Revista Llegás. Edición 185

06-07 / 2014 #185 aĂąo X www.revistallegas.com.ar

teatro

arte bares buenos aires mĂşsica cine noche letras

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Laberinto masticable, pastillas de risa, un espectáculo de humor para chicos de la compañía Laberinto, se representa 22, 23, 24, 29, 30 y 31 de julio a 15 y 16.30 en Chacarerean Teatre (Nicaragua 5565), $100 Javier Perianes, reconocido pianista español, ofrece un recital el 22 de julio en el Museo de Arte Hispanoamericano Isaac Fernández Blanco (Suipacha 1422), gratis Rayuela, una muestra para armar, se exhibe hasta octubre en el Museo del Libro y de la Lengua (Las Heras 2555), gratis

OBRA DE TAPA RES (Buenos Aires, 1957) obtuvo reconocimientos

SUMARIO

como el Premio Leonardo del Museo Nacional de Bellas Artes (1998), la beca de la Fundación Antorchas (2003) o el Premio Nacional de Fotografía Fundación OSDE (2005). Ha publicado libros como El

juicio, lo abyecto y la pata de palo (2009), Intervalos intermitentes (2008), La verdad inútil (2006) y RES la verdad inútil (2003). La obra de tapa integra NECAH 1879. No Entregar Carhué Al Huinca puede ser visi-

4-5 ARTE Veintiséis artistas contemporáneos de la Mesopotamia argentina reflexionan sobre el paisaje en Fundaión Lebensohn.

6-9 BARES El Cocilón del Clú o la parrilla de barrio con onda que faltaba en una esquina de Colegiales.

tada junto a obras de Facundo de Zuviría, Santiago

10-11 MÚSICA Así suenan los últimos trabajos de Sebastién Tellier, Lykke

Porter, Graciela Sacco, Marcelo Brodksy y Gabriel

Li y Nat Baldwin, además de la agenda con los principales recitales.

Valansi, en la muestra colectiva Territorio.

NECAH 1879. No Entregar Carhué Al Huinca, 1996 24 fotografías de 18 x 24 cm., gelatina de plata entonada al selenio sobre papel Rolf Art, Doctor Gervasio Posadas 1583, PB A Hasta el 28 de julio, lunes a viernes de 11 a 20 Gratis

12-13 LETRAS La antología Ficciones súbitas reúne una quincena de necrológicas de personajes conocidos, y todavía vivos.

14 BUENOS AIRES En fuga huye, ahora sí, a bordo del 152.

15 CINE Hay terapia en la butaca contra los excesos futboleros: La mejor oferta y Gracias por compartir.

16-17 NOCHE La venganza será terrible y veinteañera en la noche radiofónica gracias a la conducción de Alejandro Dolina.

18-30 TEATRO Canciones para ojos cerrados, de Juan Crespo, y El Topo, de Luis Cano, además de Natalia Carmen Casielles en 4.000 caracteres y críticas de otras obras de la cartelera independiente.

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QUIENES SOMOS

Editor Responsable Gustavo Gaona EDITOR DE CIERRE Armando Camino EDITOR Juan Ignacio Crespo DISEÑO Daniela Sawicki DIAGRAMACIÓN Julieta Golluscio COLABORAN EN ESTE NUMERO Luz Marchio (arte), Ana Claudia Rodríguez (bares), Martín Caamaño (música), Vera Czemerinski (buenos aires), Martín D’Adamo (noche), Nazareno Brega (cine), Isabel Arias, Paula Boente y Mara Teit (teatro).

TIRADA DE ESTA EDICION 16 mil ejemplares Publicidad: Ricardo Tamburrano (15 5958 7489, ricardotamburrano@gmail.com y teatro.llegas@gmail.com) Esteban Gallego (15 5637 5153 y www.egmediabrokers.com.ar) llegás a buenos aires es una publicación mensual de distribución gratuita, Propiedad de GyH Contenidos Srl, Chile 1507, Piso 2. CP. 1100, CABA. Fundada el 5 de agosto de 2004. Se distribuye en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Registro de marca 2519629. Registro de la propiedad intelectual exp. 347083. ISSN 1668 – 5326. La programación de las agendas puede sufrir cambios por parte de los organizadores. Llegás no se responsabiliza de los mismos.

ARTE

la duración del instante FUNDACIÓN LEBENSOHN Y HACHE PRESENTAN LA TIERRA INCOMPARABLE, REFLEXIón dE VEINTISÉIS ARTISTAS CONTEMPORÁNEOS DE LA mesopotamia SOBRE LAS FRONTERAS. Existe un lugar donde la lluvia guarda un secreto. Allí, la tierra expresa la resonancia del agua en un instante cifrado. Como si fuera una tarea pendiente que debe ser retomada una y otra vez, el río borra las grietas y, con el tiempo, distintos recorridos se trazan sobre un mismo camino. Así como el barro está destinado a mutar para ser siempre otra cosa, nuestro pasado permanece en el presente para ser modelado en futuro. En la construcción de la memoria, los hechos se entregan sin materia a lugares como eslabones de una misma topografía, pero ¿es esto suficiente? Juan

José Saer, en El río sin orillas, decía sobre su tierra natal: “Habiéndolo dejado por primera vez a los treinta y un años, después de más de quince de ausencia, el placer melancólico, no exento ni de euforia, ni de cólera ni de amargura, que me daba su contemplación, era un estado específico, una correspondencia entre lo interno y lo exterior, que ningún otro lugar del mundo podía darme.” Gran verdad. Las historias contienen las ideas y los valores del universo en el que fueron creadas. Sin embargo, es válido preguntarse si existe la posibilidad de desterritorializar esa voz.

La tierra incomparable –exposición organizada por Fundación Lebensohn y Hache– retoma este debate. Sin importar las distancias ni los límites geográficos, plantea un concepto de territorio expandido, propio del mundo contemporáneo.

Curada por Herminda Lahitee y Verónica Kaplansky, esta muestra reúne la producción de veintiséis artistas contemporáneos de la Mesopotamia argentina que viven y/o producen en sus lugares de origen entre los que se encuentran: Jorge Alegre, Leo Almada, Valeria Anzuate, Marco Bainella, Emiliano Bonfanti, Héctor Borges, Hugo Bra-

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ga, Cecilia Cambas, Richar De Itatí, Sergio Falcón, Alejandro Fangi, Enzo Giménez, Gonzalo Koliva, Edgar López, Lucas Mercado, Mati Obregón, Miguel Ortega Barbaro, Maximiliano Peralta Rodríguez, Diego Ezequiel Pogonza, Fabián Roldán, Cintia Clara Romero, María Julia Rossetti, Vicky Ruiz Díaz, Horacio Silvestri, Horacio Vallejo Almada, Alberto Ybarra.

Mediante pintura, dibujo, textil fotografía y videoperfomance la muestra pretende ampliar el abanico desde lo técnico y lo experimental En una puesta multidisciplinaria donde se exhibe pintura, dibujo, videoperformance, textil y fotografía, la idea es ampliar el abanico no solo desde lo técnico sino también desde lo experimental. Teniendo en cuenta la temática del paisaje, este grupo de artistas reflexiona sobre su historia y su identidad en un clima de pura heterogeneidad que oscila entre la indagación histórico documental y la ironía de la mitología popular. En Cerro Cora, la videoperformance de Valeria Anzuate, el cuerpo se convierte en texto para narrar la historia de las mujeres de soldados de la guerra de la Triple Alianza; Diego Pogonza revisa los mitos regionales mediante una delirante conformación arquitectónica en la obra Basílica de Itatí de pie, donde el estático monumento

se convierte en Transformer para avanzar por el letargo de las calles. Por otro lado, Albert Ybarra presenta unas pinturas de carácter surrealista con un guiño permanente al arte universal. En Yacarè cantando, un reptil le canta orgulloso a un cuadro de la Mona Lisa apoyado en un árbol; como si fuera poco, la mirada de los patos siriríes de Marco Bainella interpela al espectador/ viajero que recorre todo este vasto territorio. Estos son solo algunos ejemplos de la infinita cantidad de situaciones que se desarrollan en un mismo espacio. Puede que la clave esté en el título mismo de la muestra: la tierra que cada voz pronuncia de manera incomparable.

Como esquejes destinados a crecer y transformarse en algo más, los hechos se conservan en la memoria para hilvanar un tejido. Quien guarda en el cuerpo el sonido de una gota que cae sobre la tierra, trae consigo el don intransferible de captar el instante.

