Revista llegás edición 202 by Revista Llegas

11-12 / 2015 #202 aĂąo XI www.revistallegas.com.ar

teatro

arte bares mĂşsica letras cine noche buenos aires

202

El ideal infinitamente variable de lo popular, muestra de Jeremy Deller con el apoyo de Cooperación Española y British Council, en Fundación Proa (Pedro de Mendoza 1929), martes a domingo de 11 a 19, $40 Orquesta Sinfónica Juvenil Nacional José de San Martín, concierto en La Ballena Azul del Centro Cultural Kirchner (Sarmiento 151), 20 de diciembre a las 15:30, gratis

OBRA DE TAPA Vale Boquete (Buenos Aires, 1981) vive y trabaja,

SUMARIO

como diseñadora gráfica e ilustradora, en la capital argentina. Integrante desde el numero dos del Anuario de Ilustradores, en cuya tradicional muestra de fin de año se enmarca la obra de tapa, define al colectivo artístico como “una masa humana con talento, fuerza y convicción”. Y Vale Boquete continúa con las definiciones: “Lo que me gusta, me gusta mucho y todo lo que disfruto es lo que me inspira. Me gusta la playa, viajar, las piletas, los perros. Por eso cuando tengo que dibujar (con lápices, tintas o papeles) trato de reproducir lo que me hace bien. Para esta edición del anuario dibujé con papeles aportando unos collages sobre perros, para que aprendamos de ellos, porque son sabios”. Hay que prestarle atención a los perros I Collage 21x30cm, 2015 Carne Hueso, Juan B. Justo 7903 12 de diciembre, a partir de las 18 anuariodeilustradores.com.ar

4 -5 ARTE Ana Gallardo desafía el tiempo en el MAMBA, además del estreno de Acéfala en Palermo y la convocatoria del Premio Itaú

6-7 BARES El Bagual, principio y final de una vida porteña, llegás y volvés 8 NOCHE El pub irlandés The Shamrock, todo un clásico del postlaburo en Recoleta y de una amistad binacional

10-11 MÚSICA Una decena de discos imprescindibles del año 12-13 BUENOS AIRES El proyecto Plato Lleno rescata desde 2013 la comida sobrante de eventos para la mesa de instituciones benéficas

14-15 LETRAS La editorial Añosluz ilumina la inédita literatura rusa 16-17 CINE El universo Daemonium salta de la pequeña pantalla de las compus a las grandes de las salas, inframundo argentino mundial

18-23 TEATRO Los directores Cappa, Cacace y Sabadini vaticinan con pesimismo la nueva política cultural y Leo Kreimer charla sobre Mash up Mezcla dos, además de un vistazo a la cartelera porteña

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? QUIENES SOMOS

Editor Responsable Gustavo Gaona EDITOR DE CIERRE Armando Camino EDITOR Juan Ignacio Crespo DISEÑO Daniela Sawicki COLABORAN EN ESTE NUMERO Luz Marchio (arte), Armando Camino (bares), Martín D’Adamo (noche), Martín Caamaño (música), Irene Valiente (buenos aires), Santiago Hamelau (letras), Ximena Brennan (cine), Julieta Bilik, Juan Ignacio Crespo y Vera Czemerinski (teatro). TIRADA DE ESTA EDICION 12 mil ejemplares Publicidad: Ricardo Tamburrano (15 5958 7489, ricardotamburrano@gmail.com y teatro.llegas@gmail.com) llegás a buenos aires es una publicación mensual de distribución gratuita, Propiedad de GyH Contenidos Srl, Chile 1507, Piso 2. CP. 1100, CABA. Fundada el 5 de agosto de 2004. Se distribuye en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Registro de marca 2519629. Registro de la propiedad intelectual exp. 347083. ISSN 1668 – 5326. La programación de las agendas puede sufrir cambios por parte de los organizadores. Llegás no se responsabiliza de los mismos.

ARTE

nos vemos ahí La rosarinA ANA GALLARDO PRESENTA EN EL MAMBA LA MUESTRA UN LUGAR PARA VIVIR CUANDO SEAMOS VIEJOS, DESAFÍO INGENIOSO CONTRA LOS AVATARES DEL TIEMPO. Esas figuras diletantes: ¿qué quieren? ¿Una aventura de visitante, una piedra de la sabiduría? Traen vestidos brillantes, piedritas y monedas corroídas por los veranos. No hay sonido en estas cosas, solo son restos de un naufragio. Como si el viento fuese el único refugio al que se vuelve intacto, los cuerpos esparcen olores pasados que nos llevan a distintos lugares de la memoria. Adoptan múltiples formas y colores, borran la muerte. ¿Qué juego de miedo atraviesan los diletantes? Brotan del viento, como en un ritual de hojas en primavera. Porque, a veces, la vida se trata de florecer y, otras veces, de encontrar la semilla de la ruina, Ana Gallardo presenta en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA) la

exposición Un lugar para vivir cuando seamos viejos. Allí la artista reflexiona sobre los vaivenes de la vida en un recorrido por diez años de su producción. La muestra abarca historias ligadas a sus propias vivencias e historias ligadas a problemas sociales, en contextos específicos de vulnerabilidad. A través de dibujos, videos, instalaciones y registros de acciones, Gallardo construye un relato complejo sobre el dolor, el amor, el olvido o la soledad. Además de sus propios antepasados, sus protagonistas son prostitutas, presas, madres que buscan a sus hijas secuestradas por las redes de trata, abuelas solitarias, olvidadas en asilos. Son mujeres que, a pesar de haber tenido vidas muy diferentes, po-

seen un denominador común: la capacidad de soñar. Todas sueñan con otras vidas, ya sea porque anhelan el pasado o porque quieren un futuro mejor. Gallardo acepta la dificultad que traen los años y decide incorporarla a su obra. Si el tiempo nos lleva a encontrar la semilla de la ruina, el arte, en todo caso, puede ser ese lugar al que todos desearemos llegar. Sobre la artista Ana Gallardo nació en Rosario en 1958. Hija de inmigrantes españoles, su padre era poeta y su madre, pintora. A los siete años, después de que muere su madre, viaja a la ciudad de México, donde vive parte de

ACÉFALA

De la mano de Sol y Bárbara Echevarría llega a Palermo un nuevo espacio. Acéfala es un proyecto orientado al arte emergente que abrió sus puertas como galería con dos exposiciones que dialogan entre sí, poniendo en tensión el cuerpo y la naturaleza a través de diferentes propuestas estéticas. En esta oportunidad presenta Desafiando, al tiempo de Ornella Pocetti, y Mina, de Viento Dorado. Una buena oportunidad para conocer la producción de la nueva camada de artistas, sus intereses y poéticas. Niceto Vega 4754, hasta el 1 de febrero, jueves de 18 a 21, otros horarios con cita a través del correo contacto@acefalagaleria.com

PREMIO ITAÚ

su familia y adonde volverá una y otra vez a pasar largas temporadas. En 1966 se instala con su hermana en Torrelavega (Cantabria, España) y ambas ingresan en un colegio como pupilas hasta 1970. Durante los años 70, nuevamente oscila entre estadías en México y en Buenos Aires, donde finalmente inicia su formación artística en talleres particulares (Miguel Dávila, Víctor Grippo, Juan Doffo y otros). En 1986, conforma el Grupo de la X junto con los artistas plásticos Jorge Macchi, Ernesto Ballesteros, Enrique Jezik, Carolina Antoniadis, Marita Causa, Andrea Racciatti, Gladis Néstor, Gustavo Figueroa, Juan Papparella y el videasta Martin Pels, por iniciativa del artista argentino Enio Iommi. La producción de Gallardo también se ha expandido a la gestión y la curaduría, con diversos proyectos autogestionados que dieron es-

pacio y visibilidad a nuevas generaciones de artistas y fomentaron el cruce intergeneracional mediante charlas y exposiciones. Entre sus últimos proyectos de este tenor se pueden mencionar Espacio Forest (2013) y La Verdi (2014-2015). LUZ MARCHIO

UN LUGAR PARA VIVIR CUANDO SEAMOS VIEJOS Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA) San Juan 350 Hasta el 3 de abril Martes a viernes de 11 a 19, sábado y domingo de 11 a 20 $20 y martes gratis

