Revista Summus 23 by Fernando Carreño

L U J O

Número 23. Septiembre - Diciembre 2013 / Colombia: $12.000

C O N

I N T E L I G E N C I A

El aroma de Fueguia 1833 Agua para un baño sacramenta l A rte pri mi tiv o

S a ol

Rita Ora El aura de

Un ron Diÿador El yate de «Ari» he noc dia me

EDICIĂ&#x201C;N NÂ° Ë&#x17E;Ë&#x;

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Juan FernĂĄndez AndrĂŠs RamĂrez ASESORES EDITORIALES EDITOR

DIRECTOR

COLABORADORES PERMANENTES

Cristina Grajales Ricardo Kling

Carlos Ferreirinha COLABORADORES EN ESTA EDICIĂ&#x201C;N

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Poli Mallarino Cristina Grajales Ruven Afanador Ricardo Kling Pablo Barreto

DIRECTOR DE ARTE

Carlos Felipe Angulo Juan MarĂa FernĂĄndez Ă lvaro Corzo Andrea Mendoza Juan Camilo Maldonado AndrĂŠs GachancipĂĄ PREPRENSA

RETOQUE FOTOGRĂ FICO

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DarĂo Forero A. DISEĂ&#x2018;O

ProducciĂłn El Espectador

MĂłnica VĂĄsquez Vargas CORRECCIĂ&#x201C;N DE ESTILO

Sergio Antonio Mora Benoit Peverelli Benoit Peverelli Ă lvaro Corzo Camilo George Valeria Duque Roberto GedeĂłn FOTOGRAFĂ?A FOTO PORTADA

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Gonzalo CĂłrdoba M. Fidel Cano C. Eduardo GarcĂŠs GERENTE DIRECTOR

GERENTE DE PRODUCCIĂ&#x201C;N

Fabio Chica

IMPRESO EN PRINTER COLOMBIANA

VENTAS PUBLICIDAD 5A@?GF36AD Ë&#x17E;Ë&#x153;Ë?Ë&#x153;Ë?Ë&#x161;Ë&#x161; 83J Ë&#x17E;Ë&#x161;Ë&#x;Ë&#x;ËĄË&#x161;Ë&#x161; ! 3H 7> 6AD36A @Âş Ë ËŁËŞËĄË 4A9AFĂ&#x2013;

DIRECTORA COMERCIAL B3FD;5;3 3>47DF; ËŞ 7JF Ë&#x203A;Ë&#x;Ë Ë? aS]Ě&#x17D;VceZ2V]VdaVTeSU`c Tc`^`d T`^

MEDELLĂ?N ELIZABETH VILLEGAS ^gZ]]VXSd2V]VdaVTeSU`c Tc`^`d T`^ F7>s8A@AE ËŻË&#x17E;Ë° Ë&#x17E;Ë&#x203A;Ë&#x17E;Ë&#x203A;Ë&#x17E;Ë&#x203A;ËŁ ËĽ ËŻË&#x17E;Ë° Ë&#x17E;Ë&#x203A;Ë&#x17E;Ë&#x203A;Ë&#x153;Ë&#x203A;Ë&#x153; 57> Ë?Ë&#x203A;Ë&#x153; Ë&#x;Ë˘Ë˘ËŁËĄË&#x;Ë&#x153; 83J ËŻ Ë&#x17E;Ë° Ë&#x17E;Ë&#x203A;Ë&#x17E;Ë&#x153;Ë&#x;ËŁË? 3H Ë?Ë? @Âş ËĄË˘ËŞË˘Ë&#x153; >3GD7>7E

CALI MARTINA NIESSEN BARTH ^_ZVddV_2V]VdaVTeSU`c Tc`^`d T`^ F7>s8A@AE FV] $ ((#&(&# $ ((*%%+# 8Si ('%'(*( 3g +3 Âż @`ceV @Â +@ *&

VENTAS INTERNACIONALES JUAN GABRIEL SANTAMARĂ?A [dS_eS^ScZS2V]VdaVTeSU`c Tc`^`d T`^ F7>s8A@AE FV] ')# &$%$%"" 7JF $"#( 57> Ë?Ë&#x203A;Ë˘ Ë?Ë&#x17E;Ë Ë&#x161;Ë?Ë˘Ë˘

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EL AROMA DE FUEGUIA 1833 36 Julián Bedel y Amalia Amoedo fundaron la firma Fueguia, un laboratorio que desde Buenos Aires crea aromas de perfumes inspirados en la Patagonia.

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cortesía Fueguia 1833

Pág. 24 Pág. 46 Pág. 48

El aura de Rita Ora Todos los olores Baño sacramental

Pág. 58 Pág. 68

Arte primitivo Y se hizo la luz

Pág. 102 Dueños del agua Pág. 114

Sentados naturalmente

Photo Michel Gibert. Remerciements : Pierre Stéphane Dumas – www.bubbletree.fr; www.moaroom.com pour Boskke Sky Planter ; www.gerflor.com.

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SOL A LA MEDIA NOCHE 72 Ólafur Eliasson y Frederik Ottesen crearon la lámpara solar Little Sun, un proyecto experimental que ha llevado energía limpia a millones de personas de escasos recursos alrededor del mundo.

Foto

cortesía VþfUZ` Ý]SWfc 7]iasson

UN RON DICTADOR 80 No se vende en Colombia, pero se fabrica en Cartagena en una destilerĂa fundada hace cien aĂąos. Es el Dictador, uno de los mejores rones del Caribe.

Foto

Roberto Gedeon

INQUILINOS VOLADORES 88 Mรกs de trescientas mil abejas habitan la terraza del Waldorf Astoria. Una historia llena de miel.

Foto

ร lvaro Corzo

EL YATE DE «ARI» 96 La historia del Christina O, el emblemático yate de Aristóteles Onassis, que por estos días está a la venta. El precio: 32 millones de dólares.

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Corbis

TIEMPO DE AVENTURA 108 Modelos diseñados para situaciones extremas. Foto

cortesía Omega

Carta del director

Juan Fernández ]YXeaTaWXm3X_XþXÿTWbe!Vb`

Mujer, cantante y ahora figura de la moda. Su nombre es Rita Ora, nació en Kosovo, y es la nueva estrella de la música juvenil. Sus mentores en la industria son el rapero norteamericano Jay-Z y su esposa Beyoncé. Dicen que es un revoltijo entre la cantante y diseñadora Gwen Stefani, cantante de No Doubt, y Marilyn Monroe. Tiene más de tres millones de seguidores en las redes sociales y es una de las protegidas del diseñador Karl Lagerfeld, quien inclusive la fotografió para la exhibición «The Little Black Jacket». Viene de abajo y, ahora que gana millones de dólares, se viste de Chanel. Es la estrella del momento y en la entrevista que publicamos hace un recuento de su vida y del significado de la moda y el lujo ahora que ha tocado el sol con las manos. Desde hace cinco años, cuando publicamos el primer número de Summus, nos hemos dedicado a viajar de un lugar a otro buscando personajes con historias portentosas, como la de Julián Bedel, fundador de Fueguia 1833, una empresa que fabrica perfumes en Buenos Aires inspirados en la Patagonia, el lugar donde Bedel busca raíces, maderas y frutos que le dan un toque poco convencional a sus aromas. En Medellín visitamos a Catalina Álvarez y a Mariana Hinestroza, quienes crearon hace algunos años Agua Bendita, una marca diferencial de vestidos de baño cosidos a mano en múltiples talleres de la ciudad y exportados a cincuenta países. La suya es una apuesta artesanal que parece ir en contravía de las leyes del mercado de la inmensa mayoría de las marcas que fabrican vestidos de baño.

También seguimos iniciativas sociales de grandes diseñadores y artistas que se preocupan por los más pobres, pero que lejos de hacer caridad proponen modelos de «negocio social» que siguen un principio de mercado, no de ayuda. Es el caso del artista islandés Ólafur Elíasson, el mismo que ha diseñado la fachada del Harpa Concert Hall, la casa de la Ópera Nacional de Islandia. Elíasson está embarcado en su proyecto de distribuir luz a la gente que lo necesita a pequeña escala a través de su lámpara Little Sun, en la que convergen el arte y la ingeniería. Pero la vida también se trata de placeres. Por eso descubrimos en Cartagena una destilería que tiene cien años y que produce el Dictador, un ron que no se vende en Colombia, pero que se ha posicionado como uno de los mejores del Caribe. Es tan bueno como la miel que probamos en la terraza del Waldorf Astoria de Nueva York, donde habitan 60 mil abejas que producen unas 300 libras de miel cada año, un tercio de lo que se necesita para suplir por un año a los tres restaurantes del hotel. Ese es al final el furor por la apicultura en Nueva York, que tomó forma en 2010, cuando las autoridades levantaron la prohibición para cultivar miel en los tejados. En cada edición buscamos íconos que recuerden cómo se vivía el lujo, la sofisticación e inclusive la ostentación. Y nada mejor que abordar el Christina O, el bote privado que albergó más lujo y poder en el siglo XX. Era el juguete más preciado del magnate Aristóteles Onassis; hoy está a la venta y su historia en las páginas de esta nueva edición de Summus.

Historias con alcance global Infografía b+s

Inquilinos voladores Por Álvaro Corzo Nueva York

Sol a la media noche Por Andrea Mendoza Islandia

El aroma de Fueguia 1833 Por Juan M. Fernández Buenos Aires

Agua para un baño sacramental Por Andrés Ramírez Medellín

Un ron Dictador Por Carlos Felipe Angulo Cartagena

EN LA CIMA Rita Ora

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CortesĂa Benoit Peverelli/Chanel

ENLACIMA

Chaqueta en tweed, Chanel. Top, T por Alexander Wang. Shorts en denim Levi`s. Brazalete Love en oro amarillo, Cartier. Brazalete <fĂžV G_ 5]`f V_ `c` amarillo, Cartier. Bolso Chanel.

Rita Ora Por Anne Bianchi Styling Isabelle Peyrut Fotos Cortesia Benoit Peverelli / Chanel Peinado y maquillaje Mehdi R`Guiba / Chanel

Rita Ora es la nueva estrella de la música juvenil. A los dieciocho años grabó su primer álbum (ORA), con el que alcanzó la cima de las listas internacionales. Nacida en Kosovo y criada en Inglaterra, esta artista rinde tributo a sus raíces del este de europa con una estética que revoluciona por su sencillez y sugestividad. Sus mentores en la industria son el rapero norteameriacano Jay-Z, y su esposa Beyoncé.

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ENLACIMA

Chaqueta en tweed y algodón con perlas, Chanel. Chaleco de algodón, Rochas. Shorts a la cintura de cuero, Tara Jarmon. Lentes de sol de acetato, Chanel. 5`]]Sc UV ]S SceZþS Brazalete Love en oro amarillo, Cartier. 4cSkS]VeV <fþV G_ Clou en oro amarillo, Cartier. Tacones de cuero, 9ZfdVaaV LS_`ÿZ

A Rita Ora le molesta un poco que le digan «la nueva Rihanna». Su primer álbum (ORA), lanzado en 2012, fue número uno en el Reino Unido, Brasil y Japón. Es una joven que saluda calurosamente y ríe fácil. Es informal sin esfuerzo y responde a las preguntas sin las instrucciones de un agente de prensa. Y a pesar de que disfruta de las fiestas, nunca llega tarde a sus citas y se levanta temprano. Es igual de famosa por su música como por su estilo, con un coctel único de bling retro y hip hop. Rita Ora es un revoltijo entre Gwen Stefani y Marilyn Monroe. Tiene más de tres millones de seguidores en las redes sociales, y contando.

˨FBL HA4 6;<64 78 ?BF FH5HE5<BF˩ Usted ha vivido tres años increíbles: Conocer a Jay-Z, su primer álbum (con Roc Nation, la disquera del rapero), éxito, fama… ¿Cómo maneja todo esto con tan sólo 22 años? Para serle sincera, no lo he pensado mucho. ¡Es una locura! Trato de mantenerme enfocada en el aspecto creativo de mi trabajo. De repente ya no tienes que hacer fila para mostrar tu pasaporte en el aeropuerto, pero al mismo tiempo ya no puedes ir a la farmacia a comprar una aspirina sin ser fotografiada por los paparazzi. Lucho con esta necesidad de saber la vida privada de los famosos. Pero no me quejo, estoy viviendo mi sueño. ¿Cuáles han sido los puntos más importantes en su corta carrera? Cuando mi álbum llegó al número uno. Y cuando conocí a Beyoncé, Jay-Z y a Karl Lagerfeld. ¿Fue intimidante conocer a Jay-Z? ¡Totalmente! Tenía diecisiete años, había viajado sola desde Londres y estaba aterrada.

ENLACIMA

Llevaba puesta una camisa de Run DMC y botas, llovía a cántaros y parecía un perro empapado. Pero algo hizo química instantánea entre nosotros. Somos fanáticos de la música y nos quedamos en el estudio hasta las cuatro de la madrugada, escuchando canciones que nos gustaban, viejas y nuevas, hip-hop, de los setenta… ¿Y Beyoncé? Jay-Z y ella hablan de todo, así que la conocí desde el inicio y me dio muchos consejos. ¡Es la reina! ¿Le está hartando de que la comparen con Rihanna? Un poco, sí. Ella es increíble, pero somos muy diferentes. Para empezar, yo solo soy una chica de los suburbios del este de Londres y ella es una chica de las islas. Además, ¡su trasero es mucho mejor que el mío! (risas). Cada quien tiene su propio mundo. Nació en Kosovo, emigró a Londres cuando tenía un año y creció en una vivienda social en los suburbios. ¿Qué recuerda de su infancia?

Top de algodón y tweed, Chanel. Parte de debajo del bikini, en [VcdVj þcVeTY ?ZTYSV] =`cd Bolso en piel de T`cUVc` 5YS_V] Collar, brazaletes y anillo, todo V_ ^VeS] T`_ perlas, Chanel. Brazalete Love en oro amarillo y ̎cSkS]VeV <fþV Un Clou en oro amarillo, Cartier.

