Revista FSHN. Número 1. "Un Nuevo Comienzo"

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odo nace de una idea, un deseo, las ganas de hacer cosas.

Un interés común nos une y acaba forjando un producto a través del cual tan sólo buscamos poder mostrar nuestro trabajo. Aún así no aceptamos hacerlo de cualquier manera.

Fshn, nace de la necesidad por seguir adelante, de no dejarnos influenciar por las palabras de aquellos que insinúan que todo está perdido, y que es el fin. porque no es así. En ocasiones nos olvidamos del hecho por el cual comenzamos en nuestra “profesión”. En mi caso empecé a hacer fotografías porque me gustaba, y poco a poco me enamoré de ella.t Esto sigue presente. Ese amor por lo que hacemos y por lo que realmente nos gusta y que es parte más que importante para poder realizar esta revista.

Si algo tenemos en común todos los que hacemos fshn, es el hecho de que luchamos por hacernos un hueco, mediante trabajo y esfuerzo, ya sea como músicos, diseñadores, cinestas, fotografos..yo creo que la palabra que nos define es perseverancia, hasta el punto de que si supiera que el mundo se acaba mañana, hoy, plantaría un árbol. Esperamos que este arbol crezca y crezca , y poco a poco pueda hacerse un hueco en el bosque.

Lo que está claro es que FSHN, nace gracias una sola persona, son smuchos los que hacen que esto sea posible, y desde quí queremos agradecerles su inmenso trabajo.

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principios del mes de Diciembre, se confirmaron las sospechas. Alexander Wang es el nuevo director creativo de la firma de moda Balenciaga, sustituyendo así a Nicolas Ghesquière, quien decidió dejar su puesto de forma repentina tras 15 años en la maison francesa.

Wang, americano de origen taiwanés, creció en San Francisco y se trasladó a Nueva York condieciocho años para estudiar en la reconocida escuela de diseño Parsons The New School forDesign. En el año 2008, ganó el prestigioso premio como mejor diseñador emergente paramujer en los premios Council of Fashion Designers of America (CFDA). El diseñador cuenta con el apoyo constante de la mismísima Anna Wiour y es uno de los principales representantes de la nueva generación de la moda estadounidense.

La firma de moda Balenciaga comunicaba el día 3 de diciembre via Twitter la nueva aportacióna la casa.

«Alexander Wang tiene la responsabilidad de diseñar las colecciones de hombre y mujer, los accesorios y la imagen de Balenciaga». A esto, el diseñador afirmó:

“Me siento profundamente honrado al embarcarme en una casa que admiro y respeto tanto” Además de sus nuevos proyectos en Balenciaga, Wang seguirá trabajando como diseñador en su propia firma, la cual ha conseguido transformar en un negocio multimillonario en menos de una década, con sólo veintiocho años.

Alexander Wang.

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Ha habido innumerables comentarios sobre esta nueva aportación a Balenciaga. Nicolas Ghesquière es conocido por su estilo sobrio, futurista y elegante. Por otro lado, Alexander Wang, con sus colecciones ready-to-wear, posee un estilo mucho más comercial, moderno y cosmopolita. El color negro, blanco y un diseño mucho más casual y minimalista. No olvidemos que una de las prendas que más vende Wang es una básica camiseta blanca de su línea T by Alexander Wang.

Pero es que todo lo que toca el diseñador norteamericano se convierte en objeto de culto en blogs y revistas de moda.

Con esta diferencia estética, muchos se preguntan qué sentido tiene incorporar a un diseñador tan joven y con un estilo tan global y comercial como Alexander Wang a Balenciaga. Pues bien, se dice que la firma francesa busca renovar su imagen y convertirse en una marca ligeramente más fresca, para así dirigirse a un público más joven y amplio. Sin embargo, el secreto de esta nueva aportación a la maison podría radicar en las raíces de Wang con China.

El diseñador estadounidense habla mandarín, y es conocido que Balenciaga ha establecido numerosas relaciones con China (10 tiendas propias) y el sureste asiático en los últimos años. Además, aproximadamente un 40% de la población china estará por debajo de los treinta años en el 2020. Todo apunta a que Wang será de gran utilidad para establecer estas relaciones con el continente asiático y dar una imagen más fresca y juvenil a Balenciaga. Personalmente, creo que es una decisión muy inteligente por parte de Balenciaga, y que esta aportación solo puede traer algo bueno. Solo nos quedará esperar a la próxima colección Otoño/Invierno 2013 para ver el resultado.

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De la falda tubo al pantalón pijama, elegimos las tendencias que debes saber para el próximo año. ¿El gran secreto? !Un básico siempre es un básico! l año 2013 viene marcado por numerosas tendencias que van desde lo ultra femenino a la moda más práctica. Entre ellas abundan la influencia del armario masculino, los clásicos men´s pants, los abrigos oversize , pantalón pijamero, se reinventa la clásica bomber para una mujer más romántica, tejidos sofisticados junto con prendas XXL . Aquí van algunas opciones básicas y consejos para el nuevo año.

Esta temporada el estilo oversize viene pegando fuerte y es que te será difícil encontrar otro tipo de abrigo. Maxi, con cortes masculinos, en líneas depuradas y sin delatar las formas femeninas, nos encontraremos propuestas en paño, colores neutros, mezcla de tejidos y algunos toques militares.

Si aún no tienes el tuyo esta temporada no te olvides de echar un vistazo a nuestros favoritos, en Chloé, Max Mara o Stella McCartney encontrarás las opciones más románticas de la temporada.

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Combina tu maxi abrigo con unos pantalones sastre junto con un jersey de punto grueso. ¡Seguro que aciertas!

No podemos olvidarnos de los accesorios, y es que nunca han dejado de ser objeto de deseo para todas nosotras. Son una parte fundamental de nuestro look y cobran tanto o más protagonismo que la ropa. Podemos llegar a trasformar, con el complemento adecuado, casi cualquier estilismo en una verdadera joya. La bisutería marcada por un estilo barroco dará esta temporada el toque de brillo y glamour a todos tus looks, solo tienes que saber elegir la pieza adecuada para cada ocasión.

Otro de nuestros must have de la temporada sin duda alguna serán los loafears, dará igual si es invierno o verano, con calcetines, falda o pitillos será el básico indispensable. Los encontrarás estampados, con apliques, puntas metálicas o en glitter y te darán el toque que buscas.

Recuerda que no puede haber mejor manera para terminar el outfit que con un accesorio o prenda del color más tendencia de la temporada, y es que el color burdeos será tu nuevo amigo inseparable.

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por Aida Menéndez Puente menudo pienso en lo complicado que es dar con una persona capacitada para ejercer de director creativo de una firma. Y es que ya son unos cuantos los casos de empresas que han fracasado por no acertar en su elección. Véase el conocidísimo fracaso de Ungaro, sin ir más lejos, que tras varios intentos con distintos directores creativos parece haberse quedado anclada en el camino.

Es tarea fundamental que una firma se reconozca, es decir, que se identifiquen unos ciertos elementos que se codifiquen como señas de identidad de la marca, en otras palabras, debe haber un hilo conductor en todas sus colecciones que haga elevar los productos a la categoría de objetos de deseo.

El planteamiento de diferenciación del producto constituye el éxito de la firma. Y no es tarea fácil. Cada empresa de moda dedica gran parte de su tiempo en buscar inspiración e investigar sobre nuevos materiales y tejidos, hilos, proveedores, identificar nichos de mercado… En definitiva, tener una imagen fuerte y consolidada.

Los jóvenes diseñadores y grandes firmas tienen claro que es necesario diferenciarse de las demás y cada una ha de tener una filosofía de marca diferente, un concepto desarrollado sobre su cliente objetivo y el producto en cuestión. El universo de la firma, si queremos ponernos más melosos.

Pueden imaginarse lo que a jóvenes diseñadores con gran potencial les cuesta llegar hasta este punto en los tiempos que corren. Ya no sólo implica que estos emprendedores asuman un elevado coste por cada nueva colección sino toda la ilusión volcada en cada paso a seguir.

No me hago a la idea de lo frustrados que deben estar estos profesionales del sector cuando temporada tras temporada ven mermada su capacidad creativa en las colecciones de otros colegas de profesión, como fue el caso de los collares de resina que presentó Ana Locking, diseñadora con 16 años de antigüedad, en su desfile Primavera/Verano 2013 en la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, que parecía haberse inspirado demasiado en los del joven diseñador de joyas Andrés Gallardo, estos últimos de porcelana. ¿Inspiración o apropiación? O bien, los escaparates de tiendas como Zara, que tampoco me explico cómo éstos se las apañan para tener productos prácticamente clavaditos a los pocos días de un desfile de la categoría de Prada, Isabel Marant o Stella McCartney.

Señores, no cabe duda de que invertir en moda es un lujo que sólo unos pocos se pueden permitir y de ahí el éxito de Inditex y cía. También la rabia e impotencia de los que deciden fundirse sus ahorros o darse un capricho comprando auténticos tesoros, que instantes después ven plagiados en escaparates de distinto rango.

Así que desde aquí hago un llamamiento a mi queridísima Miuccia Prada, Consuelo Castiglioni, y sus colegas de profesión y a los jóvenes talentos que, como yo, intentamos hacernos un hueco en el panorama de la moda, para que tomemos una deep breath de vez en cuando y continuemos haciendo ese fabuloso trabajo cargado de poesía.

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cabamos de pasar las vacaciones de navidad y después de haber sacado a relucir nuestras mejores galas para Nochebuena , Nochevieja y reyes, nos asalta una importante cuestión : ¿ Cómo podemos sacar partido a esos vestidos tan bonitos que tenemos colgados ahora en el armario? . Podeis estar tranquilas porque tenemos muchas opciones para “reciclar” un vestido de noche y sacarle el máximo partido. La clave está en los complementos.

Si vuestra opción en estas fiestas han sido las lentejuelas (opción estrella todos los años) , la manera más sencilla que tenemos de hacer de este tejido aparentemente de fiesta, uno más casual, es añadiéndole una prenda de punto o una sudadera. Ya sea con falda, con shorts o con vestido, el efecto es el mismo, así que ya tenemos una manera de amortizar esta prenda que aparentemente no podíamos rescatar del armario hasta el año que viene.

Para aquellas a las que la idea de la sudadera no os entusiasme, podeis obtener el mismo efecto con una prenda de punto. Sfera nos hacía esta propuesta a principio de temporada. El punto es más tendencia que nunca, así que este año lo tenemos facilísimo para encontrar un jersey amplio con el que combinar nuestro vestido de noche. ¿Por qué un jersey amplio? , por dos motivos. En primer lugar, un jersey holgado de punto siempre da un toque más sport a un look que otro más ajustado. En segundo lugar, se trata de encontrar el equilibrio en nuestros outfits y para ello, debemos intentar compensar nuestras prendas. Es decir, si utilizamos una falda ajustada, es conveniente utilizar una prenda más amplia para la parte de arriba, si no corremos el riesgo de que nuestro look sea demasiado “obvio” .Si vuestra elección en estas fiestas ha sido la tendencia péplum, también podemos sacarle el máximo partido ¡incluso de día! . La clave está de nuevo en los complementos. Con una camiseta básica y unas cuñas o zapatos planos, obtenemos un urban style perfecto para el día a día.

