Nº 10
www.room-digital.com
ONE+PARTNERSHIP
FRANCESCA THYSSEN-BORNEMISZA SEBASTIÁN ERRÁZURIZ WILLIAM JR CURTIS
One Plus Partnership • Francesca Thyssen-Bornemisza • Sebastián Errázuriz • William JR Curtis • Producto Fresco • Vanishing Point • Colourful Shadows • Restaurante Hueso • Mirror Houses • Burning Man Festival
ROOM 10 PVP: 8€
EDITORIAL/10
“Todo fue nuevo una vez. Las pirámides también fueron contemporáneas”. Francesca Thyssen-Bornemisza
FERIA INTERNACIONAL DE ARTE CONTEMPORANEO www.arco.ifema.es
24-28 FEB 2016
O R G AN I Z A
SUMARIO/10 P. 10
Breves Producto Fresco O Collection Pop Up Store Mercado de Diseño Vanishing Point Colourful Shadows Miu Miu Tokio Restaurante Hueso Mirror Houses ICD/ITKE Research Pavilion 2015 The Invisible Store of Happiness Memorial a las Víctimas de la Violencia OAMI Abierto
P. 40
TBA21. Francesca Thyssen-Bornemisza A la vanguardia de la vanguardia Diseño
P. 52
Sebastián Errázuriz Diseño. Artesanía. Performance Otros Espacios
P. 62
One Plus Partnership Futurismo globalizado Arquitectura
P. 72
William JR Curtis Memoria de la arquitectura vivida Autógrafo
P. 82
Férula Eames Quim Larrea escribe sobre la férula de Charles y Ray Eames
Cuaderno P. 83
Burning Man Festival, Tanqueray nºTEN. honey & bunny, Victor & Rolf, Solomon Burke libros...
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Prisma Wardrobe. Tokujin Yoshioka Glas Italia 8 / ROOM 10
Nueva gama Loewe 2015. Un conjunto de novedades tecnológicas y calidad de imagen de Ultra Alta Definición
NUEVA GAMA LOEWE ART 4K, CONNECT 4K Y REFERENCE 4K NUEVA TECNOLOGÍA DE IMAGEN
NUEVO SMART TV 2015
Nuevas resoluciones Ultra HD-4K Nuevo circuito SUPERESCALADOR Nuevo PROCESADOR 5 veces más potente
ZAPPING ULTRARRÁPIDO El cambio de canales más rápido existente DIGITAL MEDIA RENDERER (DMR) Para ver en el TV los contenidos de su Tableta o Smartphone MYTV2MOVE Para ver los canales de TV en su Tableta o Smartphone NUEVO MEDIANET Con acceso directo a YouTube y nuevo navegador más potente y compatible
NUEVA TECNOLOGÍA DE SONIDO Cajas acústicas cerradas SOEN© de 80W
PREPARADO PARA EL FUTURO Sintonizador DVB-T2 y decodificador HEVC
NUEVO MENÚ ULTRAPERSONALIZABLE Cree la pantalla de iniciio con sus contenidos favoritos (emisoras tv, radio internet, web, etc.)
