Tangerine #7 by revista.tangerine

Expediente Conselho Editorial Anna Stolf Bernadete Teixeira Genesco Alves Rita Ribeiro Orientação do Projeto Gráfico Joana Alves Organizadores Rogério de Souza Tatiana Pontes Projeto Gráfico e Diagramação Vanessa Francisco Desenvolvimento da marca Mariana Rena Priscila Lie Sasaki Coordenação do Centro de Estudos em Design da Imagem Genesco Alves José Rocha Andrade Apoio Laboratório de Design Gráfico - Escola de Design/UEMG Realização NUDEF - Núcleo de Design e Fotografia da Escola de Design/UEMG Escolade Design - UEMG Av. Pres. Antônio Carlos, 7545 - São Luiz, Belo Horizonte - MG, 30270-010

Editorial Mais um número da revista Tangerine nasce com um conteúdo diversificado, acompanhando o atual momento de diversidade do pensamento artístico e dos desafios e conquistas que a sociedade alcançou nos últimos anos. As diversas formas de cada artista se expressar se apresentam nas imagens que podem ser apreciadas neste número. Dentre os temas vistos aqui, estão o posicionamento da mulher negra presente no ensaio da dupla Isadora Santos e Luiz Felipe César. Também as questões sobre o que é ser negro, na obra de Felipe Messias ou a série documental sobre o “Quilombo Manzo” nas fotos de Maíra dos Palmares. Ainda, tendo como tema a cultura negra, Rosilene Santana participa com uma série que explora a estética fotográfica aliada a intervenções artísticas numa mistura de negritude e moda. O Corpo, um dos temas mais tradicionais da fotografia e que conta com possibilidades infinitas, pode ser visto nos trabalhos de Bárbara Cruz, Maíra Gouveia e Si Ying Man. Gil Sotero apresenta ainda a questão da diversidade sexual e o lugar do homossexual na sociedade.

O delicado ensaio de Stella Nardelli nos remete à memória, à ausência, às emoções e sentimentos de melancolia. Foram eles também elementos motivadores para o belo ensaio de Michael Douglas. O cotidiano urbano e o vazio das relações são vistos nos trabalhos de Mariana Tanure, Rafael Rasone, Maria Elisa Valadão e Sarah Uriarte. Por outro lado o olhar sobre os aspectos formais das construções urbanas podem ser vistos nos ensaios de Bruna Aranha e José Umberto. Como prática recorrente, o projeto Tangerine também se faz por ações de extensão universitária. Este ano foi marcado pela oferta de duas mini oficinas. Uma delas ofertada no Centro Cultural Urucuia, situado no bairro Barreiro-BH e também pela visita de 32 alunos ligados ao projeto municipal “Escola Integrada” ao laboratório fotográfico da Escola de Design/UEMG. Finalizando, a professora Tatiana Pontes fecha esta edição com uma reflexão sobre nossas relações com os objetos e a cidade. Diante de toda essa diversidade, esta é Tangerine #7. Boa leitura.

Rogério de Souza

foto extraída do ensaio “À espera de uma carta”, de Tatiana Pontes

Sumário Luto é verbo �� 8 Temos a noite em nossa pele �� 16 Manzo: afeto e ancestralidade �� 34 Invisibilidade Insistente �� 42 Sobrepõe �� 50 Dar �� 56 Marintimo ��62 Match me cartografia do homem gay ��74 Interior �� 84 Melancolia �� 100

Simbiose cidade-cidadão: vivências cotidianas na cidade ��118 Por aqui corre uma vida �� 126 (Su)realização do (Extra)Ordinário ��144 Quanto tempo leva para a arquitetura da cidade aglutinar uma pessoa �� 154 “Ci”_mento �� 172 Linhas de rumo �� 182 Entrevista Dani Sandrini �� 196 Oficina ��214 Cianotipia �� 218 Coleção de vestígios da cidade �� 244

Luto é verbo Isadora Santos e Luiz Felipe César Este ensaio fotográfico foi desenvolvido a partir da frase “Luto é verbo”, que ganhou força nos movimentos feministas e feministas negros após a morte de Marielle Franco. A execução da vereadora trouxe à tona o fato de que ainda é perigoso ter voz quando se é mulher e, mais ainda, quando se é mulher negra lésbica. Por meio deste trabalho, apresentamos a modelo negra em um ambiente de libertação e fuga, o qual é reforçado por seus movimentos corporais e faciais. Contudo, são sobrepostas à sua pele marcas de perigo, medo, repressão, sendo estas materializadas pelos sólidos em vermelho. Os sólidos utilizados foram pirâmides de base triangular, visto que este formato, associado à cor vermelha, representa perigo, atenção e cuidado. Já o vermelho isoladamente é vinculado ao sangue derramado diariamente dos corpos negros. Marielle Franco e todas nós estamos presentes! 8.

