CAMPUS EXPANDIDO UEM // MULAFEST by Markus Schroll

CAMPUS EXPANDIDO UEM /MULAFEST RECINTO FERIAL IFEMA. MADRID // PABELLONES 12 / 14 // DEL 27 AL 30 DE JUNIO 2013

UNIVERSIDAD EUROPEA DE MADRID // FACULTAD DE ARTES Y COMUNICACIÓN // ÁREA DE ARTES Y DISEÑO

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PRESENTACION LUIS CALANDRE / DECANO FACULTAD DE ARTES Y COMUNICACIÓN En la Facultad de Artes y Comunicación creemos firmemente que uno de los principales motores, que deben empujar las economías occidentales en estos tiempos de incertidumbre y reinvención, deben ser las industrias creativas. A tal fin nos orientamos hacia la formación de los profesionales, relacionados con todas las áreas y disciplinas vinculadas a este tipo de industrias. Así nos hemos convertido en referente en la formación de todas las competencias relacionadas con la creatividad y el pensamiento creativo. Un excelente ejemplo del potencial que el desarrollo de estas competencias, puede tener en los alumnos de la Facultad, lo hemos encontrado en los trabajos que han presentado en MULAFEST, ellos ofrecen una extraordinaria combinación de talento, esfuerzo, conocimientos técnicos y creatividad. Aprovecho esta tribuna para felicitar a todos los alumnos que han participado y que tan bien han representado los valores de la UEM, así como a los profesores que les han acompañado en este creativo viaje. A través de este libro queremos compartir esta experiencia, dándole visibilidad a unos proyectos que a muchos de nosotros, además de hacernos sentir orgullosos, nos han podido llegar a inspirar. Espero que lo disfrutéis.

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INTRODUCCION JAVIER SANZ / DIRECTOR DE ÁREA DE ARTES Y DISEÑO En una Facultad con tantas posibilidades para la Creación Artística y en consonancia con las nuevas Tendencias Urbanas, MULAFEST ha sido el marco idóneo para expresar el talento de nuestros alumnos de los Grados Universitarios de Arte, Diseño Gráfico, Diseño de Producto y de Ciencias de la Danza. Sus trabajos nos hablan de nuevas líneas de expresión, mediante los trazos de una coreografía urbana, la gráfica aplicada a un logotipo corpóreo, o el dinamismo plasmado en una instalación dedicada al RAP, escena que aún permanece instalada en su ubicación original, cual ninot indultat. Su creatividad está orientada a la ecología; gracias a un inspirador film alveolar patrocinado por ECOEMBES, un ultraligero vehículo monoplaza impulsado por Bioetanol, o las dunas de un relajante césped, en contraste con la densa verticalidad que proporciona un bosque de verdes globos. En definitiva, la plasticidad de los proyectos presentados nos hablan de un Arte Urbano, cada vez más presente y necesario en el contexto actual, un Arte que permite a nuestros alumnos, desarrollar sus primeros pasos profesionales en instituciones como el Museo Reina Sofía, el Matadero, el Teatro Real, la Fundación Juan March o el Círculo de Bellas Artes, también tienen la oportunidad de integrarse en empresas como Inditex, Saffron, Reebok, Steelcase o Loewe, así como de dejarse guiar por la maestría de creadores como Víctor Ullate, Teresa Sapey, Josep Font, Daniel Canogar o Adolfo Domínguez.

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De la mano de Ifema y Mula, en la Universidad Europea, y más concretamente desde el Área de Artes y Diseño, confiamos estar presentes la próxima edición, sumando en esta ocasión otras disciplinas como los Grados de Artes Escénicas, Creación Musical, Diseño de Interiores, Diseño de Moda, o incluso nuestro Máster en Motion Graphics PRISA TV. Agradezco enormemente el apoyo prestado por Julia González y Thelma Carlini por parte de Ifema, Mario Suárez y Pablo Bautista por parte de Mula, y como no puede ser de otra forma, a Esther Pizarro, quien ha liderado y coordinado los proyectos de una forma impecable.

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CAMPUS EXPANDIDO ESTHER PIZARRO / PROFESORA TITULAR DEL ÁREA DE ESCULTURA

