¿Vivir del arte? Sí. El universo del mercado y la valuación de las artes plásticas by Puntal de la Fundación Javier Marín

de Catalina Restrepo Leongómez, con prólogo de Felipe Ehrenberg 02 a, arte, bajo, cabe, con, contra, de, desde... Nociones para escribir un proyecto de arte, de Ekaterina Álvarez y Jaime Soler Frost, con ilustraciones de Luis Carlos Hurtado 03 De la idea al papel: pasos para solicitar patrocinios culturales, de Ivonne Pérez Esquivel y René Roquet, con ilustraciones de Jis 05 Promoción digital para artistas. Comunicar la creatividad, de Alejandra Mateos, con ilustraciones de Alejandro Magallanes

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01 Portafolio de artista. Una herramienta clave para una promoción exitosa,

La expresión artística no nace como mercancía, pero los creadores para sustentarse deben venderla. El presente volumen brinda una mirada panorámica en torno a algunos de los aspectos más relevantes de la compraventa de obras, con el propósito de orientar a los artistas sobre las formas de insertarse en el mercado. En sus páginas se explica cuáles son los criterios para valorar adecuadamente una pieza; los principios para establecer los precios de la producción propia; así como los aspectos clave que influyen en las valuaciones, tales como las técnicas artísticas y la firma. Más allá de reflexionar sobre las particularidades de la relación entre el artista y el intermediario, los autores ofrecen consejos prácticos para realizar contratos con galerías y organizar exposiciones, además de abordar el vínculo vital con los coleccionistas. Y es que este libro se guía por una convicción fundamental: es posible vivir de la creación.

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Rafael Matos es licenciado en Economía por la Universidad Nacional Autónoma de México. En 1985 fundó la galería, luego casa de subastas, que lleva su nombre. Al año siguiente creó la Difusora Mexicana de Arte (Dimart), una de las primeras subastadoras de México, junto a Mariana Pérez Amor, Alejandra Reigadas, Ramón López Quiroga, Patricia Ortiz Monasterio y Jaime Riestra. Fue presidente (1990-1993) de la Asociación Mexicana de Comerciantes de Arte. Es perito valuador de arte y antigüedades reconocido por el Poder Judicial de la Federación. Ha realizado más de 300 subastas e impartido diversas charlas y seminarios dedicados al arte y sus

¿Vivir del arte? Rafael Matos y Valeria Matos

Otros títulos en esta colección

¿Vivir del arte? Sí El universo del mercado y la valuación de las artes plásticas Rafael Matos Valeria Matos

falsos dentro y fuera del país. Su opinión es una de las voces fundamentales en el mercado de la plástica mexicana. Valeria Matos es maestra en Estudios de la Mujer por la Universidad Autónoma Metropolitana y licenciada en Historia por el Instituto Cultural Helénico-Universidad Nacional Autónoma de México. Ha trabajado en distintas instituciones culturales como el Museo Nacional de Antropología y la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México. Forma parte del equipo de la casa subastadora Rafael Matos y es conferencista en diversos espacios dedicados a la difusión cultural, como el Museo Memoria y Tolerancia. También es ensayista en revistas académicas y de divulgación.

Trino es un caricaturista e historietista mexicano dueño de un humor ácido y directo, sus caricaturas abarcan muy distintas temáticas, desde el chiste infantil hasta la crítica política más cruda. Ganador del Premio Nacional de Periodismo en Cartón Político (2000) y del Premio Nacional de Comunicación José Pagés Llergo (2006).

Ilustraciones de

Trino

javiermarin–fundacion.org.mx

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01 Portafolio de artista. Una herramienta clave para una promoción exitosa,

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¿Vivir del arte? Rafael Matos y Valeria Matos

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Ilustraciones de

Trino

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Rafael Matos Valeria Matos Ilustraciones de Trino

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La colección Puntal nace con la intención de seguir propiciando encuentros entre artistas emergentes y profesionales del medio del arte. Es una extensión impresa de las actividades que lleva a cabo la Fundación Javier Marín con el objetivo de profesionalizar, aproximar y reflexionar en torno a las artes plásticas y visuales. Nos ha parecido natural consolidar el impulso de registrar en publicaciones las experiencias adquiridas, para preservar y difundir este conocimiento de tal forma que su resonancia alcance a lectores que de otra manera no tendrían acceso a estos materiales. El nombre que hemos escogido para esta serie de libros breves hace referencia al fundamento y sostén que requiere lo que necesariamente es más grande y valioso: el trabajo artístico. Los títulos que la componen buscan ser instrumentos que ayuden a los artistas a desarrollar diversas habilidades para la vida profesional. Así, Puntal se propone como una vía de comunicación trascendente que nos permita dar lugar a nuevos diálogos y plantear escenarios distintos para la actividad creadora.