Un vestido largo es una prenda que llama muchísimo la atención y que cuando la llevamos puesta, tiene el poder de hacernos sentir como auténticas princesas. El dilema surge cuando queremos sacarle partido a este tipo de prendas. La solución es sencilla, ¡convirtámoslo en una falda! . Si a un vestido largo le añadimos una camisa o camiseta, podemos ver cómo éste se transforma en una prenda mucho más versátill. En la siguiente foto vemos como un vestido de gasa, se transforma totalmente en una falda más sport añadiéndole una camiseta básica negra. El vestido estilo Lady es una de las prendas más versátiles que podemos tener en nuestro armario. De noche nos puede dar un toque de sofisticación indiscutible combinándolo con maxi collar, cinturón para realzar nuestra cintura, zapatos de tacón y clutch. Este tipo de vestido sufre una transformación que lo hace irreconocible al combinarlo con un fular, unos zapatos planos y una chaqueta de punto. Incluso podríamos darle un toque rockero si nuestra elección fuera una cazadora de cuero y unas botas moteras. Como veis, hay opciones para todos los gustos. Las plumas también han triunfado esta temporada y en estas fiestas, las hemos visto sobre todo en faldas . Para aquellas que os habeis decantado por esta prenda, hay una solución muy sencilla, añadirle una camiseta casual y unas botas estilo militar . Una combinación cómoda de la que podemos hacer uso ¡tanto en verano como en invierno!.

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El terciopelo es otro de los tejidos que están presentes en todas las fiestas de noche. Un vestido de terciopelo negro puede ser una de las prendas más elegantes que existe. De nuevo, podemos sacarle partido también durante el día si sabemos cómo combinarlo. En esta ocasión, lo convertimos en una falda añadiéndole un jersey de punto. Como veis, no es nada difícil darle versatilidad a las prendas que consideramos más festivas, sólo tenemos que jugar con los complementos! .

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Tenemos la gran suerte de que esta temporada vemos todo tipo de mezclas, tanto de estilos como de tejidos, así que ¡aprovechémoslo! . Es la temporada que más nos empuja a volvernos “locas” probando combinaciones que en otras ocasiones ni se nos pasarían por la cabeza . ¡No hay reglas!

Así que os animo a que experimentéis y si os gusta, ¡ adelante!

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uando hablamos de la palabra moda, inmediatamente nos viene a la cabeza algo “Nuevo”, la asociamos a algo novedoso ( o al menos yo).

En los tiempos que corren, podríamos asociarla precisamente a todo lo contrario, a algo que ya está inventado, que en su día fue novedad y más tarde dejó de llevarse, pero que hoy Vuelve otra vez a estar en nuestro armario.....y le queremos dar un toque de “Glamour” , llamándolo VINTAGE. Palabra que seguro, os suena un montón a todos y que ambigüamente está tande moda. No sé, si este uso de lo “Vintage” es fruto de la tan nombrada “crisis” o de la “moda”, pero lo que está claro es que está a la orden del día. Para un número muy elevado de gente, mucho más del que cualquiera podemos pensar, la moda no significa sólo: comprarte ropa nueva e ir a la última, sino que es un estilo de vida, es arte, es personalidad, es carácter, es.....¡ser único! .

Digo ser único, porque una misma prenda, nunca va a ser igual puesta y combinada en una persona que en otra, ahí es donde juega un papel muy importante: ¡la personalidad y el estilo!

A la palabra “Vintage” , yo la llamaría más bien, proceso de reciclaje, de algo que en su día se llevó y hoy volvemos a llevar lo mismo, pero cambiando ciertos matices para que no sea exacto a lo anterior y las grandes productoras textiles puedan seguir vendiendo al mismo ritmo que si fuese algo novedoso, pero que al fin y al cabo pasados unos años, volvemos a ponernos lo mismo que nos pusimos una década atrás. Sólo que “restaurado” ó “modificando” algún pequeño matiz. ¿Quién decide cuando se vuelve a llevar un estilo de ropa? Ahí está la duda. ¿Son las grandes marcas?. ¿Es la gente de la calle, el llamado “Street Style”? o ¿ Es una mezcla de los dos, y luego son las empresas que todos conocemos fabricantes de ropa “Low Cost”, las que se encargan de que todos o casi todos llevemos de nueva esa forma de vestir o mismo estilo?

Está claro que a día de hoy este tipo de empresas son claves en el mundo de la moda, todo lo que vemos en las grandes pasarelas ó aquello que vemos por la calle y que nos gustaría que estuviesen en nuestro armario, en un abrir y cerrar de ojos: está plagado de eso que queríamos, por todas las tiendas Low Cost, hasta que nos casamos de verlo en todos los lados y vuelven a intentar innovar (y digo intentar, porque está casi todo inventado )e inventar algo diferente.

Algo que en su día se llevó, pero que con ciertos matices, hacen que eso que tenemos en casa ya no nos sirva porque le falta el pequeño detalle que le han dado para poder vender como algo novedoso.

Al fin y al cabo es una rueda que no tiene fin, que todavía no tenemos muy claro quién dicta las normas de lo que es “Moda” en ese momento o no, pero lo que sí tengo claro, es que unos antes y otros más tarde, acabamos poniéndonos “eso” que no sabemos quién lo dice, pero que es lo que se lleva en ese momento.

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ue la moda es lo que es, gracias a la fotografía es innegable. De hecho si la moda no se hubiera servido de la fotógrafía no sería el fenómeno cultural que hoy en dia es. Pero sin embargo, hay una contradicción en la fotografía de moda: en teoría, su objetivo el mismo que el de un catálogo: describir la ropa y ayudar a venderla. En la práctica, la fotografía de moda se ha utilizado como medio de expresión para algunos de los mejores fotógrafos del mundo. La duda surge, cuando nos planteamos si se han hecho grandes gracias a la fotografía de moda, o sin embargo, la fotografía de moda era para ellos un medio de expresión. Evidentemente la fotografía de moda, ha ido siempre muy ligada a la técnica fotográfica. La fotografía se desarrolló en la década de 1826, pero no fue hasta mucho más tarde que la fotografía de moda entró en existencia. De hecho, cuando apareció la fotografía y empezó retratando la naturaleza y la arquitectura, para reflejar la realidad del mundo que nos rodea, nunca se imagino que también sería un elemento vital en el mundo de la moda. Pese a resultar toda una novedad y crear una incursión de lleno en la sociedad, primera técnica fotográfica en popularizarse, el daguerrotipo, no podía ser utilizado para la impresión masiva. Para llegar a realizar retratos de moda era fue necesario perfeccionar las técnicas fotográficas en esa época (principalmente el daguerrotipo y el calotipo) a tal punto que fueran lo suficientemente claras para retratar facciones y detalles.en un principio fue difícil separar la fotografía de moda de los retratos debido a que todo aquel que se retrataba tenía cierto poder adquisitivo y por ello tenía también la posibilidad de comprar trajes a la moda, considerándose así fotografía

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de moda a todo aquel retrato donde la prenda adquiera cierto protagonismo. Más tarde con la llegada del colodiónhumedo, se dió lugar a la “tarjeta de Visita”, popularizándose en la Francia de aquella época. Era un objeto de deseo empleado tanto por personalidades, como actores, pero tambien por las personas de a pie . No fue hasta que los avances en las técnicas de impresión de medios tonos cuando la fotografía llegó a ser publicada en revistas. Pese a que existían ya revistas especializadas en las que en un principio estaban hilustradas por heliograbados, o grabado realizando copiasa mano de daguerrotipos. Esto ocurrió aproximadamente en la primera década del siglo 20. “Le mode practique”, revista aparecida en 1982, fué la primera revista de moda en incluir fotografías sustituyendo a las ilustraciones. Sin embargo, acorde con los canones de la época, lasfotografías aparecían fotografías aparecían coloreadas, simulando aún ilustraciones. A partir de 1900, en medio de la revolución que causará Paul Poiret con respecto a la moda, (Poret, diseñador de moda francés que libera a la mujer del corsé) ,aparece “Les Modes”, una publicación francesa, en la que en su mayoría se mostraban fotografías retocadas y coloreadas. Sin embargo estas seguían siendo muy atrezzadas, imágenes con fondos de lienzo pintados, con ese aire proveniente del retrato de la época de Disderí. un estilo muy sobrecargado de elementos , intentando mostras obstentación. El cambio en este tipo de fotografía surge, cuando el fotográfo Paul Boyer publica para esta revista fotografías al aire libre revolucionando las imágenes de moda, a esto contribuyó además la aparición de las primeras cámaras de rollo de Kodak las cuales eran mucho menos pesadas y permitian salir a tomar fotografías al exterior. Posiblemente la época de estos años sea la más rompedora de la historia de la fotografía, ya que de hecho en ésta

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época comienza a asentarse como estilo fotográfico.

Durante los años 20, se observa una fotografía vanguardista que se ve influenciada por diferentes corrientes: la pintura, el descubrimiento de nuevos aspectos modernos como las sombras, los encuadres, la luz o el movimiento y el surrealismo por captar imágenes imposibles o irreales, de la mano de fotógrafos como George Hoyningen, Edward Steichen y Baron Adolf de Meyer, generándose ua ruptura con la manera clásica del retrato de moda. Puede que de entre todos los citados habría que destacar al Baron de Meyer, por ser el primer fotógrafo de la historia “por y para la moda”. De Meyer, proveniente de una familia acomodada, realiza a los 26 años su primera exposición como fotografo aficionado. Al año siguuiente, se traslada a Londres donde es admitido en la Royal Photographic Society, y en el Linked Ring . Mantienia una gran amistad con Alfred Stieglitz, persona que influye para muchos en su obra.

Esta amistad con Stieglitz, le permite publicar sus fotografías en Camera Work y unirse por un breve espacio de tiempo a Photo-Secession. En 1913 es contratado por Vogue, dónde le pagaban 100$ a la semana, todo un dineral para la época., convirtiendose en el primer fotografo a tiempo completo de la industria de la Moda, colaborando a la vez con Vanity Fair. En 1921 dejó a Nast para trabajar en Harper’s Bazar y se convirtió en el fotógrafo de moda más importante de la época.

Su fotografía se caracteriza siempre por la presencia de una luz posterior sobre la que se estampa la figura creando un efecto difuso, vago, indefinido, que contribuye a crear un aura de misterio de suntuosidad, de lujo inalcanzable. Sin embargo, para muchos no fue sino Steichen quien asentó las bases de la fotografía de Moda. Steichen, considerado el fotógrafo más completo que ha dado los Estados Unidos, ya había dado muestra de su talento, tiempo antes de dedicarse al retrato, en la famosa fotografía secesionista de Rodin. Si bien, en cuanto al retrato se refiere, había habido ejemplos anteriores, como los dedicados a Sarah Bernhardt, en los que se nos revela una nueva forma de hacer las cosas. Sus retratos a grandes estrellas de aquellos años son clásicos y su trabajo le lleva a ser llamado el padre de la fotografía de modas como le conocemos; además durante la segunda guerra mun

dial dirigió la sección de fotografía de la US-Marine, y como si esto fuese poco, fue director del área fotográfica del t (Museo de Arte Moderno de Nueva York).

Las no fronteras entre estos distintos mundos, .el validar la fotografía de moda, sus trabajos de luces en el blanco y negro, sus grandes retratos son parte de un legado maravilloso que no solo habla en fotos sino que en hechos, permitiendo de un modo u otro que la fotografía de moda y publicitaria surgiera como un arte legitimizado, tanto como los otros géneros fotográficos Durante la Segunda Guerra Mundial, hay pocas ganas de moda, por lo tanto se realiza una fotografía práctica utilizando los mismos recursos consecutivamente.En ésta época surgen publicaciones de moda como Elle . Una vez acabada la guerra, aparecen las ganas de cambiar el look triste y las ganas de consumir, y eso se refleja en las portadas de las revistas

Fotografía realizada por Adolphe de Meyer

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Fotografías realizadas por Irving Penn

de la época, mostrando unas imágenes con movimiento, resaltando la silueta femenina de la mujer. Surgen por entonces fotógrafos referencia en el mundo de la moda.Es la época de Irving Penn y un joven Richard Avedon comienza en los 50 a asentar unas bases que en el futuras se tomaran como casi dogtrinas para todos aquellos que desean fotografiar el mundo de la Moda. Irving Penn que transformó la fotografía de moda con vanguardistas enfoques, sencillez, el uso agresivo del contraste en el blanco y negro, y el tratamiento de los retratados como objetos, se mostraría al mundo del arte a través de sus colaboraciones con Vogue, mucho antes de que la mencionada cabecera se convirtiera en la referencia indiscutible que es hoy. Alexander Liberman introdujo a Penn al mundo de las vanguardias; al uso meticuloso del color y la forma en las composiciones, y el tratamiento de la imagen artística como un objeto industrial. Gracias a él, Penn tomó su primera imagen en color.

