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LEIRY SERÓN
MOISÉS SOSA
MADELLINE SEVILLA
editora en jefe
director creativo
jefe de redacción
because everyone else is boring,
THE SCIENC
NIKKI RODRÍGUEZ
M . S E V I L L A , D. C Á L I X
MOISÉS SOSA
LEIRY SERÓN
M . S O S A , D.
fotografía
diseño editorial
redacción
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CE OF SLEEP
Para ventas, distribución y compra de espacios publicitarios // sakuseimag@gmail.com -
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‘’Me gusta coleccionar momentos, soy un vacío que se llena de ellos para luego intentar recrearlos con un twist. Soy algo así como una máquina procesadora’’. y lo desconocido. En esa etapa recuerda dejar de buscar para empezar a recibir, abiertamente y sin expectativa alguna, lo que la vida en sus distintas escenas tenía para ofrecer. Durante ese período vino la escritura, escribía mucho en el colegio, según él nada realmente bueno, pero siempre participaba en los concursos de literatura de su escuela. Más adelante, durante un viaje a Nueva York, tuvo la oportunidad de llevar un curso de D. estudió su pregrado en Comunicación en escritura en el que tenía que escribir algo-cualUNITEC. Para el 2010 se mudó a España, donde quier cosa-todos los días, como una especie de estudió un Máster en Grabación y Producción de diario libre. Sonido. Luego de dos años, regresó a Honduras a finales de 2012 con la idea de trabajar en dife- --rentes proyectos. A pesar de considerarse solamente una persona más tratando de hacer las cosas que le gustan, D. es una persona que encierra diferentes proyectos multidisciplinarios de forma autodidacta, sus intereses van conjugándose con todas las arte visuales, en donde se ha visto experimentando con la fotografía, la escritura y la música.
Inquieto, curioso y con sed de conocer las respuestas a todas las preguntas cósmicas y existenciales, no fue hasta el final de su adolescencia que D. aprendió a sentirse cómodo con la duda
I’m a normal kid. Regular. Upside down. Almost there. Not quite. What am I supposed to do, anyway? I don’t believe in destiny. She sat next to me and asked what my name was. I said sorry I can’t say it. Well why not? I don’t believe in names. Not mine.
Woolly, 2012 ---
I’m too blurry to bear a name. Woolly. Almost there. Not quite.
La mayoría de los relatos de D. son en inglés, con una especie de deformación de la realidad- la suya al menos. En ese sentido disfruta de la escritura pues es un proceso que altera la realidad, haciendo de ella una actividad fantasiosa, agregando elementos o significados a escenarios y momentos vividos, para sentir al final del día todas esas otras posibilidades. La existencia de otros caminos, todo lo que es como pudo haber sido diferente. “Me gusta estar consciente de eso”. Darkness covers the remaining bits of who I was. Like a thick black liquid. And it goes deeper, way deeper. It’s not only me I want to forget, it’s you, too. It’s them. It’s everything we’ve done collectively. Society. I want to forget what we’ve built: this big mess. I want to forget the rules. The Art Of Forgetting Part II, 2012 Introvertido y observador, durante una fuerte temporada de viajes y cambios constantes, se adentró en la fotografía para buscar en lo cotidiano, un pequeño punto extraordinario. Para el 2011, D. se dedicaba a coleccionar los colores, las situaciones, personajes y luchas universales que le rodeaban, utilizando la fotografía como su medio predilecto. “Me conseguí una cámara de film en los tiempos de la fotografía digital para andar cada vez que tenía la oportunidad de viajar. El hecho de tener un número limitado de fotos disponibles puede ser beneficioso para desarrollar un buen ojo, cada foto tiene que valer. Con el tiempo fui aprendiendo mucho más y experimentando con distintos formatos de película.” Con la fotografía intenta ser vago, que la imagen no revele la situación capturada y es justamente esa su meta al final de cada toma; guardar un secreto o mejor dicho, un misterio. Su fotografía es del día a día, nada planeado, los sujetos suelen ser personas en situaciones que desconoce completamente— ¿A dónde van? ¿Qué están pensando? ¿Qué sentían en ese momento? Incluso intenta evitar rostros para impedir pistas que puedan revelar algo de la historia, como expresiones que puedan revelar algún estado emocional, pues no intenta capturar historias, no hace fotografía documental, sino escenas sin guión. Cada quien deberá imaginar y readaptar la historia si se le quiere sacar algún tipo de significado o sentido
a la fotografía, para que al final de todo dejés de buscar respuestas y te quedés con el primer sentimiento. D. actualmente trabaja exclusivamente con cámaras análogas, y aunque no tiene nada contra las tecnologías digitales ni mucho menos, encuentra que la estética de una fotografía análoga suma mucho más a lo que desea transmitir. Una fotografía sacada con un lente de plástico en film granulado revela mucho menos información de una escena que una imagen en alta definición y resolución. Junto con la fotografía, vino la música, de la cual irónicamente pensó que sería lo que menos podría hacer y resulta que es lo que más hace hoy en día. Y aunque nunca se había considerado técnicamente dotado para tocar algún instrumento, nunca dejó de lado el hecho de poder hacerla un día. Para D., la música le ha servido para introducirlo en el verdadero mundo en que vivimos. Uno de los proyectos en los que se encuentra trabajando es Blue Like Ocean, una banda experimental local, en la que aparte de formar parte de la banda, es también productor del proyecto, mismo que se espera su lanzamiento durante este año. Su otro proyecto aún permanece sin nombre, pero además de ser un proyecto musical quiere aprovecharlo para explorar otras ramas artísticas, utilizando el medio audiovisual. “Creo que es el medio perfecto para eso, puesto que te da esa oportunidad única de contar historias a través de fotografías y sonido. Es un medio muy completo.” D. encuentra en cada persona, situación o medio expresivo, una forma metafórica de inspiración. Puede ser con cualquiera y donde sea. Musicalmente, si algo le gusta lo escucha una y otra vez poniendo atención a cada detalle, elemento, a cada recurso utilizado, despertando con eso las ganas de emplear técnicas similares a lo que hace. Para dar ejemplos puntuales, durante estos últimos días ha estado estudiando mucho a Drake y en literatura gusta mucho de J.D. Salinger y Jonathan Safran Foer. Además de la fotografía, la música y la literatura, D. disfruta estar en la naturaleza, de crear retratos sensibles y experimentales a través de la pintura. Aparte disfruta del buen rap y las buenas conversaciones sobre cine, filosofía y política. Asimismo disfruta ser un buen chef de la cocina vegana. Podés ver sus fotografías aquí the-sea.tumblr.com/
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A pesar de la poca recepción y la falta de apoyo en el desarrollo del arte local, durante la última mitad de la década, que la producción artística del país se ha visto rica en ideas, poseyendo diferentes aptitudes muy alentadoras. Como versión dialéctica de la realidad humana y social; la cultura estética de Honduras (así como para el resto de Latinoamérica) viene a ser un producto ambiental con sus singularidades e historias. Lo ideal es la formulación de alternativas hacia las dificultades locales y buscar la satisfacción colectiva, cosa que para Medrano, no es tarea difícil. Enrique Medrano es un escritor y director de cine graduado de la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños, Cuba (EICTV), especializándose en Dirección. Previamente estudió Literatura Comparada y Teatro en la Universidad de Puerto Rico. Ha realizado varios cortometrajes tanto como director y como guionista, los cuales han sido seleccionados en diferentes festivales internacionales de cine, dicho esfuerzo le valió el premio Distribuidor Freak con su trabajo “De lo que no hablan los muertos” en el Notodofilmfest en Ju-
