Fc Abril by ROMstudio

ABRIL 2012

NÚMERO 18 • AÑO 02

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The Avengers: LOS VENGADORES FURIA DE TITANES 2

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EDITORIAL

Apreciable suscriptor: FANCLUB Cinépolis® es el programa de beneficios adicionales que Cinépolis® tiene para ti, para recompensar tu preferencia. Este mes, los estrenos y tendencias del año preparan la pista de abordaje para los blockbusters veraniegos. Aunque estamos en primavera inician con The Avengers: Los Vengadores, epopeya para la cual se necesitaron cintas previas y años de trabajo. Es un proyecto sorprendente, por su presupuesto; pero también porque Hollywood cada vez filma menos con estas proporciones, aunque crece el porcentaje hecho por realizadores de renombre o probados. En cuanto a los temas, no paran los homenajes, lo retro y la nostalgia. Recordemos pocos meses atrás los de Spielberg a Tintín o a realizadores como John Ford, Robert Bresson y hasta Gabriel Figueroa en Caballo de Guerra, o lo abordado por la galardonada The Artist (incluyendo su respeto a Cantando Bajo la Lluvia) o a La Invención de Hugo Cabret. Ahora veremos pero en versiones comerciales de Furia de Titanes, American Pie o 21 Jump Street (Comando Especial). Cambiando el tema, estamos en una era para pensar en lindas utopías. El cine es de las principales. Lo expondremos con una de las funciones “imperdibles” de AMBULANTE Gira de Documentales 2012. En ésta el documentalista Sam Green (The Weather Underground) exhibía en vivo el documental Utopia in 4 Movements. La presentación sorpresiva a cargo de Gael García Bernal quedó en segundo plano frente a un bello momento narrado en vivo por Green y musicalizado por el ensamble The Quavers. A veces parecía presentación multimedia, pero adaptó sus cuatro ideas centrales (el lenguaje esperanto, la Revolución Cubana, los centros comerciales y la antropología forense) para un momento único durante la proyección. Nunca lo hallaremos en DVD y su utopía reúne a personas en una sala, ahora que es común privarse de disfrutar cine de la mejor manera, viéndolo en una pantalla de laptop, por pedazos y casi siempre solos. En las páginas de FANCLUB Cinépolis® de este mes te entregamos más de $3,000 pesos en beneficios tangibles y directos, así como especiales de los estrenos más interesantes y 2 boletos para cualquiera de los eventos en la guía interna de accesos, que encontrarás en las páginas 59, 60 y 61. Además te obsequiamos boletos de precio especial para que durante abril disfrutes las películas que desees en cualquiera de nuestras salas tradicionales (pág. 79). Es nuestra forma de premiar tu lealtad. Esperamos que disfrutes al máximo de todo lo que FANCLUB Cinépolis® tiene para ti, por ser uno de nuestros mejores clientes. FANCLUB Cinépolis® es un foro abierto al cine para tu gozo, en una labor permanente por llevarte lo mejor de lo mejor. LOS EDITORES

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CONTENIDO

Contenido ABRIL 12 GADGETS pág. 6 // DARK SHADOWS pág. 10 // DIRECTORES pág. 12 // EN CARTELERA pág. 14 // TENDENCIAS pág. 18 // AMERICAN PIE pág. 20 // COMANDO ESPECIAL pág. 21 // FURIA DE TITANES 2 pág. 22 // PORTADA pág. 24 // ALFOMBRA ROJA pág. 32 // DE LEYENDA pág. 34 // DE CULTO pág. 46 // CAPITALES DEL CINE pág. 50 // SAGAS pág. 54 // LA BUTACA pág. 56 // ANÁLISIS pág. 66 // METAFICCIÓN pág. 68 // CLÁSICOS pág. 70 //

DIRECCIÓN› Justo Sierra DIRECCIÓN EDITORIAL› Alejandro Ortiz González EDITOR› Alberto Ugalde Buenfil DIRECTOR DE ARTE› José Antonio Hernández DISEÑO› Rebeca Ransenberg, Karen Zúñiga Gtz. REDACCIÓN› Josué Guerrero, Héctor Romero, Erick Ruiz, Roberto Miranda, Omar Ávila del Ángel (y corrección) DIRECCIÓN COMERCIAL› Dolores Gilardi de Escoto ALIANZAS ESTRATÉGICAS› Carla García, Amira Carrasco GERENTE DE PRODUCCIÓN› Rolando González Camacho PREPRENSA› Ramiro Huerta Nava EDITOR RESPONSABLE› Justo Sierra 2

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pág.

Abril 2012. Derechos Reservados © Origen y Comunicación, S.A. de C.V.; Calle Moliére 13-601, Colonia Polanco Chapultepec, Código Postal 11560, México, Distrito Federal; 2010. Todos los contenidos del presente ejemplar constituyen obras protegidas por la Ley Federal del Derecho de Autor, por lo que su reproducción directa o indirecta, total o parcial, comunicación pública, así como cualquier modificación a los mismos constituye una infracción administrativa o delito en términos de la legislación anteriormente mencionada y del Código Penal Federal. Las características tipográficas y de diagramación del ejemplar son también objeto de protección por la Ley Federal del Derecho de Autor y el editor goza sobre de ellas de un derecho de exclusiva. FANCLUB® y F FAN CLUB® son marcas en trámite de registro bajo los números de expediente 112648 y 112649, respectivamente, propiedad de Origen y Comunicación, S.A. de C.V., por lo que el uso no autorizado de las marcas o cualquier otra similar en grado de confusión sin el consentimiento expreso de su titular constituye una infracción e inclusive un delito en términos de lo dispuesto en la Ley de la Propiedad Industrial. Las imágenes logotípicas asociadas con dichas marcas son obras de arte aplicado, en la rama del diseño gráfico, cuyos derechos patrimoniales de autor detenta también Origen y Comunicación, S.A. de C.V., por lo que el uso no autorizado de dichas obras, con fines de lucro directo o indirecto, constituyen una infracción en materia de comercio en términos de la Ley Federal del Derecho de Autor. El derecho al uso exclusivo del encabezado o título de la publicación periódica se encuentra reservado a favor de Origen y Comunicación, S.A. de C.V. en términos del Certificado de Reserva en trámite bajo el número de expediente 04-2010-101213182400-20. Certificado de Licitud de Título: (en trámite); Certificado de Licitud de Contenido: (en trámite), expedidos por la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas de la Secretaría de Gobernación. Servicio Postal Mexicano: PP09-1816. La publicación periódica marca FANCLUB® es producida y editada por Origen y Comunicación, S.A. de C.V. Calle Moliére 13-601, Colonia Polanco Chapultepec, Código Postal 11560, México, Distrito Federal. Impresa en México por Grupo Infagon, Alcaicería #8, Col. Zona Norte Central de Abastos, C.P. 09040, México, D.F. Tel 5640-9265. VENTAS DE PUBLICIDAD a los teléfonos y fax 5001-1700, desde el interior al 01-800-90-27400 y desde E.U.A. al 1-800-845-6742. La publicación periódica marca FANCLUB® es un foro abierto, lo que significa que los conceptos y opiniones vertidos en sus páginas de ninguna manera expresan los puntos de vista de sus editores. Los diversos autores son los únicos responsables de los contenidos de sus obras. Los productos y/o servicios que aquí se exhiben son responsabilidad exclusivamente de los anunciantes. Los editores no se hacen responsables de la calidad, marca y/o precio de los productos y/o servicios anunciados, por lo que la relación contractual es únicamente entre el anunciante que ofrece y el cliente que adquiere.

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GADGETS

THE ART OF TIM BURTON La publicación de The Art of Tim Burton (la cuarta edición) por parte de Steeles Publishing es una mirada comprensiva a Tim Burton (Beetlejuice, Alicia en el País de las Maravillas) por medio de su trabajo artístico, tanto personal como en los grandes proyectos. Además estará disponible una edición limitada Deluxe de sólo 1,000 copias, cada libro con la rúbrica del director y una litografía especial también autografiada y numerada. Tim Burton es un reconocido visionario que ha logrado transmitir universos personales llenos de colores,

The Avengers LEGO Con el estreno de The Avengers: Los Vengadores, llega una estruendosa mercadotecnia, parafernalia, gadgets, videojuegos y juguetes de los espectaculares superhéroes. Dentro de la oferta debía destacar la de la empresa LEGO, que lanza la edición especial The Avengers LEGO. Aunque siempre se ha rumorado que habrá una película de animación de la marca danesa, producida por Animal Logic, con la “súper” colección comprobamos que no es necesario dado cómo fomenta la imaginación gracias a modelos “vengadores”, como LEGO Super Heroes Captain America’s Avenging. Con éste serán el Capitán América montando su moto y con su indestructible escudo, en una batalla contra flotas enemigas que van en vehículos con alas plegables y lanzadores de misiles. Dentro de la enorme gama de modelos, destacan otros como LEGO Super Heroes Quinjet Aerial Battle, para vencer a Loki y sus fuerzas usando el jet súper rápido… Si siguen pensando en lo bellas de colecciones pasadas de LEGO como la de El Señor de los Anillos, se sorprenderán gratamente por el acabado de la nueva colección, hecha junto con la empresa Marvel. 6

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elementos góticos y oníricos que destacan la sensibilidad de los excluidos en la sociedad. Sus películas mezclan la manufactura y presupuestos hollywoodenses con una expresión parecida a la de la escritura automática; bien podría ser la tónica de su próximo estreno, Dark Shadows, y en octubre de la película animada Frankenweenie, ambas retratando su conocida meticulosidad artesanal. Sus obras reelaboran las fantasías, el imaginario y folclore tradicional, y sus características plásticas y los deseos detrás inspiran a marcas como la joyería H. Stern (que destacamos el mes pasado), LEGO o dan pie a exposiciones en el MoMA neoyorquino. Asimismo su influencia se transmite a incontables libros de ilustración, arte y en la parafernalia mercadotécnica de sus estrenos. La edición Standard es un libro de pasta dura con 430 páginas, más de mil ilustraciones y desplegables del mismo Burton (también de sus archivos personales), junto a textos de Leah Gallo, un diseño de Holly Kempf y contribuciones de más de 20 amigos y colaboradores del director (como Rick Baker, Helena Bonham Carter, Johnny Depp, Danny Elfman, Ray Harryhausen, Christopher Lee y Richard Zanuck). La edición Deluxe tiene las características de la Standard además de los elementos autografiados, objetos del deseo casi invaluables de quien durante 30 años ha mostrado su fascinación por los monstruos y materializado todo tipo de quimeras.

NUEVAS EDICIONES TRILOGÍA TRANSFORMERS EDICIÓN LIMITADA DE SIETE DISCOS Paramount Home Entertainment anunció una edición especial de Transformers: Dark of the Moon en un paquete de cuatro discos Blu-ray (las dos primeras películas en alta definición y Dark of the Moon en alta y en 3D), DVD y un combo con copias digitales y con el formato online UltraViolet. El lanzamiento transforma la reproducción casera, demostrando que los fenómenos son de marketing y vuelven clásicos a los blockbusters. Algunos bromean y dicen que transformará la segunda y tercera parte en cintas disfrutables… Supera las diez horas de material exclusivo, detrás de cámaras, entrevistas a los actores, al equipo y más que no estuvo en las ediciones anteriores. Incluye unas placas autografiadas por Michael Bay, quien supervisó todo tipo de extras como el comentario de Steven Spielberg sobre la saga, el arte y el concepto detrás. Hay apuntes de la relación con Hasbro, Chevy y sus diseñadores e incluso paneles sobre las referencias militares. También hay apartados de los artistas visuales de empresas como ILM, el videoclip del grupo Linkin Park, las estrategias de marketing, tráilers, pósters e incluso un estudio del rol de la NASA.

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NOTICIAS

JUEGOS DE GUERRA PINTORA, EX ESPOSA DE JAMES CAMERON y

IN THE NAVY

única mujer en recibir un Oscar como Mejor Director por Zona de Miedo (2008), Kathryn Bigelow finaliza la preproducción de una cinta que será polémica: Kill Bin Laden (título preliminar). Con la participación de la genial Jessica Chastain (El Árbol de la Vida), Kyle Chandler (Super 8) como el agente de la CIA encargado de la operación para eliminar a Osama Bin Laden, Joel Edgerton (próximamente también en The Great Gatsby junto a Leonardo DiCaprio), Mark Strong y Édgar Ramírez, relata las acciones del equipo Navy SEAL Team Six responsable de las black ops (operaciones más allá del reglamento militar) que incluyeron eliminar a Bin Laden. El estreno tendrá implicaciones políticas y continúa los intereses de la bella sexagenaria por retratos bélicos con apuntes psicológicos y una buena dosis de acción. Comenzó a escribirse cuando Bin Laden continuaba vivo, así modificándose luego de su muerte. También atrae por los nexos que exhibe entre el cine y los gobiernos. Las malas lenguas dicen que la administración de Obama le dio información clasificada a Bigelow. Como consecuencia, la además directora del himno para machines Point Break (1991) fue investigada por la CIA.

Prosiguiendo con los Navy SEAL, pronto comenzará la filmación de Lone Survivor por el director Peter Berg –de quien pronto veremos Battleship–. Narra la fallida “Operation Red Wings” donde cuatro miembros del Navy SEAL Team Ten quisieron capturar o matar al conocido líder talibán Admad Shad sin lograrlo. Al final, del equipo sólo sobrevivió Marcus Luttrell. El mundo Navy SEAL también se muestra en Act Of Valor (McCoy, Waugh), cinta que engaña y parece hecha por el Mando de Operaciones Especiales de los Estados Unidos, interpretada por combatientes reales, algunos aún en servicio activo. Paul Greengrass (Bourne Ultimatum) prepara A Captain’s Duty con Tom Hanks, sobre el buque mercante que fue rehén de piratas somalíes para ser liberado por los Navy SEAL. Por su parte Simon West (Los Indestructibles 2 con un Sylvester Stallone que compartirá créditos con Schwarzenegger también en el thriller carcelario The Tomb, de Mikael Håfström) reunirá a Gerard Butler, Sam Worthington y Matthew McConaughey para Thunder Run, que por primera vez empleará motion capture 3D para una cinta bélica.

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RECUERDOS DE COREA Dentro de las cintas bélicas no habladas en inglés esperamos The Front Line, película que fue sometida por Corea del Sur para los premios Oscar. Dirigida por Hun Jang, tiene un ritmo vertiginoso en la acción y aborda la guerra entre las Coreas. Asimismo esperamos el remake de Red Dawn, de Dan Bradley, con Chris Hemsworth y Josh Hutcherson, que modifica la invasión soviética del original de 1984 por una de Corea del Norte (aunque fue alterada digitalmente, pues en un comienzo China era el enemigo). Por nombrar otros ejemplos del cine bélico cada vez más escaso, se tiene Awol, de Danny Mooney, con Liam Hemsworth (Los Juegos del Hambre), en la cual se relata el regreso al hogar de unos ex combatientes.

DRAMA EN 3D Regresando a The Great Gatsby, predicen que revolucionará el cine luego de que adapta el clásico de F. Scott Fitzgerald sobre unos trepadores sociales en los años 20 del siglo anterior. Esto porque será, ¡en 3D! Fue dirigida por Baz Luhrmann (Moulin Rouge!) y tiene a DiCaprio, Mulligan y Tobey Maguire como protagonistas. Por fortuna no es Transformers y se cree que su empleo de la 3D le dará posibilidades a las cintas sostenidas por las actuaciones e intimidad en pantalla; asimismo haría que la 3D reciba galardones más allá de la espectacularidad de Avatar (pensando en La Invención de Hugo Cabret) y también impulsaría a la técnica en dramas comerciales.

¿DESPERTARES? Se dice que no es necesario hacer una nueva versión de El Despertar del Diablo (1981), fabuloso clásico de terror y debut en la dirección de largometrajes de Sam Raimi (Spider-Man). Nos unimos al clamor. La original tuvo a los hermanos Coen en la producción y desprendió un par de secuelas de carcajada. Sus seguidores ansían que Raimi se reúna con Bruce Campbell, el rey del cine B (“B” de Bruce), y hagan la cuarta entrega de la serie. Aunque oficialmente no sucederá. Pero no por ello no veremos el remake del uruguayo Fede Álvarez (quien impactó con su cortometraje ¡Ataque de Pánico!), producido por Raimi y con un guión revisado por Diablo Cody, guionista de moda (y responsable del libreto del bodrio Jennifer’s Body con Megan Fox). En elenco tendrá a Jane Levy de protagonista junto a Shiloh Fernandez y Lou Taylor Pucci.

VERSIONES HISPANAS Antonio Banderas toma un rol que parece imposible, el tigre de la rifa, premio y a la vez reto: Pablo Picasso en la cinta 33 Días de Carlos Saura, sobre el proceso de creación de “El Guernica” y la relación que mantuvo Picasso con la artista francesa Dora Maar. Sin embargo, el sabor que Banderas le daba a una España en América, de El Zorro, ahora será responsabilidad de Gael García Bernal, que aunque no conocía detalles de esto cuando se hizo el anuncio, fue elegido para El Zorro Reborn. Será una versión futurista que comenzará a filmarse en uno o dos años. Antes García Bernal aparecerá en No del llamativo director chileno Pablo Larraín (Post Mortem), junto con Al Pacino en Manos de Piedra de Jonathan Jakubowicz (Secuestro Express) sobre el boxeador panameño y pronto iniciará el rodaje de Silence de Martin Scorsese, al lado de Daniel Day-Lewis y Benicio del Toro. FANCLUB CINÉPOLIS®

ESTRENOS

DARK SHADOWS MELODRAMA VAMPIRESCO ERICK RUIZ MARTINEZ

Un personaje con pasado oscuro, sed de venganza, un corazón roto y sangre… Elementos que, a simple vista, envuelven a un par especial en su única película hecha musical (Sweeney Todd, 2007). Por enésima ocasión, sabemos que son de cabecera, la pasión de Tim Burton por lo gótico atrapó a Johnny Depp para revivir y transportar a un viejo muerto de la pantalla chica: Dark Shadows. MÁS ALLÁ DE QUE ESTA HISTORIA SE CONCIBE a mediados de la década de los 60, cuarenta años después (en el 2007 para ser exactos), el gigante del entretenimiento, Warner Bros., anunció la adquisición de los derechos de esta serie –eso era en un principio– salida de la mente de Dan Curtis, a la que se unió Johnny Depp como productor y Seth Grahame-Smith en el guión. 10

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TRAMA DE TELENOVELA

Y, ¿qué hay entre las sombras?, pues una historia que data del año de 1752 donde Joshua y Naomi Collins, junto con su hijo Barnabas (Johnny Depp) parten desde el puerto de Liverpool hacia América para iniciar una nueva vida. El factor misterio se hace presente dos décadas atrás, cuando Barnabas tenía a Collinsport, su ciudad natal, rendida a sus pies. Poderoso, rico

y todo un playboy, comete el error de romper el corazón de una bruja (Eva Green), literalmente hablando, la cual lo condena a un peor destino que la muerte… convertirlo en vampiro (¡saludos a los fans de Crepúsculo!) y después, enterrarlo vivo. Dos siglos después, Barnabas emerge de la tierra para encontrar un mundo totalmente diferente al que había dejado. Volverá a casa, Collinwood Manor, para ver que su legado ha caí-

En el casi lustro que duró al aire esta serie, se convirtió en un hecho sin precedentes en la pantalla chica del país vecino del norte. El incluir elementos sobrenaturales, como los fantasmas, era algo antes no visto por los telespectadores “gringos”. Además, la serie contó con todo tipo de personajes sacados de un Halloween: hombres lobo, zombis, brujas, hechiceros, además de viajes en el tiempo e incluso un universo paralelo. A pesar de parecer una serie de terror, la característica principal de Dark Shadows era el melodrama vivido en cada uno de sus capítulos adaptado a una horrorífica atmósfera, sus numerosos giros en la trama que creaban historias inolvidables y épicas que daban el grado de héroe a sus personajes; todo esto, armonizado por la música que recreaba partituras de una inusual aventura. DE CULTO

Todo este shock televisivo curiosamente duró solo cinco años y a pesar de ello, su programación diaria la convirtió en la serie de fantasía con más episodios de la historia televisiva en habla inglesa (2,231 capítulos), superando a series tan poderosas como Star Trek y Dr. Who. ¿Más referencias? Dark Shadows se posicionó dentro del Top 25 de los shows de culto de toda la historia en el TV Guide estadounidense en el 2005 (#19) y 2007 (#23). Esta fama atrapó en su infancia a íconos de la cultura pop y la música como Madonna, o directores que han marcado época en la última década del séptimo arte como Quentin Tarantino o el mismo Tim Burton, quienes se han declarado fans del melodrama. Punto y aparte fue la popularidad alcanzada por Jonathan Frid, el original Barnabas Collins, quien robaba el sueño de niños que querían ser como él; uno de ellos, obsesionado con el personaje, era Johnny Depp ORÍGENES

do en desgracia y que sus descendientes han sufrido su pasado, cada uno ocultando sus más tétricos secretos. Una maldición que padecen desde la matriarca de la familia, Elizabeth (Michelle Pfeiffer), su tío Roger (Jonny Lee Miller), sus sobrinos Carolyn (Chloë Moretz) y David (Gulliver McGrath), y que se ha extendido cual pandemia hasta el portero de la mansión, Willie (Jackie Earle Haley), y la nana del pequeño David, Victoria (Bella Heathcote).