LUZ MARCHIO

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LA TIERRA INCOMPARABLE Fundación Lebensohn

ARANOVICH

La producción Claudia Aranovich luce sólida y homogénea en una interacción entre lenguaje formal y contemporáneo, abstracción y pura expresión. Antología de obras 19842014 supone una mirada retrospectiva con esculturas, instalaciones, relieves, objetos lumínicos y una videoinstalación para recorrer los puntos de inflexión de su carrera. Utiliza el juego entre lo natural y lo artificial, creando una obra rica y diversa con apelaciones a la memoria mediante resinas transparentes, maderas, metales y otros materiales.

Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori, Infanta Isabel 555; hasta el 17 de agosto, martes a viernes de 12 a 20, sábado y domingo de 10 a 20, $5 y gratis miércoles y sábado

General Hornos 238 Hasta el 8 de agosto Lunes a viernes de 14 a 19,

DETOURNALIA

miércoles de 14 a 18 Gratis

Detournalia es una palabra inventada y a la vez muy precisa: significa “territorio de desvíos” (en francés, détours). Se refiere a la proliferación de vueltas de la imaginación diarias de Fabio Kacero, un artista difícil de asir que se escapa constantemente y, sin embargo, llama a pensar y a experimentar el arte siempre desde otro punto de vista.

Por eso, no extraña que, tras más de una década con obras principalmente formales, hacia inicios del siglo empezara a escribir, a imaginar libros y otros modos de leer.

Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA), San Juan 350; martes a viernes de 11 a 19, sábado y domingo de 11 a 20, $10 y martes gratis

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BARES

a la parrilla con encanto

¿FLORES DE TELA Y SILLAS DE PLÁSTICO? EN EL COCILÓN DEL CLÚ, NO: ESTA PARILLA COQUETA DE COLEGIALES SUMA UN AMBIENTE ACOGEDOR A LA COMIDA CASERA CON PRECIOS RAZONABLES. “¿Nunca fuiste al Cocilón del Clú?”, preguntaba siempre Hugo Zacsek a los más cercanos. Y todos, invariablemente, contestaban igual: “No, nunca”. La respuesta era lógica: El Cocilón del Clú sólo existía en la cabeza de Hugo; era parte de una invención suya para sembrar la intriga entre los amigos. “Si nunca fuiste, no sos nadie”, insistía. La fantasía, sin embargo, tomó cuerpo muchas décadas después porque en 2012 su hijo Lucas, Lucas Zacsek, se encargó de abrir, bajo ese nombre, un pequeño restaurante en una esquina espléndida de Colegiales. Así que hoy, un lunes de otoño, unas letras grandes recuerdan en la puerta esa vieja provocación: El Cocilón del Clú – Bar y cocina de barrio.

Una vez atravesado el umbral, el cliente verá esto: ocho mesas, cada una con su flor natural, un espejo grande de colores, lamparitas verdes, amarillas y lilas, sillas tapizadas con estampados chillones, una decena de cuadros en las paredes y filas de cactus en macetas a rayas. El cliente oirá esto: a Jorge Drexler cantar bajito y, en la tele, a un comentarista relatar el partido

de fútbol (la tele es una excepción, son cosas de la Copa del Mundo). Todos miran la pantalla y de repente, con el balón casi dentro del arco, suena “uuuuuuh” en el espacio y los tenedores quedan suspendidos en el aire. Al volver al plato encontrarán de nuevo el menú del día: vacío con ensalada y papas, o bien un plato de sorrentinos (junto con la bebida y el postre o café se ofrecen por $70).

“Parrilla, pastas y minutas. Esas son nuestras tres especialidades”, dirá luego Lucas, que ahora sirve en cada mesa desparramando simpatía. A muchos de los clientes les llama por su nombre, los despide con un beso o les bromea. “Lo que faltaba en el barrio era una parrillita con onda”, explica ahora, ya sentado y con la carta de su emprendimiento en la mano.

Ahí señalará las pastas “recién amasadas”, sorrentinos caprese, por ejemplo, o de queso brie, de osobuco o molleja (de $54 a 70); el chinchulín o la morcilla de la parrilla (la variedad de comida a la brasa se ofrece de $20 a 90); o las minutas, que no superan los $70. Junto con las carnes, los clientes prefieren también las ensala-

das (de $ 55 a 74) y, cómo no, el dulce final: entre otros, la chocotorta ($50), el arroz con leche ($42) o el brownie con dulce de leche y helado de crema ($55).

En la pizarra donde se recuerdan los postres El Cocilón del Clú escribe “barriga llena, corazón contento a toda hora”. Y cuando los comensales están ya contentos, pagan y se retiran, justo en el momento en que los jugadores abandonan la cancha.

Afuera, en la terracita, una chica lee el diario y una niña pinta ante la mirada del padre. Hace sol. En el aire hay buena onda.

Ana Claudia Rodríguez

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EL COCILÓN DEL CLÚ Conesa 1299, 4553-2484 Domingo a martes de 8 a 19 y de miércoles a sábado de 8 a 1 Ambiente, colorido; atención, muy buena; recomendación, los platos de parrilla, las ensaladas y la limonada natural y fresca

B/R !

BARES Y RESTAURANTES bares@revistallegas.com.ar

DOÑA

Bulnes 802, esq. Humahuaca Reservas: 4862-9278 Doña es una cantina que intenta homenajear a los grandes bodegones de Buenos Aires desde la mirada del presente, rescatando ese espiritu que nosotros recordamos de nuestra infancia.

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ERMAK

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TIEMPO DE GITANOS

Restaurante - Tablao Flamenco El Salvador 5575, Palermo hollywood, tel.4776-6143 12 años con el mejor show flamenco y la cocina española imperdible, para venir con amigos de tapas, aprovecha y presenta el aviso de esta pagina para obtener un 2x1 en entradas al show. www.tiempodegitanos.com.ar

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Billinghurst 699 esquina Guardia Vieja.

Reservas: 4863-7923 Comedero & Bebedero ubicado en una clásica esquina de Almagro, con un ambiente ideal para relajarse con amigos o en pareja. Exquisitos platos caseros, picadas, tragos, cervezas, vinos y buena música para condimentar.

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Guarda la Vieja!

ASOC. JAPONESA EN LA ARGENTINA

Viernes, shows con cantante ruso Billinghurst 815. Almagro.

Reservas e Informes al 4862-0170.

Abierto de mar. a dom. de 20 a 1. Auténtica comida de Rusia y Ucrania. Una propuesta de sabor diferente. Pelmeni y Vareniki de papas y hongos, suprema a la Kiev, Pirogki (pancitos rellenos con ciruela, frutilla o manzana).

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LA REINA KUNTI

Humahuaca 3461. Abasto.

Reservas e informes al 4863-3071.

Delicias vegetarianas de la cocina védica. Un rincón para espiritualistas donde el aire que se respira es más liviano. Chutneys, arroces varios, ensaldas y pastas. Deliveryc atering. Martes a sábados de 10:30 a 0:30.

San Martín 975. Retiro.

Reservas 4311-0312 / 1871.

Cultura gastronómica ítalo-véneta, lugar de diversión, para mirar y ser visto. Música, siempre. Excelentes las pizzas y la mejor barra de tragos. Más información en: www.provision@filo-ristorante.com

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Independencia 732. San Telmo.

Reservas 4300-5848 / 9538.

Comida japonesa en uno de sus lugares más tradicionales. Men ruy, tempura, sashimi, sushi y los típicos platos gyoza, katsudon. Lun. a jue. de 12 a 15 y de 19:30 a 23. Vie. de 12 a 15 y de 20 a 0. Sáb. de 20 a 0.

Musetta Caffé

Musetta Caffé. Billinghurst 894, esquina Tucumán.

Información y reservas: 4867-4037.

Disfrute de los mejores desayunos, meriendas, almuerzos y cenas. Lunes de 10 a 20; martes a viernes de 10 al cierre; sábados de 17 al cierre.

Más información en www.musettacafe.com

Guarda la Vieja!

Comedero & Bebedero ubicado en una clásica esquina de Almagro, con un ambiente ideal para relajarse con amigos o en pareja. Exquisitos platos caseros, picadas, tragos, cervezas y vinos. La música condimento ideal de la noche.

No cobramos cubierto.

Pago solo efectivo.

Billinghurst 699 esquina Guardia Vieja.

Teléfono: 4863-7923 Abrimos todos los dias.

Horario: Domingo a Jueves de 18 a 2 hs. Viernes y Sábado: 18 a 5 hs.

