Revista Erebus. Febrero 2016 by Revista Erebus

Contenido

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EDITORIAL

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ENSAYOS #OscarsSoWhite Roar

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CRÍTICAS El hijo de Saúl Los odiosos Ocho La juventud La gran apuesta Steve Jobs Spotlight Joy

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LISTA En nuestra lista de mes, recordamos las incursiones en el cine del recientemente fallecido David Bowie.

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EN CORTO Especial Amor en pequeñas dosis. (Me & You / Offline Dating He took his skin off for me)

Editorial

o adelantaba Juan Romero en el número de diciembre respecto a la categoría de comedia en los Globos de Oro. “Una película en la que hay tres o cuatro chascarrillos en dos horas y media no puede ser considerada comedia de ninguna de las maneras”. Pues bien, la película de la que él hablaba, Marte de Ridley Scott, se alzó con el premio a mejor Película de comedia o musical en los Globos de Oro. Absolutamente demencial Pero las polémicas en los premios no se acaban ahí. En este número Juan vuelve a la carga, esta vez analizando la polémica que se ha desatado tras las críticas de los afroamericanos al verse infrarrepresentados entre los nominados a los premios Oscar. El fenómeno #OscarsSoWhite puede que no tenga que ver con el desprecio hacia los actores, actrices y directores negros, sino que venga como consecuencia de algo más profundo en la industria hollywoodiense.

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Pues ya cargada de polémica y emoción, la gala de los Oscar promete tener algunos puntos de interés, como podría ser el primer Oscar de Leonardo Dicaprio. Es por ello que hemos decidido seguir la gala en directo a través de Twitter. Esperamos que nos acompañéis para que valga la pena el madrugón. Y sin más, os dejamos con este nuevo número, que sale pese a las dificultades que hemos tenido este mes para encontrar tiempo para escribir, justo cuando tantas buenas películas han ido saliendo. Aun así nos hemos esforzado al máximo y os traemos una gran mayoría de las que se han estrenado en enero. Durante el mes de febrero contamos con estar al 100% para tener un número de marzo espectacular. Y ya sabéis: ¡a seguirnos en las redes sociales para estar al día! A

Oscars so white

Oscars so white Por Juan Romero

o es la primera ni la segunda vez que ocurre. Cada vez que, por el motivo que sea, nos encontramos con que en las categorías principales de los Oscars no hay ningún nominado de raza negra, surge una imparable corriente que acusa a la Academia de racismo, solicita cambios urgentes, y propone medidas de boicot contra los premios. Este año, si cabe, esas protestas se han recrudecido. Entre otras cosas porque es el segundo año consecutivo en el que no hay ni un solo negro entre los nominados a las cuatro categorías que hay para los actores y la categoría de director. Ya el año pasado se levantaron importantes voces contra este fenómeno y la presidenta de la Academia promulgó durante el año una serie de medidas para intentar ir solucionando este problema. Este año, como digo, las reacciones han sido mucho más intensas por parte de un importante número de gente dentro del mundo del cine, y la propia presidenta ha promovido, en apenas unos días y sin consultar al grueso de la Academia, algunas medidas, mucho más profundas aún, para intentar ir cambiando la composición de la Academia hacia una estructura mucho más diversa. Pienso en todo caso que la situación es mucho más compleja de lo que algunos hacen ver con sus posturas, y tiene al menos tres vertientes muy

diferentes que estaría bien analizar, antes de ponerse a despotricar o legislar en caliente. En primer lugar tenemos el hecho en sí de la falta de nominaciones de negros a las principales categorías de este año. Probablemente las opciones más realistas de esta temporada estaban en los directores y protagonistas de Straight Outta Compton y Creed, por un lado, y el papel de Idris Elba como secundario en Beasts of no nation, o el de Samuel L. Jackson como protagonista en Los Odiosos Ocho. Pienso que es bastante razonable opinar que, salvo quizás el caso de Idris Elba, ninguna de las otras posibilidades mejora de manera sustancial los que han sido nominados, sinceramente. Me parece lo más probable que en este caso sea una cuestión mucho más del nivel de las opciones que de la raza de las mismas. Además, por un lado es probable que Beasts of no Nation tuviera el hándicap de ser una película estrenada directamente bajo video on demand por Netflix, y por otro es bastante probable que el rechazo a Straight Outta Compton y a Creed, si lo hubiera y no fuera una mera cuestión de calidad y nivel, que es lo que me parece a mí, sería mucho más por una cuestión de edad que de raza. Son películas que entran mucho mejor a gente más joven, que

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Oscars so white

a gente de edad más avanzada, que es la que suele componer la Academia. Por tanto, al menos este año, creo que hay motivos suficientes, en primer lugar por una cuestión de calidad, pero también por otras razones colaterales en mi opinión mucho más importantes que la raza, para que no haya nominaciones de negros en las categorías principales este año. Otro tema, evidentemente, sería el por qué hay tan pocas opciones de actores o directores negros para elegir cada año. Y ese es un problema claro y grave que sí que pienso que tiene la industria cinematográfica en sí misma. Igual que ocurre con el tema de las mujeres, y con el tema de otras minorías, por cierto. En los últimos tres años tampoco ha habido ni un solo actor latino nominado en ninguna de las categorías, pese a grandes interpretaciones de Joaquin Phoenix, Oscar Isaac o Benicio del Toro, por poner sólo algunos ejemplos. Si bien Cuarón e Iñárritu, apoyados ambos por el Chivo Lubezki, han conseguido mantener la cuota latina durante las ceremonias. Y en cuanto a las mujeres, pienso que es revelador ver que también durante los últimos tres años, tres de cada cuatro actores masculinos son nominados por una película nominada a mejor película, mientras que menos de la mitad

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de las actrices están en la misma situación. Cosa que creo que habla a las claras del hecho de que es mucho más difícil encontrar papeles interesantes para las mujeres en películas importantes que para los hombres. En cualquier caso, insisto, esto es un problema que hay que focalizar en la Industria en sí misma, y no en la cuestión de la elección de premios. El hecho de que no haya diversidad en las nominaciones no es problema de que la Academia ignore a las minorías. Sino que esas minorías no son capaces de tener representación importante en el cine por culpa de la Industria. Y ese es un problema muy difícil de cambiar, evidentemente. ¿Cómo le dices a los grandes estudios que las películas más importantes tienen que estar protagonizadas por mujeres, o que los negros o latinos tienen que ser los héroes y no los villanos? Cuando además, la Industria, como su propio nombre indica, está ahí para conseguir hacer dinero, y busca las fórmulas más fáciles. Desde luego, sería lo ideal poder decirle a la Industria que fuera más diversa. Yo lo haría. Igual que haría que dedicara más recursos a otro tipo de películas que no fueran secuelas y remakes elefantiásicos una y otra vez, y así gente como Charlie Kaufman o Shane Carruth no tuvieran

