Contenido
pág. 4
pág. 8
pág. 6
pág. 22
3
EDITORIAL
4
ENSAYOS Directores en televisión
6 8 22 24 26 28 30 32 34 35 36 37
CRÍTICAS Tarde para la ira Los siete magníficos Juego de armas El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares Neruda Elle No respires The Beatles: Eight days a week - The touring years Los hombres libres de Jones Blood Father El principito Suburra
pág. 24 10
pág. 26
LISTA Debido al estreno de Tarde para la Ira y El hombre de las mil caras, repasamos alguna de las grandes obras del thriller español
pág. 34 pág. 16
38
EN CORTO Father and Daughter
Editorial
Editorial
E
ncadenamos otro mes consecutivo saliendo con nueva hornada de películas y nos reafirmamos en lo difícil que es llevar a cabo un proyecto sin ganar ni un duro, basándonos solo en nuestro amor por el cine y por escribir. Pero como parece ser que de eso tenemos bastante, aquí seguimos. Y no sólo éso, sino que ampliamos colaboradores que a partir del mes que viene podréis disfrutar en nuestras páginas. A través de nuestro Facebook y Twitter podréis ir descubriendo las novedades en primicia. Mientras tanto nosotros hemos asistido a un mes cargado de prensa rosa en cuanto a la actualidad cinematográfica -rupturas mediáticas, que tanto gustan- y a un Festival de San Sebastián con fortísima presencia asiática en su palmarés. El cine asiático se confirma ya, casi para todo el
Revista Erebus - Mayo 2016
mundo, como el territorio vanguardista del cine mundial. No sólo en la economía, sino que también en el cine están virando la balanza para crear un sistema binario (Estados Unidos-Asia). Pero afortunadamente, al menos en el cine, son dos mundos muy distintos, y el cine asiático (dentro del cual hay además muchísima diversidad) no calca las pautas impuestas por Hollywood. Quizá eso le hace quedarse entre una pequeña capa de los espectadores europeos y no llegar todavía al público amplio que merecen, pero la evolución es clara y cada vez más visible: el cine asiático que llega a las salas europeas tiene un estándar de calidad muy alto y cada vez reúne a más gente frente a las pantallas. ¡Que siga así! A
3
Directores en televisión
Directores en televisión Por Juan Romero
A
mazon Studios estrenó este mes pasado Crisis in six scenes, una serie creada y dirigida por Woody Allen, en lo que es un paso más en el trasvase que estamos viendo de manera reciente en directores de reconocido prestigio en el mundo del cine que se deciden a hacer televisión. En este caso se trata de una serie de seis episodios de menos de media hora de duración, todos ellos escritos y dirigidos por Woody Allen. La recepción de la serie no ha sido demasiado buena, señalando los críticos que el estilo de un Woody Allen menor no encaja bien con el ritmo de una serie de televisión. En cualquier caso, es un nuevo ejemplo de director que prueba suerte en el mundo de la pequeña pantalla. Un director además completamente improbable, como es Woody Allen. Hasta hace relativamente poco tiempo era raro encontrar a algún director medianamente importante de cine de Hollywood que se decidiera a trabajar en televisión, siquiera de manera puntual. Es cierto que varios directores que hicieron carrera en el cine comenzaron en la televisión, con ejemplos que pueden ir desde Steven Spielberg hasta Sidney Lumet. Pero eran muy pocos los directores de cine medianamente importantes que se decidieran a dirigir episodios de series de televisión. Y cuando lo hacían, normalmente era en series antológicas, en las que cada capítulo es una historia aislada. Con el ejemplo claro de Alfred Hitchcock presenta, para la que el propio director británico dirigió
4
varios capítulos. La reticencia de los grandes directores a trabajar en televisión se puede explicar por varios motivos. Desde cuestiones económicas, ya que se cobra bastante menos en televisión, y los presupuestos son mucho más ajustados, a cuestiones de control creativo, puesto que si en las películas son los directores los que están al mando de casi todo, en televisión ese peso suele recaer más en productores y guionistas. Y además, suele haber varios directores trabajando en cada temporada de una serie de televisión, lo que redunda en aún menos control creativo para unas personas que están acostumbradas a tener ese poder. Como decía, esta tendencia está cambiando en los últimos tiempos, en los que vemos directores que cruzan esa frontera de manera algo más habitual. Podemos distinguir tres maneras en las que los directores trabajan en la televisión, dependiendo del peso específico que dichos directores tengan en la serie en la que trabajan. Tenemos en primer lugar los directores invitados a capítulos aislados y concretos, como puede ser el capítulo de CSI dirigido por Tarantino, los de Breaking Bad que hizo Rian Johnson, o el caso de Neil Marshall, que ha trabajado en series como Juego de Tronos, Black Sails, Hannibal o la recién estrenada Westworld. En estos casos, los directores disponen de un solo capítulo para intentar imprimir su sello en series que ya tienen
Revista Erebus - Mayo 2016
Directores en televisión
un estilo y una personalidad propias. De manera más reciente está creciendo la tendencia a que los directores se involucren más en la creación del proyecto y estén presentes desde el comienzo de la serie. Que trabajen mano a mano con productores y guionistas (tomando incluso también alguno de esos roles ellos mismos) en la preproducción de la serie, y acaben dirigiendo por lo menos el primer capítulo, para poder dejar su sello personal de cómo quieren que sea la serie de ahí en el futuro. Los casos de Martin Scorsese con Boardwalk empire o Vinyl, David Fincher con House of Cards, Michael Mann con Luck, Neil Jordan con The Borgias, Gus Van Sant con Boss, o Guillermo del Toro con The Strain son ejemplos claros de directores que se involucran en la producción desde el comienzo de la serie. Todas las series además estrenadas en la década de los ’10. Y finalmente tenemos los directores que buscan el control creativo total, y acaban dirigiendo todos los episodios de la serie. Como son los casos muy recientes de Jane Campion con Top of the lake, Cary Fukunaga con la primera temporada de True Detective, o Steven Soderbergh con The Knick, el ya comentado de Woody Allen con su serie para Amazon, o el de David Lynch que vuelve a Twin Peaks esta vez con el encargo de dirigir todos los capítulos. Una situación prácticamente inédita en Hollywood hasta hace apenas un lustro, y que indica a las
Revista Erebus - Mayo 2016
claras el interés de los directores de cine en trabajar también en otros formatos, si se les da la oportunidad. Algo paradójico de esta situación, sin embargo, es que el hecho de que un director de reconocido prestigio pase a la televisión para dirigir todos los capítulos de una serie creada por él mismo ha sido mucho más habitual en la historia en el cine y televisión europeos. Así, tenemos que Bergman dirigió Escenas de matrimonio ya en los 70, Fassbinder y Kieslowski hicieron Berlin Alexanderplatz y Dekalog respectivamente en los 80, y hasta Lars Von Trier dirigió Riget en los 90. Quizás porque la diferencia presupuestaria en dichos casos no fuera tan abismal como la que había en Hollywood y porque las televisiones europeas han intentado respetar mucho más a sus grandes figuras patrias que las americanas, estos directores tuvieron más oportunidades de experimentar con otro tipo de formatos alejados de las constricciones del cine tradicional. En cualquier caso, la tendencia en Hollywood de directores afianzados en el cine de probar suerte en la industria de la televisión es clara. Cada vez son más los proyectos televisivos que se intentan sacar adelante con directores de reconocido prestigio a los mandos, y es una magnífica noticia para conseguir manteniendo el nivel que las series de televisión han conseguido en los tiempos más recientes. A
5
Tarde para la ira Tarde para la ira / España / 2016 Dir.: Raúl Arévalo Texto: Juan Romero
E
l actor Raúl Arévalo da el salto a la dirección con Tarde para la ira, que es un nuevo título que viene a confirmar la tendencia en el cine español de explotar el género del thriller, con unos resultados habitualmente notables. En esta ocasión, la película consiste en una historia de venganza protagonizada por Antonio de la Torre, que se ha convertido en un habitual
6
Rep.: Antonio de la Torre, Luis Callejo, Ruth Díaz, Manolo Solo, Alicia Rubio, Raúl Jiménez, Font García.
