Revista Erebus. Agosto 2015

Contenido

pág. 4

3

EDITORIAL

4

ENSAYOS Fringe Documentary

30

ENTREVISTA Entrevista a Amarna Miller.

pág. 10

pág. 14

pág. 16

pág. 40

pág. 46

10 14 16 40 42 44 50 52 54 55 56 57 18

46

pág. 18

CRÍTICAS The Look of Silence Del revés Los Minions Terminator Génesis Ant-Man Rey Gitano Blind El séquito Aprendiendo a conducir Lo que hacemos en las sombras Una historia real Elsa & Fred LISTA Este mes que tenemos varios documentales, nos centramos en algunos documentales que tienen una cierta relación con estos nuevos estrenos.

DOUBLE FEATURE Este mes, descubrimos muchas cosas que tienen en común Kill Bill, de Tarantino, y Nymphomaniac, de von Trier.

Editorial

Editorial

P

or fin llegó nuestro momento. Con el anterior número lo petamos bastante, gracias sobre todo a la entrevista a Guillermo Zapata, que nos trajo más de mil visitantes a la web. Pero, sobre todo, tenemos esa satisfacción interna al pensar en un becario de ABC visitando nuestra web dentro de cuatro años buscando material explosivo. Nos hace muy felices, la verdad.

Sin embargo, no es el momento de pararse, hay que seguir hacia adelante. En este número tuvimos el placer de conversar con la actriz porno Amarna Miller, lo cual aprovechamos para hablar de muchas cosas interesantes, entre otras la fina línea que puede separar una obra pornográfica de cierto cine de arte y ensayo o cine de autor. Pensamos en la próxima película de Gaspar Noé, Love, eyaculando en 3D sobre la cara de los espectadores y nos asaltan las preguntas. ¿Existen límites a partir de los cuales las películas pasan de un género-cajón estanco a otro? ¿Está todo más difuminado de lo que parece? ¿Sexo como provocación o como erotismo en el cine indie? ¿Hacia qué tipo de representación del sexo nos encaminamos? Esperamos poder ofrecer algo de luz sobre algunos temas con la simpática Amarna.

Revista Erebus - Agosto 2015

Por otro lado dedicamos nuestra portada a la escalofriante The Look of Silence, complemento a la impactante y magistral The Act of Killing. Juntas establecen una cima del género documental. Quizá, al menos en la opinión del crítico que la analiza, sean las películas más importantes del siglo XXI. También nos preguntamos hasta qué punto no sería posible un documental así en España. Tenemos más gente desaparecida en fosas comunes que Indonesia (somos los segundos del mundo, por detrás de Camboya). También quedan asesinos y torturadores vivos, pero se están yendo de rositas para el otro barrio. Siguen siendo muy necesaria la labor cultural para recuperar la memoria del horror. Sin ella, los causantes nos intentarán seguir dando lecciones.

Afortunadamente el documental, a nivel mundial, está viviendo una edad dorada. A ese género dedicamos parte de este número 4, incluyendo un interesante ensayo sobre el Fringe Documentary, término que nos inventamos aquí y ahora, y que si prospera esperamos que nos dé unos cuantos royalties. Al menos algo más que la miseria que llevamos con la publicidad de Google. A

3

4

Revista Erebus - Agosto 2015

Fringe documentary Por Juan Romero

U

n documental es básicamente una película de no ficción, que trata de contar, de manera casi periodística, un suceso de la realidad. Para ello, se utilizan una serie de técnicas: Imágenes reales de una situación, entrevistas, voz en off comentando ciertos aspectos, o incluso recreaciones ficcionadas de algún hecho. El género documental es tan antiguo como el propio cine. Y más o menos, todos tenemos una idea clara de cuáles son los límites que separan un documental de una película de ficción. Sin embargo, a lo largo del tiempo, han ido apareciendo ciertas tendencias que han dado lugar a otros géneros, hijos bastardos del documental y la ficción.

Tenemos, por un lado, los falsos documentales.

Que son básicamente películas de ficción, pero rodadas a la manera clásica de documental. Estos falsos documentales suelen tener o bien una vertiente cómica (Spinal Tap, Zelig), o bien de terror (Blair Witch Project, Henry, [REC]). Por otro lado tenemos los docudramas, que vienen a ser algo así como películas de ficción basadas en hechos reales, y siendo lo más fieles posibles a esos hechos (Bloody Sunday, United 93, 127 horas), y que de documentales tienen más bien poco. Y finalmente, ya en el siglo XXI, surge la definición de la docuficción, que viene a ser un híbrido entre el documental y la ficción, en la que los protagonistas se suelen interpretar a sí

Revista Erebus - Agosto 2015

mismos recreando hechos de su vida cotidiana.

Serían documentales con algunos pequeños elementos de ficción. Aunque el término surja de manera reciente, en realidad uno de los pioneros del cine documental, como era Robert Flaherty lo que hacía eran en realidad docuficciones, más que documentales puros. En este apartado entrarían películas de directores experimentales como Abbas Kiarostami (Close-up) o Pedro Costa (En la habitación de Vanda).

Sin embargo, en mi opinión, estas distinciones no terminan de servirnos para acotar todo el espectro de películas que se sitúan en los límites clásicos del cine documental. Hay ciertas películas que no entran de manera clara en ninguna de estas categorías, por tener elementos de varias de ellas. Para lo cual he acuñado el término Fringe Documentary, usando la palabra fringe, que en inglés se utiliza para designar aquello que está en los bordes, en los límites de algo. Para entender más o menos de lo que estoy hablando, voy a poner tres ejemplos de fringe documentaries que, para mí, no entran de manera clara en las categorías definidas previamente.

Uno de los ejemplos más claros es, en mi opinión, Exit through the gift shop, de Banksy. La película comienza como un documental clásico, que nos va contando la historia de Thierry Guetta, a través de imágenes de archivo que iba

5

Fringe Documentary

grabando él en su juventud, y de entrevistas con el propio Guetta, Banksy o Shepard Fairey. Poco a poco, muy sutilmente, van introduciendo ciertos elementos que hacen pensar que quizás no es todo tan real como parece. Llega un momento en el que, aunque sabes que muchas cosas de las que te han contado son verdad, hay otra serie de elementos que no terminan de encajar. Te das cuenta de que la película tiene elementos de documental, y elementos de falso documental.

Pero hay un giro más. Y es que el último acto de la película acaba siendo el documental de unos hechos que ocurrieron en la vida real, pero protagonizados por un personaje que es evidente que no puede ser del todo real, sino una construcción. Estos tres niveles están tan fuertemente entremezclados que es imposible saber dónde acaba uno y dónde empieza el otro. Y la película navega siempre por ese límite, sin enseñar en ningún momento todas sus cartas.

Es un ejemplo prácticamente único en su propuesta. Hay otras películas que juegan en ese límite, sí. Catfish, por ejemplo, empieza como un documental al uso, también, y hacia la mitad empiezas a ver que hay cosas que no terminan de cuadrar. Pero al final de la película tienes la fuerte impresión de que toda la obra no es más que un falso documental. Y en I’m still here, de Casey Affleck, con Joaquin Phoenix, vemos al protagonista en actuaciones y entrevistas en la vida real, interpretando a su personaje de la película. Aún así, la película es claramente un falso documental, a pesar de esos elementos de documental real sobre un personaje ficticio.

Quizás la otra película que combina con similar maestría el documental, el falso documental y la ficción sea F for Fake, de Orson Welles. Que nos

6

cuenta en formato documental historias reales y ficticias acerca del falsificador de arte Elmir de Hory, su biógrafo Clifford Irving, el propio Orson Welles, y Oja Kodar y Picasso. Todas las historias enlazadas por la falsificación, y la diferencia entre lo real y lo ficticio, añadiendo como en Exit Through the Gift Shop otra capa metarreferencial a esa mezcla de elementos simplemente situándose en ese terreno intermedio entre documental y ficción.

Otro ejemplo de Fringe Documentary lo tenemos en Waltz with Bashir. Este documental de animación mezcla entrevistas con recreaciones, en gran parte surrealistas, de determinadas cosas de las que habla. Lógicamente, una parte de la película está ficcionada, pero nunca sabemos hasta qué punto. Y, evidentemente, hay muchas cosas que son reales. Por tanto, creo que esta película también está en ese terreno limítrofe entre el documental y el falso documental. La estructura, en esta ocasión, fluctúa entre escenas de documental puro, como son las entrevistas; y las secuencias de ficción, sobre todo en las escenas de guerra y en los sueños surrealistas del protagonista. Y siempre con el aire extraño que provoca estar hecha en animación, claro.

Esta es también una película única en su especie. Quizás una de las que más se le aproxime sea The Missing Picture, en la que mezclan imágenes de archivo de la Camboya de los jemeres rojos con recreaciones de esas mismas situaciones con figuritas de plastilina. En este caso, sin embargo, creo que la película cae claramente del lado del documental, pues las recreaciones son lo más exactas posibles, en lugar de jugar con el surrealismo como hacían en Waltz with Bashir.

Y el tercer ejemplo del que quiero hablar es

Revista Erebus - Agosto 2015

Fringe Documentary

Close-Up de Kiarostami. Cuando he hablado al principio de docuficciones, de hecho, he catalogado esta película ahí, porque así se ha hecho históricamente. Pero en mi opinión, esta película no termina de pertenecer a ese género.

Close-up nos narra la historia real de un hombre que se hizo pasar por un reputado director de cine, engañando con ello a una familia, y el posterior juicio de éste. La estructura narrativa es la convencional de una película de ficción.

Sin embargo, toda ella está interpretada por los personajes reales que vivieron esa situación real, recreando su propia historia. Y además, en la escena del juicio, se incrustan imágenes reales del propio juicio, con lo que todo el film acaba siendo una mezcla de realidad y ficción casi perfecta. Una de las diferencias fundamentales de esta película con el resto de docuficciones es que aquellas tienen siempre aspecto de documental, mientras aquí nos encontramos con una película con aspecto de ficción. Podríamos decir, quizás, que si Exit through the gift shop es una película que navega entre el documental y el falso documental, Close-up por su parte está en un punto equidistante entre el docudrama y la docuficción.

En cualquier caso, en mi opinión, la definición de docuficción presenta demasiados problemas.

Porque realmente, casi todos los documentales del mundo presentan elementos de ficción. En realidad, como decíamos, desde el comienzo mismo de los documentales, los directores introducían elementos de ficción. De hecho, en Nanook el esquimal, quizás el primer largometraje documental de la historia, casi la totalidad de las escenas están reinterpretadas para la cámara por la familia de esquimales (que ni siquiera eran familia) por orden de Robert

Revista Erebus - Agosto 2015

Flaherty. Además, muchas de las escenas no eran realmente tan naturales para ellos, sino que se trataba de situaciones que prácticamente no se daban para ellos en su vida cotidiana. O tenemos también el caso de Las Hurdes, de Luis Buñuel, en la que intercala muchas escenas interpretadas directamente a petición del director, y manipula otras a través de una tramposa voz en off para contar lo que él quiere. El problema radica en que no es sencillo delimitar la línea entre el documental y la docuficción. Porque el documental puro también contiene casi siempre elementos de ficción.

En todo caso, es evidente que todos los documentales tienen una parte de ficción. Ya sea a través de una voz en off que te explica las cosas y que encima da su opinión, ya sea a través de ciertos datos ligeramente sesgados o manipulados para alcanzar las conclusiones que quiere el director, ya sea a través de recreaciones hechas a posteriori, etcétera. Incluso el mismo montaje del documental ya es convertir una parte de ese trabajo en ficción.

Quizás los documentales que más se aproximan a la definición pura de documental sean los trabajos de Chris Marker (Sans Soleil), Dziga Vertov (Man with a movie camera) o Godfrey Reggio (Koyaaniqatsi), que son simplemente una serie de imágenes tomadas de la realidad combinadas con una música de fondo. Eliminando entrevistas, voces en off, o recreaciones de situaciones para la cámara se limitan casi por completo los elementos de ficción. Paradójicamente, estos documentales acaban componiendo una ficción mucho más personal y particular que cualquiera de los otros.A

7

Sabía que una de las películas trataría de las historias, las fantasías, las mentiras que los ejecutores, cuando actúan con total impunidad, se cuentan para poder vivir con ellos mismos.

Una película sobre escapismo, fantasía y culpa, y por lo tanto una especie de extravagante sueño febril de una película.

Esa es The Act of Killing. Pero sabía que también haría una película sobre lo que significa para un ser humano tener que vivir durante 50 años en silencio y con un trauma no resuelto. Lo que sucede cuando un genocidio, al menos en un fundamental sentido, nunca termina, porque los ejecutores permanecen en el poder y mantienen a todos atemorizados. Esa es The Look of Silence.

• JOSHUA OPPENHEIMER

La mirada del silencio The Look of Silence / Dinamarca-Indonesia / 2014 Dir.: Joshua Oppenheimer

Rep.: Documental

Texto: Alberte Álvarez

L

as mariposas, aún larvas, se remueven para salir de su crisálida. La dura coraza repiquetea contra el suelo de baldosa. Quieren ver la luz y comenzar su vida.

Adi es optometrista. Padre de familia y cariñoso con sus ancianos padres. Es su único hijo, pero en realidad fue el segundo en nacer. Su hermano Ramli, al que nunca conoció, pues nació después de su muerte, fue asesinado por grupos

10

paramilitares auspiciados por el ejército indonesio durante el golpe de estado de 1965 en el que 1 millón de comunistas, miembros de sindicatos, intelectuales y trabajadores fueron asesinados, con el beneplácito del gobierno estadounidense.

“Estados Unidos debería premiarnos, darnos una medalla. Llevarnos de viaje a América. Ellos nos enseñaron a odiar a los comunistas” –dice uno de los responsables directos de cientos de asesinatos.

Revista Erebus - Agosto 2015

La mirada del silencio (The look of silence, Joshua Oppenheimer, 2014)

“Si no hubieras nacido me hubiera vuelto loca.

Eres muy parecido a tu hermano, eres lo que habíamos pedido”, le dice a Adi su madre. La premisa de The Look of Silence, al contrario que en The Act of Killing (su obra complementaria) está narrada desde el punto de vista de una víctima y por lo tanto se acerca más a la tragedia que la impactante primera parte que se vale más de lo grotesco.