CALIDAD Y CONFIANZA Diseño, ingeniería y fabricación Made in Germany
NUEVOS TAMAÑOS DE PANTALLA Pantallas de 40”, 48”, 55”, 75” y 85”
NUEVA TECNOLOGÍA DE GRABACIÓN A través de USB y siga viendo otro canal (ART 4K) En disco integrado con multigrabación y programación remota desde fuera de su hogar (CONNECT 4K y REFERENCE 4K)
BREVES | O COLLECTION
LAS CERÁMICA INNOVADORAS DE IAN ANDERSON CONSIGUEN EXPULSAR AL USUARIO DE SU ZONA DE CONFORT Y MARAVILLARLO. 12 / ROOM 10
O COLLECTION AANDERSSON Texto: Valentina García Plata | www.aanderssondesign.com
La vajilla de porcelana es todavía uno de los pilares del ajuar tradicional. Durante siglos este material se ha asociado a fábricas nacionales y extranjeras con solera. Sin embargo, frente a la tradición, hoy en día se está innovado en cuanto a su trazo y su concepto. Solo hay ver algunos trabajos de los españoles díez+díez o de la israelí Ronit Baranga para confirmar nuevas maneras de entender estos objetos. En la misma línea también hay que hablar de Ian Anderson, aunque este ceramista lleva su búsqueda un poco más allá. A la cabeza del estudio AAndersson, este creador escandinavo altera sin remilgos los moldes. Ya no se trata de cambiar la forma de una botella, sino de trastornar su estruc-
tura. Como si se intentara materializar lo que los primeros cuadros cubistas daban a dos dimensiones. Por ejemplo, las ensaladeras y las botellas de la colección O se cortan por la mitad. Las dos partes que resultan de la operación parecen deslizarse en direcciones opuestas creando así nuevas posibilidades. La mitad inferior da lugar a un asidero que nunca se tiene en cuenta en una ensaladera. Y de igual modo, la jarra de agua se corta por el pedio propiciando una nueva superficie de agarre que obvia la necesidad del asa. La deconstrucción sufrida por las líneas clásicas generan diseño, desconcierto y nuevas funcionalidades. Y así, explorando la utilidad, Ian Anderson consigue expulsar al usuario de su zona de confort para maravillarlo.
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BREVES | VANISHING POINT
PARA CONCEBIR PIEZAS QUE INVITAN AL ASOMBRO Y A LA ENSOÑACIÓN, BRAJKOVIC COMBINA EL TRABAJO ARTESANAL CON LA PROGRAMACIÓN INFORMÁTICA MÁS AVANZADA.
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VANISHING POINT SEBASTIAN BRAJKOVIC Texto: Valentina García Plata | www.sebastianbrajkovic.com
El punto de fuga es aquel lugar donde las rectas paralelas se juntan de acuerdo a la perspectiva. Sin embargo, en el mundo creativo del holandés Sebastian Brajkovic es el título de varios objetos que traducen su peculiar visión de la connivencia entre diseño y arte. Amante del espacio cognitivo creado por los contrastes y las diferencias, Brajkovic combina el trabajo artesanal con la programación informática más avanzada para concebir piezas que invitan al asombro y a la ensoñación. Atendiendo a esa tensión permanente entre lo digital y lo hecho a mano, la serie Vanishing Point, punto de fuga en inglés, presenta distintos asientos. Uno de ellos, por ejemplo, una banqueta cuyo extremo se pierde en un lugar imaginario del suelo. ¿Podemos seguir llamando asiento a una obra que carece de patas y cuya inclinación lleva a la caída? Esta es la estrategia de Vanishing Point: replantear ROOM 10 / 17
BREVES | COLOURFUL SHADOWS
COLOURFUL SHADOWS PABELLÓN DE JAPÓN. EXPO DE MILÁN | NENDO Texto: Valentina García Plata | www.nendo.jp
La presencia de Japón en la Exposición Universal de Milán ha estado llena de sorpresas para el visitante. Acorde con el tema de la celebración Alimentar el planeta, energía para la vida, el estudio Nendo creó una instalación enigmática aunque a primera vista, por su disposición, resultara de lo más convencional. En una sala blanca, una larga mesa de comedor negra con veinticuatro sillas a su alrededor invitaba a descubrir una serie de objetos. Sin embargo, conforme observábamos el espacio, comprobábamos que el respaldo de las sillas era cada vez más alto y que la mesa estaba inclinada. Dicha inclinación daba visibilidad a los protagonistas del proyecto: vajillas, palillos y manteles que, con un trazo contemporáneo, mostraban técnicas de fabricación ancestrales 20 / ROOM 10
realizadas por artesanos japoneses. Son detalles que pueden escapar a nuestra cultura occidental, pero tanto las formas, como los colores o los materiales son totalmente novedosos. A través de esta escenografía, Nendo ha elaborado un perfecto tributo a las tradiciones niponas con un diseño exquisito, práctico y moderno. Sin embargo, su fundador, Oki Sato, ha sido más ambicioso y sin perder de vista al país anfitrión, Italia, ha elaborado un homenaje a la región donde se creó la técnica del dibujo en perspectiva. Con esta instalación-trampantojo, sillas y mesa son deformadas para que ellas mismas generen dicha perspectiva y de este modo hacer del mobiliario una estructura más cercana a la teatralidad que al producto.
