Cuerpos presentes by SANDRA REVUELTO

Cuerpos presentes

Memoria TFG (Trabajo de Fin de Grado) Titulo: Cuerpos presentes Autora: Sandra Revuelto Sรกnchez Promociรณn 2008-2013 Tutorizaciรณn Chelo Matesanz Coordinaciรณn: Juan Fernando de Laiglesia, Ignacio Perez- Jofre Curso 2012-13 Facultad de Bellas Artes de Pontevedra Universidad de Vigo Impresiรณn: Copy Gama 4

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Introducción

El cuerpo

Metodología

Procesos de trabajo

Referentes Dossier

Sobre la puesta en escena 76

Índice 7

Mi cuerpo desnudo está aquí y no en otra parte pasa y verás que hay tras el esmalte de dientes. Miriam Reyes

Introducción

La teoría del caos describe el sistema dinámico caótico como un patrón que está ligado a los movimientos de los atractores extraños. Me recuerda a una historia de amor entre personajes peculiares e independientes, de estas en las que solo la distancia y los breves encuentros sexuales pueden definirla. Mi modo de trabajar se rige por el caos, pero no es tan romántico. A lo largo de este recorrido y si hago “memoria” encuentro mi relación con el material, bastante litigante, incluso he roto muchas cosas, a veces no sabía si algo era una pieza o era basura. Por momentos era desesperante. Debo decir que cuando me encontraba en el espacio trabajando me sentía afortunada de no compartirlo con más personas debido a que la proliferación del trabajo resultaba abrumadora. Era así hasta el punto en el que mi percepción de amplitud del espacio cambiaba en base a mi estado anímico. A veces me resultaba un espacio pequeño en el que yo era muy grande y torpe y me entraba una necesidad imperiosa de lim-

piarlo y tirar todo. Otras veces lo concebía como un espacio muy ameno donde encontraba silencio para pensar y encontrarme conmigo misma y mis obras. Debo agradecer a todas aquellas personas que se pasaban por el espacio a darme una opinión, ánimo o simplemente se pasaba a saludar. Tenía la sensación de que al ver el panorama esas personas me reconocían de una forma bastante profunda y empática. Más verdadera por el simple hecho de verme trabajar. El espacio de trabajo parecía estar contaminado por algo mío. Y esa percepción de los visitantes me ayudaba a entender que algo de lo que hacía estaba bien encaminado y tenía coherencia. Parecía que me conocían más que yo misma. El discurso no se ha unificado hasta que las piezas no se han ido completando a lo largo del tiempo, y el hecho de preocuparme por ordenar las ideas en esta memoria ha resultado tranquilizador, ya que en el proceso de trabajo todo resultaba tan intuitivo que no estaba segura de ser capaz de poder agarrarme a algo estable. Pero soy reflexiva, y cuando el tema del proyecto se va cerrando y se concreta parece que se dispara y se engorda. Esta memoria aparte de ser explicativa, ejerce por un lado esa función conclusiva y por otro de apertura de nuevas lecturas e ideas. Quiero agradecer también el apoyo de mi tutora Chelo Matesanz. Ha respetado mucho mi modo de trabajar y me ha ayudado tanto a que lo asimile y lo corrija como a que yo misma lo respete. Pero sobre todo agradezco su sentido del humor, lo considero una virtud y me ha hecho sentir muy cómoda. Mi trabajo es un cuerpo vacio, vaciado por medio de la catarsis buscada. Mi trabajo ha sido un periodo en el que la catarsis me ha encontrado a mí. Un periodo tremendamente caótico. 9

En grandes rasgos un cuerpo humano se compone de una cabeza, un tronco y las extremidades.