Su primera portada para Vogue fue en octubre de 1943, cuando aquella revista

todavía no tenía la costumbre de llevar a famosos a su primera plana. Liberman le pidió que tomara una imagen de moda, y el fotógrafo pidió una cámara prestada y arregló un bodegón con un bolso de piel y tela marrón, un pañuelogris, una lámina con cítricos y una nota colgada en una pared en que se anunciaban los contenidos del mes: “zapatos y accesorios”. Fue el lanzamiento de su carrera. Él mismo resumiría su estilo en una célebre frase, pronunciada en la apertura de su propio estudio en 1953: “Fotografiar un pastel también puede ser arte”. Fue aquélla la principal característica de su estilo: la sencillez del “menos es más”.

Fotografió colillas, botes de co méticos, botellas. Todo podía ser arte. En su obra de madurez se alejaría de la influencia del surrealismo y la vanguardia al estilo de Dalí que imperó en la fotografía de moda hasta los años cuarenta para presentar imágenes impactantes en su sencillez, modelos sobre fondos inmaculadamente blancos. Fue un cambio sustancial que luego otros maestros, como Avedon, convertirían en algo habitual.

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El secreto de Irving Penn: descontextualizar a la persona para que su cuerpo fuera su única expresión. En ese sentido, una modelo de Manhattan y un niño de la calle de Cuzco reciben en su obra el mismo tratamiento. A Penn se le ha criticado por llevar hasta el límite aquel enfoque tan centrado en mostrar a la persona descontextualizada. Es lo que hizo en su trabajo en Latinoamérica y África.

Llevó hasta lugares remotos su estudio portátil, sus focos y sus fondos blancos, para fotografiar nativos. Se consideró que Penn trataba a los aborígenes como si fueran mode los, en imágenes carentes de conciencia social. Hoy, aquellas fotos tomadas a finales de los sesenta en países como Camerún, que muestran a hombres y mujeres de piel azabache cargados de ornamentos blancos, podrían ser parte de cualquier colección de alta pasarela.

Sus obras, hoy en día, se exhiben en los principales museos del mundo, incluidos el MoMA y el Metropolitan de Nueva York el Moderna Museet de Estocolmo, la National Gallery de Washington y el Art Institute de Chicago.

Trabajó para Vogue hasta el final de sus días. En uno de sus últimos trabajos, una foto de un pomposo traje de Christian Lacroix en abril de 2008, volvía a aquel estilo que le hizo famoso: una modelo posando, con los ojos cerrados, sobre un fondo de papel blanco, arte en su sencillez. Penn es uno de esos ejemplos que abren el debate, de si la fotgorafía de moda es Arte, o simple mente es una fotografía funcional ( con la funcion de vender un producto) convertida en Arte. Por otro lado surge en la época de los 50 un joven fotógrafo llamado Richard Avedon. consistente en agotar mentalmente al retratado mediante largas sesiones y preguntas psicologicamente incómodas, logrando de ellos expresiones y rasgos difícilmente obtenibles de otro modo. Su condición de fotógrafo famoso, como le ocurriría más tarde a Annie Leibovitz, le hizo merecedor de la confianza de muchos y grandes artistas, músicos y actores, de los cuales obtuvo imágenes icónicas exposiciones, con fotografías de gran tamaño (en ocasiones, supoerando el metro de largo), una de las ventajas de trabajar con cámaras de gran formato. Su contribución a la fotografía de moda fue fundamental, en una época en la que la mujer no estaba ni de lejos valorada como lo está hoy día, y las revistas de moda nos presentaban a unas modelos sin emociones, mirando indiferentes a cámara, Avedon las dio vida, poder y contro sobre ellas mismas, mostrándolas en acción y haciéndolas protagonistas de su propia imagen. Aún hoy, es difícil hojear una revista de moda sin ver poses con la mujer elevándose sobre

el suelo, concepto que Richard Avedon fue el primero en explotar, y que denota cómo, sen un sentido metafórico, le dio alas a la mujer.ttFue un arquitecto de la psicología humana, con una capacidad para mostrar la realidad detrás de la persona fotografiada digna de los grandes pintores. Actores, políticos, celebrities, marginados… pasaron por su objetivo, quedando todos al mismo nivel de realidad, democratizando al ser humano en su esencia más desgarradora. Sin olvidar su faceta como fotógrafo de moda, donde prácticamente estableció los cánones de la industria desde los años 40, donde rápidamente se convirtió en Director de Fotografía de Harper’s Bazaar, como en su época dorada en Vogue.

En los años 60 justamente en Inglaterra se produce una explosión por parte de los jóvenes, cansados de vestirse siempre con lo mismo y mal, adaptando un estilo Rock and Roll, y de esa manera se reflejaban en las revistas mujeres que imitaban a las niñas y hombresmás sexuales evocando a los Beatles dentro de un mundo lleno de fiesta, como su fotógrafo David Bailey, que fotografiaba en primera linea acudiendo a las mejores fiestas y actos importantes. El significado pleno que hoy tiene para nosotros la palabra “moda” hunde sus raíces en la década de los años 60, la más añorada del pasado siglo. Esta década nos obsequió con gran parte de los cimientos que hoy componen nuestro mundo. La nueva sociedad que había surgido tras las cenizas de la guerra mundial llegó en esos años a su máximo apogeo, a su edad de oro. vivía años de un capitalismo sin complejos y, paralelamente, de una ola de idealismo.

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En los años 60 justamente en Inglaterra se produce una explosión por parte de los jóvenes, cansados de vestirse siempre con lo mismo y mal, adaptando un estilo Rock and Roll, y de esa manera se reflejaban en las revistas mujeres que imitaban a las niñas y hombres más sexuales evocando a los Beatles dentro de un mundo lleno de fiesta, como su fotógrafo David Bailey, que fotografiaba en primera linea acudiendo a las mejores fiestas y actos importantes. El significado pleno que hoy tiene para nosotros la palabra “moda” hunde sus raíces en la década de los años 60, la más añorada del pasado siglo. Esta década nos obsequió con gran parte de los cimientos que hoy componen nuestro mundo. La nueva sociedad que había surgido tras las cenizas de la guerra mundial llegó en esos años a su máximo apogeo, a su edad de oro. Occidente vivía años de un capitalismo sin complejos y, paralelamente, de una ola de idealismo. Los años 60 fueron, en cierta forma, como una inmensa fiesta en la que el tiempo quedaba en “pause”. Los días se fundían con las noches en esa década-primavera que en algún momento se soñó como inacabable. Los 60 fueron unt momento que tantas y tantas veces la moda nos devuelve en forma de revival más o menos falso, más o menos caricaturesco. la moda pasó por muchos estilos diferentes, en ella se generó un enorme grupo de subculturas. Aunque la mayoría de la gente asocia los años 60 con la moda hippie, en realidad fue

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mucho más variada y complicada. Evientemente en esta época Avedon y Penn siguen destacando en la fotografía de moda. Siendo pienoeros. Tal vez en esta época Avedon dote a la mujer aún mas de esa libertad.

Pero es la época de autores como Cecil Beaton , David Bailey , William Klein...Y sobre todo comienza a haber, lo que en los 90 se conocera como supermodelos.

Iconos de la moda, que se convierten en verdaderas estrellas mediaticas. Puede que el caso más claro sea el de Twiggy. Twiggy tenía un aspecto completamente diferente a todos losiconos de belleza del momento, demasiado delgada, demasiado pequeña, nada de senos, cabello corto y grandes ojos fueron características que ya hacían parte de una alteración de los parámetros estéticos, pero a esto se le suma lo joven y poco profesional que era, demostró al mundo entero que una mujer joven puede viajar y ser independiente, puede atreverse a ser individual y diferente, y salir bien librada. Al contrastar fuertemente con la imagen de mujer ama de casa de los años 50, Twiggy se vuelve también un símbolo de cambio, que brinda además relevancia al modelaje y marca una época en la belleza.

Sin duda parte del éxito de la figura de esta modelo se debe a que posee una personalidad propia y particular, personalidad que también la lleva a finalizar su carrera como modelo y seguir otro camino. Le bastaron 4 años para pasar a la historia y cambiarla para siempre, a los 21 años se cansó de ser “un gancho” .

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Comenzó en el año 1966 el año en que se hizo la primera prueba con LSD y John Lennon afirmó que los Beatles eran más importantes que Jesus. ) y se dedicó al cine, carrera en la que llegó a ganarse 2 globos de oro; también ha grabado discos y participado en diferentes programas de televisión. Al verla hoy en día hasta pareciera que existieran dos Twiggys: la madura que trabaja en diferentes proyectos y posee una bella familia, y la modelo icono sofisticada y atrevida que cambió la historia de la moda. Pero tanta fiesta termina cansando y en los años 70 aparecen las revoluciones sexuales, y estética causada por este grupo social que rompe con la elegancia, y tanta revolución hace que los fotógrafos Helmunt Newton y Guy Bourdin retraten una moda muy personal y polémica. En los 70, todo es rebeldía, las faldas se acortan hasta convertirse en minifaldas y el gran Yves Saint Laurent introduce el pantalón dentro del armario femenino. Nace el prêt-à-porter como contrapunto a la alta costura, que no ha evolucionado con la sociedad, pero que se mantendrá como símbolo del lujo. Una vez más, Yves Saint Laurent es el artífice de esta renovación de la moda femenina, acompañado, esta vez, por el káiser Karl Lagerfeld. La inspiración es variada. Si en los años 60 las mujeres presentan una estética más aniñada con la modelo Twiggy como estandarte, los años 70 son años de exuberancia y sensualidad con Brigitte Bardot y Ursula Andrews como iconos de belleza. Es a época en la que surgen la minifalda y la psicodelia, la época del destape.Por ello es lógico que surgan fotógrafos como Helmut Newton , los cuales emplean el sexo en la moda para vender su producto La sexualidad de sus imágenes, en las páginas de Vogue o de Playboy, transgredieron el límite de lo permitido Hasta su muerte tuvo algo del glamour y la oscuridad de sus obras. Falleció estrellando su cadillac contra un muro del hotel Chateau Marmont en pleno Sunset Boulevard. La estética de Newton era inconfundible. contrastes de blanco y negro, sumisión, sadomasoquismo, prostitución, crimen, violencia y peligro, el fotógrafo veía a sus modelos atadas, amordazadas, encorsetadas, maniatadas, frías y, sobre todo, inalcanzables.

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Fotografía Helmut Newton para Yves Saint Laurent

Contrastes de blanco y negro, sumisión, sadomasoquismo, prostitución, crimen, violencia y peligro, el fotógrafo veía a sus modelos atadas, amordazadas, encorsetadas, maniatadas, frías y, sobre todo, inalcanzables.La controversia de su carrera empezó en los años setenta con la publicación de las fotos altamente eróticas de “White women” y, sobre todo, con la serie “Big nudes”, desnudos estilizados y provocativos. Helmut Neustaedter nació el 31 de octubre de 1920 en el seno de una familia judía acomodada de Berlín. En el colegio americano no demostró una gran inclinación por los estudios y con 16 años entró de aprendiz en el estudio fotográfico de Elsie Simon, entonces conocida como Yva, donde fue testigo de la llegada del nazismo.