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que pasarse tres o cuatro años de su vida mendigando literalmente algo de dinero para poder sacar adelante sus proyectos, teniendo finalmente que abandonarlos. Pero, desgraciadamente, son cosas que no se pueden hacer. Así pues, la gente se dedica a hacer lo que sí puede hacer. Spike Lee o el matrimonio Will Smith y Jada Pinkett, por ejemplo, boicotean la gala porque no hay nominados de color. Cosa que me parece bastante fuera de lugar. Fundamentalmente porque el hecho de que nominen a negros para los Oscars, o incluso consigan ganar el premio, no ayuda de manera decisiva a cambiar la situación de la industria, en absoluto. Veamos que hace ocho o diez años era muy habitual encontrar presencia negra entre los candidatos y ganadores, y la situación de esas minorías no es a día de hoy sustancialmente mejor de lo que lo era entonces. Más bien al contrario. En cualquier caso, si sirve para llamar la atención acerca de la situación de las minorías y las mujeres en la industria, bienvenido sea. Pero da la impresión de que es solamente una pataleta de una serie de gente que quiere una cierta cuota de presencia en un determinado evento, más que una lucha real por una causa justa. Un Spike Lee que recibió hace solamente unos meses, correspondiente al presente curso que se cierra con la próxima entrega de premios, el Oscar Honorífico por toda su carrera de manos de una Academia a la que ahora ataca vilmente. Y un Will Smith nominado un par de veces para el Oscar (derrotado en ellas precisamente por Denzel Washington y Forest Whitaker). Una reacción que tiene un inevitable aire de pataleta al no haber sido reconocidos por sus respectivas películas de este año (Chi-Raq y Concussion). Y si para algunos ese boicot es lo máximo que pueden hacer, hay otros, con más poder, que llevan a cabo acciones mucho más contundentes. Como

la presidenta de la Academia, Cheryl Boone Isaac. Porque la composición de la Academia sería el tercer punto de vista a analizar en toda esta situación. No se sabe con exactitud la composición demográfica de la academia, pero hay ciertos datos que apuntan a que es extremadamente blanca (rondando el 90%), masculina (más del 75%) y de avanzada edad (unos 63 años como edad media). Lo cual hace, evidentemente, que haya un cierto tipo de películas que representa mejor que otras los gustos de la Academia. Cosa que ha sido siempre así, y es uno de los motivos por los que de manera sistemática hay cierto tipo de películas que son ninguneadas por la Academia una y otra vez, por cierto. No solo pone más difícil a los actores pertenecientes a las minorías conseguir optar a los premios, por ser generalmente un tipo de películas que les interesan menos (aunque insisto en que este año pienso que el principal motivo es la calidad de las opciones), sino que por ejemplo hace que este año pasen por alto las interpretaciones de Charlize Theron, Emily Blunt o incluso Daisy Ridley. Porque es impensable que una mujer que protagoniza una cinta de acción esté en el radar de la Academia. En ese sentido, La presidenta de la Academia ya tomó una serie de medidas en los últimos años, aumentando el número de nuevos académicos anuales, y fomentando la diversidad entre estos nuevos miembros, primando no solo a mujeres, latinos y negros, sino también a europeos o asiáticos. Pero evidentemente es un proceso extremadamente lento, y en el que hay que andar con cuidado. Porque no debemos olvidar que en última instancia la Academia intenta representar a la Industria. Y la Industria es como es. Es obvio que hay que hacer cambios y es hasta

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Oscars so white

necesario fomentar la presencia de nuevos puntos de vista dentro de la Academia. Y el trabajo de la Presidenta en ese sentido en estos últimos años es loable y va por el buen camino, sin duda. Sin embargo, la presidenta de la Academia, al ver las nominaciones de este año, opina que el cambio no se produce todo lo rápido que ella querría, y apenas una semana después de las mismas convoca a la mesa directiva de la Academia. Y aprueba una serie de medidas, no solo para fomentar la entrada, tanto en la Academia como en los órganos directivos, de gente de orígenes diversos; sino que decreta retirar el voto a los Académicos que lleven 10 años sin trabajar en el mundo del cine, a no ser que hayan estado en el mundillo durante al menos tres décadas o hayan sido nominados alguna vez al Oscar. Sin consultarlo además con el resto de la Academia. Intenta así rejuvenecer la Academia, desde luego. Pero lo hace en mi opinión de una manera demasiado brusca, llevándose por delante a gente a la que no debería. Y, desde luego, sin la deliberación que sería necesaria. En cualquier caso, estaba claro que la Academia necesitaba hacer algo para ajustarse más a los tiempos que corren. Y no está mal que funcione como punta de lanza para afrontar unos

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cambios en la Industria en general que son absolutamente necesarios. Pero no deja de ser cierto que se hace por los motivos equivocados, tomando decisiones altamente discutibles, y que además seguramente no contribuyan de manera decisiva al problema principal por el que hay tan pocos representantes de las minorías en los premios de la Academia. En todo caso, es una polémica que está abocada a repetirse, porque los premios de la Academia siempre van a subrayar las tendencias de una Industria que no trata bien a las minorías. Además, tras este tipo de reacciones, el próximo actor negro que nominen va a estar evidentemente bajo el microscopio. Y alguien que no sea nominado a esa categoría podría pensar que se ha visto perjudicado de manera injusta por este tipo de campañas, considerar que el actor negro ha sido nominado para cumplir un determinado cupo y callar conciencias, y quejarse amargamente por ello. Y mantener así la polémica viva, en el otro sentido. Es una bonita triquiñuela de la casualidad, desde luego, que las nominaciones para los Oscar se anuncien de manera habitual el jueves anterior o posterior al día de Martin Luther King, Jr. A

Roar

Roar Por Juan Romero

on la polémica suscitada recientemente a raíz de la fotografía de Fran Rivera toreando una vaquilla con su hija en brazos y las discusiones acerca de la seguridad del menor, me veo obligado a recordar una de las situaciones relacionadas con el mundo del cine más extrañas que conozco. Una historia en la que dos padres enfrentaron a sus hijos, no al peligro relativo de que embista una vaquilla, sino a la compañía de un centenar de leones, tigres y jaguares. La extraordinaria historia de El Gran Rugido (Roar). A finales de los años sesenta, durante un rodaje en África, la actriz Tippi Hedren y su marido, el agente y productor Noel Marshall se encontraron con una finca abandonada que un grupo de leones habían tomado como suya. Y tuvieron una idea: hacer una película en la que un hombre vive rodeado de docenas de estos animales sueltos, en África, estudiándolos, hasta que un día viene su familia a visitarle, cuando él está fuera, y se encuentran con todo el panorama. Evidentemente, interpretando ellos y sus respectivos hijos (entre ellos una quinceañera Melanie Griffith), los papeles protagonistas. Parece que Hedren no había tenido suficiente con su encuentro con docenas de pájaros para

Hitchcock, y decidió que el siguiente paso natural eran leones. Ella y su marido pensaron que sería una estupenda idea. Expusieron su proyecto a un cuidador de animales de Los Angeles, quien les dijo que era imposible juntar por las buenas a 50 leones y pretender, no ya que actuasen en una película, sino que no se matasen entre ellos, o atacaran a cualquier persona que hubiera en los alrededores. Que para conseguir algo como eso los leones tendrían que convivir previamente entre ellos, y con humanos, durante años. Lógicamente, el matrimonio decidió entonces que tendrían que convivir durante un tiempo con los animales en su propia casa. El cuidador llevó un león adulto que vivió con ellos cinco días a la semana durante meses, y paulatinamente fueron adoptando crías de leones que vivían con la familia hasta que se hacían mayores y pasaban a una reserva que montaron en el desierto de Mojave. Cuando la policía, alertada por los vecinos, le comunicó al matrimonio Marshall-Hedren que no podían tener leones sueltos en la urbanización, la familia completa se mudó a la reserva, donde llevaron a cabo el grueso del rodaje. Utilizando para ello el dinero que Marshall había ganado produciendo El

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Roar

Exorcista, porque nadie en su sano juicio querría poner dinero para una película de semejantes características.

lo indiquen. A pesar de todo, el gran problema de la película no está ahí, sino en el tono de la misma.

Durante el rodaje se sucedieron los problemas, en forma de enfermedades de los animales, o inundaciones. Pero sobre todo, de ataques de las bestias al equipo y los actores, en la que prácticamente nadie salió indemne. A Melanie Griffith le tuvieron que reconstruir media cara, Tippi Hedren se rompió una pierna y Noel Marshall pilló gangrena. Al director de fotografía le tuvieron que coser el cuero cabelludo con 220 puntos de sutura y al ayudante de dirección le abrieron el cuello en canal. Tras más de diez años trabajando en ella, y 17 millones de dólares invertidos, la película fue un clamoroso desastre a todos los niveles.

Porque la película es, y pretende ser, a la vez una aventura familiar y una película de terror, en una mezcla absolutamente imposible. Y en esa mezcla demencial el espectador lo único que es capaz de sentir es estupefacción durante los 100 minutos que dura la película. El cerebro humano no es capaz de procesar lo que está viendo, y asistes a la proyección con la boca abierta durante todo el tiempo, y pensando que es imposible. Que aquello que estás viendo es imposible que exista. La película es terrible. Y es apasionante, a la vez.