El cuerpo

Me gusta imaginar en mi trabajo, de una forma entre freudiana y platónica, que el ego se sitúa en las extremidades y en los sentidos ya que con ello te mueves e interactúas con el mundo. El superyó podría relacionarse con la cabeza ya que es la zona con la que se construyen los discursos complicados que hacen del cuerpo algo humano que pretende separarse de lo natural a través de la razón. Lo instintivo siempre se relaciona con el vientre, por lo que el tronco envuelve el ello. Mi forma de trabajar funciona desde fuera a dentro, desde la superficie estimular la piel, traspasar la carne, remover las vísceras, y tentar la estructura ósea. Realmente busco una raíz en mi trabajo. Una clave, accionar el botón que hace funcionar todo un principio. Algo a lo que agarrarme. Es un camino que he ido forjando con lo aprendido en el trabajo. Encontrar la catarsis por medio de la práctica artística al más puro estilo chamánico. Leyendo las reflexiones sobre el cuerpo de Ortega y Gasset comprendí la importancia de lo interno y lo externo. Las imágenes en las que el cuerpo es abierto generan mucho impacto debido a que esta intrínseco en el pensamiento el hecho de que todo aquello que está recubierto por la piel es completamente “sagrado”, es parte del funcionamiento vital, una ley inquebrantable. Muchas figuras de las historias de terror son protagonizadas por cuerpos profanados así como monstruos, enfermedades (que están muy de moda) o por profanadores de cuerpos, ya sean asesinos o brujos. La historia del doctor Frankestein o las de vampiros por ejemplo, se combina magistralmente ambos roles. El terror se denomina siempre por tratar el tema de la conexión entre la vida y la muerte. Lo desconocido por la ciencia, la magia, el miedo. El profanador de cuerpos 11

es un papel equiparable a muchos otros en la historia desde el mesías al artista “mediador” del que habla Duchamp en su manifiesto. El taxidermista hoy día pone el cuerpo inerte en una peana perfectamente situado para ser contemplado o estudiado. A veces cuando trabajo juego a ser médico, el doctor Frankestein. Es un trabajo que tiene que ver con mi modo de querer entender e intervenir sobre la representación del cuerpo. La temática que desarrollo siempre en mis trabajos se repite en algunos de estos aspectos. Siempre establezco un interés sobre representar un cuerpo y ejercer un acción sobre ellos que los caracterice, quiero que en la obra final se intuya el proceso de trabajo y pretendo hacer visible cada intervención. Por eso me interesan todos los aspectos que tengan relación con las marcas, heridas, las arrugas y el paso del tiempo. Cuando vemos a un niño desnudo no sentimos nada del todo especial porque su vida no ha conformado el cuerpo, aún no ha crecido. Pero el adulto mostrará en sus formas un periodo de crecimiento y una serie de marcas que reflejaran ciertos aspectos de su vida que no sabríamos del todo acertar pero que se perciben. Gasset dice que un cuerpo maduro es más desnudo que el desnudo del niño. Los cuerpos que genero en mi trabajo muestran ese tipo de dureza que expresan los cuerpos atrofiados, los monstruos, los cuerpos profanados, aunque realmente no busco un resultado u otro. Busco un método. Cuando me propongo considerar el soporte como una metáfora de la piel no estoy proyectando un resultado, sino una pregunta. Me encuentro con una superficie sobre la que trabajar e imagino que tengo que llegar hasta el fondo de ella para encontrar el cuerpo. El resultado es la sucesión de las acciones que realizo para representar el cuerpo, acciones que son simbólicas y prácticas al mismo tiempo; arrugar la piel que es papel, cocer una carne, construir un esqueleto, moldear una silueta trazar un corte… Los orificios son las vías que conectan lo de dentro y lo de fuera del cuerpo, por eso esos ojos vacíos esas bocas huecas esas vaginas que desgarradas, son intervenciones intencionadas y pretenden estimular el cuerpo. 12

Para Miguel Ángel fue crucial conocer el cuerpo por dentro para producir el Moisés. Yo simplemente hago alusión a la importancia del interior. Siempre influida por aquellos románticos que pretendían expresar sus sentimientos, por los contemporáneos que sobreponen la raíz conceptual sobre las obras. Los cuerpos finalmente son residuos de la búsqueda de su propia producción. Son cuerpos que representan lo que no son. Lo humano. No son humanos completos y por eso, el espectador sugestionado por la empatía es conmovido. Son mentiras. Aún así están desvinculados de una historia, por lo que tampoco son personajes. No quería que fuesen retrato, buscaba que fuesen ellos mismos. Pero no son nada. -Pero, ¿cómo puede sustentarse algo por negarlo? -Es la ley de vida, señora mía. El cuerpo vive porque se desintegra, sin desintegrarse del todo. Si no se desintegrase segundo a segundo sería un mineral. El Alma vive porque es tentada constantemente aunque se resista. Todo vive porque se opone a algo. Pero si yo no existiera, nada existiría. Porque no habría nada a lo que oponerse, como la palomade mi discípulo, Kant, que, al volar en el aire leve, pensaba que podría volar mejor en el vacío.

