Revista Erebus. Mayo 2016 by Revista Erebus

Contenido

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EDITORIAL

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ENSAYOS Adaptaciones Disney Nuevas maneras de ver series

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ENTREVISTA Entrevista a David Sáinz.

CRÍTICAS Julieta Trumbo Capitán América: Civil War El libro de la selva Cemetery of Splendour El secreto de una obsesión La invitación Víctor Frankenstein

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LISTA Tomando como punto de partida Julieta, repasamos algunas películas en las que uno de los protagonistas está interpretado por al menos dos actores diferentes

EN CORTO I am Yup'ik

Editorial

odavía con la incertidumbre de conocer su sección oficial, ya se va acercando el momento para uno de los nuevos festivales más importantes y en alza del panorama español: el Filmadrid. En la edición de 2015 por el festival pasaron películas como Cavalo dinheiro, de Pedro Costa, o el ensayo fílmico Songs from the North, así como un especial centrado en varios artistas vanguardistas, entre los que se incluía el cineasta filipino Lav Díaz. En esta sección ya conocemos los nombres de la sección vanguardista, aunque nos duela la ausencia de mujeres (¿en serio no hay ninguna?) en la lista: Júlio Bressane, Pietro Marcello y Boris Lehman. Así mismo Javier Rebollo, Lluís Miñarro, Luis López Carrasco y Takashi Makino se pasarán por el festival a mostrar parte de su obra en la sección que mezcla cine y performance. Y allí esperamos estar para avanzaros algunas de las obras que se presentarán.

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Por otro lado (y aunque parezca mentira), ¡cumplimos un año! Allá por el día 4 de mayo de 2015 veíamos la luz y, contra todo pronóstico, por aquí seguimos dando guerra, entrevistando gentucilla interesante, dando a conocer nombres, historias y opiniones, y escribiendo sobre las pelis que vemos, que es una de las cosas que más nos gusta hacer en el mundo. A la espera de un pequeño rediseño de la revista para hacerla más atractiva lo que podemos asegurar es que el año que viene, por estas fechas, seguiremos todavía en la lucha, en la trinchera del cine. De ahí no nos sacan ni con agua caliente. ¡Seguimos navegando! A

Adaptaciones Disney

Adaptaciones Disney Por Juan Romero

n el modelo de negocio de Hollywood, cada vez más enfocado a marcas y franquicias, hay determinados subgéneros que cuando llegan a un cierto nivel de recaudación son explotados hasta el extremo. Uno de los casos más paradigmáticos es el de franquicias basadas en sagas literarias fantásticas para jóvenes adultos. Vimos su explosión con Harry Potter, su continuación con Crepúsculo y el inicio del declive en las últimas entregas de Los Juegos del hambre. Con la particularidad además, en todas las sagas, de dividir la historia final en dos películas para conseguir terminar de exprimir al máximo la gallina de los huevos de oro. Otras franquicias actuales, como Divergente o El corredor del laberinto, están empezando a notar el desgaste de ese tipo de propuestas, al no conseguir obtener los resultados esperados. Otras, como El Juego de Ender, ni siquiera fueron capaces de pasar de la primera entrega. Lo cual me parece un claro indicador de que la propuesta está agotándose a marchas forzadas. En el otro lado del espectro tenemos, evidentemente, todo el cine de superhéroes actual. Tanto en los 80, con Superman, como en los 90, con Batman, tenemos sagas muy prometedoras que fracasaron estrepitosamente en sus terceras y cuartas entregas. Esos sendos fracasos, además, dejaron el camino arrasado durante años para el cine de superhéroes, con únicamente alguna película aislada sobreviviendo a duras penas. Sin embargo, en los 2000, todo cambia. Primero la

saga de X-Men, y después la de Spiderman de Raimi consiguen triunfar de manera clara. Al calor de ese repunte del género es cuando llegan el monumental Batman de Christopher Nolan, y la máquina de imprimir billetes del universo expandido de Marvel. Y propuestas como Sin City, 300, o Watchmen, por ejemplo. Pese a algunos clamorosos fracasos, como los sucesivos reinicios de 4 Fantásticos, Spiderman o incluso Superman, el género sigue totalmente en boga. Independientemente de su calidad, los grandes títulos de las diferentes compañías amasan dinero de una manera obscena, y no se ve en el horizonte un posible declive del interés del público. Está claro que ese declive llegará, tarde o temprano, pero no parece próximo. Se ven venir fracasos sonados, como la película en solitario de Aquaman, claro, pero no parece probable que ese tipo de casos aislados arrastre a todo lo demás. Pero, aparte de estas dos propuestas, hay un género en boga actualmente que me tiene realmente desconcertado. Y ese es el de las adaptaciones a imagen real de clásicos de Disney. Todo comenzó con la Alicia en el país de las Maravillas de Tim Burton. Era lógica la expectación por la película, por el material inicial, y quien estaba a los mandos, pero los resultados artísticos ya mostraban bien a las claras de que había algo que no iba bien en ese tipo de propuestas. Seguramente porque las películas clásicas de Disney tienen una entidad tal que es complicado aportar algo Revista Erebus - Mayo 2016

Adaptaciones Disney

interesante intentando a su vez mantener los elementos más clásicos de aquellas películas. Las versiones posteriores de La Cenicienta, o de Blancanieves inciden en ese problema de querer mantener un cierto número de cosas que no funcionan en imagen real, donde sí funcionaban en dibujos. Realmente, las películas más interesantes de este grupo de cuentos infantiles en imagen real son las que se separan de los clásicos. Bien para intentar darle la vuelta, como en el caso de Maléfica. O bien cuando mezclan elementos de varios cuentos, para contarnos algo nuevo, como en la adaptación del musical Into the Woods. Seguramente no sean películas redondas tampoco, pero por lo menos sí ofrecen algo nuevo, y no te deja la sensación de ser un pobre intento de sacar dinero fácil. Pero en medio de ese panorama nos encontramos con El libro de la selva. De alguna manera, se podría decir que repite los mismos errores de todas estas propuestas, al tener un difícil encaje entre la fantasía extrema de los dibujos animados y la pretendida verosimilitud de la imagen real. Pero por otro lado, sí que aporta muchas cosas que no dan el resto de películas. Paradójicamente, o quizás no tan paradójicamente, el hecho de que se tenga que apoyar de manera masiva en el CGI hace que ese salto de la animación a la imagen real no sea tan brusco como en el resto de las propuestas. Y eso es seguramente lo que consiga dar la sensación de ser una propuesta mucho más interesante que Revista Erebus - Mayo 2016

otras del mismo género. Y es lo que ha conseguido hacer de esta película un gran éxito de crítica y público. Se podría decir que el primer gran éxito de este género de películas. Lo cual además es curioso, teniendo en cuenta que cuando comenzó a gestarse esta película surgió en paralelo otro proyecto idéntico, pero encabezado por Andy Serkis, que quizás daba mejores sensaciones. El proyecto del rey de la captura de movimientos aún sigue adelante, y tiene programado su estreno para 2018. Pero tras el éxito de esta película, y el anuncio de una secuela que, posiblemente, esté muy cercana en cuanto a su estreno a la versión de Serkis, me da la impresión de que esta última va a quedar realmente tocada… Este tipo de género de películas de imagen real de clásicos infantiles está por tanto muy vivo. No solo por el éxito de El libro de la selva, o porque Disney tiene en la pista de lanzamiento cosas como Pedro y el dragón, Mulan, Peter Pan, o secuelas de Alicia y de Maléfica, sino por los nombres que hay detrás. Bill Condon dirigirá La bella y la bestia, Tim Burton rodará Dumbo, Steven Spielberg acaba de terminar BFG y Emily Blunt será la nueva Mary Poppins, por ejemplo. Una lástima que finalmente la rumoreada colaboración de Paul Thomas Anderson y Robert Downey, Jr. para hacer Pinocho quedara en nada, porque hubiera sido un bonito colofón para toda esta locura que se nos viene encima. A

Nuevas maneras de ver series

Nuevas maneras de ver series Por Juan Romero

s evidente que de un tiempo a esta parte ha cambiado de manera notable la manera en la que muchos espectadores consumen las series que siguen. Con la ubicuidad de Internet y los diferentes métodos más o menos legales que el espectador tiene a su alcance, se está empezando a dejar de ser esclavo de un horario y una parrilla para tener plena libertad para seguir las series al ritmo que uno quiera, recuperar algún capítulo que te puedas haber perdido en algún momento dado o poder seguir distintas series que se emiten en la misma franja, siguiendo una por televisión y la otra por internet. Hay infinidad de maneras en las que está cambiando la forma de consumir televisión. Sin embargo, hasta hace relativamente poco tiempo, la manera de producir, emitir y contabilizar audiencias de televisión era exactamente la misma que hace treinta o cuarenta años. Por fin, en los últimos años estamos empezando a ver ciertos avances en la manera de llevar a cabo todos esos procesos. Hay que destacar, por ser quizás las más llamativa de todas ellas, la estrategia de diferentes plataformas de internet de estrenar temporadas

completas de sus series en una fecha concreta. O incluso una solución mixta, como la que ha presentado recientemente Starz con su nueva serie The Girlfriend Experience, que ofrece capítulos semanalmente en su canal, pero que la serie completa está disponible en streaming desde el día del estreno del primer capítulo por televisión. Es una respuesta a una tendencia que existía ya en el espectador, que muchas veces veía, en pocos días, temporadas completas de sus series favoritas para ponerse al día de cara al estreno de la siguiente temporada, ya fuera gracias al DVD, o directamente a través de Internet. Y es un fenómeno que tuvo cierta repercusión en series como Perdidos o Breaking Bad. Es un arma de doble filo, porque por un lado se le da al espectador la posibilidad de ver toda la serie a su ritmo, pero por otro lado se pierde la sensación de evento. De tener a toda la comunidad de seguidores de esa serie pendiente de cada capítulo, analizándolo hasta la extenuación, y deseoso de que llegue la semana siguiente para poder ver el próximo episodio. Un fenómeno que, precisamente, era especialmente potente en las dos series que he nombrado antes, Perdidos y Breaking Bad, que son series que de alguna

