SALON MACHALA SEPTIMA EDICIÓN 2016 by Salon Machala

CENTRO MUNICIPAL DE ARTE Y CULTURA “LUZ VICTORIA RIBERA DE MORA” MACHALA - JUNIO 2016

SALÓN MACHALA PREMIO MUSA PARADISÍACA salonmachala.org salonmachala@gmail.com ENRIQUE A. MADRID DIRECTOR STEFANY GUZMÁN MORALES ASISTENTE DE DIRECCIÓN SARA B. MADRID ARCOS

DISEÑADORA Y COORDINADORA PROGRAMA CURADURÍA PEDAGÓGICA

MUSEOGRAFÍA

DIRECCIÓN DEL SALÓN MACHALA

MONTAJE

DIRECCIÓN DEL SALÓN MACHALA Y PERSONAL DEL CENTRO MUNICIPAL DE ARTE Y CULTURA “LUZ VICTORIA RIBERA DE MORA”

EDICIÓN

ENRIQUE A. MADRID STEFANY GUZMÁN TRADUCCIONES

ENRIQUE A. MADRID TIRAJE 2000 ejemplares DISEÑO:

IMPRESIÓN:

IMPRENTA MARISCAL MACHALA, JUNIO DE 2016

carlosfalquez ALCALDE DE MACHALA MAYOR OF THE CITY OF MACHALA

El Salón Machala, Encuentro Internacional de Artes Visuales, diseñado y dirigido por los destacados artistas machaleños Enrique Madrid y Stefany Guzmán M., se instala con firmeza en el espectro de las artes ecuatorianas, con una oferta cultural que ha logrado captar el interés de variados sectores de la sociedad. Las interesantes propuestas que el Salón genera, abren un espacio de diálogo e intercambio que involucra a artistas, intelectuales, gestores culturales, docentes, líderes comunitarios y público en general. Las posibilidades de que este magnífico evento cultural deje huellas en la calidad de vida de nuestros ciudadanos son grandes. En la práctica hemos visto la versatilidad de temas, tratamientos y aproximaciones que desde ese espacio se genera. Con esmero y profesionalidad las metas se van cumpliendo paso a paso y no hay duda de que otras dinámicas en las artes de nuestro medio están echando raíces, enriqueciendo las existentes para alcanzar niveles trascendentes. Entender el Salón Machala más allá del evento en sí, es una característica importante en el planteamiento de la actual dirección. Por esa razón, vemos cómo con anterioridad a la inauguración de las muestras internacionales. El Salón despliega una serie de actividades culturales que involucran a la comunidad y que tienden a fortalecer las maneras de ver, entender, interactuar y proponer desde el arte, para el arte y con el arte, acciones complementarias que se mantienen durante todo del Salón hasta el día de la clausura, como es el caso de las visitas guiadas, atendidas por artistas de la ciudad capacitados por especialistas en este campo. El programa de Curaduría Pedagógica, proyecto de un alto perfil académico, implementado desde ésta edición, ofrece posibilidades de enriquecimiento y capacitación interesantes y variados como la mediación artística que activa, mediante acciones dirigidas al visitante del Salón, la generación de sentidos alrededor de las obras expuestas, ampliando los niveles de percepción, comprensión y compenetración estética. El Programa de Curaduría Pedagógica, expande la presencia del Salón Machala; interviene estéticamente en el tejido social y a su vez se alimenta de los saberes y vocabulario estético visual del contexto. El positivo involucramiento de personalidades que por su importante rol cultural son lumbreras de la cultura artística internacional, enaltece aún más este evento, y es de destacar su sincero interés por apoyar el rumbo acertado que está tomando el Salón. El prestigio del Salón Machala crece en las esferas internacionales del Arte al mismo tiempo que profundiza el vínculo con los machaleños, generando lazos afectivos que propician el terreno para un florecimiento creativo mutuo. Agradezco principalmente la actitud visionaria de Carlos Falquez Batallas, mi padre, quien interesado por un auténtico desarrollo cultural de los machaleños, creó y apoyó firmemente este Salón durante su fructífero período como Alcalde de la ciudad de Machala. Agradezco y Felicito a todos los artistas que lograron, por la calidad de su trabajo, formar parte de la selección final para optar por los Premios Internacionales a las Artes Visuales MUSA PARADISÍACA, Séptima Edición, 2016.

The SALÓN MACHALA, International Visual Arts Gathering, designed and directed by the remarkable Machala based artists Enrique Madrid and Stefany Guzmán is steadily gaining space within the ecuadorian world of art, with a wide range of cultural offer that has called the attention of the viewers in many areas of society. The interesting proposals the Salon generates, open spaces for dialogue and cultural interchange that involve artists, intelectuals, art professors, scholars, community leaders and general public. The possibility for this magnificent event of leaving a trace on the quality of life of our citizens is huge. In a practical way, we can see the versatility in the way themes, subjects and approaches generated from that cultural space are handled. With profesional care the goals are thoroughly accomplished step by step, and there is no doubt that new dinamics in the arts of our context are taking roots , enriching the existing ones in order to reach higher levels. To understand the Salon beyond the idea of being an occasional event itself is an important feature of the current direction when develops plans and programs around the Salon. That is why we see a lot of cultural activity launched from the Salon in advance, several weeks before the international exhibitions begins. The Salon deploys a series of cultural activities involving community with the tendency of making stronger the way to see, understand, interact and propose from art, for art and with art, complementary actions that remain available to people throughout the salon until it get closed, as it is the case of the guided visits and its creative station program, managed by young local artists who have been trained by experts in the field. The Pedagogic Curatorial Program, a high profile academic project, integrated since this edition, grants to our artistic community the opportunities of enrichment and improvement through adequate trainning such as artistic mediation, which activates in the viewer by using specific resources, the capacity of grasping more meaning and conections with other areas of knowledge and sensibility around the works of art, allowing the widening of the perception levels, understanding and depth of the aesthetic experience. This program expands the presence of the Salon; intervenes the social issue and at the same time, gets fed from the folk knowledge and the visual vocabulary of the context. The positive involvement of personalities who, due to their important scholar role model have become cultural leaders make this event even more prestigious, and, at this point we need to highlight their truly interest for supporting the certain path that the salon is taking. The good reputation of the Salon grows at the international world of art, at the same time gets deeper into our roots, creating links of mutual affection that are the propicious terrain for a flourishing culture. Thanks to the visionary look of my father, Carlos Falquez Batallas, who as a sensitive man he is, always interested in the cultural development of the citizens of Machala, created and firmly supported this Salon since the beginning and during all his period as a Mayor of the City of Machala. I also want to thank and congratulate to all the artists who thanks to the high quality of their work are now part of the final selection and considered for the MUSA PARADISACA, International Visual Arts Prizes, Seventh Edition, 2016.

De la serie: It’s all about family - 2015 - DANIEL COKA PIZARRO - ECUADOR

salón machala premio musa paradisíaca salon machala musa paradisiaca prize

Continuando con el proceso de crecimiento del Salón, cuyo nombre inicial, Salón de Junio, surgió hace algunos años de la idea de resaltar el mes en el que celebran las fiestas patronales de Machala, se rebautiza, por así decirlo, con un nombre más específico que brinda a la primera lectura las coordenadas exactas de este importante evento cultural: SALÓN MACHALA, Encuentro Internacional de Artes Visuales. El evento acorta su nombre para ganar en claridad, eficacia y solidez y con el anhelo de que sea un espacio recuperado para las artes no solo en las fechas de cantonización, si no a lo largo de todo el año; para que sea un generoso continuum de arte llamado por su nombre propio: Salón Machala, una nueva manera de ver y entender el arte desde el extremo sur del Ecuador, que abre sus ventanas al mundo para recibir la brisa fresca que nos traen las artes de las diversas culturas del mundo y al mismo tiempo, visibilizar lo que somos y cómo decimos el arte desde esta diversa tierra fértil de abundantes orillas salitrosas y montañas preñadas de oro. El firme apoyo que el evento recibe desde la Municipalidad de Machala nos permite mantener y nutrir la calidad de la programación. El Salón ha sido concebido como una propuesta cultural que abarca una serie de actividades dentro de la cultura artística y apunta a persuadir al espectador a sumergirse en una experiencia cultural que va desde conferencias magistrales, laboratorios de creación comunitaria, que suceden dentro de un complejo programa de curaduría pedagógica que está creando puentes entre el público, los artistas y la producción artística expuesta con el objetivo de fortalecer los vínculos entre la comunidad y el Salón. El concurso de pintura es el evento central del Salón Machala, y desde esta edición tomó su nombre del término científico MUSA PARADISÍACA, usado en la nomenclatura botánica para denominar al banano, que desde los años 50s ha devenido en el elemento simbólico de la ciudad de Machala, Capital Bananera del Mundo. El Premio Internacional a las Artes Visuales MUSA PARADISÍACA ha desarrollado una importante capacidad de convocatoria internacional, en esta edición hemos captado la atención de artistas de países como: Corea del Sur, Israel, Colombia, Costa Rica, Argentina, Chile, Venezuela, Ecuador, Italia, México, Cuba, Rusia, Perú, Bolivia, Brasil, quienes enviaron sus formularios de inscripción desde sus respectivos países para someterse a los parámetros propuestos en las bases del Salón de los cuales, 44 obras fueron seleccionadas para hacer la gran muestra de esta edición. De allí se escogieron las obras ganadoras de los premios MUSA PARADISÍACA. Es importante anotar, que para esta edición, se creó, a partir de una donación internacional, el PREMIO ESPECIAL AL ARTISTA ORENSE, premio no adquisición, consistente en una contribución económica al artista designado, con el objetivo de estimular la producción artística local. Mantenemos para esta edición la categoría del Personaje Invitado Especial. En esta ocasión hemos invitado al artista pintor y escritor Virgil Elliott, un maestro de los procesos técnicos de la pintura, quien dará un taller sobre métodos tradicionales sobre manejo del óleo, siguiendo el espíritu pedagógico que se plantea esta edición y lo complementamos con el magnífico taller de dibujo sobre figura humana dictado por Eduardo Villacís, evento de talleres profesionales coorganizado con el Colegio de Comunicación y Artes Contemporáneas COCOA, de la Universidad San Francisco de Quito.

Continuing with the process of improvement of the Salon, whose initial name, Salon of June, came up many years ago from the idea of highlighting the month in which the celebration o the annual festivities of Machala came about. Starting this year, the event shorten its name in order to gain clarity and solidity and hoping that we can recover more space for arts, not only in celebrations days but all the year long so it can be a generous continuum of art in its own right. It strives to continue to be an international gathering of high quality from the southermost región of Ecuador. It opens a window to allow the breeze of diverse cultures of the planet enter in our local art scene, bringing art and at the same time, making visible what we are and how we are able to express art in this fertile land, full of abundant, salty shores and mountains impregnated with gold. The strong support that the event has received from the municipality of Machala has allows us to maintain and nurture the previous programming. The Salon has been conceived as a cultural proposal that embraces a wide sort of activities within artistic culture and it points to persuade the viewers for them to get deeper into a cultural experience that starts with key lectures, community creativity labs integrated within a complex program of Pedagogic Curatorial Program which is creating a bridge between public, artists and artistic production. The international contest of visual art the central event of the Salon Machala; from this current edition, it took its name from the scientific term MUSA PARADISIACA, adopting the name botanic uses for banana, which starting at the fifties, became the main simbolic element of the city of Machala , also called the banana capital of the world The international prize for Visual Arts MUSA PARADISÍACA, has developped an important international call capacity. In this current edition, we have called the attention of artists from countries like South Corea, Colombia, Costa Rica, Argentina, Italy, Mexico, Peru, Brazil, Bolivia and Ecuador, who sent their applications form from their countries in order to submit their work under the parameters of the contest rules and regulations. From this, 44 entered artworks were selected to be part of the international exhibition for this edition. Out of that show, there will be three winners of the MUSA PARADISIACA, International Visual Art Prize. It is important to consider that, for this edition, we created the SPECIAL PRIZE FOR ARTISTS FROM THE PROVINCIA DE EL ORO, thanks to an anonimous international sponsor, who is interested in supporting the art career of local artists. We maintain for this edition the category of Special Guest Character. This time we have invited the artist, painter and writer Virgil Elliott, a master on technical processes of painting, following the pedagogical spirit that this edition propose and complemented with the excellent drawing workshop on human figure dictated by Eduardo Villacis, professional workshops event co-organized with the College of Communication and Arts Contemporary COCOA, of the Universidad San Francisco de Quito.