Temos a noite em nossa pele Felipe Messias O que é isso, ser negro? Quem veste a minha pele? Que histórias ela conta? O que é isso, ser negro? Quem enxerga o meu escuro? Quem enxerga a minha luz? O que é isso, ser negro? A noite também não é assim, escura? Quais mistérios ela guarda? O que é isso, ser negro? 16.

Manzo: afeto e ancestralidade Maíra dos Palmares Esse ensaio foi feito no dia 4 de julho de 2018, no Quilombo Manzo Ngunzo Kaiango, localizado no Bairro Santa Efigênia em Belo Horizonte. Nesse dia estava sendo realizado um encontro e uma roda de conversa entre membros do Quilombo e professores/ pesquisadores negros do estado de Michigan, nos EUA. O Encontro foi intermediado pela Rede de Mulheres Negras de MG, da qual eu fazia parte na época. As fotos foram feitas de maneira completamente despretensiosa com o único objetivo de registrar o evento que acontecia, mas acabaram se transformando em retratos, mesmo que muito simples, de algumas das muitas coisas que o Manzo representa em Belo Horizonte. 34.

Manzo é um reduto de afeto e ancestralidade negras, e isso foi minimamente capturado por mim nesse dia. As fotos que tirei das crianças, da mesa de queijo e cachaça, das mulheres de Manzo, sinalizaram para mim “pequenos milagres”, tesouros, que revelaram a sutileza, o afeto, o cuidado e a ancestralidade presentes naquele lugar. Quis (re)construir com esse ensaio, a aura que é encontrada lá, algo tão corriqueiro a alguns olhos, mas tão bonito se visto de perto. O pedido de benção, o alimento, o abraço apertado, o olhar tranquilo. Lembretes de que uma cidade grande pode ter seus respiros, seus momentos de calmaria e leveza. Os professores de Michigan se sentiram em casa, e eu também. Conheci Manzo naquele dia e logo entendi que aquele era um lugar sagrado. Fotografias que conversem, que falem além daquilo que pretendem mostrar, que desconstroem e que abraçam, que aconchegam. Manzo me abraçou por dentro e por fora naquele dia.

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Invisibilidade Insistente Rosilene Souza Notamos que, ainda hoje, uma parcela da população evita olhar diretamente, no rosto das pessoas negras, desviando ou fixando o olhar em outro ponto para não vê-los. Assim, através dessa leitura/percepção surgiu a inspiração para realização do ensaio “Invisibilidade Insistente”. Trabalho esse, que consiste nas misturas das técnicas de fotografia e colagem; do plástico e do visual; da crítica e da poética. Onde as “personagens” retratadas têm o rosto oculto por uma flor branca, “apagando” assim, sua identidade, e um fio de linha vermelha, costurada em partes do corpo representando a insistente resistência. Resistência essa que foi e é conquistada diariamente. Conquista essa despertada através da consciência de se estar, fazer e ser diferença no mundo. E esse despertar só foi e é possível através

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das lutas e da descoberta e aceitação do eu. Eu esse que existe, tem história, faz história, cultura, saberes, vida. Como destacam os pesquisadores Antônio Moreira e Vera Candau, no livro “Multiculturalismo: Diferenças Culturais e Práticas Pedagógicas”: Os “outros”, os diferentes, muitas vezes estão perto de nós, e mesmo dentro de nós, mas não estamos acostumados a vêlos, ouvi-los, reconhecê-los, valorizá-los e interagir com eles. Na sociedade em que vivemos há uma dinâmica de construção de situações de apartação social e cultural que confinam os diferentes grupos socioculturais em espaços diferenciados, onde somente os considerados iguais têm acesso. (2008. p. 30) Assim, “Invisibilidade Insistente” se sustenta por ele mesmo e por sua estética. É um misto de fantasia digladiando com a realidade, que dependendo do olhar resulta num poema. E esta mistura delicada e agressiva ao mesmo tempo norteia todo o ensaio artístico. Referência MOREIRA, B. F. Antônio; CANDAU, M. Vera. (Org.). Multiculturalismo: diferenças e práticas pedagógicas. Petrópolis: Editora Vozes, 2008.

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Sobrepõe Bárbara Cruz

O trabalho fotográfico aqui exposto partiu de uma demanda do grupo de estudos em fotografia, no qual, cada aluno deveria elaborar o seu ensaio. Este teve como inspiração fotógrafos brasileiros que trabalham com o nu como Alberto Prado, Flávio Freire, Andrea Vicente e Carlos Ximenes, entretanto, todos esses retratam em sua maioria corpos femininos. Somando essa inspiração com o desejo de trabalhar com sobreposições, surgiu a ideia do projeto que começa com um processo de experimentação baseado na sobreposição de imagens projetadas no modelo. 50.