La hora del Diablo. Pessoa

Cuando trabajo en el taller considero muy importante el dialogo entre las piezas. No suelo empezar una pieza y terminarla en una o dos sesiones de trabajo. Existen unos tiempos de pausa en los que voy trabajando en otras propuestas. Esto me ayuda a concretar y resolver las dudas del trabajo de unas piezas construyendo otras. Es fundamental el refuerzo que supone desarrollar las mismas ideas desde los diferentes puntos de vista que en el proceso se van planteando en una y otra propuesta. Proyecto las ideas sobre el material de forma intuitiva y el propio proceso de construir diferentes piezas me hace desarrollar las ideas y conformar un discurso.

Metodologia

Con respecto a la técnica, mi mayor interés está en la pintura y todo lo que tiene que ver con la representación de imágenes. Incluso cuando hago fotografías o dibujo actúo como si estuviese pintando. Me interesa como oficio y una de las principales preocupaciones en mi método es la acción física que implica pintar, suelo sostener un enquistado debate entre la representación y la acción. Considero imprescindible el dialogo del cuerpo con el soporte y la acción de pintar.

Por todo esto entiendo la pintura como una experimentación constante y mi modo de pensar y llegar a conclusiones funciona trabajando. La imagen pictórica se construye a través de capas y aplicaciones de pintura. En cada fase suele existir una serie de acciones que suelen negarse en sí: dibujo, desdibujo, o sombreado de fuertes volúmenes y veladuras que suavizan el contraste, en definitiva; construcción y destrucción de la representación. Por otro lado cada pintura como si de objetos, muebles o cachivaches se tratase cambian constantemente de sitio en el taller; las resitúo, las tumbo, las golpeo, las contemplo, las comparo con el resto, a veces se rompen, 14

las rehago, las deshecho, las rescato, las araño, las acaricio… El contacto físico con la superficie es ahora mismo más importante que la fría observación de la imagen que espera ser representada desde la distancia. Esta forma de trabajar modula el material hasta generar y caracterizar los cuerpos deformes y monstruosos de estilo expresionista que protagonizan la obra.

El cambio de soportes, técnica y materiales son el punto de inflexión a la hora de establecer nuevas vías y propuestas de trabajo. Suelo escogerlos al empezar una pieza en base a los problemas y sugerencias que plantean piezas todavía inacabadas. Por ello suelo usar materiales de mi entorno, accesibles, baratos o de desecho. Así uso tanto telas de lienzo y papeles limpios como papeles y ropa reciclada. Generalmente suelo mirar alrededor buscando elementos que me rodean que se puedan convertir en otras cosas a través de la “magia” que solo la transformación artística puede generar.

Mira mis cuadros através de mis párpados. Sueña que estás dormido. Baila la parálisis Y salta llevando el suelo contigo. 15, 10, (2012) (Los fragmentos extraídos de mi diario de mi diario serán indicados con el dia y el mes de l año 2013)

Referentes

Son muchos artistas los que hablan del cuerpo y muchos aportan puntos de vista muy interesantes para mi investigación. Con respecto a las formas de entender el cuerpo me llaman expecialmente la atención algunas artistas que proyectan las reflexiones sobre su propio cuerpo en las obras, las performances de Ana Medieta o YoKo Ono, los poemas de Miriam Reyes, y los trajes de Jana Sterback o Ester Ferrer. A la hora de elegir los materiales me fascina la poética de Eva Hesse y cómo relaciona metafóricamente el material con el cuerpo. Una de mis mayores motivaciones es entender la producción artística como algo cercano y paralelo con lo auto biográfico, por lo que la obra de Elke Kristufek me interesa en base a como introduce los elementos referentes a su intimidad. Tambien como eso se vé reflejado en sus textos, alusiones a su vagina o las fotografías de desnudo. Pero Louise Bourgeois es mi referente más claro, ya que sus escritos Construcción del padre. Destrucción del padre. me ofrecen las claves para mantener la cordura usando la práctica artística de forma paliativa. “El arte es una huida, no un destino.” “Mi infancia no ha perdido nunca su magia, ni su misterio, ni su dimensión dramática. Todos mis trabajos de los últimos 50 años tienen su origen en mi niñez.“ Louise Bourgeois

