il Global Luxury Cultural Awards di New York è stato accompagnato dall’iniziativa. Xi’an Dongyuan ha vinto il “Global Best Ecological Architecture Award” per un nuovo progetto sulla riva del lago Weiyang, nell’antica capitale della “Oriental Cultural Living Fossil” Xi’an. L’opera premiata è stata realizzata dal noto maestro del paesaggio Kobkaikit Tawatchai e dallo studio di progettazione architettonica cinese GAD, riconosciuto a livello internazionale. Le opere di Xi’an Dongyuan Weiyang Lake si distinguono tra migliaia di candidati da tutto il mondo, non solo per i suoi team di progettazione a livello globale, per costruire insediamenti umani di alto livello con standard di maestria internazionale, ma anche per il nucleo della storia dell’edificio. L’anelito della città per il futuro rende l’edificio pieno di vitalità, per cui è stato altamente riconosciuto dal settore professionale dell’architettura globale. In futuro, la storia orientale e l’estetica internazionale occidentale si fonderanno e si rigenereranno generando nuovi luoghi dove la gente potrà godere della vita contemporanea. L’architettura e la natura, gli insediamenti umani e l’ambiente, il concetto di “taoismo, natura e uomo in uno” creeranno ideali elevati, e l’architettura irradierà vita.

Sketching by Architect

INTERNATIONAL

FOCUS

150

GLO Design by Carlo Colombo

151 Cristina BIGLIATTI

Light of MADE in Italy When design, functionality, technology and beauty come together, we see the birth of excellence. We are talking about Penta Group, a leading company in the high-end lighting sector, which combines three major historical Italian brands: Penta, Castaldi, and Arredoluce. Quando nel design, funzionalitĂ , tecnologia e bellezza si uniscono, si assiste alla nascita di un'eccellenza. Stiamo Parlando di Penta Group, azienda leader nel settore dell'illuminazione di fascia alta, che coniuga al suo interno tre grandi marchi storici italiani: Penta, Castaldi e Arredoluce.

Castaldi's original drawings

BACKSTAGE

152 Penta was founded in 1975 in the heart of Brianza and since

Penta nasce nel 1975 nel cuore della Brianza e da allora non ha

then has never stopped designing and producing high quality

mai smesso di progettare e produrre lampade di alta qualità,

lamps, with contemporary design and completely made in Italy.

dal

The art of the master craftsmen who put heart, skill and knowledge at the

L’arte dei maestri artigiani che mettono cuore, abilità e conoscenza al servizio

service of their wise hands, is the source of inspiration for the brand's creations.

delle loro sapienti mani, è la fonte d'ispirazione per le creazioni del marchio. Pur

While remaining faithful to craftsmanship, Penta always uses new solutions

rimanendo fedele all'artigianalità, Penta si avvale di sempre nuove soluzioni e

and cutting-edge technology to enrich the tradition with innovative elements.

di tecnologia all’avanguardia, per arricchire la tradizione di elementi innovativi.

The formal beauty and functional usefulness of Penta lamps are

La bellezza formale e l’utilità funzionale delle lampade Penta,

the result of the ingenuity of the designers with whom the brand

derivano dall'ingegno dei designer con i quali il marchio collabora.

collaborates. Rigour, precision and care for details and finishes

Il rigore, la precisione e la cura dei dettagli e delle finiture sono il

are the trademark of the company, as well as the use of refined

marchio di fabbrica dell'azienda, così come l’utilizzo di materiali

materials such as wood, glass, metal, fabric, and never plastic.

ricercati come il legno, il vetro, il metallo, la stoffa, e mai la plastica.

