Fc - Marzo by ROMstudio

M AR ZO 2012

NÚMERO 17 • AÑO 02

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EDITORIAL

Apreciable suscriptor: FANCLUB Cinépolis® es el programa de beneficios adicionales que Cinépolis® tiene para ti, para recompensar tu preferencia. El 26 de febrero se efectuó la 84ª Ceremonia de los Premios Oscar de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de los Estados Unidos. ¿Cumplió sus expectativas? ¿Descubrieron tendencias, más frente a los retos por las condiciones económicas? ¿Qué papel juega para ustedes? ¿O les es indiferente la parafernalia y star system y prefieren películas menos habituales en las valoraciones comparativas? Un hecho es que en la gala se develaron intereses detrás de la magia, pero también manifestaciones novedosas y un continuo homenaje a la historia del séptimo arte en el país vecino del norte. Como un ejemplo de lo anterior destaca The Artist, en blanco y negro y silente, pero con un lenguaje único que repercute en festivales y en lo comercial. En primavera podremos reflexionar ante cintas como ¡De Panzazo!, sobre el drama y las esperanzas del sistema educativo nacional, sin duda primordial en un año electoral. En otros tipos de cine, comprobaremos que la reformulación es también sinónimo de creatividad. Es la tónica de fenómenos culturales como Los Juegos del Hambre y de los estrenos que actualizan relatos clásicos, El Lórax, Mirror Mirror y El Cuervo; Guía Para Un Asesino, además del que cruza fronteras entre animación y acción real, John Carter: Entre Dos Mundos. Son espectáculos posibles sólo hoy, y adquieren atractivo igualmente por las discusiones sobre la protección a los derechos de autor (por ejemplo, con propuestas como SOPA: Stop Online Piracy Act). En las páginas de FANCLUB Cinépolis® de este mes te entregamos más de $3,000 pesos en beneficios tangibles y directos, así como especiales de los estrenos más interesantes y 2 boletos para cualquiera de los eventos en la guía interna de accesos, que encontrarás en las páginas 59, 60 y 61. Además te obsequiamos boletos de precio especial para que durante marzo disfrutes las películas que desees en cualquiera de nuestras salas tradicionales (pág. 79). Es nuestra forma de premiar tu lealtad. Esperamos que disfrutes al máximo de todo lo que FANCLUB Cinépolis® tiene para ti, por ser uno de nuestros mejores clientes. FANCLUB Cinépolis® es un foro abierto al cine para tu gozo, para que disfrutes las opciones y flores en las pantallas, en una labor permanente por llevarte lo mejor de lo mejor.

LOS EDITORES

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CONTENIDO

Contenido MARZO 12 GADGETS pág. 6 // LOS VENGADORES pág. 10 // DIRECTORES pág. 12 // EN CARTELERA pág. 14 // DETRÁS DE CÁMARA pág. 18 // ¡ESTO ES GUERRA! pág. 20 // EL CUERVO pág. 21 // PORTADA pág. 22 // MIRROR MIRROR pág. 24 // JOHN CARTER pág. 26 // ALFOMBRA ROJA pág. 32 // DE LEYENDA pág. 34 // DE CULTO pág. 46 // CAPITALES DEL CINE pág. 50 // SAGAS pág. 54 // LA BUTACA pág. 56 // CÉLEBRE pág. 66 // METAFICCIÓN pág. 68 // CLÁSICOS pág. 70 //

DIRECCIÓN› Justo Sierra DIRECCIÓN EDITORIAL› Alejandro Ortiz González EDITOR› Alberto Ugalde Buenfil DIRECTOR DE ARTE› José Antonio Hernández DISEÑO› Fidel Núñez, Karen Evelyn Zúñiga Gtz. REDACCIÓN› Josué Guerrero, Héctor Romero, Erick Ruiz, Roberto Miranda, Omar Ávila del Ángel (y corrección) DIRECCIÓN COMERCIAL› Dolores Gilardi de Escoto ALIANZAS ESTRATÉGICAS› Carla García, Amira Carrasco GERENTE DE PRODUCCIÓN› Rolando González Camacho PREPRENSA› Ramiro Huerta Nava EDITOR RESPONSABLE› Justo Sierra 2

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pág.

Marzo 2012. Derechos Reservados © Origen y Comunicación, S.A. de C.V.; Calle Moliére 13-601, Colonia Polanco Chapultepec, Código Postal 11560, México, Distrito Federal; 2010. Todos los contenidos del presente ejemplar constituyen obras protegidas por la Ley Federal del Derecho de Autor, por lo que su reproducción directa o indirecta, total o parcial, comunicación pública, así como cualquier modificación a los mismos constituye una infracción administrativa o delito en términos de la legislación anteriormente mencionada y del Código Penal Federal. Las características tipográficas y de diagramación del ejemplar son también objeto de protección por la Ley Federal del Derecho de Autor y el editor goza sobre de ellas de un derecho de exclusiva. FANCLUB® y F FAN CLUB® son marcas en trámite de registro bajo los números de expediente 112648 y 112649, respectivamente, propiedad de Origen y Comunicación, S.A. de C.V., por lo que el uso no autorizado de las marcas o cualquier otra similar en grado de confusión sin el consentimiento expreso de su titular constituye una infracción e inclusive un delito en términos de lo dispuesto en la Ley de la Propiedad Industrial. Las imágenes logotípicas asociadas con dichas marcas son obras de arte aplicado, en la rama del diseño gráfico, cuyos derechos patrimoniales de autor detenta también Origen y Comunicación, S.A. de C.V., por lo que el uso no autorizado de dichas obras, con fines de lucro directo o indirecto, constituyen una infracción en materia de comercio en términos de la Ley Federal del Derecho de Autor. El derecho al uso exclusivo del encabezado o título de la publicación periódica se encuentra reservado a favor de Origen y Comunicación, S.A. de C.V. en términos del Certificado de Reserva en trámite bajo el número de expediente 04-2010-101213182400-20. Certificado de Licitud de Título: (en trámite); Certificado de Licitud de Contenido: (en trámite), expedidos por la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas de la Secretaría de Gobernación. Servicio Postal Mexicano: PP09-1816. La publicación periódica marca FANCLUB® es producida y editada por Origen y Comunicación, S.A. de C.V. Calle Moliére 13-601, Colonia Polanco Chapultepec, Código Postal 11560, México, Distrito Federal. Impresa en México por Grupo Infagon, Alcaicería #8, Col. Zona Norte Central de Abastos, C.P. 09040, México, D.F. Tel 5640-9265. VENTAS DE PUBLICIDAD a los teléfonos y fax 5001-1700, desde el interior al 01-800-90-27400 y desde E.U.A. al 1-800-845-6742. La publicación periódica marca FANCLUB® es un foro abierto, lo que significa que los conceptos y opiniones vertidos en sus páginas de ninguna manera expresan los puntos de vista de sus editores. Los diversos autores son los únicos responsables de los contenidos de sus obras. Los productos y/o servicios que aquí se exhiben son responsabilidad exclusivamente de los anunciantes. Los editores no se hacen responsables de la calidad, marca y/o precio de los productos y/o servicios anunciados, por lo que la relación contractual es únicamente entre el anunciante que ofrece y el cliente que adquiere.

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GADGETS

MARAVILLAS

MOBIADO GRAND 350 ASTON MARTIN

Para no comerse las uñas por la expectación ante la última película de Bond, podemos deleitarnos con un equipamiento de lujo clásico que usa uno de sus símbolos. Bond es un Casanova frío y carismático que necesita motores. Son emblemas de su desarrollo intelectual, asimismo de estilo, personalidad y fuerza para lograr cualquier meta. Y cierto, ha manejado diferentes marcas, pero ese lugar tiene un apartado especial para la ensambladora británica Aston Martin. La afamada marca tiene un estilo sólo equiparable a los diamantes, los cuales, como Bond nos ha enseñado, viven por siempre. La marca sorprende por replicar su prestigio en aparatos electrónicos. Así su calidad en los acabados estuvo a disposición de la compañía canadiense Mobiado para que desarrollara una línea auricular que sustentara diseños como el del CPT002 Aston Martin Concept Phone, que lleva a un nuevo nivel el diseño de vidrio de los smartphones, con una touchscreen con cristal de zafiro. Además la batería, electrónicos y tarjeta SIM están a los lados para que se respete su apariencia transparente. De tan bello que es casi nos hace olvidar la emoción porque James Bond, en efecto, will be back. 6

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JAMES BOND BLU-RAY BOX SET

La celebración de los cincuenta años del estreno de la primera película del Agente 007 incluye el lanzamiento de James Bond Blu-ray Box Set con las 22 cintas oficiales de la saga inspirada por Ian Fleming. Es un sueño

para sus seguidores, ¡o para todos!, porque abarca desde El Satánico Dr. No (Young, 1962) hasta Quantum Of Solace (Forster, 2008). Se produjo empleando la mayor calidad de imagen y audio y tiene más de 130 horas de material adicional y contenido exclusivo. Es la oportuni-

H. STERN ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS

Las gemas y joyas parecen buenos ángulos en los espejos o fantasías, sueños y deseos: fascinan, son el polvo de las estrellas y de los cuentos de hadas. Mágicos y anhelados tanto por hombres como mujeres su hechizo se debe al trabajo de figuras como Hans Stern (1922-2007), que se cautivó por éstas cuando tenía 23 años. Gracias a su labor, las piedras brillantes de Brasil y otros destinos se convirtieron en joyas tras un minucioso trabajo en el corte. Merecidamente, desde el año 1964 la revista Time lo llamó “el rey de las piedras de colores”. Su reconocimiento y naturaleza aproxima sus piezas al glamour, a figuras de la política, deportistas, etcétera, son maravillas como las de la colección de esculturales anillos inspirados en las fantásticas criaturas de la película Alicia en el País de las Maravillas de Tim Burton. En colaboración con Disney, H. Stern labra la imaginación de Burton y su adaptación a la obra de Lewis Carroll. Es una colección con criaturas esculpidas artísticamente en oro y diamantes con base en la espectacular naturaleza. En ellas brotan flores vivas, hongos de colores, un pájaro del jardín topiario, el gato que brilla en la oscuridad y hasta el dragón Jabberwocky. Son una gama de elementos elegidos por el equipo creativo de la joyería que asimismo se inspira en el submundo y estilo gótico de la cinta. Además reflejan los tamaños cambiantes de Alicia y hay versiones de los cinco anillos en dos escalas: “tamaño humano” y “tamaño extraordinario” (mayor a los 10 cm de altura) disponibles en todo el mundo sólo bajo pedido especial.

dad para revivir los momentos icónicos del fenómeno en HD, con ejemplos como cuando Honey Rider camina por la playa portando un bikini blanco, seduciéndonos o envidiándola (en El Satánico Dr. No), o los intensos encuentros de póquer entre Bond y Le Chiffre (en Casi-

no Royale, 2006). Además, cómo olvidar al Aston Martin DB5, menos con la reciente presentación de Bond in Motion en el National Motor Museum británico. Es una opción si quieren resistir la espera por Skyfall (9 de noviembre), el esperado regreso de la saga. FANCLUB CINÉPOLIS®

NOTICIAS

PERSPECTIVAS EN PAÍSES DE TRADICIÓN CINEMATOGRÁFICA, el año 2011 no fue de los mejores para la taquilla. Aunque ya se añejó, sepamos que Hollywood tuvo una recaudación total 4.5% menor con respecto al 2010 (totalizando 10,100 millones de dólares en su mercado interno). Sin embargo, en otras naciones en las que se sufre la piratería y no se gozan las mismas condiciones ni fortaleza económica, los complejos cinematográficos no merman y son de las mejores opciones para disfrutar espectáculos de calidad. Incluso hay ejemplos en México de instituciones que dependen del Estado, como la Cineteca Nacional, que incrementaron su asistencia o datos de 13 millones de espectadores tan sólo para las cintas nacionales. Nos ayuda que Hollywood, como

otras cinematografías, presenta estrenos con múltiples lecturas, entretenimientos pasajeros o relevantes y duraderos, pero más que nada: híbridos. Los adolescentes además ven más cine que nunca. Es una veta para aprovecharse si no se les satura de producciones como Los Juegos del Hambre o Crepúsculo, y también se destacan juveniles como Scott Pilgrim Vs. The World. Y, ¿por qué no?, puede ofrecérseles aproximaciones rigurosas y obsesiones creativas, dramas, documentales y cine “de autor”. Como punto de comparación (arbitrario) pensemos en el whisky. Recientemente se orientaba sólo a públicos maduros, pero hay marcas que han desarrollado agresivas campañas para adultos jóvenes y vaya que les han funcionado.

ACCIÓN CYBERPUNK Se ha especulado y hay montonales de dimes y diretes del remake live action de Akira. Dirigido por Jaume Collet-Serra (Unknown) se creía que requeriría un presupuesto increíble, o si no del estilo visual “apretado” y atolondrado del insólito realizador de culto Shin’ya 8

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BELLEZA ROBADA En el 2011 Biutiful, de Alejandro González Iñárritu, fue la película de origen hispano que más dinero recaudó. Aunque sólo fueron 5.1 millones de dólares en los Estados Unidos (costó 20 millones), a nivel mundial ingresó 25 millones. Ahora New Regency producirá su nuevo proyecto, el drama del oeste americano The Revenant. Basado en la novela The Revenant: A Novel of Revenge de Michael Punke, se ubica en el año 1823 y relata a un cazador de pieles valiosas acosado por un oso grizzly y desvalijado por los hombres enlistados para cuidarlo. Sobrevive, y lleno de ira recorre cientos de millas de terreno salvaje para lograr su retribución. Es una cinta de una productora que igualmente hace ruido porque finaliza detalles de Broken City, drama de crimen con Mark Wahlberg y Russell Crowe.

Tsukamoto (el de la saga Tetsuo). Muchos estábamos felices por el desarrollo del refrito al clásico animado de Katsuhiro Otomo, un ejemplo delirante y difícil de entender sobre un mundo postapocalíptico, con entes telequinéticos y relaciones proféticas. Era el resumen de los mangas orientales

GÁNGSTERES VS. ZOMBIS

MENTIRAS VERDADERAS Sobre otras versiones live action de clásicos animados o cuentos de hadas, Tim Burton prepara una de Pinocho con Robert Downey Jr. como Geppetto. Se narraría desde el punto de vista del entrañable carpintero dueño de la marioneta. ¿Pondrá en entredicho la versión stop-motion de Guillermo Del Toro?

hechos por el mismo realizador. Pero el remake, que se proyectó dividido en dos partes, ha tenido un desarrollo turbulento y recientemente se derrumbó… nuevamente (cerraron las oficinas del proyecto en Vancouver). Pero se especula que Jonah Nolan (hermano de Christopher Nolan y, de hecho, guionista de la próxima

Tom Hardy (este mes en ¡Esto es Guerra!) representará al temible Al Capone en Cicero luego de que termine su participación en Mad Max: Fury Road (los rumores apuntan a que se comenzará a filmar en abril). Para Cicero, Hardy se ha inspirado en las películas de James Cagney, Humphrey Bogart y Edward G. Robinson. Dirigida por David Yates (realizador de los últimos capítulos de Harry Potter), se dice que podría ser parte de una trilogía sobre Capone, lo mismo que se prevé para la de zombis World War Z con Brad Pitt. Regresando a los gángsteres, Ruben Fleischer ultima toques de Gangster Squad, sobre el bando-

lero de Hollywood Mickey Cohen, con las actuaciones de Sean Penn como Mickey (el mismo personaje de Harvey Keitel en Bugsy de Warren Beatty), Ryan Gosling y Nick Nolte.

CISNE DE JÚPITER Después de su embarazo y el Oscar como Mejor Actriz en el 2011, Natalie Portman será parte de Jupiter Ascending de los hermanos Lana y Andy Wachowski. Es el esperado proyecto de ciencia ficción de los excéntricos realizadores (no sólo por cuestiones de género). Mientras, los hermanos finalizan su ambiciosa adaptación de Cloud Atlas con Tom Tykwer (Corre Lola Corre), mientras que Portman trabaja en un documental sobre el libro Eating Animals de vegetarianismo puro (o de “veganos”, como los habitantes de las localidades La Vega). Pronto sabremos cómo se desarrolla la participación de Portman en Thor 2, ahora dirigida por Alan Taylor (de la serie para televisión Game of Thrones).

The Dark Knight Rises) reescribirá la adaptación. No obstante, también se baraja la opción de Michael Green (Linterna Verde, la serie Heroes). El presupuesto se redujo de 150 millones de dólares a 90 y Garrett Hedlund es el único actor confirmado (¿adiós a Kristen Stewart, Ken Watanabe y Helena Bonham Carter?). FANCLUB CINÉPOLIS®

ESTRENOS

LOS VENGADORES Los Vengadores es quizá la apuesta cinematográfica más esperada para este año. Pocos títulos han generado tanta expectativa como esta película, y es tal vez porque en ella se concentra a los superhéroes más emblemáticos de Marvel. El “Dream Team” de los guardianes de la justicia llegará esta primavera para convertirse en la aventura más espectacular.

POR JOSUÉ GUERRERO

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HOY LA CINEMATOGRAFÍA ES TAN ATRACTIVA y versátil que permite llevar historias sorprendentes a la pantalla grande, como la que es capaz de recopilar varios personajes de diferentes filmes para desembocar en una gran producción como lo es Los Vengadores. Esta cinta, dirigida por Joss Whedon, pretende ser un parteaguas en lo que se refiere a las producciones en torno a los superhéroes. Es por eso que su creador, según sus palabras, dedicó gran parte del rodaje a las escenas de acción. “Tuvimos coches explotando, y me di cuenta que las escenas eran muy duras. Pero lo más difícil era evitar que la acción fuera genérica, que no fuera una y otra vez la misma escena, pero plasmar eso es extremadamente complicado. ¿Cómo contextualizarlo? ¿Cómo hacerlo importante, diferente, y además poder diferenciar a todos

con sus poderes y sus acciones? Acabé pasando tanto tiempo y escribiendo las escenas de acción como las escenas de diálogos una y otra vez. Así que simplemente mantuve el hilo y evité que fuera repetitivo”, ha comentado en diferentes entrevistas Whedon. THE AVENGERS

El elenco luce atractivo, y es que además de los papeles principales de Iron Man (Robert Downey Jr.), Thor (Chris Hemsworth), Capitán América (Chris Evans), se unieron a la apuesta nombres como: Jeremy Renner en el papel de Hawkeye, Mark Ruffalo como Hulk, además de Scarlett Johansson como la Viuda Negra y Nick Fury interpretado por Samuel L. Jackson. La trama de Los Vengadores narra cómo la reunión más espectacular de superhéroes de Marvel tendrá que enfrentar a un enemigo

que amenaza la seguridad mundial. Para todo esto, el personaje de Nick Fury, director de la agencia internacional para el mantenimiento de la paz conocida con el nombre de S.H.I.E.L.D, encarnado por Jackson, tendrá que recurrir a los hombres y también a un Dios (Thor), con algunos poderes sobrenaturales para que puedan rescatar la paz del orbe. De esa manera comenzará el reclutamiento de todos los héroes que pueden enfrentar una amenaza de tal magnitud. TRAZOS ESPECTACULARES

Los Vengadores está basada en la popular serie de cómics de Marvel del mismo nombre publicada por primera vez en 1963, y que desde entonces tiene el estatus de cómic clásico. Uno de los aspectos que resaltan en la cinta es que ofrece a un Hulk con mayor presencia en la pantalla, distinto a la fugaz aparición en el anterior clip difundido por Marvel. Además se podrá ver al héroe en un rol más humano, es decir, como el doctor Bruce Banner, su real personalidad, y no como lo habían venido manejan-

do: la transformación mutante de un hombre. ARGUMENTO

Tras muchos años de hibernación, el capitán Steve Rogers despierta y se encuentra en un mundo totalmente diferente al que él conocía antes de que lo dejaran dormido en la Segunda Guerra Mundial. Ahí es donde finaliza el filme del Capitán América: El Primer Vengador, cinta que pudimos disfrutar el año pasado. Ustedes se preguntarán por qué recordar esta escena. Muy fácil, Joss Whedon ha comentado que uno de los principales argumentos de Los Vengadores girará en torno al personaje de Steve Rogers (Chris Evans) puesto que es él quien despierta tras muchos años sin saber qué pasó y sobre todo en un mundo totalmente diferente a lo que había conocido. Los avances tecnológicos y la forma de ver la vida de esta época desconciertan al Capitán América. Joss también ha dejado en claro que éste no será el personaje principal, sino una forma de enmarcar y comenzar la historia de la que será la película más esperada el año.