ESTA INSTALACIÓNTRAMPANTOJO ES UN HOMENAJE A LA REGIÓN ITALIANA DONDE SE INVENTÓ LA PERSPECTIVA.
BREVES | RESTAURANTE HUESO
RESTAURANTE HUESO CADENA+ASOCIADOS GUADALAJARA. MÉXICO Texto: Ainhoa Ruiz de Morales www.cadena-asociados.com
Quien dijo que en cuestión de diseño todo estaba hecho, no podía estar más equivocado. En el mundo del interiorismo comercial, al igual que en otros ámbitos, nos movemos por tendencias. Hace varias décadas fue el minimal, después llegó lo industrial, los ambientes retro y el eclecticismo llevado a su propio límite. Todo se basa en la correcta elección de los elementos. Esos que hacen que una propuesta triunfe o se convierta en una más del montón. Pues bien, el restaurante Hueso, en la ciudad mexicana de Guadalajara, encabeza la lista de varios prestigiosos premios internacionales. Lo que en su caso elimina la ecuación “x + y = más de lo mismo”. Detrás del establecimiento se encuentran los hermanos Cadena. Ignacio, al frente del proyecto como arquitecto junto a su equipo Cadena+Asociados. Y Alfonso, como chef y director de este local atrevido y macabro. Una fachada de azulejos artesanales diseñados por el ceramista José Noé Suro actúa como una finísima piel que acoge el interior. Y dentro, 10.000 piezas de esqueleto de animales cubren sus paredes respondiendo,
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según el mismo Alfonso Cadena, a una visión darwiniana del espacio y la convivencia. Piezas todas ellas pintadas en blanco, que se entremezclan con diferentes utensilios de cocina o que incluso son enmarcados cual foto familiar. Las comandas se colocan entre huesos bañados en metal, y el aseo está presidido por una enorme cabeza que, junto al gran árbol muerto del patio, acentúa la atmósfera dramática. Insistimos: macabro, pero acertado también. Como contrapunto, las grandes mesas de madera rompen el blanco impoluto y escalofriante para dar calidez y a la vez invitar a los comensales a interactuar entre ellos: a vivir un cambio evolutivo desde que entran por la puerta. Sin duda, Darwin estaría orgulloso de ver representada su teoría de la selección natural de un modo tan gráfico y sencillo. Hueso sorprende por lo inusual, por lo inesperado, pero sobre todo por recurrir a una estética saturada y barroca que mira hacia los viejos gabinetes de curiosidades, esos lugares donde se almacenaban (y mostraban) extrañezas naturales antes de que los museos llegaran a nuestra cultura.
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BREVES | MIRROR HOUSES
MIRROR HOUSES PETER PICHLER ARCHITECTS BOLZANO. ITALIA Texto: Arturo Romero | www.peterpichler.eu
Máxima privacidad e inmersión en la exuberante naturaleza circundante. Esos eran los dos requisitos del propietario de una granja a las afueras de Bolzano para construir en su jardín dos viviendas de lujo destinadas a alquileres temporales. Dos picaderos deluxe, dirán algunos. Una arquitectura habitualmente poco dada a la experimentación, pero que en manos de Peter Pichler Architects cobra nuevos vuelos. No en vano, ellos mismos se definen como un estudio con enfoques innovadores y contemporáneos, cuya mayor preocupación es la conexión entre arquitectura y entorno. Estas Mirror Houses reaccionan como los pabellones del artista americano Dan Graham: 26 / ROOM 10
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BREVES | ICD/ITKE RESEARCH PAVILION 2015
ICD/ITKE RESEARCH PAVILION 2015 ICD / ITKE | STUTTGART Texto: Georgina Newman | www.icd.uni-stuttgart.de