del género, y que vuelve a regalarnos una interpretación memorable. La película se desarrolla de manera lenta, dejando crecer la tensión muy poco a poco. La historia central de la venganza del protagonista se va relatando de manera muy paulatina, dejando solamente una serie de pistas, que poco a poco irán encajando. Así, casi toda la primera mitad
Revista Erebus - Mayo 2016
Tarde para la ira (Raúl Arévalo, 2016)
de la cinta da la sensación por momentos de estar más cerca del drama que del thriller. Casi da la impresión que la película va a caer simplemente hacia el lado de un triángulo amoroso protagonizado por una serie de personajes que ocultan algún secreto. Esa lentitud de la exposición de esta primera mitad se ve además acentuada en una división por capítulos totalmente gratuita, que no aporta nada a la trama. En cualquier caso todo ese primer acto, dedicado a presentarnos a los diferentes personajes de una manera tranquila y cuidada, contribuye de manera decisiva a involucrarnos emocionalmente con todos ellos. Vamos conociendo las circunstancias de cada uno de ellos, y los motivos que les han llevado a estar donde están. Y esa presentación de personajes se hace de una manera brillante, queriendo saber mucho más de todos ellos, aunque apenas nos van dando pinceladas que van encajando muy poco a poco. Cuando las piezas acaban de encajar y se termina de revelar la historia principal es cuando la película se entrega finalmente al lado del thriller. Un thriller en todo caso mucho más contenido de lo que suele ser habitual, centrándose mucho más en la construcción de una tensión creciente que en la ejecución violenta de grandilocuentes secuencias de acción, como suele ser más habitual en este tipo de películas. Las explosiones de violencia suelen venir de una manera directa y brutal, estallando toda la tensión construida previamente. Una decisión que acaba emparentándola seguramente mucho más con una película como la reciente Blue Ruin, de Jeremy Saulnier, con la que comparte tanto un protagonista aparentemente normal en una misión de fría y calculada venganza muchos años después, como un ritmo mucho más pausado de lo habitual, buscando en todo momento mucho más el desasosiego en el espectador que la adrenalina de ver cumplida finalmente la venganza. Todo el proceso de venganza reflejado no como algo catártico, sino como algo que te va destruyendo por dentro, y que finalmente, se cumpla o no, cambiará totalmente al protagonista. En Tarde para la ira nos encontramos por tanto con un panorama desolador. Prácticamente todos los personajes que pueblan la película están
Revista Erebus - Mayo 2016
comprometidos moralmente. Es casi imposible encontrar a alguien que pudiera ser el bueno de la película. Y, en consecuencia, el ambiente es absolutamente depresivo. Todo lo que sucede es dramático y no hay apenas concesiones para la redención de ninguno de los personajes. Aquí se vuelve a poner de manifiesto la importancia del primer acto de la película, porque sin ese acercamiento cariñoso a los personajes del “El proceso de venganza principio sería muy reflejado no como algo difícil empatizar con catártico, sino como una serie de personajes mucho más oscu- algo que va destruyendo ros de lo que suele ser por dentro a todos los habitual.
personajes de la película.”
Sin duda es el buen hacer del debutante Raúl Arévalo, que es capaz de aplicar todo lo mejor que ha aprendido de los diferentes directores para los que ha trabajado como actor durante su carrera, para conseguir que el relato que cuente atrape al espectador totalmente y no le deje escapar, sobre todo una vez que empieza a cumplirse la venganza. La manera de contar los hechos no da apenas concesiones al espectador, que asiste atónito y con el corazón en un puño a lo que está viendo en la pantalla. Unas sensaciones, además, que acompañarán al espectador mucho después de terminar la película. A esas sensaciones contribuye también de manera decisiva la interpretación de los dos protagonistas de la película. Un Antonio de la Torre que ya nos ha malacostumbrado a esperarnos lo mejor de él, junto a un Luis Callejo que le da una réplica a la altura, y que consiguen una química entre ellos realmente notable. Sin olvidarnos del buen hacer de los secundarios, entre los que brilla un Manolo Solo que tiene un personaje realmente memorable. Estamos por tanto ante una película magnífica. Un brutal relato de venganza contado sin concesiones y con mano firme por un debutante Raúl Arévalo que se convierte por méritos propios en uno de los directores más interesantes a seguir en los próximos años. A
7
Los siete magníficos The Magnificent Seven / USA / 2016 Dir.: Antoine Fuqua Texto: Saúl Olmo
M
ientras que las series viven su particular época dorada, alcanzando cotas de calidad nunca vistas hasta ahora en la pequeña pantalla, parece que el cine corre la suerte contraria, atrapado en un círculo vicioso de secuelas, reboots y remakes que buscan dinero fácil apelando a la nostalgia. Los resultados suelen ser, por lo general, películas poco originales, de calidad mediocre y, sobre todo, innecesarias.
8
Rep.: Denzel Washington, Chris Pratt, Ethan Hawke, Vincent D'Onofrio, Byung-hun Lee, Manuel García-Rulfo, Peter Sarsgaard, Haley Bennett. Para intentar escapar de este último calificativo, el irregular Antoine Fuqua (Training Day, The equalizer), y los guionistas John Lee Hancock y Nic Pizzolatto actualizan los elementos necesarios de la película original para crear un concepto más cercano para los espectadores de hoy día. El primer, y significativo, cambio lo encontramos en el villano. Mientras que en el western
Revista Erebus - Mayo 2016
Los siete magníficos (The magnificent seven, Antoine Fuqua, 2016)
original de John Sturges (que a su vez ya era un remake de Los 7 samurais de Kurosawa) era el líder de una banda de forajidos, en esta ocasión nos encontramos con el hombre de negocios corrupto, una figura de rabiosa actualidad (por desgracia) interpretada por Peter Sarsgaard. También cambia la ubicación de la acción. Pasamos del pequeño pueblo agrícola en México al pueblo americano de Rose Creek, donde se establece una muy poco sutil metáfora sobre el capitalismo salvaje a través de la mina de oro que allí se encuentra. El grupo protagonista también sufre cambios, adaptándose a la moda de los grupos con variedad racial y reforzando la estética individual de cada uno, así como sus habilidades, creando un variopinto grupo con cierto aire a grupo superheróico. Destacan en él actores consagrados como Denzel Washington, Vincent D´Onofrio e Ethan Hawke quienes, como sus compañeros de reparto, se encuentran cómodos en sus papeles, especialmente Chris Pratt, quien se está encasillando en el papel de joven intrépido y bromista. La mejor interpretación de la película es la de Haley Bennett, quien consigue eclipsar a sus compañeros masculinos, interpretando a una valerosa viuda, adalid del empoderamiento femenino. Sin embargo, la sensación es la de que Fuqua malgasta mucho del talento que tiene entre manos. El conjunto no está falto de carisma, pero todo su trasfondo tira de clichés continuamente, impidiendo que los actores puedan sacar a relucir todo su talento con personajes a su altura.
oprimido por un villano busca la ayuda de siete intrépidos aventureros para que los ayuden a defenderse. La primera mitad de la película, relacionada con el reclutamiento del grupo, está narrada de forma apresurada, y la unión de algunos de los miembros del grupo resulta repentina, para llevarnos rápido a Rose Creek, al meollo de la cuestión, donde se tiene lugar la segunda parte de la película, con “Fuqua malgasta un desarrollo mucho más cuidado. Ya en la mucho del talento que presentación individual tiene entre mano. El de cada personaje Fuqua deja claro por donde conjunto no está falta van a ir los tiros, pero de carima, pero su es en la llegada al puetrasfondo tira de cliblo cuando comienza a desatar todo su poten- chés continuamente.” cial manejando la tensión con buen pulso, a través de primeros planos con sabor a western añejo, y con acción contundente y rápida, pero bien planificada y ejecutada. La guinda del pastel es el enfrentamiento con el ejército enemigo, donde el buen hacer de Fuqua gracias a la banda sonora de James Horner, hasta ese momento más bien discreta, hace que la batalla roce lo épico. Esta nueva versión de Los 7 magníficos resulta entretenida y cuenta con una gran factura técnica, pero resulta hueca y poco trascendente. Era necesaria? No, pero si a través de ella algún espectador llega a Kurosawa, habrá merecido la pena.A
La historia es, básicamente, la misma. Un pueblo
Revista Erebus - Mayo 2016
9
Thrillers españoles
E
n los últimos estamos asistiendo a una auténtica época dorada de los thrillers españoles, con muchas películas diferentes, y de una calidad realmente notable. Este mes sin irnos más lejos tenemos dos grandes ejemplos en Tarde para la ira y en El hombre de las mil caras. Sin embargo, el thriller español goza de muy buena salud desde hace ya muchos años. Así que es justo en este repaso acordarnos de algunos grandes thrillers españoles de diferentes épocas.