Porque la película es absolutamente infumable. Durante los créditos ya avisan que los animales iban un poco a su bola, y por lo tanto lo justo es que compartieran los créditos de director y guionista con ellos. Y se nota, fundamentalmente en un guion tan incoherente que parece obvio que no ha sido escrito por un ser racional. La duda que tengo es si los animales colaboraron también en el lamentable montaje de la película. Porque desde luego lo parece, aunque no

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Seguramente sean esas mismas razones las que han hecho que recientemente haya habido un redescubrimiento de Roar. En estos tiempos que corren, la gente está ansiosa por descubrir este tipo de cosas que parece imposible que puedan existir. Para este relanzamiento de la película, una de las frases promocionales es: “Ningún animal fue dañado en la realización de esta película. 70 personas, entre equipo y actores, sí lo fueron”. Frase que me parece una absoluta genialidad. A

El hijo de Saúl Saul fia / Hungría / 2015 Dir.: László Nemes

Rep.: Géza Röhrig, Levente Molnár, Urs Rechn, Sándor Zsótér, Todd Charmont.

Texto: Juan Romero

l verla, resulta evidente por qué El hijo de Saul ha arrasado en la mayor parte de los festivales a los que ha acudido. Tenemos un director húngaro que ha trabajado con Béla Tarr. Tenemos una película dura y dramática, ambientada en un campo de concentración nazi. Y tenemos una estética y una forma narrativa con una personalidad propia y muy diferente a lo que suele ser habitual. Con todos esos ingredientes era de esperar que, a poco que sea una

buena película, fuera encumbrada por la crítica. Y así ha sido, porque evidentemente estamos ante una película realmente interesante. El argumento de la película gira en torno a un prisionero forzado a trabajar en las cámaras de gas y los crematorios de Auschwitz, que se ve decidido a procurar un entierro digno para un niño fallecido allí, a quien de alguna manera toma por su hijo. Pero realmente el argumento

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El hijo de Saúl (Saul fia, László Nemes, 2015)

no es más que una excusa, para mostrarnos, desde un punto de vista muy particular y concreto, ciertos elementos del funcionamiento de los campos de concentración y las barbaridades que sucedían allí. Posiblemente lo más destacado de El hijo de Saul sea la técnica con la que es rodada. Una relación de aspecto mucho más estrecha de lo que suele ser habitual hoy en día. Con una profundidad de campo muy limitada. Con los rostros, sobre todo del protagonista, enfocados casi siempre en primer plano. Y con unos colores muy apagados. Todos estos elementos hacen que las imágenes más duras y cruentas de la película queden siempre en un discreto segundo plano. Están ahí, presentes, pero en ningún momento son el foco de atención. Es un recurso muy interesante y acertado para una película de estas características, porque así se consigue transmitir esa sensación de que sabes lo que está ocurriendo, pero prefieres mirar para otro lado. Prefieres intentar olvidar que está sucediendo, pero no puedes. Y esa sensación es una aproximación realmente interesante para tratar el horror del holocausto, en el que durante demasiado tiempo la gente miraba para otro lado porque no quería ver lo que de alguna manera sabía que estaba sucediendo. Con esa elección, por tanto, resulta capital tener un actor principal con talento y carisma suficientes como para aguantar la práctica totalidad de la película con su rostro en primerísimo plano. Y en ese sentido Géza Röhrig da un auténtico recital, siendo capaz de transmitir todo lo necesario para el personaje a través de la mirada, a través de la expresión. La película, como digo, tiene todos los ingredientes para ser una auténtica maravilla. Y sin embargo no llega a conseguirlo, por culpa fundamentalmente del guion. El eje argumental, que es la preparación del entierro del niño, y la

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búsqueda de un rabino para poder llevarla a cabo, no es más que un McGuffin, una excusa para ir visitando las diferentes zonas del campo de concentración y poder ser testigos de los diferentes horrores que los soldados aplican en cada una de ellas. Durante dema“Las imágenes más siado tiempo de la película da la impresión de duras quedan siempre que el personaje avanza en un segundo plano. de un escenario a otro Así transmite la simple y únicamente para que el director nos sensación de saber lo pueda enseñar lo que sucede ahí. La presen- que ocurre, pero querer cia del protagonista en mirar para otro lado.” cada una de las situaciones está muy cogida por los pelos, y no se justifica del todo por la línea argumental. Llega un momento que la secuencia del personaje llegando a un sitio, explotando la tensión acumulada a su alrededor, y salvándose él en última instancia de un peligro que sí alcanza a muchos de sus compañeros da la sensación de que se repite demasiado y pierde gran parte de la fuerza que tenía. Además, al menos en mi caso particular, me da la impresión de que el objetivo del protagonista no llega a justificar todos los líos en los que se mete. Lo que hace que de alguna manera la historia concreta pierda interés, aunque nunca lo pierde la sensación de estar metido en el campo de concentración.. En cualquier caso, la película es muy contundente a pesar de ese guion excesivamente dirigido. El talento de todo el apartado técnico y del protagonista de la película es innegable. Y la película consigue perfectamente sus objetivos, de transmitir el terror y la brutalidad de la situación siempre en segundo plano, y centrándose en este caso en el personaje principal y la anécdota. Pero con la presencia inevitable del horror al fondo, por encima de todo y por encima de todos. A

Tratamos de ser muy comedidos. El cine parece cada vez más interesado en dar más y más. Creo que menos es más y el camino correcto era confiar en la imaginación de los espectadores para reconstruir algo que no puede ser reconstruido. Es su trabajo crear en la mente la experiencia del campo de exterminio. • LÁSZLÓ NEMES

Los odiosos ocho The hateful eight/ USA / 2015 Dir.: Quentin Tarantino Texto: Juan Romero

Rep.: Samuel L. Jackson, Kurt Russell, Jennifer Jason Leight, Bruce Dern, Tim Roth, Demian Bichir, Walton Goggins, Michael Madsen.

que quiere llevar a una prisionera al pueblo para que la ahorquen y sospecha que alguno de los que hay ahí reunidos puede ser un miembro de su banda e intentar liberarla.

l argumento de la película es relativamente sencillo. Una serie de personajes de lo más variopinto acaban teniendo que pasar un par de noches juntos en una caseta aislada por la nieve en medio de la nada. Cada uno de ellos tiene una agenda diferente, algunos parecen guardar algún secreto, y la tensión irá in crescendo entre ellos conforme avanzan las horas. En el centro de todos está un cazarrecompensas

A partir de un argumento a primera vista tan simple y sabiendo que está Tarantino a los mandos, uno espera una película llena de diálogos brillantes, numerosos giros y sorpresas en cuanto a la identidad y las intenciones de los diferentes

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Los odiosos ocho (The hateful eight, Quentin Tarantino, 2015)

protagonistas, violencia a raudales, notables interpretaciones y un exquisito aspecto visual. Los odiosos ocho lo consigue solo a medias. Y solo por momentos. La película es lenta. Extremadamente lenta en su tramo inicial. No llega a hacerse aburrida, por el inmenso talento de Tarantino para llevar las escenas, y el buen hacer de los actores, pero siempre da la sensación de que le falta mucho ritmo a la hora de sentar las bases iniciales de la película. Además, la división en capítulos de la historia, cosa ya habitual en las películas de Quentin Tarantino, tampoco le hace ningún bien. En otras ocasiones esa división en capítulos tenía su sentido, al contar diferentes puntos de vista de la historia, secuencias muy diferentes entre sí, distintos momentos temporales, o hasta historias paralelas que no tenían más que una relación tangencial con la historia principal. Y cada uno de los capítulos tenía un ritmo y una estructura propios, con su aumento de tensión y su clímax, antes de pasar al siguiente. En este caso, sin embargo, la división de al menos los tres primeros capítulos es mucho más arbitraria, sin haber una clara justificación para esa división. Y lastrando el ritmo habitual que sí suele conseguir Tarantino con ese tipo de divisiones, al no tener ningún momento de desenlace hasta que no llegamos al final de esa primera mitad de la película. Durante la segunda mitad de la película, la cosa cambia. Cuando volvemos del teórico entreacto, planeado por Tarantino y subrayado por su propia narración en off justo al comienzo del cuarto capítulo, pero suprimido para su estreno en cines convencionales, el ritmo de la película es otro, mucho más ágil, y multiplicando los momentos de tensión. Despega realmente y nos acaba ofreciendo gran parte de lo que nos prometía en un principio. En cualquier caso, y siendo notable esta segunda mitad, tampoco llega en ningún caso al nivel del mejor Tarantino. La resolución del argumento carece de la fuerza y la sorpresa que cabría esperar, y el capítulo del flashback, que es realmente brillante y uno de los puntos