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Nuevas maneras de ver series

manera han aunado a los dos tipos de espectadores. Los que se engancharon desde el minuto uno y esperaban pacientemente cada capítulo para poder comentarlo y analizarlo, y los que llegaron tarde, y se pusieron al día viendo muchos capítulos de manera casi consecutiva, precisamente para participar de esa comunidad en las temporadas finales. Cuando empezaba a surgir aquel tipo de movimiento, llamado en inglés binge-watching, se debatió mucho si la esencia de la serie cambiaba entre verla semana a semana y temporada a temporada; y verla de manera consecutiva. Y parece evidente que una serie como puede ser Perdidos, que vive del cliffhanger y de controlar muy bien los tiempos, tiene que transmitir sensaciones totalmente diferentes entre una manera de verla y la otra. Pero a día de hoy el debate ya no está ahí. Está en la manera de hacer las series una vez se sabe que se pueden consumir directamente mediante maratones. Y ahí sí que pienso que se produce un importante cambio de paradigma. Es cierto que series como Breaking Bad, o incluso Los Soprano, funcionan con arcos argumentales muy amplios, y que la

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estructura de capítulos aislados, perfectamente estructurados, con sus cliffhangers y demás es mucho menos aparente en ellas que en el grueso de las series que se venían haciendo hasta ahora. Pero en las series que se producen para estrenar temporadas esa estructura es muchísimo más marcada. Cuando uno ve temporadas de House of Cards, o incluso Daredevil, da la sensación de que están construidas como una película de diez horas, recortada aleatoriamente para cumplir con los capítulos necesarios. A la hora de medir las audiencias también está empezando a producirse el cambio. Muchas cadenas ofrecen datos de las visitas al capítulo en la web en los siguientes 1, 3, 7, o 15 días después de la emisión. Y muchas cadenas privadas de contenido web directamente no dan datos de audiencia de manera pública, sino que los recogen únicamente para consumo interno. Y también se intenta recoger de alguna manera el seguimiento, y comentario de las series en otras plataformas, habilitándose hashtags ad hoc, o promocionando cierto contenido específico web. Pero seguramente sea en este último apartado, el

Nuevas maneras de ver series

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Nuevas maneras de ver series

del contenido web, donde aún falta un pequeño paso para llegar al nivel en el que están las tecnologías. Porque la inmensa mayoría de ese contenido web existe solamente como complemento a una serie madre, y muy pocas veces existen productos de entidad propia que se distribuyan a través de la web. En ese sentido, webseries que hayan trascendido a nivel internacional apenas tenemos el Dr. Horrible Sing-Along Blog, de Josh Whedon y con Neil Patrick Harris, que tuvo un gran seguimiento por Internet, y muy buenas ventas de DVD y otros productos. Hasta que a principios de año nos encontramos, sin aviso previo, con una serie creada por Louis C.K. llamada Horace and Pete, que rodaba y montaba semanalmente y ofrecía directamente al espectador a través de su web mediante micropagos. Una serie protagonizada por actores de la talla de Steve Buscemi, Alan Alda o Eddie Falco, que ha tenido un gran éxito de crítica, y que es probable que acabe nominada para algún premio Emmy. Es un formato que además te da una libertad extraordinaria, a nivel artístico, al no tener ninguna limitación en cuanto a la duración, o el contenido de tu propuesta, que va directamente desde el creador al espectador, y que no se aprovecha todo lo que se podría. Todo esto hablando siempre a un nivel internacional. En España seguimos con algo de retraso, en ese sentido, aunque parece que la tendencia también es ir hacia ese modelo. Por un lado tenemos la medición de las audiencias, donde

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seguimos atados a un sistema desfasado. Si bien muchos productos intentan enfatizar en la medida de lo posible su presencia en internet y demás, el veredicto de las audiencias es siempre la herramienta definitiva para decidir la continuidad de una serie. Por eso, aunque El Ministerio del Tiempo es la reina indiscutible de las redes sociales, todos nos echamos a temblar al ver que las audiencias van bajando cada día más, y tememos por su futuro aún a pesar de estar en una cadena como TVE que no debería regirse por ese tipo de criterios. Por otro lado ya están empezando a entrar plataformas de televisión por Internet, de las que ofrecen esos estrenos simultáneos de toda la temporada. Habrá que ver cómo va yendo su implantación en nuestro país, pero si consiguen implantación suficiente es bastante probable que acabemos viendo series españolas creadas siguiendo esa misma filosofía. Y finalmente, en cuanto a webseries, este mes tenemos precisamente una entrevista con David Sáinz, que es seguramente la cabeza visible de este fenómeno en España, y que nos comenta que ese género tiene una salud envidiable en nuestro país, con numerosísimas propuestas, algunas de ellas con una calidad ciertamente notable, pero que desgraciadamente no tienen el seguimiento o la repercusión que deberían. A

Julieta Julieta / España / 2016 Dir.: Pedro Almodóvar

Rep.: Emma Suárez, Adriana Ugarte, Daniel Grao, Inma Cuesta, Darío Grandinetti, Rossy de Palma.

Texto: José M. Aparicio

espués de su fallido retorno a la comedia con Los amantes pasajeros, Pedro Almodóvar vuelve al drama en el que con tanta sobriedad ha desarrollado la segunda parte de su carrera cinematográfica, la del siglo XXI. Su vigésimo largometraje está basado en tres relatos de la escritora canadiense Alice Munro incluidos en su libro Escapada de 2004.

En 2009 el director manchego se hizo con los derechos de esta obra pero no fue hasta hace un par de años que el proyecto levantó el vuelo de nuevo y se escribió el guion que hoy vemos plasmado en la pantalla.

Silencio, ese era el nombre elegido para esta película pero se cambió ya en fase de postproducción para evitar la coincidencia con la nueva

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Julieta (Pedro Almodóvar, 2016)

película de Martin Scorsese a estrenar también este año. No sé si ese título le pegará al film del genio neoyorkino pero le venía como anillo al dedo a esta Julieta. Y no es que el nombre final sea malo, de hecho ella es el film y su nombre merece estar en la portada pero la falta de comunicación es la base donde se sustenta el guion y desde donde se exprime el jugo amargo que desprende. Aunque realmente no sea el silencio literalmente hablando algo que se muestre mucho. Todo está lleno de diálogos y monólogos extremadamente potentes pero ese silencio que consiste en las cosas que no se dicen y no se hablan es el que acaba por definir la película. El film nos presenta a Julieta, interpretada por Emma Suárez y Adriana Ugarte. Ambas comparten personaje, una en la madurez y la otra en la juventud. Este recurso, no demasiado utilizado en el cine, hace mucho más patente el cambio que sufre la protagonista debido a un brusco giro del destino ocurrido en la mitad de su vida. En un impactante plano de una maravillosa escena, tan simple como descriptiva, podemos observar en directo la metamorfosis de una actriz a otra. Una demostración de que no siempre hacen falta fuegos de artificio para llenar de fuerza la pantalla y turbar a los que estamos fuera de ella. La historia comienza con la Julieta de hoy en día, ya en su madurez, planeando un viaje junto a su novio. Pero pronto notamos que no es un viaje cualquiera. Es un éxodo, una huida de los recuerdos de una casa y una ciudad que atosigan a la protagonista. Pero el encuentro casual con

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una amiga de la infancia de su hija hace aflorar en ella un sentimiento que tenía enterrado y que la obliga a cancelar el viaje y a empezar a escribir un relato sobre su pasado que nos mostrará el camino que la ha llevado a donde está sentada escribiendo ahora. Después de este arranque reposado, el director empieza a llevarnos de la mano mediante flashbacks por la senda de una Julieta profesora de “La falta de comunicahistoria clásica que ción es la base donde conoció al amor de su vida, Xoan (Daniel se sustenta el guion y Grao), en un viaje en tren y con el que con- desde donde se exprime cibió a su hija y vivió el jugo amargo que desfeliz en una casita a prende” orillas del mar. La primera parte del relato, la desarrollada en el tren, define bastante bien la película entera ya que tiene algunas de las mejores escenas y otras, digamos un tanto mediocres. Y digo que define la película porque tenemos en ella lo bueno y lo malo de Almodóvar. En la parte positiva ponemos esos diálogos frescos con los que nos deleita siempre en sus guiones el director manchego y esa forma tan exquisita de dirigir a los actores y sobre todo a las actrices en los cara a cara. Esos enfrentamientos dialécticos, con esos encuadres tan suyos se agradecen, llenan de placer. En la parte negativa tengo que meter el guion, no porque sea malo, que no lo es en absoluto pero contiene algunas decisiones, sobre todo en forma de elipsis, que no benefician al film y que cuando acaba te deja con la sensación de que no la dejan ser redonda

Julieta (Pedro Almodóvar, 2016)

del todo como sí sentí en Volver o Hable con ella, por ejemplo. Normalmente a las películas les suele sobrar metraje o cuentan demasiado de algo en concreto solo para rellenar, pues bien, aquí creo que pasa lo contrario. Hay algunas decisiones que no se sostienen demasiado bien y que si bien no son descabelladas sí que exigían una explicación un poco más detallada de por qué este o el otro personaje actúan de determinada manera. La relación madre-hija es el hilo argumental, el eje sobre el que se sustenta todo. Como decía antes, la comunicación o más bien la falta de ella desgasta o parte en dos su vínculo y la culpa hace el resto. Si hay algo que caracteriza este largometraje es la culpa. Ese sentimiento, presente casi en cada uno de los planos, altera el ecosistema constantemente. Una culpabilidad, propia y ajena, que persigue a Julieta desde su juventud, tanto si el sentimiento es propio como si es arrojado encima de sus espaldas. También el drama continuo sobrevuela la obra. La pena está

presente en todas las escenas en las que aparece Emma Suárez y en otras tantas de las de Adriana Ugarte. Las emociones son casi todas grises, cuando no negras. Al principio la protagonista cuenta la historia de Ulises a sus alumnos en una de sus clases. Les explica como el héroe renuncia a los mayores placeres y a la seguridad que le ofrece la diosa Calipso dándole la eterna juventud si se queda con ella, en su isla. Él lo rechaza porque quiere estar con su familia, regresar a su lugar natural. Rechaza lo máximo a lo que un hombre puede aspirar por seguir su camino. Es importante la inclusión de este mito en la película ya que la Julieta madura que se nos muestra al inicio es como una Ulises vencida. Los dioses intentan constantemente durante el camino de vuelta del héroe a su casa que olvide sus orígenes y pierda la armonía de la que gozaba en Ítaca, junto a su familia. Eso es el personaje interpretado por Emma Suárez, una heroína vencida, desubicada, totalmente desconectada de lo que un día fue,

