Self n7

ELECTRONIC MUSIC NON-STOP

SELF / SPANISH ELECTRONIC FOUNDATION

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ORBITAL · SILVANIA · THE ADVENT · MADELMAN · WOOB · AUTECHRE DEVO · THE HUMAN LEAGUE · CRISIS RECORDS · KLEMM

P///DIAGONAL MUSIC CENTER

self 7 Edita Spanish Electronic Foundation Coordinador Luciano Álvarez Diseño/Producción gráfica Juan Antonio Álvarez/Homemade Inc. En este número colaboran Héctor Aguirre, Andrómeda, Alberto Balsam, Eprom, Guillermo Escudero B., Hai!, JB The Last Frontier, Mario Lacaspa, Lounge, Luvah, Leila Méndez, Black Muslim, Roberto Natal, Nathalie Paco, Pierrot, Ralf & Florian, Taludio Rativo, V.S. y Sumátrix Consultas y sugerencias P.O. Box 10.183, 08080 Barcelona Tel + Fax (93) 429 61 67 Publicidad Xavier Vila (93) 268 42 29 Distribución en tiendas So Dens Distribucions (93) 268 40 35 Depósito legal B-39.928-95

“Cuanto más grosero, cuanto más elemental sea el mensaje dirigido a las masas, más profundamente entra en ellas y las activa y mueve”. J. Goebels

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News

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Orbital

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MON AMOUR

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Silvania

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MÚSICA PARA IR EN GLOBO

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The Advent Madelman

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Autechre ¿INTELIGENCIA ARTIFICIAL?

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Devo ARE WE NOT MEN?

The angriest dog jockey of the world VOLUMEN 8

Woob LA NEW AGE DE LA NEW AGE

Klem EL SELF HOLANDÉS

LA GRAN ESPERANZA

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Crisis Records EL DIFÍCIL CAMINO

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DOS MENTES, UN ALMA

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The Human League RESURRECIÓN Y ASCENSIÓN

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Cd Store

COSMOSOUND 1, FLARE, SOMA COMPILATION VOL. 3, ELEGANT MACHINERY, MADELMAN, HEAVEN 17, RINÔÇERÔSE, SUSHI 3003, +N, PARANOID Y ALEX REECE

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Communication

Impreso en papel reciclado SELF, AUNQUE LA COMPARTA, NO SE HACE RESPONSABLE

Gracias a todos (amigos y enemigos), sin vosotros no podríamos existir.

DE LA OPINIÓN DE NINGUNO DE SUS COLABORADORES

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P///LAURENT GARNIER

Mo’ Wax. El exquisito sello inglés será distribuido a partir de ahora en España por Comforte, que nos traerá a artistas del calibre de Blackalicious, DJ Krush, Dr. Octagon, Money Mark, La Funk Mob y Federation, entre otros.

Incoming!. Nuevos lanzamientos: Nonplace Urban Field (‘Raum fur notizen’), Cee-Mix (‘Home is where the bass is’) y s.e.t.i. (‘The geometry of night’).

Apolo/NitsaClub. Próximas actuaciones, diciembre: Scanner (20), enero: Silvania, Prozack y Madelman (10), The Original Playboy (24), Cosmosound (31), y febrero: Steve Rachmad (7).

Exótica Club. Todos los domingos, de 18.30 a 23 h., funciona ya en la Nova Jazz Cava (Passatge Gaudí, s/nº, Terrassa), un chill-out, puesto en marcha por Franch y T.I.K. Cada domingo pinchará, además de los dos residentes, un Dj invitado. La entrada es gratuita.

Underground Sound of Barcelona.

El nuevo invento de nuestro amigo Kosmos para animar las noches dominicales barcelonesas. House en el Moog, cocinado, a partir de medianoche, por el inventor y una serie de Dj’s invitados.

news Elefant. Próximos lanzamientos: single de Silvania (‘Aero’), Prozack, en maxi (‘Electromotriz’) y Cd (‘Prozack’), maxi de Scanner (‘Scanner’), maxi de Rinôçerôse (‘Inacceptable’), maxi de Extra Lucid (‘Planet Helvia’) y Lp/Cd de Spring Vs Pez (‘?’). Le cuesta pero el elefante se empieza a mover muy rápido.

nizará con los platos, el antes y el después del evento.