Revista Erebus - Mayo 2016
11
Thrillers españoles
El cebo Por Juan Romero
U
no de los primeros grandes thrillers del cine español es en realidad una producción en alemán rodada en Suiza por un director húngaro. En todo caso, Ladislao Vajda desarrolló gran parte de su carrera como director en España, siendo conocido fundamentalmente por sus películas junto a Pablito Calvo. Y cuando rodó El Cebo contó con una importante parte de financiación española, pese a realizarla en Suiza con actores alemanes. La película se centra en una serie de asesinatos de niñas pequeñas cometidos en unos pequeños pueblecitos cercanos entre sí, y un veterano inspector de policía que intenta desentrañar lo sucedido y encontrar al culpable. A pesar de que la policía detiene a un sospechoso y que él va a dejar la policía para empezar un trabajo en otro lugar, no puede dejar de pensar en que la investigación no ha sido del todo precisa, y que el verdadero culpable de los hechos puede seguir en libertad y volver a atacar. Así, decide investigar el caso por su cuenta, e intentar atrapar al
12
asesino cuando vuelva a actuar. El punto de partida recuerda de manera inevitable a la inolvidable M de Fritz Lang. Y hay ciertos parecidos incluso entre los asesinos de ambas películas, a los que tanto Peter Lorre en M como Gert Fröbe aquí consiguen hacer que despierten el más absoluto terror a través de una personalidad aparentemente infantil e inocente. Pero las similitudes acaban ahí, porque la historia que pretenden contar es totalmente diferente en ambos casos. La primera mitad de El Cebo transcurre por los lugares comunes de la investigación policial del caso. Recolección y análisis de las pistas, reconstrucciones de los hechos, entrevistas con sospechosos y demás. Es en la segunda mitad donde la película crece hasta convertirse en otra cosa mucho más interesante, en un verdadero hito en el thriller. La investigación minuciosa del caso que lleva a cabo el inspector retirado y las técnicas que aplica para intentar atrapar al criminal
Revista Erebus - Mayo 2016
Thrillers españoles
son verdaderamente notables. Una serie de elementos que, por cierto, el propio título en español de la película te estropea, cuando podrían haber mantenido el original alemán de Sucedió a plena luz del día, en una tradición de maltraducir los títulos de las películas que parece que viene de lejos.
un extraordinario pulso narrativo de Vajda, y unas magníficas interpretaciones sobre todo de Heinz Rühmann y Gert Fröbe hacen de esta película algo imprescindible si se quiere entender el thriller en el cine. A
En cualquier caso, en esa segunda mitad de la película es cuando se desarrolla todo el potencial de la misma. La minuciosa investigación del protagonista de la película, el incremento de la tensión de manera constante y paulatina y, sobre todo, la aparición del villano de la función hacen que este último tramo de la película sea completamente inolvidable y te atrape para siempre. Y para conseguir que la película te atrape tenemos todos los elementos necesarios trabajando a pleno funcionamiento. Un extraordinario guion de Friedrich Dürrenmatt, aunque con un final mucho más amable que el de su propia novela,
Revista Erebus - Mayo 2016
13
Thrillers españoles
Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto Por Juan Romero
E
l arranque de Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto es inolvidable. Un intercambio entre mafiosos, con la policía por medio, sale mal y hay un tiroteo en el que varios mueren, mientras otros consiguen huir. Entre los que consiguen huir está Gloria, el personaje de Victoria Abril, una prostituta que consigue escapar con información de dónde tienen escondidos los mafiosos parte del dinero, por todo el mundo. Agustín Díaz Yanes debutaba en la dirección en esta película, y conseguía desde ese mismo momento atrapar al espectador con una secuencia absolutamente poderosa. Si bien algo engañosa en cuanto a lo que sería el resto de la película. Porque gran parte del resto de la película se centra en el drama familiar de la protagonista. Gloria es deportada a España, donde se reencuentra con parte de su familia, e intenta rehacer su vida, pese a diversos problemas en su relación con ellos, problemas con el alcohol, y
14
dificultades para conseguir encontrar algún trabajo. Y sin embargo Díaz Yanes, apoyado en su propio y sólido guion (no en vano había escrito ya varias películas antes de dar el salto a la dirección), y en la monumental interpretación de Victoria Abril, consigue que la película, lejos de resentirse por el cambio de tono, vaya ganando en profundidad, emoción y complejidad. Los elementos del thriller no desaparecen del todo en ningún momento, ya que en la lucha de Gloria por adaptarse a su nueva vida también entra en escena la información que ha obtenido de los mafiosos, e intenta conseguir robarles parte del dinero que ocultan en una tienda cerca de donde vive. Son secuencias que van además ganando poco a poco en intensidad, desde un primer intento de entrar en la tienda a través de un butrón en el techo, que recuerda en parte, a pesar de ser muy diferente, a la monumental secuencia del robo en Rififi, hasta algún intento de atraco mucho más directo y violento.
Revista Erebus - Mayo 2016
Thrillers españoles
Terminando en un clímax absolutamente brutal cuando un par de lo mafiosos del inicio de la película, con Federico Luppi a los mandos, encuentran a la protagonista e intentan deshacerse de ella y recuperar la información que posee.
que en el fondo es sobre quien recae el peso de tener que dar vida a las dos facetas tan diferentes de la misma mujer. Aquí Victoria Abril consigue un personaje inolvidable en la que es una de las mejores interpretaciones de su larga y exitosa carrera.
Como decía, uno de los mayores aciertos de Díaz Yanes es conseguir que cohabiten en la misma película del drama y el thriller, y que ambas vertientes de la película estén rodadas con una maestría envidiable. Lo que hace que puedas asumir tanto el drama realista de la protagonista de la película, como las secuencias de más acción y más violenta, y que ambas partes encajen y se retroalimenten sin chirriar lo más mínimo. Esto parece fácil, pero sin embargo es extraordinariamente complicado de conseguir, y hemos visto no pocas películas que acaban perdiendo el interés en uno de los tramos en favor del otro.
Hay algún punto que no termina de encajar del todo bien con el resto de la película. A mi entender, la subtrama del personaje de Federico Luppi y sus dudas está tratada de manera demasiado superficial y ligera, y no llega a tener el peso emocional que debería. Pero son solamente detalles que no empañan lo que es una de las mejores películas españolas de los años noventa.
Y el otro gran punto destacable de la película es la sensacional interpretación de Victoria Abril,
Revista Erebus - Mayo 2016
Es una lástima que Díaz Yanes no haya conseguido mantener el nivel que demostró en esta película a lo largo de su irregular y escasa carrera. Esperemos que con su próxima Oro pueda volver a estar a la altura de su magnífica ópera prima. A
15
Thrillers españoles
La noche de los girasoles Por Juan Romero
L
a narración fragmentada de La noche de los girasoles es seguramente uno de los elementos que más saltan a la vista cuando uno la ve por primera vez. Vamos viendo los hechos que se van produciendo desde diferentes puntos de vista, siguiendo a varios personajes, pasando de tener una visión parcial y fragmentada a tener una imagen más global de lo que sucede por la superposición de todas ellas. Gran parte de las películas que intentan tirar de este recurso lo hacen de manera torpe, abandonándolo en un momento dado, repitiendo situaciones sin demasiado sentido, o con una artificiosidad que no aporta nada al conjunto. En el caso de La noche de los girasoles sin embargo está perfectamente justificado, por la visión parcial de lo que sucede que tiene cada uno de los protagonistas (que es lo que desencadena en realidad gran parte de los acontecimientos). Y funciona de una manera perfecta para ir acrecentando la tensión de lo que sucede, y los diferentes giros de la trama.
16
La historia gira en torno a unos espeleólogos que van a un pueblo a investigar una cueva que se acaba de descubrir. Pero allí se ven envueltos casi sin querer en una situación complicada, por culpa de un depredador sexual que hay allí suelto y que se encontrará con ellos. En realidad, cuanto menos se cuente de la trama mucho mejor, porque es una gozada ir disfrutando de todos y cada uno de los giros que se van produciendo. Giros que acaban llevando la película a lugares hasta cierto punto inesperados, pero que siempre tienen sentido dentro de la trama. Un elemento importante de la película es que la narración fragmentada contribuye a poder ir dibujando con calma las personalidades de los diferentes protagonistas, sin estar atado a tener que seguir una trama encorsetada, sino que hay tiempo para detener por un instante las situaciones más intensas y recrearnos en la presentación
Revista Erebus - Mayo 2016
Thrillers españoles
de los múltiples personajes que pueblan la trama, y que todos ellos tienen su momento para poder brillar y desarrollarse. Pero lo que realmente destaca de la película es la manera de contar la situación que acaba siendo el foco de la película. Es simplemente por una serie de casualidades, mala suerte y malas decisiones por lo que los protagonistas se ven envueltos en el meollo de este thriller. Son elementos que suelen ser utilizados por ejemplo en los thrillers de los hermanos Coen, en los que los protagonistas acaban encontrándose con los problemas casi por azar, y por tomar malas decisiones en los momentos clave. Pero aquí estamos ante una película típicamente española, de pueblo, y esas situaciones están resueltas con mucho más realismo que en las de los hermanos Coen, pero sin evitar la crudeza de la violencia que estalla por momentos.
