Revista Erebus. Junio 2015 by Revista Erebus

Contenido

EDITORIAL

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ENSAYOS La moral Nuevo cine de terror

ENTREVISTA Entrevistamos a Ignacio Vilar, director de A Esmorga.

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CRÍTICAS Mad Max: Fury Road Tomorrowland A Esmorga It Follows Cautivos La canción del mar Kung Fury Princesa Corn Island Nuestro último verano en Escocia Una nueva amiga Suite Francesa

LISTA Hay veces que los remakes que se hacen sí merecen la pena. Repasamos algunos de los mejores remakes de la historia del cine.

DOUBLE FEATURE Comparamos los puntos en común entre Días sin huella (B. Wilder) y Todo en un día (John Hughes).

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Editorial

a estamos aquí. ¡Hemos sobrevivido! El impasse entre el primer número y el segundo es el valle de la muerte de proyectos como el nuestro. Triunfar casi de la nada es muy difícil. Sin embargo, estamos contentos con la acogida que nos habéis dado. En general los comentarios fueron muy positivos y predominan las enhorabuenas junto con algún “demasiado hipster” (¿no os dijimos en el primer editorial que es justo lo que no queremos ser?), o algún “el formato revista digital gratuita está condenado al fracaso”. Nosotros no lo creemos así y vamos a seguir dándole caña a esto, como mínimo hasta que uno de nosotros vaya a Cannes. ¡Soñar es gratis! Aún… Seguimos pues adelante con Erebus. Sabemos que el río es complicado, pero aceptamos la misión. Creemos tener una base sobre la que crecer y mejorar. Tenemos muchas ganas, pero pocas manos para todo lo que queremos hacer. Si os apetece ayudarnos colaborando o incluso uniéndote al equipo, podéis hacer cola en el apartado Contacta de nuestra web o, si sois una de esas superheroínas o superhéroes que leen nuestra revista hasta el final, encontraréis nuestro correo electrónico en las últimas páginas.

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Este mes de mayo ha sido el Festival de Cannes. Dheepan, de Jacques Audiard ha sido la ganadora de la Palma de Oro. Pero además de ésta, ya estamos esperando con ansia películas como Son of Saul, del húngaro László Nemes o The Assassin, del taiwanés Hou Hsiao-Hsien. Con certeza veremos sus críticas pasar por nuestra revista. En mayo también fue la fiesta del cine… otra vez. Esto nos ha permitido ver más estrenos de lo habitual. Destacamos It Follows, la nueva indie de terror, que nos ha hecho escribir un ensayo al respecto de esta nueva hornada de buenos títulos de este género; Mad Max, la peli sobre la que cuatro iluminados dicen que constituye un atentado contra la masculinidad; y A esmorga, con cuyo director hemos tenido la oportunidad de hablar. Aún tenemos camino por avanzar y bastante por mejorar. Nuestras metas son seguir siendo puntuales con nuestra cita mensual y a ser posible conseguir nuevos colaboradores para poder aumentar el contenido y, sobre todo, la calidad. Quien se quiera subir al barco será bienvenido. El río tiene un curso complicado y Charlie está al acecho. A

La Moral Por Juan Romero

ras el estreno de la última entrega de Mad Max hubo un grupo de gente que llamó al boicot de la película por considerarla feminista. Evidentemente la película tiene un importante componente de feminismo, pero es una absoluta idiotez llamar al boicot por eso. Todo lo contrario. Que en un universo como el de Mad Max quepa una historia arquetípicamente feminista, con unos personajes femeninos fuertes y bien dibujados es algo que celebrar, en todo caso. En el otro lado del espectro, tras la emisión del sexto capítulo de la quinta temporada de Juego de Tronos, otro grupo de gente (sensiblemente diferente al primero) puso el grito en el cielo por culpa de una escena en la que una de las protagonistas era violada. Consideran que la serie ha traspasado una línea en cuanto a la violencia sexual, no solo por esta escena en concreto, sino por otras a lo largo de la serie. Y que es intolerable la manera en la que la serie trata esas situaciones. Está claro que las dos situaciones no son directamente comparables. La primera de ellas es una rabieta que no tiene mucho recorrido. La segunda es algo más peliaguda, porque toca temas mucho más delicados. Pero en mi opinión la escena de la polémica tiene perfecta lógica desde el punto de vista argumental (la forma de actuar de todos los personajes involucrados en la escena es coherente con la manera de ser de los

mismos), es importante para el desarrollo de los personajes (aún no sabemos cómo van a reaccionar los personajes tras el hecho, pero parece evidente que para al menos uno de los personajes va a ser un momento de catarsis) y además está rodada de una de las maneras más respetuosas que se puede rodar (apartando la cámara del hecho, dejando que suceda fuera de campo). De hecho, me parece que se podría defender que, si la comparamos con otras ocasiones en las que la violencia sexual ha sido mostrada en la serie, esta ha sido la más aséptica de todas, por así decirlo. En el fondo el problema es el hecho en sí. Hay gente que piensa que hay ciertos temas que no deben ser tratados, en ningún caso. Es un tema de moral, en realidad. Tras los recientes estrenos de Whiplash y de Nightcrawler, por ejemplo, pudimos ver también reacciones encendidas de diferentes sectores que criticaban duramente el eje moral de estas películas. Argumentaban que la manera de comportarse de los protagonistas era moralmente reprobable. Y que al empatizar la película con ellos, esta acaba haciendo suyos unos principios (el fin justifica los medios, se puede traspasar cualquier línea moral para conseguir el éxito) execrables desde el punto de vista ético. Curiosamente, si aceptamos esos postulados, nos encontramos con que ambas películas acaban llevando hasta el último extremo esa premisa,

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pues en la vida real ambas películas consiguieron el éxito a costa de rebasar ciertos límites morales. He de decir que, si bien hoy por hoy creo que es un error condenar una película por su componente moral, entiendo perfectamente esa postura, porque yo mismo la he vivido en mis carnes. La primera vez que vi Toro Salvaje me indigné. Me pareció una película totalmente condenable. No podía entender cómo habían hecho una película que empatizaba con un personaje tan execrable como el de Jake La Motta. Egoísta y violento contra su familia y amigos. Me daba tal asco La Motta que me sentía incapaz de ver más allá. No supe ver la majestuosidad de la película hasta que conseguí verla una segunda vez sin los prejuicios de la primera. Y entonces me di cuenta de que una película, por muy moralmente repugnante que le pueda parecer a alguien, es mucho más que eso. Hay mucho más detrás. No creo que se deba juzgar el mérito de una película por su compás moral. Aunque sé que es inevitable, todos lo hacemos. Y realmente, tampoco me parece mal que alguien sea incapaz de apreciar una película concreta al sentirse profundamente repelido por los valores morales que desprende. Lo entiendo perfectamente, ya digo que me ha pasado a mí mismo. Pero lo que sí me indigna profundamente es que ciertas personas insinúen que hay algunas cosas que no se deben

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tratar en películas o series de televisión. O que la única manera en la que se deben tratar sea aquella que coincide con su manera de pensar. Me preocupa profundamente que haya ciertos grupos de presión marcadamente puritanos que intenten controlar lo que se puede o no mostrar en una película o en una serie de televisión. Si por las circunstancias morales de cada persona alguien decide que no le gusta la nueva entrega de Mad Max por su deriva feminista, o que debe dejar de ver Juego de Tronos por la manera que tiene de tratar la violencia sexual, ya digo que me parece totalmente respetable. Pero las diatribas morales que condenan la mera existencia de una película por cuestiones morales me parecen mucho más peligrosas que las propias películas que se quieren atacar. Yo por mi parte, siento ahora mismo unas ganas enormes de volver a ver El Nacimiento de una Nación. Una película tan magnífica como vomitivo es el mensaje que transmite. Porque ambas cosas son perfectamente compatibles.A

Nuevo cine de terror Por Juan Romero

n los últimos años ha crecido notablemente el número de producciones de películas de terror, si bien la inmensa mayoría de ellas son de un presupuesto mínimo. Dentro de estas películas de terror de bajo presupuesto nos encontramos con unas tendencias muy claras en los últimos años. En primer lugar, da la impresión de que el subgénero del found footage está dejando paso al de espíritus y casas encantadas como punta de lanza. Si bien ambos subgéneros se pueden combinar y se combinan de manera habitual. Probablemente el siguiente subgénero en importancia sea el del slasher, que continúa con una muy buena salud. Y evidentemente tenemos una amplia gama de remakes, secuelas y precuelas de todo tipo, ya que esta plaga se extiende con aún más virulencia en el cine de género que en otro tipo de cine. Pero por regla general, y salvo honrosas excepciones, la inmensa mayoría de las propuestas del género son total y absolutamente prescindibles. Son copias del mismo estilo y la misma estructura una y otra vez. Y rara vez aportan nada nuevo. Hay muy pocas películas que escapen de las fórmulas del género. La introducción de los sustos, el uso de la música, los encuadres, el movimiento de la cámara… Todos esos elementos vienen en gran medida prefijados por las convenciones del tipo particular de película de la que hablamos. Y esto hace que, viendo apenas un par de minutos completamente aleatorios de casi cualquier película de terror reciente sepas inmediatamente que se trata de una película de casas encantadas.

O de un slasher de casa rural. Las variaciones se limitan casi exclusivamente al punto de partida de la película, donde sí podemos encontrar una variedad más amplia de argumentos, si bien todos acaban desembocando en el mismo sitio. Y muy de vez en cuando hay alguna película capaz de coger una premisa característica de un subgénero y acabar subvirtiéndola totalmente, como ocurría en La Cabaña en el Bosque. Lo cual suele dar pie a propuestas mucho más estimulantes, como es natural. Sin embargo, alrededor de este deprimente panorama, me parece observar que en los últimos tiempos está surgiendo una nueva tendencia en el cine de terror de bajo presupuesto. Hay una serie de películas que están dejando un poco de lado las convenciones del género para apostar por una estética y un ritmo bastante alejado de lo que suele ser habitual, con unas características mucho más próximas al cine independiente que al cine de terror. Este mes ha llegado a nuestros cines It Follows, que es probablemente la primera película de esta nueva ola que ha sido recibida con unas críticas mayoritariamente positivas, pero hay algunos otros ejemplos previos del género, como pueden ser Proxy o Starry Eyes. Un ritmo mucho más pausado, movimientos de cámara más suaves, música mucho menos intrusiva. Dejar a un lado los sustos para generar el terror a través de recursos mucho más sutiles. Con un argumento que va in crescendo muy

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poco a poco, y con situaciones que suceden en segundo plano, o directamente fuera de plano. Todas estas características hacen que nos encontremos ante algo con un aire mucho más innovador. Si antes hablábamos que casi cualquier cinta de terror era perfectamente identificable como tal con solo ver un par de minutos cualesquiera de la película, cuando te encuentras con alguna de las películas de esta nueva ola, parece que estás viendo una indie cualquiera. Sobre todo en la primera mitad de la película. Esta nueva corriente está también influida en gran medida por la estética del cine de terror de los años ochenta, pero está muy lejos de ser una copia directa de ese estilo. Estamos hartos de ver películas que beben de los años ochenta, y esta nueva ola de la que hablo tiene características bastante diferentes. Esos elementos del terror ochentero los actualiza, los asimila y los mezcla con el cine independiente actual, más que copiarlos de una manera más o menos directa.

Proxy y Starry Eyes pasaron con más pena que gloria. Con toda justicia, habría que decir, ya que son películas extremadamente irregulares. Tienen premisas muy interesantes, y la construcción de la película en su primera mitad es realmente encomiable, pero ambas acaban fracasando conforme avanzan. El caso de It Follows es diametralmente opuesto, ya que ha recibido críticas bastante favorables, siendo la mejor de las tres, claramente. Estas críticas, unidas a la gran recepción que tuvo Babadook, que si bien no considero que pertenezca en justicia a esta nueva ola, sí que comparte algunas características del movimiento, me hacen sospechar que esta deriva hacia un cine de horror de bajo presupuesto más cerca de las convenciones de cine indie que de las clásicas del género está aquí para quedarse. Y creo que es una magnífica noticia. Ya que, aunque en mi opinión aún no se ha llegado a conseguir una película realmente redonda, sí que me parece ver grandes posibilidades en este nuevo género. A

Siendo sinceros, las películas de esta nueva corriente acaban, en su último tramo, derivando en mayor o menor medida hacia las convenciones del género. Starry Eyes, por ejemplo, tras una primera mitad realmente interesante, acaba abrazando sin disimulo el slasher gore italiano con toda la fuerza de la que es capaz. Pero en líneas generales, con estas películas uno no puede evitar sentir un soplo de aire fresco en el sobreexplotado género del terror.