En 1938, sus padres deciden mandarle a China para alejarle de la locura de su tiempo, pero Newton se para en Singapur, donde empieza a trabajar para el Strait Times. A las pocas semanas, se lía con una mujer belga mucho mayor que él con la que vive una loca historia de amor. A principios de los años cuarenta emigra a Australia, país del que se hará ciudadano y donde cambiará su nombre a Newton. Allí contrae matrimonio con la actriz June Brunell, también conocida como Alice Springs, con la que ha seguido casado todos estos años. Pronto abre un pequeño estudio fotográfico en Melbourne, pero su auténtico despegue profesional ocurre en 1961 cuando empieza a trabajar para el Vogue francés.

Le siguieron el Vogue americano, Playboy, Queen, Marie Claire, Elle, donde compartió páginas con Herb Ritts, Irving Penn y Richard Avedon. Colaboró muy especialmente con el diseñador Yves Saint Laurent, con el que compartía la misma visión de la mujer. Newton vivió una vida de dinero y lujo, entre París, Montecarlo y Hollywood. Su ritmo frenético y sus excesos le provocaron un ataque al corazón en 1971. Durante mucho tiempo su mayor fuente de inspiración fue su mujer, June, a quien en 1973 hizo posar vestida de Hitler con la modelo Jerry Hall, de Eva Braun.

De hecho Newton a menudo reconocióque parte de su estética procedía d ela propaganda nazi. A lo largo de más de medio siglo, Newton siempre consiguió escandalizar y provocar en un mundo cada vez más saturado por el voyeurismo y el erotismo banalizado. Sus fotos desvelaron un universo de poder, sexo y glamour, una visión fetichista y teatral de modelos perfectas e inalcanzables, en sedosas medias negras y tacones de aguja.

Y con los años 80 llego el fenómeno llamado espejismo. Si en los 60 y 70 eran revolucionarios, en los 80 eran hedonistas, de lo social y egocéntrico, se pasó a la frialdad y desapareció la seriedad. Lo más característico en la fotografía fue el consumismo de la época, atrás quedó el autoconsumismo hippie para dar paso a una moda más comercial y publicitaria, y así lo reflejaron algunos de sus fotógrafos como Patrick Demarchelier, Bruce Weber o Oliviero Toscani, este último conocido por sus polémicas campañas para Benetton. La década de los 80 fue una década que tenía reminiscencias de los años 20. Nuevas ropas, nueva música y nuevos bailes se apoderaron de la escena de esos tiempos. Las mujeres usaban los escarpines y los hombres usaban las corbatas delgadas. Fue el tiempo en que el muro de Berlín se vino abajo. El chandal era casi una obligación por aquellos años y se veía en cualquier parte, a donde vayas, ya que era una de las tendencias más utilizadas y recurridas para verse elegante sin por ello resignar comodidad. Otra de las cosas que no podían faltar en todo el armario de un hombre eran los jeans o vaqueros rotos y descocidos, moda que hasta ahora aún sigue existiendo, gracias a algunos que la mantienen, y otras compañías que directamente los comercializan como un modelo, sin necesidad de esperar a que se desgasten o realizar cortes destructivos en la tela.

Los 80 fueron la época de corrupcion en Miami, el thriller de Michael Jackson y los looks de Madona rescatando el corset. En los 80 se mantienen los fotógrafos de décadas anteriores, Avedon,Newton, Irving Penn... pero siempre hay algunos que comienzan a destacar por determinados motivos, ya sea por sus cmpañas rompedoras,como Oliverio Toscanni o por su elegancia y su luz cuidada como Patrick Demarchelier. Toscani es sinonimo de polémica. Aunque comienza a trabajar durante finales de los 60 y principios de los 70 en la fotografía de Moda,pero no es hasta la decada de los 80 que se creara este fama de provocador, con las campañas principalmente de la marca Benetton. Es un fotógrafo que se caracteriza por sus ganas de provocar al público. Ésta provocacion no es para nada gratuíta: busca inyectar el mensaje en el espectador de la campaña , haciéndole partícipe de la misma. Hay gente que no entiende su forma de expresarse y lo critican sin pararse a pensar en el trasfondo del mensaje.Tán solo atendiendo a la dureza de las imágenes. Toscani fue despedido en 2000 tras la campaña que había llevado más lejos su estilo, la de los condenados a muerte, causante del previsible enojo de los clientes de Benetton y de la consecuente rebelión de los vendedores. En rigor, tras las trasgresiones de Toscani se ocultaba un gran rechazo por la publicidad, pese a que luego de triunfar como fotógrafo se hizo una aureola como renovador de la publicidad de la moda, y de la industria textil después. Se destacó haciendo anuncios para Fiorucci, marca que le sirvió de puente para ingresar, de la mano de su dueño y señor, en Benetton.

Siempre fondo Blanco sobre iluminado en sus fotografías de estudio, o con un degradado de negro a gris, en el que las siluetas se recortan separandos del fondo. Toscani ha sido durante mucho tiempo el fotógrafo arremetedor contra la iglesia, contra las guerras y contra el racismo. Su ultima joya: ‘Facebook es un campo de concentración voluntario’

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1.Cindy Crawford. 2. Naomi Cambell 3. Tyra Banks. 4. Claudia Schiffer 5. Linda Evangelusta. 6. Kate Moss

Por otro lado, en ésta década, comienza a destacar un fotógrafo de los que siempre está ahi. Aparece en todas las revistas alrededor del mundo, pero no es una celebridad como lo son hoy en día Testino o Richardson. Un hombre que para mí encarna el fotógrafo de estudio por excelencia y que a dia de hoy lleva más de 30 años en la cima de la moda. Patrick Demarchelier (Francia, 1943) es uno de los fotógrafos de moda más importantes del mundo.A pesar de su larga carrera, Demarchelier es un asiduo de las revistas más importantes como Vogue, Elle, Glamour o Vanitatis. En las que lleva publicando sus imágenes desde principio de la década de los 80. Demarchelier fué, durante muchos años, el fotógrafo oficial de la Princesa Diana de Gales, así como el primer fotógrafo extranjero en retratar a la Familia Real Británica. Tras él llegaron fotógrafos como Testino que realizaron excelentes retratos de “Lady Di”, pero Demarchellier abrió el camino. Es uno de esos grandes maestros del blanco y negro, y del desnudo fotografiado de un modo telegante y sutil. Demarchelier ha realizado campañas prácticamente para todas las marcas de Moda existentes. El mundo del cine y la música han caído a sus pies realizando los carteles promocionales de películas como ‘James Bond’ o ‘Sexo en Nueva York’, así como las portadas de albumes de grandes artístas como Britney Spears o Elton John, entre otros muchos. Además ha sido uno de los poco fotógrafos que ha podido fotofgrafiar el calendario Pirelli, en dos ocasiones, consagrandolo en el olimpo de los fotógrafos de moda . Es uno de esos fotógrafos en la sombra que con su buen hacer ha hecho historia y ha asentado las bases de la elegancia y del buen trabajo, sin ostentaciones , ni convertir la figura del fotógrafo en l a de “Cellebrity”, dejando de lado el pensar en triunfar y centrase en lo que le gusta hacer: realizar fotografías. De hecho cuando le preguntaban en jubilarse a los 66 años respondía: “cada día es un nuevo día, un nuevo reto, así que no hay jubilación. Cuando se es un fotógrafo uno sigue trabajando hasta que desaparece”.

Llegaron los años 90 y con ellos el minimalismo y el auge de las supermodelos. Los fotógrafos empiezan a caracterizarse entre ellos, adquiriendo su propia personalidad en las fotografías. La moda en los años 90 no estuvo caracterizada por un estilo

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específico, sino que más bien se definió como un impulso de las personas por marcar su individualidad a través de la ropa. A esto se sumaría el aporte de algunas tendencias musicales, surgiendo elementos como las tribus urbanas.Es la llegada en esta época de las supermodelos. A pesar de que el término “supermodelo” se usaba desde varios años antes, en los 90 se popularizó. Kate Moss, Naomi Campbell, Cindy Crawford, entre otras, se volvieron celebridades absolutas en el mundo de la moda. Se codeaban con los personajes más importantes de la industria, eran entrevistadas en los programas más populares, iban a las mejores fiestas y aparecían en todas las revistas. Esta pasión por la belleza de mujeres idolatradas trajo consigo uno de los problemas que hoy en dia afecta a la industria de la moda: la anorexia. El amor por llegar a ser esvelta y delgada, llevó a muchas mujeres a la extrema delgadez.Pronto comenzó a surgir una contracorriente: había llegado el Grunge, que mostraba un fenómeno antimoda, con mujeres desaliñadas y mal combinadas. Este movimiento duró poco, pero sin embargo el desconstructivismo perduró en la moda.Tras esto, la frescura natural regresó a la moda. Las mujeres debían lucir muy naturales, como recién salidas de la ducha, el aspecto discreto era el mas aceptado. La ropa casual se convirtió así en la moda de los 90, y, aunque suene irónico, la extrema preocupación por ir bien vestido o el uso excesivo de maquillaje, estaba fuera de moda. Por el contrario en ésta época la moda comienza a ser tambien para los hombres, comienza a haber colecciones de los grandes diseñadores dirigidas directamente al sector masculino y los hombres comienzan a tomar importancia dentro de la industria. Los 90 son los años en los que surgen fotógrafos como David Lachapelle, Steven Maisel, Mario Testino. en la escena de la fotografía de moda. Tras los 90 se llega al postmodernismo, demasiada moda, todo está muy comercializado, por ello surge la idea hacer una moda menos comercial y mas artística, una fotografía como la de Terry Richardson o Juergen Teller que reflejan el realismo. Me explico, un realismo sin retoque, un realismo de una fotografía muy directa., tendiendo a lo amateur. Conociendo la evolución que la fotografía ha ido tomando durante todos estos años, hay dos opciones, una es la de seguir en el realismo y la otra es hacer con la fotografía todo lo contrario, la irrealidad.

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Debido a la imposición de la fotografía digital, debido a avances técnicos, a prinipio de la decada de los 2000, empezaba a verse un tipo de fotograía muy retocada, sin imperfecciones. Es cierto que siempre se han retocado las imágenes fotográficas, pero con la llegada de la imágen digital a la moda y el procesado en photoshop no era necesario tener que emplear filtros para colorear la luz ni corregir dominantes. No hacía falta ya el hecho de llevar las imágenes a un especialista de laboratorio a realizar el retoque. Sin embargo pese a ser la era digital, la busqueda de la perfección , el idealismo, una especie de afán por la belleza, surge algunos fotógrafos que desechan la idea e tal perfección. e incluso desechan en un principio trabajar con grandes cámaras y equipos Una fotografía muy directa, buscando en la mayoría de los caso algo más real dentro de la borágine de la perfección.

Hacia dónde irá la fotografía de Moda es dificil saberlo, seguramente todo dependa de los avances técnicos que surjan. La fotografía en tresdimensiones puede imponerse, y lo cierto es que, muchos fotógrafos, comienzan a dirigir productos audiovisuales, más aún de lo que lo hacían. La fotografía de Moda existirá. Posiblemente abandone la imágen estática y pase a ser imágen en movimiento, y el papel desaparezca de las publicaciones para dar el paso definitivo a lo digital, al menos todo apunta a ello. Yo sin embargo espero y deseo , nos siga brindando la posibilidad de ser llevada a papel. Y de permitirnos no solo tener una instantánea, un recuerdo, sino comvertir la fotografía en un objeto tangible.

