Cultural Mambo N4

Mayo 2016 N°04

REVISTA DIGITAL

LITERATURA

/ Milena Caserola:

la década editada

Nicolás Valeiras arte de tapa / NOTE CALLES

VIAJES

CATARATAS DEL IGUAZÚ

FRENTE CULTURAL P OR LA M E M ORIA 1

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DESPIERTA Escribir o no escribir, esa es la cuestión.

Escribir, siempre.

Y también hablar, pintar, componer, tocar un instrumento, dos o tres. En realidad, todos tocamos algo que transforma una cosa en otra: la acción transforma las cosas.

Una concatenación de hechos que nacen en lo profundo de cada uno y que sale a la luz, en una pared, en un soporte, alguno, que nos soporte y en lo posible nos haga crecer.

Resulta que hacer también es resistir, ¿resistir a qué? A todo aquello que tenemos la certeza de que no. Aunque el arte sea un interrogante tal, como una especie de pregunta retórica que no comprende conclusiones ni nada que concluya nada. Por el contrario, abre, siempre abre un poco más el mundo que visitamos a través de otros, interpelándonos, haciéndonos parte de ese proceso. Esos otros que forman mundos, que dicen mucho, que ayudan a comprender mejor ciertas cuestiones que suceden en el plano real y concreto. La famosa realidad. Y ahí es donde la cultura, el arte y lo político se mezclan y se necesitan. No es que uno al pintar un cuadro no esté diciendo nada. Cuando uno mira un cuadro hay algo que se le representa, hay algo que ve y algo que lee. Como cuando una música nos eriza los pelos y una poesía nos hace entender cuán injusto puede ser el ser humano con el propio ser humano.

Todos decimos algo y en ese decir nos contenemos y nos apoyamos, también soltando viejas ataduras. Nos comprometemos.

Son tiempos de ser solidario. Son tiempos donde puede cuestionarse todo, teniendo la certeza de que lo colectivo es el camino.

Hay que insistir en la pregunta, y en el nexo entre lo que podemos hacer para amortiguar, incluir, ser y mejorar otros universos. Para seguir tendiendo puentes que nos ayuden a comunicarnos mejor.

Será que tanta palabra solo quiere decir eso: comunicarnos, mejor.

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ARTE CALLEJERO

Nicolás Valeiras

x YAELA

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HISTORIETA

DIBUJADOS: Cómics 2016

x gory

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LITERATURA

Milena Caserola: la década editada

x enzo maqueira

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FRENTE CULTURAL POR LA MEMORIA x Marcos Remolgado y Eva Mazal

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MÚSICA

MOEBIUS TRÍO

x Jéssica Signoreta

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TANO VERÓN

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ENTREVISTA CÓRDOBA

DANIELA LUVATI

x Maru Duarte y Walt Gonzalez

will cotton

x Luciana Acuña

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SISMOGRAFÍAS DEL ARTE

RELATOS

el desapego

x Walt Gonzalez

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bajo la lupa x MARU DUARTE

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Frente Cultural por la Memoria

Staff Dirección y producción de contenidos Clara Duarte

Direccción de Arte / Diseño gráfico Camila Speranza Marina Rodriguez

Redactores Clara Duarte Enzo Maqueira Florencia Yaela Gory Jéssica Signoretta JuanMa Makinen Troy

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VIAJES

CATARATAS DEL IGUAZÚ

x JuanMa K troy

Luciana Acuña Lux Valladolid Maru Duarte Walt Gonzalez

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EL CHEF CONSCIENTE x Juan Cruz Pein

Colaboración especial Nicolás Valeiras

Colaboraciones Marcos Remolgado

CONTACTO

Eva Mazal Luva

/culturalmambo

Agradecimientos

@culturalmambo

Germán Cichello

revistaculturalmambo@gmail.com

Manuel Palacios

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ARTE CALLEJERO

Nicolรกs Valeiras

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en las calles Nicolás Valeiras es un joven artista que vuelca parte de su imaginación en las calles de la ciudad, con un impulso natural hacia la obra donde se conjuga el arte que parte de su mundo personal a modo de canal que se expresa hacia lo transpersonal, el cotidiano de los transeúntes.

Así por su obra conoceremos aquí a Nicolás a quien admiro desde antes de conocer, por sus colores y pinceladas que todos los días veo camino al trabajo y alegra mis mañanas.

Un Artista Autodidacta que salió a la calle cuando las paredes de su habitación le quedaron pequeñas… ¡Ánimo querido artista! que la ciudad es tu casa y las paredes tus lienzos, que se exteriorice tu alma en colores en todos los barrios, que esto recién comienza y el camino es mas bello si lo urbanizamos entre todos.

yaela /YaelaNow floreciayaela@gmail.com

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dibujo y pintura aerosol y brocha

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-¿Cómo fue tu primer acercamiento al dibujo y la pintura?

Desde mas o menos los 9 años que dibujo, menos algunos lapsos en mi vida lo hice siempre con mucha intensidad. Recuerdo que empapelaba mi habitación con todos mis dibujos hasta que no quede ni un pedacito de pared libre.

Al empezar a crecer la habitación comenzó a quedar chica y tuve que tomar la calle como soporte.

Mi formación es autodidacta, digamos que no sé mucho de todo lo referido al arte, solo me gusta pintar y lo hago con muchas ganas.

-¿Qué técnicas utilizas?

Comencé pintando en formato chico con acrílicos, luego el aerosol captó toda mi atención durante un buen tiempo y ahora estoy enamorado de la brocha y el latex para trabajar en las paredes.

inspiración y motivación

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salir a la calle

-¿Qué te inspira en tus diseños?

Trato en mis diseños de decir siempre algo, a veces un mensaje más personal y por ende intrincado para la comprensión plural y a veces más directo.

Mi obra trata de reconciliar al espectador con su universo interior o su pulsión original y natural. Para eso mezclo naturaleza, cosmos y figura humana.

Asimismo te digo que mi obra va mutando permanentemente. Para mí al realizar una obra, la obra te enseña ella, más de vos mismo, de lo que uno pueda conceptualizar de forma predeterminada.

-¿Cuál es tu motivación como artista?

Mi motivación como artista la verdad que no la tengo clara. Solo tengo motivación y hago arte con muchas ganas.

-¿En qué momento decidiste salir a la calle y por que?

Pinto en la calle hace un poco menos de cuatro años.

Comenzó con un amigo haciendo graffitis por el barrio y desde el primer día que agarre un aerosol no paré más. Todo lo que sucede en la calle cuando pintas genera en mí cada vez más ganas de superarme y encarar proyectos cada vez más grandes.

-¿Cuál es el modus operandi de tu obra?

Pido paredes, me ofrecen paredes y pinto solo como con amigos que me fui haciendo a través de la pintura, que por suerte son muchos.

-¿Qué mensaje traen esos seres que pintas al arte de la calle?

El mensaje como decía anteriormente se trata de reconciliar al espectador con su universo interior y conexión con su pulsión natural.

También me interesa mucho representar pictórica9

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mente la dialéctica entre amo y esclavo, dado que lo único que puede romper esa relación es tomar conciencia del poder del trabajo, de lo artesanal , en otras palabras, la cultura.

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proyecto persiana

-Contanos un poco de proyecto persiana Proyecto persiana es un proyecto que organizaron unos locos con ganas de transformar algo (en este caso calle Libertad) y que con toda la pila que le pusieron encontraron una gran aceptación de los artistas y cada vez convocan y mueven más gente.

Esta buenísimo ver una calle en donde hay 40-50 artistas pintando, conociéndose y disfrutando.

-¿Que destacarías del arte urbano que sucede aquí en la ciudad?

Hay muchas cosas que destacar, por suerte existe un gran nivel de artistas urbanos en Buenos Aires. De los cuales hay mucho que aprender y compartir .

-¿Que otros proyectos tenés? ¿Que se viene?

Ahora mismo estuve con un proyecto muy lindo, pinté un mural homenaje a los 20 años de Viejas Locas, el cual organizó una amiga y la verdad la pasamos muy bien junto a varios otros artistas.

Pero en líneas generales se viene pintar y seguir dándole para hacer cosas cada vez más copadas y proyectos cada vez más grandes.

Por yaela

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x GORY

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HISTORIETA

DIBUJADOS COMICS 2016 Este 14 y 15 de Mayo se realizó una nueva edición de Dibujados Comics (Encuentro de historietistas, ilustradores y guionistas). El evento creado en el 2011, con un promedio de dos ediciones por año, nos abre nuevamente sus puertas al mundo de la historieta nacional.

En esta ocasión la temática son las series de televisión (solo de imagen real, no de animación, no telenovelas), por esto la primer muestra de 2016 se tituló: “Dibujados Televidente Serial”. Con los trabajos seleccionados se realizó una revista de humor gráfico se realizó una entrevista disponible durante el evento.

Dibujados cuenta con una importantísima feria de publicaciones independientes, que van desde el típico fanzine, pasando por la edición de libros de manera autogestiva y publicaciones de pequeñas y medianas editoriales del mundo del cómic. También podés encontrar venta de originales, stickers, postales, láminas, posters, encuadernaciones artesanales, remeras y un sinfín de objetos de autor, siempre relacionados al dibujo, ilustración o historieta. Siempre tenés la posibilidad de asistir a los distintos talleres, charlas y presentaciones que se realizan durante los dos días y así adentrarte un poco más en el mundillo historietístico. Y si quedan energías, o tenés ganas de rockearla, te quedás al ya clásico recital de Dibujados (se realiza al cierre de la primer jornada). Eso sí, tranqui, no hagas tanto pogo que al otro día hay que volver.

Y para ir cerrando, hay que mencionar que este año los primeros dos homenajeados fueron los señores Pipi Espósito y Jorge de los Ríos, ambos con una extensa trayectoria en el medio.

El evento se viene realizando en el Teatro Mandril, Humberto Primo 2758. Como siempre, la entrada es libre y gratuita, pero se aceptan donaciones que se envían a las zonas más carenciadas del chaco (alimentos no perecederos, agua mineral, ropa, útiles, juguetes, etc). Venís, la pasas bien, compras cómic de acá, te tomás algo y de paso ayudás a los que más lo necesitan.