Cuando ella habla de sus fantasías en sus escritos yo quería construir las mías propias: Mi abuela se sienta sobre mi cabeza y me asfixia. Mi barriga que tras comer se abre hasta formar una boca vaginosay desdentada a la altura de ombligo, y vomita, y llora, y se ríe descontrolada. Mis amantes envejecen hasta morir en el coito. Mis brazos son extensiones de mi visión y del gusto… “De niña, me daba mucho miedo cuando en la mesa del comedor mi padre no dejaba de alardear, se jactaba una y otra vez de sus logros. Y cuanto más grande pretendía volver su figura, más insignificantes nos sentíamos sus hijos. Mi fantasía era: lo agarrábamos con mis hermanos, lo poníamos sobre la mesa, lo troceábamos y lo devorábamos...” Louise Bourgeois

Considero muy importante en mi trabajo el punto de inflexión donde el soporte de la pintura pierde la rigidez de ser un lienzo a usar telas desvinculadas del bastidor, el papel arrugado, el barro y el pan en mis muñecos. El hecho de concebir la pintura como un acto simbólico de elaboración en el que la “construcción-destrucción” conforma las piezas y definen su estética. Existen una serie de fragmentos del texto de Octavio Paz Apariencia desnuda. La obra de Marcel Duchamp. que describen muy bien en algunos puntos como comprendí esta fase de mi trabajo. “Porque, en suma, su gesto no es tanto una operación artística como un juego filosófico o, más bien, dialectico: es una negación que por el humor se vuelve afirmación.” “El Desnudo bajando las escaleras es un antimecanismo (se refiere a las máquinas que le gustan a Duchamp en contraposición de las máquinas útiles, mecanismos de un funcionamiento insólito, de funcionamiento imprevisible que su utilidad es un sinsentido y que son una crítica a sí mismas). La primera es que no sabemos si quiera si se trata de un desnudo. Encerrado en un corsé o malla metálica, es invisible. (…) Pesimismo y humor: un mito femenino, la mujer desnuda, convertido en un aparato más bien amenazante y fúnebre. Mencionaré por último algo que ya estaba presente en obras anteriores: la violencia racional mucho más despiadada que la violencia física en que se complace Picasso. En la obra de Duchamp dice Robert Level ”el desnudo representa el papel del mismo cuerpo desollado de los libros de anatomía: es un objeto de investigación interna” Subrayo que la palabra interna ha de entenderse en dos sentidos: reflexión de la parte interna de un objeto y reflexión interior, autoanálisis.El objeto es una metáfora, una representación de Duchamp. Su meditación con el objeto es una representación de sí mismo. En cierto modo cada uno de sus cuadros es un autorretrato simbólico. De ahí la pluralidad de significados y de puntos de vista de una obra como el desnudo: creación plástica pura, y meditación sobre la pintura y el movimiento; culminación de la crítica del cubismo; principio de otra pintura y fin de la carrera pictórica de Duchamp; mito de la mujer desnuda y destrucción de ese mito; máquina e ironía, símbolo y autobiografía.”