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n men fsh l afeitado masculino acompaña a la civilización casi desde sus orígenes. Una referencia histórica merece una mención en este artículo.

“El Emperador Alejandro Magno estaba obsesionado con las caras bien afeitadas, así se crearon las primeras barberías en Roma en torno al 300 a.C. La tradición popular decía que el hombre se debía afeitar al cumplir los 21 años, este acontecimiento se tomaba como punto de partida de la edad adulta.”

El afeitado ha evolucionado mucho en todo este tiempo, desde las primeras hojas de hierro pulidas con arenisca, a las cinco hojas alineadas desechables de la Guillette Fusion Proglide. Desde las espumas tradicionales de jabón y brocha 100% naturales, a los geles de afeitado y espuma en bote cuya elaboración requiere muchos procesos químicos.

En cuanto al acto en si del afeitado, antes la precisa hoja de la navaja del barbero perfilaba los contornos más inaccesibles de la cara hasta conseguir el apurado perfecto, mientras estabas tumbado en un agradable momento de relajación. Hoy en día la gran mayoría de los hombres se afeitan de pie en frente del espejo, después de la ducha aprisa y corriendo, para no llegar tarde al trabajo o a las clases.

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Primero con el cliente recostado en el sillón se le aplica sobre la piel una toalla caliente, para que con el vapor dilate los poros. Después de este proceso que es muy relajante para la musculatura facial se aplica sobre la cara con un masaje circular una crema de afeitado tradicional Myrsol que es 100% natural, antes de la espuma y sirve para crear una película de protección que ayuda a minimizar la abrasión que produce la navaja sobre la piel. Tras esta primera loción se crea la espuma en una cazoleta de loza a partir de un jabón americano de máxima calidad de la marca Woody’s también 100% y se extiende con una brocha de pelo de tejón sobre el contorno facial cubriéndolo en su totalidad. Con esta primera fase completada y el cliente totalmente relajado se lleva a cabo la primera pasada de navaja siempre en la dirección del pelo, teniendo especial cuidado con la zona del bigote y el mentón.

Completada la primera pasada, cambiamos la cuchilla

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por una nueva y volvemos a aplicar el proceso de la toalla caliente y la espuma, con esto pasamos a la segunda pasada a contra pelo para alcanzar el apurado perfecto.

La navaja se debe deslizar en una posición horizontal a la piel cuanto mas se desvíe de esta posición mayor es el riesgo de producir algún corte. Es importante al realizar esta ultima pasada estirar mucho la piel de la cara para no crear ningún pliego que pueda suponer un corte al deslizar la navaja, es un trabajo muy meticuloso que requiere mayor precisión y tiempo que un corte de pelo.

Cuando se finaliza la segunda pasada el apurado debe ser perfecto y se debe completar el proceso extendiendo un after-shave a gusto del cliente con alcohol o sin él, si no tienen preferencias siempre cabe decantarse por el que no contiene alcohol y tras un pequeño masaje con el after-shave pasamos al ultimo paso, la colocación de una toalla fría para cerrar los porros y calmar la piel.

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oy hace treinta y siete meses que soy oficialmente usuario de Twitter, posiblemente el microblogging de mayor uso actualmente.

Recuerdo mis comienzos, allá por el mes de Marzo de 2009, (Twitter todavía no había llegado a España) mientras yo estudiaba Business Administration en la Universidad de Aalborg, Dinamarca. Mi primer tweet o tuit fue para la persona que me metió en este mundo, mi mentor y actual buen amigo Xabier de la Maza, más conocido como @condedelamaza. Un entusiasta de las redes sociales como forma de comunicar.

En el día de hoy son más de 200 millones de usuarios, generando un tráfico de 65 millones de mensajes al día, se generan más de 800.000 peticiones de búsqueda diaria y me gustaría saber el número de peticiones de followers o following que realizan a lo largo de un día.Pero con todas estas cifras mareantes… algo estaremos haciendo mal verdad? De una manera rápida y entendible por lo menos practicantes, daré mi punto de vista sobre los errores más comunes al utilizar dicha plataforma.

Lo primero que habría que hacer es diferenciar, si vas a utilizar tu cuenta como una cuenta personal, en la que poner contenidos más o menos interesantes o si por el contrario se utiliza como cuenta profesional donde tu contenido personal debería quedar un poco más de lado y deberá ser un poco más cuidado. Y lo segundo cambiar la imagen del huevo que sale por defecto.

Para “analizar” los errores más frecuentes de Twitter, lo haremos a través de personalidades o figuras conocidas por todos:

El líder de la clase – tratar de conseguir “amigos” sea como

sea, pensar que siguiendo a gente así como así, para por reciprocidad “estar en el meollo” de Twitter; creo que solo puede traer dolores de cabeza (ahora que empezará el co-pago sanitario…no estamos para bromas).

Tener cientos/miles de seguidores puede indicar que tus contenidos son interesantes. Pero a no ser que seas una gran compañía o un famoso no te agobies porque pueden traducirse en problemas.

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El telepredicador – retuitea constantemente los mensajes de otros usuarios (recuerda, tú tienes tu propia cuenta y tu propia voz) Tuitea los mensajes de todo lo que hace en el día y olvida que ese tuit será leído, y que posiblemente no será interpretado de la misma manera por todos.

Así que hay que pensar antes de tuitear: no puedes escribir todo lo que se te viene a la cabeza.

Evita los monólogos y las conversaciones eternas entre varios usuarios: pierden al resto y pueden llegar a cansar.

El friki 2.0 – aquel que tiene todo conectado entre sí, todas las aplicaciones, desde fotografía, redes sociales, microblogging, pasan por el mismo canal, lo que se publica en una se publica en todas mediante la sincronización…seguro que no se ha parado a leer sus últimos 10 mensajes, eres un hacha jugando al Little Farmer.

Y por último no podía faltar El creyente …cree que todo lo que lee en Twitter va a misa; como medio de comunicación sin aparente revisión de contenido, no todo lo que se escribe es veraz. …cree en la utilización masiva de hashtags, pero no es una firma de correo electrónico, es un medio para filtrar contenidos o temáticas. …cree que al igual que otros medios, la respuesta en Twitter será inmediata y espera impaciente la mención. …cree que al igual que los SMS, un tuit son 140 caracteres (correcto) y se puede abreviar, utilizar el mismo lenguaje que en los SMS. La diferencia es que twittear es GRATIS, no pagas por SMS y por eso se debe convertir en un ejercicio mental para sintetizar y dar prioridad a determinadas perlas mentales.

Mi primer tuit, ¿visionario verdad?: 23/03/2009 @condedelamaza estoy desayunando en casita...por eso de la crisis..jaja, te veo a las 10 en la cantine?

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oy en día es extraño encontrar una película que no tenga por lo menos una escena de sexo. ¿Dónde quedó el clásico beso entre un pareja, seguido de un fundido a negro que deja volar la imaginación de cada uno? Ahora queda sustituido por un revolcón.

Ahora el sexo en el cine ya no tiene misterio, la mitad de las escenas se las cargan por ser demasiado evidentes, nos estropean el ambiente romántico.

Y es que para eso están las elipsis, para que no se gasten planos contando lo que ya sabemos que está pasando. Por ejemplo Titanic (James Cameron), pues claro que sabemos que pasan la noche juntos, el guión lo exige y el espectador lo espera, pero no lo muestran, una simple mano apoyada contra el cristal empañado, Rose y Jack tenían que tener sexo, ya sabemos que lo están teniendo, no nos hace falta nada más.

Una película que utiliza el sexo explícito solo para rellenar espacios, es la peor manera de mostrar algo. Las escenas de sexo no pueden ser gratuitas, deben hacer al espectador pensar en algo, debe responder a las necesidades del protagonista, y si tiene que estar, que esté, pero no podemos justificar una escena de sexo como un llamamiento de atención al público, se presupone que se pierde atención y nos plantan a la actriz de turno para que no sigamos pensando.

Y que vale, que a mí me encantan las películas de amor, que siempre es genial llorar a moco tendido por los finales felices, pero lo que de verdad me fastidia es tener que ver escenas de sexo que no me dicen nada de nada en una película. A continuación, mis tres escenas de sexo en el cine por excelencia. Escenas que necesitamos, que son eróticas y sexuales pero que enseñan lo que tienen que enseñar, omiten lo que deben omitir, simplemente perfectas.

El cartero llama dos veces (Bob Rafelson). Una escena justificada es la que protagonizan Jack Nicholson y Jessica Lange. La casera que cautiva a su inquilino. Escena que empieza en discusión y termina entre harina en la mesa de la cocina.

Nueve semanas y media (Adrian Lyne) El striptease protagonizado por Kim Basinger que ha pasado a la historia como uno de los momentos más eróticos del cine. Pero la escena de sexo que no puede omitirse en esta película es en la que Mickey Rourke utiliza un cubito de hielo para excitar a Kim Basinger y terminar, como es obvio que van a terminar.

Instinto básico (Paul Verhoeven) Nadie que haya visto esta película puede olvidar el archiconocido cruce de piernas de Sharon Stone, igual que tampoco podemos prescindir de la escena de sexo entre Sharon Stone y Michael Douglas.

Termino citando a Billy Wilder: “Al público no hay que dárselo todo masticado, como si fuera tonto. A diferencia de otros directores que dicen que dos y dos son cuatro, Lubitsch dice dos y dos... y eso es todo. El público saca su propias conclusiones”

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(1) El cartero siempre llama dos veces. (2) Instínto básico. (3) Nueve semanas y media.

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“Al rodar una película es lógico que no se tenga duda alguna sobre el hecho de que aquello que le preocupa y le motiva a uno tiene necesariamente que ser interesante también para los demás. Y por eso se cuenta con el correspondiente eco entre el público y a uno ni siquiera se le ocurre adular a los espectadores. Si uno realmente aprecia a su público, está plenamente convencido de que al menos es tan inteligente como uno mismo”

Andrei Tarkovsky sta afirmación referida a la (no poco compleja) relación creador-espectador cuando se encara el rodaje de una película podría ser extrapolable también a otros niveles. Digamos por ejemplo, a la organización de todo un festival de cine. De un festival Internacional de Cine como es el de Gijón. O al menos esa parecía ser la manera de hacer ciertas cosas hasta hace no mucho tiempo. Ahora, y habiendo concluido ya el cincuenta aniversario, podemos corroborar una serie de sustanciales diferencias. Muchas mas incluso de las que se quiere aparentar.

Tras la revoltura de aguas por todos conocida hace ya unos meses por fin llegaba el cincuenta aniversario del festival. Con la sombra de un posible boicot por alguna parte del sector audiovisual a nivel asturiano y estatal y dudas, muchas dudas unidas a preguntas sin responder del tipo. ¿Por qué cambiar algo que a ojos de una inmensa mayoría funciona y agrada?.

Dado que la respuesta la deben saber solo unos pocos y casualmente no es mi caso, corramos un tupido velo. He de admitir que pocos días antes del comienzo de la edición prácticamente no me había molestado en mirar el programa de mano.

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Mi desánimo no respondía a una fidelidad supina al “antiguo régimen” ni de aversión hacia el nuevo. Tan solo era mi intuición tratando de manifestarse, diciéndome que cuando ciertos cambios se realizan por ciertas motivaciones, no suelen salir bien.

Cuando abrí por primera vez la programación me encontré con una estructura básicamente igual a grandes rasgos en cuanto a secciones se refiere, actividades, charlas y ponencias paralelas a las películas dignas de un aniversario como es el cincuenta y unos encargados de escribir los argumentos de las obras seleccionadas con un empeño bastante claro en remarcar que una gran mayoría de las películas y directores habían pasado por festivales de renombre (véase Cannes, Sundance o incluso los Oscar). Fue entonces cuando el piloto rojo de la alarma se encendió.