MUSICA

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Nat Baldwin In the hollow Western Vinyl

Nat Baldwin es bajista de Dirty Projectors, el excepcional grupo de Brooklyn liderado por el genial cantante, guitarrista deforme y compositor Dave Longstreth. Pero en paralelo, Baldwin cultiva una carrera solista, conformada por varios álbumes en los cuales compone, canta y ejecuta de manera magistral el cello. Con el flamante In

Lykke Li I never learn LL

¿Qué pasa cuando un músico obtiene un éxito con su segundo disco? ¿Cuál es el próximo paso? ¿Cómo seguir? Estas no parecen ser preguntas que inquieten demasiado a la cantante sueca Lykke Li. Si bien el tema (y su posterior remix) I follow rivers, se convirtió en un hit con todas las letras, en Sadness is a blessing, ya se planta-

the hollow parece haberse alejado del gesto experimental que sobrevolaba sus discos anteriores, depurando ese sonido tan particular y poniendo el foco en las canciones. Es curioso el caso de Baldwin. Escuchando su música resulta imposible evitar la comparación con Longstreth. El parecido en el timbre de voz, el modo de cantar y componer, esas melodías llenas de saltos, que muchas veces desembocan en falsetes inesperados, más de una vez hace pensar que oímos a un Dirty Projectors naked de guitarras eléctricas, sintetizadores y coros femeninos delirantes. Pero a su vez la propuesta no deja de resultar original: en este caso canciones vestidas únicamente con cuerdas, batería y voz. Bajo este dogma sonoro, temas como el emocionante Knockout o el sentido Sharpshooter, picos indiscutidos del disco, se lucen gracias al modo en que fueron tomados los instrumentos en la grabación, logrando un sonido seco que se convierte en un sello de todo el álbum. La ecuación es clara: minimalismo a fuerza de riffs de cello, voces diáfanas y baterías que parecen tocadas adentro de un galpón.

ba como una ronette del siglo XXI: el ritmo de batería, los bajos de piano, las capas de reverb erigiendo una pared de sonido a la Phil Spector. En ese tema, y quizás también en la tranquilidad intimista de Unrequite love, se puede rastrear el germen musical del sucesor I never learn. Sí, para Lykke Li la tristeza es realmente una bendición porque, tras separarse de su novio, se encerró en el estudio de grabación y delineó un álbum de desamor, exento del eclecticismo y la pirotecnia de producción que tanto fascinaba en Wounded rhymes. El tema homónimo cabalga apenas sobre una guitarra acústica y un arreglo de cuerdas memorable para darle paso una tanda de canciones desgarradoras. Más de una suena a clásico instantáneo. La impecable Gunshout tiene ecos de Madonna, en Heart of steel coquetea con el gospel y la ochentosa Never gonna love again no desentonaría en la programación habitual de Aspen. Los títulos de las canciones ya lo dicen todo. I never learn funciona como un amplio catálogo de baladas, que al principio desconcierta pero que cautiva a cada nueva escucha.

Sebastién Tellier L’Aventura Record Makers

Brasil está de moda. Además de ser una de las principales economías del mundo (o por causa de eso), parece haber una fiebre de adoración por su cultura: se difunden escritores, películas y músicos -aunque es sabido que la música brasileña siempre provocó una fascinación especial en el mundo. Pero lo más llamativo es que Brasil empieza a volverse tema y fórmula. No es la simple difusión de una cultura ajena, sino su apropiación y por ende su deformación. Eso es lo que el músico francés Sebastién Tellier hace en su séptimo disco. L’ Aventura se presenta como un álbum casi conceptual cuyo núcleo es la cosmogonía brasilera. Ya desde el arte de tapa, ultra colorido y tropical, pasando por referencias al carnaval, a la playa, a Río de Janeiro, al movimiento tropicalista (que desde Brasil hizo con el mundo lo que el mundo ahora hace con Brasil) hasta la propia música, que más de un vez coquetea con la samba y la bossa nova, puede sentirse el influjo del país del Mundial. Resulta inquietante como Tellier logra imbricar con buen gusto y sofisticación su sonido habitual -un refinado pop francés de sintetizadores- con instrumentos típicos como la cuica o el pandeiro. En el emotivo Sous le rayons du soleil (uno de los temas más logrados del álbum) y Ma Calypso suena como un Ryuichi Sakamoto francés, otro extranjero en deuda con la música brasilera. Por su parte Ricky l’adolescent y Ambiance Rio aportan la cuota disco sensual que no puede faltar en ningún álbum de Tellier.

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IMPERDIBLES DEL 15 DE JULIO AL 15 DE AGOSTO

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JUEVes 17

VIERNES 18

El tecladista, cantante y compositor presenta su segundo disco solista, el notable Los anteojos, junto a su banda La Vida Marciana. En una noche que promete una mezcla natural de pop, folk y rock and roll. A las 21 en Samsung Studio (5 de julio 444).

La voz de Bauhaus regresa a nuestro país para presentar su décimo disco solista, Lion, y repasar todos los temas que lo convirtieron, sin lugar a dudas, en el “padrino de la subcultura gótica”. A las 21 en Niceto Club (Niceto vega 5510).

El prolifero compositor vuelve a tocar con su banda habitual para presentar el material más power de todos sus discos, junto a invitados como Dario Jalfin, Pixel Holístico, María Ezquiaga y July Sky. A las 21 en Club Cultural Matienzo (Pringles 1249).

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Sábado 19

Rosal presenta Rosalx5, un ciclo que repasa toda su discografía. Cinco discos, cinco shows, uno por mes. Tras Educación sentimental, en junio es turno de Rosal, segundo disco, que consolidó el sonido de la banda.

A las 21 en Samsung Studio (5 de julio 444).

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LUNES 21

El grupo comandado por German Daffunchio sigue festejando sus bodas de plata, con el show 5x5. Esta vez es el turno de probar las canciones de siempre en un contexto más íntimo. A las 21 en La Trastienda Club (Balcarce 460).

MARTES 22 Y 29

Retomando un clásico en la historia de la banda, en que hacían “Martes Acústico con Los Tipitos sin interrupciones durante meses en años consecutivos, para celebrar su cumpleaños número 20. A las 21 en La Trastienda Club (Balcarce 460).

VIERNES 1

De regreso de dos extensas giras que la llevaron a tocar en los más emblemáticos escenarios y festivales de todo el mundo presentando su sexto disco, Wed 21, la artista Juana Molina vuelve a encontrarse con el público de Buenos Aires. A las 21 en Teatro Vorterix (Federico Lacroze 3455).

TALLER DE ESCRITURA AUDIOVISUAL

JUAN CRESPO CONTACTO: juancrespoguion@yahoo.com.ar

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LETRAS

descanse en papel FICCIONES SÚBITAS, ANTOLOGÍA IDEADA POR MERCEDES ÁLVAREZ, reúne NECROLÓGICAS DE PERSONAJES CONOCIDOS, Y aún VIVOS, COMO EL PAPA, MAURICIO MACRI O MARCELO TINELLI.

Murió el papa, descanse en paz. Mejor dicho, bueno, escrito en este caso, descanse en papel, porque el primer sumo pontífice católico nacido en Argentina tan solo falleció en el ámbito de la literatura. “No ladrarás ¡indígnense!/ agarrado a tu báculo./ No dirás que es virtuoso/ limpiar tu santa plata./ No confundirás gesto/ con acto, austeridad/ con redistribución”, escribe Erika Martínez en su Poema necrológico dedicado a Jorge Gorgolio, trasunto de Francisco I, y publicado en el libro Ficciones súbitas (Ediciones De aquí a la vuelta, 2014).

“No podíamos mantener los nombres originales por una cuestión legal, es una editorial pequeña como para afrontar posibles demandas”, explica la escritora Mercedes Álvarez (Tandil, 1979) como ideóloga de un volumen con el deceso imaginario de, además del papa, otros 16 personajes conocidos. A lo largo de un centenar de páginas mueren remedos de Mark Zuckerberg, Emir Kusturica, JeanLuc Godard, el Subcomandante Marcos, Mauricio Macri y hasta se suicida John Carpenter. De hecho, la notoriedad cons-

tituía la única premisa del ejercicio literario, inspirado pero superando la tradición periodística del obituario de archivo, propuesto a un grupo de autores con cercanía generacional a la compiladora. Aunque argentinos en su mayoría, la antología también incluye a tres españoles y otros tantos mexicanos: Inés Garland, Enzo Maqueira, Ignacio Irulegui, Gabriela Cabezón Cámara, Brenda Ríos, Fernando Gril, Tatiana Goransky, Florencia Parodi, Andrés Barba, Miguel Espejo, Luis Diego Fernández, Sebastián Pandolfelli, Sol Echeverría, Isabel Cadenas Cañón, Erika Martínez, Federico Vite y Juan Patricio Riveroll.

