Revista Erebus. Abril 2016 by Revista Erebus

Contenido

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EDITORIAL

ENSAYOS Resurrecciones

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ENTREVISTA Entrevista a Mika Kaurismäki.

CRÍTICAS Mustang Batman v. Superman Bone Tomahawk Cien años de perdón Calle Cloverfield 10 Nuestra hermana pequeña El regalo

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LISTA A raíz de Mustang como película del mes, escribimos de películas sobre grupos de chicas que se hacen mayores

EN CORTO Xiong Di

Editorial

urante estos pasados meses, y en los que están por venir, Estados Unidos de América se encuentra envuelta en sus elecciones primarias. Estado por estado, los candidatos demócratas y los republicanos luchan por ganar las distintas primarias y caucus para convertirse en los designados por sus partidos para luchar por la presidencia en noviembre de 2016. Pero lo que es llamativo es cómo en Estados Unidos los actores, directores, escritores, músicos y demás celebridades manifiestan abiertamente su elegido. En España existe un miedo muy importante a declarar tus preferencias políticas, salvo en contados casos. Existe miedo porque España es un país caníbal, con hambre para despedazar a sus máximas celebridades. Así, las heridas de la gala de los Goya del “No a la Guerra” o la campaña de la ceja todavía son heridas no cerradas. Aún así, se han visto pequeños avances en el mundo del cine español respecto a salir del armario político, incluso yendo en las listas, como puede ser el caso de Toni Cantó en Ciudadanos, Alberto San Juan en Podemos o Juanjo Puigcorbé en ERC. Sin embargo en Estados Unidos podemos ver a actrices o directores de la máxima relevancia hacer de teloneros en un mitin para su político preferido.

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Si la campaña de Hillary Clinton tiene en el mundo del cine a Morgan Freeman como uno de sus principales defensores y a toda una lista de máximas celebridades que la apoyan como son Steven Spielberg, Jessica Alba, J.J. Abrams, Lena Dunham, Matt Damon, Robert De Niro, Natalie Portman, Liv Tyler o George Clooney; la lista del senador por Vermont Bernie Sanders no se queda atrás con David Lynch, Spike Lee, Michael Moore, Susan Sarandon, Frank Darabont, Rosario Dawson, Oliver Stone, Sarah Silverman, Danny DeVito, Mark Ruffalo o Viggo Mortensen entre otros. El lado republicano siempre es más escaso en cuanto a este tipo de apoyos. Actualmente hay tres candidatos luchando por la nominación. El empresario neoyorkino Donald Trump es el favorito, pero no cuenta con demasiados apoyos cinematográficos. John Voigt, Bruce Willis y Jean-Claude Van Damme podrían ser los más reconocibles. Su principal contrincante, el senador por Texas Ted Cruz, cuenta con James Wood y David Mamet, mientras que el Gobernador de Ohio John Kasich cuenta con Tim Allen. La relación del mundo del cine y la política siempre será compleja en cuanto que una influye sobre la otra, y posicionarse como individuo no te puede traer más que problemas. Por ello hay que aplaudir a aquellos que dan la cara sin importar que se la rompan, apoyen a quien apoyen. A

Resurrecciones

Resurrecciones Por Juan Romero

umping the shark es una expresión que se utiliza en el mundo anglosajón para referirse a una situación en una serie de televisión en la que se produce un hecho extraño y exagerado, normalmente como un intento a la desesperada de mantener la atención del espectador cuando la serie empieza a dar síntomas de agotamiento. El nombre, saltar el tiburón, viene de una escena concreta de la serie Días Felices en la que uno de los protagonistas salta literalmente por encima de un tiburón. Uno de los elementos más recurrentes que se suelen utilizar como salto de tiburón en las series, y que además viene a cuento recordarlo en estas fechas de Semana Santa, es la aparente muerte de uno de los personajes, para “resucitarlo” uno o varios capítulos (o una temporada) después. Es un elemento que hemos visto en infinidad de culebrones clásicos, que fue utilizado en su momento en la recientemente resucitada a sy vez Expediente X, cuando de hecho empezaba a mostrar síntomas de agotamiento; y que últimamente hemos sufrido en series tan diversas como Arrow, Sherlock o Vikings, con muy diferentes motivos y sensaciones. Es una tendencia que da la sensación de haberse hecho más y más común en los últimos tiempos, con hasta tres situaciones en series de amplio seguimiento que se han dado en el último año. Y que además señalan de alguna manera la tendencia de la propia serie.

En primer lugar tenemos una situación que se produce en la segunda temporada de True Detective. Recordemos que la primera temporada gozó del respaldo casi unánime de crítica y público, aunque en su tramo final sufría un bajón realmente considerable. Para la segunda temporada, con cambio de personajes, escenario y tramas debido a su carácter antológico, había una gran expectación. Y sin embargo, nunca llegó al nivel de la primera. Los primeros dos o tres capítulos aún queríamos darle el beneficio de la duda, pero cuando se produce la resurrección ya nos damos cuenta de que ha saltado el tiburón. De que aquello no va a ningún sitio, y va a acabar siendo un desastre. Paradójicamente, los momentos en los que el personaje está “muerto” nos acaban dando los mejores momentos de una temporada por lo demás completamente olvidable. Después tenemos una situación que se produce en The Walking Dead, y que también fue muy comentada. En su caso es bastante diferente, porque la serie viene dando síntomas de agotamiento casi desde su segunda o tercera temporada, repitiendo una y otra vez los esquemas, y apenas dejando muestras de su potencial a cuentagotas, en medio de un desierto de tedio y aburrimiento. La aparente muerte y posterior vuelta de uno de los personajes importantes en esta sexta temporada me consta que ha sido la gota que ha colmado el vaso de la paciencia para

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Resurrecciones

más de un espectador que prácticamente estaba esperando una excusa para poder abandonar la serie. Evidentemente, el tercer ejemplo que quiero presentar es el de Juego de Tronos. Que en puridad aún no se ha resuelto, y bien podría ser que fuera una muerte definitiva, pero que todo parece indicar que, cuando vuelva para su sexta temporada dentro de unas semanas, se revelará como otra más de estas muertes falsas de las que estoy hablando. O cuando menos de la resurrección del personaje, de uno u otro modo. Este caso seguramente sea el más paradójico, porque si Juego de Tronos se caracteriza por algo es, precisamente, por matar sin compasión a algunos de sus personajes más importantes, siguiendo la estela de los libros. Sin embargo, lo que en las primeras temporadas era una constante, en estos últimos tiempos, tanto en la serie como en los libros, se empiezan a dar demasiadas situaciones en las que los protagonistas parece que van a morir para acabar salvándose de manera milagrosa. Y pienso que es un claro ejemplo del agotamiento que están sufriendo ambas versiones de la historia. Que aún sigue a buen nivel, pero que últimamente solo demuestra ese nivel de manera puntual, generalmente en los finales de temporada y en momentos señalados, pero que empieza a tener demasiado contenido poco memorable. E insisto que es algo que ocurre en ambos formatos, tanto en las novelas como en la

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propia serie. Se da además la circunstancia de que a partir de ahora la serie va a volar libre, sin el apoyo (o el corsé, según se mire) de las novelas en las que se inspira, por lo que no sabemos muy bien hacia dónde va a moverse. Esperemos que vuelva a retomar el pulso, y conforme se vaya aproximando la resolución de las tramas, se vaya concentrando más y más la calidad de la serie para llegar a un final al nivel de lo que es la historia de Juego de Tronos, sobre todo en su comienzo. Pero mucho me temo que esta muerte y (posible) resurrección sea el salto del tiburón de Juego de Tronos. Evidentemente, este salto de tiburón, con el elemento de la falsa muerte (o muerte-resurrección) de uno de los protagonistas que invade las series actuales no se suele dar en el mundo del cine de manera habitual, por la propia estructura de uno y otro formato. Y sin embargo, con la llegada de las secuelas infinitas y las franquicias elefantiásicas era lógico que acabáramos encontrándonos este tipo de situaciones también en la pantalla grande. Y tenemos un magnífico ejemplo en una de las películas que nos han llegado este último mes a las pantallas. Una película que de hecho ha sido peor recibida por la crítica de lo esperado y que de alguna manera empieza a poner en riesgo la buena salud de la propia franquicia. A

Mustang Mustang / Francia / 2015 Dir.: Deniz Gamze Ergüven

Rep.: Erol Afsin, Ilayda Akdogan, Doga Zeynep Doguslu, Elit Iscan, Ayberk Pekcan, Günes Sensoy.

Texto: Alberte Álvarez

a directora turca Deniz Gamze Ergüven debuta en la dirección con Mustang, un poderoso drama que nos cuenta la vida de cinco hermanas adolescentes en una zona rural al norte de Turquía. La película busca ese aire semi-documental, tiene ese ímpetu del cine cercano a la realidad para contarnos una historia que son muchas historias, para contarnos las

vicisitudes de cinco chicas, pero que a la vez es un único elemento: la mujer como víctima de la opresión religiosa y patriarcal y su búsqueda de la libertad frente a una sociedad que las ve con una mirada hipersexualizada. Sin embargo, no conviene reducirlo todo a esto, ni a su búsqueda de ofrecernos un pedazo de realidad de las situaciones que se encuentran las mujeres en Turquía

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Mustang (Deniz Gamze Ergüven, 2015)

todavía hoy, sino que en cierta manera nos habla de muchas más cosas, y pese a que suene contradictorio respecto a lo que dije antes, lo hace como si de un cuento de hadas se tratase. Lo dice nuestro compañero Sergio a propósito de la opera prima de S. Craig Zhaler, Bone Tomahawk: en un primer proyecto siempre hay mucho mimo, mucho amor. Es difícil que salga mal con un poco de talento. Y desde luego esta película tiene talento. Fotografía, guion, actuaciones y dirección se dan la mano para que Mustang no muestre momentos de flaqueza en ningún momento. La película comienza con un día primaveral de alegría al acabarse las clases y comenzar las vacaciones. Las cinco hermanas (de edades que diría que van de los 12 a los 17 años, aunque no se especifican) van hasta la playa a jugar con otros compañeros del colegio. Las chicas se suben encima de los hombros de los chicos para pelearse e intentar tirar a la otra en el mar. Este aparentemente inocente e inofensivo juego, sin embargo, es visto por la comunidad como algo impúdico e inapropiado y cuando llegan a casa ya es la comidilla de todo el pueblo. La abuela y el tío (no tienen padres) les reprenden por restregar su sexo en el cuello de los chicos. Y aquí ya nos llevamos el primer shock viendo la alegría y las ganas de ser ellas mismas de estas chicas jóvenes y una sociedad tradicional, religiosa, machista y que va de puritana pero ve sexo en todos sitios. En todo momento la película mantiene el foco sobre las cinco hermanas, y en el conflicto que surge cuando se contraponen las ansias de libertad de las jóvenes, con la presión casi insoportable que le imponen las costumbres y el comportamiento abusivo de sus familiares. Poco a poco su casa se convierte en su prisión. No una prisión metafórica sino una prisión real, de la que en contadas ocasiones consiguen escapar cierto tiempo sin ser advertidas. Pero aunque presas en su casa, bajo la superficie todavía subyace la adolescencia, eso es algo que no se puede reprimir. Estos elementos simbólicos, y alguna que otra escena demasiado implausible son buscados por la directora para conferir a la película