Valiéndose de su condición de optometrista Adi irá acudiendo a las casas de los verdugos, no para conocer la verdad, pues ya la conoce debido a que los asesinos, orgullosos de ello y amparados por el poder, no tienen reparos en mostrar explícitamente cómo lo han hecho. Lo hace para obtener un reconocimiento en persona de lo que han hecho. Para obtener, quizá ingenuamente, una disculpa. Las escenas son muy potentes y con un halo simbólico muy inteligente, al tener en ocasiones a los asesinos hablando a Adi con las lentes puestas. Están obteniendo una nueva visión, que por otra parte rechazan o niegan con miedo al preferir su visión distorsionada de ellos mismos y su deber durante los acontecimientos.

A lo largo del documental se nos intercalan imágenes de Adi mirando en silencio la televisión. En ella, los dos ejecutores directos de su hermano relatan divertidos su asesinato. Pocas veces se puede obtener sensaciones tan fuertes como viendo esto. Una mezcla de conmoción e indignación me asaltó en el cine y un murmullo de incredulidad nació en la sala de los cines Renoir de Madrid. Se nos hace increíble la tranquilidad y mesura que muestra Adi con los ejecutores. Sin miedo, eso sí, hay que ser muy valiente. Los verdugos le avisan veladamente en muchas ocasiones: “tú sigue haciendo preguntas, sigue, a ver qué pasa…” o “si esto sigue así va

Revista Erebus - Agosto 2015

a acabar pasando algo parecido otra vez”.

Lo explica Oppenheimer: “No tienen miedo de Adi. No me tienen miedo a mí. Saben que no los podemos encarcelar o causarles problemas.

Tienen miedo de lo que ven en el espejo moral de las preguntas de Adi y en su mirada empática, es decir, tienen miedo de su propia conciencia. Y encuadrando sus reacciones a través de la mirada de Adi, la audiencia queda también desarmada.”

Para los verdugos el silencio es la solución. Para ellos las heridas están curadas. El pasado, pasado está. Bebieron sangre de sus víctimas para no volverse locos. No hay que reabrir todo esto. Pero nada más lejos de la realidad. Las heridas abiertas están lejos de ser curadas. Los asesinos en el poder, y en las escuelas adoctrinamiento anticomunista para perpetuar la ignominia en las futuras generaciones.

“Para los verdugos el silencio es la solución. Para ellos las heridas están curadas. El pasado, pasado está. Pero nada más lejos de la realidad.”

No dejo de darle vueltas a las ciertas similitudes con España. No es lo mismo, está claro, pero la impunidad que en España han tenido los torturadores y asesinos es bestial. Cuando Argentina pidió la extradición de dos de ellos, todavía vivos, vimos como todos estos delincuentes de lesa humanidad se escabulleron de su responsabilidad, en muchas ocasiones cerca del poder. Mientras aún hay hijos e hijas (cada vez menos) y nietos y nietas (cada vez más) buscando a sus familiares en algún punto cardinal de la geografía española, en cientos de cunetas.

El segundo país con más víctimas desaparecidas en fosas comunes. No tenemos lecciones que

11

La mirada del silencio (The look of silence, Joshua Oppenheimer, 2014)

dar a Indonesia, pero quizá sí tengamos oportunidad de mostrar esta realidad como lo hace Joshua Oppenheimer. Es necesario.

En Indonesia este doble documental ya cambió las cosas. Los títulos de crédito lo dicen todo. Co-director, anónimo, gaffer, anónimo, asistentes de producción, conductores, eléctricos, anónimos. El propio Adi y su madre ya no viven en su casa por miedo a represalias, ahora viven en un lugar indeterminado de Indonesia rodeados de activistas pro-derechos humanos.

Aun así The Look of Silence se ha proyectado a jóvenes reclutas del ejército en los cuarteles.

Ha llamado la atención de la opinión pública sobre la situación en Indonesia, aunque Estados Unidos y la Unión Europea estén más pendientes de denigrar a Venezuela mientras apoyan a Arabia Saudí que bombardea Yemen, a Ucrania que recientemente ha prohibido a los partidos comunistas presentarse a las elecciones (cuando se olvida el pasado tiende a repetirse) o financia a grupos rebeldes sirios que resultan ser el Daesh. El mundo patas arribas que decía el genio Galeano. “En la escuela del mundo al revés, el

12

plomo aprende a flotar y el corcho, a hundirse.

Las víboras aprenden a volar y las nubes aprenden a arrastrarse por los caminos.” En Indonesia, en la escuela del mundo al revés, los asesinados eran comunistas que se lo merecían.

De nuevo Oppenheimer: “El primer film hizo a los indonesios imposible ignorar el tipo de régimen que había sido construido sobre los cuerpos de cientos de miles –quizá millones– de personas. El segundo ha hecho imposible a los indonesios ignorar la prisión de miedo en la que saben que están viviendo y criando a sus hijos”.

En una de las entrevistas/confrontación vemos a Adi entrando en una humilde casa. La familiaridad de los saludos nos pone sobreaviso. Va a entrevistar a su tío, el hermano de su madre.

Pronto entendemos que también tuvo una participación, aunque tangencial en los acontecimientos. Era un guardián en la prisión de la que los escuadrones de la muerte extraían a sus víctimas. Él niega que supiera nada de lo que hacían con ellos cuando se los llevaban, pero Adi empieza a ponerle muy educadamente en el

Revista Erebus - Agosto 2015

La mirada del silencio (The look of silence, Joshua Oppenheimer, 2014)

bando de los verdugos. Era guardián en la prisión de la que extrajeron a Ramli, el hermano de Adi, el sobrino del guardián. Y él no hizo nada. Al desmoronarse su mundo de mentira que había creado para librarse de su responsabilidad, el tío de Adi y Ramli ofrece uno de los motivos que repetía la propaganda: los comunistas no eran hombres de dios, eran ateos, no leían el Corán.

“Y tenían razón, porque no rezaban nunca”, remata. Es el momento en el que se ve a Adi más abatido. El silencio entre los dos, sus miradas, hablan más que las palabras. Cuando Adi se lo dice a su madre se da cuenta que el propio hermano de su madre jamás se lo había contado.

Indonesia separada por el dolor.

The Look of Silence, al igual que The Act of Killing, son documentales profundamente políticos que nos hablan sobre el poder del cine para recuperar la memoria del horror, sea como una representación del mismo o como una toma de conciencia de la tragedia.

Sin haber visto todo el cine del siglo XXI, claro está, me atrevo a decir que es muy difícil que haya algo que supere en importancia a estos dos documentales.A

Al acabar la cinta, las mariposas todavía luchan por salir al mundo ante la atenta mirada de los hijos de Adi. Del mismo modo, los cientos de miles de asesinados, enterrados o tirados al mar luchan por salir a la luz. Quizá este díptico de Joshua Oppenheimer y su co-director/a anónimo haya abierto una pequeña grieta por donde entre algo de luz. Ahora la responsabilidad está en manos del pueblo indonesio.

Revista Erebus - Agosto 2015

13

Del revés Inside Out / USA / 2015 Dir.: Pete Docter, Ronaldo Del Carmen

Rep.:

Texto: Juan Romero

D

el Revés cuenta la historia de Riley, una niña de 11 años que se ve obligada a mudarse de Minnesota a San Francisco por el trabajo de su padre. Una vez allí, tiene problemas para adaptarse a su nueva vida, en una casa mucho más pequeña, sin amigos en el colegio, y con su padre distanciado por culpa de ese cambio de trabajo. Y el reflejo de esa situación se da en el interior de su cabeza, que es donde pasamos la mayor parte de la película.

14

Riley tiene 5 sentimientos que manejan la central, que es el lugar de su cabeza en el que se toman las decisiones. Alegría, Tristeza, Ira, Miedo y Asco se van sucediendo en el control de Riley. Pero tras la mudanza, Tristeza va haciéndose cada vez más con el control, y Alegría intenta evitarlo. Entonces, de manera totalmente accidental, Alegría y Tristeza acaban siendo expulsadas de la central y llevarán a cabo un viaje por las diferentes zonas del cerebro de Riley intentando volver a la central y tomar de

Revista Erebus - Agosto 2015

Del Revés (Inside Out, Pete Docter y Ronaldo Del Carmen, 2015) nuevo el control, mientras Riley sufre en su vida cotidiana la ausencia de ellas. Lo que le lleva a dejar de lado a su familia, amigos y aficiones y encerrarse en ella misma.

Pixar lo ha vuelto a hacer. Igual que hicieron en Up, Wall-E o Toy Story 3, han sido capaces de crear una película que los niños son capaces de disfrutar, mientras que los adultos se ven golpeados por ciertas secuencias emocionales absolutamente geniales. En Up teníamos un prólogo de unos 10 minutos absolutamente portentoso, antes de hacer una película infantil sin mucha más enjundia. En Wall-E, expanden esa vertiente adulta durante todo el primer acto, y solo es al llegar al lugar donde están los humanos cuando se convierte en una película de animación más convencional. Toy Story 3, por su parte, no tiene quizás esos momentos puntuales tan inspirados y emocionales, pero mantiene el mismo tono durante casi toda la película, que está dirigida más a los adultos que disfrutaron Toy Story de niños, que a los niños en sí. Del revés parecía que iba a dar un nuevo paso en esa tendencia.

Pero al final no termina de atreverse.

El grueso de la película Del Revés transcurre en la mente de Riley. Y cuenta la historia de Alegría y Tristeza tratando de volver a la central. En ese sentido, acaba por convertirse en la historia típica y miles de veces vista en animación de unos personajes que tienen que llevar a cabo un peligroso viaje por diferentes escenarios. Con la particularidad en este caso que el escenario es la mente humana, lo que da pie a la recreación de una serie de diseños realmente inspirados.

Pero en el fondo, más allá de esos diseños, y la premisa inicial, el viaje de Alegría y Tristeza acaba siendo de lo más convencional. Uno que los niños disfrutan sobremanera, qué duda cabe.

Pero se echa en falta que la imaginación que demuestran en el resto de apartados, no aparezca también en la evolución de la trama.

La parte de la película que transcurre en la vida real de Riley es mucho más interesante, pero seguramente mucho más irregular, también.

Tiene momentos realmente inspirados, que muestran perfectamente la relación entre lo que está pasando dentro de su cabeza y lo que le ocurre a ella. Y con los que es imposible no empatizar. Pero también tiene situaciones que no terminan de corresponderse bien con lo que

Revista Erebus - Agosto 2015

está pasando en su cabeza, o momentos en los que da la sensación de que Riley no toma las decisiones que sería más lógico tomar, dado lo que está pasando. En cualquier caso, es en este plano donde más escenas emotivas tratan de encadenar. Algunas de ellas funcionando maravillosamente, mientras que otras no terminan de hacerlo tan bien, y te acabas dando cuenta del intento de manipulación emocional.

No es nada fácil intentar contar la historia que Pete Docter decidió contar en Del Revés. Contar lo que sucede dentro de la cabeza de una niña que está haciéndose mayor y sufre una mudanza hasta cierto punto traumática. Y la manera de contarlo es realmente “Pixar lo ha vuelto a inspirada. Hay ciertas cosas que no termihacer. Igual que en Up, nan de funcionar bien, Wall-E o Toy Story 3, para mí. Como puede ser, por ejemplo, que han hecho una película el cambio profundo de que los niños disfrutan personalidad de Riley y los adultos se ven no acaba de verse como una evolución natural, golpeados por escenas con Tristeza haciéndose emocionales.” cada vez más presente en la toma de decisiones, sino como causa de un accidente que manda a Tristeza y Alegría lejos de la central. Pero en general sale bastante airoso. Y tiene ideas muy inspiradas, como puede ser que mientras al principio todos los recuerdos tienen solo un color, están dominados por solamente una emoción, al final de la película esos recuerdos son mezcla de varios sentimientos.

Del revés es una película ciertamente notable.

En la línea de muchos de los últimos estrenos de Pixar. Pero no es un paso más en la evolución hacia un cine más adulto. Hay temas, guiños y situaciones para provocar emociones en los adultos, evidentemente. Y es un cine mucho más adulto que la gran mayoría de las películas de animación convencionales de hoy en día.

Pero no va más allá que las últimas películas de Pixar. En un entorno absolutamente novedoso y adulto, introducen una trama principal típicamente infantil. Es una magnífica película, pero no es la obra maestra definitiva que nos pretenden vender. Es una gran película, que está cerca de las grandes películas de Pixar. Lo cual no es poca cosa, ni mucho menos.A

15

Los Minions Minions / USA / 2015 Dir.: Kyle Balda, Pierre Coffin

Rep.:

Texto: Beatriz López

C

ómo podíamos no escribir una crítica en nuestra humilde revista de tal fenómeno, estos seres amarillos aparentemente prehistóricos e imperecederos que parece que, de repente han conquistado los corazones de todos los que nos rodean, y cabe decir que literalmente, es todo lo que nos rodea: vallas publicitarias, marquesinas, anuncios de televisión, revistas, peluches… incluso hasta Facebook. Estos seres

16

que aparecen por todas partes adquirieron su fama de la película Gru, mi villano favorito y parece que ahora atacan de nuevo.

Una masiva campaña de publicidad hace que la fiebre minion se expanda y tengamos necesidad de ver “esa obra maestra de la animación” y “la precuela definitiva” que se anuncia por todos los lados. Una servidora fue una más y le entró curiosidad por ver esta película.

Revista Erebus - Agosto 2015

Los Minions (Minions, Kyle Balda y Pierre Coffin, 2015)

El tráiler deja entrever la historia de esta pequeña tribu a lo largo de todas las edades de la humanidad, hilando la trama con gags graciosos que, por un lado hacen las delicias de los niños con, por ejemplo, golpetazos rocambolescos, pero por otro lado hacen también reír al público adulto por la situación en sí o por ciertos matices enfocados a un público claramente más maduro.

Este es el equilibrio niño/adulto que tan buenos resultados le dio a Pixar en sus películas y que en los minions está aceptablemente bien tratado, ya que en ningún momento a ninguna de las dos facciones se la deja de lado para centrarse en un solo público (aunque tampoco hace mucha falta porque de momento ya he visto más adultos fanáticos de los minions que niños).

