Revista Erebus. Diciembre 2015 by Revista Erebus

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EDITORIAL ENSAYOS Espías Comedia en los Globos de Oro CRÍTICAS Sicario Spectre Straight Outta Compton Mistress America Sinsajo 2 The Assassin Life Rams El Clan LISTA Hoy traemos un repaso de algunos de los biopics musicales más interesantes (los hay).

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EN CORTO Rosa - These Storms

Editorial

Editorial Se acaba 2015. Para siempre este año será el del nacimiento de esta revista, de este experimento que todavía no sabemos cuánto durará ni hasta dónde llegará. Con suerte iremos creciendo y ganando peso. En el peor de los casos nos desvaneceremos como lágrimas en la lluvia. Depende de todos y todas vosotras. Pero que nos quiten lo bailao. Hemos entrevistado a la porn star del momento, a uno de los directores gallegos más reconocidos, a futuras promesas del cine, al director de B, los papeles de Bárcenas (vedla antes de acudir a las urnas), a personas de actualidad informativa… y ya tenemos alguna sorpresa preparada para los próximos meses. Si nos seguís en twitter ya tendréis unas cuantas pistas. También hemos escrito ensayos que teníamos ganas de escribir. Nos hemos divertido escribiendo sobre las pelis que nos íbamos adjudicando a principios de cada mes. Hemos ido a preestrenos y festivales. Incluso llegado el peor escenario de la desaparición, habrá valido la pena.

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Pero no os asustéis, eso todavía no está entre nuestros planes. Y menos ahora que se vienen películas muy potentes de cara a la época de entrega de premios. Seguimos con fuerzas para afrontar 2016 aún mejor de lo que lo hemos hecho en este 2015. Seguramente en el próximo editorial desgranaremos algunos de los objetivos para el próximo año. Pero primero tenemos este último número del año que creemos que viene muy completo. Al fin y al cabo, esta revista la hacemos porque nos gusta, pero la hacemos para que vosotras la leáis. Mientras no nos digáis lo contrario, seguiremos. Hasta la victoria siempre :D A

Espías

Espías Por Juan Romero

ay momentos en los que todo Hollywood parece ponerse de acuerdo en sacar adelante multitud de proyectos de muy similares características. Bien fijándose en el mismo personaje para ejecutar un biopic, como pasó en su momento con Truman Capote, o ahora ha sucedido con Steve Jobs. Bien recuperando géneros olvidados, como cuando de pronto se hacen en muy poco tiempo varios westerns, o como sucede actualmente con diversas películas sobre la exploración espacial. O bien explotando una nueva faceta de algún género clásico, como está ocurriendo últimamente con la puesta al día de cuentos y películas infantiles de hace más de medio siglo, en superproducciones de imagen real. Pero si hay una tendencia que ha llegado a su culminación este año, esa es sin duda la de películas de acción protagonizadas por espías, de las que llega este mes su última entrega, con Spectre, pero de la que ya habíamos visto hasta media docena de películas de características similares estrenadas en España en el último año. La mayor parte de esas películas, no obstante, optan por una aproximación al thriller de espías desde el humor. En lugar de hacer una película de acción al uso, se deciden descaradamente por la

parodia y la sátira más pura. La fallida American Ultra, que no termina de encajar bien las piezas de que disponía; la muy divertida Espías, que se presuponía otro vehículo para el “lucimiento” de Melissa McCarthy, pero que acaba elevándose por su gran ritmo ritmo y por un magnífico Jason Statham; y la española Anacleto, que acaba siendo una gratísima sorpresa si aceptas el tipo de humor que te proponen. Son ejemplos evidentes de un tipo de sátira que respeta las reglas más básicas del género de espías, pero que las aprovecha y las subvierte para provocar la carcajada. Pero en cualquier caso, las tres palidecen en la comparación con la extraordinaria Kingsman, que consigue conjugar de manera magistral los dos elementos, sobre todo durante la primera mitad, para llegado un punto desatarse totalmente y abrazar la exageración y el absurdo sin el más mínimo disimulo. Una película que juega en otra liga completamente diferente a las anteriores y que, probablemente, consigue entrar por méritos propios en el podio de mejores parodias de películas de espías de la historia, junto a la mítica Mentiras Arriesgadas y a la siempre reivindicable Top Secret!

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Espías

El resto de las películas de acción de espías estrenadas este año pretenden ser hasta cierto punto más serias. Pero sin embargo, los mejores momentos de Operación U.N.C.L.E. acaban siendo aquellos en los que apuestan por el humor. De hecho, en esa película hay un difícil e interesante equilibrio entre la seriedad y la comicidad, sin caer en ninguno de los dos lados demasiado, pero funcionando mejor como digo los segundos que los primeros. Aunque algunas de estas películas provengan del cómic, o de adaptaciones de series clásicas de ficción, no dejan de ser una refrescante ola que renueva por completo el género de espías. Así, cuando llegamos a las nuevas entregas de las aventuras de Misión Imposible, o de James Bond, que completan el cartel del género en este año, le queda a uno siempre la sensación de ser algo más rutinarias y obsoletas. Dan la sensación de estar envejeciendo algo, de no haberse sabido actualizar a los tiempos que corren, por culpa de esta nueva ola, que arrasa el género desde el humor. Es irónico, en ese sentido, que tanto en Misión Imposible: Nación secreta, como en Spectre,

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el argumento gire en torno a que el grupo al que pertenecen los célebres agentes acabe desbandado por culpa de nuevas tendencias en los servicios de inteligencia. Y que la agrupación malvada de turno esté de hecho detrás de esa conspiración, y los protagonistas sean capaces de luchar contra esa situación y vencerla, para así mantener su propio status quo. Es casi un estertor de socorro de ambas sagas, que saben que pertenecen a otro tiempo y otro lugar, pero que se resisten a dejar paso al progreso, y quieren seguir copando las salas a través simplemente de su nombre, su marca, y sus propios lugares comunes. Aún no se sabe cuál será el argumento de la próxima entrega de la saga de Jason Bourne, que llegará a las pantallas el verano que viene, con Matt Damon y Paul Greengrass de nuevo a los mandos. Hace no demasiado una auténtica revolución en el mundo de las películas de espías, con un realismo extremo en las persecuciones como seña de identidad, y que aún así va a tener complicado mantener esa frescura de la que gozaba hace poco, tras la renovación del género que hemos sufrido en los últimos años. A

Comedia en los Globos de Oro

Comedia en los Globos de Oro Por Juan Romero

os Globos de Oro son unos premios que siempre arrastran polémica. No ya solamente por la gala de entrega de premios en sí, que suele tirar de un tipo de bromas algo subidas de tono. Y tampoco simplemente por quiénes acaban siendo nominados y premiados, que es algo que sucede con los premios de todo calibre. En los Globos de Oro es recurrente la polémica acerca de en qué categoría encajar tal o cuál película o serie. Diría que, hasta el momento, la mayor parte de decisiones polémicas han venido en los diferentes apartados de las series. En primer lugar encajando las series en Drama o a Comedia casi más por la duración que por el propio contenido de la serie, ya que en EEUU es habitual que las comedias sean de media hora y los dramas de una hora, y a veces se ha acabado usando (o contraviniendo) ese baremo para situar las series en una u otra categoría, más que su propio contenido. Lo cual ha derivado en interesantes discusiones. Pero no solo eso, sino que la categoría de Mini Serie o Película para Televisión ha sido un auténtico despropósito en los años recientes. Desde la nominación (y premio) para Downton Abbey, que es una serie en toda regla,

aunque solo tenga 8 capítulos por temporada, hasta la llegada al panorama estadounidense de las llamadas “series antología”, con títulos como American Horror Story, Fargo o True Detective copando muchas de las nominaciones en detrimento de las tv-movies que solían copar las nominaciones de la categoría hasta hace no demasiado tiempo, lo cual ha generado bastante controversia. En cualquier caso, la incipiente polémica en los Globos de Oro de este año no viene de la mano de las series, sino que se centra en la auténticamente demencial consideración de Marte como “Comedia o Musical”. Repito: Los Globos de Oro consideran que Marte pertenece a la categoría de “Comedia o Musical”. Tremendo. No deja de ser habitual que determinadas películas traten de recategorizarse como comedias en este tipo de premios, porque suele ser una categoría algo más sencilla, teóricamente, para triunfar. Y, evidentemente, las productoras buscan por todos los medios conseguir la etiqueta de “nominada para el globo de oro”, aunque luego tengan que poner en pequeñito lo de “comedia o musical”, porque eso les genera publicidad e

