WE ARE THE REMIX

SVENSKA Rรถda Sten Konsthall 10.6 - 20.8 2017 #WEARETHEREMIX

WE ARE THE REMIX. Installation: MUSEEA. Foto: Hendrik Zeitler

Nastivicious – ACTS, 2012. Stillbild ur video

WE ARE THE REMIX Halil Altindere (TR) Korakrit Arunanondchai (TH) Jeremy Deller & Cecilia Bengolea (UK/AR) Carsten Höller & Måns Månsson (BE/SE) Vincent Moon & Priscilla Telmon (FR) Nastivicious (AO/ES) Rachel Maclean (UK) Anne de Vries (NL) Installation: MUSEEA / Sofia Hedman & Serge Martynov (SE/UK) Röda Sten Konsthall, 10 juni - 20 augusti 2017 #WEARETHEREMIX

WE ARE THE REMIX är en videoutställning som hyllar en mångfald av identiteter i världen och hur de framställs i samspelet mellan rörlig bild och musik.

Utställningen presenterar åtta uttrycksfulla och intensiva filmer skapade av några av vår tids mest framstående konstnärer. Verken förenar olika genrer som musikvideo, dokumentär, animation och sagor. Alla verk utgår från musiken men upplevelsen fördjupas och breddas genom mötet med den rörliga bilden.

WE ARE THE REMIX tar med oss på en fantasifull, vacker och känsloladdad resa där vi får följa historier från hela världen. Till exempel träffar vi en grupp rappande, jeansklädda ungdomar i Bangkok, sveps med i en improviserad danstävling på Jamaica, tar del av ritualer i Brasiliens regnskogar och hypnotiseras av den spektakulära ljusshowen under elektronisk konsert. Genom att blanda historier baserade på verklighet och politik med futuristiska framtidsscenarier, kommersiell popkultur och spirituella ritualer skapar verken en universell berättelse om musikens enande kraft.

För utställningen har den Barcelonabaserade konstnärs- och designduon MUSEEA – som består av Sofia Hedman och Serge Martynov – förändrat Röda Sten Konsthalls stora utställningsrum Katedralen. Rummet är fyllt av färger och olika material som breder ut sig och skapar en inbjudande arkitektonisk miljö. En plats som lämpar sig för sociala möten och häng. På en stor skärm mitt i rummet visas fem av verken i en loop. Övriga verk visas i separata paviljonger och på husets tredje våning.

Som besökare är du välkommen att utforska miljön, gå upp på balkongerna, se ut över Göta älv, besöka kiosken och luta dig tillbaka för att ta del av filmerna.

- Aukje Lepoutre Ravn, intendent Röda Sten Konsthall

HALIL ALTINDERE Homeland, 2016 Sedan mitten av 1990-talet har Halil Altindere kommit att bli en av Turkiets mest lovande samtidskonstnärer. Han är del av en generation konstnärer som arbetar i opposition mot landets allt mer nationalistiska utveckling. Han blandar allt från video, skulptur och fotografi till installation och performance. I sitt konstnärssskap manar han till motstånd mot Turkiets allt snävare politiska, sociala och kulturella normer.

I Halil Altinderes senaste verk Homeland rappar den syriska artisten Mohammad Abu Hajar om de prövningar som möter flyktingar i deras försök att ta sig till Europa. Verket har filmats som en musikvideo och blandar realism och fantasi. En grupp flyktingar försöker korsa en gräns i ett område fyllt av landminor.

Med parkourliknande rörelser tar de sig över stängsel och studsar över taggtråd som om de vore aktörer i en superhjältefilm. Videon går sedan vidare genom underjordiska vattenvägar i Istanbul till absurt lyxiga yoga-retreats. Resan avslutas på Berlins nedlagda flygplats, Tempelhof, som nu omvandlats till flyktingläger.

Handlingen i Homeland utgår från den politiska situation som uppkom efter vågen av protester för demokratiska reformer, den så kallade Arabiska våren. Altindere visar att flyktingkrisen kan framställas utan vanliga klichéer och stereotyper. Istället lyfter han fram folkets gemensamma kraft och vilja till förändring.