Se me olvidaba decir que también había unas cuantas películas subvencionadas por la embajada de Israel, pero eso supongo que es otro tema.

Analizando el Festival desde un punto de vista puramente académico, repasando laspelículas vistas y abarcando prác-

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ticamente la totalidad de las secciones nos encontramos títulos como “Gimme the loot” (¿No habría encajado mejor dentro de Enfants Terribles?) o “Hemel”. Correctas ambas, sin excesivos riesgos formales ni de casi ningún tipo, tónica, por otra parte, bastante habitual este año. También hubo alguna apuesta mas arriesgada en forma de falso documental mezclando realidad y ficción en el caso de “El efecto K. El montador de Stalin” pero la falta de credibilidad te saca mucho y además muy rápido de una historia que de los 124 minutos que dura, se podrían suprimir la mitad. La también española “88”, por la que a día de hoy sigo preguntándome si lo que pretende es contar una historia o simplemente confundir. Guiños a la ciencia ficción clásica con “The whisperer in Darkness” adaptación de un texto corto de H.P. Lovecraft, “Le magasin des suicides” de la nueva sección AnimaFicx e incluso bromas de verdadero mal gusto como “Post coitum”, película del director checo Juraj Jakubisco. Todo un alarde de mal gusto tanto técnico como artístico con un humor rancio y simplón reinante en casi todas las partes de la cinta.

El poso que deja el visionado de estas y otras películas es, en su mayoría, amargo. Una sensación de haber visto un cine con muy poca profundidad. Una selección de películas poco arriesgada, que se queda a mitad de camino en casi todo, hecho sin otra pretensión que mantener entretenido un tiempo determinado. Obviando que hay otras maneras y otros motivos por los que hacer cine y el hecho de apostar por ello no significa ser elitista ni hacerlo para unos pocos. Tal vez convenga recordar a quien corresponda que si el verdadero objetivo del festival, por encima de la calidad de la programación, es intentar contentar al mayor numero de

espectadores, a parte de tomar por tonta a la gente, es alejarse de un camino arriesgado, artísticamente hablando, pero que siempre fue avalado por prensa y espectadores, cultural e incluso estético por los que elFestival se había distinguido.

Tiene cabida también otro tipo de análisis.

Más sibilino éste, que necesita de una lectura entre líneas y que aleja ligeramente la responsabilidad del festival pero sin librarle del todo. Me refiero a aquellos que han contribuido entre todos a éste intento de tomadura de pelo que es decir Diego, donde dije digo. Artículos en el periódico de mas tirada de la ciudad (blanco y en botella) escritos por músicos de dudosa reputación (Señor Paskual, si hace usted música igual que ve cine, me explico entonces por que nunca la he escuchado) ensalzando las maneras de la industria “hollywoodiense” y del cine como arma de atontamiento mental o tirando de eufemismos: “vía de escape a la ya de por si triste vida que vivimos”. Intentos de maquillar una decisión polémica, reculando tarde, mal y nunca, haciendo creer a la gente de la ciudad y los espectadores del festival que “en realidad nada cambia”.Entonces, yo pregunto: Si en realidad todo es lo mismo, ¿por qué cambiar algo y después decir que sigue siendo igual que antes? ¿no es tratar precisamente como un tonto a alguien cuando le dices que vas a hacer algo de una manera distinta para que pueda ,así, entenderlo? ¿cuál es ese camino a seguir que tiene tan claro el señor Carballo? De momento y mediante una regresión espacio-temporal, al único sitio al que nos ha conducido es a cifras del 2005 en cuanto a recaudación en taquilla, perdida importante de subvenciones y un descenso del 20% en espectadores.

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Hoy en día que sólo se busca llamar la atención, el capricho, la ‘sorpresa’ por así decirlo. Compramos lo que más luce, lo que más se deja ver, y todo esto inducido por una necesidad implantada en el mismo acto en que nuestros ojos ven dicho objeto. En una época en la que esto ocurre, no hay nada mejor que retroceder en el tiempo, en este caso al Diseño Escandinavo de principios del siglo XX. Y no se puede hablar de este periodo y no hablar de Alvar Aalto, quien plasma en sus diseños su entorno y sus vivencias, cómo consigue crear a partir de una necesidad y no viceversa.

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Hugo Alvar Henrik Aalto (1898), de origen Finlandés, estudió Arquitectura en Helsinki. Se le considera uno de los arquitectos y diseñadores escandinavos más influyentes del siglo XX. Llegó a ser miembro del Congreso Internacional de Arquitectura Moderna (CIAM), donde coincidirá con grandes personajes de la época como ‘Le Corbusier’ o ‘Mies Van der Rohe’.

De mano de su padre, Johan H. A., aprenderá a valorar la naturaleza y a luchar por la protección del medio ambiente, como se deja ver en algunas afirmaciones de su puño y letra, - ‘La naturaleza, ¿no es símbolo de libertad?

A veces, la naturaleza se halla directamente de la idea de libertad; la mantiene viva’ .

Debida a esta familiaridad con el entorno se desarrolla en él una aguda sensibilidad por las formas orgánicas y los materiales naturales, reflejado en muchos de sus diseños.

‘Vaso y Jarrón Savoy o Aalto’ Es uno de sus diseños más conocidos y con más repercusión a lo largo de los años. De formas, a primera vista, extrañas e irregulares; pero dentro de la lógica de su trabajo, se considera que su forma ondulada y asimétrica es un reflejo del paisaje finlandés, y más concretamente sus lagos. Incluso el mismo Aalto llegó a decir que la forma del jarrón le surgió de la visión de un charco.

Se le considera fiel defensor de la opinión de que el diseño se puede aplicar a cualquier objeto, a gran o pequeña escala, tanto para un edificio como para la creación de mobiliario. Pero no es hasta 1935 y de la mano de su primera esposa Aino Marsio, también arquitecta, que fundan ARTEK, empresa destinada a la fabricación de sus diseños, la mayoría de ellos mobiliario (sillas, mesas, iluminación…). Es entonces cuando Aalto comienza a dar rienda suelta a su creatividad. Los diseños realizados son la mayoría en madera, ya que era el material idóneo para conseguir algunas de esas formas orgánicas que se pretendían. También se usó para uno de sus diseños más conocidos el vidrio.

Tras la creación de ARTEK, viaja a Estados Unidos donde será profesor en el Instituto Tecnológico de Massachusetts (MIT), tras esta aventura regresa a Finlandia (1942) y compagina proyectos urbanísticos y arquitectónicos así como la tarea de profesor. A su muerte en 1976, es su segunda esposa Elissa Mäkiniemi, arquitecta, quién se encargará de terminar sus proyectos.

Silla Paimio’ Cuyo nombre original es nº41, se localiza dentro de un proyecto a gran escala del cual Aalto se encargó y fue la creación del Sanatorio Paimio para enfermos de tuberculosis, su construcción se finalizó en 1933.

De la interacción con los médicos desarrolló la Silla Paimio, creada para que los enfermos pudieran pasar todo el tiempo posible en ella, la cual por su forma particular facilitaba la respiración de pacientes con problemas.

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1 (*) Productos disponibles en www.tadescky.com

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Tadescky es una marca de ropa independiente, que cuenta con tienda, diseños e impresión propios. De manera tradicional, y siempre en series muy cortas, estampamos nuestras ilustraciones sobre camisetas y sudaderas sí se describe en sus tarEntre sus influencias puede aparecer el gusto por jetas comerciales Tadesclas formas geométricas y minimalistas, por los de“Me apetecía hacer ky, el proyecto en el que talles pop en ilustraciones más figurativas, o por algo exclusivo, no en el diseñador gráfico y cuanto a su precio, si no las referencias a la cultura popular asturiana más serígrafo Diego Palacio tradicional. “Pretendo no aburrirme yo, y así, que en cuanto a su concep- la gente tampoco se aburra, por eso me gusta prolleva volcando su pasión ción producción”. por las imágenes y la cobar con varios estilos y temáticas”. municación desde 2011.

Además, un producto tan especial se presenta en “El trabajo con pasión se convierte en placer...”, ésa suele ser una un envase no menos especial: todas las camisetas y sudaderas Tade las frases más empleadas por Diego cada vez que se le pregundescky se entregan dentro de un bote que simula el de la tinta emta la razón por la que decidió crear su propia marca en tiempos pleada para serigrafiar las prendas de la marca. tan difíciles. Con el espíritu del “házlo tú mismo” por bandera, En cuanto al futuro inmediato, Diego se muestra ilusionado con la este luanquín se fijó como meta poder llegar a realizar gran parte plataforma que supone su tienda online en internet, “...me encanta de los pasos que forman las camisetas que vende bajo la marca la idea de poder llegar a gente de distintos lugares dentro y fuera de Tadescky: empezando por el diseño de las ilustraciones, siguienEspaña, internet es una forma genial de comunicarse con personas do por la impresión en serigrafía de las prendas, y terminando de lugares dispares y de poder mostrarles lo que haces...” por la venta del producto final. “Me encanta controlar todo lo Actualmente Tadescky cuenta con tienda física en la Plaza Roque pasa desde que surge la idea de componer una imagen hasta mualdo Alvargonzález de Gijón y con tienda online en su sitio web que la llego a transferir sobre la tela con mis propias manos...”

Su idea de negocio se basa en lo artesanal, todos sus productos www.tadescky.com. se imprimen manualmente y siempre en series limitadas de 15 unidades como máximo, lo que los convierte en algo especial.

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(1)Ejemplos de las sudaderas y camisetas de Tadescky. (2) Interior de la tienda situada en la Plaza Romualdo Alvargonz谩lez, 2, bajo, en Gij贸n, (3)Detalle del escaparate de la misma tienda.(4)Envase exclusivo de los productos Tadescky.

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Museo- Mirador Centro de Arte Niemeyer

sí era Oscar Beiro de Almeida Niemeyer Soares Filho, popularmente denominado Niemeyer, no hay mejor descripción de él mismo que su propia cita.

Este perdurable sujeto dibujaba con la naturalidad de quien bebe un vaso de agua. A trazos gruesos y claros sobre papel blanco, dejando salir esas formas orgánicas y vivientes que tanto le definían. Creando proyectos que, pese al contraste con el entorno y la artificialidad con la que algunos los pueden mirar, para él era una manera de intimar y comprenderse él mismo y el lugar.

Ciento cuatro, casi ciento cinco años (a diez días estuvo).

“Casi ná”. Sobre todo si lo vives con esa intensidad hasta la extenuación misma, manteniéndose en actividad laboral hasta pocos meses antes de su muerte y casándose, para rematar, a la prudente edad de 100 años. (Ya se insinuaba antes en la cita que las mujeres no le eran ninguna memez.)

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Ha tenido una vida llenita, llenita de logros; y no solo echándose flores a él mismo, sino que pudo fardar de haber remarcado el nombre de aquellos que le acompañaron en su longeva vida en la historia, innovando y experimentando con él en el juego de la plasticidad y la forma del hormigón, su gran aliado en la mayoría de sus proyectos, como si de plastilina se tratase. Que pese a ser El Material de la época de vanguardia a la que pertenece y de la que, como buen moderno, se empapó con sus múltiples tendencias, no se quedó a gusto y movió ficha en el asunto. Marcó sus propias metas y enseguida se le conoció por su forma personal de “sorprender” (uno de los principales propósitos de sus obras.). Y que consiguió de manera nacional con el encargo del alcalde de Belo Horizonte Kubitschek, hacia 1940, de una pequeña iglesia en Pampulha con una bóveda parabólica de hormigón armado. Ésta, como muchas otras de sus obras, está decorada con azulejos y frescos en su interior. Para este varón, los elementos decorativos formaban parte fundamental a la hora de comple-

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tar sus obras. Él sustituyó la frase dominante de los años 30/ 40 de “lo bello es útil” por otra más suya que se regocijaba en repetir “si es bello, es útil”.