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Índice

Introducción

i. Ideas para un inicio: marco histórico del mercado nacional a partir del siglo xx

ii.

El mercado del arte: escenario de la valuación 35 La posesión exclusiva 37 Los dos tipos de mercado del arte

iii.

iv. Las técnicas artísticas y su valor mercantil 57 Gráfica 59 Escultura 59 Instalaciones y arte conceptual

La valuación de las obras de arte y sus métodos 43 ¿Cuánto vale y por qué? 45 En qué consiste la valuación de obras de arte 46 Las formas de valuación 47 Los pasos para la valuación de una obra de arte 50 Los precios en el arte 52 Cómo establece un artista emergente el precio de sus obras

La firma en la obra de arte: un elemento que se toma en cuenta en el mercado

68 vi. La mancuerna intermediario y artista 68 El papel del intermediario 69 ¿Qué busca un galerista en la obra de los artistas visuales?

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70 ¿Qué debe esperar el artista visual del galerista? 70 ¿Qué espera el galerista o intermediario de los artistas visuales?

vii.

Los contratos 73 Los contratos con galerías

viii. Las exposiciones 79 La exposición en una galería 83 El catálogo de la exposición

ix. ¿Quiénes compran arte? 87 Los coleccionistas 89 Otros compradores de arte

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Glosario Bibliografía y recursos en línea Créditos de las entrevistas

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Ideas para un fin

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Introducción

A partir de un cierto punto, ya no hay regreso posible. Éste es el punto a alcanzar. —Franz Kafka

a compraventa de arte es un mundo peculiar con reglas propias. En él acontece el desprendimiento de la creación, que no suele darse sin dolor, tanto del artista como de un posible dueño posterior. Decir adiós a una obra que se creó es un acto contundente, la prueba de que ésta se sostiene por sí sola, lejos de quien le dio origen. El elemento que por lo general sella esa despedida es una acción mercantil.

Me viene a la mente la imagen de una mujer estilizada, larga, pintada con rosas, grises y negros, sin rostro definido; llevaba la cabeza adornada con un sombrero de copa. Le decíamos la “mujer gato” por sus pequeñas manos felinas. Era una litografía de Tamayo. En 1976 la vendimos en diez mil pesos de aquella época para pagar el hospital en donde ibas a nacer. La compramos en la galería Ponce, que

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| Introducción

estaba en la Zona Rosa. Ahora debe valer cien mil. Fue de las primeras obras que adquirimos para nuestra colección. Iniciativa de Rafael, siempre le gustó el arte. ¿Quién la tendrá ahora? Ésta fue la respuesta de Pilar cuando le pregunté cómo empezó a coleccionar piezas artísticas junto a mi padre, con quien escribí este libro. Tenía que averiguar cuál había sido el principio, algo que sólo podía saber a través de mi madre, quien es una fuente confiable que mira a Rafael Matos Moctezuma desde la memoria que compartieron alguna vez. Después, quise saber de voz propia sobre la experiencia de él, uno de los galeristas y subastadores con más camino recorrido en el terreno artístico comercial de México. Él ha desarrollado varios escritos al respecto, los cuales usamos como base para esta publicación. Mi labor se trató de cuestionar de frente al hombre que cuenta con una trayectoria de más de cuarenta años en el ramo, con el objetivo de enriquecer con su sabiduría las versiones previas del presente texto, mis pesquisas y cavilaciones. Nunca dejó de mirarme como suele hacerlo, pese a mis intentos de ser una entrevistadora objetiva, si tal cosa existe. El esfuerzo de la Fundación Javier Marín por publicar esta colección es fundamental. Ilumina temas que han sido ignorados o considerados sin la importancia debida, sobre todo en México. Ejemplo de ello es lo concerniente al campo profesional del artista visual que recae en la escena menos romántica:

Enfrentar las dificultades de abrirse brecha en el mundo mercantil, lograr una comunicación entre el creador y el espectador para, en muchas ocasiones, cerrar esta relación con un pacto monetario.