Pero esta nueva versión de Burton y Depp no es el único intento por resucitar este melodrama de vampiros desde las sombras. En 1991, la cadena NBC fabricó un lujoso remake de esta serie. A pesar de la gran expectativa generada, la audiencia por la Guerra del Golfo Pérsico acabó por regresar a su féretro a Dark Shadows. Otro intento fue por parte MPI Home Video, quien posee los derechos para reproducir la serie en videos caseros, lanzando en el 2007 más de mil capítulos de la serie original. El LEGADO

SOAP OPERA

Mes: junio, día: 27, año: 1966. A través del televisor y en blanco y negro, la cadena norteamericana ABC llevaba por primera vez a todos los hogares de los Estados Unidos una “gothic soap opera” surgida de la negra mente de Dan Curtis, que se televisaría todos los días de la semana. De esta forma dieron vida al monstruo llamado Dark Shadows.

Dan Curtis y Dark Shadows convirtieron este melodrama de terror en una serie pionera en su género, que incluso permeó en su momento industrias como la editorial, con la publicación de cómics, libros y revistas. Series actuales como The Vampire Diaries o Supernatural se forjaron en la terrorífica idea de Curtis de hace medio siglo, de mostrar las dos caras de estos seres sobrenaturales: la del monstruo y la del ser humano. FANCLUB CINÉPOLIS®

DIRECTORES

JAMES CAMERON Hay quienes les llaman placeres culposos. Se trata al fin y al cabo de películas que muchos ven y otros tantos disfrutan de verdad. Vamos, inclusive hay quienes las hacen parte de su repertorio sentimental. Y quizás uno de los más claros ejemplos de éstas es o debería ser Titanic, de James Cameron. POR XIMENA URRUTIA

TITANIC Y LO SENTIMENTAL ES UNA CUESTIÓN

KING OF THE BLOCKBUSTER

que sale a colación en estos tiempos de manera inevitable gracias al próximo reestreno comercial de la película de “el rey del mundo”, ahora además convertida en una película 3D (por supuesto ante esto, todos podemos imaginar a Leonardo DiCaprio y Kate Winslet cerca de nosotros cuando están en la proa del mítico barco). Titanic se estrenó en el año de 1997 (este 10 de abril se cumple un siglo desde que zarpó el “insumergible” RMS Titanic desde Southampton, Inglaterra, con destino a Nueva York), un año en el que además los amantes del séptimo arte no dejaron de estremecerse ante las imágenes de películas como La Vida es Bella de Roberto Benigni, o las formidables actuaciones de grandes como Jack Nicholson en Mejor Imposible (película de James L. Brooks que al laureado actor le otorgó su tercer Oscar). Sin embargo, Titanic no dejó lugar a dudas, se había creado un monstruo en materia comercial para la industria cinematográfica Hollywoodense y además ese año se llevó la codiciada estatuilla como la mejor película del año.

Y detrás del filme se encontraba ni más ni menos que uno de los directores que mejor ha sabido manejar estos éxitos, llevándolos a lugares que a veces se antojan insospechados. Y ya entrados en gastos, déjenme contarles que es precisamente este director el que ostenta el título de gran creador de películas taquilleras en Hollywood gracias a tres de sus filmes, The Terminator (1984), por supuesto Titanic, y la más reciente, Avatar (2010), siendo las últimas dos las que encabezan la lista de películas con más recaudación en taquilla en la historia. Cameron es un gran amante de la ciencia ficción, de hecho gran parte de sus historias giran en torno a este genero, para ser exacta 6 de sus 7 largometrajes de ficción como director, siendo True Lies (1994) la única que no (omitiendo su turbulento debut, Piraña 2, de 1981).

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CINTURÓN DE ORIÓN

Pero habría que ir a los orígenes para comprenderlo mejor. De hecho, cuenta la leyenda que es hasta los 25 años, cuando ve Star Wars (1977), que define su voca-

ción. La película causó tal impresión en él que decidió dedicarse de lleno al cine. Es entonces cuando recibe un par de trabajos no muy afortunados y junto con Randall Frakes realiza su cortometraje Xenogenesis (1978), en el que repercute claramente George Lucas (y que empleó música de Bernard Herrmann, el mismo de Psicósis). Pero no sólo se influyó por él, también por el maestro de toda esa generación y muchas de las venideras: Stanley Kubrick, y su 2001: Odisea del Espacio (1968). Este cortometraje anticipa ya la figura de Cameron en Hollywood, y en él podemos encontrar las aproximaciones previas de mucho de lo que veremos en sus películas. En breve, relata una mujer y un hombre modificado mediante la ingeniería, enviados por una nave sensible para buscar un espacio donde inicien un nuevo ciclo de vida. Aunque deben sobreponerse a peligros, como robots que los atacan… GALAXIA DE TERROR

Sin embargo, su trayectoria no siempre estuvo llena de éxitos y es que tan pronto se conoció su talento como supervisor de efectos especiales para Roger Corman (hay que decir que bajo la lente de este director de cine independiente empezaron muchos directores ahora reconocidos o actores, como Francis Ford Coppola, Martin Scorsese o Jack Nicholson y Robert De Niro), llegó su primer trabajo como director luego de trabajar en la segunda unidad de Galaxy of Terror (D. Clark, 1981) y fue dirigir Piraña 2. Este trabajo le costó la buena reputación que había logrado e inclusive a tan sólo dos o tres semanas de rodaje fue despedido (luego trabajó en la edición de la cinta). Cosa que le dejó un amargo sabor de boca y se prometió a sí mismo no volver a dirigir proyectos que no fueran escritos por él. Pero su trabajo impresionó a todos cuando logró que unos gusanos muertos colocados en un brazo falso se movieran de tal manera que parecía que estaban devorando la irreal carne. Lo hizo gracias a un complejo sistema eléctrico que los hacia moverse. TRANSFORMACIONES

Así nació la película que lo hiciera famoso, The Terminator. Se hizo bajo presión de tiempo y el presupuesto

se elevó más de lo que debía. Aun así el resultado fue impresionante; no sólo el público, sino también la crítica adoró la película y con ella nació el fenómeno que hoy conocemos como James Cameron. Es a partir de este filme que viene una enorme cantidad de éxitos para este director, productor y guionista. La tecnología por supuesto ha sido su aliada y cómplice, tal como lo demostró con la película Avatar que está hecha en enorme medida por animaciones generadas en una computadora. El costo de la película fue de 270 millones de dólares y se convirtió rápidamente en un éxito al llegar en tiempo récord a recuperar la misma cantidad en taquilla y convertir la inversión en unos jugosos dos mil setecientos millones de dólares hasta la fecha. PROFUNDIDAD TECNOLÓGICA

Sin embargo, hay una cosa de él que no necesariamente todos conocemos: su faceta como documentalista. Y es que desde que llegó el nuevo milenio, Cameron apostó también por esta línea, realizando diversos proyectos como los documentales submarinos Expedition: Bismarck (2002), Ghosts of the Abyss (2003) y Aliens of the Deep (2005). Unos años después, de la mano de Simcha Jacobovici, documentó el descubrimiento de una tumba que se aseguraba era la de Jesús. En la película fungió como productor ejecutivo (como ahora con Cirque du Soleil Worlds Away) y de hecho pudo verse en un canal especializado de TV. Lo que sí se sabe con claridad es que Cameron es un profundo amante e impulsor del cine en tercera dimensión. En más de una ocasión ha comentado que de ahora en adelante de esta forma hará todo lo que sea posible. Y debe ser verdad porque incluso hoy apuesta por el regreso de sus éxitos en versión 3D, como es el caso de la mencionada Titanic (quince años después, con más 18 millones de dólares adicionales y 60 semanas de trabajo extra). Si bien su historia ya no sorprenderá a nadie, seguramente hará a muchos recordar aquellos viejos tiempos.

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EN CARTELERA

SEMANAS DE SORPRESAS Las diferencias culturales, físicas y sociales descubren rasgos sorprendentes que no siempre son explícitos. Los contrastes unen estos estrenos, que antes de ser pasatiempos para épocas difíciles, son ventanas de las posibilidades actuales. POR SALVADOR CANO

SALMON FISHING IN THE YEMEN

Estreno tentativo: 9 de marzo. Corazón Films Salmon Fishing in the Yemen es una comedia dramática (o “dramedy”) característica en la filmografía del sueco Lasse Hallström (The Cider House Rules, Dear John). O sea, aunque ya no rueda cintas como My Life as a Dog (1995) o documentales como el del grupo ABBA, filma películas con atractivo comercial, buena factura y temas maduros. En el estreno narra los esfuerzos de la especialista Harriet Chetwode-Talbot (Emily Blunt) y el problemático Fred Jones (Ewan McGregor), para introducir el deporte de la pesca de salmón en los cauces estacionales de los ríos de Yemen. Es una comedia romántica delicada que exhibe diferencias culturales que contrastan valores universales y necesarios, inclusive en la pesca, como la paciencia y la humildad. Asimismo pescar es un momento donde desaparecen las diferencias de estatus o las nacionalidades de quienes lo practican, para reflexionar más allá, por ejemplo, sobre los conflictos en el Medio Oriente… La vida, como los ríos, está abierta a sorpresas y siempre habrá un pez más inteligente que uno. Salmon Fishing in the Yemen es una adaptación de la primera novela de Paul Torday que toca la cobertura mediática de aventuras “exóticas” (sobre todo por el papel de Kristin Scott Thomas) o los sentimientos de claustrofobia, soledad y estrés en la política. Atrae que sus personajes creen en lo aparentemente imposible, para así modificar tradiciones que atrasan el progreso, como la ineptitud gubernamental. 14

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UN MONSTRUO EN PARÍS

Estreno tentativo: 27 de abril. Gussi Artecinema El éxito de La Invención de Hugo Cabret, de Martin Scorsese, es un signo alentador para películas familiares como Un Monstruo en París en 3D. Sus temas y escenarios son parecidos y también se ubica en París, aunque durante la gran inundación de 1910. Narra a Emile, un tímido proyeccionista y amante del cine, y Raoul, su amigo inventor, en una aventura que involucra una terrorífica criatura que extiende el miedo por la ciudad. Sin embargo, el monstruo no es lo que parece y se relaciona con Lucille (en su idioma original doblada por Vanessa Paradis), una cantante de cabaret de gran corazón, en un relato donde también aparece un excéntrico científico y un cínico y despiadado prefecto de policía que buscará explotar la imagen del monstruo para sus propios fines, distrayendo a los parisinos de las inundaciones. Mencionan que el filme animado de la directora francesa Bibo Bergeron tiene rasgos de El Jorobado de Notre Dame y hasta de King Kong, pero sobresale su singularidad y estilo en una gran película familiar. Consultar fechas de estreno en cartelera.

EL LENGUAJE DE LOS MACHETES

Estreno tentativo: 27 de abril. Interior 13 Ray (Andrés Almeida) y Ramona (Jessy Bulbo) son una pareja joven que observa el caos y la injusticia favorecida por su contexto social. Quieren cambiar esa realidad y viven en un tipo de limbo entre el compromiso y los excesos de la noche. Él trabaja como reportero y registra videos para una ONG y ella es cantante de un grupo punk. Su relación es intensa, a menudo problemática. De repente piensan en tener un hijo, pero luego de que Ray es reprimido y golpeado en Atenco, duda sobre su rol y el futuro que le dejarían. Todo esto forma parte de una neurosis y contradicciones con certezas y miedos que a cada momento intercambian sus posiciones. Es parte de una verdad similar a la música interpretada por Ramona: ruidosa y rápida. Las dudas llegan: seguir o no con la idea del hijo, ser un revolucionario light o uno real que toma acciones concretas y apartadas de la ley. El Lenguaje de los Machetes, ópera prima de Kyzza Terrazas, tiene una realización franca y espontánea. Estéticamente recuerda al mismo cine guerrillero y militante de los años 70 –Terrazas nos dijo del poco presupuesto, de la necesidad por soltarse en el rodaje y por transmitir sensaciones en una historia de amor y política– con una coyuntura descriptiva de la juventud actual.

HOTEL MARIGOLD

Estreno tentativo: 4 de mayo. 20th Century Fox Dirigido por John Madden (Shakespeare Enamorado, Al Filo de la Mentira), Hotel Marigold es un ejemplo de la tradición de humor británico, elegante y alejado de la carcajada fácil. En éste nos divertimos con las vivencias de un grupo de ingleses que decide jubilarse en Bangalore, una exótica población de la India, orientados por el local Sonny (Dev Patel, de Quisiera Ser Millonario). De inmediato vemos una diversidad temática que aprovecha las diferencias para facilitar contrariedades, luego de que los británicos se desaniman al arribar al hotel del título, antes creyéndolo un resort lleno de lujos. Pero esto da pie al descubrimiento que tenemos frente a lo desconocido, lo esencial en las relaciones humanas. Con un ensamble con Judi Dench, Bill Nighy, Tom Wilkinson y Maggie Smith, la película se aleja de las típicas de asilos de adultos mayores y usa al escenario como un elemento central. Relata que las apariencias ayudan poco a lograr una real transformación, lo opuesto de los colores, sonrisas y emociones en la convivencia. En síntesis, alegra y se distingue por un dicho del país asiático: Todo estará bien al final, si no está bien, todavía no es el final. FANCLUB CINÉPOLIS®

INDIE

DESDE QUE LOS LUMIERE RODARON la salida de los obreros de la fábrica o la llegada del tren a la estación de Ciotat (retomada por la película Hugo) se estableció el glamour y estética del cine francés. Construye arte en lo que algunos, quejándose por lo ligero del comercial, piensan riguroso pero como cualquier otra profesión. Pero en Francia hay un riesgo y espíritu independiente que busca resultados no sólo económicos, a veces parcialmente subvencionado por el Estado. Recientemente se ha visto una oferta francesa donde destacan la modernista House of Pleasures de Bertrand Bonello, la histórica La France de Serge Bozon, la agridulce Intouchables de Nakache y Toledano, éxitos de nuevos realizadores como Tomboy de Céline Sciamma o de contemporáneos consagrados como Venus Negra de Abdellatif Kechiche, en una oferta que aborda temáticas multirraciales, activismo social y retratos del desempleo. MEDIO DÍA EN PARÍS

La oferta de los galos llega a más gente cobijada por su reconocida herencia y casas productoras como Gaumont o Pathé, además de éxitos mundiales como de The Artist de Michel Hazanavicius. De hecho, Francia cerró el 2011 con un total de 215.59 millones de entradas vendidas (su mejor resultado desde 1966) y un 41.6% de la recaudación total para la producción nacional. Sin duda es una historia de éxito y celebridad a la par en otros mundos, como el de la moda. En una síntesis artística lo vemos en el documental Un Amor Loco. UN AMOR LOCO

UN AMOR LOCO POR JUAN SEGUIN

Las actividades que logran negocios o distinciones tienen un poder mágico que les materializa ene mil padrinos. Los franceses Auguste y Louis Lumière simbolizan el balance entre lo industrial, los riesgos y la independencia de la oferta francesa, incluso de polémicas con semblantes parecidos a los de otros oficios, como la moda.

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El documental Un Amor Loco de Pierre Thoretton aborda la relación entre el diseñador de moda Yves Saint-Laurent, su pareja Pierre Bergé y su colección de arte de un valor casi incalculable. La pareja coleccionaba obras sin distinción que luego “confeccionaba” o conjuntaba en casas con cuartos llamados como personajes del escritor Marcel Proust. De esta forma también le dio extensiones a un término amplio, como arte, y otro suscrito, moda. Lo expone mediante testimonios sobre el hombre de las gafas de montura gruesa y oscura que fue llamado “libertador” ya que no sólo vistió a las mujeres con prendas masculinas, sino que les dio poder y confianza. Sin embargo, el filme descubre cómo aun rodeado de belleza los placeres estéticos no le alcanzaron para que hallara paz emocional. Sabemos que un documental por sí solo no sobrepasa el interés de su tema. Pero Un Amor Loco funciona además porque no se excede en detalles de la labor de Saint-Laurent como modisto. Emplea tomas de archivo y entrevistas con Bergé (con quien compartió medio siglo de vida), ministros de cultura, modelos, etcétera, y describe que la moda “no es del todo un arte, pero necesita a un artista para existir”. Asimismo muestra la necesidad de administración (el otro rol de Bergé) dentro del “arte”, en este caso, para lograr un imperio que transformó la alta costura en un lujo.

TITANIC

BENEFICIOS ESPECIALES FANCLUB®

M Y HEART W I L L G O ON

¡FANCLUB CINÉPOLIS® Y 20TH CENTURY FOX TE REGALAN PULSERAS Y PASES PARA LA PREMIER DEL REESTRENO DE TITANIC! Sólo envía las respuestas correctas de la siguiente trivia con todos tus datos en un correo a fanclubcinepolis@cinepolis.com

TRIVIA 1. ¿Cuántos premios Oscar recibió Titanic en 1998? 2. ¿Qué película desbancó a Titanic como la más taquillera de la historia y quién la dirigió? 3. ¿Cuánto dinero costó la nueva remasterización y conversión a 3D del éxito estrenado hace casi 15 años? 4. Dinos tus comentarios y sugerencias de FANCLUB Cinépolis®.

REQUISITOS PARA PARTICIPAR Limitado a los primeros suscriptores que envíen un correo que en el asunto diga “FANCLUB Cinépolis® Titanic” con las respuestas correctas de la trivia, máximo hasta el 30 de abril de 2012, si aplica. A los ganadores se les avisará de la fecha y sede de la premier. Recuerda incluir tu teléfono, nombre y dirección para que se valide la participación. En caso de resultar ganador, sólo podrás serlo en una de las trivias de cada mes (ésta siendo la primera registrada como ganadora). Si no eres suscriptor de FANCLUB Cinépolis® no podrás ser ganador de este beneficio.

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TENDENCIAS

LAS PELÍCULAS INFANTILES

ALGO MÁS QUE INNOVACIÓN TECNOLÓGICA POR OMAR ÁVILA

La pantalla grande se ha constituido en los últimos años como una opción de entretenimiento para los niños. Muchas familias planean en su fin de semana o en días festivos una ida al cine. Es sintomático que en periodos vacacionales –como el de Semana Santa– el aumento de afluencia de infantes en las salas sea notable. Por este motivo, además de que este mes se celebrará el Día del Niño, se presenta aquí un breve panorama de las tendencias en el cine para niños abordadas desde la animación, las historias que se cuentan y los personajes que se crean.