En la convulsa escena norteameriacana de finales de los años sesenta, la crítica de arte Rosalind E. Krauss en su célebre artículo “La escultura en el campo expandido” definía este género artístico desde su condición de negatividad, como combinación de exclusiones, según sus palabras, la práctica tridimensional había cesado en su condición de positividad para generar una nueva categoría que resultaba de la adicción del no-paisaje y de la no-arquitectura. Si la propia escultura se había convertido en una especie de ausencia ontológica, una combinación de exclusiones, eso no significaba que la oposición entre lo construido y lo no construido, entre lo cultural y lo natural, careciera de interés. Precisamente fue a finales de los años sesenta cuando la atención de la escultura se dirigió a los límites externos de estos términos de exclusión. La no arquitectura es, según la lógica de Krauss, una cierta clase de expansión, otra forma de expresar el término paisaje, y el no-paisaje es, simplemente arquitectura. El campo expandido se genera evidenciando una serie de oposiciones entre las que queda suspendida la categoría modernista de escultura. Término que queda relegado a la periferia de un campo en el que hay otras posibilidades estructurales: emplazamientos señalizados, paisaje, arquitectura, estructuras axiomáticas, no-arquitectura, escultura y no-paisaje. Es este prolífico contexto artístico, los artistas se replantearon una serie de logros y cambios en su mirada hacia el marco de la obra artística y en

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su relación con el emplazamiento seleccionado. Aspectos formales como el desbordamiento del límite, donde en ocasiones es difícil determinar dónde termina el trabajo artístico y dónde comienza el paisaje debido al alto grado de integración de los proyectos; el descentramiento de la obra, que queda reforzado por una ausencia de contorno determinado, de límite concreto combinado con una cierta escala; la señalización del lugar o del emplazamiento, como reflejo de las características específicas de un entorno físico particular; la especificidad de las propuestas, obras creadas desde y para el lugar que evidencian las características específicas de un entorno físico particular; la dimensión temporal, entendida ésta como un tiempo real, un tiempo físico o un tiempo narrativo; son algunas de las características que definían estos proyectos. Unido al concepto de campo expandido de Krauss conviene también asociar el definido por Michel Foucault en 1967, el concepto de heterotopía. La heterotopía es el espacio del mundo contemporáneo por excelencia, un espacio heterogéneo, un espacio dentro de una red de relaciones que delinean lugares irreductibles e imposibles de superponer. El concepto de heterotopía se define como un espacio heterogéneo de lugares y relaciones, esos espacios diferentes, esos otros lugares del espacio en el que vivimos. Esta ciencia tiene como regla yuxtaponer en un lugar real varios espacios que normalmente serían, o deberían ser incompatibles. En ocasiones las heterotopías están ligadas a cortes singulares del tiempo, pudiendo denominarse heterocronías. Poseen un sistema de cierre y apertura específicos, no están cerradas en relación al mundo exterior, todo el mundo puede entrar en ellas, pero una vez que se está adentro, uno se da cuenta de que es una ilusión y, por último, generan un conflicto entre lo real y lo imaginario; bien creando un alusión que denuncia al resto de la realidad como si fuera ilusión, o bien, por el contrario, creando realmente otro espacio real tan perfecto, meticuloso y arreglado denunciando el nuestro como desordenado, mal dispuesto y confuso. Los proyectos que se presentan en Festival de Tendencias Urbanas, MULAFEST, 2013 son fruto de equipos de estudiantes que, en el marco de la asignatura Metodología II, procesos escultóricos, han colaborado para la presentación de intervenciones site-specific en los halls de entrada y

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superiores de los pabellones 12 y 14, del Recinto Ferial IFEMA, en Madrid, sede del Festival. Desde su ideación, proyecto, viabilidad técnica y económica, producción y montaje han sido coordinados y tutelados en el contexto académico para, una vez madurados y producidos, insertarse en el tejido profesional y artístico del Festival, dentro del programa oficial de la sección artística; generando de esta forma una especie de “Campus expandido”. Las propuestas se han generado desde y para el lugar en el que son ubicadas, teniendo en cuenta cuestiones de procedimiento donde el paisaje circundante ha sido entendido, en ocasiones, como material pero también como espacio. Muchos de los trabajos, dada su especificidad, han sido realizados in-situ y han empleado para su realización los propios elementos y soportes arquitectónicos; otros en cambio, introducen materiales naturales ajenos al entorno construido en el que se ubican. La mayoría de las propuestas abordan problemas relacionados con el desbordamiento del límite, con el descentramiento de la obra, con la activación perceptiva, con el carácter lúdico y narrativo del Festival y, sobre, todo con la señalización del lugar. Reclaman la atención de un espectador activo que se sorprenda e interactúe con la obra. Son trabajos que poseen en su esencia una dimensión temporal, donde el carácter efímero queda patente debido a la fragilidad y naturaleza de los materiales empleados. Estas obras enfrentan la escala del espectador, con la de la intervención y con el espacio circundante, estableciendo un diálogo con su entorno. Rechazan ser considerados como meros objetos escultóricos y proponen un espacio experimentado, temporalizado, en definitiva, un espacio vivido por el propio desplazamiento e interacción del espectador. La intervención “Nube de mensajes” realizada por Lucia Barrantes y Millaray Vega nos introduce en un espacio fundamentalmente perceptivo, fenomenológico, donde a partir de una disposición aleatoria de postes metálicos se genera una membrana difusa, un acotación espacial ambigua que aísla al espectador del ruido visual y acústico producido en el Festival. Ubicado el proyecto en la segunda planta del pabellón 14, el visitante se enfrenta a su llegada, a través de las escaleras mecánicas, a un espacio extraño, a una especie de artefacto perceptivo que produce una dislocación en la experiencia visual y que invita inmediatamente a su recorrido.