Algunos inmolaron a figuras de la “farándula” como Valeria Mazza, Graciela Alfano, Ricardo Arjona, Georgie Dan e, incluso, Marcelo Tinelli, eso sí, tras su proclamación como presidente de la Nación.

“Tal vez constituya un rasgo de época que muchos de ellos sean personajes mediáticos (¿queremos ver muertos a los famosos, a los poderosos? Quizá solo a aquellos a quienes detestamos, para ridiculizarlos, o a aquellos a quienes admiramos, para home-

najearlos)”, reflexiona en el prólogo Mercedes Álvarez, reciente premio de cuento latinoamericano Edmundo Valadés con el relato Grow a lover y también autora de los libros, Vecinos, Historia de un ladrón e Imitación de los pájaros.

Según se añade en el preámbulo, “la consigna fue amplia: los convocados podían inventarse parte de la vida del difunto, así como su manera de morir. El formato no debía circunscribirse al periodístico necesariamente. Cada quien reinventó a su muerto como lo ve en su cabeza, o como le gustaría que fuera. A veces el muerto se transforma en el propio escritor; a veces, en padre, madre o amigo (o, como Blancanieves, pasa de personaje de ficción inmortal a simple mortal)”. Por tanto, no resulta extraño que, finalmente, también perezca la propia compiladora. “Es justo y me reí muchísimo, es un texto muy divertido”, exclama Álvarez, no desde el más allá sino al otro lado del teléfono.

Precisamente, el volumen “es irregular como cualquier antología, y más con un tema tan complejo como la muerte, pero

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creo que cumple su objetivo lúdico”, subraya Mercedes Álvarez. Un “motivo de obsesión desde hace muchos años” como la muerte transformado gracias a una pasada estancia estudiantil en Inglaterra mediante la lectura de Philippe Ariès y Zygmut Bauman, completados con Séneca o Edgar Lee Masters, y ahora plasmado en un libro. En definitiva, la iniciativa de Ficciones súbitas, abunda en el prólogo, “me

parecía una respuesta al tratamiento de la muerte en nuestros tiempos. Una manera de conjurarla, por un lado, y por otra de deshacerse de las supersticiones, de mostrar que se puede ser libre de jugar con ella porque sencillamente forma parte de la vida”. Además, como relata el epitafio de Leslie Van Gouten y Ruth Ann Woorehouse, chicas Manson elegidas como protagonistas por Sol Echeverría, “si hay algo que

me enseñaron estos años es que los muertos son de todos, y de nadie”.

ARMANDO CAMINO

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FICCIONES SÚBITAS Ediciones De aquí a la vuelta, Buenos Aires, 2014 $100

TERCERO INCLUIDO de Eduardo Pavlovsky

El uso de espacios no convencionales en el Teatro Fábricas, galpones, medios de transporte, etc…

EN FUGA

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la batalla del 152

“Sale con fritas, mandalo como sea…”, le escuché decir al tipo que tenía parado casi sobre mi asiento, mientras me pedía permiso con gestos para sentarse en el que había quedado libre al lado de la ventanilla.

Corrí mis piernas hacia el pasillo para permitirle el paso. El tipo estaba algo excedido de peso, y tenía un maletín, un tapado colgando en el antebrazo y un par de bolsas en la mano, así que el pasaje fue medio aparatoso. Pero no tenía sentido que me corriera de lugar, en cinco minutos me iba a bajar y ya me estaba preparando para librar la famosa batalla del 152, nombre con el que la había bautizado hace un par de años.

El señor se sentó y desplegó su oficina móvil: abrió el maletín, empezó a sacar papeles, seguía hablando por teléfono. Insistía “mandala, querido, haceme caso”.

Del otro lado parecían resistirse a la idea.

Pero él no se daba por aludido ni por vencido. Me pregunté qué habría para mandar, aunque sabía perfectamente que no era mi asunto, pero a veces, sin demasiado para hacer en el viaje de vuelta, me daba por esas chiquilinadas.

Una chica de unos treinta y pico subió en la parada siguiente. La duda fatal de persona sentada se hizo carne: ¿gordita o em-

barazada? Indescifrable. No quería hacerme la zota, pero tampoco ofender a nadie.

Comencé a mirarla con un gesto amable a ver si capturaba el mensaje. Suponía que si se daba por aludida, entendería. Se limitó a devolverme la mirada. Su neutralidad aumentó la duda. Le sonreí, como para amenizar el vínculo, pero nada. La culpa pudo más y por las dudas me paré. Desde mitad del pasillo una vieja -no tan vieja- se tiró de cabeza en el asiento. Alpiste y el que se fue Sevilla, dos refranes juntos en tan pequeño y miserable acto.

Faltaban tres paradas para destino, pero por la humedad del ambiente era mejor aproximarme hacia la puerta de atrás. Comencé con perfil simpático, que por default es con el que arranco en colectivo lleno: delicados empujones acompañados de un “permiso” amable y de rigor. La densidad humana era grande, rápidamente cambié a perfil “neutro” y al toque nomás programé el “violento leve” porque si no, no llegaba.

Recién ahí me di cuenta bien dónde estaba.

Sucede así a veces, en el bondi como en la vida: uno percibe que está en plena batalla cuando hace rato que se encuentra adentro.

Faltaban nada más que dos paradas. Mientras me alejaba del asiento escuchaba cada

vez más clara la voz del tipo diciendo “mandala, por favor, que si no se pudre todo”: me perseguía al mismo volumen, como si me acompañara en la cruzada. Del otro lado del tubo, seguían sin entender. En fin…

El colectivo frenó en un semáforo y en el silencio del motor se escucharon unos acordes tímidos, lejanos. ¿Qué se cocinaba en la vanguardia del 152? Desde mi posición no veía absolutamente nada. Como si estuviera esperando el verde, apenas cambió la luz una zamba de mi esperanza furiosa le puso ritmo a la vuelta a casa. El cantautor -un tornado santiagueño- no sé cómo encontró el lugar para rasgar la guitarra, no cabía ni un alfiler, pero el tipo estaba lanzado, dispuesto a hacerse un lugar en esta sociedad y lo logró haciendo que lo escuchara aun el pibe de 16 años con dieciocho piercings que estaba estrenando el nuevo modelo de auriculares Sony. Ganó también el aplauso de una pareja de jubilados sentados por adelante, que comenzaron a vivarlo en medio del tema. Miré a Piercing: por mucha fiebre fanática que el cantautor despertara, no daba ni ahí para arrancar en ese momento con los aplausos.

Con seguridad, Piercing coincidía. “¡Viva! ¡Bravo!”. Se escuchaban tanto o más fuerte que la guitarra, se ve que la zamba los puso contentos. Envalentonado, el artista duplicó la apuesta y le puso énfasis al estribillo final. El tipo del teléfono -a quién con el barullo le resultaba algo difícil hacerse escuchar- subía también su vozarrón: “Mandala, imbécil, sos un gil, mandala, ¡¡apretá send!!”. La cosa se estaba poniendo fulera en todos los frentes, sentí que podía largarse a llover dentro del bondi. Faltaba sólo una parada. Momento de tocar el timbre.

A los codazos llegué hasta la puerta, ya estaba en la retaguardia, en la salida de este infiernillo sonoro y caldeado. El colectivo frenó, la canción llegó a su fin, los aplausos se callaron, y el del teléfono dijo “Qué grande, querido, lo mandaste… ¿viste que no era tan difícil?” Todo termina. Bajé los tres escalones y pisé tierra. Me sentí un pescador que alcanza la otra orilla. Por fin, después de un largo viaje, había llegado a casa.

VERA CZEMERINSKI

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CINE

terapia en la butaca DOS PELÍCULAS SOBRE TRASTORNOS MENTALES COMO LA MEJOR OFERTA Y GRACIAS POR COMPARTIR OFRECEN TRATAMIENTO CINÉFILO ANTE LOS EXCESOS FUTBOLEROS.

Las salas están desiertas. Sólo seiscientas personas fueron a ver el último jueves de junio el estreno Jersey boys, de Clint Eastwood, la película más importante de la semana. Todo el mundo está prendido a la tele. No son demasiados los estrenos que ofrece la cartelera en este mes disfuncional para los espectadores. El fútbol nos tiene a todos enfermos y dos de los lanzamientos tienen mucho que ver con los trastornos de salud.