Carlos Berlanga. Vuelve a la carga. Ya nos adelantó algo en la B.S.O. de ‘La Lengua Asesina’ pero lo que está preparando ahora es su próximo álbum.

Fangoria, Big Toxic y las chicas de Le Mans forman junto a él su nuevo proyecto: ‘Vía Satélite alrededor de Carlos Berlanga’. Saldrá en Edel Music.

Funky Spectrum. No todo se cuece en Barcelona: los Dj’S de Silum Soundz y el Groove Collective unen fuerzas para sacarse de la manga lo que ellos llaman funky spectrum. Viernes y sábados, a partir de las 22.30 h., en el Baco (Fueros, 39,Vitoria).

So Dens. Otros que se apuntan al riesgo: ‘So Dens Compilation #1’ sale al mercado de la mano de So Dens Distributions, que nos trae a sellos como Soma, F Communications, Ninja Tune, 20/20 Vision, Yello Productions... de fuera, y a Higlamm, Novophonic, Boozo y Minifunk, de casa. Temas inéditos de St. Germain, Alex Martín, The Frogmen, Slam, Funki Porcini y Teen Marcianas, entre otros.

Curiosidades. El 17 de diciembre actuará en Barcelona un dúo inédito: Stocha (miembro de Konic Thtr y Von Magnet) y el flautista japonés Hiroshi Kobayashi, que presentarán el ‘Concierto para sampler y flauta’ en el marco del The G’s Club (Sidecar, Heures, 4-6), a partir de las 22 h. Oriol Rossell ame-

Microfusa. Esta escuela de sonido de Barcelona abrirá un nuevo curso de programación de música electrónica para aprender a usar samplers, sintes, secuenciadores y audio digital, para producir música techno, jungle, trip-hop, trance, ambient... Para informarse llamar al (93) 435 36 88. n

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Y yo digo ”jódete, no hacemos música por esto, no quiero jugar a este ‘proceso creativo‘“ FOTOS SELF

TEXTO BLACK MUSLIN/PIERROT

orbital

mon amour

Sin duda, los más grandes. Antes de su segunda actuación en España (para presentar su último disco, ‘In Sides’), tuvimos la suerte de hablar con los hermanos Hartnoll (Paul y Phil) y esto fue lo que nos dijeron. ¿Por qué ‘In Sides‘ es un álbum tan extraño, tranquilo y triste? ¿Por qué? La música es una forma de expre-

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sión, básicamente. No intentamos hacer un álbum así, queríamos hacer un álbum de temas cortos, alegres y más rápidos pero no salió así. Salió como lo ves. Creo que esto tiene que ver con muchas experiencias nuestras del año pasado. A finales de año un amigo nuestro muy íntimo se murió, también otro amigo ingresó en un psiquiátrico.

Creo que estas dos cosas tienen efectos en la música que hacemos. Ésta es la razón porque salió tran triste y reflexivo y un poco más introspectivo también. ¿Hacia dónde va la música de Orbital? Pues no lo sé. Es difícil decirlo. No pensamos mucho en el futuro. Sólo hacemos lo que hacemos. La música que hacemos refleja los estados de ánimo en los que nos encontramos en un momento concreto, en lo que pasa en ese momento.

Además hemos escuchado muchas bandas sonoras

durante los últimos dos años. Siempre las hemos escuchado, nuestro padre las escuchaba continuamente. Desde luego es una influencia muy importante. Un tema como ‘The Box‘ es casi un tributo a John Barry, tiene una gran influencia de él y la parte del principio tiene un atisbo a Ennio Morricone y gente similar. La longitud de cada tema tiene mucho que ver con las bandas sonoras.