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LA ZOILA DE LOS PIBES Y ya que hablamos de Dibujados, no podemos dejar pasar la oportunidad de contarte que uno de sus integrantes, “Lubrio”, ganó el premio DESTACADOS ALIJA 2015 a la mejor historieta. Sí señores “Zoila Zombie: Buñuelos de seso a la criolla”, escrito y dibujado por Luis Roldán es el ganador del Premio DESTACADOS de ALIJA (Asociación de Literatura Infantil y Juvenil de Argentina) 2015 en la categoría Historieta. La ceremonia de entrega fue el día 06 de mayo a las 20,30 en la Feria del Libro de Bs As, Sala José Hernández.

¡ F eli c ita c i o n es L u b ri o !

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LA REVOLUCIÓN DE LA ALEGRÍA Alegría política se ríe de todo y de todos. La joven y prometedora Alegría nace de la idea de hacer una revista de humor político, pero debido a cuestiones de recursos (costos y tiempos), muta como página de facebook creciendo en la red de manera veloz: más de 25.000 seguidores en apenas tres meses (primer imagen subida el 01/02/2015).

Todos los chistes son dibujados, acá, a diferencia de otros sitios de humor, no hay fotos y todo el material que se publica en la página, se replica de manera instantánea en twitter. Y es que dibujantes de distintas vertientes ideológicas y políticas, todos provenientes del palo de la historieta, luego de haber compartido durante años el ca-

mino de la autogestión, se unen ante lo que consideran un enemigo en común y comparten su particular visón de la situación actual del país a través del humor gráfico.

La página que sube un promedio de seis chistes por día, cuenta con casi 30 autores fijos en los que destacan: Sergio Langer, Souto, Gustavo Sala, Ernán, Scalerandi, Gory, Otto, Juanni Navarro, Mono, Mantrul, Podetti, Riskin, Vonchuyo, Ariel Lopez V, Razz , Lietti, Max SQ, Vergara, entre otros. El sitio también publica colaboraciones que autores conocidos y otros no tanto les hacen llegar, por lo que además de ser una página con crítica política, es también una vidriera para nuevos talentos.

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LITERATURA

Milena Caserola: la década editada Hace diez años que la editorial fundada por Matías Reck construye redes junto a otras editoriales independientes.

Entre todas le dan forma a un boom de la literatura argentina emergente que se encuentra amenazado por un cambio de políticas gubernamentales alrededor del libro.

x enzo maqueira / enzo.maqueira emaqueira@hotmail.com 17

Matias Reck

La crisis de 2001 no sólo fue el final de un modelo de neoliberalismo salvaje que llevó a la ruina a más de la mitad de la población argentina. También significó una bisagra en el modo en que la literatura decidió abrirse paso en un mercado invadido de libros que provenían de las importaciones. Hijo de una familia clase media de Barrio Norte, Matías Reck supo cambiar a tiempo y salir de la Matrix que proponía la época. Lo confiesa sin pudor: iba a bailar a la disco Pachá, estudiaba Ciencias Económicas y vivía rodeado de números, cálculos y un futuro auspicioso como empresario. Sin embargo trabajaba en la fotocopiadora de la facultad. ¿Una incipiente conciencia social? Es posible. El país se derrumbaba a su alrededor y Reck aprendía el oficio de editor publicando papers, tesis y monografías. Fue el puntapié inicial de la editorial más plural, abierta y activa de la escena under de los últimos diez años. “Primero fue Economizarte –explica- donde publicábamos textos de la facultad en formato ‘print on demand’, es decir, con tiradas muy reducidas y accesibles, una tecnología que empezó a funcionar en esa época. Pero después apareció un egipcio, Yam el Nagar, que andaba por los pasillos de Económicas pero también escribía poesía y me llevó a las primeras lecturas. Él siempre me decía que el modelo neoliberal en la Argentina no daba para más. Que todo iba a explotar. Yo no le creía, pero de a poco empezaba a ver otra realidad”. El primer poeta que editó Reck fue ese egipcio, todavía con el sello Economizarte. Una cosa llevó a la otra y aparecieron otros encuentros. Fabián Casas, Washington Cucurto, Cecilia Pavón, toda la fauna del under de los años noventa. Con el tiempo Economizarte se transformó en Ediciones Cooperativas, que fue invitada a la Feria del Libro de Buenos Aires en la Rural. Aunque el nombre y las intenciones eran prometedoras, el mundo nuevo

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en el que se desenvolvía Reck ya había hecho mella en él. Había dejado Económicas y estudiaba Trabajo Social. La idea fue naciendo sola: “¿Por qué no hacemos una contra-feria?”. Reck, que trabajó en esa Feria del Libro de 2005, hizo “un piquete a mí mismo” junto con sus nuevos amigos, tiraron una manta a la salida de la Rural y ofrecieron sus libros. La mayoría era de autores que no encontraban lugar puertas adentro de las grandes editoriales que entonces monopolizaban el mercado; Reck era uno de los pocos que estaba ahí por el placer y la aventura de editar. Así nació la Feria del Libro Independiente y Autogestionada (FLIA), pero también Milena Caserola, la editorial que puede leerse como un caso testigo del nacimiento, apogeo, ¿y caída? de las editoriales independientes argentinas de los últimos años.

2001

“La crisis de 2001 significó una bisagra en el modo en que la literatura decidió abrirse paso en un mercado invadido de libros que provenían de las importaciones”.

LIBROS

El oficio de editar Reck había aprendido un oficio. Leer textos de otros, imaginarse cómo iba a ser en forma de libro, jugar con formatos, con una manera de entender la edición. Ahí empezó lo de “todos los izquierdos reservados”, un slogan que hace más de diez años llevan impresos sus libros. “Se fue

dando algo muy interesante: todo lo que me llegaba de un autor venía recomendado por otro, así que se terminó armando una línea editorial, un catálogo del under. Lo más interesante es que se armó una familia alrededor de Milena, un espacio de pertenencia y de participación social”. La editorial trajo amigos y abrió espacios. Reck, ya convertido en un estudiante de Trabajo Social y activista en los convulsionados primeros años del siglo XXI, le dio forma a una editorial que, al mismo tiempo, da entidad y visibilidad a un colectivo a menudo marginado: el de los poetas, los artistas, los locos, los borrachos y otros vicios. “En mi casa vivieron Ioshua, Sebakis, el Rey Larva… En Milena no hay relaciones editoriales. No hay contrato. El interés no es comercial. La relación es humana, buena o mala, pero humana”.

En diez años pasaron por su catálogo gran parte de los autores de una nueva camada que ya forma parte de la nueva literatura argentina: Sebakis, Diego Arbit, Juan Xiet, Patricia González López, Mhoris Emm, Gilda Manso, Alejandro Soifer, Natalia Gauna, Hernán Firpo; pero también autores emblemáticos como Naty Menstrual, Moni Torres, Merluza Juárez y el Rey Larva. La parábola que realizó la editorial en diez años describe la situación general de lo que hoy es vivido como un boom de las editoriales independientes. En 2015 Milena Caserola participó de tres ferias de distinta procedencia: una estatal (el Encuentro de la Palabra en Tecnópolis), una independiente (FLIA) y una privada (la Feria del libro de Buenos Aires). “Lo que

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que aprendí es que, más allá del entorno, lo que importa es la circulación del libro. La escritura es un proceso sensible, que es lo más valorable de todo. Como editor, me causa admiración quien se sienta a escribir.

Mi arte es editar. El catálogo de Milena es una obra que hicimos en conjunto con sus autores. El arte no tiene que ver con el éxito, la acumulación ni la ganancia, sino todo lo contrario. Escribir es trabajar sobre un problema. No hay ninguna obra literaria que no tenga que ver con un conflicto, una pérdida, un lugar de comodidad.

Lo mismo con la edición. La operación del arte respecto de este origen traumático es transformar un problema en una ganancia”. El desafío, de acá al futuro, es cómo atravesar un cambio de rumbo político y económico que amenaza, otra vez, con el fantasma más temido del neo-liberalismo: la apertura de las importaciones de libros. Reck tiene algo que decir al respecto: “En diez años se armó una telaraña muy difícil de rastrear, un sin número de conexiones. Sería interesante pensar la editorial desde los catálogos de otras editoriales, autores comunes, diseñadores, amigos, traductores, contratapas o prólogos escritos por tal o cual que publicó en tal o cual sello. Presentaciones que fueron hechas por escritores que van desde Piglia hasta mi sobrina que vive en Bariloche y va a cumplir quince años. La potencia generada en estos años de caminar por librerías, ciclos literarios y ferias no se puede destruir con un cambio de gobierno. Por eso decimos que se ha creado como un ‘ministerio del libro independiente’, que tiene miles de laburantes, no hay ministro ni secretarios, somos todos cadetes que editamos, maquetamos, presentamos, imprimimos, exportamos libros, manejamos un presupuesto más que interesante para desarrollar nuestras políticas editoriales públicas. Hacemos que la palabra circule y modifique sentidos y sin sentidos. Nadie nos votó, pero asumimos hace varios años y no nos pensamos ir”.

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arte

“La operación del arte respecto de este origen traumático es transformar un problema en una ganancia”.

GANANCIA

COLUMNA

x CLARA DELA LUNE

Instinto Domiciliario Llegó a nuestras manos, la primera novela del escritor Juan Pablo Gómez, Instinto Domiciliario, editorial Santiago Arcos. Ganadora del premio de la Dirección de Cultura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Honestamente, fue muy fácil ponerme a leer esta novela, de primer momento me resultó atrapante, sí, atrapante.

No porque encierre una trama que uno tenga que develar a lo largo de la historia, sino, por el contrario, sabemos desde un principio que Paula ha muerto, y qué más puede suceder si sabemos que alguien ya murió. A veces la muerte es el punto de partida, o es la pausa que se necesita para alcanzar eso que se quiere. En este caso, Hernán, a partir de la muerte de su novia, logra tener con ella la unión que siempre soñó, la unión eterna. El amor las 24 horas del día, la posesión del cuerpo, que ahora solo le pertenece a él y a nadie más que a él. Inclusive nada habiendo tenido que ver con la causa de su muerte. Hay una decisión primera: conservar a Paula junto a él, para por fin vivir su amor tranquilo. Él está tranquilo, porque está seguro. Su cabeza tiene un sólo objetivo, conservar su cuerpo el mayor tiempo posible, y cerca.