Stuart, Bob y Kevin son los pequeños protagonistas de la película, que liderarán a su tribu e iniciarán la búsqueda para encontrar a su villano ideal, al que servir y seguir incondicionalmente pase lo que pase. Aunque si de por sí esta tarea no parece fácil, a esto hay que sumarle la facilidad de la tribu por “deshacerse involuntariamente” de los amos a los que sirven. La búsqueda definitiva se desarrolla en una época que le da muchos puntos a la película, por lo menos por mi parte: los 60 (exactamente 1968) donde se notan los clichés típicos, véase las manifestaciones de los hippies o el estilo Mod londinense, incluyéndose a todo esto una banda sonora impresionantemente buena: The Doors, The Beatles, The Ramones (entre otros)… no tiene desperdicio y sin duda es un gran aliciente en la película.

La historia alcanza un buen ritmo a lo largo de todo el film, siendo entremezcladas a partes equitativas las dosis de acción, de contemplación y de monerías típicas de los minions que hacen las delicias de todos los presentes, tanto con su lenguaje –una mezcla de italiano, alemán, español e inglés– como con su empalagosidad y ternura, demostrándolo con abrazos y besos en abundancia.

Revista Erebus - Agosto 2015

Y es que los minions, y el resto de personajes que aparecen en la película están perfectamente conseguidos, tanto en expresiones faciales y corporales como en movimiento de objetos y personajes, en esto no puede haber queja alguna: los giros de los coches, la personalización de movimientos de cada individuo que hace que sean únicos, el vuelo de ese vestido mara- “El equilibrio niño/adulto villoso que aparece que tan buenos resultados en la película y que, le da a Pixar está en Los aunque sea de mentira yo lo he deseado Minions aceptablemente tener.

Animación bien tratado.” muy conseguida por parte de Illumination Entertainment pero tampoco sin muchos sobresaltos ya que Pixar y Disney nos acostumbraron en su momento a este tipo de genialidades (más Pixar que Disney).

Lo que sí es indudable es que con la anterior película Gru, mi villano favorito encontraron un filón con unos personajillos secundarios que entusiasmaron a todo el mundo y que no se han cortado en explotar para esta película, conectándola con la primera de la saga no directamente sino con un intervalo temporal entre las dos películas, que no me extrañaría mucho que aprovecharan para sacarle más jugo a la “banana de oro” (en referencia a la comida favorita de los minions).

Con todo esto y en mi opinión, me parece que sí, es una buena película para disfrutar en familia y pasar una buena tarde con tus hij@s/sobrin@s/ herman@s, probablemente ya contagiados de la fiebre minion. ¿Y quién no lo está? Pero no hay que dejar de recordar que es una película para fundamentalmente niños y que, por tanto algunos adultos sí que se pueden llegar a aburrir en algún momento del film. A

17

Boom documental

E

ste mes llegan a nuestras pantallas los documentales La mirada del silencio, sobre el genocidio indonesio, Amy, sobre la cantante Amy Winehouse, y el falso documental Lo que hacemos en las sombras, una comedia de vampiros. Por ello, vamos a aprovechar esta secci贸n para hablar sobre algunos documentales.

Pero esta vez, en vez de escoger algunos de nuestros favoritos, vamos a centrarnos en hablar de documentales con una relaci贸n directa con estos. Por ello, vamos a escribir sobre las obras previas de Joshua Oppenheimer y Asif Kapadia, The act of killing y Senna, respectivamente. As铆 como sobre el otro gran falso documental neozeland茅s de siempre, que es Forgotten Silver, de Peter Jackson. Y rematando con un ejemplo reciente de lo que hemos llamado Fringe Documentary, como es Actress, de Robert Greene.

Revista Erebus - Agosto 2015

19

Boom documental

The Act of Killing Por Alberte Álvarez

A

nwar Congo, un anciano indonesio de tez oscura (de ahí lo de Congo), sube unas escaleras situadas en la trastienda de unos ultramarinos. Esas escaleras van a parar a un ático al aire libre. “Hay muchos fantasmas aquí porque mucha gente fue asesinada en este lugar”. Con esta primera revelación nuestros ojos comienzan a abrirse. Nos costará parpadear hasta el final del documental. “Al principio los golpeábamos hasta la muerte, pero dejaba mucha sangre y al limpiar olía fatal”. Anwar Congo habla con total naturalidad. Explica a Joshua Oppenheimer el sistema que idearon para matar rápida y efectivamente: un alambre enganchado a una columna, que luego rodeaba el cuello de la víctima. Solo había que apretar durante unos segundos. Anwar sonríe mientras reproduce la situación.

Pero pronto nos cuenta que intenta olvidar. De hecho lo ha probado todo para poder mantener la mente ocupada: ser feliz, escuchar música, bailar, las drogas… El silencio trae consigo la memoria del horror. Anwar realiza una danza ridícula. El acompañante concluye que “es un hombre feliz”. Quizá no sea del todo correcto.

Poco a poco lo grotesco se va adentrando en el

20

documental hasta que ya no lo abandona. The Act of Killing es, hasta donde yo sé, el único documental donde unos genocidas orgullosos recrean grandilocuentemente sus crímenes. Es, además, lo más impactante, sorprendente, desconcertante e indignante que he visto en mi vida.

Durante el documental iremos viendo como los genocidas, aunque personalizando en el carismático Anwar Congo (que se considera a sí mismo un gangster, un “free man”), se disponen a hacer una película sobre sus crímenes. Alternando papeles como asesinos o como víctimas (a parte de algunos insertos totalmente surrealistas y maravillosos) intentarán contar su versión. Y su versión es, sí, somos unos genocidas, estamos orgullosos de ello, los comunistas debían morir, por un motivo inventado o por otro eran nuestros contrarios e hicimos lo correcto.

Sin embargo, a través de esta representación-identificación de los asesinos hacia los asesinados nos iremos encontrando con que algo hace un pequeño clic en el interior de Anwar.

Posiblemente llevara aguardando dentro desde el principio, acallado por las drogas y la auto-indulgencia, pero veremos atisbos de que algo

Revista Erebus - Agosto 2015

Boom documental

cambia en él. “¿La gente que torturé se sentía como me siento yo aquí?”, pregunta Anwar a Joshua al verse en la televisión interpretando a una víctima.

Joshua le reprocha la pregunta, ya que él estaba actuando, mientras que las verdaderas víctimas sabían que iban a morir. “De verdad podía sentirlo, Joshua”. Acaba preguntándose: “¿He pecado? Se lo he hecho a tanta gente… está volviendo a mí”. Anwar está preparado para su momento revelador.

Después de haber presenciado todo tipo de escenas, declaraciones, representaciones, justificaciones y situaciones a cada cuál más sorprendente, llegamos al final del camino. Anwar vuelve a subir las escaleras del principio, esta vez de noche, para volver al lugar donde quitó la vida a cientos de personas.

Joshua Oppenheimer ha dicho que la manera en la que dirigió a Anwar en esta escena consistió en decirle que recorriera el lugar en silencio. Y si bien al principio es lo que vemos, pronto Anwar reacciona de una manera que jamás había visto en un ser humano ante el sentimiento de culpa.

Sinceramente, esta escena la considero una de las cumbres cinematográficas de la historia del Revista Erebus - Agosto 2015

cine por todo lo que significa, todo lo que encierra, y todo lo que habla de la transformación inadvertida de un personaje memorable.

El director de esta obra maestra ha comentado en diversas ocasiones que a Anwar Congo vio y además le gustó la película, que se ve honestamente cómo se siente ser él. Todavía hoy siguen en contacto.

En cuanto a The Act of Killing, no se parece a nada que haya visto nunca. La única obra que le puede hacer sombra es su continuación The Look of Silence, que era la película que Oppenheimer perseguía desde el principio. Sin embargo esta última, centrada en la búsqueda del reconocimiento del genocidio por parte de una víctima, siendo otra obra maestra no tiene tanto punch como el de The Act of Killing.

Desde luego, The Act of Killing es una obra sobre la memoria y las mentiras que sirven para sobrellevarla, así como de la representación del pasado desde puntos de vista contrapuestos al propio. Pero sobre todo, The Act of Killing es un puñetazo al hígado del espectador. Un puñetazo a la impunidad en Indonesia. A

21

Boom documental

Forgotten Silver Por Juan Romero

C

uando repasamos la carrera de Peter Jackson, se suele hacer referencia a sus inicios como director en producciones de serie Z de bajísimo presupuesto en su Nueva Zelanda natal, para seguir su evolución con un par de películas, ya con algo de más entidad, que tuvieron cierto recorrido comercial y en festivales, antes de conquistar el mundo con su adaptación de El Señor de los Anillos. Pero normalmente se suele obviar esta producción de la que voy a escribir.

Forgotten Silver es un falso documental que Peter Jackson codirigió junto a Costa Botes para la televisión neozelandesa, en el que cuentan la historia (ficticia) de un pionero neozelandés del cine, llamado Colin McKenzie, que consiguió una serie de avances en el mundo del cine mucho antes que nadie. Entre otras cosas, cuentan que Colin McKenzie rodó las primeras películas en color de la historia, o fue el primero en conseguir sonido sincronizado con las imágenes.

Peter Jackson y Costa Botes se dividieron el trabajo, rodando el primero las supuestas imágenes

22

de archivo de las películas de McKenzie, mientras que el segundo se encargó de las escenas que transcurrían en la actualidad, en las que vemos cómo se descubre una ingente cantidad de material de McKenzie es descubierto y restaurado, y se entrevista a una serie de importantes personalidades del mundo del cine neozelandés, o a familiares y amigos de McKenzie que nos cuentan cosas acerca de su vida y obra.

Desde el principio, el tono del documental es de una pretendida seriedad y formalidad, pero siempre con un cierto humor subyacente por las propias situaciones que se van dando. Durante el transcurso de la misma, esas situaciones descabelladas se van haciendo cada vez más y más exageradas, aumentando el tono cómico de la película paulatinamente, pero siempre manteniendo un cierto equilibrio con el estilo serio y formal, para intentar dar a la película un cierto grado de realismo.

Ese tono es lo que hace quizás de esta película algo especial. Donde la mayor parte de los falsos documentales abrazan de lleno el terreno

Revista Erebus - Agosto 2015

Boom documental

del humor y la exageración, aquí las situaciones más esperpénticas, que las hay, están mucho más limitada, y la película abraza la sutileza y el pretendido realismo. Dejando además una historia realmente atractiva, que ni siquiera necesitaría esos interludios de humor para resultar interesante.

Las dos partes de la película funcionan a la perfección. Las secuencias supuestamente de archivo están muy cuidadas, y realmente dan la impresión de ser escenas grabadas en la época que representan, mientras que las entrevistas y la voz en off dan el contexto necesario para contar la historia de este particular personaje.

Quizás las partes que peor funcionan son aquellas en las que los documentalistas descubren los archivos perdidos de McKenzie, que resultan demasiado forzadas como para entrar en un supuesto documental, a la vez que carecen de la emoción que deberían desprender. Emoción que sí está presente en las entrevistas acerca de ese descubrimiento, por cierto.

es una gozada entrar en el juego de Jackson y Botes, y disfrutar de las delirantes desventuras del gran Colin McKenzie, que nos transportan a una época en la que estaba todo por hacer, y que con voluntad e imaginación se podía crear magia a partir de la nada.

En el clímax de la película te muestran diversos fragmentos de la obra magna de Colin McKenzie, una adaptación del relato bíblico de Salomé que haría palidecer de envidia al propio D.W. Griffith. En ese momento, aunque ya sabes que todo es una mentira urdida por los creadores del falso documental, uno no puede dejar de admirarse con la magna Salomé, y desearía poder ver la obra completa. Ese es quizás el gran logro de esta gran película, casi tan olvidada hoy en día como el propio Colin McKenzie.A

En todo caso, para cualquier amante del cine

Revista Erebus - Agosto 2015

23

Boom documental

Senna Por Alberte Álvarez

N

o soy en la actualidad un gran seguidor de la Fórmula 1, pero cuando era más jovenzuelo sí que lo fui. Por motivos de edad no vi nunca una carrera en la que participara Ayrton Senna, sino que empecé a aficionarme en la época de Damon Hill. Sin embargo, ya de aquella, y hasta ahora, el mito de Senna planea como símbolo de piloto total y carismático, como un genio de la conducción que iba más lejos de lo que el coche podía alcanzar.

Senna es un documental acorde al piloto: fascinante. Aprovechándose de la tremenda cantidad de imágenes de archivo y de unas selectas entrevistas, Asif Kapadia compone un retrato de un piloto genial que creía tener a dios de su lado, a la vez que cuenta muy hábilmente la enemistad personal entre Senna y el veterano campeón del mundo Alain Prost y la lucha de un deportista por la justicia en el deporte, contra los politiqueos propios de un negocio como es la F1.

Pese a ser un documental relativamente largo, que sobrepasa las dos horas y media, el ritmo y el montaje hacen que se te pase volando el tiempo.

Como he dicho, el gran acierto es la utilización profusa de imágenes de archivo. Tengo que reconocer que soy un enamorado del uso de este tipo de imágenes, incluso en las películas de ficción.

Las entrevistas también están bien seleccionadas (Alain Prost, Ron Dennis, y diversos periodistas

24

deportivos que seguían la F1 en la época) aunque se echa de menos una mayor calidad en la grabación de las mismas. También se podrían haber recortado algunas intervenciones, sobre todo las de los periodistas. También hubiera estado bien contar con imágenes de las entrevistas a los familiares de Senna y de Frank Williams, que a veces aparecen en off pero nunca se les ve.

En ocasiones se perciben ecos de la magistral Man on Wire en su uso emotivo de las entrevistas y en las imágenes archivo como sostén de la historia. Sin embargo ambos documentales se alejan en el uso que hace Man on Wire de las recreaciones, que suponen un soporte para la obra de James Marsh, pero que hubieran constituido un elemento impropio que traicionaría un material tan amplio en Senna. Afortunadamente Kapadia no cae en la tentación y se mantiene fiel al material existente. Algo que por cierto ha vuelto a hacer con Amy, documental que también narra una vida que acaba de manera temprana, en este caso la de la artista musical británica Amy Winehouse.

En Senna nos encontramos a una persona ambiciosa, que compite exclusivamente para ganar.

Alain Prost no aguantará una competitividad tan extrema e irá rompiendo relaciones con su joven compañero de equipo hasta trabar una enemistad manifiesta. Todo este tratamiento

Revista Erebus - Agosto 2015

Boom documental

de una rivalidad deportiva y personal es quizá lo más logrado del documental. Las rivalidades extremas en los deportes siempre han levantado pasiones. Lo siguen haciendo. Sin ir más lejos, en el propio terreno de la Fórmula 1, unos años más tarde serían el eje de la película Rush, con la rivalidad entre James Hunt y Niki Lauda como atractivo.