Entonces, ¿cuándo empezaréis a componer bandas sonoras? Sería una buena cosa para hacer, quiero decir, me gustaría hacerlo. Siempre hemos tenido mucho interés en el tema del sonido y la imagen y cosas así y sería muy agradable intentar hacer una banda sonora. Hemos leído varios guiones, nos han ofrecido varias cosas, pero no eran buenas películas. Una tiene lugar cerca de la escena ‘rave‘, y la considero un poco sospechosa. Hay que tener mucho cuidado porque no sabes lo que va a hacer el director. Lees el guión y te parece un poco cutre, porque si haces la música y el producto lleva tu nombre y luego hacen algo con lo que no estás de acuerdo, es bastante peligroso participar en una historia que tiene como base la escena de los ‘new age travellers‘. Dijimos ‘no’ porque era bastante arriesgado, porque no teníamos ningún control sobre la película. ¿Por qué han hecho Orbital siempre las mejores remezclas de Orbital? ¿Por qué utilizáis a otros artistas? Ya no lo hacemos. Yo creo que la remezcla tiene raices en la escena hip-hop y la escena house adaptó esta idea. Así nuestros primeros singles fueron remezclados por nuestros grupos preferidos, lo que es muy agradable, disfrutas mucho de esto, como cuando conocí a Underworld y hablé con ellos, porque puedes ver como interpretan tu canción. Es divertido. Pero luego todo se convirtió en una táctica de marketing. Bueno, no eres muy atractivo para los clubs, entonces necesitas a una persona, cualquier persona que esté de moda en ese momento, para que los clubs

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pongan tu música... Y yo digo” jódete, no hacemos música por esto, no quiero jugar a este ‘proceso creativo‘“. Así con ‘The Box‘ tomamos la pseudo-TV idea de John Barry, hicimos una versión más corta de la versión del álbum y desarrollamos este tema de pseudo-TV más en el estilo de, ¿conoces ‘Haunted House of Horror‘ (Casa Encantada de Terror), otra época del cine, viejas y cutres películas con Vincent Price y Christopher Lee, muy horteras, pero crecíamos con estas cosas. En fin, era muy divertido y volvíamos al tema original pero con voz para cuando empiezan los créditos. No quisimos remezclar. ¿Y remezclas para otros artistas? Yo disfruto con las remezclas pero hoy en día has de tener cuidado si una cosa es auténtica o no lo es. Somos muy prudentes y nos gusta hablar con el propio grupo para ver de donde surgió la idea.

No hemos hecho una remezcla desde hace mucho tiempo, hemos estado demasiado ocupados con nuestro propio trabajo. ¿Habrá alguna vez un/una cantante fijo/a? No, creo que no. Me gusta como es ahora. No es algo que consideremos muy importante. A veces queremos una voz y un amigo viene y dice que podría cantar en una canción nues-

La música que hacemos refleja los estados de ánimo en los que nos encontramos en un momento concreto.

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Diría que tenemos más influencias de la escena hip-hop y electro que de la escena house.

tra, lo intentamos y vemos lo que pasa, si nos gusta, bien, pero no es algo que buscamos. ¿Disfrutáis con las actuaciones en directo o es sólo una manera ‘inteligente’ de ganar dinero? Si, disfrutamos mucho. Durante los últimos tres años hemos trabajado con unos amigos y hemos incorporado el vídeo en el espectáculo y las luces han salido muy bien, así es más cercano a una producción profesional.

En esta gira llevamos cuatro proyectores de vídeo. Me gusta la idea de mezclar los elementos de audio y vídeo, el proceso creativo nuestro y los vídeo-artistas. Quiero decir que su trabajo no es fenomenal (las imágenes), pero son un acompañamiento muy agradable. La actuación está bien. Usamos básicamente tres secuencias y nuestro estudio entero está en el escenario, así puedes manipular los sonidos mientras que tocas ya que tienes la mesa de mezclas: los efectos, volúmenes, níveles y ecualización y también ‘pause control’ de las secuencias. Así puedes improvisar con la estructura y puedes traer y meter un sonido donde quieras y cuando quieras, tienes una oprtunidad de comunicarte con el público. Si haces algo poderoso que guste a la gente, puedes mantenerlo durante una hora si quieres. Sería aburrido, pero es algo que puedes hacer: tenemos la libertad de cambiar la estructura y hacer lo que queramos, no tenemos cintas y no estás restringido por ellas. Es una buena manera de hacer un concierto, porque fijas al público y te comunicas con él. ¿Entonces no crees que sea una obligación? No, no.