Después de amagar más veces que James Rodríguez en el golazo a Japón, La mejor oferta por fin llega a la cartelera el 10 de julio.

Giuseppe Tornatore, que jamás va a poder desprenderse de la marca que significa haber ganado el Oscar con Cinema paradiso, cuenta la historia de un viejo y solitario martillero experto en arte que recibe el llamado de una extraña joven con agorafobia que desea vender la exquisita colección de pinturas heredada de sus padres. Allí arranca una peculiar relación que desarticula al altanero agente de subastas y cambia su vida por completo en función de la enferma que, sin salir nunca de una casona, irrumpe en su vida.

La mejor oferta es visualmente atractiva donde Tornatore le tira por la cabeza al espectador que cada uno de sus planos se encuentra milimétricamente calculado. A la película le sobran planos bellísimos pero esas obsesivas imágenes pensadas terminan por denotar cierta falta de nervio (o si se quiere, corazón). El director además recarga la película de simbolismos, varios de ellos muy cuestionables, cada vez que puede. No

tiene nada de malo ver al protagonista como parte de un preciso engranaje esperando en un bar repleto de relojes y tuercas en movimiento, pero cuando nuestro viejo solitario se llama Virgil Oldman y colecciona retratos de mujeres, uno ya siente que el director está abusando de nuestra confianza.

Tornatore apuesta por un thriller por momentos hitchcockiano -la película tiene más de una referencia a la idea de falsificación de Vértigo- que termina enredado en un previsible y estirado tercer acto. Ahí, cuando la resolución de la película exigía esa ampulosa perfección que Tornatore le imprime a cada imagen, La mejor oferta expone casi todos sus defectos, por más que un epílogo que deja abierta cierta ambigüedad busque sopesar esa sensación amarga.

Las enfermedades que marcan Gracias por compartir están relacionadas con las adicciones. La película se mete de lleno en una de ellas, la adicción sexual, y su mirada consigue esa levedad que era esquiva a la insoportable oscarizada Shame: sin reservas, sin ser una estudiantina moralista como la reciente Entre sus manos. La película busca siempre la carcajada que desdramatiza la situación incómoda, sin regodearse jamás en la canchereada.

Gracias por compartir escapa a las polémicas sobre si la adicción al sexo es o no una enfermedad y se dedica a mostrar la vida de quienes padecen esa disfunción. Este debut de Stuart Blumberg es una película coral sobre ese camino de doce pasos que recorre un grupo de personajes que se conocen en un centro

de rehabilitación mientras intentan sobreponerse y reconstruir relaciones afectivas.

Cada uno atraviesa un momento distinto de la recuperación de la adicción. Mark Ruffalo está a punto de recuperarse y conoce a Gwyneth Paltrow, una mujer ideal para rehacer su vida. Pero se siente obligado a esconderle su adicción por miedo a ser abandonado y eso marca la relación entre ellos.

Tim Robbins encarna a su padrino en el centro de rehabilitación y es la figura máxima del adicto rehabilitado, pero su mundo comienza a tambalear cuando tiene que lidiar con la adicción a las drogas de su hijo. Josh Gad llega al centro por orden de un juez y prefiere mentir y no reconocer su problema, pero entabla una relación con Pink, una nueva paciente que le pide que la apadrine.

El mayor hallazgo está en evitar esos largos monólogos de autocompasión que suelen marcar casi toda película sobre enfermedades, pero tal vez esa virtud exceda el talento del cineasta y se deba más a la falta de empatía con el público por la nula compasión social que suelen tener los adictos al sexo.

Pasó la mitad del año y, si ya empezamos el balance inicial sobre cuáles serán las mejores películas del año, Gracias por compartir y La mejor oferta no pareciera que vayan a convertirse en finalistas. Pero son al menos dos opciones dignas para escaparle a la enfermedad futbolera que nos tiene clavados al sillón mirando la tele.

NAZARENO BREGA

NOCHE

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la venganza es eterna DESDE HACE MÁS DE 20 AÑOS ALEJANDRO DOLINA LLEVA ADELANTE LA VENGANZA SERÁ TERRIBLE, CON PUERTAS ABIERTAS PARA QUIEN SE ATREVA A VER UN PROGRAMA DE RADIO. Mucho se habla de esta nueva era de lo descartable y fugaz, de aquello que no permanece en el tiempo. Celulares y electrodomésticos, matrimonios y directores técnicos, computadoras, el coche, los amores y hasta los credos parecen haber perdido la capacidad de aspirar a una vida más o menos duradera.

Sin embargo, ante este nuevo paradigma del desecho, hay focos de rebelión y resistencia, de incesante durabilidad ante la amenaza permanente de esta contemporaneidad avasallante. Y en este contexto, parece invertirse el proverbio: lo perdurable y bueno, ha de ser dos veces bueno. ¿Cómo se explica sino un Sir Alex Ferguson al frente del Manchester United durante 27 años, o la fama de indestructible del Nokia 1100? Ni hablar

del dúo periodístico-amoroso formado por Mónica y César, que llevan más de 30 años, compartiendo techo y trabajo. Si bien no abundan estos ejemplos en una sociedad que busca la novedad, nadie puede negar que existen y, además de los ya mencionados, esta nota refiere a uno de esos casos.

Alejandro Dolina, ese melancólico sujeto habitualmente vestido de negro, de gesto adusto y rulos perpetuos, además de ser músico, escritor y humorista conduce el programa radial La venganza será terrible, que ostenta la inusual marca de más de dos decenios en el aire liderando su franja horaria, de la medianoche a las dos de la mañana. Ahora bien, ¿qué tendrá que ver un programa de radio con la sección nocturna de esta revista? Ocurre

que La venganza se realiza de lunes a jueves (los viernes va grabado) con presencia de público que acude a ver un programa de radio, transformándose en una experiencia singular que combina humor, teatro, filosofía y música.

Como su conductor ha dicho en alguna ocasión, “es una infracción a las normas radiales que exigen que el público esté ausente”. Esta sana infracción puede cometerse gratuitamente en el auditorio de Radio del Plata, un salón con varias mesas redondas preparado para recibir 110 personas por vez, de modo que se aconseja ser puntual para no quedarse afuera.

Dolina no está solo en esta aventura, lo acompañan los periodistas Patricio Barton y Jorge Dorio, y a veces el genial

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Gillespi, siempre sentados a los lados del director de orquesta, acoplándose al ingenio y la agudeza que deja traslucir cada medianoche.

Alejandro, como su programa, tiene un estilo propio, no se preocupa por tapar baches radiales ni por los breves silencios de una conversación amigable y espontánea que sucede entre amigos y sin embargo maneja los recursos radiales como nadie. Entre él y su programa se produce una sinergia absoluta; podría decirse que uno está hecho a la medida del otro, y también viceversa.

A su vez, existe una manifiesta dualidad. El conductor observa las cosas con el prisma del humor, aún siendo absorbido por la inevitable angustia existencial que rodea al ser humano, como si el desconsuelo de la finitud hallara su nicho más fraterno en la risa y el absurdo. Por eso el tono principal del programa es humo-

rístico; sin embargo, en un segmento el conductor se dedica a hablar de historia, mitología u otras ramas del conocimiento, demostrando no sólo un gran saber sino también una atrapante capacidad narrativa.

Y para el último tramo del programa se reserva la parte musical, cuando El Trío Sin Nombre, formado por sus hijos Ale y Martín junto a Manuel Moreira, interpretan con el maestro Arnaldo El Sordo Gancé los temas que el público les pide.

La venganza nunca está marcado por la emisora que lo transmite, de este modo ha pasado por Radio El Mundo, Radio 10, Continental y FM Tango entre otras, mientras que ha recorrido numerosas salas y espacios, como el Multiteatro o el Café Tortoni, antes de recalar en el actual auditorio. Sin dudas, se trata de un programa itinerante, ya que además sale de gira por el interior y el extranjero, donde

suelen recibirlo con honores, como un radial Papa Francisco que se hace querer en cada puerto.

En Buenos Aires hay innumerables actividades nocturnas pero ninguna conjuga los elementos que Dolina presenta en su programa. Han pasado más de veinte años y La venganza sigue siendo terrible, en el mejor sentido que esta acepción pueda tener, lo cual no deja de ser otra inevitable dualidad.