DATOS » Se tiene estimado que la producción de esta gran película tuvo un presupuesto aproximado de 220 millones de dólares. » El rodaje comenzó el 25 de abril de 2011 en Albuquerque, Nuevo México y tuvo locaciones en Cleveland, Ohio y en el estado de Nueva York. » Durante la New York Comic Con, la cual se realizó en octubre de 2011, el productor Kevin Feige comentó una posible secuela de Los Vengadores, declarando que Iron Man 3 será la primera fase en las películas que concluirán en Los Vengadores 2, que podría ver la luz en el 2017 (o antes, dependiendo del éxito), tras megaproyectos en este “apartado” de Marvel Studios como el de Nick Fury en solitario (Marvel tiene universos diferentes, como también el de Spider-Man o el de Ant Man) o Guardians Of The Galaxy, del cómic creado en 1969 sobre un grupo de alienígenas que viajan al pasado para proteger a la Tierra de otra invasión extraterrestre, que podría alcanzar el lado cósmico de figuras como Thor. » Mark Ruffalo declaró para una revista de Nueva York que se encuentra muy emocionado, ya que “nadie ha interpretado a Hulk exactamente, siempre lo han hecho con animación CGI. En cambio, esta producción se hará con el stop-action y stop-motion capture de Avatar. Así que en realidad voy a interpretar a Hulk. Eso va a ser divertido”. FANCLUB CINÉPOLIS®

DIRECTORES

POR XIMENA URRUTIA

MAVERICK STEVEN SODERBERGH Cuenta la leyenda que cuando Steven Soderbergh filmaba en el 2001 en Las Vegas Ocean’s Eleven, Matt Damon y George Clooney bajaron una noche al casino donde estaban rodando la cinta y apostaron en el Black Jack. Damon ganó, Clooney perdió y ambos preguntaron a Soderbergh si el no quería jugar. La respuesta fue negativa, el director contestó que a diario con ellos él ya se jugaba el dinero de la Warner. MUCHOS DEBEN SER LOS QUE ASPIRAN a una respuesta de este tipo, o más específicamente, muchos los que quisieran poder apostar el dinero de un estudio mayor. Pero la realidad es que son pocos y selectos los que pertenecen al grupo de este afamado director. Pero, ¿quién es Steven Soderbergh? Ésta podría parecer una pregunta cuya respuesta cualquier amante del cine lograría contestar, pero posiblemente quedaría incompleta. Director, guionista, fotógrafo, editor y productor… larga lista de ocupaciones cinematográficas. Soderbergh es uno de esos pocos personajes que ha logrado fluir e influir en el cine independiente tanto como en el comercial.

por una película que revolucionaría la cinematografía independiente en todo el mundo y en su carrera, su ópera prima Sexo, Mentiras y Video (1989). Es una visión muy audaz de la vida amorosa y sexual, por la que se alzó con la Palma de Oro en el Festival de Cannes. Tentado por el cine comercial, prefiere seguir trabajando en proyectos más ambiciosos desde el thriller existencial Kafka (1991) hasta el drama ambientado en plena Depresión, El Rey de la Colina (1993) o pasando por el cine experimental en Schizopolis (1996), una extraña comedia que también protagonizaba y abordaba la incomunicación y los dolores en la sociedad moderna. PUNTO DE INFLEXIÓN

AMBICIONES

Los inicios del realizador nacido en Atlanta en 1963, que de joven en Louisiana descubrió el arte de filmar y dirigió breves películas en el formato Super 8, fueron marcados 12

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Pero Soderbergh aún tenía mucho que contar. Así el año 2000 fue uno de los más importantes de su carrera y el salto definitivo del autor independiente al mainstream gracias al éxito de Erin Brockovich, drama

protagonizado por Julia Roberts, y de Traffic, thriller centrado en el tráfico de drogas con Benicio del Toro y Michael Douglas. Soderbergh logró lo que pocos imaginan al ver nominadas simultáneamente sus dos películas para el Oscar a Mejor Película. Además, por Erin Brokovich alcanzó una nominación de la Academia de Hollywood como Mejor Director y Julia Roberts consiguió entonces el Oscar de Mejor Actriz. OSCAR

Pero es por Traffic que ganó el Oscar como Mejor Director (siendo la primera vez en 60 años que un realizador era nominado por dos películas en el mismo año), estatuilla que también consiguió Stephen Gaghan por su guión, Benicio del Toro por su interpretación y Stephen Mirrione por su montaje.

Lo que está claro es que Soderbergh siempre está explorando, buscando su sitio en el cine. Es así que en el 2008, apoyado del éxito económico de algunos de sus trabajos previos, Soderbergh se lanzó a la aventura con un denso y pretencioso proyecto sobre el Che Guevara, que acabó dividido en dos películas; la cosecha fue indiferencia y agotamiento, en lugar de prestigio y grandes reconocimientos. El cineasta, decepcionado, llegó a anunciar públicamente su retirada una vez que acabara con los trabajos pendientes. HAYWIRE (AGENTES SECRETOS) Y sin embargo, es innegable que aquí tenemos a un artista, capaz de empatizar con el espectador. Luego de Contagio, película de una pandemia mundial que se narra desde la perspectiva del virus, veremos su nueva película, Haywire (Agentes Secretos), una película de acción que tiene como protagonista a Gina “Conviction” Carano, una luchadora con carrera en las artes marciales mixtas. Para acompañar a Carano en su primer papel protagónico, Soderbergh incorpora a un reparto conformado por actores de primera: Michael Fassbender, Ewan McGregor, Channing Tatum, Bill Paxton, Antonio Banderas y Michael Douglas, entre otros. En la cinta, la bella Mallory Kane (Carano) es una agente encubierta que es contratada por el gobierno de los Estados Unidos para realizar tareas encubiertas. Después de haber salvado a un rehén en Barcelona, se le encomienda una misión en Dublín. Sin embargo, es traicionada y deberá utilizar todas sus habilidades para escapar de una persecución internacional e intentar llegar a Estados Unidos para proteger a su familia y preparar la venganza.

INFORME

Pero déjenme decirles que el cine no es sólo un trabajo, en casos como el de Soderbergh el cine es también un vicio, por lo que regresa y lo hace retomando sus orígenes con propuestas experimentales como The Girlfriend Experience (2009), retrato de la actriz porno Sasha Grey. Poco después dirige a Matt Damon en The Informant! (2009), basada en un escándalo financiero con un toque cómico. Si bien actualmente se ha convertido en uno de los máximos exponentes del cine comercial (aunque conservando siempre la originalidad y un halo de calidad), sus inicios presagiaban una carrera mucho más arriesgada como autor personal y con más ambición artística. Antes de su estreno la película no creó demasiada expectación, pero la realidad la dictó el espectador frente a la pantalla y, por supuesto, la crítica especializada (ha elogiado a Haywire). El prolífico Soderbergh también ultima detalles de Magic Mike (sobre la experiencia de Channing Tatum trabajando como stripper cuando era joven), prepara el thriller psicológico The Side Effect y también Behind The Candelabra, sobre Liberace antes de tomarse su tan anunciado sabático. Lo que es un hecho es que más allá de ésta o cualquier otra película que realice, este director ya probó lo dulce y lo salado del éxito y la derrota en el cine.

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EN CARTELERA

RISA Y SUPERVIVENCIA Llega la primavera y sus componentes cálidos: fiestas, bikinis, flores psicodélicas y humor. Los estrenos comparten sus momentos agradables con distintos tipos de comedia, pero también luchan vs. lo frío e inhóspito. POR SALVADOR CANO

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WANDERLUST

PROJECT X

Estreno tentativo: 9 de marzo. Universal Pictures Wanderlust hará que rían y observen la evolución del cine. O sea, la comedia de David Wain (Role Models) exhibe la desaparición de los géneros puros y lo rico de los híbridos. Es un pasatiempo, aunque narra un drama con eco: las pocas opciones frente a la dura y veloz situación económica. Inicia con George (Paul Rudd) despedido de su trabajo tras haberse hecho de una vivienda en Nueva York. Entonces debe reubicarse en Atlanta con su esposa, Linda (Jennifer Aniston), para laborar con su hermano. Sin embargo, la familia no es como antes. Así abandonan lo planeado y sin rumbo claro topan con una “alternativa” en la comuna hippie Elysium. Con un reparto que incluye a Justin Theroux, Alan Alda y Ray Liotta, los estereotipos de permacultura, paz y amor y otras conductas básicas divierten más por los contrastes entre las parejas modernas y lo dizque primitivo, que puede ser más libre en cuanto a los tapujos. Además exhibe que el dinero no compra (toda) la felicidad, una carrera universitaria no garantiza nada y la ropa se necesita… si se quiere. Ok, ser uno mismo es complicado, abstracto y, aunque se dramatiza en los medios, hay tensión mundial; no queda más que divertirse. Si no qué, ¿llorar?

Estreno tentativo: 16 de marzo. Warner Bros. “Mamá, papá (…), quiero ser cool una noche, que las mujeres se fijen en mí… pero las cosas pueden salirse de control”. La premisa de la película/fiesta/spring break/“wild on” Project X podría ser de cualquier “reven” que se respete. Y como cualquier otra estampida dance montada cuando los padres salen de viaje, debe permanecer secreta para los mayores. Es similar a lo que sucedió con la película, oculta de los medios en algún lapso. De bajo presupuesto, se apoya en una imagen de cámara en mano y fiel para los días “YouTube” en los que se dificulta distinguir si lo visto es real. Con la producción del equipo detrás de ¿Qué Pasó Ayer? (Phillips, 2009) y Joel Silver, es el debut de Nima Nourizadeh, director de comerciales y videoclips. Sobresale su punto de vista en primera persona, editado del material de cámaras y teléfonos portados por los actores y extras para relatar fiestas que comienzan divertidas, se vuelven sexys y terminan mal y sombrías cuando tienen una invitación abierta en medios como Facebook.

UN DÍA PARA SOBREVIVIR

JEFF WHO LIVES AT HOME

Estreno tentativo: 30 de marzo. Gussi Artecinema La premier internacional de Un Día Para Sobrevivir (The Grey) fue un éxito inusitado donde el espectador hizo suya la tensión de la trama y vio una de las mejores actuaciones de Liam Neeson. En el relato, un grupo de trabajadores de un oleoducto de Alaska sufre un accidente de avión cuando viaja de regreso hacia la civilización. En mitad de la nada, en territorio hostil, malheridos y con miedo, los supervivientes serán cazados por una manada de lobos hambrientos. La película reflexiona sobre la vida y la muerte, pero se aleja del melodrama aunque muestre los lazos emocionales creados en situaciones extremas. Por el contrario, nos pregunta cómo actuaríamos y qué seríamos capaces de hacer si arribáramos a los límites de lo salvaje. Dirigida por Joe Carnahan (The A-Team), con la producción de Ridley y Tony Scott y la participación de Frank Grillo y Dermot Mulroney, es la sorpresa de la temporada. Pero lamentablemente no se exhibió a tiempo en Los Ángeles o Nueva York, por lo que no pudo ser elegida para premios. Sin duda es más inteligente que lo que se presagiaba, además de que pregunta sobre la fe, lo que es realmente valioso y su apoyo para vencer al horror.

Favor de confirmar fechas de estreno.

Estreno tentativo: 30 de marzo. Paramount Pictures Jeff Who Lives at Home narra distintas perspectivas de la vida mediante dos hermanos aparentemente distintos. Jeff (Jason Segel) es un “perdedor” que vive con su madre (Susan Sarandon), mientras que Pat (Ed Helms) se vale de sus propios medios. Desde la muerte de su padre, Jeff se la pasa en fachas, fumando sustancias y viendo Signs (Shyamalan, 2002) a la espera de que el destino le muestre códigos secretos. Un día ve un comercial de televisión y recibe una llamada equivocada que pregunta por Kevin. Concluye que es un aviso del universo… Por su parte, Pat es un tipo “maduro”, pero sufre una crisis de mitad de vida distraído con superficialidades como un nuevo auto, sin prestarle atención al fracaso de su matrimonio. Pero Jeff es despedido del sótano por su madre en busca de un nuevo amor. Se muda con su hermano, quien aprovecha y le solicita espíe a su infiel esposa. Entonces se despliega una historia de consecuencias y revelaciones que examina al destino, a las emociones y a las relaciones fraternales. Los realizadores Jay y Mark Duplass sabrán sobre fraternidad, al igual que de libertad y frescura. Ahora saltan a las grandes ligas y le dan un nuevo giro a la locura familiar y a lo extraño de las costumbres. FANCLUB CINÉPOLIS®

INDIE

Con Day Night Day Night (2006), la realizadora Julia Loktev impactó con un tour de force sobre el pánico y fragilidad de una bombardera suicida en el Nueva York post 9/11. Era original y parecía libre aunque delimitado por el escenario. Loktev ahora estrena El Planeta Más Solitario y revela personajes frágiles para otro tipo de beligerancia… la indiferencia.

CON UN RITMO PAUSADO Y PAISAJES INDOMABLES, El Planeta Más Solitario construye un retrato alienado e innova con pocos elementos. Pero sin saber qué significa “minimalista”, como se le dice, necesita pocos diálogos para traducir un miedo no como un acto de terror, sino de hastío, para lograr un efecto döppler en el espectador. Julia Loktev aborda obsesiones sobre la comunicación que no los dejará impasibles. Observa una relación de pareja y cómo no necesita pirotecnia para caer en el belicismo sin balas. Gael García Bernal y Hani Furstenberg interpretan una pareja de excursionistas en Georgia que con sus backpacks se divierten de manera espontánea e irreflexiva. Para ellos Loktev es una deidad que les da libertad excesiva en un país perturbado, en posguerra. En la primera escena vemos a Furstenberg duchándose, pero la directora desea desnudar no un cuerpo asexual y carente de violencia, sino lo opuesto y oculto en ellos. Se ayuda de paisajes que imponen lo insignificante de nuestra “modernidad” frente a la naturaleza. Así los protagonistas guapos y cosmopolitas contrastan con 16

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El Planeta Más Solitario POR CHRISTOPHER LUNA

las caras largas de quienes ya no se detienen ante el exotismo de su tierra. En el trayecto, guiados por el ex combatiente de guerra Dato (Bidzina Gujabidze), comprobamos que son turistas como cualquiera, también uno del otro. EDÉN VERDADERO

A partir de un cuento de Tom Bissell, Loktev destaca paisajes inmutables y sonidos de cello para darle ritmo a la caminata sobre el escarpado. Antes los veíamos jugando y riéndose por cualquier simpleza, despreocupados, ¿aburridos? Sin embargo, mutan tras un acto reflejo que derrumba su felicidad. Se topan con tres pastores quienes, tras discutir con el guía, les apuntan con un arma de fuego… Un minuto después desaparecieron los pastores, y el trayecto y la vacación continúa. Pero se acabó el romanticismo. Que finalmente el otro no está antes que uno. Es una traición a la ficción que aniquila las fantasías; al final la pareja no era de niños con un lenguaje privado. La ruptura del enamoramiento relata un tipo de posguerra social. En el peculiar triángulo los silen-

cios ahora son de vergüenza y dudas, excepto por un guía que, igual que su gente y viviendo secuelas de guerra, tuvo la oportunidad de verse antes en el espejo. DEAD FLOWERS

En El Planeta Más Solitario tenemos un estudio sin instrucciones, armado de momentos poéticos en el camino de Werner Herzog (Aguirre la Ira de Dios), del naturalismo del austriaco Ulrich Seidel (Import/Export), del indie contemporáneo y de un neorrealismo y traumas de una posguerra sin Vittorio de Sica ni Mastroianni. Tras lo visto, ¿sólo queda relacionarse en una red social globalizada, con recuerdos literalmente baratos, que satisfagan un amor instantáneo, sin reto? Después de la ruptura los escenarios parecen distintos, pero son iguales. La culpa de la traición pesa porque dice poco del evento y más del pasado de la pareja. La adaptación al futuro será incómoda, sin ficciones de lenguajes secretos que no eran de dos ni de conjuntos sociales, sino de nadie… En Google escribí “love” y el resultado fue: “1,180,000,000 otros resultados (en 0.26 segundos)”. El amor no siempre es la unidad.

BENEFICIOS ESPECIALES FANCLUB®

EL LÓRAX

EN BUSCA DE LA TRÚFULA PERDIDA ¡FANCLUB CINÉPOLIS® Y UNIVERSAL TE REGALAN ARTÍCULOS PROMOCIONALES DE EL LÓRAX! Sólo envía las respuestas correctas de la siguiente trivia con todos tus datos en un correo a fanclubcinepolis@cinepolis.com 1. ¿Por qué se llaman Ted y Audrey los personajes de la historia? 2. ¿Cuándo se editó el libro infantil El Lórax de Dr. Seuss? 3. Dinos tus comentarios y sugerencias de FANCLUB Cinépolis®.

SENNA ¡FANCLUB CINÉPOLIS® Y UNIVERSAL TE REGALAN DVDS DE SENNA! Sólo envía las respuestas correctas de la siguiente trivia con todos tus datos en un correo a fanclubcinepolis@cinepolis.com 1. ¿Qué premio recibió Senna en el Sundance Film Festival 2011? 2. ¿Qué campeón francés del mundo era el gran rival de Ayrton Senna? 3. Dinos tus comentarios y sugerencias de FANCLUB Cinépolis®.

REQUISITOS PARA PARTICIPAR Limitado a los primeros suscriptores que envíen un correo que en el asunto diga “FANCLUB Cinépolis® El Lórax” o “FANCLUB Cinépolis® Senna” con las respuestas correctas de la trivia, máximo hasta el 31 de marzo de 2012. Recuerda incluir tu teléfono, nombre y dirección completas para que se valide la participación. En caso de resultar ganador, sólo podrás serlo en una de las trivias de cada mes (ésta siendo la primera registrada como ganadora). Si no eres suscriptor de FANCLUB Cinépolis® no podrás ser ganador de este beneficio.

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DETRÁS DE CÁMARAS

Julio Hernández EL CINE CON HAMBRE DE EXPRESIÓN ¿Quién ha visto una película de Julio Hernández sin salir de la sala con preguntas? ¿Quién sale de una proyección de cine contemporáneo sin cuestionarse sobre la forma o el contenido o sobre los actores, o sobre el presupuesto? POR IZABEL ACEVEDO

LAS AFIRMACIONES SOBRE CINE CONTEMPORÁNEO llegan a sonar apresuradas, por lo que sólo nos atreveremos a decir que atrás quedó ese momento en que el cine fue un lugar seguro al cuál acudir para entretenerse. Los directores ya no vienen de los estudios ni los actores del star system, ni las productoras son emporios hollywoodenses. Es decir, claro que se puede todavía acudir al cine con el propósito de comer palomitas y desconectar el cerebro, pero si las expectativas de lo que se puede hacer (pensar o sentir) en una sala de cine son más altas (los espectadores tampoco son ya los mismos) hay una serie de autores con el deseo de explotar la herramienta expresiva que llega a ser el cine cuando se le trata como arte más que como industria y de verterlo sobre los hambrientos cerebros de los que acuden a las salas. Tal vez lo que les pasa a los cineastas en este momento es lo que les pudo haber pasado a finales del siglo diecinueve a los pintores impresionistas. Escandalizaron primero y rompieron después con toda regla e institución pictográfica, dando paso en el futuro a una cantidad incalculable de nuevas expresiones en ese formato… y no por ello 18

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dejaron de hacerse los paisajes, retratos y demás pinturas por encargo. FICCIONES, DOCUMENTALES, CINE…

Julio Hernández Cordón (Raleigh, 1975), es un cineasta egresado del Centro de Capacitación Cinematográfica en México. Casi toda su obra ha sido filmada en Guatemala y en los últimos cuatro años: Gasolina (premiada en el BACIFI y el Festival de San Sebastián, 2008), Las Marimbas del Infierno (ganadora del Premio al Mejor Largometraje Mexicano en el FICM, entre otros galardones, 2010), Polvo (en postproducción) y Hasta el Sol Tiene Manchas (en postproducción). Su filmografía es tan popular como cuestionada, esto último sobre todo por los academicistas del cine. Pero lo que es muy cierto es que sus historias son únicas y todas ellas abren una ventana hacia mundos hasta ahora ignorados. Para poder filmar estas historias Hernández ha tenido que trabajar con la creatividad y el desapego propios de los bajos presupuestos que conlleva contar este tipo de historias. En esta entrevista nos habla su concepción del cine y de sus métodos de trabajo.

que sean los álter ego de éstos. Le huyo a los rockstars, me gusta trabajar con gente sencilla en el trato. ¿Qué tipo de películas te gusta ver? JH: Me gustan las películas que tie-

¿Es el cine contemporáneo un híbrido de varios géneros? ¿Hacia dónde va? JH: Creo que el cine contemporá-

neo tiene como fortaleza su hambre de expresión, entonces es un cine que no se basa en grandes presupuestos. Al no basarse en grandes presupuestos tiene una libertad estética y narrativa, así que los realizadores están renovando la mirada cinematográfica de una manera muy fresca para algunos, mientras que para otros más académicos el cine contemporáneo es una falta de respeto. Cuando el público tenga referentes más amplios y mayor curiosidad y cuando el cine no se vea como evasión, las cosas cambiarán. El cine contemporáneo no pelea con el cine tradicional, siento que hay muchas maneras de contar una historia. Como mencioné, los pocos recursos del cine contemporáneo hacen que éste no le venda el alma al diablo para realizar una película y eso es importante porque ocasiona un cine sincero, un cine que provoca un diálogo y un cine que retrata espacios de manera muy personal.

porar atmósferas, diálogos o acciones. El guión me sirve para conseguir dinero, para que otras personas interpreten la idea que tengo. Pero en el rodaje no utilizo el guión, no me gusta sentirme atado a un papel, prefiero observar a mis actores en éste y pedirles que me regalen actitudes y movimientos de ellos. Busco una sensación, que mis historias estén hechas a mano, como pequeñas artesanías. Además, intento que mis diálogos no tengan el peso de un papel. Quiero que mis personajes usen mis ideas pero que las digan con sus palabras. ¿De qué depende escoger a un actor o a un no actor para representar un personaje? JH: Si siento que confía en mí y

está dispuesto a jugar conmigo para contar la historia lo escojo. También si veo que la persona es cercana al personaje, intento

nen una mirada propia, en las que siento que hay una persona dialogando detrás de una cámara. Películas que me hablan de un contexto y que tienen anhelos estéticos. Me enamoro de las películas que me regalan una mirada particular, en general películas tristes de gente normal o de antihéroes. ¿Nos puedes hablar de tus proyectos en puerta o cosas que quieres filmar y tienes pendiente? J.H: En unos días salgo hacia

Santiago de Chile para realizar la postproducción de mi tercera película que se llama Polvo. También estoy editando una película muy sencilla y con muchas libertades que se llama Hasta el Sol Tiene Manchas. Espero terminarla en febrero. Estoy produciendo una muestra de cine contemporáneo en Guatemala que se llama Muca, Muestra de Cine Actual. Y estoy escribiendo una película llamada Hombre Herido que ocurre en Ciudad Satélite (México) y Fort Worth (Texas). La quiero rodar a finales de 2012, además de Árbenz que es una historia acerca de la caída del gobierno de la revolución en Guatemala. Me gustaría presentar mi tesis en el CCC algún día.

¿Qué papel tiene el guión en tus películas? JH: El guión me sirve de guía.