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Comedia en los Globos de Oro

ingresos. Pero pienso que con el caso de Marte este año hemos llegado a un punto en el que hay que replantearse ciertas cosas. Es cierto que en los últimos años hemos visto varias películas nominadas en la categoría a Globo de oro a mejor Comedia o Musical que chirrían abiertamente. Con el claro ejemplo del año pasado con Birdman. O el de 2013, en el que diría que las cinco películas nominadas están cuando menos en el límite. American Hustle, Her, A propósito de Llewyn Davis, Nebraska y El lobo de Wall Street, si bien tiene todas sus dosis de comedia, no creo que se pueda decir de ninguna de ellas que el primer propósito de la película sea hacer reír al espectador. Diría que tanto Birdman, como la cosecha completa de 2013 no chirriarían en absoluto en la categoría de Drama. O, como mucho, chirriarían lo mismo que lo hacen en la categoría de Comedia o Musical.

imaginación y mucha voluntad para considerar Marte una comedia. Es cierto que, como decía, es una tendencia que se viene acrecentando en los últimos años, la de meter películas con limitados alivios cómicos directamente en la categoría de Comedia o Musical. Pero este año creo que han llegado a un punto difícilmente justificable. Diría que los Globos de Oro tienen que replantearse la manera de distribuir las películas en una u otra categoría, si no quieren acabar convirtiéndose, ellos mismos, en poco más que una broma. A

Pero creo que con lo de Marte han tocado fondo. Pienso que una película en la que hay tres o cuatro chascarrillos en dos horas y media no puede ser considerada comedia de ninguna de las maneras. Creo que hay que echarle mucha

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Odio la violencia y creo que tiene un significado solo si ves su impacto en las víctimas. Me interesa el impacto, no el espectáculo. No quiero hacer de la violencia un espectáculo. Es decir, he hablado con gente que ha sufrido el trauma de la guerra... Cuando uso la violencia en una película es para expresar su poder, su impacto. • DENIS VILLENEUVE

Sicario Sicario / USA / 2015 Dir.: Denis Villeneuve Texto: Juan Romero

no de los elementos principales del argumento de Sicario es la confusión de la protagonista. Una agente de los SWAT es reclutada, tras llevar a cabo una misión que acaba teniendo ciertos lazos con la mafia mexicana de la droga, para un operativo especial de la CIA relacionado con los cárteles mexicanos. Pero durante toda la misión, apenas le dan

Rep.: Emily Blunt, Benicio del Toro, Josh Brolin, Victor Garber, Jon Bernthal, Jeffrey Donovan, Daniel Kaluuya.

detalles de la naturaleza de la misma. En todo momento, su único cometido parece ser estar ahí, en la retaguardia del operativo, para observar lo que sucede. La agente cumple con la tarea que le encomiendan lo mejor posible, a pesar de que la operación va complicándose y enredándose cada vez más, y empieza a notar que hay cosas que no son como deberían ser.

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Sicario (Denis Villeneuve, 2015)

Esa confusión de la protagonista al no saber muy bien en lo que se está metiendo está perfectamente canalizada en la interpretación de Emily Blunt. Junto a ella, Josh Brolin y Benicio del Toro interpretan unos personajes mucho más esquemáticos, en el despreocupado y tranquilo jefe del operativo, y el de un frío y calculador agente latinoamericano, del que nadie parece saber muy bien cuál es su papel, pero a nadie parece importarle. Conforme avanza la película, el personaje de Brolin acaba difuminándose un poco más, mientras el de Del Toro gana peso, apoyado siempre por una magnífica interpretación del portorriqueño, que acaba al mismo nivel de una impresionante Emily Blunt. Si argumentalmente es el tono de confusión lo que prima, el no saber cuál es la motivación final de los diferentes personajes que rodean a la protagonista, y la dosificación de esa información a lo largo de la película; lo que más destaca a nivel estilístico es el pulso narrativo que le confiere su director, Denis Villeneuve. La manera en que va acrecentando la tensión de cada una de las secuencias de acción, siempre muy lentamente, pero de manera constante. Siempre realista, intentando huir de la espectacularidad vacía. Pero con explosiones puntuales de violencia que acaban helando la sangre. De alguna manera, es un ritmo que recuerda al que ya le aportaba a su anterior trabajo, Prisioneros, aunque aquella fuera una película completamente diferente. En Prisioneros Villeneuve hacía un magnífico trabajo reflejando sin estridencias cómo los personajes iban siendo llevados poco a poco hasta su límite. Y aquí vuelve a conseguir esa sensación de una manera magistral y muy característica,

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que pocos directores son capaces de emular hoy en día. Tras el aire de confusión que lo impregna todo y el certero manejo de la tensión durante toda la película, el elemento político, que no es menor, acaba quedando en un discreto segundo plano. Cómo se combinan las diferentes agencias para ejecutar determinadas misiones, y el papel de cada una de ellas en las mis“Destaca el pulso mas. La coordinación entre los miembros de EEUU y narrativo de Denis de México para llevar a cabo acciones conjuntas. Villeneuve. Acrecentando la tensión de El sobrepasar la línea de la legalidad, por parte de los las secuencias de cuerpos de seguridad del acción, lentamente Estado, para conseguir sus objetivos. O la utilización pero de manera y colaboración con agentes constante.” externos para llevar a cabo según qué misiones. Todos estos elementos están muy presentes en la película, pero casi siempre como telón de fondo y no como foco, debido sobre todo a que el espectador está en muchos casos casi tan privado de ese tipo de información como está la propia protagonista. Y también debido a que la intensidad de las escenas y secuencias concretas acaba estando muy por encima la trama general. Pero sin duda son cuestiones que acaban flotando en el ambiente, y cuando el espectador termina de ver la película, se quedan en su mente durante tanto tiempo como las secuencias de acción más impactantes. La película acaba siendo una máquina perfectamente engrasada, en la que todos los elementos

Sicario (Denis Villeneuve, 2015)

van encajando a la perfección. Algunas de las decisiones más complicadas que efectúa Villeneuve, como pueden ser las elipsis de ciertas situaciones que podrían resultar más duras, los engaños y traiciones entre los protagonistas, o incluso el cambio de foco que se produce en el último tramo de la película, que pasa a estar sobre el personaje de Benicio del Toro, cuando hasta entonces habíamos estado casi permanentemente compartiendo el punto de vista de la agente protagonista, todo acaba funcionando admirablemente bien. Lo cual es extremadamente complicado de conseguir. Quizás hay únicamente un par de situaciones que no terminan de encajar de una forma tan perfecta. La aparición del personaje interpretado por el ex-Walking Dead Jon Berntal y el desarrollo de su subtrama acaba sustentándose en un cúmulo de casualidades que acaba resultando poco creíble, lo que hace que chirríe un poco en un argumento por lo demás muy sólido.

Y, sobre todo, los fragmentos que introduce Villeneuve centrados en la vida familiar del policía mexicano, que no comparten en absoluto el tono del resto de la película, y cuyo único motivo de ser parece el de conferir un poco de humanidad a cierto tipo de personajes. Sin tener apenas conexión con el resto de la trama, y rompiendo un poco la estructura del resto de la película. En cualquier caso, son dos detalles menores en un guion que destaca entre las películas de su género por una cohesión superior a la media. La sensación que deja la película, por tanto, es la de ser un muy notable thriller en el que la sutileza, el desarrollo de personajes, la coherencia argumental y un magnífico uso de la tensión destacan sobremanera, dejando a un lado la estrepitosa y vacía espectacularidad que suele ser habitual en este tipo de producciones. Una vez más, por tanto, consigue Denis Villeneuve demostrar que se puede generar tensión y suspense, y ejecutar grandísimas secuencias de

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Sicario (Denis Villeneuve, 2015)

acción, sin tener que caer en ningún momento en la exageración. Y todo ello lo hace, además, sacando de sus protagonistas unas interpretaciones realmente destacables. Sicario es un paso más en la sólida carrera del director canadiense, tras Prisioneros y Enemy, y que sigue la línea que trazó en aquellas y que le destacan como uno de los más importantes directores del género que hay en la actualidad. A

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Spectre Spectre / UK / 2015 Dir.: Sam Mendes

Rep.: Daniel Craig, Christoph Waltz, Léa Seydoux, Ralph Fiennes, Monica Bellucci, Ben Wishaw

Texto: Juan Romero

omo todas las películas del género, Spectre comienza con una set-piece de lo más espectacular. En esta ocasión, la acción se sitúa en México DF, en el día de los Muertos, y dicha secuencia inicial se puede dividir en tres partes. La primera parte es sencillamente prodigiosa, y se compone de un espectacular plano-secuencia que va siguiendo a los

protagonistas en medio del caos de la fiesta y la celebración, entrando y saliendo de edificios, cambiando los encuadres mediante grúas, buscando siempre el tiro de plano más espectacular posible. En una estudiada coreografía que recuerda poderosísimamente al legendario plano-secuencia que logró Kalatozov en Soy Cuba, y que te atrapa desde el primer momento.