CUANDO EL TEMA A TRATAR son las películas infantiles, es imposible ignorar a la animación, la cual ha sido desde mediados del siglo pasado la punta de lanza en cuanto a películas y entretenimiento para niños. Las principales compañías que producen películas infantiles (Disney, Pixar, DreamWorks y Aardman) tienen una gran disputa por el mercado, lo cual las obliga a pensar cada vez con mayor detenimiento los proyectos que piensan echar a andar. Lejos quedó aquella época donde Disney tenía 18

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el monopolio de las producciones animadas e infantiles. Pixar, nacida en 1986, comenzó a inquietar a Disney con la realización de cortometrajes de gran calidad, y sobre todo con su despliegue tecnológico. La compañía del Ratón Mickey se miró a sí misma y decidió, por tanto, aliarse al que pensaba que sería su más arduo competidor. En 1995, después del gran éxito que significó El Rey León, Disney presenta en alianza con Pixar la ya clásica Toy Story, un hito del cine de animación. La

caricatura o 2D y la stop-motion quedaron atónitas frente a la animación por computadora que nos regalaba imágenes con profundidad (en tres dimensiones), escenarios de ensueño y movimientos finos de los personajes. La brecha se abría para una nueva era visual en el cine para niños. Pero la real amenaza de Disney no era Pixar, sino DreamWorks, que comenzó a hacerle sombra en 1998 con Antz, película que vio la luz de manera casi simultánea a Bichos, de la alianza Disney-Pixar. Gracias a este movimiento

de angustia que provocan las escenas cruciales de la película, los mensajes de amistad, de unidad, compañerismo y fidelidad prevalecen por sobre cualquier imagen impactante. La mente recuerda instantes donde la emoción fue intensa, y una buena historia teje poco a poco esos clímax que los niños necesitan para recordar toda la vida un mensaje. Eso, dentro de otros factores, son los que crean clásicos infantiles de la pantalla grande. Por tanto, el argumento seguirá siendo crucial en una producción de esta naturaleza. NUEVOS PERSONAJES, NUEVAS SECUELAS

estratégico, DreamWorks mostró que sí se le podía competir al tú por tú a la compañía más grande de entretenimiento infantil. Luego de Antz vendrían nuevos éxitos de esta compañía como Shrek (2001) y Madagascar (2005). A inicios de la segunda década del siglo XXI, las tendencias de la animación parecen ya no centrarse tanto en los softwares tradicionales –lo cual es ahora lo más usual–, sino en nuevas formas híbridas de animación, como el motion capture, en el cual una computadora interpreta los movimientos de un actor a través de sensores de movimiento –similar al sistema que poseen las actuales consolas de videojuegos. La animación ya no es sólo un trabajo en un escritorio, sino que incluye, además, la expresión corporal de un actor profesional. Las Aventuras de Tintín del año pasado es un ejemplo de una película hecha con esta semi-animación. Al parecer esta técnica irá tomando más fuerza en los siguientes años, siempre y cuando no haya una innovación tecnológica que llegue a desplazarla de inmediato. TENDENCIAS EN LAS HISTORIAS

Sin una historia, no importa qué tan grande sea el despliegue de recursos tecnológicos. Desde siempre, las historias han sido un eje principal en el cine para niños. En el pasado, podía haber una animación muy básica, pero los relatos y las canciones quedaban grabadas en lo más profundo de la mente de los infantes. Basta con mencionar Fantasía (1940), Dumbo (1941), Bambi (1942), La Bella Durmiente (1959), La Sirenita (1989) o El Rey León (1994), entre muchas historias más, para probar que en la mente de los niños se graban los personajes, las aventuras y las situaciones en las que se ven reflejados directa o indirectamente. Por ello, aunque la tecnología estimule cada vez más los sentidos, el cine infantil seguirá recurriendo a temáticas e historias a modo para poder crear éxitos que perduren en la memoria. Si pensamos en Toy Story 3 (2010), más allá del vértigo y la sensación

A pesar de tanto despliegue tecnológico y de la fuerza que las historias le imprimen a las películas para niños, la creación de nuevos relatos y nuevos personajes no es el punto fuerte de las producciones actuales, y parece que esto no cambiará a corto plazo. Las secuelas han sido dueñas del mercado en los últimos dos años: en el 2010 vimos Toy Story 3 y Camp Rock 2 de Disney, y Shrek Forever After de DreamWorks; el año pasado Disney estrenó Cars 2 y DreamWorks, por su parte, presentó Kung Fu Panda 2 y Gato con Botas (que se desprende del personaje de Shrek). DreamWorks parece que no abandonará esta tendencia, pues para verano de este año estrenará Madagascar 3 y en verano de 2013 lanzará la segunda parte de Cómo Entrenar a Tu Dragón. Por su parte, Disney le apuesta en este 2012 a las versiones en 3D de dos clásicos: Toy Story y Toy Story 2, tal como lo hizo el año pasado con El Rey León. No cabe duda que la tendencia de hacer secuelas en la oferta de películas infantiles es un respiro para asegurar el mercado y a la vez lanzar películas que puedan ser éxitos, pero no es posible saber si lo serán sino hasta que respondan en la taquilla. Una vez que los realizadores hagan que ciertos personajes se graben en la mente de los niños, no duden que habrá más secuelas. Mientras, éstas permiten que la creatividad fluya. UN BELLO HORIZONTE

No obstante, y en otro orden de ideas, no hay que perder de vista la brecha que está abriendo La Invención de Hugo Cabret de Scorsese… Pero esta película merece unas líneas aparte.

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ESPECIAL

AMERICAN PIE: EL REENCUENTRO

JOSUÉ GUERRERO

En 1999 llegó a las salas cinematográficas una de las cintas cómicas de adolescentes más exitosas de todos los tiempos, American Pie. Tras doce años, y dos secuelas respectivamente, American Pie 2 (2001) y American Pie: La Boda (2003), esta franquicia regresa, y lo mejor de esto es que lo hace con todos sus personajes originales. BIEN LO DICE AQUELLA FRASE QUE RECORDAR ES VIVIR, y aunque cuando lo hacemos la nostalgia nos puede llegar a invadir, es grato traer de vuelta esas imágenes de nuestro pasado. Y algo por el estilo sucede cuando escuchamos que se encuentra de regreso una de las cintas más divertidas de principios de siglo, que sin duda divirtió a toda una generación con su humor procaz e irreverente (al menos para los que nos tocó disfrutarla, ésos que nos encontramos en el tercer escalón al igual que sus protagonistas). Para esta ocasión, Universal Pictures quiso echar la casa por la ventana y crear la mejor secuela de esta saga, es por eso que no escatimó y desde el comienzo de su planeación en el 2008 se dispuso a reunir al elenco original, y sin más ni menos lo consiguió. UN REGRESO ENTRAÑABLE

En el verano de 1999, cuatro adolescentes de una pequeña ciudad de Michigan decidieron que ya era hora de perder la virginidad. Años después nos enteramos de que se reunieron tras un año en la universidad para hacer una fiesta y tratar de perder la virginidad de nueva cuenta. La historia no paró ahí, y tiempo después Jim (Jason Biggs) y Michelle (Alyson Hannigan) se casaron, mientras que Kevin (Thomas Ian Nicholas) y Vicky (Tara Reid) se separaron. Han pasado ocho años desde la boda, ocasión en que se vieron por última vez. Ahora los amigos regresan al instituto East Great Falls para participar en una reunión en la cual se enterarán qué y quién ha cambiado, qué y quién no, pero también comprobarán que el paso del tiempo y la distancia no dejan de lado los lazos de amistad. 20

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SUTILES INGREDIENTES

La película está escrita y dirigida por Jon Hurwitz y Hayden Schlossberg (quienes han trabajado en las cintas de Harold & Kumar, como Dos Tontos en Fuga), quienes han prometido que esta será la mejor secuela de la saga, la cual supone un derroche de nostalgia al ver juntos de nueva cuenta a todos los personajes de la película original. El argumento, aunque sabemos contará la reunión de los amigos después de unos años, se centra un tanto en la historia de Jim y Michelle Levenstein, quienes ahora nos muestran un lado diferente al que les hemos visto, pues han experimentado la paternidad. En diferentes entrevistas Alyson Hannigan ha declarado que lo grande de esta franquicia –está claro–, es que hay humor obsceno, aunque a lo largo de la saga también se han involucrado los sentimientos y el lado humano como lo fue la boda entre Jim y Michelle, algo que para esta cuarta entrega no se perderá. Para los verdaderos fans de esta cinta, cabe mencionar que veremos de regreso a personajes como el de Nadia (Shannon Elizabeth), la cual se ha convertido en la reina de la web, pues el video que protagonizó con Jim ya cuenta con millones de visitas en YouTube. También retornan los amigos Sherman (Chris Owen) y John (John Cho) y claro, no podían faltar personajes íconos de esta historia como el papá de Jim (Eugene Levy) y por supuesto la cougar (para quien no lo sepa, un término usual para la mujer madura que se liga jóvenes de manera depredadora) preferida de los adolescentes, la mamá de Stifler (Jennifer Coolidge).

ESPECIAL

COMANDO ESPECIAL

Películas como Los Infiltrados, Infernal Affairs (de Hong Kong), Día de Entrenamiento, Donnie Brasco y Point Break relatan historias de agentes encubiertos, espías todo terreno que hacen verse bien a la traición. ¿Pero qué tal una versión spring break? Agréguenle reventón, citas de series como Family Guy o South Park, ambientes donde todos son DJs y portan ropa marca Hollister, fans de Crepúsculo, hormonas, homenajes al pasado y un par de agentes medio tontos… El resultado: Comando Especial. MIGUEL ÁNGEL ALMADA

LA COMEDIA DE ACCIÓN COMANDO ESPECIAL (21 Jump Street) seguramente creará expectación. Hoy sobran padres de familia que olvidan su juventud y que ocultaban lo fichitas que eran, preocupados por la educación de sus hijos. Asimismo vemos títulos de películas de “dobles agentes” como Rápido y Furioso que, curiosamente, destacan en notas que no son de espectáculos. Comando Especial se beneficia de la época de rumores y desinformación. Actualiza la serie transmitida en los Estados Unidos de 1987 a 1991 sobre unos oficiales que se hacían pasar por adolescentes. Su trabajo encubierto funcionaba para abordar dramones como las drogas, los crímenes de odio o la sexualidad. Fue donde vimos los inicios de Johnny Depp y breves apariciones de Brad Pitt, Vince Vaughn, John Waters y Mario Van Peebles, aunque tenía un tufo a programa de organización dedicada al servicio comunitario. ¿Dónde quedaba el humor juvenil? En su nueva versión cinematográfica: Comando Especial. BAD BOYS

Dirigida por Phil Lord y Chris Miller (realizadores de la peli animada Lluvia de Hamburguesas), relata cómo Schmidt (Jonah Hill, recientemente nominado al Oscar por Moneyball) y Jenko (Channing Tatum) se apartan de los problemas adolescentes y unen a las fuerzas policiales. Creen que vivirán explosiones, persecuciones de autos, intrigas, trabajo de inteligencia, femmes fatales… Pero el trabajo policial no es así realmente, y son unos ineptos. Debido a su torpeza y aspecto serán elegidos para revivir un proyecto de finales de los años 80: Ingresarán a la unidad secreta 21 Jump Street. Entonces, de incógnito y como fans de Justin Bieber (ja) buscarán desmembrar una red del narco responsable de propagar una novedosa y peligrosa droga sintética… Aunque esto incluirá regresar al ligue, a la fiesta y a la popularidad, nada mal. REDES CRIMINALES

La cinta es curiosa ya que a la fecha debe investigarse poco para conocer los secretos de cualquiera. No faltan los que ventilan todo en cualquier red social. Con todo esto, Comando Especial es una buena mezcla de comedia y acción que actualiza la serie 21 Jump Street y le agrega algo de Bad Boys y de película de John Hughes. FANCLUB CINÉPOLIS®

ESPECIAL

FURIA DE TITANES 2 Fantasía, aventura y grandes efectos. Sin duda éstos son los elementos principales de una historia épica realmente atractiva. Al igual que su predecesora, Furia de Titanes 2 se plantea como un paseo por los temas favoritos del peplum (género que puede definirse como cine histórico de aventuras) y del cine fantástico: héroes y dioses, criaturas mitológicas y aventureros sin temor a lo desconocido, capaces de afrontar retos fabulosos. JOSUÉ GUERRERO

HABLAR DE HISTORIAS MITOLÓGICAS es hablar de historias que realmente atraen y que provocan una gran emoción para introducirse en lo fantástico y desconocido. Ciertas o no, causan sensación, sobre todo aquéllas que explican los orígenes del mundo y detallan las vidas y aventuras de una amplia variedad de dioses, héroes y otras criaturas mitológicas, temas que ha tocado en todo su esplendor la película Furia de Titanes. Para esta segunda parte, se ha apostado con todo para que se logre una gran producción. De entrada, fueron más de cien millones de dólares de inversión y grandes talentos de películas anteriores, incluyendo el nominado al Oscar en la categoría de efectos visuales, Nick Davis (El Caballero de la Noche); el nominado al Oscar en la categoría de maquillaje artístico, Conor O’Sullivan (Rescatando al Soldado Ryan y El Caballero de la Noche); y el ganador del Oscar en la categoría de dirección de efectos especiales y animatronics, Neil Corbould (Gladiador). UNA NUEVA VISIÓN

En esta ocasión, el filme estará dirigido por el sudafricano Jonathan Liebesman, quien ha tenido a su cargo proyectos como Masacre en Texas: El Inicio o Invasión del Mundo: Batalla Los Ángeles. Para Liebesman, está claro que el suspenso en una cinta es muy importante, por eso ha dejado entrever que en esta secuela lo habrá. En varias entrevistas, el realizador declaró que su propósito fue apostar por una visión realista de un mundo fantástico, darle el realismo histórico de Gladiador con los efectos especiales de El Señor de los Anillos. Sin duda el sudafricano ha conseguido una si22

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nergia entre estas cintas antes mencionadas y el resultado ha sido una gran producción, un tanto como las creaciones de Christopher Nolan o Darren Aronofsky. ENTRE DIOSES Y HUMANOS

Para esta secuela quienes se encargaron de escribir el guión fueron Dan Mazeau y David Leslie Johnson a partir de un relato de este último y de Greg Berlani. En cuanto a la producción, estuvo a cargo de Basil Iwanyk y Polly Cohen, para quien esta segunda parte será mejor que la primera, entre otras cosas, porque se habrá rodado todo directamente en 3D. En el reparto repiten, por supuesto, Sam Worthington (Avatar), en el papel de Perseo; Ralph Fiennes (Harry Potter), como Hades; Liam Neeson (La Lista de Schindler), como Zeus, y se incorporan Rosamund Pike, en el papel de Andrómeda, y Toby Kebbell (RocknRolla) como el hijo de Poseidón, Argenor. El cine es por excelencia una caja de emociones que nos puede transportar a lugares a los que tal vez nunca podremos ir o que simplemente sólo pueden estar en nuestra imaginación. Al enterarnos de una historia como la de esta película, nuestro interés desborda por saber cómo se podrán representar todos esos escenarios en los que se desenvuelven dioses como Zeus, Hades o Poseidón. La respuesta es que para su realización se tuvieron locaciones en Londres, Surrey, Gales

del Sur, y en España, en la isla de Tenerife y en las Islas Canarias, donde se montaron dos sets de rodaje, el primero de ellos pegado a la costa en Arico, donde se ha recreado el poblado donde se recupera la historia de Perseo, un semidios, hijo de la humana Danae y de Zeus, que lleva una vida tranquila de pescador junto a su hijo. ARGUMENTO

Batallas épicas y paisajes inimaginables, esto es sin duda lo que nos ha presentado Furia de Titanes. En la nueva entrega, el argumento desarrollará cómo Perseo trata de vivir una vida más tranquila cuidando de su hijo de 10 años, Helio. Todo parece estar en calma después de las duras batallas a las que se enfrentó, pero lamentablemente la lucha entre dioses y Titanes continúa por lo que el joven héroe se verá obligado a rescatar a Zeus que se ha debilitado. La trama nos explica cómo los dioses peligrosamente debilitados por la falta de devoción de la humanidad pierden el control de los Titanes encarcelados y de su feroz líder, Kronos, padre de los hermanos Zeus, Hades, y Poseidón, el cual ha estado en el trono por mucho tiempo. Perseo no ha olvidado su verdadera vocación y al ver que Hades y Ares (Édgar Ramírez) han hecho un trato con Kronos para capturar a Zeus, hará hasta lo imposible por salvar a toda la humanidad.

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PORTADA

THE AVENGERS Hace un año comenzó el rodaje de The Avengers: Los Vengadores. Desde entonces, hemos contado el tiempo y comprendido la relatividad que estudió Einstein. Vaya que ha sido lento el movimiento del segundero. Una y otra vez veíamos el reloj y la fecha era la misma… Era lo menos si se trataba de disfrutar la cinta total de superhéroes.

SALVADOR CANO

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y unidimensional). Tan sólo piensen en la frase “según el sapo la pedrada” e imaginen por qué habrían de reunirse The Avengers…

THE AVENGERS: LOS VENGADORES HA SIDO UN PROYECTO largamente anhelado y trabajado por quien fuera el guionista de las películas que se han estrenado de estos superhéroes, Joss Whedon (Serenity). Un año atrás comenzó a filmarse en la tierra postiza de Thor, Albuquerque, y Whedon mismo dirigía con base en un guión de su autoría. Contaba con un elenco soñado, Robert Downey Jr. (Iron Man), Chris Evans (Capitán América), Chris Hemsworth (Thor), Mark Ruffalo (Hulk), Jeremy Renner (Hawkeye), Scarlett Johansson (La Viuda Negra) y Samuel L. Jackson (como el artífice, visionario y “Big Brother” Nick Fury). ¿Era verdad o éxtasis? Era cierto, y el pellizco no desaparecía la ilusión. Además fue el primer largometraje de esta serie en ser totalmente comercializado y distribuido por Disney luego de adquirir Marvel en el 2009.

MITOLOGÍA Con esta nueva óptica, las películas que hemos visto de los héroes Iron Man, Thor, Hulk y el Capitán América parecerán tráilers de este estreno. La epopeya reúne las virtudes y aventuras de todo este universo, pero nació con una pregunta: “¿cómo llegaremos a lograrla?”. Whedon así realizó un espectáculo que presenta rasgos que no conocíamos de los personajes. No sólo se trata de una acción verdaderamente espectacular, sino también de una trama que se basa en cómo dialogan las figuras, por ejemplo, Thor, un dios; Iron Man, un empresario/ ingeniero/dandy (que exhibe una clara evolución siendo el único que veremos por tercera ocasión; ya sabe que sí, todo es posible); Hulk, un científico volátil (y en esta cinta mucho más cercano al personaje de los cómics); o Capitán América, un patriota, líder y defensor de la moral (por cierto, Chris Evans ha destacado el ritmo de los intercambios en la película y lo atractivo de las fricciones entre los superhéroes).

NUEVOS CLÁSICOS El clímax de la serie de aventuras cinematográficas que inició con Iron Man (2008), refunda las tramas épicas y los espectáculos de los llamados blockbusters. En el 2012 el mundo ciertamente se termina y vuelve a nacer, pero en el cine. Es por una cinta donde habrá una importante mezcla de elementos retrofuturistas, sensaciones y que será un antes y después en este tipo de apuestas. De inicio sepamos que por ello el Capitán América será de los personajes centrales en la cinta. Y además se apoyará en las relaciones entre los héroes para que tenga un eco e ingenio que supere el éxito pasajero. En la narración estaremos de lado del súper conjunto en su lucha por salvar al mundo contra amenazas como los alienígenas Redacted, figuras multicolores que mutan de forma. Los peligros no irán solos, sino que se acompañarán de villanos memorables –no les contamos quiénes, lo sabemos, pero deben verla para creerlo– conformados y engañados por el maestro de las artimañas Loki (Tom Hiddleston, quien jugará un rol completo e igual al resto de los personajes con un desarrollo inteligente, en su caso alejado del “malo” simple FANCLUB CINÉPOLIS®

PORTADA

ESCENARIOS FANTÁSTICOS

Basada en el célebre y popular cómic, se supo que en el set hubo un clima de trabajo genial. Los nombres de los involucrados le hicieron honor a su tamaño y contribuyeron tanto como quisieron para lograr escenas gigantescas. En términos simples, estuvieron relajados y concentrados para traducir su amor por los cómics. Whedon además no quería copiar ninguno de los estilos de los filmes previos de Marvel y además el público que no haya visto los anteriores será capaz de disfrutar la cinta. Igualmente Whedon desarrolló una trama espectacular que impresiona con los efectos y la escala de los sets (con un diseño visual completamente elogioso de las historietas). De hecho, cuando el Capitán América y Bruce Banner caminan hacia el Helicarrier por primera vez –uno de los sets–, podemos verlo en sus ojos: están impresionados. Asimismo destaca una célula de aislamiento vidriada que aloja a Bruce Banner en caso de que éste comience a transformarse en Hulk, o la cabina del Quinjet, una única y súper tecnológica nave de transporte para el equipo de SHIELD (la agencia que junta a los héroes y es encabezada por Nick Fury) en la que vemos a Hawkeye y La Viuda Negra.