Halil Altindere – Homeland, 2016. Stillbilder ur video

HALIL ALTINDERE (f. 1971, Mardin, Turkiet) är en multimediakonstnär baserad i Istanbul, Turkiet. Hans arbete har visats i separatutställningar på bland annat n.b.k., Berlin, DE (2016); MoMA PS1, New York, USA (2015) och Kunstpalais Erlangen, DE (2015). Altindere har dessutom deltagit i den 9:e Berlin Biennale (2016); 31:a Bienal de Sao Paulo (2014); 13:e Istanbul Biennial (2013); Documenta 12, Kasel (2012), liksom på Manifesta 10 och Gwangju, Sharjah, Kiev och Cetinje Biennialerna. Sedan mitten av 90-talet har Altinderes verk ställts ut på museum som; Maxxi, Rom, IT; Centre Pompidou, Paris, FR; ZKM, Karlsruhe, DE; MAK, Wien, AU; The Moscow Museum of Modern Art, Moskva, RU; MaMbo, Bologna, IT; Istanbul Modern, Istanbul, TR; CCBB Rio de Janeiro, BR; Petach Tikva Museum of Art, Petach, Tikva, IL och ACC, Gwangju, CN med fler.

Homeland, 2016 HD video, color, sound, 10.06 min Vocals and lyrics by Mohammad Abu Hajar Music by Nguzunguzu Commissioned by Berlin Biennale for

Contemporary Art with the support of SAHA Association Courtesy of the artist and Pilot Gallery, Istanbul

Halil Altindere – Homeland, 2016. Installationsvy. Foto: Hendrik Zeitler

JEREMY DELLER & CECILIA BENGOLEA Bom Bom’s Dream, 2016 Jeremy Deller är en brittisk konceptkonstnär. Han är känd för att skapa verk i nära samarbete med andra och beskrivs ofta som en ”upphovsman av social intervention”. Dellers praktik är mångsidig och dokumenteras genom installationer, video och publikationer.

Musik och ljud spelar en viktig roll i hans konst och driven av sitt musikintresse har han gjort flera dokumentärfilmer om band, konsertkultur och brittiska traditioner.

Bom Bom’s Dream är Dellers senaste videoverk och är skapat tillsammans med den argentinska performancekonstnären Cecilia Bengolea. Den innehåller originalmusik gjord av Deller själv. I historien följer vi en japansk dansare som går under artistnamnet Bom Bom. Hon är känd för sina gymnastiska, farsartade dansrörelser och sitt gula, lockiga hår. Nio månader om året bor hon i Japan och illustrerar barnböcker. Resten av året är hon på Jamaica där hon improviserar och dansar till intensiv reggae i dancehalltävlingar.

Jeremy Deller & Cecilia Bengolea – Bom Bom's Dream, 2016. Installationsvy. Foto: Hendrik Zeitler

En övernaturlig kameleont berättar humoristiskt om Bom Boms resa som tar oss genom ett surrealistiskt landskap av moln, lekplatser och djungler. Den avslutas utomhus i en verklig danstävling.

Liksom många av Dellers och Bengoleas verk undersöker Bom Bom’s Dream hur ritualer och popmusik relaterar till varandra.

Med sina färgglada animationer och lekfulla vändningar vittnar Bom Bom’s Dream om kopplingen mellan samtida musik och dans i jamaicansk kultur.

JEREMY DELLER (f. 1966, London, Storbritannien) är en internationellt känd konstnär baserad i London. Han har ställt ut runt om i världen. Bland hans mest kända verk finns Battle of Orgreave (2001), ett återskapande av slaget om Orgreave som tog plats under den stora gruvstrejken i Storbritannien 1984. 2004 fick Deller det prestigefyllda Turner Prize och 2013 representerade han Storbritannien på den 55:e Venice Biennale med projektet English Magic. Han är för närvarande nominerad till att göra en installation till High Line Plinth i New York och kommer visa kulmen av sitt 10 år långa projekt för Skulptur Projekte Münster, 2017.

CECILIA BENGOLEA (f. 1979, Buenos Aires, Argentina) är en dansare och performanceartist baserad i Europa. Sedan 2001 har hon arbetat som dansare, författare, koreograf och sångare.

Hennes arbete tar upp frågor om antropologisk dans och visas genom performances, både moderna och primitiva, civiliseade och förcivilicerade. Hon har också samarbetat med flera bildkonstnärer utöver samarbetet med Jeremy Deller – tillexempel Dominique Gonzalez-Foerster och Damion Wallace.

Bom Bom's Dream, 2016 HD Video, 12:30 min.