Escribo considerablemente y durante mucho tiempo. Constantemente pienso en la historia. Busco detalles en la calle y en la gente que conozco para incor-

Las Marimbas del Infierno FANCLUB CINÉPOLIS®

ESPECIAL

¡Esto Es Guerra! ¿Cómo hacer que una comedia romántica esté llena de acción? El director McG lo planteó así: Dos brillantes agentes de la CIA se enamoran de la misma mujer. Al darse cuenta de este hecho comenzará una dura batalla por quedarse con el corazón de ella. ¿Y quién no pelearía, si el papel protagónico lo encarna la bella Reese Witherspoon? POR JOSUÉ GUERRERO

BIEN DICEN QUE EN LA GUERRA Y EL AMOR todo se vale, y sin duda esta frase quedó retratada a la perfección en ¡Esto Es Guerra!, película que envuelve diferentes géneros como la comedia, el drama y la acción. Una apuesta que sin duda no será una seria contendiente a los premios Oscar pero sí de las más divertidas durante este primer trimestre del año. Hacía tiempo que no veíamos a Reese Witherspoon en un papel cómico, como al que nos estuvo acostumbrados en Legalmente Rubia (2001) y su secuela del año 2003, filmes que tal vez han sido los más taquilleros de la actriz pero que no demostraron su nivel histriónico hasta que apareció en Walk the Line (2005) cinta de James Mangold sobre Johnny Cash que la hizo acreedora a un Oscar y a un Globo de Oro como Mejor Actriz. UN DÚO DINÁMICO

Al frente de esta producción se encuentra McG, responsable de dirigir proyectos como Los Ángeles de Charlie (2000) o Terminator Salvation (2009) su última cinta dirigida que sin duda le ha costado sacarse el clavo en forma de decepción, que se le quedó metido en la espalda después de este “fracaso”. Aunque McG ha desarrollado más trabajo en televisión, en series como Fastlane, Supernatural y Chuck, al parecer el cine de acción y comedia parecen sentarle bien. El reparto parece un poco escueto pero atrae, sobre todo por20

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que hace tiempo que no se ve a Witherspoon en lo que parece ser uno de sus géneros preferidos. En cuanto a los otros dos protagonistas que la acompañan, podemos ver a los actores Chris Pine (Star Trek) y Tom Hardy, este último conocido por participar en el filme Warrior (2011), además hay que destacar que ¡Esto Es Guerra! será el trabajo más próximo del inglés antes de aparecer en la tan esperada The Dark Knight Rises que se estrenará este año. SPY VS. SPY

¡Esto Es Guerra! parece tener toda la pinta de Mr. & Mrs. Smith (Liman, 2005) aquella película que Brad Pitt estelarizó con Angelina Jolie, donde las escenas de acción eran el común denominador, y tal parece que es lo que veremos en este trabajo, pues el hecho de tener como rivales a dos espías promete acción y uno que otro efecto especial bien logrado. Para realizar algo divertido, la cinta planteó que la historia se desarrollara para que los dos agentes se enfrentaran entre sí. Uno se parece más al agente Ethan Hunt de Misión: Imposible (Pine), mientras que el otro, a James Bond (Hardy). Antes compañeros inseparables y mejores amigos… hasta que se enamoran de la misma mujer. Ambos se han ayudado para acabar con naciones enteras enemigas, pero ahora están utilizando sus conocimientos incomparables y un sinfín de aparatos de alta tecnología en contra del mayor enemigo que han tenido nunca, el otro.

ESPECIAL

“Una vez, en una taciturna media noche…” Escrito por Edgar Allan Poe, El Cuervo es la base de un thriller psicológico sobre el peso real de los delirios. Narra un temor que asfixia como el ruido blanco que podemos dejar de atender, pero no desaparece. Uno teme caer en los pozos oscuros de la locura o terminar cual piedra agravado por la mirada del ave de mal agüero: la violencia, que hace del estruendo tras la puerta un gélido silencio.

POR PEPE MÚJICA

EL CUERVO GUÍA PARA UN ASESINO EN 1845 POE PUBLICÓ su célebre El Cuervo, crucial dentro de su obra y con diferentes acercamientos en la cultura popular, que tuvo auge en los años 50 y 60 gracias a figuras del cine B como Roger Corman. Hollywood de nuevo lo reinventa y muestra a Poe como un antihéroe de historieta dentro de alucinaciones y extrañezas soñolientas que parecen adaptadas de algún cómic oscuro sobre universos paralelos. Ambientada alrededor del año 1849 en Baltimore, Maryland, relata los últimos cinco días de vida del escritor (interpretado por John Cusack), quien deberá enfrentar una serie de asesinatos y ayudar al detective Emmett Fields (Luke Evans) a resolver los crímenes, inspirados en “El Entierro Prematuro”, “El Corazón Delator” y “Los Asesinatos de la Calle Morgue”, entre otros de sus relatos. El director James McTeigue (V For Vendetta, 2005) hace una

aproximación pop que no huye de lo sanguinolento y detallado de los homicidios en su afán por mostrar el impacto de la violencia. Se arropa de rasgos góticos que le dan el tono oscuro al thriller de acción, así como de los fundamentos casi científicos en el proceder de un asesino serial (en una cinta influida por Seven de David Fincher, 1995). POZO SIN DESEOS

Cusack se involucró seriamente en el papel y le halló rasgos similares a Hunter S. Thompson (autor de Fear and Loathing in Las Vegas), por la facilidad en ambos para descender a los abismos y superarlos. El delírium trémens visual recuerda cintas como Escape al Futuro (Meyer, 1979) donde H. G. Wells (Malcolm McDowell) perseguía a Jack El Destripador (David Warner) y exhibe el contraste entre el descarriamiento y la ley para un es-

pectáculo que narra lo atemporal del horror, su responsabilidad e influencia. El Cuervo se beneficia de la pasión, precisión cultural y dimensión exacta del poema además de los enigmas en la muerte de Poe. Se encontró tirado en las calles de Baltimore, con la ropa de otra persona y repitiendo el nombre “Reynolds”. Fue la culminación de una espiral descendente que inició luego de publicar el poema. Dos años después vio morir a su mujer y poco después sufrió cólera, rabia y se extravió en el río del estío alcohólico y del abuso de drogas. Sin duda todo pintó como un suicidio inconsciente, pero no se sabe. Lo que elogiamos es su importancia al sentar las bases del relato detectivesco y legar una influencia decisiva en autores como Baudelaire, Kafka, H.P. Lovecraft, Ambrose Bierce y Rubén Darío, además de, por supuesto, el cine. FANCLUB CINÉPOLIS®

PORTADA

SUZANNE COLLINS, LA ESCRITORA DEL LIBRO Los Juegos del Hambre, dijo en una entrevista que la idea del libro vino a ella un día cuando se encontraba haciendo zapping televisivo, y las líneas entre la competencia en un reality show y la cobertura de la guerra “comenzaron a desdibujarse en una forma particularmente perturbadora”. También citó el mito griego de Teseo en el que la ciudad de Atenas fue forzada a enviar a un joven y a una joven a Creta para ser devorados por el Minotauro como inspiración para la nación de Panem, donde se desarrolla la historia. Explicó la autora: “Creta estaba mandando un mensaje muy claro: Métanse con nosotros y les haremos algo peor que la muerte. Mataremos a sus niños”. Luego de escribir la novela, en el 2006 Collins firmó un contrato para publicar tres libros con Scholastic. A partir de 2009, hay 3 millones de ejemplares de Los Juegos del Hambre impresos y 26 ediciones extranjeras, los derechos de la novela han sido vendidos en 33 países. Este 2012, la historia —que será una saga— llega al cine y proyecta ser la película más taquillera del año. ¿Cómo es posible que una mente cree un mundo imaginario como éste? EL ZAPPING Y LA CREATIVIDAD

Los Juegos del Hambre POR OMAR ÁVILA 22

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Para la creatividad sólo basta un botón. A partir de la llegada de la televisión se comenzó a establecer una nueva manera de configurar la realidad. Las computadoras y los smartphones han seguido una línea de estímulo visual que se desbordó con la televisión. Llega un momento en que la gran cantidad de material visual incita a discriminar o a mantenerse en constante movimiento. La atención y concentración en una sola imagen resulta imposible. Esta pluri-concentración lleva a no centrar la atención en un sólo argumento continuo. Los saltos van de un lado a otro, son interminables e incluso llegan a ser patológicos. El zapping es una de las manifestaciones concretas de esta condición de movimiento continuo. Se define como la posibilidad de entretenerse cambiando de canal sucesivamente. Al telespectador de zapping le interesa todo y nada a la vez. Algunos lo hacen para relajar la mente o, como se aclaró, porque les interesa todo y nada a la vez —contradicción lógica pero no psicológica—, y para otros es una fuente de creatividad, pues permite asociar ideas o conceptos opuestos en imágenes impensables en una realidad ordenada, estructurada e inmóvil. A Suzanne Collins el zapping la inspiró. Ese eterno brincar de imágenes y movimientos llegó a una mente creativa. El análisis surgió de manera espontánea y las ideas comenzaron a fluir. El resultado: Los Juegos del Hambre, que se filmó gracias a War-

ner Bros. y a Gary Ross, director de la modesta película Pleasantville (1998) y de Seabiscuit (2003), esta última nominada a 7 premios Oscar, incluyendo Mejor Película, aunque no resultó galardonada en ninguna de las nominaciones debido a que compitió con El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey, la cual era casi imposible de vencer. Este hecho opacó el gran trabajo de Ross, quien busca su revancha con Los Juegos del Hambre. LA SUBSISTENCIA COMO JUEGO

¿En qué consiste esta historia? La sinopsis del libro dice así: “Es la hora. Ya no hay vuelta atrás. Los juegos van a comenzar. Los tributos deben salir a la arena y luchar por sobrevivir. Ganar significa fama y riqueza, perder significa la muerte segura… ¡Que empiecen los Septuagésimo Cuartos Juegos del Hambre! Un pasado de guerras ha dejado los 12 distritos que dividen Panem bajo el poder tiránico del “Capitolio”. Sin libertad y en la pobreza, nadie puede salir de los límites de su distrito. Sólo una chica de 16 años, Katniss Everdeen, osa desafiar las normas para conseguir comida. Sus principios se pondrán a prueba con “Los Juegos del Hambre”, espectáculo televisado que el Capitolio organiza para humillar a la población. Cada año, 2 representantes de cada distrito serán obligados a subsistir en un medio hostil y luchar a muerte entre ellos hasta que quede un solo superviviente. Cuando su hermana pequeña es elegida para participar, Katniss no duda en ocupar su lugar, convencida de demostrar con su actitud firme y decidida que aún en las situaciones más desesperadas hay lugar para el amor y el respeto”. La historia es planteada en un contexto postapocalíptico, y ese mundo imaginario le abre infinitas posibilidades a la técnica cinematográfica para hacer gala de sus avances. El relato es una gran base, y las imágenes previas del filme prometen tenernos al borde del asiento. LOS ACTORES Es cierto que una buena producción no depende de los nombres de los actores, pues con una buena historia y una excelente producción un filme puede salir victorioso en taquilla. Sin embargo, Los Juegos del Hambre, además de poseer los ingredientes mencionados, cuenta con un interesante elenco encabezado por Josh Hutcherson y Liam Hemsworth, Elizabeth Banks y Woody Harrelson, además de:

» Jennifer Lawrence, joven actriz de 21 años, interpretará a la heroína Katniss Everdeen. Ha participado en papeles secundarios en diferentes filmes; en X-Men: Primera Generación dio vida a la joven Mystique, trabajo que la catapultó a la fama. » Como ingrediente extra, Cinna, el estilista de la heroína Katniss, será encarnado por el famoso cantante, compositor, multi-instrumentista, productor y también actor Lenny Kravitz (además tuvo

breves participaciones en Zoolander, 2001; y en Precious, 2009). » Basta con citar unas cuantas líneas de la novela de Suzanne Collins para interesarse en esta historia: “El Distrito 12, donde puedes morirte de hambre sin poner en peligro tu seguridad, —murmuro; después miro a mi alrededor rápidamente porque, incluso aquí, en medio de ninguna parte, me preocupa que alguien me escuche”… Lo demás son imágenes, acción. FANCLUB CINÉPOLIS®

ESPECIAL

UNA NUEVA VERSIÓN DEL CUENTO DE HADAS

MIRROR MIRROR

En un país muy lejano vivía una bella princesita llamada Blancanieves que tenía una madrastra, la reina, la cual era muy vanidosa… Ésta le preguntaba a su espejo mágico… ¡Basta! Ahora toca el turno a Mirror Mirror, un nuevo filme mucho más luminoso y acorde con la estructura dramática con la que se plantea el tradicional cuento de hadas, popularizado por los hermanos Grimm y Disney. POR ROBERTO MIRANDA 24

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NO SÉ, PERO AHORA RESULTA que de vez en cuando los productores de Hollywood lanzan casi al mismo tiempo dos películas con argumentos similares o en tiempos relativamente cortos. Tan sólo basta con recordar que en un momento llegó a coincidir Impacto Profundo y Armageddon, o qué me dicen de Antz y Bichos, o de Volcano y Dante’s Peak, y así podría seguir mencionando una lista de filmes. No obstante, Hollywood siempre está atento a recordar tiempos pasados y no sólo a través de remakes, por lo que la nueva batalla para estos tiempos trata a Snow White And The Huntsman de Rupert Sanders, con Kristen Stewart y Chris Hemsworth, y Mirror Mirror (Espejito Espejito) de Tarsem Singh, el estreno que ahora nos ocupa, con Lily Collins, Julia Roberts, Armie Hammer, Sean Bean, Nathan Lane y alguno que otro enano malencarado.

JUEGO DE ESPEJOS

Otro punto en común de la aparición casi simultánea de dos películas con idéntico argumento era que solían optar por un tono similar. Cierto que eso es más discutible en el caso de Impacto Profundo y Armageddon, pero al final ambas acababan potenciando el apartado dramático de la historia. Sin embargo, eso es algo de lo que parece haber aprendido Hollywood, porque las dos películas que hablan sobre el cuento mágico de Blancanieves difícilmente pueden aparentar ser más diferentes. Pues mientras que Snow White And The Huntsman apuesta por un tono más oscuro, dando la sensación de que la épica y el suspenso son el eje de la acción, en Mirror Mirror se opta por uno más cómico y actual que reelabora e ironiza la historia. Se concentra en manzanas modernas, a todas luces suficientes pero podridas. También en deseos imposibles de eternas juventudes. Imagina lo rutinario y prosaico de Blancanieves, el príncipe o la reina malvada y así logra el propósito de darles personalidad y dimensiones: egos, defectos, virtudes y elementos con los que nos reflejamos. Los hechizos son gritos desesperados para encontrar el amor y sobrevivir, similares a perfumes mágicos vendidos en un mercado. Pero todo se encuentra inserto en un universo fantástico –o no tanto– y estilizado que matiza el relato tradicional para darnos una nueva versión de la historia, con un estilo muy acorde a la estupenda The Fall (2006, estrenada en el 2008) película con la que comparte director –asimismo de Los Inmortales (2010)–, el realizador de origen indio Tarsem Singh. ESPEJITO ESPEJITO

“Había una vez en un reino encantado una joven princesa con la piel tan blanca como la nieve y el cabello tan negro como la noche…”, así se presenta Mirror Mirror, que convierte a Julia Roberts en la reina malvada del cuento. La ganadora del Oscar por su protagónico en Erin Brockovich (Soderbergh, 2000) se mete en la piel de la terrible pero sarcástica Clementianna. Además la joven Lily Collins interpreta el papel de Blancanieves, que acabará perdida en un bosque rodeada de enanitos e increíblemente en algún momento luchando espada en mano contra el príncipe interpretado por Armie Hammer.

A juzgar, esta reelaboración de la versión del clásico cuento de Walt Disney que propone el director Singh está cargada de sorpresas. Y es que ha ido creando un hilo argumental repleto de acción y humor con un acercamiento familiar. Ahora bien, el apartado visual es una delicia, pero eso no basta. Julia Roberts hace una excelente participación, muy suelta y acaba siendo una reina muy divertida, lo cual al mismo tiempo da la sensación y necesidad de verla como una amenaza real. Cómo no, si a veces se enfrenta al espejo y a su reflejo, en otras palabras, a las arrugas y tallas extra. TRADICIÓN POP

La película comienza con la reina malvada fraguando complots y en medio de lo que parece un musical Technicolor –aunque visualmente admirable– tomando el control del reino y ganando la atención del príncipe. Pero cuando la belleza de Blancanieves hechiza el corazón del príncipe que ansía desesperadamente, opta por mandarla al bosque con bestias que se alimentan de carne humana. O sea, ustedes conocen la historia, pero ahora no sólo se trata de saber quién es la más bella, sino por qué importa. Comprendemos lo que siempre sabíamos pero pensábamos poco: dos mujeres, un camino. Blancanieves debe entonces reunir a una pandilla de siete pequeños rufianes, juraría que prestados por el realizador Terry Gilliam, de Los Bandidos del Tiempo (1981), o del ensamble británico Monty Python del que formaba parte. Obvio son los valientes enanos que la ayudarán a reclamar lo que es suyo… Sin duda no es la Blancanieves de los abuelos. El director ha regresado tiempo atrás y rodado elementos que se dejaron afuera en la película de Disney. De hecho, los mencionados enanos eran mineros antes que Santas miniatura, y aquí juegan un papel diferente. También había algo de un dragón en el cuento pero estaba hecho para su tiempo, más o menos light en la profundidad psicológica y con intenciones distintas. La evolución del proyecto se sincroniza con los tiempos, la creatividad y las fantasías. Y una imagen, aun reflejada en los espejos distorsionados y anoréxicos de las casas de la risa, dice más que mil palabras. FANCLUB CINÉPOLIS®

EL REY DE MARTE

ESPECIAL

» La película se filmó prácticamente en dos ocasiones. Stanton admitió que primero debió rodar las escenas live action para después añadir la “cinta

animada”, con más tomas digitales incluso que las de Pixar. Además hizo reshoots, acostumbrado a ello porque en Pixar hacen cada cinta casi cuatro ve-

Hay estrenos que nos hipnotizan y hacen gritar como colegialas, El Hobbit, The Dark Night Rises y pocos más. Pero entre los “blockbusters” sólo hay una apuesta en extremo arriesgada: John Carter: Entre Dos Mundos de Andrew Stanton. POR PAULA SABINA

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ces, aunque su proceso de prueba y error no sea tan costoso como el live action. » Para la cinta Stanton prácticamente reescribió un guión, porque subrayó

los elementos universales en la novela. » Cuando Robert Rodriguez quiso filmar John Carter buscó aprovechar los sets virtuales

de Sin City. Hubo planes de filmarla desde los años 30, en los 50 se deseaba que la produjera Ray Harryhausen y en épocas recientes fue

un proyecto anhelado por Jon Favreau y se rumoró a Tom Cruise para el rol. » Stanton se interesa por el realismo y trató

al proyecto como una cinta de época. Además investigó los diseños de las cintas Apocalypto, Roma de Fellini, Shogun y Lawrence de Arabia.

EL 15 DE ENERO DE 2010 supimos que iniciaba la fo-

TEMERARIO SIDERAL

tografía principal de una cinta de Walt Disney. Interesan los lanzamientos del estudio, claro, pero a éste le pusimos poca atención, concentrados en la tostada con mermelada y el café; es poco novedoso el inicio de una filmación. Leímos más y supimos que era en Londres (aunque después fue en Utah). Pero un renglón después se olvidó la rebanada y el brebaje se sustituyó por otro, estimulante, comercial, express y vaya que poderoso. Sin embargo, se saboreaba poco a poco cual café gourmet o casi experiencia psicodélica. Era una pócima visual que unía eras, filosofías y ciencias locas. En otras palabras, la borra del café abrió un vórtice a un futuro retro, espectacular y con apuntes nostálgicos pero modernos. Era una cúspide de la evolución imaginativa, John Carter: Entre Dos Mundos.

La épica de ciencia ficción tuvo un costo de $250 millones de dólares y es el riesgo cinematográfico más fuerte desde Avatar. Apoyado por los expertos detrás de Ratatouille, la misma Avatar y La Guerra de los Mundos, destaca su diseño de producción, otra “estrella”, a cargo de Nathan Crowley, responsable de la misma área en la última saga de Batman. Si desesperan porque faltan más de tres años para disfrutar las nuevas cintas de Avatar, no olviden que pueden sorprenderse con una cinta al nivel. Dicen que John Carter tiene el potencial de fenómeno que recuerde a Star Wars o Avatar. Pero es un riesgo fuerte para Disney, y hay quienes mencionan que éstos deberían encargarse sólo a figuras como Peter Jackson, Spielberg, James Cameron o George Lucas. Aunque aventurarse con Stanton en el homenaje a los 100 años del nacimiento del personaje es un acierto. De inicio es un ferviente seguidor de uno de los autores más influyentes en nuestra era (y según Stanton, Carter es su “Harry Potter”), lo que muestra al recrear fielmente su exótico y peligroso mundo.

MARS ATTACKS!

En las salas disfrutaremos el relato de ciencia ficción y misterio con Taylor Kitsch (Remy LeBeau a.k.a. Gambit en XMen Origins: Wolverine) como el personaje titular. Es una sucesión de luchas feroces en un coliseo en medio de un paraje erosionado, con seres inmortales, diferencias gravitatorias, relaciones proféticas, comentarios socio culturales, fantasía, complots y una lucha de todos contra todos. ¿FICCIÓN?

Basado en las aventuras clásicas de Edgar Rice Burroughs –asimismo el creador de Tarzán– esta versión de las aventuras místicas y siderales de Carter, ex soldado confederado desilusionado de la guerra, inicia con su sobrino, el mismo Edgar Rice Burroughs, enterándose de su desaparición; por medio de su diario personal conoce de los “vuelos astrales” que realiza y vencen incluso a la muerte. En el caso de Carter, luego de su evaporación y traslado a Marte se involucra en un conflicto de proporciones épicas entre tres fuerzas del planeta. Desencantado de la condición humana deberá lidiar con el marciano Tars Tarkas (Willem Dafoe en una “representación” de motion capture) y la cautivadora Princesa Dejah Thoris (Lynn Collins), para redescubrir valores tras comprender que depende de él la supervivencia de Barsoom (el nombre de Marte en el idioma marciano), un planeta que muere por la pérdida de atmósfera, agua (¡!), y que necesita una alianza pacífica de sus habitantes para proteger sus especies. El espectáculo además incluye a Thomas Haden Church, Polly Walker, Samantha Morton, Mark Strong y tenemos momentos de humor gracias a la presencia de Bryan Cranston.