These lamps are created to dialogue and relate to contemporary

Queste lampade vengono create per dialogare e relazionarsi con la

living and the demands of a careful clientele, creating elegant and

contemporaneità dell’abitare e con le richieste di un’attenta clientela, creando

sophisticated atmospheres in both residential and contract environments.

atmosfere eleganti e sofisticate sia in ambito residenziale che contract. A

To this end, the company has learned over the years to interface with

questo scopo l'azienda ha imparato negli anni ad interfacciarsi con il mondo

the world of architecture and its protagonists, to create totally custom

dell'architettura e i suoi protagonisti, per realizzare dei prodotti totalmente

made products that can satisfy even the most demanding architects.

custom made che sappiano soddisfare anche gli architetti più esigenti.

In 2014 Penta was acquired by Andrea Citterio and four years later became

Nel 2014 Penta viene acquisita da Andrea Citterio e quattro anni più tardi

a Group. Penta Group therefore has its roots in Made in Italy but, thanks to

diventa Gruppo. Penta Group affonda quindi le sue radici nel Made in Italy

its global vision, it has managed to conquer the rest of the world, with a 70%

ma, grazie alla sua visione globale, è riuscito a conquistare il resto del

foreign turnover and a widespread presence in 95 countries. The Group

mondo, con un 70% di fatturato estero ed una presenza capillare in 95 Paesi. Il

has 3 very important international subsidiaries: Penta USA in New York with

Gruppo vanta infatti 3 filiali internazionali molto importanti: Penta USA a New

warehouse in Miami, Penta APAC in Singapore and Penta UK in London.

York con magazzino a Miami, Penta APAC a Singapore e Penta UK a Londra.

Castaldi was born thanks to the talent and courage of Enrico Castaldi,

Castaldi è nata grazie all'ingegno e al coraggio di Enrico Castaldi, che

who founded his eponymous company in 1938. Castaldi is a pioneer

nel 1938 fonda la sua omonima azienda. Castaldi è un pioniere nel suo

in his field: since the 1970s, in fact, he introduced the first architectural

settore: dagli anni ’70, infatti, introduce nel mercato i primi prodotti di

lighting products to the market, bringing a new way of lighting outdoor

illuminazione architettonica, apportando un nuovo modo di illuminare gli

spaces. During the 80's he was able to express himself in the world

spazi esterni. Nel corso degli ’80 anni saprà esprimersi nel mondo del

of Italian design as very few other companies were able to do.

design italiano come pochissime altre aziende sono state capaci di fare.

Research, development of technologies, attention to design and a careful

Ricerca, sviluppo delle tecnologie, attenzione al design e un attento

control of production processes, are the basis of Castaldi Lighting's

controllo dei processi produttivi, sono alla base della filosofia di Castaldi

philosophy, and allow to create custom-made products able to satisfy even

Lighting, e consentono di creare prodotti su misura capaci di soddisfare

the most demanding customers' requests. This has allowed the company

anche le richieste dei clienti più esigenti. Questo ha permesso all’azienda

to collaborate with major international design and architecture studios. In

di collaborare con i maggiori studi internazionali di design e architettura.

some of the most famous projects in the world, such as the Ferrari World

In Alcuni tra i progetti più famosi al mondo, come il Ferrari World Park,

Park, the Sky Tower Shams and the International Airport in Abu Dhabi,

la Sky Tower Shams e l'International Airport ad Abu Dhabi, le Residenze

Zaha Hadid's City Life Residences in Milan, and many other places of

City Life di Zaha Hadid a Milano, e molti altri luoghi dell'architettura

contemporary architecture such as the Atelier Renault Champs-Elysées in

contemporanea come l'Atelier Renault Champs-Elysées a Parigi e

Paris and the Italian Space Agency in Rome, Castaldi products are present.

l’Agenzia Spaziale Italiana a Roma, sono presenti i prodotti Castaldi.

Arredoluce was founded in Monza in 1943 by Angelo Lelii, a

Arredoluce viene fondata a Monza nel 1943 da Angelo Lelii,

brilliant entrepreneur and designer. A man of great intuition and

geniale imprenditore e progettista. Uomo di grandi intuizioni e

author of some projects that have become iconic, among the great

autore di alcuni progetti diventati iconici, tra i grandi nomi che

names who worked alongside him are Gio Ponti, Ettore Sottsass,

hanno lavorato al suo fianco spiccano Gio Ponti, Ettore Sottsass,

Nanda Vigo, Vico Magistretti, Achille and Pier Giacomo Castigliani.