lio del 2012, y su cortometraje “Memoria de la lluvia” ganó el premio a Mejor Cortometraje en el Festival de Cine Hayah en Panamá. También ha desfilado en diferentes festivales en diferentes partes del mundo. Actualmente se encuentra realizando “Las Cartas de Carmelo” y “Días Sin Luz” junto con otros 6 cineastas latinoamericanos y la post-producción del largometraje “El Desconocido”. Enrique nacido en Nueva York, creció en Honduras, en su mini autobiografía comenta que desde pequeño -desde incluso antes de nacer- ha sido un nómada. Con el andar de los años, los miles de transeúntes, y lo agobiante de la ciudad más poblada de Estados Unidos, regresaría a Honduras hasta los 18 años, cuando se muda de nuevo al Norte y empieza a darle el sentido de la poética a su vida. “No me imaginé mientras volaba en el avión sobre Nueva York, que los edificios no rascaban el cielo como se dice, que su gente parecía bacterias chocando, vociferando bajo el movimiento de una orquesta invisible; que el Empire State no era tan grande ni que las torres gemelas me marearían y caerían.” Desde muy joven tuvo pasión por la literatura, componía poemas y pequeños relatos, más tarde, a un par de meses de estadía en Estados Unidos, emprendería nuevo rumbo hacia Puerto Rico, donde pasó más de 7 años estudiando Literatura Comparada y Drama, en donde reforzó sus es-
fuerzos de escritor y poeta. Más tarde, siempre con el espíritu de viajante, se iría de Puerto Rico a Cuba a estudiar Dirección de cine. Fue en Cuba donde exploró su habilidad de contar historias a través de la imagen, jugando con la estética poética, no solo en el guión, sino con los elementos visuales que le rodeaban. Dentro de cada trabajo de Medrano, hay docenas de pequeños escarceos - con un realismo fantástico similar a los cuentos de Borges y un tanto incluso a las novelas de Murakami; una mezcla de conflictos humanos, tanto de forma emocional como el humano en sociedad y sus relaciones interpersonales fuera de la vista normal. Desde sus primeros trabajos elaborados en su estancia en la escuela de cine en Cuba, se puede notar la fuerza en que sus historias son contadas; uno de los cortos que más me impactó, tanto en su guión, como la estructura de sus planos, fue Montaña Blanca, en el cuál cuenta la historia de un fotógrafo y el punto de vista de la vida de un viejo comparado con la suya, la discrepancia de los acontecimientos y las pocas similitudes que existen entre una vida y la otra, reconociendo al final que la imagen de ambos
individuos para hacerla real debe dejar de contar una ficción. Así como “Montaña Blanca”, otros trabajos de Enrique Medrano tienen una forma bastante particular de contar una historia, que se podrían comparar sin ningún problema con trabajos de cineastas como Juan José Campanella, Alejandro González Iñárritu, Tomás G. Álea o Pablo Larraín, donde las emociones y la realidad social se mezclan de forma fantástica o no tan fantástica, ya que la realidad de cada personaje se vive en cada trabajo e incluso, nos podríamos fácilmente relacionar o encontrar esa empatía tan vivida en ellos. En “Memoria de los Peces”, se pueden observar los detalles puestos de forma minuciosa, con una sensación de soledad inminente, la rutina diaria de una de mujer de mediana edad cuyas tareas incluyen hacer la cama, cocinar, darle de comer a sus peces, girando el truco ocasional en su enorme sobriedad, sin darse cuenta de la rutina en la que vive hasta que algo empieza a aparecer cada noche. El cortometraje parece simple, pero abarca todo un mundo. Memoria de los Peces es un sorprendente y convincente experimento de la soledad humana y el tiempo.
Enrique Medrano nos muestra en cada porción de su trabajo, el contenido literario rico en ideas que presenta y los guiones realizados con rotundo detenimiento en los detalles, donde la carencia de palabras es fuertemente compensada con las imágenes. Actualmente Medrano se encuentra en post-producción de “El Desconocido”, su primer largometraje justo con “Las Cartas de Carmelo” su primera película hecha en el país y pronto empezaría la producción de “Días Sin Luz”, con un equipo integrado por cineastas de Guatemala, El Salvador, Honduras, Nicaragua, Costa Rica y Panamá. Un film de creación colectiva, con historias que se entrelazan, filmadas de forma experimental a modo de relato en cada país de Centroamérica con el apoyo brindado por CINERGIA. En Días Sin luz un misterioso apagón deja sin luz a toda Centroamérica y durante esos días diferentes acontecimientos suceden, los diversos personajes de cada uno de los países se embarcan en una historia que los lleva a enfrentarse consigo mismos y su pasado, desfilando entre la ruralidad y el consumismo de Centroamérica.
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redacción
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fotografía
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“Como recomendación, hay que pedir permiso primero” -Me contesta Astrid después de que le he enviado una captura de pantalla de nuestra llamada vía Skype. Su nombre es Astrid Pinel, una hondureña de tiene 21 años con un increíble parecido a Jennifer Dicen por ahí que es de Choluteca, que su madre Connelly, vive en San José, Costa Rica desde hace la peinaba como Pebbles de Los Picapiedra, que cuatro años. Dejó el país para estudiar la Licenciprefería bocetar en sus cuadernos que entab- atura de Animación Digital en la Universidad de lar relación con sus compañeros de clase, y que Veritas y desde entonces ha trabajado diseñando cuando visita a su abuela en Choluteca no sale de personajes para videojuegos y cortometrajes ansu casa para nada. imados, también tiene un premio en el Festival ¡En fin! se dicen muchas cosas sobre alguien que de Cine COR3: Official Selection of Green Short dejó el país hace 4 años. Category. Forma parte de High Select Models Management en Costa Rica, ha tenido apari“¿Quién te ha dicho todo eso sobre mí? Contame” ciones en televisión y su rostro ha sido publicado Me dice Astrid y yo le contesto que hice mi tar- en tres revistas, dos de ellas en la portada. ea, que investigué sobre ella antes de entrevistarla y que llevo meses queriendo hacerlo, pero no le “Desde pequeña siempre quise estudiar anidigo quién me ha dicho cada una de esas cosas, mación digital y en Honduras no existe esta ya sabes lo que dicen: “Se dice el pecado, no el carrera como en grado de licenciatura, vi que la pecador.” mejor opción era Costa Rica porque me interesó mucho el perfil de egresados, la universidad es la cuarta mejor universidad de animación en Latinoamérica y decidí tomarlo en cuenta por la cercanía a mi país natal.”
Pero este no ha sido el único proceso de adaptación que Astrid ha tenido que sufrir, pues cuando estaba pequeña se mudó de la pacífica y calurosa ciudad de Choluteca, a la ruidosa y saturada Tegucigalpa, donde no tenía nada en común con ningunos de sus compañeros de clase. “Fue más difícil adaptarme, yo estaba en cuarto grado y a mí me encantaba Digimon, estaba obsesionada, pero en mi nueva escuela los niños estaban interesados en otras cosas como ‘Pizza Party’. En ese tiempo eras cool cuando te dejaban salir hasta las diez de la noche. Aunque yo tenía mis amigos, nunca calcé en sus gustos, pasaba en clases dibujando todo el día y en las tareas que tenían que ver con arte era yo quien le hacía los dibujos a mis compañeros. En cambio, cuando ya me vine a Costa Rica yo ya estaba entrando a un grupo de gente con la misma perspectiva que yo tenía, con una forma muy artística de ver las cosas, muy diferente a la de mis compañeros en secundaria.”
Es increíble ver lo mucho que una persona puede llegar desarrollarse al mudarse de ambiente, a pesar de ser amante de la animación japonesa y tenerla como principal influencia, ella no imita este estilo. “Lo último que vi fue Naruto, pero ahora que terminó ni sé cómo sentirme al respecto. La universidad no me ha dejado hacerle seguimiento al anime, así que lo que consumo de ese género son películas más que todo, además se me ampliaron los horizontes, entonces ahora consumo animación francesa, belga, y estadounidense independiente que no es lo que uno usualmente ve, como Dreamworks o Disney Pixar. Yo recomendaría ver películas no sólo animadas sino también de acción en vivo, asistir a obras de teatro, ver pinturas de grandes clásicos y que corresponda a corrientes artísticas importantes. En lo personal me gusta mucho Hayao Miyazaki, David Oreilly y todavía sigo amando Zelda (el videojuego) de hecho ahorita visto una camiseta” dice mientras acerca su celular al pecho en donde puedo notar el escucho de Zelda sobre la camiseta negra. “Me gusta el cine negro, películas como Sin City, pero también me gustan películas como Blade Runner las que produce Studio Laika y Quentin Tarantino pero, ¿Quién no ama a Tarantino?”
entonces está muy emocionada conmigo, porque tengo la oportunidad que ella no tuvo.” El trabajo que ha hecho como modelo le ha permitido conocer a personas del medio creative; modelos, fotógrafos, maquilladores y diseñadores con los cuales ha desarrollado una linda amistad. Además tiene anécdotas divertidas de cuando las personas le piden hacerse fotos con ella en los lugares que frecuenta como en los conciertos, por ejemplo.