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Spectre (Sam Mendes, 2015)

A partir de ahí, el resto de la secuencia transcurre por lugares mucho más comunes, con una interesante persecución por la ciudad como elemento central, que culmina en una demencial e increíble, en el peor sentido de la palabra, escena de acción centrada en una pelea a bordo de un helicóptero que sobrevuela peligrosamente una abarrotadísima plaza del Zócalo. En cualquier caso, es un arranque imponente, que te pone en disposición de disfrutar al máximo de lo que venga. Lamentablemente, ese arranque también marca el punto más álgido, con diferencia, de una película que transcurre a partir de entonces por la senda más rutinaria posible. Y es que si la escena de antes de los créditos nos mete de lleno en la acción, y nos deja epatados y con ganas de más; la escena de créditos propiamente dicha nos sienta como un auténtico jarro de agua fría. Porque pasamos de la acción más trepidante, moderna y espectacular, a unos créditos extremadamente horteras y kitsch, con un estilo que apostaría a que ya estaba pasado de moda en los años 60. Igual que ocurría en las películas más recientes de James Bond, en Spectre se intenta compaginar las nuevas tendencias en el cine del género, con las situaciones y los tópicos más clásicos de la saga de James Bond, con demasiado respeto, por decirlo de alguna manera. Son situaciones que han quedado extremadamente anticuadas en el contexto actual, y al afrontarlas de una manera totalmente seria, acaba provocando una colisión entre lo nuevo y lo añejo que chirría inevitablemente. En otras propuestas recientes desntro del género de las películas de espías, o incluso en otras encarnaciones del propio James Bond, este problema

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se solucionaba no tomando demasiado en serio estas particularidades, dejándolas en muchos casos como meros guiños a la historia del personaje. Pero aquí muchas veces acaban ocupando el foco, y el choque de los dos mundos acaba resultando totalmente contraproducente. La trama principal de la película nos cuenta que el grupo doble cero al que pertenece James Bond va a ser retirado, debido a la fusión entre el MI5 y “Un arranque impoel MI6, que además van nente, que te predisa implantar unas nuevas técnicas de seguimiento pone a difrutar de lo que venga. Lamengracias a las nuevas tecnologías. James Bond, sin tablemente, es el embargo, se niega a entregar su metafórica placa, y punto álgido de una decide llevar a cabo una película que transcumisión que le encomendó la antigua M antes de morir, rre por la senda más rutinaria” y a través de dicha misión va descubriendo una organización criminal, liderada por el personaje de Christoph Waltz, que se llama evidentemente Spectre. Spectre es la organización criminal por excelencia en el universo de James Bond, habiendo salido en hasta seis películas de la primera época de James Bond. Y el villano principal, el jefe de la organización Ernst Stavro Blofeld, es seguramente la imagen más icónica de supervillano de espías que existe en el mundo. No solamente por las películas y novelas de Bond, sino por las parodias que sobre él se han hecho tanto en Inspector Gadget como en Austin Powers. Así pues, en esta película se sigue la senda que Sam Mendes

Spectre (Sam Mendes, 2015)

marcó en su película anterior de ir introduciendo el mayor número de elementos posibles de la encarnación más clásica de James Bond en esta nueva continuidad. Pero sin embargo, y a pesar de lo gran actor que es Christoph Waltz, este villano no termina de funcionar en ningún momento. Porque es un villano totalmente anticuado.

aquello que chirriaba. Es un villano totalmente absurdo, sacado directamente de las situaciones en las que se movía hace cuarenta o cincuenta años. Situaciones que han sido parodiadas hasta el extremo por lo absurdo y barroco. Y que recuperadas a día de hoy de una manera seria solamente consiguen despertar en el espectador el rechazo y la incredulidad más absoluta.

Ya desde su escena de introducción te das cuenta de que algo no funciona del todo bien. Intentan presentar una situación en la que veamos al villano como el frío y duro jefe de toda la organización. Y, aunque por momentos te quedas atrapado por la simple presencia de Christoph Waltz, notas que de alguna manera hay algo que no va bien. Que es un personaje demasiado exagerado. Tanto que acaba por rozar casi la parodia, pero sin hacer ningún tipo de gracia. Cuando llega el clímax de la película, y el malo se enfrenta a Bond con un plan de lo más descabellado, te das perfecta cuenta de qué era

Durante gran parte de la película, uno de los elementos recurrentes es que, bajo la situación actual del mundo, los agentes doble cero están totalmente obsoletos, y hay que buscar nuevas formas de afrontar el universo de los espías. En la película, como es natural, James Bond se resiste a entregar el testigo, y acaba solucionando los problemas gracias a sus magníficas dotes de espía. En la vida real, Spectre te deja con la sensación de que es evidente que la fórmula de James Bond ya no funciona como antes. El Bond que consiguió revitalizar Daniel Craig en la notable Casino Royale, y al que Sam Mendes

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Spectre (Sam Mendes, 2015)

logró imbuir de esos guiños al Bond clásico sin perder el equilibrio en Skyfall, aquí no aparece por ningún lado. Y en su lugar nos encontramos una versión absolutamente diluida y desdibujada, que roza los niveles de desinterés que marcó Quantum of Solace. Y nos hace pensar si, con la gran cantidad de películas de acción de espías superiores a Spectre que hemos tenido este mismo año, no estará realmente obsoleto el modelo de James Bond frente a la competencia. Por ahora, parece evidente que necesita unos añitos de retiro, y una refundación profunda, ya sin Craig, para poder intentar recuperar sus mejores momentos. A

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Straight Outta Compton Straight Outta Compton / USA / 2015 Dir.: F. Gary Gray

Rep.: O'Shea Jackson Jr., Corey Hawkins, Jason Mitchell, Neil Brown Jr., Aldis Hodge, Paul Giamatti

Texto: Juan Romero

traight Outta Compton es exactamente lo que cabría esperar de ella. Es un biopic centrado en el grupo de rap N.W.A., uno de los primeros y más famosos grupos de hip-hop de la costa oeste. Como tal, tenemos la subida al estrellato de unos chicos de barrio, salpicada de encontronazos con la policía, problemillas entre ellos, tensiones contractuales y demás lugares

comunes. Todo ello con el acompañamiento de fondo siempre de temas de la N.W.A. en la banda sonora. La película comienza poniendo el foco fundamentalmente en los personajes de Eazy-E, Ice Cube y Dr. Dre, y de cómo deciden montar un grupo para grabar las canciones de Ice Cube,

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Straight Outta Compton (F. Gary Gray, 2015)

junto a MC Ren. A partir de ahí, Straight Outta Compton se centra básicamente en el recorrido musical del grupo. Así, las pocas secuencias que muestran situaciones de la vida personal de los diferentes miembros del grupo tienen mucho menos peso en la trama que las que cuentan las diferentes actuaciones, grabaciones, y negociaciones con los diferentes promotores, que son las que copan el grueso del metraje. En ese sentido cabe destacar, además, el poco amarillismo en esa vertiente familiar, que siendo un grupo de gangsta rap hay muchísima menos violencia y drogas de las que cabría esperar. Incluso los diferentes encontronazos con la policía que se suceden a lo largo de la película, suceden o bien por casualidad, para reflejar ligeramente el ambiente de represión y brutalidad policial que existía (existe) en Estados Unidos, o bien relacionados íntimamente con su música, cuando les prohíben que canten determinadas letras (notablemente Fuck da police). Así pues, y centrado el argumento en la vertiente musical de los miembros de la banda, el conflicto viene a través de los tejemanejes del manager y los roces entre ellos, que hacen que Ice Cube deje la banda para emprender una carrera en solitario, desde la cual se intercambiará diversas pullas con el resto de miembros de la banda. Transitando por lugares comunes, y sin profundizar mucho en la vertiente personal de los protagonistas, la película acaba apostándolo casi todo a la música de los N.W.A. El elemento principal acaba siendo la composición, grabación, e interpretación de los temas de la banda. Y en esos momentos, la película ofrece sus mejores momentos gracias al poder inmenso de su propia música. Incluso alguien que no es particularmente seguidor de ese estilo de música puede

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apreciar en toda su dimensión el talento que desbordaban los miembros de la N.W.A. en esa etapa. Sin embargo, la película acaba siendo extremadamente larga, y hay determinados momentos en los que baja el nivel irremediablemente, cuando se apunta a los tópicos más trillados de este tipo de género cinematográfico. Cuando intenta ponerse trascendente “La película acaba o sentimental acaba rozando el melodrama apostándolo casi todo a la superfluo de las tvmomúsica de N.W.A. y ofrece vies más rancias, y sus mejores momentos solo es cuando vuelve a coger para apoyarse cuando se centra en la la muleta de las cancomposición, grabación ciones de la banda cuando vuelve a subir e interpretación de los el nivel. Ese tono sentemas del grupo” timentaloide que no llega a transmitir lo que pretende alcanza su paroxismo en el tramo final en el que, ya separados y peleados entre sí, sobreviene una tragedia a uno de ellos, y vemos cómo reacciona el resto de la banda ante ese infortunio. En cualquier caso, el balance es muy positivo, aunque solo sea porque las expectaciones de partida eran muy bajas, y por el gran talento del grupo sobre el que trata. La película acaba alcanzando momentos realmente notables y, aunque gran parte de los elementos que la componen suenen demasiado rutinarios, la impresión global que deja la película es positiva. Es evidente que no llega a ofrecer todo lo que podía ofrecer, pero sí que acaba destacando sobre otros biopics musicales mucho más flojos que nos han llegado últimamente, como puede ser el de James Brown. A