Nanda Vigo, Vico Magistretti, Achille e Pier Giacomo Castigliani.

Arredoluce represented a piece of Italian design history, which ended

Arredoluce ha rappresentato un pezzo di storia del design italiano, che si

with the death of Lelii himself. Thanks, however, to the far-sightedness

è conclusa con la morte dello stesso Lelii. Grazie, però, alla lungimiranza

of Penta Group, the company was absorbed by the Group, and had

di Penta Group, l'azienda è stata assorbita dal Gruppo, e ha avuto

the opportunity to continue to illuminate the world with its creations of

l'opportunità di continuare ad illuminare il mondo con le sue creazioni

the highest quality, dedicated to a market attentive to high end design.

di altissima qualità, dedicate ad un mercato attento all'high end design.

The great icons of Arredoluce include Triennale - a symbol of an era and

Tra le grandi icone di Arredoluce vanno citate Triennale - simbolo di un’epoca

a source of inspiration for many designers in the decades that followed -

e fonte d’ispirazione per molti designer nei decenni a seguire - creata dallo

created by Lelii himself and presented at the VII Triennale in Milan in 1947,

stesso Lelii e presentata alla VII Triennale di Milano nel 1947, e Pavone -

and Pavone - a spectacular ceiling lamp - created in 1961 by master Gio

scenografica lampada da soffitto – realizzata nel 1961 dal maestro Gio Ponti,

Ponti, still chosen today by the world's greatest brands to illuminate their

scelta tutt'oggi dai più grandi marchi al mondo per illuminare i propri spazi,

spaces, one of which is Bulgari, which has included it in all its flagship stores.

uno tra tutti Bulgari che l'ha inserita all'interno di tutti i suoi flagship stores.

The design between decoration and contemporaneity of Penta,

Il design tra decorazione e contemporaneità di Penta, l’illuminazione

the technical lighting of Castaldi, the great names of Arredoluce -

tecnica di Castaldi, le grandi firme di Arredoluce - pur mantenendo

while maintaining its autonomy - have created a unique power in

la propria autonomia - hanno creato una potenza unica del mondo

the world of lighting, able to satisfy design approaches ranging

dell’illuminazione, in grado di soddisfare approcci progettuali che spaziano

from residential to contract, and to ignite every idea of the architect.

dal residenziale al contract, e di accendere ogni idea dell'architetto.

design

contemporaneo

completamente

fatte

Italia.

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Ivan Manero Clinic - Barcelona, Spain