Pero ir de gira es una historia distinta. Esta gira es demasiado larga para mí, seis semanas, es la gira más larga que hemos hecho. Seis semanas es demasiado porque tengo

dos hijos y no me gusta estar separado de ellos durante tanto tiempo. No hacemos música para convertirnos en un grupo que siempre está de gira. Ésa no era nuestra intención aunque siempre hemos hecho conciertos como medio de llevar la música a la gente. Pero no somos monstruos del rock’n’roll, eso es un poco tedioso. Y tampoco lo hago para complacer al sello, ellos sólo editan nuestros discos y apoyan nuestras giras. Y de todas formas, siempre tenemos que pagar por ellos. ¿Crees que el elemento visual es muy importante para que la gente no se aburra? No, no creo que sea muy importante. Creo que es una experiencia agradable trabajar con los vídeo-artistas. Porque tienes mucho espacio detrás de ti en el escenario. No somos intérpretes, tocamos nuestra música pero es como mirar a un director de

orquesta. Si, es como una orquesta, porque tienen la música delante de ellos pero no saben cuando van a tocar sus líneas hasta que el director apunta a ellos. Tenemos que concentrarnos, no estamos bailando ni contoneándonos.

Tienes ese espacio inmenso detrás de ti y parece estúpido no usarlo. Y hemos tenido la suerte de desarrollar esta idea durante los últimos tres años. Pero hicimos un concierto el otro día con sólo una luz azul y la gente no se quejó, el elemento visual es sólo un complemento, como las luces. La gente siempre ha utilizado elementos visuales desde los años ochenta, ¿te acuerdas de los ‘fractals’(tipo de diseño manipulado por ordenador, típico de los vídeos techno)?

Nos cansamos muy rápidamente de ellos. Me gusta sentarme y explicar una canción al artista y si hay un mensaje en la canción, puedes reforzarlo con el vídeo.

Es que mucha gente se aburre con la música electrónica ‘en directo’. Es porque el público es muy tradicional, lo que hacemos es una idea nueva. Estamos entre el Dj y un grupo de rock. Se puede poner un estudio en el escenario, todo funciona por midi y tienes mucha más libertad que una banda tradicional porque ellos tienen que seguir una forma fija (primera estrofa, estribillo, segunda..., etc.), vale, es un poco más bruto, más directo, no sé, tocar la guitarra. Pero estoy, muy, muy enfadado si sólo miro a un tío tocando la guitarra. Es que la gente hace la conexión. Vale, cuando tú haces esto, puedo oir el sonido. Cuando pulsamos botones la gente no hace esa conexión. Cuando empezamos, poníamos toda las

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máquinas en la pista de baile para que la gente pudiera ver. No pretendo guardar un secreto, quiero ayudar a la gente para que aprenda lo que hacemos, para que puedan apreciarlo. Al menos en Inglaterra, la gente está acostumbrada a la música electrónica en directo y sabe que no hacemos mucho, no sé cómo es aquí. Si, puede ser un poco aburrido, pero en mi opinión vas a un concierto para escuchar música. A menos que sea un auténtico espectáculo, como The Prodigy, fíjate, ¡tienen tres bailarines!, si, hay una persona que crea la música y tienen un guitarrista ahora, es más convencional para que la gente lo entienda.

Pero no quiero bailarines, la música es más importante para mí. ¿Qué piensas de la música americana? ¿Cómo qué? ¿Tenéis influencias de Detroit? Si, creo que si.

Pero cuando una persona venía y nos decía ‘escucha esta nueva música, es house, no era tan nueva para nosotros porque habíamos escuchado mucho electro y también nos gustaba mucho las primeras cosas de hip-hop. De hecho, en 1986 fui a Nueva York para buscar hip-hop y descubrí que yo era del color equivocado y no podía entrar en los locales donde pinchaban buen hip-hop. Además nadie podía entender porque me gustaba el hip-hop, como por ejemplo los americanos blancos, -¡qué coño...!-, era muy extra-

Hacemos música por placer. No hay nada mejor que tener tu hobby como carrera.