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Con la primera de Mad Max básicamente intenté hacer una película muda. Con sonido. El tipo de película de la que Hitchcock diría "No necesitan leer los subtítulos en Japón". • GEORGE MILLER

Mad Max: Fury Road Mad Max: Fury Road / Australia / 2015 Dir.: George Miller Texto: Juan Romero

ad Max: Fury Road es un auténtico milagro. Todas las circunstancias que la rodearon hacían presagiar que no sería más que otra cinta de acción que aparece para conseguir dinero a cambio de explotar una marca. Sin embargo es más. Es muchísimo más que eso. Es una de las obras cumbres del cine de acción de la última década. Como mínimo. George Miller creó el universo de Mad Max a

Rep.: Tom Hardy, Charlize Theron, Nicholas Hoult, Hugh Keays-Byrne, Zoe Kravitz, Rosie HuntingtonWhiteley

comienzos de los años ochenta del siglo pasado. Tras una primera entrega más convencional que transitaba por el terreno del policiaco de acción, para la segunda película de la saga se libera de ataduras y diseña un visionario mundo post-apocalíptico que posteriormente fue imitado hasta la saciedad. Desierto, arena, personajes salvajes y desquiciados, lucha por la supervivencia y los recursos naturales. Una vuelta a lo básico. Con esos elementos, Mad Max 2: El guerrero de la

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Mad Max: Fury Road (George Miller, 2015)

carretera conseguiría convertirse con toda justicia en una película de culto por todo el mundo. Para la tercera parte, sin embargo, rebasó la línea invisible que separa lo extravagante de lo grotesco, con muchos personajes demasiado estrafalarios como para poder tomártelos medianamente en serio, mucho menos para que te causaran inquietud o desazón. En cualquier caso, la trilogía original de Mad Max es hija de su época. Y aún a pesar de sus numerosas virtudes, fundamentalmente en la segunda entrega, vistas desde el punto de vista actual las películas no han soportado demasiado bien el paso del tiempo. Esta nueva edición de Mad Max pretende ser una puesta al día del espíritu de aquella Mad Max 2: El guerrero de la carretera. Más que hablar de una secuela o de un remake, habría que hablar de una actualización. El legendario productor Samuel Goldwyn decía que una película tenía que empezar con un terremoto, y a partir de ahí ir hacia arriba hasta el clímax. Mad Max: Fury Road hace precisamente eso. Comienza con una intensa persecución de los secuaces de Immortan Joe sobre Max, sigue con una espectacular presentación de la ciudad y los extraños personajes que la habitan, y en seguida presenta el nudo de la cuestión. Furiosa ha secuestrado un convoy que iba a por gasolina para liberar a las esposas de Immortan Joe. Y a partir de ahí la película se convierte, básicamente, en una persecución de dos horas. En ese sentido, esta película es realmente única. En seguida se deja de zarandajas y da al espectador sola y exclusivamente lo que quiere ver. Persecuciones por el desierto y personajes variopintos. Acción a raudales e idas de olla. Toda la trama argumental se ve reducida a la mínima expresión para dar protagonismo a las secuencias de acción. Y no tiene ningún reparo en ir acumulando secuencias de acción una detrás de otra hasta conseguir un efecto único en el

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espectador, que apenas puede mirar lo que está ocurriendo en la pantalla completamente atónito, con la boca abierta. Decía al principio que la película era un milagro, entre otras cosas porque es complicadísimo conseguir tener enganchado al espectador durante tanto tiempo solamente a través de secuencias de acción. Si tomamos las películas de Christopher Nolan como ejemplo, podemos ver que aquel tiene tendencia a construir un clímax realmente extenso, de más de 20-25 minutos. Y muchas veces da la sensación de que es “Persecuciones demasiado. Que hay algo que falla. Que no es capaz de manpor el desierto tener esa emoción que pretende y personajes durante tanto tiempo. En el otro variopintos. lado de la balanza podemos tener la reciente Gravity, cuyo diseño Acción a raudales de las secuencias de acción es e idas de olla” absolutamente inigualable, pero que sin embargo pierde fuerza cada vez que baja un poco el ritmo y se pone sentimental. El milagro de George Miller es que consigue mantener la tensión durante las dos horas de acción pura. La diferencia con Nolan es que esa acción no es tratada como un mero clímax, sino que es una extendida secuencia de acción dividida en diferentes escenas y set pieces, magníficamente enlazadas entre sí, que no solamente proporcionan un fascinante divertimento visual y auditivo, sino que sirven también para ir avanzando la trama y desarrollando los personajes. La diferencia con Gravity es que en las contadísimas ocasiones en las que baja el ritmo no se pone excesivamente sentimental. No cambia el tono demasiado, y apenas sirven para coger un poco de aire para seguir con la caña. Es realmente complicado conseguir un equilibrio perfecto bajo esa catarata de acción pura. Pero al conseguirlo, Miller da rienda suelta a una explosión de adrenalina que jamás llega a agotarnos. La trama, como decía, es muy reducida. Pero eso

Mad Max: Fury Road (George Miller, 2015)

no significa que sea simple, o que no esté bien desarrollada. De hecho, la película se puede analizar perfectamente a nivel de subtexto desde varias perspectivas diferentes. Porque el universo que crea George Miller es realmente complejo y con apenas unos brochazos nos muestra sin recrearse fragmentos de todo lo que hay detrás. No es difícil encontrar retazos de mensajes feministas, o ecologistas durante la película, pero siempre en segundo plano. Nunca de manera forzada. Porque ese tipo de cosas, aunque están subyacentes, no son lo importante en la película. Lo importante es la acción desbocada y demencial. El exceso. El polvo. La locura. Eso es lo que hace de Mad Max algo especial y completamente único. Hay varios personajes realmente memorables. Charlize Theron está magnífica como Furiosa, Nicholas Hoult desarrolla su personaje de manera brillante, y el villano de la función está correcto, aunque no llega a tener un gran peso en la película. Mad Max, por su parte, tampoco tiene demasiada presencia, en realidad. Es destacable en ese sentido que la pelea de Max con

el jefe de la granja de balas sucede en off. Es un sutil subrayado de que, en realidad, la historia de Max no es la que nos interesa. Nos quedamos con Furiosa y las demás mientras Max se marcha entre la niebla hacia una batalla casi imposible que, evidentemente, acaba ganando. Mad Max: Fury Road no es la historia de Mad Max, sino la de Furiosa. El bueno de Max simplemente pasaba por ahí. No es el protagonista de la función. Es testigo. Si hablamos de personajes memorables en la película no podemos pasar por alto un secundario que nos sirve como un ejemplo perfecto de la naturaleza de la película. En el convoy que organiza el villano, uno de los vehículos sirve fundamentalmente para suministrar música. Un mastodóntico entramado de altavoces y gente tocando bombos coronado por un músico enmascarado con una guitarra-lanzallamas en ristre que, cada vez que aparece en pantalla nos dibuja a los espectadores una sonrisa en la cara. Es un exceso, desde cualquier punto de vista que se mire. Es una locura. Y aun así cumple una función concreta dentro de la película, que no es otra que la de aportar música diegética.

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Mad Max: Fury Road (George Miller, 2015)

El universo de Mad Max siempre ha tenido un claro aroma a western. En anteriores entregas, sobre todo a partir de la segunda en la que abraza el mundo postapocalíptico, el personaje de Max estaba muy cerca de los personajes de Clint Eastwood en los westerns de Leone (paradójicamente en la primera entrega estaba casi más cerca de otro personaje legendario de Eastwood como es Harry el sucio), y las películas seguían líneas argumentales con claras influencias del género. En esta nueva entrega mucha gente ha acertado a ver una clara conexión de esta película con el argumento de La Diligencia, de John Ford. En el sentido de centrarse en un viaje por carreteras polvorientas rodeados de peligros que acechan a cada paso. Y tiene mucho sentido esa comparación, desde luego. Pero desde luego no es ni mucho menos la única influencia.

de kilómetros. Y el objetivo último de ambas películas es poder llevar a cabo unas impresionantes set pieces que queden en la memoria del espectador. En Mad Max: Fury Road, George Miller deja un poco a un lado la narrativa argumental para construir una película completa a través fundamentalmente de imágenes y sonidos. La vuelta a lo básico que predomina en el universo de Mad Max la hace suya a la hora de construir la película. Vuelve a los orígenes. A lo que es fundamental en el cine. Mad Max: Fury Road es cine en estado puro.A

En cierta manera, yo encuentro muchos paralelismos entre Mad Max: Fury Road y Con la muerte en los talones. No tanto quizás en cuanto al argumento en sí, sino más bien en cuanto a las intenciones. Ambas películas comienzan con un pequeño recurso argumental para ponerlas en marcha (el clásico McGuffin), para luego dedicarse a una persecución a lo largo de cientos

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Tomorrowland Tomorrowland / USA / 2015 Dir.: Brad Bird

Rep.: George Clooney, Hugh Laurie, Britt Robertson, Raffey Cassidy

Texto: Juan Romero

omorrowland arranca como un tiro. En seguida nos enseñan la aventura de un niño inventor, que va a la feria de Nueva York en los años sesenta para presentar un proyecto que ha desarrollado. En este arranque nos muestran una de las caras más importantes de la película, uno de los ejes en los que se sustenta. El mundo disneyano de los años 60, lleno de ilusión e imaginación. Y nos muestran por primera vez Tomorrowland, que no es otra cosa que el futuro que imaginó Disney en los años sesenta y

que reflejó en sus parques de atracciones. Después tenemos una segunda escena de presentación, con el segundo de los protagonistas. Transcurre en la época actual, y tenemos en este caso a una adolescente, igualmente obsesionada con la tecnología, a la que se le da también la oportunidad de visitar Tomorrowland. De nuevo la magia de Disney se presenta en toda su extensión, de una manera absolutamente brillante.

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Tomorrowland (Brad Bird, 2015)

Desgraciadamente, este arranque fulgurante baja un poco el nivel en el siguiente tramo de la película. La adolescente tiene que encontrar al niño aquel, ahora convertido en George Clooney, con la ayuda de una niña misteriosa, e ir con él a Tomorrowland para salvarlo de algún tipo de peligro. Mientras, son perseguidos y atacados por una serie de agentes que quieren evitarlo. Este tramo tiene secuencias memorables, y no está mal llevado, pero acaba haciéndose demasiado largo. Uno desea que lleguen a Tomorrowland para que comience el acto principal de la película, pero este tramo acaba estirándose tanto que acaba convirtiéndose en ese acto principal. Lo cual hace que el conjunto pierda algo de emoción, y al llegar a Tomorrowland el clímax llega poco desarrollado y no sabes muy bien por qué ocurren ciertas cosas. En ese sentido, parece intuirse claramente la mano del coguionista Damon Lindelof, con muchos de los aciertos y errores que pueblan tanto la serie de televisión Perdidos, como Prometheus y Star Trek: En la oscuridad. Un tramo central alargado, farragoso, en el que no sabes muy bien por qué suceden ciertas cosas seguido por un acto final demasiado apresurado y con ciertos elementos que no terminan de encajar del todo bien. Como ejemplo claro de esto tenemos la magnífica secuencia de steampunk clásico de Julio Verne. Una secuencia tan maravillosa como innecesaria y estúpida dentro de la trama. Los errores típicos de la escritura de Lindelof son pulidos en esta ocasión por la indudable maestría de Brad Bird, conocido por sus películas de animación El gigante de hierro, Los increíbles y Ratatuille. Aquí con su segundo proyecto en acción real, tras dirigir por encargo la cuarta parte de Misión Imposible. Un buen hacer, el de Brad Bird, que se deja ver fundamentalmente en las secuencias que mezclan realidad y fantasía, llevadas a cabo con una imaginación y precisión

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realmente destacable. Casi todas las películas de ciencia ficción suelen tener una carga moral subyacente. Si estamos hablando de una película familiar de Disney, esa moralidad deja de ser subliminal y se convierte en una moraleja explícita en la película. En esta ocasión, esa moraleja trata de las diferentes maneras de ver el futuro y qué hacemos ante ellas. “Frente a la

visión futurista de Disney en los años 60 aparece una segunda visión mucho más apocalíptica.”

Frente a la visión futurista de Disney en los años 60, que es la principal idea de la película, aparece una segunda visión mucho más apocalíptica, que parece sacada directamente del The Future de Leonard Cohen. Guerras, superpoblación, desastres ecológicos. Cataclismos y destrucción. Y una de las principales imágenes de ese futuro distópico acaba siendo representada por la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia completamente abandonada. Un futuro imaginado cuando todo era posible y que ahora ya no sirve. El futuro es otra cosa. Una imagen que es el reflejo de la lanzadera espacial desmantelada en la primera mitad de la película, como símbolo de que el futuro de la era espacial también ha acabado convirtiéndose en pasado. Y ante esa visión catastrofista del futuro hay dos maneras de reaccionar. Una es asumirlo y aceptarlo. Saber que todo va a acabar mal y sentarse a esperar. Y la otra es luchar por intentar cambiarlo. Hacer todo lo posible, seguir luchando para hacer del futuro un lugar mejor. Evidentemente, al estar en una película familiar de Disney, tampoco se profundiza demasiado en la tensión entre los dos aspectos. Está claro cuál es el camino que hay que tomar. La ilusión, la imaginación y las ganas de hacer cosas son las herramientas que cambian el mundo. A

A esmorga A esmorga / ESP / 2014 Dir.: Ignacio Vilar Texto: Alberte Álvarez

i hay un símbolo geométrico que representa a Galicia, ese es la espiral. Desde el trisquel celta hasta la poesía de Méndez Ferrín, este motivo representa una forma de ser que se envuelve sobre sí misma, en un viaje continuo hacia ninguna parte. “Un paso adiante e outro atrás, Galiza, /e a tea dos teus soños non se move. /A espranza nos teus ollos se espreguiza. /Aran os bois e chove.” Este poema de Díaz Castro puede resumir, en parte, A esmorga.