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Exteriormente una membrana orgánica y envolvente, una piel difusa y translúcida, se tensa y parasita sobre los postes metálicos evidenciando las cualidades matéricas del propio material con el que está realizada la intervención, film de plástico transparente. Llama la atención que esta especie de nube difusa comienza a partir de una determinada altura, lo que obliga al espectador a preguntarse el por qué y a agacharse para descubrir que cuatro grandes agujeros han sido realizados en el plano inferior a la altura de la cintura de una persona para invitarla a introducirse literalmente en la propuesta. Es en esta acción cuando “Nube de mensajes” cobra todo su sentido, produciendo un lugar absolutamente extraño, sorprendente en su interior, perceptivamente difuso donde únicamente podemos percibir con nitidez nuestra propia silueta, es decir, nuestro propio cuerpo que queda desdibujado de un exterior donde se filtra la luz, las sensaciones y hasta un pequeño ruido sensorial, pero que consigue introducirnos en una nube, en un espacio fundamentalmente abstracto y perceptivo, como un claro ejemplo de las heterotopías que nos hablaba Foucault. El proyecto refuerza su cualidad narrativa y su interactividad con el púbico, cuando descubrimos que poco a poco se va llenado de una especie de “fingers” transparentes en su parte externa, unas botellas de plástico que en su interior recogen un papel enrollado. Ahí es donde el espectador se pregunta, ¿qué contienen esos papeles?, pues su contenido se ha ido construyendo a la par que la intensa y corta vida del Festival Mulafest, convirtiéndose en una especie de “diario” que recoge los deseos, mensajes o frases que el público ha ido aportando y que las autoras, cuidadosamente han ido envasando y suspendiendo de la membrana alveolar de plástico, descentralizando la autoría del proyecto. El material empleado, film transparente, es utilizado a vez como estructura y como piel. Como estructura ya que la alta resistencia que posee este material, aparentemente frágil, cuando es extrusionado longitudinalmente genera un gran poder de resistencia, permitiendo una enorme tensión entre los pilares-soportes para posteriormente, ser utilizado como piel, envolviendo y, a la vez, absorbiendo toda la estructura previa que queda mimetizada en un único material, generando una membrana difusa debido a tu acumulación de capas.

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Percepción, participación del espectador, testigo del festival, insonorización visual y acústica, empleo de materiales reciclables; son algunos de los aspectos a destacar de esta intervención que actúa como una burbuja de paz dentro de la intensidad visual del resto del Festival. La propuesta “Pisa en verde” realizada por Belén del Yerro, Fernando Cremades y Carlos Ramírez apuesta por generar un lugar de descanso y una parada física y oxigenadora en el interior del vestíbulo del pabellón 14. Unas enormes islas vegetales se despliegan por el plano horizontal del vestíbulo recreando sugerentes formas orgánicas de color verde intenso. La sorpresa se produce con la enorme cualidad táctil del proyecto al haber empleado como material de recubrimento teppe, césped natural en planchas. El frescor visual y físico que produce el roce del elemento vegetal invita al espectador a sentarse y disfrutar de unos momentos de descaso y relax en la frenética actividad del Festival. Sorprende la acertada elección de provocar una parada en un habitual espacio de tránsito, como es un vestíbulo de entrada que da acceso a un pabellón. La enorme presencia visual de la intervención así como la frescura en su formalización hacen de esta intervención un interesante espacio de descanso para el espectador. Desde una visión superior el proyecto recuerda a un mapa topográfico que se ha desplegado en la planta inferior del pabellón 14, ajustándose a su arquitectura e incorporando los rincones, escaleras mecánicas, columnas y demás elementos arquitectónicos a su diseño. Las tres islas vegetales se alzan tridimensionalmente sobre su planta, generando en una abstracción el recuerdo de montañas y topografías reales, trabajando en una escala que va de lo macro a lo micro. Pensadas para funcionar como espacios de relax, en su diseño se ha tenido en cuenta la ergonomía del cuerpo humano, así como su escala, dando como resultado espacios realmente cómodos para su utilización. El concepto de mapa se ve reforzado por la realización de unas líneas planimétricas que bordean las islas, expandiéndose, para incorporar todo el suelo del vestíbulo. Realizadas en un material metálico, su sutileza pasa en ocasiones desapercibida para evidenciarse en otras por la incidencia de la luz. El color azul del suelo del pabellón parece introducirnos en una cartografía cognitiva donde éste actúa como el elemento fluido, el océano, y los montículos vegetales como elementos terrestres, islas o montañas. El proyecto destaca por su impecable realización técnica

