l Revista mensual l Julio de 2006 l Edici贸n 02 l $3.000 l
Dirección Diseño + Diagramación Impresión Corrección Ortográfica Comentarios o sugerencias
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Luis Fernando Henao Mesa Mauricio Sánchez + Ana María Vargas Papelería Grafix Paula Duque revistaod@gmail.com
Contenido 2. Verdades en la cara
4. Gutemberg y la imprenta
7. Una breve historia del cartel
11. Manuscritos iluminados
14. Caligrafía
Editorial Saber de donde venimos y para dónde vamos es parte fundamental de nuestra formación como diseñadores. Entender el por qué de nuestro diseño, tener bases teóricas que sustenten nuestras ideas y conceptos, sólo es posible si conocemos el origen y la historia del Diseño Gráfico. Conocer y comprender la razón de ser de todas las obras, los maestros y el impacto que ha generado el Diseño Gráfico en nuestra sociedad, nos dará una idea más clara de nuestra función como Comunicadores Visuales. Por esto, en esta edición, empezaremos a conocer algunos de los personajes y hechos que han aportado a nuestra profesión las bases fundamentales para contribuir a la evolución del mundo, sus habitantes y su crecimiento cultural. Bienvenidos.
17. Curiosidades
El diseño gráfico ha sido definido por el Consejo Internacional de Asociaciones de Diseño Gráfico ICOGRADA- como una actividad intelectual, técnica y creativa involucrada no solamente con la producción de imágenes sino con el análisis, la organización y los métodos de presentación de soluciones visuales a los problemas de comunicación. Este concepto tan claro, directo y La Academia
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contundente debería convertirse realmente el la razón de ser de la formación de cualquier diseñador gráfico. Pero la realidad actual de nuestro medio es otra: Proliferación de diseñadores sin un norte claro, instituciones de garaje que ofrecen la carrera como cualquier libra de carne, profesores mediocres con actitud arrogante, poca claridad de un perfil a nivel de muchas instituciones, la idea todavía errónea aún después de muchos años de que el diseño es una profesión escampadero para después estudiar “algo que sí dé plata”; un medio tan supremamente plástico y vacío que muestra un mundo fantasioso a los estudiantes cuando deciden ser diseñadores gráficos (léase música, ropa, bares, sitios que son obligatorios para ser un diseñador bien).
Cada semestre aparecen cantidades y cantidades de estudiantes con un solo ideal: SER DISEÑADORES GRÁFICOS, y las instituciones se están llenando de toda esta masa de soñadores pero con un gran inconveniente: la gran mayoría no esta preparadas para dar calidad en la formación de los futuros diseñadores de nuestro país. Profesores mediocres, sumidos en una excusa muy barata que son sus miles de años de experiencia pero que no se actualizan ni están a la par de una profesión tan evolutiva como la nuestra. Que siguen enseñando lo mismo que hace 10 años sin ninguna vergüenza y que para los estudiantes terminan siendo monótonos y predecibles. Que no van a seminarios, congresos o talleres porque “no tienen tiempo”; que creen que su palabra es la ley pero sin un peso de justificación y entonces sólo se basan para formar, en todas sus frustraciones y por eso cada vez que ven un estudiante bueno, con madera y un gran potencial, se siente amenazados y empiezan a frustrarlos. Profesores de quincena. Pero ahora también estamos ante una nueva categoría de profesores: los que tuvieron promoción automática a profesores sin tener experiencia laboral y que se quedaron con lo que les enseñaron, aquellos que encontraron que enseñar diseño es fácil y lo pagan bien, además que no amerita tanto desgaste con enfrentarse a clientes desagradables, jefes chupasanges y horarios esclavizantes. Entonces por dos horas hablando cosas que ni ellos las entienden ni las practican se ganan su vida mediocremente. Profesores que llegan sin preparación a las clases, que no aman la profesión, que buscan “romper esquemas” colocándole proyectos inocuos a los estudiantes salidos de su florida imaginación y que nunca jamás van a tener aplicabilidad en el mundo real del diseño gráfico. Profesores que sólo ofrecen a los estudiantes confusión, mediocridad y una linda amistad.
Hay profesores que no motivan a los estudiantes hacia la investigación ni el análisis, a cuestionarse su futuro ni a profundizar sobre su lugar en esta hermosa profesión. Hay pocos profesores que exigen ética profesional en los estudiantes contra el fusil porque son tan mediocres que ni ellos se dan cuenta que les están entregando un trabajo plagiado o mandado a hacer. O no les importa. Total, ¿para qué preocuparme por eso si yo no soy el que me estoy engañando? Pero si algo salva esta problemática, son los pocos profesores que les abren los ojos a ciertos alumnos, que motivan a sus estudiantes a esforzarse, a amar su profesión, a autoexigirse, cultivarse y a aprender más de su profesión y los ayudan a ver que hay un mundo más amplio e interesante fuera de las aulas.
