Public Installation SEGD by Rosa Casanova

Ă?ndice

Society for Experiential Graphic Design

XGD, EGD, Place Making & Identity

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¿Qué es? Aspiraciones. Contenido.

XGD. Influencias. EGD. PlaceMaking & Identity.

Public Installation ¿Qué son? Diseño. El Arte de las Instalaciones.

Premios Anuales Merit Awards 2016 Honor Awards 2016

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Proyectos Referenciales Conmemorativos. Concientización. Cultura. Inspiracionales. Revalorización de espacios.

Representantes Lorenzo Quinn Clifford Selbert. Samuel Stubblefield. Nik Hafermaas. Karen Watkins. Molly Zakrajsek. Garry Emery. Kristine Matthews. Greg Neely.

Glosario

Bibliografía

SOCIETY FOR EXPERIENTIAL GRAPHIC DESIGN

ÂżQuĂŠ es?

SEGD es una sociedad que existe para educar, conectar e inspirar a la comunidad global multidisciplinaria de profesionales a crear experiencias que conectan a las personas a un lugar.

Promover la conciencia pública de nuestra comunidad y su papel en la formación de la experiencia, además de promover la demanda de excelencia en el diseño dentro del entorno construido. Servir como una fuente de educación e inspiración para nuestra comunidad. Continuar definiendo y refinando nuestros estándares de práctica.

Fomentar investigación relevante e informada para mejorar nuestra base de conocimientos. Patrocinar programas de reconocimiento de pares que inspiran la excelencia y promover la colaboración a través de las múltiples disciplinas de diseño. Fortalecer los lazos con los programas educativos que proporcionan los fundamentos académicos de nuestro campo.

Contenido Eventos educativos

SEGD ofrece un calendario robusto de cursos de desarrollo profesional que permiten a los participantes aprender y compartir experiencias.

Conferencia SEGD

Es el único evento internacional centrado en el diseño de la comunicación que conecta a las personas y el lugar en el entorno construido.

Xlab

Explora cómo se ha utilizado la tecnología digital para crear experiencias que conectan a las personas con el lugar.

Reuniones del Capítulo

Proporcionan oportunidades para conocer a otros profesionales de EGD para la creación de redes y la educación.

Referencias

Ayuda a los miembros a identificar a los fabricantes, diseñadores u otros socios para sus proyectos.

Directorio de Miembros en Línea

Los miembros pueden acceder a la lista actualizada de miembros de SEGD y su información de contacto.

Bolsa de trabajo

Este servicio en línea pone a los solicitantes de empleo en contacto con los empleadores. Proporciona listados de currículum gratis para los solicitantes de empleo, así como la publicación de trabajos rápidos y fáciles y la gestión del trabajo en línea para los empleadores.

Discusión SEGD

El foro en línea permite a los miembros interactuar con otros profesionales de la comunidad, obtener respuestas a problemas específicos de diseño y fabricación, localizar proveedores y diseñadores y discutir lo que está sucediendo en el campo.

XGD, EGD, PLACE MAKING & IDENTITY

Diseño Gráfico Experiencial (XGD) El diseño gráfico experiencial implica la orquestación de tipografía, color, imágenes, forma, tecnología y, especialmente, contenido para crear ambientes que se comunican. Ejemplos de este incluyen sistemas de señalización, gráficos arquitectónicos, programas de señalización, diseño de exposiciones, diseño de venta al por menor y espacios temáticos o de marca. Cada vez más XGD implica el uso de tecnologías digitales y sistemas que presentan contenido dinámico a través de gráficos en movimiento y hacen posibles interacciones ricas entre un usuario en un lugar y la información que se proporciona. Operando en la intersección de las comunicaciones y el entorno construido, el campo abarca una amplia gama de disciplinas, incluyendo el diseño gráfico, arquitectónico, interior, paisaje, diseño digital e industrial. La historia del campo, también llamada “diseño gráfico ambiental”, está enraizada en las formas más tempranas de las comunicaciones gráficas, tales como pinturas rupestres y ejemplos de “ambientes que se comunican”se puede ver en el uso de jeroglíficos en los templos antiguos, De las catedrales y en los lugares hiper-comunicativos de hoy.

Los profesionales de la disciplina de Diseño Gráfico Experiencial en los últimos años han establecido los estándares para la circulación en los centros de transporte (aeropuertos, estaciones de ferrocarril y metro), hospitales, museos y en las calles y carreteras de la ciudad. Los entornos de aprendizaje y de inmersión, como las exposiciones de museos y los programas públicos, cívicos y paisajísticos, se han beneficiado de los talentos multidisciplinarios de los diseñadores para dar forma a las experiencias que orientan,

informan, educan y deleitan a los usuarios y visitantes. Las tiendas minoristas, los lugares de entretenimiento y de hospitalidad -parques temáticos, hoteles, casinos, centros deportivos, centros comerciales- y otros “entornos de marca” están utilizando las herramientas y los enfoques narrativos de XGD para crear interacciones más atractivas y significativas con sus clientes.

Influencias Sistema Wayfinding:

Wayfinding se refiere a los sistemas de información que guían a las personas a través de un entorno físico, mejoran su comprensión y experiencia del espacio.

La localización de caminos es particularmente importante en ambientes complejos tales como centros urbanos, centros de salud y educativos, y facilidades de transporte. A medida que los entornos arquitectónicos se vuelven más complicados, la gente necesita señales visuales como mapas, direcciones y símbolos para guiarlos hacia sus destinos. En estos entornos, a menudo de alto estrés, los sistemas de orientación eficaz contribuyen a una sensación de bienestar, seguridad y seguridad.

Entornos de Marca:

En la arquitectura y el diseño de interiores, los entornos de marca amplían la experiencia de la marca de una organización o distinguen las características expresadas en nombres, símbolos y diseños, al diseño de entornos físicos interiores o exteriores. Utiliza el espacio como una encarnación física de la marca para crear un “espacio de marca”.