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cumbre de la película, llega en un momento y en una situación en la que realmente aporta bastante poco para el argumento de la película en general, por lo que acaba dando la impresión de estar algo desaprovechado. Si en el apartado del guion Tarantino no está a la altura de sus mejores trabajos no se puede decir lo mismo del resto de los elementos de la pelí- “El guion no está a la cula. Tarantino es capaz altura de sus mejode manejar con un nivel res trabajos, pero absolutamente sobresaliente el resto de los Tarantino maneja de aspectos, desde la interpretación de los actores, manera sobresaliente entre los que destaca una el resto de los aspecJennifer Jason Leight que tos de la película.” es capaz de conseguir que mantengas la vista en ella siempre, aunque esté en un segundo plano, hasta la música del maestro Morricone. Pasando por una fotografía y unos encuadres de corte clásico que no se puede calificar de otra cosa que no sea espectacular, ayudado por el hecho de estar rodada en 70mm. Es una auténtica gozada sentarse a disfrutar de todo eso. Tengo la sensación de que el Tarantino director sigue creciendo a cada película que hace, llegando a ser uno de los más brillantes del panorama cinematográfico actual. Pero que como guionista ha dejado de ser infalible. Y a pesar de la brillantez puntual, hay ciertas partes de sus películas que no terminan de fluir todo lo bien que deberían.

The Hateful Eight no llega desde luego al nivel de las mejores películas de Tarantino. Pero en cualquier caso, los problemas de ritmo, sobre todo en la primera mitad, y la falta de algún elemento que hiciera brillar algo más un argumento demasiado sencillo, no empañan del todo el enorme talento de Tarantino para hacer disfrutar el espectador. Y a pesar de no ser una película brillante, The Hateful Eight no deja de ser una película realmente disfrutable. A

La Juventud Youth / Italia / 2015 Dir.: Paolo Sorrentino

Rep.: Michael Caine, Harvey Keitel, Rachel Weisz, Paul Dano, Jane Fonda, Madalina Diana Ghenea.

Texto: Alberte Álvarez

uelve Paolo Sorrentino, esta vez de la mano de figuras de primera talla mundial como Harvey Keitel, Michael Cane, Paul Dano, Rachel Weisz o Jane Fonda. Y lo hace para tratar de repetir el éxito de su anterior talk movie, aunque esta vez sin los resultados de brillantez que alcanzó con La gran belleza. Y es que las expectativas de alcanzar las cotas de su

anterior película juegan en contra de La juventud. Donde allí era pasión y desborde, aquí es calma y contención. Sólo en algunos momentos puntuales la película se permite salirse de sí misma por completo. En La juventud nos encontramos en un retiro vacacional en los Alpes suizos para gente de buen vivir. Allí, en el lugar donde no puedes actuar

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La juventud (Youth, Paolo Sorrentino, 2015)

sino de una forma artificial, nos encontramos con diversos personajes. Michael Cane y Harvey Keitel son dos vetustos creadores, que se lamentan en su retiro vacacional por cosas contrarias: Michael Cane interpreta a Fred Ballinger, director de orquesta retirado que no para de dar largas al emisario de la reina de Inglaterra para que vuelva a dirigir una de sus composiciones. Mientras tanto Keitel interpreta a Mick Boyle, un director de cine que tras el fracaso de sus últimos trabajos pretende escribir y dirigir la que será su gran obra maestra de retirada. Uno lucha por no volver y el otro por volver a estar en la cumbre. A tan distintos protagonistas se les une una amalgama de personajes que contribuyen a dotar de un aura de irrealidad (acentuada por ciertas ensoñaciones) al paraje ya de por sí aislado, casi de cuento. El actor de cine frustrado por ser recordado por su peor y más comercial papel, la miss Universo que deja deslumbrados a nuestros protagonistas con su desnudez, como aquel que ve la primavera sabiendo que será la última, un Maradona gordísimo echando la vista atrás, pero sin perder esa zurda maravillosa, esa pareja estirada que nunca habla, el alpinista barbudo y ojiplático en busca de su oportunidad… Todos estos personajes tienen en su evolución un toque irónico que se desarrolla casi a modo de sketches. Estamos, en realidad, ante una película que trabaja en forma de ensayo sobre muchas cosas. Una de ellas es la memoria, su fragilidad. Todo ello a través de personajes-modelo, de los que

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Sorrentino se sirve para darle la vuelta a diversos temas, como la manera de ser recordado, la belleza, la relación amor-trabajo, el pasado, la dulzura y la amargura… y sobre todo el curioso fuego que nos empuja, a pesar de la edad, a vivir, a seguir nuestras “Sorrentino se emociones.

sirve de personajes-modelo, para darle la vuelta a diversos temas. sobre todo al curioso fuego que nos empuja, a pesar de la edad, a seguir nuestras emociones.”

En definitiva, si vamos al cine a ver La juventud sin la idea de ir a ver La gran belleza 2, nos encontraremos ante una película interesante, que a pesar de sus flaquezas argumentales (no tiene argumento prácticamente) consigue mantener un nivel discursivo que te mantiene atento, aprovechándose también de la música y la fantástica fotografía. Mucho mejor que otra talk movie en paisajes alpinos, como es Clouds of Sils Maria.

Sin embargo, su montaje en ocasiones algo apresurado, el esquematismo de algunos personajes, sobre todo los femeninos, y que su discurso es en ocasiones intelectual pero jugando al anti-intelectualismo hacen que Sorrentino no consiga alcanzar otra gran obra. Eso y que no sale Toni Servillo, claro. A

David Bowie

omo no puede ser de otra manera, nos sentimos obligados a hacer un pequeñísimo homenaje a la figura de David Bowie, repasando algunas de sus incursiones en el mundo del cine. Aunque no se prodigó en exceso, creo que es evidente que en casi todas las ocasiones en las que ejerció como actor consiguió dotar a sus personajes de una presencia magnética y un carisma muy difíciles de igualar por nadie. Además de su presencia como actor, hay docenas de películas totalmente mediatizadas por una banda sonora con canciones de Bowie. Aquí va nuestro pequeñísimo repaso a algunos ejemplos de esa enorme influencia que David Bowie ha dejado para siempre en el mundo del cine, a través de sus escasas incursiones en él.