¡Un regalito de fin de año! El Premio Itaú abre la convocatoria dirigida a artistas de nacionalidad argentina y extranjeros radicados en el país, entre 18 y 40 años a la fecha de cierre de inscripción del concurso. Abierto a todas las expresiones de las artes visuales, por ser un premio adquisición, no se admiten performances, happenings u otras obras de carácter efímero. La fecha de realización de las obras debe ser posterior al 1 de enero de 2010 e inéditas en el sentido que no hayan sido exhibidas bajo ningún carácter en concursos y/o salones, o en cualquier otra muestra de índole competitiva, tanto nacional como internacional. Tampoco se aceptan obras pertenecientes a series premiadas en concursos o salones nacionales ni internacionales. La convocatoria está vigente hasta el 29 de diciembre de 2015 y la inscripción se realiza en premioitau.org/artesvisuales2016

I a.c.

bares

llegás y volvés NO ES UNA NOTA DE BARES, PESE A LAS APARIENCIAS, SINO UNA COLUMNA DE DESPEDIDA, CON LA PARRILLA EL BAGUAL COMO EXCUSA, DE LLEGÁS A/Y BUENOS AIRES, SNIF. Fue mi primer bar en Buenos Aires, impepinable que fuera una parrilla, así que también será el último, juraíto, simétrica justicia poética antes de cambiemos a España. Casi directo desde Retiro, caí por Las Cañitas junto a mi entonces (y todavía, increíble) pareja, Silvia Barona, para cenar en El Bagual a finales de junio de 2009 de la mano de Martín D’Adamo, inicial anfitrión, posterior compañero y, finalmente, amigo eterno, casi un hermano. Y con el gallináceo Toro caeré ahí, súmense si gustan, el 20 de diciembre de 2015, más de seis años seis después, para festejar, aunque tan solo uno lo hará, la Copa del Mundial de Clubes (¡visca Barça y aguante Ciclón!) en la última cena (amén) porteña, casi directo hacia Ezeiza. Y si El Bagual supuso mi estreno gastronómico porteño, achuras incluidas, la revista Llegás a Buenos Aires se convirtió, apenas un mes después, en mi debut periodístico en la ciudad gracias a Martincho, de nuevo, con una fotografía de la casa cultural Pachamama. Armado Armando con la cámara La Canarinha, caminó Camino (nótese el sutil guiño entre sujetos y predicados de la presente frase con el abajo firmante) desde entonces innumerables garitos y tugurios porteños, un periplo todavía vigente, para acompañar al cronista noctámbulo y, de paso, a sus notas llegasianas. Apenas medio año después, llegó a Llegás (nótese, blablablá…) mi primer texto, una nota sobre el Centro Comunal de Abastecimiento El Galpón (gracias, Fernanda Nicolini, pero aún debo alguna colaboración

para Brando). De fotógrafo a redactor y, finalmente, editor allá por febrero de 2012 (un poco más de tiempo y peligra tu cargo de director, Gustavo Popi Gaona, conste). Todavía quedaron algunos asuntos pendientes, lástima, como una columna fotográfica (con el título En captura, ponele, para acompañar al desaparecido artículo literario En fuga, por cierto, fatal su abandono, Domi Schilling), una sección de tiendas (listo, se aceptan propuestas, anímense), una crónica ilustrada (dale, compañeros del metal, aprovéchense del genio Esteban Cienperros Serrano), una foto nudista (de todo el equipo, correcto, prepárense para la edición #222, #300 o cualquier otro dígito redondo), la puntualidad del cierre (disculpas por los retrasos a los anunciantes y lectores, en especial, a Esteban Rubinstein, leal pero implacable suscriptor de la revista cuya frase en el número especial por el décimo aniversario -”Llegás siempre llega tarde”- encabezó desde agosto de 2014 todos los correos al equipo, sin apenas éxito) y, sobre todo, la rentabilidad de la revista (en breve, gracias a las estrellas teatrales Ricardo Tamburrano y Juan Ignacio Crespo, fijo). Bueno, y la expansión de la cabecera (quizá pronto se publique una Llegas -sin tilde, claro- a Huesca, … a Gran Canaria o …a Plasencia, qué sé yo, volveré y seré Llegas). Sin embargo, recorrí toda la ciudad de Buenos Aires, más de noche que de día, a través de todas las secciones de Llegás. Entre planes alucinantes (karaoke coreano, freeganismo, The Break Club, Galería del Asombro, Remada por el Riachuelo o esca-

lada, sin duda, compiten por el podio), reuniones itinerantes (irresistible excusa para visitar con los colegas lugares publicados, nomás) o cierres encerrados (literalmente, pregunten a la ilustrada diseñadora Daniela Sawicki…), maduré y disfruté en/con el periodismo, más que suficiente, junto a una tropa excelente (la diva Vera Czemerinski, la letrada Mercedes Cabrera, el canarión José Juan Jiménez Ata Almeida, la bicompañera Mercedes Álvarez, Luz Marchio de Perrotta, el rosado Martín Caamaño, Mara Stone Teit, la chilena Paula Boente, la suculenta Julieta Bilik, la espanorámica Ximena Brennan, el cuervo Facundo Baños, la reciente Irene Valiente, la pizpireta Ana Claudia Rodríguez, el musical Agustín Munaretto, la antecesora Cecilia Camporeale y otros compañeros despistados, disculpas). Total, desmintiendo al tango (Volver, obvio), seis años no es nada, sino todo, toda una vida, incluso propia (un porteño de nombre Lorenzo, Lolo acá y Lorien allá, el mejor regalo de la ciudad, bueno, y de Sil, claro). Gracias sinceras, Llegás a/y Buenos Aires, gracias totales, ¡hasta pronto, Argentina! ARMANDO CAMINO

EL BAGUAL Ortega y Gasset 1767 4777 5028 Lunes a domingo de 12 a 16 y 20 a 1 Ambiente: bodegón atención: familiar recomendación: parrillada

B/R !

BARES Y RESTAURANTES bares@revistallegas.com.ar

DOÑA

Bulnes 802, esq. Humahuaca Reservas: 4862-9278 Doña es una cantina que intenta homenajear a los grandes bodegones de Buenos Aires desde la mirada del presente, rescatando ese espiritu que nosotros recordamos de nuestra infancia.

LA REINA KUNTI

Humahuaca 3461. Abasto. Reservas e informes al 4863-3071. Delicias vegetarianas de la cocina védica. Un rincón para espiritualistas donde el aire que se respira es más liviano. Chutneys, arroces varios, ensaldas y pastas. Deliveryc atering. Martes a sábados de 10:30 a 0:30.

TIEMPO DE GITANOS

Restaurante - Tablao Flamenco El Salvador 5575, Palermo hollywood, tel.4776-6143 12 años con el mejor show flamenco y la cocina española imperdible, para venir con amigos de tapas, aprovecha y presenta el aviso de esta pagina para obtener un 2x1 en entradas al show. www.tiempodegitanos.com.ar

Billinghurst 699 esquina Guardia Vieja. Reservas: 4863-7923 Comedero & Bebedero ubicado en una clásica esquina de Almagro, con un ambiente ideal para relajarse con amigos o en pareja. Exquisitos platos caseros, picadas, tragos, cervezas, vinos y buena música para condimentar.

filo

San Martín 975. Retiro. Reservas 4311-0312 / 1871. Cultura gastronómica ítalo-véneta, lugar de diversión, para mirar y ser visto. Música, siempre. Excelentes las pizzas y la mejor barra de tragos. Más información en: www.provision@filo-ristorante.com

Guarda la Vieja!

Musetta Caffé

Musetta Caffé. Billinghurst 894, esquina Tucumán. Información y reservas: 4867-4037. Disfrute de los mejores desayunos, meriendas, almuerzos y cenas. Lunes de 10 a 20; martes a viernes de 10 al cierre; sábados de 17 al cierre. Más información en www.musettacafe.com

Doña Una pequeña cantina en una esquina del barrio de Almagro Especialidad en pastas caseras amasadas en el salón Picadas con productos artesanales Abierto de martes a sábados de 12 a 15:30 y de 20 a 00:30 hs Lunes y Domingos de 12 a 15:30 hs Bulnes 802, esquina Humahuaca, Almagro, Buenos Aires reservas al 4862-9278

Guarda la Vieja! Comedero & Bebedero ubicado en una clásica esquina de Almagro, con un ambiente ideal para relajarse con amigos o en pareja. Exquisitos platos caseros, picadas, tragos, cervezas y vinos. La música condimento ideal de la noche. No cobramos cubierto. Pago solo efectivo.

Billinghurst 699 esquina Guardia Vieja. Teléfono: 4863-7923 Abrimos todos los dias. Horario: Domingo a Jueves de 18 a 2 hs. Viernes y Sábado: 18 a 5 hs.