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“Valuar el arte es complicado”, afirman muchos artistas visuales. “Siento miedo de ser muy caro o muy barato”, “tengo la sensación de que es poco ético poner precio a lo que sale del alma”, dicen otros. Ante esto: Cómo valorar de manera justa la creación Cómo hacer para que el arte pueda ser gozado por todos y todas Por qué se alcanzan precios estratosféricos Por qué una pieza artística se convierte en un objeto de lujo Cómo hacer para vivir dignamente de un trabajo que compromete tan fuertemente lo que llevamos dentro

Lea. Reflexione. Después fundamente sus avalúos con lo aquí aprendido. Vivir del arte parece difícil en un mundo donde el goce se impone mediante la posesión compulsiva, como una forma de dominio afianzada en la lucha por el poder. Es una acción carente de significado místico, que no remite al mundo interior, a los símbolos, a lo que se encuentra oculto y pretende ser descubierto y admirado, con el anhelo de llenar vacíos profundos, aunque sea por un instante. Se aleja del objetivo de dar vida a nuevos elementos por medio de la comunicación y proyección de emociones. Esa batalla devoradora no está ganada. El arte y su aliento humano aún son vitales para ciertas personas en particular, e indudablemente, para las culturas en general, pues es en las obras artísticas que éstas se manifiestan. Cabe mencionarlo: apreciar, disfrutar o sufrir el arte es una experiencia humana que requiere no sólo del deseo del espectador, sino de la sensibilidad, la capacidad de apreciación y, en muchos casos, de los conocimientos acerca de la obra, la época, el autor, el estilo. Ahora bien, la obra en sí no basta para ser considerada arte. Todo arte requiere de un cuerpo teórico para avanzar y constituir

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| Introducción

un fenómeno sociocultural completo;1 además de un individuo receptor, requiere un círculo social que lo avale. Vivir del arte implica una liga: alguien que goce la experiencia estética mediante la contemplación y otro que pueda sobrevivir a cambio de vender su producción. Emociones van y vienen. En muchas ocasiones el dinero sólo facilita su colocación en distintos sitios, frente a ojos diversos. Un producto sociocultural, la expresión del mundo interior del pintor, donde coexisten los elementos sociales, sistemáticos y personales, eso es el arte. Así, la sociedad, el sistema cultural y el individuo determinan en conjunto la obra.2 El arte es una combinación de lo terrible y lo cursi, lo grotesco y lo sublime, lo bello y lo feo, lo dramático y lo cómico, lo grandioso y lo trivial, lo nuevo y lo viejo, lo trágico y lo humorístico, lo erótico y lo místico. Porque, al fin y al cabo, una combinación de todo lo anterior define al ser humano. Y aquí viene lo enrevesado: “Rimar es fácil, hay que hacer que la última vocal de una línea coincida con la siguiente”, dijo una vez Francisco de Quevedo. “¿Y en medio qué ha de ponerse?”, preguntó un alumno. “En medio hay que poner talento”, contestó el poeta genial. Se abren cuevas, caminos flanqueados por rocas y oscuridad. Muchas veces es difícil el paso. Los hombres lanzan flechas; los animales corren; ciervos, toros, bisontes, caballos y cabras huyen de la muerte. Humano y bestia tratan de sobrevivir. Figuras estilizadas, patas largas, igual que las orejas y los cuernos que apuntan hacia las estrellas suspendidas de quién sabe dónde, piernas en movimiento que persiguen a la presa. Escenas rituales representadas en techos y muros cavernosos. Utensilios que cruzan los límites de la utilidad. Huesos y piedras talladas, grabadas. Objetos que concentran todavía hoy, a miles de años de haber sido creados, el espíritu de sus creadores. Espíritu materializado; lo inasible del cuerpo, de la especie, del individuo, de la creación, del todo: arte.

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Juan Acha, Los conceptos esenciales de las artes plásticas, Ciudad de México: Ediciones Coyoacán, 1999, p. 15. Ibid., pp. 145-146.

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Ideas para un inicio: marco histórico del mercado nacional a partir del siglo xx

“«¡Asómbrame!». Era un buen lema moderno”, dijo

Peter Gay. Esta regla nació antes de la muerte del siglo xix, cuando se abrieron las puertas a la modernidad, uno de los pilares difíciles de derribar en el presente, inmerso dentro del vórtice de la cultura occidental. En cada época han existido generaciones cuya característica primordial consiste en separarse de las artes que con el paso del tiempo se vuelven tradicionales, oficiales. Así se han creado distintos conceptos de arte, especialmente a partir de la modernidad. Semejantes fenómenos transitivos –alimentados con ideas políticas y filosóficas innovadoras de toda índole– son parte de los sismos temporales, indicadores de que la humanidad se transforma y, paralelamente, transforma su relación con el mundo y su visión sobre él. Así también, cada generación, a la que no se le brindan espacios para mostrar su trabajo, inaugura sus propios lugares –lo cual implica, desde nuestro punto de vista, un acto político creativo que irrumpe, transforma e inventa dimensiones– con el fin de plantear sus propuestas artísticas disidentes. Ahora bien, las sociedades cambian con ritmos desiguales sus gustos por el arte, esto en parte determina al mercado. Lo anterior

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| i. Ideas para un inicio: marco histórico del mercado nacional a partir del siglo xx

varía gracias a diversos factores: la economía, que va de la mano con el poder adquisitivo; las modas, lo que los críticos y comerciantes eligen como arte de calidad desde sus cotos de poder; además influye si el Estado fomenta los productos culturales y su apreciación per se, permitiendo con ello el goce estético singular, o incluso si de pronto se establece al arte como inversión, más allá del vínculo original: la emoción que pueda provocar en el individuo.