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David Bowie

El hombre que cayó a la Tierra Por Juan Romero

l hombre que cayó a la Tierra es una película extremadamente complicada. En ella, David Bowie interpreta a un extraterrestre que llega a la Tierra con la intención de conseguir agua para su planeta, que está envuelto en una importante sequía. Para conseguir su objetivo se dedica a ganar dinero mediante la explotación de tecnología alienígena, cosa que le llevará mucho tiempo. Tiempo que dedica a disfrutar de ciertas comodidades de la vida terrestre. La película es un fiel reflejo del estilo personal del director, Nicholas Roeg, sobre todo en los años setenta. Montaje sincopado, edición caótica, uso extensivo de zooms y demás artificios, para conseguir contar una historia mucho más a fuerza de sensaciones que de un argumento coherente. De hecho, en El hombre que cayó a la Tierra el argumento se va deduciendo poco a poco, más que ser algo que te van contando de manera ordenada y lógica. Y no sabes hasta bien entrada la película qué es lo que realmente está

sucediendo. Ese estilo, desgraciadamente, funciona solamente en determinadas situaciones. En el debut de Roeg, Performance, viene muy a cuento ese tono underground, en una película sobre sexo drogas y rock & roll protagonizada por Mick Jagger. La película es un caos, sí, pero eso es exactamente lo que se supone que debe ser. En Walkabout también funciona de alguna manera ese estilo, entre otras cosas porque el propio argumento, de dos niños abandonados en el desierto, permite centrarnos en paisajes y en escenas aisladas, más que tener que seguir una férrea línea argumental. Aunque no deja de dar la sensación de que durante muchos momentos es totalmente innecesario, y te saca a ratos de la película. Sin embargo, tanto en Don’t Look Now como en esta, el estilo particular de Roeg no encaja para nada en unas historias típicas de género (thriller y ciencia ficción respectivamente), con unos argumentos más férreos y lineales. Que se ven totalmente lastrados por la

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David Bowie

falta de coherencia de un montaje caótico sin ninguna justificación. Así pues, en El hombre que cayó a la Tierra acabamos teniendo una deslavazada sucesión de escenas, más o menos enlazadas entre sí, que tienen graves problemas para contar la historia que quieren contar de manera coherente. Y en la que solamente somos capaces de disfrutar en momentos aislados. La mayor parte de esos momentos protagonizados evidentemente por David Bowie, en el ejemplo probablemente más palmario de la capacidad que tenía de magnetizar la pantalla con su mera presencia, y conseguir centrar la atención del espectador, aunque el resto de la película se cayera a trozos a su alrededor. La naturaleza de película de culto era, por tanto, la única salida posible para esta película. Igual que el resto de películas de Nicholas Roeg, e igual que la mayor parte de las incursiones de David Bowie como actor en el mundo del cine. Y en ese nicho ha alcanzado un interés relativo.

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Llegándose a notar poderosamente su influencia en películas tan recientes como Under the skin, sin ir más lejos. Al final, de la película uno se queda con la melancólica presencia de un David Bowie capaz de canalizar un personaje completamente alienado. Con alguna secuencia aislada, como pueden ser las dos secuencias de sexo entre los protagonistas, la primera de ellas con el personaje de Bowie mostrando su naturaleza alienígena, y la segunda en un demencial montaje sincopado al ritmo de “Hello, Mary Lou”. Y en mi caso también con el final, que en la línea del resto de la película no termina de ofrecer un desenlace claro, pero que siempre me deja con la sensación de que toda la película tiene en realidad un mensaje claro y rotundo, y que soy yo quien es incapaz de analizar y traducir de la manera adecuada. A

David Bowie

Feliz Navidad, Mr. Lawrence Por Juan Romero

eliz Navidad, Mr. Lawrence es una película que nos cuenta las relaciones que surgen entre dos presos, interpretados por David Bowie y Tom Conti, y dos guardias, a los que dan vida Ryuichi Sakamoto y Takeshi Kitano, en un campo de prisioneros japonés durante la segunda guerra mundial. El choque de culturas, y las diferencias de poder entre ambos grupos van tejiendo una relación complicada entre ellos, pero a la vez muy interesante. Las tensiones que surgen entre unos y otros cuando el comandante del Campo decide castigar a uno de los prisioneros, y la llegada al campo del carismático Major Celliers, interpretado por David Bowie, trastocan el precario equilibrio que hay entre los dos bandos, y hace que la situación se vuelva aún más complicada. El realizador de El Imperio de los Sentidos, el japonés Nagisa Oshima, es quien dirige esta extraña película en la que, en contra de lo que

suele ser habitual en las películas de campos de prisioneros de guerra, acaban primando las relaciones personales de amistad que van surgiendo entre los cuatro protagonistas, a pesar de sus enormes diferencias, y su complicada situación. Muy por encima de otras escenas de enfrentamientos abiertos entre ellos, castigos, y el sufrimiento de los presos por las malas condiciones en las que viven. Situaciones estas que evidentemente también se dan, como no puede ser de otra manera, pero que acaban conformando el fondo sobre el que se acaba contando la historia principal de la amistad entre los cuatro protagonistas. El papel de David Bowie en esta película es posiblemente uno de los más normales de toda su carrera, por así decirlo. Es uno de sus personajes más serios y menos estrafalarios de todos los que hizo como actor, y demuestra que era capaz de interpretar con solvencia también este tipo de

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personajes, y no solamente aquellos más extraños y peculiares. En cualquier caso, una vez más derrocha un carisma y magnetismo tales que consigue de una manera creíble que todo el resto de personajes con los que interactúa se vean atraídos por él, de una u otra manera. Y también hay que decir que se reserva una pequeña escena en la que demuestra ese tipo de actuaciones que solamente él podía hacer, cuando interpreta a través de mímica todo un ritual matutino ante la atónita mirada de sus captores. Una escena tan brillante e inolvidable que prácticamente justificaría por sí solo el visionado de una película que sin duda tiene muchos más elementos de interés.

el extendido flashback acerca de la infancia del personaje de David Bowie. Y hay algunas situaciones que no están convenientemente desarrolladas, y acaban por resultar confusas. Pero en cualquier caso, es una interesante y refrescante mirada al cine habitual de películas de campos de prisioneros de guerra, sin ninguna duda. A

La película es extraña, como digo, porque desafía las expectativas que una película de este estilo genera en el espectador, pero no deja de ser una película realmente interesante. Hay algunas situaciones que no terminan de encajar, como

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Dentro del laberinto Por Juan Romero

os años ochenta es probablemente la época dorada de películas de aventuras infantiles y juveniles, con fabulosos ejemplos como Los Goonies, La Princesa prometida, o Cuenta conmigo. Es un ambiente propicio para que los marionetistas Jim Henson y Frank Oz den rienda suelta a todo su talento en series de televisión primero, con los Muppets, Barrio Sésamo o Fraggle Rock; y también en el cine, con Cristal Oscuro, y con esta Dentro del Laberinto. La película cuenta la historia de una niña, interpretada por Jennifer Connelly que, enfadada por tener que cuidar otra vez de su molesto hermano pequeño, invoca a los goblins para que se lo lleven. Una vez éstos, encabezados por David Bowie como el Rey de los Goblins, cumplen con la petición y se lo llevan, la niña se arrepiente y tratará de rescatarlo. Pero para conseguirlo tendrá que cruzar un laberinto hasta llegar al castillo de los Goblins. A partir de ahí, todo se desarrolla según las

reglas de Jim Henson y Frank Oz. Entramos en un Universo muy personal y perfectamente reconocible. Habitado por una serie de criaturas totalmente paradigmáticas del trabajo de estos marionetistas, y que derrochan un carisma y una personalidad arrolladoras. El viaje de la protagonista nos recuerda de alguna manera otras aventuras infantiles clásicas, como la de Dorothy por el Reino de Oz, o la de Alicia en el País de las Maravillas. De igual manera que en aquellas, además, hay ciertos detalles de la aventura fantástica que lleva a cabo la chica que recuerdan poderosamente a su propia vida real, confundiendo de esa manera la frontera entre realidad y fantasía, lo cual es siempre un punto característico de este tipo de películas. La diferencia fundamental, quizá, lo que separa esta historia de aquellas, es la presencia de una serie de acertijos que le son presentados a la niña, que tiene que solucionar para poder seguir avanzando en sus aventuras, como eje principal del viaje de la niña.

