Revista Playlist #11 by Revista Playlist

PLAYLIST PLAYLIST PLAYLIST PLAYLIST BAND OF HORSES PLAYLIST PLAYLIST Número #11 Junio 2016

Reconstrucción sonora

RADIOHEAD

THE LAST SHADOW PUPPETS

MINOR VICTORIES

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EDITORIAL

Perseverar.

A veces las cosas no salen como uno quiere o espera. Se pueden tener las mejores intenciones o ideas en la teoría, pero en la práctica, aquello que uno visualizó no siempre da lo mejores resultados. Sucede en todo orden de cosas, desde la vida diaria a políticas macro económicas. Desde el profesor que planificó mal la clase en relación al tipo de alumnos que tenía, hasta el músico que creó algo que en su interior tenía sentido, pero que para sus oyentes no tuvo el mismo efecto. Eso le pasó a Band Of Horses con su anterior disco de estudio llamado “Mirage Rock”, un álbum que a pesar de contar con un productor de renombre como Glyn Johns, un tipo que le produjo discos a bandas como The Rolling Stones, The Who e Eagles, no fue capaz de sacar el mejor lado de la banda de Seattle. Entre las técnicas de grabación (análogas y en ambiente en vivo), el enfoque y la demasiada admiración de parte del grupo a Johns, el resultado fue un álbum recibido tibiamente tanto por la crítica especializada y los mismos fanáticos de los estadounidenses. Pero Ben Bridwell, un tipo que en un punto de su vida aspiraba como máximo a ser cantinero de un bar, fue forjado en situaciones adversas y la perseverancia que desarrolló a lo largo de su vida, lo vino a auxiliar ahora. Pateó el tablero y reacomodó sus convicciones personales para salir con un sólido nuevo álbum llamado “Why Are You OK”, un trabajo que potencia las fortalezas y habilidades de un grupo que siempre ha tenido la facilidad de hacer canciones emotivas y atrapantes. “Lo que buscaba esta vez, era ser honesto con lo que escribía y no rendirme”, nos dijo en la extensa entrevista que le hicimos para la portada de esta edición. Y vaya que le resultó. Porque a veces los triunfos no son siempre para los más brillantes o los más astutos, sino para los que perseveran. Lecciones de vida que le llaman.

Hernán Carrasco C. Director

PLAYLIST PLAYLIST PLAYLIST PLAYLIST PLAYLIST PLAYLIST REVISTA PLAYLIST Director Hernán Carrasco

Editor general Fernando Duarte M. Diseñador Christian Vivanco Webmaster Cristian Berrios Fotógrafo Fabián Ortíz

Colaboradores Francisca Bastías Ignacio Cisternas T. Fernández-Miranda Diego Huenchur Javier Muñoz Paulina Portal Álvaro Véliz Fotos Reuters Shutterstock

Portada: Andrew Stuart Contraportada: Zackery Michael www.revistaplaylist.com

ÍNDICE 6 Agenda 8

Modo Shuffle

Ranking Spotify

10 Noticias 12 Banda que escuchar: Charlie Cunningham 16 CHINI AND THE TECHNICIANS La joven banda nacional ha tomado a todos por sorpresa con sólo un EP en el bolsillo. Conversamos con ellos acerca de su manera de componer, sus shows en vivo y los que les depara el futuro. 24 BAND OF HORSES La banda de Seattle vuelve a galopar con un sólido nuevo disco de estudio llamado “Why Are You OK” y que parece una vuelta a sus raíces sonoras. Conversamos en extenso y en exclusiva con Ben Bridwell, líder de esta renovada banda de caballos. 30 THE LAST SHADOW PUPPETS El regreso del dúo compuesto por Alex Turner y Miles Kane fue todo lo que podíamos esperar. Acá nos cuentan en detalle todo lo relacionado con su nuevo disco y mucho más. 38 DAMIEN JURADO Es uno de los compositores más subvalorados de nuestra generación. El músico nacido en Seattle ha estado haciendo hermosos discos de mediados de los 90 y casi veinte años después, el mundo parece haberlo alcanzado. Conversamos en exclusiva con él. 42 MINOR VICTORIES A pocas agrupaciones el título de súper grupo les sienta bien, pero en esta caso se aplica con creces. Rachel Goswell de Slowdive, Stuart Braithwaite de Mogwai y Justin Lockey de Editors formaron una banda que es la banda sonora de nuestros mejores sueños. Acá nos cuentan cómo lo hicieron. 48 Moda sustentable 54 Outcast 56 The Vvitch CRÍTICAS 63 Radiohead 64 PJ Harvey 65 Garbage 66 Beyoncé

A g e n d a

Junio 8 Calexico Lugar : Teatro NescafĂŠ de las Artes Entradas : Ticketek

Agosto 11

Valores : Entre $28.750 y $63.250

Bebel Gilberto Lugar : Teatro NescafĂŠ de las Artes Entradas : Ticketeck Valores : Entre $18.000 y $55.000

Septiemb

Lugar : Sala Omnium

Entradas : Ticketek

Valores : Entre $18. 6

bre 2

Julio 2 Blondie Fest Lugar : Blondie Entradas : Ticketeck Valores : $28.000 y $45.000

Julio 7 Illya Kuryaki & The Valderramas + Los Tetas Lugar : Teatro Cariola Entradas : PuntoTicket

Peter Bjorn and John

Valores : $25.000 y $35.000

.000 y $22.000 7

MODO SHUFFLE Una selección con las mejores canciones nuevas que eligió el equipo de PLAYLIST.

The Strokes – “OBLIVIUS” En su primera canción desde “Comedown Machine” (2013), Julian Casablancas y compañía nos demuestran que la llama creativa del grupo está lejos de apagarse. Reconocimientos aparte para el gran trabajo de guitarra de Albert Hammond Jr en este hipnótico y melódico tema.

Beck – “Wow” El norteamericano nos sigue mostrando pincelazos de su próximo disco de estudio que podría llegar a finales de este año. Acá Beck abraza su lado hiphopero, con una canción que sirve tanto para la pista de baile como para un viaje por la carretera. Bellas rarezas.

Dinosaur Jr. – “Tiny” Bajo el nombre de “Give A Glimpse of What Yer Not”, Dinosaur Jr. regresa este año con un nuevo LP. El primer single rescata todos los elementos que hacen de la banda un referente del shoegaze. Rápida, dinámica y sin lugar a dudas, grandiosa.

4 CHVRCHES – “Warning Call” Esta es la primera canción que el trío escoces compone después de su aplaudido último disco “Every Open Eye”. Lauren Mayberry y compañía no necesitan de mucho para armar una canción evocadora y atrapante como esta. Synthpop del bueno. 8

5 PJ Harvey – “The Orange Monkey” (video) La inglesa nos sigue deleitando con piezas de su más reciente álbum “The Hope Six Demolition Project”. En este video nos lleva en un viaje por sobre las montañas y directo al corazón de Afganistán, donde la vida trata de ganarle a la guerra.

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Drake - “One Dance” Mike Posner – “I took a pill in Ibiza” Fifth Harmony - “Work from home” Desiigner - “Panda” Calvin Harris - “This is what you came for” Sia - “Cheap Thrills” The Chainsmoker - “Don’t let me down” Lukas Graham - “7 Years” Rihanna – “Work” Alan Walker - “Faded” Cheat Codes - “Sex” Jonas Blue - “Gyal You A Party Animal” G-Eazy- “Me, Myself & I” DNCE - “Cake by the ocean” Twenty One Pilots – “Stressed out” Major Lazer – “Light it up” ZAYN - “PILLOWTALK” DJ Snake - “Middle” Ariana Grande – “Dangerous Woman” Justin Bieber – “Love Yourself”

6 TOP 20

SPOTIFY GLOBAL Revisa las canciones más escuchadas en línea durante el último mes.

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n o t i Miembros de Rage Against The Machine y Public Enemy forman súper grupo: Prophets of Rage

Cuando recién oímos de Prophets of Rage, todos pensábamos que se trataba de una reunión de Rage Against The Machine para tocar en vivo. Incluso los más optimistas pensaban que se trataba de un nuevo álbum de la banda liderada por Zack de la Rocha. La verdad es que estábamos equivocados, ya que Prophets of Rage es un nuevo súper grupo conformado por miembros de esa banda (menos de la Rocha), más algunos de Public Enemy y otro de Cypress Hill. Tom Morello, Tim Commerford, and Brad Wilk, Chuck D y DJ Lord de Public Enemy y el Cypress Hill, B-Real, son los miembros de esta nueva agrupación que ya debutó en vivo en Los Angeles y tocaron principalmente canciones de Rage Against The Machine.

Nick Cave & The Bad Seeds lanzarán un nuevo álbum en septiembre El artista australiano, Nick Cave y su banda, The Bad Seeds, se preparan para lanzar un nuevo disco este año. Se trata de “Skeleton Tree”, sucesor del excelente “Push The Sky Away”, editado en 2013, y que será estrenado a través de una proyección fílmica. El evento se llevará a cabo en Los Angeles, California, el 8 de septiembre y el álbum será lanzado a la medianoche de ese día (9 de septiembre). Parte del comunicado que Cave subió a su web decía que “contrariamente a la práctica habitual, ninguna canción será pre-lanzada a los medios ni tampoco habrá singles promocionales”. La película será el momento para escuchar el nuevo material del compositor que se convertirá en su decimosexto disco de estudio a la fecha.

c i a s

Mark Stoermer, bajista de The Killers, se aleja del grupo

Servicio de streaming de alta fidelidad, TIDAL, llega a Chile Después de una gran campaña publicitaria el año pasado, que incluyó a artistas como Jay-Z, Beyoncé, Prince, Rihanna, Kanye West, Nicki Minaj, Daft Punk, Jack White, Madonna, Arcade Fire y Alicia Keys, el servicio de streaming de alta fidelidad, TIDAL, llega a nuestro país. La plataforma de música en alta calidad y videos comenzó a funcionar a finales del mes pasado a Chile con diversos planes de pago, que van desde $3.099 para la versión Premium y $6.198 para su versión en alta definición, que incluyen una versión de prueba gratuita durante 30 días. TIDAL se caracteriza no sólo por la calidad de las canciones que se encuentran en la plataforma, sino también por los mayores beneficios que otorga tanto a usuarios como a artistas.

Malas noticias para los fanáticos que pretenden a ver a The Killers en un futuro cercano, porque según un comunicado del grupo, el bajista Mark Stoermer, dejará de tocar en vivo con la banda de manera indefinida. “Mark ha decido tomarse un receso de las giras con The Killers, pero no se sorprendan si lo ven en el escenario alguna vez. Todos apoyamos la decisión de Mark de tomarse este receso para fines educacionales y el lanzamiento de su álbum solista. Los cuatro seguimos trabajando en nuestro quinto disco, y estamos muy emocionados por las nuevas canciones que estamos escribiendo”, dice la nota que subió la banda de Las Vegas. Stoermer había estado desde el comienzo con el grupo y juntos han lanzado cuatro álbumes de estudio.

ARTISTA QUE DEBERÍAS ESTAR ESCUCHANDO

CHARLIE CUNNINGHAM

E s londinense, pero vivó un par de años en Andalucía, España, donde su música tomó los sabores latinos que de vez en cuando se dejan ver en sus frágiles y exquisitas composiciones. Charlie Cunningham ha armado su carrera a paso lento, no por falta de interés, sino por convicción personal. Fue sólo hace un par de años que empezó a ganar dinero por las canciones que hacía y que fue el impulso para convertir a la música en su trabajo principal. A la fecha ha lanzado tres aplaudidos EPs y se ha ganado fanáticos como el bajista de Radiohead, Colin Greenwood, y el influyente presentador inglés, Zane Lowe. Es precisamente después de lanzar su último mini disco, “Heights” –una colección de canciones que se pasea entre el folk, el indie y la electrónica, y que logra emocionar de entrada– que conversamos con Cunningham acerca de sus motivaciones, su música y lo que espera de su carrera de acá en adelante. ¿Puedes contarnos un poco acerca de cómo empezaste tu carrera? - Creo que siempre he tocado música, por lo

menos desde que tengo recuerdos. Pero sólo empecé a vivir de ella desde hace cuatro años cuando empecé a tocar en algunos bares y restaurants. Un par de años después, pude dar mi primer concierto formal y donde me pagaron por tocar mis propias canciones. Ese fue un momento muy especial para mí. ¿Recuerdas cuál fue la primera canción que compusiste? ¿Qué sientes por esa canción ahora? - Siempre compongo por pequeñas partes, ya sea en piano o guitarra, algunos de esos pedazos se transforman en canciones, pero siempre he encontrado tremendamente difícil terminar una canción. La primera que hice se llamaba “Lights Off” y creo que siempre tendré un lazo especial con ella porque fue la primera que pude finalizar. ¿Cuán difícil es para un artista nuevo lanzar discos y hacer una carrera en esta época? - Sólo puedo hablar de lo que yo conozco. No tiene que ser tan difícil hacer discos, no necesitas ir a estudios caros o cosas por el estilo, creo que la parte difícil es hacer una carrera de eso, pero tal vez ese no tendría que ser el objetivo. Tan sólo haz la mejor música que puedas crear, grábala y será por siempre tuya. Todo lo que suceda después es un bonus. Tú has lanzado tres EPs hasta ahora. ¿Por qué elegiste esa forma en vez de publicar un disco propiamente tal?