Un elemento fundamental del Estado moderno y su modo de producción capitalista es la ley de la oferta y la demanda, según la cual, cuando muchas personas quieren comprar algún producto, el precio de éste sube; en cambio, si hay mucha más disponibilidad que compradores, el precio baja. Además, encontramos cinco elementos entrelazados que solidifican el mercado artístico, más allá de la oferta y la demanda: • • • • •

El artista La obra que éste produce El espacio para su exhibición El promotor o enlace El espectador

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El artista

d u cc n

ió

Este último cierra el círculo creativo que consiste en:

El espectador

La obra

El promotor

El espacio para exposición

Promoción

Miremos de manera veloz el pasado mercantil artístico del México del siglo xx hasta nuestros días y los cambios en la relación entre estos factores. Imaginemos Europa hacia finales del siglo xix: hombres con sombreros de copa alta, trajes de estilo inglés, sin mayores adornos, chalecos y fracs cortados con telas finas y a la medida, perfectamente planchados; mujeres vestidas con faldas angostas, larguísimas, cuellos altos, sombreros y plumas, respirando de a poquito gracias

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| i. Ideas para un inicio: marco histórico del mercado nacional a partir del siglo xx

a un corsé que moldeaba el cuerpo en grados casi inaguantables. Ellos y ellas asistían a las inauguraciones de arte, que se daban en un ambiente ceremonioso. En general los asistentes eran altos políticos, intelectuales y demás personajes pertenecientes a la clase acomodada. Sin duda, la prensa se encargó de abordar el tema del arte, a la par que se generó una crítica muchas veces de gran altura. En México esto sucedía de vez en vez en las exhibiciones organizadas por las academias de arte y otras instituciones, pues las galerías privadas no existían. El mercado era débil, liderado por algunos coleccionistas que surgieron en la época. El mayor interés de la sociedad en terrenos de compra apuntaba a los retratos, confirmada queja de artistas como Felipe S. Gutiérrez.

El siglo xx llegó. Sin embargo, aquel panorama de las muestras de arte no tuvo mayor cambio. Los artistas debían exhibir en fondas, pasajes y locales improvisados, como en las salas de las residencias, a menos que se tratara de la Academia o las grandes exposiciones conmemorativas, como las del centenario de la Independencia. En los inicios de ese nuevo siglo el arte mexicano no despertaba interés en territorios internacionales; pero hubo un llamado involuntario: la Revolución de 1910. Fue así como se atrajo la mirada del mundo hacia el país. El potente sacudimiento político y social (nutrido con el arte precolombino, el arte virreinal, una veta de expresión nacional y el inagotable acervo del arte popular) generó una vitalidad artística. Con los murales surgieron pinturas que rescataron profundos valores nacionales y actores históricos antes relegados, como los campesinos y los obreros. Fue un acontecimiento único, pues se trataba de una manifestación creativa apoyada y auspiciada por el nuevo poder, que incluía a la cultura como cimiento renovador. Así, con el triunfo de la Revolución, alrededor de 1920, irrumpió volcánicamente una pintura social, de manifiesto, de lucha, renovadora, vociferante. Se dio entonces la segunda Independencia de México, ahora en el campo del arte. Sus realizadores fueron Diego Rivera, José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros y el Dr. Atl, auxiliados y seguidos por Gabriel Fernández

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ii. El

mercado del arte: escenario de la valuación

l deseo de posesión es el origen del mercado del arte, aunque hay también otros motivos menos especiales, como presumir lo que se tiene o ganar dinero al vender una pieza. Es una cuestión sencilla, implica el anhelo de poseer y la necesidad de recibir una retribución económica por crear lo que alguien más quiere. El deseo de poseer lo que no se puede tener del todo porque se trata de una obra de arte completa e independiente en sí misma. Admiración, ansiedad de llenar el eterno vacío, impresiones que golpean a ciertas personas dispuestas a aprender sobre aquello que les provoca esas reacciones, así como sobre el entorno en que ha surgido la creación, su historia y su creador. De semejante experiencia tal vez surjan emociones y reflexiones nuevas, propias del espectador, que se sumen a la resignificación del objeto, a la retroalimentación cultural. Si la tuviera, cada mañana, antes de ver siquiera si el sol ha salido, sería fundamental asegurarme de que la pintura aún está en la sala, misma por la que caminaría como último acto antes de ir a dormir. Miraría al personaje del cuadro: una mujer que me haría flotar junto a ella,

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“ El mercado del arte es el término que indica las diversas formas de comercio de las obras artísticas. Es un fenómeno complejo mediante el cual, sin perder sus condiciones ni valores estéticos, una obra adquiere las características que la transforman en mercancía.

