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PARTE III

Referentes

En Fotografía el lienzo es negro. Nada existe si no está suficientemente iluminado. La luz se imagina, se diseña y se ofrece. Y cuando se acepta ya solo queda rodarla. La luz se dirige, se moldea, se recorta, se lleva y se trae, se tiñe y a veces hasta se toca. La luz lo cuenta todo. La luz se hace para que podamos contar historias. Historias que nos importan. La luz se enciende y se apaga. Y cuando se apaga, no hay nada, es el negro.

Juan Pablo Minguillón

Carlos SAURA

28 La primera figura que voy a referenciar, inspiradora de mi trabajo, es Carlos Saura (nacido en Huesca en 1932,) un realizador y director de cine español enamorado de la fotografía, y que ha utilizado como herramienta de expresión en numerosos ámbitos. Me interesa uno de sus recientes trabajos, que es por otro lado recopilatorio de su imaginario íntimo y familiar.

En el 2019, Saura ofrece en el Círculo de Bellas Artes de Madrid una retrospectiva de su mirada personal. En las 118 fotografías que componen la exposición, se incluyen de manera especial, instantáneas de su vida personal y familiar. Me interesa como a él recurrir a los recuerdos en clave fotográfica. En mi caso mediante un archivo que en su mayor parte no se corresponde con fotografías tomadas por mí, pero si vividas directa o indirectamente, porque de el cajón donde se han custodiado, han salido en ocasiones para resucitar escenas, construir relatos que ya son imperecederos y que han llenado tardes compartiendo con sus protagonistas directos o no. El cajón desordenado del que quiero extraer determinados protagonistas para que se asomen al escenario.

← Autorretrato múltiple, Berlín, 1994. Geraldine Chaplin dando el pecho a su hijo. ↖ Página anterior, La familia en la playa, Santander, 1954.

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Alberto SCHOMMER

30 Alberto Schommer, nacido en Vitoria en 1928 y fallecido en 2015, (Premio nacional de fotografía en 2013) y primer fotógrafo que ingresó en la Academia de Bellas Artes de San Fernando en el año 1996.

De sus trabajos más importantes destaco en cuanto que se relaciona con mi Trabajo Final de Grado los retratos psicológicos realizados entre los años 1969 y 1973. La Academia de Bellas Artes de San Fernando explicó: «En este trabajo, Schommer recurre a un simbolismo barroco, que le convierte en alguna manera en protagonista de sus retratos, al diseñar la escenografía, dirigir la pose y caracterizar a los personajes que se exponen en su mirada.» Esta manera de crear a través de la fotografía es idéntica a otras disciplinas artísticas como la pintura. Es hiperrealismo, si se me permite la obviedad, pero trascendente porque supera la evidencia de la imagen real y la transforma. No es solo el personaje retratado, perfectamente identificado cuando además es «popular» sino un alter ego que nos da pistas de su identidad más oculta. Como mínimo nos invita a reflexionar.

↗ Retratos psicológicos (1969-1973). Benjamín Palencia (izquierda), Doctor Castroviejo (derecha).

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Vivian MAIER

32 Vivian Maier es un caso paradigmático de una obsesión, vivida desde su intimidad y por ende no compartida. Su «pasión por la fotografía» le llevo a extremos nada comunes. Su dedicación a cuidar niños en casas ajenas no le permitió llevar una vida más holgada, en cuanto a tiempo libre y posibilidades económicas, pero ello no le impidió crear un imaginario de la época y lugar donde residió hasta su muerte, trabajando con su Rollei Flex de formato medio. Nació en Nueva York en 1926 y falleció en Illinois en 2009. La gran mayoría de sus fotografías vieron la luz tras su muerte, porque a lo largo de su vida fue acumulando carretes sin revelar y al morir en una residencia de ancianos tras una caída accidental , su legado hereditario quedó sin sucesión, pero un coleccionista descubrió el tesoro y se encontró con una colección de instantáneas de calle impresionante, por constituir un documento y por la calidad compositiva de su mirada. De su trabajo me interesan los autorretratos.