NOCHE

I the shamrock

la suerte está echada ENTRE LOS PUBS IRLANDESES DE BUENOS AIRES, THE SHAMROCK SOBRESALE POR estilo y TRADICIÓN, ADEMÁS DE HABER SIDO áMBITO PROPICIO PARA FORJAR UNA AMISTAD. “Que veinte años no es nada”… pero seis pueden ser toda una vida. Así le pasó a mi amigo Armando, quien actualmente transita sus últimos días (y noches, por supuesto) en Buenos Aires, la urbe que lo transformó en el más rioplatense de los ibéricos. Pudieron haber varios motivos que influyeron en esta porteñización: el asado, el fútbol, o quizás la constante efervescencia artística y cultural de la que goza nuestra ciudad. Sin duda que estos factores ayudaron, pero entre los principales motivos se halla, indudablemente, la intensa vida nocturna, y en particular su inagotable propuesta de bares. De no ser por la ausencia del mar, Buenos Aires parece un ámbito ideal para el Gaita, como le dicen algunos, por eso con esa argentinidad latente y coincidente con mis pasiones más profundas (fútbol, asado y noche) surgió una fuerte amistad. Hostia, como le dicen algunos, inmediatamente se convirtió en un fiel compañero de bares, como si ellos fueran (y lo son) un hogar natural para él. Comenzó colaborando con sus fotografías para las notas de esta sección, lo cual nos llevó a frecuentar la noche con asiduidad y una buena excusa. Ahora es el editor de Llegás, al menos hasta que se lo lleve el viento. Más allá de las salidas laborales nocturnas, también supimos acodarnos en las barras por el sólo hecho placer de recorrer los bares. Así fue que los jueves adquirimos la costumbre de ir a The Shamrock, un pub irlandés que existe desde que el codo empezó a formar un callo, y a la vez un lugar que nunca falla. Esto puede querer decir muchas cosas, y tal vez las dice. Lo cierto es que nunca falla. El pub del trébol abrió hace veinte años, siendo pionero de varios otros que se ins-

talaron tiempo después. Si bien abre de lunes a sábados, nuestra habitualidad era de jueves, desde tiempos inmemorables su jornada más fuerte. Al otro día había que trabajar, sin embargo allí dentro ese detalle perdía fuerza y quedaba pendiente para otro momento de la noche, o mejor dicho, la madrugada. Así el after office se invertía hasta volverse un before. El shamrock es un trébol, símbolo irlandés y de buena suerte, de modo que no es casualidad que allí uno se sienta rodeado por un halo de optimismo y despreocupación, lo cual deriva en jornadas extensas, alegres y variopintas. El doble formato del lugar siempre ayudó a combinar momentos de charla, con otros más bolicheros; una planta baja con sillones, mesas, sillas y barra, invitando a la conversación; y abajo más despejado, con otros volúmenes de música e incitación al agite. Todo comienza inocentemente con ese ambiente after office, de asientos disponibles y lugar en la barra, hasta que en algún momento la asistencia crece y se expande hacia abajo, donde algún DJ hace de las suyas y abre el siguiente capítulo de la noche, más bailantero y nocturno. Nuestra rutina consistió siempre en llegar pasadas las siete de la tarde y aprovechar el happy hour que dura hasta la medianoche, muy conveniente para ser un pub con numerosa presencia extranjera y ubicado en pleno Recoleta. A veces pedíamos las sabrosas pizzetas que preparan, como para darle una base al estómago y seguir happyhoureando. Otras veces lo olvidábamos o, lo mismo que ocurría con la mañana siguiente, no lo tomábamos en cuenta. Así pasaban las horas, presenciábamos el aumento de la población, bajábamos, subíamos, bajábamos.

A Hostia, como le dicen algunos, no le costó adaptarse a una ciudad hecha a su medida, aunque por su personalidad me atrevo a afirmar darwinianamente que hasta en la Antártida hubiese sido capaz de dejar una marca imborrable en nieves eternas, siempre y cuando algún pub irlandés tuviese la capacidad de mantener el júbilo de la noche porteña, entre copas y charlas, desestimando lo que pasara en el mundo por fuera de un amigable trébol. Lo primero que le dije a Armando fue que con ese nombre en este país iba a irle bien, y en muchos sentidos así fue. En realidad, a todos quienes lo conocimos nos fue bien, habiendo gozado de la amistad que siempre supo brindar incondicionalmente. El Gigoló, como le dicen jocosamente algunos, llegó con Silvia en el invierno de 2009, con la idea de probar una temporada: fueron más de seis años los que pasaron hasta que hicieran nuevamente las maletas, incluyendo en el equipaje de regreso un argentinito. Pero no caben dudas que ese espíritu laurentino de celebración de la vida y la amistad tendrá otros capítulos y otras geografías. Y, sin duda alguna, cada vez que vuelva, habrá un trébol esperándolo para brindar y exclamar su afamada frase de cabecera: ¡Salud, compañeros del metal, nos vemos en los bares! MARTÍN D’ADAMO

THE SHAMROCK Rodríguez Peña 1220 4812 3584 Lunes a viernes desde las 18 y sábados desde las 20

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MUSICA

17 10

Discos del año / por Martín Caamaño

Tame Impala Current Interscope Records

Da la sensación que los Tame Impala lograron resumir años y años de pop rock en un solo sonido. La psicodelia de los 60, el funk y la música disco de los 70, las baladas ochentosas tipo Aspen, el sonido electro de los 90, y la reduplicación de todo producida en los 2000, desde el garage de los Strokes hasta el synth pop reciente. Currents, con esa bola de flipper surcando un mar de videogame en su portada,

Sufjan Stevens Carrie & Lowell Asthmatic Kitty Records

Sufjan Stevens compone una plegaria de despedida para su madre, tratando de reordenar y comprender su relación tortuosa y distante. El gesto sanador queda claro en una de las líneas de Dead whit dignity, el emotivo tema que abre el álbum: “Te perdono, madre, puedo oírte y quiero estar cerca tuyo pero cada camino conduce a su fin”. Carrie & Lowell podría ser la banda de

Blur The magic whip Parlaphone, Warner Bros

Lo que podría haber sido un odioso regreso pirotécnico se convirtió en un disco noble, emotivo y arriesgado, el mejor álbum que Blur podría haber hecho. Go out, el primer corte de difusión, es una especie de Song 2 realentada y abúlica, con guitarras machacadas y onomatopeyas en el estribillo. Junto con Lonesome St. -según Liam Gallagher, el archienemigo de la banda en épocas del estallido brit pop, es la canción del año- I

es un Aleph sonoro de alta intensidad. Y si ese punto de condensación llega a buen puerto no se debe únicamente a las búsquedas sonoras, sino al gran nivel de sus canciones. Desde el vamos es un disco inspirado. Las melodías se suceden a granel, los arreglos entran con precisión donde tienen que entrar (como si no hubiese otra opción), cada canción precede a una todavía mejor. Hay temas largos que oscilan su humor, pasando naturalmente de la excitación a la calma (Let it happen, New person, same old mistakes) y también breves pasajes instrumentales (Nangs, Gossip); están The moment y Yes I’m changing que recuerdan no al Lennon de Magical Mystery Tour sino al de Double fantasy. Bienvenidos al olimpo.

sonido para una proyección de diapositivas familiares que obligan a recordar momentos y a rellenar los huecos de la memoria con fantasías. Desde lo musical, Stevens vuelve a dar un paso desconcertante. Luego del proyecto electro hip-hop Sisyphus pasa a un despojo total de guitarra, piano y voz más propio del folk. Pero el de Carrie & Lowell podría tratarse más bien de un folk espacial, donde abundan los pasajes ambientales o las repeticiones de motivos que hacen que un piano Rodhes parezca un loop de música electrónica como en la coda de Should have know better. Al escuchar este disco da la sensación de que Stevens compuso las canciones en estado de gracia.

broadcast y Ong Ong aseguran la marca registrada del grupo. Pero por suerte queda espacio para las digresiones. En New World Towers Damon le canta a los neones de los rascacielos de Hong Kong y en la sublime My Terracota heart a su conflictiva amistad con Coxon, dos temas que parecen outtakes de Everyday Robots. Ghost ship, con su aire dub, no desentonaría en un disco de Gorillaz y There are to many of us aporta la cuota épica y marcial. El cierre inesperado con Mirronball es una relectura inglesa del spaghetti western. Si Coxon tiró la primera piedra encargándose de las cintas olvidadas de la banda en Hong Kong, Albarn luego les aplicó el latigazo mágico que terminó de convertir a The magic whip en esta pequeña joya.