Rep.: Karra Elejalde, Ledicia Sola, Miguel de Lira, Antonio Durán "Morris", Sabela Arán

Publicada en 1959 en Buenos Aires, donde estaba exiliado el autor (en España se prohibió y no fue hasta 1970 cuando se pudo leer), la novela tremendista de Eduardo Blanco Amor es una espiral descendente en el que cada paso de los tres protagonistas se acerca hacia su inevitable perdición. La película capta a la perfección esa sensación de caída inexorable, de incomodidad e incluso de miedo a salir fuera de esa espiral para poder evaluar las acciones con frialdad. Beber es la forma de evitar tener que pensar con lucidez.

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A esmorga (Ignacio Vilar, 2014)

Toda la trama es una escapada hacia adelante con trágicas consecuencias. Una misión destructiva y, sobre todo, autodestructiva. Cibrán, Milhomes y Bocas, interpretados maravillosamente por Miguel de Lira, Morris y Karra Elejalde (en un sorprendente papel como gallegohablante), se embarcan en un viaje en el que no hay ticket de vuelta. En realidad, son Bocas y Milhomes los que habiendo empezado ya su particular fiesta impregnada en alcohol captan a Cibrán para su descenso al infierno. Son esos momentos de duda de Cibrán los que generan al espectador la sensación de que puede haber una salida, pero que finalmente siempre es desechada para hundirse más y más. La frustración de los personajes es nuestra propia frustración. El viaje por las tabernas y clubes de alterne del Ourense de posguerra compone un mosaico de personajes y situaciones propias de la época. La película juega hábilmente a no mostrar explícitamente la represión de esos tiempos duros (esa larga noche de piedra en palabras de Celso Emilio Ferreiro), pero sí que se deja de entrever de manera sutil. Empezando por la auto-represión de los sentimientos homosexuales, cuya pulsión está presente en todo el film, y acabando por la violencia instintiva que va surgiendo conforme el alcohol va animalizando a los personajes. Uno de los elementos más inteligentes de la novela era el estar escrita en forma de diálogo entre Cibrán y la autoridad judicial, de manera que todo el libro constituía un gran flashback. La autoridad judicial ante la cual respondía Cibrán hacía, en cambio, preguntas mudas, para remarcar su carácter injusto y además como manera de explicitar que no hablaba el mismo idioma que el detenido (el gallego era un idioma perseguido y denigrado durante el franquismo). La película toma esta forma de presentar la historia, pero lo hace de una manera más invisible, con apenas un par de cortes de Cibrán en primer plano hablando en el juicio. Esta ruptura de la linealidad de la historia con el fin de acercarse a lo más posible a la complejidad de la novela

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es uno de los pocos puntos débiles de la adaptación, que por lo demás nos introduce a la perfección en un ambiente húmedo, pegajoso, frío. Una atmósfera logradísima sin la cual todo lo demás se habría derrumbado. Parte de este éxito se debe a la fantástica fotografía, siempre cercana a los tres personajes, moviéndose con ellos cámara en mano (o steadycam mediante), muy al estilo de las películas de los hermanos Dardenne (Rosetta). La historia prácticamente no se despega del texto original, por lo que se agradecen las fantásticas interpretaciones de “La película capta a la todos los actores, que permanecen en plano perfección esa sensala práctica totalidad del ción de caída inexoratiempo. Ya de paso es ble e incluso de miedo preciso decir que esta película no tiene sena evaluar las acciones tido verla doblada, hay que escuchar el idioma, con frialdad. Beber es la ese acento ourensano forma de evitar tener que que forma parte de la pensar con lucidez.” ambientación y sin el cual la película quedaría coja. Tampoco me quiero olvidar de la música de Zeltia Montes, que acompaña al film para engrandecerlo. Cuando una película hace justicia a una obra del calado de A esmorga, que no solo es un clásico de la literatura gallega, sino de la literatura universal, entonces nos encontramos ante una película de obligado visionado. Una película cuya experiencia va más allá de las imágenes y consigue emocionar. Me atrevo a decir que jamás habrá una obra audiovisual que se aproxime a A esmorga de manera tan potente como la propia novela, pero el film de Ignacio Vilar se queda lo suficientemente cerca como para haber hecho una de las películas españolas del año. A

Remakes

omo siempre, este mes hemos tenido también una buena dosis de remakes que llegan a nuestras pantallas. Por un lado tenemos un innecesario remake de Poltergeist, que no aporta demasiado. Por otro lado tenemos Lazos de Sangre, que es un remake que Guillaume Canet hace de una película francesa que protagonizó hace unos años. Un policiaco tópico y que se va deshinchando a medida que avanza, y que constituye su debut en lengua inglesa como director. Y finalmente tenemos la última entrega de Mad Max, que a pesar de que se considera una secuela, tampoco es descabellado verla como un remake o una reinterpretación de la segunda parte de la saga. Podríamos decir que es una buena medida de lo que suelen ser los remakes. Normalmente son películas prescindibles y de baja calidad que se hacen para aprovechar el tirón de una marca. De vez en cuando son adaptaciones de películas extranjeras hechas en Hollywood, muchas veces con los propios creadores participando en mayor o menor medida, y les sirven para dar a conocer, tanto la película como a ellos mismos, en Estados Unidos. Y de vez en cuando tenemos algún remake realmente interesante. Algún remake que traspasa la barrera de remake para convertirse en una película importante por derecho propio. Vamos a aprovechar la ocasión para comentar algunos de nuestros remakes favoritos que sí merecen la pena, aclarando que nos dejamos muchísimos fuera.

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Remakes que merecen la pena

Por un puñado de dólares Por Enrique Remírez

ras comenzar su carrera codirigiendo y dirigiendo dos películas ambientadas en la antigua Roma y Grecia, Sergio Leone se embarcó en una película menor con un presupuesto muy limitado, consistente en rodar en Almería una película ambientada en el oeste americano. Un proyecto que podría parecer arriesgado, quizá no lo fuera tanto. Para la primera película en la que participó, Leone estudió diferentes localizaciones españolas en las que rodar exteriores. Y aunque Los últimos días de Pompeya (coproducida por Italia, España y Alemania oriental) fuera rodada finalmente en Cantabria, el director italiano debía conocer bien los medios que durante los años cincuenta había ido adquiriendo la desértica región del sur de España. A principios de la década de los sesenta, diversas superproducciones estadounidenses como El Cid, Cleopatra o Lawrence de Arabia; habían potenciado notablemente los recursos almerienses para el rodaje de películas. Así pues, Almería se postulaba como la opción más lógica, y una gran oportunidad. No hace falta tampoco mucho presupuesto para mostrar suciedad y miseria humana. Un estilo que choca claramente con la imagen de los Westerns mostrada por las producciones de Hollywood durante décadas. Unos "Westerns Hollywoodienses", en los que se le presenta al espectador una imagen mucho menos oscura y deprimente de aquella sociedad, y en la que predominan la aventura y la lucha contra los indios, como recursos y símbolos más utilizados. Sergio Leone sabía que la historia que iba a contar funcionaba muy bien. Y lo sabía, porque esa misma historia ya había tenido éxito

tres años antes, en forma de película de samuráis. Yojimbo, dirigida por el maestro japonés Akira Kurosawa, fue premiada en el festival de Venecia (mejor actor protagonista para Toshirô Mifune) y nominada en los Oscar de Hollywood (mejor vestuario). En ella, se cuentan los sucesos que tienen lugar en un pueblo que sufre una cruenta lucha sin cuartel entre dos bandas rivales que pretenden hacerse con el control del lugar, y al que un día llega un misterioso viajero que resultará determinante en dicho conflicto tras mostrar su gran destreza en combate. El primer candidato para interpretar al pistolero sin nombre, fue un actor estadounidense llamado Steve Reeves, famoso en su época por encarnar a personajes musculosos en las numerosas películas del género de romanos y mitología griega italianas en las que participó. Este actor, ya había trabajado con Sergio Leone en Los últimos días de Pompeya, con lo que para el director italiano (que parece que recurría a aquello que conocía personalmente para poder sacar adelante la película) era la primera opción lógica a quien ofrecerle dicho papel. Sin embargo, una vez más, Steve Reeves demostró no tener buen ojo a la hora de escoger sus películas. Antes de rechazar el papel protagonista de Por un puñado de dólares por considerar que un italiano no podría hacer una buena película del oeste, rechazó ser el primer James Bond por considerar que el sueldo no era lo suficientemente cuantioso. Con la negativa de Steve Reeves, Leone, que parece ser que debía de tener bastante claro que para encarnar a un pistolero en el salvaje oeste era necesario un actor estadounidense, se vería

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obligado a buscar uno en Hollywood. Tras una larga lista de actores a quienes no podía pagar o que rechazaban el proyecto por no confiar en él, apareció el nombre de Clint Eastwood. Actor de segunda categoría con experiencia en Westerns tras interpretar a uno de los personajes principales de la serie Rawhide. Según el propio actor, aceptó el papel por estar cansado de interpretar al chico bueno, y quería interpretar a un antihéroe. El cúmulo de circunstancias que llevaron a Clint Eastwood a protagonizar esta película, no podrían haber sido más oportunas. Todo lo comentado, sirvió para poder rodar la película. Pero Sergio Leone no se quedó ahí, y supo imprimir a Por un puñado de dólares de un estilo muy personal que provocó que se popularizase un género que hasta entonces se consideraba de segunda categoría: El “Spaghetti western”. Dando un paso más, adentrándose en un estilo tomado del propio Kurosawa, Sergio Leone le ofrece al espectador sensaciones y experiencias nuevas en un género que ya empezaba a mostrar síntomas de agotamiento, y que gracias a la trilogía de películas dirigidas por Leone y protagonizadas por Clint Eastwood, alcanzó nuevas cotas de popularidad durante la

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segunda mitad de los años sesenta. Los nuevos recursos estilísticos utilizados por Leone son numerosos y variados. Entre ellos, los más claros consisten en: -Primerísimos planos que ya no se utilizan para mostrar reacciones o sentimientos, sino que siendo eternos son utilizados para resaltar rasgos, para sugerir lo que el personaje puede estar pensando o para crear tensión en la escena. -Planos panorámicos en los que entran los personajes en primeros y primerísimos planos. -Duelos y tiroteos que hasta ese momento se mostraban de manera ruidosa y frenética, contaban con una estructura y estilo diferentes en los que la violencia se trata con una lentitud y una serenidad extremas. Produciendo en el espectador una tensión que aumenta poco a poco hasta llegar al clímax final.

Por un puñado de dólares es sin duda una de esas pocas películas que han supuesto un punto de inflexión en el cine. Y por lo tanto, debe ser considerada como una de las más importantes de la historia. A

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Sukiyaki Western Django Por Enrique Remírez

ukiyaki western Django, es el remake de Por un puñado de dólares, que es a su vez un remake de Yojimbo. Pero al mismo tiempo, Sukiyaki western Django toma también como referencia la propia Yojimbo al mismo tiempo que jocosamente pretende ser una precuela de Django (dirigida por Sergio Corbucci en 1966). Diciendo además basarse en cierta manera en las Guerras Genpei, conflicto entre antiguos clanes japoneses que tuvo lugar en el XII. Y todo esto, trasladando el oeste americano a Japón. La película no podía estar dirigida por otro que no fuera el tarao de Takashi Miike. La trama, en general, es la misma que la de sus predecesoras. Un pueblo está dividido por la lucha por el control entre dos clanes rivales: Los Genji, vestidos de blanco; y los Heike, vestidos de rojo. Estos dos clanes llevan muchos años enfrentados. Desde que empezaron a disputarse el control del oro de una mina cercana. Un día, un pistolero sin nombre llega al pueblo, y su llegada tiene el mismo efecto que el producido al rociar gasolina sobre el fuego. Takashi Miike nos ofrece más personajes con los que enriquece la trama de su película. Algunos

de ellos femeninos y de armas tomar. Lo cual, siempre se agradece. Hay que destacar a Quentin Tarantino, en un papel pequeño pero de cierta relevancia en la trama, que fue contratado por el propio Takashi Miike. Según han contado ambos en alguna ocasión, se profesan admiración mutua por sus películas y por lo influyentes que han sido para el mundo del cine en general. Siendo Miike en palabras de Tarantino, un director conocido en Japón por ser capaz de hacer películas locas con poco presupuesto de una manera muy rápida y efectiva. Poniendo a Audition como el mejor ejemplo de ello. Uno de los puntos negativos, es la falta de presencia en pantalla del protagonista: el pistolero sin nombre. Que resulta ser un personaje sin expresividad ni fuerza, y eso perjudica a la película, haciendo que los conflictos en los que se ve envuelto no resulten tan interesantes como pudieran haber sido con un actor que hubiera sabido mostrar algún rasgo que evitara ser olvidado a los cinco minutos de terminar la película. El resto de personajes sin embargo, los villanos en gran medida, sí rayan a buen nivel. Son personajes en algunos casos descabellados, que poseen marcadas características de personalidad o

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físicas, que siendo bien interpretadas, resaltan en pantalla haciéndoles ser únicos. No solo los jefes de ambos clanes son personajes creados con cierto esmero, sino también algunos de sus lugartenientes y el Sheriff. Lo cual, le da a la película variedad y riqueza de todo tipo: Humor, acción...