MARTÍN D’ADAMO

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LA VENGANZA SERÁ TERRIBLE Lunes a jueves, de 0 a 2 Auditorio del Plata, Gorriti 5963 AM 1030 Radio del Plata Gratis

TEATRO

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mirar y cantar para otro lado CASI COMO UNA FÁBULA, CANCIONES PARA OJOS CERRADOS, DE JUAN CRESPO, SE METE CON LA MITOLOGÍA DE LOS AÑOS 70 EN UN PUEBLO EN EL QUE NADIE QUIERE VER NADA. Será por su tránsito por la crítica teatral que las inquietudes de Juan Crespo comprenden al teatro de manera holística: la elección de los temas, el desarrollo escénico, las actuaciones desmedidas, la ruptura en cuanto a estructuras y dinámicas, la lucha contra la solemnidad y el intelectualismo. Será también que, por primera vez, se lanza a dirigir, y lo hace, entonces, de manera arrolladora con dos obras en cartel en su rol de dramaturgo y director (además de Canciones para ojos cerrados, estrenó hace unos meses La persistencia de las últimas cosas) y una más como coautor (Cosas que tengo que decirte antes de ponerme de rodillas, junto a Martín Marcou).

Esencialmente, Canciones… trenza diversos mitos y rumores de pueblo. En este caso es Paso de los Santos, pero podría ser cualquier ciudad recluida, alienada, donde todo lo que podría llegar a escapar de lo formal y estricto es digno de manifestarse como escandalizante. Entonces profundiza un poco más y este relato lo sitúa a comienzo de los 70, donde el clima político, que desde una perspectiva actual parecía tener en vilo a todo un país, allí pasa casi desapercibido, excepto para una profesora que tiene un gusto particular por las canciones de protesta y con contenido político, y que un día ve pasar por unas vías en desuso un tren que lleva cadáveres. Mientras tanto, en la escuela

donde ella- Carmen, desahuciada y frustrada - es maestra, su compañera Elena, especie de antagonista cruel, bella y exitosa, se siente atraída por un alumno de quinto año. Un alumno que por una casualidad del destino, del mismo mito que protagoniza, cae en desgracia frente a un hecho lo suficientemente contundente como para remarcar la tragedia del “pueblo chico, infierno grande”.

Es interesante la manera en que Juan Crespo utiliza el cuerpo de este alumno, Gálvez, como objeto, cosificando en este caso a un masculino, pero siguiendo la línea del más débil. En su inocencia y su belleza, bajo la mirada libidinosa de Elena, lo que lo convierten en el mitema de la cuestión, desencadenante de lo que sucederá.

Y sin embargo, tampoco trata de eso.

Porque todo se vislumbra pero nada se profundiza lo suficiente, porque las preguntas de Juan Crespo acerca del quehacer teatral van hacia la puesta en acción de cada una de estas situaciones. Hasta parece tomarnos el pelo, al utilizar imágenes que claramente anclamos al reflejo que tenemos de los 70, pero práctica e ingeniosamente se deshacen en el mismo momento en que parecieran ir más allá, se caricaturizan y en este rasgo artificial dispara hacia temáticas dispares y tupacamariza la historia.

Las actuaciones son un suceso particular. Dentro del dispositivo escénico que

plantea desde la puesta, están delineados a trazo grueso y constantemente hacia el frente, nuevamente remitiendo a esta idea de lo teatral, ya que indaga acerca del funcionamiento del actor en escena, acerca del teatro en su carácter absurdo e inútil (en la obra, Elena pone en escena a un Hamlet de las Pampas, riéndose incluso de las tantas versiones de Hamlet de los últimos años).

Todo en Canciones… es riesgo. No hay lugares efectivos y seguros ya que el humor es algo más irreverente de lo que soportaría una obra de este estilo. Y sin embargo, funciona, porque no subestima al espectador, sino que lo invita a entrar en un juego que no tiene un sentido teórico importante pero sí un valor teatral penetrante.

Mara Teit

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CANCIONES PARA OJOS CERRADOS La Tertulia, Gallo 826 Viernes a 22.30 $90 y $70 Dramaturgia y dirección: Juan Crespo Interpretación: Julian Blutman, Soledad Cichilli y Ema Visini

La omisión de la familia Coleman

Bla Bla, la Película por Los Bla Bla

Viernes a las 22, sábados a las 19.45 y domingos a las 19. Paseo la Plaza, Corrientes 1660.

Una familia viviendo al límite de la disolución.

La omisión de la familia Coleman – Oficial

Viernes a las 21.30 y sábados a las 22 en Ciudad Cultural Konex, Sarmiento 3131.

Una reflexión sociocultural a través del humor.

Los Bla Bla

Quiroga y la selva iluminada por el Grupo Ojcuro

Alizia versión de Alicia en el país de las maravillas

En vacaciones de invierno de miércoles a domingo a las 17. Luego, domingos a las 17 en Ciudad Cultural Konex, Sarmiento 3131. Teatro ciego.

Quiroga y la Selva iluminada

Domingos a las 16 y en vacaciones de invierno de miércoles a sábados a las 17 en Timbre 4, México 3554. Sobre el desafío al orden real establecido.

Alizia

Perro, un cuento rural

Wake, up woman

Sábados a las 23.15 en Timbre 4, Mexico 3554.

Sobre el amor y el cautiverio.

Perro, un cuento rural

Sábados a las 21 en Puentes Amarillos, Libertad 1230. Sobre violencia de género.

Wake up, woman

Proyecto Posadas de Andrés Binetti

Los hechizados

Viernes a las 21 en Barbería La Época, Guayaquil 877. ¡Revolución en la peluquería!

Proyecto Posadas

Viernes a las 21 en El Crisol teatro, Scalabrini Ortiz 657. Sobre el amor incestuoso.

Los hechizados de Héctor Levy-Daniel

de Claudio Tolcachir

Dir. Laura Cuffini

de Hernán Grinstein

Dir. Michelle Wejcman

Dir. Guillermo Angelelli

Dir. Melisa Hermida

de Jorge Acebo

de Héctor Levy-Daniel

Marisol Cambre I Planificación y Gestión de la Comunicación I www.marisolcambre.com.ar

TEATRO

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el hombre que siempre estuvo EN EL TOPO, LUCIANO SUARDI Y LUIS CANO EMPRENDEN UN VIAJE NOSTÁLGICO HACIA ESOS ESCENARIOS QUE YA NO EXISTEN. EL TEATRO COMO MUSEO DE LA MEMORIA (Y DE SÍ MISMO).

La experiencia empieza aún antes de arrancar, en la entrada al teatro. La arquitectura y, sobre todo, la decoración del salón parecen parte de la invitación, algo intrínseco al cuento por contarse. La escenografía -un bello dibujo en perspectiva en tonos rosa viejo y blanco- deliberadamente artificial, predispone la mirada hacia una melancolía construida con los recuerdos de un tipo de teatro en extinción. La voz del autor y director (y circunstancial operador de luces de la obra) avisa “¡empezamos!”, reemplazando con su anuncio la subida de un telón que debería estar ahí, pero que ya no está. Ahora sí, comienza oficialmente el mundo de El Topo.

Y allí aparece Alonso, que viene a contar la historia de un hombre jorobado que vivió toda su vida en un teatro. Alonso será el anfitrión, el hilo conductor, y tanto el Topo como varios personajes de su historia irán cobrando forma a través de su presencia: pasearán por allí empleados, actores y actrices que vieron crecer al Topo entre bambalinas, entre las sogas y puentes de un viejo teatro. A medida que avanza el relato, se va desprendiendo de él la sensación de que sin el recuerdo, sin las palabras, o sin nadie que las diga, todo ese mundo estaría perdido bajo los escombros, aplastado por un tiempo que definitivamente fue. Es la persistencia de la transmisión la que no deja a las cosas caer en el olvido. En El Topo

se asiste a la construcción que genera el recuerdo, que aquí pareciera estar hecha no sólo de ficciones sino de la experiencia teatral que atraviesa la obra y cabeza de Cano.

La pieza carga una cierta ironía, una mirada concienzuda sobre sí, hecha bien desde adentro. Y para lograr eso cuenta con una herramienta clave: Luciano Suardi. Desde la postura, desde una muy hermosa y bien usada voz, desde cómo atraviesa cada situación, él mismo parece –o resulta- un auténtico actor de la época evocada.

La obra no teme transitar por lugares comunes porque los incluye como parte de su naturaleza: el teatro, el escenario, los diálogos detrás de escena, el silencio que continúa al derrumbe. Recién llegando al final se plantea la pregunta sobre Dios, o alguna otra más psicológico-histórica sobre la madre del Topo. En ese punto, el texto cobra un aire algo pretencioso que no necesitaba: las preguntas sobre la existencia de las cosas, o la configuración de los sucesos en la vida, estaban ya latentes en los pequeños detalles que construyen a este singular personaje y los hechos que desencadenaron su historia. De todos modos, El Topo no cae en excesos y vuelve a encontrase a sí misma para terminar con la nostalgia y emotividad franca de la que es portadora desde el primer momento: un hombre, un vaso de agua, un cartón pintado, un sillón vacío, una historia; una refinada síntesis

teatral a la que (por estar habitada y por la calidad con que está hecha) no se necesita agregarle mucho más.