↗ Autorretratos de Vivian Maier en 1953 (izquierda) y 1955 (derecha).

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Paco Gómez GARCÍA

34 Paco Gómez García (no confundir con el también fotógrafo Paco Gómez Martínez) es un fotógrafo y escritor español nacido en Madrid en 1971. Es miembro fundador del colectivo NOPHOTO, que abandona en 2018.

Este ingeniero de caminos que dejó la carrera para dedicarse a la fotografía realizó un trabajo muy interesante al recuperar en el Rastro de Madrid una serie de placas fotográficas, junto a otros objetos personales, de alguna persona que supuestamente había fallecido, todos pertenecientes a una familia que residió en Madrid. Al investigar la procedencia y darse cuenta de la calidad de las placas, encuentra sorprendentemente el autor de las mismas: La familia Modlin. Se entrevistó con los vecinos del edificio y personas del barrio y fue así recreando la historia de esta familia singular. De este trabajo consiguió realizar un cortometraje de 21 minutos de duración que ganó un Goya en el año 2013, y ha escrito un libro muy original sobre esta familia de artistas (la mujer, Margaret, fue pintora; el padre, actor secundario; y, el hijo, modelo publicitario). Me interesa el legado fotográfico en cuanto que desvela una historia familiar que Paco Gómez recompone como un puzzle, un tesoro de imágenes que devuelve a la vida a los integrantes de esa familia compuesta por tres personas, todas ellas fallecidas en el siglo presente.

↑ Los Modlin, libro de Paco Gómez. En el centro, imágenes de las fotografías encontradas. → A la derecha, Los Modlin en una fotografía de estudio.

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Alberto GARCÍA–ALIX

36 Nacido en 1956 en León, protagonista de uno de los movimientos culturales y sociológicos más significativos de la historia reciente de España, más en concreto la de Madrid. Me refiero a la «Movida» en tiempos de libertad con la llegada de la Democracia.

Me interesan sus retratos frontales. De cara a cara, como a él le gusta decir. Además, sus retratos de desnudos carentes de todo pudor, con una fuerza expresiva notable que consigue impactar al espectador. El Premio Nacional de Fotografía, Alberto García–Alix, presenta en PHotoESPAÑA 2022, de la mano de Fundación ENAIRE, su proyecto Fantasías en el Prado un evocador trabajo en el que el artista interviene sobre algunas de las obras de la pinacoteca. Alix utiliza en este trabajo la fotografía analógica y las dobles exposiciones como herramientas para crear una evocadora serie en la que reinterpreta grandes obras de arte. Fantasías en el Prado es el resultado de cuatro años de trabajo (2018-2021) en los que el fotógrafo Alberto García-Alix ha conseguido crear su propio imaginario, a partir de la pinacoteca que alberga el Museo del Prado, utilizando la laboriosa técnica de la múltiple exposición sobre película analógica.

“Cada cuadro es un mundo. Y como tal, lo he tomado para inventar y construir uno nuevo”, admite el fotógrafo. Con su mirada, su imaginación, la superposición de imágenes, el enfoque, el desenfoque, una pequeña linterna y el movimiento vibratorio de su cámara como únicas herramientas, Alberto García-Alix ha repintado algunas de las obras maestras del Prado, creando fantasmagorías, otorgando misterio, tensión y movimiento a la pintura, y dotando de carne y respiración a las esculturas. (Texto de PHotoEspaña 22 publicado en su pagina web.)

← Izquierda, Máscara de baile en el Prado (2019). Derecha, Autorretrato con una fiera (2019).

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Andrés SERRANO

38 «No soy artista de una sola obra, ni mi arte necesariamente tiene por qué cargar con el signo de la provocación ni de la blasfemia. Creo en el arte como cuestionamiento de la realidad y como instrumento que ayude a indagar a cada individuo su propia condición. Soy un artista conceptual que por pincel usa una cámara fotográfica (...).» Andrés Serrano, entrevista para Unión de Escritores y Artistas de Cuba, 2012. «Mi trabajo siempre fue un espejo. Cada espectador experimentará una reacción diferente, de acuerdo a su actitud hacia la obra. Si se acerca con una energía negativa, eso es lo que recibirá. Si, en cambio, llega con una energía positiva, recibirá una imagen positiva, una reafirmación más que una negación». Andrés Serrano, entrevista para Fundación PROA.