HÍBRIDO Y ESPECTÁCULO

Stanton es graduado de la escuela más rigurosa del lenguaje cinematográfico: la animación, mejor aún, de Pixar. Codirector de Bichos (1998) y en solitario de Buscando a Nemo (2003) y la posmoderna, política y apocalíptica (pero familiar) WALL·E (2008), coescribió el estreno junto a Michael Chabon (escritor de The Yiddish Policemen’s Union) y Mark Andrews (con quien trabajó en Pixar). Se basaron en el texto inicial de la saga, A Princess of Mars. Y aunque se menciona que debe recaudar 700 millones de dólares a nivel mundial para que se produzcan las secuelas, Stanton no deja de trabajar en lo que podrían ser las adaptaciones de los siguientes dos libros, The Gods of Mars y The Warlord of Mars. Stanton hizo WALL·E por los riesgos que implicaba (de hecho es casi muda) y no ceja en su filosofía aventurera y poco habitual. Disney hizo lo mismo en el pasado con su primer largometraje animado, que nadie sabía si funcionaría. Pero tuvo una visión y mantuvo relevante su forma de arte. Fue similar con George Lucas y Star Wars; entonces el hoy magnate Lucas apostó todo por su visión; y lo vimos con Steve Jobs, quien invirtió mucho para consolidar a Pixar. No es de extrañarse que los artífices de la animación sean socorridos para los grandes estrenos del cine espectacular, los riesgos los mantienen a tope. Así John Carter también sirve como metáfora del valor de explorar. FANCLUB CINÉPOLIS®

ESPECIAL

EL LÓRAX

En Busca de la Trúfula Perdida

Si escuchamos el nombre Dr. Seuss, podríamos pensar que se trata del villano de alguna película del Santo, pero no... Dr. Seuss es uno de los escritores estadounidenses que se dedicó a crear obras con personajes fuera de lo común, y al que se le adjudica la historia de la nueva cinta animada de Universal Pictures, El Lórax. POR JOSUÉ GUERRERO

2012 ¿UN AÑO CATASTRÓFICO? Nadie lo sabe, se ha hablado mucho de él. Los mayas lo marcaron como el fin de una era, los más pesimistas como el fin del mundo y otros más como un cambio de conciencia a nivel mundial en donde el cuidado del planeta será una de las principales preocupaciones. En El Lórax, En Busca de la Trúfula Perdida, aunque no toca 28

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el tema a fondo sobre todos estos cambios, sí nos presenta una premisa ecologista clara , en donde el cuidado del planeta, o en su mejor caso proteger al mundo en vías de extinción son temas primordiales. Theodor Seuss Geisel, sin duda además de ser un excelente escritor, veía los problemas a futuro, pues sólo hay que recordar que esta historia se escribió hace más de 40 años, cuando aún no se padecían tantos problemas ambientales alrededor del mundo. Este filme se presenta como una apuesta casi segura de entretenimiento, especialmente si consideramos que las cintas que se han hecho de las historias de Dr. Seuss como El Grinch (2000) o Horton y el Mundo de los Quién (2008) han tenido buena aceptación, y, además, porque está dirigida por un gran talento como lo es Chris Renaud, realizador de Mi Villano Favorito (2010). UN GUARDIÁN FEO Y GRUÑÓN

El Lórax es una adaptación de la clásica historia de la criatura del bosque que comparte el duradero

poder de la esperanza, creada por Dr. Seuss. Entre los principales protagonistas de esta mágica aventura se encuentra Ted, un chico de 12 años que quiere ganarse el corazón de Audrey, la jovencita de sus sueños. Pero, para hacerlo, debe descubrir la historia del Lórax, una encantadora y malhumorada criatura que quiere proteger un mundo en vías de extinción. Además de presentar una gran historia, con un tema y con un eje como lo es la cultura por el medio ambiente, en este filme se vislumbran grandes dosis de entretenimiento, pues el legendario Danny DeVito le presta su voz al personaje principal, mientras que en su versión original Zac Efron hace el papel de Ted y Taylor Swift, el de Audrey. Sin duda este primer trimestre del año le imprime mejores bríos a las películas animadas (en este caso realizada por impresionantes gráficos de computadora) pues el año pasado ninguna apuesta fue tan del agrado comercial, salvo Las Aventuras de Tintín, ganadora del Globo de Oro a mejor película animada.

JOHN CARTER

BENEFICIOS ESPECIALES FANCLUB®

EN T RE D O S M U N D O S

¡FANCLUB CINÉPOLIS® Y DISNEY TE REGALAN PASES PARA LA PREMIER DE JOHN CARTER: ENTRE DOS MUNDOS! Sólo envía las respuestas correctas de la siguiente trivia con todos tus datos en un correo a fanclubcinepolis@cinepolis.com

TRIVIA 1. ¿Qué altura (en pies) tienen los bárbaros del planeta Barsoom? 2. Disney recobró los derechos del personaje en el 2007, aunque los tuvo en los años 80. ¿Quién iba a dirigir en esa ocasión la adaptación de las historias creadas por Edgar Rice Burroughs? 3. ¿En cuál serie de televisión aparecieron juntos Ciarán Hinds, Polly Walker y James Purefoy, actores que vemos en John Carter? 4. Dinos tus comentarios y sugerencias de FANCLUB Cinépolis®.

REQUISITOS PARA PARTICIPAR Limitado a los primeros suscriptores que envíen un correo que en el asunto diga “FANCLUB Cinépolis® John Carter: Entre Dos Mundos” con las respuestas correctas de la trivia, máximo hasta el 31 de marzo de 2012, si aplica. A los ganadores se les avisará de la fecha y sede de la premier. Recuerda incluir tu teléfono, nombre y dirección completas para que se valide la participación. En caso de resultar ganador, sólo podrás serlo en una de las trivias de cada mes (ésta siendo la primera registrada como ganadora). Si no eres suscriptor de FANCLUB Cinépolis® no podrás ser ganador de este beneficio.

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BIZARRAS

BIZARRAS, CURIOSAS

FIGHT CLUB

Un sector de la crítica ha llamado la última adaptación de la novela de Stieg Larsson (La Chica del Dragón Tatuado) la mejor cinta en la carrera de David Fincher. Muestra otra cara de un escenario económico/social que fortalece ultra derechas y desigualdades, uno que contrasta la indiferencia que recibe a diferencia de la pasión por el lanzamiento de, por ejemplo, cualquier gadget (el “amigo imaginario de todos”). Por esto recordamos a Fincher y su clásico pop sobre la revuelta, inspirado en el autor Chuck Palahniuk: Fight Club (1999). Romperemos la primera regla de Fight Club: “nadie habla sobre Fight Club”. Nos concentraremos en la octava: “Si ésta es tu primera noche en Fight Club... TIENES que pelear”. Sólo aclaremos que desde el 2001 se ha tratado con mayor delicadeza a la cinta luego de que se reformuló el término 30

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“terrorismo”. Hay precaución con el “Project Mayhem” relatado y su intención de destruir los símbolos de la economía global. Por lo mismo mejor expondremos secretos que presagian las vueltas de tuerca en la historia. Antes de que Tyler Durden entre oficialmente en la vida del narrador, aparece seis veces, contando una no oculta en el andador del aeropuerto. En cuatro ocasiones en flashazos sublimi-

nales cuando el narrador siente frustración o enojo, y otra vez en un grupo de meseros en la tele que le dan la bienvenida al hotel donde se hospeda. Mucho de lo visto no es real. Por ejemplo, cuando el departamento del narrador explota, él llama a Durden desde un teléfono público. No obtiene respuesta. Pero unos segundos después suena y lo contesta. La cámara rápido muestra el texto en el teléfono: “no acepta llamadas entrantes”… Tyler y el narrador son opuestos en personalidad y vestimentas, excepto en los boxers, ambos de color blanco.

WHERE IS MY MIND? Protagonizada por Edward Norton, Brad Pitt y Helena Bonham Carter, Fight Club es un relato delirante de un hombre cualquiera. Desconocemos su nombre, pero sabemos que está cansado de todo y que

Y CASI INCREÍBLES... ingresa al club de la enigmática figura Durden (Pitt). Describe la anarquía, los cambios generacionales, las distracciones superfluas y las vidas huecas. Disfrútenla por primera vez o revívanla y jueguen con las similitudes temáticas del estreno La Chica… (fue la “cinta navideña para sentirse mal”) de la que se desconoce si se producirán las secuelas. De Fight Club sepamos otros datos descabellados, como que durante su estreno no obtuvo éxito… Entre las referencias y bromas, cuando el narrador despide a Marla (su interés sentimental), vemos un espectacular que anuncia Seven Years in Tibet (Annaud, 1997), que era protagonizada por Brad Pitt. Fincher también dijo que si el camión encuadrado no tapara las otras marquesinas leeríamos The Wings of the Dove (Softley, 1997) y The People vs. Larry Flynt (Forman, 1996), con la participación de Bonham Carter y Norton respectivamente. Cuando el dueño del bar golpea a Durden, a lo lejos vemos al narrador doblándose del dolor. Los pequeños detalles ayudan a que Fight Club sea una película de culto. En ella los “errores” siguen el discurso. En su final se resume la transgresión de Tyler y el narrador: su deseo de secretamente agregar una franja porno en las películas. Buscaban modificar el subconsciente del espectador y que estuviera inquieto sin motivo aparente. (Advertencia, a continuación se narra un elemento clave de la cinta). Durante la concusión del filme, Marla y el narrador observan los edificios cayendo. La imagen entonces… vibra. Fincher agregó un cuadro (entre los 24 por segundo) de genitales masculinos.

MISCELÁNEA Para la afamada revista británica Empire, Tyler Durden es el personaje más cool de toda la historia. En las novelas de Stieg Larsson, el personaje de Lisbeth Salander es la versión del autor del personaje crecido de una novela de Astrid Lindgren (aunque abusado sistemáticamente). El personaje Mikael

Blomkvist (el actor Michael Nyqvist en las adaptaciones escandinavas) se apoda “Kalle Blomkvist” por un niño investigador de la misma novela de Lindgren. Lisbeth fue uno de los “fantasmas” en la vida de Larsson. A los 15 años presenció la violación grupal a una mujer y no hizo nada. Se llamaba Lisbeth.

OFERTA, REBAJAS No es de cine, pero cómo omitirlo: el nombre Britney Spears es un anagrama de “presbyterians” (presbiterianos). Jean Claude Van-Damme, quien será parte de Los Indestructibles 2, habla ¡cinco idiomas! Este mes se cumplen 60 años desde que Ronald Reagan se casara con Nancy Davis y 25 de que aceptara la responsabilidad por el escándalo Irán-Contra. Pero sepamos que dado su pasado como actor es el único presidente de los Estados Unidos en haber portado un uniforme nazi. También se cumplen 60 años del secuestro y asesinato del hijo de Charles Lindbergh (caso resuelto por el equipo de Hoover, relatado en J. Edgar). Se parece al que inspira la película La Soga (1948) de Hitchcock, que por su parte tiene similitudes con su

cinta Dial M. For Muder (1954). Ambos suceden en un departamento, los dos plasman ambientes acaudalados, hay un asesinato en un departamento, el villano es suave, demasiado seguro de sí mismo, calculador y un asesino a sangre fría, aunque en ambas éste termina tomándose un trago… Además, ambas cintas son experimentos, porque La Soga se forma de largas tomas de diez minutos sin cortes y Dial M For Murder se proyectó en 3D. FANCLUB CINÉPOLIS®

ALFOMBRA ROJA

LA OCTAVA EDICIÓN del Dubai International Film Festival (DIFF) presentó 171 filmes de 56 países. Combina la sustancia con el glamour y fortalece el diálogo industrial. Mostró 46 premiers mundiales, 25 internacionales y 78 de largometrajes del Medio Oriente. Dentro del programa se presentó el documental Carrière, 250 Metros, de Juan Carlos Rulfo sobre Jean-Claude Carrière, fiel colaborador de Luis Buñuel, y la coproducción La Maleta Mexicana de Trisha Ziff sobre los negativos de los fotógrafos Robert Capa, Gerda Taro y David Chim Seymour. Los mayores premios fueron para Tatsumi de Eric Khoo y

Habibi Rasak Kharban de Susan Youssef. 1. Premier de Mission: Impossible - Ghost Protocol con el actor Anil Kapoor, el director Brad Bird y los actores Tom Cruise, Paula Patton y Simon Pegg. 2. Una vista general de la atmósfera. 3. El director artístico del DIFF, Masoud Amralla Al Ali, y el director de Los Muppets, James Bobin. 4. Los actores Ranveer Singh y Anushka Sharm. 5. Owen Wilson luego de recibir el Variety International Star of the Year Award. Fotos 1, 2, 4, 6: Andrew H. Walker. Foto 3: Gareth Cattermole. Todas las fotos, Getty Images para el DIFF.

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LOS GOLDEN GLOBES son otorgados por la Hollywood Foreign Press Association (HFPA) y por su importancia han sido llamados la antesala de los Oscar. En su edición 69, premiaron a las cintas The Artist de Michel Hazanavicius como mejor película de comedia o musical y a The Descendants de Alexander Payne en el rubro de drama, en una gala que también galardonó a los cineastas Martin Scorsese y Woody Allen. Entre las luminarias más deslumbrantes sobresalieron Natalie Portman, Jessica Chastain, Sofía Vergara, Kelsey Grammer y Ryan Seacrest, quienes portaban diseños de la prestigiosa marca de joyería de diamantes Harry Winston, joyero que en el año de 1944 fue el primero en vestir estrellas en la alfombra roja. 6. Sofía Vergara. 7. Jessica Chastain. 8. Natalie Portman.

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DE LEYENDA

BRUMAS DE CALIFORNIA 17, Dick Haymes Rita Hayworth POR CAROL MILLER

Mi padrastro Ray Miller, como administrador general de Gordon Jenkins (arreglista que dejó marca en la música trabajando con figuras como Frank Sinatra), tuvo la obligación de supervisar el programa La Hora de Autolite (una marca de bujías), que a pesar de su trasmisión por radio se presentaba en vivo como un gran espectáculo ante el ferviente público en un enorme auditorio de la radiofónica CBS, con caseta para los ingenieros de sonido, con palco para los patrocinadores y sus invitados, y un gran escenario dominado por la famosa orquesta y su cantante estelar, Richard Benjamin Haymes.

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DE LEYENDA

AUNQUE NACIDO EN BUENOS AIRES en 1916, era mejor conocido en los discos (todavía grabados en acetato), teatro musical, cine y su gran programa de radio de 1947 en adelante, como “Dick”. Su madre, la irlandesa Marguerite Haymes, era maestra de canto, tal vez el secreto de la voz dulce, romántica, finamente afinada de su hijo exitoso, encantador, con un gran estilo pero con un notable desdén por la ley y el orden. Aunque trabajaba en Hollywood jamás se hizo ciudadano de los Estados Unidos (por tanto no tuvo que cumplir como soldado en la Segunda Guerra Mundial), hecho que alentó a columnistas poderosas como Louella Parsons y Hedda Hopper a cuestionar sus lealtades y tendencias políticas. Además se hicieron notorias sus riñas con el magnate Harry Cohn, el tirano mandamás de los estudios Columbia, quien controlaba el contrato de Rita Hayworth. Y a causa de los pleitos, y con las influencias de Cohn, las autoridades por poco lo deportaron a Argentina.

Ahora bien, Margarita Carmen Cansino, rebautizada para el cine como Rita Hayworth, nació en Brooklyn. Hizo 61 películas a lo largo de 37 años y el Instituto Cinematográfico Americano la considera como una de las luminarias más grandes de todos los tiempos. Era la locura. Cuando lentamente baja los guantes desde el codo hasta la muñeca durante su baile en Gilda (Vidor, 1946) no sólo a Glenn Ford sino al mundo entero le faltó el aire. Pero no siempre fue así. No era actriz sino bailarina y jamás se imaginaba que se convertiría en ídolo de todo soldado, que cargaría entre su equipo de batalla una foto de ella, generosa de busto, larga de pierna, con el brillo de la coquetería en los ojos y una larga melena ondulada de pelo flamígero. FOLLIES

Rita era hija de un bailarín de flamenco, Eduardo Cansino, Jr. Su madre, una vedette de la revista de Ziegfeld, la anglo-irlandesa “Volga” Hayworth, quería que su hija fuera actriz pero su padre y abuelo tenían otra idea. La alta, esbelta y grácil niña era a su vez nieta de Antonio Cansino, quien según me contó mi amiga Pilar Rioja era el más renombrado exponente de su tiempo de la danza clásica española, con una academia de baile en Madrid. Fue el primer maestro de Rita. “Cuando apenas podía pararme tuve que iniciarme en el baile y a partir de los tres años todo era ensayo y más ensayo”. ANGELS OVER BROADWAY

IN CALIENTE

Haymes tenía la voz de un ángel y desde el palco de los invitados, donde Ray Miller cada semana, el día del programa, nos instalaba a mi mamá y a mí, yo suspiraba con sus baladas. Pero era un hombre inestable en su vida personal y poco recomendable como amigo. Era bebedor, fumador compulsivo y peleonero, y aun así se casó seis veces y tuvo seis hijos. Su más provechosa unión fue con la actriz Joanne Dru, con quien apareció en varias películas, también se casó con Nora Eddington, la ex de Errol Flynn, y más adelante, más maduro, se casaría con la actriz, modelo y cantante Fran Jeffries, pero su más sonada relación, de hecho un escándalo que lo tenía siempre en los encabezados, y si mal no recuerdo también en la cárcel, fue con la diosa de todo lo deseable, Rita Hayworth, a quien mi mamá se adjudicó una notable semejanza, al grado de pintarse el pelo de rojo. 36

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Cuando cumplió los 8 años, sin embargo, Eduardo llevó a su familia a vivir a California y montó su propio estudio. Formó un grupo, Los Cansino Bailadores, pero Rita, todavía adolescente, no tenía edad legal para trabajar en los bares o centros nocturnos, por tanto consiguieron trabajo en Tijuana, en el Club Caliente y el Club Extranjero. Tardó poco un funcionario de un estudio cinematográfico en darse cuenta de las posibilidades en esas facciones perfectamente proporcionadas, pero Winfield Sheehan, de Fox, aunque logró una prueba de cámara para la fascinante muchacha y convenció al tempestivo Darryl Zanuck que hiciera unas cintas, no tuvo éxito. Fox perdió interés y Rita, ahora de 18 años, se casó con Edward C. Judson, un empresario del doble de su edad, pero suficientemente listo; le consiguió papeles en películas independientes y luego una prueba de cámara en Columbia. Harry Cohn podía olfatear el talento, pero pensó que la joven era demasiado “mediterránea”. Le ordenó que se hiciera electrólisis para agrandar su frente, y que se pintara el pelo. “Ninguna otra actriz aceptaba pasar por eso”, decía Rita. “Me pintaron el pelo ocho veces de ocho diferentes colores para

igual número de papeles. A Harry le gustó el rojo”. Lo que pensaba Harry era importante. En ese tiempo los estudios se apropiaban de los artistas, les pagaban un sueldo semanal, podían negociar sus apariciones con otros estudios –es decir, “prestar” a sus artistas– y de hecho, el artista les pertenecía. Y, ¿el pelo? A Rita le fue bien. A la mayoría les cambiaban los dientes. SÍMBOLO SEXUAL

Cohn presionó a Howard Hawks, el famoso director de los Estudios Warner y “creador de estrellas” que también lanzó a Lauren Bacall, entre otras. Le dio a Rita un pequeño papel en una película con Cary Grant y Jean Arthur, Only Angels Have Wings (1939), que acontece en un remoto puerto comercial en Sudamérica donde el gerente de una compañía de fletes aéreos pone en riesgo la vida de sus pilotos con tal de ganar un contrato importante. Fue un éxito inesperado que generó aplausos, cartas entusiastas y críticas excepcionales para “esa chica pelirroja de la sonrisa tímida y la mirada picaresca”. Columbia le ofreció un nuevo contrato, nuevas películas y su carrera por fin empezó a prosperar. Su gran éxito, no obstante, el que le encaminó al estrellato, prestada a Fox que inicialmente le había rechazado, fue Blood and Sand (Sangre y Arena, 1941), con Tyrone Power y mi una vez vecina Linda Darnell. Su papel como Doña Sol, entre tentación y sexo declarado, creó fuegos artificiales, iluminó la pantalla y anuló toda competencia. Haciendo bis a la versión anterior de Rodolfo Valentino (1922), menos febril, menos excitante como cine en sí, Rita no obstante superó a Nita Naldi, leyenda y deleite del cine mudo, y logró la esencia del erotismo implícito de los años 40. Aunque sus más memorables cintas subsecuentes la tenían de nuevo como bailarina, ahora con Fred Astaire (quien apenas llegaba a sus hombros) en películas de gran presupuesto, bailó también con Gene Kelly, Larry Parks y Frank Sinatra (“aunque Harry nunca quiso que aprendiera a cantar”), actuó con el gran Orson Welles, con quien se casó, pero su verdadero triunfo, que le convirtió en una “marca” como el Kleenex, el Thermos o el RCA Victor, fue la foto para la revista LIFE (1941), en negligé de satín posada en su cama. Esta foto fue una predilección de los soldados y el negligé se vendió en una subasta en el 2002 por casi 27 mil dólares. LA DAMA DIVINA

Rita Hayworth fue declarada “una diosa del amor”. La frase fue empleada en un reportaje y pasó al léxico común, pero a comparación con las cintas actuales era una doncella inocente. Jamás hizo escenas desnuda, jamás fue filmada en un acto sexual. Su gran éxito de taquilla se fincaba no en la carne sino en las

implicaciones de sus placeres, que lucían especialmente en sus cintas en Technicolor. Y mientras que Harry Cohn mostraba su obsesión con ella –“Hasta tenía micrófonos en mi camerino”, nos decía una vez– y trataba de dominarla mediante amenazas de contrato, recortes de sueldo, chantaje profesional, decretos en contra de sus galanes, durante todo el apogeo de su deslumbrante carrera, fueron célebres sus repetidas erupciones de rabia, probablemente justificadas. Después del revuelo por su relación con el príncipe Aly Khan, que la llevó a Europa, volvió a Hollywood con más éxito que nunca, pero lejos de apaciguarse, era más rebelde. Conoció a Dick Haymes, y a causa de su volcánica relación, que duró cuatro años –su matrimonio mal llevado, guarapetas, escandalazos, pleitos a golpes en bares y restaurantes, fotos en la prensa amarillista y varias visitas a las salas de urgencias de los principales hospitales– su carrera no obstante florecía, mientras que Haymes, pese a su excelente voz, se opacaba. Rita Hayworth continuó en el cine hasta los años 70 y todavía hizo una aparición en el programa de Carol Burnett. Su última cinta fue La Ira de Dios (Nelson, 1972). El quinto de sus cinco maridos fue James Hill, el director de Nacido Libre (1966), pero ante un panorama deplorable, terminaron. A partir de sus 50 años se notaba algo raro, que se confundió con el alcoholismo. En aquel entonces se sabía poco del mal de Alzheimer. Fue su hija, Yasmin Aga Khan, quien la cuidó y la procuró, y alentó la investigación que dejaría saber un poco más de las funciones, aún extrañas y desconocidas, de la mente humana. Dick Haymes murió de cáncer pulmonar en Los Ángeles en 1980 a la edad de 63 años. Rita Hayworth le sobrevivió, pero confinada a una clínica, hasta 1987. FANCLUB CINÉPOLIS®

INDIFERENCIA

BENEFICIOS ESPECIALES FANCLUB®

DETAC H ME N T

¡FANCLUB CINÉPOLIS® Y CANÍBAL TE REGALAN ARTÍCULOS PROMOCIONALES Y PASES PARA LA PREMIER DE INDIFERENCIA Sólo envía las respuestas correctas de la siguiente trivia con todos tus datos en un correo a fanclubcinepolis@cinepolis.com

TRIVIA 1. ¿Cuándo y dónde fue la premier internacional de Indiferencia? 2. ¿Cuál fue la complicada ópera prima de Tony Kaye, realizador de Indiferencia? 3. ¿Quién es el productor ejecutivo de Indiferencia? 4. Dinos tus comentarios y sugerencias de FANCLUB Cinépolis®.