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y por su enorme cualidad táctil y olfativa. El vestíbulo se inunda de un olor a tierra húmeda produciendo una sensación de frescor en los calurosos días estivales. La implicación del espectador se refuerza al sentir en su piel el tacto de la hierba natural. Colorido, referescante, “Pisa en verde” supone una acertada intervención artística que tiene en cuenta el carácter específico del espacio arquitectónico que lo alberga y que propone una respuesta funcional y visualmente atractiva a la demanda del Festival. Por su parte la intervención “En clave de rap” cuyos autores son Llanos García y Álvaro Jiménez es la que posee el carácter más narrativo de todas las propuestas. Parasitándose a los postes de la segunda planta del pabellón 14, que actúan de soporte, cinco líneas negras definen un recorrido visual a lo largo del pasillo de acceso al hall superior del pabellón 14. Sugerente e ingeniosa en su formalización, emplea el espacio comprendido entre poste y poste, para definir espacial y simbólicamente el compás de un pentagrama musical, donde en lugar de notas nos encontramos unas siluetas negras de personajes bailando a ritmo de Hip Hop. La propuesta incluye un componente didáctico al dedicar cada compás a una década de la historia del movimiento, por otra parte, absolutamente identificador de tendencias urbanas. En lugar de notas musicales, nos encontramos silueteadas figuras urbanas a ritmo de Rap o de Breakdance, así como representantes de Skate o de Parkour. Su temporalidad, de carácter físico y narrativo, dedica un tramo o compás a una década, comenzando en los años setenta y terminando en la actualidad. Su carácter longitudinal implica un recorrido físico y conceptual que introduce al espectador en una propuesta plenamente integrada en el alma del Festival de Tendencias urbanas. Por último, la propuesta “The living jungle vines” de Begoña Bailén y Beatriz Trujillo refuerza el enorme carácter lúdico de un evento de estas características. De las propuestas presentadas es quizá, la más procesual de todas ellas ya que las autoras plantean unas pautas en su concepción y el propio proyecto fija su desarrollo y su vida final. Seiscientos globos verdes inundan el vestíbulo de acceso al pabellón 12 introduciendo al espectador en un ambiente que ya nos propone ese carácter festivo, variopinto

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y colorido del festival. El helio, gas utilizado para hinchar los globos, hacen que éstos alcancen una considerable altura y que el espectador al entrar al vestíbulo se encuentre inmerso en una especie de “jungla” de cuerdas de color verde entre las que se va enredando a su paso. Este carácter vertical del proyecto que contrasta con la horizontalidad del espacio arquitectónico que lo alberga, se ve reforzado porque la cuerda dirige la mirada del espectador hacia su extremo, es decir, hacia el techo, donde una nube de globos verdes se cierne sobre nuestras cabezas. Otro aspecto a destacar, es la variedad de matices empleados en las tonalidades de verdes, tanto de los globos como de los cordeles, potenciando simbólicamente esa sensación de jungla, de bosque, de ambiente vegetal. El proyecto, sencillo en su formalización, alberga una cierta complejidad técnica en el cálculo del peso del cordel en función de la altura que consigue alcanzar el globo para generar el efecto deseado. El carácter procesual del proyecto se ve reforzado por el flujo de visitantes donde una mínima corriente de aire afecta continuamente su formalización final, estando el proyecto en una continua mutación y variación. A esto es necesario añadir las propias cualidades del helio y del globo que hace que según vaya pasando el tiempo, el gas vaya perdiendo propiedades y el globo va bajando en su altura. Estos aspectos han sido tenidos en cuenta en la ideación y concepción del proyecto y refuerzan así su carácter específico que lo vincula por completo al carácter lúdico de un evento de este tipo. También es necesario añadir cómo el público se implica en la expansión de la intervención ya que muchas personas cogen globos y los pasean a lo largo de todo el recinto ferial confirmando nuevamente ese carácter temporal y efímero de la intervención que finalmente desaparece, al igual que las experiencias intensas del Festival de Tendencias Urbanas Mulafest.

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NUBE DE MENSAJES Nube de mensajes es una intervención de carácter interactivo que pretende generar una nube efímera que funciona como lugar de aislamiento del ruido generado por el bombardeo continuo de imágenes e información producidas en el Festival de Tendencias Urbanas MULAFEST. El público participa en la construcción de la obra mediante la aportación de sus “mensajes envasados”, los cuales conforman la piel exterior de la misma. Se introducen, además, hasta medio cuerpo en un espacio de aspecto difuso, translúcido y rodeado de mensajes secretos.