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Julieta (Pedro Almodóvar, 2016)

fuera de sí misma. Dejando pasar la vida sin pasado ni motivación aparente. Como es habitual en las películas de Almodóvar, las actrices hacen un excelente trabajo, tanto las protagonistas como las secundarias. Las dos intérpretes de Julieta cumplen cada una a su manera aunque me gusta más el dolor que transmite Emma Suárez. Mención especial a Rossy de Palma que interpretando a Marian, la asistenta de Xoan, nos regala en cada una de sus pocas apariciones en pantalla un gran trabajo con ese toque de humor tan peculiar. Julieta competirá en Cannes donde intentará ganar la palma de oro por primera vez en el quinto intento de su realizador. Después de llevarse hace diez años el premio al mejor director con Volver, no va a tener fácil conseguir el premio gordo compitiendo contra gente tan talentosa como Woody Allen, Xavier Dolan, Olivier Assayas, los hermanos Dardenne o Ken Loach, pero es un buen escaparate y seguro que le servirá para aumentar sus posibilidades de optar

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al premio a mejor película extranjera representando a España en los Oscar del año que viene. En resumen, Almódovar ha vuelto a sus historias profundas y turbulentas y aunque quizás sea esta la menos "Almodovariana" de sus películas, no deja de tener ese halo tan personal que le da el director manchego a sus trabajos. Un viaje por la pena y la desazón de una mujer que ha decidido olvidar lo que un día fue para que el sufrimiento que le provocan esos recuerdos tan hondos se disipe y anestesiarse para el resto de su insípida existencia. No es lo mejor de su filmografía pero tiene muchas de las virtudes que han caracterizado su cine y sus fans tienen cita obligada en su sala más próxima. A

Por suerte, la naturaleza me ha dotado de una curiosidad irracional hasta para las cosas más nimias. Eso me salva. La curiosidad es lo único que me mantiene a flote. Todo lo demás me hunde. ¡Ah! Y la vocación. No sé si sería capaz de vivir sin ella. • PEDRO ALMODÓVAR

Varios actores para un mismo papel

provechando el último estreno de Almodóvar, tomamos una de las particularidades de la cinta, como es el hecho de que dos actrices diferentes den vida al mismo personaje, para repasar algunas de las películas que utilizan ese recurso. En este caso, además, hemos intentado buscar películas en las que el recurso se utiliza de manera realmente destacada, y no simplemente utilizar dos actores distintos para ver al niño y al hombre, sino que lo llevan a cabo de una manera mucho más marcada en la trama, y con un motivo que va más allá de reflejar simplemente un mero paso del tiempo.

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Varios actores para un mismo papel

Ese oscuro objeto del deseo Por Juan Romero

se oscuro objeto del deseo es la última película que dirigió Luis Buñuel en su carrera, en el año 1977. Pertenece por tanto a su última época francesa, una vez regresado definitivamente a Europa tras su larga estancia en México. En este caso tenemos una película que se centra en la relación amorosa de una pareja, y los problemas que surgen entre ellos a partir sobre todo del rechazo parcial que la mujer ejerce ante los avances sexuales que el hombre le propone.

Una de las características más comentadas de la película es la presencia de dos actrices diferentes para interpretar a la protagonista. Según cuenta la leyenda, Luis Buñuel tuvo un desencuentro con la actriz que iba a protagonizar la película, y como solución decidió que el papel lo interpretasen dos actrices diferentes. Así, finalmente Carole Bouquet y Angela Molina acabaron compartiendo el personaje de Conchita, interpretándolo alternativamente en diferentes escenas, sin ningún motivo argumental real que justificara ese cambio.

otras obras del director aragonés, que solía reutilizar ciertos argumentos en sucesivas películas. Durante el comienzo de Viridiana, por ejemplo, tenemos también a una protagonista intentando resistirse a los avances de un hombre mayor, también interpretado por Fernando Rey, como en esta película. Y también Fernando Rey participaría en Tristana en un argumento muy similar a este. Pero seguramente la otra película de Buñuel que más comparación admite con Ese oscuro objeto del deseo, de entre los mejores trabajos del director, sea la magnífica y quizás más desconocida de la cuenta Él, rodada en México un cuarto de siglo antes, y que también se centra en la tumultuosa relación personal entre un hombre mayor y una mujer más joven. En aquel caso era el hombre quien con sus desaforados celos hacía un infierno de la vida de su esposa, mientras que en este caso es seguramente la mujer quien más maltrata psicológicamente a su pareja, jugando con él para sacarle el dinero y hacerle sufrir todo lo posible. Ofreciéndonos la otra cara de la moneda que nos mostró en aquella película.

El argumento de la película la emparenta con

El surrealismo característico de Buñuel, que

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Varios actores para un mismo papel

permea hasta en las películas más realistas de su filmografía, aparece aquí solamente como elemento de fondo en contadas ocasiones. Evidentemente la presencia de dos actrices diferentes para interpretar al mismo personaje es la más notable de todas ellas, pero por ejemplo ese extraordinario arranque en el que Fernando Rey, desde el tren, derrama un cubo de agua sobre la protagonista que le persigue desde el andén es absolutamente inolvidable. También durante toda la película vemos una sociedad en la que diferentes grupos terroristas llevan a cabo atentados indiscriminados, pero ese es un elemento en el que apenas se incide, y que solo sirve como un telón de fondo para aportar algún tipo de simbolismo vago a la historia que realmente quiere contar Buñuel.

entre ellos.

A partir de ese arranque en el tren, la historia se desarrolla a partir de flashbacks que van apareciendo a través de la historia que el protagonista les cuenta a una serie de personajes, también con tintes surrealistas, que comparten con él el vagón del metro. Y a partir de esos flashbacks vamos viendo la enfermiza relación por parte de la pareja, y el daño y sufrimiento que se causan

Estamos sin duda ante una de las grandes obras de Luis Buñuel. Un muy apropiado colofón a la enorme carrera de quien sea posiblemente el más importante director de cine de todos los que han salido de nuestro país. Una lástima, por cierto, que tuviera literalmente que salir de nuestro país y refugiarse en México y Francia, por motivos políticos. A

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Es seguramente en ese tipo de escenas en las que aparece el mejor Luis Buñuel, quien es capaz de reflejar de manera ciertamente notable ese juego psicológico de poder que surge entre los dos amantes, y que va destrozando su relación de manera inevitable. Ya he comentado que es un arco argumental que Buñuel reflejó de manera repetida a lo largo de su carrera, pero es algo que suele quedar en un segundo plano cuando se habla de su trabajo, por detrás de las críticas más o menos veladas a la Iglesia y a la alta sociedad, o los elementos surrealistas. Y aquí demuestra una vez más que no se debe olvidar que también era un maestro a la hora de contar ese tipo de situaciones.

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Palíndromos Por Alberte Álvarez

alíndromos juega a ser desagradable de una manera humorísticamente seca. Juega a serlo sin parecerlo. Y no lo parece, pero los temas que trata son de esos que se suelen evitar: aborto, abuso infantil, pedofilia, sexo entre menores, embarazos adolescentes o fundamentalismo religioso. Pero todo con una gran dosis de ingenuidad y cierta dosis de optimismo. Aviva (se lee igual de delante a atrás que de atrás a adelante) es una joven de unos 13 años con unas ganas inmensas de tener un hijo al que poder querer. A pesar de que podemos decir que tiene unos 13 años, en la película, Todd Solondz nos presenta a Aviva interpretada por distintas actrices muy diferentes entre ellas: blancas, negras, jóvenes y más mayores, delgadas u obesas e incluso, durante un breve fragmento, por un niño. La historia es sencilla. Aviva quiere tener un hijo, y en su primer y desapasionado escarceo con el sexo con otro niño de aproximadamente

su edad, se queda embarazada. Esto provoca un drama en la familia que convence a su hija para que aborte, a pesar de que ella no quiere por ningún motivo interrumpir su embarazo. Después del aborto la chica huye para acabar en una casa donde distintos niños con problemas de salud o mentales (y un pagano convertido) son atendidos por la señora Sunshine y su marido, un matrimonio ultrarreligioso que les cuida. Este fragmento de la película es el más flojo de todos a la vez que el más largo, lo que acaba constituyendo un bajón tanto de ritmo como de interés en el espectador muy notable. Además es en esta parte de la trama donde se empieza a apreciar que la película funciona también como un palíndromo en sí mismo, es decir, que poco a poco va desandando sus pasos para llegar al principio. Y es que es en casa de la señora Sunshine donde se encuentra con el hombre que le llevó en su camión y que después de tener sexo con ella la abandonó. Y poco a poco

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se va volviendo al principio: vuelve a aparecer el médico abortista en la trama, luego la familia de la chica de nuevo e incluso un señor que también la había recogido haciendo autostop en su coche y que ahora estaba –presumiblemente– falsamente acusado de abusar de una menor. Y definitivamente el adolescente del principio, con otro aspecto también. Hasta este punto, pese que los personajes de la película ya estaban apareciendo a modo de palíndromo, la apariencia de Aviva seguía siendo distinta en cada capítulo. Pero después de la fiesta de bienvenida por esta de vuelta con sus padres, también la apariencia de Aviva empieza a ser un palíndromo, yendo hacia atrás en las actrices que la interpretaron. Todo hasta llegar al punto de acabar prácticamente como empezó Palíndromos. En definitiva, es una película atrevida y original, aunque a veces los diálogos se sienten demasiado básicos y su parte central rompe en cierta

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manera el ritmo y provoca un bajón del que le cuesta recuperarse. Aun así, su estilo simple pero que a la vez se nota diferente (algo que denota maestría) consigue sacar a flote la arriesgada propuesta. Con esta película Todd Solondz se consagró como uno de los directores de culto del cine independiente estadounidense después de haber llamado la atención previamente con películas como Welcome to the doll house, Storytelling o Happiness. Y que puede que lo vuelva a petar en el mundillo del cine underground americano con su próxima propuesta, que cuenta con nombres como Greta Gerwig, Danny DeVito o Julie Delpy. Desde luego, pese a que Palíndromos no es una película redonda que termine por convencer del todo, sí que quedan ganas de seguir conociendo la obra de este director y guionista de Nueva Jersey. A

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Cara a cara Por Juan Romero

l Nicolas Cage de finales de los noventa es sin duda uno de los grandes héroes de acción. En apenas un par de años encadenó tres verdaderos hitos del género como son La Roca, Con Air, y esta Cara a cara. Todas ellas siguiendo fielmente las directrices del género en aquel momento. Un argumento tan potente y atractivo como demencial y ridículo, unas actuaciones histriónicas y exageradísimas. Unas secuencias de acción tremendamente espectaculares, pero que realmente tampoco tienen demasiado sentido. En definitiva, unas películas que saben perfectamente lo que son, y lo que quieren hacer. Que no es otra cosa que entretener al máximo sin tomarse demasiado en serio a ellas mismas.