Realmente fue muy inquietante leer esta novela, que transcurre la mayor parte del tiempo dentro del PH, del cual Hernán decidió no salir más. Instinto Domiciliario, lleva en sí toda una cuestión sobre el amor, la muerte y el ser que se narra en la historia de manera muy interesante. Lo demás es para descubrirlo en la misma lectura.

La recomendamos y mucho.

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FRENTE CULTURAL POR LA MEMORIA 40 años de marcha ¡Nunca Más!

Por Marcos Remolgado y Eva Mazal

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FOTOS DE SEBASTIÁN MIQUEL

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Hoy a 40 años del golpe genocida ya sabemos mucho más: la complicidad de los grupos empresariales, de las cúpulas eclesiásticas y de buena parte de la sociedad que fue parte de la maquinaria del terror de aquellos años.

La represión y el miedo como política de Estado atravesó todo el cuerpo social, y muchas de sus consecuencias económicas y sus efectos culturales todavía operan en el presente. Discusiones que creíamos saldadas retornan como ofensiva en algunos discursos de las voces oficiales como las declaraciones del ministro de cultura porteño, Darío Lopérfido, que reflotan las explicaciones más aberrantes sobre lo sucedido en aquellos años y además ofenden al conjunto de la sociedad banalizando la lucha de las Madres y Abuelas. Faltan 30.000 compañerxs y todavía buscamos a casi 400 nietxs que merecen el abrazo con su historia.

Resignificar lo acontecido es siempre un desafío y, con esta idea decidimos conformar el Frente Cultural para sumarnos con nuestra impronta a la histórica marcha del 24 de marzo, y hacer más contundente el Nunca Más.

Algunos grupos como el Colectivo Afro y Los Tambores No Callan tienen un recorrido de años en las marchas del 24. El compartir la calle, los distintos ámbitos de trabajo y las amistades, fue tejiendo la trama de una red con un sólido respaldo que es la confianza. Así comenzó la historia del Frente y la idea de ampliar la convocatoria hacia otros colectivos culturales.

La consigna fue simple: invitar a compañerxs que quieran ocupar la calle, con cuerpos, danza y música para disputar los sentidos de lo común, para no olvidar, para defender derechos y para no callarnos ni permitir que nos callen. Intentar buscar los hilos comunes de las distintas tramas y entretejerse en relatos colectivos desde la potencia del arte para decir y transformar.

De esta manera fueron sumándose varios colectivos: Musica Andina es un colectivo de convocatoria abierta conformada por docentes, alumnos y músicos en general interesados en apoyar actividades socioculturales que se vinculan con la defensa de los derechos.

Ejecutan un repertorio de música andina en su vertiente criolla, con instrumentos de viento, de cuerdas y de percusión.

Cien Volando, grupo performático de artistas de diferentes disciplinas, encontradxs por la necesidad de poner el cuerpo, la acción y la poética ante la nueva realidad social y política.

Mariposas A.U. Ge (acción urbana de género),un grupo de mujeres de edades y experiencias diversas que no conformes con la realidad que las rodea, se proponen sacar a la luz algunos temas vinculados a la violencia de género, como la trata de personas, el femicidio, el aborto clandestino y la violencia simbólica. Además acompañan a Madres Víctimas de Trata del barrio de Constitución que también se sumaron a la convocatoria.

YO NO FUI, Asociación Civil y Cultural sin fines de lucro que trabaja en proyectos artísticos y productivos en las cárceles de mujeres de Ezeiza y, afuera, con las que recuperan su libertad.

Comparsa de Copleros, colectivo de canto con cajas con presencia en distintos actos de reivindicaciones sociales.

Che Cultura, movimiento político-cultural que viene ac-

Faltan 30.000 compañerxs y todavía buscamos a casi 400 nietxs que merecen el abrazo con su historia.

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La consigna fue simple: invitar a compañerxs que quieran ocupar la calle, con cuerpos, danza y música para disputar los sentidos de lo común, para no olvidar, para defender derechos y para no callarnos ni permitir que nos callen.

tivando en el mercado recuperado de las 7 esquinas en el barrio de Mataderos y en la asamblea popular Plaza Dorrego en San Telmo. Junto a otros centros culturales conforman ENECA. Los Tambores No Callan, un grupo de personas autoconvocadas que desde el candombe apoyan causas sociales tocando y bailando. Participan de la marcha desde el año 2008.

Colectivo afro, grupo que trabaja con la resignificación de la simbología de las danzas afrobrasileras de los orixás y que ha participado en las marchas desde el año 2001.

Como Frente Cultural una de las primeras decisiones fue cómo y dónde marchar. Nuestro deseo inicial era salir en el “entre” de las dos convocatorias que desde hace varios años confluyen en la Plaza. Fue trabajoso acordar con los organismos de DDHH y las organizaciones políticas este lugar. Esta decisión no buscaba ignorar las diferencias que existen entre esos bloques, sino generar otra forma de encuentro y proponer otras posturas que creemos representan el deseo de muchxs que durante años han participado en este reclamo por Memoria, Verdad y Justicia. Entendimos que nuestra apuesta era alta y que la organización del 24 tiene una complejidad que nos hizo redefinir prioridades. Finalmente salimos desde Diagonal Norte, focalizando en el objetivo de poder desplegar nuestro trabajo en la calle como un Frente diverso y unificado.

Desde las 11, en el punto de encuentro los abrazos y las risas se multiplicaban, se repasaban las últimas indicaciones, y lejos quedaba la intensidad de los preparativos. La crisis de una madre que rompe en llanto por la reciente desaparición de su hija en una bailanta de Constitución nos aprieta el pecho y a la vez afirma la potencia de lo colectivo. Estamos en el lugar justo, somos casi 1500 personas conformando un mismo cuerpo que marcha contra el olvido. Los tambores, las bailarinas, las madres, los músicos van ocupando sus lugares, somos pura presencia.

La experiencia todavía resuena en cada unx de nosotrxs, se niega a reducirse en una definición, pero podemos decir que fuimos muchxs, fuimos diversos, fuimos alegría, fuimos grito, fuimos canto, fuimos batalla, fuimos resistencia, fuimos pisadas, fuimos llanto, fuimos memoria, fuimos otrxs.

Allí seguiremos, como hace tantos años, unidxs, sin dar un paso atrás

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MOEBIUS TRÍO Texto por Jéssica Signoreta Fotos por Horacio Annecca y Victor Pane

RECORDARTE ES UN HERMOSO LUGAR / Aquel miércoles no había llovido en vano.

Mariano Mores nos había dejado y hasta el mismísimo planeta Tierra lo estaba llorando. /

Y entre las clásicas palabras de aliento “tenemos toda su obra; será siempre inmortal; quedó y siempre quedará su música” inmiscuída en lxs artistas que él había inspirado y que lo homenajeaban aún en vida, y encontré algo mucho más allá de la interpretación de la canción de autor; encontré aquel lugar donde las raíces de –no solo de nuestro país- la Patria Grande siguen igual de fuertes.

Mono Izarrualde, Luciano Ismael y Alejando Ávila son los dueños de aquel lugar, al que llamaron Moebius Trío, donde aquellas canciones ancestrales y tan fijadas en el corazón cultural suenan en el siglo XXI, como si los años no existieran. Moebius Trío nace de tres amigos que se respetan y admiran mutuamente –nos confiesan- que gustan de la buena música y hoy eligen juntarse para hacer música en vivo; ese “vivo” que en 32

definitiva es un compartir con el/la otrx, con la gente que está buscando pasar un buen momento y disfrutar de la música. Más allá de que habíamos tocado en vivo y participado juntos en grabaciones hace algunos años atrás, el recorrido en aquél entonces era cada uno como solista o en otros proyectos musicales; hasta que hoy elegimos divertirnos formalmente bajo este Trío y salir a tocar.

Moebius no tiene ni discos –queremos suponer que por el momento- ni una estrategia comercial de base.

Seguirlos implica únicamente aquel ritual de sentarse, escuchar y disfrutar; no solo de, por ejemplo, Taquito militar, sino de tesoros como La Yumba, Criollita santiagueña, Zamba de Lozano y las perlas de María Landó. Nuestra propuesta en vivo es el disfrutar de la buena música con el público –cuentan-. Poder hacer palmas, como también emocionarse con una obra, y por sobre todo traer a este tiempo autorxs que nos han hecho soñar y reflexionar con sus letras, siempre desde nuestra impronta y con versiones propias. Interpretar desde una milonga con un toque de bossa nova, y después hacer un blues; para pasar a un candombe y después a un tango y jugar con la improvisación, divirtiéndonos fundamentalmente. Porque cuando el/la músicx disfruta y se emociona, eso se contagia a quién escucha: ahí está la magia de un entre todxs.

Además, la Música -diría el Mono Izarrualde- “no pide permiso”. Unx cuando interpreta o canta no está pensando en quién va a repercutir.

MÚSICA

Cuando unx eligió el prestigio y no la fama, esa independencia del circuito se vuelve libertad y siempre tenés gente que te respeta y valora. Los tiempos han cambiado, pero es así y habrá que aceptarlo seguramente. Como un amigo diría: “está difícil, pero si fuera fácil lo haría cualquiera”.

El folcklore y el tango conviven en el talón de Aquiles del Trío. Si bien, el repertorio latinoamericano que representan es basto, la debilidad por estos dos géneros tan autóctonos se llevan casi todo el show. La yapa es para lxs más jóvenes; que en los momentos de generalización, ambos géneros parecieron quedar un poco atrás.

La música conmueve, sucede y es una forma de acercarse y comunicarnos No nos sentimos cómodos con los encasillamientos en cuanto a lo musical; principalmente nos permitimos una improvisación todavía más libre y la fusión siempre respetuosa que nos acerca, sin querer queriendo, a un público más joven que no se interesó demasiado en el tango o en escuchar a un Cuchi Leguizamón, a un Canario Luna o a un Don Atahualpa Yupanqui. Y para eso estamos nosotros; ese es nuestro humilde aporte: abrir una ventana a la fantasía y acercar la belleza a través de la música.