- Sólo quería empezar a hacer música y tratar de descifrar qué es lo que quería con ella. Nunca había escuchado mi voz grabada, entonces me hizo sentido trabajar de esa forma primero. Me gusta que los tres EPs tengan una identidad propia. Creo que hay una evolución entre tu primer y último EP. ¿Cuán diferente fue el proceso para hacer “Heights”? - Con mis primeros dos EPs quise definitivamente hacer las cosas simples y relajadas. Basarlas en mi guitarra y voz. Con “Heights”, abrí un poco más las cosas, porque creo que es importante tratar siempre nuevas cosas. Has ganado en este poco tiempo muchos nuevos fanáticos, entre ellos Colin Greenwood de Radiohead y Zane Lowe. ¿Cómo te tomas esos elogios? - Es increíblemente halagador. Crecí escuchando a Radiohead y a Zane en su programa de radio, así que definitivamente se siente surreal. Radiohead es una de mis bandas favoritas de la vida. ¿Cuáles son tus metas en esta etapa de tu carrera? - Tan sólo quiero continuar haciendo esto. Seguir escribiendo la mejor música que puedo. Hay tantos grandiosos artistas en el mundo, así que espero nunca tomar esto por seguro. “Heights EP” ya está disponible a través de Dumont Dumont Recods.

Par tieron cuatro año la PUC, pe Chini And sonar en l Rober to y banda llen

El arte de hace

CHINI AND THE La escena chilena nunca ha estado mejor que ahora. Con una diversidad musical increíble y bandas que se forjaron haciendo música de manera independiente y a puro coraje, los nuevos aires de la música chilena nos llenan de optimismo. Una de nuestras bandas favoritas, Chini And The Technicians, sigue disfrutando de los elogios de su primer EP “En el Fondo Todo Va Bien”, un conjunto de canciones imposibles de encasillar en un estilo musical determinado y que es una de las grandes razones de por qué brillan con luz propia en la escena local. El estilo de su música es bastante particular, como desordenado, juguetón. ¿Cómo llegan a esa identidad?

Chini: Hemos tenido varias etapas. Pero sí hay algo desprolijo en querer mostrar distintas cosas en una sola canción. Distinto volumen, que entre una guitarra eléctrica, que salga, que tenga ukelele… Roberto: Igual no nos damos muchas vueltas para perfeccionar algo. A veces nos ponemos a tocar y salen cosas que suenan bien y ahí enganchamos, así que puede que el resultado final sea mezcla de cosas ruidosas y otras más tranquilas. ¿Y en sus presentaciones en vivo? ¿Cómo transmiten ese dinamismo? Roberto: Llama la atención el desplante de la Chini, siempre mencionan eso, que está loca, jajajaja. Grita, hace cosas sobre el escenario.

Chini: Tiene algo punk. Antes tocábamos con guitarra electroacústica, ahora tocamos con pedales… Pero independiente de eso, es como olvidarse un poco de sí mismo. No pensar desde el ego, porque ahí salen las cosas de otra manera. Tratas de no poner una cara fea, o una serie de cosas que le quitan autenticidad al show. ¿Cómo es la dinámica creativa de la banda?¿Todos participan del proceso de composición? Robert: Desde el principio la Chini venía con hartos temas, y ahora todavía quedan hartos en el tintero que son buenos y que siempre quisimos trabajar. De repente ella llega con demos suyos, y a partir de eso trabajamos todos juntos, suma-

como proyecto hace cerca de os, mientras estudiaban ar te en ero fue recién el año pasado que d The Technicians comenzó a la escena local. Conversamos con Chini, la cara visible de esta na de energía y personalidad.

erlo tú mismo

E TECHNICIANS mos arreglos, y la canción termina siendo noventa por ciento eso, los arreglos que hacemos como banda completa. Chini: Ha cambiado la forma de ver la banda. Se da la casualidad de que se llama Chini And The Technicians, y hubo un tiempo en que realmente era así, yo daba las instrucciones, pero ya cada uno tiene más confianza y aporta. Tenemos un gran apoyo de los músicos que nos acompañan. Es triste que haya que clasificar la banda porque al final me siento en tres dimensiones: yo, cantautora, Roberto y yo como un dúo y los cuatro como banda, pero todo va dependiendo de la canción, del momento…

¿Qué significa para ustedes ser parte de una escena tan efervescente como la que se vive hoy en la música chilena? ¿Lo ven como una ventaja o un desafío? Chini: Yo creo que, como en toda situación favorable, son ambas cosas. Hay muchos halagos y muchas críticas, pero si uno está siempre mirando hacia afuera como que no tiene piso. Así que nosotros tratamos de regresar a lo primordial que es lo que estamos formando, el sonido que queremos lograr, y todo lo otro viene después de ese trabajo. Roberto: Ha sido bonito igual porque el proyecto ha ido magnetizando a muchas personas, y ha sido acogedor. Ha requerido que aprendamos a enfrentar cosas a las que no

nos habíamos tenido que enfrentar antes. Chini: Cosas de adulto, que no tienen nada que ver con la música. De gestión, de tratos… De que no nos caguen, básicamente. ¿Hay intenciones de entrar al estudio pronto para un disco formal? Chini: Vamos a grabar un disco más adelante. Por ahora estamos terminando los videoclips de este EP. Nuestro próximo paso es el lanzamiento del video para “Igual”, que lo haremos el 3 de julio en el Centro El Cerro, junto a Fakuta y algunos invitados sorpresa. Por Francisca Bastías

CLUB DE SURF L a uA n i óla n h ace la fu e rz a vena Con una propuesta intensa y energética que recuerda a los mejores tiempos del grunge y el garage noventero, el dúo formado por Oscar Videla y Cristian Escobar es rock con alto poder de fuego. La banda se formó en 2014, y a la fecha ya han editado dos trabajos. Recientemente fueron invitados a integrarse a las filas del sello nacional, Algo Records. “Siempre sentimos que Algo Records nos identificaba en nuestro trabajo. Es una forma de llegar a más gente, junto con bandas que nos gustan mucho”, dice Cristian, a lo que Óscar agrega que “este año ha sido bacán para el sello y también para nosotros. Cada vez se pone mejor. Y queremos responder también a esa confianza. Queremos ser una banda igual de buena que las que ya están”. Su disco es potente y dura sólo 30 minutos. ¿Llevan esa intensidad también a sus presentaciones en vivo? Óscar: Por supuesto, la idea es hacer un show entretenido y que den ganas de ver nuevamente. La energía se transmite a la gente y eso es lo que hace la diferencia. Antes de partir Club de Surf, nos dimos cuenta que habían músicos muy talentosos

aíslen un poco, es un poco el karma del artista. Pero a nosotros nos gusta. Cuando estábamos haciendo la diagramación del disco, por ejemplo, nos costó un poco, pero tuvimos inmediatamente la disposición de Iván Molina... todos están siempre dispuestos a ayudar en lo que sea. Es lindo estar en contacto con otros músicos que están en la misma sintonía, que quieren lo mismo que tú.

y con un gran sonido, pero no veíamos tanta entrega y energía… Incluso hasta un poco de vergüenza en algunas bandas, así que nos propusimos hacer lo que a nosotros nos gustaría ver desde el público. Cristian: Igual nos gusta tocar con otras bandas, porque así llegamos a un público que no es el nuestro. ¿Qué tan importante sienten que es trabajar de manera colaborativa cuando se hace música independiente? Óscar: Es bacán, aunque también es legítimo que algunas personas no les guste trabajar con otros, que se

Cristian: Igual uno comparte algo más importante que la música o el estilo. La gente que hace música, el noventa por ciento no ganamos plata con el tema. Ser músico es algo que realmente te nace, y para mí alguien que hace eso, y que tiene que tener otro trabajo para sostener una carrera musical que probablemente nunca va a dar, es alguien que se merece mi respeto de entrada. ¿Cómo es su vida fuera de los escenarios? ¿Viven de la música o tienen “vidas paralelas”? Cristian: Yo trabajo en un puesto de frutas en la vega con mi familia. Antes trabajaba de seis a seis, incluso a veces desde más temprano y hasta más tarde. Con el tiempo se hicieron necesarias más horas para la

A pocos meses del lanzamiento de “Hype”, su primer disco de larga duración, Óscar Videla y Cristian Escobar nos cuentan cómo es hacer rock en la escena nacional actual.

música y hubo que acomodarse para seguir asumiendo las exigencias de un trabajo más profesional. Óscar: Yo por ahora estoy tratando de vivir de la música. Igual hago hartas cosas, toco sitar, hago videoclips… Por ahora estoy en eso, y tocando harto. Veamos cuánto logro sobrevivir de la música. No es tan difícil, pero hay que rebuscárselas, sacrificar algunas cosas. ¿Cómo trabajan la búsqueda de su sonido como banda? ¿Es un proceso consciente o sale de manera natural? Óscar: Cuando encuentras tu sonido particular como banda, te sientes más tranquilo, y en nuestro caso eso ha ido cambiando conforme hemos ido pasando etapas. Con “Hype” logramos lo que queríamos, quedamos contentos con lo que hicimos. Cristian: Pero más que el sonido, yo creo que la búsqueda es del mood, del “estado” que queremos que el disco represente. Ahí lo sonoro llega solo. Queremos pasarlo bien, haciendo algo honesto, que de verdad nos represente. Por Francisca Bastías V.

RADIOHEAD El verdadero amor espera

Finalmente está aquí. Después de cinco años de rumores, especulación y fanáticos con síndrome de abstinencia, Radiohead ha presentado su noveno disco de estudio, el ansiado “A Moon Shaped Pool”. Y definitivamente no fue un proceso “normal” para los seguidores de la banda. Los rumores de que el nuevo disco estaría listo se venían escuchando desde el año pasado, tras algunas entrevistas a miembros de la banda, fotos en redes sociales y, por supuesto, las especulaciones que suelen surgir cuando la expectación es alta. Pero la información era escasa, y la banda se mantenía hermética respecto al proceso. LA ESPERA En noviembre del año pasado, el compositor y director musical Robert Ziegler, tuiteó fotos de la banda grabando con una orquesta de cuerdas, y los rumores de un álbum con un alto contenido orquestal comenzaron. Muchos asumieron que se trataba del registro de “Spectre”, el tema que grabaron para la última película de James Bond y

que fue descartada por el estudio. En marzo los rumores comenzaron a sonar fuerte nuevamente, y con el paso de los días la expectación continuaba subiendo. Cuando el supuesto mánager de la banda Brian Message, anunció que Radiohead lanzaría su nuevo registro en junio de este año, el hype se elevó a niveles estratosféricos. Los ingleses salieron a desmentir los dichos al día siguiente, y todo quedó como estaba. Pero el público se sentía definitivamente ansioso y a la larga ese “anuncio” de Message, no estaba tan errado. Fue el 1 de mayo cuando la cuenta regresiva comenzó definitivamente, y ocurrió al más puro estilo del quinteto de Oxford: jugando con las expectativas. La banda borró todo el contenido de su web y sus redes sociales, dejando todo en blanco. Los fanáticos de la banda que habían encargado trabajos anteriores recibieron una postal en sus casas, con el mensaje “Burn The Witch: We Know Where You Live”. Luego de publicar algunos extractos en su Instagram, Radiohead liberó finalmente un nuevo single: “Burn The Witch”. Eso fue el 3 de mayo y junto a ese sencillo, el grupo reveló un video animado en

stop-motion basado en la trama de la película de terror de 1973, “The Wicker Man”. Días después, la banda estrenó otro single, “Daydreaming”, con un video promocional dirigido por Paul Thomas Anderson y que incluso se exhibió en salas de cine. Ese mismo día se anunció que el lanzamiento del álbum se realizaría en formato digital el domingo 8 de mayo. Al fin había una fecha. El día llegó, y miles de fans esperaban con ansias las siete de la tarde en Inglaterra para al fin escuchar “A Moon Shaped Pool”. Y aunque (o quizás debido a que) el álbum no se encuentra disponible en plataformas gratuitas de streaming como Spotify (Thom Yorke ha sido categórico al referirse en contra del servicio), el disco pasó rápidamente al número uno de las listas de los más vendidos en el Reino Unido. EL “NUEVO” ÁLBUM “A Moon Shaped Pool” está compuesto por once temas, de los cuales sólo tres son completamente nuevos. Los otros ocho habían existido de alguna otra forma, siendo interpretados en vivo en algún momento por la banda, pero sin una grabación de estudio oficial. Así, este disco entrega las versiones definitivas de clásicos del repertorio

en vivo de los liderados por Thom Yorke, como “True Love Waits”, que data de 1995 y que cierra el disco. O “Identikit”, que fue presentada por primera vez sobre un escenario en 2012. El álbum es una muestra más de la versatilidad y la inquietud de reinvención que ha tenido Radiohead desde sus inicios. A los acostumbrados sonidos electrónicos y las líricas dramáticas de Yorke se suman elementos electro-acústicos del piano y la guitarra, además de la protagónica presencia de arreglos de cuerdas. Estos últimos, compuestos por Jonny Greenwood, fueron interpretados por la London Contemporary Orchestra, quienes habían trabajado previamente con el guitarrista en la grabación de la banda sonora de “The Master”, película dirigida por el ya mencionado, Paul Thomas Anderson. Este nuevo lanzamiento marca el regreso del quinteto a los escenarios, tras un receso de cuatro años desde la gira promocional de “The King Of Limbs”, y con la presencia nuevamente en el escenario de un segundo baterista, Clive Deamer, integrante de Portishead. Desde la primera presentación, que se llevó a cabo en Ámsterdam, el 20 de mayo, la banda ha seguido presentándose en Europa a tablero vuelto. Los shows, de más de dos horas y media de duración, han tenido una fuerte presencia de canciones de AMSP, pero también han servido para debutar temas que no habían sido tocadas en vivo en mucho tiempo (“Creep” por ejemplo). Las fechas anunciadas hasta el momento los llevan por el viejo continente, Japón y Norteamérica, cerrando esta parte de la gira, con dos presentaciones en Ciudad de México a principios de octubre. Las posibilidades de que Yorke y compañía aterricen pronto en Sudamérica son altas, y el público está expectante a las noticias. Por mientras, tenemos un disco impecable para escuchar una y otra vez. Perfecto para las tardes de invierno que se nos acercan. Francisca Bastías V.