Los Estudiantes Mediocridad. Esa es la gran constante que se encuentra en muchos estudiantes. Mediocridad e ignorancia sobre la profesión de diseñador gráfico. Las razones son casi infinitas: es una profesión que ha sido subvalorada, que apenas se esta profesionalizando académicamente, que sus propios hijos la prostituyen ofreciendo símbolos y logotipos a $10.000 , que todo el que quiera montar un negocio de educación, lo monta ofreciendo Diseño como un cursito juguete y que se convirtió en una profesión fashion. Estudian diseño nos exige a los estudiantes teñirnos el cabello, tener ropa de marca, estar muy pegaditos a lo último de la moda y tecnología, ipod, palm, celular bien puppy (¡o sea!); hacernos todos los piercings y tatuajes que sean muy visibles (brazos, abdomen y casi nalga), ir a sitios y bares frecuentados por otros diseñadores y gente bien. Pero algo muy importante: estudiar diseño gráfico nos exige estar enterado de lo último de la farándula, realities y cuanto chime barato se pueda ver en televisión. La tecnología ha sido demasiado desaprovechada por los estudiantes de diseño gráfico: mas que una herramienta, el computador terminó convirtiéndose en el cerebro del estudiante con la consecuencias fatales a en la calidad de su trabajo: lleno de efectos facilistas, saturados y con una inmensa ignorancia tipográfica. Ideas robadas, descaradamente plagiadas sin ningún asomo de esfuerzo, con una inmensa ausencia de investigación y concepto convirtiéndolos por consecuencia en lo que esta proliferando en el mercado: choferes de computador.
El bajo nivel cultural, la pereza y la son la constante en las clases. Estudiantes mediocridad que no exigen calidad a los profesores, que no buscan mas allá de lo que 3 le pueda ofrecer un profesor; que no investigan, que no se actualizan, que desconocen sus raíces culturales, que no tienen identidad propia, que viven desconectados de la realidad política, económica, social y sobre todo cultural del país; que no absorben toda la amplia gama de inspiración creativa que ofrece cada rincón de país. Pero peor: estudiantes que teniendo una gran herramienta tecnológica como lo es Internet, no se actualizan ni miran más allá de las fronteras de sus narices: sólo chatear y chatear. Internet es la respuesta a tanta plegaria de estudiantes que no tenían acceso a los libros de diseño gráfico. La mayoría de información sobre diseño está en inglés, así que los estudiantes solo miran los libros por las imágenes. Por ser libros caros, las bibliotecas no los prestan o los restringen muchas veces por el vandalismo de algunos desadaptados facilístas que los mutilan para plagiar. Pero Internet esta permitiendo una actualización increíble en el menor tiempo posible: concursos, historia del diseño gráfico, trabajos, blogs, estudios de diseño, publicaciones, grandes maestros, todo eso sirve para ampliarse el mundo, los conocimientos e ir puliendo todo el potencial creativo en esta carrera. Pero ni teniendo a la mano todas las herramientas que nos ofrece la tecnología, podemos pretender ser DISEÑADORES GRÁFICOS si no hay una conciencia clara y profesional de nuestro oficio. Si no nos dedicamos a educarnos todo lo que podamos, si no nos preocupamos más por leer y tener una cultura general más amplia, si no volvemos al sitio que es fuente de inspiración para nuestro trabajo: la calle, las tiendas, el centro, nuestros vecinos, nuestra cultura que sólo los extranjeros se maravillan y les inspira tanto y nosotros ni siquiera podemos verlo.
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El impacto de la invención de la imprenta fue tremendo. La producción de libros durante los primeros cincuenta años después de la decisiva aportación de Gutenberg fue, casi con toda seguridad, mayor que en los mil años precedentes. La imprenta de Gutenberg provocó una verdadera revolución en la cultura. El saber escrito dejó de ser patrimonio de una élite y se extendió a amplias capas de la población. La escritura fue sustituyendo a la tradición oral como forma privilegiada para transmitir conocimientos, a la par que las publicaciones impresas, como libros o periódicos, se generalizaron. A principios del siglo XX la escritura impresa ya era el medio predominante en Occidente para la difusión del saber. Además de su enorme significado para la religión, la política y las artes en general, fue este un avance tecnológico que facilitó todos los demás que le siguieron.
Los tipos individuales móviles
Johannes Gutenberg, de nombre verdadero Johannes Gensfleisch zur Laden, nació en Maguncia, Alemania, el año de 1398. Era hijo de un patricio de Maguncia, orfebre de profesión y director de la Casa de la Moneda de esta ciudad, que se casó, en segundas nupcias, con Else Wilse, de extracción burguesa, cuya familia aportó como dote una mansión llamada Zum Gutenberg, en la cual nació el célebre impresor, entre 1394 y 1399. En el hogar familiar, el joven Johannes fue tempranamente iniciado en el arte de la orfebrería y en las técnicas de acuñación de monedas. Además de su padre, muchos de sus parientes trabajaban en estos oficios, y es posible que allí se le presentara la oportunidad de grabar punzones y de asistir a la fabricación de los moldes de arena que empleaban los fundidores. Este impresor alemán fue conocido por sus contribuciones a la tecnología de la impresión en por lo menos tres de sus procesos: Las matrices o planchas de impresión de tipos móviles, la prensa y en las tintas para transferir los tipos al pergamino o al papel.