Pero en Senna también encontramos a una persona con un sentido de la justicia que le hace estar constantemente en una posición incómoda respecto al sistema y habitualmente se siente menospreciado por él. Esto es algo que le lleva a llevarse al límite para tratar de compensar la desventaja en la que se ve. En su última temporada, la primera con el equipo Williams, la prohibición de los sistemas electrónicos que hacían al Williams el mejor coche hará que el diseño tenga que repensarse de cero y que el coche sea inestable. Senna está lejos de ser feliz y su sospecha de que Benneton (con un joven Schumacher al volante) hace trampas no ayuda.

del circuito de Imola donde se salió de la pista por razones que se desconocen, pero que apuntan a un fallo del coche. Su última vuelta antes de fallecer, vista con una cámara desde su coche, es espectacular y pone la piel de gallina. Más de un minuto de sonido de motor y vibraciones en la pista. Esa vuelta nos dice mucho de Senna: su pericia, su agresividad al volante, sus ganas de ganar. No en vano iba en primera posición con un coche claramente inferior. En el bolsillo de su mono cuando murió llevaba una bandera austríaca en honor de un piloto que había fallecido en ese mismo gran premio, en los entrenamientos.

Senna es la mayor personalidad de la Fórmula 1 de todos los tiempos, un mito posiblemente ya inigualable. Y este documental le hace honor a su persona.A

Senna halló la muerte en Tamburello, la curva

Revista Erebus - Agosto 2015

25

Boom documental

Actress Por Juan Romero

D

esde el primer momento, Actress te muestra a las claras las reglas del juego que propone. Brandy Burre, actriz que consiguió cierta popularidad gracias a un pequeño papel en la serie The Wire hace ya casi una década, aparece vestida como un ama de casa de las películas de los años 50, de espaldas a la cámara, delante del fregadero. Se mueve a cámara lenta y dice en voz en off: “El otro día recordaba una escena en la que decía ‘Soy una persona tipo A. Tiendo a romper cosas’. Y me di cuenta de que no era solo el personaje. Yo también tiendo a romper cosas”. Desde ese primer momento, sabes que nunca te va a abandonar la sensación de no saber hasta qué punto es la Brandy Burre real quien ves en este documental, o solamente un personaje interpretado por ella misma.

La mayor parte de la película está construida como un documental al uso, que narra la vida cotidiana de Brandy Burre en el momento en el que su relación sentimental empieza a hacer aguas, mientras de manera paralela intenta retomar su carrera como actriz, que dejó aparcada tras el nacimiento del primero de sus dos

26

hijos. Tenemos momentos en los que vemos desarrollarse distintas escenas íntimas y familiares, incluyendo los problemas en su relación de pareja. Tenemos escenas en las que Brandy Burre se pone en contacto con su representante para intentar volver a la actuación. Y tenemos momentos en los que Brandy Burre nos cuenta a cámara sus pensamientos y sentimientos acerca de esas dos facetas de su vida que están entrando en conflicto durante esos momentos.

Todos esos elementos, por sí mismos, constituirían un completo documental acerca de la conciliación de la vida familiar y personal de la protagonista. Si bien es cierto que ese hipotético documental tendría un interés relativamente limitado. Sin embargo, lo que eleva este documental por encima de su premisa inicial, son escenas como la que he comentado antes que abre la película.

Durante todo el metraje, de vez en cuando, el director va intercalando secuencias muy estilizadas, a cámara lenta, con una narración en off hasta cierto punto críptica y poética, y con un estilo visual muy próximo al de los melodramas

Revista Erebus - Agosto 2015

Boom documental

de Douglas Sirk. Estas escenas son de una potencia tal que no solo funcionan en sí mismas como signos de puntuación entre el resto de secuencias documentales, sino que acaban modificándolas, en cierta manera. De modo que una secuencia más o menos inocua, que tiene un estilo claramente documental, acaba convirtiéndose mágicamente en algo que parece sacado del clímax de un drama de John Cassavettes, simplemente por estar precedida de uno de estos interludios poéticos.

La tensión que se produce entre los elementos puramente documentales, que en realidad nunca llegas a saber si son tales o son una parte más de la ficción, con esos otros elementos claramente artísticos, es lo que hace de este documental algo memorable. No es simplemente no saber si lo que te están contando es real o no, sino el cómo funciona esa dualidad a nivel emocional.

Cómo funciona esa mezcla a nivel artístico. Y en mi opinión, esa unión de elementos es lo que hace de este documental algo especial.

Burre, en la habitación de sus hijos, comenta “Me mudé a Beacon. No estoy actuando. Así que esta es mi producción creativa”, haciendo referencia a que dejó de actuar para criar a sus hijos, y ellos son ahora su válvula de escape artística.

Tras un momento de silencio, Brandy coge uno de los juguetes que hay por ahí, y vuelve a repetir las mismas palabras de nuevo, pero pronunciadas con una inflexión diferente. “Me mudé a Beacon. No estoy actuando. Así que esta es mi producción creativa”. Es complicado resumir con mayor sencillez y efectividad esa mezcla entre el documental, el falso documental, y la ficción más pura. Una actriz, hablando de su vida personal en un documental, repitiendo una toma para darle un diferente matiz a la frase.

Una frase evidentemente estudiada y preparada, previamente. Un magnífico ejemplo de lo que he dado en llamar Fringe Documentary. A

Hay otra escena, también a comienzos de la película, altamente reveladora. En ella Brandy

Revista Erebus - Agosto 2015

27

Entrevista a

Amarna Miller 15

Revista Erebus - Abril 2015

Entrevista | Amarna Miller

Erebus pregunta La vallecana Amarna Miller (Madrid, 1990) es una de las musas del cine porno español y apostamos fuerte a que una de las chicas más adorables a nivel mundial. Licenciada en Bellas Artes, su tesis entrelazaba el videoarte con el lenguaje fotográfico y el discurso de las películas X. Nos disponemos a hablar de su carrera y de la industria del cine porno, así como los límites que separan lo porno, lo erótico y lo comúnmente considerado cine de autor.

A

los 18 años ya te planteaste entrar en la industria pornográfica como hobby. Dices que tenías –y tienes- la libido muy alta, pero a esa edad todos los chicos y chicas la tienen. ¿Qué más fue lo que te empujó a lanzarte?

En primera parte el afán exploratorio, las ganas de probar cosas nuevas. Por otro lado siempre me ha gustado mucho el sexo, siempre he tenido ganas de experimentar alrededor de la sexualidad y el porno me parecía una opción muy buena para juntar ambas cosas, y además, para mí, uno de los puntos más importantes es el hecho de viajar. En este trabajo tienes una libertad de horarios y de organización muy amplia. Como soy yo misma la que se organiza todo, soy mi propia jefa. Puedo viajar a donde quiera, normalmente con gastos pagados, rodando en algo que me gusta, así que me parecía que cumplía todos los puntos.

Revista Erebus - Agosto 2015

29

Entrevista | Amarna Miller

El primer rodaje supongo que es algo que se te queda grabado para siempre, sea la escena que sea. ¿Cómo fue ese primer contacto con las cámaras? ¿Ibas dispuesta a actuar o comportarte con naturalidad? ¿Qué cambió en tu interacción en el rodaje a lo largo del tiempo?

Esta pregunta me la han hecho muchas veces, yo ni siquiera me acuerdo bien de mi primer rodaje porque yo con Omnia-x (su productora) llevaba ya grabando un año haciendo mogollón de cosas, entonces cuando salí fuera e hice cosas con otra productora para mí fue como otro rodaje más. No supuso un shock, no fue algo que me sorprendiese de ninguna manera, supongo que era un solo o un lésbico porque era con Abbywinters.com. Fue en Ámsterdam y estuve cuatro días más o menos rodando todos los días.

Mi trabajo en la industria siempre ha sido muy escalón por escalón. Al fin y al cabo cuando trabajas con tu sexualidad que es algo muy frágil tienes que tener cuidado de no romperla y yo personalmente prefería ir muy poco a poco e ir viendo como me sentía en el ambiente, como iba evolucionando mi sexualidad, como iba yo entendiendo el hecho de estar representada en

30

público, el exhibicionismo, y según me iba sintiendo a gusto con las cosas pues iba probando más.

Ahora ya eres una estrella dentro del mundillo. Además eres un poco una especie de musa porno para los hipsters y modernos y modernas varios. ¿Cómo vives el fenómeno fan?

Aparte que desde la entrevista con Risto Mejide habrás aumentado mucho tu popularidad.

Lo he notado mucho en las visitas del blog, el día de la entrevista tuve un pico de 35.000 visitas, menos mal que preparé el servidor. ¿Cómo vivo el fenómeno fan? Una cosa de la que me he dado cuenta últimamente, porque antes no lo había vivido con tanta intensidad, es que estadísticamente cuantos más seguidores tienes más trolls aparecen. Si por cada 100 seguidores hay un troll por cada 10.000 hay 1.000, así que últimamente estoy recibiendo muchísimas críticas que es una cosa a la que normalmente estoy acostumbrada, sobre todo a partir de la entrevista de Risto, que sí que está orientada un poquito más mainstream. Como yo normalmente participo en entrevistas para medios más alternativos o Revista Erebus - Agosto 2015

Entrevista | Amarna Miller

específicos no recibo muchas críticas, porque la persona que llega ahí ya sabe lo que va a leer, ya sabe que soy actriz porno, etc., pero claro, lo de Risto es la televisión, todo el mundo ve la televisión así que sí, estoy recibiendo mogollón de críticas. ¿Cómo lo llevo? Por una parte me siento totalmente halagada cuando alguien me escribe que soy su inspiración o que sigue mi trabajo, para mí es una cosa que jamás habría podido soñar, el hecho de poder inspirar a alguien que además no me conoce en persona. Y luego por otro lado está el contrario, el fenómeno hater, el de la gente que critica y es mala. Al principio sí que me sentía un poco atacada personalmente porque al final la gente se mete con partes de tu personalidad basándose en un tanto por ciento muy limitado que tú has dejado ver al público.

Por mucho que la gente vea mi blog y mis entrevistas, al final lo que se ve de mi es un 2% porque no tendría tiempo para mostrar más y resulta un poco frustrante el hecho de que haya gente metiéndose contigo por ese 2% pero bueno, en el fondo ya llegado este punto que cada uno haga lo que quiera, nunca llueve a gusto de todos.

Ser una estrella porno te da cierto altavoz para expresar tus opiniones y tener un cierto eco, aunque a la vez no sé si hace que no se te tome lo suficientemente en serio. ¿Te beneficia o te perjudica el ser una actriz pornográfica para que tu mensaje se entienda?

Ambas, me perjudica y me beneficia. Me beneficia por una parte porque tengo más visibilidad, el hecho de ser un personaje activo en las redes sociales, con una base de seguidores amplia, me da la opción de que mi mensaje llegue a cuantas más personas posibles, lo cual es beneficioso.

Negativo porque por la profesión a la que me dedico mi mensaje queda descalificado en plan de “¿A ésta quién la va a escuchar? Si fuese inteligente se dedicaría a algo que tuviese que ver con su cerebro, no con su cuerpo”, que es el mito al que yo personalmente, y todas las actrices, nos tenemos que enfrentar que es el de “si estás trabajando con tu cuerpo es porque no puedes trabajar con tu cabeza”, lo cual implica que eres tonta o que no tienes una base cultural o unos requerimientos como para poder dedicarte a otra cosa que no sea follar. Me sigue haciendo gracia y me parece una forma de romper estereotipos, el hecho de que haya gente que salga Revista Erebus - Agosto 2015

ahí fuera y diga oye, que podemos hacer ambas cosas, que es compatible, se puede ser guapa, vivir de tu imagen y a la vez tener un discurso que pueda resultar interesante.

Este discurso que tienes es un discurso potente viniendo del sector de dónde vienes.

Feminismo y críticas al heteropatriarcado desde una posición contradictoria donde trabajas para una industria que tú misma has considerado abusiva, con pocos derechos y de carácter más bien machista. La concepción de intelectual que tenía Jean Paul Sartre iba precisamente por ahí: alguien que se da cuenta de la contradicción en la que vive y lo explicita es un intelectual. Ponía el ejemplo del físico nuclear que hace sus investigaciones, pero se da cuenta que puede estar avanzando la guerra atómica. En la medida que se da cuenta de su propia contradicción y la denuncia es considerado por Sartre un intelectual. ¿Ves parecido tu caso?

Como inciso, me gustaría puntualizar que en realidad cualquier industria es abusiva, se habla mucho de la pornografía porque nos dedicamos a algo que la gente considera inmoral, que es el dedicarte al sexo, pero cualquier industria tiene su parte buena y su parte mala. Lo que yo intento decir con todos estos post sobre lo de Budapest, el tema de problemas laborales, legalidad… no es quejarme de la industria, sino explicar que hay cosas que podrían mejorar. Y este punto me parece muy importante porque hay un gran problema, que es que la única cara que se muestra de la industria pornográfica es la cara mala: los castings falsos, las chicas engañadas, chicas de 18 años que se meten sin saber lo que estaban haciendo… Ahora hay un documental que se llama “Hot girls wanted” que refleja este afán de victimizar a la actriz porno y que a mí me acaba repateando un poco. Es cierto que existe una parte mala pero al igual que existe en absolutamente cualquier trabajo; igual que hay camareras trabajando por 4 euros la hora, gente que no está encontrando trabajo teniendo tres carreras… me refiero, que esto existe en todas las industrias y yo personalmente no considero que la industria pornográfica sea más; tenemos una serie de problemas relacionados con nuestra profesión, por ejemplo que no exista un convenio colectivo adaptado a nuestros requerimientos,

31

Entrevista | Amarna Miller

no existen asociaciones de actrices y actores porno… hay algunos vacíos, pero tienen más que ver con un tema administrativo o legal que sería fácilmente solucionable -si nos conseguimos coordinar de una vez- más que una cosa de queja intrínseca.