Cara a cara bien puede ser el mejor y más extremo ejemplo de todas estas características. Primero porque tiene un argumento genial a la par que estúpido. Un policía se tiene que poner el rostro de un criminal que está en coma, para

hacerse pasar por él, y conseguir información para poder detener un atentado que está a punto de ocurrir. Pero mientras tanto, el criminal despierta del coma y decide ponerse la cara del policía, para hacerse pasar por él, y seguir con su plan de venganza. Después tenemos una serie de secuencias de acción que desprenden toda la espectacularidad que es capaz de transmitir el hongkonés John Woo, quien despliega aquí toda la panoplia de recursos que caracterizan sus secuencias de acción. Desde tiroteos en los que cambia de plano tantas veces que la geografía de la escena se pierde por completo, peleas espectaculares, pero completamente innecesarias, explosiones variadas, persecuciones imposibles, saltos a cámara lenta y demás elementos. Tan exagerados en esta ocasión que por momentos casi parece una parodia de su propio estilo, como bien demuestra una de las escenas climáticas, hacia el final de la película, en la que un tenso duelo mexicano con varios enemigos apuntándose entre ellos con sus respectivas pistolas se

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acaba diluyendo hasta casi la comedia involuntaria, al ir apareciendo sucesivos personajes que se van añadiendo a esa situación, cambiando el equilibrio hacia uno u otro lado. Y finalmente tenemos a Nicolas Cage, claro. Porque si decía al principio que uno de los elementos característicos de este cine de acción noventero era la sobreactuación, es evidente que ese un lugar en el que Nicolas Cage se mueve como pez en el agua. En esta ocasión está especialmente inspirado, y ya desde las primeras escenas es capaz de componer un Castor Troy tan imposible como inolvidable, con una serie de exageraciones de las que muy poquitos actores serían capaces de salir airosos. De hecho, durante esta misma película el propio John Travolta intenta llegar a esas cotas, cuando tiene que interpretar a Castor Troy, y sale algo mucho más forzado y menos natural de lo que consigue Cage.

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De la película en sí hay realmente poco que comentar. Es una de esas películas en las que es mejor dejar a un lado cualquier mínimo de pensamiento crítico y disfrutar de lo que viene, sin pensar demasiado. Para los amantes del género que sean capaces de no desconectar por la exageración de gran parte de las secuencias, puede ser interesante. También para aquellos a los que precisamente esa exageración les permita apreciar la película desde un punto de vista irónico, claro. Yo, personalmente, me quedo con un Nicolas Cage descomunal, desatado y sin complejos. Y con lo ridículo del argumento, que es tan delirante que hay que quitarse el sombrero con el valor de sus creadores a la hora de sacarlo adelante. A

Varios actores para un mismo papel

El imaginario del Doctor Parnassus Por Alberte Álvarez

l imaginario del Doctor Parnassus es Terry Gilliam en su máximo esplendor. Una cáscara desbordante de ilusionismo y fuegos artificiales, que en este caso se gusta mucho a sí mismo. Tanto que abandona por momentos el hilo narrativo para explayarse a gusto en su espectacularidad imaginativa. El Doctor Parnassus (Christopher Plummer) tiene junto a su hija (Lily Cole), un sarcástico e introvertido joven y un enano una especie de estrafalario espectáculo en el que por un módico precio es posible entrar a un mundo de fantasía al atravesar una cortina. Ese mundo está hecho a medida de la imaginación de la persona que entra, pero existe gracias a la mente del Doctor Parnassus. En todo caso el negocio va mal. Muy mal. Hasta que aparece Tony (Heath Ledger), un misterioso hombre al que recogen a punto de

morir y que rápidamente se hace con las riendas del negocio, atrayendo por primera vez clientes, además de atraer la atención de la hija de Parnassus. Por el medio hay una apuesta con el diablo (Tom Waits) que va empujando la trama poco a poco hacia un final desbordante, que por momentos roza el ridículo, sobre todo en las partes que tienen que ver con el diablo, pero consigue su cometido de resultar fascinante. La película está marcada por el fallecimiento de Heath Ledger durante el rodaje. Después de unos meses con la producción parada, Johnny Depp, Jude Law y Colin Farrell aceptaron terminar las escenas que faltaban interpretando al personaje de Ledger. Gracias a una brillante reescritura del guion, es cada vez que el personaje que

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Varios actores para un mismo papel

interpreta Ledger se introduce en el imaginario cuando cambia de apariencia y uno de estos tres actores interpreta el papel. Decir que los tres actores donaron sus ingresos a la hija pequeña del actor fallecido. Al final la película tiene un tema claro: la elección. Cada vez que entras en el imaginario hay que elegir. El éxito de la experiencia (salvar el alma) se debe a la elección que realices. Toda la película está trufada de este tipo de decisiones. Baste como ejemplo cuando el diablo ofrece una manzana a unas monjas en alusión a esa manzana de Adán y Eva, que es la elección suprema en la Biblia. Este tipo de detalles se van encontrando a lo largo de la película, que por otra parte tiene el sello de Gilliam en todos sus planos. Espectacularidad, imaginación, surrealismo, grandes angulares, set pieces y diseño artístico

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absolutamente magistrales (esa anacrónica carroza contrastando con el tiempo actual, circulando por suburbios marginales británicos) y algo de barroquismo visual. En definitiva, un prodigio imaginativo que pese a escasear en su trama, que funciona prácticamente como excusa, recurre a su estética y a su tema sobre las elecciones vitales para mantener la película, que por otro lado será seguramente recordada por ser la última del gran actor, con tanto por hacer aún, Heath Ledger. Una pena, porque la película se merecía no ser recordada por ello. A

La lista negra fue un momento de mal, y nadie en ambos bandos que haya sobrevivido se salvó de ser alcanzado por ese mal. Atrapado en una situación que iba más allá del control de los meros individuos, cada persona reacciona como su naturaleza, sus necesidades, sus convicciones y sus circunstancias particulares le indica. Hubo mala fe y buena fe, honestidad y falta de honradez, valor y cobardía, desinterés y oportunismo, sabiduría y estupidez, bueno y malo en ambos lados. • DALTON TRUMBO

Trumbo Trumbo / USA / 2015 Dir.: Jay Roach

Rep.: Bryan Cranston, Diane Lane, Helen Mirren, John Goodman, Elle Fanning, Louis C.K.

Texto: Alberte Álvarez

alton Trumbo es uno de los gigantes estadounidenses de la historia del cine. Uno de los guionistas más rápidos del Oeste, era capaz de escribir una película en tres días y estar siempre dispuesto a reescribir escenas la noche antes del rodaje. O en el mismo rodaje. Además, como director, realizó la adaptación de su novela Johnny cogió su fusil, que con el tiempo se ha alzado con el título de una de las

más afamadas películas antibelicistas de todos los tiempos. Pero Dalton Trumbo tenía un problema para los Estados Unidos de América del miedo y la histeria irracional e ignorante: era comunista y no lo ocultaba. En el biopic Trumbo, traducido en España como Trumbo: La lista negra de Hollywood, se corría el riesgo de pasar por encima de estas situaciones, o de edulcorarlas lo suficiente como para que, al

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Trumbo (Jay Roach, 2015)

final, el que Trumbo fuera comunista resultase más pasable para un público estadounidense todavía mayoritariamente anticomunista. Sin embargo, una de las sorpresas de la película dirigida por Jay Roach es que no ocultara su afiliación, haciéndola bastante explícita a lo largo del film. “-¿Papá, eres un comunista? -Sí, lo soy”, le responde a su hija mayor. Trumbo lleva sus ideas con dignidad, pero también como un peso que le provoca estar siempre a la defensiva. En la tierra de la libertad, la libertad de pensamiento fue proscrita. La trama pasa rápidamente por su época exitosa, en la que los estudios se peleaban por contratarle, y pasa (demasiado rápido también) por su activismo social en defensa de los derechos de los trabajadores, concretamente en la defensa del status de los guionistas en la industria de Hollywood. Pero pronto la Guerra Fría pondrá a los socialistas y comunistas, a los rojos, en la picota. Las acusaciones de traición y antipatriotismo se empiezan a disparar en un clima opresivo. En Trumbo tenemos claramente unos villanos: son los senadores republicanos, anteriores a McCarthy en su mayoría, y un John Wayne y una Hedda Cooper cuyo odio no les permitía parar aun cuando estaban arruinando talentos, vidas, hasta las últimas consecuencias, pues algunos de los que fueron señalados terminaron por quitarse la vida. Hedda Cooper, en otro gran papel de Helen Mirren, demandaba un mayor protagonismo que no alcanza del todo, perdiéndose el potencial que tenía el personaje. Su papel de periodista de chismes sobre los famosos del mundo del cine, extraordinariamente influyente por su cantidad de lectores, tanto que puede llegar a presionar a los dueños de los grandes estudios, contiene esa alevosía y dosis de ser mala gente (sencillamente) que hace que el papel de Trumbo se eleve por contraste. Sin embargo, se hace notar su escaso protagonismo y una falta real de motivos para hacer lo que hace, más allá de ser muy patriota o tener un hijo en el ejército. Trumbo, grandiosamente interpretado por Bryan Cranston, es tratado en el film con toda la simpatía y entendimiento posible. Es por ello que

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en ocasiones el conflicto con sus hijos, significativamente con su hija mayor) quede demasiado impostado y previsible. La hija mayor es otro personaje cuya evolución resulta demasiado forzada. Trumbo entra en la cárcel dejando a una niña que se preocupaba de que su padre fuera comunista para encontrarse a su salida con una activista adolescente preocupada por la causa de la discriminación racial y el segregacionismo. Todo esto queda muy diluido en el conflicto de baja intensidad entre padre e hija cuando éste, agobiado por el nivel “Trumbo lleva sus y exigencia del trabajo que hace clandestinaideas con dignidad, mente, se convierte en pero también como un pequeño dictador arisco y sin tiempo para un peso que le prosu familia.

voca estar siempre a la defensiva. En la tierra de la libertad, la libertad de pensamiento fue proscrita.”