Courtesy of the Artists and The Modern Institute / Toby Webster Ltd, Glasgow Co-commissioned by Hayward Gallery,

32nd Bienal de São Paulo and The Vinyl Factory, and co-produced by ThyssenBornemisza Art Contemporary

Jeremy Deller & Cecilia Bengolea – Bom Bom's Dream, 2016. Installationsvy. Foto: Hendrik Zeitler

KORAKRIT ARUNANONDCHAI Painting with history in a room filled with people with funny names 3, 2016 Den Bangkokfödde konstnären Korakrit Arunanondchai imiterar på ett medryckande sätt olika stilar, genom kroppsmålning, performance och musikvideos. I hans verk finns referenser till konsthistorien, teknologi och populärkultur – så som talangtävlingen Thailand’s Got Talent. Men också influenser från buddhistisk tro och Thailand idag. Med dessa utgångspunkter undersöker han de otydliga gränserna mellan fantasi och verklighet som skapas i en blandning av traditionellt och modernt liv.

Korakrit Arunanondchai – Painting with history in a room filled with people with funny names 3 2016 Stillbild ur video

Painting with history in a room filled with people with funny names 3 är den sista filmen i en serie konstverk som skapats av Arunanondchai under de senaste fyra åren. Videon är filmad i fågelperspektiv med hjälp av en drönare. Handlingen kretsar kring en ung thailändsk målare, en självbiografisk karaktär som spelas av konstnären själv. Filmen är en poetisk och lekfull dialog mellan de

Korakrit Arunanondchai – Painting with history in a room filled with people with funny names 3 2016. Stillbild ur video

olika delarna i målarens liv: Bangkoks betongdjungel, naturen och djuren som omger staden, hans gäng med jeansklädda ungdomar och drönaren som förkroppsligar det andliga väsendet Chantri.

Arunanondchai beskriver sitt verk som ”poesi i secondhand-jeans”.

Hans konstnärskap ger röst åt en generation av unga och hyllar solidaritet, gemenskap och konstens sammanblandning med livet självt.

KORAKRIT ARUNANONDCHAI (f. 1986, Bangkok, Thailand) bor och verkar i New York och Bangkok. Han har en kandidatexamen från Rhode Island School of Design, 2009 och en master från Columbia University, 2012. Sedan 2010 har Arunanondchai haft ett flertal separatutställningar på C L E A R I N G gallery i New York och i Bryssel. Han har också haft separatutställningar på: Museion, Bolzano, IT; S.M.A.K, Ghent, BE; Ullens Center for Contemporary Art, Beijing, CN; Palais de Tokyo, Paris, FR (2015); Museum of Modern Art, Warsawa, PL (2014) och MoMA PS1, New York, USA (2013). Bland de senaste grupputställningarna finns: Berlin Biennale, DE (2016); Sydney Biennale, AU (2014); Beware Wet Paint, ICA, London, UK och Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Turin, IT; High Desert Test Sites, Joshua Tree, USA och Double Life, Sculpture Center, New York, USA.

Painting with history in a room filled with people with funny names 3, 2016

HD video, 24:55 min.

Courtesy of the Artists and C L E A R I N G

Korakrit Arunanondchai – Painting with history in a room filled with people with funny names 3 2016. Installationsvy. Foto: Hendrik Zeitler

NASTIVICIOUS ACTS, 2012 Nastivicious består av de två konstnärerna Nástio Mosquito och Vic Pereiró som samarbetat sedan 2010. I deras verk blandas musik, installationer och performance där Mosquitos röst och kropp ofta står i centrum. Deras konst kretsar kring och opponerar sig emot - kulturella traditioner och identiteter.

Inspirerade av språkets olika verbala, musikaliska och visuella uttryck skapar Nastivicious fängslande performance där politik och underhållning kompletterar varandra.

Konstverket som presenteras i utställningen heter ACTS. I fyra akter ser publiken Mosquitos dansande siluett mot en färgglad bakgrund. Mosquito framträder med en serie mycket kända sånger, som Bob Marleys I Shot the Sheriff och Purple Rain av Prince, vilka han sjunger a cappella. Varje låt startar som en klassisk karaokesång, men Mosquito ändrar långsamt sitt uppträdande så att det blir mer och mer omelodiskt och besvärande att lyssna till. Han börjar blanda den engelska texten med sitt modersmål portugisiska och till slut låter sången mer som förbittrade skrik eller protester.

Nastivicious använder en välkänd estetik från musikvideos och infotainment-TV. Deras verk kan vid första anblicken upplevas som enkla och lättsmälta, men under ytan finns historiska insikter, sociopolitiska verkligheter och lager av dold provokation.