REQUISITOS PARA PARTICIPAR Limitado a los primeros suscriptores que envíen un correo que en el asunto diga “FANCLUB Cinépolis® Indiferencia” con las respuestas correctas de la trivia, máximo hasta el 31 de marzo de 2012, si aplica. Los pases para la premier serán para los primeros correos con las respuestas correctas. A los ganadores se les avisará de la fecha y sede de la premier. Recuerda incluir tu teléfono, nombre y dirección completas para que se valide la participación. En caso de resultar ganador, sólo podrás serlo en una de las trivias de cada mes (ésta siendo la primera registrada como ganadora). Si no eres suscriptor de FANCLUB Cinépolis® no podrás ser ganador de este beneficio.

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FESTIVALES

SOUTH BY SOUTHWEST FESTIVAL

La puerta texana al cine independiente Cuando se trata de festivales, no todo es música y performance. Algunos eventos están actualmente diseñados para hacer converger diferentes artes, entre las cuales destaca notoriamente el cine. Éste es el caso del South by Southwest Festival (SXSW). POR HÉCTOR ROMERO

MIENTRAS QUE LA MAYORÍA DE LOS FESTIVALES se concentran en una sola escena cultural, el SXSW no se limita a ser uno de música y espectáculos visuales. Se realizan varias actividades tales como conferencias, talleres, proyecciones, además de tener apertura a los medios virtuales y presentar una de las muestras de cine independiente más importantes de hoy en día, la cual ha sido trampolín de grandes directores. NORTE Y NOROESTE

Es en 1986 cuando los organizadores del Festival de Música de Nueva York contactan a Roland Swenson, miembro de The Austin Chronicle, para plantear la posi-

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bilidad de la extensión del evento en Austin, Texas. Pese a que dicha locación no era de las más demandadas en la época, estaba situada en el mapa debido a su fama fiestera y popular –no es difícil imaginar a una texana de ojos verdes bailando–, aunado a su diversidad musical, en donde se alternaban géneros como folk, jazz, blues y rock, además del country. Sin embargo, los planes para echar a andar el proyecto no se lograron concretar, por lo que deciden ponerse en contacto con otros dos integrantes del Seminario de Música de Nueva York: el editor y cofundador Louis Black, y el editor Nick Barbaro, además del músico Louis Meyers.

El nombre del festival está inspirado en el maestro del suspenso Alfred Hitchcock y su cinta North by Northwest (1959), por ocurrencia de Louis Black y como consecuencia de sus fijaciones cinéfilas. Desde su primera edición en marzo de 1987, el festival ha mantenido dicho nombre, a la fecha siendo uno de los mayores en los Estados Unidos. GENERACIÓN ESPONTÁNEA

El primer año se esperaba la asistencia de 150 personas, cuando en realidad se contó con aproximadamente 700 participantes. Actualmente la asistencia data de entre 15 mil a 20 mil inscritos y se cuenta con la participación

de más de 2 mil artistas tocando en más de 90 lugares del centro de Austin. El éxito de los primeros años fue tan rotundo que los ejecutivos de la industria musical lo ubicaron como un cultivo de talentos, por lo que comenzaron los patrocinios y el crecimiento del evento. Pero los grandes ejecutivos de la música no eran los únicos interesados. La industria cinematográfica encontró en el SXSW un espacio adecuado para ubicar talentos, partiendo de la idea de un foro que permitiera dar espacio a los cineastas independientes. Es de esta manera que, en 1994, se incorpora al festival una película y un componente interactivo para dar cabida a esta industria en crecimiento. Desde ese entonces se han presentando un sinnúmero de filmes, de los cuales varios han sido muy reconocidos por la crítica. Algunas de las cintas presentadas en el festival celebrado en el 2011 fueron Win Win de Tom McCarthy, Kill List de Ben Wheatley, Charlie Casanova de Terry McMahon, Surrogate Valentine de Dave Boyle, American Animal de Matt D’Elia, Detention de Joseph Kahn, Sucky Teen Romance de Emily Hagins, Natural Selection de Robbie Pickering (una de las grandes triunfadoras), así como Green de Sophia Takal, Apart de Aaron Rottinghaus, y Scenes From the Suburbs, un corto (aunque de 28

minutos) de Spike Jonze inspirado en material de la banda Arcade Fire. Además hay cintas proyectadas que obtienen contratos de distribución, como el documental Undefeated de Lindsay y Martin o el thriller The Divide de Xavier Gens, aunque sucede menos con las cintas de bajísimo presupuesto que al certamen le transmiten una sensación libre, creativa y de “hágalo usted mismo”. En conjunto, SXSW es uno de los festivales más renombrados de la escena cultural y el más alto generador de ingresos para la economía de Austin con un impacto económico estimado de 167 millones de dólares. La meta original del South by Southwest Festival fue consolidar un espacio que sirva como herramienta para las personas creativas y las empresas con las que trabajan, para desarrollar aptitudes, reunir a personas alrededor del mundo y compartir ideas, ya sea en el ámbito de la música, el cine o Internet. Este año el festival se celebrará del 9 al 18 de marzo y el espacio para la muestra de cine se llevará a cabo del viernes 9 al sábado 17 del mismo mes. Habrá que esperar sus resultados, en donde seguramente se darán a conocer talentos inéditos con hambre de innovar, que son los que generalmente van marcando las tendencias en la pantalla grande del cine independiente.

RECONOCIMIENTO AL BUEN ARTE Desde 1995 se realiza una premiación dentro del marco de cine del South by Southwest Festival, que cuenta con distintas categorías. » NARRATIVE FEATURE COMPETITION - Categoría enfocada al trabajo de guión. » DOCUMENTARY FEATURE COMPETITION - Como bien lo menciona el título, esta categoría está dedicada al trabajo documental. » HEADLINERS - Lleva la energía del cine al SXSW con estrenos en la alfombra roja y eventos de gala de películas reconocidas mundialmente. » SPOTLIGHT PREMIERES - Es una categoría dedicada a los estrenos más sobresalientes de la oleada del nuevo documental y largometraje de ficción alrededor del mundo, América del Norte y Estados Unidos. » EMERGING VISIONS - Categoría dedicada a cineastas audaces y arriesgados que buscan generar un nuevo panorama en el cine por medio de la innovación y la creatividad en el cine documental y la narrativa. » LONE STAR STATES - Sección dedicada a los cineastas orgullosos de Texas. » 24 BEATS PER SECOND - “24 golpes por segundo” muestra los sonidos, la cultura y la influencia de la música y los músicos en el cine, con un énfasis en el documental. FANCLUB CINÉPOLIS®

Para suscripciones, dudas o aclaraciones, fanclubcinepolis@cinepolis.com o comunicarse directamente al 01 800 044 2073.

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LAS PAEZ MODELOS EXCLUSIVOS

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TRIVIA 1. ¿Cuál es la esencia de LAS PAEZ y qué consejo nos da la marca de alpargatas exclusivas? 2. ¿Cuál es la misión de LAS PAEZ? 3. ¿Cuál modelo de Botitas PAEZ remite a una nación? 4. Dinos tus comentarios y sugerencias de FANCLUB Cinépolis®.

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La marca LAS PAEZ, fiel a su espíritu urbano y fresco, nos sorprende con una línea de modelos ideal para tu estilo. Lanza cinco modelos especiales, los Peace&Love Azul para hombre y los Panamá Rosas y de Corazones Negros para mujer, además de los Sneakers Tomate Rojos y Cuadrícula, dentro de una colección especialmente diseñada para recibir las alegrías de la primavera. MUSAS La inspiración de la marca que incluye Botitas y Mini PAEZ surge de diferentes lugares y ocasiones, por ejemplo, del día de San Valentín. Para LAS PAEZ lo más importante es seguir creando, soñando e innovando. Y sobre todo quiere caminar contigo en los mejores momentos de tu vida, para que en cada paso que des seas libre, rías, te enamores, bailes, beses, te equivoques, ames y odies, que creas en ti, en tus sueños y veas los obstáculos de la vida con más ligereza.

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MUSEOS

La Marcha De La Humanidad

Polyforum Siqueiros Cuarenta Aniversario

50% de descuento en el espectáculo DE LUZ Y SONIDO más un acompañante gratis Polyforum Siqueiros, emblemático edificio concebido por Don Manuel Suárez, es una de las obras arquitectónicas y artísticas más representativas del siglo XX. Fue inaugurado en 1971 con la misión de preservar y difundir la cúspide de la creación de David Alfaro Siqueiros, uno de los máximos exponentes del muralismo mexicano.

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Flujo cultural Con 8,422 metros cuadrados de arte tridimensional, el exterior del Polyforum es un gigantesco caballete que sujeta 12 pinturas murales, cada una de las cuales tiene nombre y significado. En el Foro Universal se encuentra salvaguardado un invaluable legado: La Marcha de la Humanidad, que es reconocido como el mural más

grande del mundo. Consiste en una enorme bóveda cerrada con una superficie pintada de piso a techo de 2,400 metros cuadrados. Tiene una dinámica de elipse circunferencial, con una plataforma giratoria que nos permite recorrer los 360 grados de pintura tridimensional, lo que hace al espectador activo y dinámico, además de sumar un juego de luces, narraciones y música con capacidad para 1,000 espectadores. Polyforum Siqueiros cuenta también con un teatro para 500 personas con un escenario circular de estilo griego, que lo hace único por el flujo de energía entre el público y los actores. 40 años El Polyforum cumple cuarenta años de vida y lo celebra con un importante proyecto de renovación de sus espacios, así como de la identidad corporativa y toda la imagen del inmueble. Primera fase Ha concluido la primera etapa, que consistió en la renovación del área de galerías, la cual se pudo realizar gracias al patrocinio de la empresa mexicana Comex. La remodelación tuvo una duración de seis meses y participaron como asesores del proyecto arquitectónico: Arq. Esteban Suárez –BNKR Arquitectura–, Arq. Julio Amezcua –at103– y Arq. Erik D. Ramírez –Director de Cultura / Polyforum Siqueiros.

Fotos de las áreas internas, cortesía del inmueble.

Primer nivel Esta aportación es sin duda un gran acontecimiento para el ámbito cultural, social y artístico de nuestro país, ya que se ofrece un espacio totalmente renovado, con equipo de primer nivel y a la altura de los mejores museos del mundo.

No aplica con otras promociones ni descuentos. Es indispensable mostrar este cupón en punto de venta para la validación de la promoción. 50% de descuento en el espectáculo de luz y sonido más un acompañante gratis

POLYFORUM SIQUEIROS Insurgentes Sur #701, Col. Nápoles, Del. Benito Juárez, México D.F., C.P. 03810. Sábados y domingos: 12:00 y 14:00 hrs. www.polyforumsiqueiros.com.mx Promoción válida del 1 de marzo al 30 de abril de 2012.

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DE CULTO

Bruno Dumont Corte a close-up medio. En la pantalla la figura transmite sensaciones vulgares, también de misticismo. Logra un mayor contraste con el cielo devorando casi toda la imagen. Y no actúa, forma parte de un montaje visceral que desenterraría verdades si no fueran inexplicables; mejor muestra la fuerza de un encuadre, por ejemplo de un abdomen desnudo en una toma horizontal. Es lo tangible y material de una sociedad que se describe espiritualmente vacía pero tiene nociones inmortales, uno de los ejes en la obra de Bruno Dumont, artista de la desesperación. POR ALBERTO UGALDE BUENFIL

ENTREVISTAR A BRUNO DUMONT (1958, Bailleul, Francia) es una oportunidad única. Sucedió durante la promoción de su sexta película, la parábola de Fuera de Satán (2011). Es un “revulsivo” con héroes absurdos que continúa su propuesta austera que, dicen, hace pruebas Rorschach para el espectador. En otras palabras, Dumont reta y representa el fracaso político y social en películas que no son para todos, sin concesiones ni indiferencia frente a la “derrota cultural”. Para algunos son lentas, aburridas y presuntuosas. No sé. Tienen lo opuesto, que en ellas pululan las ambigüedades y escenas explícitas. O sea, no producen ecuanimidad y terminan como experiencias para el público. Además dijo que siempre aprende de sus detractores, “es la realidad de la naturaleza humana, la alteridad, el otro. Aprender a escuchar a los que no nos quieren. Es la vida”. 46

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Platiqué con Dumont en la Casa de Francia de la Ciudad de México. Creo que él sería atemorizante o un charlatán si jugara a ser “cineasta sociólogo”, esteta panfletario o tuviera respuestas fáciles para sus cintas. Es imposible que sea esto y de hecho no le interesa el cine que busca predicar y piensa que la oferta comercial es moralizadora y una degeneración del medio, que no es cine. TECNOLOGÍA

Dumont renuncia a la tiranía del guión o coreografía de diálogos, música, ornamentos y enmiendas sociales. Se interesa por crear montajes íntimos y cargados de belleza, pero crudos sobre el grotesco en la rutina; el espectador determina si son agradables o no. Asimismo es un pensador del llamado séptimo arte que respeta su cumbre al filmar en 35 mm aunque presente los resultados en formato digital (“no es mi decisión, yo

entrego una película”). Se interesa por el futuro del cine pero aclara, “las nuevas tecnologías son totalmente arcaicas, tanto que espero a que sean nuevas. Un libro es más moderno que una tablet. Lo puedo tocar, darle vuelta, manipular en sus dimensiones; lo virtual es más vetusto que lo real. De eso nos damos poca cuenta. El formato 35 mm es más rico y poderoso que la imagen numérica y digital, sólo hay que compararlas. Creo que caminamos de cabeza si pensamos que lo digital es progreso. No lo es. Pero el problema es rodar en ese formato. Aunque se proyecte en éste, la base es en 35 mm; el conflicto sucede en la filmación antes que en la exhibición”. MISIONES

Es polémico. Y sin saber sobre los límites de su sinceridad (ha mencionado que desea trabajar con Tom Cruise), ha ganado dos veces el Gran Premio del Jurado de Cannes (por L’Humanité, 1999, y Flandres, 2006) asimismo en un retorno a las raíces del lenguaje. No desprecia al público pero tampoco se opone al elitismo, a cuestionar y alejarse de las frivolidades. Aunque no se dicta por el público busca darle frutos y lo retroalimenta, “la película espera al público; si no hay público no tiene sentido. Necesita al espectador para revelarse. Éste entonces es sagrado”. Para él su obra, como la poesía, no es didáctica ni busca enseñarle a nadie cómo ver. Filma códigos inciertos o escenas del cielo, de torsos o de manos, que no intelectualiza. Podrían ser una relación de poder, a lo que contestó: “la fe no existe más. Estoy en busca de metáforas nuevas para la espiritualidad. El cielo es el cielo y las manos son las manos. Ya no hay símbolos, creo que la verdadera poesía es la naturaleza. Ésa es la metáfora justamente, llegar a un nivel poético donde el filme es el medio que lo expresa”.

Dumont así aborda las nociones del bien y del envilecimiento por un interés sensible que lo guiara tal vez desde que laboraba como profesor de filosofía. ENIGMA DEL MAL

En Fuera de Satán hay un ermitaño (¿iluminado nietzscheano?) que protege una zona boscosa y se relaciona con una joven de apariencia emo. Disfrutan de silencios mientras aumenta el deseo de la joven. Pero no se concreta; en las secuelas conocemos lo frío del enigmático ser capaz de ejercer violencia sin culpa, probablemente necesaria en un escenario cargado de soledad. Igualmente puede exorcizar una niña poseída y hacer milagros sin grandilocuencia o motivos. ¿Por qué le interesan los milagros a Dumont en una visión naturalista? “Es lo interesante. Justamente, se trata de mostrar lugares donde lo natural se convierte en lo sobrenatural”. Su original retrato rural no desvía la mirada frente a los demonios enmascarados, incluso del cine: “Creo que el espectador tiene conocimientos místicos y la película va más allá. Extermina las nociones. Actualmente Dios prácticamente ha desaparecido, pero pesa una presencia maléfica y poco identificada, aunque presente.” EVANGELIOS

Influido por Rossellini, Bergman, Bresson, Theodor Dreyer y Pasolini, destaca su habilidad para mostrar fascinante lo terrenal. Se suma lo básico de su aprendizaje con la manufactura de videos sobre lo que le interesa a pocos, que compaginaba con su labor como profesor. Durante quince años observó la belleza de, por ejemplo, el funcionamiento interno de una máquina de chocolate, de un congreso legal o de la construcción de las vías del tren. Habrá fortalecido su obsesión por lo “invisible” y por el poder de doble filo. Pero se

enamoró del cine y de encontrar milagros en el set, “a través de la cámara se trasciende lo evidente y se arriba a lugares donde se encuentra algo. Una vez que la naturaleza se filma es interiorizada”. Hizo su debut en la ficción con La Vida de Jesús (1997), una obra poco “francesa” para entonces. Era una representación descarnada de la vida rural en un pueblo al norte de Francia y no repetía la historia bíblica, sino que regeneraba sus significados actuales, del mal y del poder, para una pintura atea y humana del cristianismo. Entonces conocimos las obsesiones que recientemente vimos en el extraño profeta, dios justiciero o demonio de Fuera de Satán, o en lo mundano de la rutina policial y casos como el del asalto y violación en L’Humanité. MITOLOGÍA

Igualmente director de 29 Palmas (2003) y Hadewijch (2009) se alista para filmar La Creatrice, con Juliette Binoche en el papel de una Camille Claudel confinada en un asilo mental. Pero sus conceptos sobre lo moral responden a un escenario aplastante, como en Fuera de Satán. ¿Nuestra salvación es como con la roca misericordiosa que finalizaría la vida de un ciervo agónico por una bala perdida? “Antes que eso, la escena muestra la relación del hombre con la naturaleza. Matiza la potencia para matar, en este caso relacionada con la cacería. Habla de la capacidad tanto de dar vida como de dar muerte y forma parte de un ciclo muerte-vida”. Sus personajes son antisociales o sociópatas y caminan junto a construcciones en obra negra… “La película representa nuestro estado espiritual actual. No soy documentalista, no hablo de lo social. Pero sí de la brutalidad primitiva en la espiritualidad, de nuestros hábitos y del deseo de amor como de muerte. Todo es un mito”. FANCLUB CINÉPOLIS®

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SOUNDTRACKS

Misterios y renacer

POR JOMI DELGADO

Con Inni, el concert film de Sigur Rós, la primavera logra estremecimientos recobrados del pasado. Es un respiro y unión de artes que usa al talento necesario para la música e imagen como una sinergia y misterio que a veces es mejor dejar sin respuestas. PHOENIX FROM A MESS TO THE MASSES Phoenix es la banda francesa más cool del mundo… Ok, ponerla en términos del medio que usa “wannabe” –que aplica para un buen número de seguidores de los galos– distrae del renacer de las cenizas o de la regeneración del “rockumental”, que no sólo es mercadotecnia, sino un producto artístico. Phoenix además ha destacado al robarle el reinado en el pop experimental a los anglosajones. Así vale la pena destacar el documental From A Mess To The Masses de Francisco Soriano y Antoine Wagner (este último realizador de videos como el de “Lisztomania” o de rolas de grupos como Pretty Good Dance Moves). Estrenado en la Red, nació tras

su exitoso cuarto LP, Wolfgang Amadeus Phoenix (2009). Sigue a los cuatro miembros del grupo, a ocho roadies y muestra cómo con la música se las ingenian, conviven y hallan sentido en un mundo caótico. Es un recorrido abstracto y emocional acerca de su necesidad artística, de la belleza de las

composiciones y su poder para unir a la gente… ¡Qué bonito! Puros lugares comunes. Pero no se confundan, la unión de música y cine no es particularmente apta para contarse, menos mal, y no es un filme motivacional. Mientras escuchamos su quinto LP disfrutemos este recuento de dos años de giras para quienes terminan hechizados por sus presentaciones. Es el caso de Sofia Coppola, que usa música del grupo en sus películas y se ligó a su líder, Thomas Mars, su ahora esposo. Finalmente aclaro: si el término “banda francesa más cool del mundo” les hace ruido, es por Daft Punk –responsable del experimento cinematográfico Electroma (2007)–; ok, pero Phoenix de menos es un grupo “versallesco”.

del pasado del grupo, pero antes se trata del sonido y en pantalla hace que uno se sienta a la mitad del concierto o en un trance. De hecho, usualmente se presenta en un una sala de conciertos, espacio adecuado para los 9 cortes que recorren sus trabajos discográficos.