Crecí al calor de la ficción post-moderna de los 70 y las películas post-Godard, y había la idea de que lo que importaba era la teoría o el meta-arte. Mis películas son emocionales más que meta. Esa es mi rebeldía. • NOAH BAUMBACH

Biopics musicales

os biopics musicales son un tema recurrente en Hollywood. No solo con los estrenos de películas del género que se producen, sino por la cantidad de noticias y rumores que se generan a su alrededor. Posiblemente sea uno de los géneros en los que más proyectos se intentan poner en marcha, pero que luego se caen por diferentes motivos. Este mes tenemos el estreno de Straight Outta Compton, centrado en la figura del grupo de rap N.W.A. Pero también tenemos nuestra ración de rumores acerca de varios biopics musicales que están por llegar. Nos hemos enterado del enésimo giro en cuanto a la producción del biopic sobre Freddie Mercury, que parece confirmarse que se rodará el verano próximo con Ben Whishaw dando vida al líder de Queen; tenemos el Miles Ahead en el que Don Cheadle escribe, dirige e interpreta a Miles Davis, dando vueltas por festivales; o tenemos la noticia de la puesta en marcha de un biopic centrado en Guns n Roses, que veremos dónde llega. Aprovechando todo esto, decidimos repasar algunos de nuestros biopics favoritos, intentando centrarnos en los que se salen algo de la norma. Para demostrar también que partiendo de un género a priori tan encorsetado como puede ser el biopic musical, siempre hay margen para hacer cositas diferentes e interesantes.

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Biopics musicales

Amadeus Por Juan Romero

primera vista, es difícil de considerar Amadeus un biopic musical al uso. Fundamentalmente porque en la película, en lugar de centrarse en contarnos la vida y obra de Mozart, se nos cuenta su historia a través de los ojos de Salieri. Con lo cual tenemos una visión absolutamente fragmentada y subjetiva del genio austriaco, no solo por el hecho de contárnoslo todo desde una tercera persona, sino porque la situación de Salieri y sus sentimientos por Mozart hacen de él un narrador no creíble. La trama se centra precisamente en las distintas reacciones de Salieri al ir conociendo más y más a Mozart. La admiración que profesa por su trabajo, antes aún de conocerlo, se torna en estupefacción al tratarlo y darse cuenta que es un perfecto imbécil. A partir de entonces, cada éxito de Mozart es considerado por Salieri un agravio, porque no le considera merecedor de poseer tal talento. Salieri ama la música por encima de todo, y da su vida por poder componer lo mejor

posible, mientras que Mozart parece no darle importancia, y su enorme capacidad viene dada simplemente por un talento descomunal. Salieri entonces se ve entre la admiración de la maravillosa obra de Mozart y el increíble desprecio que siente por él. Y se sirve de su posición en la corte para intentar atacar y destruir a Mozart, pese a ser uno de los que más disfruta con sus composiciones. Ese conflicto de Salieri es lo que acaba ocupando el centro de la película. Cada visita de Mozart a la corte, cada nuevo estreno del compositor, cada encuentro entre Mozart y Salieri acaban sirviendo fundamentalmente para añadir más y más tensión en el atormentado Salieri. Y la película va creciendo hasta volverse absolutamente monumental, a la par que crece la locura de Salieri. Dejando la música de Mozart básicamente como fondo. Pero si nos fijamos bien, es evidente que la película tiene muchos elementos de biopic musical. Porque de una manera u otra nos va mostrando

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Biopics musicales

muchos elementos de la vida de Mozart, tanto la familiar, a través de diversas escenas con su mujer, y sus problemas con el alcohol; como la musical, con estrenos de varias óperas que de hecho van reflejando ciertas situaciones de su propia vida. Todo ello, unido a la personalidad exagerada y particular de Mozart, son elementos que hacen que Amadeus pueda ser considerada un biopic musical sin ningún problema.

Es absolutamente exagerado e increíble. Y sin embargo funciona perfectamente. Funciona de la misma manera que funcionan los exagerados e increíbles argumentos de casi todas las óperas que en el mundo han sido. Epatando con la belleza de las imágenes y la música para que esa exageración acabe asumiéndose como lo más normal del mundo.A

La mezcla de elementos de la vida de los protagonistas en las óperas que se nos ven presentadas, acaba teniendo un interesante giro en el tramo final. La propia película acaba convirtiéndose de alguna manera en una especie de ópera. Todo el tramo final en el que Salieri se disfraza del fantasma del padre de Mozart para encargarle que componga una misa de Réquiem que pretende luego robarle para llevarse él todos los parabienes es absolutamente demencial. Culminado, claro, con la intención de Salieri de matar a Mozart, que acaba muriendo de agotamiento precisamente por escribir el Réquiem.

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Biopics musicales

I'm not there Por Alberte Álvarez

oeta, profeta, forajido, farsante, estrella de lo eléctrico... y muchas cosas más es Bob Dylan en esta magnífica y polifacética película de Todd Haynes, que divide la personalidad del músico en una serie de facetas que interpretan distintos actores. De entre estas partes destacan especialmente las interpretadas por Cate Blanchett y Christian Bale, aunque todas son magníficas y están perfectamente engarzadas, excepto quizá la faceta de forajido interpretada por Richard Gere, que en mi opinión desentona un tanto con las demás.

I'm not there desprende poesía a través de diálogos afilados y mordaces, de gran carga simbólica. Cada personalidad del artista, interpretadas por distintos actores (y actriz), tienen un estilo único y diferenciado, en ocasiones yendo a un blanco y negro granulado, en otras yendo al color con temperaturas más cálidas o en otras yendo al género falso documental con sus entrevistas a personas allegadas y todo éso. El caso es que todo este batiburrillo se entremezcla de manera

cuasiperfecta debido a una gran labor de guion y de montaje que provoca transiciones geniales que hilan la historia de forma maravillosa. Pero, ¿de qué va esta pseudo-biografía de Bob Dylan? Pues más allá de que en cada fragmento se incide en una parte de la vida del músico en el que una de sus características es más evidente, la película realmente va de expectativas. De cómo lidiar con lo que se espera de ti. De cómo afrontar que se decepcionen de ti y hacer lo que crees, seguir tu camino pese a que te llamen traidor o Judas. “Nunca crees nada, se malinterpretará, te perseguirá”, dice Arthur Rimbaud, trasunto del Bob Dylan poeta. El público paga su propia impotencia debido a su fracaso como potencializador de cambio en el héroe que les abandona y deja el frente de lucha desierto. Los fans y los periodistas querían a un héroe de causas que ellos mismos no se mojaban en apoyar, como dejando la responsabilidad exclusiva del triunfo de la justicia a un músico

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Biopics musicales

de folk protesta que quiere dejar de serlo, de modo que puedan desentenderse de la lucha que hay que realizar día a día. Eso es algo que Dylan no piensa representar. Para él, el paso de la canción protesta (farsante Woody Guthrie en sus inicios) a una canción más intimista, hermética, no deja en ningún caso de lado su carga política, presente entre los recovecos de sus versos. La dificultad para entender al artista está presentado en el film como algo realmente buscado por el propio Dylan. Al fin y al cabo, ¿por qué hay que entender lo que dice y hace? Él hace música, a quién le guste bien, lo demás es superfluo. Busquen otro héroe al que seguir, sean su propio héroe. Sean fieles a si mismos antes que exigir fidelidad a un músico que busca hacer su propia carrera.

partes, quizá menos profundas aunque también interesantes, destacando la parte del niño negro como un imitador/seguidor del maestro del folk Woody Guthrie (la funda de la guitarra del niño lleva la famosa inscripción “This machine kills fascists”). En I'm not there nos encontramos ante uno de los biopics musicales más trabajados, con más capas y más estilo de los que conozco. Su variedad estilística, su acercamiento al personaje por distintas vías, sus películas dentro de una única y perfectamente finalizada película, sus grandes actuaciones y la selecta elección de las canciones hacen de esta obra una joya artística que no hay que perderse, independientemente de si eres fan o no de la música del genio de Minnesota. A

El foco puesto en él le agobia bajo la máscara de estar de vuelta de todo. Las partes de Cate Blanchett y Christian Bale son las más reveladoras de estos aspectos y superiores a las demás