Jamie XX In colours XL, Young Turks

In colours se presenta como un viaje lisérgico por la mente de Jamie XX, por sus preferencias y obsesiones. El disco abre con Gosh, un tema de cierto aire tribal, surcado por sampleos de voces asmáticas, que a medida que avanza se va volviendo cada vez más melódico y melancólico. Oscilación por la que se mueve todo el álbum. Loud places, uno de los hits del verano europeo, tiene la participación de Romy, su compañera en The XX y en Stranger in a room, canción que podría ser un track perdido de Coexist, aporta su voz rugosa Oliver Sim, su otro compañero de banda. Conformado en su gran mayoría por temas instrumentales, In colours se compone de materiales heterogéneos y parece más una pintura sonora -más precisamente a un collage- que a un disco convencional. Tal vez a eso responda su título.

Kendrick Lamar To pimp a butterfly Top Dawg Entertainment, Aftermath Ent., Interscope Records

David Bowie confesó que se inspiró en este disco para el suyo, del cual sólo oímos como adelanto la canción Blackstar. La fascinación de los rockeros blancos con el hip hop no es nueva. Tampoco lo es la transformación y la amplitud del género que en algún momento pudo sonar monótono. Luego del aclamado Good kid, M.A.A.D City, Lamar redobla la apuesta. Con To pimp a butterfly pasa del hipnotismo dark de su antecesor a una búsqueda más luminosa y ecléctica. Pasajes jazzeros (For free?, U) de soul (How much a dolar cost) de funk (These walls) o de pop negro inclasificable a la prince (king Kunta tiene una arreglo idéntico a P control) ofician de colchón para las rimas más arriesgadas. Brasses, flautas traversas, guitarras distorsionadas, puro mestizaje con letras de fuerte contenido racial y político. Toda una odisea musical.

17 311

Spinetta Los amigo Sony Music

La sola idea de un nuevo disco de Luis Alberto, a más de tres años de su muerte, es todo un acontecimiento. Nos otorga la posibilidad de volver a vivir una experiencia que se creía perdida: la de escuchar un disco nuevo suyo y reencontrarse con su voz, con sus palabras, sus acordes. Los amigo surge de las grabaciones de Spinetta con Daniel Ferrón y Rodolfo García, baterista de Almendra. Esto supone el retorno

Verne Caer y levantar Independiete

“Hay demasiado escondido”, canta Manuel Caizza en el estribillo de un rock vibrante de guitarras entrelazadas a la Strokes que irrumpe como un cross a la mandíbula en la mitad de Caer y levantar, el notable disco debut de Verne. El dúo formado por Caizza y Tian Firpo tiene algo anacrónico, empezando por el nombre de la banda en referencia al escritor francés. Como unos Arcade

Mi Amigo Invencible La Danza de los principiantes Fuego amigo discos

Notable último disco de esta banda mendocina, lleno de buen gusto, riesgo e identidad. Por momentos parecieran ser una versión sofisticada de El Mató a un Policía Motorizado. Una razón posible: así como la veta más actual de El Mató abreva de los primeros dos álbumes de los Strokes, Mi Amigo Invencible más de una vez suena como los Arctics Monkeys de Hum-

de Spinetta al formato trío, que tan bien le queda, como en Invisible, como en Los Socios del Desierto. A esto se le suma el aporte de algunos de sus compañeros musicales de toda la vida, el Mono Fontana y Claudio Cardone. Al igual que el Borges de El informe de Brodie, en Los amigo Spinetta regresa a las formas simples y perfectas, con la complejidad que esto conlleva en su caso. Una muestra es Iris, el conmovedor corte de difusión del álbum. Desde lo musical una suerte de Don’t let me down rioplatense que acompaña versos cándidos como “tantos días sin noción esperando por un gesto, un llamado, una ilusión en la falsa oscuridad total”. Sí, la magia sigue intacta.

Fire educados por lo mejor del rock nacional, suenan al mismo tiempo clásicos y modernos. Hay cierta urgencia en las letras, que son directas y contundentes. Muchas hacen referencia a la cuestión del tiempo, la frase “hace tiempo que no vamos a tiempo” aparece en dos temas, mientras en lo musical pueden experimentar, extraviarse -como en Festival, el temazo en dos partes que abre el disco- sin perder nunca la sofisticación pop, algo que queda claro en temas irresistibles con aroma a hit como Hasta que o Alguien distinto. Canciones pop perfectas, sugestivos pasajes instrumentales, impronta rockera oscilando siempre entre la épica y la sutileza, la crudeza y el detalle, la rabia y la emoción.

bug o AM. Canciones con una impronta hiphopera subliminal, realizadas con los elementos clásicos del rock, como Cada vez o el formidable tema que le da nombre al disco. Las voces son cristalinas, dulces, pero jamás pierden su carácter; los arreglos de guitarras, perfectos y las letras, de una inteligencia y una originalidad pasmosa. “Viajé al pasado a solucionar lo que había arruinado y lo volví a estropear”, cantan, lúcidos, en Máquina del tiempo y en el estribillo de La danza de los principiantes proponen “encender algo para no apagarlo más”. Bueno, esto último se puede hacer con este disco de Mi Amigo Invencible.

Entre Ríos Cuadro Ultrapop

Luego de un lapso de silencio, la banda de Sebastián Carreras luce ahora una nueva piel. Sus últimos discos están ligados al concepto de instalación, algo más cercano al arte conceptual que al mundo musical del rock y el pop. Para Entre Ríos la idea de instalación viene a sustituir al escenario tradicional de los recitales por salas de museos o galerías de arte. Pero más allá de las performances, la banda sigue suscribiendo a la potencia del formato disco. Cuadro, el más intimista de todos, vuelve a contar con una única cantante, Loló Gasparini, donde su voz se luce en canciones de una belleza atávica, como Para mí , la emotiva Cuando puedas o Más de una vez, que suena como Virus agiornado. Una banda que a pesar de su trayectoria se sigue reinventando.

Kurt Vile B’lieve I’m goin down Matador Records

Kurt Vile fue uno de los fundadores, junto a Adam Granduciel, de The War on Drugs, grupo que el año pasado sacó el impecable Lost in dreams, uno de los grandes discos del 2014. Pero para ese entonces hacía tiempo que Kurt Vile había dejado la banda y delineaba una frondosa carrera solista. B’lieve I’m goin down es quizás el pináculo de este recorrido. La música de Kurt Vile -y sobre todo en este disco- oscila entre un sonido folk rock tradicional y una impronta totalmente contemporánea. Su voz por momentos recuerda al Iggy Pop más dulce o al Lou Reed de la Velvet dentro de un contexto sonoro preciso, refinado y actual. Guitarras acústicas límpidas, grooves inesperados, sintetizadores subliminales. Prueba de esto son Life like this y la extensa Lost my head there, dos joyas que funcionan como sinécdoque de todo el álbum y son una razón más que suficiente para que B’lieve I’m goin down figure en este podio.

BUENOS AIRES

los rescatadores de comida EL PROYECTO PLATO LLENO, SURGIDO en 2013 tras una charla ENTRE AMIGOS, LUCHA PARA QUE el alimento SOBRANTE DE EVENTOS NO CAIGA EN la BASURA SINO EN MESAs necesitadas. 2013. Una cafetería porteña cualquiera. Tres amigos. Una idea. Alexis Vidal organiza eventos desde hace más de diez años y tiene una frustración que comparte con Paula Martino y Sabrina Faur: la cantidad de comida que desperdicia al terminar los encuentros. Algo tiene que cambiar. Apenas dos años después de aquella reunión entre amigos, la propuesta de Vidal ha tomado fuerza. Y mucha. El resultado es Plato Lleno (proyectoplatolleno.com.ar), una iniciativa solidaria que recupera los alimentos que no se consumen en los eventos para repartirlos entre quienes más los necesitan. Según cuenta su cofundadora Paula Martino, en este tiempo, lograron evitar que 14.000 kilos de comida terminaran en el tacho de la basura para que llegaran, sanos y salvos, a las agradecidas mesas de unos 25 comedores de capital y provincia de Buenos Aires.