Astrid Pinel es una chica poco convencional, “soy modelo, animadora, metalera y a veces disparo, pero de esto último mejor no hablemos”. ¿Metalera? ¿Es en serio? Pensé, entonces pedí que me contara un poco más sobre eso, ya que no la imagino posando en sus photoshoots al son de Marilyn Manson. “Me gusta el Metal Sinfónico, Power Metal y Gothic Metal, mis bandas favoritas son Epica, Todo esto deja un misterio sin resolver: ¿Cómo Nightwish, Sonata Ártica y Kamelot, de Hones que una tímida chica hondureña amante del duras escucho Delirium, pero también me gusta anime terminó siendo modelo en un país extranlo que mi roommate me pone a escuchar, ella es jero? como mi ventana al mundo exterior, escucha de “Todo comenzó cuando una chica que tiene mutodo, es muy diversa y gracias a ella sé lo que cha trayectoria en el ámbito del modelaje y que está sonando en la radio, ahora sé de Taylor Swift, estudia diseño publicitario en mi misma univerIggy Azaelia y Katy perry. ¡Es cool! puedo tener sidad, me preguntó si me interesaba modelar, yo conversaciones con la gente cuando salgo de mi le dije que sí y me sacó unas fotos instantáneas, se las envió a su agencia de modelaje y me dijo que al parecer les gustó mucho, pero no hubo mayor respuesta. Poco después un modelo me recomendó con otra agencia de modelaje y me pidieron fotografías, así que mi novio me ayudó a hacerlas con luz natural, sin maquillaje, un tank top negro y unos jeans, de lo más sencilla posible. Después de ver las fotografías, la directora me citó para que nos conociéramos, ese mismo día me llevó el contrato para que firmara y desde entonces soy modelo para fotografías. Mi mamá es una mujer preciosa rubia que mide 1,80 y pudo haber sido modelo, pero mi abuelo nunca la dejó,
casa.” Cuando le comento que no me gusta Taylor Swift, su reacción me provoca tanta gracia que me parece la persona más divertida del mundo. “¡¿Como te atreves?! Look at that face, you look like my next mistaaaaake…” canta junto a su roommate que está sentada en la misma mesa del café donde ella estaba al momento que realizamos entrevista, además de ella hay alguien más, su novio Yuan (quien hizo las fotografías de este artículo) ella los llama “Asesores de Imagen”, y cada vez que ella olvida algo, les obliga averiguar ciertos datos en internet. “Yuan estudia lo mismo que yo y en nuestra carrera se estudian cursos básicos de fotografía y es algo que él disfruta mucho, la historia de cómo nos conocimos es algo extraña, un día me vio en problemas y me prestó dinero para solucionarlo, lo interesante de nuestra relación es que cuando tenemos tiempo libre hacemos videojuegos juntos, están todos en una gaveta, así en el futuro cuando tengamos presupuesto podremos lanzarlos. Además de eso, él toca el piano y yo canto.”
“Preguntame qué es primero, si el cereal o la leche” me dice y entonces le hago esa misma pregunta a lo que ella responde “el cereal debe ser primero” y cuando le pregunto por qué me responde tímidamente, “para que después el cereal Astrid no tiene un futuro planeado, pero afirma no flote encima de la leche”. que desea regresar a Honduras y comenzar a trabajar como freelance y más adelante ir desarrollando sus propios proyectos. “Siempre que viajo a Honduras voy en el camino pensando en ideas para películas que me gustarían dirigir y producir.” Espero que sea cierto, ya que he visto su trabajo y es realmente precioso, tiene un estilo muy particular y creo que llegará a hacer grandes cosas, cuando le digo que hemos terminado la entrevista me pide que le haga preguntas random.
los rebeldes de nueva york
redacción
M A D E L L I N E S E V I L L A
Nueva York o como famosamente es conocido ‘La Gran Manzana’ es una de las ciudades más emocionantes del mundo, caracterizada por ser la más poblada del país (cuenta con un número de habitantes casi igual que el número de personas que habita en toda Honduras). Nueva York, es uno de los centros más importantes del mundo en cuanto a las finanzas y el comercio. Además de tener una importante influencia en cuanto a los medios de comunicación, política, educación, entretenimiento y moda. A pesar de los cambios masivos culturales y las distintas subculturas que la envuelven, las que han vuelto a renacer desde finales del siglo pasado, en Nueva York la cultura parece solamente estar en el aire, como parte fundamental de la vida diaria. Los más importantes movimientos culturales de Norteamérica comenzaron en la ciudad desde hace un par de siglos. Es una de las ciudades que cuenta con el mayor número de organizaciones culturales y de artes, y un sin número de galerías y museos de arte de distintos tamaños (como el muy reconocido MoMa), y reconocida sobre todo por ser el epicentro de grandes escenarios teatristas muy aclamados de la calle Broadway. También es la ciudad del desenvolvimiento jazzista, y sin duda reconocida por ser la cuna del hip hop y la escena punk, además de reconocerse por su gran industria cinematográfica. Nueva York es famosa por muchas cosas. Una de ellas, la más ‘underground’, es por ser cuna de ciertos estilos musicales y de ciertos grupos míticos, sin mencionar la cantidad exorbitante de canciones inspiradas en la misma. Esta ciudad está llena de lugares donde Lou Reed y los Velvet Underground vagaban. El CBGB es un mítico club de los 70s donde creció toda una generación musical. Grandes bandas como The Ramones, The Talking Heads, Blondie o The Police nacieron justo en ese lugar. Hoy en día, el CBGB ya no existe como tal, pero las autoridades locales
han querido conmemorar a uno de los grandes mitos musicales de los últimos años poniendo su nombre a una calle. Lo más caracterizado de las calles de Nueva York, son el sin número de graffiti que visten la ciudad y galerías de arte, donde jóvenes con un gusto exquisito se abren paso en la moda, juntándose en mercadillos dentro de edificios abandonados para vender prendas únicas, hechas a mano, creadas a conciencia por obra de la originalidad; salas de conciertos de música indie y rock, con grupos internacionales, muchas veces organizado por obras benéficas, venta de artículos y de entrada libre. El barrio de Williamsburg envuelve un conjunto de sensaciones indescriptible. Sus calles están repletas de bicicletas de todo tipo y colores, sus paredes se tiñen de mosaicos y obras hechas por artistas callejeros envolviendo al caminante en una onda de optimismo sin igual; además se caracteriza por sus edificios bajos de entre una y tres plantas y por un ambiente muy alternativo y artístico. Tiendas de ropa de segunda mano, librerías de arte que se extienden a pie de calle, repletas de todo tipo de literatura a precios irracionales, donde llamarlos ‘gangas’ se queda corto; cafés, bares, restaurantes y un parque semi-abandonado rodeados de las escaleras oxidadas de emergencia, también dan un aspecto al lugar inigualable, muy ‘underground’, muy ‘cool’. La mayoría de las calles de Nueva York, te empujan a cambiar de cultura, religión y estilo de vida, uno de los valores culturales de Brooklyn es la comunidad judía ultra ortodoxa Satmar es prácticamente como estar en ‘Las locas aventuras de Rabbi Jacob’. El Museo de Historia de Nueva York el año pasado logró mostrar 7000 fotografías que hizo Stanley Kubrick tomó por la ciudad, todas en blanco y negro, y todas y cada una un auténtico estudio antropológico de cómo era la sociedad de una ciudad que ya era el centro del mundo moderno.