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Biopics musicales

Sid y Nancy Por Juan Romero

id y Nancy nos cuenta la historia de la relación entre el legendario bajista de los Sex Pistols Sid Vicious y su novia Nancy Spungen, desde el momento en el que se conocen, ya con Sid formando parte del grupo, hasta la muerte de Nancy apenas año y medio después. A través de la película vamos viendo la inmersión profunda en el mundo de las drogas por parte de Sid y Nancy, y los problemas que la presencia de Nancy, la manera de ser de Vicious y las propias drogas van generando en el grupo. Esta sinopsis, que podría cubrir casi con exactitud el argumento de la gran mayoría de los biopic musicales, no basta sin embargo para definir esta película. Porque en realidad, Sid y Nancy decide dejar la mayor parte de esos elementos en un segundo plano, sirviendo así como eje conductor de la película pero no como su foco. Centrándose ésta fundamentalmente en las escenas más cotidianas de la vida de la pareja y de los Sex Pistols y dejando a un lado los momentos que en cualquier otro biopic serían los más importantes. La desconexión entre escenas, los fragmentos de

conciertos punk, y el propio estilo en el que está rodada la película, con un look que intenta ser lo más cercano y cutre posible, colabora de manera decisiva para que Sid y Nancy acabe siendo un reflejo de la subcultura punk, más que en un biopic centrado en Sid Vicious (que también). Toda la película en sí acaba siendo tan caótica, directa, visceral y salvaje como el propio Sid Vicious, lo cual funciona extraordinariamente bien. Dando vida a Sid Vicious está el siempre magnífico Gary Oldman, en uno de sus primeros papeles en el cine, que nos deja la que es probablemente la primera gran interpretación de su carrera, haciendo que nos creamos en todo momento el exageradísimo personaje de Sid Vicious. Como digo, la película funciona realmente bien en su exageradísimo tono punk, sobre todo durante la primera mitad. Pero también es cierto que en la segunda parte de la película, cuando desaparecen de escena los Sex Pistols, y nos quedamos solamente como Sid y Nancy, la

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Biopics musicales

película acaba haciéndose algo pesada, y cae un poco el interés. A partir de entonces solamente remonta en momentos puntuales, como durante la mítica interpretación de My Way, o la cena en casa de los padres de Nancy. Aunque realmente esta última escena no termina de funcionar todo lo bien que debería. Todo el tramo final de la película, con Sid y Nancy deambulando por el Chelsea Hotel, se hace increíblemente repetitivo. Además, el hecho de que desde el principio de la película te hayan mostrado qué es lo que va a ocurrir finalmente, te deja con el único interés de ver cuándo se va a producir el desenlace, y todo lo que hacen para dilatar ese momento acaba aburriendo más que elevando la tensión. Finalmente, cuando muere Nancy, la película acaba con una coda onírica que roza el ridículo, y que además irrita a un espectador que querría conocer algo más del desenlace de Sid tras la muerte de su chica. Lo cual hace que la película no acabe dejando un buen sabor de boca.

reflejo de todo el movimiento punk. Caótico, violento, salvaje, visceral, sincopado, embadurnado en alcohol y en drogas, y que empieza por estimular e interesar, pero que finalmente uno acaba agotado y saturado por completo de todo aquello. Y su naturaleza repetitiva y hasta cierto punto vacía hace que acabes desconectando. Da la sensación de que la película acaba siendo demasiado larga, y que le sobran unos buenos quince o veinte minutos. Por algo las canciones, los discos y los conciertos punk suelen ser relativamente cortos. A

En definitiva, Sid y Nancy acaba siendo un fiel

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Biopics musicales

Control Por Juan Romero

l argumento de Control es, una vez más, una muestra bastante predecible del género de los biopics musicales. En este caso centrado en el líder de Joy Division, Ian Curtis, Control nos va relatando distintos momentos de su vida, desde su matrimonio con su mujer, la creación y crecimiento de la banda, la relación con su amante que pone en peligro su matrimonio, sus problemas de salud, en este caso sus ataques de epilepsia y las distintas drogas que tiene que ir tomando para intentar controlarlos, hasta su fallecimiento. En esta ocasión, como en la mayor parte de los biopics que estamos analizando, lo que hace de esta película algo especial es el tratamiento particular de una historia que bien podría caer en todos los tópicos del mundo. Para ello el director de la película decide centrarse en la manera de ser de Ian Curtis. En sus miedos, sus contradicciones, su sensibilidad, y su incapacidad para encajar con el resto del mundo. Intentando un retrato mucho más cercano, sincero y humano de lo que suele ser habitual en este tipo de películas, mucho más predispuestas a quedarse en el exceso y en la anécdota.

Anton Corbijn es quien dirige la película, que supone su debut como director de largometrajes tras años trabajando como fotógrafo musical y director de videoclips. Es precisamente su experiencia previa como fotógrafo, en la que conoció y trabajó con los propios Joy Division, la que le da el bagaje necesario para afrontar una película de estas características. Tanto el aspecto visual de la película, en un estudiado blanco y negro que intenta a la vez ser una decisión estética y una manera de aproximarse a la época y al mundo interior del protagonista, como el respeto con el que trata a los personajes, son consecuencia directa de su pasado como fotógrafo y su relación personal con Joy Division, respectivamente. En las escenas más íntimas del protagonista, en las que compartimos y entendemos su dolor y su manera de ver el mundo se combinan ambas facetas, consiguiendo así Corbijn un retrato a la vez poético y realista del atormentado líder de Joy Division. Toda la película se articula en torno a la fragilidad del personaje en diferentes facetas de su vida. Por un lado tenemos el golpe devastador

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Biopics musicales

que sufre cuando le diagnostican epilepsia y le dicen que van a tener que ir probando diferentes medicamentos a ver si alguno acaba dando resultado. Agravado además por su conocimiento personal de una chica que murió por culpa de la epilepsia. Esto hace que sienta que no tiene ningún control sobre su propia vida, y que la espada de Damocles va a estar siempre sobre su cabeza. El segundo elemento es el triángulo amoroso con su esposa y su amante. Aquí también, de alguna manera, el protagonista es incapaz de tomar las riendas de su propia vida y decidir lo que tiene que hacer. No es capaz de abandonar a ninguna de las dos, lo cual hace que todo se vaya complicando más y más, hasta que todo estalla. Si con la epilepsia sentía que no tenía el control, aquí, que podría tenerlo, decide no ejercerlo tampoco, con desastrosas consecuencias. Y el tercer elemento, donde se unen todos los fragmentos de la vida del protagonista, es a través de su música. Por un lado, intentando exorcizar sus demonios mediante la composición de canciones tan icónicas como She’s lost control,

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acerca de la epilepsia; y Love will tear us apart, sobre el amor que se agota. Pero también a través de su vida como músico y cantante. Su buena relación con el resto de miembros de la banda (en lo que es una rara avis dentro de los biopics musicales) y la energía que desprende en los conciertos, donde es quizás de los pocos momentos en los que se le ve realmente feliz. Contrastando eso con el profundo agotamiento físico y mental que le supone el entregarse en cuerpo y alma a la música, lo que le deja absolutamente vacío e incapaz de seguir adelante con el resto de su vida. Y es lo que termina de ir consumiéndole poco a poco. Podría decirse que Control, como reflejo de los propios Joy Division, es una magnífica película indie, sobre un chico extremadamente sensible, que es incapaz de vivir la vida que le ha tocado, y que se vuelca en la música para dar rienda suelta a esos sentimientos, sin que por ello pueda llenar el vacío que siente. A

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En la cuerda floja Por Alberte Álvarez

alk the line es esa peli gestada con mimo en Hollywood y que va directa a competir en los Oscar. Suelen tener similares características, un corte clásico, un guion muy trabajado y pulido, y a grandes actores haciendo buenos papeles, que generalmente se ganan la nominación al Oscar igualmente. Este biopic de parte de la vida de Johnny Cash es de esas películas. Fundamentada en un guion notable con numerosas subtramas de las que hablaré más adelante, los dos principales intérpretes, Reese Witherspoon haciendo de June Carter y Joaquin Phoenix haciendo del músico Johnny Cash (sobre todo éste último), se permiten adornar el trabajo llevándolo un paso más allá, de una buena película a una gran película. Aunque finalmente fue la buena de Reese la que ganó el Oscar a la mejor actriz secundaria.

Walk the line, traducida en España como En la cuerda floja, comienza in extrema res con Cash

girando pensativamente una sierra eléctrica en el backstage antes de salir al escenario para su famoso concierto en la prisión de Folsom que daría lugar al álbum en directo At Folsom Prison en 1968. Después de este prólogo ya iremos siguiendo de manera cronológica la vida de Johnny, desde su infancia con un padre autoritario y un suceso con su hermano que le marcará de por vida, pasando por sus comienzos, su relación con las drogas y su relación con las mujeres. La música de Cash está presente en toda la película como es obvio, a través de sus actuaciones en directo y giras sobre todo, pero más allá de eso su relación con la industria de la música pasa casi desapercibida en la película. El verdadero foco se centra en la relación de John con las drogas y con June Carter. Relaciones complejas ambas, pero que van en parte ligadas a lo largo de la trama. Para dejar la droga se necesita un sustituto, y Cash lo encuentra en su amor (obsesión podría decirse más bien) por June.