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Es porque el público es muy tradicional, lo que hacemos es una idea nueva.

ño, así que grabé allí muchas cintas de radios piratas. En fin, la influencia del hiphop era muy fuerte. Diría que tenemos más influencias de la escena hip-hop y electro que de la escena house, porque también escuchábamos mucho hi-nrg, cosas como Bobby O., que sólo se pinchaba en los clubs gay. Y también los grupos británicos: Cabaret Voltaire, New Order... Escuchábamos esa música secuenciada en una forma u otra, o música de ‘drum machines‘ con electro y cuando escuchábamos house, pensábamos: “Bueno, tiene un bass drum constante, sólo es un desarrollo del hi-nrg”.

Así que fue muy nuevo en aquella época pero estábamos muy acostumbrados a los elementos individuales. No pensamos; “¡Wow!”. Pero después vino la escena acid en Londres y ésta fue muy emocionante porque fue una nueva explosión y no había oído esta música. Pensamos que esto era genial. Finalmente estamos haciendo algo nuevo y nos estamos escapando y hacemos nuestra propia cosa sin otras influencias. ¿Te gusta lo nuevo de Underworld? Sólo lo he escuchado un par de veces. No tengo una copia porque estamos de gira, pero lo que he oído me gusta. ¿Por qué seguís haciendo música? Por placer. Soy muy afortunado porque las cosas han ido bien. Estoy contento porque no tengo que construir edificios. Ayer fue nuestro primer día de descanso después de cuatro semanas, y éste no es el estilo de vida que siempre llevamos. Pero no hay nada mejor que tener tu hobby como carrera. ¿Qué piensas de los Dj’s? El Dj ha sustituido al ‘pop star’ en el mundo techno, en mi opinión. Porque los artistas que hacen música techno, normalmente son bastante distin-

tos a los grupos tradicionales. No tienes el elemento de querer ser un fantasma, -¡venga, quiero ser un cantante!como piensan los jóvenes. Tenemos ‘trainspotters’ y ‘bedroom boffins’ (gente que hace todo en substitución), una especie distinta que hace música que está empezando a florecer. Pero antes el Dj era la única persona asociada con este tipo de música, tenía mucho poder y merecía mucho respeto. Ahora se ha ido demasiado lejos con el Dj como estrella pop. Algunos mezclan bien pero la mitad no pueden mezclar nada en comparación con los Dj’s de la era hip-hop. No crean un tercer elemento que antes no existía en estos dos discos. Algunos lo hacen, pero en mi opinión los Dj’s house no son la mitad que los Dj’s de hiphop. Pero estos Dj’s han cogido el papel de estrellas porque estos ‘bedroom boffins’ dijeron: “¡Oh, no! ¡No quiero que mi cara salga en una revista! ¡Quiero esconderme! ¡Quiero ser misterioso!”. Pero merecen un poco de respeto, aunque algunos van demasiado lejos. n

P///DISCODER

Creemos que la imagen debe cuidarse en todos los aspectos: tanto en la portada del disco, como en el directo.

FOTO NATHALIE PACO

TEXTO MARIO LACASPA

silvania

música para ir en globo Dentro del panorama dance, Silvania tiene tres motivos para ser el grupo nacional que se ha tirado sin paracaidas y ha conseguido llegar más lejos que nadie, gracias a ‘Delay Tambor’, su último álbum.

Primero, porque la intención de ellos ha sido en todo momento la de importar ‘Delay Tambor’ al reino dance, o sea, llevarlo al Reino Unido. Segundo, porque hacer esto

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es como intentar venderle pimientos a los murcianos o marisco a los gallegos. Y tercero, porque han logrado el milagro de hacerlo con un disco que es una remezcla de sus anteriores.

A eso se le llama tirarse sin paracaidas y caer de pie. Claro que Silvania han jugado con ventaja, porque dentro de esta propuesta habitan inquilinos de lujo como Autechre, Seefeel, Scanner, Scorn o Locust.