”

Es decir, se convierte en elemento de cambio, de especulación, de inversión, gracias al cual sus creadores pueden vivir vendiéndolo y quienes lo compran, heredan o poseen por otras causas adquieren un valor que sube o baja según las leyes de la oferta y la demanda; la prueba más evidente al respecto son las subastas.

La posesión exclusiva El mercado del arte tiene ciertas particularidades. La más importante, a nuestro juicio, es que se lucra con una actividad creativa que da como fruto objetos que no están hechos en serie (excepto si se trata de obra gráfica), capaces de mostrar propuestas nuevas. Semejantes objetos son productos socioculturales cuyo desenlace, si son trabajos directos (óleo, dibujo, acrílico, talla), puede ser arrebatado del goce de otros: sus propietarios tienen la potestad de elegir si serán vistos por el resto de las personas o no. Una de las razones del crecimiento del mercado de las artes visuales y de su aumento de precios casi constante radica en el carácter de posesión exclusiva o limitada (obra gráfica con determinado tiraje). Es decir, si alguien posee el trabajo original de un artista, puede decidir si lo muestra, lo presta o si, por el contrario, nadie podrá apreciarlo, si lo mantiene sólo para su disfrute. Esto no sucede con la literatura, la música o el cine (no podemos decidir quién lee

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iii.

La valuación de las obras de arte y sus métodos

¿Cuánto vale y por qué? Los precios de mercado de una obra de arte son determinados por los siguientes elementos: 1. La calidad artística de la obra (fundada en las opiniones de los críticos, los estudiosos, los comerciantes y los coleccionistas de arte). 2. Los sitios donde ha expuesto el artista (museos, salones, galerías, a cargo de curadores, galeristas o corredores de arte (dealers), gestores, etcétera; es decir, para fijar el precio adquieren relevancia quién y qué institución respaldan la calidad y la trayectoria). 3. Los coleccionistas (quiénes y cuántos demandan la compra de las piezas). 4. La situación económica del país (cuando un país tiene bonanza y seguridad económica, la sociedad tiene cubiertas las necesidades básicas, por lo tanto, puede gastar en artículos que no se consideran de primera necesidad: el arte). 5. Si un artista es premiado o reconocido (de una forma similar, los precios de sus obras tienden al alza porque aumenta la demanda de sus piezas).

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En qué consiste la valuación de obras de arte

“

Valuar o tasar es estimar el equivalente monetario de un bien, en este caso artístico, de manera realista y bien fundamentada, en un entorno y momento dados. La valuación no es una ciencia exacta. Es una disciplina compleja en la que intervienen muchos factores que provienen de distintas fuentes y tienen diferente peso.

”

El valuador debe contar con los siguientes conocimientos: • Sobre aritmética sin duda. • Sumados con los de historia del arte: es fundamental que conozca la biografía del artista, las técnicas y corrientes pictóricas a las que el objeto pertenece. • Además, debe entender la situación del mercado del arte nacional e internacional. • Es conveniente que sea una persona que haya desarrollado sensibilidad artística y capacidad analítica, con el fin de entrever las sutiles particularidades estéticas de cada cual. • El buen juicio y la honradez son de cajón, pues se vuelven fundamentales en cualquier profesión, en cualquier quehacer. Prácticamente todos los conceptos aplicables para valuar son subjetivos, por lo tanto la experiencia, los conocimientos y el prestigio del valuador son vitales; sin embargo, existen métodos que logran conjuntar saber y experiencia.

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iii.