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Pero es lo que no se dice, lo que se obvia pero como espectadores sabemos que está presente lo que en realidad mueve el personaje de Cash. La muerte de su hermano y el sentimiento de inferioridad ante su padre al considerarse el hijo menos querido sobrevuelan siempre los actos del músico. Con un padre así cualquiera se siente intimidado… el actor es el malo de Terminator 2. Eso es mucho respeto. Las dos horas y poco que dura el metraje se pasan muy rápido y el ritmo no decae en ningún momento, como no podía ser menos en una película dedicada a Johnny Cash. El guion es preciso al milímetro, y todas esas tramas que comenté encuentran su hueco y su resolución, dando finalmente una sensación buenrollera para el espectador que buscaba encontrar un entretenimiento satisfactorio pero con cierta chicha en esta película de James Mangold (la mejor hasta la fecha).

cuidadosamente preparada para petarlo en los premios, con buenas actuaciones, sin grandes pretensiones artísticas más allá de la corrección y con una buena historia detrás. Este es un estilo, casi género, por cierto, en el que los británicos se están volviendo grandes especialistas. Ahí están El discurso del Rey, The Imitation Game y The Theory of Everything, por ejemplo, mostrando películas biográficas correctamente ejecutadas, con buenas interpretaciones y una buena historia. Directas a los Oscar. Walk the line, por su lado, sirve tanto a los legos de Cash para conocer su vida y obra, como a los ya conocedores para sentirse listos sabiendo de qué disco es cada canción, en qué año sucede lo que están viendo y qué le va a pasar después al bueno de Johnny. Entretenida y didáctica, bien merece dedicarle el tiempo que dura. A

En definitiva, nos encontramos ante esa película

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Recibir malas críticas o hacer algo que no es genial es muy bueno también para ti. Me hace sentir como una actriz que se ha ganado un poco sus galones. • GRETA GERWIG

Mistress America Mistress America / USA / 2015 Dir.: Noah Baumbach

Rep.: Greta Gerwig, Lola Kirke, Matthew Shear, Jasmine Cephas-Jones, Heather Lind.

Texto: Alberte Álvarez

l dúo Noah Baumbach y Greta Gerwig tiene mecanizada la tecla que hay que pulsar para hacer que las películas funcionen. No hay muchos ingredientes, pero resulta igual de efectiva. Tampoco son obras maestras, pero sí son películas que te aportan algo, que te devuelven ciertas emociones que por lo general no te traen las demás comedias americanas.

En esta ocasión tenemos a Brooke (Greta Gerwig) como una extravagante treintañera que quiere prosperar a la vez que vive la vida siendo como es. No obstante la verdadera protagonista es Tracy, una recién llegada a Nueva York a sus 18 años, con el objetivo de comenzar la universidad.

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Mistress America (Noah Baumbach, 2015)

Tracy rápidamente se encuentra fuera de lugar y aburrida en su nuevo ambiente universitario. Solo encuentra ánimos para seguir en sus esperanzas por entrar en el club de literatura Moebius de la facultad. Así conocerá a Tony, otra alma perdida pero en chico, que le gustará pero por el que tampoco tendrá grandes sentimientos. Tracy vive a medio gas en su interior. Desplazada un metro hacia su izquierda. Es con la llegada de Brooke a su vida cuando encontrará la inspiración para escribir y la pasión por la vida en la gran manzana. En Mistress America nadie encuentra su papel en la vida, todos se encuentran desubicados ante una sociedad capitalista y tradicional que les estrecha el margen de maniobra para ser felices a su manera. Ya sea la felicidad montar un restaurante, no tener hijos y sentirse joven o, simplemente, tener alguien con quien celebrar el Día de acción de gracias. En las películas de Baumbach se puede percibir bastante nítidamente ese toque del que quizá el gran maestro sea Wes Anderson. No en cuanto a estética (aunque hay ciertos planos detalle cenitales muy característicos del tejano), sino más bien en la habilidad para crear comedias amargas, con ese toque melancólico tan made in Sundance. Unas comedias que no te harán soltar ninguna carcajada, pero sí crearán en ti un estado de alegría tonta. Pero a la vez tienen esa parte amarga, incluso agria, de personajes

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que no encajan, que se sienten solos, que fracasan constantemente en sus propósitos y que no ven su futuro claro. Por otra parte, algo que manejan muy bien Baumbach y Gerwig como guionistas, es lo sencillo que resulta sen“Mistress America tirte identificado con alguno de los personajes, muestra habilidad al tener todos personapara crear comedias lidades tan distintas. Así es como la película te amargas, con ese atrapa en su narrativa de toque melancólico tan búsqueda de uno mismo made in Sundance” y de un futuro al que agarrarse.

Mistress America, sin embargo, pese a ser muy disfrutable durante la mayor parte de su metraje, termina, a mi modo de ver, con un clímax en forma de soap opera demasiado largo y distante del tono general del resto del film. Esto hace que para mí, la fantástica Frances Ha sea superior al ser más redonda en su conjunto. Pero de lo que no cabe duda es de que Noah Baumbach, junto a su actriz fetiche Greta Gerwig, son quizá de lo mejor que está ofreciendo el cine estadounidense en el terreno de la comedia. Cada película que saquen será de obligado visionado a partir de ahora. Se han ganado el beneficio de la duda.A

Los Juegos del hambre: Sinsajo - Parte 2 The Hunger Games: Mockingjay - Part 2

/ USA / 2015 Dir.: Francis Lawrence Texto: José M. Aparicio

ace tres años cuando caminaba hacia el cine para ver la primera entrega de Los Juegos del Hambre me acompañaba una ilusión prudente. Una distopía con una premisa tan interesante solo puede darme momentos de diversión y disfrute, pensaba. Después de quedarme frío e incluso enfadado viendo como una buena idea era tan desaprovechada, la segunda película la afronté con menos entusiasmo pero aun con un halo de esperanza que me daba el cambio de director y de guionistas. Si bien esa

Rep.: Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, Liam Hemsworth, Donald Sutherland, Julianne Moore, Philip Seymour Hoffman, Natalie Dormer. al final ha quedado como la mejor entrega de las cuatro, tampoco se acercaba a lo que yo pensaba que podría dar una premisa tan sugerente en las manos adecuadas. Después de aburrirme soberanamente en la más que prescindible tercera parte con tanto diálogo insulso y tanta oscuridad me dispuse a ver esta última con menos entusiasmo que un vegano en un McDonald's. Y mis temores se cumplieron una vez más. Porque esta cuarta y última película de la saga tiene veinte minutos aprovechables y casi dos Revista Erebus - Diciembre 2015

Los juegos del hambre: Sinsajo - Parte 2 (The Hunger Games: Mockingjay - Part 2, Francis Lawrence, 2015)

horas de discursos motivadores y conversaciones que de tanto intentar ser trascendentes acaban por ser grandilocuentes. Repeticiones de lo mismo dicho de distintas maneras. Exaltaciones contínuas del amor más falso que se ha visto en una pantalla de cine y reivindicaciones políticas que uno no sabría colocar en el espectro que manejamos en nuestro día a día. Hay tantos dilemas morales como diálogos y eso cansa. Aparte de que el guion no es capaz de darle un poco de empaque a tanta profundidad y la cosa se queda en palabras e ilusiones totalmente vacuas, sin sustentación. Es como si me hablasen de como hacer vuelos transoceánicos y luego me sacaran un avión de papel para afrontarlos. Una confirmación de que las dos últimas mediocres películas deberían haber sido una sola que podía haber llegado a ser buena limpiando la paja y centrando el tiro sin tener que repetir quince veces lo mismo. El film avanza a trompicones. El primer acto es aceptable y parece que nos va preparando para el gran alzamiento contra la terrible dictadura del Capitolio. Un alzamiento capitaneado por la valiente Katniss (Jennifer Lawrence) que con su carisma y arrojo es capaz de comandar a los trece distritos en la rebelión. Pero poco a poco, el sinsajo se convierte en un fraude que solo sirve para grabar vídeos propagandísticos e infiltrarse entre gente inocente, escondido y asustado, ese es todo su poder. El pájaro mitológico que parecía durante cuatrocientos minutos que iba a liderar una revolución histórica se vuelve vulnerable y sensible envuelto en un triángulo amoroso absurdo y forzado con Peeta (Josh Hutcherson) y Gale (Liam Hemsworth). El primero se ha convertido en una marioneta del gobierno que intenta matar a su amada y en vez de dejarlo en su celda del manicomio bajo tratamiento para recuperarse nos lo insertan con calzador en medio de la misión para que Revista Erebus - Diciembre 2015

tenga algo de protagonismo. El segundo es un pagafantas desaborido que si no apareciese en toda la película seguramente nadie se daría ni cuenta. El resto de secundarios ya los he olvidado y la gente que muere por el camino no da pena, sino alivio.