Autechre se decidió a remezclar ‘Un bosque en la memoria’, tema perteneciente a ‘En el cielo del océano’. Scanner apuesta por uno de los temas más delirantes de Silvania, ‘Arcángel’. Curiosamente, Scorn da nueva vida a ‘Paisaje III’, del segundo larga duración de Silvania y, Locust vuelve a inclinarse por ‘En el cielo del océano’ y prueba fortuna con ‘Oval’. También han encontrado su inspiración en el primer álbum de Silvania los geniales Seefeel, remezclando el ‘Trilque’. Visto el panorama, lo que Silvania ha logrado hacer no es un disco. Es un delirante caramelo que entra mejor por los oídos que por la boca. Mario y Cocó, o Silvania si se prefiere, nos cuentan su experiencia con el disco. ¿Creéis que con este nuevo disco la tecnología es ahora el todo en vuestra música? Antes pensábamos que era el cincueta por ciento pero ahora, tenemos claro que es el cien por cien. De hecho, este disco nos ha hecho creyentes de la tecnología porque hemos trabajado con unos músicos que vuelcan toda la energía en ella. ¿Cómo surge la idea de este disco? Nosotros admiramos a estos grupos. La gran fortuna fue que enseguida accedieron a hacer las remezclas porque les pareció que nuestros temas tenían un dibujo y una estampa muy propicia para que ellos pudieran remezclarlos. De hecho, no

nos sorprendió que accedieran a ello porque, si algo hemos aprendido del mundo techno, es la predisposición que existe a experimentar con otros. Si te fijas, esto no se da en el pop, donde los grupos son más inconformistas y cerrados porque la mayoría de los grupos están demasiados endiosados. Esto no sucede en el techno. ¿Y cómo fue el contacto con ellos? A Scorn lo conocimos en el Sónar de hace dos años, en el que nosotros participamos. Él mismo nos dijo que no teníamos nada que envidiar a nadie porque nuestra música tenía calidad.

Con el resto, el contacto vino por teléfono o por carta. De hecho, desde que hemos sacado el disco hasta hoy, ese contacto no ha cesado.

Principalmente, lo que hemos aprendido de este disco es a olvidar las guitarras, que deberían dejar de tocarse durante 5O años para volver a ellas de una forma diferente. Creo que lo que sucede ahora en la música es un poco el estancamiento: las valvulas de la guitarra eléctrica no se pasan por maquinarias que les den otras texturas musicales. Todo empieza a ser parecido. Y estos grupos nos han hecho verlo.

En cuestión de imagen, vosotros sois de los que más la cuidan... Nosotros creemos que la imagen debería de cuidarse en todos los aspectos: tanto en la portada del disco como en el directo. De hecho, ‘Delay Tambor’ quiere hacerse con una bailarína porque creemos que la música techno se puede adecuar perfectamente a la danza contemporánea. Es broma, pero a veces hemos llegado a pensar que podríamos hacer hasta un musical.

Sabemos cuales son vuestras influencias en el presente. Pero, ¿qué hay de las pasadas? A nosotros siempre nos ha gustado el señor Eno porque además de

SILVANIA MÚSICA PARA IR EN GLOBO

ser una gran músico, es un excelente teórico de las nuevas tendencias, y por supuesto, él es el mejor padre que podía tener el techno. Con respecto al último trabajo que ha hecho, fíjate que cuando tiene problemas Bowie, siempre va a llamarle. Será por algo.

La mayoría de grupos se han inclinado a remezclar vuestro primer LP. ¿Qué decís de ello? Bueno, te lo vamos a resumir muy claro: creo que a esto hay que llamarlo casualidad. Quizá se deba a que es mucho más atmosférico que, por ejemplo, ‘Paisaje III’.