No había mucho dinero en casa, pero éramos unidos. Mis padres me dieron una buena educación, pero por encima de todo me enseñaron el amor por la música. Siempre había algo sonando en casa, día y noche. Mi papa escuchaba a Eric Clapton y las Supremes, y le encantaba ver a mi mamá bailar su canción fetiche: «Private Dancer». Se ha mantenido muy cerca de su familia. Mi familia es mi base. Mi mamá se ocupa de mi apartamento en Londres porque siempre estoy entre dos aviones. Ella se encarga de colgar las cortinas y llenar la nevera. El otro día tenía un problema con mi conexión de internet así que llamé a mi papá y él se encargó. Lo mismo es con mi hermana Elena (su manager), le pido su opinión en todo. Cuando piensa que algo es basura, me lo dice. ¿Tuvo una educación religiosa? No diría religiosa, pero fue una educación con una moral estricta. Fui a una escuela de música y eso fue bastante abierto. Creo en Dios y en el Islam, pero mis padres nunca me forzaron a nada. Me criaron con la idea de que yo tomaría mis propias decisiones y tendría mis propias creencias. Todos necesitamos creer en algo. Hace poco regresó a su país para grabar el video Shine Ya Light. ¿Qué significan para usted sus orígenes? Mucho. Dejé Kosovo cuando era bebé y tuve la fortuna de no estar allí durante la guerra. Pero crecí rodeada de una inmensa cultura albana: la comida, el lenguaje y el respeto a los mayores. Cuando regresé a filmar el video fue un verdadero shock para mí. No me había dado cuenta de cómo vivía la gente allá. Los chicos corrían detrás de mí en la calle, estaban orgullosos de que una de sus compatriotas haya triunfado y regresado. Les da esperanza. Me di cuenta que estaba en posición de ayudarlos. Conocí a líderes locales y me involucré en proyectos para ayudar a los jóvenes, construyendo centros de asistencia y orfanatos. Lo menos que puedo hacer es ser

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Sweater de poliamida, Chanel. HVþZU` UV ̎S ` þcVeTY V_ [VcdVj 7cVd 4cSkS]VeV Love en oro amarillo, Cartier. 4cSkS]VeV <fþV G_ 5]`f V_ `c` amarillo, Cartier. 4cSkS]VeV UV ^S_` 9SjUS^S\

una voz para mi país. Creo que saber de dónde vienes y no olvidarlo nunca ayuda a conocernos a nosotros mismos. ¿Cómo maneja el hecho de estar rodeada de gente famosa? Sé de dónde vengo, y verdaderamente vine de la nada. Mis padres lucharon por sobrevivir. Eso solo demuestra que puedes ser exitoso sin importar de dónde vengas. Lo importante es tener un sueño y creer en él. La han descrito como un manojo de energía con mucha determinación. ¿De dónde viene esto? De mi mamá (Vera Sahatçiu Ora). Ella ha pasado por mucho: escapó de un país en guerra, llegó a Inglaterra sin hablar el idioma, retomó sus estudios, batalló con un cáncer. Hoy es una psiquiatra con su consultorio privado.

˨GB7BF F458A DH8 ?4F EH5<4F F8 7<I<8EG8A @ØF˩! Amas la moda y la moda la ama, su estilo se describe como « vintage bling ». ¿Quién es su inspiración? Una mezcla de Run DMC y Rita Hayworth. Gwen Stefani también fue una gran influencia cuando era adolescente. Tengo un lado experimental que no teme mez-

clar cosas. Mi pelo rubio es por Marilyn Monroe, ¡todo viene de ella! También me inspiro en lo que veo en la calle. ¿Qué significa ser rubia para usted? ¡Nunca me verán con el pelo oscuro! Ser rubia me hace sentir sexy. Es una tarea constante porque mi cabello es oscuro y me lo he teñido desde los catorce. Para mí el cabello rubio representa glamour. ¡Y además todos saben que las rubias se divierten más! Fue fotografiada por el diseñador de modas Karl Lagerfeld, ¿Cómo lo conoció? Fui invitada al desfile de Alta Costura de Chanel en el Grand Palais. Estaba en primera fila. Fue justo después del show, cuando Karl me fotografió para la exhibición «The Little Black Jacket». Me impresionó porque él tiene una cultura increíble: sabe sobre moda, música, arte… Es apasionado en todo lo que hace. Soy Sagitario, un signo de fuego, la pasión me mueve. ¿Cuál es el atuendo más atrevido que se ha puesto? El vestido Mónaco (creado para Rita Ora por Karl Lagerfeld para el último Baile de la Rosa, la fiesta de

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Chaqueta bolero de jeans, Chanel. Body en jersey, Michael Kors. Shorts de jeans, MKT Studio. Collar, de la SceZþS Broche de tweed y cuero, Chanel. Brazalete Love en oro amarillo, Cartier. Brazalete <fþV G_ 5]`f en oro amarillo, Cartier. Bolso de Plexiglas, Chanel.

beneficencia de Mónaco). Karl me lo regaló después de la fiesta. Lo tengo en un maniquí en mi sala, nunca estará encerrado en un clóset. ¿Cuál es el objeto más preciado que posee? El anillo Love de Cartier, que mi mamá me regaló cuando tenía dieciocho. Es el primer artículo de lujo que tuve. El pequeño corazón que tiene en su interior simboliza el corazón de mi mamá y su amor por mí, donde quiera que esté. Mi vida cambió desde el momento en que ella me dio ese anillo. ¿Cuántos pares de zapatos tiene en su clóset? Un cuarto entero donde no caben, es imposible contarlos, más que todo Jordan’s que colecciono. ¿Su marca favorita? Chanel. Un estilo atemporal que es muy reconocible y elegante, pero no es de «viejita». Siempre hay twist creativo, vibrante de energia y vida. Pienso que una mujer que viste Chanel es segura de sí misma, ¡sexy y con mucho dinero!. Lo que me encanta son las gangas, encontrar una pieza atrevida por 10 euros que mezclo con un par de zapatos o una cartera de diseñador. Usted es muy cercana a la modelo Cara Delevingne, a quien le ha puesto el sobrenombre «Wifey ». Cara es un pilar de mi pandilla. Aunque ella es una aristócrata de la moda y yo una chica de los suburbios, no podríamos ser más parecidas. Nos reímos mucho juntas, es una verdadera amiga. ¿Cuál es el mejor lugar para la fiesta? Me encanta Barcelona, pero también las fiestas de garaje en Londres, sólo con tus amigos, son mucho mejor que los clubes. ¿Cuántos tatuajes tiene? Catorce.

ALTA MODA El aroma de Fueguia 1833 Baño sacramental

Foto

Cortesía Agua Bendita

Hay un secreto próximo a Orlando. Es acerca de un mundo de emoción y famosos parques temáticos. Acerca de compras de primera clase, restaurantes y sitios de entretenimiento, de infinitas cosas para hacer en un ambiente divertido y amistoso. Un secreto con buenas ofertas difíciles de resistir. ¡Kissimmee es la puerta de la diversión y el entretenimiento de la familia Colombiana!

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El aroma de Fueguia 1833 Julián Bedel y Amalia Amoedo fundaron la firma Fueguia, uno de los laboratorios de perfumes más reconocidos de América Latina. Su propuesta se basa en un minucioso cuidado de la producción y comercialización, así como el desarrollo de nuevas fórmulas. Aromas naturales que llegan desde las tierras lejanas de la Patagonia.

Por Fotos

Juan M. Fernández, Buenos Aires Cortesía Fueguia 1833

Todo empieza con un montón –decenas, cientos, miles– de moléculas odoríferas en el aire. Son suaves, flotan, van y vienen, sin apuro. Se dejan llevar apiñadas hasta el final. Una vez que invaden la nariz, se estampan contra los receptores olfativos y se disuelven, desaparecen y, entonces, todo se vuelve un enigma. «La nariz está cableada a las partes emocionales del cerebro. Cuando uno huele algo entra en acción un órgano muy primitivo del cuerpo humano conocido como la amígdala cerebral, la cual regula la liberación de hormonas, las pulsaciones sanguíneas y la percepción del tiempo. Allí se ponen en juego los recuerdos más profundos de la persona. El perfume es algo muy poderoso pues genera respuestas que no pasan por la razón». Julián Bedel habla con la pasión de quien lleva mucho tiempo tras un misterio que no quiere resolver. Tiene 35 años y, desde 2010, lidera Fueguia 1833, un original laboratorio de fragancias de autor basado en Buenos Aires, Argentina. Si bien se trata de una empresa joven, sus perfumes han sorprendido a los especialistas y hoy se comercializan en los locales más exclusivos del mundo. «Es fascinante descubrir el modo en que la naturaleza usa las mismas moléculas con distintos propósitos», sigue Bedel, entusiasmado. «El indol, la molécula que le da una nota pesada al

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jazmín, también está presente en la carne en estado de putrefacción, por ejemplo. Es curioso, además, que una molécula que una planta produce para atraer insectos también atraiga a los humanos. Algo parecido sucede con el musk: hasta que se logró sintetizar, se extraía del ciervo almizclero, que usa ese olor para atraer a las hembras». Hijo del artista y arquitecto argentino Jacques Bedel, Julián creció con un taller siempre al alcance de la mano. Conoció, desde chico, el placer de la creación y el trabajo artesanal. Hoy tiene su propio espacio: un laboratorio blanco y luminoso, equipado con un pequeño destilador, varios libros de química y cientos de botellas de aluminio cargadas con las más variadas esencias. Entre esas cuatro paredes se viven momentos mágicos de creación. «Hacer un perfume es como escribir una canción», dice, «el proceso de composición es indescriptible». La comparación no es fortuita. Bedel estudió música y se

especializó en luthería, una veta de su vocación que, según dice, sigue explorando a su manera. «La música y los perfumes tienen mucho en común», asegura. «En ambos universos hay notas y acordes. En la música, con muy poquitos elementos, algunos silencios y distintas intensidades, el hombre ha logrado construir obras que van desde la Sinfonía Concertante para violín y viola, de Mozart, hasta Love me do, de los Beatles. Con los perfumes sucede algo parecido». Aunque no se formó como perfumista, Bedel entrenó su olfato de manera casi obsesiva. Hasta hoy, pasa buena parte del día manipulando esencias que le permiten conocer en detalle las materias primas con las que trabaja. Así, a pura dedicación y nariz, logró desarrollar uno de los sentidos menos ejercitados por el hombre moderno. «De a poco, se fue iluminando una parte de mi cerebro», reconoce. Solo entonces, cuando se sintió preparado, abrió las puertas de Fueguia 1833.

Aunque no se formó como perfumista, Bedel entrenó su olfato de manera casi obsesiva. Hasta hoy, pasa buena parte del día manipulando esencias que le permiten conocer en detalle las materias primas con las que trabaja.

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LA RESPUESTA CORRECTA En las últimas décadas la industria del perfume se convirtió en un negocio de unos pocos laboratorios que abastecen a unas pocas distribuidoras que, a su vez, trabajan para muchas, muchas marcas. Al mismo tiempo el consumo se masificó y la percepción del lujo, tradicionalmente ligada a las fragancias, comenzó a desvanecerse en el aire. «Cuando los perfumes de las grandes marcas se convirtieron en un producto accesible surgieron algunas variedades high end que, de todos modos, son elaboradas por los laboratorios de siempre. En el fondo, solo ofrecen un discurso de mercadeo más sofisticado», explica Bedel. La masificación del consumo, por supuesto, llegó de la mano de otro fenómeno menos deseado: una pérdida de calidad en el producto. Esa disminución se debió, en primer término, a una reducción de costos de los laboratorios y, en segundo lugar, al uso generalizado de fragancias sintéticas. Después de todo, la producción mundial de esencias naturales no alcanza para elaborar la cantidad de perfumes que se producen en el mundo. «No hay tantos jazmines en la Tierra», bromea Bedel. «Hoy necesitaríamos un par de planetas bien cultivados para abastecer todo el mercado». Fueguia 1833 nació, entonces, como una respuesta ante ese escenario. Junto a su amiga y socia Amalia Amoedo –heredera de una de las mayores fortunas de Argentina–, Bedel decidió fundar una empresa especializada en esencias naturales que pudiera encargarse de todo el proceso de producción y comercialización, desde la búsqueda de extractos exóticos y el desarrollo de las fórmulas hasta la elaboración del empacado. «Ese modo de trabajo –único en el mundo– no implica que los productos de Fueguia sean mejores que los demás, pero lo cierto es que ofrecemos algo distinto: podemos trazar el recorrido de cada perfume y sabemos por qué incluimos cada

HIJO DEL ARTISTA Y ARQUITECTO ARGENTINO JACQUES BEDEL, JULIÁN CRECIÓ CON UN TALLER SIEMPRE AL ALCANCE DE LA MANO. CONOCIÓ, DESDE CHICO, EL PLACER DE LA CREACIÓN Y EL TRABAJO ARTESANAL.