A Gutenberg se le considera el inventor de los tipos móviles en Europa, pues los chinos y coreanos ya los usaban de los tipos móviles de plomo fundido, más duraderos y resistentes que los fabricados en madera, y por tanto reutilizables que confirieron una enorme versatilidad al proceso de elaboración de libros y a su masificación. Inicialmente estos eran singulares (únicos), como una obra de arte, elaborados a mano letra por letra, palabra por palabra, por un escriba en un Scriptorium. En la alta edad media ya se empleaban matrices de impresión, estas son el negativo, es decir, la imagen de una página, tallada en un medio rígido para luego entintarla y transferirla, mediante presión al pergamino o papel. Estas matrices de tipos fijos cifras, palabras, frases, párrafos grabados sobre tabletas de arcilla blanda y luego cocidas o talladas sobre madera se conocían desde hacía mucho tiempo. Las primeras fueron casi contemporáneas de la invención de la escritura, las tabletas de arcilla sobre las que los sumerios codificaron y marcaron los primeros inventarios de producción agrícola y cobraron los primeros impuestos, hacia el 3500 adC. La diferencia y ventaja entre los tipos móviles de Gutenberg y los orientales de chinos y coreanos radica en el carácter alfabético de la escritura occidental que requiere sólo la elaboración de un número reducido de clases de tipos, uno por cada letra del alfabeto, mientras que la escritura china, también usada por los coreanos, es ideográfica y requiere miles de clases de tipos, uno para cada concepto, idea o palabra.
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La prensa Es otra de las contribuciones de Gutenberg. Anteriormente, desde la época de Sumeria se habían implementado las primeras prensas. Las prensas en la edad media eran simples tablas gruesas y pesadas o bloques de piedra que se apoyaban sobre la matriz de impresión ya entintada para transferir su imagen al pergamino o papel. La prensa de Gutenberg es una adaptación de aquellas usadas para exprimir el zumo de las uvas en la fabricación del vino, con las cuales Gutemberg estaba familiarizado, pues Maguncia, donde nació y vivió, está en el valle del Rin, una región vinícola desde la época de los romanos.
Las tintas y el papel de impresión
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Tras la invención de los tipos y la adaptación de la prensa vinícola, Gutenberg siguió experimentando con la prensa hasta lograr un aparato funcional. También investigó sobre el papel o el vellocino y las tintas. Unos y otras tenían que comportarse de tal modo que las tintas se absorbieran por el papel sin correrse, asegurando la precisión de los trazos; se necesitaba que el secado fuese rápido y la impresión permanente. Por eso, Gutenberg experimentó con pigmentos de base de aceite -que no sólo usó para imprimir con las matrices, sino también para las capitulares e ilustraciones que se realizaban manualmente- y con el papel de trapo de origen chino introducido en Europa en su época.
La Biblia de Gutenberg El primer libro impreso por Gutemberg fue la Biblia, proceso que inició el 23 de febrero de 1455 y concluyó unos cinco años después; se estima que logró imprimir, iluminar y encuadernar 180 Biblias de 1282 páginas cada una, a dos columnas de 42 renglones. Actualmente existen 60 Biblias de Gutenberg, 12 en pergamino y 48 en papel. Alemania posee por lo menos 15 Biblias de Gutenberg, en su mayoría en las bibliotecas de instituciones universitarias. El interés de Gutenberg por la impresión rápida y económica de libros era en gran medida comercial e incluso se ha llegado a afirmar que quiso hacer pasar sus primeras Biblias por ejemplares realizados a mano.
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Cheret y el nacimiento del cartel Aunque la litografía fue inventada en 1798 por Aloys Senefelder, esta técnica era al principio demasiado lenta y costoso para la producción del carteles. La mayoría de los carteles eran producidos en bloques de madera (xilografía) o grabados del metal con poco color o diseño. Comenzando en 1870 en París, se convirtió en el medio dominantes de la comunicación de masa en las ciudades de Europa y América. Las calles de París, Milán y Berlín fueron transformadas rápidamente en la "galería de arte de la calle," entrando de lleno en la edad moderna de la publicidad.
La Belle Epoque Durante el 1890, En pl ena belle Epoque en Francia, la afición por el cartel estaba en plena floración. En 1891, el primer cartel de Toulouse-Lautrec, "Moulin Rouge", elevó el estado del cartel al la categoría de arte. Las exposiciones, los expositores y los distribuidores del cartel proliferaron, satisfaciendo la demanda del público por el cartel. Al comienzo de la década, el distribuidor parisino pionero Sagot, numeró 2200 carteles en su catálogo de las ventas.