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el mencionado aire de cuento. Pero en ningún momento se hacen con el control de la película, como en otras propuestas parecidas que apuestan directamente por el realismo mágico. En este caso, en la película prima siempre un tono decididamente realista, gracias en parte a la naturalidad que desprenden las actrices no profesionales que dan vida a las hermanas. Cada una de ellas intenta adaptarse como puede a la situación de cautivas, con alguna de ellas incluso consiguiendo sacar el mejor partido posible de una situación realmente com- “Una película hermosa, plicada. Pero la mayor dura pero optimista a parte de ellas se ve su vez, con unos persosobrepasada por lo que está sucediendo y cae najes distintos a los que en un estado de tris- estamos acostumbrados teza casi insoportable.

a ver y con un sentido de rebeldía frente a la injusticia, la opresión y la represión.”

“Nuestra casa se ha convertido en una factoría de mujeres”, dice Lale, la más joven de las cinco y la verdadera protagonista del film. Por su casa van pasando las mujeres del pueblo para enseñarles a cocinar. A través de sus ojos ve como sus hermanas mayores se dan un poco por vencidas, como su familia va intentando arreglar matrimonios para todas ellas. Unos matrimonios concertados que se realizan casi como un modo de calmar el furor sexual de las chicas antes de que sea demasiado tarde y pierdan la virginidad por su cuenta, pero en parte también es la única manera de escapar de la prisión en la que están.

Pero la pequeña Lale es todavía joven para darse por vencida. Ella nos trae los momentos más alegres y más rebeldes de la película. Como ejemplo está ese partido del Trabzonspor en el que dejan entrar solo a mujeres, pues los hombres están sancionados por unos incidentes violentos en un partido anterior. Pese a que sus cuatro hermanas no están interesadas en el fútbol Lale se las organiza para conseguir escapar con ellas y ver el partido. El partido es lo de menos, en realidad, lo importante es la sensación de felicidad

Mustang (Deniz Gamze Ergüven, 2015)

de poder controlar tu vida por un momento, de no estar pendiente de que lo que haces está mal o hiere la pervertida sensibilidad de alguien ultra religioso. Éste es uno de los momentos de felicidad más plena para las chicas, contrastadas con el abatimiento posterior que les provoca el tener que volver a casa. Para que estos momentos de libertad se sientan como un alivio a lo largo de la película es necesario tener un componente opresivo muy importante, y esto se consigue a través de la abuela y el tío de las chicas. Principalmente el tío es un personaje odiable al máximo. Quizá es un personaje que puede resultar un poco esquemático o simple, ya que nunca entra en contradicciones ni dudas, pese a que lo que hace es violencia pura. La abuela es otro de los agentes represores, aunque mantiene una relación ambivalente con las chicas, pues hace las cosas intentando que sean por el bien de ellas. Ya sea mediante el arreglo de los matrimonios, vendiéndolas a desconocidos como mercancía, pero en ocasiones

defendiendo el comportamiento de las chicas frente al tío. Uno de los pocos defectos de la película es que al tener a cinco protagonistas de manera coral (aunque como he dicho la verdadera protagonista es la pequeña y valiente Lale) en ocasiones es difícil encontrar el punto en el que son cinco personajes en vez de uno solo. Tanto Lale como la hermana más mayor son los personajes mejor construidos. La mayor es la primera en afrontar el proceso del matrimonio concertado y en realidad es la única que consigue pasar por ello con alguien de su elección y de una manera poco traumática. Las otras tres hermanas pasarán por ello de una manera muy dolorosa, con tres resoluciones muy diferentes. La última de estas resoluciones nos llevará hacia el final de la película con un cambio de tono bastante llamativo pero bien ejecutado y que no se siente forzado. Ya se ha hablado mucho de las similitudes temáticas de esta película con Las vírgenes suicidas

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Mustang (Deniz Gamze Ergüven, 2015)

de Sofia Coppola. Y sí, hay elementos comunes, empezando por lo de ser cinco hermanas, pero creo que Mustang no se reduce a eso. En parte también tiene cosas que podrían acercarla a Canino, de Yorgos Lanthimos, pese a ser menos mordaz, negra y desconcertante que ésta, sí tiene elementos relacionados con la opresión familiar y el control total de unas vidas que las mujeres no deben poseer, y la lucha por recuperar la mínima libertad, es decir, la libertad sobre nosotros mismos, nuestros cuerpos y nuestra vida no es fácil y termina en ocasiones de forma desagradable. Una de las mayores características de Mustang es la de que nos hace partícipes de una historia que nos parece importante, una historia que había que contar sí o sí, que era necesaria, y que conocerla nos ha hecho mejores. Una de las batallas de esta revista es que este tipo de películas no pasen por la puerta de atrás de las salas de nuestros cines. Una película tan hermosa, tan dura pero tan optimista a su vez, con unos personajes

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distintos a los que estamos acostumbrados a ver y un sentido de rebeldía frente a la injusticia, la opresión y la represión, que no merece pasar desapercibida ante los ojos de cualquier aficionado al séptimo arte y ante cualquier interesado en la lucha por las libertades. Por lo tanto no puedo dejar de recomendar ver esta película turca, que acabó representando a Francia en los premios Oscar dado que la directora turca tiene doble nacionalidad francesa y Turquía decidió preseleccionar el drama Sivas, de Kaan Mujdeci, que finalmente no fue siquiera nominado al premio a mejor película en lengua no inglesa. Temas como la opresión religiosa, la represión hacia la mujer por el simple hecho de serlo, la religión como freno al avance de los derechos y libertades, el machismo en la sociedad, la adolescencia, la libertad para elegir tu camino y la búsqueda de esta libertad por mucho esfuerzo que conlleve son temáticas que no se ven habitualmente en los cines. Sin duda, una historia importante. A

Batman v. Superman: El amanecer de la Justicia Batman v. Superman: Dawn of Justice / USA / 2016 Dir.: Zach Snyder Texto: Saúl Olmo

arner y DC llevan desde los años 90 coqueteando con la idea de hacer un crossover cinematográfico de los superhéroes más emblemáticos de DC, pero no ha sido hasta este 2016 que el proyecto ha visto la luz, siguiendo apresuradamente como modelo el lucrativo universo cinematográfico de Marvel, pero buscando diferenciarse de él ofreciendo un mundo más oscuro y adulto. El encargado de tan

Rep.: Ben Affleck, Henry Cavill, Amy Adams, Jesse Eisenberg, Gal Gadot, Diana Lane, Laurence Fishbourne, Jeremy Irons, Holly Hunter. ardua tarea es Zack Snyder, quien ya dirigió El hombre de Acero y cuya presente película cumple la función de secuela.

Batman v. Superman conecta directamente con El hombre de Acero y nos cuenta la historia de la creciente rivalidad entre Bruce Wayne/Batman, quien cree que la sola presencia del último hijo de Kripton en la tierra es una amenaza, y Clark Kent/Superman que considera al murciélago

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Batman v. Superman: El amanecer de la Justicia (Batman v. Superman: Dawn of Justice, Zach Snyder, 2016)

de Gotham poco más que un matón y un delincuente, mientras que el gobierno de los Estados Unidos debate cuál debe ser su posición respecto a este último. Nada como un ambiente tan crispado para que un maníaco como Lex Luthor lleve a cabo sus perversos planes. Desde el inicio de la película Zack Snyder nos recuerda que sabe de componer planos. Se nota que no es la primera vez que trabaja con material salido de viñetas. La película arranca con la enésima recreación de la muerte de los Wayne, donde consigue que un plano detalle pueda ser un espectáculo visual. No le falta talento con las imágenes. Ayudado por una acertada dirección de arte, toda la película resulta visualmente impactante. La recreación del clímax final del anterior film de Superman, visto a través de los ojos de Bruce es de lo mejor que ha dado el cine de superhéroes. Consigue transmitir la angustia vivida por los civiles en un conflicto que resultó bastante frío en 2013. Donde tiene problemas Snyder es a la hora de encadenar secuencias en un montaje coherente. Casi todas sus películas tienen problemas estructurales y esta no es la excepción. El ritmo no consigue tener un pulso firme debido a una edición poco cuidada. Un servidor no sabe si falta o sobra metraje. El guion juega con múltiples subtramas. Muchas tratan temas interesantes como la naturaleza del poder y se vislumbran ideas interesantes. Pero la mayor parte ellas se pierden en el limbo, potenciando la presencia de secuencias con poca profundidad argumental, evidente en monólogos rellenos de filosofía barata, empeñados

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excesivamente en imbuir de seriedad excesiva el filme para distanciarse de los productos Disney/ Marvel. Warner debería saber que hay formas sutiles de utilizar el humor. Hay vida más allá de los chascarrillos de Tony Stark. Tanta seriedad solo logra dificultar al espectador empatizar, algo peligroso cuando avanzada la historia necesita que nos involucremos con los persona“Snyder demuesjes para que sus acciones tra que lo suyo es el resulten creíbles, y que espectáculo puro. El pasemos por alto ciertas licencias (comunes último acto es puro en este tipo de cine) que fan service para los hacen avanzar la historia.