En este último fragmento de texto la reflexión sobre como la representación del desnudo femenino adquiere una nueva dimensión en contra del mito que envuelve el tema en otras épocas es muy interesante. Sobre todo la descripción de cómo ese cuerpo es desmenuzado en la pintura fruto del estudio del movimiento. La afirmación de Robert Level es muy reveladora. “El erotismo vive en las fronteras de lo sagrado y lo maldito.” Para mí es importante el hecho de que el cuerpo aparezca desnudo ya que el hecho de vestirlo sería comenzar otros caminos de reflexión sobre los que no voy a trabajar de momento. Pero esta vez el hecho de que sean masculinos o femeninos es una cuestión de auto análisis, por lo que a veces acabo por inclinarme a lo femenino. Se trata de un cuerpo representado que, sin ser realmente un autorretrato, al final es una reflexión desde dentro de mí misma.

Proceso y evoluci贸n del trabajo

Quería trabajar con el cuerpo y pintarlo tal y como lo comprendía, incluso quería llegar a comprenderlo mejor y de una forma diferente a través del estudio en el desarrollo de la pintura. Aún hoy quiero eso. Quería principalmente pintar, eso hago desde los once años, por lo que preparé al principio del cuatrimestre un montón de lienzos. Creía que no tendría ningún problema en pintar si tenía un referente fotográfico. Me equivocaba, y pronto cambié de opinión. No me convencían las fotografías que tomaba y me parecía aburrido pintar lo que veía en ellas sin más. “Tampoco me apetece pintar a los modelos, siento que no tengo afinidad con ellos, posan para todo el mundo por igual, como si dos personas pudiesen querer lo mismo, y son poses relajadas, neutras… resultan lejanas a mis ideas e intenciones y por eso acabo por detestar trabajar con ellos. Por otro lado me gusta mucho trabajar con el cuerpo de mi novio, como es de esperar, y siempre que creo que no le va a molestar le pido que pose. Las pocas veces que está de humor lo pasamos bien, el chico opina que hubiese sido un buen bailarín y está orgulloso de su cuerpo. La percepción de mi propio cuerpo no va por ese camino. Siento

bastante inseguridad, siento mi cuerpo como un ente voluble que al mismo tiempo identifico como “yo”, pero que al mismo tiempo desconozco.”

23, 01

De fuera a dentro El profundo letargo creativo me abruma, debido a la multitud de posibilidades.

13, 02 Comencé a trabajar en folios A4 bocetos de dibujos. Con ello me siento libre para hacer cualquier cosa, dibujar lo primero que se me ocurre y trabajar rápido, lo que me viene muy bien para hacer ideas. Abocetar antiguamente servía para estudiar las formas que se iban a construir en la obra definitiva. Para mí un boceto es una experimentación en la que busco un efecto o una vía para comenzar un trabajo más grande y en otro material. Dibujaba cuerpos absurdos de línea surrealista y tétrica. Me dejé llevar. Acabé por arrugar los dibujos para romper la rigidez de la pintura acrílica sobre el papel en busca de los efectos resultantes. Las temáticas de los cuerpos de los dibujos eran más interesantes que todo lo encontrado anteriormente, y el dibujo arrugado tenía una fuerza de expresión muy potente. 25

Son un manequín E vomo prubar todo ¿Onde está la tenda Das mulleres xigantas, Das mulleres con barba? Quero velas todas, Imaxinarlas as miñas irmás Nunha marabilla múltiple Para logo serntirme asoballada Ante o pensamento De que o único que queren Que nos una esta no maís, no más Fondo da saia Unha tarxeta de crédito E unha ansi angustiosa De ter, ter, ter, ter Todo o que a moda manda. María Reimondez

No dejé por ello de jugar con las fotografías me centraba en los retratos; probé a hacer algunos collages y a intervenirlas, me daba cuenta de que las deformaciones de los rostros me interesaban porque las personas retratadas dejaban de ser aquellas personas pasa convertirse en otros personajes, nuevos rostros. Generé con todo esto una serie de fotografías que titulé Fogaje, son fotografías realizadas con técnica analógica que en un principio representaban unos rostros envueltos en plástico. Quería reforzar la sensación de ahogo ejerciendo sobre el objeto fotográfico una acción física y plástica. Por lo que envolví las fotografías en plástico, luego las agujereé en la zona de la boca del retrato. Repetí sobre la misma foto el acto varias veces impulsivamente hasta que el retrato fue desapareciendo poco a poco. El resultado es una imagen cuasi abstracta. (Ver en el Dossier la serie de retratos Estéril.) 27