De la observación de los procesos de construcciones biológicas, nace este proyecto de la Universidad de Stuttgart. El modelo elegido para este trabajo que tuvieron que llevar a cabo los estudiantes, fue el sorprendente hábitat de la Argyroneta Aquatica o araña acuática. Este arácnido tiene la peculiaridad de vivir bajo el agua y de desarrollar su nido alrededor de una burbuja de aire que le sirve a la vez de almacén de oxígeno y de nido para sus huevos y larvas. Con sus hilos va aprisionando la burbuja para resistir la presión de las corrientes acuáticas. Tras observar este método de edificación animal, los departamentos implicados idearon un pabellón que se llevó a cabo en base a un encofrado neumático que imitaba el “armazón” de la burbuja. Luego, los hilos de seda arácnida encontraron su parangón en el EFTE: un polímero termoplástico de gran resistencia mecánica que puede soportar temperaturas de hasta 170ºC. Este material sintético tiene la gran ventaja, además, de pesar cien veces menos que el vidrio, sin olvidar que deja pasar la luz y que es fácilmente limpiable y reciclable. Para convertir el pabellón en una estructura asombrosa por su diseño y su ingeniería, se ideó una programación específica que permitiera ajustar las densidades y las orientaciones de las capas de fibra. Con la ayuda de algoritmos específicos y de un prototipo robótico, se llegó a crear esta instalación biomimética que forma parte del conjunto de pabellones creado por los estudiantes. Tras analizar la eficiencia del caparazón de un escarabajo, la araña acuática ha sido el siguiente modelo elegido por los alumnos para investigar formas de construcción que se aplicarán a futuros proyectos y encargos. 30 / ROOM 10
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ABIERTO | TBA21
Mecenas y comisaria, Francesca Thyssen es la creadora de una de las colecciones de arte contemporáneo más arriesgadas. En 2002 abrió la Thyssen-Bornemisza Art Contemporary (TBA21) en la ciudad de Viena: un espacio de investigación artística, donde exhibe y promociona a creadores en estado de búsqueda. Más allá de su propio apellido, Francesca se ha convertido en una referencia para entender los nuevos rumbos del arte actual. No Head Man. Mónica Bonvicini. 1998 © Cortesía del artista y Galerie Max Hetzler
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TBA21 A la vanguardia de la vanguardia
Entrevista: David Luna/María Reyes Intérprete: Javier Sánchez Herreros
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DISEÑO | SEBASTIÁN ERRÁZURIZ Boat Coffin. 2009
SEBASTIÁN
ERRÁZURIZ DISEÑO. ARTESANÍA. PERFORMANCE
AUDAZ, PROVOCADOR Y EXCÉNTRICO, SEBASTIÁN ERRÁZURIZ SE ACERCA AL DISEÑO CON LA GENUINA AMBICIÓN DE ROMPER FRONTERAS ENTRE DISCIPLINAS. ESCULTURAS, INSTALACIONES, INTERVENCIONES CALLEJERAS, MOBILIARIO… LA SUYA ES UNA MIRADA ÁCIDA QUE CUESTIONA EL ESTABLISHMENT MEDIANTE UN QUEHACER BÁSICAMENTE ARTESANAL. DESDE NUEVA YORK HA CONTADO A ROOM POR QUÉ LAS CONVENCIONES ESTÁN PARA SER OBVIADAS. Texto: Gloria Escribano ROOM 10 / 53
OTROS ESPACIOS | ONE PLUS PARTNERSHIP
Nanchang Insun International Cinema. Nanchang, China. 2013 62 / ROOM 10
1+PARTNERSHIP Futurismo globalizado
Propuestas multidisciplinares, formalismo extremo, ambientes gélidos. Estos son los parámetros con los que trabajan Plus One Partnership Limited. Desde Hong Kong este estudio de interiorismo está construyendo un discurso sofisticado muy lejos de la tradición china. Más de 200 premios por todo el planeta avalan su estética global y desprejuiciada. Texto: Ainhoa Ruiz de Morales
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ARQUITECTURA | WILLIAM JR CURTIS
WILLIAM JR
CURTIS Memoria de la arquitectura vivida Texto: Arturo Romero
La pasión y el rigor son los motores con los que el crítico de arquitectura William Curtis desnuda cualquier edificio. La reedición de su libro Le Corbusier, Ideas y Formas ha sido el punto de partida de una charla donde ha hablado para ROOM de identidad y arquitectura. Recientemente ha inaugurado en el Palacio de Carlos V de Granada Abstracción y luz, una gran muestra con sus apuntes de viaje y fotografías.