Y de España, ¿qué me decís? En cuanto a locales, el asunto está poco más que fatal. Cuando vinimos del Perú nos instalamos enseguida en Valencia. Allí empezamos a movernos y, poco a poco, fuimos un grupo inclasificable: no hacíamos rock pero tampoco hacíamos máquina. No encajábamos en ningún lugar. Visto el panorama, cambiamos el rumbo y marcharnos a Madrid, donde allí tampoco hay demasiadas expectativas. En Barcelona nos gusta mucho Apolo, pero el sonido ya no es tan bueno en Nitsa. Por lo demás, tampoco parece que hayan demasiadas expectativas si excluímos al necesario Sónar. En general, sólo hay sitio en España para que toquen los grupos como Planetas y todo quisque que haga música de hace veinte años. Eso que se llama movida indie. n

Trabajar con músicos que vuelcan toda la energía en la tecnología, nos ha hecho creyentes en ella.

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Un deseo: que la mentalidad rockera dejase de reinar sobre la industria discográfica.

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TEXTO ANDRÓMEDA

the advent dos mentes, un alma Son uno de los nuevos fichajes de Internal (el sello de Orbital). Hhan remezclado a New Order y ya han actuado en España. ¿Qué más se les puede pedir?. ¿Cuáles son vuestros orígenes e influencias? CISCO FERREIRA: Desde el break-dance, la música electrónica de Derek May y Tangerine Dream, ... pero mi mayor influen-

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cia es sin duda Kraftwerk.

COLIN McBEAN: El pop, el rock, el blues, ... pero lo que prefiero es el funk, algo que tenga swing. ¿Cómo definiríais The Advent? CISCO: Es pura “dance-music” con influencias electro, techno y trance, pero queremos aportarle una dimensión más futurista para convertirla en “free-style”.

COLIN: “Music from the heart”. Música que proviene de lo más profundo de nuestro ser, de nuestro interior.

El público no os ha descubierto hasta ahora a pesar de tener un intenso pasado, ¿pensáis que por fin habéis franqueado la barrera?

CISCO: Es difícil de explicar. Siempre hemos hecho lo que hemos querido. Antes hacíamos mucho garage, evolucionamos poco a poco y ya conocéis el resultado. El estudio es nuestro segundo hogar.

No necesitamos un gran estudio, las buenas vibraciones es lo más importante.

COLIN: Sólo quiero añadir que nuestro estudio se llama “Akoma Works”. ¿Tenéis intención de volver a colaborar con C.J. Bolland? CISCO: Si, desde luego, tengo intención de volver a colaborar con él en un futuro próximo, espero. Tiene muchísimo talento, “C.J. is the man”, le interesa únicamente la música y no todo lo que la rodea, por eso le adoro. ¿Cómo definiríais vuestra música? CISCO: “Original sounds”. Dedicamos muchísimo tiempo a la elaboración de un tema. El sonido y la mezcla final son muy importantes.

COLIN: Queremos reproducir la energía pura.

El hecho de supervisarlo todo, ¿os da una mayor satisfacción personal? CISCO: ¡Si, desde luego!. Internal,

nuestro sello, nos ha dado carta blanca en todos los terrenos: grafismo, música e imagen. Tienen una gran confianza en nosotros. Somos totalmente libres, ¡es genial!.

Aparte de los Advent, ¿desarrolláis alguna otra actividad? COLIN: Soy estilista para Stussy e Issei Miyaque, aparte de Dj. ¿Tenéis algún consejo o mensaje que ofrecer al mundo? CISCO: No deseo la guerra nuclear, deseo amor y paz.

COLIN: No más ‘ismos’: racismo, fascismo, oportunismo... ¿Os arrepentís de algo? CISCO: De todos los cortes que he realizado para R&S desde 1988.

COLIN: No a los arrepentimientos, aprendemos de los errores.

Si tuviéseis que pedir tres deseos, ¿cuáles serían?

CISCO: Mi primer deseo sería tener el mejor estudio analógico. El segundo, tener un avión que me permitiría viajar a donde quisiera y el tercero, que más gente apreciara la electrónica, ya que es nuestro futuro, nuestra generación.

COLIN: Un superespacio para poder ordenar mis 12.000 discos, que se encuentre una vacuna o un tratamiento para combatir el cáncer y el sida, y que la mentalidad rockera dejase de reinar sobre la industria discográfica. ¿Cuál es vuestro mayor miedo? CISCO: ¡Morir, la muerte!, si me muero ya no podría hacer música.