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PROYECTO PATROCINADO POR ECOEMBES

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MAQUETA

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El Festival de Tendencias Urbanas Mulafest es un evento de corta duración y alta densidad de visitantes. Se presenta una instalación que responde al carácter efímero de éste, puesto que no deja ninguna huella física tras su desmontaje. No obstante, tras su reciclaje (dado que se trata de plástico), las experiencias y mensajes que en ella se hayan vivido pasarán a formar parte de todo aquello que se fabrique a partir de este proceso. El leve movimiento que las corrientes de aire provocan en los mensajes envasados, trabaja como metáfora del límite corporal que supone la piel, la cual, es la membrana de interacción entre el cuerpo y la experiencia del mundo. El pabellón funciona casi como un envase aislante que proporciona al espectador un lugar donde expresar sus pensamientos; además de un espacio de descanso perceptivo y estimulación sensorial. La intervención escultórica está conformada por una primera envolvente de film transparente, a la cual se le adosan numerosas botellas de plástico que cubrirán todo el exterior de la nube. Cada una de las botellas contiene dentro un mensaje escrito por algún visitante en un rollo de papel. Estos mensajes, secretos e intransferibles, flotan junto con la nube en el HALL de la entreplanta del pabellón 14 de IFEMA. Su aspecto exterior es el de pequeños cilios flexibles que se mueven ligeramente con las corrientes de aire. Desde dentro, los tapones de estos envases dibujan una galaxia de puntos blancos en las paredes del contenedor flotante en el que los espectadores se han introducido. El film transparente, careciendo de color en origen, toma un matiz blanquecino difuso que se adueña de los colores circundantes al apilar muchas capas. De esta forma, el ambiente que se genera en el interior toma un matiz azulado y relajante. Se habilitarán varios puntos donde se invitará al público a dejar un mensaje escrito en papel encerrado en una botella. Las botellas que se utilizan son nuevas y totalmente neutras. De esta manera se evita la existencia de cualquier marca comercial reconocible en la instalación. Además, esto

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contribuye a que la atmósfera generada en la nube mantenga un carácter tranquilo y sin distracciones. Los mensajes embotellados se añadirán a la nube varias veces al día, en función del volumen recogido cada cierto periodo de tiempo. Nube de mensajes es un proyecto de carácter participativo que funciona como un área de sosiego y de pausa para el público entre una visita y otra. Se trata de una zona de paso intervenida de manera que, sin interrumpir el tránsito de personas, favorece una experiencia del mismo.

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PISA EN VERDE La intervención “PISA EN VERDE” consiste en generar un jardín topográfico oxigenador formado por islas tridimensionales de césped natural, que emergen del suelo del Hall inferior y que se expanden en el pavimento mediante curvas de nivel que cartografían el espacio, proporcionando pequeños núcleos de descanso. El Festival Mulafest acoge, en apenas tres días a más de 30.000 personas de una gran diversidad social: artistas urbanos, tatuadores, grafiteros, músicos, apasionados del motor… convirtiendo el evento en un catalizador social. Los visitantes son atraídos por la variedad de actividades que ofrece, así como por la posibilidad de interactuar con diferentes prácticas urbanas, por lo que se convierte en un fin de semana de actividad frenética que no da pie al descanso.

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El proyecto “PISA EN VERDE” nace de la idea de generar un lugar que se acerque al jardín, que se identifique con el paraíso, un Jardín de las Delicias, en donde el visitante, en relación directa con la naturaleza, pueda relajarse sobre topografías que se elevan y que se deforman siguiendo las formas del cuerpo humano, sintiéndose absorbido sensorialmente por esta nueva masa verde que irrumpe en el interior del hall. Estas topografías se crean a partir de césped natural sobre una base de sacos de arena. Consisten en deformaciones del suelo que generan un mobiliario amorfo y ergonómico, y ofrecen nuevas posibilidades de reunión, así como, nuevos recorridos. Unas curvas de nivel, materializadas por cinta verde en el pavimento, bordean las protuberancias conformando un mapa topográfico, una cartografía expandida. La disposición del paisaje queda determinada por los flujos e intensidades de recorrido de los visitantes, las salidas emergencia, los puntos de información y los accesos. Se busca crear estructura de espacios de

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caracteres diversos a través de un gradiente de privacidad que va de lo más íntimo a lo más social. “PISA EN VERDE” genera un espacio invadido por una erupción de balones oxigenadores, que ofrecen nuevas posibilidades de interacción entre los visitantes, y al mismo tiempo regula térmicamente el recinto del festival: un lugar de grandísima afluencia en el momento más caluroso del año. Con el convencimiento de que las actividades de ocio no programadas constituyen en sí mismas una parte fundamental de la cultura e identidad de los grupos sociales, proponemos un jardín orográfico de núcleos verdes oxigenadores, que actúen como disipadores del estrés, y al mismo tiempo, como reguladores térmicos, garantizando unas condiciones climáticas satisfactorias en un lugar que será el de mayor afluencia de usuarios. Un paisaje generador de acciones y fenómenos dinámicos que pueden promover la aparición de otras actividades culturales.

