06 / 2016 #205 aĂąo XI www.revistallegas.com.ar
teatro
arte bares mĂşsica letras cine noche buenos aires
205 Estímulo en situación “B”de Mara Caffarone. De Martes a Viernes de 15 a 20 hs y Sábados de 14 a 19 hs. hasta el 10 de Junio, en Granada Galería, Godoy Cruz 1644. Kid, inspirada en la Carta al padre, de Franz Kafka. Viernes a las 21,30 en Espacio Sísmico.
OBRA DE TAPA Pablo Martín, S/t , 2016. Óleo pastel sobre papel -
SUMARIO
70 x 100 cm. Pablo Martín nació en Buenos Aires, en 1974. Siempre se consideró un dibujante y eso lo llevó a desarrollar innumerables proyectos autogestivos donde desplegó sus habilidades como ilustrador y diseñador. En 2009 inició junto a Florencia Fernandez Frank el colectivo Periódica: Grupo de Gestión (periodica.com.ar). En 2011 y 2014 el colectivo recibió la Beca para Proyectos Grupales del Fondo Nacional de las Artes. Desde el año 2011 es parte del Proyecto La Estrella (proyectolaestrella.com.ar). En 2015, recibió la Mención en dibujo en el Salón Nacional de Artes Visuales. Ha realizado residencias artísticas en DF y Oaxaca (México), Tilcara y Salta (Argentina). Expuso su trabajo en París, Viena y Berlín. La obra de tapa puede visitarse en el marco de la muestra #88 del Ciclo La Línea Piensa hasta el 10 de julio, en el Centro Cultural Borges . Gratis.
4-8 TEATRO Llega al Rojas Proyecto Familia con teatro, charlas, fotografía y arte performática. Y como siempre, obras recomendadas para ver.
10 NOCHE Música, peña, pintura, cine y lo que vaya fluyendo es la consigna de un galpón en donde la consigna es pasarla bien.
12-13 Arte En el corazón del barrio de San Telmo, el Proyecto Espinosa desparrama. arte desde la vidriera.
14-15 LETRAS Sobre la soledad, amor, el psicoanálisis y más se cuestiona el protagonista de Los Incapaces, la novela de Alberto Montero.
16-18 MÚSICA A Moon Shaped Pool, de Radio Head; Junk, lo último de la agrupación francesa M83, y The colour in Anything, de James Blake.
20-21 BARES Hamburguesas caseras y cerveza artesanal. La combinación perfecta en Francis Platz.
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? QUIENES SOMOS
Editor Responsable Gustavo Gaona EDITOR DE TEATRO Juan Ignacio Crespo DISEÑO Daniela Sawicki COLABORAN EN ESTE NUMERO Luz Marchio (arte), Martín D’Adamo (bares y noche), Martín Caamaño (música), Ximena Brennan (cine), Julieta Bilik, Paula Boente, Juan Ignacio Crespo y Mara Teit (teatro). TIRADA DE ESTA EDICION 12 mil ejemplares Publicidad: Ricardo Tamburrano (15 5958 7489, ricardotamburrano@gmail.com y teatro.llegas@gmail.com), Esteban Gallego, www.egmediabrokers.com. Tel: 4861-1721 llegás a buenos aires es una publicación mensual de distribución gratuita, Propiedad de GyH Contenidos Srl, Chile 1507, Piso 2. CP. 1100, CABA. Fundada el 5 de agosto de 2004. Se distribuye en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Registro de marca 2519629. Registro de la propiedad intelectual exp. 347083. ISSN 1668 – 5326. La programación de las agendas puede sufrir cambios por parte de los organizadores. Llegás no se responsabiliza de los mismos.
teatro
lo primero es la familia ABORDADO DESDE EL TEATRO, LA FOTOGRAFÍA Y EL ARTE PERFORMÁTICO, EL CONCEPTO DE FAMILIA ES EL DISPARADOR PARA ESTE NUEVO CICLO DEL Centro Cultural RICARDO ROJAS. El agua sube implacable, un virus acecha y los bebés se transforman en máquinas vengadoras. En ese mundo postapocalíptico, la familia es una posibilidad que les llega a las protagonistas en caja de cartón, en el llanto de un niño abandonado a su suerte. Inundación, de Magdalena de Santo, es una de las obras que se presentan por estos días en el Centro Cultural Rojas, en el marco del Proyecto Familia. El ciclo deambula en torno a ese grupo primigenio de vínculos, explorando el concepto en toda su amplitud y bajo la premisa de aportar visibilidad a las diferentes formas de manifestarse que tienen las familias. Maruja Bustamante, curadora del proyecto, explica que procuró esquivar el ombliguismo de la familia disfuncional que se puede ver en la escena porteña y la convocatoria se centró, en cambio, en la diversidad. “Me puse a pensar, por ejemplo, en la frase de muchos actores que dicen que
para ellos su grupo de teatro es su familia o en los casos de amigos cercanos que se plantean formas homoparentales o coparentales que tienen que ver con otras expresiones de la familia. Todos tenemos una reflexión sobre la familia”, señala. Junto a Inundación, se estrenó también Un nuevo continente, de Sofìa Wilhelmi, que traza un relato de coparentalidad. Una mujer que quiere tener un hijo, un hombre que no, y su hermano que, como un satélite de esa pareja, recibirá la propuesta de ser padre, de fundar otro mundo. Estas obras tendrán funciones durante junio y julio. Después se sumarán Casa Expandida, de Jessica Pinkus (que indaga en la idea de que cada uno construye su propia casa, tema en el que la autora viene trabajando hace tiempo) y El vestido de mamá, adaptación al teatro del relato homónimo de Dani Umpi, que estará dirigida por Gustavo Tarrío.