Para ello, cuentan con el asesoramiento gratuito de un abogado, diseñadores web, una contadora, una técnica de alimentos y otros profesionales. Aunque este “puente” entre donantes y personas con bajos recursos no sería posible construirlo cada día sin la ayuda de 40 voluntarios. Entre ellos se encuentra Agustina Schweizer, una alfarera de 45 años que en agosto descubrió la existencia de un grupo de personas que había decidido que “la comida no se podía tirar más”. Y se enganchó a ellos. La voluntaria, que colabora una o dos veces por semana, no era consciente de todo lo que se desperdiciaba y, la primera vez que acudió al rescate de los alimentos, le “impactó mucho” la gran cantidad que juntaron en la cocina. Cuando los organizadores de este particular proyecto de salvadores de comida se han puesto de acuerdo con el catering y el

hogar solidario, los voluntarios reciben un mensaje con instrucciones sobre dónde tienen que ir y qué deben hacer. Una vez allí, se arman con guantes, cofia, mascarilla y guardapolvo para envasar en pequeñas bandejas de plástico los excedentes que llevarán directamente al comedor elegido. Pan, arroz, pasta, chorizos, milanesas, carne, fajitas, empanadas, pizzas, pasteles, medialunas… Grande o pequeño, graso o suave, salado o dulce, da igual, lo importante es que sea comida elaborada que se pueda recalentar. La variedad es infinita. Sólo hay una excepción: “Helados o productos con alta exigencia en mantener la cadena de frío, como pescados o mayonesas”, aunque en ese caso, hacen lo imposible para conseguir un camión refrigerado que les permita trasladarla. Esta suerte de “delivery solidario” normalmente tiene lugar una vez a la semana por la noche y la elección del centro al que

se dirigen se establece por niveles de vulnerabilidad, cantidad de personas a las que asisten, tipo de entrega, y cercanía al lugar del evento. Entre ellos se encuentran lugares como La Casita de la Virgen, que desde 1994 atiende a más de cien niños y madres de Villa La Cava, un asentamiento precario del conurbano de Buenos Aires, y que ha recibido la ayuda de Plato Lleno unas 25 veces en el último año. “Es grandiosa”, afirma su director, Julio Esquivel, “tanto por la calidad como por la cantidad” de alimentos que las familias aceptan con “alegría, satisfacción y agradecimiento”. Por su parte, Schweizer recuerda que una de sus primeras noches en un merendero la encargada “se emocionó” al ver cómo bajaban cajas llenas de bandejas y les dijo que llegaban “caídos del cielo” porque al día siguiente “no tenía cómo darles de comer a los chicos”. “Me atrave-

só”, admite, por lo que ni se plantea dejar de participar en cada donación que surge, sea a la hora que sea, tarde lo que tarde y cueste lo que cueste. Schweizer cree que, al descubrir que existen tantas carencias, la experiencia es “fuerte y enriquecedora”, algo con lo que coincide Esquivel, quien además hace hincapié en que “son la chispa necesaria para encender y contagiar conciencias”, ya que tienen la “importante misión” de unir a quienes tiran la comida con “la pancita de tantos chicos y grandes”. En cuanto a los donantes, no hay un perfil determinado de empresas ni particulares, pero todos tienen algo en común: quien colabora una vez con Plato Lleno, repite. “Cuando ven lo sencillo y gratificante que es, quedan muy motivados a seguir participando”, celebra la cofundadora de la iniciativa. Esto ha permitido que, en tan

solo dos años, una mera conversación en una cafetería se haya convertido en un proyecto sólido y consolidado frente al que sus organizadores ya no dan abasto. De hecho, hoy en día cuentan con una lista de 250 voluntarios potenciales y varias ciudades argentinas han replicado la iniciativa, como Posadas, Oberá, La Plata y Mendoza. Entonces, ¿qué falta? De momento, para Martino lo fundamental es mantenerse y lograr “inspirar a otros ciudadanos” de otros rincones del país, ya no sólo en eventos, sino “en cualquier otra situación donde quede comida excedente”. Mientras, seguirán difundiendo el “respeto al alimento” entre una ciudadanía que, considera, debería abandonar la “hipocresía social” para empezar a reconstruirse mediante una visión desinteresada y solidaria. Irene Valiente

LETRAS

apuntes desde el cirílico LA EDITORIAL INDEPENDIENTE AÑOSLUZ, IMPULSADA POR TRES JOVENES, APUESTA A LA PUBLICACIÓN DE TEXTOS DE AUTORES RUSOS MAYORMENTE INÉDITOS O FUERA DE CIRCULACIÓN. La historia comienza con tres amigos, Juan Alberto Crasci, Florencia Piluso y Sebastian Realini, que se conocen por medio de la universidad y deciden formar una editorial que lleva el nombre Añosluz. Crasci, a su vez, conoce a Laura Estrin, profesora suya de Literaturas Eslavas de la Universidad de Buenos Aires, a quien le acerca los primeros títulos de la incipiente editorial. Ella, interesada por el proyecto, comienza a trabajar en él y hasta publica un libro de poesía: Tapa de sol. Es Estrin quien eventualmente les comentará sobre una emigrante rusa con la que venía trabajando hacía tiempo. Ella tenía escrito un libro de memorias: Apuntes en los márgenes de la vida; al igual que muchas traducciones de autores rusos que permanecían sin publicarse. Esta mujer no era ni más ni menos que Irina Bogdaschevski, la traductora rusa que ya llevaba décadas trabajando para editoriales de habla hispana, trasladando al español a Pasternak, Mandelstam o Ajmatova. También publicó en ruso en la revista Neva de San Petersburgo a cuentistas argentinos. Bogdaschevski fue incluso alumna de Borges y discutió con él en clase sobre las traducciones de Dostoievski. Su protagonismo como embajadora cultural

fue incalculable, pero pese a la trayectoria que la precedía, decidió apoyar a una editorial independiente. Entre los editores se gestó así la idea de tener una colección de traducciones en la que, como resultó luego, se impusieron los rusos. Los editores le preguntaron a Estrin si podía ponerse al frente de la colección y ella aceptó. Bogdaschevski contaba con unas traducciones de ensayos del exilio de Marina Tsvietáieva. Fulvio Franchi, traductor argentino de ruso que se sumó al proyecto, revisó los textos y tradujo un escrito más. Quedó así armado un interesante libro que se publicó en 2013 bajo el título Retratos. El libro contiene cuatro ensayos sobre escritores rusos contemporáneos. Ahí tiene el lector argentino la oportunidad de encontrarse con la palabra sincera de Marina Tsvietáieva. Nace en Moscú en 1892 y se suicida en Elabuga en 1941. Tsvietáieva, siempre a contracorriente, huérfana en todos lados, se vuelca enteramente en la escritura, donde construye su refugio. Allí exclama sus preferencias literarias, grita sus angustias, es el único lugar enteramente suyo, separado de la miserable vida. Laura Estrin dice en su agudo prólogo: “Para Tsvietáieva, Pushkin era la felicidad que la

vida no daba y Pasternak una respiración.“ Al año siguiente, en 2014, la editorial publicó El demonio y otros escritos caucasianos de Mijaíl Lérmontov, traducido por Franchi. Lérmontov tuvo una vida corta, como buen romántico, y se desempeñó como oficial del ejército. De chico vivió en la zona del Cáucaso con su abuela, que le dedicó una educación esmerada. Debido a un duro poema (incluido en el libro) en contra del zar Nicolas I, donde lo hacía responsable de la muerte de Pushkin, fue enviado a combatir rebeldes a la zona entre Europa y Asia. Son esos paisajes majestuosos los que dejaron una huella viva en él. Los versos, traspasados de un impresionante lirismo, quieren darnos la imagen sublime del Cáucaso, y son al mismo tiempo prueba del amor que sintió por aquel lugar que marcó su infancia y que lo vio morir en un duelo. Añosluz tiene más sorpresas rusas esperando ser publicadas. El proceso de traducción y corrección es arduo. Los textos son ampliamente revisados y eso se nota en el ritmo natural con que fluye la palabra. Hay un oído atento a las sonoridades y los acentos justos que dan vida a un texto. Prontamente aparecerán El oficio de Dovlatov, sus diarios de Rusia y Nueva York, y

dad. Sin embargo, en la Argentina, lejano arrabal ruso podríamos decir, tenemos la posibilidad de encontrarnos con estas voces que son una iluminación y un respiro. SANTIAGO HAMELAU

una nouvelle suya, La reserva nacional Pushkin, que además incluye dos cuentos: La uva y Ariel. Más tarde se publicarán Dramas de Marina Tsvietáieva y una selección de románticos rusos. La editorial acompaña con su colección la carrera de más de 30 años de Irina Bogdaschevski como traductora. La identidad que construye con su apuesta es singular en el mercado. Que exista una editorial que se juegue a traducir y publicar obras rusas en su mayoría inéditas es positivo –y extraordinario– por más de una razón. La literatura rusa es una literatura lejana que, sin embargo, tuvo una gran acogida entre