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David Bowie

La presencia de David Bowie en esta película es llevada a cabo bajo la piel del antagonista, del villano de la función. Con un look absolutamente ochentero, Bowie da vida al Rey de los Goblins suscitando en el espectador una perfecta mezcla de temor y atracción por el personaje. Además, es notable la presencia de varios números musicales, interpretados por el propio Bowie, que encajan hasta cierto punto en una película de estas características, y que aunque no son demasiado destacables musicalmente, siempre es un gusto escuchar cantar a Bowie, claro está.

consigue convertirse en un entretenimiento de primera calidad para toda la familia. Ese tipo de películas que hoy en día es tan difícil de ver, y por lo tanto siempre merece la pena recuperar alguno de los clásicos como este. A

Posiblemente habría varios peros que se le pueden poner a la película. El argumento es quizás demasiado simple y repetitivo, algunas situaciones son demasiado inverosímiles hasta dentro del pripio tono de la película y ciertos acertijos parecen demasiado complicados para que luego los resuelva la niña de una manera demasiado sencilla. Pero realmente da igual. Porque esta película es, a pesar de todos esos detalles, capaz de derrochar magia por los cuatro costados, y

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C.R.A.Z.Y. Por Alberte Álvarez

.R.A.Z.Y. son 5 hermanos. Sus iniciales forman esta palabra que se convertirá en símbolo a través del disco también llamado Crazy, de Patsy Cline. Un disco destinado a romperse. Jean-Marc Vallée dirigió en 2005 esta película sobre una familia ordinaria de Quebec, en la que seguimos el crecimiento de los 5 hermanos, pero en el que sobre todo vemos la relación de Zac con su padre y su hermano Raymond. Es una película coming-of-age donde Zac pasará de ser el niño de papá y mamá a un pequeño rebelde, con gusto por meterse en líos y que lidiará durante gran parte del metraje con las dudas y sobre su posible homosexualidad y el rechazo que le produce a sí mismo, quizá influenciado por el rechazo que le produce a su padre. Esta cuestión, la de la homosexualidad, será para él una verdadera travesía por el desierto, que

el director no pierde oportunidad de mostrar, literalmente, en pantalla. Más allá de la homosexualidad, la película canadiense nos muestra los problemas típicos de la juventud: el amor y el desamor, la aceptación entre los iguales, la relación con los padres, y sobre todo las drogas. Pero estamos aquí para hablar de Bowie. Y es que habiendo visto esta peli hace muchos años, tenía el recuerdo de que la música de David Bowie tenía mucha influencia a lo largo de toda la película. Visionándola de nuevo, me doy cuenta de que no es tan así, pero sin embargo la influencia tampoco es menor. Fundamentalmente se concentra en la primera parte de la adolescencia, donde el Bowie andrógino del póster de su habitación nos señala los primeros indicios de esas primeras dudas sobre la orientación sexual. En concreto, la escena más potente es cuando Zac interpreta en un logrado

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David Bowie

playback Space Oddity, caracterizado como el Bowie del rayo rojo en la cara. Uno de los hermanos mayores entra en su habitación, le empuja, detiene la música y le dice que deje ya de “imitar a ese maricón”. Ya nunca dejará de perseguirle el estigma de la homosexualidad. Conviene recordar que David Bowie, poco después de casarse con su primera mujer declaró que era gay y siempre lo había sido. Más adelante aclaró que era bisexual, y que era lo mejor que le había pasado en la vida. La estrella del glam rock Ziggy Stardust, su alter ego, ayudó a miles de jóvenes alrededor del mundo a no esconderse, a sentirse inspirados por una forma de entender la vida, a que ser diferentes no es malo y, en definitiva, de ser libres para hacer y ser lo que quieran. Su personaje iba más allá de su música y transcendía el arte. Era un modelo que influía en el estilo y el comportamiento de miles de jóvenes, en una época en la que el rock

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era una religión. La única que debería existir, porque además es una religión sin dios, aunque con numerosos profetas. En definitiva, Bowie aparece en C.R.A.Z.Y. con esa función, la de mostrarnos que podemos ser y hacer lo que queramos, que la música es emoción y que la emoción no tiene orientación sexual. Y que lo “normal” puede estar pasado de moda mientras que el alienígena Bowie marca sus propias reglas, que servirán para como guía cuasi espiritual para muchísimas personas alrededor del mundo. A

Hablar sobre arte es como bailar sobre arquitectura. â&#x20AC;˘ DAVID BOWIE

La gran apuesta The Big Short/ USA / 2015 Dir.: Adam McKay

Rep.: Christian Bale, Steve Carell, Ryan Gosling, John Magaro, Finn Wittrock, Brad Pitt.

Texto: José M. Aparicio

on 5 nominaciones a los Oscar, incluyendo mejor película y director, el film, basado en hechos reales, es un retrato inusual del estallido de la crisis económica actual. Y es inusual porque nos muestra otra perspectiva, la de los que lo vieron venir y se aprovecharon de ello. Y además lo hace con un tono más cómico que dramático, tomando de manera un poco frívola todo el sistema bancario y sus personajes. Pero empecemos por el principio, y lo primero que se conoce de una película es su título.

La traducción en español esta vez era un poco complicada y se resolvió de la manera más fácil haciendo perder el sentido doble o triple que esconde en su idioma original. Digamos que The Big Shot sí significaría la gran apuesta pero al cambiar shot por short todo es un poco diferente. En economía, el término ponerse corto (short) significa que se apuesta a la bajada del mercado en el que se esté invirtiendo, es decir, si yo me pongo corto en el mercado inmobiliario, ganaría dinero cuando las casas bajasen en

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La gran apuesta (The Big Short, Adam McKay, 2015)

lugar de cuando subiesen. Pues bien, el film nos cuenta la historia de unos pocos afortunados que bien por conocimientos propios, bien por corazonadas o bien por simple influencia del azar consiguieron hacer el negocio de sus vidas. Y esa fue su gran apuesta, pero en corto. Era hasta hace poco una frase muy española aquella de "los pisos nunca bajan". Pues en Estados Unidos no nos andaban a la zaga allá por mediados de la década de 2000 y tenían su propia y enorme burbuja inmobiliaria. Las hipotecas que los bancos daban a cualquiera para que se comprase una casa con un precio inflado y los productos derivados de estas con los que los bancos ganaban dinero y se retroalimentaban acabó explotando e iniciando esta crisis económica global en la que aún estamos sumergidos. Este es el contexto del film en el que un Christian Bale excelente se desenvuelve como pez en el agua interpretando a un visionario inversor que vislumbra el panorama en el que se movía el mercado en aquellos momentos y que decidió nadar a contracorriente en contra de todos los consejos y advertencias del resto de expertos. El resto del reparto, nos trae a un Steve Carrell demostrando otra vez que puede adaptarse a cualquier papel, un Ryan Gosling con poco protagonismo y un Brad Pitt mediocre, para variar.

trabalenguas sin mucho sentido en algunos momentos. El guionista, supongo que consciente de este pro“La película se puede blema, incluye algunas escenas explicativas volver un trabalenguas durante el metraje que sin mucho sentido en se dirigen directamente al espectador y algunos momentos. Las que intentan aportar explicaciones no son un poco de luz al tema. suficientes, ya que la Pero no son suficientes ya que la jerga utili- jerga constante requiere zada y la cantidad de una base mínima para tecnicismos y expreser bien entendida.” siones que constantemente están en boca de los protagonistas requieren de una base mínima para ser entendidos. Sin esa base se puede seguir el hilo principal, entender el concepto, pero se pierde mucha información y el disfrute total de algunos detalles. A

Para los no iniciados en el mundo económico moderno, la película se puede volver un

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Steve Jobs Steve Jobs / USA / 2015 Dir.: Danny Boyle

Rep.: Michael Fassbender, Kate Winslet, Seth Rogen, Jeff Daniels, Katherine Waterston.

Texto: Antonio Cabrera

pretencioso objetivo de poner fin a los intentos de explicar quién era Steve Jobs; iban a mostrar la cara más sociópata del genio, y la combinación Boyle-Sorkin-Fassbender no podía fallar.

En este nuevo producto, se han juntado tres personalidades reputadas en Hollywood con el

Seguramente no estemos hablando de un tiro al aire, de eso ya se encargó J.M. Stern en 2013. Como película es entretenida, se deja ver. Tampoco podía ser de otra forma: es un biopic forjado entre veteranos, es un género donde raras veces hay una controversia que sea chocante

a figura de Steve Jobs, durante los últimos años, ha subido a los altares cual Mesías del diseño tecnológico. Consecuentemente, y de forma más o menos apresurada, han aparecido libros, biografías, análisis y, en el caso que nos ocupa, películas que buscan mostrar al público algunas de las características menos conocidas del alabado empresario.