que destaca por méritos propios sobre otras del género. Es una lástima que el director, Jorge Sánchez-Cabezudo no haya vuelto a dirigir nada para cine, habiendo dirigido su carrera a la televisión. Y aunque todos agradecemos profundamente su extraordinario trabajo como director y escritor de una de las mejores series epañolas de todos los tiempos como es Crematorio, le echamos de menos en la gran pantalla y esperamos con ansias que le den la oportunidad de regalarnos alguna otra maravilla como esta La noche de los girasoles. A
En todo caso, estamos ante una brillante película,
Revista Erebus - Mayo 2016
17
Thrillers españoles
No habrá paz para los malvados Por Alberte Álvarez
N
o habrá paz para los malvados es quizá una de esas películas que dio pistoletazo de salida a la edad de oro del género thriller y/o policíaco del cine español. Y dónde ya se ve que las influencias del cine estadounidense de mayor calidad están muy presentes, en concreto David Fincher sobrevuela constantemente estos filmes. Aunque en la película de Urbizu todavía no es muy patente al agregársele una pátina de sordidez más turbia que elegante, como hace Fincher. Tengo que decir que tenía miedo antes de ver la película. Tenía miedo de que me encontrara una película de simple venganza extrapolicial donde el policía queda justificado delante de la audiencia por la maldad de los criminales. Pero afortunadamente, de manera bastante rápida, Santos Trinidad (un gran Coronado) se aleja del
18
héroe vengativo parafascista para convertirse en un personaje más complejo, envuelto en un enredo que no podía esperarse. Y es que después de una introducción que nos muestra en qué punto se encuentra nuestro “héroe” (un borracho echado a perder) nos encontramos que no duda en apretar el gatillo a sangre fría a la mínima de cambio. Ante el crimen en el prostíbulo que comete, no tiene más remedio que huir hacia adelante, encontrándose con una trama mucho más compleja que no atañe solo al tráfico de drogas, sino que se entremezcla con el yihadismo. Sin embargo, la trama paralela, y en general todos los secundarios, echan por tierra el gran trabajo y la tensión de la trama principal. La trama de la investigación policial, nos deja momentos muy
Revista Erebus - Mayo 2016
Thrillers españoles
poco inspirados, en parte por unas actuaciones que no están a la altura (la inspectora de policía, Rachid o el compañero de Santos en la comisaría), pero también por la ineficacia a la hora de darles la profundidad necesaria y entremezclarla de mejor manera con la trama que envuelve a Santos Trinidad. Sin embargo, en cuanto a los secundarios, la siempre notable presencia de Miguel de Lira se nos hace muy corta, ya que su personaje pedía más minutos. Este aspecto hace decaer el ritmo en partes de la película, aunque se agarra a las partes de nuestro antihéroe para mantenernos dentro del film. Y si nos quedamos, nos veremos recompensados con un gran clímax, que alivia toda la tensión a base de sacudidas y que redondea la película, acabando en alto.
Revista Erebus - Mayo 2016
En No habrá paz para los malvados, Urbizu pone las bases de lo que será el nuevo noir español que luego explotaría gente como Alberto Rodríguez (ahora mismo con El hombre de las mil caras, antes con La isla mínima), Kike Maíllo (Toro) o Daniel Monzón (Celda 211, El niño), Manuel Martín Cuenca con la interesante Caníbal o Raúl Arévalo con su notable opera prima Tarde para la ira. Aunque esta no sea la mejor película de todas ellas, sí que abrió una senda que afortunadamente está llegando a buen puerto. Ya sólo por ello hay que felicitarse por esta obra, que aún teniendo un ritmo algo irregular se mantiene gracias a una potente interpretación de su actor principal y una trama principal bastante directa y que engancha. Lástima que las subtramas no estén a la altura. A
19
Estos once años que llevo trabajando como actor he tenido la suerte de estar con grandes directores y técnicos de la cinematografía española a los que he 'vampirizado' completamente para aprender de ellos y sacarles todo. • RAÚL ARÉVALO
Juego de armas War dogs / USA / 2016 Dir.: Todd Phillips
Rep.: Miles Teller, Jonah Hill, Ana de Armas, Bradley Cooper, Jeff Pierre, Shaun Toub.
Texto: Juan Romero
E
n el despacho que tienen los protagonistas de la película sobresale un inmenso cuadro de Al Pacino liándose a tiros en el clímax de El precio del Poder (Scarface). No solo eso, sino que los protagonistas repiten en varias ocasiones la frase “El mundo es tuyo” e incluso comentan la propia película en uno de los momentos más importantes de la trama. Es un elemento que habla a las claras de las motivaciones de los protagonistas, que son los típicos
22
jóvenes que se meten en el mundo de las armas en parte fascinados por las películas ochenteras de mafiosos. Pero también refleja una influencia brutal que se ve en la propia Juego de Armas de todo ese tipo de películas. Esa influencia de las películas de mafiosos, en este caso, se observa de manera mucho más clara si recordamos las películas de mafia dirigidas por Martin Scorsese y no tanto la obra cumbre
Revista Erebus - Mayo 2016
Juego de armas (War dogs, Todd Phillips, 2016)
de Brian De Palma. Desde que lo popularizó en Uno de los nuestros o Casino, hay muchos directores que han intentado imitar algunos de los elementos esenciales de esas películas, fundamentalmente el uso de la voz en off, y el ritmo que intenta imprimirle a la acción. Sin embargo, casi todos los que lo intentan no tienen el talento del director neoyorquino y ese estilo se acaba revelando como algo totalmente artificial y prescindible. En este caso ocurre exactamente eso. La voz en off es totalmente superflua, o incluso molesta en algunas ocasiones. Tampoco consigue aplicar un ritmo en el que la trama se desarrolle de manera fluida y los elementos de humor no terminan de encajar del todo bien. Esto, unido a la división en una serie de actos totalmente arbitrarios, que comienzan siempre con un cartel con una frase que pronunciará uno de los protagonistas en dicho acto, y que solamente sirven para intentar ir contándote antes de tiempo lo que va a ocurrir en la trama, hace que la película no fluya como debería. Cuando la narración se aleja de esos elementos la película crece notablemente. Hay una serie de secuencias que acaban siendo realmente interesantes, destacando sobre todo la aventura de los protagonistas en suelo iraquí, contada de una manera mucho más interesante, y toda la peripecia de los protagonistas en Albania, que es lo más poderoso de toda la película a nivel argumental. Estos momentos, sin embargo, no son lo suficientemente frecuentes y hacen que sea aún más frustrante cuando el director vuelve a refugiarse en unos elementos estilísticos a los que no sabe sacar partido y la película vuelve a estancarse. Bajo ese estilo del que no sabe sacar partido aparece un guion excesivamente irregular. A pesar de que te están contando una historia realmente
Revista Erebus - Mayo 2016
curiosa y particular, durante la mayor parte del tiempo te da la sensación de estar viendo algo ya visto mil veces antes. Toda la primera mitad, contando el ascenso de la empresa de los protagonistas se hace demasiado rutinaria, y la subtrama familiar del personaje que interpreta Miles Teller, junto a la cada vez más utilizada en Hollywood Ana de Armas es totalmente prescindible. Solamente cuando entramos en los entresijos de los personajes fuera de su esfera “Cuando la narración de confort, cuando via- se aleja de elementos jan a Iraq o a Albania es comunes la película cuando la historia cobra un interés que, sobre el crece notablemente, papel, debería mantener destacando las avendurante todo el metraje.
tura de los protagonis-
Y no solo es el guion y el estilo lo que está total- tas en Iraq y Albania.” mente desaprovechado, sino que los actores también dan la sensación de estar trabajando con el piloto automático. Tanto Jonah Hill como Miles Teller están muy por debajo del nivel que han demostrado sobradamente. Además, en una película de estas características, la química entre la pareja protagonista es un elemento fundamental para mantener el interés, y aquí solamente aparece en momentos muy puntuales. En cualquier caso, y a pesar de esa sensación de estar viendo algo demasiado convencional, la película consigue el objetivo de entretener. Y deja algunos momentos bastante interesantes. Está claro que no puede olvidarse la sensación de oportunidad perdida, pero aún así consigue acabar siendo una película que devuelve el precio de la entrada. A
23
El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares Miss Peregrine's Home for peculiar children / USA / 2016 Dir.: Tim Burton Texto: Saúl Olmo
P
ocas presentaciones necesita el gran Tim Burton. Todos conocemos a ese narrador de grandes fantasías. Fantasías oscuras, cargadas de elementos góticos que consiguen tocarnos el corazón, protagonizadas por inadaptados cargados de carisma. Todos conocemos al gran Tim Burton pero hace tiempo que algo no funciona. Sabemos que sigue haciendo cine, pero desde aquel fatídico y simiesco 2001 la maestría del gran Tim se deja ver de forma
24
Rep.: Asa Butterfield, Eva Green, Samuel L. Jackson, Terence Stamp, Judi Dench, Ella Purnell, Allison Janney, Rupert Everett. cada vez más intermitente, mientras pierde paulatinamente su personalidad como director, convirtiéndose en uno más. Hasta llegar al punto no generar las expectativas que pudieran esperarse del director de obras del calibre de Eduardo Manostijeras, Big Fish y La novia cadáver, entre otras. En esta ocasión adapta el best-seller del escritor Ransom Riggs, un libro con una mitología muy cercana a sus mejores relatos.