O S R U C N O C

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COMPLETANDO EL CÍRCULO

BAND OF HORSES 24

Hace tres años conversé con Ben Bridwell, líder y vocalista de Band Of Horses, acerca de “Mirage Rock”, su anterior álbum y sucesor del nominado al Grammy, “Infinite Arms” (2010). En ese momento, y casi un año después de haber lanzado ese trabajo, el músico nacido en Carolina del Sur asumía que ese disco no era lo que esperaban sus fanáticos. “Espero que en algunos años este álbum sea mejor comprendido”, reflexionaba con esperanza en ese entonces. Adelantamos hasta el día de hoy y “Mirage Rock” aún es como el “patito feo” en la discografía del grupo, pero a medida que va transcurriendo el tiempo se oye mejor. Los años han pasado y las familias de los miembros de Band Of Horses han crecido. Todos son padres y Bridwell ya tiene cuatro hijas. Sí, cuatro, y una de ellas es un bebé de sólo 6 meses. O sea, tiempo no era precisamente lo que tenía el grupo cuando empezaron a componer este nuevo álbum llamado “Why Are You OK”, el quinto en la carrera de la banda. Bridwell sigue siendo el compositor principal de los temas, llevando maquetas al estudio para que el resto vaya aportando en cada uno de los demos y así las canciones vayan armándose. A diferencia de lo que pasaba antes, cuando el compositor abandonaba su hogar para recluirse en parajes más desolados para emerger tiempo después con nuevas canciones, esta vez tuvo que buscar tiempo en medio de sus actividades diarias –que incluyen ir a dejar a sus hijas, cambiarle pañales a la más pequeña y jugar a disfrazarse– para componer el material que eventualmente se transformó en este nuevo álbum. Un día después del primer show de la gira promocional de “Why Are You OK” –que se llevó a cabo en Delaware, Estados Unidos– Bridwell se puso al teléfono para contarnos

Luego de una tibia recepción de su anterior disco necesitaban una vuelta de tuerca. La respuesta no llegó escapando de lo cotidiano para componer canciones lejos de casa, sino al revés: abrazaron lo mundano, fortalecieron sus nexos familiares y salieron con un álbum que refleja exactamente la esencia del grupo. Bridwell nos contó en exclusiva de ese proceso, de lo que se viene para Band Of Horses y mucho más.

sobre ese concierto y todo lo que vivió antes. “Fue increíble, hombre. Terminamos tocando ocho de las nuevas canciones, lo cual fue un poco osado de nuestra parte, pero se sintió bien. Fue como la culminación de un largo camino. Espero que nuestros fanáticos hayan podido lidiar con tanto estreno, aunque creo que les pareció bien. Igual, habría que preguntárselo a ellos. Por lo menos, hasta ahora, nadie ha pedido su dinero de vuelta”, dice entre risas, del que fue el primer show de Band Of Horses en mucho tiempo.

Por fin estás tomando aire después de un tiempo. El nuevo álbum está listo y estamos a sólo unas semanas de su lanzamiento. ¿Cómo te sientes en este momento?

- Bueno… Creo que hay un moderado entusiasmo acerca de eso. No, olvida eso, hay mucho entusiasmo con el nuevo disco. Me siento muy

bien, creo que logramos recapturar lo que quería que hiciéramos siempre, que es ampliar nuestro rango sónico lo más lejos posible. Con “Mirage Rock” nosotros mismos nos pusimos límites relacionados a grabar todo en vivo. En este disco queríamos ampliar lo más posible nuestra gama de sonidos y creo que lo logramos, hombre... Me siento bien en estos momentos. Y creo que esa auto-crítica que uno siempre tiene, no la sentí esta vez. Recuerdo que con nuestro álbum anterior me dije a mi mismo: “esto va a ser difícil para nuestros fanáticos”. No me arrepiento porque era un experimento que necesitábamos hacer. Ahora siento que esas personas que criticaron “Mirage Rock”, pueden besarme la mitad de mi trasero porque nos sentimos muy bien con lo que acabamos de crear (risas). ¿Te pones menos ansioso al publicar nueva música después de todos estos años?

- Esa es una muy buena pregunta. Mmmm… (silencio) Creo que está esa emoción que viene con cada lanzamiento, donde te pones ansioso y preguntas si ya publicaron alguna crítica del álbum. Está esa expectación, pero ahora enfoco mi energía en hacer bien mi trabajo en todos los frentes, incluso en la promoción, en esto de estar hablando contigo en estos momentos, y de estar agradecido de que a alguien le interese lo que hacemos y quiera saber más al respecto. Creo que eso viene con los años, donde tienes un punto de vista más centrado de lo que significa este trabajo y lo que puedes tomar o no. También me enfoco en ser lo suficientemente bueno en mi casa y que nada del trabajo repercuta negativamente en mi vida familiar. Antes solía hablar sin parar del trabajo y lo que hacíamos, pero ahora he aprendido a escuchar más y dejar que el resto hable. Eso es lo único bueno de acercarse a los cuarenta años (risas).

Han pasado cuatro años entre “Mirage Rock” y este nuevo álbum. ¿Qué ha cambiado para ti y tu proceso compositivo durante este tiempo? - A nivel personal, he tenido dos hijas más desde la última vez que hablamos, pero no fui sólo yo, Creighton (Barrett) tuvo sus dos primeros hijos y Tyler (Ramsey) también tuvo su primer hijo. Así que nos hemos dedicado a formar familias y ser más viejos creo (risas). Giramos mucho con “Mirage Rock” y llegamos a lugares donde nunca habíamos ido antes. Fue un largo período y después que lo terminamos no quisimos apurarnos en escribir un nuevo disco. Quise asegurarme que tendríamos el beneficio del tiempo y que pudiésemos escribir las canciones correctas con las texturas adecuadas en el momento que correspondía. Creo que aprendí a escribir con más detalle esta vez. Eso creo que cambió en mi proceso compositivo.

Eso y el tiempo, hombre…

_________ h _________

“Quería que la sinceridad volviera. No tanto en cuanto a la música, sino a la letras. Quería dejar de esconderme detrás de metáforas y juegos de palabras, por temor a quedar más expuesto. A quedar más vulnerable. Aprendí en el camino que la única manera de seguir creciendo como compositor era siendo más sincero”, reflexiona Bridwell a la mitad de nuestra conversación. Si bien el proceso de creación de su anterior disco fue “un experimento divertido” –en sus propias palabras– en algo minó su confianza en la música que hacía para Band Of Horses. Entre ese LP y este nuevo trabajo, pasaron un íntimo disco acústico (“Acoustic at The Ryman”) y otro colaborativo con Sam Bean de Iron & Wine (“Sing Into My Mouth”). El último era de covers, así que técnicamente, no tuvo que escribir nada nuevo hasta ahora. ¿Se lo

tomó como un desafío? Él dice que no, pero en el fondo de su mente algo de revancha había esta vez. ¿Cuál fue el enfoque que tomaste para este nuevo disco? ¿Qué buscabas a nivel sónico?

- Los límites de que hablamos antes sobre nuestro álbum anterior, eso de tocar en vivo y grabar directo a la cinta, fue muy distinto a lo que habíamos hecho con “Infinite Arms”, que estaba lleno de texturas y cuidadosamente producido. Por lo tanto, “Mirage Rock” fue el resultado directo de ese disco y “Why Are You OK” es el resultado directo de “Mirage Rock”. Siempre quieres ir en el sentido contrario a lo que hiciste la vez anterior. Quería sentirme tan abierto de mente como en nuestros primeros discos y quería que esa exuberancia que tienen nuestras mejores canciones volvieran a la mezcla. Siento a “Why Are You OK” como una vuelta al principio para us-

tedes. No a nivel sonoro, sino que va más allá de eso. Hay como un reencuentro con su pasado y una nueva etapa para Band Of Horses está comenzando. ¿Lo sientes así? - Soy la peor persona a la que le puedes preguntar eso (risas). Me meto tanto en el proceso, que a veces no sé ni siquiera como sentirme con las canciones. Tiene que pasar un tiempo para poder mirarlo desde afuera. Pero si eso que dices es cierto, quiero darle el crédito a Jason (Lytle), nuestro productor. Él era fanático de nuestra banda desde hace un tiempo y a la vez, un héroe para nosotros, así que dijimos que íbamos a confiar en él. Lo que hace con Grandaddy es increíble en muchas maneras. Creo que mucho tiene que ver con él no queriendo joder un álbum de Band Of Horses (risas). Además con la ayuda de Rick Rubin, creo que si este disco es bueno, gran parte tiene que ver con los consejos que me dio gente importante para mí. ¿Cómo se dio la colaboración de Rick Rubin en este nuevo álbum? - Yo conocía a Rick de la época en que él estaba en Columbia Records

y nosotros también. Él se fue de la compañía y al poco tiempo Band Of Horses también dejaría el sello. Mientras grabábamos este nuevo álbum y sin tener contrato discográfico aún, Rick me llamó de la nada y me preguntó en qué estaba con el grupo. Le dije que estábamos grabando un disco y pidió venir al estudio. Conversamos, le mostramos unas canciones, a él le gustó lo que escuchó y nos ayudó a firmar con Interscope y Republic Records. Si fuese fútbol, Jason sería el director técnico y Rick el gerente del equipo. Él me ayudó cuando me cuestionaba sobre lo buenas que eran estas canciones. Fue como un mentor realmente. Además me salvó de un desastre económico al llevarnos a Interscope… Tal como lo hizo antes con “Infinite Arms”. Estamos muy agradecidos de su ayuda tanto en este álbum como en nuestra carrera. _________ h _________

“Creo que las letras son todo para mí. Son sin duda, el eje de lo que hago para Band Of Horses. Incluso con el título del álbum. Ivy tomó el teléfono de mi esposa y escribió un email que el auto-corrector trans-

formó a why are You OK y apretó enviar. Tiempo después íbamos en el auto y me preguntó cuándo iba a sonar su canción. Hay una canción en ‘Infinite Arms’ que se llama ‘For Annabelle’ y que se la escribí a mi primera hija. Ivy tiene seis años y se da cuenta de esas cosas, así que le dije que nuestro próximo disco se iba a llamar ‘Why Are You OK’, que fue lo que ella escribió sin querer en el teléfono de su madre. Incluso de esas cosas pequeñas, que pueden pasar inadvertidas, saco inspiración para escribir en estos días. Creo que estoy más perceptivo y más centrado en el presente. En estar aquí”, explica Bridwell sobre la importancia que le da en esta etapa de su vida a las letras. “In a Drawer”, una de las mejores canciones que tiene este LP y que cuenta con la colaboración del líder de Dinosaur Jr, J. Mascis, nació precisamente de la importancia que le da Bridwell a las letras de sus canciones. “Fue un verdadero parto. Ese tema no quería finalizarse, no, no, mejor dicho, yo no lo quería dejar cruzar la línea de llegada. Cuando escribo canciones no lo hago pensando en puentes

y coros, sino que las a bordo de una manera más amateur. Entonces tenía esta maqueta de tema, pero algo no me cuadraba. La dejé en el tintero. A eso los músicos le llamamos ‘demotitis’, que sería como una enfermedad que no te deja terminar cosas (risas). Tenía esta canción y John Silva, nuestro mánager, me dijo ‘¡vamos! Esta sería un buen track si supieras qué decir en el coro’. Me fui a la pizarra para escribir letras y estuve ahí un buen tiempo, hasta que encontré la línea “in a drawer” y algo me hizo click, porque fue como si hubiera abierto otro cajón y ahí estaba la canción. Y mientras la desarrollaba pensé: esto suena como un track de Dinosaur Jr. Cuando me cansé de oírme a mí mismo, dije: ¡a la mierda voy a escuchar Dinosaur Jr por un rato! La primera canción que sonó fue ‘Just Like Heaven’, el cover que hicieron de The Cure, y estaba en la misma clave que ‘In a Drawer’. Puse a J. Mascis cantando a The Cure sobre mi demo y me di cuenta que todo lo que necesitaba era más sílabas. Todo me hizo sentido al final. Yo conocía a J desde antes, así que junté coraje para preguntarle si quería cantar en una de nuestras

canciones y él dijo que sí y además colaboró con las letras. Entonces gracias a Robert Smith, vía The Cure, llegué a J, y así pude finalizar ‘In a Drawer’. Fue como completar un círculo”, recuerda con emoción el músico.

“Why Are You OK” es un testamento de doce canciones que en cincuenta minutos despliega todas las virtudes que hacen de Band Of Horses una de las mejores bandas del indie. El lado exploratorio del grupo sale a flote con “Dull Times/ The Moon”, un mantra de siete minutos que se divide imaginariamente en dos partes y que es el tema más largo en toda su discografía. Mientras que canciones rápidas y energéticas como “Casual Party”, “Solemn Oath” y la ya mencionada “In a Drawer”, se enlazan con esas frágiles baladas que tan bien le quedan al grupo. “Hag”, “Lying Under Oak” y “Whatever, Whatever”, son de ese tipo de canciones que se saborean en frías tardes de invierno. Es un álbum balanceado, exquisitamente orquestado y que sin duda está entre lo mejor que el grupo ha grabado a la fecha. La foto de la portada es una representación de una foto que

sacaron durante un día libre que tuvieron en Río de Janeiro para su única gira sudamericana a la fecha. _________ h _________

“Nuestra intención es regresar lo más pronto posible a Chile y el resto de Sudamérica. Sé que te dije eso la última vez, pero la verdad es que estamos tratando de cuadrar números y hacerlo posible a nivel logístico”, dice Bridwell a la pregunta de cuándo veremos a Band Of Horses nuevamente en territorio nacional. “¿Lollapalooza Chile? Es una posibilidad, pero como ya hicimos eso la última vez que fuimos hacia allá, ahora queremos hacer un tour por nuestra cuenta. Nosotros estaríamos felices de volver a tocar en el festival, pero poder tocar un show más largo para nuestros fanáticos sería genial, hombre”, remata. Si tuvieras que ponerle una fecha: ¿Cuándo crees que Band Of Horses volvería a Chile?