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?4 ;<FGBE<4 78 9H8:H<4 ˝ˤ˟˟ ESTÁ LIGADA A LA PATAGONIA. ALLÍ, JULIÁN BEDEL BUSCA RAÍCES, MADERAS Y FRUTOS QUE LE DAN UN TOQUE POCO CONVENCIONAL A SUS PERFUMES.

ingrediente en una fragancia. En un producto tan emocional como este, eso es clave». La historia de Fueguia 1833 está ligada estrechamente a la Patagonia, ese inabarcable territorio virgen cerca del fin del mundo. Allí, Bedel busca no solo inspiración para sus perfumes –su colección Destinos incluye las fragancias Lago del Desierto y Beagle–, sino también raíces, maderas y frutos que puedan darle un toque no convencional a sus creaciones. «La Patagonia es el epicentro de nuestra marca, aunque ponemos mucha energía en la búsqueda de extractos exóticos nativos de toda Sudamérica», dice. «El mundo de la perfumería siempre puso el foco en ingredientes de origen europeo, indio o norteafricano. Entonces nos propusimos crear una marca sudamericana que no tuviera que ver con el lujo europeo tradicional (dorado, barroco), sino con un lujo artesanal y sustentable. Buscamos que la marca reflejara nuestra cultura, nuestros lugares, nuestra historia, nuestras plantas y animales». En sintonía con esta identidad, Fueguia 1833 elabora en

la Patagonia los cofres rústicos en los que se comercializan sus perfumes. Las cajas son hechas a mano en una escuela de carpintería, con madera de árboles caídos de la región. De esa manera, la compañía no solo colabora con el desarrollo de un oficio sustentable, sino que estimula a los jovenes de la zona a conocer mejor las especies naturales de su entorno. En el fin del mundo también debe rastrearse el origen de la marca. La historia empieza mucho tiempo atrás, en 1830. En aquel entonces, la Patagonia era algo parecido a lo que es hoy –un desfile de paisajes inhóspitos, un montón de nada–, pero tenía algo que ya no tiene: pueblos originarios que habitaban las zonas más dóciles. Había, también, exploradores europeos dispuestos a domesticar esa porción áspera de la naturaleza. Aquel año, el capitán inglés Robert Fitz Roy decidió hacer una

prueba: secuestrar a cuatro indígenas de la zona, llevarlos a Inglaterra y educarlos a su manera. Tres años después, en una nueva expedición –esta vez junto a Charles Darwin–, los devolvió a su tierra. Entre aquellos nativos había una chiquilla de nueve años que Fitz Roy bautizó Fueguia Basket. «El nombre de la compañía es un homenaje al encuentro entre dos cultura»”, dice Bedel. «Pero también a exploradores y naturalistas como Darwin, Alexander von Humboldt y el propio Fitz Roy. De alguna manera, tratamos de retomar la curiosidad de aquellos hombres por descubrir la riqueza de lo que nos rodea».

ADN SUDAMERICANO Fueguia 1833 ofrece hoy cerca de 60 fragancias que se distinguen por su carácter fuerte y original. El concepto de sus colecciones también resulta novedoso. En la

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Junto a su amiga y socia Amalia Amoedo, Julián Bedel fundó Fueguia 1833, una empresa especializada en esencias naturales que pudiera encargarse de todo el proceso de producción y comercialización.

línea Jorge Luis Borges se destaca el perfume amaderado de La Biblioteca de Babel; Misiones, de la colección Destinos, invita a una expedición por la selva del litoral argentino. Muchas de esas fragancias también están disponibles en velas y perfumes de ambiente. «También desarrollamos productos especiales para algunas compañías», dice Bedel. «No solo nos ocupamos de crear una fragancia afín al cliente, sino que hacemos el empaque, la botella, la bomba, etcétera». Entre sus principales clientes corporativos hay marcas de indumentaria que

buscan diversificar su negocio, y hoteles que quieren desarrollar una identidad aromática propia. En Buenos Aires, la venta al público se realiza en un misterioso local en Recoleta, el barrio más exclusivo de la ciudad. Allí, los cortinados negros, la iluminación justa, el sillón capitoné y los viejos mapas de la Patagonia que decoran las paredes ofrecen un ambiente ideal para dejarse llevar y recorrer los universos fantásticos de cada perfume. Por estos días, además, la empresa abrirá un espacio propio en el hotel de lujo Mandarin Oriental, en Taipei. Hoy sus fragancias

se comercializan en unos 50 puntos alrededor del mundo, desde Estados Unidos hasta Noruega, pasando por España, Inglaterra, Francia, y diversos países de Asia. «Al principio pusimos nuestra energía en validar la marca en el mercado más difícil, que es el europeo. No es fácil vender un perfume argentino en las grandes tiendas del mundo. Mucho menos cuando tienen nombres como Pampa Húmeda o Yaguareté, y se presentan como ‘agua de perfume’, en español», confiesa Bedel. «Pero eso es así: Fueguia 1833 es bien sudamericana».

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Lugares especializados que hacen de la perfumería un arte y de su escogencia, un gusto.

Juliana Bedoya

TIJON Con sedes en la isla St. Martin y La Jolla, California, esta perfumería boutique tiene la particularidad de permitirle al cliente diseñar y elaborar su propia fragancia. En 2007, el abogado de Atlanta John Berglund decidió dejar todo y trasladarse a la isla de St. Martin para abrir lo que había sido el sueño de toda la vida, una perfumería. De este modo, Berglund abre las puertas de su laboratorio a los visitantes que llegan para elaborar sus perfumes, en el que pueden elegir entre 300 aceites esenciales destilados de plantas con el tradicional estilo francés. www.tijon.com

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Comprar de modo exclusivo a través de la web es posible por medio de este sitio diseñado como un castillo francés del siglo XVII. Lamaisoncouture.com ofrece productos de lujo de todo tipo, inclusive perfumes. En su habitación dedicada a la perfumería se pueden encontrar más de 150 marcas de lujo, todas ellas son parte de una exploración e investigación de su creadora, Tania McNab. www.lamaisoncouture.com

LA MAISON COUTURE

Sumado a un don natural, la carrera del francés Pierre Guillaume se enfocó desde el principio en el diseño y la química de productos para cosmética. Fascinado por la expresión artística de la química que se esconde en la forma de la perfumería fina, decidió aplicar el conocimiento de esta ciencia industrial a la elaboración de perfumes. De este modo, en 2002, el joven Guillaume, con apenas 25 años, inició una carrera de éxitos con Cozé, su primera fragancia. Hoy, 11 años después, tiene su propia marca, Parfumerie Générale (un juego con las iniciales de su nombre), con unas 40 fragancias que se pueden adquirir en pocas perfumerías alrededor del mundo, o en su exclusivo showroom en Clermont-Ferrand, Francia. www.parfumerie-generale.com

PARFUMERIE GENERALE

Este negocio familiar comenzó en Zúrich, Suiza, en 1921. Por más de 90 años, distintas generaciones de la familia Dreiding han convertido a Osswald en una de las perfumerías más exclusivas de Europa, dedicada a vender exclusivamente marcas de nicho. En 2012 abrieron su primera tienda en el SoHo, Nueva York. www.osswald.ch

OSSWALD

ALTAMODA

Por Fotos

Andrés Ramírez, Medellín Valeria Duque / Cortesía Agua Bendita

Baño sacramental Agua Bendita es una reconocida marca de moda colombiana con presencia en más de cincuenta países. Sus vestidos de baño y accesorios se cosen a mano en diferentes talleres de Medellín, con diseños coloridos y maximalistas que incluyen estampados, bordados y pedrería. Es una apuesta artesanal que parece ir en contravía de las leyes del mercado de hoy.

En la foto Mariana Hinestroza

ALTAMODA

La de Agua Bendita es una de esas historias que todos quisieran contar: la de dos amigas que intentan convertirse en empresarias y que al final alcanzan el éxito. Catalina Álvarez y Mariana Hinestroza son las creadoras de esta firma antioqueña especializada en el diseño y confección de vestidos de baño y accesorios. Desde que se conocieron, Catalina y Mariana sintieron una conexión intelectual que las hizo permanecer juntas durante la carrera de diseño de modas, en la Colegiatura de Medellín. Pero además compartían una visión empresarial que las diferenciaba de sus compañeros de clases, quienes soñaban con parecerse a los grandes diseñadores de la época como John Galliano. Catalina y Mariana buscaban en cambio que su pasión por el diseño se enmarcara dentro de un ámbito empresarial, mezclando la creatividad con los negocios para hacer de esta profesión una forma de vida posible. La carrera estaba segmentada por temas. Los primeros semestres eran dedicados a la moda conceptual, luego se estudiaba la moda masculina y femenina, y por último la ropa comercial. Por supuesto, el semestre que más esperaban Catalina y Mariana era el de la ropa de verano, pues entre ellas no había mayor consenso que el de su gusto por los vestidos de baño. Se tomaron ese semestre en serio, tanto

que después de clases solían ir a la fábrica de confección de ropa del papá de Catalina para aprender las técnicas de costura aplicadas a los vestidos de baño. Un día vieron una bolsa con pequeños sobrantes de tela y se les ocurrió que con aquellos desperdicios de lycra podían confeccionar algunos vestidos de baño que habían diseñado en clase. Le pidieron permiso al encargado de la planta para llevarse la tela, y con ella empezaron a confeccionar prendas que ensamblaban por piezas, uniendo los pequeños retazos de tal manera que se vieran uniformes. Para disimular las uniones de las telas incorporaron tejidos, flores y escapularios que adornaban y, a la vez, brindaban una unidad visual. De la bolsa de sobrantes de tela, Catalina y Mariana tenían, semanas después, treinta vestidos de baños cosidos a mano. Cada una conservó una muestra, y los demás los vendieron entre sus amigas el primer día que los ofrecieron. Ante el inesperado éxito, decidieron coser una segunda versión, pero esta vez cortados con una máquina láser que les permitía introducir figuras dentro de la tela. El problema era que hasta la fecha nadie había hecho vestidos de baño con este tipo de máquinas. Visitaron los pocos talleres que poseían esta tecnología en la ciudad, pero sin excepción las rechazaron, pues no era rentable utilizar una

SOBRE EL NOMBRE AGUA BENDITA EXISTEN DOS VERSIONES: UNA FICTICIA, PERO MÁS SUGESTIVA PARA EL PÚBLICO, Y OTRA REAL. LA FICTICIA ES QUE EL NOMBRE DE LA MARCA NACIÓ COMO UNA ALEGORÍA AL MOMENTO SAGRADO DEL BAUTIZO. PERO LA VERDAD ES QUE EL NOMBRE SALIÓ DE UNA LISTA QUE LAS DOS DISEɩADORAS HICIERON AL AZAR, Y EN LA QUE DESPUÉS DE VARIAS COMBINACIONES, LLEGARON AL NOMBRE DE AGUA BENDITA.

ALTAMODA

Las creadoras de Agua Bendita aprendieron las técnicas de costura aplicadas a los vestidos de baño a las que les incorporan tejidos y objetos que los hacen diferentes.

máquina tan avanzada para un trabajo ɩtan pequeño como ese. Solo el taller de Diana Guevara, ubicado en Itaguí, les permitió usar su máquina láser, pero con la condición de que ellas mismas la operaran. Aprendieron a la fuerza como operar la máquina, y a las pocas semanas tenían otros treinta vestidos de baño que vendieron sin mayor esfuerzo. Pero una cosa era venderle a las amigas y otra muy diferente hacerlo al público en un almacén. Así que el siguiente reto fue llevar las prendas a una vitrina comercial. Le pidieron al papá de Catalina que les permitiera exhibir los vestidos de baño en un rincón de sus almacenes. «Nos dieron una semana de prueba. Los vestidos no tenían marca ni estaban envueltos en empaques. Lo extraño fue que al otro día nos avisaron que se habían vendido todos los vestidos de baño y que la

gente estaba pidiendo más. Pero nosotras no teníamos como producir en tan poco tiempo», recuerda Mariana. Así que tuvieron que pasar las siguientes vacaciones de diciembre sin salir de sus casas, cosiendo una nueva versión de sus prendas para llevarlas al almacén. Ilusionadas con este éxito incipiente, le pidieron a sus profesores que les explicaran como podían crear una marca de ropa. Pero la respuesta fue negativa, pues el semestre estaba dedicado al diseño de ropa formal masculina. Tomaron entonces una decisión que en aquel momento parecía descabellada: retirarse de la universidad faltando apenas un semestre para graduarse. «Algo que siempre nos ha caracterizado es que cuando tenemos una buena idea nos la jugamos toda por ella. No nos da miedo arriesgarnos por lo que creemos», dice Mariana.

ALTAMODA

Las dos se dedicaron por completo a la confección de una nueva línea de vestidos de baño. Solían trabajar hasta la madrugada, con unas metas de confección de prendas por día. Al principio el éxito fue moderado, pues era difícil avanzar sin una identidad definida. Había llegado el momento de ponerle un nombre a los vestidos de baño de Catalina y Mariana. «Acá aparecen dos versiones: una ficticia, pero más sugestiva para el público, y otra real. La ficticia, y que varios medios han ayudado a difundir, es que el nombre de la marca nació como una

alegoría al momento sagrado del bautizo. Pero la verdad es que el nombre salió de una lista que hicimos al azar, y en la que después de varias combinaciones, llegamos al nombre de Agua Bendita», reconoce Mariana.

SERVILLETAS DE PAPEL Con una perspectiva de crecimiento a la vista, las jóvenes diseñadoras decidieron participar en la feria de vestidos de baño de Miami, considerada la principal vitrina de este mercado en el mundo. Hasta ese momento,

ALTAMODA

LOS CATÁLOGOS DE AGUA BENDITA INCLUYEN CADA AɩO A LAS MODELOS MÁS IMPORTANTES DEL MUNDO.

los vestidos de baño de Agua Bendita se seguían diseñando y confeccionando en el cuarto de Catalina, con una lógica artesanal en la que incluso ellas mismas hacían las marquillas de las prendas con papel de servilletas y pegante. Llegaron a Miami con la convicción de vender los vestidos que llevaban, pero apenas vieron al recinto de la feria se dieron cuenta de que su stand era un espacio insignificante de 9 metros cuadrados, sin paredes, con un piso de tapete gris demarcado apenas con una cinta que las separaba de las poderosas marcas vecinas, quienes tenían una escenografía deslumbrante y reconocidas modelos que firmaban autógrafos. Agua Bendita ni siquiera tenía un diseño para el local, mucho menos modelos y luces. Como siempre, Catalina y Mariana tuvieron que diseñarlo todo. Se fueron a un almacén cercano donde compraron todas las flores de papel que encontraron y con las que cubrieron unas pequeñas paredes de bambú que también fabricaron. «Era el stand más pequeño, pero el más original, todos los que pasaban por el frente se detenían a verlo», dice Mariana. A la feria llevaban además su primer catálogo. Con el catálogo local y el stand autoconstruido, las dueñas de Agua Bendita esperaban ingresar al mercado internacional de la moda de ropa de verano. Pero los días pasaron y las ventas no despegaban. Recuerda Mariana que solo un cliente chino se acercó atraído por el novedoso proceso de fabricación y diseño de las prendas. Sin experiencia, las jóvenes revelaron de manera abierta su secreto, antes de que alguien les recomendara ser prudentes con la información.