Camaradas y colaboradores desde luego nunca le faltaron, desde el mismísimo Le Corbusier (de los que parió el Movimiento Moderno en la arquitectura) con quien realizo la sede de la ONU en Nueva York; o el grande de la Bossa Nova Vinicius de Moraes, con quien trabajó en la obra de teatro “Orfeu da Conceição” en 1956 diseñando los escenarios.

De todas formas, Niemeyer era un poco “cuco”, enseguida se le caracterizó por su compromiso político con el partido comunista pero la verdad es, que el hombre, pese a su militancia, nunca se separó demasiado del poder para obtener siempre contratos hermosos y a gran escala. O cuando le tocó exiliarse y tras haber obtenido el premio Lenin de la Paz eligió la no exactamente comunista ciudad parisina en vez de la esperada nueva estancia en la URSS. Pero bueno, son temas que no transcienden mucho a la hora de recapitular su producción arquitectónica. Que desde luego se pudo quedar a gusto en cuanto a producción, innovación y repartición de proyectos por el mundo. (Diseñó más de seiscientos. Que se dice pronto).

Incluso diseñó una ciudad, sí, sí, una ciudad entera. Y diseñada, construida e inaugurada en lo que dura un mandato: cuatro años. Cuando Brasilia ganó el concurso como nueva capital central del país en 1956 y gracias al proyecto del gran urbanista Lucio Costa (mentor y colega de Niemeyer) mientras que el primero se ocupaba del diseño y planificación urbana de la ciudad, el segundo se encargó de diseñar proyectos como churros; decenas y decenas, y de diversas tipologías: administrativo, residencial, comercial…eso sí, todos bien ligaditos a lo que se quería. Como es la residencia del Presidente (Palácio da Alvorada) o la catedral de Brasilia (de mención obligatoria por lo asombrosos que son.)

Resulta imposible seleccionar de manera justa qué decir sobre la vida de este señor, pero bueno, no me iba a ir sin comentar un poquitín por encima cómo tenemos el tema del Niemeyer en casa. Considerado outdoors como su mayor y más importante proyecto en Europa y sinceramente, coincidiendo con una de sus décadas de mejor producción, como el popular Mirador/ Museo de Arte contemporáneo de Niteroi (4); en el indoors tenemos una desilusión generalizada hacia “nuestro Niemeyer” de Avilés. Aunque creo que la raíz del problema es el guirigai que hubo en todos los temas disociados del propio complejo en sí. Lo que en su albor pretendía ser, “una plaza abierta a todo el mundo, un lugar para la educación, la cultura y la paz”, todo según el propio Niemeyer, su “mejor obra y más querida” fuera de Brasil, se ha convertido en cada uno de los antónimos de la misma intención.Quizá si profundizamos un poco más en lo que este paisano a tan avanzada edad quería transmitirnos y “regalarnos” con su arquitectura libre de prejuicios, interpretemos sus ideas, que van un poco más allá de lo estéticamente razonable, de otra manera; y en unos años tengamos una visión y un comportamiento diverso frente al huevo cocido.

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Catedral de Brasilia.

Iglesia Pampulha

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diario sometemos nuestros sentidos a una media de 20.000 estímulos visuales, oímos más de 800 palabras diferentes y estamos expuestos a 150 marcas comerciales.

Dentro de esta saturación de información gráfica se encuentra el packaging al que podríamos considerar como el anuncio silencioso que todos miramos, un intermediario mudo entre producto y comprador.

El envase ha tenido desde siempre unas funciones básicas de continente, conservación y protección, servicio, seguridad e información. También es importante facilitar su transporte, e incluso su reciclaje.

Pero también, en la época actual tiene un función de marketing, es la cara de presentación del producto frente al consumidor y debe venderse por sí solo. El envase ha de ser portador de la imagen que la empresa quiere transmitir a su publico objetivo para poder provocar el deseo de compra.

El packaging se dirige a un mercado muy amplio, es de consumo habitual y su precio es relativamente bajo ya que lo encontramos en productos tan básicos como la alimentación, la higiene personal, la limpieza, etc.

Hoy en día cada vez son más las empresas que se preocupan por rediseñar sus productos o buscar creativos que lancen sus nuevas creaciones con una buena imagen. El mercado de hoy en día está masificado, la competencia cada vez es más alta y hay menos dinero para publicidad y promociones, por lo que el pakcaging es el recurso perfecto para atraer a los consumidores en el propio punto de venta. Hemos de tener en cuenta que una de cada tres compras es cosa del envase.

En resumen, se le debe facilitar al consumidor que la compra sea agradable, tranquilizadora, enriquecedora y satisfactoria.

Todo esto, hace que cada vez más sean los estudios o agencias de diseño es-

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pecializadas única y exclusivamente al diseño de branding y packaging, ambos relacionados muy directamente. Dichos diseñadores deben tener la habilidad de pensar en 3 dimensiones, tanto en horizontal como en vertical, y deben dominar tanto la composición, la tipografía y la parte más estratégica del branding.

La función del Diseñador es comunicar la promesa de marca y sus valores de una manera creativa, tratando de innovar y tratando de conectar con el subconsciente del consumidor.

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Este suele dedicar apenas 20 segundos para analizar todo el lineal y 8 para seleccionar el producto. Es por esto que debemos sintetizar aquello que queremos transmitir mediante formas, colores, tipografías, etc. De manera que con un solo vistazo podamos dar una idea aproximada de quienes somos y que ofrecemos.

En el ámbito del packaging el proceso creativo es distinto a otro ámbitos del diseño. Cadaestudio, cada diseñador tiene su método de trabajo y difícil encontrar dos creativos que trabajen bajo el mismo esquema. Esto es sólo un ejemplo.

Una vez llegado a un acuerdo, el siguiente paso es estudiar el briefing en caso de que la empresa nos lo proporcione. Es importante que conozcamos sus puntos fuertes y débiles, sus cualidades y los valores que quieren transmitir, ya que en muchos casos este será el punto de partida de nuestra creatividad. A la hora de comenzar el proceso creativo es muy importante, antes de enfrentarse al papel o a la pantalla, realizar un brainstorming, una

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lluvia de ideas, de conceptos relacionados ( o no) con el producto, millones de palabras que nos inspiren, imágenes, frases, videos. Todo material es útil para poner nuestra cabeza en funcionamiento. Este tipo de acciones es mejor realizarlas en grupo, ya que esto ayuda a abrir la mente y explorar lugares a lo que no podríamos llegar nosotros solos, pero también hay herramientas para poder explorar nuestra mente de manera individual.

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Proceso de bocetos.

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éstos sean los que finalmente De esta idea creativa sacaremos presentemos. los conceptos más importantes A partir de este momento el a partir de los cuales comencliente vuelve a tener relevancia zaremos a trabajar y a hacer “Los creativos debemos bocetos. Es importante hacer en el proceso. Debemos presentener en cuenta que temuchos bocetos muy poco elatarle nuestras propuestas eleginemos apenas segundos borados, rápidos y con poco dedas y trabajar con él en posibles para captar la atención talle para así y viendo temas de cambios, fusión de conceptos, del consumidor en el punconcepto y composición. Una elementos a incluir, pequeños to de venta.” detalles. Ambos debéis trabajar vez tengamos un gran número mano a mano para que el resulde propuestas haremos una setado final sea satisfactorio por ambas partes. lección y comenzaremos a hacer bocetos algo Finalmente, se deben preparar los archivos para más elaborados hasta tener 6/7 propuestas con el proceso de impresión, otro momento crítico, las que comenzaremos a trabajar en el ordenador el llamado arte final. Todas las medidas, colores, tipos de papel, etc. deben ser indicados coUna vez que escogemos los caminos a seguir, correctamente para la buena impresión de nuesmenzamos a trabajar con el ordenador y hacetra creaciones. Este paso es fundamental ya que mos una primeras propuestas, probamos colores, el impresor es quién le da vida al proyecto y tipografías, composiciones a tamaño real. Debedebemos tener un seguimiento activo para un mos agotar todas las posibilidades y no quedaróptimo resultado final. nos en los primeros resultados incluso cuando Arte final.

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lguien dijo una vez que somos lo que comemos, y aunque no le faltaba razón podríamos ir más lejos y englobarlo en un somos lo que consumimos. La vida entera nos la pasamos rodeados de aparatos y utensilios que nos hacen la vida más cómoda. Nos hemos acostumbrado tanto a ellos que comenzamos a sufrir una dependencia de la que no llegamos a ser conscientes.

Hoy en día nos resultaría increíble que alguien no tuviese un televisor en su casa o que simplemente no dispusiese de un teléfono móvil. Pero, ¿por qué existiendo una gran cantidad de productos y de competencia nos decantamos justo por ese modelo y esa marca?, pudiendo escoger entre todos esos móviles de esa enorme estantería ¿por qué nos fijamos justo en ese?

La respuesta es obvia, somos lo que consumimos.

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Nuestros productos nos definen como persona, como sociedad y como cultura. De hecho solo hace falta echar la vista atrás y ver la evolución que han seguido nuestros productos para poder ver reflejada la evolución que ha seguido el propio ser humano.

Desde que nacemos vamos formando nuestra personalidad con las decisiones que tomamos.

Escoges a una serie de amigos, la ropa que llevas, tus hobbies y también la marca de los productos que utilizas, porque eso también te define.Cada marca lleva tras de sí un mensaje.

Un mensaje con el que tú puedes sentirte identificado o no. Adidas por ejemplo, con su eslogan impossible is nothing, nos vende la idea de que al utilizar su marca serás capaz de todo. Quien lleve sus playeros no será un simple atleta, será mucho más.

Y esto sucede con todas las marcas. Ni tiene el mismo carácter, ni piensa igual, ni se mueve por el mismo ambiente una persona que utiliza un ordenador Macintosh que una persona que utiliza un PC.Pero esto no siempre fue así. Hubo un tiempo en el que todos los fabricantes de sillas, por ejemplo, utilizaban los mismos diseños o al menos pocas eran las variantes. Esto era debido a que se trataba de artesanos. Personas cuyos conocimientos habían pasado de generación en generación.

Todo esto cambia al comenzar la Revolución Industrial.

Ahora se puede fabricar en serie y utilizar nuevos materiales con un acabado impecable.

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El gran abanico de posibilidades que ofrece la industrialización abre paso a que se comience a crear en cada fabrica diseños diferentes para los mismos objetos.

Esto llevo a que naciesen dos grandes (e incompatibles entre sí) movimientos que marcaron un antes y un después en el diseño industrial; por supuesto nos referimos al Funcionalismo vs Styling.

El funcionalismo surge en Plena Guerra Mundial en Alemania. Bajo el contexto de la Alemania nazi y cuando todo aquello que fuese nuevo o raro estaría bajo sospecha de ser comunista o maricón. Walter Gropius funda la primera escuela de arte y oficios bajo los ideales del racionalismo.

Lucha en contra de las estridentes ornamentaciones innecesarias y busca la simplicidad de las formas y el único objetivo de cubrir la necesidad para el que dicho objeto fue creado. La función justifica la forma.

Por el contrario en Estados Unidos nos encontramos con la abusiva necesidad de fomentar el consumo en una sociedad tan capitalista que llevo a exagerar y enrevesar las formas con el único fin de hacerlas atractivas al ojo humano. Dejen paso al Styling.

Comienza a verse alerones en máquinas de escribir, formas recurrentes de la aeronáutica en coches tan grandes y pesados que consumen una abusiva cantidad de combustible.