Sukiyaki western Django hace gala de un gran sentido del humor, negro. A destacar el hecho de ver a actores japoneses interpretando a pistoleros del salvaje oeste. Resulta especialmente gracioso verles intentar poner cara de tipos duros y muy malos. Impagable. A la película solo le faltaría un buen doblaje en gallego para ser el summun del género de la comedia. Uno se conforma oyéndoles hablar en inglés. Las escenas de acción contienen una buena pizca de gore y están bien rodadas. Unas escenas, en las que el director incluye además algunos toques personales que hacen que resulten hasta cierto punto, novedosas y originales. Como por ejemplo, la introducción de elementos orientales como la katana, o recursos vistos en los combates de películas de artes marciales y de anime. Y aunque pueda parecer una inclusión extraña,

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resultan ser realmente efectivos y efectistas. La película consigue grandes contrastes. Con una fotografía en la que resaltan sobretodo el blanco y el rojo característicos de ambos clanes. Por un lado, el blanco en la ropa y el edificio del clan Genji, y por el otro el rojo de la ropa y el edificio del clan Heike. Sin olvidar el rojo de la sangre. En cambio, en los decorados tanto interiores como exteriores, se produce una fusión muy meritoria. En la película se logra mezclar una vez más, el estilo oriental y occidental, en unos edificios que cogen rasgos estéticos de las casas de los pueblos del oeste americano, así como rasgos estéticos de las clásicas casas japonesas, consiguiendo un diseño muy particular y atractivo a la vista. En resumen: Sukiyaki es una exitosa mezcla de géneros y estilos, desarrollados con mucho acierto por un director experimentado en toda clase de productos cinematográficos. Estamos sin duda, ante una película hecha por y para el disfrute de aquellos a quienes les guste ver cosas extrañas o diferentes, y ante una de las mejores películas de Takashi Miike. ¡Viva el Sushi Western! A

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Infiltrados Por Juan Romero

on Infiltrados, Martin Scorsese consiguió finalmente el reconocimiento unánime de la Academia norteamericana, alzándose por primera vez con los Oscar a Mejor Director y Mejor Película, tras haberlo merecido en diversas ocasiones previamente e irse de vacío. A pesar de contar una historia bastante habitual en Scorsese, centrándose en organizaciones mafiosas y demás, el argumento está sacado de manera bastante fiel de la película de Hong Kong Infernal Affairs. Tras el éxito de la película original hongkonesa, Warner Bross y Brad Pitt compraron los derechos para un remake, y William Monaghan escribió el guion, adaptando fielmente la película original, pero cambiando el escenario en el que se ambienta e introduciendo a la mafia irlandesa de Boston como foco central de la misma. Cuando Martin Scorsese leyó el guion, fueron precisamente esos elementos los que más le atrajeron, y los que le hicieron decidirse a rodar la película. Desde el primer momento, la película es puro

Scorsese. La presentación inicial de los protagonistas es magnífica, con un ritmo endiablado. Frank Costello demostrando en un par de escenas que es el jefe de Boston, a ritmo de los Rolling Stones, y a continuación un montaje paralelo en el que vemos a Colin Sullivan y a Billy Costigan ir poco a poco avanzando en el escalafón para convertirse en policías, mientras se nos van presentando también gran parte de los secundarios de la película. El primero de ellos en realidad es un protegido de Frank Costello que se dedicará a pasarle información confidencial, mientras que el segundo es convencido precisamente para que se infiltre en la organización de Costello. Una extraordinaria introducción que acaba a ritmo de música celta punk y que sienta las bases de lo que será la película a partir de ese momento. Tras ese arranque monumental, la película se va centrando fundamentalmente en la organización criminal de Costello, y la manera que tienen los dos policías en tratar la situación en la que están metidos. Hasta que llega un momento en el que desde los dos bandos se enteran que el

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otro bando tiene a alguien infiltrado en su organización, y empiezan a dedicar sus esfuerzos a encontrarlo. El excelente ritmo se ve, no obstante, en ocasiones frenado por ciertas situaciones y algunas coincidencias más complicadas de justificar. Sobre todo el personaje de la psicóloga que empieza a salir con uno de los protagonistas mientras hace terapia al otro, creándose un triángulo demasiado forzado, que además no tiene luego suficiente impacto en la trama como para poder justificarlo. Y quizás el otro pero que le pondría sería el hecho de que se revele que Costello es en realidad informante del FBI, cosa que de nuevo complica innecesariamente la trama sin que aporte demasiado a nivel argumental. Pero en cualquier caso son problemas menores. La historia es suficientemente potente, y Martin Scorsese la dota de una personalidad y un ritmo realmente extraordinarios, a través de unos planos, un uso de la música y una presentación de

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la violencia que son marcas de la casa. Y gracias también a un colosal reparto que viene encabezado por Jack Nicholson, Leo DiCaprio y Matt Damon, apoyados por nombres de la talla de Martin Sheen, Alec Baldwin, Mark Wahlberg, Vera Farmiga y Ray Winstone. Todos ellos absolutamente extraordinarios en sus papeles. Sí, también Mark Wahlberg. Como decía, la película original hongkonesa es muy parecida a nivel argumental. De hecho, algunos de los pequeños problemas que hay presentes en la de Scorsese son incluso mucho más graves en la original. No solo las casualidades, sino también el sentimiento de confusión de no saber por momentos de qué lado está cada uno de los personajes es más intenso en la película original. Y, evidentemente, aunque Andrew Law es bastante competente dirigiendo películas de acción, está lejísimos de la maestría de Scorsese, que es lo que hace de Infiltrados algo realmente especial. A

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La Cosa Por Juan Romero

a cosa, más que un remake de la película de 1951 producida por Howard Hawks, fue vendida como una nueva adaptación del relato corto de John W. Campbell ¿Quién anda ahí? Ya por entonces se recurrían a esas estratagemas para evitar el estigma del remake. En cualquier caso, es evidente que la película de John Carpenter está mucho más cerca al original literario que a la versión dirigida por Christian Nyby, pero también utiliza algunos elementos de ésta, por lo que no es ni mucho menos erróneo hablar de remake. La historia tiene lugar en una estación científica en la Antártida, donde los residentes entran en contacto con una entidad extraterrestre que es capaz de imitar formas de vida, que ha atacado otro grupo en otra estación y ahora ha llegado a su campamento. El peligro de que la criatura les ataque, que alguno de ellos haya sido ya asimilado por la misma y sea de hecho parte de la criatura, o que la plaga se pueda extender a otras zonas, hace que los científicos empiecen a sospechar de todo y de todos. Y se empiecen a generar tensiones y a comportarse de forma extraña.

Tenemos un escenario en el que se unen terror en estado puro, con un argumento típicamente Lovecraftiano, y unos personajes encerrados en un lugar muy delimitado. Y tenemos a Kurt Russell como protagonista de la función. Por lo tanto, tenemos todos los ingredientes necesarios para que John Carpenter nos deleite con otra de sus obras maestras. Y, evidentemente, no defrauda. La película juega con el terror en muchas formas. Una de las más interesantes es la del peligro que puede venir, de manera salvaje, de cualquiera de tus compañeros. Tanto si han sido asumidos por la entidad extraterrestre, como si simplemente están invadidos por el miedo, que les obliga a hacer cosas impensables para poder sobrevivir. En ese sentido, es muy interesante la escena en la que uno de los protagonistas mata a uno de sus compañeros, que resulta ser humano, y nadie le da demasiada importancia. Lo único que están intentando es sobrevivir. Igual que la criatura extraterrestre, en realidad. Y la otra forma en la que transmite el horror es a través de las transformaciones de las criaturas.

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Remakes que merecen la pena

Unos efectos absolutamente espectaculares, llevados a cabo por Rob Bottin, y que aún hoy siguen funcionando realmente bien, a pesar de haber pasado tantísimo tiempo. En una época en la que aún se hacían los efectos de manera manual, y no a través de ordenador. Precisamente hace unos días nos enterábamos que Rick Baker, legendario artista de efectos especiales, y maestro de Rob Bottin, se retiraba del cine porque el CGI se había cargado los animatronics y está empezando a cargarse hasta el maquillaje. Una verdadera lástima, viendo los resultados que conseguían en ciertas películas, como es este caso. Aparte de las influencias de las que he hablado antes, hay un par de películas que son hasta cierto punto hermanas de La Cosa. En primer lugar, y claramente, hay muchos paralelismos con Alien. Unos científicos encerrados en un lugar reducido con una criatura extraterrestre que va matándolos uno por uno. Parece claro que la idea de hacer un remake de La Cosa está influenciada por la mera existencia de Alien.

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Y en segundo lugar, creo que también hay que nombrar La Mosca, de David Cronenberg. Porque la Mosca también es un remake (o una readaptación de un relato corto, si queremos ser puristas) de una película de terror. Y porque cuando uno ve el increíble trabajo de efectos especiales de La Cosa, también es inevitable pensar en el body horror cronenbergniano. La Mosca, por cierto, es otro remake que también podría haber estado presente en esta lista con todas las de la ley. En cualquier caso, La Cosa es un hito, tanto en el cine de terror, como en la filmografía de Carpenter. La manera de manejar el suspense y el horror en un espacio reducido, el tema de que el peligro puede acechar en el exterior, pero también en el interior de cualquier persona, los efectos especiales para conseguir las criaturas. Y todo al servicio de una historia que permite a John Carpenter desarrollar todos los elementos que le han llevado a ser una leyenda del cine. A

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El hombre que sabía demasiado Por Juan Romero

Hitchcock llevaba varios años pensando en hacer un remake en América de su propia El hombre que sabía demasiado cuando por fin le surgió la oportunidad. Su intención era alejarse en la medida de lo posible de la película original, por lo que tomó una interesante decisión al respecto. Quedó con el guionista que tendría que escribirla, le pidió que no viera la película, ni leyera el guion, y le contó el argumento de la película original para que escribiera el guion del remake a partir de ahí. El resultado es una película que sigue el argumento general de la primera El hombre que sabía demasiado, pero que cambia a su antojo tanto localizaciones (de Suiza a Marruecos, de la consulta de un dentista al taller de un taxidermista) como situaciones y secuencias completas, consiguiendo hacer de la película algo bastante alejado de la original. Los protagonistas de la película son un James Stewart, que ya se había convertido en un habitual de las películas de Hitchcock, y por Doris Day, cuyo pasado como cantante se ve introducido en la trama, convirtiendo a su personaje en

una antigua cantante famosa, y dándole la oportunidad de cantar durante la película ¿Qué será, será?, compuesta especialmente para la ocasión. La película arranca con Stewart y Day de vacaciones con su hijo en Marraketch, donde conocen casualmente a Louis Bernard, del que empiezan a sospechar que hay algo turbio casi desde el primer momento. Como no puede ser de otra manera tratándose de Hitchcock, los acontecimientos disparatados se van sucediendo hasta hacer que los protagonistas se vean envueltos sin comerlo ni beberlo en una conspiración internacional llena de peligros. Hitchcock consigue superar a la original en prácticamente todos los aspectos. Cosa lógica y normal. Cuando hizo la primera versión era un joven director que estaba empezando a destacar mientras que, cuando hace la segunda, está en su etapa más fructífera. Es interesante comparar ambas versiones, porque es una buena manera de ver la enorme evolución que tuvo Hitchcock. Lo más destacable en El hombre que sabía

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Remakes que merecen la pena

demasiado es, como siempre, la manera de manejar la tensión. A través de cómo va dosificando la información, complicando la trama con extrañas conspiraciones que nunca llegamos a comprender del todo, o incluso introduciendo situaciones que no tienen mucho recorrido argumental, como es la propia del taxidermista. Son recursos que en manos de cualquier otro director menos competente podrían resultar perjudiciales para la película, o incluso ridículas, pero que en manos de Hitchcock no hacen otra cosa que añadirle profundidad. Pero el elemento que destaca sobre todos los demás es la sensacional secuencia del concierto en el Royal Albert Hall. No me extrañaría en absoluto que el interés fundamental de Hitchcock por rehacer El hombre que sabía demasiado estuviera en la posibilidad que se le presenta de volver a rodar esa secuencia, de una manera muchísimo más profesional esta vez. Una secuencia de cerca de doce minutos, sin diálogos, en la que Hitchcock es capaz de transmitir una enorme y creciente tensión simplemente