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Núcleo de descanso tipo aislado superficie 20m2

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PLANTA

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THE LIVING JUNGLE VINES The Living Jungle Vines es la pieza artística que invade el hall que da acceso al pabellón 12 durante las 96 horas de duración del festival MULAFEST. La instalación recrea una jungla caducifolia de globos de helio que invade el lugar de manera incontrolable. Los visitantes, en su continuo tránsito por el espacio, modifican su configuración permitiendo cuestionar así el carácter efímero y aparente de los elementos que componen un evento social.

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600 globos de látex de color verde, 9100 metros cúbicos de helio y 1500 metros de cuerda de fibra natural, son los materiales que configuran el proyecto de las artistas Begoña Bailen y Beatriz Trujillo. Sin embargo, no son los únicos materiales en juego. El tiempo es tomado como punto de reflexión y como material de principal configuración de la instalación. Las propiedades físicas del helio junto con la intervención de los asistentes al Festival de Tendencias Urbanas, enfatizan la debilitación de la pieza y posterior degradación. El ambiente visual y táctil configurado por las largas cuerdas de color verde que entran en contacto con el espectador a lo largo del espacio expositivo, dan la sensación de adentrarse en una jungla de lianas en movimiento.

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La vulnerabilidad del mundo ficticio generados por y para un Festival de Tendencias Urbanas es evidenciada por la acción de agentes externos a ella. El tránsito del público al que se dirige MULAFEST, su interacción con los elementos de la intervención, el efecto de la circulación del aire y el juego de las leyes físicas del helio en contra de la porosidad de los globos, permiten enfatizar el carácter finito de los eventos sociales y la ficción que envuelve todos los espacios generados para su puesta en escena. Las connotaciones vinculadas al globo de festividad, celebración e infancia, son las idóneas para reflexionar sobre el mundo ficticio que aborda la intervención artística. Por otra parte, el carácter lúdico, que sintoniza con el perfil del festival, y el carácter procesual en manos de los visitantes, evidencian la temporalidad a la que alude la obra. Temporalidad que conduce a la pieza a un punto de inflexión en el cual la instalación comienza a desaparecer.

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EN CLAVE DE RAP La propuesta “En Clave de Rap” consiste en un pentagrama musical materializado a gran escala en el cual las notas musicales son sustituidas por figuras humanas realizando actividades directamente relacionadas con la cultura urbana. El pentagrama como intervención artística posee una cualidad site-specific, ya que se adapta a los elementos físicos del espacio expositivo. El Festival Mulafest engloba numerosas tendencias urbanas y el movimiento Hip Hop suele ser el identificador común a la mayoría de ellas. Partiendo del enorme componente musical de este movimiento, el proyecto busca hacer una síntesis de tendencias urbanas sobre un soporte musical, como referencia a su fuerte componente sonoro, pero de forma visual: la poesía rítmica del Rap, su equivalente musical en el movimiento DJ, el baile del Breakdance, la expresión visual del Graffiti, el deporte urbano del Skate y del Parkour.

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Basándose en el lenguaje musical, cuyo soporte es el pentagrama, lo usamos como medio en el que trabajar. Diversas figuras humanas desempeñando actividades directamente relacionadas con la cultura urbana van y vienen por los distintos compases, haciendo su propia composición musical. La intervención artística está básicamente constituida por el pentagrama, compuesto a base de bandas elásticas (los renglones) que se atan y adaptan a los elementos físicos del hall superior del Pabellón 14, guiando al espectador desde la entrada a la segunda planta. En el lenguaje musical un pentagrama se divide a su vez en compases, en los que caben un número limitado de notas. La instalación usa los pilares del recinto como delimitadores de los compases, una metáfora en el cual el propio espacio de exposición dicta su longitud. A lo largo de los compases se genera un recorrido temporal que comienza en la actualidad y culmina en los años 70, lo cual queda intuido por las tendencias y artistas que representan las distintas siluetas. Éstas van adheridas a las bandas del pentagrama, a distintas alturas, como notas negras y corcheas. Los jóvenes que interactúen con la obra se verán envueltos por el pentagrama, que por su altura divide el espacio y guía al espectador por un recorrido visual. La intervención toma la temática del festival Mulafest como base, y engloba casi todas las tendencias urbanas. Es una obra hecha para el festival, que se nutre del ambiente urbano que destilará el evento a la vez que tratará de potenciarlo. El objetivo de esta obra es crear un recorrido visual envolvente que guíe al espectador por el pabellón desde el hall hasta la planta superior, generando el interés de éste por saber cómo y donde acaba la obra, motivado por su temática y materialidad. La cultura urbana queda acotada en un marco musical, pero sin componente sonoro, solo visual. La obra se adapta al medio dado, como la propia cultura urbana se adapta y aprovecha los elementos de su entorno. La inmediatez de la obra, su interactividad con el público y el espacio, su plena relación con el ambiente en el que está, la hacen una pieza sugerente y atractiva, que se integra en el espíritu del festival.