Nastivicious – ACTS, 2012. Stillbilder ur video

NASTIVICIOUS är Nástio Mosquito (f. 1980, Angola) och Vic Pereiró (f. 1976, Spanien) som har samarbetat sedan 2010. Deras senaste utställningar och performance inkluderar bland annat: METANEO, Espai d’art contemporary de Castello, ES (2016); Daily Lovemaking, Venice Biennale, IT och Ikon Gallery, Birmingham, UK (2014); Göteborg International Biennial for Contemporary Art, Göteborg, SE (2015); …all silent but for the buzzing…, RCA London, UK (2014); 9 Artists, Walker Art Center, Minneapolis, MN, USA (2013).

ACTS, 2012 HD video, 12:17 min.

Courtesy of the artists

Nastivicious – ACTS, 2012. Installationsvy. Foto: Hendrik Zeitler

ANNE DE VRIES Critical Mass: Pure Immanence, 2015 Anne de Vries är en holländsk konstnär som arbetar med fotografi, video och skulptur. Han intresserar sig för hur vi uppfattar verkligheten genom digitala medier.

I Critical Mass: Pure Immanence undersöker de Vries den hypnotiska upplevelsen under elektroniska dansmusikevent. Här ägnar han sig specifikt åt genren ”hardstyle”. En inriktning av den elektroniska musiken från 1970-talets subkulturella musikscen och vars låtar skulle stärka och ena sina - ofta alternativa och queera - anhängare. Idag har den här typen av elektroniska dansevents utvecklats till en masskultur som stödjs av stora, kommersiella företag.

I verket syns tiotusentals människor på en spektakulär konsertarena där de ser ut att uppleva konserten genom sina egna smartphone-kameror. Genom hela filmen hörs en text inspirerad av essän Pure Immanence skriven av den franska filosofen Gilles Deleuze. Texten framförs av en gudomlig berättarröst som förklarar de filosofiska aspekterna av upplevelser i stora folkmassor.

Critical Mass: Pure Immanence förmedlar hur människans kroppsliga och sociala medvetande påverkas av ljud och visuella effekter. Verket hyllar den elektroniska musiken och kopplingen mellan filosofi och populärkultur.

Anne De Vries - Critical Mass: Pure Immanence, 2015. Detalj, stillbild ur video

ANNE DE VRIES (f. 1977, Haag, Nederländerna). Han bor och arbetar i New York, USA och Berlin, Tyskland. Han är också författare och professor vid University of Art and Design ECAL Lausanne, CH, där han undervisar en masterklass i “Contemporary Art and Photography”. Exempel på utställningar är: ZKM i Karlsruhe, DE (2017); den 9:e Berlin Biennale, Berlin, DE (2016); Cell Projects, London, UK (2015); Parc Saint Léger, Centre d’art Contemporain, FR (2015); Museum Angewandte Kunst in Frankfurt am Main, DE (2015); Foam Museum, Amsterdam, NL (2015); Manifesta Foundation, Amsterdam, NL (2014); Three Shadows Museum, Beijing, CN (2014); The Moving Museum, Istanbul, TR (2014); Palais de Tokyo, Paris, FR (2012); Centre Culturel Suisse, Paris, FR (2012); New Wight Biennale, Los Angeles, CA, US (2012); Based in Berlin, DE, (2011) och många fler.

Critical Mass: Pure Immanence, 2015 Video, full HD, 11:21 min.

Camera, Video edit, Lyrics and Music arrangement by: Anne de Vries and Q-dance

Including: Surge, Music by Phill Niblock, Thomas Ankersmit playing Serge synthesizers.

Anne De Vries - Critical Mass: Pure Immanence, 2015. Installationsvy. Foto: Hendrik Zeitler

VINCENT MOON & PRISCILLA TELMON Flor Da Montanha / Feitio, 2017 Konstnärsduon Vincent Moon och Priscilla Telmon arbetar som filmskapare med stor passion för att utforska ljud och musik. De gör experimentella filmer och musikinspelningar utifrån material de samlat under sina många resor. Genom att inkludera lokal folklore, religiös och rituell musik visar deras filmer upp den mångfald och rikedom som finns i världens musikkultur.