La valuación de las obras de arte y sus métodos

Las formas de valuación La valuación más solicitada es la de precio de mercado, que es el promedio de lo que se paga en un lugar y momento dados por una obra comparable del mismo autor. Para obtener ese precio se utilizan, según el caso, el método comparativo referencial directo, el indirecto o el estimativo. El método comparativo referencial directo Consiste en conocer en cuánto se han vendido obras comparables del mismo autor, técnica, calidad y medidas, en fechas recientes (de preferencia en los últimos cinco años). Para averiguar estos precios hemos de consultar guías de precios alcanzados en subastas de México y Nueva York (la ciudad más importante para la compraventa de arte), catálogos de las casas subastadoras, información de ventas recientes en Internet, prensa, archivos del valuador y cualquier otro medio útil. Los precios de subastas son válidos como referentes, porque son eventos públicos, sus resultados son conocidos y atestiguados por observadores, asistentes, coleccionistas; son publicados, transmitidos y difundidos de diversas formas. Además, en las subastas opera la ley de la oferta y la demanda de manera contundente. El método comparativo indirecto Se utiliza para obtener el precio de mercado cuando no aparecen antecedentes de venta de obras del artista. Consiste en encontrar, en las fuentes citadas, los precios promedio de obras de artistas similares en calidad, época de producción, técnica, estilo y medidas. Obtenido el precio de mercado de tres de ellos, se asignará el promedio de los mismos a la obra valuada. El método estimativo Cuando tampoco se encuentren precios de venta de autores comparables con el que estamos valuando, se establecerá el método estimativo, que es aquel en que el valuador asigna el precio de una obra con base en sus conocimientos, experiencia, leal saber y

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entender, así como en las condiciones vigentes del mercado del arte en el país en el que se ubica. La valuación a precio de reposición Es el monto necesario para que el propietario pueda volver a adquirir una obra semejante. Se establece con frecuencia para casos de obras aseguradas que han sufrido robo o pérdida total. El precio de reposición se compone del precio de mercado más las comisiones e impuestos de la compra. Por lo tanto, se partirá del precio de mercado y se sumarán los otros factores, para lo cual debemos estar familiarizados con las comisiones que cobran las casas subastadoras.

Los pasos para la valuación de una obra de arte

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Analizar la obra físicamente y elaborar su ficha técnica. Hacer una revisión general: frente, reverso, bastidor y lados. Ver con una lámpara de luz negra, por ejemplo, repintes, integración de la firma, manchas, etcétera. Determinar con un cuentahilos, cuando se trate de obra gráfica, si es grabado, litografía, serigrafía, mixografía o simple reproducción. Evaluar, es decir, determinar en qué condiciones se encuentra: si hay restauraciones, reentelado, deterioros u otras características. Medir y calcular su área (alto y ancho y superficie en cm2). Fotografiarla (es suficiente una imagen de registro que, aunque no requiere alta definición, debe mostrar la obra completa y nítida).

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iv.

Las técnicas artísticas y su valor mercantil

n términos muy generales podemos decir que en los precios de una obra de arte influyen las técnicas con las cuales fue realizada, siempre y cuando se tomen en cuenta calidades, representatividad del artista y las condiciones físicas de la pieza.

Gráfica Si hay igualdad de condiciones en autor, calidad, época y medidas, las más caras son las hechas con las siguientes técnicas: óleo, acrílico, temple, encáustica, técnicas mixtas sobre tela, madera, láminas o aglutinados. La razón es que dichos pigmentos se adhieren mejor a sus soportes, se conservan en buenas condiciones casi siempre y su restauración, en caso de daños, es menos complicada. Una muestra de buena conservación es un fresco realizado al temple: tres garzas agitan las alas, mientras las sostiene por sus delgadísimas patas Nebamun (un funcionario del templo de Karnak que habitó Egipto entre los años 1397 y 1388 a. C.). Nítido paisaje marino entre papiros. Casi puede escucharse el graznido de las aves. Los peces rozan la balsa donde Nebamun navega de pie, pues va de caza. Él figura en primer plano. Le acompañan dos mujeres: su esposa, Hatshepsut, y su hija. Sostienen flores de loto. Hablamos

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iv.

Las técnicas artísticas y su valor mercantil

de un fresco, uno de tantos que han permanecido en condiciones sorprendentes gracias a la técnica utilizada. Es importante decir que ello depende de la intención que se tiene al crear en un momento histórico determinado: perdurar por los siglos de los siglos o desaparecer inmediatamente después, como en el caso de un performance. Viene a cuento decir que el óleo es un material con varias ventajas en equiparación con otras técnicas pictóricas. Permite corregir o pintar encima de un trazo anterior, además, se pueden recubrir imperfecciones del soporte o el lienzo, sin mencionar los siglos que permanece sin deterioro. Ejemplos de su larga duración hay miles, uno de ellos es el Retrato de los esposos Arnolfini, realizado por el pintor flamenco Jan Van Eyck en 1434. El óleo ha sido una de las técnicas predilectas entre los grandes maestros a partir del Renacimiento y por ello mantiene un lugar primordial en el mundo mercantil del arte. Las obras gráficas (grabados, litografías, serigrafías) son menos caras que los anteriores porque los tirajes constan de varios ejemplares (10, 50, 100 o más), generalmente numerados o firmados a lápiz. Es importante aclarar que cualquier ejemplar de un tiraje vale lo mismo, el 1/100 tiene el mismo precio que el 100/100 o las pruebas de artista, de taller, etcétera. A veces, el artista cancela la placa donde grabó para garantizar que no habrá otro tiraje de la obra. En el caso de las litografías, esto no es necesario, pues la piedra se borra una vez terminada la edición. Desde mediados del siglo xx cobró fuerza la venta de obras gráficas, entre otras razones porque, además de ser un medio de expresión artístico importante (entre sus mejores exponentes encontramos a Alberto Durero, Rembrandt, Picasso, Diego Rivera, José Clemente Orozco, Siqueiros y, actualmente en México, Francisco Toledo, Manuel Felguérez, José Luis Cuevas, Sergio Hernández, entre otros), al haber un mayor número de piezas idénticas, su precio de mercado es menor. Por tales razones, su venta en México y en el mundo es buena, sobre todo para compradores y coleccionistas que se inician, o algunos que, como Francisco Toledo, se concentran en coleccionar gráfica.