← Izquierda, Pierre Vial, 2007. Derecha, The other Christ (The interpretation of dreams), 2001.

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Annie LEIBOVITZ

Principalmente se la conoce por sus retratos, aunque a lo largo de su carrera ha realizado también fotografía documental, como hizo en sus inicios hizo con el grupo Rolling Stone o como cuando acompañó a Susan Sontag en Sarajevo. En 1991 se convirtió en la primera mujer (y la primera persona no fallecida) cuya obra era expuesta en la Galería Nacional de Retratos de Washington D.C.

40 ↗ Retrato de Louise Bourgeois, New York City, (1997).

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Anton CORBJIN

42 Anton Corbijn es un fotógrafo, cineasta y videoartista holandés. Es mejor conocido por sus retratos en blanco y negro de artistas tomados con velocidades de obturación lentas para permitir los movimientos y gestos sutiles de sus sujetos. «Siento que la imperfección está mucho más cerca de cómo es la vida que la perfección», ha dicho el artista. Nacido como Anton Johannes Gerrit Corbijn van Willenswaard el 20 de mayo de 1955 en Strijen, Países Bajos, Corbijn comenzó a fotografiar bandas locales a los 17 años, antes de mudarse a Londres para trabajar para NME, revista como fotógrafo de plantilla. Ha dirigido más de 80 videos musicales para varios músicos, incluidos Nirvana, U2, Depeche Mode y Joy Division. En 2015, el artista fue el tema de la exposición «Anton Corbijn 1-2-3-4» en el Fotomuseo Den Haag, que incluyó más de 300 de sus imágenes más icónicas. Al vivir y trabajar en La Haya, Países Bajos, Corbijn se centra actualmente en largometrajes.

↑ Retratos de Keith Richards, (izqueirda) y Clint Eastwood (derecha), ambos de 1994. ↗ Al otro lado, retrato de Miles Davis (1985).

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Philippe HALSMAN Philippe Halsman (2 de mayo de 1906-25 de junio de 1979) fue un fotógrafo letón estadounidense muy conocido por sus retratos de personajes célebres. Nació el 2 de mayo de 1906 en Riga en el seno de una familia judía y estudió ingeniería en Dresde. Residió en París donde trabajó como fotógrafo de moda independiente y colaboró en la revista Vogue. En 1940, comenzada la Segunda Guerra Mundial y ante la inminente llegada del ejército alemán marchó a los Estados Unidos con ayuda de Albert Einstein, donde alcanzaría fama mundial, llegando a realizar más de cien portadas para la revista Life. En 1947 obtuvo la nacionalidad estadounidense. Si por algo se caracterizó Halsman fue por su ingenio, materializado sobre todo a través de la técnica del «jumping style» o «jumpology», a la que él dio origen. Se trataba de retratar a la persona saltando, para así conseguir una imagen de ésta mucho más real, más verdadera, sin artificio ninguno, sin que el cerebro pudiera controlar la expresión del rostro. «En un salto, la máscara se cae. La persona real se hace visible», explicaba Halsman. El resultado era una imagen de la persona bien distinta a como solía aparecer, y por ello con gran atractivo para el público, estas «imágenes de saltos» se publicaron en 1949 alcanzando gran éxito. No todo eran saltos, pero siempre sus fotografías mostraban situaciones divertidas, y algunas, algo provocadoras. Por su cámara pasaron desde pensadores, como Albert Einstein, hasta políticos, como Richard Nixon, pasando por artistas de la talla de Marlon Brando, Audrey Hepburn, Alfred Hitchcock, Frank Sinatra o Cary Grant. Y cómo no su adorado amigo Salvador Dalí, con el que trabajó conjuntamente durante muchos