A SPORT ILLUSTRATED Mientras esperaban que llegara algún cliente, tenían tiempo de sobra para hablar con los representantes de otras marcas. Uno de ellos les dijo que si de verdad querían ingresar a este mercado, sus vestidos de baño debían salir en una revista local, y mucho mejor si se trataba de la reconocida Sport Illustrated. Además les dijeron que a la feria asistían los editores de esta revista. De inmediato, las jóvenes diseñadoras cerraron el stand para ir en busca de los editores de esta revista. Averiguaron que la editora de belleza de Sport Illustrated era una señora rubia que vestía una falda larga de girasoles, sin más indicaciones. Caminaron por la feria durante horas tratando de encontrar a esta mujer entre los miles de asistentes. Cansadas de dar vueltas sin éxito, regresaron resignadas al stand. Y cuando empezaban a recoger la mercancía para irse, Catalina y Mariana vieron pasar a la señora de la falda

ALTAMODA

Desde Medellín, Catalina Álvarez y Mariana Hinestroza venden sus vestidos de baño artesanales en 50 países.

de girasoles. La dos saltaron para entregarle el catálogo a la editora, quien los recibió de manera cortés pero fría. Pero a los pocos minutos la editora regresó para pedir unas muestras de los vestidos de baño. Al final se llevó todos los que había en exposición, y cuando se marchó, atrás quedaron Catalina y Mariana saltando y abrazándose como si hubiesen cerrado su primer pedido en los Estados Unidos. Al llegar a Medellín, el resultado de la feria no podía ser más incierto: ni una sola venta, ni un solo contacto de negocio, tan solo la expectativa de la llamada de la revista. Transcurrieron seis meses sin noticias de la editora, y de nuevo, cuando las esperanzas se desvanecían y la resignación parecía el único camino posible, recibieron la esperada llamada. «Una productora de la revista quería saber los precios de algunas referencias porque iban a incluir algunos vestidos de Agua Bendita en la próxima edición. No supimos qué responder, porque

hasta ese momento ni siquiera sabíamos los precios reales de lo que hacíamos», recuerda Mariana. Lo que en principio pensaban que sería una pequeña reseña en la revista, se convirtió en una grata sorpresa. Los vestidos de Agua Bendita no solo aparecieron en dos páginas de la edición tradicional de la revista, sino que ese año (2004) fueron escogidos para vestir a la reconocida modelo israelí Bar Rafaeli en la portada del libro de conmemoración de la revista. A partir de ese momento el teléfono no paró de sonar con nuevos pedidos de clientes del exterior que querían ese mismo vestido de baño. Catalina y Mariana tuvieron que multiplicarse para poder cumplir con los nuevos pedidos. Ese fue el punto que marcó el ascenso de la marca. Durante los años siguientes se dio la expansión y consolidación de Agua Bendita de la mano de una estrategia de mercadeo enfocada en la creación de una ima-

gen alrededor del tipo de mujer al que se dirigen sus productos. Ante el éxito obtenido después de Sport Illustrated, Catalina y Mariana decidieron que en adelante sus catálogos serían el principal vehículo de promoción de la marca, y que en ellos incluirían cada año a las más importantes modelos del mundo. Al principio no fue fácil, pero poco a poco lograron contar con modelos como Candice Swanepoel, Izabel Goulart, Rianne ten Haken e Irina Shayk. Para el catálogo de 2014, la modelo escogida fue Kendall Jenner, hermana menor de la estrella Kim Kardashian. Con una empresa próspera y en franco ascenso, Catalina y Mariana se dedican ahora de lleno a un proyecto social llamado 700 Hearts, iniciativa que busca ayudar al desarrollo social y empresarial de las 700 mujeres cabezas de hogar que trabajan de manera directa en Agua Bendita. Seguro que el éxito de esta iniciativa, así como ha sucedido en la última década, tampoco les será esquivo.

ARTE INC. Arte primitivo Foto

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ARTE INC.

Por Fotos

Andrés Ramírez, Bogotá Camilo George / 5`ceVd S VþfUZ` 5cZþZ_S D`Uc XfVk

Arte primitivo e La obra de la bogotana Cristina Rodríguez se centra en la naturaleza como apuesta pictórica. En ella, las formas figurativas son un vehículo para expresar la particular concepción que la artista tiene del paisaje y de la relación de los seres humanos con su entorno.

Es una coincidencia que la entrevista con la artista bogotana Cristina Rodríguez se lleve a cabo en el histórico sector de La Candelaria, en el centro de Bogotá. Y es una coincidencia porque en estas estrechas calles se formaron, en gran medida, las bases de lo que sería la obra plástica de esta artista. Para ella, caminar hoy frente a la Biblioteca Luis Ángel Arango es como sacudir una caja llena de recuerdos olvidados. Quizás por eso, desde el inicio sus palabras adquieren un tono nostálgico y cronológico, en el que poco a poco emergen recuerdos de su juventud. Cuenta que después de vivir en Perú y Alemania, regresó a Colombia a estudiar el último año del bachillerato. Transcurría la década de 1970 y en esa época se vivía un boom cultural y artístico en el país. La Universidad de los Andes, por ejemplo, acababa de reabrir su facultad de Bellas Artes, con un enfoque más experimental que técnico, y con profesores de la talla de la artista Maripaz Jaramillo, entre otros. Aunque desde joven Cristina Rodríguez siempre había sentido una inclinación por la estética y la creatividad, sus conocimientos sobre la técnica plástica eran limitados al momento de empezar la carrera de Bellas Artes en Los Andes. «Ni siquiera sabía como

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She knows that their Adventure has just begun

2009 Óleo sobre lienzo, 91 x 61 cm

usar la trementina. Había hecho trabajos manuales primarios, pero nada cercano a la exigencia de una obra de arte». Pero su curiosidad y la dirección de profesores como el maestro Santiago Cárdenas, pronto ayudarían a mejorar su trabajo y a desarrollar lo que serían las bases de su obra futura. «La primera vez que Santiago Cárdenas llegó al salón me llamó la atención la manera perfecta como estaba vestido. Luego nos diría que era mejor vestir como abogado y pintar como artista, que vestir como artista y pintar como abogado». Las clases de Santiago Cárdenas fueron definitivas porque derribaban algunos estereotipos

que se imponían en el mundo del arte de esa época. «De él aprendí, sobre todo, que el arte es una construcción personal del artista, y que una buena obra no responde a consideraciones ajenas al ámbito de quien la crea. No se hace un cuadro pensando en nadie más que uno mismo. Pintar es contar algo a través de los colores y las formas». Fue así como Cristina Rodríguez se enamoró de la pintura, de la combinación de colores y los contrastes de luz y sombra. Estaba feliz a pesar de que algunos profesores y compañeros veían su trabajo muy técnico y vacío de contenido teórico. La encontraban demasiado figurativa, casi aje-

na a la corriente posmoderna que pregonaba el triunfo del discurso sobre la obra misma. Era una época en la que era más importante lo que se escribía del arte que el arte mismo. «Iba a ver los trabajos de grado de mis compañeros y la verdad eran unas cosas que no entendía, muy oscuras para mí gusto. Lo que si me gustaba era la música que casi todas esas propuestas tenían. Siempre he creído que la música tiene el poder de afectar los sentidos, de hacer sentir cosas que nada más puede hacer». Decidió entonces que su tesis de grado sería una exposición completa, en la que se encargaría de todo, desde el diseño de las

The Encounter with Isis 2009 Ă&#x201C;leo sobre lienzo, 91 x 61 cm

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Para Cristina Rodríguez, el arte nunca se ha tratado de una tarea mecánica de creación y venta de cuadros, sino de los efectos que pueda despertar en el espectador.

invitaciones hasta la creación de una puesta en escena. «Me inspiré en el concierto Cuadros de una exposición , del compositor ruso Modest Mussorgsky (1839-1881), quien fue uno de los precursores de la música narrativa en el mundo». La exposición se llevó a cabo en una sala de la Fundación Gilberto Alzate Avendaño, y tuvo como jurado al poeta León de Greiff (1895-1976). «Desde ese momento entendí que la perspectiva de mi trabajo debía ser capaz de incluir desde la obra hasta la concepción del espacio y la puesta en escena. Para mí, el arte nunca se ha tratado de una tarea mecánica de creación y venta de cuadros, sino de los efectos que uno puede despertar en el espectador».

VISIÓN EUROPEA La universidad le había dado a Cristina Rodríguez la oportunidad de abrir su mente hacia el mundo, pero aún sentía que debía seguir mejorando su técnica. «Todo el mundo puede hablar y leer, pero se necesita de muchos conocimientos técnicos para escribir. En el arte todos pueden pintar, pero no todos tienen la habilidad para crear una obra perdurable». Por eso, apenas se graduó se dedicó a pintar los diferentes paisajes que se veían desde la ventana de su cuarto, ubicada frente a una quebrada que bajaba de los cerros orientales de Bogotá. Pintaba a los obreros que trabajaban en los edificios vecinos, a los niños que se descolgaban de la montaña en carritos de balineras, a los recicladores que cargaban los desechos del barrio... En los tiempos libres trabajaba como guía de la exposición Cuatro maestros latinoamericanos, que se presentó en la Biblioteca Luis Ángel Arango. Fue una exposición que la marcó, pues en ella participaron artistas a quien siempre había admirado, como Armando Morales. Preparaba las guías con tal esmero como si fuera ella misma la que estuviera exponiendo. Al finalizar, la artista Beatriz González le ofreció que se quedara trabajando con ella. «Le agradecí pero le dije que no, pues era imposible iniciar una carrera como artista sin estar concentrada en ello de tiempo completo. Creo que esa respuesta la impresionó, pues luego me ayudó a obtener una beca para estudiar arte en Londres». Llegó a la antigua Slade

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The Florist in Portobello Road 2011 Óleo sobre lienzo, 41 x 31 cm

School of Fine Art, adscrita a la Universidad de Londres, una institución reconocida por su enfoque práctico. Estudió allí por dos años, nadando desde un principio contra la corriente de las tendencias que se imponían en ese momento en Europa. El portafolio de Cristina Rodríguez mostraba una obra figurativa, primitiva en sus formas, sugestiva en el color y con una evidente influencia de la naturaleza latinoamericana. A su alrededor encontró que el minimalismo se imponía sobre el neoexpresionismo, que todo aquello que no fuera abstracto parecía obvio, y que casi siempre era más importante el discurso detrás de una obra que la obra misma. «Pinto lo que veo, y generalmente veo la luna y el mar», era lo que decía la artista a sus compañeros y profesores. Al estudiar la obra de Cristina Rodríguez, desde el comienzo se verán en ella algunos elementos en común, como el uso sin complejos del color y la presencia de la figura humana. Es una obra, si se quiere, optimista, que persigue la belleza y no se detiene a cuestionar, o ahondar, en las miserias que rodean a nuestro mundo. «La vida es muy dura para todos. Y el color da fuerza, estimula nuestros sentidos, nos conecta con la naturaleza. Paradójicamente, la gente con mayores problemas y necesidades, es la que mayor aprecio tiene por la belleza». Cristina Rodríguez permaneció pintando y estudiando en Londres por dos años, con la idea de que cada cuadro debía ser técnicamente mejor que el anterior. Quería mejorar la calidad de sus trazos, encontrar un mejor balance de color y corregir los

problemas de perspectiva y contraste del brillo y la luz. Al mismo tiempo, se dedicó a ampliar sus horizontes asistiendo a cursos de antropología e historia, y a visitar exposiciones de arte, conciertos y conferencias literarias. Fueron años de crecimiento intelectual que la prepararon para posicionarse como una artista global. Durante la universidad también tuvo la oportunidad de recorrer el mundo, generalmente pagando los viajes con sus cuadros. Recuerda con especial agrado sus visitas a Rusia y Turquía, lugares que registró en un pequeño cuaderno de bocetos que luego, en su estudio de Londres, los transfor-

mó en cuadros que vendió para seguir viajando. Es una costumbre que nunca ha dejado de hacer. Cuando llegó el momento de la graduación, Cristina Rodríguez decidió que, al igual que en Bogotá, su trabajo final debía ser especial. Se trataba de una exposición colectiva de todos los estudiantes, en la que cada quién tenía la posibilidad de escoger el espacio que quisiera. Decidió entonces que por primera vez haría un cuadro de gran formato (cinco por cuatro metros), pues encontró una enorme pared a la entrada de la sala que era perfecta para lo que imaginaba. Trabajó sin descanso por varias semanas

para finalizar el cuadro, pero el día de la inauguración el director de la escuela la mandó a llamar de urgencia. «Me dijo que no podía presentar solo un cuadro, que se trataba de mostrar el conjunto de mi trabajo durante los dos años de estudio. Le expliqué que no tenía más cuadros, que los había vendido todos, y que además esta nueva obra resumía todo lo que había hecho en este período. Me dijo que no me iba a poder graduar y que iba a ordenar desmontar el cuadro. Le respondí que hiciera lo que quisiera, que no necesitaba un título para certificar lo que había aprendido». Cristina Rodríguez llegó a la inauguración

In the Heart of the Amazonian River 2010 Oil on linen 183 x 183 cm

EN LONDRES HA PRESENTADO EXPOSICIONES EN SOLITARIO EN LA 647B:4A :4??8EL ˱˝˥˥ˣ˲ G;8 CH@C ;BHF8 :4??8EL ˱˝˥˥˥˲ G;8 4<E :4??8EL ˱˞˜˜ˠ˲ G;8 BE4A:8EL :4??8EL ˱˞˜˜ˠ˲ L 5?8A;8<@ 6E8F68AG :4??8EL ˱˞˜˜ˢ˲!

ARTE INC.