Después de este matiz, no entiendo mi discurso como una contradicción, yo soy muy criticona –esto es un hecho- si estuviera trabajando en Google probablemente criticaría a Google; todo tiene sus fallos y a mí me gusta la efectividad. Me gusta que las cosas funcionen perfectamente. Esta dicotomía la entiendo desde el cambio, desde la reforma social, desde un poco la queja para poder cambiar las cosas, no simplemente decir esto está mal, sino poder encontrar una solución, así que igual que se habla de que el porno es machista, no nos quedemos en eso, quedémonos en: hay parte del porno que es machista, creemos pornografía que no se adapte a este sistema heteropatriarcal. Es así como lo vivo. Me quejo de muchas cosas, pero es con un ánimo de cambio y no simplemente de crítica. Hay muchas cosas de la industria que no

32

me gustan, y yo creo que eso se nota dentro de mi discurso, pero siempre que me quejo de ellas es para poder cambiarlas, no simplemente para decir que estoy en una industria mala.

Sasha Grey es otra actriz porno que se ha movido un poco fuera de la norma. Ha escrito varios libros y ha apoyado algunas causas sociales. A parte se ha metido en el cine comercial en el que parece que no le va mal, trabajando, por cierto, con Nacho Vigalondo.

No sé si percibes cierto reflejo de ella en ti o en realidad no tenéis nada que ver.

Para mi Sasha ha sido un referente, antes de que me metiese al porno yo ya seguía su trabajo, primero como actriz y después como personaje público. Sin embargo, no sigo la estela de nadie, yo soy yo misma y no intento parecerme a ninguna otra persona. Es cierto que con Sasha sí que comparto algunos gustos, por ejemplo el gusto por la literatura y otros que no, por ejemplo la melomanía, el gusto musical, que Sasha es súper ferviente admiradora de varios grupos y yo soy más “bueno, me gusta la música pero sin Revista Erebus - Agosto 2015

Entrevista | Amarna Miller

más” así que es cierto que podemos tener nuestras referencias en común y otras que no (ríe), pero como con cualquier otra persona.

Desde hace tiempo la pornografía y erotismo considero que se viene fragmentando en diversas corrientes. Por un lado el cine porno típico, como decía antes, pero luego está el territorio camgirl de chicas y chicos que realizan performances en directo por webcam y en el otro extremo tenemos un cine de autor con altos contenidos de sexo explícito (9 songs de Winterbottom, La vida de Adele de Kechiche, Nymphomaniac de von Trier o El desconocido del lago de Alain Guiraudie. También tenemos cine porno, puramente hablando, que intenta alcanzar cotas de calidad, valga como ejemplo Erika Lust. ¿Cómo consumidora/espectadora, qué te interesa más?

Me parece maravilloso que hayas hecho estas divisiones, porque lo que normalmente la gente hace es: porno, arte, cine. Como aspectos separados que no pueden converger entre sí, y me encanta la división que has hecho porque estás rompiendo estas fronteras, me parece una cosa súper importante. Cuando estoy viendo algo realmente no pienso cuál es la frontera, no pienso “¡¿Oh dios mío estaré viendo porno, estaré viendo cine?!”. Me estoy acordando por ejemplo de la primera escena de Anticristo, que es una toma en blanco y negro a cámara lenta de una pareja follando, que es preciosa, una pasada, y esto está entendido como cine indie, de autor… y sin embargo, si metes ese mismo plano dentro del contexto de xhamsters se convertiría en una película porno, al final es el contexto donde tú lo mires más que realmente lo que algo sea.

Lo que me gusta no lo divido por etiquetas, más bien es lo que me llama estéticamente, por diferentes motivos. En el porno puede ser por las prácticas que se están realizando, dentro de una película puede ser por la estética, esta escena por ejemplo a mí se me quedó grabada porque me pareció súper bonita y visual, Nymphomaniac tuvo muchas críticas pero a mí me encantó porque tiene un rollo como bizarro y cómico a la vez que me resulta muy atractivo. Con respecto a las cams yo no soy consumidora, no es una cosa que a mí personalmente me guste, pero entiendo dónde puede radicar el morbo de poder tener una interacción directa con la persona con la Revista Erebus - Agosto 2015

que estás hablando. La pornografía obviamente me gusta y todo el “porno de autor” del rollo sexart, xart, femjoy me encanta, me parece que han conseguido coger toda la estética de la cinematografía y llevarlo al campo del porno explícito o erótico.

Este año en el festival de Cannes Gaspar Noé presentó Love, que aún no se estrenó en España. Ponte en situación: festival de Cannes con gran parte del mundillo del cine de autor en la sala viendo la peli de Love en 3D. En cierta parte de la película esta gente ve en tres maravillosas dimensiones como un tipo se corre a cámara, es decir, en la cara del espectador. ¿Se están difuminando las barreras entre el cine porno de calidad y el cine de autor con sexo explícito? ¿Hay diferencias?

Espero que sí, haces una buena mención a Gaspar Noé, que es uno de mis directores favoritos ever. Me acuerdo cuando estaba viendo las escenas finales de sexo de Enter the Void, estaba pensando “esta es la pornografía que yo quiero ver, esto me pone mucho más que un vídeo de Reality Kings”. Tengo muchísimas ganas de ver Love. Aparte de todo eso resulta que de unos años a esta parte estas fronteras se están disolviendo un poco más, pero igual que antes estaban más disueltas, en los años 80 había autores de cine mainstream que no tenían miedo de mostrar una chica en topless como un matiz, no como algo en que se basase toda la película. Ahora mismo cuando aparece un desnudo de una actriz en una película convencional parece que la película gira en torno a ese desnudo, cuando en realidad tiene que ser un matiz del personaje.

Así que sí, me parece que se están empezando a disolver y me parece muy productivo porque al final es muy hipócrita el hecho de eliminar las escenas de sexo explícito dentro de las películas convencionales simplemente porque es algo que pueda implicar que la película sea denominada para mayores de 18. Es una estupidez, al final el arte no debería tener esos límites. Me hace gracia que me preguntes esto porque mi proyecto de fin de carrera en la universidad era básicamente un ensayo sobre esto: cómo se pueden desdibujar los límites entre en lenguaje cinematográfico, el pornográfico y el medio artístico.

Bien es cierto que siempre hubo cine de alto

33

Entrevista | Amarna Miller

contenido sexual de calidad, aunque quizá más consciente de sí mismo. Estoy pensando en Tinto Brass o en Walerian Borowczyc (director polaco de Cuentos inmorales). Ahora quizá el testigo lo recoge Larry Clark o el propio Noé, pero de una manera más tangencial, o con menos ánimo de excitar y más de provocar.

No sé si crees que se está yendo a peor o a mejor en este tipo de propuestas.

No lo considero como peor o mejor, me parece que es diferente. Cualquier evolución es una evolución, no puede ser ni una cosa buena ni una cosa mala. Obviamente Tinto Brass, Russ Meyer, todos estos cinematógrafos que se dedicaban a hacer un producto con la intención de erotizar al espectador ahora mismo no tendría cabida porque eso no se expondría en una sala de cine, cuando en su momento sí que se hacía.

Sin embargo, cuando Larry Clark presenta la sexualidad (además unos temas bastante punzantes como puede ser la sexualidad infantil, el tema de las ETS en niños, suicidios adolescentes), todo gira un poco alrededor de este morbillo relacionado con el sexo, me parece bien, una

34

evolución, algo nuevo. Hubo una serie de cortos que se estrenaron hace unos años que se llamaba Destricted, era todo un dvd con cortos de Larry Clark, Marina Abramović, y un poco mezclando gente que está dentro del ámbito cinematográfico y gente que está dentro del ámbito artístico.

Todos tratando el tema del sexo de maneras diferentes. Me pareció espectacular el hecho de que se editase un dvd con este fin. Lo que sí me he dado cuenta es que de un tiempo a esta parte el porno se ha puesto de moda, se está convirtiendo en algo trendy y creo que parte de ello tiene la culpa Sasha Grey que ha sido el primer referente de actriz porno que pasa del ámbito pornográfico al ámbito cultural. Es genial porque al final los límites lo único que hacen es impedirte entender otras cosas. Hay que estar abierto.

A parte del sexo en las películas está la representación del cine para adultos en las películas. La verdad es que no es algo muy habitual.

Tenemos Boogie Nights, inspirada en la historia de John Holmes, donde vemos una industria plagada de gente con problemas de todo Revista Erebus - Agosto 2015

Entrevista | Amarna Miller

«Viendo las escenas finales de sexo de Enter the Void, pensaba “esta es la pornografía que yo quiero ver. Me pone mucho más que un vídeo de Reality Kings”.» tipo. Está About Cherry donde al cine porno se entra de una manera entre fascinada y subyugada por otras personas y luego ya está la comedia hollywoodiense, que en ocasiones ha explotado este tema, por ejemplo Zack and Miri make a porno. En España tenemos Hermosa Juventud, donde una pareja joven envueltos en esta crisis acaban rodando para Torbe para sacarse unos euros ¿Consideras realista la visualización que hace el cine convencional del cine porno?

Normalmente no, porque se presenta sobre todo la parte más sórdida y esperpéntica de lo que es la industria. Aunque también me gustó Zack y Miri hacen una porno porque presentaban sin complejos, en plan no pasa nada, cuando el resto de películas lo que intentan hacer es el porno como última alternativa, el porno por necesidad o un lugar en el que realmente no quieres estar. Me acuerdo de Boogie Nights con todo el mundo drogadicto, todo el mundo pillando ETS entonces claro, era una locura y es cierto que en los años 80 e incluso a principios de los 90 la pornografía era así: un lugar sórdido donde Revista Erebus - Agosto 2015

la gente se metía para encontrar dinero rápido, pero ha cambiado muchísimo desde entonces y realmente yo no he visto ninguna película ni documental que presente cómo es la sexualidad en el porno hoy en día.

Sacaron un documental que estaba relativamente bien sobre kink.com que sí que presentaba un poco cómo era un rodaje, donde hablaban los chicos poniendo sus límites –esto sí, esto no, hasta aquí– porque si no lo que se hace es satirizar la situación, convertirlos en conejillos de indias, elementos circenses a quien señalar con el dedo y decir “mira, ese es actor porno”.

Precisamente en kink.com hay una cosa que me llama mucho la atención y es que no solo tú, sino todas, salís antes y después de la sesión hablando con el cámara, en plan entrevista. Y siempre os preguntan que qué es lo que más os ha gustado y demás. Y son cosas bastante fuertes, de ataduras y escupir y cosas así... y salís encantadísimas con la experiencia. Esto es más curiosidad que otra cosa, pero ¿sigues con el personaje aún o hay cierta sinceridad?

35

Entrevista | Amarna Miller

«El porno se ha puesto de moda, se está convirtiendo en algo trendy. Parte de la culpa la tiene Sasha Grey.»

Yo no tengo un personaje, ni en este vídeo ni en ninguno. Para mí, la persona que veis delante de la cámara, quitando el nombre que al final es una tontería lingüística (Amarna – Marina, lo que queráis), la persona es la misma y yo todas las cosas que hago delante de la cámara es porque me gustan, así que realmente no existe un “hasta aquí acaba el personaje y aquí empieza mi vida real”. Es lo mismo y el sexo que practico delante de las cámaras podría ser mi sexo en la intimidad. Con esta productora en concreto, que es de bdsm, las sesiones son especialmente intensas. Obviamente cuando tu aceptas una sesión con kink sabes el tipo de intensidad que ellos tienen, así que yo doy por hecho que el resto de las chicas cuando aceptan también saben a lo que van. Yo soy seguidora y espectadora de kink desde antes de meterme al porno incluso, así que en realidad ya sabía perfectamente a lo que me exponía y, aun así, cabe recalcar que el

36

producto final que se ve en el vídeo no es igual que detrás de las cámaras. Es un rodaje absolutamente controlado en el que tú pones punto por punto lo que quieres hacer, qué límites tienes…

Está todo hecho a la medida de la sumisa, a lo largo de todo el vídeo se puede intuir que se está haciendo lo que el dominante quiere cuando en realidad eres tú desde el principio la que pone todos los puntos sobre las íes, así que es complicado que eso vaya más allá.

Y hablando de la industria, en general: ¿qué futuro tiene el cine porno típico, por así decir, el de productoras grandes?

La industria porno tiene un problema muy grande de monopolio. Hay una empresa americana que se llama MindGeek que está absorbiendo todas las compañías pequeñas y está creando un gran imperio. Casi todas las Revista Erebus - Agosto 2015

Entrevista | Amarna Miller

empresas grandes de pornografía actual que te vienen a la mente cuando piensas en porno, me refiero a Brazzers, Reality King, incluso Playboy pertenecen en realidad a la misma empresa que es MindGeek. Los problemas de esto son que el monopolio siempre reduce las posibilidades y las opciones. Si toda la industria pertenece a una misma empresa implica que las opciones se van a ver reducidas y que las prácticas a realizar y las condiciones de los rodajes serán los que quiera una sola empresa, lo cual es malo. Si esto sigue así, de aquí a unos años, toda la industria pornográfica mainstream será de esta empresa y eso es un problema. Contando con que esto no ocurra, yo cruzo los dedos para que la evolución de la pornografía sea abrir nuevos horizontes y explorar nuevas fronteras. Hablando de productoras pequeñas, últimamente están saliendo muchas compañías que apuestan por nuevas formas de ver la sexualidad y nuevas formas de representarlas, como fourchambers en Inglaterra (que además es una chica encantadora que tiene mi misma edad). Gente joven trabajando por hacer algo nuevo. Aquí mismo, en Barcelona, tenemos unos chicos que se llaman BlackMind Studios que se dedican a rodar vídeos de parafilias con ánimo de quitar la estigmatización, hacer prácticas que no son las convencionales dentro de la pornografía, rodada de una forma muy estética, muy cinematográfica, y presentándolas como algo normal, que es otro de los problemas del porno. Meten en el cajón de lo que es normal lo que no es normal y atención, que lo que es normal son dobles anales, dobles penetraciones, bukkakes… son cosas muy locas, y luego cosas como sexo con transexuales y bdsm está en el cajón de lo bizarro, no únicamente para la industria sino también para la gente que consume porno. Cuando ven algo con lo que ellos se sienten identificados dentro del cajón bizarro o parafilias, se piensan como una patología, y eso genera un problema.

Para terminar, no sé cómo te ves dentro de 5-10 años. ¿Le ves continuidad a tu carrera de actriz pornográfica o quizá de directora?