No es por nada que muchos escritores y cineastas se han basado en la ciudad de los rascacielos por su inacabable cultura, por ejemplo John Cassavetes en su película Shadows cuenta la historia de una pareja interracial que vive en la ciudad durante los años cincuenta y aunque Cassavetes no se centra en las cuestiones raciales (por las que Nueva York pasó hace muchas décadas), habla sobre los problemas personales, y no solo de las dificultades de la raza negra inmigrante en la Nueva York de esa época. En la actualidad podemos observar fácilmente dentro y fuera de las diversas historias y trazas, el paralelismo entre la cultura de Nueva York y el mundo. El aumento de los fanzines punk en los años 80 y zines riot grrrl en los años 90, y los blogs, chapbooks, el estilo, la música y el apoyo a los escritores independientes de hoy, muestran que la cultura indie nunca desaparece. Pero a medida que Estados Unidos lucha contra un momento doloroso de forma económica, cultural y social, la idea de la independencia creativa sigue siendo crucial. Pero la teoría prosaica más directa es que, como en prácticamente todas las áreas de la cultura popular y no popular, ambas han sido alterada radicalmente por el advenimiento del internet: que ahora vivimos en un mundo donde los adolescentes están más interesados en la construcción de una identidad en línea de lo que son en la toma de una muestra externa de sus lealtades e intereses. La cultura popular se vuelve
una y otra vez una producción en masa con una aceptación pasiva dentro de la situación actual, pero lo que una vez fue indie trata y lo seguirá siendo en el futuro. La juventud contemporánea es bastante diversificada; hablamos de ‘culturas juveniles’ para referirnos a aquellas agregaciones de jóvenes en torno a referentes simbólicos que suelen presentarse como componentes de modos de pensar y organizarse, de valores, prácticas y discursos, todos ellos colectivos; y caracterizados por posiciones alternativas y, en ocasiones a contra corriente, de aquello socialmente aceptado y reconocido. Un vistazo en la historia, nos muestra varios momentos en los que la cultura fluye y refluye, cuando aparentemente desaparece por un tiempo sólo para reaparecer años más tarde en una forma totalmente diferente. La cultura de Nueva York crea tendencias y las revive, un movimiento pleno que se ha reinventado con el paso de los años y como lo había mencionado antes, esta forma de arte que se retrata en casi todos los barrios de Nueva York, es el graffiti. Justo en el apogeo de la creación de distintas subculturas y movimientos artísticos en los años 70s, para esa época el graffiti crecía de forma decrepitosa, grafiteros importantes como TAKI 183, se encargaron de mantener durante mucho tiempo la constante protesta del arte callejero con nuevos estilos e ideas.
L A C U LT U R A D E N U E VA YO R K CREA TENDENCIAS Y LAS REVIVE
Con el crecimiento del graffiti, diferentes artistas de la época ya no solo deseaban ver sus nombres por las paredes de toda la ciudad, sino que comenzaron a crear obras con algo más: ilustraciones gigantes de paisajes y personajes populares, fueron la base de un estilo mural muy artístico. Para 1972, el alcalde de la época declararía la primera guerra contra el graffiti, aun cuando la ciudad era capaz de dedicar los recursos suficientes para erradicar el problema que impactaba la creciente subcultura. En 1980, hubo un aumento de la vigilancia policial y aumento en las medidas de seguridad, porque el graffiti llegó a ser asociado con la delincuencia, medidas que debilitaron la subcultura de la pintada Nueva York. Con la incesante represión, las calles se hicieron más peligrosas debido a la creciente epidemia de crack, la legislación estaba sobre los grafiteros a quienes restringían la venta de pintura y les creaban dificultad en la obtención de materiales. No obstante, durante los 80s vinieron nuevos estilos e ideas, se crearon movimientos de graffiti junto con la música rap, que más allá de sus primeras fundaciones en el Bronx, fue la época en la que el mundo del arte establecido comenzó a reconocer la cultura del graffiti. Por muchos años el graffiti decreció de la inicial fuerza con la que se sumergió en Nueva York, pero aún existen grafiteros de la época de los 80s, los mismos que crearon diferentes movimientos en el subterráneo del arte callejero y que todavía llevan la vida activa de latas de pintura. Figuran desde los 80s a la actualidad Cope 2, Ces, Ja, Revs, Ghosts, Doc TC5, Reas, Ket, entre otros En realidad, no importa tanto dónde surgieron, sino la contundencia con la que han seducido a millones de jóvenes de contextos socioculturales muy disímiles. Y sobre todo, interesa entender ese proceso singular que las culturas juveniles han desencadenado y que aún no termina de sorprender. El graffiti se ha expandido en todo el mundo y se ha vuelto un medio de interacción artística muy diferente a las disciplinas artísticas, pero es interesante ver el panorama de una ciudad abarrotada de color que se esconde entre lo abrumante de sus dimensiones, sus casi interminables rascacielos y lo anonadante de tanta cultura vista a cada lugar donde apuntás la mirada.
MIRANDO HACIA ARRIBA desde un subsuelo de terciopelo
redacción
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No existió un movimiento musical como tal llamado “Protopunk”. Si acaso, la categoría nace en perspectiva; como un intento de dilucidar de dónde diablos había salido aquel torbellino llamado “Punk”. Creo que al nomás escuchar la palabra PUNK, nos viene a la mayoría una idea bastante clara de lo que es. Actitud, más que todo. Punk es sinónimo de rebeldía. Punk es anti-establishment y punk es música sencilla, rápida y en tu cara. Ahora, al enorme grupo de artistas/bandas a las que se les ha dado la etiqueta de proto-punk, es musicalmente muy diverso. Tenemos a grupos con sonidos bastantes primitivos y crudos como Los Saicos (Perú, 1965 – 1966) y otros actos más sesudos y sofisticados como The Doors. A diferencia del punk, que sí fue un movimiento contra cultural que se identificaba con un sonido propio, una ideología en común y hasta una forma particular de vestir, las bandas que les antecedieron con el proto-punk lo único que compartieron en la gran mayoría de los casos era solamente la actitud rebelde. Parece que cualquier banda que sonara levemente más fuerte que sus contemporáneos y montara alguna locura en el escenario se llevó ese título. Es así como encontramos ahí a bandas como The Yardbirds, The Who, Captain Beefheart, Alice Cooper, etc.
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Podríamos dar uno o dos pasos más atrás y decir que figuras como John Cage (música clásica) y Ornette Coleman (jazz) también fueron proto-punk. Podríamos ser atrevidos, como el género manda, y llamarlos a ellos los padres del mismo. Y no sería para nada gratuito, ya que muchos de los líderes de los grupos antes mencionados los citaban como fuertes influencias. Tal es el caso de Lou Reed, miembro líder de The Velvet Underground, quién admiró mucho a Coleman por dar a luz y profundizarse cuanto se pudo en el jazz libre. Siguiendo libremente, como si el saxofón plástico de Coleman nos lo dictara, estas palpitaciones artísticas son la única manera de llegar a entender el génesis que es en su esencia el proto-punk. Siento que The Velvet Underground juega un papel importantísimo en el desarrollo final del punk. Lo tuvieron todo: el desenfado, la temática callejera, el sonido más chirriante hasta entonces y unas presentaciones en vivo llenas de locuras visuales patrocinadas por Andy Warhol, su mecenas. Su primer álbum aparece en 1967 y aunque, como era de esperarse, no se vendió mucho, la leyenda cuenta que cada tipo que lo compró terminó formando su propia banda. El nombre del grupo tipifica de algún modo su sonido; si bien es cierto que The Velvet eran bastante ásperos, también tenían un lado melodioso y hasta... tierno, por momentos. Es así como encontramos canciones como Sunday Morning, I’ll Be Your Mirror, Candy Says, After Hours, etc., en su repertorio. Su discografía es un vaivén entre lo ácido y lo dulceun verdadero subsuelo de terciopelo.
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Al año siguiente graban su segundo trabajo, White Light/White Heat, probablemente el disco más cáustico que se hubiese grabado hasta esa fecha. Bajo la batuta del bajista John Cale, la banda explora aquí su lado más experimental y crudo, lo que llevaría finalmente a su separación. Mientras Los Velvet volvían al estudio a recuperar de algún modo la ternura perdida, Cale (quien ha tenido una carrera como solista de lo más interesante, pero también como productor ha participado en una cantidad ridícula de discos imprescindibles), por su parte, termina de configurar las bases del punk, pero esta vez como productor de dos discos fundamentales: The Stooges, Idem (1969) y Horses (1975).