amantes de los super-

El más afectado por este guion es un Superman héroes y de la acción.” atascado narrativamente. Sigue atormentando por la dualidad de su naturaleza en un conflicto interno que se alarga demasiado. Henry Cavill aguanta el tipo con una actuación bastante plana y carente de matices, componiendo un Superman demasiado oscuro que espera tiempos mejores. La película gana muchos enteros en todo lo referente a Batman. Pese al temor de algunos y las burlas de otros Ben Affleck se alza como un Caballero Oscuro imponente, efectivo y bastante violento (polémica a la vista). Snyder se inspira principalmente en el Batman de Frank Miller de El Regreso del Caballero Oscuro, al que le pasan factura psicológica 20 años de lucha contra el crimen. Affleck consigue transmitir toda la rabia, frustración e ira del personaje,

Batman v. Superman: El amanecer de la Justicia (Batman v. Superman: Dawn of Justice, Zach Snyder, 2016)

componiendo un buen Batman y un mejor Bruce Wayne. Muchos disfrutarán discutiendo si es o no el mejor Batman hasta la fecha. Lo que está claro es que es el enfoque más cercano a los cómics a día de hoy, resultando perfecto para convivir en pantalla con otros superhéroes de forma orgánica y sin desdibujar el conjunto. Entre los actores secundarios cabe destacar a Jeremy Irons y a Gal Gadot. El primero es la réplica perfecta para este nuevo Batman. Más un compañero que un simple consejero. Gal Gadot es una auténtica robaplanos capaz de vender por adelantado las andanzas de Wonder Woman con su breve intervención. Aunque ya se sabe, lo bueno, si breve, dos veces bueno. El resto del plantel está totalmente desaprovechado. Si las actuaciones de Amy Adams, Lawrence Fishburne y Diane Lane no destacan es porque la importancia de sus personajes es, en la mayor parte de sus intervenciones, mínima.

Pero el principal talón de Aquiles de este Amanecer de la Justicia es el Lex Luthor (Jr.) de Jesse Eisenbergh. No por la actuación, ni por su nueva faceta de loco con diarrea verbal. Es porque su interacción con los dos protagonistas hace que la rivalidad entre ambos deje ser natural y fluida. El punto de partida inicial de ideales enfrentados es mucho más atractivo que a lo que se ve abocado el conflicto conforme discurren las artimañas del malo de la función. Sin embargo la tensión mantiene al espectador expectante. Chris Terrio y David S. Goyer han sabido gestionar bien la relación entre ambos personajes para hacer entretenido el metraje hasta el clímax. Una vez llega no decepciona. Snyder demuestra que lo suyo es el espectáculo puro. El último acto es puro fan service para los amantes de los superhéroes y de la acción. Aunque por momentos Snyder confunda épica con exageración exacerbada, el CGI se note en ocasiones y exista cierta confusión, la sensación

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Batman v. Superman: El amanecer de la Justicia (Batman v. Superman: Dawn of Justice, Zach Snyder, 2016)

que transmiten estas escenas es generalmente satisfactoria. Como primer paso para crear un universo cinematográfico, Batman v. Superman introduce elementos de sus próximos proyectos sin saturar la película, a costa de tener unos cameos bastante sosos y metidos con calzador (excepto el primero, que resulta brillante). Pero los guiños a los comics te hacen sentir que esta película es parte de una gran mitología. Guiños a El Regreso del Caballero Oscuro, Paz en el Mundo, Flashpoint, Injustice, etc., etc., están por doquier. Los que no sean lectores habituales de DC notarán en ocasiones una sensación de que se están perdiendo algo. De preguntas sin respuesta. Aunque ninguno de estos guiños afecta al desarrollo de la historia principal de la misma. Todo un acierto.

cómics. Pero por encima de todo es la lucha de un director por crear una película con entidad propia más que un producto, y cuyo rival más duro resulta ser él mismo. El resultado es una película correcta, que consigue entretener pese a sus múltiples defectos, aunque no consigue desprenderse de cierto matiz de decepción, ya que las cotas de calidad no son todo lo altas que se espera de un proyecto con una materia prima tan buena. A

Batman v. Superman es una secuela. Es otro reboot de Batman. Es la piedra angular de Warner para asentar el universo cinematográfico de DC

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Me molesta que digan que he retratado a las protagonistas de Mustang de forma sensual, porque eso demuestra hasta qué punto estamos acostumbrados a ver las películas con una mirada masculina y sexista. • DENIZ GAMZE ERGÜVEN

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ste mes, a raíz de los estrenos de Mustang, sobre todo, pero también de Nuestra hermana pequeña, hacemos un breve repaso a algunas películas centradas en un grupo de chicas que se hacen mayores, y los conflictos que eso les supone. Las películas que elegimos, como siempre, no son más que una pequeña muestra, bastante aleatoria, de este grupo de películas, pero que consideramos que son algunas de las más interesantes, y que tienen de algún modo relación con las películas a las que queremos hacer referencia.

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Las vírgenes suicidas Por Juan Romero

asi al comienzo de la película una de las cinco hermanas que protagonizan la historia es ingresada en el hospital por un intento de suicidio. El médico que la atiende, atónito, no comprende qué es lo que lleva a una niña de 13 años a intentar suicidarse. A lo que ella le contesta: “Obviamente, doctor. Usted nunca ha sido una niña de 13 años”. Viendo la película siento algo parecido a lo que siente el médico durante esta escena, y es que no entiendo nada. No puedo comprender como una película semejante recibió tantos parabienes. Y me imagino que será porque yo nunca fui una niña de 13 años. La película nos quiere contar la historia de un grupo de cinco hermanas inmersas en el duro proceso de hacerse mayores y los conflictos que se generan a la hora de intentar salir al mundo desde el seno de unos padres excesivamente protectores. La debutante Sofia Coppola escribe y

dirige la película con un tono ligero, amable y poético, que jamás nos da más que leves muestras de los problemas que sufren las chicas, aunque intenta embadurnarlo todo de un halo de melancolía que no se sabe muy bien de dónde viene, pero que intenta utilizar torpemente para enmascarar los múltiples defectos de la cinta. Los problemas, no obstante, no se limitan a eso, sino que también son evidentes en cuanto a la elección del punto de vista desde el que contar la historia. Durante gran parte de la película, ese punto de vista es el de unos chicos que observan a las hermanas Lisbon como el objeto de su atención. Estos chicos están totalmente desdibujados, y apenas podemos distinguir uno de otro. Solo sirven, en su conjunto, para tener ese punto de vista de la historia, a partir de su visión fragmentada y los trozos de la vida de las chicas que van descubriendo. Lamentablemente, la película no es capaz de mantener ese punto

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de vista externo, sino que durante importantes tramos de la misma nos cuenta la historia desde el punto de vista de las cinco hermanas, también desdibujadas hasta el extremo, y entre las que únicamente destaca la que interpreta Kirsten Dunst. Lo cual hace que esa visión parcial y fragmentada de la vida de las chicas, justificada en principio por el punto de vista externo, deje de tener sentido. Hay un tercer punto de vista que se utiliza una sola vez en la película, y es el de otro de los chicos del instituto, el interpretado por Josh Harnett. Un personaje que sí tiene algo más de entidad que el resto. Y que durante una escena, ya de mayor e ingresado en algún tipo de centro, nos cuenta en estilo falso documental su visión de un acontecimiento concreto. Una escena que no viene a cuento con el tono del resto de la película, y que además deja ver su buscado sentimentalismo barato.

Coppola. Contar una historia dura y complicada desde un punto de vista externo, que no es consciente de las causas, y que hace que toda la historia se mitifique y se vea con un halo de cuento de hadas. Y podría haber sido un ejercicio realmente interesante. Pero el desastroso guion y la torpeza narrativa de Sofia Coppola, consiguen que no pueda identificarme ni empatizar con nada de lo que sucede en pantalla, haciendo que el tedio se apodere de mí de manera inevitable. A

A ver, entiendo lo que quiere hacer Sofia

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Picnic en Hanging Rock Por Juan Romero

a acción de la película comienza en un internado femenino, en el que vemos como las chicas interactúan entre ellas y con las profesoras. Durante todo este arranque, la poesía tiene una importancia central en la trama y, por momentos, nos da la sensación de que podemos estar ante una especie de versión femenina de lo que mucho después nos traería el mismo director de esta película, Peter Weir, con El Club de los Poetas muertos. No obstante, estos elementos duran relativamente poco, y pronto la película cambia el tono y el argumento. Algunas de las chicas van a llevar a cabo una excursión con un par de profesoras al pico de Hanging Rock. Ese picnic de Hanging Rock del título será el elemento central de la película. Durante los primeros compases de esta bucólica excursión todo transcurre por los cauces habituales. Pero pronto, de alguna manera, parece como si la propia localización empezara a afectar a las protagonistas. En un momento

dado, algunas de las chicas se separan del grupo para dar un paseo, y durante ese paseo empiezan a comportarse de manera extraña. Como si la propia naturaleza hubiera tomado el control de sus propios movimientos y voluntades. De una manera que recuerda por momentos al Gerry de Gus Van Sant, las chicas suben y bajan por la ladera, o se quedan dormidas sin motivo aparente. De manera abrupta, lo que contribuye a la confusión, y a no saber qué es lo que sucede en realidad en aquel lugar, el grupo vuelve al internado. Pero una de las profesoras y algunas de las chicas han desaparecido. A partir de entonces la película se centrará en los esfuerzos por buscar a las chicas perdidas, por un lado. Pero también en cómo se enfrentan a esa pérdida el resto de habitantes del internado. De hecho, toda la parte de la investigación del suceso siempre queda en un segundo plano respecto al misterio del poder que Hanging Rock

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Chcias

influye en los que lo visitan. Ciertos elementos que resultarían cruciales en la investigación de un caso de estas características son ignorados deliberadamente por los protagonistas, y solo nos acercamos a saber algo más de lo sucedido cuando uno de los personajes decide pasar una noche en Hanging Rock, donde también empieza a comportarse de una forma extraña, y donde acaban por descubrir a una de las chicas perdidas. Ese elemento central, de un hecho sin resolver que sucede en la naturaleza, e influido por el propio lugar del que el espectador no es del todo consciente, y que sobrevuela por toda la película cambiando a todos los personajes que entran en contacto con el incidente, recuerda poderosamente también a Pasaje a la India, la novela de E.M. Forster y posterior película de David Lean. Y la sensación de confusión brutal del espectador, de un misterio que jamás se podrá resolver porque hay fuerzas externas y desconocidas

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que han actuado nos retrotraen incluso a La Aventura de Antonioni.