La propuesta comenzó centrada sólo en teatro pero se fue extendiendo a otras expresiones. Así, además de las obras elegidas, habrá performances, fotoperformances y charlas. “Se buscó darle una mirada más inclusiva y la performance iba muy bien porque es más inmediata y uno la consume rápido. La fotoperformance también es ideal porque la familia aparece mucho en las fotos de la infancia, en el álbum familiar”, comenta Maruja y anticipa que se podrán sumar otras manifestaciones. Las fotoperformance, que se lanzan en septiembre, incluirán un trabajo sobre Marcos López vinculado a la actriz Monina Bonelli. Entre los dos se dio un vínculo laboral de años (Monina lo acompañó desde la producción de casting), pero además el santafesino fotografió muchas veces en el pasado a la madre de Bonelli. En el registro de ambas mujeres estará centrado el trabajo La familia matriarcal. El Colectivo
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Timbre 4 será el eje de la otra mirada fotoperformática en Familia de artistas, propuesta de Mariana Berstein, que parte de un documental fotográfico sobre la obra La omisión de la familia Coleman. Entre las performance que se presentan -una por mes desde julio-, se podrá presenciar Todos están presentes, a cargo de Pablo Ramirez, que trabaja con las constelaciones familiares. En tanto, el 15 de junio habrá una charla coordinada por una cátedra de Psicología de la UBA y, en agosto, una charla performática encabezada por Carolina Lett. Clásica, ensamblada, homoparental, colectivo de arte, hogar dulce hogar, los tuyos, los míos, los nuestros, lazos de sangre y lazos elegidos. Como objeto de reflexión del ciclo, la familia se despliega en toda su complejidad y expresión, con todo el caudal de ese lugar al que las dramaturgias vuelven una y otra vez. En el día de hoy, en la Sala Auditorio Abuelas de Plaza de Mayo del Centro Cultural Rector Ricardo Rojas, se realizó la presentación de Proyecto Familia, un ciclo que reúne obras de teatro, performance y charlas para indagar la contemporaneidad de la familia por medio de una plataforma de actividades artísticas y debate. Duran-
te la conferencia, la directora del Centro Cultural, Cecilia Vázquez, señaló que “nos propusimos desde el Rojas reflexionar desde las artes y la cultura, sumando a la psicología, sobre qué es la familia hoy en día. Creemos que en el universo que encierra la palabra “familia” habrá disparadores en teatro, perfomances, muestras y charlas que buscarán diferentes identificaciones acerca de las posibilidades de la idea de familia”. Por su parte, Maruja Bustamante, curadora del proyecto, subrayó “que nos basamos en la intención del Rojas para generar más diálogos con la comunidad. Desde esa premisa, y tratando de esquivar el ombliguismo de la familia disfuncional que se puede ver en la escena porteña, centré la convocatoria en la diversidad. Entonces se podrán ver expresiones desde lo político a lo emocional en las artes, acompañadas por la reflexión académica, que impulsan a cuestionar a la familia” cerró. Para la autora de El nuevo Continente, la pieza teatral que se estrena hoy en la sala Cancha, Sofía Wilhelmi lo importante es que “queríamos mostrar cómo la familia es un proceso y que cada transformación conlleva crisis, inseguridades y miedos.” A su turno Magdalena De Santo, autora de
Inundación, aseguró que “pretendemos mostrar cómo dos activistas queer, ante una situación extrema, empiezan a replantear sus teorías y convicciones”. Finalmente Pablo Ramírez de Proyecto Proyectil, integrante del colectivo que presenta La familia es diversa (Toda familia es un acto político), planteo que realizará una experiencia multiartística que incluye audiovisuales y música, y concluyó explicando que “expresamos que la familia es un acto de amor, superando los prejuicios y mandatos sociales; y que no debemos temer en profundizar sobre qué consideramos familia”. Al evento asistieron los elencos y especialistas de las otras propuestas como Casa expandida, de Jessica Pinkus, Familia política de Creación conjunta de MARTE - Matienzo Artes Escénicas- y parte de la Cátedra “Psicoanálisis Freud I” de la Facultad de Psicología de la UBA, entre otros. PAULA BOENTE
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Proyecto Familia Funciones jueves y viernes, hasta septiembre. Centro Cultural Rojas, Corrientes 2038.
teatro
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Empleados
En tiempos de crisis económicas, los trabajadores -y su némesis: los desempleadossuelen, por causas ajenas a su voluntad, volver a escena. En este caso, quienes se convierten en el centro de atención son los jóvenes asalariados transitando sus primeros puestos de trabajo no calificado. Aquellos que deambulan por oficinas, transportes públicos y espacios que no les pertenecen. Los que adormecen sus deseos y aspiracio-
nes, los que automatizan su vida en pos de un futuro que les prometen; los que, conscientes o no, hipotecan su presente. Empleados, una producción del Seminario de Entrenamiento Musical de la E.M.A.D. tiene, desde su génesis, algo de estudiantina. Actuaciones de poco volumen y personajes que lindan los estereotipos hacen que la propuesta, por momentos, decaiga. En cambio, cuando los intérpretes actúan
como masa y el ritmo toma sus cuerpos y sus voces la idea que da esencia a la obra se expresa y el concepto fluye. Organizada en escenas interconectadas -sólo- temáticamente, la propuesta intenta ser desalienadora y muestra, con crudeza, la sistematización, la despersonalización, la fragmentación del tiempo y los cuerpos y la irracionalidad de un sistema al que denuncia en un nivel discursivo, pero que, en las formas y los métodos de representación no logra del todo evidenciar. La espera, la mecánica del trabajo en serie, el limbo del transporte público, la convivencia durante el almuerzo y la burocracia al servicio del sistema vuelve a escena y como, en las épocas de crisis, adquiere más presencia que nunca. Julieta Bilik Coordinación general: Jose Mehrez. Interpretación: Lucila Chedufau, Matias Corradino, Valentina de La Fuente, Fernando Morales, Valeria Ortega, Florencia Rebecchi e Ignacio Torres. Teatro del Abasto, Humahuaca 3549; sábados, a las 23.30; $140.