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En 1894, Alphonse Mucha (1860-1939), un funcionario checo residente en París, creó la primera obra maestra del cartel de Art Nouveau. El estilo florido de Mucha, nace durante la noche cuando Mucha fue presionado para producir un cartel para Sarah Bernhardt, la brillante actriz que había tomado París. Con influencias de los Pre-Rafaelistas, y del arte bizantino, este estilo dominó la escena parisina en los diez años siguientes y se convertiría en el principal movimiento decorativo internacional del arte hasta Primera Guerra Mundial.
La belle Epoque fuera de París El cartel fue introduciéndose lentamente en otros países pero a partir de 1880, se aceleró su popularidad. En cada país, el cartel fue protagonista también de todos los eventos culturales de importancia de la sociedad europea. En Francia, el culto del café (absenta y otros productos alcohólicos) era omnipresente; en Italia la ópera; en España las corridas de toros y los festivales; en la literatura y los productos para el hogar; en las ferias comerciales, en los diarios literarios de Gran Bretaña y de América y en el circo. Las primeras distribuciones masivas de carteles fueron llevadas a cabo en Gran Bretaña e Italia en 1894, Alemania en 1896, y Rusia en 1897. La más importante fue llevada a cabo en Reims, Francia en 1896 y repartió 1.690 carteles por todo el país. Mientras tanto, los artistas que trabajaban en la escuela de Glasgow de Escocia, la Secesión de Viena de Austria, y Deutscher Werkbund de Alemania también transformaban el espíritu modernista temprano del Art Nouveau. Estas escuelas rechazaron el ornamentación curvilínea en favor de una estructura rectilínea ygeométrica basada en el funcionalismo.
Primera Guerra Mundial y la revolución bolchevique Significó un nuevo papel del cartel: la propaganda. De hecho, la guerra supuso la campaña publicitaria más grande hasta la fecha, desde recaudar dinero, a soldados de reclutamiento y de alzar esfuerzos voluntarios, a estimular la producción o provocar ultraje y atrocidades en las lineas enemigas. América solamente, produjo cerca de 2.500 diseños y aproximadamente 20 millones de carteles, casi un cartel para cada 4 ciudadanos en poco más de 2 años. Las lecciones de la brillante publicidad americana en la Gran Guerra no fueron desperdiciadas por la Rusia bolchevique, que dieron vuelta al arte del cartel en ayuda a su guerra civil. Lenin y sus seguidores demostrados ser los amos de la propaganda moderna, y el cartel se convirtieron en una arma vital quel sería utilizada a través del siglo en guerras calientes y frías por todas partes. En la Unión Soviética, el movimiento Constructivista tomó el liderazgo en los años 20 con la meta de crear una nueva sociedad tecnológica. El Constructivismo desarrolló un estilo de"agitación" de la composición, marcado por las diagonales, fotomontajes y colores primarios. Conducido por El Lissitsky, Alexander Rodchenko, Gustav Klutsis, y Stenberg, el trabajo de los Constructivistas tendría un impacto importante en diseño occidental, sobre todo a través del "Bauhaus" y del movimiento de "de Stijl". Este lenguje científico del diseño fue popularizado en un nuevo movimiento decorativo internacional llamado "ArtDeco". En este estilo la máquina, la energía y la velocidad se convirtieron en los temas primarios. Las formas fueron simplificadas y aerodinamizadas, y los tipos de letra curvados fueron substituidos por los lisos, angulares. El arte Deco demostró una variedad amplia de influencias gráficas, de los movimientos modernos del arte del Cubismo, de Futurismo y de Dada; a los avances del diseño de la Secesión de Viena, de Plakatstil, y del Constructivismo ruso; al arte exótico de Persia, de Egipto, y de África. El término "ArtDeco" se deriva de la exposición de "Artes Decorativas" de 1925 en París, que demostró ser un escaparate espectacular para el estilo. En París, el estilo caricaturesco de Cappiello llevó a las imágenes geométricas, intelectuales de A.M. Cassandre, que popularizaron las técnicas del aerógrafo para la aplicación del color. Sus carteles de cruceros de Normandie, de Statendam y de Atlantique se convirtieron en iconos de la edad industrial. El ArtDeco, como el Art Nouveau antes de él, se extiende rápidamente a través de Europa. Los artistas Federico Seneca y Giuseppe Riccobaldi en Italia, Ludwig Hohlwein en Alemania, Pieter Hofman en Holanda, Otto Morach y Herbert Matter en Suiza, E. McKnight Kauffer en Inglaterra, y Francisco Gali en España.