The Stooges, donde cantaba la famosa iguana, Iggy Pop, prorrumpe en la escena con un primer disco brutal. Los primeros diez segundos de 1969- la primera canción, debieron dejar en claro que los chiflados en cuestión venían a romper cosas. Se trata ahí mismo, también, el tema político de una manera bastante despreocupada, tal vez insolente o deberíamos decir... ¿punk? En cuanto al sonido, cabe destacar el uso y abuso de la reverberación y distorsión por parte del guitarrista, pero lo que hizo famosos a los Stooges fue su acto en vivo: a Iggy se le conocía por destruir escenarios y hasta cortarse y seguir actuando ensangrentado. Ahora tocaría hablar de Patti Smith, pero no se puede hacer sin antes mencionar a Television. Television es otra de las bandas precursoras del punk, de hecho tiene más importancia de lo que
se le ha dado quizás porque, en su afán perfeccionista, se tardaron demasiado en grabar- hasta en 1977, cuando estuvieron dando conciertos desde el 72. En sus filas iniciales estuvo Richard Hell, a quien se le ha adjudicado la creación del look punk; fue el primero en hacerse el famoso peinado, en usar ganchos en su ropa rota a propósito, y de introducir elementos de la parafernalia-sadomaso. Television tuvo una estadía de aproximadamente un año en el ahora inexistente club Newyorkino CBGB, donde alentó a un sinnúmero de bandas a seguir su camino. Una de las espectadoras tocadas por su espíritu, fue la que ahora se conoce como la abuela del punk: Patti Smith.
Smith debuta en el 1975 con Horses, producido como ya mencioné por Cale. Tiene una de las opening lines más irreverentes en la historia: ‘Jesus died for somebody sins but not mine...’ Las letras de Smith, aunque muy rudas, se caracterizan por ser de un alto nivel poético. La música no se queda atrás en la rudeza. Un primer disco sólido, con el que se gana merecidamente su título de Abuela. Patti también obtuvo residencia en CBGB donde a menudo se le veía compartir escenario con Tom Verlaine, el líder de Television. Otra banda que también vale la pena mencionar es New York Dolls, famosa porque sus miembros salían a tocar completamente vestidos de mujer: ¿qué podía ser más punk por aquel entonces que vestirse como el sexo opuesto? Los Dolls también solían tocar en el CBGB, su primer álbum salió en el 73 y aunque tenían una inclinación evidente hacia el glam, tenían elementos sonoros muy del punk, especialmente en la percusión y base rítmica. Además de un vocalista salvaje (Johnny Thunders)- que luego armaría otro grupo con Richard Hell. Volviendo a lo de The Velvet Underground, en todas estas bandas y discos mencionados hay siempre elementos de inesperada belleza y tranquilidad. Por ejemplo, en el debut de New York Dolls, hay una canción llamada Trash, bastante rápida y agresiva, pero que en todo momento lleva un coro femenino en el fondo casi angelical. El punk vendría a, de alguna manera, destruir estos adornos en una búsqueda frenética de aire, de la mano de jóvenes hartos de vivir bajo el yugo de sus cuadrados padres y de una sociedad hipócrita con la que simplemente no conectaban. A partir del 75, bandas como Sex Pistols y The Ramones ya estaban a todo trote. Se perdería, es verdad, cierta delicadeza necesaria para no asquear, pero la exploración también era necesaria y no resultó en vano. Total y bandas como The Clash pudieron volver sanas, salvas y sabias de tal viaje, para cerrar así un círculo de gran radio.
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Estamos sentados en el suelo detrás del edificio de talleres de ingeniería, Sushi y Mopi están intrigados por el tipo preguntas que tengo para ellos, lo curioso es que yo ya empecé a redactar desde antes de habernos encontrado. “No me vas a grabar el rostro ¿verdad?” Me dice Sushi, quien demoró casi una hora a la entrevista por viajar en bicicleta por el anillo periférico, él tiene esta idea de que las personas deberían gustar de él por su música y no por su físico, su página de Facebook es un banco de imágenes de artistas, ilustraciones y piezas de diseños tomadas de la web, pero ni una tan sola fotografía de él, por eso se siente más relajado cuando le digo que no grabaré con la cámara. Totalmente lo contrario con Pasumopi quien es amante de las fotografías, se considera algo narcisista en ese sentido, su red social favorita es Instagram. Recuerdo que días antes estábamos platicando en el evento de Mujeres en las Artes en el MIN y una chica desconocida se acercó a hacerse una fotografía con Pasumopi “Siempre que te veo en la U he querido tomarme una foto con vos, pero me daba pena” dice algo nerviosa y poco después esta chica ya había subido la fotografía a su cuenta de Instagram, a Pasumopi parece no sorprenderla, entonces entendí que no es la primera vez que sucede. Inicios en la música “Mi amor a la música electrónica comenzó desde pequeño, yo vivía con mis hermanos y lo que ellos escuchaban en ese entonces era música muy ochentera y noventera, la canción que me hizo querer producir música electrónica fue Children de Robert Miles, me cambió totalmente la vida cuando apenas tenía 12 años.” Dice SushiCatz. Su verdadero nombre es Alexander Valdivia de 24 años de edad, quien no tuvo una infancia diferente a la de los demás chicos que crecimos en los 90s, también jugó videojuegos como nosotros los
cuales han sido una gran influencia en su carrera, en especial Donkey Kong cuya banda sonora es considerada la mejor de todos los tiempos, por sus sonidos modernos inspirados en la selva, implementando conga, delays y un mix rico en bajos. Así es como Alex empieza a experimentar, enfrentando el sonido de los videojuegos y la música que sus hermanos escuchaban. A los 14 años sus padres le regalaron un piano y recibió clases por tres meses, pero la poca libertad creativa que el profesor le permitía lo obligó a abandonarlo, hasta que más adelante conoció a Tom, un británico que vino de intercambio al país, productor de música electrónica del género UK Garage y Drum and Bass, quien le enseñó y le motivó a producir. Alex empezó a producir música del género Chiptune, más conocido como 8 bit caracterizado por sintetizar sonidos en tiempo real por el chip de audio de una video consola. Alex lanzó dos primeros discos bajo el nombre que le dio Tom, ‘AcxielWaves’ y se auto promovió en MySpace. Con la crisis política sucedida en el 2008, el país entró en una etapa de toque de queda, por lo cual los bares fueron quebrando poco a poco, alejando a Alex del público. Esto no finalizó la carrera de Alex e inmediatamente comenzó experimentar con nuevos sonidos, fue Héctor Morán productor salvadoreño quien envió su demo a la disquera Four Peas Recordings de Miami, que poco después pidió firmar un contrato por una de sus canciones, la cual se incluyó en un CD recopilatorio. La canción tuvo tanto éxito que otras disqueras se han interesado en apoyarlo como artista, Taux Music Records y Unseen Records de Colombia; Bugs ’N’ Stuff Records de Argentina; Fruit Records de Italia; Click Muziq Recordings de España; Cancun Records y Transfers Records de México y Berlin Aufnahmen de Berlin.
“Cuando entré a la universidad empecé a hacer dibujos en las paredes de los baños, pero dibujos grandes, no sólo penes o palabras soeces como todo el mundo hace” comenta riéndose, ahora ella plasma sus creaciones en los muros de las calles a los que bautiza como ‘Mopis’ una abreviación de Pasumopi, apodo formado por las iniciales de su nombre. Juntos se desvelaban chateando en las noches y meses después, en noviembre del 2011 dieron comienzo a una relación, así es como Alex le enseña a Paola los principios básicos para hacer música y ella a su vez comienza a experimentar con sonidos genéricos, trasteando el software con un mouse hasta que pudo comprarse su propio equipo.
de videojuegos” donde Alex seguía experimentado. Aburrido de lo que estaba produciendo, intenta buscar un nuevo sonido e inspirado en el videojuego Sushi Cat (sí, el del gato que para salvar la vida de su amada debe comer todo el sushi posible), Alex le da vida a su nombre actual y definitivo, SushiCatz.