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Steve Jobs (Danny Boyle, 2015)

para el público crítico. Ni siquiera Jobs, con sus fans y sus detractores, ha dado para tanto.

de maquillaje parecieron prestarle mucha atención a esto.

La mayor controversia de este biopic se da en tanto que el guión es, en realidad, tres. Vemos tres actos apenas relacionados en sí, todos acabados en el momento climático que sería la presentación al mundo de un nuevo producto del inventor.

Pueden ocurrir casos como el de Benedict Cumberbatch en The Imitation Game. Un bajísimo porcentaje de la población sabe quién fue Alan Turing. De los cuales, sólo unos pocos le ponen cara. En este caso, probablemente puedas salir airoso al elegir un gran actor sin un parecido a la persona protagonista de tu historia. A quién le importa esto, ¿no? Si no sabemos cuál es la cara de Alan Turing, “La película echa ¿qué más da?

Hay perlas, desde luego. Y hasta buenas actuaciones. Sin embargo, la película echa en falta un hilo conductor más definido. Las elipsis impiden dotar de credibilidad a ciertas escenas de la película, de forma dolorosa; en especial en todo lo que son las relaciones personales del protagonista (hija, asistenta, ex, Wozniak). El hilo conductor que sostiene la película es el empresarial, la evolución de Steve Jobs desde su primera etapa en Apple, su despido y su regreso. Este esquema sí queda logrado y nos deja los mejores momentos de la película. Pero centrémonos un momento en las actuaciones. Éstas son, por lo general, buenas, siendo llamativa la de Kate Winslet como ayudante de Jobs. Pero surge una apreciación importante hacia la elección del actor principal. Queda fuera de toda duda que Michael Fassbender es un actor con registros de sobra para hacer un buen papel en casi cualquier película. Su papel de Jobs es buen ejemplo de ello. ¿Es la elección de Fassbender un error? Steve Jobs es un personaje que está muy presente en el imaginario colectivo de la sociedad actual. Nos referimos a un hombre con un rostro realmente conocido. Cualquier parecido entre Fassbender y Jobs es puro accidente... Y ni el equipo de casting ni el

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en falta un hilo definido. Las elipsis impiden dotar de credibilidad a ciertas escenas de la película, de forma dolorosa.”

¿Pero se puede permitir una película biográfica de un personaje tan conocido no seleccionar un actor que guarde parecido al hombre que todos ponemos rostro? Me preguntaba si esto cambiaría con el paso del tiempo. ¿Estaría bien esta elección si se hace en 2050? Creo que no. Creo que Albert Einstein no puede ser interpretado por Brad Pitt o Leonardo DiCaprio a menos que el equipo de maquillaje los vaya a rehacer enteros. Es llamativo que la película jOBS (2013) con Ashton Kutcher de protagonista alcanzara mejores cotas en este sentido. No hay discusión de quién es mejor actor a día de hoy, claro; pero uno se pregunta si no es realmente más efectivo seleccionar un actor asombrosamente parecido al personaje, incluso con sus limitaciones, que a un gran actor que no guarda ningún parecido, por el hecho de que va a captar mejor las emociones del personaje. Las apariencias siguen siendo importantes, y eso Steve Jobs lo tenía más claro que Danny Boyle.A

Mi gran temor cuando dejé las drogas era que no iba a ser capaz de escribir más. Porque si eres un escritor, y estás en una buena racha (y yo estaba en racha cuando estaba colocado) tú no quieres cambiar nada de la forma en la que trabajas. • AARON SORKIN

Spotlight Spotlight / USA / 2015 Dir.: Thomas McCarthy Texto: José M. Aparicio

potlight es el nombre de un departamento del periódico estadounidense The Boston Globe que se encarga de investigaciones periodísticas minuciosas buscando el bien común sobre temas complejos y escabrosos. En el año 2002 este grupo comenzó a investigar un caso de abuso infantil de un cura en una parroquia de la ciudad. A raíz de este caso se fueron destapando algunos más que hicieron sonrojar a la iglesia católica de todo el país e incluso del mundo entero. Parece un asunto escabroso y complejo pero si algo consigue Thomas McCarthy en esta su quinta película es suavidad y sencillez. Tanto la película como su director han sido nominados a los Oscar siendo además una de las favoritas para el premio gordo. Basada en hechos reales, el equipo de Spotlight fue galardonado con un premio Pullitzer en 2003 por este trabajo. Por esa época, Internet empezaba a imponerse como el medio preferido de los lectores para estar informado. En este entorno, la inmediatez fue adelantando a la rigurosidad en la mayoría de los medios provocando una caída de la calidad en los contenidos. La película empieza cuando un nuevo director llega a la redacción y se interesa por el caso de un cura trasladado sospechosamente de parroquia. Encarga al editor jefe de Spotlight, un Michael Keaton que confirma que está de vuelta después de Birdman, y a su

Rep.: Mark Ruffalo, Michael Keaton, Rachel McAdams, Liev Schreiber, John Slattery, Stanley Tucci, Brian D'Arcy James. equipo, en el que destacan un excepcional Mark Ruffalo y una cumplidora Rachel McAdams, el trabajo periodístico que encumbraría sus carreras. El proceso de exploración de este grupo y sus pesquisas van construyendo la película pieza por pieza en un engranaje perfecto que hace que todo fluya con sensatez y armonía aunque sin mucha fuerza. Y es que este guion que también aspira al Oscar, sólido y frío como una catedral, no se adentra en el hecho destapado. No lo juzga ni se posiciona de una manera clara. En lugar de eso nos va desgranando muy metódicamente el proceso de indagación del grupo de periodistas para mostrar el escándalo pero sin fuegos artificiales. Y esto no es malo per se, de hecho seguramente se estudiará en las academias como ejemplo de guion preciso y purista pero a mí no me transmite la emoción y la intensidad que podría habersele sacado a la historia. Tampoco se le puede reprochar nada ya que no intenta vender lo que no tiene ni ser lo que no es y al final la película queda como una excelsa narración de unos hechos interesantes que nos llevan a otros tiempos en que el periodismo trabajaba por y para la sociedad, no solo informando, sino también convirtiéndose en un apoyo para las víctimas de algunas luchas que otros estamentos no podían librar por falta de medios o por otros motivos más oscuros. A

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Joy Joy / EEUU / 2015 Dir.: David O. Russell Texto: Juan Romero

avid O. Russell vuelve a las andadas junto a Jennifer Lawrence, Bradley Cooper y Robert De Niro, para ofrecernos un subproducto que, de manera absolutamente incomprensible, cierta parte de la crítica admirará como si fuera algo realmente interesante. En este caso, afortunadamente, ha recibido menos parabienes que de costumbre.

Joy nos cuenta la historia real de Joy Magnano, una divorciada que crea un nuevo tipo de fregona mucho más interesante y funcional de lo que hay hasta ese momento en el mercado, y su lucha por conseguir monetizar ese invento en un mundo, el de los negocios, que no conoce y le sobrepasa. La película tiene dos partes bastante diferenciadas. Durante el primer tramo de la misma nos centramos en la vida personal de Joy, que comparte con una familia de lo más variopinta. La madre, el padre, la abuela, la hermana, el exmarido, y todos los demás personajes que pululan por su vida son realmente peculiares, y el tono fresco y ligero que le imprime Russell a este tramo de la película hace que sea hasta cierto punto interesante. De hecho, y aunque el argumento es completamente diferente, ese tono y ese tipo de personajes nos recuerda poderosamente a El lado bueno de las cosas.