Una nueva literatura clásica NAYMA GONZÁLEZ

En esta década del cómic llevado a la pantalla grande, es innegable que la mancuerna entre esas dos industrias ha resultado una mina de oro para ambas. Después de los 90, cuando Marvel cayó en bancarrota, la legendaria casa editorial fue rescatada por varias compañías y diversificó su oferta de productos. Sus franquicias más reconocibles se adaptaron al cine con un éxito sorprendente para el público y los propios ejecutivos de la empresa. X-Men de 2000 abrió el camino con un magnífico resultado para las compañías y nombres particulares asociados, como los actores protagónicos, que a raíz de la cinta fincaron carreras y fortunas. Spider-Man de 2002 (protagonizada por Toby Maguire) recaudó más de 100 millones de dólares en la semana de su estreno. La adaptación de cómics clásicos al cine se convertiría ipso facto en una fórmula altamente redituable y de probada popularidad. En esta titánica fusión de industrias del entretenimiento, no podría esperarse un género más apto para generar ganancias: el superhéroe. Y no es coincidencia que éste haya tenido semejante recepción precisamente en el contexto del 11 de septiembre y la guerra contra el terrorismo, impulsada por Estados Unidos. 26 FANCLUB CINÉPOLIS®

Juegos de lenguajes

Dentro de estas narrativas de heroísmo patriótico no podía faltar la adaptación de Superman, hecha por Bryan Singer en el 2006, que, aunque desangelada y con un uso extremo de efectos de computadora, el simple nombre le significó una ganancia de casi 400 millones de dólares. Batman, con el hombre murciélago que protagoniza una historia de heroísmo individual más matizada, fue recreada en cine por el talentoso director británico Christopher Nolan en el 2005. Su versión fue aclamada unánimemente, así como la secuela de 2008 en las que probablemente sean las adaptaciones más arriesgadas del cómic al cine hasta el momento. No se puede dejar de mencionar el cómic posmoderno y crítico del género de superhéroe que es Watchmen, escrito por el británico Alan Moore y llevado a la pantalla grande en el 2009 por Zack Snyder, quien actualmente prepara su versión de Superman, que se estrenará el

próximo año. En tanto, la división fílmica de Marvel, Marvel Cinematic Universe, ha producido en años recientes títulos como Hulk, Iron Man, Thor y el Capitán América, en una agenda felizmente saturada para los no pocos lectores de cómics. Actualización de contenidos

En esta cartera de títulos que han hecho historia en las narrativas populares estadounidenses exportadas hasta el más insospechado rincón del planeta, no podía faltar otro clásico de la mitología historietística de ese país y que reúne a los últimos héroes individuales que Marvel ha llevado al cine: The Avengers. En esta historia creada originalmente en 1963, los vengadores hacen lo mismo que el superhéroe individual, pero en grupo: rescatan al planeta de la destrucción mientras se aseguran de expandir sus valores como universales.

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ESPECIAL

¡PIRATAS!

UNA LOCA AVENTURA POR NATALIA MOGUEL

¿Quién resiste el canto de las sirenas y no añora dejarlo todo –empezando por este artículo– para huir a la playa? Sí… Quisiera Ser Millonario. Hablando de esto y de las obligaciones, el ídolo de los drop outs, Steve Jobs, expresó: “es mejor ser pirata que alistarse en la marina”… LA PELÍCULA ¡PIRATAS! UNA LOCA AVENTURA se anima literalmente por una labor titánica que creo tuvo a Walter Raleigh como su santo. Vemos que los artistas y técnicos además dignifican a quienes comercializan productos de origen dudoso, son perseguidos, parrandean y, creo, siguen a los Raiders de Oakland (o Piratas, Bucaneros y demás equipos del “club del parche negro”). Pero los muestran como torpes capitanes Garfio y no como Jack Sparrow. Y se parecen a Gumby o a los California Raisins. El estreno hará reír por personalidades que parecen híbridos de 28

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Keith Richards, Michael Jackson y forajidos, pero en versión inglesa, tomando el té puntualmente. Destaca por mostrar esculturas animadas en 24 casi pinturas (y no cuadros) por segundo con la calidad de la empresa Aardman. Conocemos el prestigio de la productora, responsable de videoclips, de las aventuras Wallace & Gromit o de la cinta Chicken Run (2000) y otras bellezas que homenajean los valores clásicos del séptimo arte. Plastilina Mosh

El quinto largometraje de la compañía narra las aventuras de una de las tripulaciones más incompetentes si se trata de navegar por los siete mares. Su capitán compite por el premio “Pirata del Año”, pero deberá enfrentarse al pirata Black Bellamy y a Cutlass Liz (en su versión original con la voz de Salma Hayek), además de sufrir los embates de la reina Victoria. ¿Difícil? Lo que le sigue, pero promete diversión y múltiples lecturas con la aparición de figuras como un joven Darwin. Bajo la dirección de Peter Lord (Chicken Run) y Jeff Newitt, el guión adapta dos de los cinco

libros de la saga del escritor Gideon Defoe y probablemente sea el proyecto stop-motion (con la asistencia de computadoras para los detalles de los escenarios) más esperado para quienes gustan de la historia del cine y de la comedia. Operación total

¡Piratas! Una Loca Aventura es la producción más cara de Aardman. Los vemos con los modelos, esculturas, títeres y efectos digitales 3D… No podremos no pensar en el estreno anterior de los estudios británicos, Operación Regalo, y cuando la pequeña de seis años Gwen le pregunta a Santa: “¿Eres real?”… Sus cintas parecen actos de fe que en dos horas resumen la labor de 79 semanas de filmación, con un equipo de 300 personas, 33 animadores, 41 unidades de rodaje (sets miniatura) y cuatro estudios. Más bien la pregunta esencial, como con Santa, sería: “¿cómo lo logran?”. Pues con el amor por un cine artesanal alejado de la industria de prefabricados, rebatiendo la noción de que la moral mercantil actual no es más que un refinamiento de la pirata.

AMERICAN PIE: EL REENCUENTRO ¡FANCLUB CINÉPOLIS® Y UNIVERSAL TE REGALAN ARTÍCULOS SORPRESA DE AMERICAN PIE: EL REENCUENTRO!

BENEFICIOS ESPECIALES FANCLUB®

1. ¿Qué novedad traen los casados Jim Levenstein (Jason Biggs) y Michelle Flaherty (Alyson Hannigan) a la reunión? 2. ¿En qué películas con la palabra “American” en el título aparece Mena Suvari? 3. Dinos tus comentarios y sugerencias de FANCLUB Cinépolis®.

PROTEGIENDO AL ENEMIGO ¡FANCLUB CINÉPOLIS® Y UNIVERSAL TE REGALAN ARTÍCULOS PROMOCIONALES DE PROTEGIENDO AL ENEMIGO! 1. ¿Cuál es la canción en el tráiler de Protegiendo al Enemigo? 2. ¿En dónde se hubiera filmado la cinta de no haber reservas de seguridad? 3. Dinos tus comentarios y sugerencias de FANCLUB Cinépolis®.

JOHNNY ENGLISH RECARGADO/ OCEAN WONDERLAND ¡FANCLUB CINÉPOLIS® Y UNIVERSAL TE REGALAN DVDS DE JOHNNY ENGLISH RECARGADO O DE OCEAN WONDERLAND! 1. ¿Qué actriz de Johnny English Recargado también fue una chica Bond, y en qué película? 2. ¿Quién dirige el documental IMAX® marino Ocean Wonderland? 3. Dinos tus comentarios y sugerencias de FANCLUB Cinépolis®. Sólo envía las respuestas correctas de la trivia elegida con todos tus datos en un correo a fanclubcinepolis@cinepolis.com REQUISITOS PARA PARTICIPAR Limitado a los primeros suscriptores que envíen un correo que en el asunto diga “FANCLUB Cinépolis® American Pie” o “FANCLUB Cinépolis® Protegiendo al Enemigo” o “FANCLUB Cinépolis® Johnny English Recargado” o “FANCLUB Cinépolis® Ocean Wonderland” con las respuestas correctas de la trivia, máximo hasta el 30 de abril de 2012. Recuerda incluir tu teléfono, nombre y dirección para que se valide la participación. En caso de resultar ganador, sólo podrás serlo en una de las trivias de cada mes (ésta siendo la primera registrada como ganadora). Si no eres suscriptor de FANCLUB Cinépolis® no podrás ser ganador de este beneficio. FANCLUB CINÉPOLIS®

BIZARRAS

BIZARRAS, CURIOSAS SEMANA SANTA Y PASCUA... ¿Nos gustan? La epopeya religiosa es seria y épica como en Ben-Hur (Wyler, 1959) o King of Kings (Ray, 1961, ambos filmes con sus pósters diseñados por Reynold Brown). Asimismo es una época con días de calma para aprovechar, poner palomitas en el micro y ver “más allá de lo evidente” en el cine. El medio es un ministerio propagandístico de significados y simbolismos que formaron religiones, pero también recrean el aroma de la brisa marina y otros credos, como unas vacaciones destrampadas. Pero en cuanto a símbolos y mensajes encriptados, no sólo tiene conspiraciones, sino juegos y bromas. En conjunto forma una magia subliminal, homenajes y referencias que en el cine se llaman Huevos de Pascua. Los Huevos de Pascua se ocultan intencionalmente y se relacionan con otros trabajos. Los vemos también en la música, videojuegos, libros o crucigramas. Se comparan con la búsqueda de los físicos en jardines y en el entretenimiento fueron nombrados así por Atari luego de que se descubrió uno de éstos en un juego de 1979.

FABERGÉ POP

Es divertido encontrar elementos como el cameo habitual de un realizador, el caso de Hitchcock, o saber que en X-Men: Primera Generación, cuando Bestia platica con Mystique en su habitación hay un recipiente con los twinkies que buscaba el personaje de Woody Harrelson en Zombieland. Sería imposible enunciarlos todos, pero veamos algunos ejemplos generales. En las cintas hay personajes llamados como otros parecidos en alguna película pasada o en 30

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series en otros medios. Hay un policía en Godzilla que se llama igual a otro de Los Simpsons. Además, Hank Azaria, Harry Shearer y Nancy Cartwright actúan en la cinta y doblan las voces de la aclamada serie. Igualmente son fans del monstruo verde, recurrente en la caricatura. Hay huevos que parecen reflexiones profundas, como cuando en Tron (1982) vemos al serio y temible programa humanoide que resguarda el orden (David Warner) observando un diagrama esquemático neón, de “informática”. Si observamos detenidamente el panel, a la derecha aparece la figura redonda y lisérgica de Pac-Man perseguida por sus fantasmas. Además es común que haya actores que expresen frases que dijeron en otra cinta. Lo hace Bruce Willis como John McClane en Die Hard: With a Vengeance, que repite pedazos de la canción que canta su personaje en Pulp Fiction. En Maverick el personaje Bret Maverick (Mel Gibson) brevemente se topa con el forajido interpretado por Danny Glover (que hace un cameo). Se ven de reojo y no se la creen. En un momento hilarante dudan porque se conocen de otro lado… claro, de Arma Mortal.

TARANTINO DESENCADENADO

Asimismo hay variantes con conceptos cinematográficos completos (más que Huevos de Pascua), con lecturas y referencias que salen de la película. Es habitual en las cintas de Quentin Tarantino, a quien recordamos con su cinta Death Proof y su diálogo en paralelo con la otra mitad de Grindhouse, el programa doble que incluía la versión también reducida de Planet Terror de Robert Rodriguez. Probablemente estas películas se desarrollan en el mismo universo, también la de From Dusk Till Dawn y Kill Bill. En todas vemos a los mismos personajes saltando de cinta en cinta (e interpretados por el mismo actor).

Y CASI INCREÍBLES... Es el caso del llamado Earl McGraw (Michael Parks), que aparece en las cuatro. Además lo matan al inicio de From Dusk Till Dawn, por lo cual es previsible que ésta sea la última de las cuatro en su particular orden cronológico. Nada raro de la filmografía de Tarantino, formada por fusiles, referencias y homenajes al cine.

Where’s Wally?

Asimismo es común ver escenas de películas como El Despertar del Diablo 2 de Sam Raimi donde, si uno observa detenidamente, en algún momento aparece tirado el guante de Freddy Krueger (además de que aparece un póster de The Hills Have Eyes, también de Wes Craven, creador de Pesadilla en la Calle del Infierno). En casi todas las películas de Pixar hay referencias a la que será la siguiente de la productora (un juguete, la temática).

“Do A Barrel Roll” (búsquenlo en Google)

Obviamente los Huevos de Pascua no brotan de una secuencia de acciones o botones como en los juegos (y no se trata de trucos como las treinta vidas en Contra, sino de algo ajeno a la trama). Tampoco son variaciones en los playlists de discos musicales, particularmente vinilos. En un ejemplo de lo último, hay de Monty Python con canciones ocultas que suenan según donde aterrice la aguja del tocadiscos. Finalmente pensemos en una empresa que ama los secretos y juegos: Disney. En uno de mu-

Destaquemos las interminables referencias de Spielberg con sus amigos. En Raiders of the Lost Ark hay una escena en la cual Indiana Jones descubre un tesoro. Entre los jeroglíficos de las columnas en el fondo vemos unos de, nada más y nada menos, ¡R2D2 y C-3PO! Por último, en Tintín abundan las referencias a El Señor de los Anillos, que fueron adaptadas por su nuevo “amigo” y productor de esta cinta motion capture, Peter Jackson.

chos ejemplos, en Alladin (que de forma “casi increíble”, no se tradujo como “Aladino”) se repite en varias ocasiones y semi oculta la imagen de Mickey Mouse. Destaquemos cuando se rompe el hechizo que hizo el villano Jafar a los amigos de “Alladin” y regresan a la normalidad. Mediante la imagen congelada, vemos orejas de Mickey en las del tigre Rajah. Esto se suma a las múltiples orejas ocultas que existen en los parques de diversiones de Disney. En general estos huevos son un regalo y diversión de parte de quienes hacen una película, para relajarse frente a las fuertes exigencias de los rodajes. FANCLUB CINÉPOLIS®

ALFOMBRA ROJA

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Durante la última Berlinale se realizó la gala de Cine por la Paz. Sucedida en el Gendarmenmarkt Concert Hall y bajo el patronazgo de S.S. el XIV Dalái Lama tuvo el lema “10 Years of Cinema For Peace” e hizo tributos a momentos recientes como la Primavera Árabe. Participaron figuras como Bob Geldof, Brad Pitt y Angelina Jolie, quien además presentó su ópera prima como guionista y directora, In the Land of Blood and Honey. 1.- Angelina Jolie y Brad Pitt. 2.- Wolfram Kons y su pareja Alexa Apermann. 3.- Angelina Jolie, Brad Pitt y Christopher Lee. 4.- Angelina Jolie y Mohamed ElBaradei. 5.Michelle Yeoh, Luc Besson y Catherine Deneuve. 6.- Sir Bob Geldof. Fotos 1, 2, 5 de Pascal Le Segretain/Getty Images. Fotos 3, 4 y 6 de Andreas Rentz/ Getty Images. Todas las fotos para Cine por la Paz. 32

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Durante la entrega número 18 de los Premios SAG (Screen Actors Guild), el gremio de

7..

10.

actores de Hollywood reconoce a los colegas con los trabajos más destacados en cine y en televisión. Este año premió al elenco de Vidas

Cruzadas y a sus protagonistas Viola Davis y Octavia Spencer. Las series de televisión

Modern Family y Boardwalk Empire ganaron como Mejor Elenco en Comedia y en Drama respectivamente. 1.- Diane Lane y Josh Brolin. 2.- Glenn Close. 3.- Kyra Sedgwick. 4.- Stacy Keibler, George Clooney, Mary Steenburgen y Ted Danson. 5.- Brad Pitt, Angelina Jolie, George Clooney y Stacy Keibler (Fotos 2 y 5 de Kevin Mazur/WireImage). 6.- Emma Stone. 7.- Angelina Jolie y Brad Pitt. 8.- Jessica Chastain y Cicely Tyson (Fotos 3, 4 y 8 de Lester Cohen/WireImage). 9.- Alec Baldwin. 10. Brad Pitt (Fotos 1, 6, 7, 9 y 10 de Jordan Strauss/WireImage).

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DE LEYENDA

BRUMAS DE CALIFORNIA 18, Linda Darnell Lily Damita POR CAROL MILLER

Cuando todavía vivíamos en Avondale, antes del divorcio de mis padres, sólo estaban construidas dos casas en toda la manzana. Del otro extremo de la calle se encontraba una casa sencilla, con “techo a dos aguas”, pintada de blanco, donde vivía la familia de la hermosa estrella trigueña, Linda Darnell (La Marca del Zorro con Tyrone Power, 1940, My Darling Clementine, 1946, entre otras).

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DE LEYENDA

Artesanía

Ella trasladó A sus padres de su granja en las afueras de Dallas para instalarlos cerca de su trabajo en Hollywood, pero no había podido quitarles las costumbres del campesino. Guardaban sus marranos dentro de la sala y las gallinas en la recámara principal, donde ponían los huevos sobre la colcha de satín color de rosa, elegida por la decoradora que había contratado la actriz. Panem et circenses

Linda tenía un hermano, Sonny Darnell, quien coleccionaba serpientes, y además una hermana, Monty, estelar del circo donde montaba sus dos caballos simultáneamente, un pie sobre la espalda de cada uno, para el “salto de la muerte” a través de un enorme aro en llamas, un número anunciado en los cartelones como “La Faena Romana” o “La Suerte Romana”. Creo que algunos años más adelante sí se cayó y se lastimó gravemente, mas no durante los años que yo la traté. En cuanto a Sonny, él me prestaba ejemplares de su serpentario, absolutamente inofensivos, para enredar en mi cuello. Así llegaba a mi casa mientras mi mamá preparaba la cena, no más para escuchar sus gritos y verla saltar. Éramos amigos entrañables, la familia Darnell y yo, pero luego se fue mi papá de la casa y cambió radicalmente nuestra vida. Yo tenía que dedicarme a mis estudios, al cuidado de mi hermano y a los servicios de niñera, porque los niños que supervisaba eran los hijos del novio de mi mamá, un célebre arquitecto. 36

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Aunque de joven mi mamá efectivamente había estudiado dibujo y diseño en el prestigioso Instituto Chenard de Los Ángeles, aprendió mucho más trabajando en las obras, quitando y poniendo muebles, ensayando diferentes colores, organizando conversaciones en todos los rincones para ver dónde y cómo funcionaban la acústica y la iluminación. Los enchufes eléctricos tienen que pasar corriente, las llaves tienen que abrir el flujo del agua, las puertas, los clósets, la cocina y los baños tienen que cumplir con su cometido, a los requisitos de los seres humanos que iban a hacer uso de la obra (casa habitación, oficina, teatro o museo). La odisea se inició cuando yo tenía 14 años de edad y dos de ser hija de padres divorciados, nada común en aquel tiempo. Mi mamá, habiendo colaborado con los grandes arquitectos del modernismo de la posguerra, se volvió muy diestra para la decoración de interiores; luego se casó con Ray Miller y junto con él, para esas fechas un músico retirado, dedicado más bien a la administración de la orquesta de Gordon Jenkins, utilizaba su tiempo libre para composturas de plomería, alumbrado, pintura y decoración. Y mientras vendían las casas que habían comprado como inversión –viejas, descuidadas, abandonadas– nosotros las habitábamos, así es que vivíamos como gitanos, siempre preparados para la siguiente mudanza. Such is Life

Ray Miller tenía una casa pequeña, encantadora por cierto, por la desembocadura de la cañada de Topanga cerca de su entrada al Pacífico, al lado de un riachuelo. Se entraba a la casa por medio de un pequeño camino de terracería, muy rústico, con ciclamores y cottonwoods (álamos de Virginia) por el lado del río y una colina que servía de respaldo a los dos pisos construidos, como es la costumbre por allá, de frágil y vulnerable madera. Un día llegué de la escuela, di la vuelta por el caminito, y me detuve en la cima de la loma que servía para ocultar la casa al final, en el cul-de-sac (callejón sin salida), para contemplar un espacio vacío donde antes se apreciaba una modesta construcción. Se había quemado la casa, y estaba al ras, ardiendo todavía los restos de una colección de la revista LIFE que habíamos guardado en los basamentos. Ironía: en México, varios años más adelante, me contratarían de la misma revista como su corresponsal. Arte y arquitectura

Por lo pronto, aparentemente por la explosión de un tanque de gas, estábamos desalojados. Cuando llegaron los bomberos del municipio de Malibú, y varios vecinos acomedidos me habían surtido de un cepillo y pasta de dientes y una muda de ropa, aparecieron

mis papás. Se habían ido a la ciudad para supervisar los preparativos de nuestra inminente mudanza a la “Case Study House No. 3” (experimentos en arquitectura residencial norteamericana de bajo costo patrocinados por la revista Arts & Architecture, realizados por los mejores arquitectos del momento), de los arquitectos Wurster y Bernardi, cuya obra mis papás estaban decorando con el fin de habitar la casa mientras no se vendía. La residencia en una casa de gran importancia arquitectónica, una de entre el programa iniciado por Arts & Architecture y fotografiada por nuestro primo, Julius Shulman, no sólo me permitió crecer rodeada de sillas de Herman Miller o Charles Eames, una mesa de Isamu Noguchi y varios accesorios y lámparas del Bauhaus, sino que tenía muy presente el extraño desfile de personajes que hacían cita para ver la casa. Entre ellos contaba Lily Damita, actriz francesa, memorable por su glamour y belleza. Ya estaba en su ocaso; había filmado sus últimas cintas en Europa durante los años 30. Se le recordaba, sin embargo, no por su talento ni por su hermoso físico, sino principalmente por haber figurado entre las esposas del desordenado espadachín Errol Flynn, “El demonio de Tasmania”, con quien tuvo un hijo, Sean. Damita

Liliana Marie Madeleine Carré, nacida en Blaye, Francia, inició su carrera de actriz en Europa dirigida en especial por el prolífico húngaro Michael Curtiz (Casablanca, entre otras), quien también había sido su esposo, justamente antes del inicio de la era sonora. Aunque su carrera fue opacada por la trascendencia noticiosa de sus matrimonios, y de su relación con Gary Cooper, con quien filmó El Puente de San Luis Rey (1929) y Fighting Caravans (1931), se hizo muy amiga de mi mamá y acabó comprando una de sus casas, no la importante “Case Study House No. 3” sino otra, porque de Mandeville nos cambiamos a la calle de Bundy, luego a Barrington, finalmente Montana, antes de mudar mis papás a Palm Springs y una nueva empresa.

cual las canastas nos sacaron de la casa. El éxito de la empresa fue la némesis de la familia, porque ya no alcanzábamos nosotros, ni siquiera con la ayuda mía y de mi hermano, a cumplir con la demanda, y no lograron mis papás adiestrar a ningún empleado que cumpliera con las exigencias de la perfeccionista de mi madre. Decoradas con etiquetas de hoteles del mundo (que se utilizaban durante el siglo XIX y principios del XX para pegar a los baúles transatlánticos), billetes de apuesta de los hipódromos del país, naipes, paquetitos de cerillos para prender los cigarros con los nombres de los más famosos restaurantes y centros nocturnos, entre otros motivos, mi mamá descubrió el enorme potencial para fines de collages y arte objeto de un producto entonces nuevo en el mercado, que se llamaba Resistol. Ella no sólo pegaba los elementos decorativos, sino que los bañaba con el pegamento blanco, transformándolos así en plástico, o plastificados, de manera que se integraban a la canasta. Trabajamos día y noche, mes tras mes, invierno (con las noches frías) y veranos (con el aire como horno y la banqueta tan caliente que “se podía freír un huevo”, al grado de que un día, en efecto, mi padrastro abrió un huevo sobre el concreto. No se puso duro pero sí se coció. Lo comió mi perro). En ese entonces no existía el clima artificial. Más bien se conocían los ventiladores, y en casos extremos, en lugares de vanguardia, un nuevo sistema que se describía como “enfriamiento por refrigeración”, que sólo se hallaba en los lugares más costosos. Mientras tanto, me gradué del bachillerato de Palm Springs y me fui de mi casa, a la luz de los hechos, para siempre. Después de un tiempo en la Universidad de Arizona en Tucson me fui a Nogales, y subí al tren con destino a Mazatlán.