Dar Maira Gouveia “Dar-se como uma coisa que se sente, agarrar uma coisa que se sente.” Como descobrir-se e refletir-se a partir do objeto? Como ser com ele, através dele, para ele? A partir dessas perguntas surge esse ensaio, que busca pensar o existir do corpo a partir de uma interação com os objetos. Nesse caso há uma incorporação das formas orgânicas às formas geométricas; curva e retas se encontram para gerar uma incorporação. Os autorretratos, realizados no quarto da artista servem como um momento de pausa e reflexão: como existir a partir da peça geométrica? Como interagir com ela? Entra em cena o vocabulário das mãos, o gestual, a expressividade da manufatura. Mão como ser, mão como código, linguagem. Atravessar a dicotomia e encontrar a antropofagia: essa é a busca a que nos propomos.

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Marintimo Si Ying Man Marintimo é uma fotoperformance realizada pela artista sinomineira Si Ying Man, realizada durante caminhadas na costa litorânea cearense, na qual o corpo da artista ocupa espaços vazios na paisagem praiana. Um espaço nunca é o mesmo quando na presença de outro, tais elementos que passam a ocupá-lo e alimentá-lo, podem ser de diversas naturezas, incorporando, por si só, poéticas próprias. Corpo é presença, espaço, é um lugar, já uma onda é mais do que incontáveis gotas de água salgada, gotas são fluxos do infinito e podem ressignificar um corpo e um espaço completamente, como a tinta em uma superfície pictórica. Um corpo ao mar é sempre um corpo que migra, corpo-fronteira, flutuante e à deriva, navegante nos fluxos íntimos e cartográficos, em busca de pertencimento nessa paisagem, um corpo que adentra essa porta dos sete mares, também é um corpo que aflora. 62.

Match me cartografia do homem gay Gil Sotero A proposta do fotógrafo Gil Sotero é a observação da construção dessa autoimagem através das redes de relacionamento gay que têm como principal plataforma os smartphones. Os recortes e edições sobre a própria imagem exibem um mosaico de detalhes do homem gay. Como se fosse um mapa das muitas características do gênero. É daí que o fotógrafo chama de cartografia pois ao enquadrar e recortar partes de si numa comunidade destinada a contatos e relacionamento, se estabelece na representação de si, “detalhes cartográficos” do corpo masculino que fazem parte desses “territórios existenciais” do homem gay. Estão presentes nessas representações muitas questões como os padrões estéticos, o medo de se expor num país lgbtfóbico, a necessidade de olhar para si e vivenciar experiências sexuais amorosas. Outro detalhe importante é o uso de geolocalização desses apps que condicionam os perfis a filtros e proximidade. O trabalho integra a Jornada Pela Cidadania LGBT de BH 2019. 74.

Interior Stella Nardelli e Silva Interior é o ensaio fotográfico que realizei no apartamento de minha avó, em Belo Horizonte, entre 2018 e 2019. A vontade de realizar este trabalho se deu a partir de minha percepção sobre a finitude deste espaço, que esteve sempre presente em minha vida. Nas fotos, é evidente a presença de uma estaticidade, que vem de um desejo de manter as coisas assim como são. Existe também a ausência de pessoas em muitos registros, exibindo o apartamento vazio e deixando nítido um receio de que aquele lugar realmente se torne desabitado. 84.

Quando aparecem personagens, há de novo uma relação de presença-ausência. As fotos das fotos sobre os pratos exibem pessoas-objeto: personagens que, assim como a casa, são estáticos e se tornam virtualmente presentes pelo gesto fotográfico. A única foto em que uma pessoa é diretamente capturada, é o retrato de minha avó. Sua figura se apresenta como um espectro delicado, revelando uma vida tênue que incorpora os ambientes da casa e traz intimidade para o ensaio. A vontade de preservar este lugar através das imagens, se desdobrou do reconhecimento de que a casa não é algo eterno e que envelhece, assim como minha avó. Recorri a potencialidade da fotografia de criar indícios de instantes que não existirão mais, catalogando afetivamente este espaço já marcado de ausência, e guardando-o na zona etérea da memória que nunca acaba. 85.