Revista Erebus - Mayo 2016
El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares (Miss Peregrine's home for peculiar children, Tim Burton, 2016)
La película narra la historia de Jacob Portman, un joven que, tras la muerte de su abuelo, realiza un viaje a la costa de Gales para comprobar si las fantásticas historias que este le contaba sobre el orfanato de la misteriosa Miss Peregrine son ciertas. Burton vuelve a jugar con la dualidad realidad/fantasía pero no consigue que convivan en el relato de forma orgánica, como en las mencionadas Big Fish o Eduardo Manostijeras, asemejando el resultado a la insulsa Alicia en el País de las Maravillas. A pesar de que al comenzar la película se echa de menos ese halo fantástico que impregna las consagradas historias del director la película consigue enganchar al espectador planteando y resolviendo poco a poco los misterios que rodean a Miss Peregrine y sus niños peculiares, aunque al actor protagonista, Asa Butterfield, le queda grande el papel principal, hasta verse flanqueado por unas inspiradas Eva Green y Ella Purnell, que acaban llevando la voz cantante el resto de la película. Una vez mostrada la faceta fantástica, la película se vuelve más interesante al mostrarse como una divertida amalgama de elementos tan dispares como Mary Poppins, X-Men o Atrapado en el tiempo, dando lugar a una interesante mitología, recreada con mimo y artesanía por el equipo de Burton, que utiliza el stop motion en lugar del cgi en la medida de lo posible, dando lugar verdaderos momentos de brillantez donde el director vuelve a entrar en contacto con su esencia primordial, aunque solo sea en breves
Revista Erebus - Mayo 2016
destellos, como la pelea de las marionetas o la escena del ático. Sin embargo, una vez entran en acción el villano y sus aliados, comienza un declive hacia lugares comunes del género fantásticos y todo lo artesanal se vuelve “El uso de stop motion artificial, tanto visual como narrativamente. en lugar de CGI da Samuel L. Jackson no lugar a momentos de consigue infundir al brillantez, aunque olo villano la presencia y oscuridad necesario sea en breves destellos, para ser considerado como la pelea de una amenaza, quedando reducido a una marionetas o la escena mera caricatura. Las del ático.” secuencias de acción son predecibles. A los efectos especiales les falta espectacularidad y no lucen al nivel de lo visto hasta ese momento. Al final la dirección de Burton acaba por perder todo atisbo de personalidad, a pesar de su buen hacer.
El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares es una obra irregular dirigida por un hombre que parece estancado creativamente y que, salvando breves momentos, no recupera el sello autoral que sus fans añoran. A pesar de todo entretiene, porque Burton no se ha olvidado de cómo hacer películas, solo se ha olvidado de donde tenemos el corazón. A
25
Neruda Neruda / Chile / 2016 Dir.: Pablo Larraín Texto: Alberte Álvarez
N
eruda no es una biografía, y a la vez lo es. No es una poesía, pero a la vez se inspira en ellas.
Lo que está claro es que a pesar de basarse en hechos reales, la película es una ficción, un cuento, un sueño. Es en parte onírica, poética. Y en parte detectivesca, cine negro clásico, de policías persiguiendo delincuentes. En este caso Neruda es el delincuente: culpable de ser
26
Rep.: Luis Gnecco, Gael García Bernal, Mercedes Morán, Alfredo Castro, Pablo Derqui, Marcelo Alonso, Alejandro Goic. comunista. Y eso es lo que es verdad en toda esta obra, que el senador Neruda fue acusado de traidor a la patria y de comunista, cosa que era, al igual que todos los comunistas chilenos fueron perseguidos. Neruda era el símbolo de todos ellos. Y aquí viene uno de los dilemas: cómo es más útil Neruda, preso, como símbolo de martirio; o escapado, como símbolo de resistencia.
Revista Erebus - Mayo 2016
Neruda (Pablo Larraín, 2016)
Neruda y el partido comunista clandestino se deciden por la última opción y un Neruda confiado e incluso temerario pondrá en jaque a todo el régimen chileno en su búsqueda. Aquí entra en juego el policía Peluchonneau, un García Bernal que carga con mucho peso en la película. Y este papel es el que le da el juego onírico, surreal, a la película de Pablo Larraín. Y es que su personaje, más allá de acometer el hecho histórico de perseguir a Neruda por Chile, también es un personaje como creado por el propio Neruda. Parece que es un invento de él mismo para darle epicidad a su escapada. Hay una conversación muy reveladora de este policía con la mujer de Neruda a este respecto. Pero más allá de García Bernal y su personaje (y su voz en off, demasiado presente en mi opinión), hay que rendir pleitesía a la actuación de Luís Gnecco como Neruda. Yo había escuchado a Neruda recitar sus poemas, por ejemplo uno de mis preferidos “Canto de amor a Stalingrado”. Y ya al principio de la película vemos al Neruda vividor, casi diríamos que burgués, recitando sus “Podría escribir los versos más tristes esta noche...”. Cuando lo escuché casi me vuelca el corazón al comprobar el nivel de mimetización que había conseguido el actor con Neruda. Es una copia. Es un tremendo trabajo actoral que hay que celebrar. Sin embargo, hay elementos de la película que hacen que sea sencillo salir de ella. En concreto la voz en off de Peluchonneau, los planos en ocasiones demasiado preciosistas y contemplativos
Revista Erebus - Mayo 2016
o los continuos reflejos de los rayos de sol en la lente de la cámara. Además, sé que no es lo que pretende Larraín en esta obra (Neruda es un personaje difícil de abarcar, y en realidad el director chileno lo hace desde una perspectiva bastante original), pero echo de menos cierta historicidad, más “El uso de los sonidos, contexto, más consesilencios y oscuridad cuencias, más hechos reales. Y no solo en para construir tensión Neruda, sino también es magnífico, y nos en su entorno.
acaba dando los
Aún así, lo dicho, Neruda es un ejercicio mejores momentos de la interesante, contempelícula.” plativo a veces, con toques de humor, de poesía (cómo no), detectivesco y muchas cosas más. Es como si Neruda hubiera escrito su propia huida a su gusto, y sobre ella se haya escrito el guion. En realidad, Neruda, durante su escapada, escribió Canto general. “Pido castigo, / no los quiero de embajadores, / tampoco en sus casas tranquilos, / los quiero ver juzgados, / en esta plaza, / en este sitio / quiero castigo.” Pablo Larraín desborda imaginación, aunque en ocasiones la película se pase de revoluciones sobre ella misma. De todas formas estamos pendientes del siguiente biopic del director chileno, Jackie, que ha recibido innumerables buenas críticas. A
27
Al ser de gran formato, el cine nunca va a ser igual que la televisión porque hay algo que se produce al mirar a algo muy grande que lo hace más inquietante e hipnótico. Esos silencios y esos tiempos del cine no son posibles en televisión. Si los haces, te cambian de inmediato. ¿Habéis visto la película de Hou Hsiao-Hsien?¿o las de Miguel Gomes o Albert Serra? Intenten un programa de televisión con eso a ver como queda. Hay cosas que solo pueden estar en el cine y es maravilloso que así sea. • PABLO LARRAÍN
Elle Elle / France / 2016 Dir.: Paul Verhoeven
Rep.: Isabelle Huppert, Laurent Lafitte, Anne Consigny, Charles Berling, Virginie Efira.