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En las últimas semanas, la situación de emergencia de la EMAD, que se suma a la de los teatros independientes y al circuito cultural, ha sido profundamente compartida ya que dicha institución, que alberga cinco carreras, ha sido seno irrenunciable de los jóvenes creadores de nuestra escena local. La directora Victoria Beheran inició el proceso de esta versión de Berkoff como muestra final de la carrera de Puesta en escena, sumando
inesperadamente un grito desaforado contra un sistema que arrasa como la peste de Tebas de la que da cuenta el autor al revisar el mito de Edipo en el caos británico, y que vuelve a este estado pestilente y miserable en nuestra ciudad porteña. Nuestro antihéroe punk, este Eddy moderno, en la potente actuación de Luciano Ledesma, escruta con ferocidad contra el terrorismo social desde una narración llena de violencia. Como único acto de
nobleza, él es eje combativo de la realidad en ese mismo choque. Eddy nos lleva a recorrer un pasado lánguido y desesperanzador donde el amor parece ser la única fuerza que puede dar vida en esa realidad gris y áspera pero con un desenlace desencantador que, a diferencia de Sófocles, encuentra el castigo en la insolencia, resignificando la tragedia familiar, hundiéndose profundamente en la desdicha de dejarse arrastrar por el impulso animal, negándose también a la justicia poética y su moral infame. Una puesta molesta, que no deja al público acomodarse en los presupuestos y en la calma que parece querer brindar hoy día el arte, sino que inquieta por su corrosiva violencia y su deliciosa crudeza. Mara Teit Autoría: Steven Berkoff Traducción: Rafael Spregelburd Actúan: Luciano Ledesma, Silvina Muzzanti, Patricia Rivero, Roberto Sabatto Música original: Luciano Cossetini Dirección: Victoria Beheran Miércoles - 21:30 hs El Porton de Sanchez Sánchez de Bustamante 1034. $180 Y $120.
teatro
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Nerium Park
Dos personas a veces pueden ser en una pareja. Y otras son -simplemente- dos ex-
traños. ¿Pero cómo es que de ser una pareja constituida se convierten en desconocidos? Por esas aguas oscuras y densas transita la trama de Nerium Park, la obra del catalán Josep María Miró (también autor de El principio de Arquímedes) que, bajo la dirección de Corina Fiorillo, protagonizan Claudio Tolcachir y Paula Ransenberg, en Timbre 4. En un escenario amplio que reproduce el estado -en expansión- de la pareja (Nacho y Victoria están juntos hace nueve años y acaban de mudarse a un departamento más grande en las afueras de la ciudad donde proyectan criar un hijo), comienza la acción -entre idilio y romance- y de a poco, las grietas. Esas que, como en los hielos, aunque parezcan muy pequeñas pueden volverse profundas y terminar en el abismo. Con ritmo prudente, los cambios del contexto en los ámbitos socio-económicos y
personales que rodean a los personajes van moldeando sus diferencias y transformándolos, de a poco, en dos desconocidos. Ese proceso áspero e incómodo es el que, en forma de thriller, se va deshilvanando a lo largo de toda la trama y en la puesta recae, sobre todo, en las actuaciones. “¿Quién soy?” Y “¿A quién tengo al lado?” Son dos preguntas que, inevitablemente, el espectador se llevará consigo. Además de cierto extrañamiento. Una obra que habla, aun sin proponérselo, sobre la actualidad local y cómo de a poco podemos convertirnos en extraños, incluso, para nosotros mismos. Julieta Bilik Dramaturgia: Josep María Miró. Dirección: Corina Fiorillo. Interpretación: Claudio Tolcachir y Paula Ransenberg. Timbre 4, México 3554; jueves, a las 17 y domingos, a las 19.15; $200 y $170.
Proyecto Garage
Luego de Proyecto Posadas, que sucedía todo en una barbería mítica de Caballito, la dupla Binetti/Wejman se pone a la orden para explorar otro espacio no-teatral, para vincularnos desde la experiencia haciendo hincapié en la importancia del encuentro vivo por fuera del sacro ritual. La puesta trabaja sobre dos ejes que intentan convivir a lo largo de la obra: Por un lado, la historia costumbrista contemporánea de la banda de rock “Los Monos” liderada por Joaquín y Laila, quienes cargan con los clásicos conflictos de la postadoles-
cencia y se debaten entre la rebeldía y los anhelos artísticos y la presión del futuro buscando ser reconocidos en un medio (en paralelo con el teatro independiente) tan hostil como es el mundo del rock más under. Por otro lado, esta intrusión barrial donde somos invitados a espiar los ensayos de esta banda en un garage en Vila Crespo, donde un carismático y canchero narrador, que nos recuerda a los programas rockeros de los ’90, nos alertará sobre dejar los celulares encendidos donde pronto recibiremos la invitación a un grupo de Whatsapp
donde sucederá gran parte de la obra en paralelo, haciendo al público participe del evento a través de las nuevas tecnologías. Proyecto Garage quiere ser mito, se adivina el deseo de que los jóvenes vuelvan a encontrarse con el teatro desde un ritual informal, atravesado por los cambios tecnológicos (que hace poco incluyeron algunos festivales), leyendo las canciones por WhatsApp para corear los estribillos, sacando fotos, compartiendo videos, comentarios, arengando el rito, porque más allá de los conflictos existenciales típicos de este entorno, al final, es menester que sea rock. Mara Teit Autor: Andrés Binetti Actúan: Malala González; Yésica Wejcman; Camila Serra; Alejandra Martinez; Guillermo Pier; Ezequiel Glinberg / Santiago Monterrosa; Horacio Barros; Nicolas Munguia; Tomás Mejía / Marcos Horrisberger Música Original: Gastón Abulafia y Mariano Pipkin Dirección: Michelle Wejcman Domingos, 20:30 hs. En un garage de Villa Crespo (Dirección al reservar) Reservas: proyectogaragerock@gmail.com o tel 1531751592 / 1544016914 o FB/Proyecto Garage $160 y $130
NOCHE
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el galpón de los tiempos I zkill
MUSICA, PEÑA, PINTURA, CINE Y LO QUE VAYA FLUYENDO ES LA CONSIGNA DE UN GALPON DONDE LAS ARTES SE ENCUENTRAN PARA LOGRAR EL PRECIADO Y SIMPLE OBJETIVO DE PASARLA BIEN. Si algo tiene Buenos Aires es la posibilidad de descubrir sobre las nuevas capas que va posando el tiempo, rastros de aquellas de antaño, de los eslabones que formaron la cadena de la historia de un lugar. En la zona de la Antigua Quinta Bollini, propiedad de Francisco Bollini, un italiano poseedor de una extensa porción de tierras en Palermo en épocas donde el barrio estaba formado por baldíos, corralones, herrerías, galpones, hoy en día se erige un espacio donde se cruzan diversas artes, como la música, el cine y la pintura, con estilo de bar enmascarando una pulpería. El Galpón se llama, y ahí radica su primer guiño al pasado. Un espacio abierto, de inmensa altura y considerable largo, donde los ambientes no se dividen, más bien se conjugan en una suerte de refugio. La entrada es un embudo invertido, una pequeña abertura que apenas se plantea pertenecer al bando de la existencia, pero que repentinamente se abre y desde los sentidos se propaga. Según lo que albergue esa expansión, la mirada puede tardar en acomodarse por el letargo que produce la tenuidad lumínica de una noche de música; o por el contrario, la luz estalla en pantallas de cine u obras de arte. El Galpón es un lugar que se transforma y sabe vestirse para la ocasión.