PRIMER PREMIO SALÓN MACHALA SEXTA EDICIÓN 2015 Para nutrir aún más este proceso de inmersión cultural, Marcio Tavares, de Brasil, curador de To nurture this process further, Marcio Tavares, Brazil, curator of the Biennial of Mercosur la Bienal de Mercosur y en esta ocasión, miembro del jurado de los Premios MUSA and this time, juror of the MUSA PARADISIACA PRIZES, brought us a major lecture on PARADISÍACA, nos trajo una importante conferencia sobre “Curadurías y exposiciones como "Curatorial Practices and Exhibitions as a Platform to Produce Knowledge "which drew Plataformas de producción de conocimiento”, que convocó a más de un centenar de personas more than a hundred people interested in the subject. So too will the renowned interesadas en el tema. Así también hará el renombrado artista norteamericano James American artist James Clover, juror this year, who will lead a magnificent lecture on his Clover, miembro del jurado de este año, quien dictará una magníﬁca conferencia sobre su own artistic process, especially aimed to young local artists, as stated by the same artist. propio proceso artístico, especialmente para jóvenes artistas locales, conforme ha The central conference, wil be offeredl, as in the previous edition, by our Special Guest manifestado el mismo artista que es de su interés. La conferencia central, la dará, como en la Character, the master Virgil Elliott. We will have the privilege of attending a talk with edición anterior, nuestro Personaje Invitado Especial, el maestro Virgil Elliott. Tendremos el one of the greatest American painters who knows the secrets of haute cuisine of privilegio de asistir a una charla con uno de los más grandes pintores norteamericanos Western figurative painting. His lecture will focus on the technical processes of his work conocedor de los secretos de la alta cocina de la pintura ﬁgurativa occidental. Su conferencia and the history of painting techniques in Western culture. versará sobre los procesos técnicos de su trabajo y la historia de las técnicas de la pintura en The two international exhibitions that the night of June 23 are going to be inaugurated, la cultura occidental. the Musa Paradisiaca Prize exhiibition , and producers and exporters of Banana Las dos muestras internacionales que se inauguran la noche del 23 de junio, la de los countries exhibition, show a variety corroborating the multiplicity of languages Premios Musa Paradisíaca y la de Países Productores y Exportadores de Banano, muestran characterictic of a cosmopolitan event. The artists in the referential exhibition, are una variedad que corrobora la multiplicidad de lenguajes propios de un evento artists who have a lucid and steady art carrer. cosmopolita. Los artistas de la exposición referencial, son artistas que con su trayectoria Another unparalleled event in our city will be the realization of the macro multimedia lúcida y constante han logrado un espacio importante en las artes de nuestros días. installation "YELLOW CARGO" proposed by renowned Chinese artist Gu Xiong, invited Otro suceso sin parangón en nuestra ciudad será la realización de la macro instalación multimedia “ YELLOW CARGO”, propuesta por el reconocido artista chino Gu Xiong, invitado by Salon Machala for the International show of Producing and Exporting Banana por el Salón Machala a la muestra Internacional de Países Productores y Exportadores de Countries Banana. Gu Xiong will assemble two hundred thousand boxes of bananas to Banano. Gu Xiong ensamblará mil quinientas cajas de banano para construir una macro build a macro multimedia installation. Local artists and from other parts of country have instalación multimedia. Artistas locales y de otras partes del país están plegando como joined this interesting proposal Banana boxes were donated for this purpose by a colaboradores a esta interesante propuesta. Las cajas de banano fueron donadas para este generous gentleman in our city, interested in the development of artistic culture of propósito por empresarios bananeros de nuestra ciudad, interesados en el desarrollo de la Machala. We are grateful for his generosity and interest in our projects. cultura artística machaleña. Estamos muy agradecidos por su generosidad e interés en I Also sincerely appreciate the availability and interest of Marcio Tavares, James Clover nuestros proyectos. and Lucas Ospina, outstanding characters of the contemporary international culture, Agradezco también sinceramente la disponibilidad y el interés de Marcio Tavares, James whose presence provides generous support for the Salon and undoubted quality Clover y Lucas Ospina, destacadísimos personajes de la cultura contemporánea cuya reference, rigor and prestige. presencia constituye un apoyo generoso para el Salón y una indudable referencia de .The longing of Salon Machala to become an autenthic space that generates and calidad, rigurosidad y prestigio. stimulates artistic culture, has led to an increasingly complex organization , which Los intensos deseos del Salón de convertirse en un auténtico espacio generador y means a huge number of deployed silently behind the curtains work, so to speak . This dinamizador de la cultura artística en nuestro medio, lo ha llevado a complejizarse cada vez event, as is being managed today would not be possible without the help of many más, lo que implica una inmensa cantidad de trabajo desplegado silenciosamente detrás collaborators who have selflessly given their valuable contribution. de las cortinas, por decirlo de alguna manera. Este evento, como se está manejando hoy en Finally, I want to thank the absolute disposition of the Municipality of Machala, through día, no sería posible sin la ayuda de muchos colaboradores que desinteresadamente han Carlos Falquez Aguilar, Major of Machala, for his interest and continued support to the dado su valioso contingente. Finalmente, quiero agradecer la absoluta predisposición de la Municipalidad de Machala, a Salon Machala and our proposals. través Carlos Falquez Aguilar Alcalde de Machala, por su interés y constante apoyo al Salón Machala y a nuestras propuestas. ENRIQUE A. MADRID DIRECTOR DEL SALÓN MACHALA

saramadrid (Ecuador)

DISEÑADORA Y COORDINADORA PROGRAMA CURADURÍA PEDAGÓGICA DESIGNER AND COORDINATOR PEDAGOGIC CURATORIAL PROGRAM

stefanyguzmán (Ecuador)

ASISTENTE DE DIRECTOR DIRECTION ASSISTANT

Nació y creció en Quito donde marcada por la inﬂuencia de sus padres siempre cultivó las artes como parte fundamental de su vida. Sara descubrió el teatro a los 15 años y formalizó sus pasión por el teatro cerrando sus estudios secundarios con una investigación teatral sobre el teatro callejero en Quito, con la cual le comenzó a interesar el arte en un contexto comunitario. Desde ese entonces y después de migrar a los Estados Unidos, su formación ha consistido en diferentes talleres de formación actoral, danza, mimo, voz, movimiento, combate escénico, teatro de sombras, drama aplicado, educación artística hasta artes marciales. En Ecuador sus primeros pasos de formación actoral se dieron en una pasantía con el Taller de Experimentos Alquimusicales Perros callejeros, clases de mimo con José Vacas y una formación dancística básica con la Escuela Metropolitana de danza y la bailarina Suzana Reyes en sus talleres de danza Butoh. Fuera del país se entrenó como actriz con la compañía universitaria Fusión de Laney College (Oakland, California), la escuela de The Berkeley Repertory Theatre, y Krisztina Peremartoni del Teatro Nacional de Hungría. Sara cursó sus estudios de teatro en la universidad de los Ángeles, California (UCLA), donde se graduó el 2012 obteniendo su licenciatura en artes dramáticas con una especialización en docencia. Realizó varios proyectos de artes integradas en escuelas de Los Ángeles, California a través del innovador programa Artsbridge. Tambien formó parte del Instituto de Actuación de Verano de UCLA como auxiliar docente y facilitadora de teatro de sombras. Sara lleva desde el 2010 enseñando artes, teatro, lectura e Inglés en Estados Unidos y en Ecuador, donde al momento trabaja como docente de Inglés. En el campo de la gestión cultural ha trabajado con la Sinfónica de Oakland y El renombrado programa educativo-artístico Design For Sharing de UCLA. Actualmente forma parte del Colectivo Internacional Teatral "El Corillo" como actriz y gestora cultural; también ha colaborado con el grupo de teatro y títeres LunAndariega como titiritera, actriz y gestora cultural. Sara es fundadora del proyecto multidisciplinario "Et Al," el cual participó en la edición anterior durante la inaguracion.

Sara Madrid was born and raised in Quito where marked by the influence of her parents always cultivated the arts as a fundamental part of her life. Sara discovered theater at age 15 and formalized her passion for theater finishing high school with a research Work on street theater in Quito, with which she became interested in the arts in the context of the community. Since then and after migrating to the United States, her training consisted of different workshops for acting training, dance, mime, voice, movement, stage combat, shadow theater, applied drama, arts education and even martial arts. In Ecuador her first steps of acting training took place in an internship with the Group Experimentos Alquimusicales Perros Callejeros, miming classes with José Vacas and basic dance studies at the Metropolitan School of dance and the dancer Suzana Reyes in her Butoh workshops . Outside the country she trained as an actress with the university company Fusion at Laney College (Oakland, California), trained with the School of The Berkeley Repertory Theatre, and Krisztina Peremartoni from the Hungarian National Theatre. Sara completed her theater studies at the University of Los Angeles, California (UCLA), where she graduated in 2012 obtaining her degree in dramatic arts with a specialization in teaching, as part of the Teaching Artis Program. She made several integrated arts projects in schools in Los Angeles, California through the innovative Artsbridge program. Also she was part of the Acting Summer Institute of UCLA as a teaching assistant and facilitator of shadow theater. Sara has since 2010 teaching arts, theater, reading and English in the United States and Ecuador, where at the moment works as a teacher of English. In the field of cultural management she has worked with the Oakland Symphony and the renowned artistic educational program, Design For Sharing, at UCLA. Currently, she is part of the International Theatre Collective "El Corillo" as an actress and cultural manager; She has also collaborated with the theater and puppets group LunAndariega as puppeteer, actress and cultural manager. Sara is the founder of the multidisciplinary project "Et Al," which participated in the previous edition of the Salon during the opening night.

Se destacó a nivel académico mientras realizaba sus estudios superiores en Artes Visuales, etapa en la que incursionó en el teatro, la gestión cultural y la labor social, organizando y coordinando festivales y exposiciones independientes de arte que convocaron a artistas del país y de Suramérica. Tomó varios cursos de dibujo, pintura y grabado. En el 2012 recibió un reconocimiento por dictar cursos gratuitos a adolescentes con capacidades especiales. Perteneció al taller de Creatividad Literaria dirigido por el reconocido poeta Roy Sigüenza y participó en dos encuentros de poesía en El Oro. Fue invitada a intervenir con un performance en la premiación del I Festival de Poesía Poetics, Federico García Lorca, en el que debutó como performer con Ablación, 2013 y al año siguiente realizó el performance In-hive (danza, dibujo y poesía) a partir de la obra del artista Enrique Madrid para su exposición panorámica de pintura en la Casa de la Cultura Benjamín Carrión Núcleo del Azuay - Cuenca y Núcleo de El Oro - Machala.

She had an outstanding academic record while she was doing her upper studies in Visual Arts, at that time, she dabbled in theater, cultural management and social work, organizing and coordinating independent art festivals that brought artists from South America. She took several courses in drawing, painting and printmaking. In 2012, she received a recognition for giving free courses for disabled teenagers. She belonged to the Creative Writing workshop led by renowned poet Roy Sigüenza and was part of two poetry gathering at El Oro province. She was invited to participate with a performance art at the awarding ceremony of Poetry Festival Poetics, Federico García Lorca, where she made her debut as a performer with the piece Ablation, 2013 and the next year she made the performance In-hive (dance, drawing and poetry) from the artwork of artist Enrique Madrid in the Casa de la Cultura Benjamín Carrión Núcleo del Azuay - Cuenca and Núcleo de El Oro - Machala. In 2015, she was invited to be part of an international artist residency project on the impact of mining in Portovelo and Zaruma, And during the same year she was selected to attend the second International Gathering on Artistic Education and Good Practices, organized by Organización de Estados Iberoamericanos, ArtEducarte y Fundación Tinkuy, Quito. Currently she attends Universidad de las Artes, Guayaquil, where she continues her career as an art student.

En 2015, estuvo vinculada en un proyecto internacional de residencia artística, sobre el impacto de la minería en Portovelo y Zaruma, meses después fue seleccionada para asistir al II Encuentro Internacional de Educación Artística y Buenas Prácticas, organizado por la Organización de Estados Iberoamericanos, ArtEducarte y Fundación Tinkuy, Quito. Actualmente continúa sus estudios en Artes Visuales en la Universidad de las Artes, Guayaquil.

enriquemadrid (Ecuador)

DIRECTOR / DIRECTOR

Enrique Madrid estudió en la Escuela de Artes de la Universidad Central del Ecuador (Quito), y fue alumno de la crítica y curadora cubana Guadalupe Álvarez, en La Habana. Del 2000 al 2009 vivió en Berkeley (California), donde realizó estudios de ﬁgura humana, acuarela y grabado. En 2005 hizo un viaje de investigación artística por algunos países de Europa. Fue miembro fundador y coordinador de proyectos del CEAC (Centro Ecuatoriano de Arte Contemporáneo). Entre 1995 y 2000 fue representado por La Galería de Quito. Como parte de delegaciones ecuatorianas ha expuesto en la Casa de las Américas (La Habana), en el Instituto Ítalo-Latinoamericano de Cultura (Roma), en la exposición Latin-American Contemporary Art (Providence, Rhode Island), entre otras. Ha obtenido el premio “Coloma Silva” a la mejor obra en la exposición de los egresados de la Escuela de Artes; fue premiado en el Primer Salón de Pintores Nóveles en Quito (con un jurado integrado por Kingman y Guayasamín); tuvo una mención especial y el primer premio en dos convocatorias del Salón Nacional de Acuarela “Pedro León”; en 1994 ganó el Salón Nacional de Pintura “Luis A. Martínez” y la primera mención en el Salón “Mariano Aguilera”. En 2014 la Casa de la Cultura Ecuatoriana “Benjamín Carrión” Núcleo de El Oro lo distinguió como “Pintor del Año” e inauguró en Machala y en la Casa de la Cultura Ecuatoriana “Benjamín Carrión” Núcleo del Azuay la muestra panorámica de su obra Tropicalismos. Actualmente reside en Machala, donde alterna su trabajo de taller con la Dirección del Salón Machala, junto a otras actividades de gestión cultural como la creación del CDAV (Centro para el Desarrollo de las Artes Visuales) y la Escuela de Artes Visuales E. Madrid. En 2012 fue seleccionado por el Banco Promerica para su ciclo de catálogos anuales, con la publicación del libro La Erosión del Sentido. En el 2015 representa al Ecuador en la Residencia Internacional de Artistas Zaruma- Portovelo que aborda temas sobre el paisaje, el agua y el impacto de la minería en el medio. Además, en el mismo año fue seleccionado para asistir al II Encuentro Internacional de Educación Artística y Buenas Prácticas, organizado por la Organización de Estados Iberoamericanos, ArtEducarte y Fundación Tinkuy, Quito.