“Para mí es una metáfora de mi vida, yo he luchado mucho por mi música porque mi familia no me había apoyado, hasta ahora que han visto los frutos, solían decir que era un Alex veía que era momento de abandonar su vago y que no podía vivir de esto. Yo tuve que proyecto Alessxander, fue entonces donde desa- atrasarme en el colegio para poder trabajar y rrolló un proyecto transición muy corto al que lla- pagar mis instrumentos, pero la verdad valió la mó Alex Raccoon. “Quería hacer que tuviera un pena el sacrificio porque soy feliz por hacer lo sonido muy experimental y tomé como género que hago, Sushicatz es un nombre que represenprimordial el Glitch hop y Dubstep en mis se- ta mi amor y lucha por la música”. siones en vivo y como productor, soundtracks Actualmente, Alex está trabajando con las disqueras Click Muziq Recordings y Beatamin Recordings de El Salvador con las cuales ha realizado tours en Nicaragua y El Salvador, creando nueva música para probar suerte con futuras disqueras.
“Cuando entré a la universidad empecé a hacer dibujos en las paredes de los baños, pero dibujos grandes, no sólo penes o palabras soeces como todo el mundo hace” comenta riéndose, ahora ella plasma sus creaciones en los muros de las calles a los que bautiza como ‘Mopis’ una abreviación de Pasumopi, apodo formado por las iniciales de su nombre. Juntos se desvelaban chateando en las noches y meses después, en noviembre del 2011 dieron comienzo a una relación, así es como Alex le enseña a Paola los principios básicos para hacer música y ella a su vez comienza a experimentar con sonidos genéricos, trasteando el software con un mouse hasta que pudo comprarse su propio equipo. Alex veía que era momento de abandonar su proyecto Alessxander, fue entonces donde desarrolló un proyecto transición muy corto al que llamó Alex Raccoon. “Quería hacer que tuviera
un sonido muy experimental y tomé como género primordial el Glitch hop y Dubstep en mis sessiones en vivo y como productor, soundtracks de videojuegos” donde Alex seguía experimentado. Aburrido de lo que estaba produciendo, intenta buscar un nuevo sonido e inspirado en el videojuego Sushi Cat (sí, el del gato que para salvar la vida de su amada debe comer todo el sushi posible), Alex le da vida a su nombre actual y definitivo, SushiCatz. “Para mí es una metáfora de mi vida, yo he luchado mucho por mi música porque mi familia no me había apoyado, hasta ahora que han visto los frutos, solían decir que era un vago y que no podía vivir de esto. Yo tuve que atrasarme en el colegio para poder trabajar y pagar mis instrumentos, pero la verdad valió la pena el sacrificio porque soy feliz por hacer lo que hago, Sushicatz es un nombre que representa mi amor y lucha por la música”.
Actualmente, Alex está trabajando con las disqueras Click Muziq Recordings y Beatamin Recordings de El Salvador con las cuales ha realizado tours en Nicaragua y El Salvador, creando nueva música para probar suerte con futuras disqueras. Sobre sus influencias, tendencias y el futuro
Pasumopi quien es estudiante de la carrera de Arquitectura en la UNAH, recuerda que para un proyecto en una de sus clases, tuvo que presentar un espacio construido por distintos planos y una de sus amigas le aconsejó que tratara siempre de distorsionarlo para que causar una reacción de asombro. Desde entonces aplica ese consejo en su forma de vestir. “Moda es lo que todos usan en el momento y no por eso quiere decir que es malo, hay prendas que están de moda y me encantan, pero estilo para mí es cuando se es creativo y armás outfits basándote en tus gustos e inspiraciones, en arte o incluso naturaleza. La idea es no copiar, sino transformar una prenda a tu estilo.” comenta Mopi.
A pesar de que Pasumopi no ha estado mucho tiempo en la escena musical y que no es productora, ha tenido muy buena aceptación de parte del público, esto se debe a su carisma en el escenario y sobre todo a su proyección artística, pues no solamente se mueve en el medio como artista sino que ha llegado a llamar la atención de muchos por su estilo al vestir. El internet revolucionó nuestra generación y gracias a eso tenemos facilidad no sólo en comunicación sino también Podes seguir a estos artistas en su página de Instaal momento de educarnos. gram como @pasumopi y @sushicatzmusic
yo no sé producir, pero en otras ocasiones hemos hecho graffiti juntos” dice Mopi.
Ambos Sushi y Mopi son amantes de la ropa de segunda o el ‘Guaje’ como le llaman ellos, en donde encuentran una diversidad de prendas y accesorios que no se pueden encontrar en otras tiendas, a veces prendas viejas y otras muy nuevas, entonces cada uno por su lado abrió una tienda de ropa de segunda mano en Facebook, ‘Mopi’s Guaje’ y ‘Sushi’s Guaje’, donde actualizan la página con fotografías de las prendas únicas que tienen disponibles a precios muy accesibles. Ambos tienen un fuerte amor al arte, gustan de la música de Grimes, Unicorn kid Ainajuana, cantante hondureña con influencias de rap, reggae y hip hop, quien Alex ha expresado deseos de colaborar junto a ella en el futuro, (crucemos nuestros dedos para que esto ocurra pronto). Pero también tienen sus diferencias; mientras Alex escucha influencias electrónicas como Chet Faker, Rustie y Hudson Mohawke, Paola prefiere sonidos más fuertes como heavy metal o ‘tecno electroso dark’. “Es lo que me gusta de estar con él, ambos somos raros y nos entendemos. La única razón por la que no hacemos música juntos es porque
Grandes cosas vienen para el chico que ama los gatos y la chica obsesionada con My Little Pony, (de ahí sus constantes cambios de color en el cabello). “Estoy experimentando una fase de perfeccionismo en mi música, estoy preparando bien lo que quiero expresar, quiero dar lo mejor de mí en un sonido muy elaborado y creo que hasta ahora no hago las cosas tan mal, no me siento competencia de nadie, mi estilo de vida es tocar donde mie inviten y si me parece, claro.” dice SuchiCatz. Entonces le pregunto a Pasumopi que dice el futuro sobre ella y me contesta “No lo sé, tal vez llegue a ser la nueva dueña de El Golazo y me hago millonaria lavando dinero” bromea entre risas “chivas con eso” me dice inmediatamente con seriedad.
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redacción & fotografía
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Habíamos planeado realizar esta entrevista desde hace tres semanas, cuando al fin llegó el día, estaba emocionado, es la segunda vez que visito la productora que David Estrada abrió. Es un lugar muy acogedor rodeado de hermosas computadoras Mac y cámaras fotográficas, el cielo pues. Cruzando la primera habitación hay un croma o pantalla verde como nos acostumbramos a llamarle en el medio, lo primero que hacemos es un par de fotos en su “hábitat natural” por así decirlo y después de eso, buscamos un lugar adecuado para realizar la entrevista. Lo divertido de esta reunión, es que no parece de trabajo, simplemente somos tres viejos amigos, ex compañeros de trabajo y universidad que nos sentamos en el suelo a platicar sobre proyectos Al parecer un compañero apasionado por el arte personales, la vida laboral y lo más importante, es lo único que necesitas para crear emocionantes sobre música. proyectos. Así es como estas dos productoras audiovisuales y amantes de la música, deciden unir su talento para crear el piloto de un proyecto que ¿Qué es Rec Nights y cómo se formó? llegaría a mover al público cultural de nuestro país.