Melancolia Michael Douglas

Estado

mórbido,

cansado,

abatido,

grande

tristeza

desencanto geral. O que sente? O que pensa? O que expressa? O que esconde? Tudo pode ser lido e interpretado em cada linha de sua fisionomia. Seus medos, seus pesares, suas frustrações, suas dores, clamam por ajuda para se libertarem, temem ficar escondidas aí dentro sem conseguir se soltar. Um corpo, uma alma, uma vida, um sonho, cada parte de si, se une e quer sair por aí a fim de construir a sua história, de marcar sua presença no mundo, de comunicar e mostrar para todos que ela existe, que é forte e que nada pode detê-la. Ela quer ensinar aqueles, que como ela, um dia foram calados, mas que hoje querem mostrar para o mundo o seu valor. 100.

Simbiose cidade-cidadão: vivências cotidianas na cidade Mariana Tanure “O cotidiano não está no calor de nossos lares, não está nos escritórios nem nas igrejas, nem tampouco nas bibliotecas ou nos museus. Está - se estiver em algum lugar - na rua.” Maurice Blanchot Os cotidianos são muitos, mudam de acordo com lugares, pessoas e experiências individuais. Este ensaio fotográfico é o registro de um, dentre os inúmeros “cotidianos existentes” na cidade de Belo Horizonte, e tem como locação a Região Central, lugar que já faz parte da minha vida há muitos anos. 118.

Nesse contínuo ir e vir pelas ruas, cada pessoa desenvolve afetividades e interações próprias com os ambientes por onde transita. Qual viaduto atravessamos para chegar em casa? Como são as estações em que embarcamos e desembarcamos a caminho do trabalho? Em quais avenidas moram os nossos melhores amigos? Como se chama a praça em que demos o primeiro beijo? Em qual parque passeávamos com nossos pais quando éramos crianças? Ao transitarem cotidianamente pelas ruas, avenidas e praças, os habitantes interagem e estabelecem relações de proximidade e cumplicidade com os espaços públicos, e assim desenvolvem afetos e memórias a partir das experiências vividas nesses locais. Nessa simbiose cidade-cidadão, as histórias pessoais se constroem na interação com o cotidiano urbano, e com ele se confundem... A cidade habita o cidadão, tanto quanto o cidadão habita a cidade. 119.

Por aqui corre uma vida Rafael Rasone Cheiros e cores me puxavam pra dentro. Driblava o encontro. Só tentava me perder cada vez mais. Em cada beco um novo mundo. Uma nova história. Cidade Baixa, de frente pra baía de Todos-os-Santos uma simples feira que carrega ali em forma de miçangas no peito milhares de vidas e histórias. Me perdi pelos seus becos durante um dia criando contos vindos de conversas escutadas a cada passo. A cada momento um novo universo imagético. A cada esquina uma nova vida em um beco. Um simples beco me passava tanta vida e energia. Feira de São Joaquim, fevereiro de 2019

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(Su)realização do (Extra)Ordinário Maria Elisa Valadão Com essas imagens, congeladas pela câmera do celular e manipuladas até fugir da realidade, buscava o que elas tentavam me mostrar mas estava escondido pelo filtro que reside em meus olhos: a cegueira pro imaginário, a casca dura do que é concreto e palpável. Pensando a transformação da visão sobre o cotidiano, nos deparamos com questões sobre o modo como lidamos com as imagens, com os sentidos, e o que tiramos da parte mais rotineira, nos momentos de “sujeito comum” do nosso dia a dia. Com o questionamento sobre qual parte do que vemos é real, ao olhar uma paisagem, tiramos esta do lugar de paisagem rotineira e saímos do nosso sujeito comum, nos teletransportando para uma visão superlativa e surreal da imagem. Podemos remodelar a todo momento nossas noções sobre espaço, realidade e até mesmo sobre o tempo, que percebemos de maneiras diferentes e congelamos desesperadamente por meio das imagens, pois não gostamos de perder o tempo: nele está o

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que vemos e sentimos, está a esperança… e na captura do tempo, temos a desconfiguração do real. O banal reside em lugar nenhum além de nós, na nossa falta de percepção e na nossa pobreza. A cópia ou a reprodução podem ser significantes, mas nós, na nossa cegueira crônica, passamos por quilômetros de “feed” em leitura dinâmica, paramos de contemplar e tirar experiências do que vemos. Estamos constantemente adormecidos sem, de fato, dormir, sonhamos com a promessa de felicidade, mas sempre adormecidos, dormentes, imóveis. Dormir e acordar não mais está ligado às nossas funções biológicas vitais, o sonho é de momento, e depois já não lembramos mais. Proponho então uma revolução, e não preciso ser original para isso, é uma ideia de revolução que já foi reproduzida antes, mas de alguma forma esquecemos, façamos então, da vida nossa obra de arte. Que possamos despertar para contemplar, experienciar nossa batalha contra a cegueira. O que chamamos de realidade (aquela vista pelo sujeito comum), sempre está misturada meio a meio com a ficção ou com o que for necessário acreditar para que a mente sobreviva. Que saibamos então aproveitar de nossos excessos, seja de total realidade, encarando o gelo do vazio existencial, seja pelo excesso do surreal, transbordando fábulas, ou quem sabe até no meio termo, no ápice do sujeito normal, transformar o momento em uma reflexão ou contemplação. Sinto que é nosso dever (e devir), lutar com unhas e dentes contra a pobreza crônica que se instalou aqui. 145.