Texto: Juan Romero
L
a nueva película de Paul Verhoeven, una década después de su éxito de crítica a su vuelta a Europa con El libro negro, ha tenido de nuevo una magnífica acogida, y significa un nuevo paso en la vuelta a la cumbre cinematográfica del notable director holandés, que es más conocido por la década y media que se tiró en Hollywood disfrutando con películas de ciencia ficción y thrillers eróticos que por su carrera europea, mucho mejor ponderada
30
críticamente. Elle comienza de forma brutal y salvaje, con una agresión y violación a la protagonista de la película, Isabelle Huppert por parte de un asaltante enmascarado. La reacción de la protagonista es sin embargo la de no darle la más mínima importancia al hecho, y seguir con su vida, lo cual genera dudas en el espectador si el encuentro ha podido ser conentido o no. A partir de
Revista Erebus - Mayo 2016
Elle (Paul Verhoeven, 2016)
ese instante, la película va contándonos la vida de la protagonista, la relación que tiene con el resto de personas de su familia, sus encuentros y parafilias sexuales, y su trabajo. A la vez que nos van enseñando poco a poco ciertas situaciones de su vida pasada que han podido afectar definitivamente a su propia personalidad. Es imposible, desde la primera escena de la película, no tener en la cabeza a Michael Haneke. Verhoeven asume un estilo y unos argumentos muy próximos a los del director austriaco, centrado en el sexo, en cierto arrebatos de violencia, y en una tensión creciente entre los personaje en un mundo ligeramente extraño. Esa similitud se nota desde esa primera escena, en la que ver a Isabelle Hupert forzada sexualmente nos recuerda inevitablemente a La Pianista. Pero se irá repitiendo a lo largo de la película, hasta tener la sensación de estar viendo por momentos una película de Michael Haneke. Porque Verhoeven es muy bueno, y se desenvuelve con maestría en ese estilo tan característico. Seguramente en ciertos momentos de la película da algunos tumbos, sin tener muy claro lo que quiere contar. Y ciertas secuencias o personajes parecen totalmente superfluas o directamente sacadas de otra película. Quizás en esos elementos es donde a Verhoeven le falta un punto para igualar el virtuosismo de Haneke, que hace que todas las secuencias que ven, por muy dispares que sean, tengan la sensación de pertenecer a la
Revista Erebus - Mayo 2016
misma película, que formen parte de un todo, mientras que aquí hay algunos elementos que chirrían. En cualquier caso, la película es una gozada para dejarse llevar. Para intentar entrar en el estado mental de la prota“Es imposible no tener gonista, que le lleva a hacer lo que hace y en la cabeza a Michael a ser como es. Es fasHaneke. Verhoeven cinante cuando comasume un estilo y prendes, aunque sea solamente de forma unos argumentos muy parcial, los motivos próximos a los del de la protagonista. Lo cual es un mérito director austriaco.” enorme de una Isabelle Huppert que vuelve a estar impecable una vez más. Y es una magnífica noticia tener de nuevo al mejor Verhoeven haciendo películas. En muchas ocasiones, cuando un director intenta imitar aunque sea en parte el estilo de otro, suele notarse desde el primer momento que estamos ante una copia de inferior calidad. Eso no sucede para nada en esta película, fundamentalmente por el enorme y no siempre bien ponderado talento de Paul Verhoeven. A
31
No respires Don't Breathe / USA / 2016 Dir.: Fede Álvarez
Rep.: Jane Levy, Dylan Minnette, Stephen Lang, Daniel Zovatto.
Texto: Juan Romero
A
primera vista, No respires parece una película de terror absolutamente convencional. Tenemos a tres chavales que se dedican a robar en casas, debido a que el padre de uno de ellos trabaja en una empresa de seguridad. Un día decidirán entrar a robar en la casa de un exmilitar bastante zumbado. Y con esos elementos se puede deducir perfectamente casi todo lo que va a suceder en la película. Sabes que se va a liar pardísima dentro de la casa, y
32
hasta sabes casi con seguridad quién va a ser el primero en morir. Pero hay un elemento extra, y ese elemento es lo que hace que la película se eleve de entre la multitud de películas que existen con una premisa similar. El hombre al que van a robar es ciego. Este elemento, que en principio solamente aportaría algo a la trama de manera tangencial, en lo relativo a cómo se vaya a desarrollar el
Revista Erebus - Mayo 2016
No respires (Don't Breathe, Fede Álvarez, 2016)
juego del ratón y el gato que resulta inevitable, es utilizado por el director Fede Álvarez a nivel técnico de una manera ejemplar. El uso de los sonidos y silencios por un lado y de la oscuridad por otro para construir tensión es magnífico, y los momentos en los que la película se sustenta en esos elementos son lo que más la distancian del resto. La sensación de estar en un cine lleno de gente poco respetuosa, que quizás hablaba demasiado, y que de repente se haga el silencio, no solo en pantalla sino en todo el cine, durante más de 30 segundos, es un ejemplo claro del magnífico uso de esos silencios. Y el otro punto de virtuosismo que demuestra Fede Álvarez, en mi opinión, es un planosecuencia justo al entrar en la casa que va siguiendo a los protagonistas por diferentes zonas de la misma, y se va deteniendo durante un par de segundos en alguno de los elementos que más tarde se revelarán cruciales para la trama. Un ejercicio de virtuosismo técnico que emparenta, también en parte por la temática de la película, con la infravalorada La habitación del pánico. Pero en este caso con mucho más sentido narrativo que el exhibicionismo mucho más vacío de Fincher, que luego aprendió a corregir en el resto de su carrera. Así, esta película confirma a Álvarez como un muy importante director dentro del género. Un director técnicamente muy por encima de la media de los directores que se suelen encargar de este tipo de películas, como ya demostró con el remake de Posesión infernal de hace un par de años. Pero al que aún le falta mejorar algo en su faceta de guionista, ya que ha firmado junto a Rodo Sayagues el guion de ambas películas, y en las dos se nota que no es capaz de mantener el
Revista Erebus - Mayo 2016
pulso narrativo durante toda la misma, a pesar de ser ambas películas que no superan la hora y media. En Posesión infernal la película decaía en parte hacia la mitad, y no acababa de remontar hasta un final realmente apoteósico. En este caso, posiblemente para evitar ese bajón a mediados de la película, Álvarez va introduciendo una serie de elementos y giros en la trama para mantener ese interés. Pero alguno de ellos acaba resultando demasiado excesivo, para mi gusto, y acaba teniendo el efecto “El uso de los sonidos, contrario, de cargarse silencios y oscuridad en parte el ambiente opresivo que tan bien para construir tensión había construido para es magnífico, y nos caer un poco en el exceso. acaba dando los En cuanto a los acto- mejores momentos de la res, es obvio que en película.” este tipo de películas la interpretación no suele destacar en cuanto a nivel, sobre todo en lo que se refiere a los actores jóvenes. Pero No respires cuenta con la presencia del gran Stephen Lang, que da un auténtico recital con su personaje, destacando también por contraste con sus compañeros más jóvenes.
No respires, por tanto, es una película que destaca entre el resto de películas del género. En parte por la interpretación del “villano”, y en parte por el talento de Fede Álvarez. Es una película más redonda que lo era Posesión Infernal, y tiene momentos que deberían ser inolvidables en el género. Y sin embargo los giros excesivos hace que no termine de conseguir ser todo lo brillante que apunta por momentos. A
33
The Beatles: Eight days a week - The touring years The Beatles: Eight days a week The Touring years / UK / 2016 Dir.: Ron Howard
Rep.: Documental
Texto: Alberte Álvarez Ron Howard cuenta con el beneplácito de los propios Beatles y acceso a todo el material que podría desear para crear este documental que hará las delicias de los beatlemaníacos, pero que tiene ciertas carencias que no lo hace todo lo redondo que sería deseable. Y es que The Beatles: Eight Days a Week se queda corto al mostrar una visión rompedora de The Beatles y entrar más en el interior de este grupo, no quedarse tanto en la histeria que generaban fuera y
34
en lo que esa histeria generaba en ellos. El documental se da cuenta de que abarcar toda la historia del cuarteto de Liverpool es una temeridad, y aunque cuenta con una introducción sobre la formación de la banda y sus primeros pasos, se centra sobre todo en las primeras giras internacionales de carácter masivo, sobre todo en los conciertos que realizaron en Estados Unidos.
Revista Erebus - Mayo 2016
The Beatles: Eight days a week - The Touring years (Ron Howard, 2016)
Para cualquier fan de la banda, echen lo que le echen, en la medida que salen imágenes de ellos, declaraciones de ellos e imágenes exclusivas, van a estar encantados con el documental. Sin embargo, cogiendo una visión más objetiva, echo en falta ciertas cosas. Una de ellas es que el documental acabe antes de que The Beatles pase de ser un gran grupo a hacer historia con sus últimos discos absolutamente rompedores. Es ahí donde realmente reside el material que podría crear un documental más interesante, ya que tiene muchos más elementos: la innovación musical, la disolución, unas personas más maduras en una época de contestación social, las carreras en solitario... Otra de las cosas que chirrían un tanto es la selección de entrevistas: algunas son entendibles, fundamentalmente las de McCartney, Ringo Starr, y las rescatadas de Harrison y Lennon; otras son más discutibles y parecen deberse al grado de amistad con el director como Sigourney Weaver o Woopi Goldberg. El documental lleva el subtítulo de The Touring Years, y exactamente se centra en esos años (del 62 al 66) de viajes y giras interminables por medio mundo (España franquista incluída). Vemos a unos Beatles pletóricos, que necesitan esos conciertos para amasar dinero, pero que a la vez van cayendo en cierto desánimo al comprobar que en esas macrogiras y macroconciertos en estadios no es su música el espectáculo, sino que son ellos mismos, convertidos ya en iconos. Los gritos de las y los fans, miles de gargantas desbocadas, podían más que los limitados vatios de potencia de los amplificadores. A menudo, pues, el concierto se convertía en cuatro peludos meneándose en un escenario mientras el ruido de fondo se comía la música. Help me if you can, I'm feeling down.