Esto se logra a través de “arquitectura, interiores, iluminación, gráficos, paisajes”en espacios como tiendas minoristas, salas de exhibición, cabinas de ferias comerciales y entornos de oficina. Los componentes de un entorno de marca pueden incluir materiales de acabado, gráficos ambientales, dispositivos de localización y sistemas de señalización e identidad. Los creadores de ambientes de marca aprovechan el efecto de la estructura física y la organización del espacio para ayudar a entregar los atributos de identidad, la personalidad y los mensajes clave.

Diseño Gráfico Ambiental (EGD) Abarca muchas disciplinas de diseño, incluyendo diseño gráfico, arquitectónico, interior, paisajístico e industrial, todos ellos relacionados con los aspectos visuales del wayfinding, la comunicación de la identidad y la información y la creación de experiencias que conectan a las personas al lugar. En un contexto histórico, proporcionar señales en el medio ambiente es tan antiguo como el arte mismo, con hombres de las cavernas contando historias a través de pinturas en las paredes de sus cuevas. Sin embargo, en el contexto moderno de la profesión es sólo alrededor de 40 años de edad, cuando un grupo de diseñadores reconoció que lo que hacían era mucho más que hacer señales y se reunieron para formar SEGD para desarrollar sus actividades en una profesión.

PlaceMaking & Identity La creación de lugares (PlaceMaking) es la actividad de diseño que crea experiencias que conectan a las personas con el lugar. El diseño de la identidad crea un sentido fuerte de “usted está aquí” diferenciando un lugar o un espacio de otros. Placemaking y el diseño de la identidad utilizan la combinación de características físicas, de la gente, de la función, de la historia, de la cultura, y del potencial que hacen el lugar único para acentuar la experiencia e identidad de ese lugar. La creación de lugares y la identidad (PlaceMaking & Identity) es un enfoque multidisciplinario para la planificación, diseño y desarrollo de espacios públicos. Utiliza la materialidad, la forma y el contexto para expresar la singularidad del lugar e inspirar, involucrar, conectar y llamar a los usuarios a la acción. En Diseño Gráfico Experiencial, la creación de lugares y la Identidad abarca un enfoque de diseño colaborativo que involucra múltiples disciplinas y puntos de vista, pero aprovecha metodologías de diseño para expresar la esencia de un lugar visualmente. Las colaboraciones típicas pueden incluir a arquitectos, arquitectos paisajistas, desarrolladores, urbanistas, diseñadores de interiores, artistas, fabricantes y vendedores.

INSTALACIONES PÚBLICAS

Instalaciones Públicas El arte y el diseño son herramientas poderosas para articular y realzar la singularidad de un lugar específico mientras expresan facetas de la condición humana compartida. En el mejor de los casos, las Instalaciones Públicas tienen espacios con significado y contexto. Las Instalaciones Públicas son típicamente

respuestas específicas del sitio al paisaje físico, tópico o contexto cultural, usando una amplia gama de materiales y medios para comunicarse, conectarse e inspirar a aquellos que usan el espacio. Las instalaciones públicas pueden adoptar la forma de obras de arte, monumentos conmemorativos, puertas de enlace, señales, letreros, gráficos super escalables, elementos contextuales, marcadores de posición e incluso elementos corporativos de marca.

En Diseño Experimental Gráfico, cuyos profesionales crean experiencias que conectan a las personas con el lugar, las instalaciones públicas se producen a escala arquitectónica, aprovechando el color, la forma, la tipografía, la luz y la sombra, los símbolos y los iconos y las diversas formas de medios para atraer a la gente, o reunirlos alrededor de una causa o acción deseada.

C a d a ve z m á s, l a s i n s t a l a c i o n e s públicas integran la tecnología digital. Específicamente, la interacción del usuario está cambiando la cara de las instalaciones públicas. El software que detecta el movimiento humano y reconoce y responde a los gestos está abriendo ventanas en un nuevo mundo de instalaciones basadas en tecnología. Estas intervenciones son inmersivas, receptivas y generativas, reflejando los movimientos, necesidades y aspiraciones de las personas que las experimentan.

El Arte de la Instalación El arte de la instalación es un género artístico de obras tridimensionales que a menudo son específicas de un sitio y diseñadas para transformar la percepción de un espacio. Generalmente, el término se aplica a los espacios interiores, mientras que las intervenciones exteriores a menudo se llaman arte público, arte de la tierra o arte de la intervención; sin embargo, los límites entre estos términos se superponen.

04 PREMIOS ANUALES

Merit Award 2016 28

El monumento de Melbourne 101 Collins Street Es un rascacielos de 57 pisos considerado una de las direcciones de negocios más prestigiosas de la ciudad. Uno de sus muchos servicios, colocado en el interior de su aparcamiento subterráneo, es una instalación de ciclismo de “final de viaje”que abastece a los ciclistas de cercanías competitivos y corredores. Los dueños del edificio le pidieron a Fabio Ongarato Design (Melbourne) que mejorara el espacio, que incluye el almacenamiento de bicicletas, los vestuarios y una sala de ventilación de los equipos. Sin conexión al exterior, el espacio necesitaba energía y luz, y el equipo de

diseño respondió con una instalación LED que celebra el tema de “Alto Rendimiento”. Las pantallas LED de colores, que cambian de color, se funden detrás de paredes de policarbonato translúcidas caneladas, que avivan el espacio y proporcionan información útil para los ciclistas y corredores en cada extremo de su viaje: la hora actual, la temperatura exterior y un cronómetro interactivo. El color de la pantalla de temperatura está programado para responder al clima cambiante de Melbourne. FOD trabajó con el diseñador de iluminación teatral Ben Cisterne para llevar la instalación codificada a la vida. La señalización de identificación

de los vestuarios está pintada en tubos de color metálico inspirados en la belleza de los marcos de bicicletas de acero hechos a mano.