Enrique Madrid attended art school at the Universidad Central del Ecuador (Quito) and took classes with the Cuban art critic and curator Guadalupe Álvarez, in La Havana. From 2000 to 2009 lived in Berkeley (California), where he studied human figure drawing, watercolor and printmaking. In 2005 he traveled throughout Europe doing art research. He was a founding member and projects coordinator at CEAC (Contemporary Art Ecuadorian Center). From 1995 to 2000 was represented by La Galería, Quito. As a part of Ecuadorian delegations he has exhibited at the Casa de las Américas (La Havana), at the Latin-American Institute of Culture (Roma), included in the show Latin-American Contemporary Art (Providence, Rhode Island), among others. Enrique was awarded with the prize Coloma Silva to the best artwork presented during the graduate exhibition at School of Art; he was an award winner participant during the First Salon of Young Fine Artists in Quito (being Kingman and Guayasamín the awarding jurors); the artist obtained a special mention and won the first prize in two watercolor contests Pedro León; in 1994 won the Salón Nacional de Pintura Luis A. Martínez and the first honorable mention at the Salon Mariano Aguilera. During 2005 Madrid won an international call to paint a mural in California about the ideas that helped to develop the notions on Democracy around the world. In 2006, Berkeley City College granted him with the Community Award, as a recognition to his cultural contribution to the city of Berkeley, California. In 2014 the Casa de la Cultura Ecuatoriana Benjamín Carrión Núcleo de El Oro designated him as The fine Artist of the year and opened in Machala and Cuenca his retrospective show named Tropicalismos. Enrique currently lives in Machala where he combines his studio activity with the direction of the international Salon of June, among other cultural activities. In 2012 he was selected by Banco Promerica for their annual editions, with the publication of the book The Erosion of Sense. In 2015 he represents Ecuador during the Artists’ International Residency Zaruma - Portovelo that approaches subjects on landscape, water and the impact of mining on the environment.

miembros del jurado

PREMIO INTERNACIONAL DE ARTES VISUALES VISUAL ARTS INTERNATIONAL PRIZE

members of the jury

jamesclover

(Iowa - Estados Unidos, 1938)

lucasospina

(Bogotá - Colombia, 1971)

Clover es un artista internacionalmente conocido y un académico consumado. Enseñó dibujo y escultura por treinta años. Su trabajo artístico es casi exclusivamente construido utilizando acero o bronce con soldadura, pintura y acabados con tratamientos al fuego. Las formas caprichosas son a menudo insurgentes del caos de blancas formas geométricas que escalan los aires. Algunas de sus más logradas piezas son orgullosamente exhibidas en parques de ciudades norteamericanas y como Alexander Calder, las obras de Clover no son extrañas a los campos universitarios. En 1998 una de las más grandes instalaciones escultóricas de este artista fue completada por la Universidad de Emory, Atlanta.

Artista colombiano, muy conocido por sus trabajos bajo el heterónimo de Pedro Manrique Figueroa – personaje de ficción, precursor del collage en Colombia- ha presentado recientemente una serie de dibujos con ingeniosas alegorías. Ospina representa el trillado tema de los amantes en varios actos de torpes juegos de amor que aparecen juguetones y complicados a la vez. Inspirado por sus personales relaciones, estos perversos gestos asoman divertidos en la extraña interpolación de las relaciones binarias al mismo tiempo que ofrece una poética y profunda meditación del romance moderno. Ospina es profesor de Artes Virtuales en la Universidad de Los Andes, Bogotá, y co-fundador-editor de la revista Valdez) recientemente incluida en Documenta 12).

marciotavares

Clover is an internationally known fine artist and consummate academician, he taught drawing and sculpture for 30 years. His work is almost exclusively steel or bronze constructions with various welding, paint, and burnishing treatments. The whimsical forms are often a riotous chaos of white geometric shapes that climb into the air. Several U.S. cities boast sculpture parks which host the work of both Clover and, like Alexander Calder, Clover's creations are no strangers to College campuses. In 1998, a major Clover installation was completed by Emory University in Atlanta.

Colombian artist, well known for his work under the guise of Pedro Manrique Figueroa — the fictional precursor of collage in Colombia — shows a recent series of drawings. With allegorical wit, Ospina depicts trite lovers in various acts of awkward love-games that are seemingly playful yet equally complicated. Inspired by his personal relationships, these perverse gestures poke fun at the strange interpolations of binary relations while offering a poetic and earnest meditation on modern romance. Ospina is a professor of Visual Arts at the University of Los Andes, Bogota, and co-founding-editor of Valdez Magazine (recently included in Documenta 12).

(Brasil, 1985)

Curador y editor. Master en Historia por la Universidad Federal de Río Grande do Sul, UFRGS Sus fortalezas en lo académico e investigación curatorial se encuentran en las áreas de la cultura latinoamericana. Tavares es profesor de curaduría en el Centro Universitario La Salle y coordinador de Memoria, Historia y Patrimonio de la Secretaría de Estado de Cultura del Estado de Río Grande del Sur, Director del Archivo Histórico de Rio Grande del Sur, entre otros. Ha publicado varios artículos y ensayos en revistas y libros relacionados con historia, arte y derechos humanos. Destacan algunos proyectos curatoriales como la exposición Dios y su obra en América del Sur: la experiencia de los Derechos Humanos través de los sentidos, en Porto Alegre. Fue curador-adjunto de la 10ª Bienal de Mercosur Mensajes de una nueva América

Historian, art curator and editor, he attended Federal Rio Grande do Sul University where he got a Master in History. His academic achievements and curatorial researches cover different areas of Latin-American culture. Tavares is a professor of curatorial practices at La Salle, Universitary Center and coordinator on Memory, History and Patrimony of the Secretary of Culture of Rio Grande do Sul State. Director of the History Archive of Rio Grande do Sul, among others. He has published several important articles on magazines and books related to art, human rights and history. Among his most important curatorial projects can be highlighted the exhibition God and his work in South America: The experience of human rights through the senses, in Portoalegre. He was a curator at the 10th. Biennal of Mercosur Messages from a new America.

PRIMER PREMIO FIRST PRIZE 51 segundos después, Acto 2 / La escombrera De la serie Pinturas Negras 2016

PREMIO INTERNACIONAL DE ARTES VISUALES VISUAL ARTS INTERNATIONAL PRIZE

GEOVANNY VERDEZOTO SÁNCHEZ ECUADOR / ECUADOR

ACRÍLICO Y AEROSOL SOBRE TELA Y LONA ACRYLIC AND SPRAY ON CANVAS 200 x 200 cm. 78.74 x 78.74 in

51 segundos después, acto / 2 la escombrera

geovannyverdezoto

51 segundos después, Acto 2 la escombrera , (de la serie Pinturas negras.) Es una obra experimental participativa que dio paso a la creación de una pieza producto del proceso creativo y búsqueda constante de un lenguaje artístico acorde con la situación nacional. Alrededor de 130 niños damnificados del sector de la zona de Pedernales trabajaron de manera libre y espontánea sobre una tela de gran formato donde terapéuticamente pudieron expresar su sentir. A partir de este producto – fondo, de carácter expresionista abstracto, decido vectorizar imágenes captadas en una de las escombreras en Pedernales y bajo la técnica del stencil y aerosol, plasmo estos personajes en negro, recreando momentos decisivos de la experiencia. En la parte del cielo de la escena están inscritos con barniz transparente de manera tenue y simbólica los nombres de algunas de las víctimas del desastre. Dando un efecto no legible a primera vista pero que poco a poco devela la larga nómina de personas que ahora son solo un recuerdo.

Geovanny Verdezoto. (1984) Artista visual y catedrático, vive y trabaja en Santo Domingo de los Tsáchilas. Graduado en la Universidad San Francisco de Quito, trabaja temáticas vinculadas con la exploración del ser y su entorno en tiempos actuales mediante el recurso de la pintura y la fotografía. Como artista plástico, ha trabajado en exposiciones nacionales e internacionales sobre temas relacionados a la cotidianidad. Su especialidad es la tinta y la acuarela. Representante por Ecuador en la Bienal de la Habana 11na edición 2012. Ha ganado el Salón de Julio de Guayaquil (2008) y el premio a la excelencia en la Trienal Internacional de Acuarela de Santa Marta en Colombia. Condecorado por el Municipio de Quito con el Premio Oswaldo Guayasamín a las Artes Plásticas. Como fotógrafo, ha alcanzado renombre internacional publicando varios libros colectivos y premios de fotografía. Ha participado en Festivales, Bienales y Foros Internacionales de Fotografía en Europa, Estados Unidos y Latinoamérica.

51 Segundos después, Act II La Escombrera (form Pinturas Negras series). It is a participatory experimental artwork, following the creative process we have been developing a piece of art that shows our continuous artistic research focus on our national current situation. Almost 130 children, who have been affected by the earthquake on the Pedernales area were part of this project. We created a free art space using a large white canvas, where they showed their feelings, fears and thoughts through painting. The result from this activity was the background for our work, It was full of abstracts expressionist. As a result, we start working on pictures from the shelter vectorizing them on top of our initial piece using stencil and spray techniques. We used black as the color on top of all the shapes from our previous pictures because it recreated all the decisive moments they have been pass through this experience. In contrast, on the sky area some names from the victims of earthquake have been written on transparent varnish. It is not clear to see from the first time, but when you pay attention on the side you will see all the list from the victims, who are only memories now.

Geovanny Verdezoto. (1984) Visual Artist and Art Professor, currently living and working in Santo Domingo de los Tsachilas. Graduated from Universidad San Francisco de Quito, his artworks are focus on self knowledge and contemporary problems using painting and photography. As a visual artist, he has been working on national and international galleries on topics related to the common daily basis. His techniques specially are ink and watercolor. He represented Ecuador in Bienal de la Habana 11th edition - 2012. He won the Salón de Julio 2008 (Guayaquil) and “Premio a la Excelencia” in la Trienal de Acuarela de Santa Marta- Colombia. The Municipio de Quito decorated him with the Oswaldo Guayasamin award for plastic art.

argumento / artwork tittle

sobre el artista / about the artist

51 segundos después, acto 2 / la escombrera de la serie pinturas negras / form black painting series

“Esta pintura tiene varias capas superpuestas de información. Sobre un lienzo pintado con una base gris se vertieron en sesiones separadas chorreones de pintura de varios colores. Para algunas sesiones de estos manchones se dejó que la gravedad haga su trabajo y que la pintura fresca se deslice sobre la superficie mezclándose al azar con otros colores. Otras acciones consisten en goteos y marcas de impactos de pintura, manotazos y golpes bruscos de pincel. A esa capa se sumó una capa de pintura negra, más controlada, que traduce una imagen al parecer de origen fotográfico. Ahí se distingue la volqueta de un camión vertiendo su material y, en primer y segundo plano, destacan en menor escala los rostros de dos hombres que miran hacia el frente. Hay otras figuras en la escena pero es difícil diferenciarlas pues fondo y figura se funden entre los recovecos del manchón negro entrecortado. Las zonas de la imagen que han desaparecido por el tratamiento gráfico dejan ver el fondo de la pintura, los gestos y manchas de la fase inicial y también, en la parte superior del cuadro, se leen a pequeña escala y en bajo contraste los nombres de varias personas. A la izquierda hay un letrero pintado con los dedos, en tonos rosados, que dice: “Pedernales”. Así las cosas, los escombros que se quieren retratar, los que vierte el camión y son producto de un temblor reciente, se mezclan con los escombros que deja el proceso creativo: la pintura retrata una parte de la tragedia reciente de Ecuador y al hacerlo mezcla esas ruinas con las que dejan los accidentes pictóricos.”

“This painting has several layers of visual information. Over the Surface of a canvas painted with gray ground, we observe several gushes of color put separately one by one. During some of this painting sessions, the artists allowed the fresh color to slip down as a consequency of the gravity effect. Some other actions on the surface of the painting are dripping, violent brush strokes and hand impronts. Over that layer, the artist added a layer of black painting,more controlled, that shows an image apparently more mechanic from photographic source. This layer contains an image of a truck throwing away construction debris. In the foreground two men faces looking directly to the front are briefly highlighted . There are several figures on the scene, but it is not easy to see them because they get mimetized with the background and the blacklayer . The areas which have dissapeared allow to “breathe” the images of painterly effects , gestures and a list of names belonge to several people behind the broken layer of black pigment. To the left of the painting, there is a sign painted with the finger using pink paint that says “Pedernales”. In this way, the depicted debris, the one that comes from the truck as a result of the recent earthquake and the others ones from the creative process of painting come together and get fused in one meaning: This painting depicts a part of the recent tragedy in Ecuador and by doing that, mixes the ruins of the natural phenomena with those accidental effects coming from the process of painting. “

Tomado del acta de selección final y premiación de la Séptima edición del premio MUSA PARADISÍACA”, 2016.

Quoted from the act of final selection and awarding of MUSA PARADISIACA PRIZE, Seventh edition. 2016.