Después de estudiar Bellas Artes en la Universidad de los Andes, se mudó a Londres para especializarse en dibujo e incorporar nuevas técnicas a su obra.

esa misma noche, con la idea de ver el trabajo de sus compañeros, pero se sorprendió al encontrar que su cuadro no solo no había sido desmontado, sino que era el más comentado por el público. Incluso, al final de la noche, un asistente le hizo una oferta por el cuadro. «Le pregunté por qué lo quería, y me dijo que era algo inexplicable, pero que ese enorme paisaje le recordaba algunos momentos de su vida». Otra espectadora con la que conversó fue la filántropa española Delfina Entrecanales, directora de la Fundación Delfina. Impresionada por la calidad del cuadro de la entrada, Delfina le pidió a Cristina Rodríguez que aplicara por una beca de su fundación. Así lo hizo, y mientras esperaba la respuesta, la artista vivió con los ahorros que tenía por la venta de sus cuadros, en un diminuto apartamento en el que tenía que guardar la cama cada mañana para tener espacio suficiente para pintar.

«Fue un momento definitivo, pues tenía el dinero y el tiempo para hacer cosas diferentes a pintar. Pero me concentré en mi trabajo y nunca me detuve». Al año siguiente ganó la beca y se mudó a una casa en la que vivían artistas de todo el mundo. Durante este tiempo viajó a Zimbabue y a Nueva York para hacer pasantías de pocos meses. En África trabajó de cerca con el arte tribal de comunidades locales, y en Nueva York se sumergió en la cultura popular y las tendencias artísticas de los años noventa. Vivió en un pequeño estudio del sector de Soho. Luego llegaron los reconocimientos de la crítica y las exposiciones. Su obra se expuso en los escenarios más cotizados durante las siguientes dos décadas, como el Carrousel du Louvre, la Bienal de arte de Florencia y el Museo de Mérida de México. En Londres presentó cuatro exposiciones individuales basadas en los espacios: The Carnival of the Animals,

Jump into Reality, the Desert is Not Deserted e Imaginary Landscapes. También hizo exposiciones en Perú, Chile, Namibia, Suráfrica, Bélgica, Francia y España. Hace tres años se mudó a Ginebra, y luego a Portugal para pintar al lado del mar. «Dejé las luces del éxito detrás para dedicarme a pintar en silencio, para poder seguir creciendo con libertad a través de mis cuadros. Me encuentro en un momento de la vida en el que solo deseo darle al mundo color y alegría». Rodríguez no puede desligar su vida de su trabajo como artista. Cuando habla, todas las anécdotas y los recuerdos tienen que ver con el arte. Mucho más en esta tarde fría, sentada en un café frente a una calle que solía recorrer con frecuencia durante sus años universitarios. Para ella el arte se alimenta de todas las experiencias vividas. Y es allí, en estos cuadros primitivistas y coloridos, donde habita el mundo de Cristina Rodríguez.

DI SE ÑO

Sol a la media noche Sentados naturalmente

Foto

Cortesía 7þfUZ` Ý]SWfc 7]ZSdd`_

DISEɩO

Y se hizo la luz Por

Instalaciones artísticas y lámparas que transmiten sensaciones al espectador.

Juliana Bedoya

JAMES TURRELL La preocupación primordial para este artista estadounidense siempre ha sido el espacio y la luz. Sus exploraciones con la iluminación comenzaron en los años sesenta cuando tapaba puertas y ventanas de su estudio y solo dejaba entrar rayos de la calle. Cinco décadas después, Turrell es considerado un pionero en el trabajo con luz y su obra es ampliamente reconocida. Actualmente presenta la exposición Aten Reign, en el Museo Guggenheim de Nueva York, donde interviene la rotonda del icónico edificio creado por Frank Lloyd Wright, con un juego de luces LED y luz natural.

James Turrel Norbert Chmel Ingo Maurer

Con más de 24 años de experiencia en el diseño con luces e iluminación, Chmel es uno de los «coreógrafos de luces» más reconocidos de Europa. Su trabajo empezó en la iluminación teatral y de escenografías; hoy su obra se extiende a la iluminación arquitectónica de espacios como teatros al aire libre y edificaciones. Su concepto se basa en entender la luz como una necesidad básica de los seres humanos, por lo que, utilizada del modo correcto, apela a los sentidos, influencia la sensación de bienestar y atrae la atención hacia los objetos o las situaciones.

NORBERT CHMEL

Este alemán de 75 años es uno de los diseñadores de lámparas más importantes del mundo. Diseñador gráfico de profesión, desde 1963 se dedicó a diseñar y fabricar lámparas. Su trabajo ha sido reconocido ampliamente en el ámbito artístico, con exposiciones en lugares tan emblemáticos como el Centro Georges Pompidou de París o el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Sus creaciones le dan a un objeto tan común como una lámpara un giro excepcional, lo que lo ha llevado a crear objetos como mesas o papeles de colgadura con luces LED.

INGO MAURER

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DISEÉŠO

Tomas Gislason

Texto Fotos

Andrea Mendoza, Islandia 7þfUZ` Ý]SWfc 7]ZSdd`_

Sol a la media noche El reconocido artista Ólafur Eliasson y el ingeniero Frederik Ottesen crearon la revolucionaria lámpara solar Little Sun, un proyecto experimental que ha llevado energía limpia a millones de personas de escasos recursos alrededor del mundo. Arte e ingeniería convergen en esta inspiradora iniciativa.

Islandia es un lugar en que el tiempo y el espacio pierden su usual definición y la vida se vive bajo otras reglas, como si se tratara de una realidad paralela. Esta isla del Atlántico Norte se encuentra en una latitud tan extrema que una tarde soleada es una excentricidad para sus habitantes. Bajo estas duras condiciones climáticas se ha desenvuelto la vida del artista islando-danés Ólafur Eliasson (1967), quién desde joven absorbió todas las cualidades que la extrema naturaleza, el clima y, sobre todo la luz ofrecen. Cualidades con las que enriquece su obra. Su devota curiosidad por la luz y el espacio lo han hecho atravesar mundos como los de la arquitectura, el diseño y hasta la cinematografía, lo que le ha permitido exponer una obra compleja en las galerías más prestigiosas del mundo.

TU LUZ Hace poco Eliasson, preocupado por el hecho de saber que existen 1,6 billones de personas sin acceso a luz limpia en el planeta, decidió crear, junto con el ingeniero Frederik Ottesen, la pequeña lámpara portátil Little Sun, una iniciativa global en la cual la luz juega, como siempre, un papel fundamental. Se trata de una lámpara portátil que se recarga con energía solar y que permite reemplazar,

entre otras, a las contaminantes lámparas de kerosén usadas por comunidades de escasos recursos. «Little Sun es una obra de arte que funciona en la vida. Una obra de arte no es nunca tan solo un objeto, sino que incluye las experiencias que crea, las preguntas que despierta, y su impacto en como la gente piensa y vive. El corazón creativo de Little Sun es la manera como nos conecta al otro, y lo que nos dice acerca del estado actual de acceso a la energía. En este sentido, encuentro crucial para el arte y el trabajo creativo en general embarcarse en esta discusión, tanto a nivel local como global. Para gente sin recursos, el proyecto permite un acceso confiable y limpio a la luz, por ejemplo, para familias de bajos recursos que deben trabajar, estudiar, cocinar o socializar cuando ha caído el sol. Todo esto para decir que hay muchas maneras en que Little Sun brinda acceso a energía limpia para todos. Nuestras acciones tienen consecuencias para el mundo», explica Eliasson. El proyecto se presentó en la Tate Modern de Londres el verano pasado, y desde ese momento ha tenido la aceptación del público y de los líderes ambientales de todo el mundo. Ha sido expuesto exitosamente en diferentes escenarios, como la Conferencia de Cambio Climático de Doha, la

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Cortesía Ólafur Eliasson

Bienal de Arquitectura de Venecia, y en la reconocida cadena de diseño La Rinascente, en Milán. El impacto de Little Sun es igual de contundente en el campo artístico como en el social. En India, por ejemplo, luego de concluir su exhibición en el Mehrangarh Museum of Art, varios Little Suns fueron donados a la fundación Jal Bhagirathi, de su alteza el Maharaja Gaj Singh II. La fundación distribuyó las lámparas en asentamientos remotos de India y en instituciones por todo Rajastán, a través de los departamentos de responsabilidad social de diversas compañías. Por eso, a Little

Sun se le considera más que una lámpara solar bonita y recargable. En el proyecto Little Sun hay un capítulo dedicado a cortos cinematográficos. ¿Cómo nace esta idea? Little Sun Films son una serie de videos creados por 18 jóvenes cineastas aclamados internacionalmente, provenientes de África, Asia, Medio Oriente y Suramérica. Fue en respuesta a una invitación hecha por el estudio Ólafur Eliasson y el productor Tine Fischer para crear material relacionado con la lámpara solar Little Sun. Fueron filmados en una amplia

gama de formatos y estilos. El material recolectado fue editado en pequeños cortos por Jacob Thuesen, Eliasson y Fischer. Los cortos se centran en un fenómeno local, con observaciones detalladas, atmósferas, aspiraciones, sentimientos, encuentros y actividades sociales de amplio espectro en términos de vida, luz y acceso a la energía. Debido al boom del ecodiseño se han diseñado ya muchas lámparas, ¿qué hace diferente a Little Sun? Es una lámpara que se recarga con energía solar, y aunque sabemos que no vamos a resolver los problemas globales de energía

EN LITTLE SUN, LA LUZ SOLAR SE TRADUCE EN UNA LÁMPARA PORTÁTIL QUE PERMITE REEMPLAZAR, POR EJEMPLO, LAS NOCIVAS LÁMPARAS DE KEROSÉN USADAS POR COMUNIDADES DE ESCASOS RECURSOS.

con una lámpara, vamos a lograr dos cosas: llevar luz a muchas personas que la necesitan y poner en la mesa un problema de energía global a gran escala. No se trata de discursos pragmáticos acerca del acceso a la luz, sino que tiene implicaciones más profundas porque la luz define un sentido más hondo de nuestra existencia. La luz es para todos, ella determina lo que hacemos y cómo lo hacemos. Una parte del trabajo artístico es la luz misma y las actividades que permite. En este sentido, vemos que Little Sun es una herramienta que abre una discusión urgente desde la perspectiva del arte, que llama la atención sobre el acceso a la energía y su actual distribución inequitativa en el mundo. ¿Cómo se entiende Little Sun en términos de negocio? Lo llamamos un «negocio social» que sigue un principio de mercado, no de ayuda. Se trata de distribuir luz a la gente. Nuestra misión responde a la

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CortesĂa Ă&#x201C;lafur Eliasson

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Edwin Sizhole

necesidad que existe alrededor de la luz y sus beneficios a nivel de sostenibilidad ambiental. Por eso ninguna ganancia de Little Sun va a los inversores. Todo lo que se genera se reinvierte para mantener vivo el proyecto. ¿Qué reacción del público les ha llamado más la atención? Durante la exposición en la Tate Modern encontramos la confianza del público, y una plena empatía por el proyecto. Por ejemplo, le pedimos a la gente que bailara con el Little Sun (esto fue llamado Sunlight Graffiti), para crear grafitis de luz que estimulan la memoria somática en lugar de la memoria teórica en los visitantes. Esto creó una relación menos abstracta y un nivel más alto de identificación al sugerir un grado de inclusión, un sentido de repartición de tener las mismas necesidades. La luz, como evento, nos reunió entorno a una necesidad colectiva de recursos. ¿Contribuye Little Sun a resaltar el hecho de que como humanos, todos somos estaciones de energía? Desde las etapas iniciales de desarrollo del proyecto se jugó con la idea de crear una linterna que todo el mundo pudiera tener en su mano, creando una especie de campamento-fogata global. Se trata de la posibilidad de estar en diferentes lugares del

mundo al mismo tiempo y sentir que se está sentado alrededor de la misma fogata. En el caso de Little Sun, la fogata es el sol. ¿Hay alguna diferencia sustancial en cuanto a expectativas o resultados del proyecto al comparar comunidades en África, Asia o América Latina? Hasta ahora hemos trabajado con más fuerza en África, pero hemos visto respuestas similares en otras partes del mundo. En general no vemos diferencias en sectores sin acceso a luz limpia, ya que consideramos el acceso a formas sostenibles de energía como una prioridad general. Además no estamos en posición de evaluar diferencias nacionales o continentales y de ninguna manera podemos argumentar que sabemos todo en cuanto a temas como pobreza o energía. Confiamos en nuestra experiencia subjetiva a nivel local cuando trabajamos en una región, así como en estudios brindados por Naciones Unidas y el Banco Mundial. El proyecto Little Sun desea entrar a América del Sur. Por ahora se está decidiendo si su distribución se hará a través de museos, entidades académicas u organizaciones no gubernamentales. Es así como Ólafur Eliasson y Frederik Ottesen están llevando a millones de personas la luz en medio de la noche.

Little Sun es un «negocio social» que sigue el principio de mercado, no de ayuda, pero ninguna ganancia va a los inversores. Todo lo que genera Little Sun es reinvertido para seguir dando vida al proyecto.