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COMPASES

ESQUEMA APAISADO

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SECCIONES

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PLANTA BAJA

PLANTA SUPERIOR

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La Facultad de Artes y Comunicaci贸n presente en MULAFEST MULAFEST 2013, el Festival de Tendencias Urbanas, se consolida en su segunda edici贸n como una de las apuestas de ocio esenciales dentro del verano de la capital, reafirmando su apuesta por el talento y la creatividad. Por este motivo, la Facultad de Artes y Comunicaci贸n de la Universidad Europea ha querido estar presente participando de forma activa en las diferentes actividades que se han llevado a cabo en IFEMA.

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BANCOS Y NEVERAS

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RAÚL ALMENARA DOMÍNGUEZ SINOPSIS El proyecto propone realizar un mapeado de la huella que dejan las personas al sentarse sobre el banco. Se propone sobre el banco blanco ir dibujando contornos, con líneas de 1 o 2 centímetros de grosor, de las personas que se sientan en el banco durante el día y con diferentes posturas.

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JORGE ALONSO BARRIO SINOPSIS Consiste en disparar con una pistola de agua llena de pintura de colores y disparar al banco, creando un resultado inesperado. En esta performance se puede hacer partícipe al público aunque el autor puede realizar la pieza en caso de que no asista público participativo.

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ISABEL GIL Lร PEZ SINOPSIS Propongo una imagen monocromรกtica y de trazos simples y marcados que contraste con los osos coloristas que ya forman una parte esencial de recinto ferial. Propongo dos imรกgenes dependiendo de la posibilidad de descomponer el banco en piezas.

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DANIEL SEVILLA SINOPSIS Tomando los colores del logotipo de IFEMA he desarollado una abstracci贸n modular. Color y forma se extendar谩 por el plano vertical.

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DANZA La participación del Taller de Danza “Jacarandá” UEM con la Coreografía Cliché D3, de Denis Santacana, Premio UEM en el Certamen Coreográfico de Madrid dirigido por Laura Kumin, en el Concurso Coreográfico del Mulafest, y su mención por el Jurado Internacional que lo valoraba como: <Una gran propuesta, arriesgada y llena de elementos que la conectaban con el Público>, demuestra la gran apuesta que la Universidad Europea de Madrid, la Facultad de Artes, y CAFYD, y espacialmente, el Grado en Ciencias de la Danza y el Taller de Danza, están haciendo por dinamizar las Artes Escénicas y sus creadores, y por ofrecer a sus estudiantes oportunidades de excelencia, multidisciplinares y reales que les permitan alcanzar las mejores cotas en su desarrollo profesional y personal, y que han encontrado en el Mulafest el marco idóneo para su expresión, comunicación y desarrollo.

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TÍTULO :: CLICHÉ D3 COREOGRAFÍA :: DENIS SANTACANA INTÉRPRETES :: ESPERANZA GUIRADO, CARO KÖTER Y MARÍA GARIZABAL MÚSICA :: TACONES - VICTOR FERNÁNDEZ (MÚSICA ORIGINAL); YOU KNOW WHERE

TO FIND ME - INSTRUMENTAL, IMOGEN HEAP SINOPSIS :: TRES PARES DE TACONES SOSTIENEN LAS MENTIRAS, ESTEREOTIPOS Y FALSAS APARIENCIAS DE TRES MUJERES, DECIDIDAS A DESCALZARSE FRENTE AL MICRÓFONO NECESIDADES :: MICRO CON PIE, SUELO LISO, Y EQUIPO DE SONIDO DURACIÓN :: APRÓX. 10´

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FORMULA UEM DISEÑO DEL COCHE FÓRMULA UEM Cita destacada: Emoción, ligereza, fiabilidad y economía de recursos al servicio de la Innovación. Estudiantes del Grado de Diseño de la UEM han contribuido a desarrollar un eficiente vehículo de competición, creando el Diseño del coche Fórmula UEM. El proyecto nació en la asignatura “Materiales, Maquetas y Prototipos” del tercer curso del Grado de Diseño, con la participación de un equipo compuesto por los alumnos Alba Saleta Espiño, Alberto Zarza, Alicia Almagro, Irene Ruiz, Lina Rodríguez, Virgilio Quesada y el profesor Javier Sanz.