Quanto tempo leva para a arquitetura da cidade aglutinar uma pessoa Sarah Uriarte Comecei a me fotografar a partir da indicação de uma professora que tive na graduação em fotografia, muitos anos atrás. Ela dizia que eu não tinha intimidade com a câmera e que isso era tão visível que se sobrepunha a qualquer coisa que eu pudesse mostrar, então comprei um tripé e passei a fazer exercícios quase diários de autorretratos. Hoje toda minha produção discute questões relacionadas ao corpo e ao espaço, entre a performance e a fotografia, e inevitavelmente tem a presença do meu corpo. Em uma residência artística fora do 154.

país no início de 2019, onde passei três meses, comprei um novo tripé para fazer exercícios fotográficos diários, porque sentia que em algum momento nos últimos anos tinha perdido de novo a intimidade com a câmera. Tento pensar um tanto no espaço que a fotografia ocupa no meu cotidiano, já que meu trabalho pensa no espaço que o corpo ocupa, e percebi que talvez o ponto de convergência entre as duas questões seja a situação de estar na rua. Ali, ser corpo e ser imagem podem ser equivalentes. Senti isso pela primeira vez participando de manifestações, e em especial em outubro de 2018, onde junto de tantas mulheres formava parte de um corpo coletivo. Mas estar sozinha na rua, especialmente enquanto mulher, não é necessariamente formar parte de nada. Muitas vezes é se perder no meio da arquitetura, é ser aglutinada pela rua, é virar parte dela. É ser a rua em si. 155.

“Ci”_mento Bruna Aranha

Residente do prédio de obra inacabada, andares “ci”_mentados pela metade, janelas “ci”_metricas, olhares “ci”_clicos de “ci”_ma para baixo e “ci”_frados de recortes que compuseram uma série de efêmeras possibilidades de construção. 172.

Linhas de rumo J. Umberto

Linhas que convergem onde a vista já não alcança Linhas que tomam para si rumos incertos Linhas que se confundem em meio a escuridão Linhas que não se cruzam, como universos paralelos. Linhas que dançam ao vento Que se banham ao relento da noite Que tremulam nas tempestades Linhas que não chegam ao final. 182.

Entrevista Dani Sandrini

Dani Sandrini é fotógrafa, educadora e acompanhante terapêutica. Vive e trabalha em São Paulo. Formada em comunicação pela USP em 1999, iniciou sua carreira ligada à imagem nas áreas de fotografia, cinema e teatro em 1998. Trabalhou como fotógrafa, arteeducadora e artista visual desde então, e há alguns anos agregou a Psicanálise e o Acompanhamento Terapêutico (AT) aos seus estudos e trabalhos (formação no Instituto A Casa e nos grupos formativos em psicanálise, coordenados pro Welson Barbato, entre outros). Fonte: danisandrini.com.br

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Como você começou a fotografar? Dani Sandrini: Quando eu tinha uns 14, 15 anos, me vi em alguns momentos buscando imagens interessantes para captar em uma camerinha automática da família. Lembro de pensar: “hum, acho que eu quero ser fotógrafa”. Mas foi no primeiro semestre da faculdade (de Radio e TV, na ECA-USP) que me apaixonei pelas aulas de fotografia e pelo laboratório - lugar que frequentei por toda a estadia na universidade. Aí, fui fotografando e não parei mais.

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Quais são suas referências na fotografia, no cinema e na literatura? D.S.: As referências vão sempre se somando cada vez que conheço novos trabalhos. Mas tem alguns fotógrafos que sempre voltam às minhas reflexões: Koudelka, pelo olhar impressionante, denso e poético, ao mesmo tempo; Claudia Andujar, pelas escolhas fotográficas, experimentações e as possibilidades subjetivas num trabalho documental; David Allan Harvey, pelos ângulos das histórias que decide contar. E João Roberto Ripper, que tem um trabalho documental fantástico e incrivelmente sensível.