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William JR Curtis. Š Phaidon
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AUTÓGRAFO FÉRULA QUIM LARREA ESCRIBE SOBRE LA FÉRULA DE CHARLES Y RAY EAMES Quim Larrea es arquitecto, diseñador y periodista. En la actualidad es el presidente de Surgenia, el Centro Andaluz Tecnológico de Diseño.
El buen diseño de Mijaíl Kaláshnikov aplicado con precisión sobre el fusil AK47 dio como resultado una de las armas más populares de la historia y un balance aterrador: el número de muertos, heridos y tullidos que han generado los 80 millones de unidades producidas es incontable. El caso Kalásnikov no es único. El subfusil Uzi, de Uziel Gal, el famoso M16, de Eugene Stoner, que se popularizó en Vietnam, o la pistola Glock, de Gaston Glock, son la paradoja de cómo un buen diseño, con ventas millonarias, puede ser una gran desgracia. En el otro lado de la balanza, Charles y Ray Eames trabajaron para la US Navy en 1943 desarrollando una férula que permitía el primer auxilio y la evacuación de soldados heridos en las extremidades inferiores. Estaba realizada en madera laminada, moldeada en caliente, y unos cortes oportunos permitían al enfermero pasar vendajes y fijar la pierna para mejorar la herida. La pieza era barata, ligera, apilable, fácil de usar y tan funcional que salvó miles de piernas. Se calcula que se sirvieron hasta 150.000 unidades entre 1943 y el fin de la II Guerra Mundial. Acabada la contienda, las piezas siguieron produciéndose por algún tiempo. Pasados los años, la Eames Office -fundación que protege y divulga su obrarealizó una edición limitada y numerada que vende desde su página web. Ahora ya no es tan barata, lamentablemente. Aunque quizás sea uno de los trabajos más desconocidos de los Eames, es uno de mis diseños favoritos. En mi casa, en el salón, colgada cerca del sofá tenemos una, y muchos amigos que nos visitan preguntan por ella, confundiéndola con una escultura. Es un placer explicarles su historia, que engrandece su belleza. En estos momentos convulsos, desosegados, donde canallas de todo pelaje campan y matan, maldigo la hora en la que los Kaláshnikov, Gal, Glock y tantos otros pusieron su inteligencia para diseñar objetos tan deleznables. Y, entonces, miro la pieza de los Eames, apenas unas láminas de madera encoladas y moldeadas, y me reconcilio con mi profesión… y con el ser humano. 82 / ROOM 10
DE LA 838485868788899091 A LA9293949596979899 Victor & Rolf
ROOM CUADERNO honey & bunny
Tanqueray nยบTEN
Libros
Solomon Burke
Burning Man Festival
Burning Man Festival
cuaderno
Fotos: NK Guy. Taschen. Del libro Art of Burning Man
Burning Man Festival El lugar más feliz del mundo
Texto: Raquel Seco
Una rave. Una exposición de arte al aire libre. Un festival. Un experimento sociológico. Nadie se pone de acuerdo sobre cómo definir Burning Man pero, sea lo que sea, no para de crecer. El primer recuento de Burning Man fue modesto: unos cuantos palos y 35 personas. Era junio de 1986 y Larry Harvey y Jerry James quemaron una figura de madera en una playa de San Francisco. Lo que empezó como una celebración del solsticio entre amigos se convirtió en una fiesta anual y fue creciendo exponencialmente: en 1990 ya tenía
8485 cerca de 1.000 participantes y fue trasladada al desierto de Nevada. En 1996 ya eran 8.000. En 1999 llegaron a 23.000. Hoy, más de 65.000 personas participan en uno de los grandes eventos de la contracultura contemporánea en Estados Unidos. Y todavía nadie ha sabido definir del todo lo que ocurre durante una semana en esta ciudad ficticia construida por los mismos asistentes al festival. No es fácil contar en palabras lo que ocurre en el desierto. Los burners pasan siete días inmersos en un entorno extremo. Deben tener agua y comida suficiente, además de un sitio donde dormir y medios para protegerse del calor, el frío y las tormentas
de arena o de granizo. Está prohibido comprar o vender (la organización regenta un bar que vende café y algunos puestos de hielo), y todo gira en torno a la cultura del regalo: se reparten mojitos, fruta, platos de comida, protector solar, abrazos, luces. Y todo ello encaminado a la quema de dos grandes esculturas de madera. Una con forma de hombre en torno a una gran fiesta. Y otra con forma de templo, en un ritual silencioso e íntimo.