Picnic en Hanging Rock comienza como una película centrada en un grupo de chicas que se hacen mayores. Y tienen algunas secuencias, incluso en el tramo final, que nos muestra los sentimientos de estas chicas ante el desastre que se ha producido. Pero el elemento principal es el misterio que rodea al elemento central de la película, lo que hace que la situación de chicas haciéndose mayor acabe relegada a un sentido más metafórico que otra cosa. A

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Criaturas celestiales Por Alberte Álvarez

Al principio de Criaturas Celestiales nos ponen en situación: estamos en una apacible y tranquila ciudad neozelandesa, donde nada se sale de la norma. Pero esta tranquilidad se va a ver quebrantada por un trágico suceso en el que dos chicas están involucradas. Pauline es una niña de 14 años, introvertida e inteligente, que se ve atrapada rápidamente por la personalidad decidida y soñadora de Juliet, una chica de familia de clase alta que llega nueva a la ciudad, después de vivir en otras partes del mundo. La atracción entre ellas es tan rápida y potente que ya desde el principio sabemos que las cosas no pueden ir a mejor. A través del diario que Pauline escribe vamos comprendiendo como su amistad por Juliet la va alejando de todo lo demás, de su familia -sobre todo de su madre- y de sus estudios, para caer poco a poco en el mundo fantasioso que Juliet está creando, que incluye un paraíso para ellas dos (el Cuarto Mundo, del que poseen la llave) y una corte real

llena de muñecos de arcilla que ellas moldean a su gusto. Pauline y Juliet van adentrándose cada vez más y más en su mundo de fantasía, a través de la historia que desarrollan en el Reino de Borovnia en el que ellas mismas juegan un papel y en el que van poniendo elementos y personajes de su propia amistad. Es después de un ataque de tuberculosis que sufre Juliet cuando las familias de ambas chicas verán cómo su separación forzosa y los planes de mudanza de la familia de Juliet han afectado de manera considerable a ambas chicas. Tanto que la reacción es de preocupación ante una posible relación homosexual entre ellas. Esta relación homosexual es tratada con especial delicadeza y es difícil saber si hay realmente una atracción sexual o es que la amistad es tan profunda que es difícil diferenciarla del amor. Pero mientras la intensidad de esta relación

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Chicas

no disminuye, el futuro se torna negro para las chicas, que avistan una posible separación. Al mismo tiempo, Pauline va desarrollando un odio hacia su madre a la que ve no sólo como un obstáculo, sino como alguien de poca clase e ignorante. Este odio se va haciendo más y más palpable hasta que Pauline personaliza en su madre todo lo que la aleja de su amiga, hasta el punto de llegar a planear juntas su eliminación.

en cuanto que no es una historia tradicional de amistad entre dos chicas, sino que a lo largo de buena parte del metraje la tragedia burbujea bajo la superficie. También se ve beneficiado de que las dos actrices protagonistas, debutantes en esta película, hacen un magnífico papel, como así atestigua que la carrera de ambas despegara y acabasen siendo estrellas de primer nivel (más Kate Winslet que Melanie Lynskey, claro).

En su cuarta película, Peter Jackson da un salto de calidad notable, después de sus anteriores tres películas de serie B, alejándose esta vez del gore y el “mal gusto” por los que se caracterizaban sus anteriores obras y ofreciendo un salto de calidad en cuanto a estilo de proporciones épicas. Aun así, todavía conserva algunas características reconocibles de sus anteriores películas, como los planos con movimientos de cámara caóticos o ángulos extraños, que alejan el estilo de uno más clásico para ir hacia uno un poco más sucio, que encaja bien en la película

En definitiva, Peter Jackson sale bien parado de esta primera película de entidad que dirige, cogiendo de base una historia real y llevándonos, a través del diario de Pauline, a la mente de dos chicas dispuestas a todo para permanecer juntas. A

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Chicas

Inocencia Interrumpida Por Juan Romero

y emocional de muchas de las pacientes, que en el trato violento y represivo de los enfermeros que había en aquella, y que aquí es mucho más comedido y humano.

La película nos recuerda, como no puede ser de otra manera, a Alguien voló sobre el nido del cuco, que es la película referencia por excelencia de hospitales psiquiátricos. Pero en este caso se centra mucho más en el estado sentimental

Los mejores momentos de la película son precisamente aquellos en los que se centra en la relación entre las diferentes internas, y los sentimientos de la protagonista ante la situación que está viviendo. En ese sentido, las actrices que dan vida a las compañeras de la protagonista, entre las que podemos ver unas jovencísimas Elisabeth Moss o Clea DuVall, tienen una química muy interesante entre ellas, si bien sus personajes acaban siendo demasiado esquemáticos. Y entre todas ellas destaca sobremanera el personaje de Angelina Jolie, como la carismática

na chica de 18 años, interpretada por Winona Ryder, es ingresada en un hospital psiquiátrico tras un intento de suicidio, donde permanecerá durante 18 meses, durante los que establecerá una intensa relación con varias de sus compañeras y con algunas de las enfermeras del lugar. La película se centra en esas relaciones entre ellas, en el tipo de vida que las chicas llevan en un lugar semejante, y en los diferentes desordenes mentales de cada una de ellas.

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Chicas

y manipuladora interna, que se hace amiga de la protagonista, y es la que lleva las riendas de casi todo lo que sucede en el hospital, en realidad. Fundamentado además en una magnífica interpretación, que nos recuerda durante muchos momentos, paradójicamente, al personaje que interpretó unos años antes su futuro marido Brad Pitt en 12 monos. Sin embargo, el guionista y director James Mangold parece no confiar del todo en ese material para conseguir una película redonda, y decide insertar una serie de escenas demasiado inverosímiles, para subrayar la carga emocional de la película, lo cual acaba siendo contraproducente. Destacando sobre todo la secuencia en la que las dos chicas más protagonistas van a la

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casa de una antigua paciente, y el clímax de la película, en los sótanos del hospital, en la que de repente parecemos encontrarnos en un thriller de terror que no tiene demasiada relación con el tono del resto de la película. En cualquier caso, Inocencia Interrumpida acaba resultando una interesante película, apoyada en grandes interpretaciones, que cuando se centra en los sentimientos de las protagonistas, y escapa un poco de los lugares comunes y las exageraciones buscando el melodrama barato, logra algunos momentos destacables. A

Había presentado 20 guiones diferentes a Hollywood sin el menor éxito. Algo muy frustrante. En los últimos años, mi única satisfacción artística me la habían dado mis discos y mis libros. Así que decidí que yo mismo me haría la película: había ganado algo de dinero como guionista y me podía permitir hacer una película de bajo presupuesto. Entonces tomé algunas ideas de mi libro ‘Wraiths of the broken land’ como base para el guión de ‘Bone Tomahawk’: el grupo que sale en misión de rescate o esa atmósfera de terror en un contexto de wéstern… Me encerré durante 30 días para escribir el guión. Creo que es mi favorito de todos los que he escrito. • S. CRAIG ZAHLER

Bone Tomahawk Bone Tomahawk / USA / 2015 Dir.: S. Craig Zahler

Rep.: Kurt Russell, Patrick Wilson, Matthew Fox, Lili Simmons, Richard Jenkins, Sean Young

Texto: Sergio Portela de Castro

ecuerdo hace décadas al señor Carlos Pumares decir en su programa Polvo de Estrellas, que la primera película de un director es la más fácil realmente, ya que por norma general tienes el guión en la cabeza durante años, puliéndolo día a día, trabajando en ello incansablemente. Algo tan pensado y madurado, siempre que se tenga un mínimo de talento, es difícil que salga mal. Lo realmente difícil es acertar con la segunda. En un primer

proyecto siempre hay mucho mimo, mucho amor. Desconozco si el director novel S. Craig Zhaler (1973, Miami) superará el reto en su siguiente proyecto, pero la sensación de cuidado, respeto y emoción al crear su ópera prima está fuera de toda duda.

Bone Tomahawk no es un film fácil, no es un Western moderno ni mucho menos. La

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Bone Tomahawk (S. Craig Zahler, 2015)

juventud del director la podemos ver reflejada en la valentía de querer mezclar géneros, en ir un poquito más allá de lo convencional, siempre argumentalmente hablando, pero el enfoque de la película es clásico a más no poder, mucho más cercano a los Ford o Hawks que a un Tarantino. Sí, tenemos alguna escena que aplaudirán los más sedientos de imágenes fuertes, pero quien tan solo vaya buscando algo de casquería, quizás cuando lleguen los fuegos de artificio se encuentre visitando a Morfeo en medio de la sala. S. Craig Zhaler nos propone un viaje, una vuelta a los clásicos. Estoy seguro de que quería a John Wayne en su aventura. Afortunadamente su sheriff particular no ha podido ser mejor. La elección de Kurt Russell como el antihéroe de turno es uno de los muchos aciertos de la película, no hay nadie más duro que Kurt, nadie. No necesita hablar mucho, derrocha carisma, hay gente que ha nacido para ser un tipo duro, y estos papeles hechos a medida son todo un regalo para el actor y para sus fans (Ay… qué grande eres). Todo buen John Wayne necesita un Walter Brennan para iniciar el viaje. El elegido es Richard Jenkins, ejerciendo a las mil maravillas el papel de ayudante. También tenemos al guapo engreído, un genial y sorprendente Matthew Fox… y para terminar el cuarteto nos hace falta el “buenazo” obligado a unirse al grupo circunstancialmente, quien aquí interpreta con acierto Patrick Wilson.

diferentes, de maduración lenta. Disfrutamos con los iconos visuales del género, largos paseos a caballo, atardeceres, los días pasan… Y luego el último tramo toca otros terrenos como el terror o el fantástico, pero sutilmente, aun- “La valentía de querer que de manera impac- mezclar géneros, de ir tante. Y no, no es una un poquito más allá, contradicción.