- Yo diría que, si sale todo bien, el próximo año en el invierno del hemisferio norte, verano de ustedes, nos verían una vez más. El tiempo lo dirá.

Por Hernán Carrasco C.

The Last Shadow Puppets: Lo mejor está por venir Corría 2007 y el vocalista de Arctic Monkeys, Alex Turner,

anunciaba que lanzaría el primer álbum de The Last Shadow Puppets, su proyecto paralelo junto al músico Miles Kane.

Seis meses después salía a la venta “The Age of the Understatement”, un disco totalmente distinto a lo que Turner había hecho con su banda madre y que evocaba los sonidos de los años 60.

Los elogios no se hicieron esperar y tanto la crítica como el público aplaudió el épico trabajo de un grupo que hacía gala de un pop barroco y orquestal nostálgico, pero sofisticado. ¿Qué sucedió después? Pese al éxito, que les permitió llegar al número uno del ranking en el Reino Unido y les valió una nominación al Mercury Prize, ambos músicos retomaron sus proyectos. Turner regresó a Arctic Monkeys y Kane siguió como solista.

Pasaba el tiempo y muchos se preguntaban si The Last Shadow Puppets volvería a publicar material, hasta que a fines de 2015 comenzaron a escucharse algunos rumores. Meses después la agrupación estaba de regreso con “Everything You’ve Come to Expect” bajo el brazo, un LP mucho más ambicioso que el anterior, que fue grabado en los estudios Shangri La, de propiedad de Rick Rubin, y en el que también trabajaron James Ford de Simian Mobile Disco y el canadiense Owen Pallett, colaborador habitual de Arcade Fire.

Tras ocho años de silencio la banda compuesta por Alex Turner y Miles Kane publicó su segundo disco de estudio. Aquí cuentan, entre otras cosas, cómo fue la experiencia, quiénes los influenciaron y qué les pareció trabajar con Owen Pallet, colaborador habitual de Arcade Fire. A poco más de dos meses de haber publicado este segundo álbum, Alex Turner cuenta que el proceso de composición fue bastante particular.

mente estaba en una zona en la que iba y venía, pero si no estaba contento con lo que estábamos haciendo se notaba. Es un verdadero artista”, subraya.

“Lo escribimos durante un período bastante largo de tiempo, de forma esporádica. La primera canción fue escrita probablemente hace unos dos años”, explica desde Los Angeles, California, lugar al que se mudó hace unos años.

A sus 36 años, Pallett es reconocido como compositor, violinista y colaborador habitual de Beirut y Arcade Fire. Un perfeccionista que difiere totalmente del estilo rockero que cultiva el dúo.

Algo muy diferente a lo que sucedió con “The Age of the Understatement”. “Lo que se me viene a la mente cuando pienso en el primer disco es la grabación, que fue una de las experiencias más agradables que he tenido en mi vida. Estábamos junto al océano con un montón de amigos todo el tiempo. Fue muy triste cuando llegó el final de la grabación”, recuerda. Y al parecer esa misma sensación agradable fue la que intentaron replicar con este nuevo LP. Así por lo menos lo siente Miles Kane, quien asegura que “las canciones pueden tocar sentimientos como el miedo o el amor o algo por el estilo. Por lo que probablemente pueden llegar a ser muy profundas, pero la idea es que todas hagan sentirse bien, a gusto”. FUENTES DE INSPIRACIÓN A la hora de preguntar qué lleva a los músicos a crear, muchos de ellos recurren a frases como la amistad, las justicia social, la vida o la muerte. Sin embargo, para TLSP no hubo ninguna temática en particular que los inspirara para componer los 11 temas que vienen en este trabajo. “Hay momentos en que el disco se mueve en las esferas del amor,

pero hay otros en que pasa todo lo contrario. Cuando grabamos el primer álbum, hace ocho años, era la primera vez que explorábamos temáticas más abstractas, pero que funcionaban como otro componente más junto con la melodía y los acordes. Eso contribuía al todo, más que a estar siempre tratando de contar una historia. Y sigue siendo así en este registro”, afirma Turner. Lo que es nuevo en este disco, eso sí, es la inclusión de una que otra línea en francés, como en “Dracula teeth” o “Bad habits”. “Esa canción fue una especie de batalla entre lo que Owen Pallett estaba haciendo en los arreglos de cuerdas, en comparación con el estilo de Miles, que es más agresivo. Si esa era la actitud que estábamos tomando, parecía apropiado que yo cantara como un croon francés de fondo”, dice el frontman de Arctic Monkeys. ¿Y cómo fue la experiencia de trabajar con Owen? Miles Kane recuerda que estuvo todo el tiempo con ellos. “En la grabación y escribiendo sus partes de las cuerdas. Definitiva-

“Él puede ser muy grave a veces, pero agradecemos lo que está haciendo. A Miles definitivamente le encantó”, comenta Turner, a lo que Kane bromea respondiendo: “Hice que se derritiera. Es divertido, ya sabes”. INFLUENCIA AFROAMERICANA Aunque los fundadores de TLSP nacieron en el Reino Unido, decidieron mudarse a Estados Unidos. ¿Qué piensan sobre la escena musical californiana? Miles, quien lleva un par de meses radicado allí, dice que no podría nombrar nuevas bandas o sentir que pertenece a un movimiento. “No me siento parte, pero tal vez eso es sólo porque todavía es bastante nuevo para mí. Pero se siente muy bien estar en Los Angeles”, comenta. Muchos de los sonidos, por no decir todos, en “The Age of the Understatement” venían del trabajo que a mediados de los 60 hizo Scott Walker. Un cantante estadounidense que se hizo muy popular en Inglaterra, donde se radicó en 1965, y que sigue publicando material hasta hoy. Sin embargo, la inspiración para “Everything You’ve Come to Expect” parece ser más afroamericana. “Probablemente hay un montón de diferentes artistas y canciones en este disco. Y no sólo de Isaac Hayes, como han dicho, también hay un

poco de Style Council o de Dr. Hook”, dice Alex Turner. Y agrega: “Todas las canciones de ellos tienen cierto espíritu y puede que no suenen como las de este disco, pero algo obtuvimos de su influencia, de sus melodías. Como pasó con Scott Walker al grabar el primer álbum”. Ambos aclaran, eso sí, que no pretenden copiar a otros. “Crecimos y hemos vivido escuchando una gran cantidad de música y seguimos encontrando cosas nuevas. Es verdad que hubo un material de referencia en el primer disco, pero eso se movió un poco ahora”, explica Turner. Y añade: “Mientras escribía muchas de estas canciones probablemente estaba escuchando Depeche Mode y creo que sería difícil tratar de establecer un paralelismo entre esas canciones y estas. Bueno, tal vez no”. Al hablar de su estética, también reconocen que hay cierta influencia. “La forma en que tenga el pelo o cualquier cosa es, sin duda, tomado de alguna otra parte. Una vieja foto de un grupo favorito, una película o un actor. Es de ahí de donde viene todo. Ahora, no diría que somos aficionados al cine, pero nos gusta ver películas”, explica Miles. Alex, en tanto, dice que su estilo es sólo otra expresión más. “Supongo que no es necesariamente paralela a la música que estamos haciendo. Ni siquiera sé si lo que llevas en los pies necesariamente tenga que coincidir con la forma en que tengas tu pelo. Lo importante es sólo cómo se siente”, afirma.

“EVERYTHING YOU’VE COME TO EXPECT” Pero lo que sí está claro es que la influencia afroamericana no sólo es sonora en este nuevo trabajo de la banda. También está presente en la estética, y puntualmente en la carátula del disco, donde aparece una imagen de Tina Turner tomada en noviembre de 1969 por el fotógrafo Jack Robinson. ¿La vida de otros artistas los inspira? Alex confiesa que sí. “Como Miles estaba diciendo, uno hace cosas que toma prestadas a partir de imágenes o fotografías”, explica, pero reconoce que no al nivel de revisar sus biografías. “Es la única cosa que no me gusta leer por alguna razón. Nunca me puedo concentrar en esos tipos de libros y prefiero optar por una novela mientras estoy en mi departamento”, dice Turner. Sobre el título del álbum, “Everything You’ve Come to Expect”, Alex dice que comenzó como el coro de la canción del mismo nombre. “Parecía facilitar la melodía y a partir de ahí fue como: “Oh, podría significar esto o esto otro”. La ambigüedad se convirtió en una atracción y al final todas las otras ideas para títulos habían quedado fuera”, recuerda. The Last Shadow Puppets está de gira por Europa y después saltará a Norteamérica. ¿Vendrá por estos lados? Aún no se sabe. Pero lo que sí es un hecho es que la banda editará al menos dos discos más, según reveló hace poco Alex Turner. De seguro, lo mejor está por venir. Por Fernando Duarte M.

R e s u rg i m i e n t o n e oyorq u i n o

PARQUET COURTS Austin Brown se toma su tiempo antes de responder. Analiza la

pregunta, busca las palabras adecuadas y suelta su respuesta. Él y Andrew Savage son los cerebros detrás de Parquet Courts, aclamada banda neoyorquina que con cada lanzamiento sigue subiendo su propia barra. Cada disco se siente como un paso adelante y la maduración del grupo es palpable también en esos registros. Hace seis años eran una banda muy diferente y Brown así lo recuerda. “Partimos sólo Andrew y yo en una sala de ensayos en Nueva York, haciendo música, probando cosas y haciendo ruido más que nada.

Grabamos algunas canciones que terminaron en ‘American Specialties’ (2011, Cut the Cord That... Records) y otras las guardamos para ‘Light Up Gold’ (2012, Dull Tools Records). Luego se unió el hermano de Andrew, Max, en la batería y después Sean. En esa época teníamos ambiciones muy humildes, como grabar un disco formal y que fuera lanzado en vinilo. Hacer una gira y vender los discos en los shows con la esperanza de juntar dinero suficiente para cargar bencina y regresar a casa. Nos fue bien e hicimos eso, y al poco tiempo empezamos a tener una base de fanáticos y de la nada la revista Time eligió a ‘Master Of My Craft” como la canción del año, y desde ahí todo se ha dado muy bien para nosotros”,

explica el músico. ¿Cómo se sintieron cuando les ofrecieron su primer contrato discográfico? - Fue genial, pero era una decisión importante que tomar. Nos ofrecieron algunas cosas, pero es fundamental saber con qué personas vas a trabajar en una época donde no se venden tantos discos. Los contratos de ahora no son como los de antes cuando te pasan un par de millones de dólares y te dejaban hacer lo que quisieras. Ahora los contratos son más modestos y cubren esencialmente todo lo que tenga que ver con los costos de grabación y un pequeño extra para que la banda siga funcionando. No creo que muchos

El cuarteto nacido en Brooklyn tomó la posta de las bandas que a principios de los 2000, hicieron de Nueva York la capital de la música. Con cuatro discos de estudio editados y con una respaldo casi unánime de la crítica, el grupo sigue tomando el enfoque simple: hacer buenas canciones y trabajar duro. Conversamos en exclusiva con ellos.

artistas ganen realmente dinero vendiendo discos… A menos que te llames Adele, Katy Perry o Justin Bieber… - ¡Claro! Hay unos pocos que siguen con el modelo antiguo. Les dan unos grandes anticipos por hacer un disco y luego esos álbumes se venden muy rápido. Claramente no es nuestro caso (risas). Entrevistamos a Travis el mes pasado y nos dijeron que ellos estaban “en el negocio de hacer giras” más que en el de vender discos. ¿Te sientes identificado con esa afirmación? - Sí, eso es lo que pasa con la mayoría de los músicos actualmente.

La gente prefiere escuchar a sus bandas favoritas a través de Spotify y gastarse el dinero en ir a verte tocar. Me hace mucho sentido eso. Lo bueno de este tipo de “negocio” es que nos ha permitido ir a partes que nunca pensé que viajaríamos y tener fanáticos alrededor del mundo, lo que es una sensación muy genial. También les ha permitido llegar con su música a lugares que bajo el viejo modelo de negocio, hubiera sido muy difícil, como Indonesia, China e incluso Chile. - ¡Exactamente! Es como funciona la música ahora y te permite no tener que depender de campañas de marketing o de la fe que le tenga el sello a tu disco, para llegar a lugares lejos

de nuestro propio país. Esa es una de las mejores cosas de la tecnología. MÚSICOS DE DÍA Y NOCHE El sonido de Parquet Courts toma influencias de muchas partes. Están las referencias a Pavement y Sonic Youth. El impulso y arrojo del revival del garage rock, con The Strokes como referencia obvia y también algo del indie rock que vemos en bandas jóvenes como DIIV o Bully. El grupo nunca se ha encasillado en nada y sus composiciones nacen de su constante experimentación. “Estamos siempre escribiendo música. De día o de noche. El proceso nunca se detiene para nosotros. Escribimos con bastante rapidez diría yo. Por ejemplo para ‘Human Performances’

(2016, Rough Trade Records), teníamos cerca de 30 canciones y las que quedaron afuera eran bastante diferentes a las que están en el álbum. Estar siempre escribiendo nos permite ir ampliando nuestro sonido”, reflexiona Brown. “Human Performances”, su nuevo disco, es casi definitivamente su mejor trabajo a la fecha. Tiene un balance perfecto entre canciones muy inmediatas y aquellas que te cuesta explorar sónicamente. Es también el disco más vulnerable o personal que han escrito a la fecha. La sinceridad siempre ha sido un elemento clave en Parquet Courts, pero esta vez le dieron más cabida a la emocionalidad. ¿Cuál fue la mentalidad que tomaron para grabar este nuevo álbum? - La verdad es que fue un enfoque bastante relajado porque lo hicimos en un período de un año más o menos y en cinco estudios diferentes de grabación. Siento que es un disco que tiene harto de auto-reflexión y de poner las cosas en perspectiva para nosotros. Cuál era nuestro lugar, no sólo

nes acerca de soledad, arrepentimientos, confusión y ansiedad. Creo que es un disco muy diverso a nivel sonoro, pero sin duda que es más personal que cualquiera de nuestros álbumes previos. Queríamos que fuera un disco más directo a nivel lírico y no tan obtuso. ¿Cuál es tu canción favorita del nuevo álbum en estos momentos?