“La fotografía es un Hablando de gente que muere, la prematura popurrí de CGI que muerte de Seymour no aporta mucho, la Hoffman durante el rodaje obligó a cambiar banda sonora te dice el guion para quitarle lo que tienes que sentir protagonismo ya que y cuando hacerlo algunas de sus escenas clave quedaron sin y el montaje es un rodar. Esto hace que su despropósito.” personaje pase sin pena ni gloria con apenas un par de escenas intrascendentes y le quita uno de sus alicientes a la cinta: Ver a un actor de verdad haciendo lo que mejor sabe. Es verdad que la protagonista y los secundarios veteranos (Julianne Moore y Donald Sutherland) cumplen pero sin destacar. En cuanto a los aspectos técnicos, la fotografía es un popurrí de CGI que no aporta mucho, la banda sonora en vez de acompañar, dirige, ya que te dice lo que tienes que sentir y cuando hacerlo y el montaje es un despropósito que impide que haya ritmo y te hace desconectar de cuando en cuando. En definitiva, una prescindible cinta que no aporta nada al género, que intenta revestir de profundidad sin tenerla todo lo que hace y que ni siquiera divierte por su acción o su original historia. A

The Assassin Nie yin niang / Taiwán / 2015 Dir.: Hou Hsiao-Hsien

Rep.: Shu Qi, Chang Chen, Satoshi Tsumabuki, Ethan Ruan, Nikki Hsieh, Ni Dahong.

Texto: Alberte Álvarez

ou Hsiao-Hsien es un director que siempre pensé que se iba a convertir en uno de mis favoritos. Había visto fragmentos de algunas de sus obras, y en pocos segundos se apreciaba un estilo irrepetible y una sensación de verdad, de realidad, difícil de explicar para ni siquiera saber de qué trataba la película. Sin embargo, he empezado su filmografía por el final, con The Assassin, y me he llevado una decepción considerable.

La historia es la de la joven Yinniang, cuya maestra envía como castigo por una ejecución no realizada a la disidente provincia de Weibo a matar a su primo, el gobernador de dicha provincia. La trama no va mucho más allá de esta premisa, en realidad. Resulta poco interesante, muy dispersa y en ocasiones incluso confusa. Toda la película se sostiene sobre los pilares de la maravillosa fotografía y el exquisito diseño artístico. Los planos, generalmente largos y que incluyen muchas veces paneos de continua ida

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The Assassin (Nie yin niang, Hou Hsiao-Hsien, 2015)

y vuelta, están pensados al detalle y son los que te mantienen pendiente de la pantalla, ya que la historia, en mi caso, no lo hizo. Las ricas escenas interiores nos invitan a pasar desapercibidos en la estancia, siendo partícipes de momentos íntimos de los protagonistas (esa escena detrás de la cortina…). Cabe destacar también las hermosísimas localizaciones, con algunos paisajes impresionantes. La naturaleza desborda el plano y miniaturiza a los personajes en unas imágenes que cortan el aliento. Por otro lado, no hay muchas escenas de artes marciales y esgrima pero, como cabe suponer en una película que reinterpreta el género wuxia, alguna hay. Y la verdad es que son de gran belleza, con movimientos de cámara pausados y cortes espaciados, al contrario de lo que se impone ya desde hace tiempo en el cine de acción, pero que entronca bastante con el estilo de otro gigante del cine chino como es Zhang Yimou, sobre todo en películas como Hero, La casa de las dagas voladoras o La maldición de la flor dorada, o, ¿por qué no?, con la reciente The Grandmaster, de otro gigante como es Wong Kar-wai. Sin embargo, las resoluciones de estas escaramuzas (generalmente muy breves) me resultan inentendibles y totalmente anticlimáticas, por no decir que me provocan un desconcierto rayano a la vergüenza ajena. Ciertamente

comprendo

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dónde

encuadrarse la pasión de muchos críticos por esta película (el crítico de The Telegraph dijo que era “uno de los más puramente hermosos films que había visto nunca” y el de la revista The “Las resoluciones de Dissolve que “se encuentra estas escaramuzas me entre las películas más hermosas jamás hechas”) pero resultan inentendibles en mi opinión el envoltorio y totalmente al abrirse deja entrever un anticlimáticas.” vacío de tedio y sopor. La pretendida tensión entre el cumplimiento de la misión y los propios sentimientos de Yinniang no acaba por atrapar al espectador y hace derrumbarse la obra al completo, dejándola en una sucesión de increíbles escenas perfectamente fotografiadas, iluminadas, coreografiadas y artísticamente diseñadas. Lástima que el núcleo esté hueco, porque podría haber sido una de las mejores películas del año.A

puede

Life Life / UK / 2015 Dir.: Anton Corbijn

Rep.: Dane DeHaan, Robert Pattinson, Alessandra Mastronardi, Joel Edgerton, Ben Kingsley.

Texto: Alberte Álvarez

nton Corbijn explota su pasión por la fotografía en esta película sobre un rebelde James Dean luchando por entrar a su manera en la industria de Hollywood y un ambicioso fotógrafo que quiere hacer de su trabajo un arte.

entonces- desconocido James Dean en una fiesta, se interesa en su actitud y personalidad. Creyendo que va a ser el próximo actor de moda ambos acuerdan realizar un reportaje que ayudará tanto al despegue de la carrera de Dean como a la de Stock.

Dennis Stock es el verdadero protagonista de Life. El fotógrafo quiere dar un paso en su carrera y después de conocer a un -por aquel

Sin embargo la actitud rebelde de Dean, lejano a la parafernalia hollywoodiense, hará que el fotógrafo dé por perdido el reportaje en numerosas

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Life (Anton Corbijn, 2015)

ocasiones. Este desapego a entrar en el juego de los productores cinematográficos se vislumbra en el viaje de Dean junto con Stock al pueblo de Indiana natal del actor, donde se puede escabullir de todo ese glamour impostado de las industrias del cine comercial de aquella época en Nueva York y Los Ángeles. A través de la fotografía iremos viendo como ambos personajes se influencian de manera considerable. Partiendo de extremos bastante alejados, se van neutralizando y acercándose a un punto más intermedio entre ambas personalidades, mientras sus vidas van girando alrededor, habitualmente no de la manera más feliz posible. De hecho parecen escapar más bien de sus vidas, de la gente que quieren. Es Robert Pattinson en el papel de Dennis Stock el que realmente tira de la cinta hacia delante, ya que Dane DeHaan hace un papel un tanto maniqueo, en el que se percibe una rebeldía demasiado infantil en ocasiones. No obstante tampoco está desentonado y entre ambos, con un buen elenco de secundarios generan los grandes momentos de la película, que los tiene.

provoca que entre momento intenso y momento intenso haya momentos valle que realmente eran prescindibles. Para mí estos momentos pesan demasiado como para poder realizar una buena valoración de “Pese al gran trabajo la obra pese al evidente trabajo actoactoral y el preciosismo ral y a la impecable fotográfico, entre momento fotografía, muy en intenso y momento la onda de un David Lynch light. No sé si intenso hay momentos se entiende la comvalle que realmente son paración, pero es lo que me parece. prescindibles, haciendo

algo tediosa la película.” En definitiva, Life (llamada así porque el reportaje apareció en dicha revista) tiene momentos muy buenos, un preciosismo notable y buenas interpretaciones, pero la falta de ritmo y algunos momentos demasiado lentos descompensan la obra haciéndola un tanto tediosa. De todas maneras los fans de James Dean o los fans de Robert Pattinson la disfrutarán como nadie.A

El gran fallo está en el ritmo. O en la longitud, como se quiera ver. Una es dependiente de la otra. Life es una película demasiado larga, a mi entender, para la historia que cuenta, lo cual

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Rams (El valle de los carneros) Hrútar / Islandia / 2015 Dir.: Grímur Hákonarson

Rep.: Sigurður Sigurjónsson, Theodór Júlíusson, Charlotte Bøving, Jon Benonysson, Gunnar Jónsson,

Texto: José M. Aparicio

a ganadora del premio especial de Cannes "Un certain Regard" a la mejor película de este año es esta película islandesa de bella factura. Rodada en un valle islandés de difícil acceso en el crudo invierno debido a la nieve, el hielo y las bajas temperaturas, el film nos regala una fotografía espléndida con un uso constante del blanco y planos panorámicos del paisaje montañoso. Basada en una historia real, la película nos habla de dos hermanos Gummi (Sigurður Sigurjónsson) y Kiddi (Theodór Júlíusson) que no se hablan desde hace décadas. Ambos conviven en una granja en el valle donde cada uno tiene su rebaño de carneros que les proporciona el sustento económico y les mantiene ocupados durante todo el año. Durante uno de los crudos inviernos que se viven allí, una plaga es declarada por los miembros del gobierno que vigilan la salud de los rebaños de carneros. Esto les obliga a sacrificarlos a todos pero Gummi consigue esconder a los suyos y esquivar así la perdida que le supondría la muerte de todos sus animales. Los hermanos irreconciliables tendrán que arreglárselas para no ser descubiertos por las inspecciones que regularmente van a visitarles para comprobar que la plaga ha sido vencida.