El auge por el que está atravesando el ámbito independiente argentino es la situación ideal para que compositorxs y formaciones como Moebius Trío puedan llevarse a cabo.

La popularidad no acentúa la pluralidad de opciones y el público puede acortar las brechas generacionales teniendo aún más acceso a una variedad de música nacional que de a poco está cambiando el paradigma. Al mismo tiempo -reflexionan- el circuito independiente en algún punto es complicado, ya que quedan pocas compañías discográficas que editen y distribuyan el material y por ende la difusión la tiene que hacer el/la propix artista. Esto depende mucho del recorrido de cada grupo, de su historia y lxs amigxs sembrados en los medios de comunicación.

¿En el fondo todxs sabemos que es pura estigmatización, no? Se sigue consumiendo mucho el Tango, se sigue bailando y hay infinidad de lugares donde se lo puede escuchar. En el interior también es increíble la cantidad de jóvenes que bailan Folcklore. Quizás lo que sí ha cambiado son los medios masivos de comunicación que no muestran esa realidad; quedan pocos espacios en Radios AM y en Televisión Abierta mucho menos. Por eso tal vez pareciera que los dos géneros se han perdido; pero mientras estemos nosotros, lxs músicxs soñadorxs, su fin es más bien lejano. Muy lejano. Exactamente lo mismo pasa con los ritmos latinoamericanos. Siguen siendo sumamente valorados, no sólo por nosotrxs musicalmente hablando, pero como comentábamos antes también hay responsables de que ellos casi no se escuchen en los medios masivos de comunicación, Ojalá podamos disfrutar en la Radio de una Cecilia Tood, un Simón Diaz, una Chabuca Granda o un grande como Alfredo Zitarrosa con su “guitarra negra”.

Pero… como diría Facundo Cabral “no se puede amar lo que no se conoce”; y ahí estamos otra vez nosotrxs: para seguir caminando y expandiendo los géneros.

Moebius Trío deja en claro que los géneros que eligen interpretar nunca van a perder su lugar e importancia, mientras existan locos como nosotros y gente gustosa de escuchar. Y el objetivo primordial del Trío también es seguir disfrutando de hacer música. Hace poco nos presentamos en La Biblioteca Café y nos encantó la respuesta que obtuvimos de la gente. Y ahora seguimos adelante, el 11 de Junio nos estamos presentando en Pista Urbana (Chacabuco 874- San Telmo) y estamos muy emocionados.

No es que necesitemos continuamente expresiones que nos demuestren cuánto amamos nuestra cultura y toda la gente que la conforma; pero sí estar un poco más cerca de ellas, afianzarlas, y utilizarlas para hacerle un gran bien al alma. Como si fueran nuestro lugar en el mundo, aquel que siempre está sin importar donde nosotrxs estemos. Y eso es lo que entendió Moebius Trío.

Eso, y mucho más, es lo que vamos a encontrar cada vez que los veamos en vivo.

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COLUMNA OPINIÓN

ORQUESTAS INFANTILES Nunca existió un lazo más auténtico que aquel que desarrolla un/a niñx con una expresión artística.

Aquel que con los años se transforma en su lugar en el mundo, muchas veces marcándole su camino de vida, y algunas otras acompañándolx.

Y cuando ese lazo se corta, no solamente un proyecto creado con tanto amor y dedicación se desvanece –con todo lo que eso implica- sino que una parte misma del/a niñx desaparece también.

Desde el despido de Carlos Espector, pionero y coordinador de Orquestas Infantiles y Juveniles; los proyectos comenzaron una persecución gubernamental –primero desde Ciudad, ahora desde Nación- hasta llegar al cierre de varias pre Orquestas, junto a un recorte total de suministros en los talleres. No solo con argumentos fantasmas, sino con un grado de autoritarismo impensado en años de desarrollo democrático.

Ninguna medida económica conlleva a considerar a la Cultura un gasto. Cualquier actividad artística que permita que niñxs y jóvenes puedan llevar a cabo es una extensión de la educación que la enaltece y la autentifica, al mismo tiempo que dignifica y acompaña a una nueva generación más acercada con su propia cultura, acortando las brechas de las clases sociales y formando personas más sensibles. Las Orquestas Infantiles y Juveniles comenzaron una lucha a la que Cultural Mambo se suma. Porque la Cultura no se clausura, y porque es un derecho que todo ser humano tiene consigo desde que nace.

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ENTREVISTA CÓRDOBA

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“El arte es el aire, no puedo evaluar lo que hago con el aplausómetro.

Me importa un belín.

La pregunta es, si un pintor que sabe que es bueno sabe también que no va a poder mostrar sus cuadros, ¿los pintaría? Más bien.

Le chupa un huevo…

Es el aire para quien yo la estoy haciendo y es el aire el que me va a devolver lo que yo quiera sembrar allí…

El arte es un trabajo individual y suena dentro del recinto en el que se lo trabaja. De ahí a que se crea que es una necesidad que otro lo escuche hay un largo espacio”

Luis Alberto Spinetta

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Por Maru Duarte y Walt Gonzalez

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DANIELA LUVATI artista plรกstica muralista

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Vive en la ciudad de Villa Carlos Paz, donde tiene un hermoso taller, luminoso, acogedor y colorido. Hoy nos encontramos allĂ­ con ella, para charlar sobre estos temas.

En esta entrevista nos revela sus procesos personales, que fueron delimitando cada etapa artĂ­stica de su carrera, de lo complejo a lo simple, como ella misma define su trabajo de este presente, en el que se siente feliz por haberse animado a creer en su propio talento.

Nos dice, muralista antes que nada, y dibujante, artista plĂĄstica, diseĂąadora, todo autodidacta.

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-Creadora de Especies…

No, eso no se… risas.

- ¿Cómo fueron tus orígenes, en la pintura, en el dibujo, en el arte…?

Empecé a dedicarme al arte, a pintar cuadros en el 2008 más o menos, 2007. No hace tanto. Antes de eso yo estaba en otras disciplinas artísticas, hacía música, teatro, bailaba, de todo un poco. Hacía muchas cosas como hobby, también como profesión porque estudié teatro, hice la carrera y después, bueno por algunos implicancias de la vida, tuve que estar mucho tiempo en mi casa por un problema de salud, asique estaba como acotada, no podía hacer nada, no podía hacer clases de danza, no podía ir a córdoba, estaba frenada, entonces empecé a dibujar. Alguien me regaló un bastidor, y dije… veremos de qué se trata. Tengo un historial familiar, mi abuelo era pintor Y mi viejo es arquitecto, tiene mucha idea y siempre dibujó muy bien, desde chica, con mi hermana, nos hacía copiar dibujos, pero yo jamás había tocado un bastidor. Empecé dibujando cosas realistas, copiaba fotografías y buscaba llegar al realismo extremo, paisajes, rostros, buscaba la forma, estaba meses logrando esa figura y todo esto sin previo conocimiento de nada. Me daba mucha maña para las escalas, yo siempre fui una mina que no necesitó hacer cuadrícula por ejemplo. Tengo una capacidad que no se por qué, de encoger y aumentar volúmenes, a simple vista, con bastante precisión.

Cuando lo hago con cuadricula, me enquilombo, porque claro, no tengo la técnica. Tengo la práctica y no la técnica.

Tomé un par de cursos, me instruí, empecé a estudiar en La Figue (escuela Provincial de arte), cuando volví al mundo, empecé artes visuales y nunca terminé, ya era grande, digamos que ya no tenía tantas ganas de ir a Córdoba a estudiar, asique estaba como que iba, venía, siempre tomando cursos y demás.

Al principio era solo bastidor, con lo hiperreal. Después me di cuenta que en realidad estaba forzando un poco, porque yo buscaba que se parezca a la realidad, estaba abocada a eso, y no tenía la técnica y me costaba, estaba mucho tiempo. Asique empecé a simplificar mis dibujos, cada vez más y más, hasta el punto casi de trabajar en una dimensión medio plástica, muy plana de los dibujos, casi infantiles digamos, buscaba mi estilo, y me di cuenta que era por ahí, que la cuestión era bien plana, no tenía mucho volumen lo que me gustaba, lo que salía fácil, y que tenía algunas características minimalistas, pequeñas, pero con una paleta muy suave. Cuando empecé a exponer, en muchos lugares, me di cuenta que los trabajos que estaban hechos más desde esa noción, desde lo simple, más que de lo complejo, atraía mucho más al público. La gente que veía mi trabajo decía: esta es la Dani, esto me gusta, va por acá. Y la gente que miraba lo otro decía… qué bonito y nada más. Era como bonito a simple vista pero sin personalidad. Y en ese momento me di cuenta, ¡Apa, capaz que soy artista!... (risas). Capaz que sí me sale.

Ahí encontré por dónde era mi camino. No podía ponerme a laburar en una artista que no era. Me reduje a lo que sí sabía hacer y lo hice un montón. Entonces ahí 40

ya empecé a explorar emociones, reflexiones más profundas, espirituales, esa muestra que expuse en varios lugares, en la agencia Córdoba Joven, se llamó “le conscience triangulaire”, era una exposición sobre la conexión del uno con el otro y el universo. Que era como una tríada en la que todo era una sola cosa. Y bueno, hubo varios cuadros sobre eso, algunos se fueron, otros se vendieron, otros se regalaron, otros giraron por ahí, volvieron, y eso es básicamente mi exploración como trabajo minimalista y simple a la vez, un trabajo más profundo y espiritual. La descripción de esa obra es sumamente simbólica. Eso fue en el 2010 y la expuse hasta el 2012, inclusive. Después me agotó. Asique empecé una búsqueda todavía más simple, y todo lo que te estoy contando está muy lejos de lo que está pasando hoy. Procesos…

La búsqueda Fue muy lenta pero a la vez todo se fue acercando hasta donde estoy ahora. Yo venía trabajando figuras simples, estaba empecinada en trabajar en rostros, no sé por qué me atraía tanto dibujarlos, los dibujaba hasta cuando hablaba por teléfono, dibujaba caras, pero caras no esas complejas que dibujaba al principio, si no con cuatro líneas dos ojitos, y a veces no tenían ni boca, era como que salían y salían, pero me di cuenta también gracias a la observación de colegas que critican y ven mi trabajo como colegas que son, que no había expresión ahí, no tenían demasiada carga esos rostros, yo buscaba que la tuvieran y no la estaban teniendo.