como banda, sino como personas y eso nos permitió entendernos a nosotros mismos. Creo que tiene temáticas más profundas y es un poco más oscuro que nuestros discos anteriores, pero era lo que estábamos sintiendo en ese momento. ‘Human Performances’ es acerca de evaluar la rutina en la que estábamos viviendo y tratar de entenderla. Se siente como un disco más emocionalmente accesible, creo yo. - Sí, es verdad. Hay varias cancio-

- Creo que es “Captive of the Sun”. Esa fue la canción más desafiante para mí en cuanto a la composición. Es un tema que partió como una canción rápida y punk, pero que la encontraba aburrida, así que pasé mucho tiempo en el estudio arreglándola y haciéndola más lento hasta que encontró su ritmo. ¿Cuándo los veremos en Chile? - ¡Nos encantaría ir! Pero nadie nos ha invitado aún (risas) Espero conocer pronto Chile y el resto de Sudamérica. Sólo tienen que mandarnos un email y allá estaremos. Por Ignacio Cisternas

Recuerda esa motivación que te impulsó en la niñez. Ahora es cuando puedes realizar tu sueño como profesional. Postula como voluntario/a en www.americasolidaria.org

G a n á n d o le a la os cu r id a d

DAMIEN JURADO

Damien Jurado ha estado haciendo música desde mediados de los años 90. Partió en Seattle en esa época y no se ha movido de ahí en todos estos años. “Los hábitos viejos son difíciles de matar”, dice reflexionando. Luego de hacer unas grabaciones caseras y publicarlas por cuenta propia, su música despertó la atención del sello Sub Pop, que recomendados por el vocalista de Sunny Day Real Estate, Jeremy Enigk, le ofreció un contrato discográfico. Con el sello de Nirvana lanzó cuatro discos entre 1997 y 2002, para luego pasar a su nueva casa discográfica: Secretly Canadian, con la cual ha lanzado todos sus discos a la fecha, incluida su más reciente trilogía, Maraqopa

y que se divide en “Mararopa” (2012), “Brothers and Sisters of the Eternal Son” (2014) y “Visions Of Us On The Land” (2016). Durante este tiempo ha cambiado muchas veces su propio sonido, pasando de canciones donde era sólo su voz y guitarra en clave folk hasta llegar a sus elaborados últimos trabajos donde se acompaña por más músicos y coquetea incluso con la psicodelia. “Me siento bien con mi carrera, hombre. Ha pasado mucho tiempo desde que empecé. Las cosas partieron un poco lentas, pero me siento bien en este punto. Para ser honesto, nunca pensé que en el 2016 seguiría haciendo música”, reflexiona Jurado sobre las dos décadas

que lleva haciendo música.

Con 43 años a cuestas, dos divorcios y dos hijos, el cantante ha pasado por muchos momentos –buenos y malos– en su vida y de esas situaciones ha sacado muchas lecciones que aplica tanto en sus canciones como en su vida diaria. “Estoy muy cómodo con mi edad. 43 años es una muy buena edad déjame decirte”, dice medio en serio, medio en broma. Hace un par de años atrás contó en una entrevista que estuvo a punto de suicidarse –dos semanas antes de que naciera su último hijo– y que fue la culpa la que impidió que lo hiciera finalmente. “Estuve en un lugar muy oscuro y casi hago cosas que hubieran sido terribles para

mis hijos. Pero ese fue el comienzo de una etapa más clara para mí. No me gusta mucho hablar de esto, pero ahora me siento bien con quién soy y lo que hago en este mundo”, reflexiona (luego de un largo silencio) acerca de la tremenda depresión que vivió hace cuatro años. TODOS LOS CAMINOS LLEVAN A MARAQOPA

La historia parte con un hombre que desaparece de lo cotidiano y de la sociedad, y se aventura en un viaje donde deja todo atrás y encuentra un misterioso lugar llamado “Maraqopa”. Ahí descubre muchas cosas sobre la vida y sí mismo, mientras recorre los parajes de este casi desolado pueblo en medio de la nada buscando una nueva vida. Esa fue la trama inicial, con que Jurado dio inicio a la trilogía que ha desarrollado con sus últimos tres discos. Ese relato no se le ocurrió al cantante en un momento de inspiración máxima, sino que fue un sueño muy vívido que tuvo hace casi cinco años atrás y que se transformó en un álbum llamado igual que ese pueblo ficticio: “Maraqopa”. Ese LP terminaba con su personaje principal yéndose del pueblo y sufriendo un accidente automovilístico. “Brothers And Sisters Of The Eternal Son”, el segundo disco de la trilogía comienza precisamente ahí, en

El músico norteamericano pasó por momentos difíciles hace algunos años atrás, tan complicados, que pensó hasta en quitarse la vida. Por suerte no lo hizo, y de esa experiencia salió renovado. Con un mayor grado de confianza en si mismo y viendo las cosas con más claridad, Jurado sigue subiendo su barra creativa con cada álbum que edita. El lanzamiento de su nuevo disco “Visions Of Us On The Land”, fue la excusa perfecta para hablar en exclusiva con uno de los compositores más subvalorados de nuestra generación. el lugar del accidente, y con el personaje principal no sabiendo si está vivo o muerto. Regresa a Maraqopa y descubre que los habitantes están esperando la llegada del nuevo mesías (de ahí el título del álbum) y le dan a entender que él es el mesías que esperaban. “’Maraqopa y ‘Brothers and Sisters…’ estaban basados en un sólo sueño que tuve. ‘Visions Of Us On The Land’ es acerca de lo que yo

creo que hubiese pasado si es que el sueño hubiera continuado en mi subconsciente”, explica el estadounidense sobre el concepto detrás de esta trilogía. ¿Y qué crees tú que hubiese pasado más adelante en el sueño?

- Me imaginé que los dos personajes principales son los únicos habitantes que quedaban en la

Tierra y que además no podían morir. Eran inmortales para siempre. En eso se centra este nuevo álbum. Teniendo la posibilidad de irse al cielo, deciden quedarse en la Tierra y explorar todo lo que no han visto en sus vidas.

¿Es este el capítulo final de la temática “Maraqopa” o crees que vamos a tener un nuevo episodio más adelante? - No, este es el final. No tengo mucho más que decir después de esto. Sé que dije esto mismo después de haber lanzado “Brothers and Sisters…”, pero de verdad que con este nuevo álbum se cierra la trilogía. ¿Cuánto tiempo te tomó hacer este nuevo álbum?

- Creo que como las ideas ya

las tenía de antes, la composición no me tomó tanto tiempo, de hecho con Richard (Swift, miembro de The Shins y productor de los últimos discos de Jurado) grabamos todo en cinco días. Fue un proceso muy ágil porque ya veníamos trabajando juntos desde hace un buen tiempo. ¿Cuánto ha influido Richard Swift en tu proceso creativo?

- Él es genial y me ha ayudado a desarrollarme un poco más como músico y compositor. Antes trataba de no dejar que la música que me gustaba se reflejara en mis propias canciones, y él me dijo que me olvidara de eso. Creo este es un álbum que se siente libre y con muchas ideas. Hemos trabajado juntos desde “Saint Bartlett”

(2010) y cada vez hemos ido más adentro de la cueva del conejo.

Eso es cierto, porque siento que desde ese punto en adelante, escapaste un poco de la imagen de solista y compositor solitario. - Sí, de todas maneras. Básicamente él me dijo que tenía que seguir haciendo las cosas fuera de mi zona de confort y yo le hecho caso. Creo que ha resultado muy bien hasta ahora. Después de diez años haciendo música más o menos similar, era momento de empezar a cambiar las cosas de lugar. Espero seguir en este camino por muchos años más, ¿sabes? De tus últimos trabajos, creo que “Brothers and Sisters Of The Eternal Son” es tu disco

más completo. Es un álbum que refleja muy bien lo que puedes hacer como compositor. ¿Lo ves así también? - Eso es interesante, porque para mí, este nuevo disco va un poco más lejos que el anterior. Creo que logramos ampliar mucho más el sonido en esta pasada. Tal vez no es un álbum que te llegue a la primera oída, pero si le das tiempo, podrás escuchar todo lo que está pasando a nivel sonoro. _________ h _________

“Es difícil saber qué es lo que haré en los próximos meses. Sé que tengo un par de tours para el resto del año, pero también espero pasar un tiempo en casa y si es que se dan las cosas, grabar un nuevo disco”, cuenta Jurado sobre sus futuros pla-

nes.

¿Descansas en algún momento? Siento que estás siempre trabajando. De hecho, cada dos años, siempre hay un nuevo disco de Damien Jurado en las tiendas. - (risas) Es verdad, pero la verdad es que nunca pienso en tomarme un descanso. No le veo el punto a eso. Además si no trabajas, no te pagan. Así que eso no es una opción realmente. ¿No te sientes cansado en estos momentos?

- Mentalmente no, físicamente sí. A nivel emocional probablemente sí. Pero estoy bien, tengo un par de giras en los próximos meses, pero voy a tener tiempo para estar en casa también. No

me puedo quejar.

Has tocado en muchas partes del mundo, pero aún no has venido a Chile… - No sé por qué ha pasado eso. Aún no me han invitado a tocar a Sudamérica ni tampoco a Chile. Me encantaría ir allá y conocer cómo es Santiago y el resto de las ciudades. Sólo falta que me inviten.

¿A quién ves cuándo te miras al espejo cada día? - Veo a un hombre al que le serviría mucho una siesta (risas). Fuera de bromas, también veo a un hombre que ha pasado por muchas cosas, pero ha salido adelante y se siente realizado con lo que hace.

Por Hernán Carrasco C. 41

LA SUMA DE LAS PARTES

MINOR VICTO Cuando Justin Lockey, guitarrista de Editors, imaginó un ruidoso EP con una voz femenina cantando, jamás pensó que sería Rachel Goswell de Slowdive la que ejecutaría su idea. Tampoco intuyó que Stuart Braithwaite de Mogwai tocaría la guitarra en ese proyecto. Menos visualizó que sería el responsable de formar una banda que se llama Minor Victories, y que ese EP del comienzo, se transformaría en uno de los mejores discos que ha salido este año. Conversamos en extenso con Goswell y esto nos contó sobre nuestro nuevo súper-grupo favorito. 42

ORIES

“Justin se acercó a mí inicialmente a través de nuestro managment compartido (Slowdive y Editors) y me envió un par de piezas musicales, más que nada instrumentales, para ver si me interesaba escribir algunas canciones con él. Me gustó lo que oí y la primera canción que hicimos juntos fue ‘Out To Sea’, eso fue en el otoño del 2014. Después yo estuve ocupada con Slowdive así que retomamos este proyecto sólo para decidir que necesitábamos más gente en esto. Stuart (Braithwaite de Mogwai) fue la primera persona que se me ocurrió que podía unirse a esta banda. Me encanta la manera que él toca la guitarra. Además queríamos sonar muy épicos (risas), así que Stuart era la opción a seguir. Luego Justin trajo a su hermano James, que toca bajo y batería. Ya para esta altura del año pasado, éramos una banda propiamente tal”, cuenta Rachel Goswell sobre cómo se involucró en esta súper banda que llamaron simplemente, Minor Victories. Viviendo en lugares diferentes, la manera en que el grupo empezó a componer sus canciones fue bastante alejado de lo tradicional. Poco ortodoxa, si se puede decir. Por cerca de seis meses, los miembros de la banda trabajaban en las composiciones sin ni siquiera haber estado todos juntos en una misma habitación. Claro, Justin conocía en persona a Rachel, y ella conocía a Stuart. Pero James no conocía ni a Rachel ni a Stuart, y Justin tampoco se había encontrado en directo con Stuart. Todo lo que hicieron en esos seis primeros meses fue a través del internet, donde pequeños trozos de música iban y venían de diferentes lugares. Muy a lo The Postal Service. “Todos

teníamos canciones a las que contribuir. Por ejemplo ‘Give Up The Ghost’ o ‘A Hundred Ropes’, fueron canciones que Justin las tenía como maquetas y se las mandaba a Stuart y James para que ellos agregaran algunas capas de sonidos. Cuando la canción estaba más o menos armada me la enviaban a mí para que yo grabara las voces y escribiera las letras. Hubo otras canciones como ‘Cogs’ que fue idea de James o ‘Breaking My Light’ que escribí yo sólo con un piano. Así que técnicamente todo esto fue muy colaborativo y muy libre para que cada uno contribuyera. Al final cuando las canciones estaban casi terminadas, Justin las arreglaba y les daba su forma definitiva. Él era el productor también”, explica Goswell sobre la manera en que empezaron a componer para Minor Victories. ¿Cómo encontraron el sonido que estaban buscando desarrollar? Porque tú me dijiste recién que querían sonar “épicos” y realmente se siente que el pasado musical de cada uno de ustedes se refleja acá. - Bueno sí, creo que eso sucedió naturalmente (risas). Si lo hubiéramos planificado tal vez no hubiese resultado de esta manera. Creo que la clave fue la libertad que tuvimos para hacer este disco. Por ejemplo, para Stuart era algo muy diferente a lo que hace en Mogwai, porque con Minor Victories tiene que dejar un espacio para que se incluyera una voz dentro de la canción, algo que no era necesario en Mogwai. Para Justin y para mí también, hacer este disco fue una de las experiencias más divertidas que hemos tenido en nuestras carreras. 43

Al principio esto era sólo un EP, ¿cierto? Pero en el camino se transformó en algo mucho más grande. ¿Qué sentiste cuando te diste cuenta que Minor Victories se transformaba en algo cada vez más grande? - Estábamos muy emocionados cuando empezamos a componer y componer más canciones. Stuart siguió grabando partes de guitarra y en septiembre del año pasado fue cuando todo empezó a tomar más velocidad. Teníamos tantas canciones y nadie quería parar de escribir. Así que seguimos trabajando. Justin es un trabajólico de primera y eso es algo bueno porque si él no hubiera estado molestándome a cada momento, esto nunca hubiera visto la luz. Yo soy demasiado buena para procrastinar (risas). ¿Cuán más difícil fue grabar este álbum de esta manera en comparación con hacerlo de manera regular?