SEGUNDO PREMIO SECOND PRIZE 4000 cm2 de pasión, furia, ﬁcción, magia y miseria… 2016

WILSON PACCHA CHAMBA ECUADOR / ECUADOR VISUAL ARTS INTERNATIONAL PRIZE

MIXTA SOBRE PUERTAS MIXED MEDIA 200 x 200 cm. 78.74 x 78.74 in

4000 cm2 de pasión, furia, ﬁcción, magia y miseria…

wilsonpacchachamba

El artista propone una suerte de bestiario y factoría llena de pasión, delirante, propositiva, punzante, en una obra hecha banda sonora, donde los imaginarios tanto el teórico como el formal, transgreden lo lúdico para que estas herramientas hinquen al espectador... Obra de título decidor y conmovedor, que taladra fonéticamente, y en la que la flora y la fauna visual parodian ocurrencias universales coqueteando con su localidad de la que siempre ha recreado y alimentado su imaginario y donde su soporte reciclado y el collage sin medimientos de recursos y artilugios técnicos son el tálamo ideal para la puesta en escena de esta especie de parodia letal, traduciéndola en una ópera prima titilante garúa constante a la retina.

Nacido en Quito, el 18 de mayo de 1972. Graduado por la Facultad de Artes Plásticas de la Universidad Central del Ecuador, institución a la que asistió entre 1990 y 1996. Destacan las exposiciones individuales "Los papilovers también lloramos" (1998), "Caldo de gallina" (2002), "Follar o morir" (2002), "Piel de navaja" (2007), "Tronchas de Narnia" (2014) y "Caprichos Salvajes" (2015). Internacionalmente su obra ha sido expuesta en Perú, Colombia, Brasil, Holanda, Taiwán, Finlandia, Argentina, Corea del Sur, entre otros países. Ha sido galardonado con una treintena de distinciones y premios, entre los que destacan el Salón de Julio de Guayaquil (años 2004 y 2013),el Salón de la Fundación El Comercio (2001) y el Salón de la CONUEP.

The artist proposes a sort of bestiary and factory that is delirious, evoking, prickling, and filled with passion; a work turned into a soundtrack, where the theoretical as well as the formal imaginaries, transgress the playfulness to pinch the spectator with its tools. The works tittle is decisive and moving; it drills phonetically where the visual flora and fauna parody universal situations while flirting with its locality from which its imaginary has always created and fed from....where its recycled support and its collage with endless resources and technical gadgets are the ideal thalamus for staging this kind of lethal parody,translating it into a scintillating opera prima that constantly drizzles over the retina.

Wilson Paccha was born in Quito, in 1972. He atended Fine Arts School at the Universidad Central del Ecuador between 1990 -1996. Where he obtained an Art Bachelor degree. Paccha has achieved several one person outstanding exhibitions: "Los papilovers también lloramos" (1998) "Caldo de gallina" (2002), "Follar o morir" (2002), "Piel de navaja" (2007), "Tronchas de Narnia" (2014) y "Caprichos Salvajes" (2015) Part of his artistic production has been highlighted at the International level and he has been show in Peru, Colombia, Brazil, Netherlands, Taiwan, Finland, Argentina, South Corea, and other countries. Wilson Paccha has received more than thirty prizes and awards like el Salón de Julio de Guayaquil (2004 and 2013), el Salón de la Fundación El Comercio (2001) y el Salón de la CONUEP.

argumento / artwork tittle

sobre el artista / about the artist

4000 cm2 de pasión, furia, ﬁcción, magia y miseria…

En esta pintura todo es exageración y contradicción. El soporte es estable, blanco, plano pero no se trata de un lienzo bien preparado o de una lámina especial hecha para la pintura, se trata de dos puertas que, pegadas arman un díptico, un par de objetos encontrados o deliberadamente usados para hacer y no hacer una pintura. La pieza luce desarticulada, es como si muchas personas hubieran actuado sobre ella. Hay gestos que parecen vandálicos, más propios del garabateo tosco, burdo y rápido de los baños públicos —el graffiti de un pene, unos pechos con varios pezones o un ovni así lo delatan—, pero en contraste a estas rápidas eyaculaciones gráficas hay otras representaciones, trazos más cuidados y lentos que detallan íconos como calaveras y corazones con un tratamiento propio de la paciencia del tatuador. En las partes superiores del cuadro hay dos grandes exabruptos, a la izquierda hay un sartén pegado al cuadro pero cubierto totalmente de pintura y acompañado de un tubo vacío de oleo. A la derecha hay un marco pequeño, pegado a la puerta, que contiene una pintura bucólica de una vaca sobre la que hay un jinete alienígena verde y desnudo. En esta miniatura el animal orina sobre un zapato de tacón y todo el conjunto sucede en un camino entre un bosque pintado con un puntillismo deliberadamente naif pero cuidadosamente irónico. Ambas ensoñaciones, la de la izquierda y la de la derecha, muestran la cocina pictórica en su máximo delirio, esta pintura es un catálogo de temas, técnicas e impresiones pictóricas, es tan tosca como fina, tan virtuosa como torpe, tan obvia y literal como metafórica. Es la muerte de la pintura a manos de un pintor que no parece darse cuenta que mientras más quiere acabar con el arte, más arte genera. Por momentos la pintura puede ser autocomplaciente y pasar de la vitalidad barroca a un rococó autoexotista, pero hay algo en su mugre y desfachatez que muestra que todo arte no es más que exageración, un estado de delirio hacía lo mínimo o hacía lo máximo donde la radicalidad garantiza el éxito y la paradoja es un estado incesante. Tomado del acta de selección final y premiación de la Séptima edición del premio MUSA PARADISIACA”, 2016.

In this painting, everything is exagerated and contradictory. The ground is solid, white and flat burit is not a regular canvas, or special ground prepared for painting; they are a pair of old doors put together to become a diptych. A pair of found objects used to deliberately remain ambiguous between its state of painting or found object. This pieces look disjointed, as if many people would have acted over it. There are graphic gestures that seem to be the traces of vandalism, like the ones that come from the public restrooms, tipically gross, coarse and fast at the same time –the graffiti of a penis, a pair of breasts with several nipples or a ufo makes it evident in his painting-. But in contrast to this fast graphic eyaculations, there are more ways of representation. Finer strokes carefully done, well treated skulls and hearts made done with the skills of a tatooist. On the upper part of that painting, there are two unexpected pieces, a pan glued to the surface on the painting and covered by oil painting and accompanied by an empty tube of oil paint.To the right there is a small frame fixed to the door that contains a small bucolic painting with a small cow with a green, naked alien rider. In this miniature, the animal piss on a high heel female shoe and everything around happens within a path that crosses a forest deliberately painted with naif features, carefully loaded with irony. These dual daydreaming features of the painting, the one on its right and the one from the left, shows the process of painting in its highest state of delirium. This painting is a catalogue of subjects, technical features, and pictorial impresions. It is fine and coarse, gifted and clumpsy, obvious and metaphoric. It is the death on painting by the hand of an artist who does not realize that the more he attempts to kill art, the more he generates more of it. For moments, his painting can be self-congratulatory and change from the baroque vitality to self exotic rococo, but there is something in its dirtness and impudence that makes evident that art is nothing but exageration, a state of delirium towards the minimum and the maximum, where being radical guarantees success and paradox is a constant, non-stop ingredient. Quoted from the act of final selection and awarding of MUSA PARADISIACA PRIZE, Seventh edition. 2016.

TERCER PREMIO THIRD PRIZE Retrato de mi madre PREMIO INTERNACIONAL DE ARTES VISUALES VISUAL ARTS INTERNATIONAL PRIZE

2015 DANIEL MARTÍNEZ SÁNCHEZ COLOMBIA / COLOMBIA ÓLEO SOBRE LIENZO OIL ON CANVAS 170 x 160 cm. 66.93 x 62.99 in

retrato de mi madre argumento / artwork tittle

Mi ejercicio artístico parte de una serie de preguntas sobre el ser humano y mi manera de enfrentarlas desde mi carácter tímido. Siempre me he interesado por las vidas de otras personas y me pregunto cosas acerca de su apariencia: ¿Por qué tiene alguien esa cara y no la de otra persona? ¿Por qué viste así? ¿Qué pasos habrá dado para estar en dónde está? Tratando de resolver esas preguntas me obsesiono con la apariencia de las personas e intento enfrentar la obsesión con la pintura. La pintura es para mí el lenguaje con el que logro, con menos limitaciones, pensar, discurrir y acercarme a las personas en un plano real y minucioso. Elaborar un retrato en pintura supone aplicar varias capas de color, prestar atención a los detalles y coordinar las partes para lograr esa apariencia que en algún momento es mi obsesión. Ese proceso es para mí análogo a reconstruir una biografía, seguir un camino hacia una cara, hacia el clima de una mirada o el gesto de una boca que hacen que esa persona sea quien es y posea ese rostro y no otro. My artistic activity starts from a serie of questions about human nature and the way I face my own introverted personality. I have always been interested in other people´s personallity, and sometimes I wander about their physical appeareance or looking. Why does she or he dress like that? How many steps were needed for them to get to the status they are in? Trying to solve those questions, I become obsessed with the appearence of the people and I try to face that feeling in my paintings. Painting is for me the language that allows me to reflect and get deeper in my thoughts. It also pushes me to get colser to people in order to carefully observe them in their real scenario. Painting a portrait implies applying several layers of color, paying attention to the details and put together the parts to achieve that appeareance that obsesses me. The process is for me similar to rebuild a biography, like following a path.

danielmartínezsánchez sobre el artista / about the artist

Daniel Fernando Martínez Sánchez nació en Bogotá, Colombia en agosto de 1984, en una familia fuertemente interesada por las artes y la cultura, especialmente la música; desde su adolescencia empieza a internarse en el mundo de las Artes Plásticas para posteriormente ingresar a la Academia Superior de Artes de Bogotá (ASAB), en donde recibió su titulo universitario en 2008. Ha participado en diferentes exposiciones en su país e internacionalmente desarrollando principalmente sus inquietudes artísticas en torno al retrato y a la pintura. Sus participaciones más destacadas han sido en la exposición Plataforma 4, Sexto Premio de Arte Joven Colsanitas, Spotlights en NEST Art Center y Apuntes Cotidianos en la Universidad Autónoma de Mexico. Daniel Fernando Martínez Sánchez was born in Bogota, Colombia in August 1984, in a family strongly interested in the arts and culture, especially music; since his teens begins to penetrate the world of the arts to later join the Academy of Arts of Bogotá ASAB, where he received his university degree in 2008. He has participated in various exhibitions in his country and internationally mainly developing their artistic around to painting portraits and concerns. Its most outstanding participation in the exhibition have been Plataforma 4, Sixth Prize for Young Art Colsanitas, Spotlights in NEST Art Center and Apuntes cotidianos at the Universidad Autónoma de México.

retrato de mi madre Esta es una gran pintura, por su tamaño, por el tamaño que adquiere el torso de la mujer que pretende retratar, pero también por la forma como está pintada. “Parece una foto”, podría decirse, y la frase es prueba del logro cometido, de la pintura como automatismo virtuoso de una práctica cuyo fin es emular la verdad que registra la retina. Pero el diablo está en los detalles, en ver con el cerebro, en imaginar y, al mirar de cerca esta pieza, se ve en ella una amplia variedad de retos pictóricos que no cualquier artista habría detectado y menos decidido enfrentar: la manera como pintó las hebras de cada cana que sale de la mata de pelo negro, o como pintó la tela del saco, los huecos de la prenda de vestir y su eco en los hoyos de los poros de la piel. O los ojos oscuros, con una mirada lela, con una córnea grisácea que evoca una aparente ceguera. O el brillo del flash que baña la piel lustrosa en algunas partes, un efecto que denota el origen fotográfico de la imagen, pero que muestra como el ojo del artista decide ver más que la cámara o dejar de ver, desenfocar, como cuando el artista escoge dejar unas zonas borrosas a los costados, un mirar oblicuo que muestra cómo ver, en el ser humano, no es una operación mecánica, como la de una cámara, sino que se trata de un acto aprendido, con los prejuicios propios de todo aprendizaje. Es importante también el rictus de una boca cerrada que no nos va a dirigir palabra alguna y que caracteriza a la mujer, mayor de edad, como alguien serio, tímido, lelo o perplejo ante la posibilidad de que alguien —¿su hijo?— le haga un retrato que la muestre tal como ella es. Esta pintura es tan bella como monstruosa, tan amorosa y hogareña como efectista (para algunos puede parecer algo seca y demandar un maquillaje conceptual para hacerla de interés). Estamos, ante todo, frente a un retrato frontal, un rostro que abarca toda el área del cuadro y toda nuestra mirada. Una pintura que, por un instante, le muestra al espectador una esfinge poderosa, hecha con maestría pictórica, que le dice “usted está aquí y ahora”, detenido, en el tiempo y el espacio de este cuadro. Tomado del acta de selección final y premiación de la Séptima edición del premio MUSA PARADISÍACA”, 2016.

This is a great painting, not only because of its size, or the size of the torso he portraits, but also by the way it is painted “It looks like a photo”, people could say, and the expression proves the achievement of painting as an gifted automatism in an artistic practice whose goal is emulate what the retina sees. But the painting as an artistic language is in its details in observing with the brain, instead just the eyes, to imagine, and while taking a closer look, you are able to find so many pictorial challenges that have been faced and solved in way that few artists can be aware of: the way he solved the technical problems of representing the gray hair of the portraited woman or how he painted the sweater of the woman, the holes of the dress and its eco in the skin pores. Her dark eyes with a fool look and grayish cornea evoques blindness or the way the camera flash reflects on the skin of her face that denotes the photographic origin of the image. It is also important to observe the rictus of her closed mouth that show its willingness to remain silent. We are after all in front of a frontal portrait, a face that fills all the painting area and all your visual scope, a painting that for a moment, shows to the viewer a powerful sphinx made with the skills of a master that tells us “we are here and now” detained in the space and time of this painting.