Revolution in the Landscape: Re-experience the Halprin Fountains

“... mientras juegas en este jardín, por favor trata de recordar que estamos todos juntos en esto ...” Lawrence Halprin

Fue un evento de dos horas de duración de la Semana de Diseño 2014 en Portland. Siete equipos de diseño, incluyendo dos grupos de estudiantes, fueron invitados a crear instalaciones temporales a lo largo de la secuencia de espacio abierto de Portland, diseñada por Lawrence Halprin y construida entre 1966 y 1970. Tipografía, color, imagen, forma, luz y sonido convergieron para una mágica luna -La noche para sensibilizar al público sobre este recurso cultural histórico compuesto por cuatro parques interconectados, fuentes y espacios cívicos. El evento comenzó en la conocida fuente Ira Keller, la más grande, más visible y accesible de los sitios. Como grupos se reunieron, se les dio una breve introducción sobre el propósito del evento y la ruta a cada sitio. Los visitantes fueron dirigidos a recoger un“anillo de resplandor”, ayudando así a iluminar la noche y convertirse en un participante activo, moviéndose “aguas arriba” a través de siete instalaciones temporales a lo largo de una ruta de seis bloques. En el espíritu de los años 60, cuando Halprin concibió las fuentes y los parques, los participantes se convirtieron en parte de un “acontecimiento”.

Proceso de diseño colaborativo El evento fue producido por SEGD Portland Chapter, que definió completamente el alcance, los objetivos y el formato del proyecto. Los coproductores desarrollaron una estrategia de eventos incluyendo marketing, circulación de eventos, selección de equipos de diseño, logística de permisos e instalación. Cada equipo de diseño definió su estrategia, concepto y ejecutó la solución. Los equipos de diseño fueron seleccionados para representar una amplia gama de perspectivas y habilidades. Los equipos incluían arquitectos paisajistas, diseñadores multimedia, diseñadores gráficos, un fabricante, diseñadores de sonido y músicos. Además de la diversidad de disciplinas de diseño, los equipos representaron una gama de entidades, incluyendo dos grupos estudiantiles, dos firmas bien establecidas, dos empresas recién creadas, un diseñador independiente y un sin fines de lucro.

Desafíos de diseño El calendario, el presupuesto y la naturaleza temporal de la instalación plantearon los desafíos de diseño más grandes. El horario requería que los equipos trabajaran rápidamente con una semana para el diseño del concepto, dos semanas para el desarrollo del diseño, dos semanas para la fabricación y un día para la instalación. Todas las instalaciones, equipos y basura fueron retirados de los sitios a medianoche. Las soluciones de diseño tenían que ser fáciles de instalar y eliminar. El evento tuvo lugar durante la puesta del sol, planteando desafíos de cambiar la luz ambiente. Los diseñadores consideraron la visibilidad de las instalaciones, proyecciones, fuentes de luz que distraen de garajes de estacionamiento adyacentes y la seguridad de los participantes del evento, particularmente en lugares poco iluminados. Se alentó a los equipos de diseño a considerar los impactos ambientales de su trabajo. Se requerían métodos de fijación temporal que no dejarán un impacto permanente en árboles, fuentes, farolas, pasarelas y plazas. Un estipendio(cantidad de dinero) que va desde $ 200 a $ 500 fue proporcionado para cada instalación. Los equipos de diseño fueron desafiados a encontrar materiales creativos y rentables que pudieran crear grandes gestos en los grandes espacios. Los grupos de estudiantes emprendieron sus instalaciones como créditos de cursos

Honor Award 2016 34

KU Design Week Es una serie anual de eventos dirigidos a promover el pensamiento interdisciplinario del diseño en la Universidad de Kansas, la comunidad de Lawrence y más allá. El tema del 2015 fue de 10.000 horas, celebrando la cantidad de tiempo que los diseñadores y los solucionadores de problemas pasan refinando su arte en su camino hacia el logro de ser maestros en lo que hacen.

materiales baratos y maneras de activar el espacio con recursos que ya estaban disponibles pero subutilizados. Después de una inspección del edificio, el equipo se dio cuenta de que muchas de las paredes de la escuela estaban cubiertas en la superficie de la pared pegajosa que se encuentra dentro de las aulas del estudio. Las hojas de neón de papel de tamaño carta proporcionaban una manera barata de llenar las paredes de color vigorizante. Las impresiones en blanco y negro mantienen los costos bajos, la impresión simplificada y las restricciones creadas para que el equipo trabaje dentro. La conciencia creada por las instalaciones del cartel fue un factor que contribuyó a una de las Semanas de Diseño KU más exitosas de la historia. Un taller de tipografía de Lucas Nelson (con Linda Sampson-Talleur) fue el evento más popular. La retroalimentación de la comunidad escolar de KU fue abrumadoramente positiva, con muchas personas comentando cómo el color agregado les hizo más felices de estar en el edificio.

En febrero de 2016, el equipo de diseño creó e instaló una serie de muros en los edificios de Arte + Diseño y arquitectura al final del semestre de otoño de 2015. Cada cartel ofrece mini desafíos del diseño, citas inspiradas de maestros influyentes del diseño o bromas ligeras del diseño. Los colores de neón transforman las superficies blancas y subutilizadas de los edificios para crear ambientes que son vibrantes y energizantes. Los carteles también fueron diseñados para reconocer (y combatir) los sentimientos de agotamiento mental que los estudiantes de diseño (y las personas creativas en general) experimentan a menudo. Con un presupuesto limitado, el equipo buscó

Al abrir los eventos de la Semana del Diseño al público y al visitar los departamentos de arte / diseño de la escuela secundaria, los planificadores de eventos extendieron el alcance de la Semana de Diseño de KU más allá del campus y en la comunidad de Lawrence. En los próximos años, esperan crear una colaboración entre la ciudad y el colegio, con el personal de KU Design Week trabajando estrechamente con diseñadores, artistas y funcionarios de Lawrence para organizar eventos más grandes que sirvan a más gente y dejar un impacto más duradero para la comunidad.