Decorando recuerdos

Mientras yo cursaba en el bachillerato local, Ray y mi mamá emprendieron dos grandes hazañas. Mi padrastro, siempre aficionado a los veleros, inventó uno para el desierto que corría sobre ruedas, que salió retratado en la portada de la revista LIFE, lo máximo de aquel entonces. Mi mamá, mientras tanto, empezó a comprar canastas importadas de China o México y las decoraba con una diversidad de motivos para convertirlas en vistosas bolsas de mano para las damas más innovadoras y elegantes del momento. Consiguió una representante y vendió a todos los almacenes departamentales de renombre en ciudades a través de todo Estados Unidos y Canadá. Llegó un momento en el FANCLUB CINÉPOLIS®

[REC] 3 ¡FANCLUB CINÉPOLIS® Y CORAZÓN FILMS TE REGALAN ARTÍCULOS SORPRESA DE [REC] 3!

BENEFICIOS ESPECIALES FANCLUB®

1. En [REC] 3, Paco Plaza es el director en solitario, ¿cuál fue la última cinta de su anterior compañero en la saga, Jaume Balagueró? 2. ¿Cuál es el título tentativo de la que será la secuela de esta película, asimismo llamada [REC] 3 Génesis? 3. ¿Cómo se llaman los remakes estadounidenses de esta saga? 4. Dinos tus comentarios y sugerencias de FANCLUB Cinépolis®.

UNA SOLA NOCHE/SIN RETORNO ¡FANCLUB CINÉPOLIS® Y PRODISC TE REGALAN DVDS DE UNA SOLA NOCHE O DE SIN RETORNO! 1. ¿Quién compuso la banda sonora de Una Sola Noche y cómo se llama el grupo al que antes pertenecía? 2. ¿Cómo se llama la nueva cinta dirigida por el actor y realizador de Sin Retorno? 3. Dinos tus comentarios y sugerencias de FANCLUB Cinépolis®.

Sólo envía las respuestas correctas de la trivia elegida con todos tus datos en un correo a fanclubcinepolis@cinepolis.com REQUISITOS PARA PARTICIPAR Limitado a los primeros suscriptores que envíen un correo que en el asunto diga “FANCLUB Cinépolis® REC 3” o “FANCLUB Cinépolis® Una Sola Noche” o “FANCLUB Cinépolis® Sin Retorno” con las respuestas correctas de la trivia, máximo hasta el 30 de abril de 2012. Recuerda incluir tu teléfono, nombre y dirección para que se valide la participación. En caso de resultar ganador, sólo podrás serlo en una de las trivias de cada mes (ésta siendo la primera registrada como ganadora). Si no eres suscriptor de FANCLUB Cinépolis® no podrás ser ganador de este beneficio.

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FESTIVALES

Tribeca Film Festival New York, I Love You

Del 18 al 29 de abril se realiza la nueva edición del Tribeca Film Festival. El certamen conmemora lo impensable que sería el cine sin la existencia de urbes como Los Ángeles, París o la que Sinatra hizo única dentro de las que nunca duermen: Nueva York. La “capital del mundo”. POR REGINA SALA

NUEVA YORK es considerada como la sede mundial del comercio y las finanzas. También es un destino heterogéneo y con una influencia decisiva en la comunicación, política y entretenimiento. Incluso hace más de una década se convirtió en un escenario melancólico por los atentados terroristas del 11 de septiembre de 2001. Nueva York fue vulnerable. Pero como resultado hubo un evento/evolución que ha superado barreras y se ha adaptado a las condiciones. Lo mismo se ha plasmado en el cine, que tiene a la urbe como set de cintas indie, 40

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clásicos y series de televisión. De igual manera, esta ciudad es polémica y en su país (y mundo) las críticas son duras para el neoyorquino convencional. Pero esto también es porque muchos quieren ser como ellos. Incluso Hollywood, en Los Ángeles, la ha destrozado en múltiples ocasiones: en Escape de Nueva York, Día de la Independencia, Godzilla o Cloverfield. Pero la urbe supera lo pop y prefiere avanzar en lo inusual y explorando el arte cinematográfico estadounidense, con raíces como haber sido la sede de momentos que volvieron reales

“reales” a Marilyn Monroe, Audrey Hepburn o incluso a King Kong, además de a las cintas Milagro en la Calle 34, West Side Story, El Ciudadano Kane, Midnight Cowboy, Taxi Driver, Fiebre del Sábado por la Noche, El Padrino, Ghostbusters, X-Men, El Cisne Negro, Sex and the City, este mes a Los Vengadores y próximamente a The Amazing Spider-Man. SOBRE EL ALAMBRE

El conjunto de cintas clásicas se une a la representación ficticia de una urbe mundialmente asimilada por Woody Allen y otros neoyor-

quinos ilustres. Pero el lujo y glamour incluso necesitó de ejemplos como el Tribeca Film Festival, una historia de éxito que surge de la adversidad. El festival se debe a figuras y filántropos como Robert De Niro, que lograron levantar un evento que homenajearía al cine y a la urbe luego de que las Torres Gemelas fueran derrumbadas. El evento fue consolidado por el Tribeca Film Institute (TFI), organización sin fines de lucro fundada por De Niro, Jane Rosenthal y Craig Hatkoff. Forma parte de la labor orgánica del TFI, que además se interesa por la docencia y capacitación de los cineastas a través de becas y el desarrollo profesional de los futuros responsables de los medios de comunicación. El festival mezcla características locales de los grupos étnicos, 170 lenguas globales, aspectos de toda nación posible y condiciones sociales que excedieron su valor inicial de esperanza. Y encuentra un equilibrio como hace el acróbata de Man On Wire (Marsh, 2008), sobre un alambre cruzando ilegalmente entre rascacielos con el único fin de volar y hallar libertad. Es una buena metáfora –y fue una cinta importante en la edición de 2008– de un evento que hace arte y celebra lo imposible: el eclecticismo, la independencia y una política real adherida a las artes y al entorno.

películas como The Giant Mechanical Man, de Lee Kirk con Chris Messina (Vicky Cristina Barcelona) y Topher Grace (That ‘70s Show) o los de documentales como Side by Side (producido por Keanu Reeves) sobre la tradición de filmación de las películas convencionales y su evolución a la tecnología digital y que tiene entrevistas a James Cameron, David Fincher, George Lucas, David Lynch, Christopher Nolan, Martin Scorsese y Steven Soderbergh, entre otros. TRIBECA

Como otros festivales, Tribeca se enfoca en el cine independiente, documentales y cortometrajes. Hay paneles de discusión sobre el quehacer en el oficio y un análisis de la industria y sus apuestas. Asimismo hay premios a artistas cineastas como Julian Schnabel. Es un evento que no lo aleja a uno del arte, sino que atrae literalmente a millones de personas y al año deja una derrama económica de más de medio billón de dólares. Bajo la dirección artística de Frederic Boyer, el festival además ha adquirido inmuebles antes cerrados pero importantes para detallar la identidad de la megalópolis, como el Screening Room.

Y cuando sucede hay más de mil exhibiciones y secciones como la de restauración, por parte de figuras como probablemente la mayor en este asunto: el neoyorquino Martin Scorsese. Además, artistas contemporáneos de la talla de Peter Dayton, Walton Ford, Stephen Hannock, Jr., Kim Keever o Clifford Ross donan piezas al evento y sabemos de sus nexos con países árabes, para efectuar en Qatar el Doha Tribeca Film Festival. El festival aglutina espacios para relaciones extra-artísticas y su fortaleza en la oferta se basa en la selección de países “exóticos”, como Serbia, Israel y Corea (el año pasado presentando cintas como Bombay Beach del israelí Alma Har’el, ahora dentro de AMBULANTE Gira de Documentales 2012, o la interesantísima Fleurs du Mal del húngaro David Dusa). Mencionan que la peli Man on Wire es metafórica del evento. Narra el logro del equilibrista Philippe Petit en 1974. Contra todo pronóstico caminó entre rascacielos a 110 pisos de altura y desafió el sentido común. Sin embargo, en Tribeca los cineastas lo hacen, pero con los pies en la tierra, atraídos por el centro de gravedad mundial de Nueva York.

VISIONES FUTURISTAS

Este año el festival efectúa su décimo primera edición y celebra diez años. Sin duda ha revitalizado Lower Manhattan y redefinido una experiencia poco interesada en la Bola de Fin de Año en Times Square, sino ansiosa por continuar la tradición avant-garde del destino. Incluso en su blog Future of Film analiza tendencias como las historias relatadas en primera persona mediante video diarios subidos en Internet, que forman un nuevo tipo de narración (la serie Beckinfield). También compra los derechos de FANCLUB CINÉPOLIS®

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DE CULTO

La Última Tentación de

Cristo

Por Natalia Moguel

Como cualquier otra actividad, el cine ha sido blanco de polémicas, más cuando aborda los imperios y sus fundaciones. En un importante ejemplo, en 1988 hubo fundamentalistas que lanzaron bombas molotov durante la proyección de La Última Tentación de Cristo de Martin Scorsese. Hirieron a 14 asistentes. Y no fue en un país supuestamente carente de autonomía, sino que sucedía en la cuna de la “libertad, igualdad y fraternidad”… Aunque en general menos “volátil”, fue la actitud constante frente a la película. Para una obra polémica, pero bella y espiritual, algunos ofrecieron un cocktail reaccionario en vez de la otra mejilla.

En épocas pasadas era más sencillo ver películas sobre el Antiguo Testamento que del Nuevo. Se basaban en narraciones amplias y eran simples en su retrato del bien contra el mal o de la moral. Era cuando la pantalla de plata era el entretenimiento masivo visual por excelencia. Desplegaba batallas épicas y milagros sin pesados análisis espirituales. Eran pasatiempos para la época: fantasías con poco rigor histórico o filosófico. Lo mismo dio pie a una pléyade de éxitos bíblicos de realizadores como Cecil B. DeMille (Los Diez Mandamientos, 1956) y otros clásicos como Sodoma y Gomorra (Aldrich, 1963), La Historia de Ruth (Koster, 1960) o las (re)versiones italianas de un Goliat superhéroe. Es más, en México hubo reelaboraciones exploitation del Génesis, en un ejemplo, El Pecado de Adán y Eva (Zacarías, 1969) con Jorge Rivero. Jerarquías

Sin embargo, el Nuevo Testamento es un compendio con menos acción, detallado y que examina temas delicados. Pero se ha fortalecido además porque desde hace casi medio siglo es extraño ver cintas sobre el Viejo Testamento. Es más común encontrar versiones inspiradas por el Nuevo: indie, parodias y hasta musicales hippies sobre los Evangelios. Todas tienen en común su lejanía a cintas como Rey de Reyes (Ray, 1961), y sólo poco más. Asimismo conocemos múltiples pasatiempos ínfimos y de terror sobre anticristos y ostentosos demonios que existen sólo para demostrar su perversidad. 46

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No obstante, si se trata de cine con alcances comerciales aunque personal, hay pocos ejemplos que hayan tenido un revuelo como el de La Última Tentación de Cristo, que desde antes de haber sido estrenada recibió un ataque sistémico de quienes ni siquiera la habían visto. El fenómeno servía para preguntar cómo era posible que después de la Guerra Fría, ganada por Wall Street, Reagan, Thatcher y los tecnócratas, y de que se instaurara el Capitalismo como la religión principal, hubiera una relación tan estrecha entre las iglesias conservadoras y gobiernos 100% materialistas, intervencionistas y/o de facto formados por las industrias más poderosas. Lastres sociales

Después del relatado violento suceso dentro del cine parisino, el ministro de cultura galo, Jack Lang (por cierto, entrevistado para Un Amor Loco, documental sobre Yves-Saint Laurent estrenado este mes), declaró: “es preciso hacer que la libertad triunfe sobre la intolerancia”. Y es cierto que los cineastas no son perseguidos igual a los reporteros, pero también lo son y esto es inconcebible. No necesitamos otros ejemplos extremos como el de Theo van Gogh, asesinado en el 2004 después de haber realizado Submission, que trataba la violencia contra las mujeres en algunas sociedades islámicas. Tampoco queremos sumar otros crímenes como el aparentemente político al poeta Pier Paolo Pasolini (ateo pero respetuoso del credo cuando dirigió El Evangelio Según San Mateo en 1963) y tantos

el ordenamiento social sostenido por la bizarra dosificación de esperanzas y miedos. Así también interesó lo extra cinematográfico: su poder para incitar una movilización social, boicot (es complicado rentarla en los Blockbuster de los Estados Unidos) y censura en plena era tecnológica… Redenciones

más. Y aunque ha crecido el entendimiento de que los trabajos artísticos no son sinónimos de verdades, la intolerancia es reprobable ya sea en regímenes como el estalinista o en sus opuestos, con malos ratos históricos como el del Maccartismo. Otra Ley de Herodes

Además una película tiene clasificación y verla es una decisión que conlleva desembolsar una suma directa. Aun así, el statu quo o quien crea poseer la patente de figuras, creencias y filosofías puede ser implacable si sospecha de una cinta. No por ello no creemos ingenuo sorprenderse porque algunos grupos brinquen ante visiones particulares o provocadoras (El Crímen del Padre Amaro), tampoco que a veces –consciente o inconscientemente– ayuden como nadie para publicitar una cinta. Hace casi 25 años hubo quienes consideraron un peligro La Última Tentación de Cristo. Creían que afectaría

Desde el comienzo el retrato de Jesús (con un guión de Paul Schrader) muestra al carpintero de Nazaret hablando como un nativo de Brooklyn. Auguraba un retrato actual. Luego, a punto de completar el llamado de Dios se enfrentaba a la mayor tentación de todas para así después conquistar una nueva perspectiva del sacrificio y salvar a la humanidad. Basado en una novela que era poco conocida de Nikos Kazantzakis, constituyó un retrato poco ortodoxo de un Jesús (Willem Dafoe) humano, que sentía confusión y podía ser engañado; su temática era el conflicto existencial de ser al mismo tiempo hombre y Dios, carne y espíritu. En la película se dimensionan (pero no exageran) elementos con referencias reales. Ejemplos hay como las tentaciones afectivas de Jesús con María Magdalena o un Judas Iscariote guerrillero que expresa: “lo que es bueno para el hombre, no es bueno para Dios”. Asimismo, cuestiona cómo es posible que un mortal pueda creerse un Mesías o la posibilidad de secuelas que tendría la decisión de “lavarse las manos” de Poncio Pilatos. Es una cinta que comparte emociones donde Jesús goza y sufre el libre albedrío. Y afortunadamente es una perspectiva de un cineasta y no concluye qué es “divino” o “mortal”, sino que construye un bello relato de sacrificio, de amor.

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SOUNDTRACKS SOUNDTRACK

Podríamos iniciar esta nota de una y mil formas, pera basta con decir que de la artista que hablaremos engloba de principio a fin el adjetivo “perfección”. Sin duda Madonna no deja de sorprendernos pues además de ser cantautora y actriz, también ha desarrollado un gran papel como directora de cine.

El Romance del Siglo Sabemos de antemano que musicalmente Madonna es una artista grande, no por nada ha vendido alrededor de 500 millones de discos a lo largo de su carrera, por lo que se le ha considerado como la “Reina del Pop”. Pero en lo que respecta a su etapa como directora de cine, la también actriz ha dirigido dos películas, la primera en 2008 llamada Filth and Wisdom, y la más reciente del año pasado: El Romance del Siglo (W.E.), la cual fue presentada en el marco del último Festival de Venecia. W.E.