Martha: Lucía y yo trabajamos al par, literal-
Martha: Lo que queremos hacer con Rec Nights es ayudar a estas bandas que tal vez tienen algo producido pero no tienen algo qué enseñar. ¿Cómo ven la escena musical en Honduras? Martha: Es triste que en Honduras la música se ha quedado estancada, no ha avanzado más allá del nivel local y realmente es por diferentes factores, es la cuestión de seguridad y otro que la música, no, la cultura en general no es una prioridad para nuestro país. Pero aun así creo que ahorita ya no necesi-
tamos del gobierno, con el internet podemmente. Mientras cada una está en su computaMartha Bonilla y Lucía Castro se conocieron en os hacer grandes cosas solos. En otros países la universidad mientras estudiaban Comunica- dora trabajando también escuchamos música subdesarrollados hay artistas que han sociones y ahora trabajan juntas en la productora y a veces en los espacios libres nos recomenbresalido internacionalmente y la verdad es que patea traseros en el medio: Viral Media Soludamos música entre nosotras, después empetions. Estas talentosas y ambiciosas artistas nos que no nos hemos puesto pilas, y cuando el cuentan cómo llegaron a formar Rec Nights: Ses- zamos a tener una obsesión con las bandas movimiento ya había arrancado hace unos iones de música en vivo. Centroamericanas porque hay mucho talento años, ocurrió el relajo político y se volvió a y nos gustaba a ver sesiones de música en vivo Si creés que has escuchado sus nombres en otro estancar el arte, la música sobre todo. Ahora lado, puede que estés en lo correcto, Martha juntas porque hacíamos críticas sobre la buetodo se ha ido recuperando pero de forma Bonilla no es solamente una artista audiovisual na calidad de producción tanto musical como muy lenta. sino también musical, formó parte de la banda audiovisual. Godzend (inserta sentimientos de nostalgia) y es ahora la vocalista de Boreal Scala, la increíble banda Funk/Jazz con la cual todos estamos obsesionados, mientras que Lucía Castro es co-directora del corto documental que nos hizo derramar lágrimas, “El Pelón” cuya popularidad ha superado las 23,000 visualizaciones, siendo así el audiovisual universitario de nuestro país con más visitas en Youtube.
No solamente comparten la misma carrera y una larga lista de amigos en común, ambas trabajan para la misma productora, en donde es ley que para trabajar tranquilos deben deleitarse con algo de música, aunque claro está que no la misma, pues mientras Lucy ama a Led Zeppelin y Boreal Scala, Martha asegura ser fan número uno de Radiohead y Pez Luna. Juntas han tomado el lenguaje profesional que les dejó la universidad y algunos conocimientos de cómo manejar imagen y distribuir contenido para poder iniciar un proyecto en el cual mezclan sus dos pasiones: La música y lo audiovisual.
Lucía: Nuestra inspiración fueron las bandas en general, porque hay sesiones que se han hecho de la forma más sencilla con una sola
¿Por qué Rec Nights decidió comenzar con Boreal Scala en su primera edición de Rec Nights? ¿Por qué Babel?
toma, una sola cámara que recorre el esce- Martha: El proyecto era un experimento, un nario completo. Todo es cuestión de gusto, piloto prácticamente, claro que nos preocu-
de atreverse de armar un bonito escenario, de paba el resultado, así que decidimos hacerlo crear un concepto. con mi banda, porque si salía mal éramos no-
Ya habían existido proyectos muy similares sotros los que perdíamos y de todos modos antes, pero creo que algo muy importante es era algo que todos estábamos de acuerdo en la variedad, necesitamos nuevas perspectivas. hacer, así que decidimos correr el riesgo.
Lucy: La pre-producción de esta edición de Rec Nights fue muy rápida, trabajamos prácticamente con las uñas, pero teníamos acceso
al equipo, a una locación y conocíamos personas interesadas en colaborar con nosotros.
país pidiendo algo similar para ellos, lo cual es un incentivo para que lo sigamos trabajando el proyecto.
En la fecha que Rec Nights se llevó a cabo, se acababa de inaugurar Babel ¿Fue un reto realizar el evento en un lugar que nadie conocía? ¿Por qué decidieron hacerlo ahí?
estudian y deben organizarse con su tiempo. Lucy: Además necesitamos llenar otro tipo de
Martha: Lo más especial fue haber visto a hondureños que viven fuera del país compar-
tir el Rec Nights con sus amigos, verlos orvacantes como dirección de arte, marketing Lucy: Ambas conocemos al dueño del local, gullosos de decir: “Esto se hizo en Honduras”. y en un futuro esperamos poder tener la fay cuando le platicamos sobre el proyecto él se En la presentación en Connect Cowork, las cilidad de pagar a estas personas, porque es mostró muy interesado y nos ofreció Babel, personas estuvieron los 15 minutos consumiun gran trabajo que ocupa de creatividad y realmente fue muy servicial y nos ayudó un endo el resultado del Rec Nights, estaban tiempo. montón. muy emocionados. Martha: Antes de que existiera Babel, el bar ¿Qué problemas tuvieron a la hora de producir Ha pasado una hora desde que hicimos la antiguo siempre utilizó un espacio para ban- la primera edición de Rec Nights? entrevista y nos morimos de hambre y del das musicales, sin embargo nunca se había frío, así que ha llegado la hora de despedirse, Martha: El día del montaje fue horrible, utilizado de esa forma, nosotras tuvimos la no sin antes comer unos deliciosos snacks y queríamos realizarlo afuera, habíamos inverlibertad de acondicionarlo con un escenario, chocolates, todo por los viejos tiempos. tido en un buen sonido, un gran escenario y y pudimos explotarlo de la mejor manera. Rec Nights busca apoyar bandas activas que justo ese día durante los ensayos estuvo lloviproduzcan música original y que además tenendo. gan un estilo particular, para poder así repreHablemos del equipo de producción Lucy: El equipo de trabajo fue un gran problema ya que Rec Nights no comenzó con un presupuesto fijo, todo salió por colaboración. Habían personas que se habían ofrecido a ayudarnos con la producción, pero tenían otras prioridades y terminaron cancelándonos.
Lucy: Hacerlo bajo techo afectaba el sonido y hasta visualmente, el espacio adentro era muy reducido en comparación a afuera y literalmente dejó de llover hasta que la banda se paró en el escenario. ¿Cómo ha sido la reacción del público hacia
Un día antes nuestros antiguos compañeros Rec Nights? de la universidad se ofrecieron a ayudarnos Lucy: Se podría decir que Rec Nights consiste y el equipo fue muy bueno, a pesar de que en tres etapas: La sesión en vivo, una present-
no era un trabajo remunerado, trabajaron de ación de la edición del video y por último la forma muy profesional; Martha operó como distribución en redes sociales.
productora, mi cargo fue de directora, Kath- Tanto la sesión en vivo, como la presentación erine Chávez como floor manager, Daniel del video se llenó de una manera increíble, Chinchilla, Dennis Romero y yo operamos los locales estaban abarrotados, a las persocámara; Moisés Sosa como fotografía fija y nas les gustó que fuera algo distinto y creativo Juan Pablo Lagos fue quien hizo la captura en con una muy buena iluminación. Llegamos vivo y producción de audio y la empresa 220 a tener 1000 views en menos de 24 horas de como sonidistas.
haber lanzado el video en redes sociales y logramos el objetivo, personas de otros países
Martha: No tenemos un equipo de produc- escribieron a la banda, personas del medio, ción fijo para Rec Nights, esperamos seguir bandas extranjeras y las mismas bandas del trabajando juntos porque hicieron un excelente trabajo, pero no hemos tenido el tiempo de definirlo, son personas que trabajan o
sentar su personalidad.
Vos también podes nominar tu banda en la página de Facebook de Rec Nights y si sos un creativo (diseñador gráfico, productor audiovisual o director de arte, etc.) interesado en colaborar en este proyecto súper cool podes enviar tu CV o portafolio a su correo recnightshn@gmail.com.
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la actualidad, las artistas hondureñas han tratado de plasmar diversas inquietudes y expresiones diversificadas, no solo sus experiencias entre los roles de género o la labor social a la que se han enfrentado, sino también el cuestionamiento existencial por la vida cotidiana, o sus preocupaciones con la historia, la guerra y las nuevas tendencias.
La situación de la mujer en el mundo del arte a menudo ha sido considerada como el de ‘la musa’, y muy rara vez como la de ‘la artista’; la introducción de la identidad es problemática suficiente cuando lo hacés en la sociedad en general- por ejemplo, la justicia social o exclusivismo; pero es aún más de un problema cuando se hace en un ámbito como el arte, que en esencia ha sido meritocrática, aunque verdaderamente la incursión del mismo debería existir independientemente del número de cromosomas involucrados.