Volviendo al tema de la pintura, se me ocurrió ejercer también algún tipo de acción física sobre el cuadro como hice con las fotografías. Esta pieza se llama Otra Lara, es la representación de un cuerpo femenino en pintura acrílica sobre tela. En ella se observa un corte que recorre el contorno de la figura cosida sobre el fondo no pintado (aunque algo manchado por salpicaduras de pintura). En un principio mi intención era la de representar un cuerpo a través de la pintura, pero no quería que fuese un retrato, quería generar la imagen de un cuerpo con propia presencia. Por esto acabé por comprender que nece28 sitaba experimentar otras técnicas combinadas para alcanzar los grados de

expresión a los que aspiraba. El procedimiento consistió en dibujar sobre un lienzo de 170 x 80 cm la silueta de una compañera, Lara, para recortarla, intervenirla con la pintura y posteriormente volverla coser sobre el lienzo. Con este procedimiento la tela adquiría una dimensión más figurativa pasando a formar parte de la idea de piel. Por último, arranqué dicha tela del bastidor para reforzar así la desvinculación de su papel como soporte-lienzo. 29

Aprovechando el mismo bastidor y formato de la pieza Otra Lara, construí un lienzo con una cortina. Decidí probar a hacer otra representación de otro cuerpo femenino pero esta vez tomando como referente uno de mis bocetos. Se trata de un cuerpo si cabeza plantado frontalmente de pie, delgaducho de brazos con los que se agarra una amplia y exagerada barriga en la que se abre un agujero en forma de boca o de vagina horizontal. Reproduje el boceto sobre la cortina a tamaño de mi propio cuerpo. Y se me ocurrió que esa barriga debía ser agujereada realmente en la tela por lo que la rajé recortando una generosa sonrisa desdentada. Fue un acto muy potente, me dejó estupefacta. En este caso, gracias a ese acto de agresión, el objeto es sexuado y la tela vuelve a convertirse en piel. Lo titulo La barriga satisfecha. El hecho de trabajar sobre papel hacía sentirme muy cómoda, y como los bocetos tenían mucha fuerza expresiva y el papel aportaba mucha maleabilidad para explayarme decidí ampliar el formato y trabajar los mismos temas sobre ellos. Establecí unas fotografías de retratos como referentes, y las pinté

sobre pliegos de papel de 100 x 70 cm. Luego las arrugué, la pintura acrílica endurece los pliegues. Pretendía deformarlas y de nuevo generar unos rostros que se alejasen de los modelos fotográficos. Contemplé como los papeles dejaban de nuevo de ser un soporte para convertirse en tez. (Este proceso fue paralelo a la elaboración de las telas Otra Lara y La barriga satisfecha.) Apliqué un acabado de pintura al óleo para darles un brillo aceitoso. Retorcí el papel hasta delimitar los límites de la cabeza, los rasgos se reconstruían conforme se deformaba. Me parecían máscaras por lo que les arranqué los ojos o la boca para reforzar la idea de cuerpo vacio. En esta serie sin título, me centro mucho en la representación de cabezas, por lo que decidir realizar una técnica parecida representando un cuerpo. Por lo que escogí un autorretrato desnudo. Procedí a de nuevo con la pintura y a retorcer el papel. Al retorcer el cuerpo se convirtió en uno enano y atrofiado. Eso me abría otra vía de trabajo y pensé en trabajarlo sobre una serie de fotografías autorretrato. En este caso el resultado me parecían cuerpos blandos, decadentes y me sorprendían sus formas tanto como una falsa sensación de peso que proyecta bastante contradictoria con respecto a la levedad del papel que las conforma. 31