El Ying y el Yang, la navaja suiza frente al Magnum 44, Marilyn Monroe frente a Pamela Anderson, el raciocinio frente a la exageración…

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s evidente el hecho de que en la carrera tecnológica de las cámaras digitales se lucha por conseguir reproducir la realidad con la mayor resolución, definición y detalle. Sin embargo, a la vez que la mejor tecnología está al alcance de más gente, podemos ver cómo proliferan multitud de herramientas que añaden ruido, viñeta y filtros que logran en la imagen resultante un aspecto antiguo, emulando las cámaras analógicas.

Nuestra ya asumida sociedad de la imagen ha cultivado el fenómeno de las redes sociales. Con esto la democratización de la fotografía ha ido un paso más allá.

Se ha cumplido nuestro sueño, el álbum de fotografías de las vacaciones ya está a la vista de todo el mundo. A través de Facebook, Twitter y sobre todo Instagram, los usuarios satisfacen esa necesidad de contar en todo momento lo que hacen y se aprovechan de la fotografía con este fin. Es la fotografía de la instantaneidad contagiada por la moda de los filtros que exhiben lo retro, imitando los efectos y defectos de lo analógico. Una moda que da por se tado que una imagen manipulada es de mejor calidad.

Una fotografía analógica es un proceso artesanal desde que se captura hasta que se logra plasmar en papel correctamente, con un considerable trabajo de laboratorio. Este proceso se puede sentir cuando obtienes el resultado, por el peso del papel, el olor y la textura que deja un fijador no lavado correctamente. Todo en conjunto forma parte del valor de la imagen. Nada tiene que ver con la superproducción de imágenes de nuestra era digital. La evolución, o mejor dicho, involución de las artes plásticas y la fotografía ha ido de la mano de la simplificación de los procesos hasta el punto de la extinción. Han dejado de ser una multitud para ser una unidad. La mayoría de las empresas se pasan al lado digital, al realismo sin precedentes, al detalle, cuando simultáneamente surgen corrientes de nostalgia, de querer conseguir esa imagen borrosa, ligeramente desenfocada, viñeteada en exceso y texturizada. ¿De qué nos extrañamos?. Lo mismo ha ocurrido en el arte durante siglos. Cuando surgió la fotografía se pensó que sería el fin de la pintura, y nada más lejos de la realidad, era su liberación.Realmente era lo que necesitaba la pintura para construirse a sí misma. Es entonces cuando aparecen todas las vanguardias.

Toda corriente artística sufre nostalgia de sí misma y vuelve a sus inicios una y otra vez. Podemos decir que la fotografía analógica se ha convertido en una forma cara de capturar imágenes, un artículo con un coste elevado de manufactura por la escasa distribución de los materiales.

Sin embargo, jamás dejará de existir.

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En Fshn nos gusta la buena fotografía. Y nos gusta la gente emprendedora y con ganas de hacer cosas nuevas. Además creemos que es im� portante mostrar el trabajo de gente que se lo merece. éste es el caso de Cecilia a.H. Arias.

La fotografía de Cecilia A.H. Arias, una fotografía con raices analógicas y con la que retrata de una manera muy sutil, llena de buen gusto, a sus modelos y el mundo que le rodea.”La fotografía para mí es un modo de vida, no solo de trabajo, sino una manera de documentar mi día a día, de atesorar recuerdos de personas, de sitios, de luces... La moda es tan solo la base, el punto de partida, pero bebo de muchísimas cosas más, la cultura underground, los deportes de deslizamiento como el surf o el skate, la música, los viajes, el cine…” Ésta estilista y fotógrafa asturiana, de 26 años, viajó a sus 18 años a desde Asturias a Madrid, atraida por el mundo de la moda para estudiar Estilismo de Indumentaria. Es aqui donde , entre otras cosas, tiene su primer contácto con la fotografía: “Allí empecé a asistir a mis primeros shootings de moda importantes,para revistas como Haarpers Bazaar, Tendencias o Mujer de hoy, y a vestir a personalidades como Jonh Kortajarena, Dover o Paulina Rubio. Aunque era el “ultimo mono” como quien dice, me empapé de todo lo que me rodeaba y sentía especial adoración por la figura del fotógrafo, aquella persona que lo controlaba todo, que tomaba decisiones en función de la luz, la idea, el objetivo. Aquello me resultaba mucho mas atractivo, me llamaba mucho mas la atención.”

Tras 3 años en Madrid regresa a Asturias, para continuar su formación como fotógrafa, estudiando técnico de Laboratorio, edición digital, medio y gran formato. Desde entonces, no ha parado, involucrándose constantemente en nuevos proyectos e iniciativas, que le impidan caer en la pasividad y le den la oportunidad de seguir fotografiando “Desde fotografiar la última colección de ropa de una amigo, a cubrir un campeonato de skate, o viajar cargada de cámaras analógicas y pasarme las tardes escaneando negativos”.

En la actualidad, se encuentra inmersa en la temática de “Bodas Alternativas “ con su proyecto Días de Vino y Rosas, mientras sigue realizando trabajos para diferentes publicaciones o clientes a la pare de documentar su día a día en su blog Les Temps de Cerises.

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ompacta y abrumadora es la vida del precursor de esta técnica, el misterioso Phil Spector. Un genio salido de las calles del Bronx a mediados de la primera década de los años 30. Un tipo que siempre llevaba un revolver encima. Una leyenda viva.

El pequeño Philip, con tan solo 19 años de edad y eligiendo el epitafio de la tumba de su padre “To Know him is to love him” para una canción, consiguió la fama necesaria para hacer lo que verdaderamente le entusiasmaba, la producción musical.

No es que fuera peor guitarrista o intérprete que muchos artistas de la época.

Pero sabía perfectamente que detrás de la mesa de mezclas es donde se obtiene más poder. Y estoes algo que a Spector le entusiasmaba. Poder. “Solo es cuestión de hacer creer al artista que estás a su mismo nivel “. No tardó en tener varios álbumes de éxito produciendo a dos de los grandes grupos vocales de la década de los 60.

The Crystals y The Ronettes. Grupos que no son más que jovencitas de voz cristalina cantando suaves melodías que hablan de los primeros amores. Fue durante estos años cuando el “muro de sonido” empezó a gestarse. Spector, en muchas ocasiones sometía a los músicos del estudio a interminables horas de grabación, para como él mismo decía “sacar lo mejor de ellos”. Se apropió de ese sonido y se empezó a gestar lo que después se llamaría el “Sonido Spector”.

Detrás de este apelativo, se esconde el descarado uso de la orquesta como base para unos coros brillantes y angelicales.

Antes de realizar su primera desaparición pública, produjo uno de los sencillos más ambiciosos de la joven Tina Turner, el potente “River Deep, Mountain High”. Muchos años después, el mismo Phil reconocería que estaba buscando “alguna voz para destrozar a The Beatles”. Después de producir este sencillo, que por otra parte es uno de los máximos exponentes del “Muro de sonido”, Phil desaparece hasta principios de los 70´s, no sin antes casarse

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con la jovencísima cantante de “The Ronettes”, Veronica Bennet, quién luego tomó el nombre de Ronnie Spector.

Según él mismo, mantenía a Ronnie como una prisionera en su mansión junto al hijo natural de éstos y dos gemelos Daneses que Phil le había regalado por su cumpleaños. Phil no tardaría en volver a la producción musical de la mano de uno de los músicos más influyentes del siglo XX: John Lennon. iPaul McCartney se sentía defraudado por la producción que Spector había hecho de los temas del conocido álbum del cuarteto de Liverpool, “Let it Be” en 1970. Para McCartney, los arreglos orquestales de Spector son poco más que basura y no duda en criticarlos abiertamente. Pero el problema era, que el mismo John Lennon fue el precursor de que Phil Spector metiera su mano en las grabaciones de éstos. Según él mismo, cuando produjo el disco ya sabía que el grupo se iba a separar.” Cuando fui allí, en dos meses hice lo que ellos no fueron capaces de hacer en dos años con esas cintas”. Pero para McCartney, habían

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musical, limpiando digitalmente cada cinta original, como en el orden de las canciones y su presentación. Paul tenía lo que quería. El sonido que los Beatles (según éste) realmente querían desde el inicio. Spector señalaba en una entrevista “ No es necesario poner las dos versiones juntas para oír la diferencia. No sé si lo hizo como venganza personal, queja o afirmación. Se ha confundido conmigo. Me importa una mierda”. En realidad, Phil tenía otros problemas más importantes en ese momento. Casi nueve meses antes de la salida del disco, Spector había sido detenido por homicidio. Iba a ser juzgado por el asesinato de la actriz de cine B, Lana Clarkson. Hasta la resolución de su condena, Spector clamó por su inocencia a pesar de que se encontraron sus huellas en el arma homicida. Se le condenó a 19 años de cárcel. Mientras Phil Spector siga vivo, tendremos entre nosotros a uno de los ilustres miembros de la historia de la música.

violado a su bebé. Sobre todo el conocido tema “The long and winding road”. Phil comentó.

“The Long and Winding Road era una grabación horrible cuando yo la escuché.

John tocaba el bajo,se equivocaba en todas las notas y apenas se sabia los acordes.

Paul cantaba como si no se lo creyera, era como si se estuviera burlando,era una farsa. Tuve que hacer todo lo que pude para disimular los errores”.

Sin embargo, Spector produciría la mayoría de los discos de Lennon, tanto en solitario como con The Plastic Ono Band. Durante esta época, las sesiones de estudio eran caóticas. El estudio normalmente se llenaba de gente, amigos, colegas,drogas y alcohol. Se cuenta que más de una vez Spector tenía que sacar su revolver y hacer varios disparos al aire para poder continuar con las sesiones de grabación.

En este momento, el uso abusivo de tranquilizantes, alcohol y drogas habían pasado factura a Spector. Pero su fuerte carácter, unido a su inquebrantable ego, permaneció intacto. Aún hoy en día, sus declaraciones no dejarán indiferente a nadie.

Pertenece a una época que no habla el mismo lenguaje que la actual. Durante los 70´s no sólo trabajó junto a Lennon, también produciría muchos de los discos de George Harrison “The Concert for Bangla Desh” de 1971, Leonard Cohen, con el desastroso álbum “Death of a Ladies´ Man” en 1977. e incluso a Los Ramones, en su archiconocido disco, “End Of the Century” a finales de la década. Podemos considerar que las carreras de Lennon y George triunfaron gracias a la labor de Phil

“El pequeño Phillip murió, tal vez no crea en Dios, pero sé que existe el Diablo”.

El 17 de Noviembre de 2003, Paul McCartney lanzaba al mercado el disco “Let it Be...Naked”.

McCartney llevaba 35 años pensando el volver a grabar el mismo álbum que The Beatles lanzaron junto Phil. Esta vez, sin el “Sonido Spector”. El disco fue lanzado con grandes cambios, tanto a nivel “MURO DE SONIDO” Técnica de grabación musical consistente en grabar múltiples pistas de acompañamiento orquestal, que superpuestas crean un sonido compacto y abrumador.

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Si has llegado hasta aquí te damos las gracias. Has contribuido a que nuestro árbol comience a crecer. Pensarás , “si no he hecho nada...”. Si que lo has hecho. Con tu lectura has contribuido, ha servido de algo nuestro trabajo, por eso hacemos Fshn. Si has llegado hasta aquí has hecho que todo el trabajo haya merecido la pena. Y de nuevo te damos las gracias por ello.

Además desde aquí queremos invitarte a que te comuniques con nosotros.

En fshn (y nos nos cansaremos de decirlo) estamos abiertos a vosotros.

Esperemos que poco a poco y con vuestra ayuda, evitemos que este arbol se seque.

Muchas gracias por todo.

El equipo de FSHN

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