Una musicalización lejana, distante, aparece de tanto en tanto como un sueño conocido pincelando los cuadros. Lo mismo la iluminación, tan simple como expresiva, que deja a la vista el artificio y a la vez compatibiliza los tiempos: el que evoca y el de hoy. Al igual que la sala: a diferencia de aquel teatro en el que vivió el Topo (y pese a la hermosa decoración barroca) se escuchan algunos ruidos que vienen de la calle. Es hoy, más que nunca, que lo recordamos con nostalgia. El Topo lleva a pensar que el teatro en sí tiene algo triste y bello.

Tan triste y bello como imaginar a un ser que vivió exclusivamente por, para y nada más que en un teatro.

Isabel Arias

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EL TOPO Teatro de La Comedia, Rodríguez Peña 1062 Sábado a las 21.15 y domingos a las 20.30 Desde $130 Dramaturgia y dirección: Luis Cano Interpretación: Luciano Suardi

.. Maria Milessi/LosInrocks te. an r i l de e rí e qu or tad ec esp el en ran t l fi n i se zos y Villalba/Clarín na Texto, dirección y actuaciones estallan en peda sa Su te. en g i tel n i e do fun pro o l n co o d i reñ nte no está necesariamente a l i sop de o l e qu de a eb pru a Un o. añ e est de s o ista Veintitrés ev “Uno de los mejores espectácul s/R za Ma is Lu . l ua d i v di n i e ral co o j ba tra do de observación .Un estupen eza ud ag n co rso cu s di su y n ó ci ac a l a l rol sar de La puesta de Ana Sánchez ins/lPágina 12 pk Ho ia cil Ce ... da a j rca ca a l a a d i sal de o v ti mo os temas y da permanente ch mu re sob a z i on r i e a c i t cri o ul tác ec esp el o, Notablemente interpretad o Irazába/La Nación ric de Fe … al tor ac o j ba tra el en da nta ste su a Una puest Con el estilo propio y reconocible de Acobino…

teatro / 4.000 cC

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gente que mira aviones despegar de Natalia Carmen Casielles

UN PADRE Y SU HIJA SE REENCUENTRAN DESPUÉS DE MUCHOS AÑOS Y NO LOGRAN SUPERAR EL SILENCIO SÓLIDO QUE LOS SEPARA. SOLO HAY REPROCHES Y RECUERDOS DE AERONAVES.

Leticia tiene catorce años, los ojos hinchados de tanto llorar, parece más grande de lo que parecía hace unos días. Bruno tiene unos cuarenta y le cuesta mirarla a la cara.

Leticia: Me duele mucho acá, en el pecho, me duele todo, pero en el pecho se siente más.

Bruno: Te traigo algo para tomar.

Leticia: No tengo sed.

Bruno: Por ahí, así, se te pasa.

Leticia: Es como si tuviera encima a un hipopótamo que me aplasta, a un hipopótamo dormido que me aplasta, y no lo puedo despertar, y no me deja respirar.

Bruno: ¿Querés salir un rato?

Leticia: No. Bruno: Así tomas un poco de aire.

Leticia: No quiero. Estoy cansada.

Bruno: Estás triste.

Leticia: Igual quiero esperarlo, no quiero salir y que por ahí justo llegue, si llega y no nos encuentra, se va a ir.

Bruno: Viene a las tres y falta una hora para las tres.

Leticia: Una hora pasa rápido.

Bruno: Una hora lleva tiempo.

Leticia: Ahora el tiempo se siente diferente, el tiempo se me vino todo encima.

Bruno: No hables así.

Leticia: ¿Nunca pensaste en cómo vas a morir?

Bruno: No te hace bien hablar de eso.

Leticia: Yo sí. Siempre pienso que voy a morir en el agua, en el mar.

Bruno: ¿Por qué pensás eso?

Leticia: Nunca aprendí a nadar.

Bruno: Nunca quisiste.

Leticia: Ustedes nunca me llevaron.

Bruno: Yo te llevaba a otros lugares.

Leticia: ¿Como cuáles?

Bruno: Al cine, al zoológico, a ver los aviones despegar.

Leticia: Eso me angustiaba.

Bruno: ¿Por? Leticia: Quedarme acá, en la tierra, y ellos allá, en el aire, eso me angustiaba…

Bruno: ¿Por qué nunca me lo dijiste?

Leticia: No quería que te enojaras.

Empieza a llover Leticia: ¿Qué es ese ruido?

Bruno: Un trueno.

Leticia: Me dan miedo los truenos.

Bruno: Estás grande para que te den miedo.

Leticia: Ahora me puede dar miedo todo, desde que pasó, que me da más miedo todo.

Bruno: No pienses en eso.

Leticia: No quiero pensar en eso, pero no puedo parar de pensar en eso.

Bruno: Trata de pensar en otra cosa.

Leticia: Antes pensé que tu casa iba a ser más grande.

Bruno: Pero es chica.

Leticia: ¿Y tu perro?

Bruno: No tengo perro.

Leticia: ¿Y tus gatos?

Bruno: No tengo gatos.

Leticia: ¿Un pez?

Bruno: No. Leticia: Hace mucho que no hablábamos.

Bruno: Sí.

Leticia: Y ahora voy a tener que vivir con vos.

Bruno: Sí.

Se escucha la lluvia Leticia: Llamalo para ver si ya salió.

Bruno: Dijo a las tres.

Leticia: Pero así llega y estamos los tres juntos.

Bruno: No sé si tu hermano va a querer verme.

Leticia: ¿Por? Bruno: No me vio por mucho tiempo.

Leticia: Yo tampoco te vi por mucho tiempo.

Bruno: Él es más grande que vos, sino quiere verme, no me ve y punto.

Leticia: ¿Vos querías vernos?

Bruno: Cuando te vi, pensé que no eras vos, pensé que eras ella.

Leticia: ¿Me parezco a ella?

Bruno: Mucho…

Leticia: ¿Antes me parecía?

Bruno: Antes eras chica.

Afuera llueve más fuerte Leticia: No me gusta cuando llueve.

Bruno: A mí tampoco.

Leticia: Pienso que la lluvia va a inundar todo, a llenar todo de agua, a convertir la tierra en mar, y que voy a quedar atrapada en el medio del mar sin poder nadar, sin poder moverme, como aplastada por un hipopótamo gigante que me empieza a hundir de a poco, y yo sin poder respirar, con un dolor en el pecho que no puedo más, y el hipopótamo que me va a hundir, a hundir hasta el fondo del mar.

Bruno se levanta y cierra la ventana, Leticia mira un punto fijo, le cuesta mirarlo a la cara.

www.elextranjeroteatro.com Seminario cuatrimestral de actuación a cargo de Mariano Stolkiner Comienza en Agosto Informes e inscripción: talleres@elextranjeroteatro.com Valentín Gómez 3380 – Abasto – C.A.B.A. - Tel: 4862-7400

TEATRO

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EGO

La farándula más salvaje, la hipocresía del medio, la humillación, el abuso de poder, el martirio y el sacrificio, en fin, aquella maquinaria cruel llamada fama se pone en juego en la nueva obra de Diego Beares.

Siempre utilizando ritmos televisivos y con un humor efectivo, desperdiga las hartas pretensiones de un actor cuyo exilio post 2001 al viejo continente lo catapultan a una gloria endeble.

Para subrayar esta virtud trece años después, decide realizar una biopic, una película sobre su vida, desde sus propios ojos, bajo sus propias reglas. De esta manera, no permitirá que se filtre ninguna desventura

EMBLOQUE que no sea conveniente para llevar la obra y su propia persona al súmmum. Este director, siempre de espaldas, genera distancia y desprecio, y podemos ver desde su propia perspectiva. Somos testigos de los sometimientos más absurdos y feroces.