Dirigida por Vincent Morisset, fue grabada en HD en el Alexandra Palace de Londres en el 2008, luego transferida a 16 mm y sujeta a experimentos. Enfatiza la voz igualmente frágil y potente de Jon Thor Birgisson (“Jónsi”) acompañada de su guitarra con arco. Se recomienda porque logra una unión armoniosa de música e imágenes y exhibe la extraordinaria relación de cine y música como una labor intensa pero casi siempre delicada, atmosférica y vaga en su definición. Sin duda se asemeja a los LPs íntimos de la banda (Inni significa “al interior”) que recién anunció su regreso luego de cuatro años desde su último LP, Með suð í eyrum við spilum endalaust (2008).

SIGUR RÓS INNI A finales de 2011, la sala Hermilo Novelo del Centro Cultural Ollin Yoliztli vivió una semi posada poco menos que habitual. Fue la sede para una de las películas del año según figuras como el realizador argentino de cine medio crudo –en su factura– José Celestino Campusano (Vikingo). La tarde era soleada, ventosa y hubo nubes que fallaron al acaparar la atención. Entonces se proyectaba Inni, concert film de la banda islandesa post-rock Sigur Rós. A diferencia de su película anterior Heima, es minimalista y fascina con visuales simples, oníricos y estroboscópicos (blanco y negro). Incluye insertos

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CAPITALES DEL CINE

LOCACIONES PROTAGÓNICAS POR DANIEL KRAUZE

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LAS CINTAS DE ACCIÓN SUELEN USAR la geografía de las ciudades como postales. Viajamos como trotamundos de la mano de Jason Bourne, James Bond y sus derivados. Visitamos el tráfico moscovita a través de una persecución de coches, conocemos el desierto después de que se desploma un avión del 007, colgamos del edificio más alto del mundo en la última Mission: Impossible. A pesar de la obsesión turística del género, las ciudades rara vez añaden a la simbología de la historia: las locaciones escogidas son tan intercambiables como las armas del héroe, y lo que se lleva a cabo en Praga bien podría ocurrir en Barcelona, París o Bruselas. La gran mayoría de los motivos detrás de las decisiones son arbitrarios. La famosa secuencia de Inception en la que Dom Cobb (Leonardo DiCaprio) le enseña a diseñar escenarios oníricos a Ariadne (Ellen Page), parece desarrollarse en París sólo porque Christopher Nolan, el director, quería doblar como tortilla a la ciudad más bella del mundo. Hay excepciones, pero son pocas. In Bruges (2008), menospreciada cinta del magnífico dramaturgo irlandés Martin McDonagh, da la impresión de que, más allá de la clave inserta en el título, no podría ocurrir en un lugar que no fuera Brujas, mientras que Duro de Matar, el molde para el 90% de las cintas de acción modernas, funciona en gran medida como un comentario sobre las diferencias caracterológicas entre Nueva York (personificado en John McClane), y Los Ángeles, el escenario de la historia. LA CIUDAD DE LOS VIENTOS

Sin embargo, quizás el mejor ejemplo de una gran cinta de acción haciendo uso de la ciudad que ha escogido es El Fugitivo, una de los grandes exponentes del género, dirigida por Andrew Davis y protagonizada por Harrison Ford. Richard Kimble (Ford), reconocido cardiólogo en el Chicago Memorial Hospital, es culpado del asesinato de su esposa y enviado a prisión, donde esperará la pena de muerte. En el camino, su transporte se sale de la carretera, un tren lo vuelca y Kimble escapa de vuelta a Chicago para comprobar su inocencia. La cinta de Davis no escatima en menciones a la ciudad. El nombre “Chicago” aparece en decenas de diálogos, pero más que ser un acento auditivo, la urbe misma es un personaje de la historia, y Davis lo subraya incurriendo en una variedad de tomas aéreas que resaltan el carácter laberíntico e imponente de la joya del Midwest americano. Una y otra vez, Chicago —como protagonista— le sirve de coartada a Kimble para escapar de su persecutor, Samuel Gerard, interpretado por Tommy Lee Jones, en una actuación que merecidamente le valió el Oscar. Y en ninguna secuencia es más evidente lo anterior que en la persecución durante el desfile del Día de San Patricio, cuando Kimble se adentra en la procesión para huir de Gerard. ¿Podría El Fugitivo haberse filmado en Nueva York, por ejemplo? Quizá, pero a lo largo de la cinta las peculiaridades de Chicago operan en la trama. ¿Cómo se da cuenta Gerard y su equipo de que Kimble regresó a su ciudad natal tras haber escapado? Porque interceptan una llamada que el doctor le hace a su abogado y, en la grabación, escuchan un tren elevado, parte esencial del diseño de la ciudad. Más adelante, Davis hace uso de aquel tren en una secuencia clave, justo antes del enfrentamiento climático. ¿Podría pasar lo mismo en Nueva York, con Kimble saliendo de un tren que paró entre Penn Station y Times Square? ESCENARIO Y DESARROLLO

La secuencia final de El Fugitivo le rinde homenaje a la ciudad: sitúa la acción a la mitad de su más famosa avenida el Magnificent Mile. Y dado que el símbolo de Chicago es el rascacielos (la urbe cuenta con dos de los más grandes edificios del planeta) el clímax funciona aún mejor porque ocurre en la terraza de un altísimo hotel. Hasta el clima de Chicago cobra importancia. Sin excepción alguna, la acción de El Fugitivo se despliega bajo cielos plomizos; los personajes jamás visten algo que no sea un abrigo o una chamarra. Este recordatorio de la inclemencia invernal sirve para exacerbar el peligro en el que Kimble se encuentra: sin dinero, con el tiempo encima, en una ciudad gélida y viviendo, durante un lapso de la cinta, en el sótano de una truculenta familia de inmigrantes rusos. Sin duda hay elementos aún más loables en la película de Davis. La acción jamás es gratuita y siempre nos regala claves que matizan a los personajes, como cuando Gerard le confiesa a Kimble que no le importa si es o no inocente; o cuando, justo antes de la persecución del Día de San Patricio, Gerard dispara a Kimble en el rostro, y sólo un cristal antibalas salva su vida. Las actuaciones son impecables —quizás esta es la última gran cinta de Ford—, la fotografía es eficaz y la música es adecuadamente ominosa. No obstante, vale recalcar el uso que El Fugitivo hace de su locación y recordar que, a veces, las ciudades en el cine pueden ser mucho más que simples postales. FANCLUB CINÉPOLIS®

TENDENCIAS

DANZANTES EN EL ESPACIO He llegado a darme cuenta de la idea errónea que se ha creado sobre la 3D, el efecto que logra engañar el ojo humano y da a entender que todo puede rebasar la pantalla y transformarse en vida. A eso el mundo lo ha llegado a presentar como algo revolucionario. Pero la verdad es que no es un efecto, es el nuevo lenguaje, y la revolución llegará el día que la 3D se convierta en necesidad y no en una simple atracción. La existencia de una gran historia que dependa de la 3D para contarla… LAS CONSECUENCIAS QUE NACEN de la 3D son impresionantes. Cada día los cineastas buscan todo tipo de posibilidades que pueden crear a través del lenguaje, ya que no fue inventada para copiar la realidad, pero sí para interpretarla de manera basada en la gloriosa imaginación. Gracias a ella podemos crear un mundo como Avatar (2009), o podemos transportarnos a un universo inexistente, ventaja poderosa para la producción de documentales, una opinión reforzada después del homenaje de Wim Wenders a la bailarina y coreógrafa Pina Bausch: Pina. “Danzad, danzad, de lo contrario estamos perdidos” decía la coreógrafa alemana más famosa de la segunda mitad del siglo XX, y en efecto… en 3D aparecieron danzantes en el espacio. ¿Será danza?, ¿teatro?, ¿o simplemente, vida, amor, libertad, lucha, deseo, alegría, desesperación, reunión, belleza, fuerza? ¿Será el alma en el espacio, o el movimiento? ¿Las miles de emociones, los elementos como la tierra, el agua, o el aire que alguna vez llegó a ser tangible, o una simple ilusión? 52

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POR CONSTANZA SCHRAVESANDE

CONTACTO

Wim Wenders utilizó el instrumento perfecto para crear el homenaje a la vanguardista Pina Bausch, un documental que dejó de ser puramente comercial, al reencontrarse con el espíritu de la coreógrafa y convertirse en algo nunca antes visto: un descubrimiento del verdadero arte del lenguaje en 3D, un efecto que manipula todo tipo de emociones e involucra al público en la danza de la vida. ¿Quién siente que la revolución ya llegó? Mediante la técnica, Wenders explora la fuerza visual y dramática de otro lenguaje inventado y descubierto por Pina, que fusionó el cuerpo, el espíritu y un minucioso detalle escenográfico. Es una tendencia que le da nuevos significados a obras alejadas de los documentales divulgativos y naturales, como The Bachelor King 3D de David Attenborough, y con menos aún en común con “concert films” como Justin Bieber: Never Say Never 3D. Es un camino artístico también seguido por el documental La Cueva De Los Sueños Olvidados de Werner Herzog, en el cual el maestro nos lleva dentro de las Cuevas Chauvet, al sur de Francia, donde se encuentran las más antiguas pinturas rupestres, para reflexionar sobre el deseo inicial de comunicarnos y representar lo que nos rodea. En Pina vemos momentos como los tres castings que Bausch hizo en el clásico reciente Kontakthof, de hombres y mujeres entre 65 y 80 años, o el de adolescentes de 14. Es un tributo que juega con el espacio y el volumen en el cine para rebasar los límites de la pantalla y transmitir la belleza, el amor y el sufrimiento en la renovación del lenguaje. Para Wenders la 3D fue el medio tecnológico adecuado para hacerle justicia a coreografías como Café Müller. Desde su óptica, es una nueva forma de cine, una forma expresiva que continuará con un largo con parecido a una “presentación 3D” de arquitectura, inspirada por figuras como Frank Gehry y con similitudes a su cortometraje 3D If Buildings Could Talk.

ADULTOS JÓVENES ¡FANCLUB CINÉPOLIS® Y PARAMOUNT TE REGALAN PLAYERAS DE YOUNG ADULT!

BENEFICIOS ESPECIALES FANCLUB®

Sólo envía las respuestas correctas de la siguiente trivia con todos tus datos en un correo a fanclubcinepolis@cinepolis.com 1. ¿En cuál película colaboraron antes el director Jason Reitman y la guionista Diablo Cody? 2. ¿Qué grupo escucha Mavis Gary (Charlize Theron) del mixtape que le dio su exnovio de la prepa? (Tip: ¿Cuál es su revista de cabecera?). 3. Dinos tus comentarios y sugerencias de FANCLUB Cinépolis®.

LOS INADAPTADOS / LAS AVENTURAS DEL GATO CON BOTAS ¡FANCLUB CINÉPOLIS® Y DISTRIMAX TE REGALAN DVDS DE LOS INADAPTADOS O LAS AVENTURAS DEL GATO CON BOTAS! Sólo envía las respuestas correctas de la siguiente trivia con todos tus datos en un correo a fanclubcinepolis@cinepolis.com 1. ¿Quiénes son los directores de Los Inadaptados? 2. ¿Qué galardón recibió Los Inadaptados en el Festival Internacional de Cine en Guadalajara 2011? 3. ¿Quién recopiló el relato europeo tradicional de El Gato Con Botas en el acoplado Cuentos de Mamá Ganso y cuándo fue? 4. Dinos tus comentarios y sugerencias de FANCLUB Cinépolis®. REQUISITOS PARA PARTICIPAR Limitado a los primeros suscriptores que envíen un correo que en el asunto diga “FANCLUB Cinépolis® Adultos Jóvenes” o “FANCLUB Cinépolis® Los Inadaptados” o “FANCLUB Cinépolis® Las Aventuras Del Gato Con Botas” con las respuestas correctas de la trivia, máximo hasta el 31 de marzo de 2012. Recuerda incluir tu teléfono, nombre y dirección completas para que se valide la participación. En caso de resultar ganador, sólo podrás serlo en una de las trivias de cada mes (ésta siendo la primera registrada como ganadora). Si no eres suscriptor de FANCLUB Cinépolis® no podrás ser ganador de este beneficio.

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SAGAS

BATIMÓVIL MÓVIL POLICIAL POR ROBERTO MIRANDA

Los murciélagos son denigrados y probablemente envidiados por su capacidad de volar. Incluso han sido ingeridos por Ozzy Osbourne y en el cine son versiones de Drácula o responsables de gripas mortales (lo vimos recientemente en Contagio). Necesitan de un superhéroe que los salve. ¡Kapow, pow, boff, zap, biff y splatt! Clamaban por Batman y su vigilancia motorizada… 54

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POR MÁS LOCOS QUE SEAN LOS DESEOS, la imaginación no brota lejos de la naturaleza, la ansiedad o la creatividad… eso dicen. Si los anhelos son posibles o sueños pachecos importa menos que provocan al arte o satisfacen necesidades. Sobresale el recurrente de volar. Para los murciélagos es una realidad. Son los mamíferos que lo lograron poco después de la desaparición de los dinosaurios. Aunque pagaron un alto costo: ubicarse como ángeles desfigurados y amenazadores que alimentan leyendas oscuras. RADAR

En la Ciudad Gótica capitalina sobran leyendas, como la de trasladarse con facilidad entre sus cuatro millones de automotores. Sin embargo, los murciélagos (con sus razas conformando el 20% de los mamíferos) tendrían pocos problemas en hacerlo con sus alas y lo avanzado de su sentido del oído junto a su visión nocturna. Sabiéndolo seduce más el dios pop del mundo quiróptero: Batman. Su omnipresencia es su súper poder, su vuelo. Resume su intuición, inteligencia, fuerza y rasgos hipotéticamente humanos que lo hacen atractivo. Y su voyeurismo social y don de la ubicuidad brinca de las historietas al cine, a la cultura popular y se consolida gracias a su flota de vehículos, sus verdaderas extensiones. TUMBLER

Bruce Wayne parece un dueño de escudería o de bebida energética con gadgets, ropa y vehículos como medios de publicidad. Ayuda que su afición a la mecánica popular y al diseño sofisticado en motocicletas, barcos y aviones es proporcional a su riqueza. Pero un vigilante citadino como él se mide de acuerdo a su auto, y aquí es donde el Batimóvil es un elemento imposible de separar del héroe. Batman se adapta a la época y lo vemos en un historial con modelos entre los que destacan: Ford GT90, Opel Speedster, Dodge Viper, varios Chevrolet Corvette y un Mercedes-Benz CLK GT. Con el tiempo los vehículos permutan pero se mantienen tan chidos e importantes en el cine como los de Bond. Reflejan los avances técnicos y tendencias de las épocas. Entonces, nada raro, en últimas instancias llegamos al militarizado Batimóvil Tumbler de la saga de Christopher Nolan. Inspirado en los de Blade Runner (Scott, 1982) y en el del cómic The Dark Knight Returns de Frank Miller, es el cambio más radical desde que en los años 60 conocimos el híbrido pop diseñado por George Barris. Adiós a la Go-Go dancer, ahora teman a la realidad: un tanque. Fue diseñado por el personaje Lucius Fox (en la vida real por Nathan Crowley) y tiene llantas de 37 pulgadas de espesor, un motor V8 Chevrolet de 350 cilindros y un cuerpo formado por 65 paneles de fibra de carbono para alcanzar los 200 km/h en cinco segundos. Según Crowley, mezcla lo militar con rasgos de un Lamborghini, claro… Murcielago.

ART DECO

La primera aparición del Batimóvil sucedió con el nacimiento del personaje en el Detective Comics #27. Pero entonces no era una figura semi mitológica con cuerpo de murciélago y aparatos hechos a la medida, sino que parecía un auto de otro detective: Dick Tracy. El Batimóvil en sí, no el lanchón rojo, por fin hizo su aparición simultánea en el cómic Batman #5 (con El Guasón como el villano) y Detective Comics #30, para posteriormente aparecer en la portada de Batman #20. El diseño del auto es clave para producciones que transmiten ideas sobre lo pop y la psicodelia o recientemente lo ambiguo de términos como correcto, incorrecto y justicia. Pero al montarse en este tipo de animal, Batman logra cometidos prácticos y produce efectos psicológicos en la población. El auto también es la punta de lanza de artefactos con la “marca Bat”, tanto en las historias como en las licencias reales. ¿Quién no recuerda la mercadotecnia que incluía al auto diseñado por Anton Furst y que vimos en las versiones de Tim Burton, pop y Art Deco? AL BATIMÓVIL, ROBIN

Hasta antes de la versión militar del súper deportivo, el Batimóvil se había inmortalizado en negro y con las imágenes de las alas. Para lograr su permanencia fue clave la reinvención en los años 60. Entonces, la producción no dudó en conectarse con expertos constructores de Hollywood como Dean Jeffries y el citado George Barris (“The King of the Customizer”). Su tarea era reformar a un Cadillac 59. Pero murieron en el intento pues tiraron la toalla cuando se dieron cuenta de que era imposible lograrlo en el tiempo estipulado. Fue así que se le pidió a Eddie Graves, diseñador de la 20th Century Fox, que hiciera los prototipos del Batimóvil para luego ser entregados a Barris, a lo que recuerda: “El director de arte trajo la idea de lo que ellos necesitaban; luces flasheantes, la turbina lanzafuego por detrás y elementos que lo convertían en el auto más avanzado de este siglo”. El auto enfrentó problemas financieros y funcionales pues producirlo costaba mucho más caro por los aditamentos con los que venía. Pero funcionó. Ahora se ha descartado el erógeno y kitsch de Joel Shumacher y se volvió un vehículo bélico. Imagínense tener que lidiar con su tamaño toda la noche, sería todo un lío. ¿Cómo alguien que vive en una gran ciudad puede conducirlo a la perfección? Me imagino que llevarlo debe ser una experiencia exasperante. Tráfico pesado, calles de un solo sentido, cafres al volante, señalizaciones inadecuadas, bicicletas, peatones. Esto es lo que tendría que manobriar Batman si viviera en nuestra ciudad. Pero la conducción no sería un problema. Batman tiene técnicas avanzadas de manejo a la defensiva y un profundo conocimiento de las calles de Ciudad Gótica… Sí, tiene el don de la ubicuidad. FANCLUB CINÉPOLIS®

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PIXAR (LOS INCREÍBLES, MONSTERS, INC.) HA SIDO SEMINAL EN TODO TIPO DE PRODUCCIONES, PERO, ¿QUÉ INFLUENCIAS TIENE ESTA COMPAÑÍA? IVÁN LUNA.

Sin el novelista y director Michael Crichton (1942-2008) Pixar hoy difícilmente sería lo mismo en lo técnico. En Westworld (1973) incorporó por primera vez imágenes generadas por computadora en dos dimensio-

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nes. No se cansaron y en la secuela, Futureworld (1976) de Richard T. Heffron, se mostraron las primeras imágenes en 3D. La técnica fue desarrollada por el entonces estudiante Edwin Catmull, quien inventó el proceso utilizado por casi todo el CGI moderno. Catmull después se formó en el área digital de Industrial Light and Magic (ILM) de George

Lucas, vendida en 1986 a Steve Jobs. Catmull así fue cofundador de Pixar y ya consolidada la empresa de la lámpara/mascota Luxo Jr., aplicó su software para el nuevo programa RenderMan empleado en Toy Story (1995) y Buscando a Nemo (2003). Las técnicas y trabajo de Stan Winston (1946-2008), responsable de los efectos especiales en sagas como

¿HAY ERAS EN LA ANIMACIÓN DENTRO DEL CINE? ANDRÉS IBARRA.

Expertos dicen que la industria estadounidense vive su tercera era dorada de la animación (la primera sobresalió en los años 30 y 40 y se prolongó hasta los 60). Mencionan que la nueva aprovecha la estela y emblemas de la segunda (La Sirenita, 1989, La Bella y la Bestia, 1990, y El Rey León, 1994). Pero importa por reinventar la industria gracias a los avances técnicos y por exhibir contenidos también para públicos maduros. Sus posibilidades crecen con lo que parece rotoscopía digital o el motion capture, que facilita la creación de escenas antes impensables. Y aunque las cintas que la emplean no son económicas, logran atmósferas inalcanzables para las de acción real. Es una era visionaria que exhibe lo difusas de las fronteras entre géneros, aunque esto sea una constante desde los comienzos. Hay ejemplos de lo mismo en los efectos de Viaje a la Luna (Méliès, 1902), en los momentos animados de clásicos como Mary Poppins (Stevenson, 1964) o en el stop-motion de Jasón y Los Argonautas (1963), las cintas de Sinbad y otras con el toque del maestro Ray Harryhausen (que sobresalió en Furia de Titanes de 1981 y que tuvo el remake de 2010 que estrenará su secuela el próximo 6 de abril).

¿CUÁNTO TARDA EN PRODUCIRSE UNA CINTA DE CARICATURAS? ANA VERA.

Las “animadas” tardan años en concretarse. Alguna de Pixar casi cuatro o en México la arriesgada ANA en 3D, será estrenada hasta el 2013. Para ésta se eligió a Carlos Carrera como director desde hace tres años y tiene un guión que comenzó a trabajarse desde el 2006. Y aunque sus costos generan miedos frente a las crisis o hay proyectos que chupan recursos estratosféricos, han aumentado las compañías dedicadas a la animación. Hoy en Estados Unidos existen alrededor de once capaces de producir largos del tipo. Un ejemplo de las que se sumaron es ILM, que en el 2011 produjo el sorprendente Rango. Disney regresó a sus raíces con Winnie The Pooh y Tangled. Los británicos Aardman se asociaron con Sony Columbia para producir Operación Regalo y ¡Piratas! Una Loca Aventura, con lo que olvidamos la espera de años por uno solo de sus estrenos. En el 2011 también vimos la desigual Cars 2 de Pixar, cintas de otros estudios grandes (Río, Kung-Fu Panda 2), singularidades como Gnomeo & Julieta y ejemplos de mercados de habla no inglesa (en México las de Ánima Estudios Don Gato y Su Pandilla o La Leyenda de La Llorona).