Entonces me empecé a dedicar a trabajar más sobre los fondos que contenían a esos personajes que yo estaba dibujando. Por ahí empezó la búsqueda de esto, hasta lo que llegamos ahora, que es la botánica.

Fondo y figura: fondo Empecé a buscar fondos con texturas, que le dieran más potencia al cuadro a pesar de que la cara no era muy expresiva, de que el personaje no era expresivo. Buscaba darles texturas diferentes para que esas características que le faltaban al rostro, o sea, la inexpresivo, tuviera de fondo algo que me dijera un poco más. Empecé en esa búsqueda, empecé con texturas, con otra línea, después empecé a tirar flores, después otras plantas, y así empezaron a surgir fondos diferentes. Tanto fue el trabajo que le puse a los fondos, que terminé dibujando fondos, dibujando tramas. Desaparecieron los rostros, desaparecieron las casitas, esas cosas que yo buscaba como aprender, más realistas, y empecé a trabajar pura y exclusivamente con tramas, con texturas, me aboqué directo a lo que es este trabajo de fondo. Empecé con mucho trabajo de puntillismo, de líneas una al lado de la otra, repetida miles de veces, en general en blanco y negro y después digitalmente por ahí las modifico un poco y les doy un poco de color. Por supuesto que con todos estos años, traté de nutrirme de un montón de herramientas. A veces no solamente desde la facultad, sino tomando cursos de diseño digital, de diseño gráfico, dedicándome más a eso.

En este momento me gusta mucho trabajar como ilustradora, no solamente como muralista, sino poder intervenir cosas digitales o que me hagan un pedido para dibujar un cuento, hacer un logotipo, lo que fuera, estoy como más metida en ese mundo. Me modernicé chicos… (risas).

MURALES Lo de los murales fue una cosa muy loca también. Yo empecé a trabajar en el momento que estaba en esa muestra, año 2010, con unos bastidores tan grandes (de un metro veinte por un metro treinta) y decía: primero que es carísimo y difícil de fabricar, asique lo que sigue es trabajar directamente sobre la pared. Empecé a jugar un poquitito, me mandaba. Y también me movía en un círculo de gente en Córdoba, de artistas que se dedicaban a eso, habré empezado jugando en la casa de algún amigo, qué se yo. Hay dos muralistas que me gustaban mucho y que de hecho los conocí personalmente, vinieron a Carlos Paz y me los encontré en la calle. La mayoría trabajaba con aerosol, y yo en la vida había agarrado una lata de aerosol, estaba perdida sobre el mural, yo lo asociaba al grafitti necesariamente y creía que era la única opción. Lolo, un loco muy conocido en Córdoba y en el mundo del arte urbano, (pintó la lotería de Córdoba), fue el primero que me dio un aerosol, me dijo: agítalo así y hacé esto. Fue muy innovador, y después me puse a investigar, a buscar artistas que trabajaran con pincel, con látex, con esmalte, y encontré un montón, entonces dije: esto me gusta, desde todos los sentidos, no solamente como una forma de expresar sino también como una forma práctica de herramienta. Me pareció súper emocionante. A mí siempre me gustó ir por la calle y ver un lugar que veo siempre con un dibujo de alguien, aunque sea re sencillo con cuatro líneas y un aerosol, hecho vandálicamente en una noche, onda salí, me encapuche y tiré dos rayas.

Eso incluso siempre me llamó mucho la atención, me parecía divertido.

nemos esa comunicación, también le empecé a mostrar mi trabajo, recibo su crítica visual de lo que hago, me gusta mucho tenerlo como amigo y también como colega porque la verdad que gracias a él me animo, gracias a él empecé a laburar, a cobrar mi trabajo, y a ver que tenía esta posibilidad.

Igual que lo que pasó con los cuadros, pasó con las paredes. Y empezó a surgir esta necesidad también de que sea una salida laboral para locales comerciales, centros culturales, para decorar una pared en una casa o para decorar una pared en exterior. Es genial porque lo que da la posibilidad a estas tramas, que generalmente tienen que ver con el reino vegetal y demás, es decorar un ambiente sin tener una figura que demande la atención hacia un centro, por ahí, es como una especie de diseño que se puede utilizar para interior también, asique lo estoy utilizando.

-Y en lugares públicos ¿interviniste algunas paredes?

Si, pero por lo general en colaboración, nunca sola, acá en Carlos Paz me ha costado siempre un montón, porque es difícil llegar a la gente de Cultura, muy difícil.

En realidad hay un problema con el presupuesto, no saben, traen artistas de afuera. Hace poco hubo un “encuentro de muralistas” vinieron unos artistas bárbaros todo genial, yo conocí un par geniales, pero no eran de acá. Y no hubo convocatoria para artistas locales y eso es muy común que pase acá. Asique nada, reniego un poco pero si veo una pared que me gusta, prefiero tocar el timbre y ver a quién le pertenece esa medianera, decirle hola que tal, yo tengo este diseño, por el pancho y la coca, Jajaja, si te interesa te decoro la cuadra, te decoro tu casa. Ahora ya tengo vista una por acá cerca, ya la vengo mirando, miro quién entra a la casa, si tiene cara de buena onda, de hippie…

-¿Cómo llegamos a la creación de la botánica, a la manipulación genética de la botánica?

PAREDES EN LIMPIO Bueno ahora que tengo este teléfono que es un poco más copado que los teléfonos de antes, voy sacando fotos por ahí, porque hay paredes en limpio que me encantan, siempre me gustaron, entonces había como un llamado, viste, esto me parece que va por ahí.

Tiempo después lo conocí a Pablo que es un artista con el que yo me comunico seguido y de vez en cuando colaboro en sus trabajos, Harimbat, alias, Gualicho. Pablo es un chabón muy conocido que está trabajando un montón acá, y en el exterior, es mi mentor crítico.

Me enseñó muchas cosas, con total generosidad. Viste que a veces entre los artistas hay algún recelo, bueno en este caso, un loco súper dado, que me dio la posibilidad de trabajar con él en algunas paredes, la verdad es fantástico porque aprendí todo lo que se, y si me falta algo le mando un mensaje y me hace el aguante, me responde a cualquier hora, me manda la data que necesito, me explica qué material usar, cómo usarlo. Te-

COLLAGEBueno, un día charlando de este fotógrafo que hace una especie de collage con fotografías de plantas y animales, con fotos que él mismo saca. Armaba animales que nunca existieron ni van a existir pero que presentaba como si lo hicieran, hacía todo un texto con palabras científicas sobre la existencia de ese animal y después hacía presentaciones, se paraba a hablar con gente, con biólogos, a explicar la existencia y dónde los había en41

MURAL

contrado, cuál era el registro fotográfico que se había hecho, en qué año, era como una especie de coleccionista de animales y de plantas. Todo esto a mi me pareció muy interesante, es muy conocido, todos los estudiantes que han estudiado fotografía lo conocen. A mí me pareció muy interesante, asique me puse a chusmear libros de botánica, los dibujos me parecieron encantadores, porque aparte como yo estaba en esta búsqueda de tramas, de trazos simples y demás, y venía haciendo cosas con puntillismo, y los libros están hechos con un trazo a mano impecable, con unos puntitos que me parecían hermosos, ¡esto es genial!. Empecé a armar un catálogo con pedazos de dibujos de esos libros de botánica. Yo sabía que había un artista conocido que hacía algo parecido, de figuras que le gustaban y con eso armaba, hacía una composición, bueno, yo hacía lo mismo, estaba coleccionando. Cuando me preguntaban, ¿qué vas a hacer con eso? Todavía nose… (risas) Juntaba miles de dibujos por hoja, uno al lado del otro.

Imagínense todo lo que dibujé para llegar a hacer un catálogo. En un momento, empecé a fusionar esos objetos, y a armar una especie de planta nueva, nunca vista, con pedazos de cosas que no tenían nada que ver, la hoja de una cala con el centro de una espora de hongo que crece sobre una piedra, más los pétalos de un hibiscus y un capullo de diente de león, por ejemplo.

Entonces surgía una planta nueva, extraña, bonita porque estaba con los mismos trazos con los que se hacían en los libros de botánica, los dibujos figurativos de los cortes de las plantas. Entonces bueno, empecé a hacer eso, a proyectarlos como fondos de trama, a repetir las imágenes y demás, empecé a publicar, a usar las redes sociales, a subir mis dibujos, cosa que al principio me daba un poco de vergüenza y después empezó a surgir, a la gente le empezó a gustar y bueno, entonces seguimos, (risas). A veces aparecen algunas que no se parecen a ninguna cosa real, y otras veces salen cosas más realistas. Pero, todo desde la trama. Creo que así surgió.

Fue una casualidad, justo que escuché la historia de este fotógrafo, estaba muy predispuesta a trabajar con las tramas y ya venía haciendo muchas cosas con líneas y puntos, dedicándole mucho tiempo a los fondos y me quedé con eso.

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INTERVENCIÓN DE OBJETOS Otra cosa que también hago es intervenir objetos, no me dedico solo al mural, hago indumentaria, particularmente carteras y accesorios pintados a mano. En general vendo por internet y la verdad que Facebook me ayudó un montón. A los trabajos de indumentaria los firmaba como “skyw”, así que si ven algún trabajo firmado así es de Luva (risas).