pero el enfoque de la

Uno de los valores de película es clásico a nuestro nuevo querido director es lo bien que más no poder. Más maneja los tiempos cercano a Ford que a durante esa mezcla de géneros. No hay nada Tarantino.” que resulte forzado, la transición está realmente lograda, vas entrando por el aro poco a poco, cayendo en la tela de araña para recibir el veneno, el impacto, cuando ya no hay marcha atrás. Y es ahí, al acabar la película, de manera MUY elegante por cierto, cuando uno se pregunta... ¿Qué ha pasado? ¿Qué acabo de ver? Es difícil etiquetar, puntuar o recomendar algo tan inclasificable, pero lo que es objetivo al 100% es que aquí hay mucho talento, mucho mimo, y por supuesto, mucho amor al género (o géneros). ¡¡Viva S. Craig Zhaler!! Has pasado con nota la primera etapa, esperaremos con ansias tus siguientes retos. A

Estamos entonces ante un target complicado, tenemos tres cuartas partes del metraje con el mejor Western clásico, pocos personajes,

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Cien años de perdón Cien años de perdón / España / 2016 Dir.: Daniel Calpalsoro Texto: Juan Romero

ien años de perdón comienza de manera fulgurante. Nos cuenta un atraco que se produce en una sucursal de un banco en Valencia de un modo realmente intenso, llegando a recordar por momentos a la secuencia inicial de El Caballero Oscuro. El plan que tenían los atracadores, no obstante, no sale como es debido, por culpa de la lluvia que azota la ciudad que les bloquea la vía de escape y tendrán

Rep.: Rodrigo de la Serna, Luis Tosar, Raúl Arévalo, Padricia Vico, José Coronado, Joaquín Furriel, Marian Álvarez, Luciano Cáceres. que improvisar sobre la marcha. Es evidente que en esos momentos la película tiene que reducir un poco el ritmo y virar hacia otro tipo de género. Y durante unos instantes coquetea con la idea de dejar de lado ese vertiginoso ritmo de película de acción para desembocar en algo más parecido a Tarde de Perros, con negociaciones con la policía para poder salir del embrollo en que andan metidos. Pero finalmente se decide

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Cien años de perdón (Daniel Calpalsoro, 2016)

por abrazar una trama mucho más política. Desgraciadamente, en ese momento, la película comienza a perder interés a marchas forzadas. Y es una lástima porque sobre el papel podría resultar muy interesante la premisa de altas esferas políticas colaborando con criminales para esconder según qué trapos sucios. Y realmente a este país le va haciendo falta un cine que refleje y señale ciertos problemas endémicos que tenemos en nuestra clase política. Pero es que la película pierde por completo el rumbo cuando decide apostar por esa vía. Los giros cada vez más inverosímiles para esconder quiénes son los verdaderos malos de la película; la ocultación por parte de los guionistas de cierta información crucial, que pretende elevar la tensión, pero que acaba siendo una muestra de su propia incapacidad de hilvanar una trama interesante con esos mimbres, cuando no directamente un agujero de guion tras otro; las decisiones incoherentes de muchos de los personajes; o la brutal diferencia de tono entre los dos tramos de la película hace que todo lo que prometía durante el primer acto sea totalmente incapaz de cumplirlo. Estos problemas llegan también a la parte del banco, desgraciadamente. En la que las tensiones que surgen entre los atracadores y con la directora de la sucursal nunca llegan a transmitirnos las sensaciones que deberían, y que culminan en unas negociaciones con la policía, incluyendo salidas de algunos de los atracadores para charlar con los encargados de intentar detenerlos, que resultan demasiado incoherentes. Además, la vertiente política también penetra en las propias intenciones de los atracadores, surgiendo entre ellos una serie de disputas que nunca llegan a suscitar interés. La diferencia entre la trama del atraco propiamente dicha y la vertiente política de la película se hace evidente incluso en las interpretaciones. El trabajo de los actores que interpretan a

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los atracadores es muy superior al del resto del elenco. Tanto los argentinos, con Rodrigo de la Serna como el artífice del atraco, como un Luis Tosar que se ha vuelto absolutamente omnipresente en los thrillers de acción patrios de “La película comienza un tiempo a esta parte de manera fulgurante, están realmente magníficos en sus papeles, contándonos el atraco y rezuman una quí- de un modo realmente mica muy interesante intenso. Desgraciadaentre ellos. Mientras mente al virar a una el resto del elenco, con José Coronado, Raúl trama más política Arévalo o Patricia Vico, comienza a perder por nombrar algunos, tienen unos personajes interés.” mucho más esquemáticos y desaprovechados, lo que acaba haciendo que aumente la sensación de que una de las partes de la película es muy superior al resto. El thriller de acción español reciente ha dado algunos títulos realmente interesantes, como Celda 211, No habrá paz para los malvados o La isla mínima. Pero junto a esas grandes obras, hay otro grupo de películas que también están proliferando, que intentan tirar más por el camino de la espectacularidad americana, pero que tienen serios problemas de guion para acompañar esa acción con una trama que consiga interesar al espectador. Le pasaba a la reciente El Desconocido, también protagonizada por Tosar, y le ocurre también a esta. Ideas interesantes, grandes secuencias de acción realmente prometedoras, pero que no saben estar a la altura con una historia mínimamente interesante, aunque tengan elementos para ello. Aunque sea en un tono completamente diferente, la aproximación patria a Tarde de Perros que por momentos parecía que iba a ser esta película sigue estando mucho mejor conseguida en El mundo es Nuestro. A

Calle Cloverfield 10 10 Cloverfield Lane / USA / 2016 Dir.: Dan Trachtenberg

Rep.: Mary Elizabeth Winstead, John Goodman, John Gallagher, Jr..

Texto: Juan Romero

alle Cloverfield 10 da exactamente lo que promete. Lo cual es extremadamente complicado cuando se trata de una producción rodeada de secretismo y misterio, en la que no sabes muy bien lo que te puedes esperar. Yo fui a verla sabiendo realmente poco. Sabía que era de un director novel y venía avalada por el sello J.J. Abrams. Sabía que el grueso de la película consistía en tres personas encerradas en un sótano tras un supuesto ataque de algún tipo, y que uno de ellos era John Goodman. Y sabía

que en un momento dado durante la producción Abrams decidió que la película iba a tener una tenue conexión con Monstruoso. Nada más. Y la película es exactamente lo que uno puede esperar de esos elementos combinados. La película es de un presupuesto extremadamente bajo. La mayor parte de la misma, como decía, tiene lugar en el búnker en el que se encierran los tres personajes. Toda la información acerca de lo que ha ocurrido fuera, y lo que

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Calle Cloverfield 10 (10 Cloverfield Lane, Dan Trachtenberg, 2016)

cada uno de los personajes está haciendo viene dado por las conversaciones entre los diferentes personajes. En ese sentido, el guion, los personajes, y las interpretaciones de los actores son fundamentales para mantener el interés de una cinta que promete acción y misterio, pero que está condicionada por su propia estructura. Y la película se sostiene de manera notable gracias a esos elementos. Entre ellos destaca sobremanera un inmenso John Goodman, quien no solo demuestra una vez más ser un actor de un talento extraordinario, sino que además tiene el papel más jugoso de todos, al ser en cierta manera mucho más ambiguo que los demás, ya que nunca sabes sus intenciones reales. Mary Elizabeth Winstead interpreta a la chica presuntamente desvalida, que no sabe nada de lo que sucede, pero que tendrá que intentar actuar de manera decidida para poder sobrevivir. Y completa el trío John Gallagher, Jr. que interpreta el papel más prescindible de los tres. Como no puede ser de otra manera por sus propias características, la película sufre de altibajos durante todo el metraje. Durante todo el tiempo que están encerrados en el búnker, hay una diferencia abismal entre las escenas protagonizadas por John Goodman y las de sus compañeros de reparto. Hasta tal punto que casi todas las secuencias que comparten Winstead y Gallagher palidecen en comparación. Además, esta irregularidad se deja notar también en las secuencias de acción, habiendo algunas que están resueltas de manera realmente solvente para un director novel, mientras que en otras se nota un poco

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más la falta de experiencia de Trachtenberg. Y finalmente tenemos la propia estructura de la película, claro. Estando ante un producto de la factoría J.J. Abrams es evidente el camino por el que transita. Un misterio atractivo e interesante, que se va desenvolviendo de tal manera que te atrapa y quieres saber más cosas. Que te mantiene en tensión durante toda la película hasta llegar el final. “Estando ante un Y con un final que, producto de la factoría aunque en este caso es lógico y coherente, J.J. Abrams es evidente y se esfuerza por sorel camino por el que prender y epatar, acaba siendo algo que chitransita. Un misterio rría, que no llega a ser que te atrapa y te tiene lo redondo y potente en tensión y un final que que debería.

chirría, que no llega En cualquier caso, la a ser lo redondo que película es altamente disfrutable. Es un goce debería.” ver el recital que da John Goodman y, aunque sabes que los productos de J.J. Abrams acaban casi siempre siendo un vacío rodeado de un bonito envoltorio, no deja de ser una más de esas ocasiones en las que se puede gozar realmente del viaje que nos proponen. A

Tengo una aproximación antropológica a mi trabajo. He vivido en todos sitios y cada lugar ha sido influenciado por las películas que he visto. Italia, tantísimas maravillosas películas italianas. Vi una película de Kurosawa y entonces quise ir a Japón. Me encantan las road-movies, me encantan los westerns… • MIKA KAURISMÄKI

Entrevista a

Mika Kaurism채ki 36 15

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Entrevista | Mika Kaurismäki

Erebus pregunta Por: Beatriz López

Los hermanos Kaurismäki, tanto Mika como Aki, son si duda los máximos referentes del cine finlandés a nivel internacional. Es curioso que los dos vivan fuera de su país, ambos en países lusófonos. Mika viene desarrollando parte de su carrera como director y productor en Brasil, sin embargo con The Girl King (traducida en España como Reina Cristina) vuelve a Europa en una coprodución internacional (Finlandia, Francia, Suecia, Alemania y Canadá) para contarnos un período de la vida de la Reina Cristina de Suecia. Nos encontramos con él en el Bar Corona de Helsinki, propiedad de los dos hermanos, para hablar de esta película y de muchas otras cosas/.

stamos en el Bar Corona, propiedad tuya y de tu hermano Aki Kaurimäki. ¿Por qué un bar? ¿Quién tuvo la idea?