CyT

los argentinos. La palabra de estos autores tiene mucho que enseñarnos, tanto sobre Rusia como sobre el hombre. Por su parte, Franchi opina lo siguiente: “Es importante que editoriales como Añosluz se jueguen por publicar autores que nos acerquen una palabra distinta, que nos muestren una Rusia más humana y más cercana que dé por tierra con la imagen habitual”. La literatura permite abrir el sentido y, en el fondo, curar nuestra ceguera. Siempre hay una cara de la realidad que se nos escapa. Muchos autores rusos, como Tsvietáieva y Dovlatov, fueron desdeñados por la crítica rusa y siguen en penumbras en la actuali-

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RETRATOS Marina Tsvietáieva Añosluz Editora, 2013 182 páginas $120

EL DEMONIO Y OTROS ESCRITOS CAUCASIANOS Mijaíl Lérmontov Añosluz Editora, 2014 114 páginas $120

cine

sobre héroes y demonios PRIMERO LOS CAPÍTULOS, LUEGO EL ESTRENO DE LA PELÍCULA; DAeMONIUM YA supone TODO UN FENÓMENO CASI MUNDIAL CON UNIVERSO E IMPRONTA PROPIA EN ARGENTINA. El cine de género en nuestro país se ha convertido en todo un movimiento, una forma diferente de filmar -alejada casi siempre de los cánones comerciales y las grandes estrellas-, una concepción distinta del séptimo arte y una ventana al trabajo independiente. Ya desde el plano del terror, el cine fue gestándose desde hace años con directores premiados internacionalmente por sus producciones de calidad. Lo mismo está ocurriendo con la ciencia ficción, una arista del cine que tuvo como uno de sus pilares fundacionales a un proyecto que ahora está dando sus pasos más fuertes: la saga Daemonium. Primero nació como una webserie que ofrecía ver sus cuatro capítulos a cuenta gotas a través de Youtube. Una estrategia de promoción y marketing más que certera para crear grandes expectativas dentro del inmenso universo que encierra el proyecto, y que ya acumula gran cantidad de fans y visualizaciones online. Luego le llegó la hora a la película, Daemonium: soldado del inframundo, estrenada recientemente en el 16º Buenos Aires Rojo Sangre (BARS) con sus tres funciones agotadas, que incluye un resumen de los episodios y adiciona detalles culminantes a la historia. Cuando la trama parecía centrarse en las desventuras del mago Lucio Fulcanelli (Walter Cornás), la historia da un vuelco hacia la construcción y ascenso de Razor (Dany Casco), un soldado raso que hace un trato con un demonio a cambio de poder para luego transformarse en uno de los villanos más temidos de este universo al-

ternativo. Así Fulcanelli reaparece y se convierte en ese antihéroe que debe afrontar a regañadientes su propio destino. Éste es el surgimiento de una guerra entre el bien y el mal donde conviven la magia y la tecnología, así como también los humanos y los demonios en una atmósfera de profunda desolación. Más allá de consolidarse para muchos como una obra típica del cine de género, la serie combina también buenas dosis de terror, estética animé y escenas de acción. Con sólo ver el primer capítulo ya descubrimos sus claras referencias a películas de los años 80 que consume un público hambriento de emociones fuertes. Un futuro post apocalíptico representado con imágenes impactantes y un nivel técnico y artístico superior a todo lo que se venía haciendo en Argentina. Pero hablemos sobre los creadores. Daemonium comenzó a crecer a pasos agigantados luego de que Dany Casco, de Studio Patna (además, director de arte, vestuario y encargado de realizar todas las props de la saga), y Simon Ratziel, de Rabbid FX (responsable de la puesta en escena relacionada con los efectos especiales y maquillaje protésico), llevaran a la práctica la idea original, convocando al director Pablo Parés (Grasa, Plaga zombie, Filmatron). Fueron cinco años de trabajo intenso, casi sin descanso, 50 jornadas de rodaje y la participación de 300 personas en el set sin el apoyo económico del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) ni de ningún otro organismo oficial. Pero el

esfuerzo siempre rinde sus frutos. Daemonium ya es considerada como la película imposible que se hizo realidad; el proyecto que todo realizador quiere llevar a cabo sin saber por dónde empezar. Luego de viajar a Marsella, proyectarse este año en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, cautivar al público del cine fantástico y bizarro y ganar varios premios en certámenes (mejor película del público y mejores FX en BARS, mejor película post apocalíptica en Wasteland Film Fest, California; mejor serie extranjera, mejores FX y mejores VFC en Law TV, Las Vegas; mejor director y mejores FX en Bilbao Web Fest), el film despega hacia otros lares. Seguirá recorriendo circuitos independientes y se presentará gratis por fuera de Buenos Aires en lugares que aún se desconocen por decisión de sus creadores, pero que se irán confirmando más sobre la marcha en sus redes sociales. XIMENA BRENNAN

DAEMONIUM: SOLDADO DEL INFRAMUNDO Dirección: Pablo Javier Pares Interpretación: Dany Casco, Walter Cornás, Caro Angus, Rocío Rodríguez, Lauly Sama, Sebastián Berta Muñiz, Maite Zumelzú y Chucho Fernandez facebook.com/DAEMONIUMSAGA daemonium.tumblr.com

C i

KRYPTONITA

El Tordo trabaja como médico nochero en el hospital Paroissien. La banda de Nafta Super, pesados ladrones famosos en la zona, traen al mismísimo líder herido de muerte, el comienzo de una larga noche para el doctor. Dirección: Nicanor Loreti Interpretación: Juan Palomino, Pablo Rago, Lautaro Delgado, Diego Capusotto y Nicolás Vázquez. Diversas salas, precios y horarios desde el 3 de diciembre

LOS HIJOS DEL DIABLO

Los hijos del diablo narra una historia de terror basada en una leyenda irlandesa. Un conservacionista londinense investiga un antiguo bosque y, accidentalmente, entra en un terreno sagrado donde habitan oscuras presencias que lo acecharán a él y a su familia. Dirección: Corin Hardy Interpretación: Bojana Novakovic, Joseph Mawle, Michael McElhatton y Michael Smiley. Diversas salas, precios y horarios desde el 10 de diciembre

EPISODIO VII: EL DESPERTAr...

Séptima entrega de la saga, tanto por fecha de estreno como cronología interna de la serie. Transcurre 30 años después del sexto episodio, Return of the Jedi, e inicia una tercera trilogía. Es el primer film de la saga en ser producido tras el retiro de George Lucas. Dirección: J. J. Abrams Interpretación: Harrison Ford, Mark Hamill, Carrie Fisher, Oscar Isaac y Daisy Ridley. Diversas salas, precios y horarios desde el 17 de diciembre

teatro

another post in the wall AL IGUAL QUE EN SUS PLATAFORMAS VIRTUALES, CAPPA, CACACE Y SABADINI OFRECEN UNA SÍNTESIS DE SUS IMPRESIONES DESALENTADORAS SOBRE LA LÓGICA CULTURAL QUE SE VIENE.

Si no hay ninguna verdad última, definitiva y trascendente, pues entonces solo nos queda que el argumento o la sentencia sean efectivas en su construcción y en su forma, y dejen balbuceantes a nuestro oponente. En la espera del balotaje las redes sociales se vieron saturadas de posteos que, de forma desesperada, suplicaban: “Que no gane Macri”, “que Macri es el límite”, “que Macri es la muerte de la cultura”, “amor sí, Macri no” (que bien podría haber sido un slogan del PRO por su banalidad), dando argumentos de futurología económica y políticas sociales también aplicables para su rival, Daniel Scioli, que era el mal menor. Pero el mal al fin. Y un mal no cuestionado es sospechoso. Es una obviedad decir que quienes habitan las zonas de la cultura (escritores, teatristas, periodistas, etc) se atrincheran en contra del resurgimiento del diabólico neoliberalismo que encarna el ingeniero/ presidente, que parece va a dejarnos frente a un vacío material y simbólico propio de la década de los 90. ¿Qué podemos esperar entonces? ¿Qué pasará con los hacedores de material sen-

sible en los próximos cuatro años? Bernardo Cappa, Guillermo Cacace y Rubén Sabadini fueron guerreros virtuales de largos posts durante este mes de guerra fría. Cada uno con su prosa, su poética, sus objetivos, sus likes y sus seguidores. Para no dejar fugar las impresiones urgentes de lo que parece ser un plot-point-político para el país, estos tres creadores nos entregan un texto profético de lo que se viene en el ámbito cultural; un ámbito que comparten y defienden de un enemigo que, ahora sí, viene por todo. Bernardo Cappa La cultura es una definición muy grande. Creo que hay contagios que vienen desde el poder, signos que se copian, generalmente están vacíos, o sólo se representan a sí mismos. Ahora la frivolidad parecería recobrar fuerzas, una imagen de belleza cómoda inundará nuestras mentes, como las fotos de las publicidades de las prepagas, hermosas familias rubias sanas porque pagan OSDE se sentirán protegidas y a salvo de los feos que se enferman por