Revista Erebus - Agosto 2015

¿Quizá te veamos más en tu faceta de escritora o incluso como actriz de cine comercial?

Yo no me planteo el futuro a largo plazo, básicamente porque me parece que los planes a largo plazo se rompen en el 100% de los casos, así que lo que voy haciendo es ver cómo va evolucionando mi vida y mis posibilidades. Voy tomando las opciones que más apetecibles me parecen o las que creo que me van a hacer más feliz o me van a reportar mayores beneficios y voy abriendo puertas y cerrando otras. Surgen de forma natural, me parece que si realmente me planteo que de aquí a 5 años quiero estar en el Sáhara haciendo fotos de niños pobres, existen unas posibilidades bastante reducidas de que esto ocurra pero sin embargo si en mi vida y dentro de mi carrera profesional voy tomando las opciones que a mí realmente me parecen, va tomando el curso natural, voy a dejar que fluya que es como yo entiendo que debería ser la existencia.

Mi libro se llama “Manual de Psiconáutica” porque la psiconáutica literalmente traducido es “marinero o navegante de los sueños” y así es como me veo yo y es mi forma de responder a tu pregunta, me veo con un navegante sin un rumbo fijo. Estoy tomando el rumbo que más me apetece tomar porque al final si tomas un rumbo fijo acabas cegado por la meta en vez de disfrutar de las cosas del destino y del camino. ¿Cómo me veo dentro de 5 años? desde luego hay una serie de cosas que a mí me gustan y me han seguido gustando durante toda mi vida que son el arte, la fotografía, el cine, la representación artística, la creatividad… Todo esto gira en torno a mí y no creo que desaparezca de aquí a unos años, pero vete tú a saber, a lo mejor acabo criando caracoles en las Maldivas. ¡Y no estoy cerrada a ello! Hay una serie áreas de mi vida que me gustan mucho y que me gustaría seguir desarrollando y otras que no. Por ejemplo la faceta de escritora sí me gustaría seguir desarrollándola, ya que por ahora me está haciendo muy feliz. Pero tiempo al tiempo.A

37

Lo interpretamos todo todo el tiempo. El cine y la fotografía son la reproducción de la realidad. No es la realidad, es una reproducción. Y la forma en que la vemos nos hace dar otro paso, interpretando lo que vemos y descubriendo significados que quizá nunca estuvieron en esa imagen o en esa situación.

• AGNÈS VARDA

Terminator Génesis Terminator Genisys / USA / 2015 Dir.: Alan Taylor Texto: Juan Romero

L

a nueva entrega de Terminator se puede dividir con precisión en dos mitades completamente diferentes. Durante la primera hora se nos presenta una historia que conocemos de sobra gracias a la mitología de la saga. Nos encontramos en un futuro en el que las máquinas han tomado el control, y solo un pequeño grupo de hombres, liderados por John Connor, es capaz de enfrentarse a ellas. Y llegamos al que quizás sea el momento clave de toda la historia de Terminator, que no es otro que cuando las

40

Rep.: Emilia Clarke, Jason Clarke, Arnold Schwarzenegger, Jai Courtney, J.K. Simmons

máquinas se dan cuenta de que los hombres de John Connor van a conseguir la victoria definitiva, y mandan al pasado un Terminator para que acabe con la vida de la madre de John, Sarah Connor.

A partir de aquí, la película nos lleva a un terreno que conocemos minuciosamente. Nos encontramos de pronto en el reconocible universo de la primera entrega de Terminator. Poco a poco vamos volviendo a ver reproducidas de manera totalmente fiel algunas de las primeras

Revista Erebus - Agosto 2015

Terminator Génesis (Terminator Genisys, Alan Taylor, 2015)

y míticas secuencias de aquella primera entrega.

Y sin embargo, en un momento dado, nos damos cuenta de que hay algo diferente. Que por culpa de sucesivos viajes en el tiempo, esa línea temporal ha cambiado sensiblemente, y esa reproducción, que se antojaba perfecta, de aquellas escenas, acaba siendo realmente una reinterpretación. Repleta de guiños, referencias y subversiones de la trama.

Esta primera mitad de la película es magnífica.

De hecho, probablemente sea el mejor tratamiento posible para una reactivación de la saga de Terminator. Y se disfruta bestialmente, a poco que te gusten las dos películas originales de la saga, y seas capaz de dejarte llevar. Por un momento crees que lo han conseguido. Que han sido capaces de crear una película al nivel de las dos primeras. Pero nada más lejos de la realidad.

Porque llegados al ecuador de esta entrega, el escenario cambia totalmente, y todo se empieza a hundir irremediablemente.

Realmente, los diversos cambios que se producen en esta segunda mitad, son reflejo de situaciones que ocurrían ya en Terminator 2. Desde la recuperación de un personaje que ha sido modificado y ha cambiado de bando, que en esa segunda entrega se producía con el Terminator interpretado por Arnold Schwarzenegger; hasta el cambio de foco argumental, que pasa de la protección de la familia Connor al intento de destrucción de la tecnología que luego producirá la rebelión de las máquinas. Sin embargo, en aquella ocasión estos elementos eran introducidos de manera natural y tenían completo sentido, mientras que aquí nunca terminan de fluir correctamente dentro del argumento. En ese sentido, toda la discusión de los protagonistas acerca de dónde y para qué viajar en el tiempo, una vez que terminan su primera misión en 1984, es reveladora. Demasiados diálogos enrevesados para una cuestión que en el fondo es mucho más sencilla. Todo para intentar dotar

Revista Erebus - Agosto 2015

de una base científica una decisión que en realidad acaba basándose en una visión. A partir de ahí nos damos cuenta de que algo no va bien.

Y toda la parte final está efectivamente repleta de situaciones de ese tipo. Incongruencias argumentales, y decisiones ilógicas de los protagonistas que intentan aho“Acaba siendo un fiel gar bajo capas y capas de diálogo expositivo reflejo de la saga de técnico innecesario.

Pero que no consiguen Terminator. Una primera en ningún momento mitad extraordinaria, paliar la sensación de como las dos primeras que la película ha dejado de tener interés hace ya entregas, y una segunda demasiado tiempo. Y mitad tan ridícula y no consigue remontar estúpida como las dos en ningún momento.

Realmente, en toda esa siguientes.” segunda mitad de la película, casi lo único que funciona es el personaje de J.K. Simmons como alivio cómico. El único personaje de toda la película que quizás pueda tener algo de carisma, junto al bueno de Arnold, y que acaba resumiendo en una sola frase algunos de los problemas que he señalado aquí. Cuando intenta saber qué es lo que están haciendo, Sarah le dice que están intentando salvar el mundo. A lo que él responde “Con eso me vale”. Como dando a entender que todas esas explicaciones que intentan dar los personajes a sus acciones son completamente superfluas.

Terminator Génesis acaba siendo por tanto, y paradójicamente, un fiel reflejo de lo que había sido la propia saga de Terminator hasta ese momento. Con una primera mitad extraordinaria, que canaliza extraordinariamente el alma de las dos primeras entregas, y con una segunda mitad tan ridícula, estúpida y obtusa como las dos siguientes películas de la saga. A

41

Ant-Man Ant-Man / USA / 2015 Dir.: Peyton Reed Texto: Juan Romero

U

n científico millonario está preocupado porque su sucesor como jefe en su empresa está a punto de descubrir las claves de un invento que él desarrolló hace décadas.

Un traje que permite a su portador reducirse hasta el tamaño de una hormiga. Preocupado por la utilidad que le pueden dar a su invención, el científico decide reclutar a un ladrón de poca monta para que use un antiguo prototipo de

42

Rep.: Paul Rudd, Michael Douglas, Evangeline Lilly, Corey Stoll, Bobby Cannavale, Anthony Mackie, Michael Peña

dicho traje para destruir las investigaciones de su sucesor.

En esta nueva entrega de las aventuras cinematográficas de la Marvel, se nos presenta un superhéroe más. En este caso Ant-Man. En realidad, en un movimiento que no ha sido habitual hasta el momento, pero que sí lo es en los cómics, el Ant-Man que nos presentan es la segunda encarnación del personaje, sucediendo

Revista Erebus - Agosto 2015

Ant-Man (Peyton Reed, 2015)

como portador del traje al personaje del científico interpretado por Michael Douglas.

La película es muy irregular. Como en la mayor parte de las películas que cuentan el comienzo del superhéroe, el principio es bastante lento y predecible. Uno espera con ansia a que el protagonista se haga con el traje, o con los poderes, según el caso, y se enfrente al villano de turno.

Pero la película se enreda, en esta ocasión con más pena que gloria, en el lento desarrollo de una trama que deseamos que coja velocidad lo antes posible. Además, la película se nos vendía como una historia con mucho más humor que otras propuestas de la Marvel, acercándose así al tono de Guardianes de la Galaxia. Pero, si bien hay gotas de humor esparcidas por toda la película, y que probablemente sean lo mejor del film, en este primer acto apenas se limita a los excesivamente estereotipados compañeros de fechorías del protagonista. Haciendo que esta primera parte de la película se haga un poco pesada. Cosa que no ocurría por ejemplo en la nombrada Guardianes de la Galaxia, que conseguía un equilibrio mucho mayor entre los diferentes tramos de la cinta.

Ant-Man empieza a despegar sin dudas una vez que el científico y el ladrón, aspirante a heredar el traje, se conocen. Y va cogiendo interés en las diferentes misiones de Ant-Man. Comenzando con una breve pero magnífica pelea con Falcon, que deja bien a las claras el potencial de un personaje como Ant-Man. En la misión central de la película, en la que tienen que infiltrarse en la empresa para evitar que el malo consiga la tecnología detrás del traje, se ponen de manifiesto los paralelismos de esta película con el cine típico de atracos. Un paralelismo que ya se dejaba ver, en parte, durante la fase de entrenamiento del protagonista. Los “ladrones” reunidos, planificando el golpe, cada uno con su misión particular, y posteriormente el desarrollo del mismo. Es una de las secuencias más interesantes de la película, y las partes de acción están muy bien conseguidas. El problema

Revista Erebus - Agosto 2015

radica en un plan bastante absurdo en muchos de sus elementos, que hace que no termine de ser todo lo redonda que debería. Ya que te pasas demasiado tiempo detectando los agujeros del plan en lugar de disfrutar con la acción.

Y en la tercera set-piece, que es la pelea final con el malo, es finalmente el momento en el que deciden desatar todo el humor que no habían sacado antes. Con una pelea en miniatura sobre un “Esta película tren de juguete, conparece creada tada desde dos escalas, que recuerda en cierto fundamentalmente para modo al portentoso introducir al personaje arranque de Toy Story de cara a próximas 3. Es una muy buena escena, con un humor entregas marvelianas.” que funciona perfectamente, pero que de alguna manera no termina de casar del todo bien con el tono del resto de la película.

Ant-Man acaba siendo una película más de superhéroes. Uno se pregunta si la versión que preparaba Edgar Wright antes de abandonar por diferencias creativas, para dejarla en manos de Peyton Reed hubiera funcionado mejor. En cualquier caso, esta película parece creada fundamentalmente para introducir al personaje de cara a próximas entregas marvelianas, y con bastante poco que la haga especial, o que la haga destacar de otras películas de su género.

En realidad, salvo la espectacular Guardianes de la Galaxia, la mayor parte de las películas de Marvel dan la impresión últimamente de un cierto estancamiento. De estar cubriendo el expediente sin grandes alardes, preparando el terreno para algo gordo. Esperemos que la Guerra Civil consiga finalmente dar lo que promete. A

43

Rey Gitano Rey Gitano / España / 2015 Dir.: Juanma Bajo Ulloa

Rep.: Manuel Manquiña, Karra Elejalde, Arturo Valls, María León, Rosa María Sardá, Albert Plá

Texto: Juan Romero

Había ganas de ver la vuelta de Juanma Bajo Ulloa al humor gamberro y salvaje con el que consiguió una de las películas más memorables de los últimos tiempos en el cine español, como fue Airbag, hace ya más de quince años.

Y sin embargo, el resultado no puede ser más decepcionante.

Realmente, cuando uno revisita Airbag, se da cuenta de los innumerables defectos de aquella

44

película. Una trama tan enrevesada como estúpida. Difícil de seguir, no por su complejidad sino por su incoherencia. O una sobrepoblación de secundarios que nunca llegas a saber muy bien por qué están ahí. Y sin embargo, ese caos tenía su sentido en una película como aquella, en la que los protagonistas estaban drogados la mayor parte del tiempo, y no se enteraban de mucho de lo que ocurría. Todos estos defectos se repiten en Rey Gitano, sin la más mínima justificación,

Revista Erebus - Agosto 2015

Rey Gitano (Juanma Bajo Ulloa, 2015)

y funcionando muchísimo peor. Mientras que, en cuanto a los grandes aciertos de Airbag, apenas sí se pueden ver rastros en Rey Gitano. Esa ausencia de complejos, y ese salvajismo directo y brutal, que hacían de Airbag algo realmente único, si bien no del todo redondo. Y una serie de escenas y frases inspiradísimas, que han pasado a formar parte del imaginario colectivo de toda una generación. Aquí apenas las tenemos con cuentagotas.

En esta ocasión, el argumento se desarrolla en torno a un gitano, interpretado de manera absolutamente lamentable por parte de un Arturo Valls al que pido desde aquí, con toda humildad y respeto, que jamás vuelva a formar parte de ninguna otra película en ninguna capacidad; el cual se entera que es hijo del Rey Juan Carlos I, y decide urdir un plan, con la ayuda de un par de detectives a los que dan vida Manuel Manquiña y Karra Elejalde, para acceder al trono tras la abdicación de este. El plan consiste fundamentalmente en obtener una prueba de ADN que corrobore que el personaje de Valls es en realidad el hijo del rey. Alrededor de esta trama principal, surgen otra serie de tramas secundarias que no se terminan de entender muy bien, y que sirven fundamentalmente para ir introduciendo personajes secundarios, y para ir enrevesando una trama principal que no tiene el peso suficiente como para mantener la película.

A partir de estos elementos, la trama se estructura, igual que lo hacía Airbag, en forma de road movie. Sustituyendo en esta ocasión los puticlubs por los que iban pasando los protagonistas de aquella en busca del anillo, por una serie de actos que irá llevando a cabo la familia real por distintas partes de España. También con la cuenta atrás de un par de días, que si en aquella ocasión era de cara a la boda del protagonista, en esta ocasión es hasta la abdicación de Juan Carlos I. Y también intercalando y yuxtaponiendo secuencias de carretera, con otras de distintos grupos de gangsters secundarios, y con secuencias en las que los protagonistas intentan cumplir con su objetivo, sin llegar nunca a conseguirlo.