Sedan 2013 är Moon och Telmon baserade i Brasilien där de arbetar med sitt mest omfattande projekt hittills - HÍBRIDOS: The Spirits of Brazil. HÍBRIDOS (som betyder hybrider) är ett gränsöverskridande projekt och en etnologisk studie om hur samtida religion tar sig uttryck i Brasilien. Genom ett hundratal inspelningar från hela landet visar filmerna på hjärtat i den brasilianska musikkulturen med sin blandning av tradition, modernitet och spiritualitet.

Vincent Moon & Priscilla Telmon – Flor Da Montanha / Feitio, 2017. Foto: Hendrik Zeitler

I WE ARE THE REMIX visar Moon och Telmon Flor da Montanha / Feitio, en del av HÍBRIDOS-projektet. Det är en kortfilm om tillverkningen av Ayahuasca, en amasonisk brygd som länge har använts av Sydamerikas ursprungsbefolkning och som är en beståndsdel i deras kosmologiska tro. I Brasilien används drycken t.ex. i heliga ceremonier av den katolska kyrkan Santo Daime som sakrament. I filmen får vi följa ritualen ’feito’, som kan pågå i upp till sju dagar. I den här traditionella riten skördar och rengör kvinnor bladen från chacrunaplantan, som man gör Ayahuasca av. Männen skär ner och gör i ordning växtens rankor på ett rytmisk vis – som i en koreograferad dans. Ständigt sjungande, nynnande och spelande olika hymner.

Flor da Montanha / Feitio ger en unik inblick i de religiösa ritualer som helar kroppen och själen genom sång och som visar musikens ständigt närvarande roll.

VINCENT MOON (f. 1979, Paris, Frankrike) är en fristående fransk filmskapare och ljudutforskare.

Mellan åren 2006–2009 regisserade han en serie improviserade musiksessioner utomhus – Blogothèques Take Away Shows. Sessionerna spelades in på oväntade platser och spreds sedan helt gratis via internet. Under de fyra åren gjorde han över 200 filmer med artister så som R.E.M., Beirut, Sigur Rós och Arcade Fire. Det senaste decenniet har han rest runt i världen och dokumenterat helig musik och religiösa ritualer för sin label Collection Petites Planètes. I sitt sökande efter originellt ljud och musik, från arenarock till experimentell electro, bysånger i a capella och ovanliga schamanistiska ritualer, producerar Moon etnografiska och experimentella filmer och musikinspelningar. Han delar alla filmer och projekt gratis på internet under en Creative Commons-licens. Se fler av Vincents filmer på www.vincentmoon.com PRISCILLA TELMON (f. 1975, Paris, Frankrike) är en fransk fotograf, filmfotograf och författare.

Hon är dessutom medlem i franska upptäcktsresandes sällskap. Sedan 2000 har hon rest runt i hela världen och blandat historia med äventyr genom att hylla den visdom, tradition och mystik som finns i världens olika kulturer. Hon är framförallt intresserad av ämnen så som ekologi, helighet och shamanism. Telmon har publicerat ett flertal böcker, filmer, reportage och har ställt ut sitt arbete på museum så som Musée du Quai Branly, Paris och Artcurial, Paris. www.priscillatelmon.com

Flor Da Montanha / Feitio, 2017 Extract from HÍBRIDOS:The Spirits of Brazil

HD video, 23:55 min.

Vincent Moon & Priscilla Telmon – Híbridos. The Spirits of Brazil, 2017. Liveperformance. Foto: Hendrik Zeitler

RACHEL MACLEAN It’s What’s Inside That Count's, 2016 Den skotska konstnären Rachel Maclean influeras av sagornas värld för att undersöka det mörka gränslandet mellan barndom och vuxenliv. Hon skapar surrealistiska fantasivärldar och gör parodi på populärkulturella uttryck som barnprogram och skönhetsreklamer. Ofta finns en kamouflerad agenda om att bryta ner könsnormer och förtryckande sociala strukturer. Samtliga karaktärer i Macleans filmer spelas av henne själv. Hon använder sig av bakgrunder filmade med greenscreen-teknik, spektakulära kostymer och datorgrafik.

It’s What’s Inside That Counts visar en parodisk bild av konsumtionssamhället och i synnerhet dess teknologiska beroende. Filmen utspelar sig i en dystopisk storstad som drivs av ett feberaktigt begär av att ständigt vara uppkopplad. Den narcissistiska kändisen Data verkar vara mer cyborg än människa.