A estas alturas el plan de Trumbo es convertir la lista negra en la que continúa incluido en un chiste, una paradoja irónica, al ir acaparando poco a poco todas las películas para los guionistas represaliados y, gracias a su enorme talento, incluso ganar varios Oscar al mejor guion, primero bajo la tapadera de otro guionista y después bajo el uso de un nombre falso. La lista negra no tenía valor salvo para mostrar su propia inutilidad.

La parte de la escritura, producción y dirección de Espartaco también podía haber dado mucho más de sí. En el libro de Kirk Douglas sobre su realización, que ampliamente recomiendo ya que es uno de los mejores libros que hay sobre cine, la historia tiene muchos más recovecos. En Trumbo, sin embargo, corre en paralelo a la película de Otto Preminger, de manera que Trumbo los usa para que compitan entre ellos y finalmente pueda volver a ver su nombre real en la gran pantalla. En definitiva, Trumbo es una película que desaprovecha algunos buenos personajes y algunas buenas historias, pero al final es una película valiente y con grandes actuaciones sobre uno de los gigantes de la todavía corta historia del cine.A

Capitán América: Civil War Captain America: Civil War / USA / 2016 Dir.: Anthony & Joe Russo Texto: Saúl Olmo

arvel arranca la Fase 3 de su cada vez más grande universo cinematográfico con una apuesta segura, convertir la tercera entrega de las andanzas del bueno de Steve Rogers en una suerte de Vengadores 2.5 que se inspira en uno de los arcos argumentales más celebrados de los cómics y confiando de nuevo en el buen hacer de los hermanos Russo. Ya está aqui la esperadísima Capitán América: Civil War.

Rep.: Chris Evans, Robert Downey, Jr., Scarlett Johansson, Sebastian Stan, Anthony Mackie, Don Cheadle, Jeremy Renner, Chadwick Boseman.

La película arranca con los nuevos vengadores enfrentandose a un viejo conocido en Lagos, en una brillante secuencia que sirve para meter al espectador dentro de la película y sentar las bases del conflicto. Un incidente con bajas civiles provoca que la O.N.U. inste a los Vengadores a firmar un tratado que les compromete a actuar solo donde y cuando se lo ordenen. Este hecho comienza a dividir a los Vengadores en dos bandos, uno liderado por el Capitán América y el

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Capitán América: Civil War (Captain America: Civil War, Anthony Russo, Joe Russo, 2016)

otro por Iron Man. La trama toma un cariz más serio que en anteriores producciones de Marvel y sus dosis de comedia están ahora mejor medidas. Sin alcanzar cotas de profundidaz destacable, es interesante ver como el conflicto se va desarrollando y los distintos héroes se posicinan de cara a la batalla que se avecina. Los hermanos Russo han sabido darle a cada uno su espacio y un papel que jugar, abandonando esa sensación de exceso de carga que le pesaba a su predecesora cronológica La era de Ultron. En la presente se introduce a dos nuevos rostros en el UCM. Uno es bien conocido por todos nosotros, nuestro amigo y vecino Spiderman. Gracias a un acuerdo con Sony (propietaria de los derechos cinemátograficos del aracnido) podemos disfrutar de su primera incursión junto al Capi, Iron Man & Cia. Si bien es un placer disfrutar de el, su inclusión en la pelicula se nota forzada. Existe una molesta falta de esfuerzo por parte de los guionistas de darle un sentido al personaje dentro de la historia, contentandose tan solo con ofrecer fan service. No se puede decir lo mismo de Black Panther. Marvel ha sabido introducir a un personaje desconocido para los espectadores ajenos a los comics de forma atractiva y integrandolo en la trama de la película, preparando así al público para el estreno de su película en solitario, que se estrena el 6 de julio de 2018. El guión llama la atención por unos dialogos más largos de lo acostumbrado, efectivos a la hora de hacer avanzar la narración y crear tensión, pero que falla cuando la seriedad se quiere tornar drama de forma forzada. Eso no impide que la mayoría de sus 148 minutos alcance su principal (y parece que única) ambición, entretener. Y lo hace sacandole todo el jugo a su mejor baza.

divertimento con un único fin, hacernos disfrutar como niños. Sin lugar a dudas Civil War es un blockbuster que funciona, pero no es perfecta ni todo lo buena que podría (fácilmente) ser. El principal culpable de ello es el villano principal. Marvel sigue con su costumbre de malgastar villanos de los comics a velocidad acelerada, con homologos de celuloide de usar y tirar (con la excepción de Loki). Zemo dota la trama de cierta dosis de intriga al comienzo del film, pero llegados al clímax parece que su intención, más que acabar con los Vengadores, es cargarse la coherencia interna de la trama, y desgarra la película con un giro de “Sin alcanzar cotas guión inverosimil, una excusa para dar pie a de profundidaz destauna escena brutal, donde cable, es interesante prima la acción física que tanto gusta a los Russo, ver como los distintos pero exenta de una carga héroes se posicinan dramática real.

de cara a la batalla

Capitán America: Civil que se avecina.” War resulta una experiencia disfrutable pero cuyos fallos le impiden trascender, incluso dentro de su propio universo. En cierto momento un personaje dice: «No podemos salvarlos a todos. Si no aceptamos eso pude llegar el día en que no salvemos a ninguno» Tal vez el binomio Disney/Marvel debería tomar nota en cuanto a sus películas de superhéroes. No deberían esforzarse tanto en gustar a todo el mundo o tal vez llegue el día en que no gusten a nadie. A

Las set pieces de acción son realmente el fuerte de la pelicula. Bien dirigidas, bien planificadas. Ni siquiera un torpe uso del CGI consigue ensombrecerlas. Un poderoso y frenético

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El libro de la selva The Jungle Book / USA / 2016 Dir.: Jon Fravreau Texto: Juan Romero

ay una secuencia que resume de manera perfecta la imposible mezcla que trata de hacer El libro de la selva. Y esa es cuando el protagonista llega, secuestrado por un grupo de monos, a un imponente templo antiguo medio derruido y devorado por la vegetación. Lo llevan ante su líder, que es un gigantesco simio, físicamente imponente, y oculto entre las sombras como Marlon Brando en Apocalypse Now. De manera críptica le hace ver a nuestro

Rep.: Neel Sethi, Bill Murray, Ben Kingsley, Idris Elba, Lupita Nyong'o, Scarlett Johansson, Christopher Walken. protagonista que quiere algo de él y que llegará hasta cualquier extremo para conseguirlo, revelándose como uno de los grandes villanos de la película. Y entonces se produce la ruptura total de la atmósfera construida. Porque este sabio y atormentado personaje que vive solitario en la selva resulta no ser el Coronel Kurz, sino el Rey Louie. Y en lugar de recitar a T.S. Elliot se pone a cantar la jazzística “Quiero ser como tú” mientras juguetea con unas papayas que tira por

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El libro de la selva (The Jungle Book, Jon Favreau, 2016)

el aire. Y como colofón a esa bizarra secuencia, tenemos una espectacular persecución por ese escenario que no desmerece las más complejas secuencias de acción del cine palomitero más actual. Porque todo El Libro de la Selva es en realidad una versión fotorrealista del clásico de Disney, que intenta ser algo más seria que la original, pero que navega entre la extrañeza que produce ver los momentos más infantiles recreados por animales que casi puedes sentir como reales y la perplejidad de ver ciertos arrebatos salvajes de esos mismos animales. Momentos estos últimos que cuando son protagonizados por dibujos animados no impactan de la misma manera que sí lo hacen en esta película. En cualquier caso, la mezcla funciona sorprendentemente bien. La historia de la película bebe directamente del clásico de Disney mucho más que del libro de Kipling, si bien ha sido reordenada, adaptada y modificada para aprovechar las características de una propuesta de este estilo. Y como digo, funciona realmente bien, sobre todo durante la primera mitad de la película. La presencia, aún mayor y más amenazante de Shere Khan y toda la historia previa entre él y Mowgli, que vemos a través de los ojos de Kaa, hace que la película tenga un arco argumental mucho más claro que en la película original. Y, aunque sea extremadamente tópico, cumple con creces el cometido de dar cuerpo al conflicto principal de la película. Y cuando ese objetivo queda un poco en un segundo plano, al centrarse en las andanzas de Mowgli con algunos de los animales con los que interactúa, fundamentalmente Baloo, la personalidad de éste hace que la película no llegue a perder interés en ningún momento. Desgraciadamente, a partir de la secuencia que he comentado al principio de la crítica, la película empieza a decaer. En primer lugar por la presencia de una canción cuyo estilo no concuerda en absoluto con el tono que debería tener la película en ese momento. El contraste es brutal cuando comparamos cómo ha sido introducida la canción inmediatamente anterior. “Busca lo más vital” encaja como un guante