vagancia y negligencia, esa belleza moral, que indica que si no estás sano y tenés éxito es porque algo malo hiciste pareciera que es la que se impondrá. Al mismo tiempo se intuyen abandonos en la política cultural, y algún tipo de censura, lo que hasta hoy fue la aparición de un teatro seudocomercial subsidiado está bajo amenaza, sin embargo en épocas de crisis es dónde más teatro y más producción artística hubo. Ahora todos tenemos la sensación de haber sido arrasados por un vendaval que nos arrastra nuestra subjetividad, nos quedamos sin apoyo para imaginar, lo real se nos vuelve siniestro, nos amenaza, ante semejante amenaza no nos queda otra que agruparnos, esas agrupaciones son nuestras reservas de imaginación, donde nos encontramos con el fantasma de nuestros cuerpos, somos mirados, cuestionados, aceptados, nos podemos poetizar, esos espacios serán pequeños y en esa pequeñez territorial nos multiplicaremos como hicimos siempre, de alguna manera el arte siempre le roba a la desgracia porque lo maravilloso es, después de atravesar lo

BERNARDO CAPPA

GUILLERMO CACACE

rubén sabadini

siniestro. Tuve mi lunes de angustia, sin embargo hoy ya estoy con una sonrisa de coté, con la sonrisa de a mí no me vencieron sigo imaginando y ahora tengo más clara la ausencia del otro en la calle, el otro es una amenaza entonces me junto con los míos y los míos son los sensibles, los que queremos estar afuera del significado y no ser devorados por la nada, los que sabemos que ahí, en ese desierto, hay poesía y de la buena. Los que buscamos pétalos en los basurales del sentido para armar una flor del rejunte de pétalos, una flor bien fea que nos haga de espanta euforia boba, espanta imagen de prepaga, una flor del horror que al mirarla haga que nuestros cuerpos acepten el alma que les tocó.

Buenos Aires. ¿Qué entienden por cultura? Está tristemente claro.

gelista, a su vez disfrazado de Marcos Peña, al poder. Nota al pie: Ahora vienen a hacerse los dolidos y los compungidos porque “perdimos”, ahora vienen a patalear contra la futura política de Macri cuando durante años no dijeron ni chito, ahora se vienen a mandar la parte de indignados “de la que se viene” cuando siempre sospecharon de las políticas estatales como de cosa de negros. Artistas pseudoprogres, pero en el fondo liberales, felicitaciones, a partir del 10 de diciembre gobierna el candidato que mejor los representa. Váyanse a cagar todos los que se pasaron estos años mirándose el ombligo en sus obras, teniendo un arma fabulosa de propaganda política en sus manos como eran esas mismas obras pero que finalmente las usaron estrictamente para aparecer en los diarios. Métanse en el ojete toda su verborrea academicista y toda su repugnante flema de artistas histerocéntricos y entiendan que política cultural se hace todos los días en las bases y no en los festivales o teatros oficiales o haciéndose “los enunciativos preocupados” cuando apenas faltaba un mes para la segunda vuelta y porque las papas queman. Tarde piaron pollos, ahora estamos en el corral y nos van a convertir en hamburguesas a todos. Graffiti: Boludo, forro, hijo de Cobos, el que armó el slogan “Amor sí, Macri no”.

Guillermo Cacace El domingo Mauricio Macri gana las elecciones. El miércoles Miguel del Sel asume un lugar en la Comisión de Cultura de la Cámara de Diputados. La deuda histórica es facilitar otro acceso a los bienes culturales, otro reparto de lo sensible… multiplicar la producción artística en los sectores siempre relegados, darles voz y calidad a esas voces. Si la industria del espectáculo reemplaza -declarada o solapadamente- el sitio de las políticas culturales capaces de fortalecer el tejido social, entonces las lógicas del mercado dictarán el rumbo de nuevas exclusiones. Se seguirá anestesiando nuestra capacidad de reacción. Ha ganado un nuevo modelo. Modelo que supo dar a Marcelo Tinelli el premio a Personalidad destacada de la cultura de la ciudad de

Rubén Sabadini La Villa 21 rebautizada como Residencia para Outsiders Académicos Ernesto Laclau. Los foniatras quedándose sin trabajo, todo estúpido quiere balbucear como su presidente. Creación del Centro Cultural Gorilesma. Putos convertidos en heteros por doquier. Las ópticas quedándose sin stock de pupilent celeste, todo estúpido/a quiere verse igual a su presidente. Festival de Teatro Evangelista. Tortas conversas en mujeres de bien. Premios Nacionales de Positivismo Acrítico (como es difícil eso del “positivismo acrítico”, al tiempo lo cambiarán por Fiesta Nacional del Mohín). En el Hospital Abel Albino te blanquean en cuotas para que seas como ellos. Creación de la marcha Ni una Palabra Más o Cobrás. Rastas se pasan al bucle. Gatos pasan por liebres. El Fit pasa a llamarse Fitness. Los libros de Bajtín sobre el discurso encuentran su verdadero sentido como apoyavasos. La paja es penada con cárcel. Creación de la Universidad Nacional del Maquillaje, todo pelotudo/a quiere verse como la jermu de su presidente. El slogan Evita Vive reemplazado por el de Mirtha Vive. Nuestra peor pesadilla no era que gane Macri, sino que le vaya bien. Por si todavía no te avivaste, te lo confirmo, le va a ir muy bien. J. M. Keynes, saludos, fue un gusto haberte conocido. Freddy Krugger disfrazado de pastor evan-

JUAN IGNACIO CRESPO

teatro

“apaguen la cabeza y disfruten del viaje” MEZCLAR GENERACIONES, CONOCIMIENTOS, INGREDIENTES, EXPERIENCIA Y, CON LA SUMA DE PARTES, ESTALLAR POR LOS AIRES. LEO KREIMER CHARLA SOBRE MASH UP MEZCLA DOS. Una potente rareza habita nuestra ciudad. Hay que bucear un poco para dar con piezas que se recorten -por origen, por producción, escala y despliegue- del resto. Y eso es Mash up. Leo Kreimer, su creador, pertenece a una generación intermedia, dirigió más de quince obras, adaptó otro tanto, y actuó en muchas más. Entrevistarlo es entender que él mismo es la mezcla y síntesis de su propio recorrido. Corporal a la vez que cerebral, así son también sus espectáculos. Por muy físicos que resulten, siempre hay detrás una idea rectora que los organiza, y encuentra el eje de algo que se quiere contar. Contame sobre el proyecto general. Proyecto Mash up nace con la apertura de El Galpón de Guevara, hace tres años. Los dueños me convocaron para pensar un es-

pectáculo que inaugurara la sala. Yo estaba ya pensando en el concepto del mash up aplicado a lo teatral, así que reuní algunos compañeros de De La Guarda, Hombre Vertiente y Corazón idiota (espectáculos en donde actuó y/o asistió) y nos pusimos a trabajar. Hicimos Mezcla uno, y ahora estrenamos Mezcla dos. En el 2016, mientras continúen las funciones de Mezcla dos, nos pondremos a trabajar en Mezcla tres. ¿Qué particulariza a cada capítulo? Son espectáculos diferentes hechos con la misma idea, que es la combinación de estéticas, poéticas y disciplinas, sin perder de vista el relato dramático. Creo que ese es nuestro desafío como generación: agregarle al teatro físico de alto impacto la dramaturgia. No se trata sólo de impactar o emocionar, sino de contar algo también. Vengo de esos espectáculos que mencioné, pero

también soy deudor de tipos como Raúl Serrano o Ricardo Bartís. En Mash up tengo todos esos placares abiertos. La diferencia entre los dos espectáculos es la historia que contamos, la estética que aplicamos y las disciplinas que usamos. El concepto, que es el mash up, es el mismo. El proyecto requiere mucho tiempo de preparación y está preparado para llegar a un público amplio. ¿Cómo se lleva eso con el modo de trabajo independiente? Al análisis que hacés habría que agregarle el costo, que es alto y no puede trasladarse nunca al precio de las entradas. Sería un suicidio. Nosotros nos manejamos en una zona gris, somos un grupo independiente que cuenta con una producción. Hay que tener un productor dispuesto a ver resultados en el largo plazo, que crea y apueste. Ese tipo de productor es cada vez más raro.