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Su objetivo ha sido la experimentación real con un amplio abanico de materiales y procesos productivos, dando a su vez, respuesta a las necesidades planteadas desde el Área de Ingeniería. Nuestro agradecimiento al Área de Ingeniería Industrial de la Escuela Politécnica de la UEM, que nos ha brindado la oportunidad de participar en un proyecto internacional, ejemplo de concepto transversal, entendido como una estrecha colaboración entre equipos de Ingeniería, Marketing y Diseño de la UEM, implicando también a Fabricantes, Proveedores y Patrocinadores, formando un solo equipo con un objetivo común.

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El proyecto es del máximo interés para los estudiantes por los siguientes motivos: • Tienen ocasión de poner en práctica los conocimientos adquiridos en la fase teórica, directamente en un proyecto real, integrándose en un equipo multidisciplinar, intercambiando conocimientos y respetando otras prioridades. • Conocen cómo se estructura un proyecto de gran recorrido y en equipo, por fases, ajustado a una planificación de la que se responsabilizan, sometidos a la presión del calendario y a una calidad de realización óptima. • Se centran en las necesidades del usuario, de la normativa de competición, analizando también las tendencias, para finalmente plantear una estrategia de posicionamiento innovadora. • Los alumnos elevan su nivel en el uso de herramientas informáticas y productivas, fabricando ellos mismos su diseño. Ello les hace mejorar también su autoestima. • Son testigos de la interacción que se produce entre gestores, proveedores y patrocinadores, trabajando ajustados a un presupuesto limitado, que les ha obligado a replantearse soluciones, fomentar el ingenio y aumentar sus recursos a la hora de aportar soluciones. • Comprueban las prestaciones de su propuesta de diseño, en su construcción y en su montaje, y en su uso final. Han podido pilotar el vehículo, valorando aspectos como ergonomía, ligereza, robustez o aerodinámica. • Han aprendido a presentar y defender sus planteamientos, escuchando al prójimo. También han ganado en fluidez a la hora de hacer una presentar su proyecto de diseño y fabricación también en Inglés, al exponer sus argumentos ante un jurado extranjero, convivir con otros equipos en circuitos internacionales, así como al leer manuales o investigar en la red. JAVIER SANZ Profesor del Departamento de Diseño de la Facultad de Artes y Comunicación.

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“Cuando comenzamos este proyecto, nunca creímos que se haría realidad. Nos parecía algo reservado al ámbito profesional. Poco a poco y tras superar múltiples dificultades, pudimos comprender la función de un diseñador, su trabajo con los materiales y su sentido de la responsabilidad al aceptar un reto. Tengo que dar las gracias a mis compañeros y al equipo de Ingeniería por su colaboración, su respeto, y por dejarnos profundizar tanto en el diseño del puesto de conducción, en la carrocería, en los complementos del chasis y en ámbitos que no nos atañían directamente, pero nos suponían un reto personal que aportaba valor al conjunto. Sin duda, el Fórmula UEM, es el resultado de innumerables horas de dedicación, así como de una estrecha colaboración entre Diseño e Ingeniería”. Alba Saleta Espiño Team Leader del Equipo de Diseño del Monoplaza y Estudiante del Grado Diseño de Interiores de la Facultad de Artes y Comunicación de la UEM.

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IMPRESIONES

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CREDITOS PUBLICACIÓN REALIZADA POR LA UNIVERSIDAD EUROPEA DE MADRID PRESIDENTE

Miguel Carmelo RECTORA

Águeda Benito DECANO DE LA FACULTAD DE ARTES Y COMUNICACIÓN

Luis Calandre DIRECTOR DE ÁREA DE ARTES Y DISEÑO

Javier Sanz

EXPOSICIÓN COMISARIOS INTERVENCIONES ARTÍSTICAS: Esther FÓRMULA UEM: Javier DANZA: Jonatan

Pizarro

Sanz

De Luis

COORDINACIÓN UEM

Javier Sanz, Esther Pizarro COORDINACIÓN IFEMA

Julia González y Mario Suarez

MONTAJE Universidad Europa de Madrid

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PUBLICACIÓN EDICIÓN

Universidad Europea de Madrid COORDINACIÓN EDITORIAL

Esther Pizarro TEXTOS

Luis Calandre Javier Sanz Esther Pizarro DISEÑO GRÁFICO & FOTOGRAFÍAS

Markus Schroll ISBN

978-84-95433-65-7

AGRADECIMIENTOS Telma Carlini, Julia González, Mario Suarez, Sofía Alonso, Roberto Antón, Miguel Carmona, Grego Matos, Pilar Hermida, Ana López, Marina Torres, alumnos de cuartoºº curso de la titulación de Bellas Artes y Arquitectura, alumnos del Grado en Diseño y alumnos del Grado en Ciencias de la Danza de la Universidad Europea de Madrid y a todas aquellas personas que han colaborado con su entusiasmo para hacer realidad este proyecto.

FIN