Quoted from the act of final selection and awarding of MUSA PARADISIACA PRIZE, Seventh edition. 2016.

MENCIÓN DE HONOR HONORABLE MENTION Plano de paisaje 2016

PREMIO INTERNACIONAL DE ARTES VISUALES VISUAL ARTS INTERNATIONAL PRIZE

ANTHONY ARROBO VÉLEZ ECUADOR / ECUADOR

CONCRETO REGULAR Y CONCRETO DE FRAGUADO RÁPIDO REGULAR CONCRETE AND FAST-SETTING CONCRETE 176 x 76 cm., 73 Kg. 69.29 x 29.92 in, 73Kg

MENCIÓN DE HONOR HONORABLE MENTION Distopía 21.8 2016

PREMIO INTERNACIONAL DE ARTES VISUALES VISUAL ARTS INTERNATIONAL PRIZE

JORGE VILCA MONTALVO PERÚ / PERU

ÓLEO SOBRE LINO OIL ON CANVAS 104 x 154 cm. 40.94 x 60.63 in

MENCIÓN DE HONOR HONORABLE MENTION Operación Crossroads 2016

PREMIO INTERNACIONAL DE ARTES VISUALES VISUAL ARTS INTERNATIONAL PRIZE

RAYMUNDO VALDÉZ ÁLAMOS ECUADOR / ECUADOR

ACRÍLICO SOBRE LIENZO ACRYLIC ON CANVAS 180 x 140 cm. Políptico 70.87 x 55.12 in Polyptych

MENCIÓN DE HONOR HONORABLE MENTION Sonriéndole a la muerte 2016

PREMIO INTERNACIONAL DE ARTES VISUALES VISUAL ARTS INTERNATIONAL PRIZE

CÉSAR SIMBAÑA YANCHAPAXI ECUADOR / ECUADOR

MIXTA: GRAFITO, TINTAS, ÓLEO Y PASTA ACRÍLICA SOBRE LIENZO MIXED MEDIA: GRAPHITE, INKS, OIL AND PASTA ACRYLIC ON CANVAS 200 x 200 cm. 78.74 x 78.74 in

PREMIO ESPECIAL AL ARTISTA ORENSE ORENSE ARTIST SPECIAL PRIZE

Arpegios despertando al alba 2016 PREMIO INTERNACIONAL DE ARTES VISUALES VISUAL ARTS INTERNATIONAL PRIZE

PABLO IZQUIERDO KOTCHIOUKOV ECUADOR-RUSIA / ECUADOR-RUSIA

Ã&#x201C;LEO SOBRE LIENZO OIL ON CANVAS 200 x 187 cm. 78.74 x 73.62 in.

R O B I N S O N B E N Í T E Z N A RVÁ E Z - E C U A D O R

G E O VA N N Y V E R D E Z O T O S Á N C H E Z - E C U A D O R

ZOILA CASTRO SALAS - PERÃ&#x161;

CLAUDIO MELLA CASTEL - CHILE

D AV I D O R B E A P I E D R A - E C U A D O R

F A V I O C A R A G U AY C Ã&#x201C; R D O V A - E C U A D O R

ANDREA RAMÍREZ CABRERA - ECUADOR

ALEXANDER TONGOMBOL MALCA - PERÃ&#x161;

L E N I N T O L E D O N AVA R R E T E - E C U A D O R

LUIS REINOSO CHIQUITO - ECUADOR

JUAN ESTRADA RODRÍGUEZ - COLOMBIA

PILAR BUITRAGO CUBAQUE - COLOMBIA

M I LT O N A L A J O G U I L C A M A I G U A - E C U A D O R

I VÁ N S A G A S T E G U I D Í A Z - P E R Ú

PA B L O R O M E R O V A LV E R D E - C O S TA R I C A

C A R L O S R O J A S B E N AV I D E S - E C U A D O R

A L E S S A N D R O V A L E R I O Z A M O R A - C O S TA R I C A

JORGE FERNÁNDEZ RODRÍGUEZ - PERÚ

J O N N AT H A N M O S Q U E R A C A L L E - E C U A D O R

CARLOS ROJAS CONTRERAS - COLOMBIA

A R I A N A C U E VA S G L A Z E R - C H I L E

MARÍA CHÉRREZ VELA - ECUADOR

LANNER DÍAZ RODRÍGUEZ - CUBA

D O U G L A S R I V E R A C Ã&#x201C; R D O VA - B O L I V I A

MIN SEOK CHI - COREA DEL SUR

PA B L O C A B R E R A Z A M B R A N O - E C U A D O R

ANDRÉS GANCHALA CÁCERES - ECUADOR

L U I S P U N G U I L PA U C A R - E C U A D O R

MARÍA MAN GING QUINTERO - ECUADOR

F R A N C E S C A PA L M A T E R Á N - E C U A D O R

MÓNICA LÓPEZ GORDILLO - ECUADOR

M A R C E L M O YA N O M E R A - E C U A D O R

CHRISTIAN MOREANO GARCÍA - ECUADOR

ORLANDO PHILCO GONZÁLES - ECUADOR

PA B L O R A M Í R E Z V E G A - P E R Ú

MARCO CASTELLANOS POPOCA - MÃ&#x2030;XICO

virgilelliott (Estados Unidos, 1944) (United States, 1944)

Nocturne 2003

VIRGIL ELLIOTT

ESTADOS UNIDOS / UNITED STATES

Ã&#x201C;LEO SOBRE LIENZO OIL ON CANVAS 81.28 x 88.9 cm. 32 x 25 in

Self- Portrait with Two Mirrors 2002

VIRGIL ELLIOTT ESTADOS UNIDOS UNITED STATES

Ã&#x201C;LEO SOBRE LIENZO OIL ON CANVAS 91.44 x 76.2 cm. 36 x 30 in

personaje invitado especial special guest character

El pintor y escritor Virgil Elliott es conocido como el autor del famoso libro Técnicas avanzadas de pintura al óleo y conceptos sobre pintura del renacimiento hasta la época actual. Publicado en el 2007 por la editorial Watson-Guptil. Reconocido como uno de los pocos maestros vivos de la pintura por el Art Renewal Center, junto con muchas distinciones de honor y premios que ha recibido a través de los años. Virgil es ampliamente reconocido como un experto en los procesos históricos de la evolución de las técnicas de pintura y materiales de pintura al óleo del pasado y del presente. El artista ha escrito y publicado artículos sobre el método de trabajo y las vidas de maestros de la pintura como Rembrandt, Tiziano, Frans Hals, Artemisia, Gentileschi y el artista del siglo 19 William Bouguereau, entre otros. Fue profesor de pintura al óleo por pocos años en la Universidad de Marín, en el condado de Marín, California y ha dictado clases privadas desde 1982. Aunque este artista ha obtenido a través de los años una sólida reputación como profesor de pintura al óleo, siempre ha permanecido enfocado en su producción artística personal. Virgil ha estado dibujando por 69 años, pintando por 59 años y enseñando arte por 33años. El artista a menudo bromea sobre si es que alguien no es bueno para alguna cosa que está tratando de hacer bien después de intentarlo por 50 años o más, algo definitivamente anda mal. Elliott ha sido un activo miembro del comité de pinturas y materiales para artistas de ASTM International (AmericanSociety for Testing and Materials) desde 1997, experiencia que ha ampliado de forma considerable sus conocimientos sobre los materiales para artistas y lo ha puesto en contacto con muchos conocedores en el área, incluyendo científicos expertos en conservación del más alto nivel, provenientes de los más importantes museos, de quienes dice que ha aprendido muchas cosas relacionadas con el tema a través de los años. Virgil Elliott tiene su estudio en la región vinícola del norte de California, donde pinta, da clases de arte y vive con su esposa, cantante y actriz Annie Lore. De vez en cuando, él ha trabajado como músico, tocando como solista la guitarra y el laúd renacentista y ocasionalmente acompañando a varios vocalistas. El artista siente que la música y la pintura se complementan plenamente. Su trayectoria incluye una mini carrera como músico que dejó a un lado por su carrera de artista visual en los tardíos años 30. Dibujar y pintar han sido siempre sus obsesiones pero un artista se beneficia del amplio abanico de experiencias de la vida, como el mismo artista dice: “El dominio magistral del lenguaje es extremadamente importante siempre y cuando lo que se tenga que decir valga la pena expresarlo”.

Painter/writer Virgil Elliott (born 1944) is best known as the author of the book, Traditional Oil Painting: advanced techniques and concepts from the Renaissance to the present, published in 2007 by Watson-Guptill Publications. Acknowledged as a Living Master by the Art Renewal Center, among the many honors and awards he has received over the years, Virgil is widely recognized as an expert on historic oil painting techniques and oil painting materials of the past and present. He has written and published articles on the working methods and/or lives of Rembrandt, Titian, Frans Hals, Artemisia Gentileschi, and the 19th Century French artist William Bouguereau, among other things. He taught oil painting at the College of Marin, in Marin County, California for a few years, and has taught privately since 1982. He has gained a good reputation as a fine teacher of art, though painting remains his primary focus. As this is written, Virgil has been drawing for 69 years, painting for 59 years, and teaching art for 33 years. He often jokes that if someone isn’t good at what he does after fifty years or so, something is wrong. He has been an active participant/member of ASTM International’s Subcommittee on Artists’ Paints and Materials since 1997, which experience has broadened his knowledge of artists’ materials considerably and has made him the acquaintance of many experts in the field, including top-level conservation scientists from major museums, from whom he says he has learned a great deal over the years. Virgil Elliott keeps a studio in California’s Wine Country, where he paints, teaches and writes, and lives with his wife, singer/actress Annie Lore. From time to time he has “moonlighted” as a musician, playing guitar and Renaissance lute, both as a solo instrumentalist and occasionally as accompanist to various vocalists. He feels that music and visual art complement one another. His background includes a “mini-career” as a musician, which took a back seat to his visual art career in his late thirties. Drawing and painting have always been his chief obsession, but an artist benefits from a wide range of life experiences. As he often says, mastery of the vocabulary is extremely important, but one must also have something to say with it that is worth expressing.

exposición multidisciplinaria de artistas de países productores y exportadores de banano: china,india, brasil, colombia y ecuador. multi-disciplinary exhibition of banana producers and exporting countries: china, india, brazil, colombia and ecuador GU XIONG, CHINA PAULA BARRAGÁN, ECUADOR SANTIAGO LEAL, COLOMBIA MARCELO AGUIRRE, ECUADOR RACHEL ROSALEN, BRASIL SERVIO ZAPATA, ECUADOR GUATAM GAROO, INDIA DANNY NARVÁEZ, ECUADOR

La exhibición pretende agrupar los diferentes lenguajes y propuestas artísticas de creadores de países atravesados por la histórica condición de ser productores y exportadores de banano, para evidenciar sus similitudes y diferencias. Es nuestra intención crear un punto de contacto y diálogo que nos permita reﬂexionar sobre las maneras de procesar las diferentes problemáticas derivadas del banano como sujeto cultural, tomando en cuenta la diversidad cultural que cada artista trae a esta muestra desde su experiencia con el tema en sus países de origen. Resulta relevante para nuestro medio, la posibilidad de este acercamiento reﬂexivo alrededor de un capital simbólico como el banano, que asoma como tradición y discurso identitario instaurado desde el poder económico y la institucionalidad. Esta muestra pretende poner en contraste un diorama cultural que constituirá, sin duda, una oportunidad para el fortalecimiento y desarrollo de una autoimagen en construcción de los procesos locales de identidad y sentido de pertenencia.

The exhibition aims to bring together different proposals by artists living in countries that have historically been at the forefront of producing and exporting banana, in order to highlight the similarities and differences between them. Our aim is to create a point of contact and dialogue that allows us to reﬂect on the various issues arising from the banana as a cultural subject, always taking into account the cultural diversity that each artist brings to this subject from their personal experience in their countries of origin. It is relevant to our local context the possibility of this thoughtful approach around banana as a symbolic capital, which is embedded in the tradition and identity speech of established economic power and institution. This exhibition seeks to create a cultural diorama, which undoubtedly, will constitute an opportunity for the strengthening of a developing self-image of local identity and sense of belonging.

guxiong

Chongqing, China 1953. Recibió su licenciatura y posteriormente un masterado, ambos en Artes Visuales del Instituto de Artes Visuales de Sichuan, en Chongqing. En Canadá, el artista participó por dos ocasiones como artista en residencia en el Banff Centre for the Arts. Además, ha estudiado en algunas universidades en China y los Estados Unidos. También ha sido jurado especializado en Artes Visuales, Media Art y Arquitectura en el Canadá Council The Governor General Awards, jurado de Canadá Council Visual ArtGrant, jurado del Seattle Arts Comission, jurado del BC Arts Council y Jurado de la Vancouver Foundation. Como profesor, en el Departamento de Historia del Arte, Artes Visuales y teoría del Arte en la Universidad de British Columbia, Xiong Gu está relacionado académicamente con todas las disciplinas artísticas como: instalación, pintura, dibujo, fotografía y teoría del arte contemporáneo. Gu Xiong es un artista multimedia versátil que trabaja con nuevos géneros artísticos, ha expuesto en su país e internacionalmente en más de 40 exposiciones individuales y algunos encargos de arte público importantes. Ha participado en más de cien muestras colectivas destacadas de arte a nivel internacional, incluida la muestra paralela a la Bienal de Venecia The Voice of the Unseen, Chinese Independent Art 1979-today (Venice, 2013); Border Zones: New Art Across Cultures, (Museum of Anthropology, Vancouver, 2010); Art Is Nothing - 798 Art Festival (Beijing, China); Post Avant-grade Chinese Contemporary Art - Four Directions of the New Era (Hong Kong, 2007); Starting from Southwest (Guang Zhou Art Museum, China); The Shanghai Biennale (2004); Multiple City (Panamá, 2003); Le Mois de la Photo (Montréal, 2001); the Montréal Biennale (2000), the Kwangju Biennale (Korea, 1995); y la sorprendente e innovadora exposición China Avant-Garde en el Museo Nacional de Bellas Artes (Beijing, 1989). Su obra es parte de colecciones como la de la Galería Nacional de Canadá, el Museo Nacional de Bellas Artes de China y la Galería de Arte de Vancouver, junto con otros museos y colecciones privadas.