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en la personalidad de este Baloo, y complementa de manera natural a lo que está sucediendo en pantalla. “Quiero ser como tú” por el contrario te saca de la película desde los primeros acordes, porque es algo totalmente opuesto a lo que uno se espera del Rey Louie que nos presentan aquí. Y la película decae un poco a partir de ese momento, y no solo por culpa de ese momento. Entre otras cosas, eso sucede también porque la película da un giro hacia la acción. Hasta entonces, la película había caído más dentro de los límites de la aventura, y plagada de guiños eminentemente fami“Navega entre la liares. A partir de ese momento deja de lado extrañeza de ver casi cualquier concelos momentos más sión infantil, y la emoción que había conse- infantiles recreados por guido crear de manera animales que se sienten más o menos acertada a partir de la perso- reales, y la perplejidad nalidad de los perso- de ver ciertos arrebatos najes, sus viajes y sus salvajes de esos mismos dilemas la sustituye animales.” por una apuesta por la espectacularidad de unas secuencias de acción que devoran todo ese tramo final de la película. Unas secuencias realmente espectaculares, pero que no dejan de ser un nuevo alejamiento de los grandes aciertos que la película había ido cosechando durante su primera mitad. Además, me da la impresión de que el elemento del fuego no está del todo bien llevado, lo que hace que la película baje un poco durante ese tramo final. En cualquier caso, es una sorpresa realmente agradable, la película. El impresionante trabajo de efectos especiales consigue que te mantengas dentro de la historia, y la personalidad de los protagonistas y un argumento incluso mejor cohesionado que en la película original, consigue que El libro de la selva sea un espectáculo realmente disfrutable, a pesar de algunos problemas difícilmente subsanables, ya que son más achacables a la propuesta en sí que a la propia ejecución. A

Entrevista a

David Sรกinz 34 15

Revista Revista Erebus Erebus -- Mayo Abril 2016 2015

Entrevista | David Sáinz

Erebus pregunta Hablamos con David Sainz, el creador de la webserie Malviviendo y el director de la película Obra 67 sobre su carrera y sus diferentes proyectos. Muchas de las preguntas están en plural porque casi todos los trabajos los ha desarrollado a través de la productora Diffferent, de la que es cabeza visible, pero a la que también pertenecen Teresa Segura, Antonio Velázquez, Tomás Moreno, o Javi Lería, junto a los cuáles ha colaborado durante casi toda su carrera..

Empezáis en esto del audiovisual con Malviviendo. Cuenta la leyenda que el primer capítulo lo rodasteis, hace ya más de siete años, con un presupuesto de 40 euros, y seguramente sin tener mucha idea de dónde iba a llegar. ¿Cómo os decidís a empezar una webserie, y qué esperabais de ella en un principio? Al principio esperábamos tan poco que ni si quiera la pensábamos como una serie real. Decidimos hacer algo para mostrar lo que podíamos hacer a las empresas donde mandábamos currículums. Lo subimos a internet por ahorrarnos CD´s vírgenes. La verdad es que todo lo maravilloso que pasó después fue una sorpresa. Sólo teníamos cuarenta euros, pero también una cámara y mucho tiempo entre trabajo y trabajo temporal. Una vez vimos el éxito de ese falso piloto, decidimos tirar por este camino alternativo y seguir con la serie. La serie tiene un gran éxito entre el público desde el primer momento, y casi desde el estreno se convierte en un fenómeno en internet, y posiblemente en la Revista Erebus - Mayo 2016

Entrevista | David Sáinz

webserie más importante de la historia de España ¿cómo recibís esa respuesta por parte del público? Como te digo nos pilló totalmente por sorpresa. Grandes series patrias son también Cálico Electrónico o Qué vida más triste… la nuestra es quizá la más televisiva… la menos webserie de las webseries y a la vez la más vista en youtube… estamos muy orgullosos, contentos y para nosotros ha sido una gran suerte empezar con buen pie. Gracias a esa reacción hay una serie de patrocinadores que entran en Malviviendo, y os dan un respaldo económico que se nota en sucesivas temporadas. Y no solo ya en elementos de producción, sino incluso en unos arcos argumentales más continuados durante cada temporada. ¿Cómo cambia la manera de llevar a cabo la serie una vez sois conscientes tanto del seguimiento del público como del

apoyo de patrocinadores? Sería bonito decir que tienes razón… sin embargo, la diferencia en cuanto a la trama entre la primera y las posteriores, se debe a lo que te comentaba al principio. Cuando hicimos el primer capítulo, no sabíamos que habría segundo. Así que la primera temporada se escribió prácticamente a la vez que se grababa. Eso era lo bonito de aquel caótico inicio. Evidentemente el apoyo de la gente hizo que existieran patrocinadores y a la vez estos, no sólo mejoraron la serie, sino que la hicieron posible. Después de tres temporadas decidís poner punto y final a la serie. ¿Por qué decidís dejarla en ese momento? Somos seriéfilos y hemos visto cómo series que nos encantaban dejaron de tener gracia por querer alargar lo inalargable. Malviviendo era una serie muy compleja y cada vez menos barata. Además queríamos seguir avanzando y Revista Erebus - Mayo 2016

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"Hemos visto cómo series que nos encantaban dejaban de tener gracia por querer alargar lo inalargable. No queríamos que eso pasara con Malviviendo".

dedicarnos al cine, que siempre fue la meta. El éxito de Malviviendo os abre las puertas de la televisión, y hacéis dos series para Canal Sur, El viaje de Peter McDowell y Flaman. ¿Qué diferencias encontráis entre una webserie y una serie para una televisión? ¿Cómo resulta la experiencia? Hay dos diferencias muy claras, una buena y otra mala. El presupuesto (aunque sinceramente ambos trabajos para la autonómica fueron tan lowcost como Malviviendo, no somos Juan y Medio) y la libertad de hacer el contenido que quieres, sin censura ni opiniones del que simplemente quiere justificar su sueldo. (Esto también pasa en la publicidad) Luego llega vuestra primera película, Obra 67, siguiendo las directrices de #littlesecretfilm. Rodada en 24 horas, y con un equipo de 13 personas. Pero que de alguna manera Revista Erebus - Mayo 2016

trasciende y se convierte en una de las pocas películas de #littlesecretfilm que consigue una entidad propia por sí misma. ¿Cómo realizáis la película, qué pretensiones teníais, y cómo encajáis esa respuesta? Simplemente queríamos hacer un buen papel. Éramos 13 directores y necesitábamos llamar la atención para subir otro peldaño y entrar en otro círculo. Creo que lo conseguimos en parte… Obra nos llevó más lejos de lo que nunca imaginamos. De nuevo tuvimos suerte. Y el año pasado decidís volver al mundo de las webseries y empezáis con Entertainment, en la que tomáis como punto de partida vuestra propia productora y a vosotros mismos como personajes para hacer una comedia en clave de falso documental. Además, con una estructura mucho más convencional que en otros de vuestros proyectos y siguiendo un poco más las normas más clásicas de la sit-com.

Entrevista | David Sáinz

"España es el país que más webseries produce: más de seiscientas. Somos referentes en el resto del mundo. Pero es como todo, en casa del herrero, cuchillo de palo". Tomando como inspiración no ya solo la evidente The Office, sino incluso elementos de Seinfeld, por ejemplo ¿por qué os decidís por ese proyecto y ese formato? Como te dije, internet es libertad y me apetecía hacer algo así. Durante años nos pasaron muchas cosas que podrían entrar en una serie autobiográfica y nadie daría crédito. Es un tono que me apetecía hacer y un formato convencional en cuanto a estructura porque aún tenemos que seguir demostrando que somos gente profesional y contratable. En el mundo de las webseries hay realmente muy pocas que llegan a destacar. En España ya hemos nombrado Cálico electrónico, Malviviendo y Qué vida más triste como los principales ejemplos. Y si nos vamos al

extranjero, normalmente el contenido web es para acompañar a una serie madre, y apenas ha tenido una relevancia importante como webserie en sí misma el Dr. Horrible de Joss Whedon y Neil Patrick Harris. Y actualmente una serie que produjo en el más absoluto secreto Louis C.K., llamada Horace and Pete con actores de la talla de Steve Buscemi, Alan Alda o Edie Falco y que un día sin aviso previo colgó en su web ¿Cómo está actualmente el campo de las webseries, tanto en España como en el extranjero? ¿Qué tipo de propuestas interesantes podemos encontrar? ¿Cuál es el futuro que pensáis que puede tener el género a medio plazo? España es el país que más webseries produce: más de seiscientas. De hecho somos referente en el resto del mundo. Pero es como todo, en casa Revista Erebus - Mayo 2016

Entrevista | David Sáinz

del herrero cuchillo de palo. Creo que no sólo es una gran oportunidad para que el nuevo creador demuestre lo que puede y sabe hacer (En cuanto a ficción, claro, que es lo que a mí me gusta) También es la plataforma donde llegar al público y conseguir lo que por otro lado sería muy difícil sin padrino. En cuanto a lo de recomendar webseries, podría deciros El viudo quiere mimos, 300 pavos, Beto, El partido, Les coses grans, Caniville… hay mucha calidad injustamente desconocida… una pena. Recientemente te hemos visto en El Ministerio del Tiempo haciendo un cameo, para la que además has colaborado en el guion de un capítulo. Como auténticos ministéricos que somos no podemos evitar preguntarte por ello. ¿Cómo llegan a ofrecerte participar en la serie y cómo fue la experiencia? Conocí a Javier Olivares en un festival y yo también soy muy ministérico… nunca me acerco a nadie, soy bastante vergonzoso, pero no podía evitar decirle que su serie era la única española que me había hecho quitarme el sombrero. Nos llevamos bien, le gustó Entertainment y me ofreció co-escribir junto a él un capítulo y un cameo. Para mí formar parte de una de mis series favoritas es un sueño hecho realidad, claro. Finalmente, mirando al futuro, nos gustaría que nos contaras un poco los proyectos que tenéis en marcha. Creo por ejemplo que estáis rodando ahora la segunda temporada de Entertainment. ¿Cuándo podremos verla, y qué otras cositas tenéis por ahí preparadas? De momento vamos a estrenar la segunda de Entertainment en Flooxer y vamos a seguir con el proyecto de El Colega Canario. A la vez, seguimos luchando por nuestra primera película dentro de la industria. Por el cine, que como dije, siempre fue nuestra meta. A

LA SEGUNDA TEMPORADA DE ENTERTAINMENT SE ESTRENA PRÓXIMAMENTE A TRAVÉS DE LA PLATAFORMA FLOOXER. TODA MALVIVIENDO Y LA PRIMERA TEMPORADA DE ENTERTAINMENT SE PUEDE VER A TRAVÉS DEL CANAL DE YOUTUBE DE MALVIVIENDO.