¿De qué habla W.E.? Se trata principalmente de dos historias de amor narradas paralelamente. Por un lado la de Wallis Simpson (Andrea Riseborough), famosa por su romance con Eduardo VIII (James D’Arcy), heredero de la Corona de Gran Bretaña que tuvo al abdicar el trono en los años 30 para poder consumar este romance. Aquel gran “escándalo” real es retomado por Madonna, en conjunto con una

historia de amor más actual. Es un relato sobre Wally (Abbie Cornish), una mujer casada que está obsesionada con la mencionada Simpson y que conoce a un ruso llamado Evgeni (Oscar Isaac). Por supuesto, ambos se enamorarán. Las historias sin duda en esta cinta se entrelazan para obtener un solo y magnífico resultado. Dos vidas distintas contadas en épocas diferentes, pero con un solo tema que es el de la unión, el del amor. Es de esperarse que muchos tengan sus reservas sobre este drama, más no de ciertos aspectos de la producción. Y por destacar algún detalle del cual este filme merece mención es el vestuario, mismo que corrió a cargo de Arianne Phillips (A Single Man, Tank Girl y El Cuervo). Memoria auditiva

Madonna sin duda ha plasmado su talento en el cine no sólo como actriz y directora, sino también con algunos temas en los soundtracks de las cintas. El pasado mes de

POR Josué Guerrero

enero, la cantante sorprendió en los Globos de Oro al llevarse por segunda ocasión la estatuilla, esta vez por la mejor canción original gracias a “Masterpiece”, de su nueva película. Hay que recordar que su primer Globo de Oro se lo adjudicó por mejor actriz en la cinta Evita de 1997. Sin duda alguna la música en las películas es un elemento principal, pues en muchas ocasiones es ésta la que hace que un filme sea recordado. La “Reina del Pop” ha dejado su legado musical en diferentes filmes. Tan sólo hay que recordar algunas canciones como “American Pie”, la cual perteneció a la cinta The Next Best Thing (2000), “Beautiful Stranger” para la película de Austin Powers: The Spy Who Shagged Me (1999), “Causing a Commotion” y “The Look of Love”, que fueron incluidas en el disco de la banda sonora de la película Who’s That Girl (1987) y “I’ll Remember” la cual formó parte de la banda sonora de la película With Honnors (1993). FANCLUB CINÉPOLIS®

CAPITALES DEL CINE

A History of Violence

AMÉRICA RURAL Con el estudio de la América rural en el cine moderno, Daniel Krauze sorprende por emplear la zona para describir características que enfrentan realidades materiales, valores y posibilidades de progreso. Su óptica se ennegrece por una metafórica oscuridad donde las emociones y desarrollo parecen inmutables. Es una capital casi ficticia y ubicada en el alma de una de las naciones hegemónicas; pero antes que ser un punto definido en un mapa, es una sensación contemporánea. ESTADOS UNIDOS RURAL. El de American Graffiti, Friday Night Lights, Forrest Gump y Oklahoma. Las avenidas somnolientas en las que apenas si pasan un par de pick-ups avejentadas; los trigales y pastizales que el viento arrulla; los escuetos desayunadores donde se reúne la gente del pueblo, el billar en el que se emborrachan en las noches, los equipos preparatorianos que idolatran el futbol americano y el béisbol. En el imaginario colectivo, la esencia más pura del norteamericano se encuentra oculta en estos pueblos que el tiempo, aparentemente, nunca toca. Y el cine y la literatura los han visitado una y otra vez para explorar estas características. La belleza de El 50

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Árbol de la Vida –el mundo prístino y natural que presenta– sería impensable si la cinta se llevara a cabo en la ciudad en la que trabaja el hijo (Sean Penn) en vez de en el pequeño poblado texano donde creció. Terrence Malick, el director, claramente adora –¿y añora?– los detalles que componen a su locación: la pequeña iglesia, los jardines arbolados, los riachuelos de agua fresca, las casas baldías y las avenidas tan yermas que pueden usarse como espacios para jugar. El mensaje es claro: en el Estados Unidos rural hay algo impoluto, permanente, alejado de la civilización, y lo que ahí germina es siempre más verde y más puro

que aquello que crece en las grandes ciudades. Por lo tanto, porque el “small town America” es un símbolo tan potente de valores tradicionales y supuesta limpieza, el cine y la literatura tampoco han dudado en revertir esta simbología y usar estos pequeños poblados para explorar la maldad, la indolencia y la injusticia. En los libros quizás no haya ejemplo más claro que A Sangre Fría, de Truman Capote, un relato cuya fuerza proviene directamente de que el brutal asesinato que echa a andar la trama ocurre en un pueblo en el que nunca ha pasado nada similar (¿alguien puede imaginar la misma historia si el crimen se hubiera cometido en

Nueva York?). Y en el cine, mi favorita siempre será The Last Picture Show, de Peter Bogdanovich, una película (basada en una novela de Larry McMurtry) que explora la podredumbre oculta debajo de las aguas estancadas de un pequeño poblado: el tedio, la endogamia, la falta de compasión, los ideales y ambiciones absurdas. En la década de los noventa, dos cintas, una extrañamente olvidada y la otra inexplicablemente laureada, visitaron los suburbios de Estados Unidos con el mismo ímpetu que la obra maestra de Bogdanovich. The Ice Storm, de Ang Lee, es quizás la mejor película de aquella década: un delicado y complejo estudio de dos familias, y el apocalipsis que entre ambas suscitan en una noche gélida durante las fiestas navideñas. Ninguna historia ha retratado con mayor fidelidad los entresijos oscuros que aguardan detrás de la superficie anodina de los pequeños pueblos norteamericanos. Por otra parte, American Beauty exploró facetas similares, aunque desde una óptica maniquea y efectista. Sin embargo, la academia estadounidense le otorgó todos los premios que le negó a la cinta de Lee, al igual que privó de casi toda mención a The Sweet Hereafter, de Atom Egoyan, basada en una novela igualmente impactante de Russell Banks, en la que un abogado de la gran ciudad (Ian Holm) llega a saldar cuentas a un pueblo en el que acaban de morir una decena de niños en un accidente automovilístico. En el siglo XXI no han faltado películas que ahonden en temas similares. Perros de Paja, remake de la brutal cinta original de Sam Peckinpah, trasladó la acción de un pequeño pueblo británico a una aldea calurosa en las orillas del Mississippi. No obstante, ambas hablan sobre la misma temática: la maldad de un pueblo en el que la ley no existe, el estancamiento inherente en quienes repiten una rutina todos los días y, al igual que

American Graffiti

The Last Picture Show

en The Last Picture Show, donde también aparece un personaje con retraso mental, Perros de Paja contrapone el supuesto espíritu piadoso de un pueblo que se vuelca sobre el púlpito de su iglesia para recibir la comunión, pero es incapaz de entender y proteger a aquél que es distinto de la mayoría. No obstante, quizás la mejor de todas las cintas del nuevo milenio que han intentado observar el alma oscura del Estados Unidos rural es A History of Violence, de David Cronenberg, la historia de Tom Stall (Viggo Mortensen, un hombre de carácter suave quien, tras un acto heroico en el que mata a dos ladrones, se ve acosado por Ed Harris, un mafioso que asegura que Tom es en realidad Joey Cusack, un asesino nacido en Philadelphia). Desde Bogdanovich, ninguna cámara había captado el ritmo de un pueblo norteamericano con mayor fidelidad que la de Cronenberg: los buzones con el nombre de las familias, las avenidas arboladas, los anodinos centros comerciales, los compactos restaurantes, la tranquilidad (¿el sopor?) de un lugar en el que la mayor noticia es que un granjero tuvo una vaca con dos cabezas. A diferencia de cómo ocurre en The Ice Storm –y en oposición completa a la trama de Perros de Paja, donde la víctima es un foráneo–, en A History of Violence la amenaza viene de afuera; el extranjero es quien atrae la muerte, quien corrompe la aparente limpieza de Millbrook, Indiana. El pueblo, ese oasis caduco, es incapaz de contenerla. Y si algo tienen en común todas las cintas que exploran el corazón oscuro del small town America es eso: el mal, sea interno o externo, siempre gana. La paradójica lección es clara. En el Estados Unidos rural no hay cabida para el sueño americano. FANCLUB CINÉPOLIS®

TENDENCIAS

se volatilizan y constantemente se reinterpreta y actualiza la intención de la gestualidad, y las relaciones simbólicas que se establecen en escena al intervenir la tecnología como personaje. Reflexionará sobre el aspecto mágico, onírico y espectral que posibilita transfiguraciones del cuerpo, la imagen y el espacio en la era digital. TRANSDISCIPLINAS

16revs-ae-lines - Daniel Suominen & Johanna Levy in “16 [R]evolutions” © A.T. Schaeffer

LIVENESS Las palabras que se usan para narrar lo visual o inventar con base en ello, nada raro, expanden sus intenciones originales y parecen tener vida propia. O sea, no son cuadros de Bob Ross y son insuficientes para enmarcar la totalidad de una imagen, mejor aún, establecen ideas propias. POR KAREN SALINAS

Es más que de 0’s y 1’s aplicados. Es una gran oportunidad para disfrutar y conocer de artistas interesados en abrir espacios comunes de reflexión, difusión, divulgación y análisis en torno a la escena, teatro, danza o performance que empleen tecnología digital en estrecha relación con el cuerpo. El encuentro consiste de paneles de discusión, un seminario-taller con metodología transdisciplinaria y presentaciones en vivo bajo la curaduría y dirección artística de Minerva Hernández Trejo y Myriam Beutelspacher, ambas también al frente del Translab. El 1er. encuentro además será transmitido vía streaming (http://cenart.tv) y tendrá artistas invitados como Ivaní Santana (Brasil), Mark Coniglio (Estados Unidos), Daito Manabe (Japón), Kónic Thtr. (España), Marco Donnarumma (Italia), Óscar Abril Ascaso (España) y Martín Bakero (Francia), en compañía de los mexicanos Esthel Vogrig, Ricardo Cortés y Vivian Cruz. EJES DIALÉCTICOS I. Prótesis, desde el plano sintáctico se hará énfasis

en la tecnología-herramienta como un sistema complejo en confrontación con su contexto. II. Gesto, desde el plano pragmático se hará énfasis en el cuerpo-acción en las dinámicas del aquí y del ahora. III. Metáfora, desde el plano semántico se hará énfasis en la imagen-anécdota y abordará la producción de sentido.

La palabra simboliza y la letra es su uni-

PARADIGMAS

dad, que dependiendo de su “sopa” (o disposición) cambia el significado. Tiene “teorías del montaje”, que milenios después ayudaron a que evolucionara la del cine. Pero destaquemos que, como otras ramas de las artes y ciencias, en nuestra era se nutre del desarrollo vanguardista localizado en el performance, que será destacado en el 1er. encuentro internacional de artes performáticas y tecnología Liveness: prótesis, gesto y metáfora, que se llevará a cabo los días 25, 26 y 27 de abril del 2012 en el Centro Nacional de las Artes. Este encuentro estudia cómo la revolución tecnológica del último siglo ha generado una dislocación discursiva sin precedentes en la historia del arte escénico, cómo las fronteras entre la acción y la reacción

El encuentro es también una plataforma de las nuevas aproximaciones para conocer los cambios de paradigmas estéticos en el mundo del arte y de los medios, que reúnen oficios clásicos como la fotografía, el cine y el video, los cuales nacen de nuestras prácticas culturales y que en la cinematografía los vemos más en el rubro experimental y ajeno a las estructuras narrativas convencionales. El proyecto forma parte de la línea de investigación sobre artes performáticas y tecnología Translab que se desarrolla dentro del Programa de Investigación y experimentación Medialab del Centro Multimedia. http://liveness.cenart.tv http://translab.cenart.tv

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EL CUERVO; GUÍA PARA UN ASESINO

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¡FANCLUB CINÉPOLIS® Y VIDEOCINE TE REGALAN PASES PARA LA PREMIER DE EL CUERVO; GUÍA PARA UN ASESINO! Sólo envía las respuestas correctas de la siguiente trivia con todos tus datos en un correo a fanclubcinepolis@cinepolis.com

TRIVIA 1. ¿Dónde se filmó esta historia situada en Baltimore? 2. ¿Cuántas películas basadas en obras de Edgar Allan Poe fueron dirigidas por Roger Corman, el rey del cine B? 3. Al comienzo de la producción, ¿quiénes eran actores ligados a los roles de Poe y del Inspector Emmet Fields? 4. Dinos tus comentarios y sugerencias de FANCLUB Cinépolis®.

REQUISITOS PARA PARTICIPAR Limitado a los primeros suscriptores que envíen un correo que en el asunto diga “FANCLUB Cinépolis® El Cuervo; Guía Para un Asesino” con las respuestas correctas de la trivia, máximo hasta el 30 de abril de 2012, si aplica. A los ganadores se les avisará de la fecha y sede de la premier. Recuerda incluir tu teléfono, nombre y dirección para que se valide la participación. En caso de resultar ganador, sólo podrás serlo en una de las trivias de cada mes (ésta siendo la primera registrada como ganadora). Si no eres suscriptor de FANCLUB Cinépolis® no podrás ser ganador de este beneficio.

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VILLANOS

Y SUS

BATMAN

SAGAS

En ocasiones me pongo a pensar sobre SIN EmBARGO, DURANTE EL TRANSCURSO el gran éxito que tiene Batman después DE MI VIDA, siempre me quise meter de lleno en el mundo de los cómics. Pero no desde la perspecde tanto tiempo. Reflexiono sobre el tiva del dibujante o creador de historias, sino desde personaje, y me doy cuenta que no tiene la perspectiva del fanático que espera por un nuevo ningún poder especial. No obstante, número de su historia favorita, el que conoce como puede pelear codo a codo con el más nadie los poderes y debilidades de los superhéroes y villanos… Nunca pude ser tan dedicado a ese tipo de poderoso villano de cualquier historieta entretenimiento. Pero por otro lado, sí lo soy al cine. sin apenas pestañear. No tiene nada El cine me ha llevado a conocer los relatos que nunca pude leer en las historietas. Durante casi las especial, sólo que reúne las mejores últimas tres décadas, la pantalla grande se ha vuelto características de sus compañeros; la la principal vitrina para decenas de superhéroes. Uno fuerza bruta, volar, la velocidad y toda la de ellos sin duda es Batman. Como bien sabemos, el tecnología que tiene a su disposición. Caballero de la Noche ha recibido varias adaptaciones POR ROBERTO MIRANDA 54

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a lo largo de la historia del cine. Una lista completa y refinada de directores famosos han hecho de la saga lo que han querido.

¿Quién no está ansioso por ver la nueva película de Batman? Sin duda, la mayoría de sus fans lo están, pero mientras llega el día tan esperado, hablaremos sobre los villanos a los que se ha enfrentado este señor de la noche en todas sus películas. ¿VILLANOS PROTAGÓNICOS?

¿Qué sería de Batman sin sus villanos? Los villanos reinaron sin duda en las primeras dos décadas en las que Batman, hasta cierto punto, parecía débil comparado con ellos, y si no, hay va el porqué. El Guasón (Jack Nicholson), Gatúbela (Michelle Pfeiffer) y El Pingüino (Danny DeVito), excelentemente personificados, fueron de esos primeros villanos que se robaron la gracia del público. Por un lado, Burton creó una Ciudad Gótica caótica, oscura, con tubos rotos vomitando vapor, calles llenas de charcos, ladrones entre los callejones, pobreza y criminalidad. Los payasos del Guasón son únicos, los gatos de Selina Kyle me enferman y las caras que hacía Oswald Cobblepot al comer pescado, marcaron esos años. Odié y amé a esos villanos. Igual sé que muchos de ustedes también lo hicieron. JUEGOS DE MANOS...

Bien, una vez dicho lo anterior, vamos desmenuzando un poco a cada villano. Para empezar, el Guasón. Fue interpretado por dos magistrales actores, por un lado Jack Nicholson en 1989, al que le sentó como anillo al dedo el villano bromista de la primera versión de Batman, dirigida por Tim Burton. Con su maléfica sonrisa y su característico sarcasmo dio vida a un Guasón rimbombante y glamouroso. Y por el otro lado, está Heath Ledger, que construyó un Guasón oscuro, anárquico y ultraviolento en la reciente Batman: The Dark Knight (2008). El dato curioso, y como bien sabemos, Ledger murió antes de que se estrenara el filme, y por su perturbadora caracteriza-

ción recibió el Oscar póstumo como Mejor Actor de Reparto. Ahora, Catwoman (Gatúbela). Michelle Pfeiffer, en Batman Returns (1992), fue la más atractiva al aparecer embutida dentro de un vestuario “sado”. Mala, lo que se dice mala, no era, más bien era un poco canija. Con los años salió una cinta sobre Catwoman, con Halle Berry, a mi gusto terrible como la carne de puerco. El Pingüino, interpretado por Danny DeVito en Batman Returns, era un malo malo. Éste sí que daba miedo, sobre todo por su historia que era muy siniestra. Más adelante DeVito volvería a trabajar con Tim Burton en Mars Attacks! (1996) y Big Fish (2003). Ahora bien, el personaje que interpretó Jim Carrey, El Acertijo, para la película de Joel Schumacher (Batman Forever, 1995), me parece bastante chafa. Aun así, he encontrado que se encuentra dentro de la lista de los mejores, y lo respeto, aunque no lo comparto. La interpretación era agotadora, al igual que la película en general, con un Batman interpretado por Val Kilmer, que daban ganas de ahorcarlo con la capa. El siguiente de la lista es el más reciente personaje de la última saga de Batman, Batman Begins (Christopher Nolan, 2005): el Espantapájaros, interpretado por Cillian Murphy, que es un villano secundario en esta primera película de la nueva saga. Espantapájaros utilizaba una toxina para provocar pesadillas horribles a sus víctimas y al final, desaparece. ¿Lo volveremos a ver? Aunque su aparición era pequeña, merece ser recordado. Liam Neeson tuvo también un mediano pero importante papel en la cinta Batman Begins, haciendo del serio y reaccionario mentor de un joven Bruce Wayne. Como vemos, algunos de estos villanos han rescatado esta saga. Los crucigramas de El Acertijo eran fabulosos, y las dos chicas que acompañaban a Dos Caras (Tommy Lee Jones), cualquiera se enamoraba de ellas. Pero, de lo gótico de Burton, se pasó a lo fluorescente de Schumacher; creo que ahí radica la lluvia de críticas que fomentaron las cintas de este último. Para el año de 1997, llegó Batman & Robin, y no, no fue ninguno de sus enemigos el que le propinó un descalabro al superhéroe, más bien fue su propio director, quien a mi parecer destrozó en dos horas el prestigió que el oscuro hombre murciélago había ganado durante los últimos años antes de la aparición de Robin. Pero mientras esperamos a Bane (interpretado por Tom Hardy), sepamos que hablando de figuras oscuras, atormentadas e incapaces de existir sin la adversidad, su grandeza se mide por los enemigos que enfrenta.

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En el número de marzo abordaron la animación. AL RESPECTO, ¿por qué se cree que los estudios Aardman tienen un aroma a pasto mojado? Iván Lobo.

Antes de entrar en materia, si se trata de animación señalemos que este mes se celebran 75 años del nacimiento del entrañable Pato Lucas (en el cortometraje Porky’s Duck Hunt dirigido por Tex Avery). En cuanto al estreno de ¡Piratas! Una Loca Aventura, go-

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cemos la herencia “libre” de los estudios cinematográficos Aardman, que este 2012 celebran 40 años. Se gestaron en Bristol y han tenido un carácter social desde que Peter Lord y David Sproxton (sus fundadores) realizaron animaciones para la barra infantil de la BBC. En sus inicios también hicieron un corto de 20 segundos sobre el superhéroe Aardman (“aarde” significa “tierra”

en neerlandés) y nombraron así a la compañía. Han fortalecido el stop motion de plastilina y los documentales animados, y con la incorporación de Nick Park en los años 80 crearon a Wallace y Gromit. Con este dúo compuesto por el inventor amante del queso y el perro que escucha Bach, ganaron el Oscar en tres ocasiones con cortometrajes animados, y una más con el largo-

¿Qué películas animadas independientes podremos ver o descubrir en este 2012, y no sólo para niños? Jorge Escotto.

Sobre los estrenos, desde Singapur valdrá mucho la pena la melancólica Tatsumi, de Eric Khoo, realizador reconocido por sus “gekigas” (imágenes dramáticas); además la japonesa The Secret World of Arriety de los estudios Ghibli (los de Hayao Miyazaki, realizador de El Viaje de Chihiro). Del mundo “Occidental” tenemos A Liar’s Autobiography cinta sobre el polémico Graham Chapman de Monty Python. La última atrae más porque el grupo cómico montaba sketches que enlazaba con las alocadas animaciones de Terry Gilliam (a su vez influido por el checo Karel Zeman). Asimismo esperamos disfrutar las francesas Le Magasin des Suicides del aclamado realizador Patrice Leconte (director de Ridículo y El Marido de la Peluquera), la que parece un largo clip de videojuego, The Prodigies, y Ernest & Celestine de Stéphane Aubier, Vincent Patar (éstos dos los del anárquico cortometraje Panic) y Benjamin Renner, sobre los libros de Gabrielle Vincent. En este listado no podríamos omitir una estadouniense, la animada de los hippies trasnochados Cheech & Chong (el dúo psicotrópico de los años 70). Dentro de las animadas latinoamericanas vale mucho la pena disfrutar el documental animado Pequeñas Voces de Jairo Carrillo y Oscar Andrade. Se presentó en AMBULANTE Gira de Documentales 2012 y es narrado por niños que sufrieron la violencia entre las FARC, los paramilitares y el gobierno colombiano. Se utilizaron dibujos de los niños y los procesaron como imágenes 3D. Por último, de México se esperan cintas como la de las figuras coreanas Pucca, y se inició la producción de la esperadísima El Santos Vs. La Tetona Mendoza por parte de Ánima Estudios y Peyote Films, con la cual hacen su debut en la pantalla grande los personajes creados por los moneros mexicanos Jis y Trino.

¿De qué tratan los largometrajes animados nominadOs al Oscar que no se han exhibido? Luis Barojas.