El concepto del lugar tal vez no se haya detenido a pensar en su influencia pretérita pero hay algo latente que es indescriptible pero a la vez indisimulable, y eso le otorga un encanto que además se complementa con su decoración actual en la cual sobresale justamente una figura indígena recostada, posando sus pies sobre un aire acondicionado split. En lo que a las actividades respecta, hay variedad. Los miércoles son de cine, pero no un cine habitual, de sillas en hilera y una pantalla que proyecta lo que todos ven. Aquí se pasan tres películas en simultáneo, y con unos auriculares que poseen los tres canales diferenciados por color, uno elige qué ver, generalmente con algún lazo que las une, como por ejemplo el director. De modo que es factible estar compenetrado con El Padrino, mientras al lado alguien se estremece con Drácula. Los jueves se reservan para La Velada, peña folklórica, con posibilidad de baile incluida, “para que nadie olvide lo que es la música tradicional”. Los viernes y sábados a lo que venga, siempre algo pasará; y el anti-domingo es de música en vivo al compás de una birra artesanal, interesantes opciones de comida y ambiente propicio para despejarse del lunes, ya que eso no nos incumbe por ser cosa del futuro.
Muchas de estas actividades pueden estar ocurriendo mientras se pinta un mural, se escribe un poema, o se conversa echado en los almohadones que brotan contra las paredes a modo de living rústico. Por si fueran pocas propuestas, también se invita a utilizar su espacio como un ámbito de trabajo, ofreciendo el uso de salas para reuniones. El Galpón, como el paso del tiempo, sabe de mutaciones, la diferencia es que sus distintas facetas suceden en nuestro tiempo, incluso al mismo tiempo. Multidisciplinario, o quizás un trastorno de múltiples personalidades, pero que a nadie daña, por el contrario, invita a la diversidad, a mirar por los cristales refractarios de este caleidoscopio de actividades e ideas. Y lo más interesante de todo, es que esta capa del tiempo recién está empezando a generar sus rastros de futuro. MARTÍN D’ADAMO
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El Galpón Miércoles a Domingo elgalpo.co Facebook: elgalpondeniceto
ARTE
I maximiliano gastón lópez
la fuga
EN EL CORAZÓN DEL BARRIO DE SAN TELMO, EN UNA MARQUERÍA, EXISTE UN ESPACIO DONDE EL ARTE DIALOGA CON EL VÉRTIGO DE LA CIUDAD, Y TODO ELLO A TRAVES DE SUS VIDRIERAS. Indefectiblemente, Buenos Aires se mete en el cuerpo de quienes la transitan. Las imágenes, los sonidos, los olores se acumulan a medida que el día avanza. De alguna manera, siempre esperamos que la ciudad nos de algo. Sin embargo, raras veces nos detenemos para recibir eso que las calles tienen para dar. En una marquería de la esquina de Cochabamba y Chacabuco existe una suerte de fuga inesperada. Se trata de Proyecto Espinosa, una propuesta que coordinan Cecilia Saurí, Verónica Kaplansky y Mercedes Wildner Fox. En una entrevista exclusiva para Llegás, las artistas nos cuentan de qué manera una obra puede convertirse en interlocutora de lo cotidiano. Ll: Creo que Proyecto Espinosa propone un camino paralelo. ¿Existe un contexto específico que esté impulsando esto? ¿Cómo surgió el Proyecto? PE: Esto que planteas fue tema de debate para nosotras. Crear caminos paralelos al circuito comercial o institucional es algo que sucede bastante. ¿Por qué? No tenemos la respuesta exacta. Por un lado, entendemos que lo institucional sigue siendo un
espacio de posicionamiento y legitimación pero a la vez creemos que ese es uno de los tantos caminos posibles. Hay algunos artistas que deciden hacer un recorrido hasta llegar a ciertos espacios del orden comercial o institucional y hay otros artistas que prefieren mantenerse en un plano más alternativo. Eso realmente depende de cada uno, de sus necesidades y posibilidades. Proyecto Espinosa es uno de los varios espacios que proponen una lectura posible de esta situación. Básicamente es la intervención de unas vidrieras en la marquería de Luis Espinosa y su familia, en San Telmo. El proyecto ya tiene sus años y arrancó inicialmente a partir de la idea de cuatro fotógrafos: Andrea Castaño, Mauro López, Nora Lezano y Alejandro Pihué. Nosotras llegamos al proyecto por invitación, en calidad de artistas y luego tomamos la posta desde el lado de la gestión. Ll: ¿Cuál es el punto de partida a la hora de elegir los artistas que van a exponer? PE: Puntualmente es por gusto propio. Al ser tres vidrieras, tratamos de que haya diálogo entre los artistas y las disciplinas que se eligen en cada edición. Cada artista “ocupa” una vidriera y además hay un espacio
en el interior de la marquería que se presta también a intervención. Esta dinámica nos obliga a ser muy creativas a la hora de montar, precisamente por esta tridimensionalidad. El artista necesariamente se tiene que involucrar con el espacio y con esta idea de adentro/afuera. Generalmente, tratamos de que el artista venga a la marquería y que haga algo en función del espacio y no que traiga obra hecha previamente. Ll: Lo interesante es que el espacio habilita otro tipo de público PE: Claro, no es un público que va a una galería o un museo a ver arte sino que la propuesta se le aparece, lo interpela por decirlo de alguna manera. En cada edición hay dos instancias. La primera es la inauguración propiamente dicha. Ese momento tiene que ver con el hecho de apropiarse de la esquina. Ese día hacemos un evento específico, toca alguien en vivo, se genera un clima festivo, de reunión y la gente se acerca a ver lo que está pasando. El otro momento tiene que ver con el mes y medio en el que la muestra interactúa con el vecino que va al almacén y se encuentra con esta vidriera. Hay una anécdota que ilustra perfectamente esta segunda instancia. En la
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¡VIVA ESPAÑA!