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Da nova geração, gosto muito do trabalho do Pedro David, me emociona mesmo. Acho que dialoga com o que venho buscando, projetos documentais consistentes e sem medo de mostrar a subjetividade. No cinema, sempre gostei muito do Wim Wenders, a maneira de aliar poesia com discussões pertinentes me alimenta bastante. Nesse sentido, Almodóvar em suas diferentes fases também é uma referência. Iñárritu também me incomoda – e encanta ao mesmo tempo, então também o considero. Na literatura, Manuel de Barros

e Guimarães Rosa sempre retornam com

pensamentos pra minha vida e meus trabalhos. E Rainer Maria Rilke também tem me feito pensar nos últimos tempos.

203.

O que você fotografa? D.S.: Nos últimos anos tenho desenvolvido uma pesquisa sobre a memória, a passagem do tempo e a transformação da história e da memória diante da passagem do tempo. Assim, meus mais recentes trabalhos discutem essa relação com a impermanência, com a transitoriedade, abandonando o caráter mais objetivo e de documento como algo imutável, do tão falado “congelar o momento”, para trabalhar com essa imagem que se transforma com o tempo de forma subjetiva e orgânica.

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Como se deu o processo de criação do trabalho “terra terreno território”? Fale um pouco sobre ele. D.S.: Nos últimos anos temos visto as populações indígenas ficarem cada vez mais vulneráveis, e há um enorme desconhecimento sobre a cultura indígena na atualidade. Acredito que parte disso se deve ao fato de que a pouquíssima história que nos contaram sobre os indígenas é uma história estereotipada e congelada há 500 anos atrás, como se esta cultura não estivesse viva no presente, e não tivesse também se transformado. A informação do Censo de 2010 de que São Paulo é a quarta maior cidade em população indígena no Brasil me chocou – é a cidade onde eu moro e eu, como creio que a maioria das pessoas, não sabia dessa enorme população. Paralelamente a isso, dentro dessa reflexão da história que se transforma com o tempo, das imagens impermanentes, que se apagam... Pensei no quanto essa história tem sido apagada desde 1500. E há alguns anos estou pesquisando técnicas onde a imagem encontra outros suportes, numa feitura artesanal, no encontro com o natural e com o acaso. E em algumas delas, o quanto essa imagem vai sofrendo transformações – às vezes até o apagamento.

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Diante da combinação desses dois pólos de reflexão, surgiu o projeto terra terreno território. O projeto, inicialmente chamado Darueira, foi selecionado no primeiro edital de apoio à criação e exposição fotográfica da Secretaria Municipal de Cultura de São Paulo. E então, o trabalho teve diversas etapas: uma grande pesquisa, contato e conversa com muitos indígenas que moram e/ou trabalham e circulam pela cidade de São Paulo, o processo de fotografia documental, a pesquisa de pigmentos específicos ligados à cultura indígena e a impressão artesanal. Nesta impressão artesanal são utilizadas duas técnicas do século XIX, onde as imagens são abrigadas de 2 formas: diretamente em folhas de plantas e em papéis sensibilizados com o pigmento do jenipapo, que é o pigmento utilizado pelos indígenas para a pintura corporal. É um processo lento de impressão, de 3 dias a 3 semanas, através da luz solar, e assim, dependente da própria natureza. A escolha dos materiais e todo o processo tem ligação direta com a cultura indígena – desde o tempo de feitura e o processo manual, até as interferências da natureza em todo o processo. As imagens foram captadas tanto nas aldeias guaranis da cidade, quanto em contexto urbano, onde vivem pessoas de outras 53 etnias.

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Terra terreno território fica em exposição até 13 de dezembro na Biblioteca Mario de Andrade, em São Paulo. O final da exposição mostra um trabalho bem diferente da abertura, com imagens vivas que foram se transformando e quase sumindo, numa alusão a esse apagamento que a cultura indígena vem sofrendo ao longo dos séculos. A idéia é que a exposição circule para outras cidades – e sempre será uma exposição diferente, com as mesmas imagens impressas em novas folhas, apresentando um resultado vivo e diverso. Em um trecho de um dos textos da exposição, escrito por Casé Angatu Xuxuru Tupinambá, ele diz: “As imagens expostas em terra terreno território expressam (re) existências resistentes a mais de 5 séculos de violências (...). Ao utilizar elementos naturais em seu trabalho, Dani recorda a sacralidade da natureza para os Povos originários. Ela é a moradia de nossas/nossos Encantadas/Encantados, dos Ancestrais e da Espiritualidade. Em tempos em que “ecocídas” queimam a mata, a exposição nos relembra da teia que a tudo nos integra. Somos parte da natureza e ela é a nossa energia vital”.