Durante el siglo XX el desarrollo de la mujer ha ido evolucionando, a tal grado que al día de hoy podemos mencionar grandes revolucionarias, luchadoras y siempre efervescentes mujeres en diferentes rubros destacándose, a veces incluso más que los hombres, y aunque el acceso a las ocupaciones, no solo en el medio artístico, ha sido A lo largo de toda la historia del arte, el rol de y sigue siendo desigual en muchos aspectos, el la mujer siempre ha sido opacado por figuras trabajo de la mujer en las artes y su intervención masculinas, tanto de forma intencional como no tal vez de forma indirecta -o incluso anónima- ha intencional, dictado en su mayoría por los mo- ido tomando fuerza en el último siglo. A finales mentos o costumbres socio-políticas de los lug- de los años 60s y 70s, las artistas e historiadoares donde se encuentra; encapsulando a la mu- ras del arte en diferentes partes del mundo, exjer en un papel meramente doméstico, muy por ploraron abiertamente el papel de la mujer en el fuera del mundo artístico e impugnadas por la mundo del arte y exploraron con mayor detalle las mujeres en la historia del mismo. desigualdad. Durante mucho tiempo las prácticas artísticas y culturales (y por supuesto las prácticas políti- Honduras durante los últimos años, ha visto un cas, religiosas y sociales) restringieron la partic- cambio drástico en las circunstancias que rodean ipación de las mujeres, donde se esperaba que las mujeres artistas. Dado el rápido crecimiencumplieran únicamente el rol doméstico, evitan- to del país y con ello el desarrollo de la crisis económica, política y la creciente, aunque no tan do su desenvolvimiento. reciente, conciencia en las cuestiones de género en la sociedad; las olas del tiempo están provocando cambios estructurales sin precedentes en la relación entre las mujeres y la sociedad, así como en Honduras como el resto del mundo. En tales condiciones, podremos saber ¿cuáles son las inquietudes, sentimientos y perspectivas de las artistas hondureñas, y cómo están tratando de expresar sus temas? A través de las obras producidas a partir del inicio del siglo pasado hasta
Muy a pesar de las barreras marginales, las mujeres hondureñas no desistieron en sus propósitos para que se les reconociera su participación en el arte y con cierta impasibilidad muchas de ellas incursionaron en campos en donde los hombres habían tomado más reconocimiento. A partir de ello, comenzaron a romper los esquemas y estereotipos, decididas a alzar la voz a través de la escritura, de la pintura, el canto o la danza para que conocieran su arte y poder sobresalir en los movimientos políticos. Y dentro de este tan reducido espacio, surgieron mujeres como: Mercedes Agurcia Membreño, destacándose por ser una de las pioneras en las artes escénicas en el país, siendo modista, diseñadora, técnico de luces, directora artística, productora, escritora, músico, compositora, guionista y escenógrafa. En 1926 fundó la Academia de Música Santa Cecilia y se hizo cargo de la Dirección de la Casa de La Cultura en 1961, conocida ahora como el Teatro Nacional Manuel Bonilla. Asimismo fundó Teatro Infantil de Honduras, del cual se le atribuyen importantes méritos. Visitación Padilla, declarada por la el Congreso Nacional como Heroína Nacional en el 2008, fue maestra, periodista, prologuista, poeta y destacada escritora de su época, quien organizó en 1923 la primera agrupación feminista cuyo programa mantiene su vigencia por su contenido en defensa de los derechos de igualdad. Amanda Castro, maestría en lingüística española por la Universidad de Pittsburgh y un doctorado en Filosofía con especialidad en Sociolingüística Latinoamericana por la misma universidad, se dedicó a promocionar la creación artística y literaria escrita por mujeres, a través de publicaciones y mesas redondas presentadas en congresos internacionales. Su obra ha sido traducida al inglés y publicada en antologías bilingües. Clementina Suárez, fue autora de 9 libros y tuvo apariciones en un sinfín de antologías naciones, fue la primera mujer en publicar un poemario en el país y fue precursora de la difusión artística por las galerías dudadas tanto dentro como fuera del país. Al igual que Clementina, Leticia de Oyuela, destacadísima historiadora y escritora, en 1970 fundó la galería de arte Leo y la editorial Nuevo Continente. Aunque no sobrevivieron al peso de los tiempos, esas instituciones dieron el impulso para descubrir y estimular el trabajo de pintores y escritores.
Los desafíos que han enfrentado –y enfrentan- las mujeres en la creación de arte en general, sobrepasa en cierto modo, lo impensable, en donde el grado en el que su trabajo se ve socavado cuando los críticos que no pueden ver más allá de su condición de mujer, despidiendo la necesidad y la importancia del arte que explora la subjetividad femenina. Y así como estas importantes expositoras hondureñas, que se destacaron al crear una voz propia no solo en la escena política-social de Honduras, sino también el arte que lleva consigo tal manifestación, hondureñas como Teresa Fortín (pintora), Francisca Navas, Lucila Gamero de Medina, Amanda Castro, Glena Umaña, Sara Salazar, María Eugenia Ramos y otras representantes valiosas de la época dorada de las letras hondureñas, manifestaron el ponente nexo que se gesta entre la mujer, las artes y la política, con esa incesante necesidad de comunicar un cambio en la manifestación artística del país, y que trajeron junto con ellas, frutos alentadores que pueden observarse con naturalidad en nuestra época.
de jóvenes mujeres artistas que aplican diversas técnicas de las artes visuales, plástica, ilustración, pintura, fotografía. Además la participación de cantantes, poetisas, artistas del tatuaje y diseñadoras emergentes, entre otras, todas ellas, son la creciente manifestación femenina de los últimos años en Honduras, encontrando diferentes personajes como Mayra Oyuela, Lucy Argueta, Karla Lara, Romina Memoli, así como la nueva generación de artistas e impulsadoras como Claudia Bardales, Andrea Fonseca, Mónica Andino, Hoy en día tenemos figuras importantes que Alejandra Vaquero, y otra muy reciente lista de han marcado y siguen haciéndolo en el ámbito mujeres interesadas en las artes, que sin duda con artístico y se han elevado sobre su mismo arte, el paso del tiempo veremos pasos importantes no creando un mundo unido a la realidad tan de- solo en su carrera, sino en el impacto que quizá lirante de Honduras. Hellen, Ocampo, Anarella tengan en la sociedad y que de alguna forma Velez, Lety Elvir, Juana Pavón, entre otras, han modificará las normativas estipuladas por el arte. seguido cosechando luchas a favor de la mujer y los derechos no solo de la igualdad de género, Estas y otras mujeres no menos importantes, desino también de la desigualdad social y discrim- jan su huella cotidiana en la cultura que les rodea. La labor de ellas es encontrar la pureza de su inación política. Pero, ¿qué se puede decir de las voces femeni- expresión y comunicación a través de la obra de nas actuales? ¿Quiénes son las protagonistas de arte. Hoy, la presencia de la mujer en el arte conla nueva ola de arte y cultura que pretende seguir temporáneo es de tal peso y magnitud que es imimpulsando el medio en los últimos años? Las posible contar la historia del arte sin invocar a lo mujeres han ido ganando un espacio invaluable agudo de su visión, a la fuerza de sus imágenes y en la educación artística, en la crítica y análisis al tremendo aporte cultural de ellas al arte actual. del hecho artístico, y en la literatura que el arte genera. Es importante el número de mujeres detrás de las instituciones museales, de las galerías, de las publicaciones, de las bienales, de la música, del cine, de los grandes acontecimientos artísticos del país. Podemos mencionar gestoras culturales, impulsadoras artísticas y creativas que han tomado importancia en los últimos años. Melissa Quijada, productora y gestora cultural de Dos M, últimamente se ha dedicado a impulsar el arte, la música y de hacer notar el emprendimiento constante del ambiente artístico de Tegucigalpa. En los últimos dos años, con el apoyo del programa EDUMIN del Museo de Identidad Nacional, creó “Mujeres nuevas historias”, idea que nace en el marco de la celebración del día de la mujer hondureña, como un homenaje a la mujer artista y emprendedora, para darle un perfil a ese talento nuevo que se presenta y que raramente se ve, donde se le da espacio a todas esas artistas que no habían expuestos, pero que llevan un buen tiempo creando. La exposición colectiva que integra un grupo
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Tegucigalpa, Honduras
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