¿Has bajado las escaleras? Sí, ¡he visto que hay un cine! Iba a preguntar por ello también. Eso estaba primero, ¿sabes? En los setenta compramos este antiguo cine con dos pantallas renovándolo en 1987, ya que esta parte (la que está al lado de las salas de cine) era una tienda, así que había muchísimo potencial de construcción. Había una pared entre el cine y la tienda, así que en 1991, cuando pusieron la tienda en venta, la compramos y construimos el bar en esta parte. Habíamos visto en Francia, España o Italia cines con bares, así que fue una idea muy buena. Tampoco el cine es un cine cualquiera sino un punto de encuentro, en el que puedes ir a tomar un café, etc.

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Entrevista | Mika Kaurismäki

Una planta por debajo del bar se encuentra el cine, lo cual no hace muy fácil saber qué es desde fuera. ¿Qué tipo de películas se proyectan? Cuando empezamos era un cine comercial, una sesión cada noche como otra sala cualquiera. Hace 15 años esto cambió ya que la distribución de películas es un asunto bastante complicado, y tampoco teníamos tiempo para sacar títulos nuevos ya que estábamos produciendo nuestras películas, así que lo convertimos en un cine para eventos, festivales, sesiones privadas, pases de prensa o cosas así. Tenemos otra pantalla algo más pequeña, la Dubrovnik, ¿Has estado allí? Este espacio lo convertimos en un “multiplace”; hay un pequeño escenario donde se puede dar conciertos, incluso obras de teatro o shows de humoristas o lo que sea, también se pueden proyectar películas pero se usa más para fiestas, conciertos o pequeños festivales como por ejemplo el Helsinki Film Festival, donde proyectan

la película y celebran una fiesta, así que se ha convertido más bien en un punto cultural en sentido más amplio. Desde hace algunos años vives en Brasil. Tu hermano vive parte del año en Portugal. ¿Habláis en portugués cuando estáis juntos? A veces bromeamos un poco en portugués. También, si estamos en el bar y no queremos que se entere nadie de nuestra conversación hablamos un poco en portugués. Los dos lo hablamos fluidamente siendo nuestro acento diferente, claro.El acento de Aki es de Portugal y el mío es el brasileño, más abierto y melodioso. Hablando de tu relación con tu hermano, teníais una compañía, Villealpha, que desapareció. Posteriormente fundasteis cada uno la suya propia, ¿Qué sucedió? En los ochenta, Villealpha era muy activa y Revista Erebus - Abril 2016

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vivíamos aquí, haciendo películas juntos, produciendo juntos. No sólo nuestras películas sino también otras. A finales de los ochenta empecé a trabajar fuera de Finlandia, en Nápoles, Berlín. En 1989 rodé Amazon en Brasil, la hice allí por completo. Así que poco a poco empezamos a trabajar cada uno por nuestra cuenta. En los ochenta estábamos juntos, pero en los noventa empezó a pasar esto, por lo que Aki fundó su propia compañía y yo la mía. Es mucho más fácil así porque aunque Villealpha sigue existiendo ya no la usamos. Principalmente porque nos mudamos. No del todo, porque sigo viniendo aquí de vez en cuando y conservo un apartamento aquí, pero principalmente vivo entre Brasil, Berlín y algún otro sitio. Tienes películas dedicadas a la vida brasileña, principalmente documentales. Lo primero que le viene uno a la mente es que Brasil y Finlandia son bien distintos en el estilo de vida de sus habitantes. ¿Cómo ves la idiosincrasia brasileña? ¿Te sientes conectado a los brasileños? Todavía tengo a Finlandia muy dentro de mí. He vivido en Brasil desde hace 25 años, Río de Janeiro es el sitio en el que más he vivido en toda mi vida, más incluso que en Helsinki, así que, por supuesto que estoy habituado a su estilo de vida, al principio parecía exótico vivir en Brasil pero ahora es el día a día. Ahora Finlandia para mi es más exótica. Por supuesto, soy finés y no pretendo parecer brasileño, las raíces son las raíces. Tengo hijos en Brasil, los dos hablan finés perfectamente, pero van al colegio y hacen vida normal en Brasil.

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¿Es difícil encontrar fineses en Brasil? Creo que soy el único viviendo ahí, siempre hay gente que se queda un tiempo, medio año, pero que viva realmente allí no he visto a ninguno. Había un par de ellos pero ahora están en Finlandia. Aun así, en Río sí que puedes encontrar algunos [Mika actualmente vive en Salvador de Bahía]. En Referencia a su última película (Reina Cristina –Tyttökuningas en finlandés, The Girl King en inglés) Cristina, Reina de Suecia es presentada como una mujer fuerte, con cierto carácter masculino, pero independiente y apasionada. Ya que los espectadores suecos están más familiarizados con esta figura histórica, ¿Cómo se han tomado este retrato de la Reina? Yo conocía algo sobre ella por el colegio. Y últimamente está muy en boga debido a libros, obras de teatro y exhibiciones. La gente sabe más sobre ella ahora, pero yo la recuerdo a partir de lo que nos contaba el profesor de historia: una mujer rebelde y una reina bien diferente, eso fue lo que se me quedó en la mente. Empecé a seguir la vida de Cristina, a leer sobre este personaje complejo, pero a la vez interesante, muy moderno. La gente no sabe mucho sobre ella. Los suecos por supuesto, sí. Creo que son incluso más críticos con ella por su conversión al catolicismo después de los esfuerzos de su padre por la religión protestante, lo que fue un gran crimen. Fue como si la hija de George Bush se hiciera de Al-Qaeda o algo así. Sí creo que esta película va a ser controvertida en Suecia, pero tampoco demasiado, ya que la gente joven tiene una idea diferente del mundo. Pero algo de

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controversia nunca viene mal ¿no? Ni siquiera en los libros de texto dicen gran cosa de Cristina así que siempre es bueno remover un poco las cosas. La producción está compartida entre Finlandia, Canadá, Francia, Alemania y Suecia. Muchas partes envueltas pueden hacer las decisiones aún más difíciles. ¿Estaban los suecos conformes con la interpretación que se hace de Cristina? ¿Hubo un acuerdo para que hubiera unas líneas en francés o fue un medio para hacer la película más realista? Siempre es complicado hacer una coproducción, pero por otro lado era la única manera de poder rodar esta película, ya que es bastante cara. En Finlandia o en Suecia no puedes reunir ese dinero. Aquí lo máximo que puedes reunir es un millón, o medio millón, pero estamos hablando de seis millones así que no había otra manera. Suecia era un socio natural, tenemos actores suecos como Malin Buska en papeles principales así que están muy bien representados dentro de la coproducción. Con el resto de los socios, normalmente se obtiene dinero de fondos

públicos de otros países, así que tiene que verse esa reciprocidad en la película. Tenemos actrices alemanas como Martina Gedeck, que hace de madre de Cristina. Pero en la vida real la madre de Cristina era alemana así que fue una decisión de casting adecuada. De igual manera con los franceses como Descartes, están hablando todo el rato en francés así que tiene sentido. En ese tiempo no se hablaba inglés en la corte, sino francés. La gente me pregunta ¿Por qué la rodaste en inglés? ¿Por qué no la hiciste en sueco? Pero ese sería el mismo error, ya que no estarían hablando en francés, y para más gravedad, la familia real no era sueca, venían de todas partes de Europa. Hoy en día el inglés es el idioma más extendido, antes solía ser el francés pero ahora es el inglés así que de alguna manera tiene sentido que hablen ese idioma en la película. En los años 30, Greta Garbo fue Cristina de Suecia en una película de Hollywood mucho más romántica y convencional. ¿Se inspiró de alguna manera por esta película o prefirió alejarse de este idílico punto de vista que se le dio a Cristina?

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Entrevista | Mika Kaurismäki

Claro que he visto la película un par de veces, a lo largo de los años, antes incluso de pensar siquiera en hacer una película sobre ella. También es de las pocas películas que hay sobre ella. Me gusta Greta Garbo, es una película entretenida pero no quería hacer un remake de esa versión. Cuando hicimos el trabajo de investigación para la película nos encontramos con que Greta Garbo en su época quería hacer una película diferente, no quedó contenta con aquella, pensaba que era un poco absurdo. Ella quería que hubiera una relación con Ebba Sparre (la condesa al servicio de Cristina) en vez del convencional romance, pero Hollywood no lo consintió, no quisieron hacer ese tipo de película. En relación con la última pregunta, la película parece una película histórica, pero tiene también aspectos modernos, lo que resulta una mezcla interesante. ¿Pensaste específicamente en tratar aspectos controvertidos, como el lesbianismo en una reina y demás en la película o simplemente sucedió así al intentar ser fiel a la historia real? No quería hacer una película histórica al uso, ese no era mi objetivo, ni siquiera soy un gran fan de las películas históricas. Vi a Cristina como una mujer muy moderna, incluso hoy en día seguiría siéndolo, así que cuando estaba rodando la película pensé en ella como una mujer contemporánea que está tratando de averiguar qué hacer con su vida, como muchos de los jóvenes de nuestra época también. Hoy en día tenemos muchas guerras, guerras religiosas en el mundo y en Europa y nada está asegurado, la gente joven no sabe qué hacer con su vida. Cristina tenía todo éso y además tenía libre albedrío. Y aquello era una novedad, la idea de René Descartes de que no todo tenía que estar escrito en la Biblia ni decidido por Dios, sino que tú puedes tener tu Revista Erebus - Abril 2016

libre albedrío. Y esa fue la idea que seguía ella. Y hoy en día es lo mismo. Si debemos hacer lo que se espera de nosotros o hacer las cosas a nuestra manera, por eso quería hacer una película moderna. Evidentemente es una película de época, así que los vestidos y todo es históricamente correcto. Pero es un acercamiento bastante moderno, un acercamiento psicológico.

Reina Cristina fue rodada en 35 días. ¿Cómo de complicado fue ese rodaje? En una película de estas características, el diseño de arte es muy importante, eso pudo hacer todo un poco más lento, intentando dar en el clavo en cada detalle, por ejemplo hay que ser muy cuidadoso con la luz en un horario tan restringido. Fue muy complicado. Teníamos un presupuesto muy limitado. Quiero decir, es un presupuesto grande para Finlandia, pero muy ajustado para este tipo de película. Uno siempre tiene mucha más libertad y mucho tiempo para rodar en películas más pequeñas. Y rodar esta película en solo 37 días, con todos los vestidos, y los cambios de vestuario. Teníamos que rodar cada día por lo menos dos escenas diferentes, con vestidos diferentes, y distintos peinados y maquillaje. Cada escena necesitaba por lo menos dos horas para el cambio de vestuario, así que teníamos muy poco tiempo para rodar cada escena y tenía que estar muy concentrado para conseguir al menos lo mínimo imprescindible. De hecho al director de fotografía todo esto le vino bien porque los cambios de vestuario tardaban tanto que tenía tiempo de sobra para iluminar correctamente cada escena. También había multitud de extras en algunas escenas al final de la película, algo difícil de manejar, supongo.