Tuvimos esa suerte en el primer espectáculo. Se trataba de productores con sala propia, otra rareza en el ámbito independiente. Este segundo espectáculo está bancado por un sponsor, y por el sistema de mecenazgo. Eso nos permitió autoproducirnos. Por lo demás, trabajamos en cooperativa como cualquier compañía independiente. Mash up uno tenía imágenes muy poéticas. Durante el proceso de creación, ¿tenés en mente adonde querés llegar, o es producto del propio proceso de búsqueda? Ambas cosas. Empiezo con una idea, la bajo a una estructura dramática y la discuto con el equipo: coreógrafos, músicos, visuales, arte digital… Todo tiene que estar al servicio del relato. Lo que no cuenta no sirve, aunque sea bellísimo queda para otra ocasión. Después el proceso se va encargando de poner las cosas en su lugar. Y el resultado es distinto al punto de donde partiste. Por suerte. Hay que permitirse esa frescura, y saber que lo nuevo que aparece estaba contenido dentro de la idea original. Sólo había que quitar el velo. Dirigiste obras en formatos más convencionales. ¿Qué diferencias encontrás en los procesos de trabajo? La diferencia fundamental es que en Mash up la técnica es un actor más. Tenés que

“Nuestro desafío como generación es agregarle al teatro físico de alto impacto la dramaturgia. No se trata de emocionar, sino de contar algo también”

para la segunda mitad del año. ¿Tenés referentes puntuales en los que te inspirás? Todos. Sería imposible enumerarlos. Mash up parte de la base de que lo que estás creando ya fue creado de alguna u otra manera. Y es esa aceptación de no originalidad la base para encontrar la propia idea, eso único que nos identifica. ¿Qué le está pidiendo u ofreciendo Mash up a la gente que lo va a ver? Que apague su cabeza y disfrute del viaje. Mash up es una experiencia que entra por los poros.

integrarla al proceso creativo, y a veces lograr algo tan preciso técnicamente puede consumirte el valioso tiempo. Otra cosa que me fascina es trabajar en dimensiones tan distintas, dirigir actores que están a dos metros del espectador o vuelos que están a diez metros de ellos. Al final creo que la búsqueda es siempre la misma. Pero sí, VERA CZEMERINSKI cambian muchas cosas. Cómo ves tu trabajo insertado en el actual contexto teatral de Buenos Aires. Como el de un animal que se mueve por MASH UP MEZCLA DOS ámbitos muy distintos. Formo parte de una Dirección: Leo Kreimer generación abierta a todas las posibilidades Interpretación: Daniel Bugallo, que brindan las artes escénicas. Puedo ser Débora Zanolli, Carolina Borca, parte de un espectáculo mainstream, diriLuciano Bassi y Diego Grillo gir una obra de texto en un teatro para 50 El Galpón de Guevara, Guevara 326 espectadores, o desarrollar Mash up, que se Reservas a través del correo ubica en una zona intermedia. El año que proyectomashup2@gmail.com viene además voy a dirigir un unipersonal 5 y 12 de diciembre a las 23 sobre un texto de Luis Cano, y estoy adap$90 tando una novela de Miguel de Unamuno

teatro

Duros

Menea para mí

Un musical cumbiero que tiene lugar en los pasillos de una villa. Ropa que cuelga de sogas, basura, desorden y el piso de un teatro en el Abasto convertido en la esquina. Cubren el escenario la banda de pibes chorros: jóvenes y pobres que visten yantas, usan anteojos de sol y gorras, y tienen -ante todo- códigos. Los une la amistad, el barrio y Huracán; los separa el espanto. El gesto teatral aparece como una expresión de la marginalidad. En clave de melodrama, la acción se sucede entre canciones coreografeadas, monólogos del Masi -el personaje que se convierte en protagonista- y algunas escenas en donde entre tumultos y gritos participa toda la pandilla. El relato es desgarrado

Inspiratio

La nueva obra de Mariana Obersztern, Inspiratio, está a mitad de camino entre teatro y performance, entre proceso de trabajo y ficción, entre representación e improvisación. Un equipo de actores ensaya, actúa, se equivoca, comenta. Su experiencia, en escena; el proceso, sobre las tablas; y la descarnada mirada sobre lo que ocurre tras bambalinas presentada como “la obra”. Inspiratio es el ensayo a la manera de uno escrito -“una pieza literaria en la que el autor expone sus propias ideas acerca de un asunto tema general”- sobre el desarrollo de una puesta teatral. Leticia Mazur, Agustin Rittano y Julieta

y real. La música lo ameniza, lo vuelve más digerible. La obra es como un fresco: pone en acto una realidad negada; muestra, pero no se aleja. No hay distanciamiento posible, hay más bien conmoción. Sensibiliza al público y -quién sabe hasta qué punto- lo interpela. “Pobres habrá siempre, pero mejor que estén lejos”, reza el sentido común. En cambio, Menea para mí los pone cerca, los espeja, les da nombre y cuerpo. En eso radica su fuerza y su vitalidad. Volver real lo que siempre vemos mediatizado: tamizado por el prejuicio o por el miedo. Aquí no hay escape. Estamos, como espectadores, en el pasillo de la villa, en la bailanta, en la cárcel, en la calle. Somos los pibes chorros cumbieros y sentimos -como nunca anteslo que es estar en el lugar del otro. Julieta Bilik Dramaturgia y dirección: Mariana Cumbi Bustinza. Interpretación: Eze Baquero, Lucho Crispi, Catalina Jure, Vicky Raposo, Vicky Schwint, Mechi Hazaña, Flor Rebecchi, Mica Quintano, Germán Matías y Vanina Cavallito Teatro El Extranjero (Valentín Gómez 3378), domingo a las 21, $100 y 80

Vallina son, en ese contexto, los que llevan adelante la acción y también quienes expresan las ideas de la directora y dramaturga, de la cabeza que está fuera de escena, pero cuya voz se hace presente. Porque Inspiratio es una obra que recoge conceptos sobre el proceso creador, sobre la gestación de un proyecto artístico, sobre la forma en que la necesidad de decir algo transmuta en un mensaje poético. Una obra en la que esa falta, ese dolor, esa angustia existencial aparecen en escena mostrándose a sí mismas como motores del arte. Así, con una constante reflexión sobre la representación, la puesta en escena, la actuación y la ficción, Obersztern logra que el espectador vuelva a casa con más preguntas que certezas, con disparadores, debates internos que han empezado y que no se sabe cuándo terminarán.

Duros es una obra que no se parece a ninguna otra. El escenario está emplazado debajo del sobrepiso del teatro y los espectadores miran (¿balconean?) desde arriba de la escena. Como en una pecera pero del submundo, los personajes encerrados entre la tierra y las cañerías balbucean, se mueven espásticamente e intentan interactuar. Se trata de una propuesta radical que -sin diálogos ni butacas- interpela a los espectadores, portadores de la luz, iluminadores ad hoc de la oscuridad que los rodea. Como en un reflejo, en el programa de mano se anticipa que Duros es “una obra sobre nosotros”, “un gesto profundo que nos permita pensar-nos”. Ya desde la antesala-cocina del pintoresco teatro de Almagro, Lisandro Rodríguez vuelve a sacudir con una propuesta entre experimental y conceptual que desafía los límites de la representación y lo representable. Preguntas sobre la existencia, las relaciones humanas y el papel de cada uno en la vida se van suscitando en las cabezas de los que contemplan. Mientras, los duros intentan sobrevivir, relatar, darle sentido a la alienación. Mientras, la resaca de una fiesta, un llamado telefónico, subir una escalera, prender una vela. Mientras, el tiempo, el vacío, la soledad, la supervivencia. Con toques de humor y absurdo, la estadía se hace llevadera. De a poco, algo comunitario se va gestando entre los de arriba y los de abajo. Con el tiempo, la luz que los espectadores imprimen sobre los actores le da sentido a la escena, a la representación y también a la dialéctica. J.B.

J.B. Dramaturgia y dirección: Lisandro Rodríguez Dramaturgia y dirección: Mariana Obersztern

Interpretación: Enrique Biondini, Edgardo Castro,

Interpretación: Leticia Mazur, Agustin Rittano

Mariano Gonzalez y Martín Tchira Elefante Club

y Julieta Vallina El Camarín de las Musas (Mario

de Teatro (Guardia Vieja 4257), viernes a las 23,

Bravo 960); sábado a las 23, desde $150

$120 y 90