- ¡Creo que no fue difícil para nada! Bueno, yo estoy hablando por mí, porque me mandaban las canciones casi finalizadas (risas). Yo tenía que agregar la voz y las letras que había escrito para las canciones. Claro es bastante dis-

hacer un disco que sonara bello y cinemático, algo que conmoviera, ¿sabes? Son canciones que nos presentan muy bien sonoramente a los cuatro miembros de la banda. ¿Hay alguna chance que vengan a Chile en el futuro cercano?

tinto a estar en un estudio con la banda y ahí trabajar en las canciones, pedir una y otra vez opiniones, y después ensayar muchas veces antes de grabar. Con este disco fue todo mucho más libre y teníamos más tiempo para hacer nuestro trabajo de manera individual. Eso fue algo muy bueno y natural. Ya dijiste que buscaban sonar épicos, pero ¿cómo describirías este disco para alguien que aún no lo ha escuchado? - Creo que es un disco con grandes canciones y videos muy particulares (risas). Queríamos

- ¡Hemos leído en nuestras redes sociales! (risas) Nos encantaría ir a Chile. Aún no tenemos planeado al detalle nuestra gira, lo único que se interpone entre ustedes y nosotros es que bastante lejos. Tratamos de ir con Slowdive a Sudamérica a finales del año pasado y a principios de este, pero no pudimos hacerlo porque nos cuesta demasiado dinero ir hasta allá. Pero esperamos que algún punto del próximo año podamos llegar a Chile. ¿En qué estás tú ahora? ¿Cómo va Slowdive? - Sí, estamos grabando un nuevo disco con Slowdive. De hecho ya tenemos algunas canciones trackeadas y muchas otras en varios estados de finalización. Esperamos completar el nuevo disco a finales de julio y lanzarlo el próximo año. Por Hernán Carrasco

Recuerda esa motivación que te impulsó en la niñez. Ahora es cuando puedes realizar tu sueño como profesional. Postula como voluntario/a en www.americasolidaria.org

TENDENCIAS VERDES

Moda Sustentable

Q ue Emma Watson llegara a la Gala del Met con un Calvin Klein hecho de botellas recicladas y fuera de lo más comentado de la noche, no es raro. Situación similar se repite en Chile en la Gala del Festival de Viña del Mar, con Katherine Salosny vistiendo un diseño ecológico confeccionado con materiales como el lino, la seda y el cáñamo orgánico. Lo hemos escuchado mucho, y en nuestro país hace varios años ya que también se ha tratado de instalar. El concepto de moda sustentable o moda verde no es algo nuevo, pese a que hay marcas, la mayoría más establecidas, que se han ido quedando atrás y probablemente no tienen dentro de sus planes entrar en el mercado del diseño ecológico.

Hay un intento por parte de los consumidores de cambiar su hábito de compras y eso se aplica también a otros rubros. La comida y el maquillaje, por ejemplo. Es cada vez más común ver a la gente buscar alternativas más saludables a la hora de alimentarse o a las mujeres investigar sobre qué marcas de belleza no testean en animales (que, de hecho, cada vez hay más). Existe definitivamente un cambio de switch importante y de eso queremos hablar. El consumidor se está preocupando y el mercado está respondiendo. Pero volvamos a la moda. ¿Cuántas marcas con conciencia ecológica que hayan llegado a Chile podemos mencionar? Estoy segura que, al menos pensándolo rápido, podemos contarlas con los dedos de una sola mano. Quizás el concepto es aún muy nuevo para el comprador estándar, o tal vez los consumidores en general somos flojos (me incluyo) y a veces ir a la multi-tienda más cercana, resulta mucho más fácil que ir al local de la diseñadora independiente que armó todo su discurso en torno a lo sustentable. Hay un punto que, por supuesto,

no podemos olvidar y es que optar por una opción ecológica, al menos a la hora de vestir, es bastante más caro. Sin ir más lejos, H&M –y su línea “Conscious”, que ha logrado hacerse un espacio incluso en alfombras rojas (el vestido de Salosny que les hablaba al principio)– establece una diferencia con los precios más “económicos” que en general tiene la marca. Entonces es lógico que una clienta llegue, compare el precio de una polera de tela sintética de $4.990 versus los $60.000 de una prenda fabricada con algodón orgánico, y termine quedándose con la más barata. Zara, Mango y también marcas deportivas como Nike y Adidas son otras que han lanzado sus líneas ecológicas, pero el fenómeno siempre es el mismo. Sus precios elevados terminan siendo una barrera para quienes, con toda buena intención, quieren tener un clóset que no perjudique al medioambiente. Entonces, ¿es todavía un privilegio tener ropa eco-friendly? La verdad es que sí. Porque no es que no existan las ganas o la disposición de pasarnos a una alternativa más amigable, no sólo con el medioambiente, sino con nosotros mismos, pero resulta

difícil si incluso la prenda más barata te saca un ojo de la cara. El tema es que al final todo es un círculo vicioso, porque no es que las tiendas suban a propósito los precios de esas prendas en específico; es que el método de producción es por supuesto, mucho más costoso. Los materiales, el proceso y la fabricación en sí, es también un gasto extra para las marcas que quieren entrar en este rubro ecológico. Como consumidora que desde

hace un tiempo tiene la intención de comprar “moda verde”, me declaro culpable, pero también culpo un poco al mercado. Al mercado que conozco obviamente, que también es en el fondo el más accesible. Por otro lado, sé que he nombrado principalmente marcas de renombre y que son comunes de encontrar en un mall, entonces creo que también ahí hay una misión de mi parte y para todos los que realmente quieran comprar eco-moda: investigar. Escribí esto un poco a modo de invitación. Desde mi entusiasmo de novata en el tema y sobre todo desde el deseo de que esto se masifique, que las ganas se contagien y que las mismas tiendas se den cuenta de eso. A ver si en un futuro, ya no es sólo un privilegio querer comprar moda verde; a ver si ayudar de a poquito a nuestro planeta no es algo de sólo unos cuantos.

Paulina Portal G. * *Editora de The Pocket

ELON MUSK

L PEQUEÑO PROGRAMADOR SUDAFRICANO Elon Musk nació un 28 de Junio de 1971 en Pretoria, Sudáfrica, en plena época del Apartheid. De pequeño se interesó por la computación y a los 12 años creó su primer juego en una Commodore, que luego vendió por 500 dólares. En ese tiempo no pensaba más que en gastarse el dinero en cómics y computadores, pero su futuro siempre iba a estar ligado al emprendimiento. A los 17 años decidió abandonar a sus padres, después de graduarse de secundaria, para ir a vivir a Estados Unidos; pero no le sería fácil. Luego del divorcio de sus padres, emigró con su madre a Canadá en junio de 1989. Ahí vivió mal empleado e incluso bordeando la pobreza, sin embargo, no fue hasta 1992 donde por fin pudo mudarse a Estados Unidos, al obtener una beca que le otorgó la Universidad de Pensilvania para estudiar administración de empresas y física. Se licenció, recibió su título y se quedó un año más para sacar un segundo título en física. Desde ese entonces Musk reconoció que quería ser parte de la historia y estar involucrado con ideas que cambiaran el mundo. ZIP2 Y PAYPAL Después de graduarse de la universidad se inscribió en Stanford para extender su conocimiento en el campo de la física; pero sólo duró dos días en las instalaciones de California. Dejó la universidad atrás y decidido fundar su propia empresa junto a su hermano Kimbal: Zip2. En esa época el crecimiento de Internet era imparable, y los hermanos Musk aprovechando esta oportunidad, crearon una plataforma para perió-

dicos, capaz de atender a clientes tan importantes como el New York Times. Gracias a la buena idea, trabajo y constancia, lograron vender Zip2 al buscador Altavista por 307 millones de dólares. Ese mismo año, Musk comenzó a trabajar en sistemas de pago a través de Internet. Creó X.com que se transformaría eventualmente en Paypal. Musk se dio cuenta que la principal forma de comunicación era el email y se había convertido en algo tan importante como tu RUT o número de teléfono. Es por eso que la idea de asociar el correo electrónico con una forma segura de transferir dinero, le permitió a Paypal convertirse en la principal plataforma de transacciones

electrónicas a través de Internet. En el 2002 eBay adquirió PayPal por un billón y medio de dólares. De esos, 180 millones eran para él. TESLA MOTORS En el 2003, se unió al proyecto fundado por Martin Eberhard y Marc Tarpenning, llamado Tesla Motors. Para ingresar tuvo que aportar US$70 millones de su fortuna, para luego contribuir con el diseño del primer auto eléctrico y completamente autónomo. El camino no fue fácil, sin embargo esta nueva aventura lo llevó a asumir el cargo de Director ejecutivo de Tesla Motors cinco años después. La historia de Tesla Motors ha sido la más ruda

Visionario contemporáneo

La genialidad es una característica asociada típicamente a logros sin precedentes, creativos y originales, algo que Elon Musk ha sabido complementar desde siempre con su exitosa carrera de emprendedor, desde la creación de Paypal hasta sus últimos logros con Tesla Motors y Space-X. Acá repasamos su historia. para un emprendedor como Musk, ya que tuvo que desembolsar toda su fortuna, incluyendo sus autos deportivos, para poder rescatar a la compañía. Pero su idea era clara y la sacó adelante hasta tener el Tesla Model 3, el modelo que salvó la empresa y que fue lanzado el 31 de Marzo de este año. Un automóvil eléctrico de $35 mil dólares que superó todas las expectativas y que consiguió que las acciones de la compañía subieran mucho su valoración. Su fortuna una vez más se volvía a abultar. SPACEX Y EL SUEÑO DEL ESPACIO Paralelo a lo que realizaba en Tes-

la, Musk fundó en 2002, SpaceX, una empresa con el objetivo de reducir los costos del transporte espacial y así facilitar la colonización del planeta Marte. La obsesión por poblar Marte lo llevó a crear Mars Oasis, un invernadero automatizado con el potencial de crear un medioambiente. Pero antes de llegar a Marte y cumplir el sueño del espacio, su primer objetivo debía cumplirse. En 2006 invirtió más de $100 millones de dólares en SpaceX, aunque no fue suficiente para cubrir los precios de lanzamiento tanto en Estados Unidos como en Rusia. Sin embargo y con aportes económicos importantes logró que el

modelo Falcon 1 entrara en órbita, lo que significó un contrato con la NASA por un billón y medio de dólares. En febrero del año pasado, el Falcon 9 logró su misión: viajar al espacio, dejar un satélite en órbita y regresar sin problemas. Sin duda para Elon Musk la palabra límite es la motivación que lo empuja a seguir creando grandes inventos. Su legado trascenderá a través de la historia, tanto por su mente visionaria como por su genialidades, que hicieron de este mundo un lugar mejor. Álvaro Véliz M.

LA FOTO DEL MES “La foto del día”, es un espacio de difusión para fotógrafos amateurs y profesionales. Una imagen diaria, que muestra el trabajo y la forma de mirar de distintas personas, con diversos estilos y motivaciones. Si quieres mostrar tus fotos escríbenos a fotodeldia@ molecula.cl. Pedimos entre 6 y 8 fotos por autor. Estas deben ser horizontales y estar dimensionadas en 800 x 600 a 72 dpi. Cada imagen debe tener título y reseña. También necesitamos una breve biografía del autor. ¡Esperamos tu material! 52

“El río que desaparece (fiordos)” Por Juan Manuel Ríos V.

Durante un viaje por Escandinavia, tuve la oportunidad de visitar algunos de los fiordos noruegos. La experiencia fue enriquecedora a nivel visual y personal. Después de eso, ya sé que el paraíso existe y tengo claro dónde quiero vivir, morir y cómo es el cielo.