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La arquitectura me enseñó cómo ver las cosas y la manera de acomodar a las personas en ciertos espacios. Las personas experimentan el espacio, la belleza, en cierto momento, y la película también es como viajar a través del tiempo. • APICHATPONG WEERASETHAKUL

Cemetery of Splendour Rak ti Khon Kaen / Tailandia / 2015 Dir.: Apichatpong Weerasethakul

Rep.: Jenjira Pongpas, Banlop Lomnoi, Jarinpattra Rueangram, Petcharat Chaiburi, Tawatchai Buawat.

Texto: Juan Romero

ntes de comenzar esta crítica creo que tengo que decir que tengo un pequeño problema con el señor Apichatpong Weerasethakul. Y es que ver su Tropical Malady fue una de las peores experiencias de mi vida como espectador de cine. Me pareció algo totalmente incoherente. Una broma gigante absolutamente incomprensible. Dos mitades de película que no tenían nada en común entre ellas,

no tenía ningún sentido. Y además con unas escenas, un ritmo y unas actuaciones que tampoco me atraían en absoluto. Decidí que no iba a volver a ver jamás una película del tailandés si podía evitarlo. Y aquí estoy ahora, teniendo que escribir sobre su película más reciente. Allá voy. Una vez más, Apichatpong retoma muchas de sus obsesiones. La reencarnación, la borrosa línea entre realidad y fantasía, la lentitud exasperante

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Cemetery of Splendour (Rak ti Khon Kaen, Apichatpong Weerasethakul, 2015)

de ritmo o las historias extrañas y poco explicadas. En este caso tenemos una antigua escuela que es utilizada como hospital para acoger a un grupo de soldados que tienen una extraña afección que hace que entren en coma profundo de un momento a otro y sin motivo aparente. En este escenario tenemos interminables charlas entre una enfermera, una médium que entra en la mente de la gente y ve sus vidas anteriores, y uno de los soldados enfermos. Amén de unas criaturas mitológicas que se hacen presentes en el mundo físico para poder charlar. Y en paralelo a esto tenemos también una excavadora removiendo el suelo de esa escuela, y encontrando una especie de cementerio antiguo y la aplicación de colorterapia a los enfermos, que acaba afectando a los colores de la propia película. Las conversaciones que tienen los protagonistas entre sí no tienen demasiado que ver con lo que sucede en la propia película, claro está. Si no que se limitan en su mayor parte a filosofía barata genérica que uno nunca sabe muy bien a qué aplicarla en lo que está viendo. Esas conversaciones son interrumpidas para cambiar radicalmente de tema sin venir a cuento cuando a los protagonistas les viene en gana, además. Con lo que llega un punto en el que uno acaba desconectando. Durante toda la película hay un uso abundante de diferentes simbolismos que quieren representar cosas como la consciencia, las vidas pasadas, la religión, y varias cosas más, pero que no llego a tener claro en ningún momento qué quiere decir cada uno de ellos, y acabo teniendo una visión más global, por acumulación, que coherente y con sentido.

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Así que tenemos una película sincopada e incoherente, que trata de manera superficial una serie de temas que no me interesan lo más mínimo, con una serie de símbolos que no tengo ni idea de lo que significan y dirigida por un tipo al que le tengo manía. Todos los ingredientes para ponerla junto a Tropical Malady en mi escalafón mental, y no volver a acercarme a Apichatpong ni con un palo en todo lo que me quede de vida.

“Una película sincopada Y sin embargo, hay algo e incoherente, que trata que esta vez sí me ha una serie de temas atraído. Un estilo, un ritmo, y una manera que no me interesan lo de contar las cosas que más mínimo, con unos sí me parecen notables. Que imagino que tam- símbolos que no sé muy bién estará presente bien qué significan, y en Tropical Malady, dirigida por un tipo al aunque fui incapaz de verlo allí. Y que que le tengo manía.” supongo que será lo que atraiga a la legión de fans que tiene el director tailandés. Para mí, evidentemente, eso no compensa todo el resto de cosas que no me gustan de él, claro. Pero ahora entiendo al menos por qué la gente puede sentirse atraída por este director, si sienten interés por los temas que trata. Como mínimo para eso sí me ha servido ver esta película.A

El secreto de una obsesión Secret in their eyes / USA / 2015 Dir.: Billy Ray

Rep.: Chiwetel Ejiofor, Julia Roberts, Nicole Kidman, Dean Norris, Michael Kelly.

Texto: Juan Romero

i hay una escena absolutamente inolvidable para todos los que han visto El Secreto de sus Ojos esa es, sin duda, la del partido de fútbol. Una absoluta virguería técnica que conseguía uno de los plano-secuencias más espectaculares de toda la historia del cine. La secuencia de El secreto de una obsesión que trata de imitar aquella maravilla acaba dando absoluta

vergüenza en la comparación. De hecho, aunque arranca de manera similar, en seguida arroja la toalla y decide que tampoco hace falta montar un plano-secuencia semejante para poder contar la historia. Y esa es probablemente la metáfora perfecta de lo que es la película. Porque El Secreto de una obsesión es un remake de aquella memorable película argentina, pero

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El secreto de una obsesión (Secret in their eyes, Billy Ray, 2015)

palidece de tal manera en la comparación que en los países de habla hispana han decidido cambiarle el título para intentar que no nos demos cuenta de que quiere ser la misma película. La historia que cuenta, y los personajes que aparecen son más o menos los mismos, pero todos y cada uno de los cambios que hay respecto a la original, hacen que la película sea mucho peor. El gran problema no es ya que El secreto de una obsesión sea una copia pobre de El Secreto de sus ojos, que lo es. El problema es que da la impresión de querer ser esa copia pobre. De que ni siquiera se molesta en intentar ofrecer una película con una cierta entidad, sino que copiando cuatro generalidades les basta para hacer la película, sin ninguna otra pretensión. No quieren imitar el plano-secuencia. Intentan, con fervor, hacer una copia de baratillo y sin mucho sentido de aquella escena, dejándose por el camino lo que la hacía especial. Y seguramente lo que hacía especial a la película original era la relación entre los protagonistas. Evidentemente entre Ricardo Darín y Soledad Villamil, que tenían una química que no aparece ni por asomo con Chiwetel Ejiofor y Nicole Kidman. Pero también de Darín con el personaje de Guillermo Francella, que era uno de los grandes aciertos de la película original, y del que

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no queda ni el más mínimo rastro en el personaje a quien da vida Dean Norris. Intentando en cualquier caso olvidar la película original, y tratando de valorar esta otra en su justa medida seguimos “El gran problema teniendo un thriller rutino es ya que sea una nario, que se olvida a los cinco minutos de verlo, copia pobre de El y que carece del más Secreto de sus ojos, mínimo peso o intensidad. Posiblemente lo sino que da la impreúnico salvable de la pelísión de querer ser esa cula sea el personaje de copia pobre.” una afeada Julia Roberts, pero es demasiado poco como para sostener la película. Y cuando llega el clímax, bien resuelto eso sí, no consigue tener la carga emocional que debería tener. Por tanto, nos encontramos ante un subproducto totalmente prescindible. Un thriller absolutamente rutinario que coge una película notable, la despoja de casi todo lo que la hacía especial, y nos deja un esquema extremadamente aburrido y que no llega a tener vida propia en ningún momento. A

La invitación The invitation / USA / 2015 Dir.: Karyn Kusama

Rep.: Logan Marshall-Green, Michiel Huisman, Tammy Blanchard, John Carroll Lynch, Mike Doyle.

Texto: José M. Aparicio

a ganadora en Sitges el año pasado llega a nuestras pantallas este mes. Se trata de la cuarta película de la directora Karyn Kusama aunque más bien parece una ópera prima de algún director novel por su bajo presupuesto (solo un millón de dólares) y su apariencia de serie B. Después de sus dos anteriores superproducciones llenas de dinero pero carentes de interés, esta vez la directora dirige un guion más elaborado y con más chicha.

La invitación es un film sencillo en su planteamiento y en su desarrollo. Pero eso no quiere decir que sea simple. Tenemos una cena en una lujosa casa de Los Ángeles a la que acuden varios amigos que llevaban bastante tiempo sin verse. Los anfitriones son Eden (Tammy Blanchard) y su nuevo novio David (Michiel Huisman). Eden estuvo casada con Will (Logan Marshall-Green) y tuvieron un hijo pero murió trágicamente y no pudieron superarlo como pareja. Llevaban mucho tiempo sin verse ni hablarse pero de

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La invitación (The invitation, Karyn Kusama, 2015)

repente Will recibió esta invitación. El problema es que la velada transcurrirá en la casa donde los dos vivían junto a su hijo y Will tendrá que enfrentarse a los recuerdos que ha estado tratando de olvidar o al menos mantener alejados durante estos años. No muy convencido, decide aceptar y acude a la cena con su nueva pareja y el resto de invitados, todos viejos amigos que se reencuentran.

final, todo empieza a enrarecerse y la película va mostrando sus cartas de una manera bastante interesante y aunque no “En el tramo final se trata tampoco de un todo empieza a prodigio del séptimo arte, el guion se sustenta enrarecerse y la bastante bien y tiene película va mostrando unos cuantos momentos sus cartas de una interesantes.