Contro Spazio: Punti en Aria (Counter Space: Points in Air) Fue una instalación - específica del sitio que se exhibió en la Galería SG y en las calles de Venecia del 7 de julio al 27 de julio de 2015. El objetivo del proyecto era utilizar el diseño gráfico para provocar a los visitantes y residentes de la ciudad a considerar las formas en que el diseño gráfico modela una imagen de Venecia. Inspirado en parte por el único encaje hecho en

la isla de Burano (Points in Air) y las maneras en que este material subraya la geografía individual, con todo conectada, de Venecia y de la laguna más grande, Contro Spazio pidió a espectadores no sólo reconsiderar su inmediata relación física con la ciudad, sino contemplar su complicidad en las formas en que la ciudad es representada y consumida. La instalación consistió en 24 mapas callejeros de Venecia, 847 tarjetas perforadas manualmente

(una cantidad que marcó el aumento en el número de turistas - 847.000 - visitando la ciudad entre 2009 y 2013), 424 pegatinas (en inglés e italiano) Que se pueden personalizar, y cientos de carteles (en inglés e italiano) montados en todo el centro histórico de Venecia. Al abrir un diálogo entre el espacio de la calle y el espacio de la galería, los carteles (instalados oficialmente por la ciudad de Venecia),

instruyeron a los transeúntes a visitar la Galería SG, ver la instalación, seleccionar una etiqueta en blanco y personalizarla agregando su Propia interpretación de Venecia. A continuación, se instruyó al público para que regresara a las calles, encontrará uno de los carteles del proyecto y agregaría su calcomanía al cartel.

PROYECTOS REFENCIALES

Conmemorativos Los Angeles Police Departmen Memorial to Faller Officers Locación: Los Angeles Cliente: Los Angeles Police Foundation Diseño: Gensler Los Angeles Equipo de diseño: Rob Jernigan (principal en cargo); Li Wen, David Herjeczki, Philippe Pare, Richard Hammond (diseñadores); Dominick Ricci (diseñadores gráficos); Gary Downer (arquitecto del proyecto); Hae Sun Kim (diseñador de apoyo) Fabricantes: A. Zahner Co. (fabricación de la pared), Italian Marble & Tile Co. (pavimentación de granito) Consultores: Light Group Industries (accesorios), Steve Miggas (artista

tipográfico). Los diseñadores gráficos ambientales son más a menudo llamados a transmitir información concreta en un lenguaje visual de forma y material. Es una tarea rara que les pide que articulen expresiones abstractas como reverencia, solemnidad y conmemoración. El Monumento Conmemorativo de los Oficiales Caídos del Departamento de Policía de Los Ángeles saluda a los que han muerto en el cumplimiento de su deber. El monumento fue solicitado por la Fundación de la Policía de Los Ángeles para ubicarse fuera de la nueva sede policial en el corazón del centro cívico. El presidente de la Fundación, Jim Wyatt, hizo un llamado a su amigo y colega Rob Jernigan, Director Gerente de Gensler Los Ángeles para ver si su estudio diseñaría el monumento en forma pro bono. La respuesta fue un sí.

A través de un proceso inclusivo y colaborativo, el equipo de Gensler determinó que el objetivo del monumento era doble: honrar el sacrificio de oficiales individuales dentro del contexto de la unidad de la policía en su conjunto. Después de una secuencia de ejercicios de diseño y críticas, la idea de un muro articulado compuesto de placas individuales se convirtió en el concepto líder. De lejos, el muro parece ser sólido y sustancial, haciendo eco de la solidaridad y fraternidad de la fuerza. A medida que se acercan los visitantes, surgirá la verdadera naturaleza de la instalación y de la propia fuerza policial: una estrecha constelación de individuos que encarnan la misión de “servir y proteger”.

Más de 2.000 placas de latón sobresalen de ambos lados de la pared en proyecciones aleatorias para crear una composición intrincada y en capas. Cada placa de precisión cortada lleva el nombre y número de placa de un oficial muerto en el cumplimiento de su deber. De las 2.000 placas, 202 fueron grabadas con nombres de oficiales para honrar a los oficiales caídos. El diseño permite añadir nombres adicionales a lo largo del tiempo.

Empty Sky: The New Jersey 9/11 Memorial Firma de diseño: Frederic Schwartz Architects Cliente: State of New Jersey Department of Treasury, Division of Property Management & Construction; Division Ciudad: Liberty State Park, Jersey City, N.J. Àrea del proyecto: 2 acres Fecha de inauguración: Septiembre 2011 Presupuesto del proyecto: $11.5 millones Equipo de diseño: Frederic Schwartz, FAIA (Diseñador a cargo), Jessica Jamroz (socio a cargo). Consultores: Hall Construction Company (contratista general); Ove Arup & Partners Consulting Engineers PC (ingeniero estructural); Arnold Associates, LLC (paisajista); Langan Engineering and Environmental Services Inc. (ingeniería civil y permisos); Fisher Marantz Stone (diseño de iluminación); Tender Creative LLC, Dean DiSimone, Cory Clarke (programador digital); VJ Associates (consultor de costes)

Fabricante: Crystal Metalworks (Fabricación de acero inoxidable, acabado, instalación), Great Lakes Etching & Finishing (stainless steel etching) Las familias de las víctimas de New Jersey, organizaron como la fundación conmemorativa 9/11 de New Jersey y eligieron un sitio de 2.6 acres en el parque para honrar a sus muertos. En junio de 2004, seleccionaron un concepto conmemorativo llamado Cielo Vacío, diseñado por Jessica Jamroz y Frederic Schwartz. Frente al sitio de las torres gemelas a través del río de Hudson, el monumento consta de dos paredes paralelas del acero inoxidable, cada 210 pies de largo por 30 pies de alto. Paneles de acero inoxidable a nivel de los ojos llevan los nombres de las 476 víctimas de Nueva Jersey en orden aleatorio. Para enmarcar el Cielo Vacío de su título, el pasillo formado por estas paredes dibuja el ojo, co mo una perspectiva diagramática

de un punto, a la cavidad en el horizonte de Manhattan donde las torres gemelas se levantaron una vez. El sitio y su orientación hacia las torres fue el punto de partida para el diseño. Jamroz, Schwartz y el socio de diseño gráfico Alexander Isley querían que los nombres en el memorial fueran lo más grandes posible. En una altura final de la tapa de 3.6 pulgadas, pueden ser los más grandes encontrados en un monumento civil. Isley eligió ITC Bodoni 12 por sus potentes verticales y serifas redondeadas, su capacidad para suavizar el frío acero inoxidable y su contraste y legibilidad. Al atardecer y al amanecer, el monumento está iluminado por un dramático halo de luz que toca cada nombre, elevando las paredes de un estudio en grises a una sagrada interacción de luz.