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Apenas tenía un par de grandes escenas en la película, porque es algo que no me interesa demasiado. Pero esa escena en particular era el regreso de la guerra. Que es en realidad el comienzo de la Unión Europea, y por eso es por lo que quería tener esa escena tan grande. Y fue muy complicado pero sobre todo porque no teníamos nieve. Algunas veces teníamos que cambiar el guion sobre la marcha. Incluso tuvimos que traer nieve, o poníamos sábanas en la tierra para cubrirla. ¿Por qué y en qué sentido querías llevar una línea filosófica en la película? ¿Podríamos decir que es el hilo conductor de la película? Tenemos la historia de amor con Ebba, y el libre albedrío con René Descartes, que es bastante filosófico. También está la relación que tiene con su figura paterna y la alta sociedad de la corte. Era una mujer joven entre todos esos hombres oscuros y conservadores, con todas esas intrigas

y juegos políticos. Esos son los temas principales que escogimos para la película porque había tanto material que podríamos haber hecho varias películas más sobre ella. Incluso en el período posterior a su abdicación hubiera sido muy interesante porque por ejemplo también quería ser reina de España. Había muchas intrigas. Creo que hay un documental español que cuenta esa historia. El principal problema con el guion era reducirlo, así que decidí contar los 10 años que transcurren entre que se convierte en reina con 18 y su abdicación a los 28. El aspecto filosófico se centra en ese libre albedrío, el que deberías hacer lo que es bueno para ti y no lo que te dicen que hagas, ser libre y ser feliz. Es complicado porque normalmente los jóvenes quieren ser reyes o reinas. Pero ella abdicó, hizo lo contrario. Aunque ella siempre pensó en sí misma como reina, porque nació como tal. E incluso después de la abdicación se siguió comportando como reina. Como una dictadora que podía decidir cuánto quisiera, así que no fue fácil para ella

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Entrevista | Mika Kaurismäki

Quise hacer una película moderna. Evidentemente es una película de época, pero es un acercamiento bastante moderno, un acercamiento filosófico.

abdicar. Hubo por detrás mucha manipulación política, lo que podría ser otra película, hay tantas cosas. También está el tema de la alquimia, de la que tenemos un poco con esa Biblia demoníaca. Hay tantas cosas que incluso la alquimia podría ser el tema de otra película. La interpretación de Malin Buska está muy depurada y es muy natural. ¿Cómo fue el trabajo con la actriz? ¿Hizo trabajo de investigación acerca de la figura y tuvo libertad a la hora de dar vida a la reina o fuiste muy específico en la interpretación que querías que hiciera? La seleccioné para el papel mucho antes de que empezáramos a rodar. Pasaron tres años ya que nos llevó mucho tiempo encontrar la financiación, por lo que tuvimos mucho tiempo para hablar sobre este tema. Así que cuando empezamos a rodar más o menos sabíamos que tipo de Cristina iba a hacer. Por supuesto ella hizo investigación por su cuenta, pero también la hicimos

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juntos y debatimos sobre lo que iba a hacer. Ella (Malin) sólo había hecho una película antes de esta y ni siquiera era un papel principal, era uno secundario. Vi esa película por casualidad y pensé en ella como una actriz interesante para Cristina. Quedé con ella en Estocolmo y me encontré con que ya sabía mucho sobre Cristina, y que incluso su segundo nombre es Kristina en honor a la reina, ya que su madre y su abuela eran grandes fans de la monarca. Así que ha crecido escuchando las historias de la reina. Se puede decir que había nacido para este papel. Es muy rebelde como actriz. No es la típica actriz estándar, sino que sabe lo que quiere. O por lo menos sabe lo que no quiere. Es alguien muy diferente por lo que fue muy fácil hacer que fluyera el espíritu de Cristina. Tu hermano y tú sois seguramente los fineses relacionados con el cine más conocidos para los cinéfilos en España ¿Cómo te sientes al respecto?

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El aspecto filosófico se centra en ese libre albedrío, el que deberías hacer lo que es bueno para ti y no lo que se te dice que hagas. Ser libre y ser feliz. Por supuesto que es bonito tener un seguimiento fuera del país. Es difícil para los cineastas fineses, y por eso no hay tantos directores fineses. Sobre todo por el idioma. Hacemos películas fundamentalmente para Finlandia, por el idioma. Es muy difícil para una película finlandesa viajar por el mundo. Bueno, a través de festivales a veces consigues distribución, y afortunadamente conseguimos tener una gran distribución en países europeos y del resto del mundo, aunque a pequeña escala. Pero sí, es genial haber podido enseñar mis películas en España. Muchas de mis películas han sido distribuidas allí, y esta también, así que estoy muy contento. Por cierto, creo que este va a ser mi mayor estreno en España. En España creen en el doblaje y van a estrenar las dos versiones, la versión original y la doblada. A mí personalmente no me gusta el doblaje, pero este va a ser un estreno grande, y

tienen que hacerlo así. Tristemente Peter von Bagh falleció el año pasado. Era un erudito de cine. Tenía libros de vosotros y, juntos, creasteis el Midnight Sun Film Festival en 1986. ¿Cuán dura fue su pérdida para el cine y para vosotros? Era una de las personas más cercanas para mí, aquí en Finlandia. Y especialmente ahora que he estado viviendo fuera, era una de las pocas personas con las que tenía un contacto estrecho. Tanto a nivel personal, como en relación con el festival, así que ha sido una gran pérdida. Sabíamos que estaba enfermo y que esto podía pasar, así que de alguna manera estábamos preparados, no fue una sorpresa. Todo el mundo estaba allí en el festival el año pasado, el primero sin él, y mucha gente preguntaba “¿Vais a seguir Revista Erebus - Abril 2016

Entrevista | Mika Kaurismäki

con el festival ahora que no está?” y por supuesto que no vamos a parar. Y fue muy bonito ver más gente que nunca allí en el Festival. Y su espíritu estaba allí. Peter era toda una entidad. Se preocupaba mucho por el cine. Tenía una intensa opinión sobre las películas. Era toda una enciclopedia cinematográfica. ¿Estás trabajando en algún nuevo proyecto o prefieres tomarte un descanso en Brasil antes de retomar otra vez la dirección? De hecho hice otra película después de esta, Elämälta kaiken sain, con Vesa-Mati Lori, que se estrenó en Agosto [en Finlandia] y que creo que sigue en cines. En inglés se llama Homecoming. La hicimos justo después de Reina Cristina, pero se estrenó antes. Es una pequeña película finlandesa. Y como el año pasado rodé dos películas, no tengo nada preparado para este año, de momento. Puede que ruede algo a pequeña escala. Pero estoy preparando y escribiendo una historia para rodar en 2017. Y me gustaría mucho hacer una película brasileña, porque he hecho películas y documentales en Brasil, pero siempre con financiación europea. Y me gustaría hacer una película brasileña, porque llevo mucho tiempo viviendo allí y creo que es hora de hacer al menos una película totalmente brasileña. Con financiación brasileña, actores brasileños y rodada en portugués. Y siempre tengo otros muchos proyectos. Tengo uno en EEUU, solo para dirigir, y otro en Alemania, esperando. Hay incluso una coproducción de España y Argentina en la que estoy involucrado. Estoy esperando a que alguno de estos proyectos se ponga en marcha. Tengo muchos proyectos en desarrollo. Antes solía hacer una película, paraba, y empezaba de nuevo a escribir. Empezar, parar y volver a empezar. Pero ahora he conseguido estar rodando casi todo el tiempo, y llevar varios proyectos a la vez. ¡La máquina no se para! A

REINA CRISTINA THE GIRL KING / 2015 DIRECTOR: MIKA KAURISMÄKI ACTORES: MALIN BUSKA, SARAH GADON, MICHAEL NYQVIST, FRANÇOIS ARNAUD, LAYRA BIRN ESTRENO EN ESPAÑA: 15 ABRIL 2016

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Reina Cristina The Girl King / Finlandia / 2015 Dir.: Mika Kaurismäki Texto: Beatriz López

n lo que a películas históricas se refiere, un amplio espectro tanto de la gran pantalla como de la pequeña pantalla recoge mil formas distintas de realizar este tipo de películas, la mayoría de ellas fiel a un reflejo amable del personaje histórico del que se está hablando y edulcoradas (en parte gracias a esa amabilidad a la que se le da a la película) con grandes dosis de amor, humildad, compasión, bondad… todo ello aunque el personaje haya sido de todo menos éso en vida (ya sabemos que la historia la escriben los vencedores).

Reina Cristina (otra mala decisión traduciendo del inglés The Girl King), como película, se sale de la línea en ese sentido, ya que no pretende dar una visión edulcorada de una de las más grandes monarcas de los reinos escandinavos. Acierta totalmente en, como no puede ser de otra manera, darle la presencia adecuada a la corona, a la corte y demás vicisitudes pero el peso principal de la película recae en la persona, con sus sentimientos e inquietudes que acechan en la edad en la que se encuentra la joven reina, y los fuertes pensamientos filosóficos e intrapersonales que tenía, que la llevan a tomar una serie de decisiones en su reinado que el público entiende mejor gracias al trasfondo explicado por el director durante el film.