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a través de un montaje extraordinario y un sentido del ritmo absolutamente inigualable, con la inestimable ayuda de la música. Una secuencia que es probablemente una de las mejores en cuanto a construir tensión poco a poco, sin diálogos, simplemente mostrando lo que pasa. Comparable en ese sentido a la secuencia central del robo en Rififi, de Jules Dasin. La segunda versión de Hitchcock de El hombre que sabía demasiado es una de las películas que contribuyó a crear su fama como maestro del suspense. Y es, sin lugar a dudas, una de las películas más importantes de su director. Y eso es tanto como decir que es una de las grandes películas de la historia. A

Entrevista a

Ignacio Vilar 15

Revista Erebus - Abril 2015

Entrevista | Ignacio Vilar

Erebus pregunta A esmorga es una de las novelas más reconocidas y leídas de la literatura gallega. Esta novela de Eduardo Blanco Amor, publicada en Buenos Aires en 1959, no llegaría a publicarse en Galicia hasta 1970. Pero no es la primera adaptación al cine: La parranda, dirigida por Gonzalo Suárez, se llevó a la gran pantalla en 1977, con guion del propio Blanco Amor. La adaptación de Ignacio Vilar es, sin embargo, la primera totalmente gallega. Y ha constituido un éxito rotundo. Quince semanas en cartelera en Galicia con récord de espectadores hizo que la película pudiera dar el salto a los cines del resto de España, donde también ha sido bien recibida. Hablamos con Ignacio Vilar sobre cómo surgió y cómo se hizo la adaptación de este clásico universal.

sted viene de hacer películas de mucho éxito en Galicia, como Pradolongo o Vilamor. Sin embargo, el salto a una de las novelas más reconocidas de la literatura gallega parece bastante arriesgado. ¿Cómo nació la idea? ¿Por qué se atrevió? Yo cuando leí A esmorga de adolescente estudiaba interno en un colegio de curas en Ourense, donde algunos chavales tenían padres que traían el libro de Argentina, porque de aquella estaba prohibido. El libro cayó en mis manos y me dejó tocado. Desde pequeño siempre tuve claro que quería hacer cine. Soy de una aldea de la comarca de Valdeorras y tuve la suerte de que en la lareira [espacio para hacer lumbre dentro de una casa] de mis abuelos se juntaban los vecinos y contaban cuentos. Había una tradición oral muy rica. Esas historias a mí me llaman. Siempre pensé que el cine es esa lareira en la que los gallegos y gallegas podemos seguir contando nuestras historias. A parte de eso, hace cuatro años, cuando decidí llevar A esmorga al cine, era cada vez más difícil financiar

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Entrevista | Ignacio Vilar

una película. Estábamos entrando en la crisis. Además, un clásico que trasciende el tiempo como A esmorga, es un espacio común de todos los gallegos y gallegas. Pensé que era un proyecto ciertamente arriesgado, desde el punto de vista profesional como director, pero al ser un clásico, ese espacio común que decía, sería más fácil de financiar. Finalmente fue uno de mis proyectos más sencillos de financiar. Participaron todas las instituciones, incluso es la primera vez que Televisión Española compra los derechos de una película gallega rodada en gallego. Televisión de Galicia apostó muy fuerte también por el film, Agadic a través de la Xunta de Galicia, el concello de Ourense, el Instituto de Cinematografía y Artes Audiovisuales (icaa)... En fin, todas las instituciones, televisiones y demás ayudaron a poner en marcha esta película. Si hubiera sido mi primer largometraje, incluso el tercero, no me hubiera atrevido, pero al ser el quinto sí, porque ya tienes el oficio más

aprendido. Aun así fue una angustia y un sufrimiento impresionante porque rompí con toda mi trayectoria de forma de contar el cine. Fue cómo aprender de nuevo el vocabulario cinematográfico, y eso te da cierta inseguridad. Pero yo siempre me guío por las historias a la hora de decidir desde los actores, la dirección de actores, la fotografía, la música o el lenguaje. Son las historias las que me hacen buscar la forma de contarlas. Para mí el fundamento es llegar al espectador, emocionar y hacer vivir una auténtica experiencia. La película recorre las calles de Auria (ficcionalización de Ourense). El Concello de Ourense entiendo que os dio todas las facilidades para el rodaje. ¿Pudisteis rodar en la propia ruta original de A esmorga? Sí, totalmente. Como dije, todas las instituciones, gobernadas por distintos partidos [en el ayuntamiento está el PSOE, en la Diputación Revista Erebus - Junio 2015

Entrevista | Ignacio Vilar

el PP, en la vicepresidencia de la Diputación de Lugo el BNG], apoyaron el proyecto. En el caso de Ourense la ciudad se volcó totalmente. Imagínate cerrar la Plaza Mayor tres días, sin dejar pasar a nadie porque era una película de época. Hay pocas ciudades que lo puedan hacer. Muchos directores y profesionales del cine en Galicia piensan que la Xunta de Galicia está más bien asfixiando el audiovisual gallego. ¿Qué opinión le merece este asunto? Hoy por hoy hay unas ayudas públicas cada año para la producción. De hecho A esmorga accedió a ellas. Claro, antes de la crisis había mucho más presupuesto para estas ayudas y bien podría haber ahora algo más. Sin embargo, en estos momentos hay tres o cuatro películas gallegas proyectándose en toda España: Las altas presiones, Little Galicia, Maimiño y la propia A esmorga.

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Volviendo a la película, los tres actores hacen una impresionante labor interpretativa. De hecho Morris ganó el premio Mestre Mateo a la mejor interpretación masculina. Pero quería poner el foco en Karra Elejalde (Bocas). Sorprende su altísimo nivel de gallego. ¿Hasta qué punto recitaba de memoria o llegó a aprenderse el idioma? Todos los actores y actrices tienen facilidad para los idiomas. Nosotros a Karra le pusimos una lingüista, Sonia, en Barcelona (donde vive Karra) durante quince días. Durante el rodaje tuvo también un lingüista en Ourense durante dos meses. Los lingüistas trabajaban con Karra los diálogos e incluso le intentaban dar un acento del Ourense de la época. Trabajó mucho el diálogo, hasta dominarlo totalmente. Por lo que me dicen cantidad de espectadores e incluso catedráticos de gallego, lo hace muy bien. Para Morris (Milhomes) y para Miguel (Cibrán) también fue difícil. Miguel es de Lira, en la

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Costa da Morte y él también tuvo que aprender ese acento ourensano, que no es fácil. En A esmorga el gallego está muy trabajado, ya que el lenguaje es algo fundamental para mí. Incluso empleamos palabras que están en desuso, propias de la zona de Ourense, para acercarnos más a la historia.

Después Under the Volcano, de John Huston. Uno de los personajes está borracho durante toda la película. Esa borrachera del protagonista la trabajamos también para la película. Y finalmente, una película que no trabajamos como tal, pero que para mí es una referencia, es The Wild Bunch, de Sam Peckinpah.

En todo momento la magnífica labor de fotografía nos hace estar encima de los protagonistas, siguiendo sus pasos. A mí me evoca, en parte, al cine de los hermanos Dardenne, además de por el estilo, por la identificación con personajes perdedores o a los que no les fue bien en la vida. ¿Tuvo alguna influencia a la hora de pensar o planificar las escenas?

La lluvia acompaña todo el film, convirtiendo este descenso a los infiernos en algo aún más incómodo, incluso pegajoso y asfixiante. ¿Fue difícil rodar tantas escenas con lluvia?

Sí, hay tres películas que trabajamos como referencia. La primera es Husbands, de John Cassavetes, que es una fiesta de élite, de tres juerguistas en Nueva York que se van de “esmorga” durante 48 horas. Además Cassavetes es un director que me interesa muchísimo.

Una de las cosas más difíciles del cine es rodar en invierno, con frío, con lluvia, y después meterle aún más lluvia como hicimos nosotros. Era fundamental, porque la atmósfera de la novela de Eduardo Blanco Amor ya es asfixiante, con frío, humedad, como un personaje más que empuja el destino de estos tres personajes. Rodar en enero, febrero y marzo, 11 horas diarias de lunes a viernes, con ocho ciclogénesis que se sucedieron, un frío tremendo y mucha agua... Imagínate los actores y el equipo técnico, cuatro, cinco o seis Revista Erebus - Junio 2015

Entrevista | Ignacio Vilar

«El fundamento es llegar al espectador, emocionar y hacer vivir una auténtica experiencia»

horas mojados, con frío. Enfermedades, antibióticos. De todo. Fue la película más dura para Karra, él que lleva cuarenta y pico, y para todos, también para mí. Pero era fundamental. Una cosa que me dicen los espectadores es que salen de ver el film con la humedad metida en los huesos. El cine que te sobrepasa la epidermis, que llega incluso a los huesos, ese es el cine que vives como una experiencia.

se marcha, Milhomes se sienta en el prado con los ojos cerrados mientras la cámara se acerca y entonces abre los ojos porque se entera de a dónde va Bocas. Coordinar todos esos movimientos tan perfectos es complicado.

Hablando de escenas complicadas. No sé hasta qué punto la escena del incendio fue particularmente complicada. Si es real o son efectos especiales.

Sí, en ese caso fue el operador de la steadycam, uno de los grandes profesionales, porque esos movimientos son dificilísimos en cuanto a la coordinación, percepción y ritmo. A esmorga tiene un 90% de steadycam y un 10% de cámara en mano. Cuando sale adelante una película es porque a nivel artístico van todos en una misma dirección. Desde el principio intenté implicar a cada uno del equipo como si hiciera su película, que aportase su lado creativo dentro de una dirección clara. En A esmorga lo conseguimos.

Es real. Hay una empresa especialista que se ocupó de ello, porque es complicado. De hecho nos ardieron las vigas del techo. Sin embargo no fue lo más complicado del rodaje. Hay muchos planos-secuencia, algunos de muy difícil realización. Como por ejemplo el plano secuencia en el prado, antes de llegar al estercolero. Hay que coordinar a los tres protagonistas: el Bocas Revista Erebus - Junio 2015

Incluso la escena que sucede en el estercolero debió ser muy difícil para el operador de cámara, moviéndose por un terreno tan complicado.

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«Algo que me dicen los espectadores es que salen del cine con la humedad metida en los huesos. Ese es el cine que de verdad vives como una experiencia.» Yo me encerré con los tres actores, junto con mi ayudante de dirección y un asesor de actores durante quince días en una residencia en O Carballiño. Le llamábamos la residencia del resplandor. Casi nunca se hace ésto ya. En esos quince días trabajamos el guion, la novela, cada personaje por separado y la interacción entre ellos. Trabajar en los personajes era fundamental porque están en plano prácticamente toda la película. Luego estuve una semana trabajando con los jefes de equipo de cada departamento, incluso viendo alguna película. Con el director de fotografía estuvimos un mes paseando por Ourense para captar esa luz. Maquillaje, peluquería, vestuario... Hay un trabajo técnico en todos los departamentos impresionante. Una de las decisiones que considero más arriesgadas es la de no mostrar el final en imágenes y a cambio poner el propio texto de

la novela de Blanco Amor. ¿Por qué decidió acabar así? Llevábamos 112 minutos y yo quería ser muy fiel a la novela, aunque sea una interpretación mía. Para el final necesitaría media hora más, y no sé si llegaría. La película empieza como empieza la novela y acaba como acaba la novela. La decisión fue complicada. Algunos decían que había que poner música, otros que no había que poner el texto... Yo tomé la decisión después de trabajar bastante tiempo con la compositora, con Zeltia Montes. La idea era que el espectador dedicara un tiempo en soledad a reflexionar y eso, para mí, lo da el texto de Eduardo Blanco Amor. Cuando Cibrán está mirando a cámara comienza la música de piano pero luego empleamos los pedales del piano para dar un golpe como diciendo “despierta” y luego se hace el silencio absoluto. Revista Erebus - Junio 2015

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Ese silencio, con la dureza del texto, me ponen los pelos de punta. Estuve hace un mes en una proyección en Cangas, en la que por cierto había seiscientas personas llenando la sala, y al acabar la película se nota el golpe del pedal, sale el texto y silencio total. Seiscientas personas en silencio total leyendo las grandes palabras de Eduardo Blanco Amor. Me comentaron que en Marineda City, en A Coruña, la gente se quedaba agarrada a la butaca y no se levantaba. Sí, en la sesión a la que fui yo en los cines Princesa de Madrid, también se hizo e silencio y la sala estaba prácticamente llena. Es un momento muy potente. Sí, después de hablar con cantidad de espectadores creo que acertamos. Ese minuto o dos es un tiempo que el espectador necesita. La película se está proyectando ahora mismo en varias partes de España. ¿Cómo ve la gente de fuera de Galicia esta historia que es tan propia de los gallegos? Estuvimos en Barcelona, en Madrid y en Bilbao hablando con los espectadores, que no eran gallegos. En los carteles que hay por todo Madrid, si te diste cuenta hay una frase que dice “Una historia universal destilada en Galicia”. Pues es eso. Es una historia universal. La novela es una de las grandes historias de la literatura universal. Entonces las valoraciones son positivas desde fuera de Galicia. Sí. Desde Hollywood Report, hasta El Mundo o la revista Caimán Cuadernos de Cine. Las críticas fueron muy buenas, y lo que nos comentan los espectadores es que es una película muy dura, que salen tocados pero que salen también emocionados. Con la sensación de que han vivido algo importante. A