Terminator, fueron clave en Jurassic Park (Spielberg, 1993) y otros filmes importantes. A la fecha Catmull es el presidente de Walt Disney Animation Studios y Pixar Animation Studios. Además la conexión destila coincidencias. Spielberg, director de Jurassic Park (basada en una novela de Crichton), desarrolla el motion capture junto a Peter Jackson (en

Este mes veremos El Lórax y próximamente Wreck-It Ralph. Esta última es una apuesta de Disney que reformula la nostalgia y con la cual arriesga más que su subsidiaria Pixar con Brave, que curiosamente ingresa a los cuentos de hadas típicos de Disney. Wreck-It Ralph se basa en un personaje de videojuego de 8 bits (de computadora; para tener una referencia era el estándar del Nintendo original de los años 80) que arriba al mundo de videojuegos modernos. ¿Tron ubicado en Tron: Legacy? Es realizada por Rich Moore que, como Brad Bird (director de la última de Misión: Imposible), proviene de la tele (no de cualquiera, sino de Los Simpsons y Futurama) y buscará rejuvenecer maquinitas de antaño. Se suman Rise Of The Guardians, con el Conejo de Pascua, el Hada de los Dientes, Santa Claus y otros en lucha contra el Coco. Igualmente veremos Hotel Transylvania de Genndy Tartakovsky (del Laboratorio de Dexter y Samurai Jack) y Madagascar 3, Ice Age: Continental Drift, Escape From Planet Earth, Norm Of The North, Dorothy of Oz, las versiones 3D de clásicos como Buscando a Nemo, y el stop-motion de las sobrenaturales Frankenweenie de Tim Burton y ParaNorman de Chris Butler y el “ex Aardman” Sam Fell.

Tintín). Ambos revelan la raíz artesanal e inventiva que le da vida a la técnica. Jackson aprendió mucho con su “stop-motion gore” chabacano, de dos pesos e hilarante para Picadillo (1987) y Dead Alive (1992). Son algunos factores con los que consolidó Weta Digital y softwares con base en la inteligencia artificial como MASSIVE (Multiple Agent

Simulation System in Virtual Environment) para generar multitudes detalladas en El Señor de los Anillos, Tintín y próximamente Los Vengadores, esta última junto a ILM. Forma parte de una influencia sin principio ni fin, una retroalimentación responsable para que el trabajo digital o virtual sea la locación con más avances en la industria.

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NATURALLY 7

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México, D.F.

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Auditorio Nacional

15 Y 16 DE MARZO 20:30 HRS.

EDITH MÁRQUEZ NOMBRE:

Auditorio Nacional

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CAMILA

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Palacio de los Deportes 28 DE MARZO

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1. Deberás dar tu fecha de nacimiento y tu número de socio para poder pedir tus boletos, sin excepciones. 2. Si no existieran boletos disponibles para el evento deseado, el telefonista te ofrecerá eventos alternos. 3. Tienes derecho únicamente a 2 boletos por mes por suscripción, sin excepciones. 4. Una vez que recojas los boletos no habrá cambios ni devoluciones. 5. Programa de Beneficios FANCLUB Cinépolis® no se compromete ni obliga al canje en una sección o por un tipo de boleto específico. 6. Para el canje de cupones es indispensable cumplir con todos los datos solicitados por el operador telefónico. 7. El tiempo límite para solicitar el canje por los boletos es de 48 horas anteriores a la celebración del evento. Sujeto a disponibilidad. 8. Aplican restricciones. Hasta agotar existencias.

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Teatro Metropólitan 9 DE MARZO

21:00 HRS.

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Teatro Metropólitan 16 DE MARZO

21:00 HRS.

STEVEN WILSON Teatro Metropólitan 13 DE ABRIL

THE SISTERS OF MERCY El Plaza Condesa 14 DE MARZO

MENTIRAS

Teatro México

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TOC TOC

Teatro Fernando Soler

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EL PELÓN EN SUS TIEMPOS DE CÓLERA Hotel NH

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LOS MONÓLOGOS DE LA VAGINA

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Hotel NH

LA HISTORIA DE GAZAPO Hotel NH MARZO DOM.

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Teatro Coyoacán

Teatro Arlequín

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MUERTOS DE MIEDO MARZO CONSULTA FECHAS Y HORARIOS AL REALIZAR TU LLAMADA.

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DEFENDIENDO AL CAVERNÍCOLA

Teatro Banamex Santa Fe

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DEFENDIENDO AL CAVERNÍCOLA Teatro Renacimiento

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SEXOS

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LA SIRENITA

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CANEK

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13 EL MUSICAL Teatro Galerías 11 DE MARZO

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LA DAMA DE NEGRO Teatro Galerías

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PLATANITO SHOW Teatro Galerías 30 DE MARZO

Guadalajara, Jal. TV ON THE RADIO & GOGOL BORDELLO Teatro Estudio Cavaret 27 DE MARZO

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SPAMALOT Teatro Diana

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Auditorio Luis Elizondo 14 DE MARZO

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CURVA PELIGROSA Teatro Coyoacán MARZO SÁB.

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JUDIT

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Para suscriptores del programa Válido en la compra de un combo. No aplica con otras promociones ni descuentos. Válido en todas las sucursales Arrachera House de la República Mexicana. Es indispensable presentar este cupón en punto de venta para la validación de la promoción. Arrachera House es una marca registrada de Distribuidora de Alimentos TH, SA de CV.

Gratis un adicional

www.arracherahouse.com.mx Promoción válida del 1 de marzo al 30 de abril de 2012.

LLÉVATE LA SEGUNDA PIZZA POR SÓLO $30 PESOS MÁS

No aplica con otras promociones ni descuentos. Válido en pizzas grandes. Promoción comprando una pizza a precio de menú y llévate la segunda de igual o menor precio por sólo $30. Mencionar el cupón y el COD: CLM71. Es indispensable entregar este cupón en punto de venta o al repartidor para la validación de la promoción. Aplica en D.F. y Área Metropolitana, Cancún, Puebla, Hermosillo, Nogales, Cd. Obregón y Guaymas.

www.papajohnspizza.com.mx Promoción válida del 1 de marzo al 30 de abril de 2012.

Válido en la compra de una docena de donas. No aplica con otras promociones ni descuentos. Válido en todas las sucursales Krispy Kreme de la República Mexicana. Es indispensable presentar este cupón en punto de venta para la validación de la promoción.

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Promoción válida en tiendas Nutrisa participantes en toda la República Mexicana. Limitado a un cupón por persona. No acumulable con otras promociones ni descuentos. Es indispensable presentar este cupón en punto de venta para la validación de la promoción.

2x1 EN paleta de chamoy

Centro de Atención al Cliente y Orientación Nutricional D.F. y Área Metropolitana 5424 5975, del Interior de la República 01 800 024 03 40. e-mail: serviciocliente@nutrisa.com

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3ra. noche gratis en fin de semana

Sheraton Suites Santa Fe, Mexico City Tel. (52)(55) 5258 8500 www.sheraton.com/santafe Sheraton Ambassador, Monterrey Hotel Tel. (52)(81) 8380 7000 www.sheraton.com/monterrey Sheraton Maria Isabel Hotel & Towers, Mexico City Tel. (52)(55) 5242 5555 www.sheraton.com/mariaisabel Sheraton Hacienda del Mar Golf & Spa Resort, Los Cabos Tel. (52)(624) 145 8000 www.sheraton.com/loscabos Válido de viernes a domingo. No aplica con el paquete Todo Incluido. Mejor tarifa disponible al momento de reservar BAR. No incluye alimentos ni bebidas. No aplica con otras promociones ni descuentos. Es indispensable presentar este cupón en punto de venta para validar la promoción. Sujeto a disponibilidad.

Promoción válida del 1 de marzo al 30 de abril de 2012.

Promoción válida en todos los restaurantes Taco Inn de la República Mexicana. Válido en la compra de cualquier combo. No aplica con otras promociones ni descuentos. Válido un cupón por visita. Es indispensable presentar este cupón en punto de venta para la validación de la promoción.

Gratis dos taquitos de pastor

www.tacoinn.com Promoción válida del 1 de marzo al 30 de abril de 2012.

25% de descuento en la colección primavera verano 2012

No aplica con otras promociones ni descuentos. Válido en todas la tiendas IKER de la República Mexicana. Es indispensable mostrar este cupón en punto de venta para la validación de la promoción.

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ACCIONES LOCALES PROTEGER EL MEDIO AMBIENTE Y PROVOCAR ACCIONES PARA SU PRESERVACIÓN ES HOY UN COMPROMISO GLOBAL, UNA OBLIGACIÓN MORAL, CASI UN IMPERATIVO CATEGÓRICO. PRESERVAR HOY ES GARANTIZAR UN MAÑANA PARA TODOS.

aquí y ahora

Imperativo categórico

Ya no es un lujo, sino un requerimiento comunitario, el llamar a acciones concretas para esta salvaguarda del medio ambiente. Quienes nos dedicamos a producir publicaciones, creemos que es necesario adoptar todas aquellas tecnologías a nuestro alcance para procurar esta mejoría en las conductas hacia el planeta en el que vivimos.

Un concepto simple

De ahí que nos propongamos impulsar este movimiento hacia un concepto simple y con ello, esperamos, replicable: COMPARTIR ES RECICLAR. No es sólo el hecho de “reciclar” el papel de las revistas y apostar por la oxo-degradación de sus bolsas contenedoras, sino el hecho de pasar las revistas de mano en mano, en un intento por hacerlas más “productivas” al llegar a más personas que pudieran estar interesadas en alguna de sus secciones de contenidos o de beneficios.

Papel

En nuestras revistas empleamos procesos libres de cloro en papeles que contienen fibras recicladas post-consumidor, procesadas sin usar cloro adicional o componentes de cloro. Cuando estos papeles también contienen un porcentaje de fibra virgen, dicha fibra tiene que haber sido procesada sin usar ningún tipo de cloro o compuestos de cloro.

Tintas

Nuestros proveedores utilizan tintas regidas dentro de la Norma Oficial Mexicana y cumplen con los límites establecidos –y más bajos–, en los elementos biodisponibles como son antimonio, plomo, mercurio, arsénico, cromo y selenio, cada uno de ellos bajo en una cantidad menor a 100 ppm. en peso, sustentados por la CONEG, que restringe casi en su totalidad cada uno de ellos para el cuidado y protección del medio ambiente.

Barniz (UV)

El proceso de UV está libre de metales pesados, esto quiere decir que al tener contacto con temperaturas altas o exposición directa a los rayos UV no afecta la capa de ozono, ya que su polimerización es sólida, sin emisión alguna y es 100% ecológico, ya que no afecta al estar en contacto directo con los alimentos y/o medicamentos, además de estar aprobado por la FDA (Food & Drug Administration).

Bolsas OXO-DEGRADABLES

De igual modo, nos hemos comprometido al máximo con la implementación de bolsas OXO-DEGRADABLES, cuyo tiempo de vida se ha reducido a unos pocos años, antes de degradarse definitivamente.

Experiencia para qué…

por eso decimos que

Compartir es Reciclar

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De este modo, Origen y Comunicación, con sus más de 100 años de experiencia en el mundo de la comunicación y la industria editorial, se mueve un paso adelante hacia una nueva conciencia por la conservación de este pequeño mundo, para que siga siendo enorme por muchos años, con una visión desde el presente, sin pretensiones globales, sino por el contrario, con intenciones locales, definidas, concretas y simples de aplicar.

HECHO EN MÉXICO

POR BIANCA GREDIAGA

AQUÍ ENTRE NOS Los estímulos fiscales y fondos destinados al cine nacional han aumentado la oferta. Los ejemplos narran la crudeza social, son documentales o apuestan por géneros como el terror. Pero sin la comedia, ¿quién soportaría la rutina? Es lo que aborda Aquí Entre Nos, que estudia las tradiciones y su influencia en la convivencia. Disfrútenla, aunque al verla pensarán en la frase de Quinto Horacio Flaco: “¿De qué ríes? Si cambias de nombre la historia, habla de ti”. RELAJÉMONOS Y DISFRUTEMOS PRIMAVERAS para la comedia. Aprovechen el estreno de Aquí Entre Nos, ópera prima de la directora Patricia Martínez de Velasco que obtuvo el Premio Cepsa del Público en la 37 edición del Festival de Cine Iberoamericano de Huelva, el Premio Zenith de Bronce del XXXV Festival de Cine de Montreal y el de Mejor Actor (Jesús Ochoa) en el XXVI Festival Internacional de Cine en Guadalajara. LA VIDA CONYUGAL

La película forma parte de las comedias contemporáneas que observan a la clase media y hacen un análisis de cuánto nos acostumbramos a lo extraño, por ejemplo, ¡de ser mexicanos! Apoyada por el Eficine y producida por Roberto Sneider (realizador de Dos Crímenes y Arráncame la Vida) y Laura Imperiale (productora de la premiada Cinco Días Sin Nora de Mariana Chenillo), Aquí Entre Nos inicia con un día anormal de la familia Guerra. Rodolfo (Ochoa), el padre

de familia, decide no ir a trabajar. No aguanta a su jefe ni el trato indiferente que recibe en casa. Se siente un extraño, lo es y vive una existencia mísera y mediocre… “normal”. Parece que finalmente está harto de haber sucumbido frente a las rutinas y terminado como un Homero Simpson charro, lo que no habría imaginado en el pasado. Peor aún, contrasta con los créditos iniciales, filmaciones en formato Super 8 de cuando la familia Guerra era una primavera que nacía y gozaba de confianza frente al porvenir… Dos décadas después los momentos idílicos son sólo nostalgia. La cinta se concentra en la reacción inconsciente de Rodolfo contra el escenario, hecho que desnuda la ruptura familiar. Entonces brota la naturaleza vulgar de su relación y se hacen patentes los egoísmos, las deslealtades y lo enfermo y cómico de vivir entre puro desconocido.

¿PÍDELE AL TIEMPO QUE VUELVA?

Luego descubrimos que Rodolfo no es una blanca palomita, sino pieza de un sistema corrupto. No aguanta el peso de una construcción sin fin. Da igual si es un edificio o su familia; y lleva tiempo al resguardo sentimental de una amante, madre de un niño pequeño y que trabaja para sobrevivir. No es difícil inferir que así se ilusiona con sueños de nostalgia… Su esposa (Carmen Beato) tampoco está libre de culpa y es su fiel media naranja, aunque desde otra posición. Entonces llegamos a un asunto importante de Aquí Entre Nos: las pocas alternativas para la gente madura, sin importar el género. Apoyada en las interpretaciones y un destacado diseño de producción, Aquí Entre Nos trata el falso equilibrio frente a las apariencias, lo ridículo del machismo y lo estéril de la guerra de géneros. Finaliza con otro apunte de interés: cómo al desnudar la verdad y sus consecuencias, se redescubre lo que nos hizo enamorarnos, aunque lo olvidáramos. FANCLUB CINÉPOLIS®

CÉLEBRE

HAY QUE TENER CUIDADO cuando intentamos

THE NEVER ENDING STORY POR DANIEL KRAUZE

hablar por una generación entera. Toda aseveración que incluya a más personas que uno mismo puede ser mera conjetura. Y, sin embargo, presiento que no caigo en hipérbole si aseguro que para la generación nacida en México a principios de los ochenta no hay película que nos transporte a nuestra propia infancia de manera más potente que The Neverending Story, la adaptación que hiciera Wolfgang Petersen de la adorada novela de su compatriota Michael Ende. La historia es metaficción pura: Bastian, un niño solitario, abre un libro que narra las aventuras de otro muchacho de su edad, Atreyu, y a la mitad de las peripecias cae en la cuenta de que la historia de Atreyu es la suya. Moraleja sobre las bondades de la lectura, disfrute vicario para todos aquéllos que nunca fuimos el chico más popular de la primaria, redención inmediata para los que gozaban más la compañía de las películas y los cuentos que la de sus compañeritos de escuela. The Neverending Story (1984), la novela y la cinta, admite muchas interpretaciones, y esa ductilidad resulta, como en todas las grandes historias infantiles, su mayor virtud. NARRATIVA RIZOMÁTICA

¿De qué habla Maurice Sendak en Where The Wild Things Are?, ¿a cuántas sensibilidades apela “El Gigante Egoísta” de Oscar Wilde? Los mejores cuentos de hadas –las narrativas que cautivan la imaginación de los niños– deben, casi siempre, de prescindir de la concreción, casi la obviedad, que priva en tantas historias adultas. Son, en ese sentido, más sueños que cuentos: no buscan definir al mundo, decir cómo es, señalar o subrayar, sino todo lo contrario: aleccionan mientras amplían las fronteras de lo real, mientras le enseñan al niño que el mundo interior es inabarcable. Como Fantasía (1940) el universo fantástico en el que vive Atreyu.

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recurrente) da la impresión de un gigantesco peluche con ojos de canica verde. Más allá de los deméritos visuales, debo admitir –con dolor– que las actuaciones de los niños, salvo de la Emperatriz (mi primer amor), dejan qué desear. Por años me pregunté por qué Noah Hathaway (Atreyu) y Barret Oliver (Bastian) no habían sido tan famosos como Drew Barrymore. Señores y señoras: la respuesta tristemente se encuentra dentro de The Neverending Story. Hathaway y Oliver son desiguales a lo largo de la película. Y cuando intentan llorar, los que lloramos somos nosotros, pero de pena ajena. Quizás el único valor de la producción que se ha mantenido hasta ahora es la música de Klaus Doldinger y Giorgio Moroder, un deleite ochentero con un tema maravilloso, capaz de hacer sonreír al más firme de todos sus detractores, que aparece cada vez que Atreyu o Bastian se trepan arriba de Falkor. ESPACIO INDIVIDUAL

LA REPETICIÓN DE LA VEJEZ

Más allá de las virtudes de la historia está el producto mismo y la manera en la que ha envejecido. Hace poco volví a ver The Neverending Story, y encontré que ha sufrido el paso del tiempo. Con excepción de Morla, la tortuga milenaria, casi todas las criaturas parecen anticuadas, propias de una época en la que las marionetas aún se usaban más que las computadoras. Falkor, el dragón perruno (que de pequeño era mi ídolo mayor), se ve como una enorme botarga escamosa y blanca, mientras que el Gmork (que era mi pesadilla

A pesar de mis reparos, me ocurrió algo extraño tras volver a visitar The Neverending Story. Me ganó la nostalgia. Y no, eso no significa que volví a ser niño. O no exactamente. Ver la cinta de Petersen y verme viéndola –quejándome de la actuación de Bastian, pero medio echando la lágrima cuando Artax se muere; decepcionado por el Gmork, pero genuinamente consternado cuando Atreyu cae al mar– me recordó cómo era, cómo he dejado de ser y, quizás más importante, me recordó que en el 2012, a 25 años (¡un cuarto de siglo!) de que la rentara por primera vez en el Videocentro de El Pedregal en la Ciudad de México, hay algo, minúsculo, que sigue intacto, impoluto, muy lejos de la adultez. Y quizás mis coetáneos sienten lo mismo por la película de Petersen. La cinta ha dejado de conmoverlos. Y lo que ahora los enternece es que ellos, como Bastian, siguen encontrándose allá adentro. Ellos, o los que fueron alguna vez.

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METAFICCIÓN

LAS PRIMERAS DAMAS DEL CINE

La mirada política que en común padecemos, nos lleva a consideraciones que no van más allá de ser, saber o compartir una idea partidaria por la derecha, el centro o la izquierda, con todo el fondo que cada una de ellas conlleva. Pero en muchas ocasiones olvidamos que esa vida pública puede regalarnos personajes o historias dignas de proyectarse en la pantalla. POR ERICK RUIZ MARTÍNEZ

2012. AÑO ELECTORAL en nuestro país, y más allá de los asuntos de Peña Nieto, la república amorosa de AMLO o la contienda interna en el PAN ganada por Josefina Vázquez Mota, la envoltura política de un país puede enseñarnos mucho más que una democracia o dictadura cualquiera. La forma de vida de cada uno de sus habitantes es una prueba de que, sea cual sea su condición social, al final todos somos humanos. Dice un viejo adagio: “Detrás de un gran hombre, hay una gran mujer”, pero al menos en la historia moderna, los grandes países han tenido al frente, o detrás, mujeres que han sabido conducir el destino de millones, o han luchado por los derechos de los suyos, justo como estas tres grandes damas: LA DAMA DE HIERRO

“Fui capaz de dormir, comer y respirar como la propia Margaret 68

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Thatcher”. Ésas fueron las palabras de Meryl Streep, la elegida para encarnar a uno de los personajes clave de la historia en el Siglo XX. De orígenes obreros, la única Primer Ministro británica de la historia era mucho más que los simples flashbacks del guión de Abi Morgan y la dirección de Phyllida Lloyd en The Iron Lady (2011). Desde el Partido Conservador, del cual fue elegida presidenta en 1975, Margaret Hilda Thatcher (Streep), consumó el más grande cambio en una sociedad machista por usanza: bajo su manto, el Reino Unido salió de la recesión económica arrastrada desde la II Guerra Mundial, hizo pedazos a la Junta Militar argentina en las Malvinas y, unida con Ronald Reagan, fue una de las grandes artífices del colapso del bloque soviético. Después de 11 años de numerosas críticas y demasiados detractores, la vida pública fue desgas-

tando a Thatcher, obligándola a salir del poder en una maniobra que su mismo partido había conjurado, dando paso a una amarga época para la sociedad británica. Sólo eso y el Alzheimer fueron capaces de vencer a una mujer inteligente, pasional, de una fuerza brutal; la versión moderna de aquellos caballeros fieles al servicio de la espada del Rey Arturo, ahora con la diplomacia como arma y la fidelidad a otra dama. Si

la historia hablara, la proclamaría la mejor Primer Ministro después de Churchill. LA MIRADA PALESTINA

Regularmente, la idea que nos han entregado del Medio Oriente dista mucho de los jeques, los oasis y los harenes al estilo Hollywood, y más aún, si la protagonista de la historia es una mujer que se encuentra inmersa en una sociedad regida por su ortodoxa fe, o lo que nosotros llamamos fanatismo y ellos viven como su única religión. Década de los cuarenta, justo cuando el estado palestino se divide, se reactiva la eterna guerra interna y el nacimiento del Israel soberano, Hind Husseini encuentra a 55 niños huérfanos en la calle. En ese momento, comienza su guerra.