Más de 2.000 voluntarios trabajan para hacer que funcione y, aun así, organizar Burning Man (seguridad, baños, casi un millón de dólares en becas para artistas...) cuesta más de 26 millones de dólares, según las últimas cuentas públicas. Eso se financia con donaciones anónimas y con la venta de entradas, que cuestan 390 dólares, unos 290 euros, y que se agotan en cuestión de minutos. La organización de Burning Man, que antes funcionaba como sociedad
Fotos: Iván Aranega
gráfico
cuaderno
honey & bunny
Food design para cambiar el mundo Texto: Georgina Newman
La historia de la humanidad es la historia de su diseño. Todo lo creado por el hombre ha sido pensado, concebido y ejecutado con una función y una intencionalidad: mobiliario, tecnología, vestimenta y, por supuesto, lo relacionado con el ámbito de la gastronomía. De hecho, el deseo (o la necesidad) de elaborar la comida es una de las grandes fronteras que separa la especie humana del resto de los animales. Llevamos cientos de años inventando nuestro propio alimento. Desde el inicio de la humanidad, las diferentes culturas siempre han puesto en marcha nuevas ideas para mejorar su universo culinario. Se han desarrollado métodos de conservación para mantener y transportar mejor los víveres. Todo lo que encontramos en un supermercado está diseñado. Hasta
el corte de la carne que consumimos lo está. Sin olvidarnos de que cualquier grupo humano construye sus propios rituales alimenticios. En este territorio de búsqueda se encuentran Martin Hablesreiter y Sonja Stummerer: dos performers y food designers que al frente de honey and bunny proyectan su creatividad combativa contra la mercantilización y degradación de la alimentación cotidiana. “Hoy en día -nos dice Martin- comemos diseño industrial en todos los países occidentales. Tenemos supermercados que sirven lo mismo 365 días al año en cualquier lugar en Europa. Sin embargo, no es posible acceder tan fácilmente a productos orgánicos, biodiversos o de comercio justo. Desde nuestro campo de acción, tratamos
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de pensar en todo eso, en cómo podríamos desarrollar diferentes formas de producción, distribución y consumo en favor de una vida más sostenible”. Como colectivo, se iniciaron hace quince años en Austria con una investigación sobre el pan. Ese fue el detonante de una carrera en la que los procesos alimentarios son el punto de partida y a la vez el punto de llegada. Para ello, han llevado a cabo documentales, performances, instalaciones y varios libros que giran en torno a la exploración de la nutrición sostenible, el food design y la necesidad de ideas innovadoras para el tratamiento de nuestro sustento más allá de la fabricación en cadena. Su primera performace se llamó Food Tools y como pieza respondía de forma irónica a la industria comestible. Era el año 2009. A
partir de ahí han desarrollado una trayectoria performativa cuyo punto de máxima intensidad tuvo lugar hace unas semanas en Milán dentro del FOOD/SUSTAINABLE/DESIG; sin olvidar Eat You, presentada en la pasada edición de Paris Design Week. En todos estos trabajos mantienen un hilo narrativo común: repensar la comida y sus procesos en unos contextos escénicos inesperados y abiertamente experimentales. Martin y Sonja solo están interesados en una cocina construida sobre valores éticos o nuevas formas de percepción. “Por supuesto, la cocina de gama alta nos puede resultar interesante, pero de la misma manera que nos parecen inspiradoras la cocina de guerrilla o la gastronomía punk. Esa es nuestra voluntad para cambiar el mundo. Y es ahí donde el diseñador tiene que estar a la altura. Es inaceptable que lo que comemos se cree detrás de las puertas cerradas de enormes corporaciones internacionales o esté siendo negociado por empresas anónimas que solo buscan el beneficio”.
PARIS / 22 - 26 DE ENERO DE 2016 PARIS NORD VILLEPINTE
PARÍS, FUENTE DE INSPIRACIÓN UNIVERSAL
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