A ESMORGA / 2014 / 111 mins. DIRECCIÓN: Ignacio Vilar PRODUCCIÓN: Ignacio Vilar, Marina Fariñas y Víctor F. Freixanes GUIÓN: Ignacio Vilar y Carlos Asorey REPARTO: Miguel de Lira, Karra Elejalde, Antonio Durán "Morris", Melania Cruz y Sabela Arán

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Frances McDormand dijo algo extraordinario: "No necesitamos ayuda, necesitamos dinero". Tengo un bestiario completo de premios. Osos, perros, etc. pero la gente sigue sin darme financiación. Como dicen los pescadores "Menos agradecimientos y más dinero". • AGNÈS VARDA

It Follows It Follows / USA / 2014 Dir.: David Robert Mitchell

Rep.: Maika Monroe, Keir Gilchrist, Daniel Zovatto, Jake Weary, Olivia Luccardi

Texto: Jose M. Aparicio

l miedo es un sentimiento universal pero que aparece de formas muy distintas. No necesitas de nadie al lado para sentirlo al contrario que otras emociones fuertes como el amor, la envidia o la empatía. Aunque te vayas a una isla desierta aislado de la civilización sentirás miedo. Hay gente que vive con miedo de cualquier cosa y gente que no tiene miedo de casi nada. Hay personas que pueden pasarlo

realmente mal viendo las mismas imágenes y sonidos con las que su compañero de la butaca de al lado se está descojonando. Aterrar con una película no es sencillo. Son muy pocas las que te hacen estremecerte en la butaca. Esta no es una de ellas. Aunque no se desenvuelve mal del todo. En general es difícil que algo que sabes que no existe pueda perturbarte lo más mínimo. Pero a veces ocurre. Y cuando

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It Follows (David Robert Mitchell, 2014)

después de ver una película de terror te vas a la cama y al apagar la luz te sientes incómodo, hay que darse por satisfecho. Me atrevo a decir que It Follows, a pesar de su sencillez, consigue su objetivo. Sin demasiado brillo pero con un buen sabor de boca. Lejos de las grandes superproducciones, este film independiente exhala un cierto aroma a película ya vista de terror adolescente de los 80 pero el desarrollo es, digamos, más original. La introducción es contundente y explícita y da a entender que vamos a ver una película llena de cadáveres y vísceras. Pero solo es un engaño porque en realidad lo que ocurre en la pantalla no necesita acudir a la casquería para hacer sentir incomodidad. Y es que eso es en realidad lo que consigue. No horroriza, incomoda. Con el apoyo de una banda sonora opresiva, la sensación de inseguridad es contínua y el peligro está constantemente en el ambiente. Jay, nuestra protagonista, se encuentra en plena adolescencia. Parece que está empezando a sentir algo especial por un chico así que decide dar un paso más y tener relaciones sexuales con él. Lo que no se espera es lo que este desenfreno en la parte trasera de un coche le va a provocar. No sé si usaron protección o no pero su preocupación no va a ser quedarse embarazada o que el chaval tenga alguna enfermedad venérea. El asunto que la va a traer de cabeza es que el chico amable y dulce de repente la secuestra y le cuenta que al haber consumado con ella, la ha pasado una especie de maldición por culpa de la cual un ser, ente, espíritu o similar, la va a perseguir con la poco grata intención de asesinarla. Este engendro puede tomar la forma de cualquier persona pero solo la pueden ver los que alguna vez han estado infectados. La manera de librarse de él es copulando con otro pobre desgraciado que asumirá

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el papel de huidizo liberando a su predecesor de la carga de estar mirando hacia atrás a todas horas en cualquier lugar. La buena noticia es que la persona poseída que la persigue solo camina. Ni “No necesita recurrir corre, ni es ágil ni tampoco a la casquería es muy listo. Una especie para hacer sentir de zombie de George A. incomodidad. Romero sin haber muerto previamente. La sensación de A partir de aquí, el príncipe inseguridad es azul desaparece y el film continua y el peligro se centra en la huida de la está en el ambiente.” protagonista, con la ayuda de sus amigos, de esta cosa inmunda que cuando aparece en escena realmente da bastante miedo. No es una huída frenética sino pausada. Al principio tenemos la fase de aceptación, de incredulidad y después llegan las fases de angustia, pánico, búsqueda de soluciones, equivocaciones, excesos de confianza y alguna más que hacen avanzar a la película. El desarrollo es correcto y el desenlace aceptable, sin grandes alardes. Si queréis pasar un buen mal rato, dadle al play y no miréis atrás. A

Cautivos The Captive / Canadá / 2014 Dir.: Atom Egoyan

Rep.: Ryan Reynolds, Scott Speedman, Mireille Enos, Rosario Dawson, Bruce Greenwood.

Texto: Alberte Álvarez

l director armenio-canadiense Atom Egoyan continúa explorando los rincones más sórdidos del comportamiento humano con este gélido drama en el que una niña de 10 años es secuestrada con fines pedófilos. Lo de gélido no es en vano, pues la historia acontece en Ontario, a los pies de las cataratas del Niágara. La nieve, siempre presente, trata de reforzar el ambiente de tensión.

El sentimiento de culpa del padre, la rabia de la madre y el síndrome de Estocolmo de la niña tras años secuestrada van, a su vez, entretejiendo una densa atmósfera aderezada por las pesquisas policiales que van tras los pasos del amanerado y educado secuestrador, aunque siempre muy lejos de encontrar pistas sólidas.

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Cautivos (The Captive, Atom Egoyan, 2014)

Cautivos parte del secuestro de Cassandra del coche de su padre mientras éste compraba unos dulces en una tienda. Desde un primer momento el padre se va a volcar en tratar de recuperar a la niña por su cuenta, porque desde su primer encontronazo con los policías su relación con ellos es agresiva, al encontrar que lo consideran sospechoso. Por otro lado tenemos a una madre que culpabiliza al marido de la pérdida de la niña y que sí que colabora con los detectives. A través de ella conocemos que tras 6 ó 7 años de cautiverio la ya adolescente Cassandra está viva. Y no sólo eso, sino que es utilizada para captar a otras niñas a la red pedófila. Cassandra es retenida en un lujoso búnker dentro de la casa de su raptor. En todo momento la actitud de la adolescente es dócil pero melancólica. Desde su habitación puede ver a su madre trabajar en el hotel, debido a que espían con cámaras las habitaciones donde hace limpieza. Allí le dejan, no se sabe cómo, recuerdos de la niña, y absurdamente la única acción de la madre es llorar. Sin embargo ésto no basta para Cass, así que, tras insistir a su secuestrador, organiza un encuentro con su padre a campo abierto que acaba de manera absurda y que en la película (como cada vez que no hay una solución lógica a una escena) se arregla con una elipsis. Una vez los detectives detienen a un miembro de la red, el secuestrador de Cass que podemos suponer el líder, se lanza en una cruzada personal contra la detective principal, interpretada por Rosario Dawson en una mala actuación que no transmite ese ansia interna de encontrar a las niñas. Y a partir de aquí todo se embarulla más en un clímax que podría haber sido interesante pero que se soluciona de una manera extremadamente chapucera y simplista. Cautivos va saltando entre cuatro ejes temporales: 2005 (cuando la niña es secuestrada), 2011, 2012 y 2013. Aquí reside su principal problema. Lo que en otros films de Egoyan, como en Ararat, su mejor película, era complejidad bien llevada, en este caso los años 2011, 2012 y 2013

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son difíciles de desentrelazar y continuamente existe una confusión temporal en la narrativa que el director trata de solucionar poniendo un subtítulo, pero que aun así no consigue solventar. También es mejorable el balance de las subtramas. En ocasiones las pesquisas de los policías sacan fuera de la película demasiado tiempo a los padres de la niña, interpretados por un fantástico Ryan Reynolds, pero una desafortunada Mireille Enos.

“El sentimiento de culpa

No obstante, lo que del padre, la rabia de podría haber resultado en un telefilm de sábado la madre y el síndrome por la tarde en Antena de Estocolmo de la 3 debido al confuso montaje y al mejorable niña van entretejiendo guion, Egoyan es capaz una densa atmósfera de salvarlo por su talento aderezada por las como director. El punto fuerte es la atmósfera pesquisas policiales.” que va construyendo. Con esa atmósfera y con las buenas interpretaciones de Reynolds y Kevin Durand (el pedófilo), el director de grandes películas como El dulce porvenir o Exótica es capaz de rescatar la película, posibilitando que llegue a ser visible sin provocar tedio. Tanto por la temática como por la nacionalidad del director, Prisioneros (Denis Villeneuve, 2013) se puede considerar la película hermana de ésta. Y las comparaciones son odiosas. Cautivos no llega ni por asomo a la altura de la logradísima –en todos los aspectos– película de Villeneuve. En mi opinión, Cautivos no merece el abucheo que se llevó en el Festival de Cannes, pero las expectativas que están depositadas en un director de la talla de Egoyan, especialista en construir laberintos fílmicos, hacen que la película sea una decepción importante. Y lo que es más, muestran un cierto declive en su personalísima filmografía. A

La canción del mar Song of the Sea / Irlanda / 2014 Dir.: Tomm Moore

Rep.:

Texto: Enrique Remírez

a canción del mar es una tierna y cautivadora película de animación, en la que la historia gira en torno al selkie. Una criatura mitológica del folclore celta, alrededor de la cual gira toda la trama acerca de un mundo mágico y oculto a la sociedad moderna, en el que también tienen cabida los duendes y las brujas, y que corre el peligro de desaparecer.

El selkie era una criatura con la forma de una gran foca, que poseía la capacidad de desprenderse de su piel y convertirse en un hombre o una mujer de gran belleza. Si salía del mar para adentrarse en tierra firme, necesitaba esconder su piel en algún lugar cercano al mar, donde nadie pudiera descubrirla. Si alguna persona lo hacía, ésta podía obligar al selkie a casarse con

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La canción del mar (Song of the Sea, Tomm Moore, 2014)

ella. Y en ese caso, la obligación de ocultar la piel recaía sobre el ser humano, con el propósito de que su pareja no pudiera encontrarla. Si el selkie llegaba a hacerlo, debía regresar al mar quisiera o no, abandonando a su familia si la tuviera. Ben es un niño de unos doce años que vive con su hermana y su padre en un faro. Pero no son felices. Tras la desaparición repentina de Bronagh, su madre, Ben paga su infelicidad con su hermana pequeña Saoirse, una niña muda. La noche que desapareció, la madre de Ben le regaló una flauta especial con forma de caracola por la que éste siente un gran aprecio. La insistencia de Saoirse por jugar con la caracola, termina desencadenando una serie de acontecimientos que obliga a ambos a recorrer un largo viaje. Durante el cual, afrontando diferentes peligros y dificultades, descubrirán el mundo mágico y la relación que tienen con él, así como la posibilidad de reconciliación entre hermanos. Con un estilo visual muy cuidado y alejado de las películas de animación Hollywoodienses y con un impresionante trabajo de dibujo artesanal de estilo celta, La canción del mar es una gran exhibición de luz, formas y colores; derrochando creatividad y buen gusto. La película invita al espectador a sumergirse en un fascinante mundo mágico repleto de imaginación y fantasía, con una riqueza visual capaz de entretener y embelesar al público infantil además de un guión dirigido tanto a los niños como al público adulto. Un guión capaz de agradar y emocionar a ambos por igual; con una historia cargada de mensajes sobre los sentimientos de las personas, la familia y la amistad. Todo ello tratado de manera efectiva, profunda y elegante.

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Para redondear el carácter celta de la obra, La canción del mar cuenta con una excelente y muy emotiva banda sonora a cargo del compositor Bruno Coulais y el grupo de música Kila. La interpretación de este grupo celta y las conmovedoras interpretaciones en idioma gaélico irlandés de las cantantes “La canción del mar Lisa Hannigan (quien también ha escrito las letras es una gran exhibición de las canciones) y la joven de luz, formas y Lucy O´Connell, resultan determinantes al sumergir colores, derrochando al espectador en la película. creatividad y buen La canción del mar es la segunda película dirigida y creada por Tomm Moore tras estrenar El secreto del libro de Kells en el año 2009, con un notable éxito de crítica. Este año, volvió a la carga en los Oscar con una nueva nominación en la categoría de Mejor película de animación. Sin embargo, a pesar de ser considerada la mejor película de animación del año, el premio se lo llevó injustamente la buena, pero muy inferior película de Disney: Big Hero 6.

gusto.”