Rep.: Jennifer Lawrence, Robert De Niro, Bradley Cooper, Isabella Rossellini, Diane Ladd, Édgar Ramírez. negocios. Russell intenta cambiar el tono de esa segunda mitad de la película hacia algo un poco más serio, pero fracasa estrepitosamente y no es capaz de dotar de la más mínima enjundia a la historia que nos pretende contar. Quedando algo completamente falso, poco creíble y sin ningún interés. Parece como si el tono de los espacios de telepromoción americanos, que centran el argumento de esta segunda mitad y que encarna certeramente Bradley Cooper, se hiciera con el control de la propia película impregnándolo todo. La película acaba abrazando todos y cada uno de los tópicos que se le ponen a su alcance, para resolverlos después de una manera lo más burda posible. Cosa que le pasaba también, a otra escala, a El Lado bueno de las cosas, claro. Cuando Joy se pone seria e intenta recuperar las riendas de su propia empresa ya hace tiempo que no nos la podemos creer. Y los momentos de tensión acaban siendo poco menos que ridículos. Esperemos que el revés crítico que se ha llevado con esta película David O. Russell le haga reflexionar, y vuelva a ofrecernos otro tipo de películas. No olvidemos que Russell firma su mejor película en The Fighter poco antes de embarcarse en este sobrevaloradísimo tríptico junto a Lawrence, Cooper y De Niro. Puede que haya esperanzas aún, si logra reconducirse.A

Todo cambia cuando empieza la parte de los

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En C

Texto: Ai

Me & You Me & You / UK / 2015 / 7 min Dir.: Jack Tew Rep.: Jesse Rutherford, Georgia Clarke-Day Prod.: Sorcha Anglims y Feels Empezamos este especial de amor en dosis pequeñas con Me & you, una joyita. Lo que primero destaca de esta cinta es que se desarrolla siempre desde un único punto de vista –un plano cenital que para nada nos hace sentir mirones sino que nos permite compartir algo íntimo y personal a la vez que los protagonistas-.

Me & you es uno de esos cortos, como ya vimos en Orange Drive, que narran numerosos acontecimientos sin moverse del sitio. Para el director, una forma más que original de narrar un tema ya algo manido como es el de la vida en pareja. Para mí, una forma perfecta de ejecutarlo. Esta cinta narra el comienzo, desarrollo y conclusión de una relación, haciéndonos sentir los nervios y las esperanzas del primer día; relatando los días buenos y los muy buenos, las fiestas, las borracheras, el sexo y, sobre todo, el amor; pero, como toda relación, también tiene sus partes malas, a las que contribuye perfectamente la cámara estática.

Me & you es un buen ejemplo de aquellas cintas que con un toque de humor, un desarrollo muy dulce y una pizca de momentos amargos crean una delicia más que apetecible de comer y, sobre todo, de ver. A

Offline Dating Offline Dating / UK / 2015 / 6 min Dir.: Samuel Abrahams Rep.: Tom Greaves Prod.: Joshua Smith & Samuel Abrahams

Offline dating, citas offline, citas en persona. En esta época en la que hemos conseguido que lo inanimado tenga casi más aspecto de humano que nosotros mismos, en la que logramos trasladar aquello que nos hacía realmente humanos –me refiero a la habilidad social- a algo por definición no humano, es necesario frenar un poco y valorar lo que nos ha conseguido llevar hasta aquí. Esto mismo se planteó Samuel Abrahams –director de varios anuncios en el Reino Unido y de la película Connect (2010), nominada a los premios BAFTA- cuando su amigo Tom se propuso conseguir una cita offline. La cinta nos acompaña a lo largo de un fin de semana por Londres donde no sólo acudimos a los rechazos, las situaciones incómodas o, sorprendentemente, los besos, sino que se intercalan opiniones y ciertas conversaciones con un toque de entrevista acerca de la compatibilidad del amor y la tecnología. A la propia acción la acompañan planos que recuerdan a cámaras ocultas, dinámicos, una música de fondo adecuadísima y una imagen con mucho grano y colores que imitan al analógico. Todo forma una cinta dulce, con un toquecillo gracioso y con un mensaje nada trivial, una cinta que te hace reflexionar y que deja algo bien claro: el amor por encima de todo.A

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Corto

itor Boada

He took his skin off for me He took his skin off for me / UK / 2014 / 10 min Dir.: Ben Aston

Rep.: Sebastian Armesto, Anna Maguire. Prod.: London Filmschool

“¿Es ésto lo que quieres? Y yo dije que sí, así que se quitó la piel por mí”. Y así comienza esta cinta británica con la que terminamos nuestro especial del mes de febrero.

Efectivamente, es un relato de fantasía y además con unos efectos especiales increíbles –financiados mediante Kickstarter- y con una historia muy sólida. Narrada desde la perspectiva y voz de la protagonista, es un cuento de amor y sacrificio, que nos enseña las barreras que sería capaz de atravesar una persona por otra, incluida la barrera de algo que se supone tan personal como la piel.

El título no engaña: se quitó la piel, literalmente. Sí, puede que ahora mismo estés un poco perdido y no sepas de qué va esto, pero no te preocupes, todo cobrará sentido. No esperes la película más gore del año ni una nueva secuela de Saw. Más bien pensemos en el amor literario al más puro estilo de José Cadalso y sus Noches lúgubres: un amor idealizado, muy pasional y desgarrador, con el que parece que hasta algunos se arrancarían la piel. Ahora lo trasladamos a nuestra época y nos saldrá esta maravilla. Como dice Ben Aston –director también de Dinner and a movie y Russian Rulette, ambas muy recomendables- es un cuento de fantasía trasladado a la realidad, y razón no le falta. Según cuenta, las líneas del principio, que él consideró perfectas para llevar al cine, las escribió una amiga suya –Maria Hummer- cuando empezó a escribir la novela con el mismo nombre.

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Con una imagen bellísima y la voz de la protagonista se crea una especie de atmósfera que no dejará indiferente a nadie. El maquillaje, los músculos al descubierto, la sangre, lejos de La matanza de Texas, resultan bonitos. La historia, al más puro estilo Romántico, es una historia de entrega -y ante todo de amor- que consigue una interacción total con el que la escucha. Una perlita de 10 minutos con la que merece la pena reflexionar y disfrutar. Sin duda uno de los mejores del 2015. Con un título tan sugerente, y recurriendo al chiste fácil, se podría decir que sí, que literalmente se han dejado la piel creando ésto. A

Número 10 - Febrero 2016

Creación, contenido y diseño Colaboraciones

Alberte Álvarez Juan Romero José M. Aparicio Aitor Boada Beatriz López Antonio Cabrera Alfonso Romero

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Alberte Álvarez Soy ingeniero forestal y trabajo en el desdichado mundo del I+D. Mi película favorita es Apocalypse Now y soy un groupie de Aki Kaurismäki, Truffaut, Wes Anderson, Yasujirō Ozu, Ken Loach, Sidney Lumet, Ingmar Bergman, Jarmusch o Haneke entre otros y otras muchas.

Juan Romero Me apasiona el cine y me gusta escribir, así que participar en un proyecto así era el paso natural. El poco tiempo que me queda libre después de ver películas y escribir sobre ellas lo dedico a hacer cortos.

José M. Aparicio Disfruto hablando de cine tanto como viéndolo. Me encanta escribir y gracias a este proyecto tengo la oportunidad de compartir mis opiniones y aprender con mis compañeros más de este maravilloso arte.

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Beatriz López Ingeniera en curso y artista frustrada. Me encanta el cine, dibujar y escuchar música. Obsesionada con los años 40, 50 y 60 es lógico que mi estilo sea Pin-up.

Enrique Remírez Habitante de una sociedad distópica, tengo la gran fortuna de poder recurrir al cine, los libros y los cómics para evadirme de la realidad.

Aitor boada Me gusta embarcarme en nuevos proyectos y si además juntan mis dos aficiones, parece hasta obligado. La pasión por el cine me viene desde pequeño. Era de esos niños que creen -y sigo pensándolo- que viven en una película.

Editado en Madrid por Alberte Álvarez Gil Imágenes: Getty Images, Wikipedia Commons, cinearchive.org, Fickr.

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ISSN: 2444-1406