Concientización Immigration-Themed Valentine’s Day Heart Erected in Times Square El diseño ganador de la Oficina de Investigación Creativa para el 2017 Times Square Valentine Heart Design Competition, We Were Strangers Once Too, se ha inaugurado oficialmente en el Times Square de Nueva York. Una celebración de la cultura inmigrante rica de la ciudad de Nueva York, la escultura toma la forma de 33 postes del metal inscritos con los orígenes de residentes extranjeros-llevados de NYC. Mientras que los visitantes viajan alrededor de la escultura, los bloques rojos y rosados se unen para crear un corazón icónico de la tarjeta del día de San Valentín. “We Were Strangers Once Too”, titulado después del discurso del presidente Obama sobre la inmigración en 2014, es una escultura de datos públicos que destaca el papel que los inmigrantes han desempeñado en la fundación, el desarrollo y la vitalidad continua de la ciudad de Nueva York “, explican Times Square Arts . “Concebido como un objeto visual llamativo y como un punto de diálogo y conversación, We Were Strangers Once también defiende el valor de la diversidad en la ciudad, y específicamente las poblaciones inmigrantes de la ciudad, nuevas y viejas, en un momento en que están cada vez más bajo cerco.” “Ahora más que nunca los neoyorquinos necesitan ponerse de pie y decir que estamos orgullosos de vivir en una ciudad de inmigrantes”, agrega la Oficina de Investigación Creativa. “We Were Strangers Once Too es nuestra manera de reconocer y decir gracias a las diversas comunidades de Nueva York por sus muchas contribuciones históricamente, actualmente y en el futuro”.

Cascading Book-Alicia Martin Alicia Martin dispara una cascada de libros por una ventana como un chorro de agua de un tubo gigante. Esta instalación escultórica hecha por la artista española se ubicó en Madrid. Este trabajo es una cabalgata de libros que fluyen del lado de un edificio. Para realizar cada una de sus “cascadas de papel y palabras”, Martin utiliza unos 5.000 libros que se pegan a estructuras metálicas que actúan como un esqueleto. Resultado: libros estallando ventanas, libros que muestran vida, que parecen decirnos “carajo leannos, no queremos estar encerrados en librerías y bibliotecas pudriéndonos”. El vórtice de la literatura desafía la gravedad y llama la atención con su tamaño con gran impacto visual. Las estructuras gigantescas dan vida a objetos inanimados llenos de conocimiento. Construyendo torres curvas con un exterior bastante libre y desaliñado, manteniendo un núcleo sólido y estable, las páginas sueltas de los libros son libres de soplar el susurro en el viento, dándole a la instalación un alma adicional. Totalmente divertido y fascinante, el trabajo nos da tiempo para pensar sobre el significado que el libro tiene en nuestra cultura e historia.

The Context of Consumption Firma de diseño: Sarah M. Kirchoff (gerente del proyecto) Cliente: Rochester Institute of Technology Graphic Design MFA Program Ciudad: Rochester, N.Y. Fecha de inauguración: 2008 Consultores: Alex Bitterman (profesor asociado, diseñador de tesis asociado), Therese Mulligan (profesor / Escuela de Artes y Ciencias Fotográficas, asesor de tesis asociado) Fabricante: Sarah M. Kirchoff, The Print and Postal Hub at RIT (impresión) Los botes de basura son a menudo el centro de la contaminación en un nivel individual. Este conjunto de tres instalaciones buscó aumentar la conciencia del espectador sobre este objeto funcional a menudo pasado por alto y llamar la atención sobre los problemas de consumo y contaminación individual y de toda la sociedad. Para el Día de la Tierra del 2008, Kirchoff eligió tres latas de basura existentes en los colegios de antiguos alumnos del Instituto de Tecnología de Rochester. Cada instalación interactuó con el sitio / contexto / entorno de manera significativa e inesperada, atrayendo la atención del espectador y reforzando así el potencial para comprender tres estadísticas ambientales diferentes de la Agencia de Protección Ambiental de los Estados Unidos.

Cultura Please Take One Para el Festival de Krishna en agosto de 2002, los representantes del movimiento Hare Krishna en Nueva York querían proporcionar una manera de comunicar la filosofía védica de una forma barata (hasta $ 300) pero atractiva. El mosaico era un tablero que consistía en 1800 Post-it en varios colores lanzados recientemente por 3M. La imagen era un primer plano de los ojos de Krishna, la personificación de Dios en la cultura védica tradicional, basada en una foto de las deidades de uno de los principales templos de Imphal, Manipur, India. Las notas se imprimieron con citas de las obras maestras filosóficas de la literatura védica, creando una pared de pensamientos espirituales para ser notados, leídos y tomados por los transeúntes. Piotr Adamski escribió “Please Take One” en un cartel de cartón, y el mensaje funcionó. En una tarde soleada, más de la mitad de las 1800 notas fueron notadas, leídas y tomadas. El objetivo fue alcanzado: la sabiduría védica fue absorbida y transmitida a un grupo de personas por lo demás inalcanzable. Teniendo en cuenta la corta vida de los festivales, el proyecto fue construido deliberadamente para ser destruido, desaparecido y llevado en pequeños trozos. La obra de arte fue sacrificada como un todo con el fin de extender la existencia de su mensaje.

We Build The ________ City Firma de diseño: New York City Department of Design and Construction, Office of Creative Services Cliente: New York City Department of Design and Construction Ciudad: New York Área del proyecto: 8x10-ft. cabina de exhibición Inauguración: Mayo 2013 Presupuesto del proyecto: $2,000 Equipo de diseño: Kate Howe (design lead), Victoria Milne (director creativo, escrito), Julio Foronda (producción 3D), Xenia Diente (enlace externo), Helena Lee (producción de imprenta).