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Oficina NUDEF

Nesta sétima edição da revista Tangerine, nossas ações de extensão se desenvolveram em duas frentes: A primeira foi uma mini oficina ofertada por intermédio do centro cultural Urucuia, situado no bairro Barreiro em Belo Horizonte, no mês de outubro. Essa oficina teve como objetivo o reconhecimento do entorno do centro cultural e a ideia de pertencimento do indivíduo no espaço que ocupa. As práticas envolveram fotografias digitais tomadas no entorno do centro cultural e posterior projeção no corpo dos participantes, gerando assim uma segunda imagem e uma interação entre esta e seu autor/a. Uma segunda ação de extensão se deu em novembro de 2019 com a visita de trinta e duas crianças e adolescentes ligadas ao projeto municipal da Escola Integrada, projeto que amplia a jornada escolar e propicia acesso dos alunos a práticas culturais, incentivando a inclusão social. Nessa visita, os alunos puderam acompanhar o processo de fotografia, revelação e copiagem em papel fotográfico de um filme analógico em preto e branco, além de um primeiro contato com câmeras reflex digitais. A visita foi mediada pela professora Raquel Poletto, ligada projeto Escola Integrada, e pela equipe da Tangerine. Tanto os alunos, quanto os demais integrantes se mostraram bastante satisfeitos com os resultados.

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Cianotipia NUDEF

O cianótipo é uma técnica de sensibilização de papéis inventada em 1842 pela botânica e fotógrafa inglesa Anna Atkins e pelo cientista e astrônomo inglês John Herschel, que após exposição à luz, produz imagens monocromáticas em cor azul (ciano). No primeiro semestre de 2019 sob a orientação dos professores Tatiana Pontes e Rogério de Souza, iniciou-se uma série de encontros semanais com objetivo de realizar pesquisa de caráter prático/ experimental sobre a técnica da cianotipia. Os encontros tiveram a participação dos alunos Douglas Mendonça, José Umberto e das alunas Vanessa Francisco e Flávia Faustina, além dos professores já mencionados. Foram experimentados variados tipos de suportes tais como papel de algodão, papel reciclado, filtro de café, jornal, páginas de livro e papel fotográfico para impressão, para melhor reconhecer a técnica e suas peculiaridades. Uma vez experimentado o processo, o desafio foi a criação de uma linguagem pessoal que comunicasse o estilo de cada autor. Os resultados foram fotogramas com texturas de folhas translúcidas, texturas sobre folhas de livros, imagens a partir de negativos em transparência com formas do corpo e retratos estilizados utilizando negativos em papel ao estilo do que era praticado no século XIX. Além disso, a proposta da nossa pesquisa em cianotipia é a de ativar novas formas de criação conectadas ao fazer fotográfico contemporâneo, a partir do uso de novos suportes e experimentações que resultam em distintas possibilidades estéticas. Alguns desses resultados podem ser visto nas páginas seguintes. 219.

Série Herbário Nº 05 Tatiana Pontes

Flรกvia Faustina

Caminhos que se circunscrevem Vanessa Francisco

JosĂŠ Umberto

Douglas Mendonรงa

Rogério de Souza

Coleção de vestígios da cidade Tatiana Pontes

Walter Benjamin, um declarado colecionador, nos diz que a existência de uma coleção se deve a uma tensão dialética entre a ordem e a desordem1. Tal oscilação e a tentativa de organizar a cidade de um modo próprio estão presentes em coleções de imagens feitas ao longo da história da fotografia, como se percebe no conhecido inventário sobre a arquitetura industrial desenvolvido por Hilla e Bernd Becher ou na coleta de letras do alfabeto empreendida por Lee Friedlander. Nesses ensaios, que são referências para a produção fotográfica contemporânea, a coleção se faz não só por um conjunto de fotografias que tem a cidade como tema, mas pela produção fotográfica desenvolvida pela estratégia poética do colecionar, são

BENJAMIN, Walter. Rua de mão única. São Paulo: Brasiliense, 1995, p. 228.

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imagens produzidas por um procedimento específico orientado pelo princípio de construção de uma coleção. As cidades atuais seguem impulsionando o colecionar, como se vê nas séries À espera de uma carta2, de minha autoria, Lixo catalogado3, de Hermano Lamas, e Buracos4, do artista Marcos Chaves. As três séries parecem surgir por uma atração que as coisas vulgares exercem sobre quem se dispõe a olhar para elas. Chaves está atento ao modo como os buracos da cidade do Rio de Janeiro são sinalizados, o que faz emergirem verdadeiras esculturas no meio da rua. O improviso, o exagero e uma organização estética própria denunciam não só o buraco em si, mas o descaso, a falta de atuação do poder público e a resposta ativa e criativa das pessoas comuns, que se organizam para sinalizar o perigo de um buraco aberto no meio do caminho, ao mesmo tempo em que criam intervenções populares, obras do improviso para lidar com o imprevisto. Assim, essas fotografias têm também um caráter político que é destacado pela repetição, pela sucessão de buracos que a coleção evidencia.