La primera parte de la película, que es bastante larga, transcurre de forma muy pausada. Poco a poco se van presentando todos los personajes pero lejos de mostrársenos como un encuentro divertido y desenfadado, la atmósfera que se respira en la casa es de desasosiego constante y sensación de que algo raro ocurre. Pero parece que solo Will percibe este extraño ambiente que se acrecienta cuando la pareja anfitriona trae a dos amigos desconocidos para los demás y les enseña a todos un vídeo algo perturbador. Todo este tramo nos pone en situación y nos prepara para lo que intuimos que va a ocurrir. No sabemos muy bien lo que es pero acompañando a Will en su presentimiento, nos imaginamos que nada bueno. A partir de aquí, ya en el tramo

manera bastante En definitiva, una película para los amantes interesante.” de los guiones enrevesados, de los thrillers de cine independiente, que recuerda a películas tipo Coherence, o El regalo y que se destapa en una media hora final bastante potente después de un largo y sosegado nudo que nos mantiene en vilo si conseguimos conectar con el protagonista y sus dudas. A

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Victor Frankenstein Victor Frankenstein / USA / 2015 Dir.: Paul McGuigan

Rep.: Daniel Radcliffe, James McAvoy, Jessica Brown Findlay, Mark Gatiss, Andrew Scott.

Texto: Juan Romero

urante el primer acto de Victor Frankenstein asistimos asombrados a la transmutación del obsesivo y chiflado Doctor Frankenstein que todos tenemos en la cabeza en un improbable héroe de acción. Además, el director Paul McGuigan no se anda con remilgos y subraya estas secuencias mediante el uso, no solo de la habitual cámara lenta, sino también de ciertos esquemas superpuestos en la imagen que te indican lo que va a suceder a continuación. Y uno tiene la sensación de que McGuigan ha decidido seguir una vez más los

pasos de Guy Ritchie y aproximarse a la creación de Mary Shelley mediante el mismo enfoque y las mismas técnicas que aquel hizo para llevar a la pantalla a otro mito literario como Sherlock Holmes. Y digo una vez más porque el director escocés ya se aproximó a las técnicas de Guy Ritchie hace unos años con la siempre reivindicable El caso Slevin, que seguía de manera evidente los pasos de Lock Stock y de Snatch, combinando el thriller con el humor y con ciertos giros e incluso

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Victor Frankenstein (Paul McGuigan, 2015)

técnicas sacados directamente de aquel primer Guy Ritchie. En aquel caso ya digo que el resultado fue ciertamente notable. En este caso, desgraciadamente, el resultado es realmente pobre. Entre otras cosas porque ni el propio director se cree en ningún momento lo que está intentando hacer durante ese primer acto. Porque realmente esa aproximación al mito de Frankenstein mediante el estilo del Holmes de Guy Ritchie apenas sobrevive a esas primeras secuencias. Una vez resueltas, no volvemos a ver a Victor Frankenstein como un héroe de acción y no volvemos a tener cámara lenta hasta literalmente la última secuencia de la película. Y lo que tenemos mientras tanto, el grueso de la cinta, es una aproximación al personaje absolutamente plana y dubitativa, que no es capaz de transmitirnos la angustia que debería tener el personaje, y que queda realmente muy lejos hasta de la versión que hizo Kenneth Branagh en su momento. Ni los motivos de la obsesión del protagonista por crear vida, ni la supuesta brillantez del científico llegan a ser creíbles en ningún momento. La obsesión del policía que le persigue no tiene demasiado sentido y la supuesta historia de amor entre Igor y la trapecista (sí, tal y como suena) está desarrollada de una manera absolutamente patética. Da la impresión durante todo ese tramo principal de la película de que Paul McGuigan no sabe en ningún momento que tono es el que tiene que darle. No se atreve a apostar por ese héroe de acción que nos esboza al principio, con buen criterio, porque es una decisión realmente horrorosa, pero tampoco es capaz de transmitir esos sentimientos góticos que debería. Así pues, una vez pasado ese arranque completamente erróneo, pero al menos hasta cierto punto original, se nos va presentando una vez más el mito de Frankenstein explicado con alguien que parece que no lo termina de entender del todo. O, al menos, totalmente incapaz de transmitirlo de manera más o menos correcta. De hecho, en esa búsqueda incesante del tono adecuado, hay ciertos momentos en los que el director quiere aplicar un ritmo ligero y desenfadado. Y el problema no es ya siquiera el hecho de que no tiene ningún sentido utilizar ese ritmo con un personaje de las características del doctor Frankenstein, sino que ni siquiera el director es capaz de mantener

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ese estilo de manera coherente, sino que es uno más de los bandazos que va dando. Decía antes que la sombra de Sherlock Holmes desaparecía después de esas primeras secuencias, pero no es del todo cierto. Porque de una manera absolutamente metarreferencial, en el mismo momento en el que empiezas a darte cuenta de que el resto de la película no va a parecerse en nada a ese inicio claramente inspirado por Guy Ritchie, aparece en pantalla Andrew Scott como el malo de la función. Un Andrew Scott al que todos tenemos en la cabeza como el gran villano Moriarty en la serie Sherlock de la BBC. Para la cual el propio Paul McGuigan ha dirigido varios capítulos, lo que cierra el círculo de lo meta. Y ya sé que toda esta digresión alrededor de Sherlock Holmes no aporta casi nada a una crítica de la película de Victor Frankenstein. Pero es un fiel reflejo del viaje que hacía mi mente mientras tenía que “Paul McGuigan no sufrir el tedio de ver a uno de los grandes sabe qué tono es el que personajes de la literatiene que darle. No se tura universal convertido en un papanatas atreve a apostar por ese por obra y gracia de héroe de acción, pero los creadores de esta tampoco es capaz de película. Y para que ese tedio no se trans- transmitir sentimientos formara en rabia por góticos.” ver desperdiciada, una vez más, una maravillosa obra literaria y el talento de algunos grandes actores en este espantajo que no tiene ni la más mínima idea de lo que quiere ser, tengo que divagar en estas cuestiones. El Frankenstein de Branagh podría tener muchos defectos. Pero por lo menos se le veía un intento, una idea. Y un amor por el personaje. Evidentemente acababa siendo un ejercicio fallido y aquella película acababa convirtiéndose en sí misma en una especie de monstruo de Frankenstein. Un engendro creado con amor, y con voluntad de hacer algo grande, pero a la que le falta alguna cosa crucial, aunque no sepas muy bien qué, que la convierta en humano. En este caso, no hay siquiera un rastro de ese amor, de esa pasión. Hay solo un batiburrillo que no tiene ni idea de lo que quiere ser. A

En Corto

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En Corto / I am Yup'ik (Daniele Anastasion y Nathan Golon, 2016)

I am Yup'ik I am Yup'ik / USA / 2016 / 17 min Dir.: Daniele Anastasion, Nathan Golon

Rep.: Documental. Prod.: Patrick White y Goodfight Media

Texto: Aitor Boada

os trasladamos al norte: Alaska. En este extremo del mundo no sólo hay nieve, focas, nieve y más nieve por si todavía no era suficiente, también hay una comunidad de nativos con una identidad fuerte y sin embargo puesta en entredicho por la presencia de la cultura occidental. Éste es el principal problema de los habitantes de la zona, en especial de los jóvenes, que siguen considerando la cultura de sus antepasados como un ejemplo a seguir mientras son testigos de cómo la cultura estadounidense se mete a trompicones en su vida. Esta lucha por encontrar una identidad suele ocasionar delincuencia, depresiones o incluso el suicidio, siendo las de la región las estadísticas más altas de todo el país.

la vez surge una especie de fuerza invisible creadora de aquellos vínculos tan fuertes de los que habla el protagonista. Un corto que trata –de la manera más conmovedora y bonita posible- temas como la identidad, la lucha por encontrar un sitio y las ganas de cambiar las cosas. Porque, en realidad, sentirse identificado con algo le da a uno esa especie de respiro, de salvación, como si fuera un rescate que no esperaba. En el fondo, uno necesita reconocerse a sí mismo, encontrar un sitio, a nadie le gusta sentirse solo; aunque se aprecie la soledad, las emociones, las historias, siempre son más fuertes y reales si se comparten.A

Lo que no se ve es mucho más importante que lo que se ve. Siempre. Por eso, esta comunidad que se busca continuamente ha encontrado una fuerza unificadora: el baloncesto. Byron es el protagonista de esta cinta y un joven de dieciséis años que lo tiene bien claro. Como él mismo dice, nadie juega para una beca o una carrera profesional, todos están aquí para representar a su ciudad. Una cinta un poco más larga de lo habitual para un corto –diecisiete minutos- con una fotografía preciosa. Una historia muy bien traída y un ritmo casi de película. Mientras la cámara nos va descubriendo los paisajes, la gente, la cultura… a

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Número 13 - Mayo 2016

Creación, contenido y diseño Colaboraciones

Alberte Álvarez Juan Romero José M. Aparicio Aitor Boada Beatriz López Alfonso Romero Saúl Olmo

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Alberte Álvarez Soy ingeniero forestal y trabajo en el desdichado mundo del I+D. Mi película favorita es Apocalypse Now y soy un groupie de Aki Kaurismäki, Truffaut, Wes Anderson, Yasujirō Ozu, Ken Loach, Sidney Lumet, Ingmar Bergman, Jarmusch o Haneke entre otros y otras muchas.

Juan Romero Me apasiona el cine y me gusta escribir, así que participar en un proyecto así era el paso natural. El poco tiempo que me queda libre después de ver películas y escribir sobre ellas lo dedico a hacer cortos.

José M. Aparicio Disfruto hablando de cine tanto como viéndolo. Me encanta escribir y gracias a este proyecto tengo la oportunidad de compartir mis opiniones y aprender con mis compañeros más de este maravilloso arte.

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Beatriz López Ingeniera en curso y artista frustrada. Me encanta el cine, dibujar y escuchar música. Obsesionada con los años 40, 50 y 60 es lógico que mi estilo sea Pin-up.

Enrique Remírez Habitante de una sociedad distópica, tengo la gran fortuna de poder recurrir al cine, los libros y los cómics para evadirme de la realidad.

Aitor Boada Me gusta embarcarme en nuevos proyectos y si además juntan mis dos aficiones, parece hasta obligado. La pasión por el cine me viene desde pequeño. Era de esos niños que creen -y sigo pensándolo- que viven en una película.

Editado en Madrid por Alberte Álvarez Gil Imágenes: Getty Images, Wikipedia Commons, cinearchive.org, Fickr.

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ISSN: 2444-1406