Osbjorn Jacobsen

Ólafur Eliasson & Henniing Larsen

en dos preguntas

Studio Ólafur Eliasson

Además de Little Sun, Ólafur Eliasson ha creado una de las obras más aplaudidas del diseño contemporáneo. Lo hizo junto a la firma danesa de arquitectos Henning Larsen, con quienes creó, inspirado en la música y la luz, la fachada del Harpa Concert Hall, casa de la orquesta sinfónica de Islandia y de la Ópera Nacional, y, además, escenario de diversas manifestaciones artísticas y musicales de la isla. El Harpa ganó el prestigioso premio Mies van der Rohe (premio europeo de arquitectura contemporánea) en 2013. La

fachada del Harpa es, en palabras del artista, «Una piel que es obra y arte para el edificio». Una superficie que da cuenta de la luz, sus posibilidades, sus cambios, su transformación y, sobre todo, el efecto que tiene en las superficies que toca, incluyendo, por supuesto, a las personas. ¿Cómo se involucró en el proyecto del Harpa Concert Hall? Fuimos llamados a hacer parte del proyecto desde la fase inicial de un concurso para diseñar la fachada del edificio, la cual pretendía ser, y es, una obra de arte por su función, apariencia, mecánica y

estructura. El equipo del estudio, liderado por Sebastian Behmann, tuvo la tarea de usar la geometría de cuasiladrillo, desarrollada originalmente por Einar Thorsteinn, y sincronizar todo en un enunciado preciso. Esto tuvo lugar gracias a un estrecho diálogo con un equipo más amplio de gente. ¿Cuál es el concepto de la fachada? A lo largo de los años la inspiración ha sido las formas y patrones de la naturaleza. Islandia es rica en fenómenos naturales que son únicos en el planeta, como las columnas de basalto crista-

lizado, las cuales recuerdan los cuasiladrillos que menciono. Los ladrillos comunes prescriben un estándar en principios de arquitectura, mientras que los cuasiladrillos, debido a su forma, abren nuevas maneras de concebir el espacio y la construcción. Al tener una apariencia transparente y liviana, estos ladrillos son el único elemento constitutivo de la fachada, la cual cumple con requerimientos funcionales y estructurales que a su vez contrastan con el interior monolítico del edificio, haciéndolo, entonces, ligero y expansible.

PLACERES G_ c`_ 6Z媒SU`c ;_bfZ]Z_`d g`]SU`cVd

Foto

Roberto Gede贸n

PLACERES

Por: Fotos:

Carlos F. Angulo, Cartagena Roberto Gedeón

Quince hombres van en El Cofre del Muerto. ¡Ay, ay, ay, la botella de ron! La bebida y el diablo dieron con el resto. ¡Ay, ay, ay, la botella de ron! La isla del tesoro. Robert L. Stevenson.

Un ron Dictador No se vende en Colombia, pero se fabrica en Cartagena en una destilería fundada hace cien años. Es el Dictador, uno de los mejores rones del Caribe.

PLACERES

Hace cien años se fundó en Cartagena la Destilería Colombiana. Ahí, en la bodega en donde se añeja en la penumbra el ron Dictador, se encuentra Hernán Parra, nieto del fundador de la destilería responsable de elaborar uno de los licores más finos de Colombia. Curiosamente, el ron Dictador no es muy conocido en su país y apenas un puñado de aficionados sabe de su existencia; sin embargo, esto no es un problema para Parra, pues no sucede lo mismo en más de los 60 países en donde se comercializa exitosamente esta bebida espirituosa que ha sido premiada en algunas de las ferias de licores más importantes del planeta -hace dos años fue laureado como uno de los mejores rones del mundo en el New York International Spirits Competition en dos de sus presentaciones, 15 y 20 años y va a competir este año en Vinexpo en Francia-. Probablemente, esta circunstancia no sea sino una reiteración del hamacado destino que ha padecido esta bebida a lo largo de su historia. El mata-diablo (kill-devil) o Rumbullion, que significa tumulto e indisciplina en el argot que hablaban los ingleses del siglo XVII, era el nombre como se le conocía. El ron es un destilado de las mieles que quedan luego del proceso para la cristalización del azúcar de caña, que llegó al Caribe luego de que los comerciantes europeos la sembraran en el nuevo continente para aprovechar las propiedades edulcorantes de esta gramínea procedente del sur-oeste asiático y llevada a Europa por comerciantes musulmanes. Pero, no bien llegaba la planta, y con ella las legiones de esclavos traídos desde el África para cultivarla, también venía

con ella un polizón que solamente fue descubierto el día que algún espontáneo alquimista heredero de Avicena, quien perfeccionó el método de destilar alcoholes poco después del año mil de nuestra era, logró convertir un subproducto inútil en una de las sustancias más apetecidas de toda la historia. Y sí que lo fue: la afición de los piratas por el líquido no se alimentaba únicamente de sus efectos, odiado por las élites coloniales que veían en él un lastre para el buen desempeño laboral de sus esclavos, sino por su uso como medida de cambio debido a la escasez de moneda acuñada que padecían las colonias europeas en América. Más aún,

el propio Adam Smith registra en La riqueza de las naciones como en la provincia de Nueva York los «carpinteros navales ganan diez chelines y seis peniques en moneda corriente, y una pinta de ron que vale seis peniques esterlinos». Así es que el linaje del ron tiene ancestros endiablados y toscos y sus descendientes se han venido puliendo mediante el aplicado oficio de maestros roneros que disponen de una virtud no muy común, el buen gusto. No es casualidad entonces que Hernán Parra confiese que solamente ha acudido a la academia para aprender las herramientas administrativas que le

permiten gestionar su empresa, porque producir licor es el fruto de las técnicas aportadas por la química, pero hacer un buen ron es un arte que consiste en encontrar una tonalidad, un matiz que es disfrutado por muchos pero que solamente puede ser hallado en los sentidos de un buen catador. Dictador es un ron que es añejado en barricas de roble que fueron usadas para madurar bourbon, de donde recibe su sabor ligeramente acaramelado y fue bautizado en honor a Severo Arango y Ferro, quien llegó a Cartagena en 1751 como oficial de aduanas y que recibió el remoquete de Dictador por su temperamento

osco y la manera estricta como cumplía con su deber. Severo, un antepasado de Don Julio Arango y Parra, fundador de la Destilería Colombiana, no solamente cumplía con su deber de funcionario aduanero, también se dejó seducir por la joven bebida y decidió aprender el oficio de producirla. Se añeja en Cartagena, un clima óptimo para una maduración más rápida y homogénea, razón que explica que los mejores rones del mundo se embotellen en zonas cercanas a los trópicos. Es un ron sin máscara, pues no tiene caramelo ni aromatizantes invasivos, que se usan en otros rones para endulzar y suavizar su

EL LINAJE DEL RON TIENE ANCESTROS ENDIABLADOS Y TOSCOS Y SUS DESCENDIENTES SE HAN VENIDO PULIENDO MEDIANTE EL APLICADO OFICIO DE MAESTROS RONEROS.

PLACERES

?4 Gu6A<64 78 4ɩ8=4@<8AGB ES DE SOLERA, QUE CONSISTE EN «CRIAR» EL RON EN BARRICAS DISPUESTAS UNAS SOBRE OTRAS Y TRASVASAR EL RON MÁS VIEJO DE LAS BARRICAS SUPERIORES A LAS MÁS CERCANAS AL SUELO.

sabor para darle la apariencia de un licor debidamente madurado. La técnica de añejamiento es de Solera, que consiste en «criar» el ron en barricas dispuestas unas sobre otras y trasvasar el ron más viejo de las barricas superiores a las más cercanas al suelo, de ahí que se llame método de Solera. El ron más añejo puede llegar a permanecer más de 25 años en las barricas y luego es mezclado con tafias –rones añejados con alto contenido de alcohol- menos viejas para darle sabor, consistencia y uniformidad al producto final. El ron Dictador viene en cuatro presentaciones: 15, 20, XO Insolent y XO Perpetual. Las

botellas de 15 y 20 son añejadas con el sistema de Solera. XO, por su parte, es una denominación que indica la categoría producto que surge de la mezcla de las mejores tafias de la destilería; el ron XO Insolent es una mezcla más aromática que el XO Perpetual, que su dueño describe como un homenaje a la elaboración tradicional del ron usando únicamente los mejores madurados de sus bodegas. Basta decir que, al final de la tarde, Parra se despide con una copa de ron, puro y sin hielo, para reconocer así de dónde obtiene el Dictador la autoridad para ser considerado uno de los mejores rones de la tierra.

Hernan Parra

en cinco preguntas: ¿En qué países se puede encontrar el ron Dictador? Nosotros le vendemos a más de 60 países. Toda Europa, incluyendo los países de Europa del Este y Turquía. También lo distribuimos en once países del África; en Asia, especialmente en Singapur, China, Corea del Sur, Japón; en Australia y en Canadá y en once estados de los Estados Unidos. Sorprendentemente no vendemos en Colombia ni en Suramérica. ¿Por qué? Por un tema de regulación. Mientras los importadores sí pueden vender rones extranjeros, nosotros desistimos de hacerlo porque habría que sacarlo del país y volverlo a importar como si fuese extranjero, y esa no es la manera como operamos nosotros. ¿Cómo aprendió usted el oficio de maestro mezclador de ron? Esto no se aprende. La gente piensa que la producción de licor o de alimentos es una ciencia. Este es un tema que tiene que ver con la experiencia familiar y con papilas gustativas. Hay personas que nacen con papilas gustativas muy sensibles y otras que las educan para reconocer una y otra vez los sabores ideales y los insumos adecuados para producir un buen ron. ¿Cómo se reconoce si un ron es realmente añejo? Una de las técnicas para saber si un producto es realmente añejo o no, es que sea suave en el paladar. Si a usted le ofrecen un licor de 40° de alcohol y le pica la lengua, le arde y le quema el pecho, no es añejo, porque estas sensaciones significan que está probando alcoholes jóvenes, por eso en España a la maduración en barricas le dicen crianza; porque es como un niño que al principio no hace caso y es rebelde, pero que con el tiempo que pasa en la barrica se va amansando y se va volviendo más obedientes. ¿Por qué los rones más finos se denominan XO? El proceso de mezcla para los XO es que año a año cogemos las mejores tafias, es decir, los mejores rones añejos que tenemos de diferentes años y los mezclamos, entonces en la botella hay rones de 27, 30 y 25. Lo hacemos así porque de otra forma sería muy difícil tener rones de más de 25 años de manera constante año a año.

La Destilería Colombiana cumple este año un siglo, algunas Z[ bWi jWÔWi j_[d[d más de 32 años.

PLACERES

Verdadero ron Por

Los rones que deben estar en el bar.

Juliana Bedoya

KRAKEN Este suave ron de las Islas Vírgenes debe su nombre a la mítica bestia que hundía botes y ahogaba marineros en altamar. Es destilado en alambiques de acero, fermentado con miel de caña de azúcar y almacenado en barricas de roble. Su botella con dos asas al estilo victoriano es una obra de arte. Su memorabilia es apetecida por coleccionistas. www.krakenrum.com

Kraken Barceló Imperial Ron Zacapa XO Pusser’s

En 1980, Miguel Barceló creó el Barceló Imperial, y 30 años después fue galardonado por el Beverage Testing Institute of Chicago como el mejor ron del mundo gracias a su «deliciosa sensación a nuez en mantequilla, especias y recuerdo de caramelo». Este ron dominicano, de color ambarino, generalmente se produce en octubre y se vende en noviembre. www.ronbarceloimperial.com

BARCELÓ IMPERIAL

El Zacapa se añeja en las tierras altas de Quetzaltenango, Guatemala, a 2.300 metros sobre el nivel del mar. Su temperatura fresca, el aire menos denso y la presión atmosférica más baja intensifican los sabores. El XO contiene una mezcla de rones añejados de 6 a 25 años, y en último término descansa en barricas de roble francés que han contenido coñac. Un balance perfecto de dulzor, fruta y especias. www.zacaparum.com

RON ZACAPA XO

Por más de 300 años la Marina Real Británica les daba a sus hombres una ración de ron diaria. Esta podía llegar a dos pintas antes de una batalla o luego de una gran victoria. La tradición llegó a su fin el 31 de julio de 1970, cuando prohibieron el consumo de ron. En 1979, el marinero Charles Tobias obtuvo los derechos y la información exclusiva de la mezcla y resucitó la legendaria bebida. Fue catalogado por Forbes como unos de los diez mejores rones del mundo. www.pussers.com

PUSSER’S

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ร lvaro Corzo, Nueva York

Inquilinos voladores Mรกs de 300.000 abejas habitan la terraza de uno de los hoteles mรกs exclusivos de Nueva York. Esta es la historia del Waldorf Astoria y su reciente luna de miel.

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Ocurre en el centro de la terraza del vigésimo piso del Waldorf Astoria, en pleno corazón de Manhattan. La vista que se tiene de los rascacielos vecinos del Midtown es impactante, aunque no tanto como el zumbido de cerca de 360.000 abejas que allí se encuentran. Les llaman «los nuevos inquilinos del Waldorf», o de la «Gran Dama», como se le conoce a este mítico hotel ubicado sobre Park Avenue, en Nueva York. En esta particular terraza –que también alberga huertas móviles que suplen a los restaurantes del hotel– se elevan de forma inmaculada seis colmenas de abejas. Son las reinas del lugar, no cabe duda. A pesar de que polinizan cerca de aquí, en el Central Park, en la arboleda de la Quinta Avenida y en Bryant Park, en cercanías de Times Square, la presencia de estos coloridos inquilinos es más que venerada por todos en el hotel. Se espera que en la cosecha de este año, que empieza a mediados de septiembre, se recojan más de 300 libras de miel, un tercio de lo que se necesita para suplir por un año a los tres restaurantes del Waldorf, asegura David Garcelon, director culinario del hotel, mientras se pone el traje que le permitirá entrar a saludarlas. «La miel es un manjar único. Además de ser un endulzante 100% orgánico, tiene propiedades culinarias incomparables», Las colmenas del Waldorf Astoria fueron construidas en abril del año pasado y ya albergan alrededor de 60.000 abejas.

explica mientras dice que las colmenas fueron construidas tan solo en abril del año pasado y que ya albergan alrededor de 60.000 abejas, cuya miel se usa para elaborar, entre otros platos, el helado de miel fresca y el chowder de champiñones y miel. «Cuando llegué de Toronto para hacerme cargo de la comida del Waldorf quería incorporar un modelo autosostenible de alimentos. Cultivar hortalizas, condimentos, miel y todo lo que fuera posible. Si bien cultivar la miel fue nuestro mayor reto y la inversión inicial fue grande, un año después tenemos un ingrediente por el cual todos nuestros huéspedes mueren de la dicha, así como también tenemos una nueva gran historia por contar», dice Garcelon. Para aprovechar el almíbar que sale de estas colmenas, el equipo de chefs desarrolló un menú basado en este manjar que logra transportar el paladar de los huéspedes a lugares tan exóticos como irreconocibles. Sucede con la increíble sopa de fresas, miel y queso de cabra, con el tradicional crème brûlée y los anillos de miel y avellanas, así como con los escalopes de pescado en salsa de miel y habanero. Un segundo chef se une a la conversación y me entrega un vestido que debo usar. Careta y un overol blanco me separan de estos diminutos y ruidosos antófilos.