Miral (2010), dirigida por Julian Schnabel y basada en la novela homónima de Rula Jebreal, es un fiel retrato de una sociedad envuelta en el odio y la encarnecida lucha entre árabes y palestinos. Miral (Freida Pinto) es enviada por su padre al instituto que, después de muchos años de esfuerzos, Husseini logra instaurar. Era el mejor lugar para una niña de su edad para alejarla de la terrible realidad y la muerte de su madre. Diez años después, Miral es elegida para impartir sus conocimientos en un campo de refugiados, donde habrá de conocer el amor… y la cruda realidad de su entorno. A partir de entonces, inicia su pugna interna entre los ideales insurgentes adquiridos en el campo o su firme fe en que la educación es el camino hacia la paz. UNA NOBEL DAMA

es asesinado por un escuadrón de la muerte. Obligada por las circunstancias, la pequeña Kyi huye a Inglaterra donde encuentra la felicidad a lado del hombre que se convertiría en el amor de su vida, pero el destino le marcaría su regreso a Birmania gracias a la mala salud de su madre. Tiempo después, nacería en ella otra pasión. Luc Besson lleva a la pantalla lo que él llama una biopic de una verdadera heroína de carne y hueso. Ganadora del Premio Nobel de la Paz en 1991, Aung San Suu Kyi vivió bajo arresto domiciliario durante más de una década (fue liberada el 13 de noviembre de 2010); su pecado, haber ganado las elecciones presidenciales a un régimen militar que oprime a su pueblo… Disfrutarán una historia donde la libertad es el estandarte.

¿Qué es mayor, el amor hacia el hombre de tu vida o el amor hacia una patria que te ha quitado a tu padre? The Lady (2011) es “una increíble historia de amor entre la inestabilidad política de un país”, o al menos así la define su protagonista Michelle Yeoh. Era el 19 de julio de 1947, una fecha que jamás olvidará Aung San Suu Kyi (Michelle Yeoh). Justo después de que su padre fuera parte importante de la independencia birmana, éste FANCLUB CINÉPOLIS®

CLÁSICOS

SIN EMBARGO, LA HISTORIA QUE SE CUENTA de Lawrence se debe en gran parte a las libertades tomadas por el entonces joven historiador, dramaturgo y guionista Robert Bolt, más interesado en indagar en las motivaciones tan profundas del emblemático, cuan enigmático Lawrence, que en ofrecer un mero retrato realista o de época. El ambiente de intensa actividad política ligada a todas las disciplinas artísticas que se dio en la década de los 60, no es uno que haya escapado de algunas súper producciones de Hollywood, como fue este proyecto asignado por Sam Spiegel (productor del realizador Elia Kazan) a David Lean, para entonces un avezado editor y director que se había forjado una voz propia durante la década de los 40 con títulos como This Happy Breed (1944), Blithe Spirit (1945) o Brief Encounter (1945), y algunas adaptaciones de la obra de Charles Dickens. Para los años 50 se adentra en la industria fílmica estadounidense con Summertime (1955), sin despegar el ojo de los acontecimientos fílmicos del Viejo Continente, particularmente de la Nueva Ola francesa. 70

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POR NAYMA GONZÁLEZ

años de

Lawrence de Arabia Este año se cumplen 50 años del estreno de una de las películas canónicas en la historia del cine. La épica dirigida por el británico David Lean está basada en la autobiografía Los Siete Pilares de la Sabiduría del teniente coronel T.E. Lawrence, estratega del ejército británico a favor de la “Gran Revuelta Árabe” contra el Imperio Otomano (1916-1918). PACIENCIA Y GRANDEZA

En 1957 filma su primer gran cinta épica, “grande” en más de un sentido, como será su sello. El Puente Sobre el Río Kwai es la historia de prisioneros de guerra norteamericanos y británicos en el Japón de la Segunda Guerra Mundial, un trabajo que le valió a él y sus más cercanos colaboradores sus primeros premios Oscar. Para entonces Lean se había conver-

tido en un esteta perfeccionista que seleccionaba con cuidado sus proyectos y se tomaba su tiempo para desarrollarlos. El realizador francés Claude Chabrol contaba la anécdota de que tanto él como Lean podían esperar por siempre para filmar un atardecer perfecto, pero que ese “para siempre” significaba en su caso unas cuantas semanas, y en el de Lean, hasta meses. Como en su guionista

Robert Bolt, detrás Lawrence de Arabia, hay simpatías personales innegables ante un personaje histórico que elude toda categorización. Porque de T.E. Lawrence, el erudito políglota de intereses variopintos y más de Arabia que de su natal Inglaterra, se han escrito miles de páginas en libros de historia, de literatura y de crítica cinematográfica, y hasta la fecha, es un personaje inagotable, siempre en riesgo de volverse mito. ESTRATEGIA MAESTRA

David Lean sabía bien esto, y antes que ofrecer un retrato “fiel” o demasiado apegado a los hechos, escogió una ruta mucho más desafiante de las reglas mismas de la épica. En apariencia con una narrativa convencional, Lawrence de Arabia desmitifica, en primera instancia, al héroe viril; su protagonista es elusivo y su personalidad tan infranqueable como el mismo desierto que le obsesionaba. Lean, emulando a Lawrence, piensa su película estratégicamente. Otro segundo gran punto de ataque es el colonialismo del ejército británico, importando modernidad y razón a lo que ellos llaman, una y otra vez, la atrasada Arabia de salvajes. No es ingenuo pregun-

tarse qué hacía un hombre con la preparación y la sensibilidad de T.E. Lawrence ayudando al ejército británico en aquel entonces. Una hipótesis es que era su manera más expedita de escapar de Inglaterra rumbo a la región en la que se había hecho experto desde su carrera como arqueólogo e historiador. El bagaje cultural de Lawrence era el “activo” más importante de los británicos en esa región. Un tercer punto es que Lean se cuida de no santificar a su personaje. Aunque al principio Lawrence funge más como un estratega claramente a favor de los intereses árabes para liberarse del Imperio Otomano, y opta por regalar su pistola y desentenderse de cualquier acto de violencia, la realidad de la región pronto rebasa esta genuina postura. En la profundidad del desierto y como militar, pronto se adentra en el infierno que es la “lógica” de la guerra, y no sale impoluto. Un cuarto punto que David Lean ataja políticamente sin reserva y estéticamente con una sensibilidad no muy frecuente en Hollywood, es el vínculo homoerótico entre Lawrence (interpretado exquisitamente por Peter O’Toole) y su compañero de combate

Sherif Ali (Omar Sharif), nunca concretado físicamente, pero sí más fuerte después del aprisionamiento y violación de Lawrence en una celda turca. La escena es tan poderosa por la manera en que sugiere la brutal agresión y el efecto devastador en el protagonista, que no sorprende su censura en una de las ediciones que le hicieron a la película. La restaurada de 1989, en la que intervinieron cinéfilos de primer orden como Martin Scorsese, y pensada para ser proyectada en pantallas de 70 mm, ha dejado intacta esta parte fundamental de la historia. DESEOS VISUALES

Una cinefilia realmente comprometida programaría y vería esta película precisamente en la edición restaurada, y proyectada en una pantalla especial para su tamaño, como era la intención del director. Aunque los cánones del cine se deberían proyectar rutinariamente, la ocasión de los 50 años de este clásico amerita que se acondicionen salas especiales para que las nuevas generaciones la conozcan, y las viejas se quiten la espinita de haberla visto injustamente reducida en la pantalla de su televisor o computadora. FANCLUB CINÉPOLIS®

DOCS

¡De Panzazo! POR ALBERTO UGALDE BUENFIL

DEFINIR “DOCUMENTAL” ES una tarea apasionante y de múltiples resultados. Es una composición de decisiones audiovisuales sin fronteras precisas, que representa lo que habitualmente existe afuera de la cinta pero no conocíamos ni veíamos igual. Estas “realidades” necesitan perspectivas creativas para transformar y no sólo ser un Muy Interesante o libro de texto que ni emociona ni ayuda a descubrir algún superhéroe real, que luche por el futuro. Es diferente de la ficción, en la que nos relacionamos poco con los escenarios. En los documentales sucede lo opuesto. Aunque su tema parezca imposible, personal o una situación que así es y punto, tiene el poder de revelar posibilidades para el espectador, como logra el impactante estreno ¡De Panzazo! y su idea sobre la transformación de la educación… y todo lo demás.

¡De Panzazo! es una película de Mexicanos Primero, iniciativa ciudadana independiente y plural con la misión de impulsar el consenso y la corresponsabilidad para lograr la educación de calidad, que asimismo “busca impulsar una revolución de la cultura cívica, forjando instrumentos de participación y exigencia ciudadana para abatir la pobreza y reducir la desigualdad, convencida de que sólo la educación de calidad cambia a México”. Se logra gracias a la experiencia y capacidad de La Media Luna Producciones, creada en 1995 para construir las obras cinematográficas de Juan Carlos Rulfo (En El Hoyo, 2006) y que explora la cotidianidad, la identidad y las raíces tanto personales como universales; además del decidido apoyo de Cinépolis®, empresa mexicana con más de 40 años de trayectoria enfocada en crear un verdadero valor de diversión, comodidad y entretenimiento para sus clientes.

CÁTEDRA

Apuesto que ¡De Panzazo! hará que dialoguen o conscientemente jueguen a ser profesores y alumnos; también que propongan y piensen sobre la responsabilidad compartida de la sociedad con la autoridad educativa para buscar propuestas y soluciones en la educación. La cinta es como un recreo lleno de sorpresas, con amigos y divertidos, pero que habla de retos de índole mundial y, sin más rollo, también de lo reprobable y no sólo de lo que cumple “de panzazo”. Gustará y no, pero es honesta e incitará polémica. 72

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LA VISIÓN DE LOS INVISIBLES

Dirigida por Juan Carlos Rulfo, codirigida y conducida por Carlos Loret de Mola y producida por Daniela Alatorre, ¡De Panzazo! sorprende por su inteligencia para resumir cientos de horas grabadas por el equipo y por jóvenes de distintos estratos y sitios a los que se les dotó de cámaras, para con el material montar logradas escenas y un preocupante discurso comparativo con el resto del mundo. Pero es una labor que no le huye al tono lúdico de un joven en la escuela, en una metarrealidad

que los estrena como cineastas que graban sus deseos de una buena educación y un trato considerado. Quieren voz y herramientas; no son ellos quienes deben analizar la situación. ¡De Panzazo! aprovecha el histrionismo de un Loret de Mola que recuerda al carismático Michael Moore. Disfrutamos teatros delirantes y casi inverosímiles de un Loret de Mola que juega a no ser Loret de Mola, para así magnificar lo malogrado del sistema educativo. Por ejemplo, busca conocer el padrón de maestros y entonces la cinta se transforma en una sobre trámites engorrosos y burocracia. O podría ser un desempleado o alguien que presenta una queja… La comedia ríe de la red de complicidades, malos manejos y resultados mediocres para México, el país con mayor proporción de gasto público para la educación en la OCDE. SIN EL SLAPSTICK

Cuando Loret de Mola recibe un “no” o se desespera para lograr su cometido no es algo secundario. Es una construcción sobre lo insuficiente de la notoriedad si no hay toma de acción. Como “actor” recibe una mirada perpleja de los encargados de la seguridad del lugar donde busca entrevistarse. “Y sale en la tele”, dirán, y no podemos no reír cuando le sacan una fotografía sin avisarle. Sin que sea explícito, cuestiona al periodismo y su papel al divulgar nombres y apellidos de quienes ocultan la descomposición (lo sindical, lo político, etc.) o cómo es imperioso incluir el tema en la agenda del año electoral. Sobre lo que ¡De Panzazo! analiza, Loret de Mola narra: “No se los voy a compartir para que nos gane la depresión, sino para que el coraje nos mueva a resolver esta tragedia, porque ya casi no nos queda tiempo”. Se busca una alianza social incluyente, a lo mejor para que el joven que encabeza la escolta (la élite de un colegio) que porta el mayor símbolo patrio, al orientar a sus compañeros, sepa primero lo elemental del rumbo y comu-

Secundaria Naucalpan

nicación, y no sólo provoque la carcajada en las salas cuando grita: “Flanco izquierdo, ¡ya!”… para ser el único que voltea al derecho. No hay otro camino, “cambiar la historia depende de lo que hagamos ahora”. LORET DE MOLA

Durante el último Festival Internacional de Cine de Morelia, ¡De Panzazo! fue el “fenómeno”. Ahí la apreciamos por primera vez y conocimos información al alcance de todos, como que de 100 niños que ingresan a primero de primaria, 64 llegan a sexto, o que sólo 60 entran a secundaria y 51 la concluyen. Asimismo, que en México cada año escolar se reduce a 562 horas, el 75% de lo que se logra en Estados Unidos y menos de la mitad del tiempo de sus pares finlandeses o coreanos; o que más de la mitad de los jóvenes de 14 o 15 años que siguen en la escuela no cuentan con las habilidades mínimas en matemáticas, todos los datos anteriores de acuerdo a los estudios PISA 2009 y Enlace 2011, el UPN o el Reporte Metas, Estado de la Educación en México 2011, elaborado por Mexicanos Primero. Tras la proyección, Loret de Mola nos compartió impresiones de la cinta: “Estuvimos trabajando tres años en ella. Yo le tengo mucha fe al tema. Ojalá la gente termine impactada por lo que presentamos ahí. Espero que les haya gustado, que les haya parecido entretenida y a la vez estrujante. Vamos a ver si funcionó”. Al respecto de su estreno en plena época electoral dijo: “¡Como debe ser!, más un tema de esta naturaleza. Pero nuestro objetivo no es electoral. Trasciende los partidos, la política. Es una agenda ciudadana y la vamos a empujar sea quien sea el próximo presidente o presidenta de México. Y en función de eso vamos a jalar para adelante. Ojalá contemos con la colaboración de muchos. En esa medida será más fácil tener un resultado y estoy convencido que el nuestro será un mejor país”. depanzazo.mx

Telesecundaria Montaña Baja de Guerrero 2

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TENDENCIAS

Daniel Krauze escribe sobre Louie, serie concebida por una figura que no sabe mucho sobre técnica visual, pero mezcla el stand-up clásico y la comedia situacional para hablar sobre sí mismo, sobre la labor creativa o la franqueza e inteligencia como los vehículos para la genialidad.

resto de la créme de la créme en la comedia–, hoy en día no hay mejor comediante de stand-up que C.K.; la gente que lo ha visto y que trabaja con él, compara ver su show con haber tenido el gusto de ver a Pelé jugar en el Mundial de México 70 o ver un partido de Federer hace algunos años. En suma, el consenso es que C.K. es el mejor de la historia: un hombre cuya irreverencia no tiene límites, para el cual no hay tema prohibido y que habla de su vida, sus fracasos y su rutina con una honestidad hilarante e incómoda. Para escépticos: ver la rutina en la que explica que su hija de cuatro años es una cretina, en la que hace trizas al dios del Viejo Testamento o los múltiples momentos en los que habla de su deprimente vida después de un matrimonio fracasado. FONDO SOBRE FORMA

LOUIE

DESDE UN PUNTO DE VISTA ESTÉTICO, hay pocas series

más feas que Louie (emitida en la cadena FX). Los emplazamientos parecen escogidos al aventón, casi como si el director arrojara el tripié y montara la cámara donde cayera. El montaje es indigno de un estudiante de segundo semestre de comunicación que ha empezado a editar con ayuda de su iMovie. Las actuaciones son elementales, los registros obvios, la estética plana, las locaciones grises y los hilos narrativos de las historias parecen ser inconsecuentes: una trama se dispara en un inicio, se diluye rápidamente y le abre paso a una escena arbitraria, que poco o nada tiene que ver con el resto del capítulo. Y a pesar de todo lo anterior, Louie es probablemente genial y seguramente única. Es la historia 74

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de un padre (el comediante Louis C.K.) y su vida después de divorciarse, con esporádicas y aterradoras imágenes de su infancia. Es a la comedia moderna lo que Seinfeld fue a los sitcoms en los noventa: una inyección de adrenalina, originalidad y absoluta honestidad. Ver un episodio de The Office, Parks and Recreation o 30 Rock después de ver un capítulo de Louie es como ir al Caesars Palace de Las Vegas después de ver el Coliseo. Lo artificial y manufacturado contra la crudeza de lo auténtico y espontáneo. LA RISA INCÓMODA

Para entender el éxito de Louie hay que revisar la carrera de su creador, director y protagonista, Louis C.K.. Según sus propios colegas –Ricky Gervais, Chris Rock y el

Tras probar el éxito como stand-up comedian, C.K. desarrolló su serie homónima, siempre y cuando FX le permitiera tener completo control creativo. El resultado es una serie dirigida por alguien que no sabe dirigir, editada por quien no sabe editar y actuada por alguien que –si bien no llega a niveles de torpeza histriónica “Seinfeldiana”– claramente no es actor. Pero no importa. Lo esencial de Louie no está en su hechura, sino en su contenido: una mirada punzante a los problemas del día con día, que ve al mundo con ojos descarnados y que no teme ahondar en temas espinosos (basta ver el capítulo en el que Louie de niño va a catecismo). No obstante, la serie de C.K. es más que eso. El último capítulo de la primera temporada tiene un final dulcísimo, que resalta las mejores cualidades de la comedia de su creador. Detrás de la superficie agria hay un corazón herido y amplio, que ve a la vida tal y como es: una sucesión de absurdos que esconde rincones luminosos. Larga vida a Louie.

DEL PERDÓN AL OLVIDO

BENEFICIOS ESPECIALES FANCLUB®

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TRIVIA 1. ¿De cuál película es Del Perdón al Olvido en parte secuela y en parte variación? 2. En el Festival de Cine Contemporáneo de la Ciudad de México, el realizador Todd Solondz fue uno de los invitados especiales, ¿qué película presentó entonces? 3. ¿Qué premios recibió Del Perdón al Olvido en Venecia y Mar de Plata? 4. Dinos tus comentarios y sugerencias de FANCLUB Cinépolis®.

REQUISITOS PARA PARTICIPAR Limitado a los primeros suscriptores que envíen un correo que en el asunto diga “FANCLUB Cinépolis® Del Perdón al Olvido” con las respuestas correctas de la trivia, máximo hasta el 31 de marzo de 2012. Recuerda incluir tu teléfono, nombre y dirección completas para que se valide la participación. En caso de resultar ganador, sólo podrás serlo en una de las trivias de cada mes (ésta siendo la primera registrada como ganadora). Si no eres suscriptor de FANCLUB Cinépolis® no podrás ser ganador de este beneficio.

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PERSONAJE

EL PADRINO DEL CINE Es líder, leal, galán, un maduro y exitoso hombre de negocios, la cabeza de la mafia siciliana. Tiene el poder de convencer sin el uso de balas, convertido en hombre sabio, transformado en alguien justo acerca de las masas y valores familiares, pero inspirado por los mafiosos más conocidos de la historia, por uno como Frank Costello. Es Don Vito Corleone, la creación ficticia de Mario Puzo… a veces, mejor conocido en el mundo del cine como Marlon Brando. POR CONSTANZA SCHRAVESANDE

HACE CUARENTA AÑOS Marlon Brando se estaba poniendo bolas de algodón en la boca para lo que llegó a ser una perfecta caracterización de la cabeza de la familia Corleone. El director Francis Ford Coppola, al igual que Mario Puzo, estaban convencidos de que no había alguien mejor que Marlon para el papel del mafioso, podía caracterizar hasta la voz áspera de lo que había sido la causa de un balazo. Algo que más tarde De Niro tendría que estudiar para continuar con el gran personaje que se había hecho de Don Vito Corleone en el mundo del cine. Fue la película con la que creció la vida profesional de Brando, al igual que su fama después de haberse convertido en el segundo actor en rechazar un Academy Award (Oscar) como Mejor Actor, luego de que George C. Scott lo hiciera tras ser galardonado por su actuación en Patton (Schaffner, 1970). 76

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Siempre se supo que Marlon Brando fue de espíritu rebelde, por algo llegó a ser el que estableció la moda de “niño malo”: chamarra de cuero, gorra, patillas y motocicleta Triumph en su actuación como Johnny Strabler, protagonista de The Wild One (Benedek, 1953), o por el desenlace de una de sus escenas más famosas, conocida como “I coulda’ been a contender”, en donde convence al director de que la escena escrita es irreal y decide improvisar en On the Waterfront (Kazan, 1954), película con la cual ganó su primer Oscar. DESILUSIONES VISUALES

Puede que no mucha gente entendiera al verdadero Marlon Brando, en esencia un revolucionario que conocía el rock antes de que existiera, porque sin duda era una persona difícil con quien trabajar, pero su rebelión llegó a cambiar la forma con la que se veía el cine, o la técnica con la que se lograba dar vida a un personaje. Asimismo, ese año también lo demostró en El Último Tango en París, película que encumbró la extraordinaria década de los 70 por parte del realizador Bernardo Bertolucci. Marlon fue central en un alegato contra la visión idealizada del amor y más bien exposición de la frialdad erótica del sexo y del naturalismo en las relaciones de pareja, realizando una crítica a las instituciones y una reflexión sobre la realidad de un encuadre. Marlon se conectaba con sus emociones y experiencias para transformarse en la persona que debía ser. Así llegó a convertirse en uno de los mejores actores que el mundo ha visto y la inspiración de muchos otros reconocidos, como James Dean, Al Pacino, Robert De Niro, Jack Nicholson, Johnny Depp o Leonardo DiCaprio, y ha logrado mantener vivos los personajes que creímos tener sólo en la imaginación. Marlon Brando es un personaje histórico, es el padrino del cine.

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