Tuve una época muy fuerte de pintura en vivo, iba a los bares, tocaba una banda y yo pintaba. Tengo una virtud y es que pinto rapidísimo, en dos horas tengo hecha una pared, probablemente sea por mi trastorno de ansiedad generalizada (risas), por mi estado de ansiedad permanente, que no puedo dejar las cosas para el otro día, lo necesito ya. Si yo empiezo un cuadro y termino de acá a un mes, me aburro y lo dejo, tiene que ser ahora, así que empecé a utilizar eso a mi favor, en bares, recitales y generalmente sorteo el cuadro cuando termino, es lo más. Es muy difícil vender un cuadro, la gente no compra cuadros, sí te paga un mural, ahora se está usando, pero cuadros no, entonces yo decía ¿Cómo puedo hacer para sea redituable, de alguna manera, el gasto del material?, lo voy a rifar. Estoy en un bar, en el día de san Valentín, estoy pintando un cuadro sobre el amor, por ejemplo, entonces le vendía una rifa a cada mesa con un valor simbólico de diez pesos, a veces en una mesa me compraban seis números, porque querían ganárselo a toda costa, iban viendo el proceso y cada vez les gustaba más, iban, me compraban otra rifa y al final de la noche lo tenía vendido, por más que lo ganaba alguien yo ya había recuperado el material, incluso algunos bares me pagaban como a un músico porque el espectáculo también era pago, era un show, la gente viene, se sienta… lo quiere ganar, no se van del bar hasta que vos termines, algunos cuadros los entregué frescos. Ahora hace tiempo que no lo hago, podría hacerlo tranquilamente, me encanta, me divierte, me

parece genial, estando en el escenario de alguna forma era parte de la banda, me sentía una rockstar por unos minutos (risas). A la gente le intriga el proceso creativo, se acercan… a ver ¿Cómo hace la luna?, la gente, los niños, a mí, me pasa mucho con los chicos, no sé si serán los colores con los que trabajo, tengo una paleta muy intensa con colores vivos, y los chicos se re copan, una vez expuse en la capilla del buen pastor (frente a la catedral de Córdoba), y en mi stand no paró ni un adulto, ni miraban mi trabajo, pero pasaba un niño y se quedaba, yo veía que los chicos se quedaban ahí, me re gusta… flasheaban, y los padres decían… no me sirve para el living, y se iban (risas), pero a los niños les hacían vibrar los colores, los mandalas. Fue mucha producción para los pocos años que hace que estoy haciendo esto, técnica, sí estoy a favor de tenerla y estudiar, pero sinceramente no fue el origen.

Lo mejor que podes hacer es dibujar y dibujar, todo el día, todo el tiempo, hacer eso es lo que te saca bueno o no, animarte y hacer. Yo a veces digo que sí a una pared que me asusta, cuando la veo, para qué dije que sí, miedo mortal. Esto es gigante, no voy a poder, cuarenta grados de calor y en una escalera, me quiero bajar decís, pero en realidad vences todos los miedos, cuando empieza a salir, cuando haces la primer línea no podes parar. Yo eso, se lo digo a todos mis amigos que nunca pintaron una pared, te vuelve eso de cuando sos chico que dibujabas la pared, el placer, no, no, no, te da una cosa, el trazo te da hasta lo que da el largo del brazo y decís no puede ser, es enorme, es así. Aprendo mucho…

Agradecidos y plenos, por tener la oportunidad de encontrarnos con ella, y espiar su atelier, su lugar de inspiración.

Nuestra intención en esta nota es que hayan logrado ver en imágenes su proceso creativo, tan íntimo como rico y generoso a la vez.

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Soñar con el paraíso y una tierra de abundancia son imágenes recurrentes a lo largo de nuestra historia. Incluso desde la arena de los tiempos, en pinturas rupestres el símbolo innegable del exceso era representado en una caza exitosa. Will Cotton presenta un mundo de fantasía donde el deseo es la pieza central del proceso creativo.

Siempre desde pequeña me imaginaba transitando paraísos de chocolates y casas de jengibre, repletos de confites y caramelos. Mientras observaba las obras de Cotton pensaba: ¿Cómo sería experimentar un lugar así? Es complejo, un espacio frágil, un intersticio fronterizo en donde la fantasía infantil y el deseo del mundo de los adultos conviven en una dulce sensualidad. A 44

Por Luciana Acuña veces lo pienso como aquellos anhelos insatisfechos. Es como un sueño concedido, el lugar para la tentación en medio de escenas hedonistas.

Habiendo tenido oportunidad de entrevistar a Cotton, una de mis inquietudes radicaba en la coincidencia de que su universo artístico estaba mayormente dominado por la figura femenina. El porqué de esta elección me fue respondido de la siguiente manera: “El aspecto más importante de la imagen para mí es la relación de la figura con el ambiente de caramelo y he encontrado esto más eficaz con una figura femenina solitaria. Creo que esto tiene que ver con que las mujeres tienen una mayor relación natural, cómoda y fluida generalmente con el 45

adorno, por lo general en forma de maquillaje, peinados, joyas y ropa. Así que mi interés en la decoración es un gesto de adoración que me ha llevado más a menudo a diseñar entornos y vestimenta para las mujeres”.

Multifacético, su campo de acción no conoce límites.

Tal es así que su estudio posee además un horno pastelero profesional en donde prepara los pasteles que más tarde van a ser las referencias directas para desarrollar y contextualizar sus obras. De gran escala, sus pinturas resemantizan el estilo Rococó del siglo XVIII con lecturas contemporáneas e incluso podría asegurar que ciertos elementos sugieren aspectos ocultos decadentistas como crítica de nuestra contemporaneidad. Hoy en día el hiper-consumismo podría ser un análogo a los tiempos históricos en los cuales la sociedad se encontraba en completa distracción de sus excesos mientras se llevaba a cabo una crisis social, económica y cultural, sin lugar a dudas referencia ineludible de nuestro tiempo.

En este caso el exceso está dado a partir de representar un mundo aparentemente perfecto de dulzura en donde la abundancia extrema es tan empalagosa que resulta repugnante. ¿Guardará relación en este caso, con el apetito estadounidense? No es casual que además de reelaborar discursos, utilice como íconos de sus composiciones a personajes contemporáneos. Katy Perry (Cotton es el director artístico del video California Gurls) es uno de ellos, esta circunstancia permite al artista ampliar la red de comunicación de sus obras, logrando en ello una desestructuración en cuanto a jerarquías de lo que debe ser un arte “culto” o “popular”.

Vemos entonces un equilibrio delicado en relación a citas a la historia del arte, que se ven fusionadas con referencias de la cultura pop. Por esta razón, le pregunté a Cotton quiénes serían sus referentes a la hora de tener un punto de partida para desarrollar una obra. Él me respondió que muchas veces miraba las obras de François Boucher y Jean-Honoré Fragonard, célebres pintores rococó, ya ve en su trabajo “aspectos simultáneos de la alegría y la desesperación vinculadas al exceso representado en los alrededores de la figura”.

Sin embargo, me atrevo a sostener que también juega un papel importante el hecho de crearlas en formatos monumentales, y en esto tiene que ver la cita de la historia del arte, ya que este tipo de tamaño tradicionalmente estaba destinado a aquellas obras que representaran hechos históricos como batallas o escenas paganas. Desde este punto de vista se vuelve a hacer evidente una resemantización de aspectos tradicionales reelaborados con una mirada crítica hacia nuestra contemporaneidad. Al mismo tiempo, me gustaría destacar cierta relación entre características estilísticas que recuerdan a las modelos Pin-up de los 40´s y 50´s junto con el canon del retrato real, en una suerte de simbolismo pop-irónico. Como una fantasía consumista del deseo, estas damas indolentes que retrata Cotton, que al igual que las Pin-up de los 40´s se han vuelto objeto de deseo, parecieran dar la sensación de cierta decadencia oculta, mientras se encuentran simultáneamente en un entorno de esplendor y opulencia.

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Detalle de Consuming Folly, 2010, óleo sobre tela, 182.88x243.84cm

SISMOGRAFÍAS DEL ARTE

su campo de acción no conoce límites.

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Es por esto -sospecho- que Cotton me comenta lo siguiente: “Una vez más, la relación operativa en la pintura es entre la figura y el medio ambiente dulce en el que se encuentra. Mi esperanza en la fabricación de estas composiciones es plantear preguntas acerca de la naturaleza del deseo, la utopía / distopía, y la imposibilidad de su cumplimiento. En mis pinturas, la ocasional referencia al arte Pin-up se relaciona con mi búsqueda de un arquetipo femenino excesivamente azucarado que podría hacer un buen juego pictórico con la azucarada distopía que las rodea”.

Como inicialmente me lo pregunté, las pinturas de Cotton me recuerdan ese lugar anhelado con el que siempre soñé en mi infancia, lo que podría considerar como la utopía que plantea el artista, un sueño cumplido. Sin embargo, la exuberancia y el exceso me generan cierta desconfianza, tal vez influenciada por los relatos literarios de mi infancia en la que las apariencias de este paraíso azucarado guardaban detrás de ello una realidad oscura. En este orden de cosas el artista me plantea lo siguiente: “Las historias del paraíso nunca han sido del dominio exclusivo de los niños. Algunos de mis favoritos son los precedentes ejemplos de la poesía medieval que describen una tierra de abundancia llamada Jauja (Cockaigne). Escrito en una época de hambruna, los poetas hablan de una zona geográfica en la que todo el

Amanda, 2013, óleo sobre tela, 203.2x172x72cm

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Beyond The Pleasure Principle, 2014, óleo sobre tela, 203.2x274.32 cm

paisaje es comestible, y los animales se ofrecen de buena gana para el consumo”.

En relación a las épocas de hambruna y el anhelo de una tierra de abundancia, pienso que un recurso constante y característico de su obra es el sentido del gusto.

No nos olvidemos de que Cotton posee en su estudio un horno pastelero, a través de los cual se hace evidente una experiencia multi-sensorial en este sentido. “Hay una universalidad en relación con el recurso de dulces como objeto de deseo. Es una experiencia que la mayoría de la gente ha tenido, y por supuesto el sabor está vinculado directamente a oler, lo que provoca algunos de los recuerdos sensoriales más inquietantes y complejos. En el caso de mis pinturas, el reconocimiento de la materia determinada (pastel, dulces, etc.), seguido por el recuerdo de la experiencia relacionada con ese material, forman un punto multi-sensorial de entrada para el espectador”, explica Will.

Sin lugar a dudas las obras del multifacético Will Cotton no pasan desapercibidas. Han generado en mí la inquietud acerca del origen del deseo y cómo en nuestras experiencias se vuelve huella mnémica el anhelo de una utopía posible, algo que a lo largo de la historia de la humanidad pervive en nuestro horizonte cultural como el vestigio o indicio de lo insaciable.

Ya lo dijo Jacques Lacan: “El deseo nunca se satisface del todo”.