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vi.

La mancuerna intermediario y artista

El papel del intermediario Vender un objeto, el que sea, implica talento, se deben tener ciertas aptitudes. No cualquiera es comerciante, como no cualquiera es artista o no cualquiera es filósofa, futbolista, maestro o puede cosechar los mejores rábanos. No, no cualquiera. Las ciencias sociales no se ponen de acuerdo con las ciencias biológicas sobre en qué porcentaje se desarrolla una aptitud por aprendizaje o se elige de cierta manera, y en qué porcentaje esa aptitud está en los genes. No lo sabemos. Pero lo cierto es que para dedicarse a lo que sea es fundamental tener características innatas y desarrolladas. Por ejemplo, para ser comerciante de arte se necesita desplegar la empatía y simpatía con otros seres humanos. Hacer relaciones públicas. No se trata de ser un encanto ni de fingir serlo. Es mucho más complicado: se trata de lograr un entendimiento y una comunicación con ese otro, decodificar sus deseos en términos artísticos, satisfacerlos y, en muchos casos, hacérselos visibles. Lo anterior permitirá fomentar los contactos y el reconocimiento entre los compradores, coleccionistas, museos, salones y ferias para proponer y exhibir a los artistas que representa; además es primordial tener conocimientos sobre el mercado relacionado con el ramo, sumado a los artísticos (formales y empíricos ligados a la

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vi.

La mancuerna intermediario y artista

¿Qué debe esperar el artista visual del galerista? Sin arte no hay transacción. Punto. El artista visual debe de esperar lo siguiente de un galerista: • En primer lugar la difusión, promoción y venta de su obra. Para ello, el galerista deberá organizar exposiciones, buscar la manera de que el artista participe en bienales, salones y eventos relevantes que ayuden a situarlo en el medio artístico. • Es parte de la responsabilidad y fidelidad del intermediario no vender a precios diferentes a los pactados con el artista. • Pago puntual, es decir, según los tiempos acordados entre ambos. • Parte de las tareas del galerista es resguardar y mantener la obra en buenas condiciones y contratar el seguro para casos de robo, pérdida o deterioro. • Llevar un registro de los clientes que adquieran la obra del artista es una actividad relevante con el fin de ponerla a la disposición del creador para que éste lleve el control de sus coleccionistas. El cuidado del tiempo creativo del artista y la facilitación de aspectos cotidianos por parte del galerista podrán llegar hasta donde éste quiera y aquel lo permita. En síntesis, procurar una relación profesional y amistosa seguramente redundará en beneficio de ambos.

¿Qué espera el galerista o intermediario de los artistas visuales? Carolina e Inés Amor hicieron en ocasiones una relación importante entre artistas, galería y ellas mismas. Era un intercambio de saberes, de emociones, no sólo plásticas, incluso afectivas con todo y sus dificultades, basadas en lazos profundos; implicaba compartir objetivos, más allá de los monetarios: mostrar al país y al mundo la capacidad que tenían los maestros y las maestras en el terreno del arte mexicano, con la cual podrían beneficiarse coleccionistas y diversos consumidores.

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Pues bien, esta relación conformada por el intermediario y el artista supone: • Fidelidad, que el artista no trabaje para la competencia, a menos que lo haya acordado con el galerista. • Responsabilidad, que el artista cumpla con aquello a lo que se compromete. • Honestidad, que no venda directamente a los clientes obtenidos por medio de la galería. • Claridad, que no varíe los precios sin comunicarlo al intermediario. En fin, que trabajen como un equipo y se informen mutuamente de proyectos, ideas y planes con los que profesionalmente se beneficien.

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vii.