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Segunda Guerra Mundial y el final de la litografía de piedra El cartel jugó otra vez un papel importante en la comunicación de la Segunda Guerra Mundial, pero este vez que compartió el trabajo con otros medios, principalmente la radio y la impresión. Por este tiempo, la mayoría de los carteles fueron impresos usando la técnica de offset, que permitía grandes y rápidas tiradas. El uso de la fotografía en carteles, que comenzó en la Unión Soviética en los años 20, llegó a ser tan común ahora como la ilustración. Después de la guerra, el uso de cartel declinó en la mayoría de los países mientras que la televisión y el cine se convirtieron en los protagonistas de la difusión de mensajes.
El Ascenso de la Era de la Información en la Postguerra
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La dominación de Suiza del campo del cartel continuó creciendo en los últimos años '50 con el desarrollo de un nuevo estilo gráfico que tenía raíces en el Bauhaus. Debido a su confianza fuerte en elementos tipográficos en negro y blanco, el nuevo estilo vino ser conocido como el estilo tipográfico internacional (International Typographic Style). Refinado en las escuelas del diseño en Zurich y Basilea, el estilo utilizó una rejilla matemática, reglas gráficas determinantes y una fotografía negra y blanca para proporcionar una estructura clara y lógica. Se convirtió en el estilo gráfico predominante del diseño en el mundo en los 70s, y continúa ejerciendo su influencia hoy. En el mismo tiempo, un acercamiento relajado y más intuitivo tomó el asimiento en varios países, lo más notablemente posible los ESTADOS UNIDOS y la Polonia. Philip Meggs utiliza la imagen conceptual del término del paraguas para describir un nuevo estilo de la ilustración, uno que pidió prestado libremente de Surrealism, de arte pop y de expressionism. Un ejemplo famoso era el relleno de registro 1967 del álbum de Bob Dylan de Milton Glaser. Glaser cristalizó el mensaje contracultural del músico retratando su pelo largo como un arco iris rico colores que se agitan en suaves trazos curvos. (el cartel de Glaser anticiparía una moda psicodélica breve pero espectacular del cartel en los Estados Unidos, que recordaron los excesos florales del Art Nouveau, las imágenes diferidas que pulsaban el Op-Art, y las yuxtaposiciones extrañas de Surrealismo). l Tomado de: Revista "Matiz" Julio -1995
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El acceso a los libros En los primeros siglos de la Edad Media muy pocas personas tenían acceso a los libros, pues la gran mayoría de ellas pertenecían al ámbito religioso. Sin embargo, paulatinamente hubo otros grupos sociales que comenzaron a tener y usar libros, especialmente a partir del siglo XII. Además de los monjes, sacerdotes y misioneros, conocieron los libros emperadores, aristócratas, coleccionistas ricos y estudiantes que los consultaban en las bibliotecas de las Universidades que se fundaron hacia el siglo XIII.
Los libros para misioneros se relacionaban con la educación cristiana, con ilustraciones didácticas y textos explicativos (como Biblias, salmos, evangelios y libros que contenían consejos prácticos para pastores). Los emperadores y reyes encargaban libros lujosos y muy decorados, que exhibían para provocar la admiración de sus visitantes o regalaban en ocasiones especiales, generalmente en bodas o encuentros diplomáticos. En el siglo XII, con la gradual penetración de libros en el mundo secular dio como resultado talleres laicos con escribanos profesionales que competían con los scriptoria monásticos. Hubo casos en que un grupo de laicos financiaba la fabricación de un libro. El ascenso de universidades y escuelas catedralicias creó una nueva necesidad de libros: manuales para uso escolar y educacional.
Los libros en la Edad Media Estos fueron tratados teológicos, glosas e interpretaciones de la Biblia, manuales y textos legales, poemas didácticos, manuales astronómicos y libros sobre la naturaleza, historia, etcétera. La demanda de estos libros llevó a la emergencia del comercio profesional de libros, especialmente en los centros universitarios de Paris, Boloña, Padua y Oxford.
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En el siglo XIII comenzaron a proliferar los libros ilustrados de contenido secular como: crónicas de casas reales, tratados de moral, libros de cocina, libros de torneos, novelas de caballería. Estos libros se hicieron para jóvenes aristócratas, en donde se presentaba la vida ejemplar que debía seguir la aristocracia. La aristocracia también consumía libros con canciones y novelas, libros de viaje, temas antiguos y vidas de santos. El mejor ejemplo de libros dedicados a la devoción privada de los aristócratas son los “Libros de horas”, muy populares en el siglo XV. Más adelante, en los siglos XV y el XVI, se volvió popular entre los ricos coleccionar libros que contenían el pensamiento humanista de la antigüedad clásica.