Hon matar en grupp desperata underjordiska gnagare med selfies och internetkablar. I en värld som ser ut både som ett barockt

Rachel Maclean – It's What Inside That Counts, 2016. Stillbild ur video

paradis och en postapokalyptisk mardröm tävlar de groteska seriefigurerna om Datas uppmärksamhet. Men en dag hackar de systemet och ger Data ett virus - och helvetet bryter ut…

Med en lika inbjudande som frånstötande estetik illustrerar It’s What’s Inside That Counts en grotesk version av vår tids samhälle och sociala beteenden. Genom att överösa oss med lockande bilder och utnyttja vår ångest använder filmen samma marknadsföringstaktik som globala bolag använder för att sälja in skönhet, ungdom och lycka.

RACHEL MACLEAN (f. 1987, Edinburgh, Skottland) är en multimediakonstnär från Glasgow. Sedan hon tog examen från Edinburgh College of Art 2009 har Rachel ställt ut runt om i Storbritannien och internationellt. Bland de senaste utställningarna finns: Wot u :-) ?, HOME, Manchester och Tate Britain, London (2016-17); British Art Show 8, en vandringsutställning i Storbritannien (2015); Ok, You’ve Had Your Fun, Casino Luxembourg (2015); Please, Sir..., Rowing, London, UK (2014); The Weepers, Comar, Mull, (2014); Happy & Glorious, CCA, Glasgow, UK (2014). Hennes videoverk har visats på bland annat: Feed Me på Athens och Luxembourg Film Festival (2016); Moving Pictures, British Council och Film London, UK (2015-16); Lolcats, Impakt Festival, Utrecht, NL (2014).

Maclean representerar Skottland på Venice Biennale 2017 med det nya verket Spite Your Face som går att se i Chiesa Santa Caterina fram till 26 november 2017.

It’s What’s Inside That Counts, 2016 1-channel video, HD, color and sound, 31:18 min. Music and songs composed by Finn Anderson Written and Directed by: Rachel Maclean All parts performed by: Rachel Maclean Assistant Director: Bren O’Callaghan Executive Producer: Sarah Perks Producer: Bren O’Callaghan Assistant Producer: Laura Heberton Director of Photography: David Liddell 1st Assistant Camera: Steven Cook Gaffer: Derrick Ritchie Make-up & prosthetic application: Kat Morgan Costume & Prop Designer: Rachel Maclean Costume & Prop Assistant: Lucy Payne, Eilidh Page Morrissey Costume Assistants (Texas): Deirdre Ford, Javier Gonzalez, Barbara Miñarro, Angel Mitchell, Jayne Valverde Audio production & composer: Julian Corrie Songs written and produced by: Finn Anderson Script Editor: Andrew Cattanach

Commissioned HOME, University of Salford Art Collection, Tate, Zabludowicz Collection, Frieze Film and Channel 4 Voice actors: Young woman (spoken): Andrea Flowers. Young woman (sung): Mikaela Kahn.

Happy Man: Frank Mosley. Rats and Servant: Kirsty Strain.

Runners: James Findlay, Colin Maclean, Eilidh Page Morrison.

Editor and VFX: Rachel Maclean Director’s Assistant and VFX: Colin Maclean VFX Assistant: Eilidh Page Morrissey Subtitles: Colin Maclean Studio facilities: Swamp, Glasgow Recording facilities: Sonido, Glasgow. Orb, Austin, Texas With Special Thanks To: Bren O’Callaghan, Sarah Perks, Tomas Harold, Elisa Ruff, Alice Wilde at HOME, Andy Peline at Swamp Media, Catriona Maclean Copyright 2016 Rachel Maclean

Rachel Maclean – It's What Inside That Counts, 2016. Installationsvy. Foto: Hendrik Zeitler

CARSTEN HÖLLER & MÅNS MÅNSSON Fara Fara, 2014 Fara Fara är ett samarbete mellan den tyske konstnären Carsten Höller och den svenske filmfotografen Måns Månssons. Verket dokumenterar en resa till Demokratiska republiken Kongo och berättar om historien och kulturen kring fara fara-musiken.

"Fara fara" betyder ansikte mot ansikte på lingala och är ett musikaliskt fenomen djupt rotat i den kongolesiska kulturen.

En musikalisk tävling i kongolesisk rumba utspelas mellan två motståndare. Två grupper spelar och dansar samtidigt på närliggande platser. Det lag som orkar dansa längst vinner.

Historiskt sett sägs det att strider mellan olika stammar löstes genom danstävlingen. Idag hålls en fara fara väldigt sällan.