Los contratos

n contrato no es otra cosa que un acuerdo entre dos partes. Aunque los hay de distinta naturaleza y complejidad, todos brindan certeza sobre lo pactado y en muchos casos obligan y proporcionan certidumbre jurídica. Es por esto que se recomienda realizarlos. Cuando el artista vende una pieza por su cuenta, más que un contrato por lo general se redacta un certificado firmado por él en donde se especifica la autenticidad de la obra, la ficha técnica (autor, nombre de la obra, medidas) y la fecha de compraventa, además del nombre del nuevo dueño. Los contratos con museos por lo regular se llevan a cabo mediante una galería o un representante, pero no es inusual que se realicen de manera directa entre la institución y el artista. Se recomienda tener siempre asesoría jurídica.

Los contratos con galerías El entusiasmo por lograr una exposición a toda costa por creer que ésa es la oportunidad de oro para convertirse en un artista conocido e incluso suponer que le hacen un favor al joven autor son actitudes que en ocasiones impiden negociar con claridad las condiciones bajo las cuales se realizará la exhibición. El halo imaginario de

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viii.

Las exposiciones

La exposición en una galería A diferiencia de lo que sucede en el caso de los museos, una exposición en una galería se realiza con el fin de vender, cierto. Pero dicha exhibición tiene otras aristas. Más allá de dar a conocer la obra y al artista, la exhibición en una galería es casi un rito de paso. El creador y la pieza deberán cruzar con ella un umbral que los transformará: el primero será visible frente a un círculo social; la segunda será admirada y cobrará un valor diferente si alguien la adquiere. Cuando ambos actos se consuman se cierra también el círculo creativo, entonces el título de artista cobra sentido y realidad. Ese título se le otorga a aquel que no sólo crea, sino también a quien logra un diálogo con un espectador y, mejor aún, a quien se gana la vida con lo que crea (es decir, quien recibe dinero a cambio de su obra, ya sea por la venta o una beca, por ejemplo). Por lo tanto, su arte es reconocido por un grupo social, con el que entabla una comunicación mediante la emoción y, en el mejor de los casos, le retribuye monetariamente por ello. Quizá, cuando se ha practicado el ritual una y otra vez y se ha alcanzado un prestigio, la máxima exposición es en los museos, que son el símbolo de que el creador es un digno representante cultural, ahí la obra adquiere otro valor, algo que va más allá de un precio monetario.

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ix.

¿Quiénes compran arte?

o comprador ocasional puede convertirse en coleccionista, un coleccionista en vendedor, etcétera.

resumen

En , con lo que se ha planteado en este libro, es posible identificar a distintos protagonistas del mercado del arte: • Curadores. Significan y disponen la obra en un contexto, discurso o narrativa, organizan un cuerpo de trabajo al relacionar de manera elocuente las piezas con otras obras –ya sea de un mismo artista o de otros. • Museos. Sitúan al alcance del gran público las obras y les aporta valor simbólico que las posicionan en el mercado. • Críticos de arte. Forman la opinión del público, difunden y posicionan las obras en el mercado al hacerlas más visibles. • Artistas. Crean las obras y sustentan la existencia del mercado del arte. • Coleccionistas o compradores. Invierten (en la obra, en su colección y en el artista) y hacen crecer la producción y el mercado. • Galerías. Vinculan a todos, establecen tendencias y tienden a profesionalizar el mercado.

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Agradecimientos Los autores y la Fundación Javier Marín agradecen a Juan Francisco Matos, Rodolfo Díaz Cervantes; a Sol Henaro su generosidad al compartir conocimientos y experiencias para enriquecer el contenido de este libro y a Tai La Bella Damsky por su complicidad para que este libro sea ilustrado. ¿Vivir del arte? Sí. El universo del mercado y la valuación de las artes plásticas d.r. © Rafael Matos y Valeria Matos, 2018

d.r.

Presidente Javier Marín Vicepresidente Eduardo Mier y Terán Representante legal Jorge Reza Maqueo Consejera Silvia Zárate Coordinadora cultural Guadalupe Celis Coordinadora de comunicación institucional María Luisa Marín Colección Puntal Edición Sara Schulz Diseño Deborah Guzmán Equipo editorial Graciela Anaya y Jorge Solís Impresión Offset Rebosán s.a. de c.v. Esta publicación no puede ser fotocopiada ni reproducida total o parcialmente por ningún medio o método sin la autorización por escrito de los editores. isbn

de la colección: 978-607-97508-0-0 isbn: 978-607-97508-4-8

El precio de venta al público es exclusivamente de recuperación y tiene como fin el desarrollo de otros libros de la colección.

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— 05 ¿Vivir del arte? Sí El universo del mercado y la valuación de las artes plásticas

Este manual, que busca ser una modesta pero útil herramienta de apoyo, se terminó de imprimir en noviembre de 2018 en la Ciudad de México.

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