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EL DESAPEGO

Walt Gonzalez /Walt Gonzalez

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La tormenta había cesado, el cielo comenzaba a despejarse aquella tarde, el sol se abría paso entre las nubes, el muchacho salió del reparo del árbol y emprendió viaje nuevamente a la deriva del tiempo y las circunstancias, siempre a sabiendas de adonde debía llegar…, dejó el libro a un costado y se detuvo por un momento, aún tenía la sensación de ser el muchacho sobre quien leía, estaba tan sumergido en la historia que de alguna forma, se condicionaba. Sentíase tan reflejado en el personaje, en sus cualidades, en sus reflexiones que esperaba encontrar coincidencias entre la historia y su vida, o quizás construir su vida en base a la historia.

Augusto vivía con su abuelo, en la sala de su casa te-

ILUSTRACIÓN: LUVA

nían una biblioteca gigante, con cientos de libros, su abuelo siempre le decía que leer un libro era el despertar de la imaginación y el descubrir de un nuevo mundo, el chico solía elegir algún libro a la distancia y no importaba en que página abriera solo leía la frase donde sus ojos miraran, tal es así que visualizó un libro en lo alto de la biblioteca, se dirigió hacia él, tomó un banco pequeño, se subió y alcanzó el libro, al abrirlo se encontró con una mariposa seca entre sus páginas, no tardó en preguntarse ¿cómo es que una mariposa habría de terminar allí?, cuando de pronto la voz de su abuelo irrumpió el momento, era hora de ir al parque, como todas las tardes, Augusto bajó del banco y juntos emprendieron viaje.

El parque estaba embellecido por el canto de las aves, los colores y los aromas de la primavera. Tomaron asiento en el mismo lugar de siempre, solo él y su abuelo con su bastón, una mariposa revoloteaba alrededor de Augusto, quien abrió su mano y la mariposa se posó, rápidamente cerró la mano sin lastimar a la bella, entonces su abuelo dijo… _ Ya sabés cómo es que llegó esa mariposa a aquel libro, ahora es momento de decidir entre conservar sus colores o comprender su vida y su libertad, también Augusto es bueno desapegarse de las cosas, dejarlas ser, no hay libro alguno que deba condicionarte, tu vida al fin es como la de dicha mariposa.

El chico abrió su mano y la mariposa voló.

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BAJO LA LUPA x MARU DUARTE /Maru Duarte

Traspasan las palabras, para llegar más allá, si nos animamos a volar con ellas.

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Queridos lectores y amigos, gracias por encontrarnos, una vez más. Hoy nos convoca una nueva historia escrita y contada por Walt, a la que llamó “Desapego”.

Es una hermosa y breve historia que regala sustancia para aquellos que estén ávidos de tomarla y volar. NO es un invento nuestro, digo, propio de la humanidad.

Después de todo es el colibrí el que encuentra a la flor en un jardín, se acerca presuroso, descubre su néctar, lo toma y vuela. Es una linda imagen para hacernos de la sustancia que portan estos cuentos. Dicen que el colibrí luego reposa, agradeciendo sus sabores. ¿Y cuáles serán estos sabores? ¿Por qué agradecerlos? Quizás porque las historias se transforman así en imagen, acción, movimiento y gesto. Traspasan las palabras, para llegar más allá, si nos animamos a volar con ellas. Dicho esto, es hora de conocer más de cerca al primer personaje de este cuento. Él es Augusto, niño aprendiz, lúcido, buscador de tesoros y amante de la lectura. Y cuando el cuento nos dice, que el personaje del libro que está leyendo, sale del reparo del árbol y emprende viaje a la deriva del tiempo y de las circunstancias, pero a sabiendas de a dónde debía llegar, nos está contando

que sale de la comodidad, con prudencia, esperando que pase la tormenta, pero se levanta y sale en busca de su destino, con paso liviano pero firme, aceptando caminar por lugares inciertos, con la confianza puesta en que el punto de llegada no sería otro sino aquel que anhele su alma. Y nuestro pequeño Augusto, se condicionaba por el amor con el que se compenetraba al leer sus historias, en su desapegada búsqueda de libertad.

Y gracias a este sentir, supo que allí había algo que él mismo debía comprender, o más aún, conquistar. Supo que era posible creer en su propio camino. A pesar que quizás le fue necesario primero, sentirse a prueba. Lejos de inquietarse, confió.

Afortunadamente, las lindas personas tienen siempre a mano a grandes maestros. Y Augusto contaba con la compañía de su abuelo, quien dejó verse como un hombre sensible, inteligente, de notable hondura. Con él Augusto vivenciaba cada día momentos de alto vuelo, rodeados de aire puro, de bellos paisajes, dejándose impregnar por lo bueno y lo bello; anclado sin dudas en el mundo material, pero no apegado a él. Sabía muy bien que “la cosa” pasaba por otro lado. Y sobre todo la buena lectura hacía posible dar rienda suelta a su imaginación, confiando en su intuición para elegir qué leer y dónde abrir cada libro, sin importar que no sea desde

Si bien es cierto que todos los días se aprende algo nuevo, algunas veces se aprende algo inmenso. el principio, como regla. Con razón ese día, ocurrió la magia. “El parque estaba embellecido por el canto de las aves, los colores y los aromas de la primavera” Y si, seguramente lo intuyó con cada bocanada de aire, que entraba por su boca. Al parecer, era el día de aprender algo nuevo. Si bien es cierto que todos los días se aprende algo nuevo, algunas veces se aprende algo inmenso.

Quizás cuando uno se va acostumbrando a un modo de vivir y entramos en esa especie de somnolencia, por suerte nos suceden cosas, hechos, episodios que nos dan un cimbronazo y nos empujan unos pasos más, como una especie de guiño cómplice que hace que el camino se nos revele ante los ojos, más nítidamente. Y habremos de estar bien despiertos para no pasar por alto esos “regalos” de claridad. Porque qué diferente sería la historia, si Augusto al abrir aquél libro, y encontrarse con la mariposa atrapada en su interior, sólo la hubiera mirado y lo hubiera cerrado, sin más. No tendría pena, pero tampoco gloria. Sin embargo, este niño se preguntó a sí mismo, interpeló a su ser “¿cómo es que una mariposa habría de terminar allí?” Estaba despierto. Y es así, el que busca, encuentra. Como el agua que

busca su cauce, y si no lo encuentra, se dispersa.

Y claro que lo encontró, la mariposa lo encontró a él y Augusto a ella, estaba buscando la forma, se estaba acercando de a poco. “…Ahora es tu momento de decidir…” El que nos guía lo hace siempre hacia algún puerto. Y su abuelo hizo que esto suceda así, como seguramente les habrá sucedido tantas veces a lo largo de ese alegre encuentro de almas, en el que fueron entre sí, compañeros, amigos y maestros. Y el anciano amorosamente le hizo ver que Augusto por si sólo podía tomar una decisión, que cambiaría su lugar en el mundo, para siempre. Le hizo ver que es sólo una cuestión de actitud, vivir y dejar vivir.

Tener el coraje de sacudirse los ropajes y encarar su propia historia. A lo mejor le contó que de los referentes ajenos, por más seductores que sean en su aparente forma de vivir y aún sintiéndose atraído por el brillo de sus vidas, sólo habrá de beber su inspiración pícaramente y volver a su propio andar, para no olvidar que “las luces siempre encienden en el alma”. Alguien dijo alguna vez que el que mira hacia afuera sueña, y el que mira hacia adentro, despierta. Y su abuelo le hizo este hermoso regalo, de corazón a corazón, dándole fuerzas para caminar sus propios pasos, enseñándole que desapegarse de las cosas o de la vida de otros, le plagará el camino de lucecitas que con puros destellos, lo irán guiando hacia su propia libertad.

“El chico abrió su mano y la mariposa voló”. Este es el néctar de esta flor. Porque en este simple acto, que podría parecer insignificante, se entrelazaron las vidas de estos seres, que Walt nos presenta hoy. Se encontraron para despertar, la mariposa se posó en manos del niño que, lejos de querer conservar sus colores, eligió dejarla volar, seguramente inspirado por el valiente viajero de aquel libro (elegido “al azar”) y también alimentado por la sabiduría de su abuelo amado. Y finalmente el anciano, de elevado espíritu, pudo redimir lo que sospechamos, no supo ver en tiempos remotos, comprendiendo ahora que los colores de la bella mariposa brillan más, desplegados en pleno vuelo, bajo los rayos del sol.

G r ac i a s Wa lt p o r d e ja r nos vol a r e n t u ja r d í n .

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Saltos Adรกn y Eva, Bosetti, Ramirez y Salto Chico.

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Donde el agua grande FOTOS y ARTÍCULO: JuanMa K troy

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Saltos Adán y Eva, Bosetti, Ramirez y Salto Chico.

Siempre quiero volver. Aunque solo sean unos pocos días. Siempre se extraña esa tierra colorada. Su climatología bien selvática, muy característica del nordeste Argentino, hace que a uno que le gusta andar suelto de ropa se lo pase a sus anchas. Las caminatas por el parque a toda hora, aunque por la mañana o entrada la tarde le da un toque de encanto. Más para quienes nos gusta hacer fotografías. Su flora y su fauna, tan exuberante. Sus olores y sus ruidos de su entorno. Los atronadores sonidos de los saltos y cascadas. La fuerza de la vida. La magia de la naturaleza a su máxima expresión.

SIETE MARAVILLAS NATURALES DEL MUNDO

He tenido varias visitas al parque y durante estos años he visto un cambio significativo y positivo. Esto ha ido a más desde que en el 2011 fue declarado una de las “Siete maravillas naturales del mundo”, a partir de lo cual la afluencia de turistas se ha incrementado exponencialmente. Y saber que su primer dueño la vendió en un remate público por pensar que carecían de valor.

Sí, ¡las regalo! El anuncio decía “Bloque de selva que linda con varios saltos de agua”.

El Parque está ubicado en la provincia de Misiones, en el departamento de Iguazú, cuyo río homónimo hace de frontera en su extremo norte con el país hermano del Brasil. Claramente se nos hace más familiar decir las Cataratas del Iguazú, que el Parque Nacional Iguazú.