En el 2013, el Departamento de Diseño y Construcción de la Ciudad de Nueva York participó en el Festival de Ciudad de Ideas del Nuevo Museo, y quiso comunicar los beneficios de su trabajo directamente al público. La Oficina de Servicios Creativos de la DDC concibió un “Paseo a pie por los valores cívicos” de una variedad de proyectos de la DDC en las inmediaciones del Nuevo Museo. Los proyectos representaron una gama de trabajo -desde comisarías y casas de bomberos hasta infraestructura, hasta proyectos de construcción culturaldemostrando el ecosistema de servicios y cultura proporcionado por la ciudad incrustado en el entorno.

El equipo interno identificó un valor cívico compartido para cada uno de estos proyectos -la ciudad segura, la ciudad creativa, la ciudad saludable, etc.- que demuestran las nobles ideas que los proyectos de construcción concretos dan vida. También dimos a los visitantes del stand la oportunidad de registrar sus valores cívicos y qué tipo de ciudad les gustaría construir. La gente llenó el espacio en blanco en las notas de post-it impresas con el tema “We Build the ________ City” del evento, y al final del día el stand fue cubierto con un impresionante collage de valores civiles generados por los ciudadanos.

Debido a que el evento tuvo que ser configurado y retirado en un día, el equipo enfocó el diseño alrededor del letrero de construcción de rayas naranjas reflectantes. Reutilizamos barreras a rayas en la señalización con la adición de letras de vinilo, globos y carteles de gran tamaño. Los voluntarios llevaban camisetas a juego para completar el paquete. La uniformidad del diseño se destacó del tejido urbano, y vinculó todos los puntos turísticos distribuidos con el stand principal en el corazón del festival. Fue galardonada con el premio inaugural Sylvia Harris, el reconocimiento anual de SEGD por un proyecto que aborda la accesibilidad de diseño y mejora de la comunicación para proyectos en el ámbito público.

Inspiracionales Diamond Inside - Boamistura Ciudad del Cabo, Sudáfrica. 2011 Inspirados por el rápido proceso de cambio que vivía el país, la positiva huella de Mandela y la actitud constructiva de la mayor parte de la población, se concibió una serie de grandes iconos acompañados por mensajes inspiradores. Tramas africanas y color. “Pequeñas acciones pueden dar lugar a grandes cambios”. África es el lugar donde se conserva el verdadero pulso. El corazón del mundo. Y encierra un diamante dentro, como cada una de las personas que conocieron. Para recordar que todos podemos deslumbrar como seres humanos hicieron este mural.

Pelea por tus sueños Boamistura Un puño como símbolo de la lucha que cada uno debe emprender por cumplir sus sueños. “Si tu tienes un sueño persíguelo. Peléalo y peléalo hasta conseguirlo. Porque las únicas batallas perdidas son las que no se libran.”

Mis Raíces-Boamistura La Habana, Cuba. 2015 Mi raíz es / mi / vida-madre. No hay otro poema como “No sé” de Samuel Feijoo para expresar de una forma tan impactante las raíces del pueblo cubano. Agua, roca y sol definen un lugar y una pertenencia. Se planteó un proyecto a escala de comunidad tocando puntualmente veinticinco lugares del barrio. Uno por cada verso del poema de Feijoo. Conectando a las personas a través de vínculos invisibles. Partes que no se pueden entender de manera independiente sino en su conjunto, porque formamos parte de un todo.

Revalorización de Espacios

Somos Luz - Boamistura Ciudad de Panamá, Panamá. 2013 Somos Luz es el mensaje con el que se intervino, ayudados por los propios vecinos, las 50 viviendas del edificio Begonia I en el barrio de El Chorrillo. La escala de la obra (más de 2000m2 pintados) permite que sea habitada, cambiando a cada instante por la interacción con ella. No se trata sólo de la fachada, los corredores y núcleos de escaleras han sido también intervenidos, convertidos así en abstractas composiciones de color que cobran vida con la ropa tendida o cuando alguien se asoma al balcón.

06 REPRESENTANTES

Lorenzo Quinn Italia, 1966 El artista italiano contemporáneo Lorenzo Quinn es un escultor figurativo de vanguardia, cuyo trabajo está inspirado en maestros como Miguel Ángel, Bernini y Rodin. Su obra se ha expuesto en todo el mundo y tanto su arte monumental público como sus piezas más pequeñas e íntimas transmiten su pasión por los valores eternos y las emociones auténticas. Por lo que mejor se le conoce es por sus recreaciones expresivas de manos humanas. “Yo quería esculpir la que se considera la parte más

difícil y más compleja del cuerpo humano a nivel técnico”, afirma. “La mano tiene tanto poder: el poder de amar, odiar, crear, destruir.” El trabajo de Quinn forma parte de muchas colecciones privadas de todo el mundo y ha sido expuesto internacionalmente durante los últimos 20 años. 01. Mine Not Mine. 02. Support. 03. Árbol de a vida. 04. This is Not a Game.

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Clifford SelbertSerbert Perkins Design Los Ángeles, CA Educado como Arquitecto Paisajista en la Escuela de Diseño de Rhode Island y expandiendo sus talentos para abarcar el diseño gráfico, diseño de productos y comunicaciones ambientales, Clifford Selbert ha desarrollado con éxito un enfoque multidisciplinario para el diseño y su proceso, basado en marketing estratégico. Es un ex miembro del consejo y miembro actual de la Society for Environmental Graphic Design. Conferencista respetado que ha aparecido ante audiencias en la Escuela de Graduados de Diseño

de Harvard, el Centro de Diseño de Boston y el Centro de Arquitectura de Boston, anfitrión de numerosas excursiones estudiantiles de la Escuela de Arte y Diseño de Nueva Inglaterra, SUNY Purchase y Carnegie Mellon. Ha servido como juez para concursos de diseño en el SEGD, Artes de la Comunicación, y el Connecticut Art Directors Club. Clifford Selbert ha sido galardonado con el “Business of Design Award” de la Rhode Island School of Design. 01. Northeastern University. 02. Rockville Town Square. 03. Beijing Daxing Distric. 04. University Park at Mit.