Arturo Valls, que no niego que pueda llegar a tener su público, aquí está completamente perdido, tratando de hacer algo que queda patente que no sabe hacer. La manera de hablar de Karra Elejalde (o de Santi Ugalde) hace gracia durante aproximadamente un par de frases, para el resto de la película oscilar entre la indiferencia y la vergüenza ajena. Y gran parte de las secuencias que pretenden ser de humor no llegan a funcionar, abusando de la escatología en muchos casos, o de malos entendidos. Con situaciones que ya hemos visto numerosísimas veces mucho mejor ejecutadas en otras ocasiones.

Donde en Airbag había un humor mucho más salvaje y personal, aquí te da la impresión de estar “Todos los defectos de viendo chistes reutilizaAirbag se repiten en dos de alguna entrega de Rey Gitano, mientras la saga de Torrente, aunapenas sí se pueden que no sea el caso. Como si fuera por cumplir el ver rastros de los expediente, en lugar de grandes aciertos de buscar algo que realmente llevara al espectador algo aquella.” más allá, a alguna zona algo más incómoda, por así decirlo.

En realidad, creo que solamente se pueden rescatar de toda la película un par de monólogos absolutamente magistrales por parte de Manuel Manquiña que, si hubiera justicia en este mundo, se convertirían en virales a través de YouTube y mucha gente memorizaría para usarlos en las más variopintas situaciones. Y sin embargo, esto no ocurrirá, porque la película será olvidada, con toda justicia, a la mayor brevedad posible.

Sé que es injusto comparar esta película con Airbag, al ser aquella una película absolutamente mítica. Pero es algo que hay que hacer, porque si no la comparamos con aquella, y tomamos Rey Gitano por lo que es en sí misma, creo que la crítica sería en realidad mucho peor. Es más, dudo muchísimo que una película como esta pudiera haberse llevado a cabo sin la existencia de Airbag. Con lo que todos hubiéramos salido ganando, en realidad.A

El problema fundamental aquí es el humor. O la ausencia de. El argumento principal no es ni lo suficientemente descabellado, ni divertido, ni interesante, como para ponernos en situación.

Revista Erebus - Agosto 2015

45

DOUBLE FEATURE E n principio, argumentalmente, las dos películas parecen no tener ningún punto en común. La historia de una asesina a sueldo que quiere tomar cumplida venganza contra sus excompañeros que intentaron matarla, y la de una mujer que recuerda algunos de los episodios de su vida en los que su adicción al sexo le afectó profundamente. Además, mientras Kill Bill tiene como referentes películas de samuráis y spaghetti westerns de serie B, el estilo de Von Trier en Nymphomaniac siempre es el de un cine europeo mucho más clásico y reflexivo, por lo que el tono en ambas películas, también parece a priori completamente diferente.

Pero realmente, sí que tienen muchos puntos en común. A nivel argumental las dos películas comienzan con la protagonista apalizada, medio muerta. Y vemos progresivamente, y de manera no lineal, cómo ha llegado hasta esa situación, y

46

lo que ocurre inmediatamente después. Si bien es cierto que Kill Bill se centra más en lo que sucede después, la venganza de la chica, mientras que Nymphomaniac pone el foco sobre lo que sucede antes, sobre lo que acaba conduciendo al desastre.

Estructural y estilísticamente también tienen importantes similitudes. Comenzando por que ambas películas en realidad están compuestas por dos partes cada una de ellas (subtituladas en ambos casos vol.1 y vol.2). Las dos cuentan también con una versión del director en la que ignoran la censura de algunos de sus elementos más fuertes. Censura que tuvieron que asumir para su estreno en salas comerciales. Ambas películas, además, están divididas en diferentes capítulos, en los que de manera no lineal nos van contando episodios más o menos independientes de la historia. Y en muchas ocasiones Revista Erebus - Agosto 2015

KILL BILL

(Quentin Tarantino, 2003)

NYMPHOMANIAC (Lars Von Trier, 2013)

Texto: Juan Romero Ilustración: Jesús Vázquez utilizando diferentes estilos, técnicas o tonos, para cada uno de esos capítulos. Por ejemplo, en ambas películas tenemos un capítulo íntegramente en blanco y negro.

Y de algún modo, las dos películas están también ligadas temáticamente. Es obvio que el elemento principal en cada una de las películas es diferente, siendo la venganza el motor de Kill Bill, y el placer y la culpa el eje de Nymphomaniac.

Pero sí que hay otros elementos temáticos comunes entre ambas. Comenzando por el feminismo de ambas películas. Un feminismo muy particular, evidentemente, que no dejamos de estar hablando de Tarantino y Von Trier.

Pero al fin y al cabo, ambas películas son protagonizadas por mujeres cuyo rol principal es uno históricamente masculino. La Novia de Kill Bill es una asesina a sueldo. El mundo de la mafia, los samuráis, la violencia y la venganza es un mundo eminentemente masculino, en el que nuestra protagonista es capaz de destacar.

Mientras que en Nymphomaniac, Joe hace gala de una libérrima sexualidad. Y si bien durante partes de la película la protagonista está hundida por un sentimiento de culpa, finalmente acaba haciendo ver que un hombre con un comportamiento parecido al suyo jamás hubiera tenido ningún tipo de problema o reproche, y que ella no debería sentirlo tampoco. Acaba apoyando de alguna manera la liberación de la mujer.

Y si entramos en zona de spoilers, hay una serie de elementos fundamentales para comprobar hasta qué punto estas dos películas hablan de lo mismo. Porque acabamos dándonos cuenta de que en ambos casos, el ataque que deja a la protagonista medio muerta en el arranque de la película es cometido por el amor de su vida. Y si analizamos los motivos que llevan a ese ataque Revista Erebus - Agosto 2015

encontramos algo muy interesante. En ambos casos relacionados con la maternidad de la protagonista, y cómo compaginarla con ese estilo de vida que lleva. Lo cual nos lleva de nuevo a puntos de vista feminista. En Kill Bill, la protagonista, al darse cuenta de que está embarazada, decide que tiene que dejar la vida que ha llevado hasta ese momento. Tiene que buscar una vida “normal” para poder criar a su hija en las mejores condiciones. Y abandona a su pareja para intentar conseguirlo. La protagonista de Nymphomaniac, sin embargo, es incapaz de renunciar a su antigua vida, ni siquiera por su hijo. Y en esta ocasión, el resultado es el contrario. Es la pareja de la protagonista quien la abandona, llevándose a su hijo con él. En ninguno de los dos casos, la pareja de la protagonista es capaz de asumir la decisión que toma ella en cuanto a su maternidad, y lo que quiere hacer con su vida. Y ahí surge el conflicto entre ellos. En los dos casos las protagonistas acaban siendo atacadas por él. Y en realidad, en ambos casos, las dos protagonistas deciden que tienen que matar al amor de su vida para poder liberarse del todo.

Las dos películas acaban siendo una historia sobre una mujer que toma un camino históricamente vetado a las mujeres. Ese camino acaba entrando en conflicto con su condición de madre, y tienen que tomar una decisión. Y la decisión que toman, tanto si es en un sentido como en el otro, acaba superando ese conflicto interior de la protagonista, para convertirse en un conflicto con su pareja y amor de su vida.

Que acaba irremediablemente en la destrucción de esa pareja. A

47

Los documentales usan siempre las técnicas del drama, el drama usa siempre las técnicas del documental. Siempre ha habido una amalgama.

• ASIF KAPADIA

Blind Blind / Noruega / 2014 Dir.: Eskil Vogt

Rep.: Ellen Dorritt Petersen, Vera Vitali, Henrik Rafaelsen, Marius Kolbenstvedt, Stella Kvam Young

Texto: José M. Aparicio

D

icen que no se puede imaginar lo que no se ha visto antes. Es decir, los que nacen sin capacidad para ver, no podrán imaginar las cosas que les rodean. Al menos no con las formas y colores que los demás vemos. En cambio, los que quedaron ciegos después de un tiempo de recabar información visual, pueden seguir soñando con ello, visualizándolo en sus pensamientos hasta que poco a poco se van desvaneciendo esos recuerdos.

50

La opera prima del noruego Eskil Vogt nos habla desde la calma, la inquietante banda sonora, los logrados efectos de sonido y la sobria fotografía, de una ciega, Ingrid, interpretada con solvencia por Ellen Dorrit Petersen, que después de perder en algún momento de su vida ya adulta la vista por una enfermedad degenerativa de los ojos, se ve recluida en su casa y utiliza su imaginación para evadirse de su complicado estado y no perder la cabeza, ya que se niega a salir a la

Revista Erebus - Agosto 2015

Blind (Eskil Vogt, 2014)

calle a pesar de la insistencia de su marido que sufre viendo que poco a poco se va encerrando más en sí misma.

Con una narrativa centrada en los detalles, en intentar mostrarnos el tacto, que busca lo extrasensorial, la película nos adentra en las vidas de varios personajes que vemos actuar apoyados en la narración en off de Ingrid sobre ellos.

Uno es el propio marido de Ingrid, Morten (Henrik Rafaelsen), un tipo aburrido y previsible que pasa el día en el trabajo y luego repite rutina día a día cuando vuelve a casa. Otro es Einar (Marius Kolbenstvedt), fetichista, solitario, falto de amor y cariño que gasta el tiempo en ver pornografía y en soñar que sus fantasías se convierten en realidad con las mujeres que se cruza por la calle. Una de estas mujeres es su vecina de enfrente, a la que observa por la ventana día sí y día también añorando estar sentado a su lado en el mismo sofá viendo la tele juntos.

Elin (Vera Vitali), que así se llama esta chica, es también una solitaria a su manera. Tiene amigos pero están en su país natal, Suecia, de donde tuvo que emigrar para trabajar de maestra. Todo el tiempo libre que tiene gracias a su trabajo se vuelve en su contra y solo disfruta cuando está con su hijo, fruto de una antigua relación.

Durante la presentación de estos personajes intuimos que algunas cosas realmente extrañas están pasando. Por ejemplo, el hijo de Elin de repente muta de una escena a otra y se convierte en una niña. Ya no hay niño, ahora es niña, sin explicación y sin la más mínima sorpresa en la madre. Esto es común durante una parte de la película, sobre todo en algunos escenarios y nos indica que la historia que está narrando Ingrid

Revista Erebus - Agosto 2015

va cambiando al antojo de esta y sus desvaríos, sus cambios de opinión o sus fallos de memoria fotográfica. Porque sí, lo que vemos en pantalla es una mezcla de la realidad con el relato que Ingrid visualiza en “La historia que está su cabeza y no sé sabe muy bien cuando estanarrando Ingrid va mos viendo algo que cambiando a su antojo. ocurre o ha ocurrido y algo que tan solo pasa Lo que vemos en pantalla en la mente de Ingrid. mezcla la realidad con Aunque según avanza el relato que Ingrid la película y la vemos escribir un par de veces visualiza en su cabeza.” en su portatil lo que va imaginando, intercalando su escritura con lo que se supone que está escribiendo, nos hacen ver que lo que les va pasando a los personajes es producto del relato que ella está escribiendo.

A partir de aquí las escenas en las que Ingrid está creando su propio mundo se entremezclan, y va mimetizándose con sus propios personajes llegando a volcar sus problemas y sus miedos en Elin, fusionándose con ella. El sexo está presente durante todo el metraje como una obsesión de la protagonista, que lo refleja en sus pensamientos y en sus miedos. Todo camina hacia la confusión y el desajuste y desemboca en un final que no desentona con lo que hemos visto previamente y que a mí particularmente me deja satisfecho.

El film no cae en la condescendencia ni el melodrama y sabe sacar provecho de sus virtudes y esconder sus defectos. A

51

Entourage (El séquito) Entourage / USA / 2015 Dir.: Doug Ellin Texto: José M. Aparicio

B

asada en la serie de HBO del mismo nombre emitida entre 2004 y 2011, Entourage nos muestra la vida de un conocido y exitoso actor de Hollywood, Vince Chase (Adrian Grenier) que subió a la cumbre del cine americano gracias a su papel de superhéroe en la película Aquaman. La particularidad de Vince, y de ahí el título de la cinta es que se llevó a sus amigos de toda la vida a vivir con él a Hollywood.

52

Rep.: Adrian Grenier, Jeremy Piven, Jerry Ferrara, Kevin Connolly, Ronda Rousey, Mindy Robinson, Kevin Dillon, Constance Zimmer

Son su séquito, que le acompañan allá donde va y le ayudan a tomar decisiones sobre su carrera, sobre el catering de sus fiestas y cómo no, sobre las chicas que se pasa por la piedra. Realmente se puede disfrutar sin haber visto antes la serie aunque para apreciar todos los detalles, cameos y conocer a la mayoría de secundarios que aportan su granito de arena en forma de escena graciosa es recomendable haberla seguido previamente.

Revista Erebus - Agosto 2015

El séquito (Entourage, Doug Ellin, 2015)

La sensación que queda después de terminarla es de que has visto una nueva temporada condensada y que no desmerece a ninguna de las antes vistas.

Volviendo a los personajes principales, destaca entre ellos el hermano del protagonista Drama (Kevin Dillon), también actor, que empezó con un papel principal de cierto éxito pero que pasó desde ahí a ser un eterno secundario con papeles nada destacables y que lleva toda su carrera viviendo a la sombra de su más talentoso y más guapo hermano. Un perdedor que después de ocho temporadas de la serie solo consiguió ir de fracaso en fracaso. Pero él no pierde la esperanza y sueña con alcanzar algún día el éxito a pesar de que su carrera está más que estancada y sus capacidades como actor son vistas como muy limitadas para el resto del mundo. Después tenemos a Tortuga y Eric, dos amigos de la infancia que le hacen de chófer y asistente personal respectivamente. El primero, después de pasarse la serie completa siendo un gordo Kubiac y un mantenido por Vince, incluso viviendo en su casa, muestra aquí su transformación en multimillonario empresario de éxito y estilizado cuerpo gracias a su empresa de tequilas que arrasa en el mercado y supongo que a la dieta y el ejercicio. El segundo, a punto de ser padre del hijo de su exmujer, intenta recuperarla por todos los medios aunque mientras tanto no pierde el tiempo con las que se le ponen a tiro.