UN EQUIPO DE EXPERTOS APICULTORES VISITA LA TERRAZA UNA VEZ POR SEMANA PARA REVISAR EL ESTADO DE LAS COLMENAS E INDAGAR SI LA ABEJA REINA ESTÁ SALUDABLE Y SIGUE PONIENDO HUEVOS, ASÍ COMO SI EL RESTO DE LA COLONIA ESTÁ BIEN HIDRATADA.

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Garcelon, quien estudió culinaria en Cornell University y en el Instituto Culinario de Canadá, levanta la camisilla de la colmena dejando parte de la colonia a plena luz del día. Toma una espátula y comienza a deslizarla despacio por la superficie, desatando un flujo de miel que hace a todos salivar de felicidad. Luego se levanta la máscara y la prueba: «Muy herbal, se pueden identificar tonos de menta, tomillo, romero y tilo», dice mientras explica que el sabor de la miel se debe a las plantas con las que se alimentan las abejas. «Al estar rodeadas por las huertas, aseguran sabores muy florales y robustos». Pero no todo es tan sencillo y dulce. El trabajo es arduo para

mantener estas colmenas funcionando. Un equipo de expertos apicultores visita la terraza una vez por semana para revisar el estado de las colmenas e indagar si la abeja reina está saludable y sigue poniendo huevos, así como si el resto de la colonia está bien hidratada. «De fallar la ventilación dentro de las colmenas, estamos expuestos a que las abejas migren para nunca más regresar», añade Garcelon, quien tuvo su primer trabajo de cocina cuando apenas cumplía 14 años.

ABEJAS BIENVENIDAS El furor por la apicultura en Nueva York tomó forma en 2010, cuando las autoridades levantaron

SE ESPERA QUE EN LA COSECHA DE ESTE AÑO, QUE EMPIEZA A @87<47BF 78 F8CG<8@5E8 F8 E86B=4A @ØF 78 ˟˜˜ ?<5E4F 78 @<8? HA G8E6<B 78 ?B DH8 F8 A868F<G4 C4E4 FHC?<E CBE HA 4ɩB 4 ?BF GE8F E8FG4HE4AG8F 78? J4?7BE9 4FGBE<4!

David Garcelon es el director culinario del Waldorf Astoria y el encargado de cuidar sus abejas.

PLACERES

ENTRE LOS PLATOS QUE SE ELABORAN CON MIEL ESTÁN LA SOPA DE FRESAS, MIEL Y QUESO DE CABRA; LA CRÈME BRÛLÉE; ANILLOS DE MIEL Y AVELLANAS; Y LOS ESCALOPES DE PESCADO EN SALSA DE MIEL Y HABANERO.

la prohibición para cultivar miel en los tejados. Desde entonces, 160 colmenas han sido registradas en toda la ciudad. Instituciones y hoteles como el Whitney Museum, el National Resources Defense Council y el Intercontinental siguen los pasos del Waldorf, al igual que decenas de restaurantes en Brooklyn, Queens y el resto de distritos que conforman Nueva York. Con la bandeja llena de miel se cierra la colmena y nos dirigimos al elevador que conduce a la cocina del hotel, un espacio del tamaño de una cuadra entera. El chef de repostería toma un chuchillo caliente y desprende los trozos de miel de la bandeja para pasarlos por una máquina centrífuga. Minutos después, la miel queda apta para el consumo. «Es como champaña», dice mientras sirve un plato del famoso helado de miel que el hotel ofrece a sus huéspedes. Aunque alg unas abejas salen de la colmena y van de paseo por el Waldorf, incluso picando a uno que otro huésped, se trata de una experiencia única que hace parte de la estrategia por

cautivar a sus visitantes. Justo como ocurre en hotel Metropole, en Hanoi, Vietnam, donde el chef hace un tour por los mercados de la ciudad en busca de los mejores ingredientes orgánicos, para luego prepararlos junto a los huéspedes en una intima clase de culinaria. No es la primera vez que el Waldorf hace historia, no solo por ser uno de los lugares preferidos por presidentes y dignatarios, sino por haber sido allí, en su cocina, donde se inventaron dos platillos que revolucionaron la gastronomía mundial: los huevos benedictinos y la ensalada Waldorf. El objetivo de Garcelon y su equipo es llevar el idilio entre la miel y la cocina a otro nivel, con un recetario de lujo que será el encargado de correr la voz. Por ahora habrá que alojarse en este acogedor lugar y visitar su terraza para conocer de primera mano a estos fascinantes huéspedes voladores. Y por supuesto, detenerse en uno de los restaurantes y ordenar una prueba de los platillos hechos con base de miel de la casa.

CRUISE CONTROL El yate de «Ari» Dueños del agua Foto

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CRUISECONTROL

Por Fotos

El yate de «Ari» Abandonado durante más de treinta años, el bote privado que albergó más lujo y poder en el siglo XX ha vuelto a la vida. Esta es la historia del Christina O, el emblemático juguete de Aristóteles Onassis. Y está en venta.

Juan Camilo Maldonado T. Cortesía 7U^Zþ`_ Company

CRUISECONTROL

La primera vez que hablaron lo hicieron bailando. Ella, que lo superaba en altura, se dobló instintivamente hacia delante, para que el pequeño y esbelto magnate no fuera a incomodarse. Él la detuvo casi instantáneamente: -No hay necesidad de que se encoja- murmuró sin detener el baile- las mujeres suelen verme más alto cuando imaginan que me encuentro de pie sobre mi fortuna. Al día siguiente, presa de la misma fascinación de la que fueron víctimas muchas otras antes que ella, la soprano María Callas abordaba junto al millonario naviero el Christina O, ese lujosísimo yate que los sobreviviría a todos en esa malograda dinastía, y que siempre ocupó en el corazón de Aristóteles Onassis más espacio que el de todas sus mujeres. Han pasado más de sesenta años desde ese día. María ya está muerta; culpa de los antidepresivos. «Ari» también está muerto; lo mató una neumonía. Está muerta su primera esposa, Athina Mary, y sus dos hijos Christina y Alexander. Está muerta Jacqueline Onassis (antes viuda de Kennedy) y está muerto Jhon F. Kennedy. Y también lo están Winston Churchill, Grace Kelly, Marilyn Monroe y otros tantos que surcaron el siglo XX abordo del yate más famoso de la historia. Hoy el Christina O les sobrevive. El yate está atracado en algún

puerto discreto del sur de Inglaterra y, como más de uno se habrá enterado vía titulares, se encuentra disponible y a la venta por la suma de 34,2 millones de dólares.

GUERRA, DINERO Y GLAMOUR Aristóteles Onassis llegó al Christina O gracias a los mismos métodos que lo convirtieron durante los años 30 en uno de los hombres más ricos del mundo. Onassis sabía leer los códigos de la publicidad y el glamour, y gracias a ellos comenzó su imperio en Buenos Aires, vendiendo cigarrillos para mujeres. También tenía un agudo sentido de la oportunidad, y de él se valió para comprar a precios irrisorios una robusta flota mercante, durante los años de la Gran Depresión. Con igual lógica, Onassis –que se enriqueció aún más durante la Segunda Guerra Mundial, poniendo su flota al servicio de los aliados- aprovechó de nuevo la baja en los precios de los navíos de combate finalizada la Segunda Guerra Mundial, y adquirió por 34.000 dólares una fragata antisubmarinos construida por la Armada Real de Canadá. Según la revista especializada Super Yatch World, Onassis invirtió en los años cincuenta 4 millones de dólares (unos 27 millones de dólares en la actualidad) en la remodelación de su nuevo juguete. Y luego lo bautizó Christina O. en honor a su hija,

quien décadas después terminaría siendo la única y malograda heredera de su emporio. El Christina O. fue centro del universo social, familiar y sentimental de Aristóteles Onassis. Fue en sus lujosos salones donde el magnate comenzó su affair con María Callas, estando ambos casados. Y también fue a bordo del yate, circundando la isla privada de Skorpios, en el mar Jónico, donde luego contraería nupcias con la viuda del desparecido John F. Kennedy. Algunos de los hombres más poderosos del siglo XX navegaron con uno de los empresarios más poderosos de ese siglo a bordo del Christina O. El exprimer ministro británico, Winston Churchil, lo acompañó en más de una ocasión, y cuentan que fue allí donde se conoció con el entonces presidente John F. Kennedy. El yate fue también lugar de vacación para Frank Sinatra y Marilyn Monroe, y en su interior se celebró otro de los matrimonios más memorables de aquél tiempo: el del príncipe Rainiero III de Mónaco con la actriz Grace Kelly. En uno y otro caso, la interpretación que muchos le han dado al Christina O coincide: el yate, como las mujeres, fueron siempre utilizadas por Onassis para impresionar, seducir e incrementar su fortuna. Si su primera esposa fue el trampolín para hacerse a una colección más grande de barcos (su suegro era naviero) y la segunda, una posibilidad de acceder

El Christina O fue centro del universo social, familiar y sentimental de Arist贸teles Onassis. En la foto con Jacqueline Kennedy.

Corbis

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a los cerrados círculos de poder que se mueven soterradamente en Washington, el Christina O fue, hasta su muerte, en 1975, el escenario de exhibición de su poder, el lugar donde perfeccionó con elegancia y algo de excentricidad su ajedrez económico y pasional. À A LA VENTA Por estos días, William Sanders busca alguien dispuesto a pagar 32 millones de dólares por el Christina O. Experto navegante de botes de vela Blue Jays, Bill se dedica enteramente a la intermediación en la venta de grandes botes de lujo. Es un broker, en un mercado de muy pocos jugadores. «Hace muchos años trabajé para los hermanos Papanicolaou. Fueron ellos quienes sacaron al Christina O de la ruina», asegura. El yate había quedado desamparado en 1975, luego de que una neumonía acabara con la vida solitaria y depresiva que caracterizó los últimos años de Onassis tras la muerte de su hijo, Alexander, dos años atrás, en un sorpresivo accidente aéreo. Entonces, una afligida y débil Christina Onassis heredaría toda la fortuna de su padre. Sin saber qué hacer con él, Christina donó al Christina O al gobierno griego, pero este, a su vez, se quedó corto de imaginación. Así que por muchos años el yate permaneció abandonado y sin uso. Solo a finales de la década de los noventa, John Paul Papanicolaou, un conocido naviero griego para el que trabajaba Bill, decidió rescatar al Christina O del olvido y convertirlo en una suerte de museo vivo y lucrativo que aprovechara los grandes momentos que se vivieron en su interior. Bill acompañó a Papanicolaou a Croacia, donde el empresario invirtió más de 50 millones de dólares para la remodelación y readecuación del bote. La suma terminó duplicando lo invertido por Aristóteles Onassis cincuenta años atrás para la primera adecuación del bote. «Ni la más lujosa o grande embarcación del mundo tiene lo que tiene este yate», explica por teléfono Bill, mientras participa en una regata en la isla de Serdeña,

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Onassis invirtió en los años cincuenta 4 millones de dólares (unos 27 millones de dólares en la actualidad) en la remodelación de su yate.

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Fue a bordo del Christina donde se celebró el matrimonio del príncipe Rainiero III de Mónaco con la actriz Grace Kelly.

Foto AP

Algunos de los hombres más poderosos del siglo XX navegaron en el yate de Onassis. El exprimer ministro británico, Winston Churchil, lo acompañó en más de una ocasión, y fue allí donde se conoció con el entonces presidente John F. Kennedy.

Foto AP

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El bar (abajo a la derecha) permanece prácticamente intacto con sus butacos forrados en piel de cachalote y marcos con huesos de ballena que tienen inscritos escenas de la Odisea .

Italia. «Entre otras, porque tiene una capacidad extraordinaria. Puede alojar hasta 36 invitados, con todo el peso de la historia y las características y comodidades que el Christina ofrece». El Christina O está pensado para recrear buena parte del ambiente original de la época, incluyendo muchas de sus piezas originales. Mientras que la suite principal conserva su chimenea original, por ejemplo, el bar permanece prácticamente intacto y es, según el catálogo de Edmiston & Company, la

parte «más histórica, con piezas originales como los butacos forrados en piel de cachalote (sperm whale) y marcos con huesos de ballena que tienen inscritos escenas de la Odisea ». El bote tiene nuevos aditamentos, introducidos para explotar el aura de historia y lujo que rodea al Christina. Entre otras cosas, se le añadió un jacuzzi, una piscina y un salón de recitales con un piano de cola que, muy a tono con las improntas del mercadeo turístico contemporáneo, lo bautizaron María Callas.

Quizás sea ese contraste entre lo genuinamente antiguo y lo comercialmente provechoso, lo que genere en Bill que el mejor lugar del Christina siga siendo el bar de Ari. «Uno allí se siente honrado. Puedes hasta sentir la energía de quienes aquí estuvieron», asegura este intermediario de yates, que mientras no lo venda, seguirá arrendándolo para viajes cortos, especialmente aquellos que tantas veces realizó el Christina, surcando de un lado al otro las costas del Mediterráneo.

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CRUISE CONTROL

Dueños del agua Por

Tres marcas de botes que se convirtieron en objeto de culto.