03 04 65

Samuel Stubblefiel Es un diseñador interesado en cómo el arte, la arquitectura y la tecnología digital influyen en la cultura. Alentando el pensamiento abstracto y los métodos de diseño de experiencia dentro de los equipos de diseño, ha desarrollado y ejecutado con éxito varias exposiciones permanentes, programas de diseño gráfico ambiental, espacios didácticos y entornos inmersivos. Él también ha mezclado la película, el sonido y los medios mezclados en una serie de proyectos arquitectónicos. Este trabajo ha contribuido a proyectos que han ganado varios Premios AIA de Honor, Premios de la Asociación Internacional de Diseño de

Interiores, Premio de Oro MOBIUS, Premio de Honor a la Sociedad por el Diseño Gráfico Experiencial y Premio Internacional de Cannes Lions. Sam Stubblefield ha sido comisionado para crear arte público a gran escala, es co-fundador de una incubadora centrada en el futuro con un interés en la integración arquitectónica de arte e internet y habla a nivel mundial sobre temas relacionados. 01. Bungees. 02. Seattle City Light. 03. Fuild Wall.

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Nik Hafermaas Es un artista, diseñador y líder educativo premiado internacionalmente. Su plataforma de artistas basada en Los Ángeles Ueberall concibe y produce instalaciones de arte basadas en datos que convergen los medios digitales y las experiencias espaciales.

barreras tradicionales que separan diseñador, artista y curador. Implica trabajar a través de los medios emergentes y tradicionales, desde la visualización de datos hasta las experiencias espaciales, para crear un mensaje emocionalmente resonante.

Como director del Departamento de Diseño Gráfico en el Centro de Arte del Centro de Diseño de renombre mundial, dirigiendo una facultad de más de 40 diseñadores profesionales y 300 estudiantes, Nik Hafermaas ha creado un nuevo plan de estudios, fusionando impresión y embalaje, diseño de movimiento e interacción en Diseño Transmedia. Este innovador programa está arrasando las

Como ex director y director creativo de Triad Berlin, Nik Hafermaas y sus dos socios formaron una de las principales firmas de diseño de Alemania. Su equipo creó pabellones para la Expo Mundial 2000 y para la Expo02, Expo2000 y Swiss Expo02.

01. AirFIELD. 02. e°Flow 03. Dazzle.

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Karen Watkins Diseñadora de comunicaciones visuales multidisciplinaria y fuerte, se conecta con el público a través de soluciones impresas dinámicas, interactivas y ambientales para museos, escuelas y una variedad de instituciones culturales y sin fines de lucro. Una abogada de aprendizaje a lo largo de la vida, Karen Watkins recientemente completó su MFA en Diseño Gráfico e Interactivo en la Escuela de Arte Tyler en la Universidad de Temple. Su proyecto de tesis, “Me Too” fue una instalación pública que obtuvo un SEGD 2016 Global Design Student Merit Award.

Karen Watkins es instructora adjunta de diseño gráfico con especial énfasis en el desarrollo de la marca multiplataforma y el diseño de experiencias. 01. Me Too. 02. Get Liberated

Molly Zakrajsek Sus ilustraciones juguetonas, personajes extravagantes y patrones personalizados interactúan juntos en un país de las maravillas vibrante y colorido. Como artista, elige imágenes que hablan de crecimiento, transformación y vitalidad en la vida, a menudo utilizando la naturaleza como metáfora al explorar estos temas, como un pájaro en vuelo, un sol brillante o una flor en flor. Las composiciones acabadas combinan la simbología de la naturaleza con el elaborado trabajo en línea, las capas, las texturas, los patrones y los colores.

de hacer arte hermoso que afecta a nuestra vida cotidiana. Esta idea de permanencia y experiencia le dio a su obra un propósito más profundo, transformar lugares enteros, llenar espacios de personas con obras de artes reflexivas, inspiradoras y duraderas.

Molly Z. trabajó muchos años como ilustradora digital detallado, contratando con agencias, fabricantes de productos y muchos clientes diferentes, siempre buscando una manera

01. Chicago Cta Mural. 02. Chicago Metra Mural. 03. Springer Center Mural. 04. Zipcar.

Trabaja con diseñadores, arquitectos, planificadores, museos, minoristas, iglesias y escuelas para crear ilustraciones a gran escala, murales pintados a mano y experiencias y actuaciones artísticas colaborativas.

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Garry Emery Conocido por su compromiso con la excelencia, las mejores prácticas empresariales y la dedicación a las ideas y el diseño experimental multidisciplinario realizado como comunicaciones persuasivas sobresalientes. Es un diseñador gráfico autodidacta. Sus logros han sido reconocidos por un doctorado honorario de RMIT University y un bachiller honorario de Artes de la Sydney Graphics College. Es profesor adjunto en la Universidad RMIT y en la Universidad Deakin. La contribución de Garry Emery a la arquitectura y al urbanismo le ha valido el Premio del Presidente del Royal Australian Institute of

Architects. Es miembro de la prestigiosa Alliance Graphique Internationale. Emerystudio tiene su sede en Melbourne, pero opera en Australia, Asia, Oriente Medio y el Reino Unido desarrollando la identidad corporativa y de marca, las comunicaciones corporativas, los gráficos en movimiento, las exposiciones y el diseño gráfico ambiental de la escala de edificios a las ciudades. 01. City Museum. 02. Melbourne Docklards. 03. Nativity. 04. Eureka Carpark.

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Kristine Matthews Propietaria y directora de Studio Matthews, establecida en 2008 y especializada en el diseño sostenible de exposiciones, instalaciones y proyectos de impresión. Ella es la ex directora de thomas.matthews, el estudio que co-fundó en 1998 en Londres y dirigió durante diez años con Sophie Thomas. Entre los clientes de Estados Unidos, Europa y Asia figuran la Fundación Bill & Melinda Gates, el Museo EMP, el Museo de Historia e Industria de Seattle, los Juegos Olímpicos de Londres 2012, el Museo Marítimo Nacional de Londres, el Parque húmedo de Hong Kong y la UK Architecture Foundation. Su obra premiada ha sido publicada en todo el mundo. Kristine Matthews es también

Profesora Asociada de Diseño y Presidenta del programa de Diseño de Comunicación Visual en la Universidad de Washington en Seattle. La práctica profesional con la educación, su curso de diseño de exposición avanzado crea diseño de vanguardia en el medio ambiente con un enfoque en el compromiso de la audiencia y la sostenibilidad. Kristine Matthews tiene un BFA en Diseño de Comunicación Visual de la Universidad de Washington y una MFA en Diseño Gráfico del Royal College of Art de Londres. 01. Aldgate Pedestrian Subways. 02. Change Elevator. 03. No Shop. 04. VeloCity.