La diversa calidad actoral y los problemas con el acento español pueden ser molestos pero comprenden esta ficcionalización absoluta de lo banal. Ego juega con el morbo entre realidad y ficción, y hace que en nuestras cabezas bombardeadas por las historias ajenas, el tejido voraz del famoseo gane la partida una vez más. mara teit

Dramaturgia y dirección: Diego Beares Interpretación: Victor Hugo Araguas, Eugenio Azcarate, Camilo Balestra, Diego Beares, Denise Bellatti, Julieta Duran, Guido Gastaldi, Sergio Linares, Ezequiel Martinez, Lucas Mayan, Jimena Piccolo, Esteban Recagno, Antonella Schiavoni y Alan Shuarman Teatro El Piccolino, Fitz Roy 2056; jueves a las 22.30, $100

EL PREMIO

En época mundialista, donde se confunde el entusiasmo por lo que se hace y el negocio turbio, creemos que encontrarnos con las internas de un club de barrio nos ayudaría a volver a creer en el inicio de dicha fogosidad.

Pero este micromundo evidencia que el ser humano está adherido a la traición cuando hay intereses en juego, aun en espacios reducidos que parecen no importarle a nadie.

El premio será aquél reconocimiento que va a recibir Hugo Angeluccci, Socio fundador del Club Social y Deportivo General Sogueiras. La preparación de la gala se ve trastocada ante el choque con la realidad económica, que amenaza con hacer des-

aparecer al club en sus 50 años, y está en manos del premiado la necesidad imperiosa por conmover (con su discurso) para unir fuerzas y evitar ese final irrefrenable.

En las hijas de Angelucci podemos ver a la sociedad disgregada frente a la voluntad que requiere sostener un sueño, tan pequeño para algunos, que se deshace en manos de sus propios soñadores.

A través de situaciones que disparan constantemente en diversas direcciones y nos mantienen siguiendo a la pelota en el aire, El premio pone en valor aquello que realmente importa, el esfuerzo genuino, el trabajo y la familia, aquellas pequeñas pasiones por las que, a veces literalmente somos capaces de darlo todo, incluso la vida.

Mara Teit Dramaturgia: Desvelados x Antonio

Embloque es un universo sin explicaciones. Juega con las formas, las construye, destruye y -sobre todo- sugiere muchas más. Ver estas últimas corre ya bajo imaginación exclusiva del espectador. El asunto está en dejarse llevar. Para eso tiene un espectáculo visual obsesivo y minimalista, en el que los objetos cobran vida propia y se van transformando sucesivamente en monolitos, piezas de un Tetris gigante, o simples presencias geométricas en el espacio.

La propuesta evoca a algo de los alemanes Mummenschanz o del francés de Phillip Genty, pero en versión reducida y criolla. Es que casi con la nada misma -tres bailarinas y tres colchones- la compañía La Instalacción logra hacer entrar al espectador en el personalísimo imaginario de su directora, hecho de colores fríos e impersonales, pero a la vez cargados de juego y espíritu estético. Dos elementos fundamentales completan la experiencia: la música original de Sami Abadi y la refinada iluminación de Alejandro Le Roux, que agrega curvas lumínicas con -por ejemplo- cuatro contraluces redondos que, más allá de iluminar lo que sucede en escena, complementan con círculos las formas y líneas rectas que deambulan por el espacio.

Hace rato que Uzorskis se mueve en el impensable cruce entre la danza y las artes plásticas. Las reglas que plantea son absurdas y estimulantes para los sentidos. La palabra clave es sugerencia.

Isabel Arias

Actúan: Lucila Gómez Vaccaro, Martín Mir, Marina Nicola, Aldana Pellicani

Dirección: Yamila Uzorskis Interpretación:

Dirección: Facundo Cardosi, Martín Mir

Belara Michán, Belén Coluccio y Yamila Uzorskis

Sábado a las 20.30, Machado Teatro,

Centro Cultural Rector Ricardo Rojas, Sala Batato

Antonio Machado 617, $80 y 60

Barea, Corrientes 2038; sábado a las 21, $40

TEATRO

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MECÁNICAS

Mujeres mecánicas, teatro en un taller, ese mismo taller en pleno Palermo Soho, no saber la dirección en un principio, todo nos invita a una dinámica cuasi mafiosa, llena de preguntas. La obra pide un lugar distinto y Mecánicas interviene uno ideal para ésta historia costumbrista que deviene en policial.

El ritual del mate, firme y constante, la grasa, el olor a encierro, incluso los autos que esperan ser arreglados, en todo hay una mística que inevitablemente tiñe la obra.

Ante tanta información previa, el desarrollo de las situaciones se potencia. Estas mecánicas reciben la visita (extraño pacto que Perla, la dueña del taller, hace con un empresario turbio, ante conflictos económicos) de la hija del magnate para que

TODOS LOS OJOS MIRAN aprenda el oficio. El pensamiento es cómo y porqué una niñita de papá podría trabajar en un lugar que sabe a hombría, aun con tres mujeres mecánicas a cargo. He aquí la cuestión, trampolín hacia una historia intensa que va perdiendo inocencia en su acontecer.

Cada réplica nos abre las puertas al día a día de cada una de ellas. Ni hablar de la construcción de los personajes, creados con sutileza, con una organicidad llena de marcas.

En sus cuerpos hay huellas de aquellas vidas que se irán presentando, incluso de aquello que no se llega a contar, pero que sabemos y comprendemos, como oda al desarmadero y las autopartes, como lucha contra un machismo arraigado.

Mara Teit Dramaturgia: Celina Rozenwurcel Dirección: Federico Buso Interpretación: Mariana Cavilli, Laila Duschatzky, Marcela Peidro y Celina Rozenwurcel Un taller mecánico de Palermo Soho, reservas y dirección en mecanicasteatro@gmail.com; domingos a las 19, $60 y 50

ROD MUBI

La motorhome irrumpe en la aridez del paisaje del norte argentino. Rod salió a la ruta. Está de viaje, con su novia y tres amigos. Buscan un poco de aire puro, recorrer caminos poco transitados, contemplar la Luna. Pero un imprevisto tuerce los planes y precipita decisiones.

Después de Delia, su opera prima, Sebastián Suñé vuelve a apostar a la comedia, con una obra que se instala en la tradición cinematográfica y literaria del relato de carretera. El dramaturgo y actor, que obtuvo hace algunos años la beca Podestá, monta esta propuesta en coproducción con Beckett Teatro.

Con trabajos individuales que logran frescura y sutileza, y otros que coquetean con la caricatura, el director elige un elenco de tonos variados. El grupo alcanza momentos grandiosos en los pasajes oníricos.

Nacho Bozzolo es Rod, Rodolfo, hijo de Rodolfo, nieto de Rodolfo. Como una versión moderna del héroe de las fábulas homéricas, el personaje sale a enfrentar los avatares del camino con templanza y coraje. El autor delinea en la obra, a través de su protagonista, ese homenaje a los antiguos poetas griegos.

La travesía no será sólo un desplazamiento externo. Está el otro movimiento, el interior, que alborota los sentidos hasta que algo cambia y se rompe. Arriesgarse a tomar el camino que promete un poco de felicidad será la única forma de avanzar en el desierto.

Paula Boente

Bajamos las escaleras, hay un sótano rústico. Allí nos encontramos con tres hombres a los que el tiempo, el hastío y el alcohol los han convertido en obscenas masas atravesadas por la violencia de sus propios fantasmas, que vomitan a trompadas sus peores miserias. Sobrevuela un gran misterio: no sabemos dónde ni en qué época están, ni qué relación tienen. Parecen tener una extraña connivencia, pero algo se ha roto entre ellos y descender a aquel sótano es entonces como descender a un infierno terrible donde parecen anclados hace ya demasiado tiempo, y donde ya han comenzado a reclamar por los códigos masculinos preestablecidos.

Los cuerpos se exponen a la altura de la poética de las palabras, encontrando momentos épicos. Hay un trabajo actoral dedicado en mantenerse sobre una fina línea entre lo cotidiano y lo grotesco. Ese cuidado imprime fuerza a cada réplica, que ya carga un lenguaje que desafía su interpretación.

Basada en La violación de Lucrecia, poema de William Shakespeare, Gabriela Ramos, dramaturga y directora de esta obra, quién ya ha abordado textos de este autor con similares inquietudes ontológicas -en Escocia-, nos presenta una pieza pictórica que late, donde su estética, de una belleza traicionera, esconde preguntas sobre el ser, la violencia, la imagen cosificada de la mujer, la ambición y los excesos.

Mara Teit Dramaturgia y dirección: Gabriela Ramos Interpretación: Fernando González, Claudio Morales y Javier Schwarzberg

Beckett Teatro, Guardia Vieja 3556;

Teatro Del Borde, Chile 630,

sábado a las 20, $80 y 60

viernes a las 20.30, $80 y 60

T CO

TEATRO teatro.llegas@gmail.com

CIRCUITO OFICIAL

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