Aprovechando que abril es el mes del niño, seguiremos con las películas animadas (aunque alguna exclusiva sólo para el niño interior de los adultos). Junto a Kung Fu Panda 2, El Gato con Botas y la sorprendente Rango, las otras nominadas al Oscar como Mejor Película Animada fueron Une Vie de Chât (“La Vida de un Gato”), dirigida por Jean-Loup Felicioli y Alain Gagnol, y la “adulta” Chico y Rita, de Fernando Trueba (el mismo de Belle Epoque), Javier Mariscal y Tono Erra. Une Vie de Chât es una historia de misterio y crimen influida por Hitchcock que tiene una atmósfera visual que remite a Saul Bass, diseñador de los pósters de Vértigo y West Side Story. La aclamada británico-española Chico y Rita trata la relación entre el pianista Chico Valdés y la cantante Rita LaBelle desarrollada en las ciudades

metraje Wallace y Gromit: La Maldición de los Vegetales (2005). Ha sido un trabajo envolvente donde los hijos de las figuras en los círculos bohemios de los años 70 (que tuvieron su sede en Bristol) a la fecha forman su cuerpo de diseñadores y animadores. Sus cintas tardan alrededor de dos años en el proceso del guión y tres para su diseño, trabajo de arte, producción, rodaje y post. En Aardman

de La Habana, París y Nueva York en las décadas de 1940 y 1950. Pocos mundos como el de los cortometrajes. Esperamos aprovechar algunos de los que formaron la selección preliminar para el Oscar, como A Morning Stroll (ganador en los premios BAFTA británicos) del estudio Grant Orchard, además de la diversidad de la productora polaca BreakThru Films –aunque con cortos filmados en distintos países–; el de Warner Bros. I Tawt I Taw a Puddy Tat de Matt O’Callaghan sobre Silvestre y Piolín; el de Pixar La Luna de Enrico Casarosa (siendo éste el primer año que uno de sus largometrajes, en este caso Cars 2, no recibió nominación al Oscar) y The Smurf’s A Christmas Carol de Troy Quane, demostrando a los cortos como joyas que exhiben la diversidad, creatividad y potencial de la animación.

tienen la consigna de que su plantilla sea británica, aunque no cierran sus fronteras. Su labor artesanal es magia que permite disfrutar lo hecho a mano y aunque han habido críticas para ¡Piratas! por el empleo de computadoras en los fondos y detalles, no hubiera sido posible finalizarla sin su ayuda.

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Radiohead Foro Sol

17 de abril

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Palacio de los Deportes 23 de abril

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Noel Gallagher Teatro Metropólitan 10 de abril

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Steven Wilson Teatro Metropólitan PARA OBTENER TUS BOLETOS GRATIS

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13 de abril

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Mark Lanegan El Plaza Condesa 9 de abril

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Wu Lyf El Plaza Condesa 11 de abril

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Volbeat Auditorio BlackBerry 30 de abril

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Purgatorio Teatro Libanés

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Mentiras Teatro México

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Toc Toc Teatro Fernando Soler

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Defendiendo al Cavernícola

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El Pelón en sus Tiempos de Cólera Hotel NH

Abril Lun., Mar. y Mié. Consulta horarios al realizar tu llamada.

Los Monólogos de la Vagina Hotel NH

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Con mi pareja ¡No! Gazapo Hotel NH Abril Dom.

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Muertos de Miedo Teatro Banamex Santa Fe

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Teatro Diana 29 de abril

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Enrique Guzmán en Concierto

Princesas Teatro Arlequín

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Teatro Diana

Pastel de Zarzamora

Monterrey, N.L.

Teatro Arlequín

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Guadalajara, Jal. En Vivo desde el MET de NY, Manon de Massenet Teatro Diana

18:30 hrs.

Canek, La Leyenda de un Héroe Maya

21 de abril

12:00 hrs.

5 de mayo

Anthrax Auditorio Banamex 17 de abril

21:00 hrs.

The Kooks Auditorio Banamex 3 de mayo

20:30 hrs.

Fernando Delgadillo Woodstock Valle 4 de mayo

21:30 hrs.

En Vivo desde el MET de NY, La Traviata de Verdi Teatro Diana 28 de abril

12:00 hrs.

Sexos Teatro Jorge Negrete

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El Último de mis Cuadros Teatro Coyoacán

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Epitafio Para un Escritor Teatro Coyoacán Abril Jue.

20:00 hrs.

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ACCIONES LOCALES PROTEGER EL MEDIO AMBIENTE Y PROVOCAR ACCIONES PARA SU PRESERVACIÓN ES HOY UN COMPROMISO GLOBAL, UNA OBLIGACIÓN MORAL, CASI UN IMPERATIVO CATEGÓRICO. PRESERVAR HOY ES GARANTIZAR UN MAÑANA PARA TODOS.

aquí y ahora

Imperativo categórico

Ya no es un lujo, sino un requerimiento comunitario, el llamar a acciones concretas para esta salvaguarda del medio ambiente. Quienes nos dedicamos a producir publicaciones, creemos que es necesario adoptar todas aquellas tecnologías a nuestro alcance para procurar esta mejoría en las conductas hacia el planeta en el que vivimos.

Un concepto simple

De ahí que nos propongamos impulsar este movimiento hacia un concepto simple y con ello, esperamos, replicable: COMPARTIR ES RECICLAR. No es sólo el hecho de “reciclar” el papel de las revistas y apostar por la oxo-degradación de sus bolsas contenedoras, sino el hecho de pasar las revistas de mano en mano, en un intento por hacerlas más “productivas” al llegar a más personas que pudieran estar interesadas en alguna de sus secciones de contenidos o de beneficios.

Papel

En nuestras revistas empleamos procesos libres de cloro en papeles que contienen fibras recicladas post-consumidor, procesadas sin usar cloro adicional o componentes de cloro. Cuando estos papeles también contienen un porcentaje de fibra virgen, dicha fibra tiene que haber sido procesada sin usar ningún tipo de cloro o compuestos de cloro.

Tintas

Nuestros proveedores utilizan tintas regidas dentro de la Norma Oficial Mexicana y cumplen con los límites establecidos –y más bajos–, en los elementos biodisponibles como son antimonio, plomo, mercurio, arsénico, cromo y selenio, cada uno de ellos bajo en una cantidad menor a 100 ppm. en peso, sustentados por la CONEG, que restringe casi en su totalidad cada uno de ellos para el cuidado y protección del medio ambiente.

Barniz (UV)

El proceso de UV está libre de metales pesados, esto quiere decir que al tener contacto con temperaturas altas o exposición directa a los rayos UV no afecta la capa de ozono, ya que su polimerización es sólida, sin emisión alguna y es 100% ecológico, ya que no afecta al estar en contacto directo con los alimentos y/o medicamentos, además de estar aprobado por la FDA (Food & Drug Administration).

Bolsas OXO-DEGRADABLES

De igual modo, nos hemos comprometido al máximo con la implementación de bolsas OXO-DEGRADABLES, cuyo tiempo de vida se ha reducido a unos pocos años, antes de degradarse definitivamente.

Experiencia para qué…

por eso decimos que

Compartir es Reciclar

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De este modo, Origen y Comunicación, con sus más de 100 años de experiencia en el mundo de la comunicación y la industria editorial, se mueve un paso adelante hacia una nueva conciencia por la conservación de este pequeño mundo, para que siga siendo enorme por muchos años, con una visión desde el presente, sin pretensiones globales, sino por el contrario, con intenciones locales, definidas, concretas y simples de aplicar.

HECHO EN MÉXICO

DÍAS DE GRACIA

Cada cuatro años es lo mismo (o cada seis). El representativo nacional exhibe al “ya merito” como el término que describe una situación que parece imposible de transformar. Así, en Días de Gracia los Mundiales (2002, 2006, 2010, momentos cuando disminuye en un 30% la tasa delictiva) son el hilo conductor y revolvente en una trama sobre las patadas y trifulcas sociales en un llano con más de 110 millones de jugadores. La diferencia entre víctima y victimario se aclara en la Real Academia Española de la lengua, en el diario es más complicado entenderla. Es por la descomposición en la sociedad que se manifiesta con un sinnúmero de eventos violentos, pero también en lo menor, como las mentiras familiares. Son ejemplos en un círculo vicioso con un rasgo similar al de la maldición en la película oriental: vengativo. En ocasiones uno la paga. Otras se salva… Es la tónica de Días de Gracia. Su sinopsis se narra fácil, lo contrario a lo complejo de su montaje o sus reflexiones sobre la corrupción y la venganza. Más o menos cuenta cómo el día de la inauguración del Mundial de Futbol un hombre es secuestrado en la capital. La acción modifica la vida del rehén (un hombre de negocios, un “famoso”); de la esposa que recibe la llamada de los captores, pero al revisar las cuentas bancarias de la familia descubre que están vacías; y de un policía joven e idealista (el bronco “Lupe” Esparza) que halla una pista sobre el secuestro y decide seguirla, sin importar si actúa o no afuera de la ley o si esto afectará la seguridad de sus seres queridos. QUE NO QUEDE HUELLA

El realizador Everardo Gout ha sido llamado un genio por Días de Gracia. Tiene una visión llamativa sobre una realidad donde todos se la juegan; a veces ganas y la cuentas, a veces no. Gout lo expone con tres historias sin límites claros entre ellas, y difusas en los tiempos o Mundiales cuando se desarrollan. La constante es la corrupción y cómo se actualizan algunos elementos nacionales clásicos: futbol, box, familia. Son receptores de esperanzas, pero en las que creen pocos. Es similar al Mundial. El siguiente rival es Argentina y soñamos con ganar. ¿Es posible? Además de la extraordinaria Miss Bala de Gerardo Naranjo, Días de Gracia fue la otra cinta nacional en el Festival de Cannes el año anterior. Remembranzas

Días de Gracia se sostiene gracias a la gran interpretación de Tenoch Huerta como el policía, e incluye la participación de Dolores Heredia, José Semafi, Mario Zaragoza, Carlos Bardem y la presentación del joven Krystian Ferrer. Gout lo logró. Les dijo a los involucrados que no disponía de un presupuesto “internacional” pero se interesaron (Nick Cave, Atticuss Ross y Massive Attack en la música, el editor José Salcedo o el productor/editor Ervé Schneid) e hicieron un thriller de acción que destaca por un estilo visual fiel para el tema. La fotografía de Louis Sansans es desbordada y la edición vertiginosa. De blanco y negro pasa a una imagen saturada en verdes, hay disolvencias, steadicams, elementos publicitarios y rasgos hiperquinéticos que han sido comparados con los de las películas de Hong Kong. Días de Gracia remite a una tregua difícil, que se explica mejor con la frase de Gabriel García Márquez sobre la vida y su relación con el recuerdo y la forma de narrarla. Así la necesidad de cambio de menos es posible en la memoria. POR CLAUDIO RULFO

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ANÁLISIS

PERROS DE PAJA Nada extraño, si bien les va, los remakes casi siempre finalizan catalogados como “refritos”. Son copias fast food en vez de los “recalentados” con el jugo y esencias no sólo visuales, de un delicioso platillo recién servido. Sin embargo Daniel Krauze reflexiona las diferencias, defectos y virtudes del remake de Perros de Paja y expone posibilidades de las nuevas versiones, por ejemplo, de actualizar temáticas humanas según el escenario.

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Hollywood es experto en importar historias, trasladarlas desde su locación original y contarlas en un contexto norteamericano. Ejemplos abundan. Vanilla Sky se deshace del Madrid frenético que retratara Alejandro Amenábar en Abre los Ojos en aras de situar su trama en el Nueva York de la clase alta y sus autos último modelo acelerando a través de Central Park, y sus rascacielos y sus lofts en Chelsea. Let Me In importa la trama de la magnífica Let The Right One In y traduce el frío inclemente de Escandinavia en el extraño clima de Nuevo México en invierno: un desierto espolvoreado de escarcha. Las traslaciones aciertan o fallan. A pesar de ser un país de climas variados, con todo tipo de geografías, hay historias que no encuentran ancla firme en Estados Unidos. A pesar de las ominosas locaciones isleñas, la versión norteamericana de El Aro carece de esa verosímil extrañeza, tan presente en la versión japonesa y original. Hay historias que simplemente no pueden funcionar en ningún otro lugar que aquel donde germinaron. CONTROVERSIAS

De todas estas transferencias, pocas se antojaban más que Perros de Paja, remake de la cinta original de Sam Peckinpah, en la que un taciturno matemático (Dustin

mático para David Sumner, el protagónico, quien aquí es un escritor, oficio que le va como anillo al dedo a su personaje: un hombre que escribe sobre guerras que no conoció, artífice del dolor ajeno, cobarde y alzado. La amenaza, encarnada en el personaje de Charlie, interpretado con magnetismo por Alexander Skarsgård, es mucho más evidente que en la cinta anterior. Desde el principio se advierte la relación que Charlie tuvo con Amy, actriz incipiente y esposa de Sumner. Y lentamente, la amenaza, rodeada de su séquito de bárbaros pueblerinos, comienza a mermar la tranquilidad del joven matrimonio sin que Sumner haga nada al respecto. De nuevo, el guión y la dirección son inteligentes y sutiles a la hora de proveer claves sobre el avance de la historia. Nótese cómo, cuando dialogan, Sumner es filmado en cámara picada mientras que, desde un ángulo contrapicado, la cámara registra la enormidad de Skarsgård. Nótese también cómo Sumner recurre a su posición económica en un intento por volver a asirse del papel de macho alfa (y cómo falla en dicho intento). Nótese la gradual desilusión en el rostro de Amy al ver que su marido –exitoso en un mundo en el que el dinero es prueba de grandeza, pero inconsecuente en un lugar en el que priva la ley de la selva– es incapaz de defenderla. NUEVAS LECTURAS

Hoffman) se muda con su bellísima mujer a una aldea británica y lentamente es testigo de cómo el pueblo, saturado de hombres que son todo testosterona, comienza a convertirse en una amenaza tangible para su frágil matrimonio. La cinta de Peckinpah es controversial, por decir lo menos. Su tesis es que la violencia es inevitable y a veces provechosa. Además, se da el lujo de teorizar que la culpa del peligro no reside en los hombres del pueblo sino en la mujer de Hoffman, quien los rechaza y los incita en iguales cantidades. Esta dinámica cesa en una de las escenas más incómodas en la historia del cine: una violación que, de forma casi imperceptible, se convierte en sexo placentero. Por lo tanto, volver a filmar Perros de Paja es un acto de temeridad considerable. ¿Limpiaría la nueva versión las aristas políticamente incorrectas presentes en la obra de Peckinpah?, ¿cómo filmaría la famosa escena? Y, sobre todo, ¿qué ganaría o perdería la narrativa al situarse en un pequeño poblado a las orillas del Mississippi en vez de en una aldea grisácea de Gran Bretaña? DIFERENTES PERSPECTIVAS

La nueva versión arranca de forma admirable. Económica al colocar matices, clara sin ser obvia, inteligente en sus cambios, esta Perros de Paja promete desde su comienzo. Afuera quedó la anodina profesión de mate-

No obstante, al final la cinta se queda corta. La famosa escena es mucho menos ambigua aquí que en la cinta original y, por lo tanto, lo que ocurre después pierde potencia. Una trama secundaria, importantísima para el desarrollo de la cinta, se hunde entre actores mal dirigidos (James Woods, el peor de todos) y decisiones temáticas poco convincentes. Aunque visceral y desgarradora, la secuencia climática carece del impacto de la anterior, en gran medida porque la cinta de Peckinpah tenía a Dustin Hoffman como piedra angular y esta tiene a James Marsden, un actor que la cámara quiere, pero blando al fin y al cabo. Los mejores instantes de la nueva Perros de Paja curiosamente aparecen cuando la narrativa se desvía de la historia original y se atreve a contar las cosas desde su nuevo escenario y desde el 2011. La mejor secuencia ocurre, sin duda, en una iglesia, cuando, harto del sermón belicoso del padre, Sumner sale del recinto y se mete a su automóvil a dormitar. Charlie llega y lo confronta, en un rico duelo actoral, salpicado de diálogos memorables. Ahí está el espíritu, apenas explorado, de esta nueva versión: el hombre sofisticado de Harvard, adinerado y ateo, arrojado a la mitad de un mundo en el que el futbol y Cristo son religión, donde la ley no existe, donde la hombría se mide en otra báscula. Peckinpah nunca tuvo la profundidad para ver esa faceta en su historia. La nueva versión de Perros de Paja la tiene, a ratos. Y eso, quizás, ya haga que valga la pena el remake. FANCLUB CINÉPOLIS®

METAFICCIÓN

FICCIÓN PÓSTUMA

POR HÉCTOR ROMERO

LITERATURA QUE TRASCIENDE EN LA PANTALLA El año 1927 es considerado por muchos uno de cambios trascendentales en lo que respecta a la pantalla grande. El lanzamiento de Metrópolis, película muda dirigida por Fritz Lang con un guión de Eugen Schufflan, fue un controversial suceso realizado por la productora UFA en Alemania; y podría considerarse el primer filme de ciencia ficción de la historia. Sin embargo, ya para entonces habían sido escritas novelas como La Guerra de los Mundos, de H.G. Wells, que fue una influencia determinante para la oleada de futuros escritores del género, de entre los cuales mencionaremos a los que celebran “números cerrados” de su aniversario luctuoso en esta temporada y que sentaron bases para especular y hacer ciencia de fenómenos imaginarios y éxitos como Star Wars, que moldean la industria del cine. ISAAC ASIMOV

Nacido el 2 de enero de 1920 y fallecido el 6 de abril de 1992, Isaac Asimov es sin duda uno de los grandes maestros de la ciencia ficción. Asimov, junto con Robert A. Heinlein y Arthur C. Clarke, es considerado uno de los “tres grandes” escritores del género. La obra más famosa del novelista es la saga de La Fundación, también conocida como Trilogía o Ciclo de Trántor, que forma parte de la serie del Imperio Galáctico. La originalidad y destreza de sus narraciones ha servido para ali68

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El rumbo del cine ha tenido giros magistrales e irreversibles. La llegada de la tecnología ha marcado una pauta hacia horizontes que jamás hubiéramos podido concebir, y sus repercusiones en el séptimo arte no han sido la excepción. La ciencia ficción es una muestra irrefutable del poderío de la tecnología en el cine y, sin duda, del inquietante espíritu e imaginación del hombre. Pero sin los grandes novelistas fundadores del género, sería imposible concebir tales cambios.

mentar el séptimo arte, con varias de sus novelas llevadas al cine, tales como El Hombre Bicentenario, protagonizada por el actor Robin Williams, o Yo Robot, con Will Smith. Esta última es una adaptación de la novela homónima, publicada en 1950, en la que Asimov colaboró estrechamente con Harlan Ellison, escritor de relatos y novelas de ciencia ficción, partícipe del guión de la serie original de Star Trek y consultor de la serie de televisión Babylon 5. Damon Knight

Escritor, editor y gran crítico, Damon Knight (19 de septiembre

de 1922 - 15 de abril de 2002) fue uno de los más grandes genios del género de ciencia ficción. Calificado como provocativo, polémico, brillante, divertido, generoso y franco, publicó su primera historia, Servir al Hombre, en 1941. Knight ha sido gran influencia en la pantalla grande. El director novel de 23 años, Álex Pastor, presentó un guión original, pero con importantes reminiscencias de obras literarias de Knight, como Backward, O Time, en su cortometraje La Ruta Natural, que lo dio a conocer internacionalmente. Knight es recordado por su frase “Science Fiction means what we

point to when we say it” (un término complicado de definir que más o menos, traducido es: “la ciencia ficción es lo que elijamos, cuando lo decimos”). Actualmente es homenajeado con el premio Gran Maestro Damon Knight Memorial, que es otorgado por la Asociación de Escritores de Ciencia Ficción y Fantasía de Estados Unidos a los escritores vivos que hayan destacado por su fructífera carrera en estos géneros literarios. Philip Kindred Dick

Nacido el 16 de diciembre de 1928 y fallecido el 2 de marzo de 1982, Philip K. Dick fue un prolífico escritor y novelista estadounidense de ciencia ficción, que influyó notablemente en el género. Dick trató temas como la sociología, la política, la metafísica y la teología. Escribió 121 relatos cortos y gran parte de sus historias fueron publicadas en las revistas “pulp” de la época. Debido a sus historias futuristas, gran cantidad de obras de Dick han sido llevadas a la pantalla chica y grande: Total Recall 2070 (Azzopardi, 1999) serie televisiva basada en su relato Podemos Recordarlo por Usted al por Mayor de 1966 (que asimismo fue la base de la cinta con Schwarzenegger y del remake que se estrenará en agosto); Impostor (Fleder, 2002), basada en su relato homónimo de 1953; Minority Report (Spielberg, 2002), basada en su relato El Informe de la Minoría de 1956; Screamers: the Hunting (Wilson, 2009) secuela del largometraje del mismo nombre de 1995; Blade Runner (Scott, 1982), entre otras, así como también su trabajo ha sido solicitado para futuras colaboraciones, como la adaptación al cine de su novela de 1969, Ubik, que probablemente será dirigida por Michel Gondry y se estrenará en 2013, o King of the Elves (Blaise y Walker, 2014) adaptación animada de Disney basada en su historia corta El Rey de los Elfos de 1953.