Otra vía de trabajo sobre la que trabajo los mismos temas a pesar de que el procedimiento es muy dispar del resto es el tema de pequeños cuerpecitos, muñecos. Me interesaba el hecho de trabajar muñecos de trapo y había probado con anterioridad a hacer alguno. Pero para este trabajo consideré que debía de haber referencias corporales más directas en el proceso de construcción. Por lo que pensé en hacer a partir de huesos de pollo y de cerdo algunos esqueletos. Me resultaba interesante construir cuerpo a partir de los desechos de la comida habitual de los humanos. Se me pasaba por la cabeza el manifiesto antropófago de Oswald de Andrade, por lo que me vi bastante motivada a seguir el tema. Elegí el barro como medio para construir la carne, pero no quise conformar un bulto completo y recio como cuerpo, decidí que dejaría al descubierto partes del hueso les hice piernas y barrigas, y cabezas, pero eran esqueletos muy extraños y desproporcionados por lo que la estructura ósea no encajaba en la piel, como si esta no fuese de su talla. El barro y los huesos no se llevaban bien, todo se rompía y se destrozaba por momentos cuando el barro secaba. Mirando artistas conocí los muñecos de pan de Franches Torres. El pan es un alimento que se genera artesanalmente, y antiguamente para hacer crecer la masa había que cultivar las bacterias de la levadura. La pasta que constituye el cultivo se llama masa madre. El juego de generar una carne de alimento cuyo engorde es cultivado sobre los restos de desperdicios de la carne animal de la que me alimento completaba muy bien todas la ideas que estaban el aire en todas las piezas realizadas. No es en absoluto una conclusión del trabajo (creo que con mi modo de actuar nunca podría dejar de trabajar, está inherente a mi existencia), pero si que creo que es una buena forma de cerrar el discurso de esta propuesta de trabajo de fin de grado.

Dossier 37

Alguna parte de mi cuerpo Segrega mocos cuando estoy triste. Flemas, gelatina, bilis… No hay lágrima, solo moco. Cuatro días en mi cama y no sé porque mi cuerpo interpreta como un constipado el llanto sigo esperando el beso de Mamá… 05, 01

Sonrisa vacia 2013 Técnica mixta sobre retal de cortina 1,80 x 70 cm

Sonrisa hambrienta 2013 Pieza textil; Tela de lino y retales reciclados.

Serie sin tĂtulo 2013 TĂŠcnica mixta sobre papel Formato 100 x 70

El tiempo pasa Pero mi cuerpo no lo atiende No sabe de relojes No sabe de años. Mi cuerpo envejece en base a la temperatura Al movimiento También se rejuvenece. Bebe de colores y atmósferas. Así establece su ritmo. Se endurece y se ablanda Dependiendo de la luz Y del contacto. Se contrae y se dilata Dependiendo de sabores Olores, palabras. Dependiendo de encuentros. Nace y muere este poema.

07, 02

Serie Cuerpos bodegón 2013 Pan horneado sobre restos de huesos de pollo y cerdo.

¿En dónde tiene su raizeste dolor, Debo dejar de pensaro de sentir? Donde me duele Rápido, diganme Qué debo amputar. Miriam Reyes

Serie Atrofia 2013 FotografĂa digital

Dibujos de estudio Serie A prueba de ser TĂŠcnica mixta sobre papel formato A4

Serie de retratos Estril Fotograf铆a anal贸gica emplastificada con film tranparecete, 102x152 mm.

Serie ConstreĂąidas. FotografĂa digital impresa y manipulada. 8,9 x 12,7 cm 2013

Aún lo entiendo nada ¿si he seguir el camino, Porqué no tengo piernas? ¿Por qué el veneno no mata? ¿Por qué mi cuerpo se retuerce Y goza de su amplitud de su amplitud Cuando me pide agritos saltar al vacío. Si saltase… ¿Me arrepentiría una fracción de segundo antes de besar el asfalto? O me sentiría por una vez satisfecha… 12, 03 75

Sobre la puesta en escena. En el montaje fue una fase dura puesto que las piezas al formar parte de un estudio costaba desvincularlas del taller, por lo que las he colocado intentando aislarlas del resto para que no generen relaciones a mayores de las que se pretedern tratar. PretendĂa generar un espacio limpio donde respiraran y se mostrasen sin mucho obstaculo visual. Abandonarlas a la contemplaciĂłn al mismo tiempo que impregnen el espacio de con sus mĂşltiples presencias.

Montaje de la instalaci贸n de la piezas

Cuierpos presentes D铆a de la defensa del trabajo de fin de grado 30/04/2013