última muestra, Pedro Mancini intervino el espacio con cuadros y objetos. Entre los objetos había muñecas viejas, y resulta que un día antes de la inauguracuón vino un vecino a la marquería con tres muñequitas muy parecidas a nosotras, se las entregó a Luis y le dijo “Tomá para que lo pongas en la vidirera”. Antes de eso, hubo otro nene que en la exhibición de Jorge Quien donó su Hulk a la colección del artista. Si bien ninguno de ellos lo hizo conscientemente, con su accionar mostraron hasta qué punto el arte puede ser llevado a un plano más cotidiano. Eso nos encanta. Ll- El hecho de que ustedes también sean artistas debe tener múltiples aristas. ¿Cómo es la dinámica a la hora de trabajar? PE: El hecho de ser pares hace que te pongas en los zapatos de la persona que va a exponer. Sabemos que para hacer una obra determinada se necesita tiempo, cierta cantidad de dinero, entre otras cosas. En este sentido, nosotras tratamos de ser flexibles porque entendemos lo que requiere la producción de una obra. En general, los artistas se prenden mucho con la propuesta e inclusive colaboran un montón. Hay muy buena predisposición porque el proyecto parte, básicamente, de las ganas. Entonces, siempre hay una buena respuesta. Si tuviéramos que hablar de alguna complicación, te diríamos que lo que más nos cuesta es la organización. Al ser pocos trabajando en el proyecto y muchas cosas de las que hay que ocuparse, a veces, se nos vuelve un poco vertiginoso. Ll: Siguiendo esta línea ¿qué otros espacios recomiendan en el barrio? PE: En San Telmo hay varios espacios muy valiosos como por ejemplo, Moria que es una galería nueva en donde funcionan además varios talleres de artistas y una sala de ensayo. Tatá Timbó es un espacio con talleres de arte para chicos y grandes, se hacen ferias de fan-
zines, muestras y otras actividades. También funciona a su vez La Gran Barata, en la que varias veces al año se pone en venta obra de artistas a precios accesibles. Ll: ¿Creen que alcanza con tener o ser un dispositivo alternativo de exhibición para ser independiente? PE: Creemos que no. De alguna manera, desde lo simbólico lo hegemónico siempre está. Ya sea para acercarse o alejarse. Ll: ¿Cuál es la propuesta para este mes? PE: Este mes vamos a hacer algo que nunca hicimos. Va a haber dos artistas, Aurora Castillo y Clara Díaz, que van a trabajar en conjunto interviniendo dos de las vidrieras. En una de ellas van a hacer dialogar obras existentes, una pieza bordada y objetos en cerámica. En la segunda vidriera van a trabajar haciendo un dibujo entre las dos sobre arcilla fresca, directamente en el espacio. Eso por un lado. Para la tercera vidriera, invitamos a Marcela Oliva. Marcela es escultora, hace mucho que queríamos mostrar esa disciplina así que pensamos en ella. Va a estar mostrando una obra recién terminada. El cuarto artista es un vecino de la marquería, Benjamin Ellenberger, él va a estar proyectando el día de la inauguración algunos de sus trabajos en formato Súper 8. Sin mediaciones, las vidrieras de Proyecto Espinosa irrumpen la escena urbana con texturas y colores imposibles de ignorar. Nada mejor que un transeúnte curioso para comprobarlo. LUZ MARCHIO
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Proyecto Espinosa Desde el 18 de junio hasta el 30 de julio Atelier Espinosa – Cochabamba 700 Horarios: lunes a viernes de 10 a 20 Gratis
En el marco del ciclo Focalizaciones, que incluirá el trabajo de 6 fotógrafas y artistas audiovisuales, la artista andaluza se presenta por primera vez en Argentina con ¡Viva España! La muestra incluye fotografías y videos, muchos de los cuales son documentaciones de sus trabajos performáticos. Desde una mirada satírica y surreal, Albarracín nos introduce problemáticas ligadas al género, la identidad y los tipos sociales propios de la sociedad española contemporánea. Hasta el 21 de agosto MACBA- Av. San Juan 323. Lun. a vie. de 11a 19/ Sáb. y dom. de 11 a 19.30hs. Entrada: $60 y $40 con desc.
REINO SALVAJE
Colmillos, antenas, caparazones, aletas. Fieras fantásticas, objetos de adoración y mitos que siempre desbordan y anulan las definiciones a las que la ciencia quiere ceñirlas. Es el latido del mundo animal que suena en esta imperdible muestra colectiva. Exponen: Mariela Pessah, Alejandra López Castán, Selva Orfila, Eugenia Añez, Valeria Dalmon, Flor Vitón, Mariano Javier Sivak, César Pacheco, Pablo Martín, Malena Pizani, Mariano González, Norberto José Martínez y Patricia Gayone, entre otros. Hasta el 17 de julio. La Casona de los Olivera - Directorio y Lacarra, Parque Avellaneda. Horarios: mar a vie. de 14 a 18/ sáb. y dom. de 14 a 19 Gratis
LETRAS
achicando distancias con lo insoportable SOBRE LA SOLEDAD, EL AMOR, EL FRACASO PERO TAMBIÉN SOBRE EL PSICOANÁLISIS Y LA LITERATURA SE CUESTIONA EL PROTAGONISTA DE LOS INCAPACES, LA NOVELA DE ALBERTO MONTERO. “Tengo unas cuantas novelas escritas pero salvo con Los Incapaces nunca se me ocurrió publicar”, dice Alberto Montero, quien con 62 años por fin se decidió a hacer su entrada formal en el mundo de la literatura. Pero esa entrada la realizó tirando la puerta abajo con una patada contundente, como suele ocurrir en los viejos westerns. Porque para bien o para mal desde su primera página Los incapaces no puede dejar a nadie indiferente. Se trata de una apuesta muy alta: una novela de casi cuatrocientas páginas conformada no solo por un único párrafo si no por una única frase. Ese es el recurso del que se vale Montero para corporizar el aislamiento y la desesperación del analista T. Monroe, el narrador, que a lo largo del libro se propone escribir una novela también titulada Los incapaces. Desde ese instante el esfuerzo de escritura de T.