I Höller och Månssons verk utspelas en fara fara mellan två superstjärnor från Kinshasas livliga musikscen – Koffi Olomide och Werra Son. Verket visas på två skärmar, en för varje musiker.

Vi får följa dem genom repetitioner, förberedelser och till slut framträdandet tillsammans med sina respektive band. Båda artisterna försöker imponera på den stora, hejande publiken. En tredje sångare, den nu bortgångne Papa Wemba, öppnar fara faran med en serenad.

Fara Fara visar den kraft och skönhet som finns i kongolesisk musik. Verket erbjuder viktiga iakttagelser kring sammanhanget för, och den historiska och politiska betydelsen av, den här specifika subkulturen.

Carsten Höller & Måns Månsson – Fara Fara, 2014. Stillbilder ur video CARSTEN HÖLLER (f. 1961, Bryssel, Belgien) bor och verkar i Stockholm, Sverige och Biriwa, Ghana. Han använder sin utbildning inom vetenskap i sin konst och jobbar främst med mänskliga relationer. Hans arbete har visats internatonellt under de senaste två årtiondena. Bland annat har han haft separatutställningarna: Doubt, Pirelli Hangar Bicocca, Milano, IT (2016); ThyssenBornemisza Art Contemporary (TBA21), Wien, AT (2014); Hamburger Bahnhof, Museum für Gegenwart, Berlin, DE (2011); New Museum, New York, NY, USA (2011); Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam, NL (2010); Kunsthaus Bregenz, AT (2008), The ICA Boston (2003). Hyllade projekt finns det kända verket The Double Club (2008-2009), som tog formen av en bar, restaurang och nattklubb i London som designats för att skapa dialog mellan kongolesisk och västerländsk kultur.

MÅNS MÅNSSON (f. 1982, Stockholm, Sverige) är en svensk regissör och filmfotograf som är utbildad på Kungliga Konsthögskolan i Stockholm. Sedan 2001 har han producerat ett flertal prisvinnande kortfilmer och dokumentärer. Hans filmer har visats på festivaler runt om i världen, tillexempel Berlin International Film Festival, Edinburgh International Film Festival, Sarajevo Film Festival och São Paulo International Film Festival.

Fara Fara, 2014 2-channel, 35 mm film and archival VHS material transferred to digital

Color, sound, 13:27 min.

Carsten Höller & Måns Månsson – Fara Fara, 2014. Installationsvy. Foto: Hendrik Zeitler

MUSEEA SOFIA HEDMAN & SERGE MARTYNOV Den arkitektoniska utställningsdesignen för WE ARE THE REMIX är skapad av den Barcelonabaserade duon MUSEEA som består av Serge Martynov och Sofia Hedman. De har jobbat tillsammans som både konstnärer, designers och curatorer sedan 2009. 2015 startade de MUSEEA, en interdisciplinär plattform som samlar ett nätverk av samarbetspartners med fokus på mångfald, innovation och hållbarhet.

Med uppdraget att skapa en social mötesplats där besökare vill spendera tid och dela med sig av sina upplevelser har MUSEEA förvandlat Katedralen till en inbjudande och färgsprakande miljö med olika nivåer och material. Installationen påminner om ett stadslandskap med byggnader, torg, balkonger och utsiktsplatser.

En amfiteater gjord av återvunna lastpallar utgör installationens hjärta. Här kan man sitta och ta del av filmerna som visas på en stor skärm. Amfiteatern fungerar också som scen för en mängd program under utställningsperioden.

Genomskinliga paneler i grönt, blått, rosa och gult hänger från taket och delar in rummet i olika färgzooner. Filter i liknande färger sitter på de stora fönsterna och påminner om målade kyrkfönster. De olika nyanserna flyter samman när det naturliga ljuset rör sig genom rummet. Gränserna mellan ljus och färg luckras upp och nya mönster och kompositioner bildas.

Inspirerade av den tyska konceptkonstnären Kurt Schwitters och hans ikoniska gesamtkunstwerk Merzbau fungerar MUSEEAs installation både som en levande skulptur och en byggd miljö – ett rum med många funktioner. Publiken bjuds in att slappna av i solstolar, hänga på balkongerna och ta del av filmerna. De kan också njuta av utsikten över Göta älv utanför fönstret eller gå till kiosken för snacks och dryck.

WE ARE THE REMIX. Foto: Hendrik Zeitler

MUSEEA grundades 2015 av Sofia Hedman (f.1978 och Serge Martynov (b. 1984). Innan dess curaterade och designade de ett flertal utställningar i London, New York, Miami, Saint Louis, Tokyo och Stockholm på tillexempel Somerset House, Christies New York och Art Basel i Miami.