Juliana Bedoya

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Una tormenta, que nadie vio venir, destrozó una cantidad considerable de botes y barcos pesqueros. El lugar, Lago d’Iseo; el año, 1842; el salvador, Pietro Riva, un joven y habilidoso carpintero que se dio a la tarea de reparar lo que parecía no tener arreglo. Su reputación le permitió crear un negocio de construcción de botes, al que su hijo le agregó innovaciones tecnológicas, y sus descendientes, el posicionamiento de una marca que ha sido usada por reyes, presidentes y estrellas de Hollywood. www.rivaboats.com

Riva Frauscher Sea Sonic

Mucho ha pasado desde que en 1927 Engelbert Frauscher realizó el sueño de su vida. El mundo cambió, pero estos botes austriacos siguen siendo sinónimo de perfección. Materiales de primera clase, diseños inspirados en las lanchas de motor de los gentlemen de los años veinte y su gran manejabilidad hacen que los Frauscher sean «peleados» por fanáticos en todo el mundo. www.frauscherboats.com

FRAUSCHER

Pocos trabajan la madera como Chris Casparis. Más de 30 años dedicado a la restauración y construcción de botes lo hacían frecuente ganador en ferias marítimas por su trabajo. Ahora, con su compañía Sea Sonic, en British Columbia, Canadá, diseña y construye sus propios botes, donde combina la tecnología actual con la elegancia y la artesanía del pasado. Se destacan los modelos Cantaur y Sirena. www.seasonicboats.com

SEA SONIC

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MÁQUINAS DE TIEMPO Relojes de aventura

Foto

Cortesía Cartier

MÁQUINAS DE TIEMPO

Alberto Santos Dumont, quien inspiró el Santos de Cartier Cortesía Cartier

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Tiempo de aventura Un portafolio de modelos diseñados para las situaciones más extremas. Por

Ricardo Kling

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Cada vez más, los entusiastas de la vida al aire libre y los aficionados a los deportes extremos hacen que las empresas especializadas diseñen más y mejores accesorios para este estilo de vida. No necesariamente significa que el usuario final sea un gran pescador o un montañista consumado, sino que por sus venas corre algo de sangre audaz. Que le atraiga el camping o las caminatas o, sencillamente, que quiera tener un poco de esa nostálgica ilusión de libertad y de aventura, basta para que sea un cliente de este tipo de productos. La industria relojera no es ajena a este mercado y desde hace años produce relojes aptos para su uso en condiciones extremas. Probablemente la rutina, la agitada vida de la ciudad y el sedentarismo de la actualidad producen un deseo de liberación de todo ese estrés mediante la adquisición de productos que simbolicen una vida al aire libre y exploración: vehículos 4x4, ropa de estilo y colores outdoors, botas y zapatos cómodos, relojes deportivos que son comprados por millones de personas cada año. En la muñeca de los personajes y héroes de las aventuras modernas, siempre se ha lucido un reloj. Este no solo ha provisto la valiosa información del tiempo preciso, sino que ha sido empleado por las

CHOPARD MILLE MIGLIA

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CHOPARD MILLE MIGLIA

Uno de los relojes más sorprendentes del mundo de la aventura extrema es, sin duda, el Master Compressor Diving Pro Geographic de Jaeger-LeCoultre. Este reloj posee un ingenioso sistema de profundímetro mecánico, y su movimiento permite que el usuario seleccione una ciudad del planeta al girar la corona para visualizar la hora correspondiente. La caja de titanio grado 5 es hermética a 300 metros y está equipada con llaves de compresión.

La famosa carrera de autos antiguos en Italia, y la más famosa del mundo en su categoría, evoca la época de grandes aventuras a bordo de veloces automóviles. Desde Brescia salen muchos automóviles de la época con dirección a Roma y regresan nuevamente al origen, después de recorrer las 1000 millas que inspiraron a Chopard a diseñar este precioso reloj que ahora toca a Colombia en una edición limitada para el Haciendas Classic Chopard Rally, y que lleva, como es usual, el pulso de caucho de llanta labrado.

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MÁQUINAS DE TIEMPO

TAG HEUER CARRERA

Hace 50 años, en 1963, Jack Heuer, el hombre responsable de algunos de los avances más innovadores en el cronometraje deportivo, se concentró en las necesidades específicas de los pilotos de carrera profesionales para diseñar el reloj perfecto para los aficionados al automovilismo: una carátula fácil de leer, resistente a los golpes, con una caja resistente al agua que aguantase las condiciones más duras, como la carrera Panamericana, en México. El modelo Carrera sigue siendo la insignia de la inigualable relación de TAG Heuer con el automovilismo y se inspira en una serie de ideas innovadoras para lograr un diseño de avanzada. Los códigos específicos del automovilismo están bien representados: el aspecto clásico de los contadores de tablero, la fácil lectura y la gran resistencia. Además, TAG Heuer instaló en su movimiento in-House el calibre 1887, que garantiza una gran precisión.

marcas relojeras para desarrollar mejor sus productos y hacerlos resistentes a las condiciones de uso moderado, a la vida normal o a las situaciones extremas cuando sus clientes los llevan al fin del mundo. Rolex es la marca que ha abanderado los relojes deportivos y, desde sus inicios, tiene en su portafolio modelos diseñados especialmente para la exploración. Igualmente, marcas suizas como Omega, IWC, TAG Heuer, y otras como Victorinox basan su estrategia en relojes de este perfil. También, actualmente casi todas las finas opciones que producen las marcas suizas llevan en su ADN un alto componente deportivo que las hace atractivas para una generación de clientes que, si bien no practican deportes extremos, y probablemente nunca verán la profundidad del océano o las cumbres del Himalaya, sí quieren llevar con ellos un pedazo de audacia y sabor aventurero.

La imagen de Mercedes Gleitz, quien cruzó nadando el Canal de la Mancha llevando un Rolex; la de los astronautas de la Nasa, que llevaron relojes Omega al espacio; la de Jacques-Yves Cousteau luciendo un IWC en sus increíbles hazañas a bordo del Calypso, o los audaces pilotos que conducían sus bólidos en la Carrera Panamericana de México con relojes Heuer permanecen en la mente de una generación que hoy en día tiene la capacidad de adquirir relojes de gran sofisticación y poseer varios de ellos, entre los que seguramente están los más icónicos modelos de esta serie. La mayoría de los relojes diseñados para la exploración poseen características de robustez, impermeabilidad y funciones útiles como hora GMT, cronógrafo o luminosidad. Cada quien encuentra un reloj que por su apariencia lo identifica con su actividad favorita.

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D VICTORINOX

NIGHT VISION

E PATEK PHILIPPE AQUANAUT

VICTORINOX NIGHT VISION

PATEK PHILIPPE AQUANAUT

BELL & ROSS

El fabricante de la tradicional Swiss Army Knife ingresó hace años al mercado de la relojería con modelos de estilo militar y de bajo costo. Gradualmente ha evolucionado, y hoy posee una vasta colección de relojes funcionales y resistentes. Desde que introdujo el Night Vision, un reloj con linterna de alta intensidad que puede ser usada también para emitir señales de emergencia y para ver la hora.

La manufactura Ginebrina fue una de las primeras empresas de alta gama en producir relojes de acero para uso deportivo. Recientemente lanzó su famoso Aquanaut impermeable con el movimiento automático Travel Time, que permite ver la hora en dos zonas del planeta simultáneamente. Asimismo, le añadió un pequeño indicador de día y noche y un calendario análogo que son funciones esenciales para los viajeros y aficionados a visitar lugares remotos, conservando la información local.

Una de las marcas que más éxito ha obtenido en los años recientes es Bell & Ross, que posee una clara identidad, pues sus cuatro principios fundamentales se evidencian en todos sus relojes: funcionalidad, precisión, visibilidad e impermeabilidad. El reloj marino cronógrafo, diseñado por Bruno Belamich y Carlos Rosillo para los buzos profesionales, posee un bisel giratorio interno que se puede operar a 500 metros de profundidad, y válvula de descompresión. Su caja de acero con PVD negro y pulso de caucho lo hace ideal para bucear en aguas peligrosas, pues no se producen reflejos ni destellos.

BELL & ROSS

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MÁQUINAS DE TIEMPO

ROLEX EXPLORER CARTIER SANTOS

I J

G H

AUDEMARS PIGUET SAFARI OMEGA SPEEDMASTER

AUDEMARS PIGUET SAFARI

OMEGA SPEEDMASTER

ROLEX EXPLORER

CARTIER SANTOS

Le Brassus es un pequeño pueblo ubicado en las montañas suizas del Vallée de Joux y cuna de la famosa manufactura Audemars Piguet, la única de estas legendarias empresas relojeras que sigue siendo dirigida por un miembro de las familias fundadoras. Hace 40 años se atrevió a lanzar el Royal Oak, que causó sensación pues controvertía las reglas de la tradición relojera al poner en una caja de acero un finísimo movimiento automático de gran valor. Años después, volvió a sorprender con el Off Shore, una versión aún más poderosa del Royal Oak. Este es el muy apetecido Safari, que posee su correa de cuero de cocodrilo Hornback característica de AP para sus modelos de audaz diseño y extrema resistencia.

Este año, en Baselworld se presentó el nuevo Omega Speedmaster ´57. Desde su lanzamiento, hace más de medio siglo, el Omega Speedmaster ha definido lo que ha de ser un cronógrafo clásico: resistente, fiable y con un diseño intemporal. Y desde julio de 1969 se convirtió en el primero y único reloj utilizado en la superficie lunar. Se lo conoce por su sobrenombre, el «Moonwatch». El Speedmaster Omega Co-Axial Chronograph reinterpreta de modo espectacular al cronógrafo favorito del mundo.

Este año se cumplieron los 60 años de la primera ascensión al Everest, pues en mayo de 1953, Sir Edmund Hillary alcanzó la cima del monte más alto del mundo llevando un Rolex. El Explorer II es el heredero natural del Explorer como guía fiable, una herramienta y un compañero para los exploradores, espeleólogos y vulcanólogos. Cuando fue lanzado en 1971, el Explorer II estableció nuevos estándares de precisión cronométrica, solidez, autonomía y claridad. Cuenta con una distintiva aguja de 24 horas, un recurso inestimable que permite distinguir las horas del día de las nocturnas en los polos y bajo tierra. Ahora, con su moderna caja de 42 mm de diámetro, se ha convertido nuevamente en un bestseller.

Indudablemente, uno de los aventureros más famosos del mundo fue el brasilero Alberto Santos Dumont, quien encomendó a su amigo joyero Cartier que le fabricara un reloj para sus travesías en Suramérica. Así, surgió el legendario reloj Santos, de Cartier, que en esta oportunidad luce con una maquinaria esqueletizada en caja de oro y cristal de zafiro. El Cartier Santos es uno de los relojes más apreciados para la exploración y está disponible en numerosas versiones para todos los gustos.

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Fotos: Pedro Nel OüZ_S. 5`ceVd S, FSX Heuer – DZþ`j`eS RS]]j FVS^

Barro en el llano Vichada, el segundo departamento más grande de Colombia con casi 106.000 km 2, es una mezcla de paisajes imponentes, ríos grandiosos y las planicies más hermosas de los Llanos Orientales. Con una amplia riqueza natural, el Vichada es uno de los más importantes y controvertidos polos de desarrollo agroindustrial en el país y, a la vez, un remanso de paz, en medio del mar verde de su llanura que se une al cielo azul profundo cuando la vista alcanza a ver la curvatura de la tierra. La magia de sus amaneceres, y el infinito milagroso de sus cielos en

una noche estrellada contrastan con la dureza de su clima y la amable hospitalidad de sus habitantes. Los que han llegado hasta este confín de Colombia podrán recordar con nostalgia el aire de armonía y siempre querrán regresar. Recientemente el Tag Heuer-Distoyota Rally Team en una expedición de rally aventura, con un grupo de aficionados al 4x4 extremo, condujeron sus vehículos en pleno invierno para llegar a Puerto Carreño, la capital de este salvaje pero maravilloso territorio. Uno de sus integrantes captó para Summus algunas escenas que aquí presentamos.

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DISEÑO ES UNO

Por

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* Consultora de arte decorativo. Su galería de Nueva York es punto obligado de artistas y coleccionistas. cristina@cristinagrajalesinc.com

Sentados naturalmente La ubicación de nuestro stand también fue fantástica, pues se encontraba al lado de la plaza de arte. Nuestros clientes y visitantes estuvieron complacidos de ver a nuestros artistas expuestos en este mágico lugar. Mi siguiente destino fue Colombia, adonde viajé para asistir a la inauguración de la exposición de la escultora Alexandra Agudelo, a quien tengo el placer de representar. Fue una exposición impecable organizada por el Museo de Arte Moderno de Medellín, curada por Julián Posada, quien logró una puesta en escena inteligente que retrata con fidelidad la evolución creativa e intelectual del trabajo de esta artista de la plata. En mi regreso a Nueva York, instalamos nuestra exhibición itinerante, titulada Sentados naturalmente, en la sede del festival Glimmerglass, en Cooperstown, Nueva York. Esta feria ofrece la más importante muestra de ópera del verano en Estados Unidos. La instalación la habíamos llevado primero al Fairchild Gardens, en Coral Gables, Florida, durante la edición de la feria Design Miami. Fue emocionante ver la buena acogida de nuestra propuesta por el público de Cooperstown, y a la vez fue enriquecedor para nosotros disfrutar de la nueva producción de Flying Dutchman, dirigida por Francesca Zambello, quien no solo es la directora artística de la Glimmerglass Opera House, sino también, la consejera artística de la Washington National Opera. Desde ya estamos ansiosos por saber adónde llevaremos nuestra exposición el siguiente verano.

Este año, la feria Design Miami Basel tuvo como sede un nuevo edificio diseñado por el estudio de arquitectura suizo Herzog & de Meuron, ganador del premio Pritzker en 2001. El complejo, compuesto por dos inmensos edificios de piedra y una apertura en forma de anillo en el centro, fue construido por iniciativa de las autoridades de la ciudad de Basilea, Suiza, para albergar a la reconocida feria de joyería Basel World. La feria Design Miami ocupó el pabellón sur del complejo. Cuando entré por primera vez al edificio

quedé sin palabras: su enorme escala y la sencillez del espacio son impresionantes. Adentro todo era oscuro, lo que le confiere al lugar una atmósfera misteriosa que contrastaba con la claridad de la fachada. Debido al poco tiempo que nos dejaron los preparativos de instalación de nuestro stand, no pude tener, sino hasta cuando todos los demás estuvieron terminados, la sensación de que el diseño se había apoderado del lugar. Nuestra feria era mucho más hermosa y poderosa que la instalación que se lleva a cabo en este mismo lugar durante Art Basel.

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