Penta production cycles

Triennale Design by Angelo Lelii - Arredoluce

Group Flagship Store on Fifth Avenue in New York

LIT Design by Umberto Asnago

ASI - Italian Space Agency - Rome, Italy

BACKSTAGE

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MATER FAMILIAS DAY BED

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In the year in which Matera was European Capital of Culture, Calia Italia returned to the origins of the people of Matera to address the theme of shame in Sassi life and regenerate it into a proud feeling of belonging. It was a shared project with Architecture of Shame and Matera 2019. From this we created the pioneer of the ‘Mater Familias’ collection, the ‘Day Bed’. Inspired by the psychoanalyst's bed, it reworks the feeling of shame and regenerates the soul, body and urban suburbs. Like the age-old history of Matera, its layered and welcoming structure recalls a culture of solidarity. The seams recall sacks of flour whilst the feet recall tools for hanging clothes. The copper coloured feet take us back to old kitchen stoves and the flame colours of the seat represent the passionate and resilient people of Matera. Starting from a cultural stimulus, we have created an entire collection that covers the living area to the sleeping area and even includes a breakfast stool. It shows that culture is a tangible impulse for the economic development of a territory. Nell’anno in cui Matera è Capitale Europea della Cultura, Calia Italia torna alle origini del popolo materano per attraversare il tema della vergogna della vita nei Sassi e rigenerarla in un sentimento fiero di appartenenza. Un progetto condiviso con Architecture of Shame e Matera 2019. Così nasce il Mater Familias Day Bed, pioniere della collezione Mater Familias, ispirato al lettino dello psicanalista, per rielaborare il sentimento della vergogna e rigenerare anima, corpo e le periferie urbane. Stratificato come la storia ultra-millenaria di Matera, la sua struttura accogliente richiama la cultura della solidarietà, le cuciture richiamano quelle dei sacchi di farina, il piede ricorda l’arnese per stendere i panni, il piede color rame rimanda alle caldaie delle vecchie cucine, i colori della seduta sono quelli della fiamma perché il popolo materano è passionale e resiliente. Da uno stimolo culturale è nata un’intera collezione che va dalla zona giorno alla zona notte fino ad arrivare allo sgabello per la colazione. Conferma che la cultura sia un impulso tangibile per lo sviluppo economico del territorio.

HIGHLIGHTS

Ceramica italiana. Tutte le forme dell'avanguardia*. * essere all’avanguardia: anticipare (o precorrere) i tempi. treccani

Ceramics of ltaly, promosso da Confindustria Ceramica – l'Associazione dell'industria ceramica italiana – è il marchio settoriale di Edi.Cer. S.p.A. società organizzatrice di Cersaie (Salone internazionale della ceramica per l'architettura e dell'arredobagno — Bologna, 27 settembre – 1 ottobre 2021— www.cersaie.it)

www.ceramica.info

157 PRODUCTS CRISTINA BIGLIATTI

LET'S GO OUTSIDE Summer has finally arrived and with it the need to stay outdoors and live those areas of the house that put us in contact with nature. Following the lockdown many have rediscovered the need to relate with the outside, so this year, in a more heartfelt way than in the past, more care and attention is being paid to balconies, terraces and gardens. Quality outdoor flooring is the first step to transform your outdoor spaces into scenic and design environments. To design contemporary outdoor areas of great aesthetic impact, efficient and durable over time, architects and designers know that porcelain stoneware tiles are the ideal material for flooring or for architectural solutions such as the covering

L'estate è finalmente arrivata e con essa il bisogno di stare all'aperto e di vivere quelle zone della casa che ci mettono in contatto con la natura. In seguito al lockdown molti hanno riscoperto la necessità di relazionarsi con l'esterno, quindi quest'anno, in maniera più sentita rispetto il passato, si sta prestando maggiore cura e attenzione a balconi, terrazzi e giardini. Una pavimentazione da outdoor di qualità è il primo passo da compiere per trasformare i propri spazi esterni in ambienti scenografici e di design. Per progettare aree outdoor contemporanee e di grande impatto estetico, efficienti e durevoli nel tempo, architetti e designer sanno che le piastrelle in grès porcellanato sono il materiale ideale per la

of swimming pools or ventilated facades. Throughout the year, outdoor floors are put to the test by several factors: frequent footfalls, passing vehicles, rain, frost and temperature changes. The technical characteristics of porcelain stoneware make it possible to provide designers with surfaces that are resistant to wear, weather and chemical agents, and able to preserve their qualities over time. The collections of outdoor floors and wall coverings with stone, cement and wood effect thus become the protagonists of dehors, balconies, terraces and gardens, thanks to the naturalness of the colours, the refinement of the textures and the versatility of the sizes. The faux stone tiles recall its genuine imperfection, recalling its streaks, its parts of organic and fossil origin and the authentic colours of natural stone. Cement effect tiles rediscover the natural roughness of the material and its pure and substantial character. The wood effect floor faithfully reproduces the grain, texture, details, tactile sensations and materiality of natural wood. For outdoor projects, companies offer numerous types of applications: laying on grass, ideal for those who want to create walkways, barbecue areas or gazebos in the middle of greenery; dry on gravel or sand, perfect for maintaining the drainage of the ground, through the joint between the slabs; laying on screed with glue, suitable for covering driveway areas such as car parks or garage ramps; raised or floating floor which, thanks to the help of fixed or adjustable feet, creates a technical compartment that can be inspected under the floor. Italian ceramic companies meet any type of need or desire to create beautiful and long-lasting outdoor areas: all that remains is to live them. Translated with www.DeepL.com/Translator (free version).