“Me llamo José Manuel Ríos Valiente y vivo en Sevilla, aunque crecí en un pueblo que se llama Morón de la Frontera. Soy licenciado en Comunicación Audiovisual. Soy un apasionado del cine, la música, fan de Miyazaki y Björk, me gusta la sensibilidad de estos artistas, su forma de ver el mundo. Mis fotos se debaten entre lo digital y lo analógico y la temática es de diversa índole, pero creo que el común denominador de todas es la búsqueda del detalle. Me gusta centrar la atención en todo lo que puede pasar desapercibido en nuestro día a día, pero que puede resultar tremendamente bello, curioso o destacable. En la medida de lo posible, intento abstraerme y darle un nuevo significado, pero eso no siempre lo consigo. La idea es darle protagonismo a todo aquello que siempre está a nuestro alrededor y muchas veces ni te has dado cuenta que existía, o esas pequeñas proezas de la gente, el gesto de un desconocido, por ejemplo. Por lo general, también me gusta darle protagonismo a algún color y destacarlo del resto”. Instagram: @josemanuelerre Facebook: /josemanuelerre Twitter: @josemanuelerre

i en un tiempo fueron los zombies y los vampiros, ya era hora de que el foco se volviera hacia los demonios y las posesiones. “Outcast”, la nueva serie que viene bajo el alero de Cinemax, busca introducirnos en un mundo donde los demonios están a la orden del día y un destrozado padre debe luchar con su pasado, sus acciones y un futuro no tan provisorio que lo ubica como el único entendido en la materia. Está basada en un cómic de Robert Kirkman, el creador de “The Walking Dead”, quien además toma la batuta de productor ejecutivo en esta adaptación a la pantalla chica. Lo que ya nos anticipa que, llegue a ser un éxito o un fracaso, se mantendrá fiel a su espíritu original, buscando aterrar a sus espectadores y hacerlos reflexionar acerca de la religión, el demonio y todo eso que no podemos ver. La serie, que se estrenó el pasado 3 de junio vía FOX, cuenta con una primera temporada de diez episodios y ya tiene confirmada una segunda parte. Algo que demuestra la fe que le tiene la cadena televisiva y la proyección de la misma, tomando como factor determinante que Kirkman es el creador de una de las sagas más importantes del momento, como es “The Walking Dead”. En su génesis, la producción nos intenta mostrar la vida de

OUTCAST Experiencia s

sobrenatural

Kyle Barnes, interpretado por Patrick Fugit (“Almost Famous”) y lo que ha pasado en su historia: problemas familiares desde que es un niño, problemas con su pareja, problemas con su hija; un hombre atormentado por sus propias problemáticas y, valga la redundancia, por sus propios demonios. Porque acá, además de ser reales, esas entidades también son internas. Kyle trata de lidiar con sus demonios reales y ficticios,

mientras intenta explicarse por qué ha sido atormentado toda su vida y por qué estos entes maléficos han decidido quedarse con él desde su niñez hasta la actualidad. Algo hay en él. Algo tiene. Alguna explicación debe haber. ¿Será que es el elegido? ¿Estará destinado a seguir vagando entre estos oscuros seres? ¿Lo quieren a él? Las preguntas se irán contestando a medida que pasen los episodios, pero en el primer metraje exhibido las cosas tienden a escalar y confundirse aún más. La serie es oscura y trepidante, con un ritmo que puede dejar a varios atrás, pero que logra mantener la tensión al menos en sus primeros episodios. Se nota que la búsqueda por hacer algo que rompa un poco el molde está ahí y esto se demuestra cuando nos hacen presenciar escenas bastante fuertes y surreales, que pocas veces hemos tenido la oportunidad de ver en producciones televisivas. Quizás es el cable, quizás es la dirección, pero “Outcast” puede jactarse de que se atreve y de que quiere romper esquemas. La temática demoníaca, las imágenes perversas y una trama que, más que terrorífica, es densa y confusa, hacen que la serie se alce como un digno adversario de varias producciones que actualmente están en emisión, como “Penny Dreadful” o la casi vomitiva y simplona “Damien”. Si son de los que aman perderse en historias que ponen en jaque la religión, las creencias personales, los problemas familiares y usan todo esto para hacerte reflexionar y cuestionar cada una de tus valores principales, entonces esta es la serie que habían estado esperando. Denle tiempo, denle confianza. Los demonios están aquí y es muy probable que te atrapen.

Diego Huenchur C. 55

l cine de terror (y horror, en este caso particular) vive un momento complejo. Si bien las carteleras se llenan periódicamente de películas de este género, no es fácil encontrarse con una propuesta que busque romper el molde o dar un giro a lo que se viene haciendo desde hace ya varios años. Parecemos estar estancados en una fábrica que ya perfeccionó su engranaje y que prefiere remitirse a la matemática básica y no explorar nuevos horizontes. Directores como James Wan han sabido exprimir hasta el cansancio a la gallina de los huevos de oro, entregándonos cintas que, si bien no son nefastas, tienen formatos definidos y funcionan en base al factor boo; ese que te asusta y te hace saltar a punta de ruidos estridentes y sobresaltos casi lógicos. Una fórmula más que agotada a estas alturas. Una receta que tiene todos sus componentes

THE WITC

bien puestos y que funciona en el público masivo, pero que, lamentablemente, no nos está entregando nada novedoso. Por eso cuando en el mapa global del cine aparecen cintas rupturistas y con propuestas frescas, es necesario darles una oportunidad a toda costa. Ya pasó con la maravillosa “The Babadook” o la certera y bien ejecutada “It Follows”, cintas que si bien no llegaron al mainstream masivo, sí lograron colarse en los recuentos de mejores cintas en 2014 gracias a su coraje y su forma de llevar

el terror un paso más allá con historias originales y una ejecución que hace uso de la cinematografía de manera elegante y hermosa. Ahora, dos años después, llega a nuestro país “The Witch” (o “The VVitch”, como estilísticamente se conoce por la iniciativa de darle un énfasis más histórico) del director Robert Eggers, una cinta que viene cargada de motivos religiosos, oscuridad absoluta y un vistazo certero a cómo era la vida de los colonos que llegaron a New England en 1630. Es oscura y lleno de recovecos. Un film complejo y artísticamente poético, que busca introducirnos en la mente de familias que se encuentran lidiando con sus propias culpas religiosas y el miedo a lo desconocido, cuando una supuesta bruja es la culpable

CH Terror del pasado de desestabilizar la cotidianidad familiar al raptarse al miembro más pequeño del lugar. Si bien la película no es un trabajo que está hecho pensando en un público masivo, “The Witch” es un ejercicio cinematográfico que hace uso de grandes imágenes e intrigante música para crear una atmósfera que más que terrorífica, llega a ser perturbadora. Y esa es la gran gracia de esta producción: juega con los miedos reales y con los miedos que están arraigados en lo más profundo de nuestros corazones. Acá se pone en jaque el miedo a lo desconocido, el terror a que tu familia colapse, el horror de tener que enfrentarte a algo que no puedes evitar. Poéticamente perturbadora. Aterradoramente hermosa. Es

una muestra de que el buen cine de terror todavía puede hacerse incluso en los tiempos en que vivimos, donde requerimos que todo sea rápido y climático, donde necesitamos que todo lo que está en pantalla explote, sangre o se destruya por completo. Lo que busca Robert Eggers en esta, su primera cinta, es entregarnos un ejercicio donde la paciencia es el camino a recorrer y, al final, todo tiene su pago. Con fecha de estreno fijada para el 23 de junio en las salas chilenas, “The Witch” es la cinta de terror que deben ver, pero tengan cuidado: no está hecha para espectadores incautos. No está pensada en el público promedio que cree que se está metiendo a una sala para ver “Scream”, “The

Conjuring” o “The Ring”. Esta es una película hecha en base al miedo, pero al miedo profundo. Al miedo real. No te va a hacer gritar, pero te va a dejar perturbado por días, por semanas, quizás, por meses. Porque como dijo el propio director en una de las tantas entrevistas que ofreció mientras promocionaba la cinta: “con esta película quiero mostrar cómo eran las pesadillas que tenían los colonos en 1630”. Y lo logró. ¡Vaya que lo logró! Diego Huenchur 57

El eterno peregrinar de los fanáticos a Abbey Road

“Fucking crossing”, grita furioso un taxista que lleva varios minutos intentando pasar por el cruce peatonal que hay entre Abbey Road y Grove End Road. Son poco más de las 14 horas en un primaveral Londres y la fila para atravesar por el paso de cebra que hicieran célebre The Beatles sigue sumando fanáticos. Pese a las reparaciones que un grupo de trabajadores está haciendo en la calzada, todos quieren replicar la imagen que en 1969 se tomó el cuarteto más famoso en la historia de la música. Por eso es que varios pasan una y otra vez por la calle, mientras amigos, familiares o sus parejas, los fotografían todas las veces que sea necesario con tal de que la instantánea se parezca lo más posible a la de la portada del último álbum que grabaron a pocos metros de allí los “fab four”. La escena se produce ante la paciente mirada de la mayoría de los automovilistas, quienes parecen estar resignados a que, como en la película “El Día de la Marmota”, la historia se repita una vez tras otra. Casi todos sonríen, excepto el

taxista. Detrás de la hilera de fanáticos asoman algunos carteles en las casas aledañas, donde les piden que “por favor” no les sigan rayando las murallas. Pero los visitantes hacen caso omiso y varios dejan sus firmas y recuerdos. Como Janet, quien además de su nombre, escribió “estuvo aquí”, junto con la fecha de ese día: “13 de mayo de 2015”. Otra fan hace lo mismo, pero en el muro de Abbey Road Studios, que alguna vez fue blanco y que hoy está plagado de dedicatorias con diferentes colores. Los minutos pasan y la fila no avan-

za. Algunos bocinazos comienzan a sonar tímidamente en la calle, pero los beatlemaniacos parecen indiferentes ante ellos y siguen cruzando de allá para acá. “Todo sea por Los Beatles”, dice con una sonrisa un joven con acento argentino al que parece ser un amigo, mientras otro de los que estaba esperando atravesar la calle logra colarse al estacionamiento del estudio para tomarse una foto. Justo en ese momento, y para su mala suerte, entremedio de unos vehículos aparece un guardia (o recepcionista tal vez) quien con un inglés muy flemático y amable le

Pasan los años, pero las nuevas generaciones han tomado la posta y día a día siguen visitando el cruce que en 1969 hicieran famosos los “fab four”. La beatlemanía sigue más viva que nunca.

pide que por favor se retire de ahí. El chico obedece con resignación y regresa al puesto que ocupaba en la fila. La sensibilidad del sujeto tal vez se deba a que allí permanecen varios de los registros originales de la banda, que en ese estudio registró casi todas las canciones de su discografía. Pero ellos no son los únicos que han trabajado allí. Pink Floyd grabó “The Dark Side of the Moon” en esas instalaciones y otros músicos como Iron Maiden, Michael Jackson, Stevie Wonder, Oasis, Freddie Mercury, Radiohead, Red Hot Chili Peppers, U2 y Amy Winehouse, también hicieron. En la calle, en tanto, continúa la procesión de los fanáticos de John, Paul, George y Ringo, quienes intentan reproducir la icónica imagen. Todos parecen ajenos a la cámara de seguridad que en 2010 fue instalada en el frontis de Abbey Road Studios, para que los seguidores del grupo pudieran sacar una copia del momento exacto en que cruzaban la calle. Las imágenes sólo están disponibles por 24 horas y quienes quieran conservarlas deben ingresar

al sitio http://www.abbeyroad.com/ crossing para extraerlas. Después de eso, desaparecen. Lo que al parecer no terminará jamás es el merchandising que hay en Abbey Shop, la tienda contigua al estudio de grabación donde se pueden encontrar magnetos, vinilos, tazones, poleras y todo lo que se pueda imaginar inspirado en The Beatles. Pero también hay artículos interesantes en exhibición, como una réplica del bajo que usaba McCartney o las cajas donde permanecieron guardadas las cintas originales que a comienzos de la década de 1960 grabaron los chicos oriundos de Liverpool. Los productos, eso sí, no están en venta. De vuelta en la calle el movimiento de fanáticos continúa y parece no detenerse. Ello, hasta que de pronto se genera un espacio y varios vehículos logran pasar. Incluido el del taxista, quien antes de abandonar el lugar vuelve a gritar “fucking crossing”, desatando las risas de algunos beatlemaniacos. Por Fernando Duarte M. Desde Londres, Inglaterra

RÍTICA DE DISCOS

RADIOHEAD

“A Moon Shaped Pool” (XL Recordings, 2016) 9/10 Hay fronteras y barreras que ciertas bandas prefieren no cruzar. Hay lugares que ciertas bandas prefieren no visitar. Radiohead no es una de ellas. Thom Yorke y compañía anhelan ir en busca de lo desconocido, de mundos que son complejos y enmarañados. Por lo mismo sus discos siempre son una novedad; piezas misteriosas que no logran calzar fácilmente en nuestra cotidianidad. Por eso el quinteto es lo que es: un emblema del ejercicio y la innovación. Con “A Moon Shaped Pool”, el conjunto de Oxfordshire quiso seguir abriendo caminos, utilizando tecnología de punta, mezclándola con el pasado conocido, coqueteando intensamente con la música clásica y dándole matices

certeros de electrónica a un álbum que poco tiene de común y mucho menos de corriente. Esta placa, la novena en la carrera de Radiohead, se deja llevar por un camino algo más introspectivo y nos presenta canciones que, si bien podrían ser la banda sonora de cualquier sueño con personajes anormales, logran llevarte en un viaje tormentoso y lleno de lugares mágicos. “Daydreaming”, segundo single del disco, es un paseo a medio dormir. Es una oda a ese momento en que tu mente divaga mientras miras por la ven-

tana y todo es posible. “Decks Dark”, por su parte, es un perfecto paseo a través de paisajes melancólicos y calmados. Un paso lento que intenta llevarte a lugares seguros, pero no por eso menos complejos. Y ahí chocamos de frente con otras composiciones como “Burn The Witch”, que nos presentan un ritmo más intrépido y estrepitoso, lleno de violines trepidantes y caídas que parecen no tener fin. Lograron una vez más sumergirnos en un mar de sonidos, de orquestación, de electrónica, de constancia y de dedicación. Si hay una banda que ha sabido ser fiel a sus intereses y gustos, pero sin parecer repetitivos ni tediosos, esa es Radiohead. “A Moon Shaped Pool” es algo más que un disco: es una afirmación, un recordatorio; una muestra de que no es fácil ser original, pero vale la pena. Diego Huenchur C.

PJ HARVEY

“The Hope Six Demolition Project” (Island Records, 2016) 8/10 PJ Harvey continúa armando discos que se editan por algún motivo particular. Tienen una razón de ser. No son canciones que escribió hace mucho tiempo y ahora las está desempolvando para unirlas a nuevos temas. No son tampoco, composiciones que surgieron de un corazón roto o de la muerte de un ser querido. Lo que hizo la inglesa en 2011 con su álbum “Let England Shake”, criticando la sangre que ha corrido por culpa de su país natal a lo largo de la historia, lo replica acá con “The Hope Six Demolition Project”, su noveno álbum que fue escrito entre Afganistán, Kosovo y Washington D.C y grabado (abierto para el público) como parte de una instalación de arte en el Somerset House de Londres. El título del disco hace referencia

a un controvertido programa de vivienda estadounidense llamado “Hope VI”, que ha sido acusado de desalojar a gente de sus barrios para poder mejorarlos. La cantante recorrió algunos de los barrios que estaban bajo ese programa y de esa experiencia se nutrió para varias canciones de este trabajo, incluida la que abre el LP: “The Community Of Hope”. Musicalmente, Harvey tomó el paso lógico después del experimental y bello “Let England Shake”, creando una colección de canciones donde predominan las

guitarras, el clarinete, el saxofón y las secciones de vientos, y que es uno de sus registros más urgentes a la fecha. Se siente como un álbum de rock por varios pasajes, gracias a canciones como “The Ministry Of Defence”, la ya mencionada “The Community Of Hope” y la fabulosa “The Wheel”, con su letras centradas en el conflicto armado en Afganistán: “Hey pequeños niños, no desaparezcan/ Escuché que eran 28 mil/ Perdidos en esa rueda continua”. Un álbum que es difícil catalogar dentro de un estilo en particular, pero que tiene una identidad sonora original y exuberantemente orquestada. Un compendio de canciones cargadas de conciencia social para una artista que sigue haciendo discos que tienen algo que decir más allá de la música. Y en una época como esta, eso un triunfo innegable por donde se lo mire. Hernán Carrasco C.