Más por su gran atracción, La Garganta del Diablo. De los 275 saltos del parque, es el más grande, alcanzando los 80 metros de altura, y su caudal de agua el mayor del parque y considerado del mundo. Esa larga caminata por las pasarelas metálicas hasta poder llegar a tan solo unos 40 metros de él, permite a uno contemplar la fuerza y la belleza de la naturaleza al mismo tiempo.

VIAJES 56

Entramos ahora un poco en la historia de este parque de la región Altoparanense. Los Guaraníes que provenían del norte desplazaron a los nativos apróximadamente en el 1000 DC. Posteriormente, ya en el siglo XVI, los españoles al mando de Alvar Nuñez Cabeza de Vaca bautizaron las cataratas con el nombre de “Saltos de Santa María”. Finalmente, el nombre fue reemplazado por el original de los guaraníes, “Iguazú”. “I” significa agua y “Guazú” grande. Después de ventas y compras, divisiones y separaciones, comisiones científicas y excursiones turísticas, el 9 de octubre de 1934 el Gobierno Nacional dispuso por ley la creación del Parque Nacional Iguazú, cuyas tierras fueron compradas ya en 1928.

La Unesco las declaró “Patrimonio Mundial de la Humanidad” en 1984.

Rico en biodiversidad. La exuberancia de su túpida selva se refleja al caminar por los diferentes senderos y circuitos. El sendero que más me gusta es el Macuco y el circuito, el Inferior. En el Macuco la tranquilidad lo es todo. Es de esos lugares donde es posible escapar de las masas que concurren al parque. Durante las 3 horas que nos puede llevar cubrir los 7 km aproximados de ida y vuelta, la suerte y la atención nos pueden llevar a presenciar la belleza de los monos cai,cotorras, urracas, tucanes, lagartos overo, corzuelas y agutíes. Por mencionar algunas especies.

Muchos tienen la suerte de ver incluso huellas de yaguareté. Cuando hablamos de las aves, se dice que se han detectado más de 400 especies. Con respecto a la flora, destacar los helechos, las epífitas, las famosas lianas, el

Siempre quiero volver.

Aunque solo sean unos pocos días. Siempre se extraña esa tierra

Garganta del diablo - Jote Cabeza Negra volando 57

palo rosa, el guatambú, el laurel y el bosque de palmito.

Ya en el Circuito Inferior las pasarelas metálicas y de madera nos llevarán por la frondosidad de la selva a los Saltos Dos Hermanas, Chico y Ramírez, terminando en la majestuosidad de una muralla de agua donde la bruma nos acariciará la piel, el Salto Bosetti. Sin olvidarnos de las espectaculares vistas en el Balcón Mirador, donde se puede contemplar el encuentro del brazo del río con el cañón del Iguazú y la clásica bruma de la Garganta del Diablo en el fondo. Retornando, al costear el Iguazú podremos ver las caídas escarpadas de los Saltos Alvar Núñez, Elenita y Lanusse.

Adentrándonos en el Circuito Superior, cuya vista panorámica alcanza casi la totalidad del parque, podremos ver la Isla San Martín, la orilla del lado brasileño y hasta la pasarela a la Garganta del Diablo. Es sensacional ver desde arriba la caída de los Saltos Dos Hermanas, Chico, Ramírez, Bosetti, Adán y Eva y Bernabé Méndez. ¡Indescriptible!

Para culminar, no olvidarse de los Saltos Mbiguá y el San Martín.

Mientras vamos de un circuito a otro, tendremos la suerte de encontrarnos con huéspedes de lujo del parque, como los coatíes, tucanes o urracas. Las mariposas compartirán siempre el camino con nosotros, posándose en uno sin reparo. En la ropa, en la frente, en las manos, sin dejar de ser ellas, tan espontáneas, tan coloridas.

En mi caso siempre me he guardado el final para ir a ver la Garganta del Diablo. Para ello, tenemos el tren ecológico que nos llevará hasta Puerto Canoas. Desde allí hay que emprender una caminata de unos 1000 metros por las pasarelas metálicas, cruzando el río hasta el Balcón Mirador para tener una experiencia única, real-

CIRCUITO INFERIOR

CIRCUITO SUPERIOR

La fuerza de la vida.

La magia de la naturaleza a su máxima expresión.

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Guacamayo

Yacaré Coatí

Mono Caijpg

Mariposas 59

Garganta del Diablo desde el Circuito Inferior

Graganta del Diablo desed el Balc贸n Mirador, Circuito Inferior 60

GARGANTA DEL DIABLO mente extraordinaria, un terremoto de sensaciones.

Atronadora y a la vez mágica la postal que veremos.

Una gigantesca pared de agua cayendo a una velocidad abismal. La bruma y las gotas de agua refrescándonos.

El éxtasis de los presentes en ese momento. Una sensación aterradora pero a la vez maravillosa, casi irrepetible en otro salto del mismo parque y del mundo.

Ese momento lo vale todo, hasta el cansancio del día será olvidado. Lo cierto es que ir de un lado al otro del parque es agotador pero gratificante. Siendo tan grande, los lugares por ver son innumerables.

Nunca olvidaré en una de mis primeras vistas, volviendo del Balcón Mirador de la Garganta, una tormenta no nos dio tiempo de llegar al tren. Corrimos por las pasarelas pero todo fue estéril, nos dimos una gran ducha natural que termino en risas.

Antes la única atracción consistía en ver las caídas,

Una gigantesca pared de agua cayendo a una velocidad abismal.

La bruma y las gotas de agua refrescándonos. pero esto ha ido cambiando con el paso de los años.

Hay que ir temprano si se quiere ver todo. De la misma forma, si se tiene tiempo y es la primera vez, es recomendable volver un día más, contando con la suerte de poder explorarlo bien y disfrutar de un lugar único del planeta tierra. Más a nuestro favor sabiendo que su climatología nos permite visitarlo durante todo el año.

Por eso, y más que nunca, siempre quiero volver. A ver a su encantadora gente. Su llamativa tierra color rojiza.

Su flora y fauna. Sus saltos. Su Garganta del Diablo. Eso es Cataratas. No solo la inmensidad de sus torrentes sino también la grandiosidad de su belleza natural y por la magnificencia de su entorno. Imposible no cautivar al visitante que será un verdadero privilegiado.

Eso es el Parque Nacional Iguazú.

Garganta del Diablo, desde el balcón Mirador 61

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Y porque la cocina tambiÊn es arte‌

x Juan Cruz Pein /elchefconsciente

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UN LICUADO PARA CAMBIAR TU VIDA La vida a veces nos hace movimientos que nos obligan a cambiar la jugada radicalmente, jugadas que nos dejan patas para arriba y nos muestran simple y llanamente que la estamos ¡cagando! En mi caso directamente la vida me pateó el tablero y me obligó a cambiar de juego.

Así qué, sin más preámbulo, voy a intentar ponerlos en mis zapatos: imagínense en la piel de un Chef de 29 años, exitoso, que de golpe y sin previo aviso se vuelve vegetariano. Si, ¡vegetariano!, que locura. Un cocinero que manejó una parrilla en Panamá, se inclina hacia los vegetales. Suicidio profesional, podrían decir algunos…

En aquella época yo sentía que había perdido totalmente el control de mi vida y de mi cuerpo, pesaba 107 kg, ya había estado internado por una arritmia cardiaca y odiaba la imagen que el espejo me devolvía. ¡Ese no era yo!. Así que me propuse recuperar mi equilibrio primero con las clásicas dietas que nos vende el sistema, las cuales fracasaron rotundamente. Y luego con un concepto nuevo para mí, “LA ALIMENTCIÓN CONSCIENTE”.

Este tipo de alimentación separa el alimento en dos grandes grupos: la que acidifica e intoxica, y la que alcaliniza y desintoxica el organismo.

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Grupo 1: Alimentación Acidificante Carnes de todo tipo Lácteos y derivados Harinas Alimentos cocidos Alimentos industrializados Gaseosas de todo tipo

Grupo 2: Alimentación alcalinizante Frutas y verduras crudas Jugos de frutas naturales Semillas Frutas deshidratadas Fermentos Germinados

Lo ideal es consumir mucha más comida del grupo 2 que del 1. Salir del círculo vicioso que conduce a donde ya sabemos: una vida en la cual vamos a terminar nuestros días enfermos, con suerte a los 85 años tomando toneladas de remedios y entrar en un círculo virtuoso que nos lleva a una vida donde se impone la salud como protagonista.

Así que me propuse descubrir qué tan cierto era esto.

Para eso lo único que podía hacer era probar la dieta en mi propio cuerpo. Intenté comer un 100% del grupo 2 pero solamente logré rasguñar un triste 60%, así y todo el primer mes bajé 10 kg, Me encontré con mucha más energía, lo que me llevó a volcarla nuevamente en el deporte como en mis años dorados. Hoy dos años y medio después de cambiar mi alimentación, con altibajos y millones de recaídas en el grupo 1 pero sin dejar de intentarlo, peso 85kg, me siento de maravilla y sumamente orgulloso del cambio de rumbo que tomé.

Acá les dejo el jugo que tomé durante todas las mañanas, los primeros 2 años de mi nueva vida: licuado + Maca

El licuado de frutas nos aporta una gran cantidad de vitaminas, minerales y micronutrientes en un formato pre procesado ahorrándole gran parte del proceso metabólico y por ende… ¡energía!

Así fue que todas las mañanas me levantaba exprimía 6 naranjas las ponía en la licuadora y las licuaba con 3 bananas y una cucharada de maca andina. Los beneficios para la salud de este súper alimento han sido conocidos desde tiempos inmemoriales, incluso antes de la llegada de los españoles al Perú. Los indígenas usaban la maca, no sólo como afrodisíaco, sino también como una potente hierba para curar el cuerpo.

Imaginen qué pasaría si a este licuado le sumamos una ensalada al mediodía o lo repitiéramos a la tarde al volver a casa. En esta época en la que todos queremos un cambio yo les digo que el cambio empieza por uno, y qué mejor cambio que darle al cuerpo comida de verdad y simplemente sentir y disfrutar de lo que pueda acontecer, ahora que hemos hecho un cambio real en nuestras vidas.

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