He received his BFA and MFA degrees from the Sichuan Fine Arts Institute in Chongqing, China. In Canada, he twice attended the Banff Centre for the Arts as artist-in-residence, and in addition to many other colleges and universities in Canada, the United States and China. He has served on Canada Council The Governor General Awards Jury for Visual Arts, Media Art and Architecture, Canada Council Visual Art Grant Jury, Seattle Arts Commission Jury, BC Arts Council Jury, and Vancouver Foundation Jury. As Associate Professor in the Department of Art History, Visual Art, and Theory at the University of British Columbia, Gu Xiong is engaged in the disciplines of installation, painting, drawing, photography and contemporary art theory. He is a multi-media artist from China now lives in Canada, works with painting, drawing, printmaking, sculpture, photography, video, digital imagery, text, performance art and installation. He has exhibited nationally and internationally including more than 35 solo exhibitions and three public art commissions. He has participated in over 70 prominent national and international group exhibitions including the Shanghai Biennale (2004), where he was one of four Canadian representatives; MultipleCity (Panama, 2003); Le Mois de la Photo (Montréal, 2001); the Montréal Biennale (2000), the Kwangju Biennale (Korea, 1995); and the ground-breaking exhibition “China Avant-Garde” at the China National Museum of Fine Arts (Beijing, 1989). His work is represented in the collections of the National Gallery of Canada, the China National Museum of Fine Arts, and the Vancouver Art Gallery, among many other museums and private collections.

FOTOGRAFÍA / PHOTOGRAPHY Gabriela Parra.

Yellow Cargo 2016 - GU XIONG - CHINA - 350 x 1200 x 400 cm. MACRO-INSTALACIÓN UTILIZANDO 1500 CAJAS DE BANANA Y VIDEO MACRO MULTIMEDIA INSTALATION

Instalación Multi-Media

Propongo hacer una instalación con cajas de banano de Machala acompañados con una proyección de vídeo. Después de mi viaje a Machala el año pasado y la investigación de la importancia de las exportaciones de banano a China desde Machala y Ecuador, tengo la intención de hacer una instalación de un buque bananero hecho de cajas de banano (de Machala) en medio de la sala grande (19.05m de longitud ). A través de la globalización, Machala ha desarrollado fuertes relaciones económicas con China. El buque y las bananas, se convierten en un símbolo de la globalización y de las relaciones entre estos dos países. El buque representa la globalización, mientras que las cajas de banano representan la producción y la cultura local. En la parte posterior de la nave habrá una proyección de video de mi video, “Water Front,” que muestra las casas de los trabajadores que viven a las orillas del océano en Machala. Este video se relacionará aún más el buque a la comunidad local y su economía marítima floreciente.

AGRADECIMIENTOS THANKS TO

Multi-Media Installation I propose to make an installation using banana boxes from Machala accompanied with a video projection. After my trip to Machala last year and researching the significance of banana exports to China from Machala and Ecuador, I plan to make an installation of a ship made of banana boxes (from Machala) in the middle of the big room (19.05m in length). Through globalization, Machala has developed strong economic relations with China. The ship and banana become symbolic of globalization and the relationships between those two countries. The ship represents globalization while the banana boxes represent local production and culture. On the back of the ship there will be a video projection of my video, Waterfront, which shows the homes of workers who live by the ocean in Machala. This video will further relate the ship to the local community and its burgeoning maritime economy.

José Miguel Betancourt, Nataly Vásconez, Andrés Loayza, Marlin Luna, Gabriela Parra y Jorge Manríquez. Artistas de Machala y Cuenca que colaboraron en el montaje de la obra Artists from Machala and Cuenca who colaborated actively in this project.

paulabarragán

Quito, Ecuador 1963. Obtuvo su BFA (Bachelor of Fine Arts) en diseño e ilustración en el Pratt Institute de Nueva York. Además atendió cursos de grabado y pintura en Parsons, N.Y. y San Francisco Art Institute, CA. Desde 1987 mantiene su propio taller en Quito, donde diseña alfombras, logos, aﬁches, ilustraciones y portadas, pero su obra más importante la ha desarrollado en el campo del arte, en pintura, grabado y dibujo, realizando numerosas exposiciones individuales y colectivas en Estados

Unidos, España, Nueva Zelandia y otros países. Sus obras se encuentran en colecciones nacionales e internacionales. Ha sido invitada por galerías importantes en Estados Unidos. Ha obtenido los siguientes primeros premios: Bienal Nacional del Aﬁche, Quito 1994; Salón de Arte Ciudad de Quito, 1994, categoría Grabado; Bienal Nacional de Diseño, Quito, 2002, categoría Libro; Bienal Nacional de Diseño, Quito, 2004, categoría Ilustración.

She graduated from Pratt Institute in New York, with a BFA in design and illustration. She also attended several painting and printmaking classes in Parsons ,N.Y. and the San Francisco Art Institute, Ca. Since 1987 she works in her art studio where she designs carpets, logos, posters , llustrations and book covers. But her main work has developed in the area of art - painting, printing and drawing - carrying out numerous individual and group shows in her native Ecuador and in the US, Spain, Perú, New Zealand, and other countries. She is a permanent artist of Davidson Galleries, in Seattle ,Wa. and for ten years she worked with

Multiple Impressions in Soho, New York, where she presented three individual shows. Her work can be found in the museum of the Central Bank of Ecuador, as well as In private collections in Ecuador, US, Italy and Great Britain. Paula Barragan has obtained the following awards: First prize, National Biennial for Posters, Quito, 1994; First prize, Ciudad de Quito, Salon de arte, 1994, printmaking category; First prize, National Design Biennial, Quito, 2002, book category; First prize, National Design Biennial, Quito, 2004, illustration category.

Jungla de Papel I y II 2013

PAULA BARRAGÁN

ECUADOR / ECUADOR

IMPRESIÓN DE PIGMENTO SOBRE PAPEL DE ALGODÓN PIGMENT PRINT ON COTTON PAPER 100 x 265 cm. 39.37 x 104.33 in

marceloaguirre Quito, Ecuador 1956.

Desde 1979 ha trabajado como artista independiente: realiza exposiciones tanto individuales como colectivas dentro y fuera del país. Ha sido invitado a las bienales de arte en La Habana, dos veces a la de São Paulo, tres veces a la de Cuenca, Ecuador, y a la Feria Arco de España. Recibió el Premio Marco, premio único, Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, México, 1995; Premio Salón de Julio, Guayaquil, Ecuador, 1995; Premio Julio Le Parc, Segunda Bienal Internacional, Cuenca, Ecuador, 1989; la condecoración Honorato Vásquez, otorgada por el presidente Sixto Durán Ballén,1996. Desde 1987 hasta la actualidad se ha dedicado a la docencia. En 2000 fue miembro fundador del Colegio de Artes Contemporáneas, Universidad San Francisco de Quito. En 2010 actuó en la película El pescador de Sebastián Cordero. Actualmente es coordinador de Arte Actual Flacso, espacio que promueve el arte contemporáneo en el Ecuador, y es profesor en la Universidad San Francisco de Quito.

Since 1979 has been working as an independent artist. He has several solo and group exhibitions in Ecuador and abroad. Marcelo has been invited to participate in La Havana Art Biennal, Sao Paulo Art Biennal for two occasions. For three times, he was selected to be part of the Cuenca International Art Biennal, Ecuador and Arco International Art Fair, Spain. Marcelo Aguirre was granted the PREMIO MARCO, an international unique art prize from the Contemporary Art Museum of Monterrey, Mexico. In 1995. He won the first prize at the Salon of July, Guayaquil, Ecuador and in 1989, he was granted the Julio Le Parc Prize at the International Cuenca Art Biennal, Ecuador. In 1996, he received the Honorato Vasquez Award, granted by the Ecuadorian president Sixto Duran Ballen. Since 1987 he became and art profesor and was a founding member of the College of Contemporary Art, at the San Francisco University, Quito. Currently, he is the coordinator at Arte Actual Flacso, an art space which promotes Contemporary art in Ecuador, he is also a professor at San Francisco University, Quito.

Lagarto sobre fondo verde

De la serie Los Ancestros 2015

MARCELO AGUIRRE

ECUADOR / ECUADOR

ACRÍLICO SOBRE LAVAGEL ACRYLIC ON LAVAGEL 190 x 300 cm. 174.81 x 118.11 in

serviozapata Zaruma - Ecuador, 1969.

Mostró vocación por el arte desde la infancia, así lo corroboran los variados concursos de arte y premios que ganó durante su etapa inicial. Habiendo ganado un concurso cuyo jurado estuvo integrado por el prestigioso artista ecuatoriano de fama mundial, Oswaldo Guayasamín. Sus compañeros de aula en el Colegio de Bellas Artes Matilde Hidalgo de Procél lo recuerdan por su constante adhesión al arte. Por la década de los 90 se traslada a la capital azuaya, donde iniciaría la etapa formal de estudios artísticos en la Facultad de Diseño de la Universidad del Azuay, desde esta época empieza un periodo creativo donde el mundo surrealista de lo onírico y la bohemia fueron plasmados en sus lienzos, además de relacionarse con el mundo del arte cuencano a través de exposiciones individuales y colectivas, y conociendo a influyentes personalidades que repercutieron en su etapa de formación artística y académica por aproximadamente dos décadas. En el año 2006 se traslada hasta el puerto principal, Guayaquil, donde firma contrato de exclusividad con la galería Mirko Rodic Art Gallery, realizando durante un quinquenio 10 exposiciones nacionales e individuales en Guayaquil, Quito, Cuenca, Zaruma, y Machala, además de varias exposiciones internacionales en Noruega, España y China. Múltiples portadas de libros han sido engalanadas con las obras de Zapata, obras literarias publicadas en México, Colombia, Perú, forman parte de su currículum, así mismo ha sido entrevistado por prestigiosas revistas nacionales: Vistazo, Hola, o Punto de Partida y La Otra, revistas culturales de la UNAM en México y Canadá. El nombre de Servio Zapata ha trascendido las fronteras nacionales siendo solicitado en las dos casas de subastas más prestigiosas del mundo, es así como en el año 2010 su obra Donde regresa siempre el fugitivo fue subastada en la casa Sotheby´s y un año más tarde otra de sus pinturas Deberías aprender que mi camino es diferente que el tuyo fue subastada por la Christie´s. La crítica ha coincidido en calificar al artista zarumeño como uno de los mejores en su género, así lo califica Ia conocida Crítica de Arte Inés Flores.

He showed an early interest for visual arts, and became an awarded participant in several local contests, one of them having Oswaldo Guayasamin as a member of the awarding jury. His classmates at the Fine Arts high school remember him for his constant interest in art. Around the 90’s, he moved to Cuenca, where he attended the School of Art and Design at the Universidad del Azuay. From this stage, he started a creative period where the bohemia and the oniric from surrealistic world came together in his paintings. Furthermore, he gots in touch with the mainstream of Cuenca’s artworld through solo and group exhibitions and met inﬂuential people who positively affected his process of artistic development for about two decades. In 2006, Servio moved to Guayaquil, where he signed a contract with Mirko Rodic Art Gallery, to become its exclusive artist. During this period, Servio Zapata holds 10 solo shows around the country, in the main cities of Ecuador, as well as International exhibits in Noruega, Spain and China. The name of Servio Zapata has crossed the national boundaries by being requested for two of the most prestigious Fine Arts Auction houses such as Sotheby´s and Christie´s. in 2010 and 2011 two of his paintings were auctioned there. Critics agree to qualify this Zaruma born artist as one of the best of his kind, says the well known ecuadorian art critic Ines Flores.

SIGILO

Preámbulo a un silencio

Luz inmóvil, el día en el centro con su plateada flecha, un pájaro perdido en medio de estas piedras, en el oído, palabras que se mecen como la yerba del páramo y la vida como pájaro, yerba, reloj o piedra en el inmóvil centro del silencio.

SERVIO ZAPATA

SIOMARA ESPAÑA

2014

ECUADOR / ECUADOR

ACRÍLICO SOBRE TELA ACRYLIC ON CANVAS 150 x 300 cm. 59.06 x 118.11 in

santiagoleal Bogotá, Colombia, 1983.

Desde el 2004 Leal trabaja sobre ilusiones efímeras, haciendo un puente entre lo imaginario y los deseos de su cotidianidad. Su trabajo se suspende entre el destino del presente y la terminación de ideales utópicos futuros. En su proceso Leal se involucra en un amplio universo de intereses desde la forma de interacción de los humanos involucrando poder, hasta los comportamientos sexuales que se mezclan con un juego del imperio, empleando narrativas de género, deseo, religión, trabajo y fronteras tanto sociales como geográﬁcas. Con una amplia diversidad de medios, escoge para cada trabajo el lenguaje que le resulte más pertinente, dando como resultado un testamento tanto técnico como conceptual incluyendo en la obra instalaciones, fotografía, bordados, intervenciones en espacio público, acciones, videos, dibujos y esculturas en luz. Magíster en Bellas Artes de Chelsea College of Art and Design, Londres, becado por el Banco de la República de Colombia en el Programa Jóvenes Talentos (2011). Su obra ha participado en varias muestras individuales y colectivas, entre las que se destacan: - El Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO) en 2004, 2005, 2009 (Bienal de Bogotá) y 2015. - Nuevos Nombres (Banco de la República), mostrando en 6 regiones diferentes de Colombia) - NC-arte (Bogotá) Sujetos en el 2011 entre muchas otras.