Monroe se yuxtapone con el del autor –T. Monroe es un anagrama de Montero– generando un juego de espejos entre ambos dificil de discernir. “La desesperación a ese T. Monroe no le dio respiro y su desesperación tampoco me dio respiro a mí.”, cuenta Montero. “Lo principal fue mantener viva la desesperación de T. Monroe, por eso mientras escribía, asociaba, y lo asociado, al menos como referencia, lo apuntaba a continuación, y cuando aquello en lo que venía se mordía la cola por así decir, tomaba lo inmediatamente apuntado y así sucesivamente hasta que ya no soporté más y puse fin”. La lectura de Los incapaces es ardua pero no por eso menos gratificante. A lo largo del libro T. Monroe y Montero reflexionan con lucidez y descarnadamente sobre temas universales como la soledad, la familia, el amor, el fracaso pero también sobre
otros más específicos como el psicoanálisis, la literatura o la representación en el arte. La novela expone todo el tiempo su proceso de escritura y ese proceso es profundamente tortuoso. Montero no se guarda nada y nos sumerge, como decía el personaje de John Goodman en El gran Lebowsky, en “un mundo de dolor”. Por eso esas cuatrocientas páginas tienen en verdad la potencia de cuatrocientos golpes bien asestados. Resulta imposible salir ileso de la lectura de Los incapaces. Si bien el narrador habla de sus “formas bernhardianas” también nombra a Faulkner, justo un escritor que delimitó muy bien su espacio literario. Lo inquietante de la geografía de Los incapaces es que tiene muchos aspectos reconocibles del conurbano bonaerense y también una cosa foránea, ligada a EEUU, como las barbacoas o los nombres anglosajo-
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nes. ¿Cómo trabajaste esa fusión? La geografía de la novela ya venía armada desde mi experiencia vital, nací efectivamente en el conurbano bonaerense, y después de más de treinta años en Capital Federal, construí casa nuevamente en el conurbano donde hoy todavía trato de sobrevivir. Por supuesto William Faulkner, como todos a los que en Los Incapaces se alude con el calificativo de favoritos, de una u otra forma, funcionaron para mí como habilitadores, me autorizaron al uso, y muchas veces abuso, de matrices de enunciación por así decir. En ese sentido las maneras llamadas en la novela bernhardianas de hacerme a la palabra, operaron en la dirección de intentos recursivos de coser palabras apelando al arbitrio de la exageración para procesar lo propio y más íntimo. La fusión con lo anglosajón, y en general con lo más bobo de lo anglosajón, actuó en Los Incapaces como descompresión, hubiera sido demasiado escribir desde mi tragedia acerca de la tragedia de T. Monroe utilizando los nombres históricos, los auténticos. Además el mismo carácter anagramático de la inicial y el apellido del narrador me empujó de entrada hacia lo anglosajón. Y ciertamente porque tampoco me gustan como suenan los nombres y apellidos en castellano. Además de esos autores extranjeros que nombrás en el libro, me gustaría saber cuál es tu relación con la literatura argentina. Es inevitable que te pregunte por Saer, a quien en varios aspectos tu escritura recuerda, aunque en tu caso, por ejemplo, el recurso de la frase larga, compuesta, llena de aposiciones, está llevado a un extremo. Desde mi punto de vista la narrativa es
siempre y en todos los casos un ejercicio de elaboración. En ese sentido la literatura argentina y latinoamericana en general, pienso, está atravesada por escritores que en términos formales mantienen una pasmosa distancia con la propia tragedia, y que entonces narrativamente jamás terminan de ir al fondo. Que escriben acerca de pero por lo común nunca desde. Y que así se hojaldran unos en otros, y se pegotean con lo que escriben en lo que escriben y, claro está, por lo común de la forma más afectada y diletante. Desde mi enfoque esta es la particularidad de la literatura latinoamericana, no sólo lógicamente, ya que hay literaturas todavía más distantes y por eso más intrascendentes ―insisto que salvando como se dice habitualmente honrosas excepciones, el mismo Saer, Onetti, el gran Rulfo…, muchos sin duda. Pero la mayoría son evidentemente lucidísimos cuando se trata de tramar aunque terriblemente elusivos cuando se trata de vérselas con lo más íntimo y por eso más comprometedor, es decir, cuando se trata de achicar distancias con lo insoportable. De hecho me parece, me pareció siempre, que el problema de la narrativa argentina y latinoamericana es, repito que en general, un problema de compromiso con lo esencialmente desesperante, para mí, fundamento y razón de toda narrativa. ¿Entonces cuánto hay de autobiográfico en Los incapaces? En la novela hay una concepción muy trágica de la institución familiar. ¿Esa es tu propia visión de la familia? Insisto, para mí la verdadera literatura es siempre en primera y última instancia literatura de elaboración, a mayor o menor distancia, de lo autobiográfico. No se
puede uno desprender de lo autobiográfico en tanto tragedia. Las historias familiares son siempre tremendas. Creo que la familia como institución es, como en definitiva toda institución, en sí misma tremenda. ¿Sos psicoanalista como T. Monroe? Podría decirse que tengo muchas profesiones y que practico muchos oficios, y que siempre fue así en mi vida, la inquietud como un rasgo constante y un modo de encararla y tratar de hacerla, como digo, un poco más soportable. En cuanto al psicoanálisis, considero que es un sistema entre muchos otros de hacer y hacerse una pregunta que al fin de cuentas remite siempre a lo más íntimo y entonces más insistente y punzante y atormentador. Y también un sistema para cargar con esa pregunta, y para llevarla adelante, para hacer que se expanda e incremente siempre, y un sistema para soportar esa pregunta como interpelación, y, entonces, para el esfuerzo de no contestarla nunca que sería una de las estrategias del silencio. MARTÍN CAAMAÑO
LOS INCAPACES Alberto Montero
Entropía 379 páginas $280
MÚSICA
Radiohead A Moon Shaped Pool XL Recordings
Desde Ok computer en adelante cada nuevo disco de Radiohead es un acontecimiento artístico relevante. El grupo nunca volvió a ser el mismo luego del salto al abismo que supuso Kid A y Amnesiac. Cuando en 2003 salió Hail to the thief se decía que habían vuelto a explorar su costado más cancionero. En parte