Revista Erebus - Mayo 2016
Una sorpresa positiva y para mí lo más interesante del documental es escuchar las grabaciones completas del cuarteto en la sala de estudio. Es una maravilla poder escuchar a The Beatles probar cosas sobre la “Lo más interesante del marcha, hablar de si un acorde funciona o documental es escuchar no, o escucharles dislas grabaciones cutir sobre el ritmo o completas del cuarteto el tempo.
en la sala de estudios.
Además, la proyección del documental cuenta Es una maravilla verles con otra sorpresa, ya probar cosas o discutir que una vez termina sobre acordes, ritmo o todavía queda media hora de uno de los tempo.” conciertos de la gira con sonido e imágenes restauradas. En concreto el concierto del Shea Stadium de Nueva York, que tiene una calidad verdaderamente notable. Lástima que optaran por impostar en ciertas partes los gritos del público. En definitiva, cualquier seguidor de los escarabajos va a salir contento del cine. Sin embargo, es bastante apreciable que pese a los elementos de interés de la película, esta se queda muy lejos de otras obras magnas del documental musical, como pueden ser los documentales de Scorsese (No direction home, Shine a light, The Last Waltz o George Harrison: Living in the material world), Searching for Sugar Man o incluso a nivel de grabación de un concierto, el espectacular Stop Making Sense, de Talking Heads, dirigido por Jonathan Demme. Aún así, no podremos evitar tararear algunos de los himnos inmortales de los cuatro británicos al salir del cine. A
35
Los hombres libres de Jones Free state of Jones / USA / 2016 Dir.: Gary Ross
Rep.: Matthew McCounaghey, Gugu Mbatha-Raw, Keri Russell, Mahershala Ali, Brad Carter.
Texto: Juan Romero
L
os hombres libres de Jones cuenta la historia real de un soldado confederado que deserta durante la guerra civil norteamericana, al darse cuenta del horror de la guerra y de lo inútil de su lucha, centrada en mantener la esclavitud en la que no cree. Posteriormente, y con la ayuda de otros desertores y antiguos esclavos fugados, se rebela contra la Confederación y proclama el condado de Jones en el que vive como un estado libre independiente. El director Gary Ross intenta construir un relato hasta cierto punto épico de la lucha de estos hombres, pero la cantidad y diversidad de los temas que trata y la excesiva duración de la película acaban haciendo que el resultado sea demasiado irregular. La película arranca prácticamente como una película de guerra en lo que, seguramente, sean los momentos más interesantes de la misma. Se nos muestra el horror y la insensatez, y cómo el personaje de Matthew McConaughey, devastado por las muertes absurdas que allí se producen, y por sus discrepancias con los motivos de la lucha decide desertar, y como los militares intentan atraparlo. Después, la película cambia de género para centrarse en la vida de unos esclavos fugados viviendo en mitad de la naturaleza. Para volver a cambiar el tono de nuevo cuando a este grupo de gente se unen un importante número de soldados desertores. Estos cambios de género además se ven aún más
36
acentuados con la historia del juicio a uno de los descendientes del protagonista, 85 años después, y que además emparenta únicamente con la vertiente familiar del mismo, que es una de las subtramas más prescindibles de la película. En cualquier caso, el elemento central de la película parece que intenta centrarse en la relación de los hombres libres con los esclavos negros en los estados del sur durante y después de la guerra civil. Con hombres obligados a luchar en una causa en la que no creen del todo, pero en la que a la vez no terminan de respetar a los negros como iguales. Así es como se entiende que la película se extienda hasta contar los problemas en las primeras elecciones tras la guerra en el condado de Jones. La gran interpretación una vez más de Matthew McConaughey no consigue levantar una película que se hunde por culpa de su indefinición, su lentitud y su falta de profundidad. Así, solo quedan algunas escenas aisladas, tanto en los primeros momentos de batallas, como en algunas de las conversaciones que se dan en el río con los esclavos fugados. Y una gran oportunidad perdida para haber contado una historia realmente interesante, que en otras manos hubiera generado muchísimo más interés. A
Revista Erebus - Mayo 2016
Blood Father Blood Father / USA / 2016 Dir.: Jean-François Richet Texto: Juan Romero
P
robablemente el único gran aliciente de Blood Father, a priori, era la presencia de un crepuscular y violento Mel Gibson de nuevo como protagonista de una película de acción, después de su dedicación a la dirección y su caída en desgracia por problemas personales. Una vez vista la película, esa impresión previa se confirma de manera total y absoluta, porque nos encontramos ante un film que resultaría perfectamente olvidable, si no fuera por la presencia del bueno de Mel Gibson. La película trata acerca de una chica, a la que da vida Erin Moriarty quien, huyendo de sus antiguos compañeros de fechorías por culpa de un golpe que sale mal, intenta contactar con su padre, al que hace años que no ve, para que intente protegerla de ellos. El padre es un Mel Gibson exmilitar, exalcohólico y expresidiario, que ahora ha rehecho totalmente su vida, viviendo en una caravana con aspecto de indigente. Como no puede ser de otra manera, los criminales que persiguen a la hija acaban encontrándolos y se lía parda. Tiroteos, huidas, persecuciones, traiciones, más tiroteos, antiguos compañeros a quien pedir favores, explosiones, visitas a la prisión, cambios de look en moteles de baratillo y más tiroteos se van sucediendo de manera ordenada hasta el clímax de la película. Que consiste en esta ocasión en tiroteos y explosiones. En ese sentido, una vez que arranca
Revista Erebus - Mayo 2016
Rep.: Mel Gibson, Erin Moriarty, Diego Luna, William H. Macy, Michael Parks.
la acción no defrauda en absoluto. Da exactamente lo que promete. Y, sobre todo, da a Mel Gibson. El intérprete vuelve a reivindicarse con un personaje hecho totalmente a su medida. Tras su reconocimiento como director, y sus problemas personales, la figura de Mel Gibson como actor había perdido gran parte de su fuerza. Aquí, Gibson vuelve a demostrar su enorme talento como actor, si bien en una película muy menor y realizada totalmente a su servicio. Si su nuevo trabajo como director, Hacksaw Ridge, está a la altura de las primeras críticas que le han dado en festivales, estaremos hablando sin ninguna duda de 2016 como el año de la redención de Mel Gibson. Con respecto a Blood Father, realmente hay poco más que decir. A los espectadores poco exigentes, que disfrutan de una película de acción sin mucho más contenido, y a los fans del Mel Gibson actor, la película les supondrá un agradable pasatiempo. Para cualquiera que busque algo con un poco más de contenido o de fondo, debería evitar esta historia tópica hasta el exceso, con personajes totalmente planos, y con unas secuencias de acción que no destacan en absoluto sobre cualquier otra película de acción que se pueda ver hoy en día. A
37
El principito Le petit Prince / Francia / 2015 Dir.: Mark Osborne
Rep.: Animación.