A Bogota based artists, he works on the subjects of ephimeral illusions, creating a bridge between the imaginary and his daily life desires. His artistic proposal is suspending between destiny of present and the end of utopic ideals about future. In his creative process. Leal involves, within a wide universe of interests, starting with ways of human interaction in a context of power untill sexual behavior mixed with post colonial empire games,using gender narratives, dewire, religión, the concept of labor and boundaries in a social and geographical sense. Using a wide and diverse range of mediums, Santiago chooses for every artwork project, the most suitable language, which, as a result of it, turns out to be a technical and conceptual testament that includes in his atwork installations, photography, embroidery, public space interventions, art actions, videos, drawings and light sculptures. Santiago Leal obtained a Master in Fine Arts (MFA) from Chelsea College of Art and Design, London,after a scholarship granted by the Young Talent Program from the Bank of the Republic of Colombia ( 2011). His artwork has been featured in several solo and group exhibitions such as: -New Names ( Nuevos nombres), exhibition shown in .six different regions of Colombia. -NC-Arte SUJETOS. Bogota. 2011 among many others.

Tangata manu 1.0

De la serie 1000 lugares 1000 historias

(FOTOGRAMA / STILL IMAGE)

2016

SANTIAGO LEAL

COLOMBIA / COLOMBIA

VIDEO A DOS CANALES AUDIO 5.1 TWO CHANNELS VIDEO, AUDIO 5.1 06’00’’

gautamgaroo

Jammu y Cachemira, India 1985.

Las acciones repetitivas de Garoo representan la vaciedad, que es emulada en la superﬁcie de su trabajo. Es de su interés la idea del pasado resurgiendo en el presente. Gautam Garoo recibió su Título como Master en Artes Visuales de la Universidad de Western Ontario, Canadá y su licenciatura en Bellas Artes, especializado en escultura de la Delhi University, Nueva Delhi, India.

A native of Kashmir, India, Garoo’s repetitive actions present an emptiness that is emulated on the surface of the work. Of interest to him is the past resurfacing in the present. Gautam Garoo has received his Master of Fine Arts Degree from University of Western Ontario, London, Canada and his Bachelor of Fine Arts Degree in sculpture from Delhi University, New Delhi, India. He currently resides in Canada.

28º50’05.5’’N / 78º47’41.4’’E

(FOTOGRAMA / STILL IMAGE)

2016 (MORADBAD, INDIA)

GAUTAM GAROO INDIA / INDIA

VIDEO (COLOR, SONIDO) VIDEO (COLOUR, SOUND)

1:30

rachelrosalen Sao Paulo, Brasil 1971

La producción de Rachel Rosalen está basada en la construcción de espacios haciendo uso de múltiples medias y conceptos de arquitectura, donde mezcla medios electrónicos como vídeos, programaciones y también performances para hacer vídeo instalaciones interactivas y cinema en vivo performance. La construcción de estos espacios involucra desde la dirección de actores hasta la colaboración con músicos, ingenieros electrónicos para desarrollo de interfaces y programadores. Frecuentemente la artista hace performances en estudio o en espacio públicos. Licenciada en Arquitectura y Urbanismo de Bellas Artes, en 2002, recibió el título de Master por el Departamento de Multimedia de la UNICAMP. Entre 2002 y 2003 fue profesora de la Universidad PUC-SP en el curso de Comunicación Arte del Cuerpo. En 2003 adquirió la beca para la Residencia Artística a través de la Fundación Japón para desarrollar proyectos en la ciudad de Tokio. Durante 13 meses de estadía en Japón realizó exposiciones individuales en el Museo de Arte de Yokohama, Image Forum y participó de exposiciones colectivas, 8 Hour Museum, A-I-T, Red Cube, Embajada de Brasil y Perspective Emotion #6 – To the Unknown Horizon (collective improvisation with chance meeting), HOSEI University. En este período también exhibe sus trabajos en Nueva York (Nassau University, Monkey Town) y en Europa (galería El Alpeh en Roma, VIDEOFORMS en Clermont-Ferrand, Centre Pompidou, Kunstraum Walcheturn/ Zurich, La Filature/Moulhouse , Archemedia/ Napoli entre otros). En 2007 inicia un trabajo de colaboración con el artista Rafael Marchetti y juntos participan de la Muestra SESC de Artes - Circulaciones (Sao Paulo/BR), con la primera fase del proyecto Territorios Complexidad - 2334s 4639w. Juntos presentan en 2008 territorios en Zurich en el DIY Festival y Kunstraum Walcheturn, así como en Plugin en Basel. Realizan y presentan en Basel no Gästeatelier Werkraum Warteck PP el proyecto About love and other politics.

Rachel Rosalen’s works focus on the construction of spaces by using multimedia and concepts of architecture. The artist mixes electronic media like videos, programmings and performances to make interactive video installations and live cinema performances. Rosalen had exhibitions and projects in renowned cultural centers such as Centre Pompidou (Paris), Plugin (Basel), Yokohama Museum of Art (Japan), Museum für Gegenwartskunst (Basel), Image Forum (Tokyo), Videoformes (Clermont-Ferrand), Kunstraum Walcheturm (Zurich), La Filature (Mulhouse), Palazzio Nuovo (Naples), Paço das Artes (São Paulo), VIDEOZONE IV – 4th International Video Art Biennial (Israel). She have also been contemplated with awards like PAC New Media Prize (São Paulo, Secretaria da Cultura) and Sergio Motta Art and Technology Prize, São Paulo (2002 and 2007). Rosalen was selected for an artist in residence programby The Japan Foundation/ Nanjo and Associates, Werkraum Warteck PP/ Warteck Fonds – Basel and Bain::Connective, Brussels. Since 2007 the artists Rachel Rosalen and Rafael Marchetti started working together. Combining drawings of physical and/or virtual spaces that allude to architecture and net, together they developed interactive installations and hybrid spaces. In 2014 Rosalen and Marchetti create the artist in residence project rural.scapes - lab in residence, contemplated with awards like Rede Nacional Funarte de Artes Visuais, Espaços Independentes de Artes Visuais and Territórios das Artes (Sao Paulo state cultural prizes).

Esto no es un estado de excepción

VIDEO-INSTALACIÓN CON 3 MONITORES DE TV,

2016

3 SISTEMAS DE SONIDO Y 3 BALDES VETERINARIOS

BRASIL / BRAZIL

VIDEO-INSTALATION WITH 3 TV MONITORS, 3 SOUND SYSTEMS AND 3 VETERINARIAN BUCKETS

ESTO NO ES UN ESTADO DE EXCEPCIÓN

THIS IS NOT A STATE OF EXCEPTION

Esta obra es parte de una serie de proyectos “anti-guerra”, que se inicia con

This work belongs to a series of "anti-war" projects, which starts with CORPUS

anti-guerra, (vídeo instalación interactiva), Ensayo sobre la crueldad o el

(interactive video installation), Essay on Cruelty or Mr. Fatzer meets the Queen

RACHEL ROSALEN

CORPUS URBANUS (vídeo instalación interactiva), BLACK RAIN # un proyecto

URBANUS (video interactive installation), BLACK RAIN # anti-war project

encuentro del Sr. Fatzer con la Reina de Copas (live cinema) y #07 Ensayos

of Spades (live cinema performance) and # 07 Essays on Cruelty (video

sobre la crueldad, video instalación.

installation).

ESTO NO ES UN ESTADO DE EXCEPCIÓN es una video-instalación que se basa

THIS IS NOT A STATE OF EXCEPTION is a video installation based on a ﬁctional

de Soledad,” de Gabriel Garcia Marques, MacondoTV, pone en escena una

Hundred Years of Solitude", MacondoTV stages a short compilation of atopics

en una red de TV ﬁcticia, MACONDO TV. Con inspiración en el libro “Cien Años

compilación no cronológica y atópica de videos sobre el abuso del poder, la

ascensión de la derecha conservadora en Latino América y en el mundo. Baldes para amamantar animales sirven de metáfora a la corrupción instalada

desde hace 500 años, y a esto se contrapone imágenes callejeras de movimientos sociales en contra de estos poderes estabelecidos. VIDEO-INSTALACIÓN: RACHEL ROSALEN

AGRADECIMIENTOS: LIANE STRAPAZZON, MARCELO ARMANI, MÁRCIO TAVARES, CÉSAR MADRID Y

PATRICIA CARTUCHE.

TV, the MacondoTV. Inspired by the Gabriel Garcia Marques´ book "One and non-chronological videos about abuse of power and the rise of

conservative right wing in Latin America and all over the world. Buckets for feeding animals function as a metaphor for the corruption installed since 500

years, contrasting street images of social movements faithing against these established right powers.

VIDEO-INSTALLATION: RACHEL ROSALEN

ACKNOWLEDGEMENTS: LIANE STRAPAZZON, MARCELO ARMANI, MÁRCIO TAVARES, CÉSAR MADRID Y

PATRICIA CARTUCHE.

dannynarváez

Machala, Ecuador 1985.

Licenciado en Artes Visuales por la Universidad de Cuenca (2011). Trabaja con el proyecto “plástico diluido” como técnica pictórica contemporánea. Obtuvo el Primer premio en el VI salón Nacional de Pintura “Eduardo Kingman”, Loja (2012), el Tercer Premio en el LIII Salón de Julio, Guayaquil (2012), el tercer Premio en el primer “Salón de la cultura Cañari”, Cañar (2015), participó en el Primer Festival Binacional de Arte y Cultura Ecuador -Perú (2012). Mención de Honor en el Salón Luis A. Martínez, Ambato (2013). Obtuvo el Premio “Jorge Vega Izquierdo” al mérito pictórico otorgado por la Casa de la Cultura Ecuatoriana (2012). Tiene a su haber varias muestras individuales y colectivas a nivel local y nacional. Su obra ha sido expuesta en las ciudades más importantes del país, se ubica dentro del circuito de arte contemporáneo del Ecuador que llevó a su obra a ser parte del libro y muestra colectiva: "Mapas del Arte Contemporáneo en Ecuador" dirigido por la Universidad de Cuenca dentro del programa Prometeo de la Secretaria de Educación Superior, Ciencia, Tecnología e Innovación Senescyt (2014). Actualmente se desempeña como docente de Historia Superior dentro del programa de Bachillerato Internacional para el Ministerio de Educación del Ecuador, Machala (2013) y se encuentra cursando sus estudios de Cuarto nivel denominado “Maestría en Estudios de Arte” ofertado por la Universidad de Cuenca.

He obtained a Bachelor in Visual Art at the Universidad de Cuenca in 2011. His currenttly uses diluted plastic as a main medium and technique for his contemporary art proposals. Danny won the First Prize In 2012, granted by the “Eduardo Kingman” Sixth National Juried Painting Exhibition in Loja, Ecuador. In 2012, he got the Third Prize at the Salon Salon de Julio, Guayaquil besides meny other awards in Ecuadors like the Honorable Mention in the National Contest of painting called Salón de Ambato and was publicly acknowledged by The Casa de la Cultura Nucleo de El Oro, as a meritorious artist. In his carrer, Danny Narváez has been featured in several important solo and group exhibitions. His artwork has been included in remarkable group shows such a “Maps of the Contemporary Art in Ecuador”. Nowadays, he teaches Art History within the program of International Bachelor for Ecuadorian Public High Schools. Danny is currently attending a Master in Art Studies at the Universidad de Cuenca, Ecuador.

Residuos 2016

DANNY NARVÁEZ PAZ ECUADOR / ECUADOR PLÁSTICO DILUIDO DILUTED PLASTIC

12 x 45 x 140 cm. 4.72 x 17.72 x 55.12 in

programa de curaduría pedagógica art education curatorial program DISEÑO Y COORDINACIÓN

DESIGN AND COORDINATION

COORDINADORA LOCAL

LOCAL COORDINATOR

PROGRAMA DE EDUACIÓN Y ARTES

EDUCATION AN ART PROGRAM

PROGRAMA DE MEDIACIÓN ARTÍSTICA

ARTISTIC MEDIATION PROGRAM

. SARA MADRID A., QUITO . LILIA GARCÍA, MACHALA . CON LA COLABORACIÓN DE LA SOCIEDAD CREATIVA LUDOMENTIS . CON LA COLABORACIÓN DE cÓdigo SEMILLA . MEDIADORES ARTÍSTICOS:

JONATHAN ULLOA ELIANA MOSQUERA N.

FACILITADORAS

. SARA MADRID A., QUITO . LILIA GARCÍA, MACHALA . WITH THE COLLABORATION OF LUDOMENTIS CREATIVE SOCIETY . WITH THE COLLABORATION OF cÓdigo SEMILLA . ARTISTIC MEDIATORS:

JONATHAN ULLOA ELIANA MOSQUERA N.