M83 Junk Mute
El efecto revisionista y nostálgico de Daft Punk parece haber calado hondo en sus colegas. Tal vez Ramdom Access Memories tuvo su mejor lado B en el impecable It’s Album Time del noruego
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era verdad. Pero el virus de la experimentación radical ya había sido contraído y temas como “The gloaming” o “Blackdrift” serían impensables previos a Kid A. Algo parecido se puede afirmar de este nuevo disco. Si con In rainbows la banda consiguió condensar todos sus atributos no solo en el mismo álbum sino prácticamente en cada canción, con el siguiente -el breve The kings of limbs- volvieron a ser experimentales. Sin embargo ese disco tiene dos canciones (“Codex” y “Give Up The Ghost”) que simbolizan las vertientes más tradicionales de la banda: las baladas de piano y las de guitarra acústica. Mientras todos los pronósticos -a juzgar por los proyectos paralelos de Thom Yorke con el proyecto Atoms From Peace y el disco solista Tomorrow Modern Boxes- indicaban que Radiohead seguiría por la senda de The kings of limbs, con A Moon Shaped Pool indagan más que nada en esas dos variantes que apenas titilaban en su predecesor. Temas como “Desert Island Disk”, “The Numbers” y “Present Tense” están guiados por la guitarra acústica y en cambio “Daydrea-
ming”, “Glass Eyes” y “True Love Waits” se apoyan en el piano. En el medio, digresiones varias. “Ful Stop”, con su aire kraoutrock, e “Identikit” son los puntos de mayor riesgo; “Burn The Witch”, tanto desde lo musical como desde la letra, recuerda a Hail to the thief, así como “Daydreaming” con sus voces en reverse tiene algo de Kid A y las programaciones de“Tinker tailor soldier sailor rich man poor man beggar man thief ” remiten a Amensiac. La omnipresencia de las cuerdas arregladas por Jonny Greenwood sin duda son el sello distintivo del disco. Si bien A Moon Shaped Pool tiene algo de disco de ruptura -Yorke se separó de su mujer después de 23 años juntos- con frases tales como “los corazones rotos hacen llover”, Radiohead siempre lleva las cosas más allá y acaba interpelando a la condición humana toda y el presente que le toca vivir: sus anhelos, sus temores, sus puntos ciegos. “Estamos felices de servirte”, canta Yorke al final de “Daydreaming” y nosotros los oyentes, hechizados, aceptamos el servicio.
Todd Terje. Ahora los M83 eligen su propia aventura en busca de ese pasado dorado lleno de chatarra. El resultado es Junk, un disco que se despega de la épica de su antecesor, el doble Hurry Up, We’ re Dreaming, pero sin perder la grandilocuencia que los caracteriza. Junk es un marco para abrigar un conjunto de canciones sueltas sin la pretensión de conformar una unidad. Y si lo nostálgico en Hurry Up, We’re Dreaming terminaba sintonizando perfectamente con el más estricto presente, en Junk de tan explícito apresa al grupo en las peligrosas telarañas de lo retro. Aunque muchos críticos se hayan quejado de esto -sobre todo por el resultado irónico y sarcástico que ya se vislumbra desde el provocador arte de tapa- Anthony Gonzalez sale airoso del experimento sobre todo porque Junk está poblado de canciones irresistibles. “Walkway Blues” y “Time Wind”, con Beck de invitado, apuestan al pop ochentoso tipo Aspen con el desplie-
gue melódico y la emotividad que esta clase de música tiene como sello distintivo. Por otro lado hay lugar para baladas desgarradoras con el piano como hilo conductor. Es el caso de “Solitude”, que recuerda a sus compatriotas de Air y cuenta con un magnífico solo de minimoog, y de la melosa “Atlantique Sud”, uno de los puntos altos del disco. “Laser Gun” es una reescritura a mitad de camino de la insuperable “Midnight City” y la instrumental “Moon Crystal” podría funcionar tanto como la música de un videojuego de los ochenta como de una porno. En temas como “Bibi the dog” logran conjugar el pulso del presente con los restos del pasado y crear un hit bailable acorde a la época. En el cierre con “Sunday Night 1987” las voces espectrales le dan paso a un sorprendente solo de armónica cromática a la Stevie Wonder. Tal vez el gesto irónico de Junk pueda poner distancia. Pero a veces el resultado suele estar por encima de los gestos. Este es un caso.
MÚSICA
James Blake The colour in Anything Universal
Hay músicos que cargan con la imposición de mutar de disco a disco. Otros lo hacen por
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que no les queda opción y cada volantazo es en realidad la búsqueda desesperada de un estilo propio que, una vez hallado, permanece impoluto. Y por último existen músicos que simplemente no cambian, en el peor de los casos por pereza y conformismo, y en el mejor porque en esa repetición anida el ardúo trabajo -tan o más arduo que la mera vocación por el cambio- de pulir lo hecho ante cada nueva oportunidad. Sin dudas James Blake pertenece a este selecto último grupo. Desde su álbum debut, el productor inglés consolidó un estilo propio muy definido, caracterizado por ese minimalismo lento y melancólico donde su voz grave de soulman flota entre sintetizadores opacos e hipnóticas bases electrónicas. ¿Cómo seguir entonces? Blake lo hace repitiendo la fórmula y depurando su estilo para al fin y al cabo seguir conservando la magia. Ahora, escuchando el flamante The colour in Anything, nos damos cuenta que el
mayor intento de cambio fue su predecesor, Overgrown, donde los cuelgues instrumentales, las subidas de tempo en busca de algo similar a la pista de baile y los coqueteos con el hip hop se hicieron explícitos. The colour in Anything es un regreso a las fuentes pero con las huellas todavía calientes de aquellos tentadores desvíos. En tiempos donde abundan los álbumes cortos y los eps, Blake nos ofrenda 17 temas que parecen los movimientos de una única gran canción. Aunque algunas canciones hayan sido producidas por Rick Rubin o contado con la ayuda de Frank Ocean y de Connan Mokasine o en “I need the forest fire” se luzca la rugusa voz de Bon Iver, Blake se mantiene fiel a su sonido, a sus trucos, a su encanto. La suya es una música inmersiva e invernal. Por eso resulta extraño pensar que The colour in Anything haya salido en pleno verano europeo. Para nosotros es la banda sonora perfecta de este invierno que se adelantó.