El arte de los manuscritos iluminados El gran desarrollo de los manuscritos iluminados fue impulsado por la invención del “libro”, es decir cuando se cambiaron los rollos de papiro por códices elaborados a partir de la unión de sus hojas. La iluminación de libros fue una de las formas artísticas más importantes hasta el siglo XVI. En los principios de la Edad Media la mayoría de los pintores de miniaturas eran monjes ocasionalmente monjas o miembros del clero secular que trabajaban en los scriptoria de los monasterios al lado de escribas o scriptores, que también eran monjes. La mayoría de los artistas profesionales de la Edad Media tardía trabajaban sólo en la iluminación de libros, pero otros estaban involucrados tanto en trabajos de miniaturas como en pinturas de gran escala, como frescos y altares. Los iluminadores pertenecían a los gremios de pintores o de aquellos que se dedicaban al comercio de libros. Algunos escribas comenzaron a firmar sus textos en el siglo VI; sin embargo, no sobrevive ninguna firma de iluminadores antes de los siglos VIII y IX. En algunos casos, el escriba y el iluminador podían ser la misma persona.
Generalmente, varios iluminadores compartían la decoración de un libro. Las diferentes fases de trabajo de una misma miniatura eran llevados a cabo por varios miembros de un mismo taller: el maestro era responsable de la parte más complicada y determinante del trabajo, como la composición; a los aprendices se les confiaba el trabajo más mecánico, que consumía mayor tiempo y que requería menos experiencia, como la preparación de los colores o el refuerzo en tinta del dibujo preeliminar. Algunas veces las hojas separadas de un códice que aún no era unido se daban a diferentes pintores para decorar. Ellos tenían que armonizar todo el trabajo. Así la especialización del trabajo en la elaboración de un libro creó distintas disciplinas. Estaban quienes unían las páginas de los códices, quienes mezclaban los colores, quienes se encargaban de la composición y el diseño y dibujo de las figuras, quienes pintaban con colores las figuras, quienes hacían la filigrana y el ornamento decorativos, quienes les daban su acabado lustroso a las miniaturas, etcétera. Durante el proceso de escribir, el escriba dejaba espacios en blanco para las ilustraciones y en los márgenes del libro describía en una nota qué escenas debían pintarse; es decir dejaba instrucciones para el iluminador, incluso le decía qué colores debían emplearse en la miniatura. En los manuscritos se pintaban diversos motivos, como figuras de animales, monstruos, caracteres humanos. Las letras iniciales de los textos frecuentemente se decoraban, generalmente con una escena relacionada con el texto. Las decoraciones más ambiciosas cubrían un cuarto, la mitad o hasta una página completa. Los iluminadores copiaban otras miniaturas o se apoyaban en manuales sobre decoración de libros.
En los manuscritos se pintaban diversos motivos, como figuras de animales, monstruos, caracteres humanos. Las letras iniciales de los textos frecuentemente se decoraban, generalmente con una escena relacionada con el texto.
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Al principio de la decoración de un códice, el libro se encontraba en hojas separadas. Una vez que la escritura del manuscrito había sido completada, el proceso de pintura empezaba con la aplicación de los colores básicos y el delineado del dibujo. Después se aplicaban las sombras y los tonos más oscuros, luego los blancos que creaban efectos lumínicos. Los colores eran pigmentos vegetales o minerales molidos, que se integraban con clara o yema de huevo (como en la técnica de tempera), azúcar o cera de oído. Estrictamente hablando, un manuscrito iluminado es el que contiene finas hojas de oro o plata en su diseño. Estos eran los manuscritos más preciados; sin embargo, había monjes que renunciaban a estos lujos porque se consideraban inapropiados respecto de la vida austera que debían llevar. En el caso de los libros que se vendían, muchas veces el copista dejaba en blanco el lugar de las letras floridas (capitulares) y de las miniaturas para que un comprador modesto pudiera comprar el manuscrito tal como estaba; en tanto un cliente más rico podía hacer pintar los espacios reservados.
l Tomado de: http://sepiensa.org.mx/contenidos/historia_mundo/media/cultura/libros_2.htm
La invención de la tipografía tiene un referente central: la
escritura manual por medio de trazos. A la Caligrafía, seguirá siglos más tarde la escritura tipográfica por mediación del marcaje. Caligrafía es una palabra de raíces griegas. Viene de Cali, que significa hermoso y bello de contemplar, y Grafía, que significa trazado, dibujo o escritura manual. Caligrafía significa pues, el arte o la manera de escribir con belleza y gracia. Actualmente, las necesidades editoriales y tipográficas demandan de los diseñadores tipográficos mucho más que en épocas anteriores. No es suficiente que se ejecuten las letras
con minuciosidad y perfección: también han de ser creativas, y los buenos diseñadores tipográficos saben realizar todo tipo de escritura combinando simultáneamente la perfección y la armonía del trazo con el concepto de manera creativa.
A continuación conoceremos algunos de los diferentes alfabetos que marcaron un hito en la historia de la Escritura, y que todos juntos o combinados, llegaron hasta nuestros días para formar la Caligrafía moderna.