realizzazione di pavimenti o per soluzioni architettoniche come il rivestimento di piscine o facciate ventilate. Durante tutto il corso dell'anno le pavimentazioni esterne sono messe a dura prova da diversi fattori: frequente calpestio, passaggio di mezzi, pioggia, gelo ed escursioni termiche. Le caratteristiche tecniche del grès porcellanato permettono di mettere a disposizione dei progettisti superfici resistenti all'usura, agli agenti atmosferici e chimici, ed in grado di conservare le proprie qualità nel tempo. Le collezioni di pavimenti per esterni e rivestimenti effetto pietra, cemento e legno diventano così le protagoniste di dehors, balconi, terrazzi e giardini, grazie alla naturalezza dei colori, alla ricercatezza delle textures e alla versatilità dei formati. Le piastrelle in finta pietra richiamano la sua genuina imperfezione, ricordandone le striature, le sue parti di origine organica e fossile ed i colori autentici della pietra naturale. I rivestimenti effetto cemento riscoprono la naturale ruvidezza del materiale ed il suo carattere puro e sostanziale. Il pavimento effetto legno riproduce in modo fedele le venature, la texture, i dettagli, le sensazioni tattili e la matericità del legno naturale. Per le realizzazioni outdoor, le aziende offrono numerose tipologie di applicazioni: posa in appoggio con erba, ideale per chi vuole creare camminamenti, aree barbecue o gazebi in mezzo al verde; a secco su ghiaia o sabbia, perfetta per mantenere inalterato il drenaggio del terreno, attraverso la fuga tra le lastre; posa su massetto con colla, adatta a rivestire aree carrabili come parcheggi auto o rampe di garage; pavimento sopraelevato o flottante che, grazie all’ausilio di piedini fissi o regolabili, si crea un vano tecnico ispezionabile sotto il piano di calpestio. Le aziende ceramiche italiane vengono incontro a qualsiasi tipo di necessità o desiderio per realizzare delle zone outdoor belle e che durino nel tempo: non resta altro che viverle.

TILE

TALES

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CHIAROSCURO MONOCIBEC

WALK SUPERGRES

ALPI GRIP

| SAIME CERAMICHE

159

EVOQUE MIX DEC

| SINTESI

FORGE NOVABELL

ILCOTTOTAGINA

TILE

| TAGINA

TALES

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Paolo Veirana (artwork) Colophon La rivista Platform Architecture and Design è stata riconosciuta dall’Agenzia Nazionale di Valutazione Universitaria (ANVUR) come rivista scientifica per le discipline della Progettazione architettonica e urbana (SSD ICAR/14-15-16). In virtù dell'analisi del triennio 2016-2018 la classificazione si applica retroattivamente a partire dal primo numero del 2016. La rivista applica la peer review con il sistema del doppio cieco sottoponendo al processo tutti gli articoli inviati in redazione. The magazine Platform Architecture and Design has been recognized by the Italian Agency for University Evaluation (ANVUR) as a scientific journal for the disciplines of architectural and urban design (SSD ICAR/14-15-16). By virtue of the analysis of the three-year period 2016-2018 the classification applies retroactively from the first issue of 2016. The magazine applies peer review with the double blind system for all articles submitted to the editorial staff.

Autorizzazione Tribunale di Milano n. 303 del 18/09/2014 Iscrizione al R.O.C. n. 21349

ISSN 2420-9090

Rimadesio

Modulor boiserie, Self bold contenitore. Design Giuseppe Bavuso