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Miércoles 22
Tercera edición del ciclo que pone en escena a las mejores bandas del rock y el pop emergente. En esta oportunidad estarán los músicos Diosque, Viva Elástico, UN y Los Nuevos Monstruos y la artista Flor Cuesta junto a Juan Jiant y Fio. A las 19hs en La Trastienda (Balcarce 460). Generales: $100. VIP: $170.
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Viernes 24
Noche de alta dosis musical. El virtuoso guitarrista norteamericano, creador en los años 80 de la intrincada técnica de tapping para tocar su instrumento, vuelve a Bs. As. para deleite de los amantes del jazz y la buena música en general. A las 21hs en el N/D Ateneo (Paraguay 918). Entradas desde $350.
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Sábado 25
La reconocida banda chilena, destacada por crear un show en vivo audaz, enérgico y de gran calidad artística e interpretativa ha anunciado que se tomará un descanso pero no sin antes despedirse de nuestra ciudad. A las 21hs en Niceto Club (Av. Niceto Vega 5510). Entradas anticipas: $300.
BARES
el plan perfecto EN UNA MANSA ESQUINA DEL BARRIO DE NUÑEZ UNA ENTIDAD LLAMADA FRANCIS PLATZ OFRECE EL EFICAZ MARIDAJE DE HAMBURGUESAS CASERAS Y CERVEZA ARTESANAL. Tu nombre en una pantalla. Podrías llamarte Francis Platz, sin embargo no es lo que te tocó en suerte. Tus padres eligieron Daniel, Lucía, quizás Clara, o con arriesgada suerte Noel. Un epopéyico Ulises, el simple y efectivo María, o un musical Juan Sebastián. Pero no Francis Platz. En ese momento lo lamentás, y te decís que con ese nombre trascenderías, aún sabiendo que no es así: jamás trascenderías, ni llamándote Diego Armando. Y mientras deambulás pensando que a quién le importa la trascendencia, llegás a esa esquina, llamativa en su cuadra pero escondida en el barrio. Entrás, te atienden en el hall de lo que antiguamente fue una casa, y ahora ensombrecido de verde exhibe una pizarra que delata la especialidad: hamburguesas, ofrecidas en múltiples variedades, acompañadas con papas o (más recomendables) batatas fritas, mientras que para tomar todos los caminos conducen a la birra tirada artesanal. La cuestión es que al final el
cajero te pregunta un nombre para retirar el pedido, y si hay otro Martín esperando, le podés decir el que quieras, por ejemplo Francis Platz. Entonces pasás al sector de la barra y ves la pantalla, sabés que de un momento a otro ahí va a decir Francis Platz. Mientras esperás que te den lo que pediste sentís un poco de ansiedad. “¿El próximo seré yo? ¿Seré Francis Platz por un par de minutos?” Ves sobre la barra una fotografía en blanco y negro, tan antigua como parece, con el retrato de un hombre calvo y prolijamente vestido con saco y corbata. Quizás sea el verdadero, y quizás nada que ver. Pensás en mirar si su mueca cambia al aparecer el nombre en la pantalla, pero es improbable que eso pase en una fotografía. Ahí empezás a preguntarte quién pudo haber sido. Googleás y no te enterás. En definitiva podés ser vos, porque en realidad no es nadie que haya, justamente, trascendido. Es un inglés que se murió hace treinta
años, un francés responsable de una Agencia Energética, un bávaro del siglo XVIII, incluso un puñado de yankees longevos. Y en el momento en que la pantalla dice Francis Platz te sentís en tu casa. La imagen no se inmuta, de modo que más aliviado y con tu bandeja pasás al salón principal, dominado por la gran mesa comunitaria de unos siete metros de largo, coronada por lámparas flotando y colgando de cables que suben, bajan y se entrecruzan. Sentado allí comés con quien hayas ido o sino con perfectos desconocidos, al menos hasta ese momento. O para sentirte más espectador podés elegir una de las barras que están sobre las paredes llenas de frases y de Francis. Mallmann, Bacon, el discutible de Asís y el ingenioso Kafka. Ah, y también Platz, pero ese ya no sos vos, sino esa esquina que abre a las 17 hs. en la semana y funciona también como after office, mientras que los fines de semana ya desde las 13 hs. se puede ir a almorzar. El cierre siempre se
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extiende hasta después de la medianoche. Francis Platz puede ser también sus patios (el de la entrada y el del fondo), pero más que nada es esa variedad de siete hamburguesas especialmente preparadas con carne de bife de chorizo, entre las que se destacan todas pero te inclinás por probar ‘la tana’ (con muzzarella, tomate grillado, rúcula y pesto) y ‘la marroquí’ (provolone, tomate, pepino, lechuga, alioli) con buen resultado. También existe la opción vegana (hamburguesa de soja en cualquiera de los estilos ofrecidos). Las cervezas Bier Haus y Don Santiago de Ortúzar ejercen una buena compañía. El enigmático Francis ofrece promociones como hamburguesa con fritas y salsa a $ 110, y con una pinta de artesanal $ 165, entre otras opciones, y happy hour de 17 a 20 hs. Allí Francis Platz somos todos, la complicidad nos aglutina, lo mismo que la posibilidad de comer hamburguesas donde las fotos se condicen con la realidad y la birra es una opción recomendable. Luego te irás y entenderás que también formás parte de esa rebeldía de transformar una esquina
tradicionalmente aletargada en un punto activo de encuentro y movimiento. Bonus Track: a cambio de donar un libro usado, podés llevarte otro.
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Francis Platz Quesada 1892, Núñez Lunes a Viernes desde las 17 Sábados y Domingos desde las 13 francisplatz.com Facebook: FrancisPlatz
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