GARBAGE

y rock industrial que se les colgaba desde hace muchos años. La voz de Manson está siempre por delante de la mezcla marcando presencia y guiando el paso, y se complementa de manera perfecta con las atmósferas del álbum. Es como que hubiera encontrado las palabras precisas para cada una de las once canciones que tiene este nuevo registro.

“Strange Little Birds” (Stunvolume Records, 2016) 7.5/10 En el que es su sexto álbum a la fecha, el conjunto estadounidense/escocés nos entrega un registro que fácilmente se posiciona dentro de lo mejor que han hecho en más de una década. Titulado “Strange Little Birds”, en referencia a las cartas que han recibido de sus fanáticos y también como una representación de ellos mismos, el cuarteto liderado por la carismática, Shirley Manson nos entrega un disco oscuro en letras, pero muy esperanzador y cinemático a nivel musical, y que rankea alto dentro de la discografía del grupo. Garbage le dio una vuelta de tuerca a su música y este “Strange Little Birds” es muy diferente

a lo que fue su predecesor, “Not Your Kind Of People”. Suena por momentos muy agresivo (“Empty), a veces contemplativo (“If I Lost You”) y en ocasiones como si fuera un disco de dream pop (“Night Drive Loneliness”). Es rico en texturas y brillante a nivel instrumental. Además marca un punto de inflexión en la carrera de la banda y les permite ir sacándose de a poco ese estigma del grunge

Después de más de veinte años haciendo música es muy esperanzador escuchar a una banda que no tiene nada que demostrar a esta altura, tomar riesgos y encontrar nuevos territorios sónicos para su música. Un triunfo revitalizador para Manson y compañía, y el comienzo de una nueva etapa para uno de los grupos icónicos del rock alternativo. Ignacio Cisternas

BEYONCÉ

infidelidad, aprovechando ciertos ribetes políticos (ojo con “Freedom” junto a Kendrick Lamar, pura rabia contra la violencia policial), la propuesta artística de Knowles es completa. Sin la representación visual de las canciones, probablemente la polémica habría superado a la música, pero el aporte audiovisual es enorme, y unifica la obra.

“Lemonade” (Sony Music, 2016) 8/10 No te metas con Beyoncé. No podría quedar más claro luego tras escuchar/ver el sexto álbum de la ex-Destiny’s Child: un registro poderoso, crudo y profundamente personal de una mujer de color que saca la voz por sus pares, en el marco de una supuesta infidelidad por parte de su marido Jay-Z. La decisión de Beyoncé Knowles de lanzar su trabajo de la mano de “un ambicioso registro visual”, en palabras de la cantante, corresponde a una necesidad artística de lograr representar todo lo que aparece en su mente al crear. Es así como “Lemonade” se lanzó en HBO como un collage de videoclips de cuidada factura, agrupados bajo la historia personal de una furiosa Knowles. Es así como en “Hold Up” (producido por el líder de Vampire

Weekend, Ezra Koening), Beyoncé se pasea por la calle destrozando autos y vitrinas con un bate de baseball, mientras canta una letra prestada de ese hermoso himno de los Yeah Yeah Yeahs, “Maps”: “They don’t love you like I love You”. “Lemonade” está lleno de colaboraciones interesantes. En “Don’t Hurt Yourself”, el invitado es Jack White, y hacen también su aparición The Weeknd, James Blake y Kendrick Lamar. Más allá de la polémica, los rumores y la farándula que rodean a un disco que cuenta básicamente de una historia de

Llama la atención el eclecticismo musical que alcanza la cantante en este trabajo. Pasa por el rock, el jazz, y por supuesto tiene hermosas baladas como “Sandcastles”, y de alguna manera todo suena unificado. Puede que sea la voz de Knowles, que en este disco se luce como protagonista, no tanto por el virtuosismo (indiscutible) como por la actitud, el sentimiento y la intimidad que alcanza. Beyoncé logra que le creas, que te pongas de su lado. Francisca Bastías V.

Recuerda esa motivación que te impulsó en la niñez. Ahora es cuando puedes realizar tu sueño como profesional. Postula como voluntario/a en www.americasolidaria.org

N atalia Silva dio una larga batalla antes de crear su primera novela gráfica titulada “No abuses de este libro” y publicada por Ediciones B hace sólo un par de semanas. Los demonios externos e internos la tuvieron atrapada por mucho tiempo, pero ella logró vencerlos para salir con un relato que entre ficción y realidad nos explica de manera didáctica como se produce el abuso a menores de edad y como el resto del mundo, lo minimiza a tal punto de hacerlo casi invisible y sin importancia. Ella lo sufrió y hubiese deseado que alguien la hubiera ayudado de verdad en esa época de su vida. “En mi caso nunca demandé (al abusador), escribir esta novela es mi justicia personal. El tema de la demanda en Chile es súper complejo. Por ejemplo, una vez que pasan cinco años desde que cumples 18 años no puedes demandar y si logras hacerlo puede ser un trámite de dos años donde te re-victimizan y hay una gran posibilidad que no ganes por falta de evidencia”, cuenta con resignación Silva. ¿Cuál fue el impulso final para hacer esta novela gráfica? Leí que estuviste por mucho tiempo tratando de hacerla. - Sí, en total fueron siete años de trabajo. Empezó como un diario de vida ilustrado cuando yo tenía 16 años y en un momento tuve que separarme de mi historia y transformar todo esto en una novela ficticia con un personaje que no era yo, si no me iba a demorar mucho al ser un tema tan personal. Lo que impulsó al final a publicarla fue por dos razones: una es que a mi cuando chica me hubiera gustado

natalia silva, aut

“ESCRIBIR E JUSTICI tener a alguien que me dijera que esto estaba mal. En Chile minimizamos mucho el tema y hay saber que el abuso no puede ser en ningún caso menos grave. También fue porque quiero terminar un ciclo con esta novela. No quiero ser recordada como la ilustradora abusada, tengo otras cosas planeadas para el futuro. ¿Cuán difícil es publicar un libro o en tu caso, una novela gráfica, para artistas jóvenes cómo tú? - Fue un trabajo gigante y me demoré mucho, ¡trabaje más que en toda mi vida! Pero fuera de la suerte, creo que es cosa de ser movidos. Todos los ilustradores jóvenes empezamos por

las típicas ferias de ilustración. Creo que ese es un paso que uno tiene que pasar sí o sí, pero también en un momento hay que separarse de eso y buscar otras maneras de crecer. Mi palabra favorita y que me enseñó el ilustrador Álvaro Arteaga es: rigor. Nunca parar de moverse ni de mejorar. La ilustración y la novela gráfica están creciendo cada vez mas en Chile, así que hay que seguir dándole. ¿El dibujo siempre fue lo tuyo o tenías otros intereses cuando eras más chica? - Sí, el dibujo siempre fue lo mío, me encantaba dibujar desde que tengo memoria. Pero también siempre me

tora de “no abuses de este libro”:

ESTA NOVELA ES MI IA PERSONAL” ha gustado el teatro musical y cantar. Ganó el dibujo, pero sigo cantando en un grupo de jazz. ¿Cuán autobiográfica es esta historia? Me imagino que hay cosas que no contaste y otras que tuviste que crear. - Bueno, es una pregunta difícil porque no quiero contar mucho mi historia. Pero por ejemplo, les puedo contar que hay una escena donde la personaje golpea a otra niña por querer ser Sailor Moon, esa es cien por ciento real (risas). ¿La intención era hacer un llamado de alerta contra el abuso o es algo que necesitabas sacar de tu sistema?

- Ambos dos (risas). Ojalá le abra los ojos a gente que no entiende aún o que minimiza. O a algún niño que esta siendo abusado en este momento y como los abusadores son tan manipuladores, aunque se sientan mal no van a decir nada porque “es un secreto” o incluso a un adulto que no ha hablado y que tenga el poder ahora de hablar. Esto es una realidad, somos muchos y hay que aprender. Es mi niña interna tratando de hacerles entender con peras y manzanas, a personas que minimizaron o no creyeron mi historia, que esto es real. ¿Te sientes como una bandera de lucha contra el abuso sexual?

- Nunca pensé que yo pudiera ser una bandera para el abuso, pero tengo que decir que ahora con los comentarios me he sentido un poco como la protagonista de Los Juegos del Hambre (risas.) Yo solo soy una niña que ilustra y que quiere contar su historia. Si a alguien le sirve que, alegría, pero no, no quiero ser una súper heroína para nadie porque todos tenemos que ser nuestros propios súper héroes. Al final creo que me gustaría que nos quedáramos con que no somos víctimas, somos fuertísimos, podemos superarlo. Yo soy sólo una más. Ignacio Cisternas

“Antipop”, el lado más purista de la música

Claudio Eicke, un ingeniero en sonido obsesionado con las melodías más clásicas del rock de los años setenta y ochenta, se ve enfrentado al dilema de trabajar con el “vecino de arriba”. Un músico pop que ve en las canciones el instrumento para alcanzar la fama y el dinero, que es lo que más le interesa. Claudio, oriundo de Antofagasta y con ascendencia alemana en la sangre, se resiste a la idea, pero debe ceder ante la necesidad de solventar los gastos que le implicó armar uno de los mejores estudios de grabación de la ciudad.

El escritor Patricio Jara regresa con una entretenida novela en que da cuenta de que pese a las presiones del mercado y la industria discográfica, el rock está más vivo que nunca.

Así transcurre “Antipop”, la última novela de Patricio Jara, escritor con el que conversamos para saber cómo logró armar esta historia llena de música, pero también de crítica a la industria.

- Uno nunca sabe bien de dónde vienen las historias, pero sí me interesa la música como proceso creativo y todo lo que la rodea. Escucho mucha música y de las bandas que sigo trato de estar informado. Visto así, es un poco inevitable que ciertos temas se filtren en lo que escribo. Los procesos de un libro son largos, cambiantes y generalmente, en mi caso, surgen a partir de un personaje, como este ingeniero en sonido. Cuando supe en qué consiste su trabajo pensé que era un buen material para construir algo.

- Las novelas nunca son un espejo tan exacto del autor. Todo libro es personal pero no necesariamente autobiográfico. En este caso, Claudio tiene opiniones más jóvenes y más alocadas que las mías. Aunque coincidimos en lo esencial. - El Vecino de Arriba es un músico de moda en el libro. ¿A quién te refieres en realidad? - Eso queda para el lector. Si hubiera querido referirme a alguien en particular, habría escrito una crónica o un perfil. Pero las novelas funcionan de otra manera, con otras reglas. Los

- ¿De dónde provienen esas alusiones a la Segunda Guerra Mundial, el nazismo y los antepasados alemanes? - El norte de Chile es una región de inmigrantes. Y como soy antofagastino, pude conocer a mucha gente, a muchos descendientes de inmigrantes, varios de ellos de alemanes, a los cuales a la primera, supongo que en broma, más de una vez los llamaron nazis. A ellos, desde luego, eso no les hacía gracia. Fui escolar en los 80, cuando el bullying era algo habitual y que no se cuestionaba. Había que aguantar sin llorar. La novela, creo, refleja un poco eso. Aunque más me interesaba la vida de un rubio de clase media. Un rubio por accidente y que va a la contra de lo que se supone es la vida de la gente rubia en este país.

- ¿Cómo nació la idea de hacer este retrato de la escena musical chilena?

- ¿Cuánto de Patricio Jara hay en Claudio Eicke, el protagonista de esta historia?

estéticas tengan la valoración o bien las oportunidades necesarias para desarrollarse. O bien que ciertos artistas del momento sean tan deficientes musicalmente. O incluso peor: fomes, copiones, con letras de mierda y que sólo estén allá arriba porque tienen buena prensa o buenas redes o porque los sigue un regimiento de pósers que mañana, cuando salga un nuevo estilo de baile, los abandonará. Por otro lado, a la industria le interesa seguir siendo industria. No hay muchas salidas.

- Tras leer la novela queda la sensación de que el rock es superior al pop. ¿Buscabas ese efecto? - No es buscar un efecto. Es decir la verdad, no más. personajes, al final, siempre son como Frankenstein: hechos con un poco de todo. Y no necesariamente de gente parecida. Las personas que han leído Antipop creen que se trata de X o bien de Y. Incluso de Z. Eso está bien, pues los libros son de quienes los leen. - En el texto se habla de música, pero también de la poca valoración de la labor artística por parte de la industria. ¿Siempre tuviste la idea de realizar esa crítica en el libro o nació a medida que avanzaba el proyecto? - El personaje habla de lo que conoce y lógicamente está muy apestado de que sólo algunos músicos o algunas

- Eres escritor, pero también periodista. ¿Cuál es tu opinión sobre el periodismo especializado en música en Chile? - Nunca es suficiente. En los medios masivos hay algunos espacios y gente capaz de comentar un disco de manera legible o bien de tratar temas relacionados con la música de modo articulado. Son pocos, pero hay. Aunque lo que pasa en el underground es más atractivo. Tiene muchas capas a diferente profundidad. Allí está lo interesante y no sé si están esperando salir a flote algún día. Por Javier Muñoz

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