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Romana clásica o Romana Lapidaria Estas letras fueron dibujadas con un pincel en la misma piedra, y posteriormente esculpidas tal como fueron escritas. Se caracterizan por la majestuosidad de sus formas y proporciones. El espaciado es importante más que en cualquier letra. Las Romanas mayúsculas requieren años de estudio, son las más perfectas y las más difíciles de realizar
Rústica El alfabeto rústico hace su aparición en la cuarta centuria. La letra es alta y delgada. En el siglo V, se halla la Rústica es los escritos de Virgilio. Era la letra que usaban comúnmente los romanos. Tenía cierta rusticidad comparada con la Clásica; de ahí su nombre. Aún hoy se pueden ver en los muros de la antigua Pompeya, escritos anunciando anunciando todo tipo de eventos, incluso combates de gladiadores. Son algunos de los primeros graffiti de la Historia.
Unciales Hacen su aparición en el siglo IX. Antiguamente eran conocidas como las letras de los primeros cristianos, pues fueron usadas para registrar muchos eventos sagrados. En las Unciales se adivina la historia del desenvolvimiento del alfabeto, más que en ningún otro tipo de escritura, Las Unciales son letras mayúsculas, aunque con ellas empiezan a aparecer las minúsculas.
Carolignias Al final de la Octava Centuria*, el emperador Carlomagno, amante de las artes y muy preocupado por unificar la escritura de su imperio, encarga la búsqueda de una escritura. Esa letra tenía que ser armoniosa, legible, fácilmente asimilable y rápida de escribir. Aparece al fin esta letra en Tours, Francia, gracias a un tal Alcuin, quién modificó y puso en uso esta escritura. Con este alfabeto hace aparición la minúscula, a veces llamada “caja baja”, porque los impresores tenían la costumbre de guardar las letras pequeñas en una caja, debajo de las que contenían las mayúsculas o “caja alta”. Las carolignias originaron las cancillerescas italianas, versión mas moderna de las cursivas.
Humanísticas En el Renacimiento Humanístico del siglo XV, el papel fue abriéndose paso y transformándose en un elemento común, dando mas opciones para uso mas amplio del material escrito. Fue entonces cuando los estudiosos modificaron las Carolignias y las llamaron Humanistas. Las Carolignias eran muy atractivas para los humanistas. En la mitad del siglo XV la imprenta empezó a reemplazar a los escribas, y a Humanística fue usada como modelo para los caracteres tipográficos. A ello se debe que sean tan familiares en nuestra época.
Góticas Al paso del tiempo, innumerables eventos tenían que ser registrados en cada vez más pequeños soportes o pergaminos. Fue así que las Carolignias se transformaron en Góticas. Si bien las Góticas son atractivas, no pueden considerarse un buen alfabeto, aunque Gutenberg las haya tomado como modelo para fundir sus primeros tipos móviles. Las Góticas tenían espacios reducidos entre letra y letra, lo cual las hacía muy difíciles de leer. Aunque la necesidad de una mayúscula se empezó a sentir cientos de años antes, no fue hasta la aparición de las góticas (alrededor del siglo XII) que la mayúscula fue alterada para que compartiera similares características con las minúsculas. Las Góticas mayúsculas no se pueden independizar de las minúsculas, aunque muchas veces vemos diseños actuales de palabras completas formadas con letras mayúsculas. Esto además de ser incorrecto, es completamente ilegible.
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Itálica Los primeros alfabetos compuestos por mayúsculas y minúsculas, diseñados para funcionar independientemente, aparecieron durante el Renacimiento. Sobre el origen de las itálicas o Cancillerescas, los expertos no tienen claridad. Algunos afirman que es una variación de la Humanística, inclinada a la velocidad y otros creen que es la vieja escritura inglesa llamada Secretary. La itálica es el único lenguaje o escritura que se podría tener en común entre todas las culturas. Es el único alfabeto que puede ser utilizado sin ningún esfuerzo para la escritura corriente de todos los días.
Caligrafía Formal o Inglesa La Revolución Industrial en Inglaterra (alrededor de 1700) en combinación con el grabado a mano en planchas de cobre, influyó en la creación de un estilo llamado Formal o Inglesa. Este estilo es también conocido como Copperplate o Redonda Inglesa. La inglesa tiene una gran inclinación 55 grados- . Los Rasgos descendentes son pesados y los ascendentes finos. Una muy notable característica de este estilo son las capitales muy adornadas.
16 Caligrafía Moderna o Caligrafía Construida Conocida también como Build Up, consiste en dibujar con una pluma en tamaño pequeño el texto elegido agregándole todas las orlas y decoraciones que sean convenientes. Muchos de los diseñadores tipográficos y calígrafos de hoy día utilizan este método sobre todo en el diseño de logos y marcas para empaques. Son diseñadores reconocidos de este tipo de tipografías Jean Larcher, Tom Carnasse, Ricardo Rouselot, entre otros.