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años en composiciones de carácter fantástico y surrealista. Las fotografías que hiciera en 1952 a Marilyn Monroe en una pose en la que aparecía «acorralada en un rincón» alcanzaron gran difusión. Además de su serie de saltos, entre sus trabajos más originales se encuentra una "entrevista fotográfica" al cómico francés Fernandel. Puesto que Halsman no hablaba francés y tampoco Fernandel inglés, a Halsman se le ocurrió que el cómico respondiera a una batería de preguntas sobre Estados Unidos por medio de la expresión facial. El resultado del experimento fue un libro divertidísimo titulado The Frenchman.

← Philippe Halsman, Dalí Atomicus, 1948 → Alfred Hitchcock durante el rodaje de Los Pájaros, 1963.

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Richard

AVEDON (1923-2004). «Un retrato no es una semejanza. En el mismo instante en que una emoción o un hecho se convierte en una fotografía deja de ser un hecho para pasar a ser una opinión. En una fotografía no existe la imprecisión. Todas las fotografías son precisas. Ninguna de ellas es la verdad», afirmaba Richard Avedon.

Sus retratos han sido descritos como «aparentemente sencillos pero profundamente psicológicos». Ha fotografiado a personalidades famosas y desconocidas posando frente a un inmaculado fondo blanco. El trasfondo de estas fotografías muestran a un cuidadoso autor capaz de plasmar en papel fotográfico rasgos inesperados de los rostros de personajes como Truman Capote,

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Henry Miller, Humphrey Bogart o Marilyn Monroe, entre muchos otros. Su método era sencillo pero efectivo: la derrota anímica del contrario fotografiado a través de largas y cansadas sesiones de varias horas. Así el retratado era capaz de mostrar su personalidad más sincera.

↖ Página anterior, Richard Avedon, Autorretrato, 1979. → En esta página, Ronald Fischer. Beekeeper. Davis California. May 1981 (izquierda) y Edward Roop. Coal Miner. Paonia Colorado. October 1979 (derecha), ambas de la serie In The American West (1979-1984).

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Platon

48 Platon Antoniou (1968) es un fotógrafo británico de ascendencia griega conocido por sus característicos retratos de líderes mundiales, personalidades y reportajes sociales. Sus fotografías, en blanco y negro o color, son en general tomadas con un objetivo gran angular desde muy cerca —jugando con la perspectiva y la ligera deformación del angular— y con la mirada del protagonista clavada en la cámara, lo que genera una fuerza y una tensión que, sumado a la gran relevancia de sus modelos, hace de sus fotografías una fórmula casi icónica. En el estudio, utiliza un único flash frontal sobre fondos blancos o fotografías «tipo carnet» pero con un brillo en los ojos y un halo en torno a la figura, que han hecho de su trabajo portada de las revistas internacionales más importantes, como George, Esquire o Times. Platon trabaja largamente con cada sujeto, y se adapta a cada retratado. A veces usa cámara baja, otras se acerca hasta llenar totalmente el cuadro con el rostro. Esa relación que logra hace una diferencia crucial: siempre hay una reverberación de miradas que no deja indiferente. Sobre los fondos blancos Platon dice que tienen más que ver con los muros alabastrinos en las casas de las islas griegas que con las estrategias fotográficas de Nadar, Avedon o Penn.

Las fotografías de Platon Antoniou guardan un detalle espléndido gracias al uso del formato medio con una cámara Hasselblad 6×6 y películas Kodak y Fuji: Esto logra un detalle que sorprende en el mundo digital contemporáneo. Las imágenes son transformadas al formato binario mediante un escáner de tambor desarrollado por la NASA que registra cada una de las sutilezas de la película análoga. Desde luego, las fotografías pasan por un proceso de retoque en Photoshop. Fuente: Blog Oscar en Fotos.

↖ Página anterior, autorretrato de Platon Antoniou. ← En esta página, retratos de Jim Carrey (izquerda) y Sylvester Stallone (derecha).

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