Texto: José M. Aparicio
E
l Principito es un libro que casi todo el mundo conoce y que pocos de los que lo han leído pueden decir que les haya dejado indiferente. Sobre todo si lo has hecho cuando ya eras un adulto. La profundidad del relato es tan abrumadora que te deja marcado para siempre cada una de las veces que vuelves a él. Quizás debido a que es complicado trasladar ese universo de nuestro pequeño amigo y todo lo que él conlleva a la gran pantalla solo tengo constancia de una adaptación al cine de este cuento. Fue en 1974 cuando Stanley Donen, ese director recordado por Cantando bajo la lluvia, se atrevió a llevar la historia a este otro nivel que es el séptimo arte. Y la cosa pasó sin pena ni gloria. Ahora Mark Osborne, director de Kung Fu Panda y Bob Esponja, se ha lanzado a la aventura aunque haciendo un poquito de trampa. Primero, porque la película es de animación que si bien no seré yo el que le quite el mérito a hacer una peli de este tipo, no es lo mismo que trabajar con actores de carne y hueso. Segundo, porque en realidad no se nos narra el relato que nos cuenta el libro como tal si no que se nos introduce el mismo dentro del film. Me explico: El guion nos cuenta la vida de una niña y su madre muy rigurosas con los deberes de la vida, muy estrictas y disciplinadas y más cuadriculadas
38
que un bloc de notas, que se mudan a un nuevo hogar y se encuentran con un vecino muy particular. Se trata de un anciano que es el álter ego del mismísimo Antoine de Saint Exupéry, el escritor en la vida real de El Principito. Al principio y debido al carácter díscolo del anciano chocará con los nuevos habitantes de la casa de al lado pero poco a poco y gracias a las páginas que el viejo envía a la niña a través de aviones de papel esta despertará su curiosidad por ese bajito príncipe que vive en su asteroide y entablarán una amistad muy especial. El guion se sostiene, la narración es buena y la historia dentro de la historia (que es el libro en sí) es contada con pinceladas muy oportunas y bastante logradas. Si eres de lágrima fácil o si te emocionan más de la cuenta las peripecias y enseñanzas del relato original, ten cerca los pañuelos porque tenemos unas cuantas escenas maravillosas apoyadas en una banda sonora bien usada que conseguirán poner en funcionamiento tus lacrimales. Hay que tener en cuenta que estamos ante una película para niños pero disfrutable por los adultos, aunque repito, solo si te emociona el libro. Si puedes ver lo esencial sin cerrar los ojos, esta película no es para ti. A
Revista Erebus - Mayo 2016
Suburra Suburra / Italia / 2015 Dir.: Stefano Sollima Texto: José M. Aparicio
E
l director Stefano Sollima confirma también su talento en el largo con este trabajo, después de su sobrada demostración en las series Roma Criminal y Gomorra. Nadie puede negar que le gusta el tema de la mafia al amigo Stefano y aquí de nuevo despliega todas sus armas para mostrarnos el submundo que se encierra en él. Veremos si mantiene el nivel y se desenvuelve con la misma soltura cuando se enfrente a los narcos de la frontera mexicana en la secuela de Sicario que le hará debutar en Hollywood el año que viene. El listón dejado por Denis Villeneuve está cerca de las nubes pero este hombre está crecido y puede ser capaz de darnos una sorpresa. Pero volviendo al presente tenemos que hablar de Suburra. Este título tan exótico tiene su explicación: Se trata de un término que se usa en italiano para denominar a un lugar donde vive gente de baja estofa, donde ocurren cosas de esas que una madre no debería ver hacer a su hijo. Y viendo el desarrollo de la película uno va entendiendo el porqué de ese nombre. Todo es violento, todo es auténtico, todo se hila por el subsuelo. Muy, muy abajo. El guion gira en torno a Filippo Malgradi (Pierfrancesco Favino), un parlamentario italiano de estos tiempos convulsos que se ve inmerso en una espiral de basura
Revista Erebus - Mayo 2016
Rep.: Pierfrancesco Favino, Elio Germano, Claudio Amendola, Alessandro Borghi, Greta Scarano.
volando sin mucho control tras pasar una noche loca con unas prostitutas en la que los estimulantes asuntos que llevaban a cabo se tuercen de manera dramática. A partir de este episodio las luchas de las distintas mafias (incluyendo a la clase política prácticamente como una más) se recrudecen y hacen del film un espectáculo de violencia neo-noir muy recomendable para los que gusten de este tipo de platos. Hay que destacar dos cualidades que sobresalen por encima de las demás. El fantástico montaje que te lleva de una escena a otra con un prodigioso ritmo y que consigue que los más de 130 minutos se pasen bastante rápido, sobre todo la primera mitad y la actuación de Alessandro Borghi interpretando al jefe mafioso llamado Número 8. El mayor defecto que le veo es que todo pasa muy deprisa y los personajes parecen demasiado esclavos de sus emociones. Paradójicamente, esto le sienta bien a la película ya que con otros personajes mas sesudos o mejor aconsejados muchas de las virtudes de Suburra se verían reducidas. Y si después de verla te quedas con ganas de más, puedes estar contento porque Netflix ya ha anunciado que va a realizar un spin-off en forma de serie para el próximo año. Nosotros no nos lo perderemos. A
39
En Corto
40
Revista Erebus - Mayo 2016
En Corto / I am Yup'ik (Daniele Anastasion y Nathan Golon, 2016)
Father and daughter Father and daughter / Países bajos / 2000 / 8 min Dir.: Michaël Dudok de Wit
Rep.: Animación. Prod.: Claire Jennings y Willem Thijssen
Texto: Aitor Boada
V
er un trabajo de Michaël Dudok es como leer un poema. El director belga no utiliza diálogo, le sobran las palabras. Sólo con dibujos y música es capaz de contar una historia y emocionarnos. Dudok crea poemas sin palabras. Hallazgo afortunado el de habernos topado con esta joyita, ganadora de un Oscar en 2000 y de los premios BAFTA en 2001, casi nada. Además de este corto, Dudok dirigió El monje y el pez (Le moine et le poisson, 1994) y ha estrenado, a finales de junio de este año, su primer largometraje: La tortuga roja (La tortue rouge), producido por Estudio Ghibli –el estudio de animación que capitanea Hayao Miyazaki y que ha creado maravillas como La princesa Mononoke o El viaje de ChihiroA Dudok le sobran las palabras, es capaz de emocionar sólo con unas acuarelas color sepia y la música de Normand Rogers –inspirado por Las olas del Danubio de Iosif Ivanici-. Los dibujos sencillos y acogedores del director belga van narrando la historia de una niña que ve a su padre marchar en una barca. Las estaciones pasan. Otoño. Invierno. Primavera. Verano. Las estaciones cambian y el tiempo va pasando. La niña que subía la colina sola en busca de su padre ahora viene acompañada de una familia. El tiempo pasa y las estaciones –se- suceden. La música se torna más lenta y pesada, y la que antes era niña ahora es una anciana cansada –pero
Revista Erebus - Mayo 2016
no de esperar- que cruza el desierto que antes era un mar. En definitiva, una historia, simplemente, una historia. En la presentación de su libro Seda (1996) el escritor italiano Alessandro Baricco decía que el libro sólo trataba de contar historias, porque éso es algo muy antiguo. Cuando no se tiene un nombre para decir las cosas, entonces se utilizan historias. Y así es, la necesidad de contar historias ha perseguido desde siempre al ser humano, y Michaël Dudok lo hace de una manera increíble. Father and daughter no trata temas sociales, no habla de política, ni tampoco de metafísica, no intenta dar solución a nada, simplemente es una historia de un padre y una hija, bicicletas y árboles, y un lago que desaparece con el tiempo. Father and daughter es -en su simplicidad- una historia, un cuento más bien, sobre el paso del tiempo y la familia, una historia acompañada de un piano, con un principio y un final, una historia de la que cada uno puede sacar sus propias conclusiones e interpretarlo cómo quiera, porque Father and daughter es, en definitiva, un cuento sobre ésto que es la vida, así de sencillo y así de complejo.A
41
Número 18 - Octubre 2016
Creación, contenido y diseño Colaboraciones
Alberte Álvarez Juan Romero José M. Aparicio Aitor Boada Beatriz López Alfonso Romero Saúl Olmo
¿Te interesa colaborar en la revista? ¿Tienes preguntas. comentarios o sugerencias? ¡Escríbenos al correo electrónico! revistaerebus@gmail.com
Alberte Álvarez Soy ingeniero forestal y trabajo en el desdichado mundo del I+D. Mi película favorita es Apocalypse Now y soy un groupie de Aki Kaurismäki, Truffaut, Wes Anderson, Yasujirō Ozu, Ken Loach, Sidney Lumet, Ingmar Bergman, Jarmusch o Haneke entre otros y otras muchas.
Juan Romero Me apasiona el cine y me gusta escribir, así que participar en un proyecto así era el paso natural. El poco tiempo que me queda libre después de ver películas y escribir sobre ellas lo dedico a hacer cortos.
José M. Aparicio Disfruto hablando de cine tanto como viéndolo. Me encanta escribir y gracias a este proyecto tengo la oportunidad de compartir mis opiniones y aprender con mis compañeros más de este maravilloso arte.
Síguenos
www.facebook.com/ revistaerebus
issuu.com/revistaerebus
www.twitter.com/ revistaerebus
Página web www.revistaerebus.com
Beatriz López Ingeniera en curso y artista frustrada. Me encanta el cine, dibujar y escuchar música. Obsesionada con los años 40, 50 y 60 es lógico que mi estilo sea Pin-up.
Enrique Remírez Habitante de una sociedad distópica, tengo la gran fortuna de poder recurrir al cine, los libros y los cómics para evadirme de la realidad.
Aitor Boada Me gusta embarcarme en nuevos proyectos y si además juntan mis dos aficiones, parece hasta obligado. La pasión por el cine me viene desde pequeño. Era de esos niños que creen -y sigo pensándolo- que viven en una película.
Editado en Madrid por Alberte Álvarez Gil Imágenes: Getty Images, Wikipedia Commons, cinearchive.org, Fickr.
Revista Erebus - Mayo 2016
ISSN: 2444-1406
43