De har arbetat nära utställningsskaparen och professorn Judith Clark’s Simone Handbag Museum i Seoul (London, Seoul 2012), Chloe Attitudes (Palais de Tokyo, Paris 2012), Selfridges och Victoria & Albert Museum i London, Museum Boijmans Van Beuningen i Rotterdam, MoMu i Antwerpen och The Metropolitan Museum of Art i New York. Duon har mottagit ett flertal hyllningar och stipendier, bland annat Exhibition of the Year 2015 för Utopian Bodies – Fashion Looks Forward på Liljevalchs i Stockholm och the British Council och British Fashion Councils pris för bästa projekt för A New Space Around the Body. 2016 gick Hedman & Martynov med i Museum of Modern Art’s (MoMA) rådgivande styrelse inför deras kommande utställning ITEMS – Is Fashion Modern?

WE ARE THE REMIX. Foto: Hendrik Zeitler

PROGRAM, VISNINGAR & WORKSHOPS

Verkstan. Foto: Hendrik Zeitler

SOMMARVERKSTAN Lördagar kl 12-15.30 (17.6-19.8 2017) Torsdagar kl 12-15.30 (6.7-17.8 2017) Drop in, kostnadsfritt För barn från 3 år i sällskap med vuxenkompis Gillar du att skapa, bygga, experimentera och utforska i färg och form? Då är SommarVerkstan perfekt för dig! I SommarVerkstan dukar våra konstpedagoger upp en mängd material att välja mellan! Verkstan är öppen för barn från tre år och deras vuxenkompisar, som vill skapa tillsammans eller sida vid sida. Här får stor som liten släppa loss sin fantasi och testa nya spännande tekniker och material från vår idé-bank.

VISNINGAR Lördagar kl 16-17 (17.6-19.8 2017) Torsdagar kl 16-17 (6.7-17.8 2017) Drop in, ingår i entréavgiften Varje torsdag och lördag hela sommaren kan du få en visning av utställningen och introduktion till konstverken. Vi möts i Loungen bredvid receptionen och någon av våra konstpedagoger tar med er runt.

UNG & SKAPANDE Tisdagar & onsdagar kl 14-19 Lördagar & söndagar kl 13-18 För dig mellan 12-26 år. Gratis att delta!

Ung & Skapande är öppet för dig 12-26 år som vill skapa, är intresserad av konst och vill träffa likasinnade! Arbeta med egna projekt och prova olika tekniker, material och idéer. Du utgår från din egen nivå och du behöver inga förkunskaper.

Ung & Skapande arbetar ofta ute vid den öppna graffitiväggen Draken som står utanför Röda Sten Konsthall.

TA PLATS - sommarplattform Under sommaren kommer ungdomar aktivera scenen i utställningen och platsen utanför Röda Sten Konsthall med workshops, musikframträdanden, poesi och mycket mer!

Plattformsprogrammet uppdateras löpande på facebook och hemsida. Är du 12-26 år och intresserad av att arrangera ett eget program?

Hör av dig till Elias Fryk, koordinator på ef@rodastenkonsthall.se

ÖPPETTIDER Utställningen visas 10 juni - 20 augusti 2017.

Tisdag, torsdag & fredag kl 12-17 Onsdag kl 12-20 Lördag & söndag kl 12-18

TILLGÄNGLIGHET Alla lokaler går att nå via hiss som är 89 cm bred och 180 cm djup. Stor toalett anpassad för rullstol finns i restaurangen. För mer detaljerad information, besök vår hemsida www.rodastenkonsthall.se.

KONTAKTA OSS Hemsida www.rodastenkonsthall.se Mail info@rodastenkonsthall.se Adress Röda Sten Konsthall, Röda Sten 1, 414 51 Göteborg Telefon 031-12 08 16 Restaurang 031-12 00 12 / restaurang@rodastenkonsthall.se Facebook facebook.com/rodasten Instagram @rodastenkonsthall Twitter @rodasten

WE ARE THE REMIX Röda Sten Konsthall 10.6 - 20.8 2017 Curator: Aukje Lepoutre Ravn Text & översättning: Aukje Lepoutre Ravn Utställningen visas med stöd av

Michelle Boynton & Emelie Storm Ansvarig utgivare: Mia Christersdotter Norman Grafisk form: Linnea Thorén & Fia Djerf