Iniciales y Capitales Adornadas Existen en un sinfín de variedades. Los antiguos fueron muy prolíficos en este arte. Existen Algunas muy bellas por su depurada simplicidad, como también algunas que son de gran complejidad e igualmente bellas. Las capitales adornadas fueron usadas en el comienzo de la imprenta para adornar la primera letra de una página, para ser grabadas o ser bordadas. Fueron muy populares en la época Victoriana en Inglaterra
Entre el 3300 y 1700 AC. en Mesopotamia se inventó el calendario de doce meses, tal como hoy lo conocemos. En china se fundan las primeras universidades y escuelas en el siglo II antes de Cristo. En el105 d.c., Tsai Lun inventó el papel. Estaba hecho de trapos y se parecía en lo esencial al papel actual. El libro impreso mas antiguo del mundo es el Diamante-sutra en el 868 d.c. En el año 968 d.c. aparecieron los primeros juegos de cartas.
Después de optar por el cristianismo, el emperador romano Constantino el Grande (305-337) hizo llevar a sus soldados el monograma de Cristo como símbolo de salvación. En 1026, Guido de Arezzo introdujo la “solmización”, nombres para las notas Do, Re, Mi, Fa, Sol, La y un sistema de notación con cuatro líneas y claves. En 1256 se impone la escritura gótica, fundamento de la letra actual.
Los antiguos romanos cuando tenían que decir la verdad en un juicio, en vez de jurar sobre la Biblia En el siglo XVIII los italianos inventaron la como en la actualidad, lo hacían apretándose los marca de agua. testículos con la mano derecha. De esta antigua En 1458, se funda en Estrasburgo la primera costumbre procede la palabra testificar. imprenta. Los signos de escritura china se inventaron hacia el 1800 a. C. El lenguaje chino escrito comprende En 1461 Albretch Pfister publica en Bamberg, Alemania las primeras obras impresas 44000 signos, y se distingue claramente de la ilustradas. Simultáneamente se imprimen en lengua hablada. Mangusia, durante una querella entre obispos, hojas sueltas, y carteles de ambas partes, El tipo de escritura en piedra de los romanos recibió el nombre de “Capitales Monumentales” dando paso a la aparición de los panfletos de contenido político. debido a su carácter monumental. En 1470 Peter Schoffer imprime en Maguncia Al excavarse la ciudad de Ugarit en Fenicia se encontro en las tabletas de arcilla de su biblioteca el primer catálogo en forma de cartel. el primer alfabeto de la Tierra. Data del año 1400 En 1477 se publica en París el primer libro en a.C., y consta de 22 letras. lengua francesa, y en Delft el primero en idioma holandés. En el mismo año, aparece en Poco antes del siglo 1000 a.C., los griegos se apropiaron de la escritura fenicia, probablemente Venecia el primer diccionario (alemán italiano). como resultado de sus contactos con comerciantes semíticos. Se escribía de izquierda a En 1502 apareció una hoja volante a la que se derecha. Además de adecuarlo a sus necesidades, le llamó Zeitung (periódico): la “New Zeitung von Orient und Auffgange”. los griegos enriquecieron el alfabeto fenicio con los signos vocálicos a, e ,i, o y u. En 1518 se imprime en Rostock el primer cartel empleando la técnica del grabado; en la misma Del siglo IX al siglo XIV en La Meca, lugar de peregrinaje del Islam, surgieron establecimientos localidad aparece también, en 1520, el primer cartel teatral impreso. comerciales de todo tipo, y había calles con tiendas que vendían a los peregrinos recuerdos Derechos de autor: en 1492 se publicó en del lugar, antecesores de los souvenirs. Venecia el primer libro protegido contra la piratería.
En 1754 un hotel de Basilea crea el primer cartel turístico para anunciarse a los viajeros. Se ofrece al público guías de exposiciones, museos, iglesias y ciudades; estas guías fueron las precursoras del brochure. A finales del siglo XVIII se constituye el gremio de los grafistas comerciales. Estos fueron los diseñadores de los primeros carteles publicitarios. Francesco Griffo creó en 1500 la primera cursiva, para la imprenta Manutius de Venecia. En 1544 apareció en la imprenta de Robert Estienne, de París, el tipo de letra Garamond antiqua, diseñada por Claude Garamond y aún hoy en uso. En1722, William Calzón diseño su primer Caslon antiqua. Este diseñador fue el precursor del diseño tipográfico en Inglaterra. En 1754, John Baskerville creó el tipo, aún conocido, Baskerville. En 1789, el impresor y diseñador parmesano Giambattista Bodoni produjo la letra Bodoni Antiqua, empleada desde entonces hasta la actualidad. En 1827 se inventó la cromolitografía, es decir la litografía en color. Desde entonces, el cartel se integró al mundo contemporáneo como un elemento característico de las comunicaciones.
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