Bajo este argumento casi más propio de una comedia que de un drama se esconde un film cuyo desarrollo me dejó tan frío como su escenografía. El tranquilo divagar de los carneros, el lento transcurrir del tiempo entre las montañas, la ausencia de diálogos durante la mayor parte de la película. Todas estas características y alguna más del mismo estilo me llevaron al tedio durante las tres primeras partes del metraje. Donde algunos ven poesía yo, puede ser que por ignorancia, cansancio o falta de empatía, solo veía aburrimiento. Si bien la parte final remonta y cierra la película con unas cuantas escenas interesantes, yo ya estaba tan desconectado del relato que no pude disfrutarlas en todo su esplendor. Resumiendo, si quieres reflexionar sobre la vida rural, remota, aislada, sobre las relaciones sociales estancadas, sobre la importancia de la familia, todo ello en un entorno bello, sosegado y contemplativo, puedes ponerte esta película y disfrutar. En cambio, si quieres pasar un rato entretenido, ver aventuras sin fin en la nieve o tienes mucho sueño mejor que no pierdas el tiempo. A

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El clan El clan / Argentina / 2015 Dir.: Pablo Trapero

Rep.: Guillermo Francella, Peter Lanzani, Inés Popovich, Gastón Cocchiarale, Giselle Motta

Texto: Juan Romero

l clan nos cuenta la vida de una típica familia argentina en los años finales de la dictadura, en la que el padre, antiguo empleado del gobierno, decide montar un negocio familiar dedicado a los secuestros para pedir rescate, con la ayuda de su hijo mayor. Así, vamos viendo las diferentes operaciones que van llevando a cabo, con el secuestro de diferentes personas, su encierro en una habitación de la propia casa familiar, las peticiones de rescate, e incluso el asesinato de algunas de ellas. Y todo ello contraponiéndolo con las situaciones familiares, sobre todo con las dudas tanto del hijo mayor, que siempre es cómplice de las acciones del padre, como del resto de hijos, que intentan por todos los medios alejarse de ese estilo de vida. El argumento es poderoso, las secuencias de los secuestros están rodadas con mucha fuerza, y las interpretaciones de los protagonistas, sobre todo la de Guillermo Francella que da vida al padre de familia, son realmente destacables. Y sin embargo, no se sabe muy bien por qué, hay algo que falla. Lo que está sucediendo es absolutamente terrible. Y la cotidianeidad y naturalidad con la que se llevan a cabo los hechos debería multiplicar esa sensación de horror. Pero no llega nunca a transmitir las dosis de repugnancia a las que debería llegar. Es posible que los

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elementos secundarios de la película, como la relación del hijo mayor con su chica, o la huída de los otros dos hijos al saber a lo que se dedica el padre no estén correctamente desarrollados, porque no son capaces de contribuir a la tensión general de la película, con lo que acaban estorbando. Y también de alguna manera es decepcionante la falta de profundidad de los personajes, en los que solamente el hijo mayor presenta algún atisbo de tridimensionalidad entre todos los esbozos de personajes que le rodean.

El Clan es una película muy interesante, a priori, pero que no acaba de ofrecer todo lo que promete, por lo que acaba siendo realmente decepcionante. Y tras la exposición del argumento, y las primeras secuencias de secuestros, apenas ofrece nada más realmente destacable, salvo alguna escena familiar puntual, la gran interpretación de Francella, y una impactante y poderosa secuencia final que no consigue terminar de levantar una película que ya había caído demasiado.A

En Corto

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En Corto / Cutaway (Kazik Radwanski, 2014)

Rosa - These Storms Rosa - These Storms / USA / 2015 / 10 min Dir.: Hannah Gregg & Sean Kusanagi

Rep.: Documental.

Texto: Aitor Boada

n la eterna batalla entre contenido y forma parece que siempre tiene que haber un vencedor: una buena historia justifica una imagen no tan buena y una imagen de calidad parece equilibrar un argumento un poco pobre. Pero hay muchos ejemplos que nos demuestran que no tiene por qué ser así. De hecho, cuando una imagen buena se junta con una historia y un trasfondo muy profundo puede salir algo que haga, como mínimo, que nos sintamos distintos. Este es el caso de Rosa-These storms, de la productora Living on one. Merece la pena saber un poco más de ella: Esta productora nació en 2010, a raíz de un viaje de cuatro universitarios a la Guatemala rural. Su objetivo era rodar Living on one dollar, -un documental muy recomendable- en el que pretendían vivir con un dólar diario durante ocho semanas en una zona de extrema pobreza. Pero lo que iba a ser un viaje para encontrar respuestas sólo les trajo más preguntas. En su aventura del dólar diario, se nos presentan varios personajes, entre ellos Rosa, protagonista del documental que lleva su nombre. Tras las ocho semanas, volvieron a Estados Unidos, pero cada verano regresaban a Guatemala, así durante tres años. En 2014 rodaron este documental, en el que la protagonista nos narra su historia, sentada, mirando de frente a la cámara. La de Rosa es una historia que seguramente parezca lejana a muchos, pero que nunca hay que dejar de tener presente: En una aldea rural

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donde la norma es que las mujeres estén en casa cuidando a los niños y cocinando es muy difícil para ellas ir a la escuela o tener más independencia en sus propias decisiones. La suya es una historia de imposiciones, de rechazo y, sobre todo, de esfuerzo y sueños. Pero ha sido capaz de poner voz no sólo a la suya propia, sino a las miles de historias parecidas. Si eres de lágrima fácil, ve preparando una caja bien cargada de pañuelos: Rosa es la narradora de su propia historia, acompañada de una imagen y un sonido que casan perfectamente. Con su propia voz nos cuenta cómo marchó a la ciudad, fue violada y después rechazada por su propia familia. Su hija nació con hidrocefalia –una acumulación excesiva de líquido en el cerebro- y murió a los dos años. Después de ésto, confiesa que siempre quiso darle una educación a su hija y decide estudiar enfermería para llevar su propia farmacia y cubrir las necesidades de su aldea. Su historia es todo un ejemplo de superación y también supuso un estímulo para todas las mujeres que estaban en la misma situación. Cuando todo casa perfectamente, cuando una historia profunda se junta con una imagen y un sonido de calidad salen joyitas como ésta, que en sólo diez minutos son capaces de emocionar a cualquiera. Al terminar te hace sentir distinto, y es que como muy bien dice ella, no debemos tener miedo a las tormentas, sino que debemos tener alas y volar.A

Número 8 - Diciembre 2015

Creación, contenido y diseño Colaboraciones

Alberte Álvarez Juan Romero José M. Aparicio Aitor Boada Beatriz López Enrique Remírez Alfonso Romero Jesús Vázquez

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Alberte Álvarez Soy ingeniero forestal y trabajo en el desdichado mundo del I+D. Mi película favorita es Apocalypse Now y soy un groupie de Aki Kaurismäki, Truffaut, Wes Anderson, Yasujirō Ozu, Ken Loach, Sidney Lumet, Ingmar Bergman, Jarmusch o Haneke entre otros y otras muchas.

Juan Romero Me apasiona el cine y me gusta escribir, así que participar en un proyecto así era el paso natural. El poco tiempo que me queda libre después de ver películas y escribir sobre ellas lo dedico a hacer cortos.

José M. Aparicio Disfruto hablando de cine tanto como viéndolo. Me encanta escribir y gracias a este proyecto tengo la oportunidad de compartir mis opiniones y aprender con mis compañeros más de este maravilloso arte.

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Beatriz López Ingeniera en curso y artista frustrada. Me encanta el cine, dibujar y escuchar música. Obsesionada con los años 40, 50 y 60 es lógico que mi estilo sea Pin-up.

Enrique Remírez Habitante de una sociedad distópica, tengo la gran fortuna de poder recurrir al cine, los libros y los cómics para evadirme de la realidad.

Aitor boada Me gusta embarcarme en nuevos proyectos y si además juntan mis dos aficiones, parece hasta obligado. La pasión por el cine me viene desde pequeño. Era de esos niños que creen -y sigo pensándolo- que viven en una película.

Editado en Madrid por Alberte Álvarez Gil Imágenes: Getty Images, Wikipedia Commons, cinearchive.org, Fickr.

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ISSN: 2444-1406