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Greg Neely “Se trata de crear una experiencia de audiencia convincente y memorable”. Greg Neely es director fundador de Forge Design en Toronto, Ontario, la cual es una empresa de diseño multidisciplinaria que se especializa en branding y diseño experimental, incluyendo Web, Mobile, Environmental Graphics, Signage y Wayfinding, entornos dinámicos, instalaciones de medios digitales, contenido interactivo y exposiciones.

Greg Neely es graduado del Programa de Diseño de la Universidad de York y ha trabajado durante más de quince años diseñando, desarrollando, administrando e implementando soluciones de comunicación visual altamente integradas que abarcan todo el espectro del diseño y los medios de comunicación. En el estudio, Greg lidera los equipos de Diseño Ambiental Gráfico y Ambientes Dinámicos. 01. Downsview Complex. 02. Responsible Gambling Council. 03. Holodomor Mobile Classroom.

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07 GLOSARIO

Área de Asistencia de Rescate Area of Rescue Assistance

Es un lugar seguro, por lo general en un edificio de gran altura, donde personas con discapacidad física o discapacitados deben esperar la asistencia en caso de emergencia.

Señalización Arquitectónica Architectural Signage

Es un término que fue acuñado en la década de 1960 para identificar las comunicaciones visuales y el modo de encontrar información en el entorno construido. Por lo tanto, es una mejora física en un edificio o un espacio con el propósito de identificar o comunicar información.

Cobertura Coverage

El área (generalmente dada en pulgadas cuadradas o pies) que se cubrirá en un material dado. Por ejemplo, un litro de pintura proporcionará cobertura para 100 pies cuadrados.

ASLA

Fabricar

Sociedad Americana de Arquitectos Paisajistas.

Fabricate

Creación de un signo principal de componentes de materias primas o partes. Los pasos comunes en el proceso de fabricación incluyen, pero no se limitan a, corte, soldadura, rectificado, mecanizado, remachado, curvado, laminado, lijado, pulido, enrutamiento, corte por chorro de agua, corte por láser, grabado, pintura, etc.

Revestimiento Cladding

Una fachada o cubierta decorativa añadida a un poste o base de señal existente, instalada después de que el resto del letrero esté construido.

Recubrimiento Coating

Proceso de aplicar una película protectora a una señal. El recubrimiento incluye actividades tan diversas como la aplicación de una capa de barniz sobre una hoja de oro para laminar vinilo transparente sobre un gráfico producido digitalmente.

Raspado de soldadura Fillet weld

Soldadura en el interior de la intersección de dos superficies metálicas que se encuentran en ángulo recto a otro.

Interactivo Interactive

Relativo a un sistema electrónico o de comunicaciones bidireccional en el que la respuesta es directa y continua. Las pantallas interactivas incorporan una pantalla táctil, botones o teclado para generar una señal que active una visualización de información. También se utiliza para describir actividad no técnica, como cuando una acción del usuario de la exposición es recompensada con una exposición.

Permiso Permit

Licencia concedida por las autoridades competentes para permitir la construcción en un espacio público.

Monolito Monolith

Un cuerpo de piedra, de hormigón liso o reforzado, fundido o erigido como una sola pieza integral o estructura.

Underwriters Laboratory UL

Organización privada que prueba/testea aparatos electrónicos, su construcción y certifica que es seguro.

Cuentas de tráfico Traffic Count

Es el número estimado de personas que verán un afiche/señal/cartel en un determinado periodo de tiempo. Tráfico es comúnmente asociado con el número de vehículos pasando por una locación en un dia.

Cubierta de servicio Service Cover

En un gabinete de electricidad, un panel que permite el acceso de lectura a las lámparas, bombillas y las conexiones eléctricas para su mantenimiento y reemplazo.

O.S.H.A

Occupational Safety and Health Administration Division gubernamental responsable del monitoreo y cumplimiento de las leyes asociadas a la seguridad en el espacio de trabajo.

Memorial sign Cartel o placa informativa con el nombre del edificio o estructura, cuándo se construyó y por quién.

Momento de conexión Moment connection

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Una conexión entre dos elementos estructurales que es altamente resistente a la rotación entre ellos, a diferencia de una conexión de pasador que permite la rotación.

Costura Seam

Una línea formada por la unión de dos piezas separadas que pueden ser o no del mismo material en los bordes, como madera, metal o plástico.

Serpentina Streamer

Un banner largo y estrecho en el interior o ventanas.

Moiré Un patrón de interferencia creado por la superposición de dos patrones regulares. En la serigrafía, el patrón indeseable en semitonos causado por ángulos de pantalla incorrectos.

08 BIBLIOGRAFÍA

Instalaciones Públicas

https://segd.org/explore/public-installation

El Arte de la Instalación

https://en.wikipedia.org/wiki/Installation_art

Diseño Gráfico Experiencial

https://segd.org/sites/default/files/SEGD_What_Is_XGD_ LowRes.pdf

Diseño Gráfico Ambiental

https://segd.org/article/what-environmental-graphicdesign-egd

Wayfinding

https://segd.org/what-wayfinding

Entornos de Marca

https://en.wikipedia.org/wiki/Branded_environment

SEGD

https://segd.org/what-we-do

Glosario

https://segd.org/sites/default/files/EGDGlossary_0.pdf

PlaceMaking & Identity

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Premios Anuales Merti Award 2016 https://segd.org/saic-leroy-neiman-center-donorrecognition https://segd.org/revolution-landscape-re-experiencehalprin-fountains-0 https://segd.org/101-collins-street Honor Award https://segd.org/ku-design-week-2016 https://segd.org/contro-spazio-punti-aria

Proyectos Referenciales

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Representantes

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