Rep.: Malin Buska, Sarah Gadon, Michael Nyqvist, François Arnaud, Laura Birn. que aunque novel, sabe transmitir la fuerza, el sentimiento y la idiosincrasia de esta reina tan particular como fue Cristina de Suecia, con todas esas intrigas políticas y palaciegas que como el mismo director ha dicho, se podría hacer mucho más de una película. Cristina reinó Suecia de 1632 a 1654, cuando abdicó del trono por su controvertida decisión de no casarse y también por su decisión de convertirse al catolicismo desde el luteranismo. La línea filosófica, muy presente tanto en el guion como en la vida de la reina, actúa en un plano un poco más secundario de línea conductora para explicar el desarrollo de la inquietud personal de la reina, que debido a ello desembocará en la abdicación, como todos sabemos. Estos diez años que elige el director (desde los 18 hasta los 28) son claves para la historia de este personaje, y básicamente lo más importantes. Sumando a esta pequeña reseña de la película está la entrevista con el director de la misma Mika Kaurismäki, una muy interesante charla en la que nos descubre multitud de entresijos de la película, que se estrenará en España en el presente mes de abril. A

Mencionar de una forma destacable la magnífica interpretación de Malin Buska, una actriz

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Nuestra hermana pequeña Umimachi Diary / Japón / 2015 Dir.: Hirozaku Koreeda

Rep.: Haruka Ayase, Masami Nagasawa, Suzu Hirose, Kaho, Ryô Kase

Texto: Juan Romero

l director japonés Hirozaku Koreeda se ha ganado su merecida fama a través fundamentalmente de su estilo, marcado por un ritmo lento y un tono contemplativo, mediante el que suele contar historias familiares relativamente sencillas. En nuestra hermana pequeña vuelve a incidir en las claves de su cine, pero desgraciadamente el resultado no está a la altura de

otras de sus obras. La película nos cuenta la historia de tres chicas veinteañeras que viven juntas. En el funeral de su padre, a quien no veían desde que se divorció de su madre, conocen a una hija que tuvo su padre con otra mujer después de abandonarlas, y deciden que vaya a vivir con ellas.

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Nuestra hermana pequeña (Umimachi Diary, Hirozaku Koreeda, 2015)

El gran problema de la película es que no ocurre prácticamente nada. Sobre todo durante la primera mitad de la misma. La decisión de las tres hermanas de acoger a su nueva hermana y la adaptación de esta a su nueva vida son llevadas a cabo de una manera demasiado natural y orgánica, careciendo totalmente de conflicto. Lo que, unido a ese ritmo extremadamente pausado, hace que caiga en el tedio más absoluto. Los pequeños conflictos que van surgiendo, tanto en la convivencia entre ellas, como con la madre de las chicas, o la propiedad de su casa se presentan y solucionan de una secuencia a la siguiente, prácticamente sin que ninguna de los protagonistas tenga que hacer nada. Y las subtramas de otros personajes intentan elevar el tono melodramático, pero tampoco llegan a afectar de manera visible a las protagonistas, y tienen realmente poco peso en la historia. Es cierto que, durante toda la película, el buen hacer de Koreeda hace que no termines de desconectar del todo con lo que va sucediendo en pantalla. Pero, fundamentalmente durante la primera mitad de la película, asistes distraído a una serie de secuencias que carecen casi del más mínimo interés. Sí que es cierto que durante la segunda mitad empiezan a suceder más cosas, y sube medianamente el interés, pero en ningún

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caso ese interés llega a alcanzar las cotas mínimas para dotar de enjundia a una película que acaba resultando demasiado plana. Así pues, nos encontramos sin duda ante una obra menor en la filmo“El gran problema de grafía de Koreeda. Una la película es que no película correcta, pero que no consigue en nin- ocurre prácticamente gún momento la conenada. La historia se xión con el espectador que sí logra el japonés lleva a cabo careen muchos de sus trabaciendo totalmente de jos más reconocidos. Lo conflicto.” que, sumado al particular estilo del director, hace que la experiencia no sea del todo satisfactoria. Es una película que solo satisfará al seguidor más acérrimo de Koreeda, y que dejará al resto de los espectadores con una sensación demasiado fría. A

El regalo The gift / USA / 2015 Dir.: Joel Edgerton

Rep.: Jason Bateman, Rebecca Hall, Joel Edgerton.

Texto: José M. Aparicio

l regalo empieza mostrándonos a la típica pareja americana feliz en el proceso de elegir su nuevo hogar en su nueva ciudad. Pronto nos enteramos que el marido ha conseguido un buen puesto en una gran empresa con el que sufragar la pedazo de casa que finalmente han decidido quedarse. Todo parece perfecto para Simon y Robin (Jason Bateman y Rebecca Hall), nuestros protagonistas, hasta

que encuentran casualmente a un antiguo compañero de colegio de él, un tal Gordon (Joel Edgerton) al que no veía desde los tiempos de la escuela. Un día Gordon decide dejar un regalo en la puerta de su reencontrado amigo y a partir de aquí se establece una extraña relación entre ellos que desestabilizará la vida conyugal de la pareja. Joel Edgerton, el director y guionista del film,

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El regalo (The gift, Joel Edgerton, 2015)

que se reservó para sí mismo el papel de Gordon no termina de tener muy claro si quiere que su película sea de terror, de intriga, un thriller al uso o un drama familiar. O quizás quería que nos perdiésemos un poco en la indefinición, en lo difuso de su género. En la primera parte Esto tiene sus pros y sus contras. En la parte positiva podemos decir que la película avanza bien sin caer en demasiados tópicos manidos vistos mil veces aunque se escape alguno sin demasiada importancia. En la parte negativa, aunque esto tampoco tiene por que ser malo del todo, es cierto que pasamos parte del tiempo descolocados sin saber a que estamos jugando y si lo que estamos viendo es una basura inmunda o una genialidad innovadora. Al final creo que se queda a medio camino de una cosa y de la otra y terminas con un buen sabor de boca. La intriga que rodea al personaje de Gordon es la principal baza de la historia. No esperes grandes actuaciones, portentosa fotografía o una gran banda sonora. Todo es muy normalito en ese aspecto. La película deja caer todo su peso sobre las dudas que se ciernen sobre el personaje que interpreta el director y las preguntas que el matrimonio se hace sobre él y como afrontan cada uno a su manera la llegada de este hombre. El guion está centrado en el punto de vista de Robin, la mujer, que intenta averiguar el motivo por el que su marido no trata a su antiguo amigo

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de la misma manera que ella lo hace. Cuando a mitad del metraje un gran secreto queda revelado, todo cambia y la “No tiene muy claro si mitad del segundo acto va poco a poco reve- quiere ser una película lando todos los intede terror, de intriga rrogantes hasta que llega la recta final que o un thriller. Avanza nos regala unos veinte bien, evitando tópicos, minutos notables.

pero nos descoloca, sin

En definitiva, El regalo saber si lo que vemos es un film distinto de lo habitual que, si bien es es una basura o una cierto que no destaca genialidad.” en nada especial, si eres capaz de conectar con la historia y hacerte las mismas preguntas que se hacen los protagonistas te dará la dosis de entretenimiento necesaria para salir satisfecho de la sala de cine..A

En Corto

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En Corto / Xiong Di (Enric Ribes y Oriol Martínez, 2015)

Xiong Di Xiong Di / España / 2015 / 6 min Dir.: Enric Ribes y Oriol Martínez

Rep.: . Prod.: Häns

Texto: Aitor Boada

n chino, Xiong Di quiere decir “colegas” y el título no podría ser más acertado. Este corto nos traslada a China, a una curiosa fábrica textil en Huangzhou, al este del país. Los catalanes Enric Ribes y Oriol Martínez –éste último director de Fly me to the moon, documental rodado también en la misma fábrica- nos presentan una historia de amistad y sobre todo de esperanza. El protagonista, un joven del que se da el nombre pero apenas se percibe la cara, cuenta sus experiencias personales mientras la cámara describe el ambiente frío y mecánico de la fábrica. En principio, la intimidad del chico y lo desapasionado de la fábrica chocan. Pero no es así, más bien la voz y las experiencias lo llenan todo de calidez y hacen que uno sonría por dentro, olvide ese ambiente insensible y sea capaz de verlo hasta con cierto agrado.

motivacional que de un documental, pero que aun así funciona. La imagen no sólo describe perfectamente el ambiente aséptico de trabajo, sino que es capaz de relatar también la intimidad y las preocupaciones de cada trabajador, con sus idas y venidas, sus relaciones personales…

Xiong Di nos da un paseo por algunas sombras y a la vez nos presta una pequeña gran linterna con la que hacerlo más llevadero, convirtiendo una posible historia de angustia y desesperación en un cuento de amistad y compañerismo, donde prevalece algo por encima de todo: la esperanza.A

Como he dicho antes, esta fábrica es cuanto menos curiosa: además de parecer sacada de una película de ciencia ficción ochentera, su dueño busca siempre la felicidad de los trabajadores mediante actividades, fiestas –entre ellas los Castellers catalanes, como se ve en Fly me to the moon- o competiciones de kick boxing. En esta última se centran nuestro protagonista y sus amigos. A este guión se le suma la música compuesta por el propio editor –Guillermo Irriguibley un ritmo a veces más digno de un video

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Número 12 - Abril 2016

Creación, contenido y diseño Colaboraciones

Alberte Álvarez Juan Romero José M. Aparicio Aitor Boada Beatriz López Alfonso Romero Saúl Olmo Sergio Portela de Castro

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Alberte Álvarez Soy ingeniero forestal y trabajo en el desdichado mundo del I+D. Mi película favorita es Apocalypse Now y soy un groupie de Aki Kaurismäki, Truffaut, Wes Anderson, Yasujirō Ozu, Ken Loach, Sidney Lumet, Ingmar Bergman, Jarmusch o Haneke entre otros y otras muchas.

Juan Romero Me apasiona el cine y me gusta escribir, así que participar en un proyecto así era el paso natural. El poco tiempo que me queda libre después de ver películas y escribir sobre ellas lo dedico a hacer cortos.

José M. Aparicio Disfruto hablando de cine tanto como viéndolo. Me encanta escribir y gracias a este proyecto tengo la oportunidad de compartir mis opiniones y aprender con mis compañeros más de este maravilloso arte.

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Beatriz López Ingeniera en curso y artista frustrada. Me encanta el cine, dibujar y escuchar música. Obsesionada con los años 40, 50 y 60 es lógico que mi estilo sea Pin-up.

Enrique Remírez Habitante de una sociedad distópica, tengo la gran fortuna de poder recurrir al cine, los libros y los cómics para evadirme de la realidad.

Aitor Boada Me gusta embarcarme en nuevos proyectos y si además juntan mis dos aficiones, parece hasta obligado. La pasión por el cine me viene desde pequeño. Era de esos niños que creen -y sigo pensándolo- que viven en una película.

Editado en Madrid por Alberte Álvarez Gil Imágenes: Getty Images, Wikipedia Commons, cinearchive.org, Fickr.

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ISSN: 2444-1406