Ésta es, sin duda, una obra magistral e imprescindible, en la que se fusionan una gran creatividad visual y una gran sensibilidad. Siendo posible y normal compararla con las películas de animación del gran director japonés Hayao Miyazaki. A

FERRIS BUELLER'S LOST WEEKEND

Texto: Juan Romero Ilustración: Jesús Vázquez “Una película de super-héroes, por definición, es un cómic. Es para niños. En el fondo es adolescente. La gente que dice que El caballero oscuro: La leyenda renace es cine artístico supremo no tiene ni puta idea de lo que está hablando.”

David Cronenberg

DOUBLE FEATURE D ías sin huella es una película dura y áspera acerca del alcoholismo, dirigida por Billy Wilder. Un aspirante a escritor llamado Don se pasa cuatro días de borrachera continua, mientras recuerda tiempos pasados y se hunde cada vez más en los sórdidos rincones de bares y degradación. Todo en un día es todo lo contrario. Una comedia juvenil ochentera en la que tres chicos deciden no ir al instituto para así disfrutar de los placeres de la vida. Sin embargo, y aunque no lo parezca, ambas parten

desde un mismo lugar. El protagonista escabulléndose de sus responsabilidades y engañando a su familia, con el único objetivo de hacer lo que le da la gana sin que nadie le diga lo contrario. En Todo en un día, Ferris engaña a sus padres, fingiendo que está enfermo, para poder escabullirse después con su novia y un amigo. En Días sin huella, Don engaña a su hermano, que le había preparado un viaje al campo, para quedarse bebiendo todo el fin de semana. En ambos

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DÍAS SIN HUELLA (Lost Weekend, Billy Wilder, 1945)

Texto: Juan Romero Ilustración: Jesús Vázquez

& TODO EN UN DÍA

(Ferris Bueller's day off, John Hughes, 1986) casos, además, durante sus aventuras, los dos se encontrarán con gente que quiere ponerles fin por todos los medios posibles. En el primero, tanto el director del instituto como la hermana del protagonista quieren demostrar que Ferris no está enfermo y es todo una artimaña para no acudir a clases. En el segundo, es la novia del protagonista quien intenta ayudarle a superar su adicción y salir de esa espiral. Pero en ninguno de los dos casos son atrapados, y los protagonistas siguen adelante en total libertad con sus diferentes planes. Aunque los dos protagonistas lo único que buscan es tomarse un respiro en su vida cotidiana para poder dedicarse a lo que quieren, olvidándose de sus responsabilidades, hay una diferencia crucial entre ambos casos. Y es lo que hace cada uno de ellos. Ferris se dedica al carpe diem hedonista de disfrutar al máximo de la vida. Sabe que su vida, tal y como la conoce, va a cambiar cuando él y sus compañeros acaben el instituto y tengan que pasar a la Universidad. Y solo quiere pasar un día especial en compañía de sus amigos. Don toma el camino opuesto. No quiere disfrutar. No sabe disfrutar de la vida. Y la única manera que conoce para poder liberarse del peso de la monotonía es cargar con el peso del alcohol. Precisamente porque es incapaz de poder disfrutar de la vida. En una de las escenas más memorables de Todo

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en un día, Ferris Bueller se cuela en un desfile que hay en la ciudad, y subido a una carroza hace un playback sobre la canción Danke Schoen, interpretada por Wayne Newton. Si nos fijamos en la letra, vemos que la canción habla de dos enamorados que se conocen en un cine en Nueva York. Curiosamente, en días sin huella vemos, a través de un flashback, que los dos protagonistas se conocen precisamente en un teatro de Nueva York, donde ambos han ido a ver una ópera. La canción es una melancólica vista atrás hacia la relación entre los dos protagonistas, llena de momentos malos, y algunos buenos. Por momentos parece que está hablando de la historia del protagonista de Días sin huella. Es la contraposición perfecta entre los dos estados de ánimo de los que hablaba antes. Ferris se recrea y disfruta cantando la triste, trágica y desesperanzada historia de Don. Finalmente, ambas historias acaban bien. Tanto Ferris como Don se ponen en riesgo y destrozan muchas cosas durante su escapada, pero acaban de una pieza. Y realmente nunca llega a tener consecuencias graves. Nadie llega a descubrir que Ferris ha dejado de ir al instituto, y la novia de Don decide darle otra oportunidad y ayudarle en todo lo posible para salir adelante. Ambos simplemente han conseguido tomarse un respiro de su vida cotidiana y disfrutar de lo que más le gusta. A

El elemento más importante para mi es siempre la idea que trato de expresar. Y todo el aspecto técnico es solamente un método para darle forma a la idea. Siempre trabajo en la idea, esté escribiendo, dirigiendo, eligiendo música o montando. Todo tiene que volver a la idea. Cuando se aleja de la idea se convierte en un laberinto rococó. • JOHN HUSTON

Kung Fury Kung Fury / Suecia / 2015 Dir.: David Sandberg Texto: Enrique Remírez.

cojonante. La mejor película de la historia del universo (universos paralelos incluidos, por supuestísimamente). Ea, ahí queda eso. Algunas películas aspiran a ser consideradas obras de arte y cima de la historia del cine, gracias a buenos guiones, y diálogos profundos y bien construidos. Mariconadas. Kung Fury tiene todo lo que se le puede pedir a una película que pretenda considerarse realmente magnífica y culmen máximo del séptimo arte: diálogos de dos líneas con multitud de frases lapidarias,

Rep.: David Sandberg, Jorma Taccone, Steven Chew, Leopold Nisson. dinosaurios, viajes en el tiempo, guantazos épicos, unas buenas mozicas y un malo muy muy malo; entre otras muchas cosas, que convierten a Kung Fury en una obra que derrocha inconmensurabilidad y magnificencia en cada fotograma. Una obra única, una obra simplemente inigualable. Todas estas maravillas están aderezadas con un marcadísimo estilo ochentero, origen y propósito del mediometraje, que provoca una fuerte sensación de morriña en todos aquellos que han podido vivir y disfrutar esa década, prodigiosa

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Kung Fury (David Sandberg, 2015) en todos y cada uno de los ámbitos de la vida, salvo quizás en el estilismo de cierta moda en la ropa femenina. Me refiero, por supuesto, a las hombreras. Series de televisión, películas, videojuegos, informática... Todo tiene su cota de protagonismo para disfrute de todos los espectadores, pero sobretodo de quien sepa detectar los pequeños guiños y homenajes que lo inundan todo. El protagonista es Kung Fury. Y como no podía ser de otra manera, es agente de policía. Y como todo agente de policía que se precie, queda traumatizado cuando su compañero muere asesinado. Así que decide trabajar solo, teniendo que soportar además a su jefe, aficionado a quejarse por sus métodos poco ortodoxos y aficionado también a hacerlo levantando notablemente la voz. Todo muy ochentero, solo faltaba que al compañero le quedaran tan solo dos días para jubilarse. Mención especial para el nombre del personaje protagonista. Al principio puede parecer raro. Pero uno puede llegar a la conclusión de que eso es porque la película es reciente y uno aún no se ha acostumbrado a él, al no haber sido la película echada cuatro mil cuatrocientas cuarenta y cuatro veces en televisión. Si uno se para a pensar, verá que el nombre no es muy diferente en cuanto a estilo, a los nombres de algunos de los héroes ochenteros por excelencia: Cash, Tango, Cobra, Serpiente (Esneik) Plissken, Hans Gruber... Hay que agradecerle al director David Sandberg (que también es el guionista y el protagonista), que no se ande con tonterías a la hora de mostrar violencia y casquería gratuitas e injustificadas. Últimamente en Hollywood están todos demostrando ser unos moñas. Y en las películas de acción actuales, no hay ni sangre, ni brutalidad, ni buen humor negro, ni frases lapidarias, ni nada realmente destacable. Con lo que ahora mismo, lo único que brilla en las pelis de acción, es la calva de Jason Stathan. Y seamos sinceros. Noslomismo. Es posible que de ahí venga esa enfermedad consistente en crear compulsivamente remakes de pelis de los ochenta. En Hollywood saben perfectamente que sus productos ya no cuentan con la molonidad de antaño e intentan rascar de aquella década todo lo que pueden, para recuperar glorias pasadas. Todo es en vano.

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Pero ¡Ay! La perfección no existe. Ni siquiera Jacqueline Bisset, paradigma femenino aspirante a esta consideración, llega a alcanzar la personificación de semejante concepto. (Oh! Cracked too much time). A Kung Fury hay que ponerle un pero, uno bastante grande. Dura solamente 31 minutos (mediometraje de los cortos) y uno se queda con ganas de mucho, mucho más. Una sensación agravada por el hecho de que en el tráiler aparezca mucho material final (el tráiler es aproximadamente una décima parte de lo que dura la obra), quedando en el fondo del paladar un regustillo bastante marcado a infrautilizamiento de la idea sobre la que gira todo. Durante el mediometraje, se intenta en vano representar y justificar la escasa duración de la obra, mediante decepcionantes cortes ficticios en determinadas “Frases lapidarias, secuencias, simulando que parte viajes en el tiempo, de la película se ha perdido. Si guantazos épicos y esas secuencias se hubieran desarrollado como David Hasselhoff un malo muy muy manda, se hubiera contribuido malo.” notablemente a aumentar la duración por encima de las dos o tres docenas de horas que merecerían tanto la propia Kung Fury, como los espectadores. Sin embargo, el excesivamente limitado metraje tiene una buena justificación. Para poder crear Kung Fury, David Sandberg, director de anuncios de televisión y videoclips, creó con un presupuesto inicial de cinco mil dólares (dinero de su propio bolsillo), un tráiler con el que llamar rápida y poderosamente la atención en internet. Una vez hecho ésto, optó por obtener el presupuesto de la película mediante Kickstarter. Es decir, pidiendo a la comunidad de internet dinero en préstamo a cambio de recibir regalos y privilegios relacionados con la película según la cantidad de dinero donado. Consiguió llegar a recaudar poco más de seiscientos mil dólares. Muy por debajo del millón de dólares en los había presupuestado la creación de un largometraje. El resultado final es el que podemos ver en YouTube y en su página web. Sin olvidar además, el magnífico videoclip del tema musical principal de la película titulado True Survivor, protagonizado por David "Michael Knight" Hasselhoff. A

Kung Fury Kung Fury / Suecia / 2015 Dir.: David Sandberg Texto: Alberte Álvarez

ara saber si es obligatorio ver Kung Fury antes hay que responder unas preguntas: ¿Naciste a finales de los 70 o principios de los 80? ¿Tu infancia se compone de películas como Robocop, Karate Kid, Terminator o Tron? ¿Tuviste una NES o una Master System? ¿Eras fan de Dragon Ball, las películas policíacas hollywoodienses o las de artes marciales cutres? Si la respuesta es sí, estás ante una oportunidad que no te puedes perder. Kung Fury es un mediometraje –apenas dura media hora– de unos jóvenes suecos, financiado mediante crowdfunding, que pretende explotar irónicamente todos los clichés de las películas, series y videojuegos ochenteros. Un remix de cine en VHS que avanza a toda mecha, sin ninguna transición ni respiro, corriendo hacia el sinsentido. Una carrera buscada hacia el absurdo en la que podemos encontrar cobras animadas en el más allá, “triceracops”, un Hitler maestro en kung-fu, máquinas arcade asesinas o vikingas a lomos de T-Rex. Todo con un fondo digital en croma que le da un artificio muy propio de la época. La película, disponible gratis en Youtube, creó su ventana de oportunidad mezclando todo lo que los y las que rondamos la treintena hemos querido ver alguna vez. Una carcasa de cultura popular dada la vuelta de dentro hacia fuera como un calcetín, para provocar una risa

Rep.: David Sandberg, Jorma Taccone, Steven Chew, Leopold Nilsson, Eleni Young, Helene Ahlson desconcertada y nostálgica al mismo tiempo. Sin embargo, pese a que consigue sorprender y adivinar muy bien los puntos débiles de esta cultura ochentera para hacernos gracia, en ocasiones el ritmo es tan rápido que hace parecer a la historia poco preparada, por no decir a veces improvisada. Que un guión tenga una locura tras otra no es lo mismo que aparentar improvisación. Y el sarcasmo, en general bien utilizado, se desliza un par de veces hacia la vergüenza ajena. Pese a que Kung Fury no corresponde de todo al hype que creó con su tráiler promocional y con el videoclip de David Hasselhoff (11 millones de visitas cada uno), sí es un divertimento que vale los 30 minutos de tiempo que dura. No quiero ser el crítico gruñón que no habla de obra maestra mientras todos la alaban, pero creo que conviene sacarle los peros que tiene el mediometraje, pese a los escasos recursos con los que ha sido hecho. No seré yo (nacido en los años 80, además, y con la mayoría de esa cultura audiovisual de infancia a la que apela sentimentalmente Kung Fury) quien le quite mérito, pero no puedo hablar de genialidad. Me basta con recomendarte que inviertas esa media hora, desconectes el cerebro y te rías un rato. No es mala inversión.A