FACILITATORS

. PAOLA VITERI, QUITO

. SOL GÓMEZ, QUITO

. MARCELA ORMAZA, CIUDAD DE MÉXICO

TALLER DE MEDIACIÓN ARTÍSTICA TALLER DE MEDIACIÓN ARTÍSTICA REPRESENTANTE SOCIEDAD CREATIVA LUDOMENTIS TALLER PARA DOCENTES Y ARTISTAS

TALLER DE EDUCACIÓN ARTÍSTICA

ARTISTIC MEDIATION WORKSHOP ARTISTIC MEDIATION WORKSHOP REPRESENTATIVE OF LUDOMENTIS CREATIVE SOCIETY WORKSHOP FOR TEACHERS AND ARTISTS

ARTISTIC EDUCATION WORKSHOP

El objetivo de esta nueva adición al salón es sentar las bases para un programa educativo que crezca y que permita el fortalecimiento de la comunidad a nivel cultural y artístico. Para poder cumplir con nuestros objetivos, en esta primera iniciativa se han propuesto como ejes el Programa de Mediación Artística, el Programa de Artes y Educación y el Programa de Arte Comunitario, los cuales abarcan una serie de eventos que incluyen capacitaciones, talleres, foros y la oportunidad para el público de disfrutar del arte y de las exposiciones del Salón con la asistencia de artistas y estudiantes de artes seleccionados para ser capacitados en el Programa de Mediadores Artísticos. Dentro del Programa de Artes y Educación se dictará dos talleres que están enfocados en la formación y Capacitación en Artes Integradas en función del Salón y la profundización de otros conocimientos. Por otro lado, a través de la creación del Programa de Mediación Artística que acompañe a las exposiciones del Salón, se busca crear una relación dinámica entre el arte y el público asistente; se crearán visitas guiadas dirigidas a público general, estudiantes de escuela y colegio, y se dedicará un espacio especial para compartir arte en familia. A través de la estación creativa permanente durante toda la temporada de exhibiciones, el público tendrá acceso también a talleres que les permitirá vivir activamente las artes con experiencias lúdicas y procesos creativos in situ. El último componente del programa será el Proyecto Artístico Comunitario que está compuesto por el Laboratorio de Arte Comunitario, (LAC), que busca desarrollar proyectos artísticos dentro del marco comunitario en un sector especíﬁco de la ciudad de Machala, y el Cine-Arte Foro Itinerante que circulará en varios barrios de la ciudad, durante las exposiciones.

The main goal behind the newest addition to the salon is to lay the foundation for an educational program that will grow and allow for the strengthening of the community on both, a cultural and artistic level. In order to meet our objectives, three programs (Arts Mediation, Arts and Education, and Community Art) have been selected as the core of the project. Each of these programs will include a series of events such as trainings, workshops, forums, and the opportunity for the public to enjoy the art and exhibitions in company of the artists and a carefully selected and trained group of students. Through the Arts and Education Program, two workshops will be taught that focus on the formation and Training in Integrated Arts as they relate to the Salon as well the development of other skills. Through the creation of the Artistic Mediation Program we are looking to create a dynamic relationships between art and its audience. Events like guided visits for the general public and students of all ages as well family-oriented spaces will be available in all salon exhibitions. In addition, there will be a permanent creative station that will remain open through the duration of the exhibitions, so the public will have access to workshops that will allow them to be actively involved in art through recreational experiences and creative process in situ. The last component of the program will be the Community Art Project which is composed by the Art Community Lab (ACL), which seeks to develop artistic endeavors within the community of the city of Machala, and the traveling ﬁlm-forum that will make its way through several of the city’s neighborhood through the duration of the exhibitions.

Niños tomando CLASES ABIERTAS DE ARTE, durante la práctica docente del taller de Educación Artistica, dirigido por Marcela Ormaza. Children taking OPEN ART CLASSES during the practical part of the Artistic Education Workshop, directed by Marcela Ormaza.

Ejercicios sensoriales realizados con los participantes del Taller de Mediación Artística con las facilitadoras Paola Viteri y Sol Gómez. Sensorial exercises with the participants of the Artistic Mediation Workshop facilitated by Paola Viteri and Sol Gómez.

TALLER DE MEDIACIÓN ARTÍSTICA Facilitadora Paola Viteri. ARTISTIC MEDIATION WORKSHOP Paola Viteri.

cédulas de obras seleccionadas / art labels of selected artworks 7.8

51 segundos después, Acto 1

Adán y Eva

ROBINSON BENÍTEZ NARVÁEZ

2016

ZOILA CASTRO SALAS

2016

ECUADOR / ECUADOR

ACRÍLICO SOBRE LIENZO ACRYLIC ON CANVAS 190 x 150 cm. 74.81 x 59.06 in

De la serie Pinturas negras

GEOVANNY VERDEZOTO SÁNCHEZ ECUADOR / ECUADOR

ACRÍLICO Y AEROSOL SOBRE TELA Y LONA ACRYLIC AND SPRAY ON CANVAS

2015

PERÚ / PERU MIXTA MIXED

120 x 120 cm. 47.24 x 47.24 in

200 x 180 cm. 78.74 x 70.87 in

Ilumíname

05995 QNADL

CLAUDIO MELLA CASTEL

DAVID ORBEA PIEDRA

2016

CHILE / CHILE

ACRÍLICO SOBRE TELA ACRYLIC ON CANVAS 130 x 130 cm. 51.18 x 51.18 in

S/T 2016

(Duo desbordes)

ANDREA RAMÍREZ CABRERA ECUADOR / ECUADOR

LIENZO CRUDO E HILOS PINTADOS CRUDE CANVAS AND PAINTED THREADS 80 x 80 cm., 40 x 40 cm. 31.50 x 31.50 in, 15.75 x 15.75 in

2016

(Estudio)

ECUADOR / ECUADOR

ACRÍLICO SOBRE CARTÓN ACRYLIC ON CARDBOARD 80 x 168 cm. Políptico 31.50 x 66.14 in Polyptych

Transeúnte de Amalia 2016

ALEXANDER TONGOMBOL MALCA PERÚ / PERU

MIXTA SOBRE CARTÓN MIXED ON CARDBOARD 42 x 62 cm. 16.54 x 24.41 in

Vibraciones en la ruta del Spondylus 2016

FAVIO CARAGUAY CÓRDOVA ECUADOR / ECUADOR

ACRÍLICO SOBRE LIENZO ACRYLIC ON CANVAS 133 x 200 cm. 52.36 x 78.74 in

Un día después de las 18h58 del 16-04-2016 2016

LENIN TOLEDO NAVARRETE ECUADOR / ECUADOR ÓLEO SOBRE LIENZO OIL ON CANVAS 112 x 169 cm. 44.09 x 166.54 in

DE-RE-GENERACIÓN

S/T

Desierto

LUIS REINOSO CHIQUITO

JUAN ESTRADA RODRÍGUEZ

PILAR BUITRAGO CUBAQUE

2016

ECUADOR / ECUADOR MIXTA SOBRE LIENZO MIXED ON CANVAS

2016

COLOMBIA / COLOMBIA ÓLEO SOBRE LIENZO OIL ON CANVAS

2015

COLOMBIA / COLOMBIA ÓLEO SOBRE TELA OIL ON CANVAS

150 x 170 cm. 59.06 x 66.93 in

120 x 100 cm. 47.24 x 39.37 in

40 x 44 cm. 15.75 x 17.32 in

Furia de los volcanes N° 1

La gran migración de los seres efímeros

Cortés

IVÁN SAGASTEGUI DÍAZ

COSTA RICA / COSTA RICA

2015

MILTON ALAJO GUILCAMAIGUA

ECUADOR / ECUADOR

ÓLEO SOBRE LONA CRUDA OIL ON CRUDE CANVAS 120 x 140 cm. 47.24 x 55.12 in

2016

PABLO ROMERO VALVERDE

PERÚ / PERU

COLLAGE COLLAGE

MIXTA MIX

200 x 150 cm. 78.74 x 59.06 in.

45 x 36 cm. 17.72 x 14.17 in

Cartografías (Díptico)

Geometría Especial Inca

CARLOS ROJAS BENAVIDES

ALESSANDRO VALERIO ZAMORA

JORGE FERNÁNDEZ RODRÍGUEZ

MIXTA: LÁPIZ, ACRÍLICO, ÓLEO (OBJETO PICTÓRICO) MIXED: PENCIL, ACRYLIC, OIL (PICTORIAL OBJECT)

MIXTA: TIERRA, HONGOS Y CEMENTO SOBRE MADERA MIXED: EARTH, MUSHROOMS AND CEMENT ON WOOD

La sombra que produce su luz en él 2016

ECUADOR / ECUADOR

60 x 60 cm. 23.62 x 23.62 in

2015

COSTA RICA / COSTA RICA

45 x 25 cm. Cada uno 17.72 x 9.84 in Either one

2016

PERÚ / PERU

INTERVENCIÓN - PINTURA INTERVENTION - PAINTING 90 x 120 cm. 35.43 x 47.24 in

cédulas de obras seleccionadas / art labels of selected artworks Atlas Trashumante

Nuevo orden

Lost in Zambia

JONNATHAN MOSQUERA CALLE

CARLOS ROJAS CONTRERAS

ARIANA CUEVAS GLAZER

2016

ECUADOR / ECUADOR

ACRÍLICO SOBRE LIENZO ACRYLIC ON CANVAS 53 x 120 cm. 20.87 x 47.24 in

2016

COLOMBIA / COLOMBIA COLLAGE INTERACTIVO INTERACTIVE COLLAGE 42 x 33 cm. 16.54 x 12.99 in

Féminas I y II

MARÍA CHÉRREZ VELA

LANNER DÍAZ RODRÍGUEZ

ACRÍLICO Y GRAFITO SOBRE TELA ACRYLIC AND GRAPHITE ON CANVAS

ACRÍLICO SOBRE TELA ACRYLIC ON CANVAS

ECUADOR / ECUADOR

2015

CHILE / CHILE MIXTA MIXED

50 x 50 cm. 19.69 x 19.69 in

¿A qué vino la Cicciolina? 2016

2016

(Díptico)

CUBA / CUBA

Los sueños rotos 2016

DOUGLAS RIVERA CÓRDOVA BOLIVIA / BOLIVIA

ÓLEO SOBRE TABLA OIL ON WOOD

124 x 166 cm. 48.81 x 65.35 in

100 x 120 cm. Cada uno 39.37 x 47.24 in Either one

Gwaneumdo the Goddess of Mercy

Tiempos del cuerpo

Bata azul

MIN SEOK CHI

PABLO CABRERA ZAMBRANO ECUADOR / ECUADOR

ANDRÉS GANCHALA CÁCERES

2015

COREA DEL SUR / SOUTH KOREA

PINTURA SOBRE TELA, COLLAGE DE OBJETOS PAINT ON CANVAS, OBJECT COLLAGE (GOURD DIPPER) 60 x 50 cm. 23.62 x 19.69 in

2016

MIXTA: ÓLEO SOBRE TELA Y PAPEL FOTOGRÁFICO MIXED: OIL ON CANVAS AND PAPER PHOTOGRAPHIC

90 x 90 cm. Cada uno 35.43 x 35.43 in. Either one

2016

ECUADOR / ECUADOR ÓLEO SOBRE TELA OIL ON CANVAS

49.5 x 136 cm. Polidíptico 19.48 x 53.54 in Polyptych

115 x 95 cm. 45.28 x 37.41 in

Agonía

Esencia

S/T

LUIS PUNGUIL PAUCAR

FRANCESCA PALMA TERÁN

MARÍA MAN GING QUINTERO

MIXTA: ÓLEO Y PINTURA AUTOMOTRIZ SOBRE TELA MIXED: OIL AND AUTOMOTIVE PAINT ON CANVAS

ÓLEO SOBRE LIENZO OIL ON CANVAS

ACRÍLICO SOBRE LIENZO ACRYLIC ON CANVAS

2016

ECUADOR / ECUADOR

2016

ECUADOR / ECUADOR

2015

ECUADOR / ECUADOR

90 x 70 cm. 35.43 x 27.56 in.

100 x 100 cm. 39.37 x 39.37 in

Área Romsey Rb

Custodia

1 x 1000

MÓNICA LÓPEZ GORDILLO

MARCEL MOYANO MERA

CHRISTIAN MOREANO GARCÍA

180 x 140 cm. 70.87 x 55.12 in

2016

ECUADOR / ECUADOR

ACRÍLICO SOBRE TELA ACRYLIC ON CANVAS

2016

ECUADOR / ECUADOR ÓLEO SOBRE LONA OIL ON CANVAS

2016

ECUADOR / ECUADOR

ACRÍLICO Y ÓLEO SOBRE TELA ACRYLIC AND OIL ON CANVAS

120 x 150 cm. 47.24 x 59.06 in

200 x 200 cm. 78.74 x 78.74 in

115 x 150 cm. 45.27 x 59.06 in

La sapada

Antología de mi pueblo

Pintura 13

ORLANDO PHILCO GONZÁLES

PABLO RAMÍREZ VEGA

MARCO CASTELLANOS POPOCA

2016

ECUADOR / ECUADOR ÓLEO SOBRE LIENZO OIL ON CANVAS 101.5 x 151.5 cm. 39.96 x 59.65 in

2016

PERÚ / PERU

MIXTA SOBRE CARTULINA MIXED ON CARDSTOCK 70 x 100 cm. 27.56 x 39.37 in

2016

MÉXICO / MEXICO

RESINA ACRÍLICA SOBRE TELA ACRYLIC RESIN ON CANVAS 60 x 90 cm. 23.62 x 35.43 in

AGRADECIMIENTOS

THANKS TO

EDUARDO VILLACÍS SARA MADRID A.

CÉSAR MADRID JAMES CLOVER