Ensaio fotográfico disponível em: www.instagram.com/tatiana_

pontes__ (#àesperadeumacarta) 3

Ensaio fotográfico disponível em: www.instagram.com/lixocatalogado (#lixocatalogado)

Ensaio fotográfico disponível em: www.marcoschaves.net/fotografias/serie-buracos

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À espera de uma carta é uma série de fotografias que também lança um olhar para a banalidade de elementos que são recorrentes na cidade. É de se notar como cada caixa de correio, um objeto industrializado, se torna individual dependendo do contexto onde está instalada. Os muitos formatos, cores, texturas e combinações desse objeto sobre muros e portões fazem dele algo que se repete, mas que também é único, e é nesse paradoxo que se instala um dos interesses para a coleção. As caixas de correio ainda guardam certo mistério, colocadas sobre muros intransponíveis e portões impenetráveis, são frestas que levam à ideia de uma espera por correspondências que podem trazer notícias, palavras, imagens, saudade ou nada disso, apenas contas a pagar. Com a inscrição cartas ou correio, funcionam como pequenas aberturas que convidam o mundo externo ao ambiente interno de casas e edifícios. São fronteiras que não operam como limites, mas como conexão entre o fora e o dentro, por pequenas que sejam e por pouco que deixem entrar. Em Lixo catalogado, Lamas faz um inventário de coisas descartadas e encontradas por ele nas ruas de Belo Horizonte. O olhar do fotógrafo vasculha a cidade e a ordena fotograficamente. Há um método na construção das imagens, evidenciado pelo enquadramento centralizado e pelo uso do chão, de asfalto, pedra ou terra, como moldura para o lixo.

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A uniformidade estética que as imagens ganham por essas escolhas cria uma conexão entre os objetos que, encontrados separadamente, passam a fazer parte de um grande e único conjunto. Essa junção de coisas disparatadas dá a dimensão do quanto a cidade é viva e se constituiu pelas ações de quem nela vive. Nesse lixo, há de tudo: fotografias, livros, objetos dos mais variados, que nos levam a perguntar: como foram parar ali? Por que e por quem foram descartados? As três coleções configuram-se não apenas como catalogação, mas como uma maneira de pensar a cidade. Conectam e ordenam vestígios do próprio modo de ser da cidade, pois é ela que, por sua constituição, provoca a coleção. O fotógrafo/a colecionador/a tem como procedimento buscar pelos elementos da coleção, evidentemente, essa procura é interminável e aberta como é a própria cidade. É possível pensar que as coleções fotográficas de buracos, caixas de correio e lixo organizam a cidade dentro de uma lógica própria, porque, ao juntar imagens de pontos distintos, criam uma nova cidade, caracterizada por uma espacialidade também própria. Esses ensaios são produzidos por processos em via de mão dupla, em que fotografia e cidade se afetam, se absorvem e se transformam mutuamente. As coleções transformam a cidade na medida em que o gesto fotográfico atua como meio para desmontar e remontar seu contínuo cotidiano. Ao aproximar os buracos, as caixas de correio e o lixo,

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as fotografias geram, por montagem, outra cidade, numa espécie de brecha entre a documentação de algo que se dá concretamente e a criação de uma cidade imaginária. Na interação entre fotógrafo e cidade, se estabelece uma relação de troca, de diálogo, assim, o fotógrafo não se sobrepõe à cidade, mas é desafiado por ela a perceber e analisar o que emerge por entre os fluxos dos acontecimentos e a fixidez das estruturas urbanas. Ser afetado pela cidade interfere na cidade apresentada fotograficamente, ao mesmo tempo em que o fotógrafo também intervém e altera a própria cidade pela forma como sua imagem é registrada. Fotografar-colecionar é gesto de reconhecimento da cidade, é um processo interativo em que fotógrafo e fotografia são atravessados por ela por meio de estímulos sensíveis e afetividades. É gesto possível para compreender a cidade em sua dimensão comunicativa, em suas ilimitadas combinações, na abertura ao acaso, nos acontecimentos possíveis e inesgotáveis. Benjamin também afirma que, para o autêntico colecionador, “a posse é a mais íntima relação que se pode ter com as coisas: não que elas estejam vivas dentro dele; é ele que vive dentro delas5”. Pois, Fotografar-colecionar também é um modo de viver nelas – na cidade e nas imagens.

BENJAMIN, Walter. Rua de mão única. São Paulo: Brasiliense, 1995, p. 235

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