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Princesa Han Gong-Ju / Corea del sur / 2013 Dir.: Lee Su-jin

Rep.: Chun Woo-Hee, Jung In-Sun, Kim So-Young, Lee Young-Ran

Texto: Enrique Remírez

esgarrador drama de denuncia social en la que el director, con gran destreza, muestra con cuentagotas mediante pequeños flashbacks insertados a lo largo de la película, el terrible suceso que ha sufrido una adolescente. La historia cuenta la vida de Han Gong-Ju, que a partir de ese terrible suceso, se ve obligada a mudarse y a rehacer su vida con la ayuda de un antiguo profesor, mientras intenta asimilar y convivir con lo que le ha ocurrido. Procurando pasar desapercibida en todo momento, y sabiendo y temiendo la reacción de la sociedad ante los terribles hechos que ha tenido la desgracia de sufrir. Una sociedad, encarnada en la diversidad de personajes con los que se cruza a lo largo de la película, y que demuestran poseer un sentido de la justicia y el deber realmente cuestionables, criminalizando y abandonado a las víctimas, y llegando incluso a victimizar a los criminales. Una sociedad más preocupada en el "que dirán" que en actuar correctamente, evidenciando la necesidad de hacer evolucionar unos usos y costumbres anclados en el pasado. Se hace especial hincapié en la incapacidad del sistema jurídico para actuar correctamente.

conseguir un mínimo consuelo en una sociedad que la protagonista sabe que en cualquier momento puede volverse hostil. En este aspecto, resulta muy acertada la metáfora que plantea el director, al mostrar a Han Gong-Ju intentando aprender a nadar. Intentando salir a flote y no ahogarse en una sociedad injusta. Con mucho mérito, el novato y prometedor director surcoreano, Lee Su-Jin, logra imprimirle a la película un tono general agradable, mostrando la posibilidad que tiene la protagonista de afrontar el futuro con cierto optimismo. Ésto acentúa el gran dramatismo de los flashbacks, así como el de diversos momentos a lo largo de toda la trama, que provocan una gran mezcla de sensaciones y sentimientos encontrados. Creando de ésta manera una historia conmovedora que permanecerá durante mucho tiempo en la memoria del espectador. A

La película ahonda en la soledad, una soledad agudizada por la necesidad de no relacionarse con los demás. Trata sobre las dudas que esta necesidad genera, en contraposición con la necesidad de relacionarse con otras personas y Revista Erebus - Junio 2015

Corn Island Simindis Kundzuli / Georgia / 2014 Dir.: George Ovashvili

Rep.: Ilyas Salman, Mariam Buturishvili, Nugzar Shataidze

Texto: José M. Aparicio

a guerra de Abjasia de principios de los 90 es el telón de fondo de esta historia vital acerca del fluir de la vida en consonancia con el de la naturaleza. Un río hace de frontera natural entre Georgia y Abjasia, regiones enfrentadas por la independencia de esta última. Todo lo que vemos se emplaza en este río y en su evolución a lo largo de aproximadamente un año. Nada tiene que ver, de todos modos, con una película bélica. Si buscas acción, entretenimiento rápido o tienes mucho sueño puedes descartar verla ya que el film exige relajación y contemplación sin aportar grandes sobresaltos. Al principio de la película, un par de frases en la pantalla nos aportan todo el contexto sobre el que se va a desarrollar: Durante la primavera, el torrente del río Enguri forma pequeñas islas con el material arrastrado desde las montañas. Estas islas aportan a los campesinos de la región la tierra fértil que necesitan para cultivar el maíz que alimentará a sus familias durante los meses invernales. Desde aquí hasta el final del film no hay más de tres o cuatro conversaciones entre los actores. Apenas oirás la voz de los protagonistas o secundarios un par de veces.

ya que es mucho más complicado hablar con miradas, con gestos, con expresiones y muecas que con la voz. Hablar sin decir nada no está al alcance de cualquiera. Está el mérito del guionista ya que contar una historia sin el apoyo de las explicaciones y del intercambio rápido de información de los diálogos no es fácil. Y por supuesto, está el mérito del director y su responsable de fotografía: Darle a las imágenes la expresión que necesitan para no tener que ser complementadas con la voz y encima hacerlo con belleza denota talento y sabiduría. La historia es muy simple pero la poesía de cada imagen y de cada sonido, tan pausados, descriptivos e intensos, son retratos de la naturaleza y de su fluir en ese río, que avanza paralelamente al fluir de la vida, tan bien plasmada en esa pérdida de la inocencia de la niña que crece, que evoluciona, que fluye. En definitiva, un poema visual que puede llegar a aburrir en algún momento si no somos capaces de conectar con la falta de comunicación verbal pero que nos deja escenas muy profundas y bellas en la retina para saborearlas en el paladar.A

Tiene mérito contar una historia casi prescindiendo totalmente de uno de los elementos comunicativos más potentes. Y es un mérito compartido. Está el mérito de los protagonistas

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Nuestro último verano en Escocia What we did on our holiday / UK / 2014 Dir.: Andy Hamilton, Guy Jenkin

Rep.: Rosamund Pike, David Tennant, Billy Connolly, Celia Imrie, Emilia Jones, Ben Miller

Texto: Juan Romero

uestro último verano en Escocia es la típica comedia familiar agridulce y buenrollera. Los protagonistas de la historia son David Tennant y Rosamund Pike, como una pareja separada a punto de divorciarse que, junto a sus tres hijos, viajan a Escocia para visitar a la familia de él, y celebrar el cumpleaños del abuelo de los niños. El abuelo está gravemente enfermo, y quieren aparecer ante él como una pareja feliz para no darle un disgusto en sus últimos días. Al llegar a casa del abuelo se nos presenta el resto de la familia. Si los personajes que habíamos conocido en la introducción tenían una cierta profundidad, los que conocemos al llegar a escocia son tópicos unidimensionales con piernas. El abuelo divertido y optimista a pesar de su enfermedad; su hijo, hermano de Tennant, adinerado, estirado y con poca paciencia para los niños; y la mujer de este, retraída y depresiva. Pero a pesar de ello funcionan. Son personajes apenas esbozados, y con situaciones algo forzadas, pero las vas aceptando porque en el fondo están cargadas de realismo, entre otras cosas gracias a las grandes interpretaciones.

está a punto de estallar, al final los protagonistas dejan a un lado sus diferencias para afrontar los problemas como una familia, y todo se soluciona con voluntad, buenos sentimientos y una sonrisa. Evidentemente, la propuesta es ligera y con unas pretensiones muy concretas. No obstante, y teniendo en cuenta lo que es, me parece que cumple sobradamente con lo que promete. El primer tramo, durante la preparación de la familia y el viaje a Escocia es bastante interesante. Y después, aunque abraza todos los tópicos, hay algunas escenas bastante interesantes. El conjunto te deja la sensación de ser una película ligera, agradable y cargada de buenas intenciones, con grandes interpretaciones realistas de Tennant, Rosamund Pike y Billy Connolly, con unos niños que no dan ganas de asesinarlos cuando los ves actuar, que ya es bastante, y con un equilibrio interesante entre el drama y la comedia. No ofrece mucho, pero tampoco se le pide mucho. A

Después la película va un paso más allá. Las situaciones se van haciendo cada vez más complicadas y dramáticas, y la tensión entre los personajes va creciendo. Y cuando todo parece que Revista Erebus - Junio 2015

Una nueva amiga Une nouvelle amie / Francia / 2014 Dir.: François Ozon

Rep.: Romain Duris, Anaïs Demoustier, Raphäel Personnaz, Isild Le Besco

Texto: Enrique Remírez

ras la muerte de Laura, su marido David y la que ha sido su amiga desde la infancia, Claire, han quedado tremendamente afectados. Claire se apoya en su marido para poder sobrellevar la pérdida, pero David, con un bebé a su cargo, está solo. Ella, durante la celebración del funeral, se compromete a velar por ambos y ayudar a David a salir adelante. Días después del funeral, Claire consigue reunir el ánimo suficiente para ir a casa de David, llevándose una enorme e inesperada sorpresa al verle. David, al padecer la pérdida de su mujer y utilizando como excusa la necesidad que tiene su hija de una figura materna, vuelve a sus antiguas costumbres consistentes en vestirse de mujer. Una necesidad que desapareció cuando se casó con Laura, pero que vuelve a tener tras su muerte. Claire cuando lo descubre, queda atónita. Y aunque al principio se muestra reacia a aceptar este comportamiento, poco a poco ve en David la figura de esa amiga que tanto echa de menos. Comenzando juntos de esta manera un viaje de exploración, conocimiento y aceptación de uno mismo en el ámbito sexual. Así como de aceptación por parte de las personas que le rodean.

que interpreta a David y a Virginia. El cual, es capaz de cambiar de manera contundente su registro de pobre viudo acongojado por la pérdida de su esposa, a transexual alegre e ilusionado por el desafío y la experiencia de convertirse en mujer. Una nueva amiga cuenta con buen ritmo y con diálogos más que correctos acordes al contenido de la película. Sin embargo, eso no significa que se deba aceptar por bueno el clímax final. El cual, pretendiendo ser una metáfora, resulta estúpido y autocomplaciente. Pudiendo quedar la sensación de que le están tomando a uno el pelo. Una nueva amiga podrá gustar a aquellos que disfrutan con las películas de Pedro Almodóvar. A quien no, esta película probablemente puede resultarles muy poco satisfactoria. A

La película cuenta con unas actuaciones muy creíbles por parte de los protagonistas, pero sobretodo por parte de Romain Duris, el actor

Revista Erebus - Junio 2015

Suite francesa Suite française / UK / 2014 Dir.: Saul Dibb Texto: Juan Romero

uite francesa se desarrolla durante la ocupación nazi en Francia. Un pueblecito rural se ve sacudido por las consecuencias de la guerra, que llevan consigo entre otras cosas, la llegada tanto de refugiados que vienen huyendo de Paris, como de soldados alemanes, que acaban compartiendo algunas de las casas con los propios ocupados. Aunque alejados de la primera línea de la guerra, esta situación particular acaba generando una serie de situaciones realmente complicadas. El recelo ante los nuevos ocupantes, y la tensión que genera la convivencia con ellos hacen que pueda ocurrir casi cualquier cosa. En el centro de la película está el personaje de Michelle Williams, que vive junto a la madre de su marido, interpretada por Kristin ScottThomas. El marido está desaparecido en combate, y su lugar lo ocupará temporalmente un rubio soldado alemán. A partir de ahí, se irá generando una paulatina historia de amor entre los dos jóvenes, alrededor de la música que compone el alemán al piano de la chica, y que acaba dando nombre a la película. Mientras que alrededor se van intuyendo otras historias, bien de proyectos de rebelión contra los alemanes, bien de índole íntima o sexual entre otros soldados y lugareñas.

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Rep.: Michelle Williams, Kristin Scott Thomas, Matthias Schoenaerts, Sam Riley, Margot Robbie La historia de amor que nos cuentan entre los protagonistas es alarmantemente tópica y, aunque rodada con elegancia, no llega a transmitirnos la pasión que debería. Las partes más interesantes de la película se sitúan en los márgenes de esa historia romántica, sobre todo en la resistencia a los alemanes de determinados personajes, pero aunque van ganando peso a lo largo de la misma, siempre están en un segundo plano detrás de la historia principal. Realmente hay pocas cosas realmente destacables en la película. Todo está rodado con bastante gusto, pero muchas veces le falta emoción para el tipo de historia que nos están contado. La corrección general en realidad lo que hace es resaltar la sensación de ser una historia demasiado trillada. A

Número 2 - Junio 2015

Creación, contenido y diseño

Alberte Álvarez Enrique Remírez Juan Romero

Colaboraciones

Alfonso Romero Jesús Vázquez José M. Aparicio Beatriz López

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Alberte Álvarez Soy ingeniero forestal y trabajo en el desdichado mundo del I+D. Mi película favorita es Apocalypse Now y soy un groupie de Aki Kaurismäki, Truffaut, Wes Anderson, Yasujirō Ozu, Ken Loach, Sidney Lumet, Ingmar Bergman, Jarmusch o Haneke entre otros y otras muchas.

Enrique Remírez Habitante de una sociedad distópica, tengo la gran fortuna de poder recurrir al cine, los libros y los cómics para evadirme de la realidad.

Juan Romero Me apasiona el cine y me gusta escribir, así que participar en un proyecto así era el paso natural. El poco tiempo que me queda libre después de ver películas y escribir sobre ellas lo dedico a hacer cortos.

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Editado en Madrid por Alberte Álvarez Gil Imágenes: Getty Images, Wikipedia Commons, cinearchive.org, Vía Láctea Filmes. ISSN: 2444-1406

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