Douglas Noël Adams

Nació el 11 de marzo de 1952 y murió el 11 de mayo de 2001. Fue un escritor y guionista radiofónico británico, famoso principalmente por su serie La Guía del Autoestopista Galáctico. Más conocida como The Hitchhiker’s Guide to the Galaxy, fue emitida por primera vez en la radio en 1978. Pese a que la serie fue muy taquillera, no es sino hasta el 2005 que la obra se lleva a la pantalla grande, dirigida por Garth Jennings y con actuaciones de Martin Freeman, Mos Def y Sam Rockwell. La película comienza con Arthur Dent (Freeman), un chico común que tiene un mal día. Su casa está a punto de derrumbarse, acaba de descubrir que su mejor amigo es un alienígena y para colmo, el planeta Tierra está a punto de ser demolido para construir una carretera de circunvalación

hiperespacial. He aquí la única posibilidad de Arthur para sobrevivir: hacer autostop y –sin buscarlo– subirse a bordo de una nave espacial con la ayuda de su mejor amigo, Ford Prefect (Mos Def). En este viaje hacia lo desconocido, Arthur hace importantes descubrimientos, la mayoría de ellos hilarantes, sobre la verdadera naturaleza del universo.

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CLÁSICOS

Matar a un Ruiseñor y El Proceso El cine de los derechos civiles

“No conoces verdaderamente a una persona, hasta que no te pones sus zapatos y caminas con ellos” –Atticus Finch (To Kill a Mockingbird). En 1955 las minorías habían empezado en Estados Unidos una larga lucha por acceder plenamente a sus derechos civiles así como por lograr la igualdad ante la ley frente a los grupos mayoritarios. A inicio de los sesenta este movimiento ya era masivo y estaba en pleno apogeo. POR IZABEL ACEVEDO

En palabras de Emilio García Fernández: “El cambio social se formuló en Estados Unidos en un plano determinante… El antirracismo fue apoyado por Hollywood, y cobró forma en películas como Adivina Quién Viene A Cenar Esta Noche (1967), de Stanley Kramer, y En El Calor De La Noche (1967), de Norman Jewison”. También se hicieron joyas de mediano presupuesto pero fina manufactura y trasfondo social como Uno, Dos, Tres (1961) de Billy Wilder. Y otras producciones de gran profundidad como Marnie (1963) de Alfred Hitchcock, ¿Quién Teme a Virginia Woolf? (1966) y El Graduado (1967), ambas de Mike Nichols. Reacciones a la impotencia

El cambio fue gradual pero inevitable. Llegó al público con las producciones neoyorquinas del New American Cinema de los hermanos Mekas, con las películas de John Cassavetes (Shadows, 1961), con el erotismo desmedido de Russ Meyer (El Valle De Las Muñecas, 1967).

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Este 2012 se cumplen cincuenta años de haber sido estrenadas dos obras representativas de este momento: To Kill a Mockingbird (1962), novela de Harper Lee adaptada al cine y dirigida por Robert Mulligan, y otra adaptación de la literatura, El Proceso (1962), de Franz Kafka dirigida por el genio Orson Welles. Aunque opuestas en tono y forma, ambas quieren transmitir al espectador la importancia de

las revoluciones sociales de esos años y probablemente la impotencia que vivían los ciudadanos de los 60 frente a sus propios sistemas de justicia. Matar a un Ruiseñor (To KilL a MockinGbird)

La novela y también la película se convirtieron en íconos de los derechos civiles de los afroamericanos en los sesenta, cuando la segregación racial era todavía

palpable. La novela fue premiada con un Pulitzer y la película con tres Oscares. Producto de la crisis económica que se vivía en los estudios y también de una breve pérdida del rumbo debido a los cuestionamientos de los géneros hasta entonces vigentes, esta película fue una bocanada de aire fresco y un éxito de taquilla. Situada en Alabama, durante la niñez de la protagonista Scout Finch en plena Gran Depresión, ésta es una película de percepciones oscuras y del conocimiento velado al que un niño puede acceder sobre los sucesos importantes a su alrededor. Scout vive con su hermano Jem y su padre, el abogado viudo Atticus Finch. Su vecino “Boo” Radley vive encerrado en una casa y pocos lo han visto, así que los niños pasan el tiempo del verano intentado verlo e imaginándolo como una especie de monstruo rural. El creciente pánico hacia lo desconocido gestado en la cabeza de los niños abre la puerta al suspense, llevado de una manera muy elegante, mezclado con humor y con escenas verdaderamente poéticas. Ese punto de vista distorsionado en parte por la imaginación infantil hace que To Kill a Mockingbird encaje de manera afortunada dentro del género fantástico, sin que por ello deje de ser una película realista y comprometida con la historia ya que al mismo tiempo que se desarrolla esta pequeña trama, hay otra sucediendo de manera paralela. Atticus Finch (Gregory Peck) acepta defender ante la corte a Tom Robinson un hombre negro acusado de violar a una mujer blanca. El juicio es uno de los acontecimientos más importantes en el pequeño pueblo sureño, así que la protagonis-

ta junto a otros niños acuden al evento llenos de curiosidad y así son testigos de lo que significaba en esos años ser negro y ser acusado de algún delito. Esta película tiene la impecable manufactura del pequeño pero poderoso cine de bajo presupuesto que se hizo en el Hollywood de los 60. El Proceso (The Trial)

Así como Gregorio Samsa un día despierta convertido en una enorme cucaracha, Mr. K. despierta una mañana siendo “culpable”. Nunca sabrá de qué se le acusa, pero pronto se dará cuenta de que su condena es irrevocable… Completamente dentro del género de ciencia ficción, el vulnerable Anthony Perkins deambula dentro de un laberinto industrial. Un complejo sistema laboral entremezclado con cortes, tribunales y despachos de abogados. Un laberinto sin salida en donde Mr. K. ha de sentirse cada vez más culpable, aún sin serlo y sin posibilidad alguna de demostrar lo contrario. Una perturbadora metáfora de la limitada libertad de la clase media dentro del capitalismo de finales de los 50 y acaso sea aún más vigente en las sociedades contemporáneas, donde la empresa es la institución por excelencia, pero ésta es una institución sin rostro ante la cual el ciudadano de a pie se encuentra cada vez más vulnerable. Una de las últimas películas de la carrera de Orson Welles, quien desde hacía algunos años se encontraba exiliado de los estudios estadounidenses donde lo tachaban de ser un director lento, además de tendencioso y difícil de tratar. Welles se había refugiado en las productoras europeas. El Proceso fue rodada en gran parte en la antigua Gare d’Orsay

parisina, cuyas ruinas parecían reunir las condiciones perfectas para decorar las pesadillas laberínticas en las que se ve inmerso Joseph K. Las escenas de paisajes abiertos pertenecen a las ciudades de Roma y de Zagreb, escenario de la monumental catedral que aparece en las escenas finales de la película. Welles encontró numerosos obstáculos para la realización de este filme, pues por aquel entonces su genio todavía no era suficientemente comprendido por parte de la crítica y público, hecho que tenía como consecuencia el tropiezo constante de sus proyectos en lo referente a la financiación. Vigentes, ambos filmes imprimen imágenes indelebles en la memoria del espectador: la masiva descomposición de la corte en la que se defiende Mr. K; y el segregacionista tribunal donde Atticus Finch defiende inútilmente a Tom Robinson.

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Lucía, de Niles Atallah

DOCS

POR ALBERTO UGALDE BUENFIL

¡EXPANSIÓN! Casi invisible, entre Stormtroopers y Darth Vader, los dinosaurios de Jurassic Park, la 2D, la 3D y el performance en el doblaje de Rango, existen elementos de investigación que sustentan a la industria del cine. Ofrecen nuevas lecturas. Son investigaciones de ciencia y arte plasmadas en pantalla. OK. NO FALTÁBAMOS QUIENES EN PRIMARIA CREÍAMOS ABURRIDOS AL ARTE Y A LA CIENCIA. Su mala divulgación y prejuicio podía expulsarnos de un paraíso con rasgos reales y apasionantes. Pero crecidos, mejor guiémonos por lo que mencionaba el apartado Antología en AMBULANTE, sobre el artista y cineasta Arthur Omar: “la cuestión de lo real dentro del cine es la cuestión del cine dentro de lo real”. El documental y su híbrido artístico acrecientan la oferta de tendencias y experiencias. Le dan un interés adicional a los espectadores y los hace participar, apoyándose en las nuevas extremidades del cine. Se abordan premisas de figuras como Godard o Peter Greenaway y su interés porque el cine sea un medio vivo. Dentro de esto destaca el “cine extendido” que da nombre a las películas que se acompañan o forman parte de instalaciones. En México lo hemos visto sobre todo desde el FICUNAM del año anterior 72

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(un evento riguroso y concentrado en las fronteras y estudios del cine), con la obra del realizador y artista tailandés Apichatpong Weerasethakul, quien montó la exposición Primitive en el MUAC, que complementaba los temas de su largometraje premiado con la Palma de Oro en Cannes, El Tío Boonmee que Recuerda sus Vidas Pasadas. CINE EXTENDIDO

Asimismo durante el 31 Foro Internacional de Cine de la Cineteca Nacional se acondicionó una sala para el montaje y exposición de obras con posibilidades afuera de la sala. Se inauguró con Lucía y el Bosque de Cristal, videoinstalación realizada por el chileno Niles Atallah que se relacionaba con su ópera prima, Lucía (2010), y continuaba lo expuesto en los cortometrajes de animación Lucía (2007) y Luis (2007). El largometraje no era propiamente biográfico sobre su mujer (en la vida real y protagonista de la cinta) sino que empleaba su información como marco para hacer un relato minimalista y con largos planos secuencia sobre el amor y la intimidad, además escrito cuando Pinochet murió. En palabras de Atallah, una obra viene en pares o trilogías. Así emparentó la cinta con un espacio laberíntico que, con video, luces y registros, representaba el bosque interior y exterior de la protagonista. En el mismo espacio posteriormente pudimos ver la videoinstalación RAW/WAR de la cineasta, fotógrafa, performancera y pionera del media-art Lynn Hershman, que acompañaba su película !Women Art Revolution (2011).

¿BLOCKBUSTERS?

Se vuelve común que el cine ocupe los espacios del arte contemporáneo y hay múltiples ejemplos exitosos, como el de Matthew Barney (conocido por ser la pareja sentimental de Björk). Su fama proviene del proyecto The Cremaster Cycle, compuesto por cinco películas, esculturas, fotografías, ilustraciones y un cuaderno, y culminó como una exposición en el Guggenheim de Nueva York. No terminaríamos de enlistar otros ejemplos destacados, aunque por nombrar algunos: la obra del artista escocés Douglas Gordon, las correspondencias fílmicas entre cineastas dentro de la muestra Todas las Cartas –producida por el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona y el Centro Cultural Universitario Tlatelolco–, o la exposición que hace pocos meses se destacó en la sección Museos y que pudimos ver en el MUAC, Blockbuster: Cine para Exhibiciones, que investigaba la manera como artistas de la talla de Bani Abidi, Eija-Liisa Ahtila, Ziad Antar, Manon de Boer, Steve McQueen, Valérie Mréjen, Anri Sala y Abraham Cruzvillegas se afectan, reorientan y trabajan con el cine y el video de acuerdo con aspectos específicos de los grandes directores del siglo XX. DIALÉCTICA RECUPERADA

Dentro del apartado también se ven modificaciones o “recuperaciones” de clásicos, como la obra 24 Hour Psycho (1993) del citado Gordon, que retoma la película Psicosis de Hitchcock y disminuye su velocidad hasta que su duración total es de 24 horas. Para comenzar la obra se expone y no proyecta; mientras, duda sobre su percepción y cómo se modifica según su duración. De hecho, Gordon había hecho algo similar con The Searchers (1956) de John Ford, para que correspondiera al tiempo propio de la historia: cinco años, así también con apuntes sobre la imposibilidad de experimentarla en su totalidad o de que, en la práctica,

se le extirpaba la narración para dejar los elementos meramente visuales. Además de los temas espaciales y temporales, en los documentales se expanden la conciencia del artista y público aunque no sean ensayos carentes de narrativa y se proyecten de manera tradicional (como The Arbor de Clio Barnard, que no teme renovar el lenguaje; pueden disfrutarlo en AMBULANTE). El cliché menciona “son espacios de descubrimiento y reflexión en torno al nuevo cine y el arte contemporáneo”. Aglutinan documentales de creación, videoarte, películas experimentales y nuevas ficciones que exhiben originalidad y apertura hacia las distintas prácticas audiovisuales. Pero no es particularmente nuevo aunque atrae más porque remite a cineastas que han especulado sobre la mirada y su manipulación, como Dziga Vertov o los contemporáneos Artavazd Pelechian, Harun Farocki, Pedro Costa, Jonas Mekas o Ben Russell. ARTE CONTEMPORÁNEO

En una simplificación, los conceptos de arte y ciencia se mezclan en un discurso contemporáneo, egocéntrico y que se concentra en sí mismo y sus fronteras. O sea, es como Jason Bourne y se obsesiona por descubrir quién o qué es. Pero así franquea la paradoja entre el arte, que desarrolla y sustenta sus avances sostenido por su historia, y la ciencia, que necesita destruir y negar su pasado, sus teorías, frente a las exigencias actuales. Del 18 al 22 de este mes en la capital se efectúa ZONA MACO, la feria de arte contemporáneo más grande e importante de América Latina. A la par, nosotros podemos sentir a nuestra cabeza calentándose, rumiando y pensando no en el término “séptimo arte”, sino, probablemente, en otro complicado y que agrupe a las demás artes. Son conceptos que introducen algo completamente nuevo que tarde o temprano lo aterrizan para el provecho popular.

Primitive, de Apichatpong Weerasethakul FANCLUB CINÉPOLIS®

CINE Y GASTRONOMÍA

CANELA Filmar la optimización de ingredientes de la poesía es la cualidad y fórmula secreta de Canela, ópera prima de Jordi Mariscal. Él ha mencionado: “La comida es placer, así lo entendí desde niño…” POR CONNY ZENDEJAS

El director de cine es un chef que equilibra los anhelos. Hay los artísticos como Coppola o Scorsese, quienes retratan personajes amorales en festines de reyes, o maquiladores de fast food como Michael Bay. En cuanto al cine personal y gastronómico, ofrece una oferta sensorial digna de una proyección en 4DX® real, o mejor metafórica sobre la rutina. La labor alimenta pláticas de sobremesa, en este caso sobre la relación de los oficios con las rutinas. Es lo que exhibe Canela y cómo la cocina apacigua la soledad o logra paz después de la crisis. Y si lo reflexionamos más, la gastronomía parece padre de la teoría cinematográfica de, por ejemplo, Eisenstein (¡Qué Viva México!) en un montaje de imágenes de siembra, campo y agave mexicano que suman aunque no dan cuentas claras. El total logra un efecto mayor o diferente al previsto. A grandes rasgos, la gastronomía logra lo mismo y es un montaje per se. RITOS DE COCINA VISUAL

Canela surgió luego de que Mariscal reflexionó sobre las pocas películas que destacan la cocina nacional desde Como Agua Para Chocolate (Arau, 1992). Para cumplir la condición, Mariscal habló con 74

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los reconocidos chefs Enrique Olvera del restaurante Pujol, Ricardo Muñoz del Azul y Oro y Lucila Merlos de Casa Merlos, y luego dirigió una producción sensible sobre relaciones humanas. Así fue seleccionada como una de las 15 producciones que participaron en la sexta edición de Cine Culinario de la Berlinale, que este año siguió la expresión “Trust in Taste” la cual, al igual que Canela, descubre las virtudes artesanales frente a lo insípido de los productos industriales. La cinta familiar relata una niña, María (Isabel Yudice), que ha perdido a su madre y se acerca poco a poco a su abuela, doña Tere (Ana Martín), una cocinera consumada. De esta manera sus vidas girarán en torno a la cocina del restaurante El Molcajate, lugar donde doña Tere se ganó la vida e hizo amistades. El relato opta por enriquecer su aroma, o temática, cuando enfrenta su estilo contra una chef que combina la gastronomía francesa y mexicana, para también debatir entre lo tradicional y lo sofisticado. En general, la riqueza culinaria nacional y el restaurante sirven como punto de unión para que la gente pruebe platillos, sobre todo el mole, y disfrute una sazón: el don de traducir como delicia el arte de compartir.

EL ÁRBOL DE LA VIDA/LOS TRES MOSQUETEROS

BENEFICIOS ESPECIALES FANCLUB®

¡FANCLUB CINÉPOLIS® Y VIDEOMAX TE REGALAN DVDS DE EL ÁRBOL DE LA VIDA O DE LOS TRES MOSQUETEROS! Sólo envía las respuestas correctas de la siguiente trivia con todos tus datos en un correo a fanclubcinepolis@cinepolis.com

TRIVIA 1.- Según el fotógrafo Emmanuel Lubezki, ¿a quién consultó el director de El Árbol de la Vida para las escenas del cosmos? 2. ¿Quién compuso el tema “Requiem Agnus Dei” empleado en El Árbol de la Vida? 3. ¿Qué realizador de culto y ganador de la Palma de Oro de Cannes en 1994, incluyó a Los Tres Mosqueteros dentro de sus cintas favoritas de 2011? 4. Dinos tus comentarios y sugerencias de FANCLUB Cinépolis®.

REQUISITOS PARA PARTICIPAR Limitado a los primeros suscriptores que envíen un correo que en el asunto diga “FANCLUB Cinépolis® El Árbol de la Vida” o “FANCLUB Cinépolis® Los Tres Mosqueteros” con las respuestas correctas de la trivia, máximo hasta el 30 de abril de 2012. Recuerda incluir tu teléfono, nombre y dirección para que se valide la participación. En caso de resultar ganador, sólo podrás serlo en una de las trivias de cada mes (ésta siendo la primera registrada como ganadora). Si no eres suscriptor de FANCLUB Cinépolis® no podrás ser ganador de este beneficio.

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Hunger Cualquiera que sepa de cine pensará que escribir una nota sobre Hunger, ópera prima de Steve McQueen, es el equivalente a llegar a una fiesta de quince años a las tres de la mañana, cuando los encargados de la limpieza comienzan a barrer el confeti y las serpentinas, y un par de padres preocupados intentan levantar, como una espátula humana, a sus borrachos retoños de las mesas en las que se quedaron dormidos. Es decir que Hunger causó revuelo hace tres años, cuando se estrenó y puso de moda a su actor principal: un histrión irlandés, de nombre Michael Fassbender, quien después de aparecer en Hunger estelarizó Fish Tank, una de las mejores cintas de este siglo, junto con la precuela de X-Men, A Dangerous Method, de David Cronenberg, Shame, segundo esfuerzo de McQueen, y próximamente Prometheus, génesis de la saga de Alien, dirigida por Ridley Scott. Pido una disculpa por llegar tarde a la fiesta, pero el hecho es que vi Hunger hace un par de semanas, y es difícil verla sin querer hablar de ella inmediatamente. La historia gira en torno a Bobby Sands, un miembro del Irish Republican Army (IRA), quien está encarcelado por el gobierno británico en una celda de máxima seguridad. Hunger retrata dos protestas llevadas a cabo por los reos del IRA para que Margaret Thatcher doblara las manos. La primera, que ocupa la primera mitad de la película, es demasiado desagradable como para describirse en esta revista; la segunda –donde entra el personaje de Sands, interpretado por Fassbender– es una huelga de hambre. Y Bobby es el primero en someterse a ella. Dualidad

Se podría decir que hay dos películas, disonantes entre sí, dentro de Hunger. Y no, no son las dos distintas protestas. En una –el principio y final de la cinta– McQueen narra con el recato y la paciencia de un director de cine de arte del viejo continente. Las tomas largas, con composición de museo, que registran las rutinas de los presos y los guardias; el tedio, la paranoia y el dolor de todos los involucrados. Hay instantes de una belleza sublime, como cuando un miembro del IRA juguetea 76

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POR Daniel Krauze

con una abeja que se ha colado dentro de su celda, casi acariciándola, antes de que el animal zumbe y salga volando por una ranura de la reja. Y hay, también, momentos desgarradores. El mayor de ellos es, sin duda, un asesinato a sangre fría dentro de un asilo de ancianos (que probablemente sí ocurrió). La otra cinta dentro de Hunger es una conversación entre Bobby Sands y un cura que tiene, a fe mía, los mejores veinte minutos de cualquier película reciente. Dividida en tres tomas –un two shot de casi 17 minutos y dos close ups–, la plática comprende los intentos del cura por hacer entrar en razón al joven reo y la explicación, por parte de Sands, de por qué debe de ser él quien inicie la huelga de hambre. No encontrarán mejores ni más sutiles diálogos que los que aquí aparecen, ni tampoco hallarán un duelo actoral más potente. Ambos actores –Liam Cunningham y Fassbender– pasaron días encerrados en un departamento para aprender todos sus parlamentos y darle a McQueen lo que quería. El resultado es una secuencia verdaderamente prodigiosa: el corazón de Hunger, la carne dramática dentro de una cinta casi silente, de la que vale la pena el DVD. Y, en mi caso, justifica que esté escribiendo sobre ella, a pesar de que se estrenó hace tres años.

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