Las aventuras de esta cuadrilla junto al exagente de Vince, Ari Gold (Jeremy Piven), ahora flamantemente convertido en directivo de un estudio de cine, nos divierten durante los 100 minutos de duración con ritmo y gracia. Con un guion sin excesos pero sin remilgos y un decente montaje se nos van presentando los entresijos del mundo del cine y las dificultades que se les presentan cuando Vince decide que ha llegado su momento de ponerse detrás de las cámaras y

Revista Erebus - Agosto 2015

dirigir su primer largo. Una apuesta arriesgada que Ari consigue sacar adelante ante la negativa de la mayoría del consejo de su estudio, lo que va a hacer que se juegue el puesto por ayudar a su amigo a cumplir su sueño. Cuando la película se sale del pre“La sensación que deja supuesto inicialmente previsto, Ari tendrá es de que has visto que visitar al producuna nueva temporada, tor, un acaudalado tipo de Texas con un hijo condensada, de la serie. un poco extravagante Y que no desmerece (un gordito Haley Joel a ninguna de las Osment), para pedirle más dinero. El hijo viaja anteriores” de vuelta con Ari para ver la película y decidir si se aporta más capital y claro está, esto creará unos cuantos problemas a nuestros amigos.

Hay decenas de cameos de gente famosa de Hollywood haciendo de ellos mismos que a mí personalmente se me escapan ya que no parecen muy conocidos para nosotros, el público allende los mares. Algunos de los que sí se reconocen con facilidad son: Mike Tyson, Emily Ratajkowski, Billy Bob Thorton, Pharrell, Liam Neeson, Jessica Alba, Warren Buffet, Mark Wahlberg. Precisamente la importancia de este último es capital ya que la serie en su origen está basada en su vida real. Sí, así es, el bueno de Mark se llevó a su gente de toda la vida a vivir su experiencia de abrirse paso en el mundo de la interpretación. En un principio la cadena le ofreció hacer un reality show mostrando su día a día con ellos y aunque declinó amablemente la posibilidad de que todas sus travesuras fuesen de dominio público sí aceptó crear y producir la ficción que años después se rubricaría con esta película.A

53

Aprendiendo a conducir Learning to drive / USA / 2014 Dir.: Isabel Coixet

Rep.: Ben Kingsley, Patricia Clarkson, Grace Gummer, Sarita Chodhury.

Texto: Juan Romero

E

n Aprendiendo a conducir se nos relata la improbable amistad que surge en Nueva York entre una escritora en proceso de divorcio, interpretada por Patricia Clarkson y un inmigrante indio, al que da vida Ben Kingsley, que trabaja como taxista y profesor de autoescuela. Tras un primer encuentro fortuito, la escritora decide tomar clases de conducir con él para asentar su independencia una vez se divorcie.

medianamente especial, o memorable. Ni la historia es de esas que te atrapan, ni hay un solo elemento que destaque sobre los demás. Sino que todo está ejecutado de una manera sencilla y limpia, cumpliendo perfectamente con las pretensiones de hacer una película pequeñita y simple. Agradable cuando la estás viendo, y perfectamente olvidable unos minutos después. A

En esta ocasión, Isabel Coixet se aleja del estilo de los densos dramas por los que se hizo famosa para ofrecernos una película mucho más sencilla, ligera y buenrollera. Podría sorprender este cambio de registro en la catalana, pero en realidad ya había coqueteado previamente con el documental y con el thriller. Y, desde luego, es evidente que en este terreno se siente mucho más cómoda que en aquellos, y el resultado es más que correcto.

Y es que correcto es, probablemente, la palabra que mejor se ajusta a esta película. No hay absolutamente nada que haga de esta película algo

54

Revista Erebus - Agosto 2015

Lo que hacemos en las sombras What we do in the shadows / Nueva Zelanda / 2014 Dir.: Taika Cohen, Jemaine Clement

Rep.: Jemaine Clement, Taika Cohen, Jonathan Brugh, Cori Gonzales-Macuer.

Texto: Juan Romero

L

o que hacemos en las sombras es un falso documental neozelandés que sigue a un grupo de vampiros que comparten piso durante su vida cotidiana. Desde cómo conseguir comida, a cómo ocultar su identidad para evitar cazavampiros, pasando por cómo se reparten las tareas domésticas, o sus relaciones con otros seres de la noche como hombres lobo o muertos vivientes. Evidentemente, todo ello contado en tono de humor.

La película comienza realmente bien, y en seguida te encuentras atrapado por el formato de la misma, que posiblemente sea una de las pocas cosas realmente novedosas que se puede encontrar hoy en día en el sobresaturado universo de los vampiros en el cine; y por el carisma del vampiro protagonista. Sin embargo, las limitaciones propias del género del falso documental se hacen presentes demasiado pronto, y empieza a dar la impresión de que la película no tiene un desarrollo claro, y va a optar por algo parecido a una sucesión de sketches sin un arco argumental mayor. Además, el formato también hace que muchas de las secuencias sean algo aburridas, al intentar contar el día a día cotidiano de los vampiros. Es algo buscado, como digo, pero no deja de ser una limitación más para la película.

Revista Erebus - Agosto 2015

En cualquier caso, la película da lo que promete.

Que estamos hablando de un falso documental cómico neozelandés sobre la vida cotidiana de unos vampiros. No puedes esperar una grandísima película, y te tienes que conformar con situaciones descabelladas que hagan reír, apostar por el realismo al máximo posible, limitando las transformaciones y los sustos a la mínima expresión, y que los protas desprendan el carisma suficiente como para que te tengan entretenido durante la película. Y todo eso lo consigue realmente bien, la verdad.

Marcada, tanto para lo bueno como para lo malo, por la propuesta de falso documental, la película alterna momentos extraordinarios, con otras secuencias menos inspiradas. Pero en cualquier caso, lo variado de las diferentes situaciones y la escasa duración de la película, hace que en ningún momento llegue a saturar ese estilo, y funcione perfectamente.

Lo que hacemos en las sombras es, pues, una interesante propuesta para todo aquel que se sienta atraído por la premisa, y que espere encontrar en ella algo de entretenimiento sin muchas pretensiones.A

55

Una historia real True Story / USA / 2015 Dir.: Rupert Goold

Rep.: Jonah Hill, James Franco, Felicity Jones, Ethan Suplee.

Texto: Juan Romero

U

n hombre es detenido, acusado de asesinar a toda su familia. Durante su huída, usa como alias el nombre de un conocido periodista del New York Times. De manera paralela, este periodista cae en desgracia por tergiversar la verdad en favor de su carrera.

Cuando es detenido, el presunto asesino solicita que dicho periodista le entreviste en exclusiva.

A lo que este accede, debido a sus problemas para continuar con su profesión. Durante las sucesivas charlas se va dibujando la relación entre ambos, y van apareciendo dudas acerca de qué partes de la historia que cuenta el detenido son ciertas o no, y cuál es la conexión entre los dos protagonistas.

La estructura de un acusado que entabla una relación con alguien de fuera, a quien intenta manipular en su propio beneficio, no es nueva en absoluto. La primera diferencia que encontramos en esta película es que, en este caso, los protagonistas no son Ed Norton y Richard Gere.

O Sean Penn y Susan Sarandon. No. En esta ocasión, el prisionero es James Franco, mientras que el periodista es Jonah Hill. Y no. No es una comedia, aunque Ethan Suplee tenga también por ahí un papel secundario.

James Franco destaca en el duelo directo con Jonah Hill, demostrando una vez más que es el mejor actor de entre el grupo de cómicos norteamericanos de su generación, y por momentos deja muestras de su enorme talento. Evidentemente, un escalón por debajo de los Norton o Penn de

56

los que hablaba antes. Y el resto del elenco se limita a estar por ahí, incluyendo una Felicity Jones a la que hacer de esposa florero del protagonista, sin aportar absolutamente nada, se le está empezando a dar realmente bien.

Pero, aunque no son brillantes, las interpretaciones no son el gran problema de la película, sino la historia en sí. Uno nunca termina de entender en qué consiste la relación de los protagonista. O las motivaciones detrás de sus engaños y manipulaciones. Y la película transita por los problemas personales de los protagonistas, sus conversaciones, las investigaciones policiales o el juicio, sin tener muy claro nunca qué es lo que realmente quiere contar.

Por tanto, creo que gran parte de la culpa de que la película acabe fracasando debería recaer sobre los hombros del director debutante Rupert Goold, el cual también adaptó el libro en el que se basa la historia original de la película, escrito por el propio periodista al que da vida Jonah Hill. La película, que no empieza mal, y que tiene una premisa interesante, acaba siendo convirtiéndose en algo totalmente plano, predecible y aburrido. Tanto que uno espera que se produzca algún giro barato que aporte algún tipo de interés a la trama, pero este giro no se produce, y el resto de la película sigue siendo igual de prescindible. Carne de telefilm, si no fuera por los nombres de la pareja protagonista. A

Revista Erebus - Agosto 2015

Elsa & Fred Elsa & Fred / USA / 2014 Dir.: Michael Radford Texto: José M. Aparicio

S

igue Hollywood haciendo sus propias versiones de películas de éxito de otros países. Esta vez les dio por mirar al sur, a la Argentina, donde hace diez años nuestro entrañable Manuel Alexandre protagonizó una comedia romántica senil sin muchas pretensiones pero bien considerada por público y crítica.

Como norma general, yo aconsejo huir de estas versiones y ponerse el original otra vez. Estos remakes no suelen ser muy fieles al film en el que se basan más allá del argumento ya que la industria del cine por antonomasia gusta de retocar y americanizar todo lo que copia por ahí. Bien, pues dicho esto, ignoro si en este caso a los guionistas no les apetecía trabajar mucho o los productores decidieron que los argentinos habían creado la historia perfecta, pero lo que han hecho es coger el libreto de la original y copiarlo frase por frase, localización por localización, mirada por mirada. Solo un nuevo objeto es añadido al relato que da para diez o doce frases hablando sobre él y un par de escenas nuevas. Es curioso que después de ser tan fiel al guion original, una de estas escenas nuevas sirva para cambiar el final, aunque no nos quejaremos porque es prácticamente la mejor de la película.

La historia nos presenta a Elsa (Shirley MacLaine) y Fred (Christopher Plummer).

Permitidme pararme en ellos antes de seguir con la sinopsis. Simplemente están espléndidos.

Podrían dejar de hacer películas y dar lecciones de interpretación a unos cuantos jóvenes y no tan jóvenes que se ven por las pantallas de vez en cuando. O mejor, que sigan haciendo películas y

Revista Erebus - Agosto 2015

Rep.: Shirley MacLaine, Christopher Plummer, Marcia Gay Harden, Scott Bakula, James Brolin se las pongan a cualquiera que quiera aprender.

No es que vayan a ganar ningún premio por este papel, no me he vuelto loco, pero es de alabar que actores tan reputados sigan poniendo tanta pasión en sus últimas películas como ponían en las primeras y den vida y saquen jugo a personajes que sin ellos no pasarían de mediocres.

Volviendo a lo que estábamos: Los dos octogenarios pasan a ser vecinos cuando él se muda al piso enfrente del de ella después de la muerte de su esposa. La mudanza es obligada por su hija que no soporta la apatía y dejadez en la que ha entrado su padre y busca un cambio que le anime y le despierte. Lo que no espera Fred es que ese cambio venga en forma de corazón. Elsa sueña con ser la Anita Ekberg de La Dolce Vita repasando una y otra vez en su televisor la escena de la Fontana Di Trevi mientras Fred se recluye en su casa cansado y aburrido de vivir. La insistencia de ella y sus cuentos fantásticos sobre su vida pasada acaban por derribar el muro que él planta entre sí mismo y el mundo.

No hay nada que no hayamos visto antes. La narración es bastante convencional y el desarrollo previsible, así que el film va avanzando provocando poco entusiasmo pero sin llegar a aburrir. Apoyado en unos decentes diálogos y en unos más que correctos secundarios que interpretan a los hijos de los ancianos nos vamos entreteniendo con las locuras de Elsa y los malhumores de Fred. En resumen, comedia ligera sobre el amor en la senectud que no dejará poso pero que puede robarte un poco de tu tiempo para bien. A

57

Número 4 - Agosto 2015

Creación, contenido y diseño Colaboraciones

Alberte Álvarez Juan Romero José M. Aparicio Beatriz López Enrique Remírez Alfonso Romero Jesús Vázquez

¿Te interesa colaborar en la revista? ¿Tienes preguntas. comentarios o sugerencias? ¡Escríbenos al correo electrónico! revistaerebus@gmail.com

Alberte Álvarez Soy ingeniero forestal y trabajo en el desdichado mundo del I+D. Mi película favorita es Apocalypse Now y soy un groupie de Aki Kaurismäki, Truffaut, Wes Anderson, Yasujirō Ozu, Ken Loach, Sidney Lumet, Ingmar Bergman, Jarmusch o Haneke entre otros y otras muchas.

Juan Romero Me apasiona el cine y me gusta escribir, así que participar en un proyecto así era el paso natural. El poco tiempo que me queda libre después de ver películas y escribir sobre ellas lo dedico a hacer cortos.

José M. Aparicio Disfruto hablando de cine tanto como viéndolo. Me encanta escribir y gracias a este proyecto tengo la oportunidad de compartir mis opiniones y aprender con mis compañeros más de este maravilloso arte.

Síguenos

www.facebook.com/ revistaerebus

issuu.com/revistaerebus

www.twitter.com/ revistaerebus

Página web www.revistaerebus.com

Beatriz López Ingeniera en curso y artista frustrada. Me encanta el cine, dibujar y escuchar música. Obsesionada con los años 40, 50 y 60 es lógico que mi estilo sea Pin-up.

Enrique Remírez Habitante de una sociedad distópica, tengo la gran fortuna de poder recurrir al cine, los libros y los cómics para evadirme de la realidad.

Tú Te estamos esperando para que seas nuestra próxima colaboradora.

Si quieres, ya sabes: revistaerebus@gmail.com

Editado en Madrid por Alberte Álvarez Gil Imágenes: Getty Images, Wikipedia Commons, cinearchive.org, Fickr, amarnamiller.com.

Revista Erebus - Agosto 2015

ISSN: 2444-1406

59