COLIN: Miedo a perder la pasión. ¿Con quién os gustaría trabajar? CISCO: Con Schneider de Kraftwerk.

COLIN: Con todos los que quisieran. ¿Qué personaje histórico os gustaría ser? CISCO: ¿Quién era el personaje que inventó la analógica?. Me gustaría ser él, Don Buchla.

COLIN: Sócrates. ¿Cuáles son vuestros proyectos futuros? CISCO &

THE ADVENT DOS MENTES, UN ALMA

COLIN: Realizar la banda sonora de un film de ciencia ficción, por ejemplo Akira 3. El techno es visual, realizar la música para un manga japonés, ¡sería tremendo!.

Tenemos que realizar 5 álbumes para Internal y unas remezclas de “Planet Rythm”, “Hope to God”, “Hawkwind” y “Zarkotracks”. ¿Algo más que añadir? CISCO & COLIN: Adiós. Nosotros respetamos a la gente que ama el techno, sabemos quienes somos. n

The Advent es pura “dance-music” con influencias electro, techno y trance.

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No sabía muy bien como iba a componer ese disco, que tipo de canciones y que estilo iba a tener.

FOTOS LEILA MÉNDEZ

TEXTO ROBERTO NATAL

madelman

la gran esperanza

El título resume perfectamente lo que pensamos de Madelman. Ha hecho uno de los mejores discos de la historia del pop español y aquí está para presentárnoslo. ¿Qué es Madelman? Madelman es un nombre, no tiene más complicación que eso. No tiene tampoco una filosofía especial.

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¿Qué se esconde tras Madelman? Esa pregunta es muy difícil para responder y quedar bien. ¿Y ‘Palais’? ‘Palais’ es el lugar ideal para que la música suene como a mí me gusta, suene tranquila y delicada. ¿Cuál es tu sistema de trabajo? Trabajo por envidia. Cuando oigo techno o música en general, unas veces me deja indiferente y otras, suscita una especie de envidia sana o inquietud por hacer algo parecido. A veces oigo una canción y digo, ¡jo, cómo me gusta esta canción, me gustaría qué fuera mía!, entonces me pongo a hacer algo parecido y empiezan a aparecer otras influencias. Por ejemplo, con una idea de Kraftwerk, de repente, me vienen melodías de Kate Bush o arreglos de Paul Weller o cosas muy diferentes que empiezan a meterse ahí. Yo soy incapaz de hacer una canción de un solo estilo, a mí me gustan cosas muy diferentes y entonces ahí se empiezan a mezclar todas las influencias y mi forma de hacer, que es bastante limitada por los aparatos que tengo, y entonces al final suena a lo que suena, no es ni Kraftwerk, ni Kate Bush, es mi forma de entender todo eso y si luego al final te digo que esta canción la hice pensando en no se que canción, resulta ridículo porque no se parece especialmente. Si yo te digo que estaba pensando en Kate Bush, tu dirías que te has quedado un poco lejos porque no tiene nada que ver con Kate Bush. ¿Cuándo das por acabado un tema? Eso es lo más difícil, es horrible. En algunas de las canciones digo basta porque las he preparado para directos, entonces no me queda más remedio que acabarlas en un momento dado, para que funcionen en un directo donde necesitan un acabado menos elaborado, porque los directos son diferentes, están

más abiertos a que puedas improvisar algo e incluso si las estás tocando en directo y empiezas a quitar o añadir pistas, te vuelven a salir nuevas ideas y las llevas al estudio ya y ves lo que ha sonado en directo y ves lo que faltaba o sobraba, ves que los bajos no funcionaban y empiezas a aprender de eso. Por ejemplo, ‘Favorita’, ‘Rock 1’, ‘Training shoes’ y ‘Eurovisible/noise contest’ son canciones especialmente hechas para el directo, son las versiones que he hecho para el directo durante el año pasado y en ésas ha sido más fácil buscar algo más concreto, y en otras, como por ejemplo ‘Chao, amigo’, tenía muy claro como quería que sonara en el disco. Cuando pensé que me habían dicho los de Cosmos que tenía que grabarles una maqueta para ver si ellos podían publicar el disco, pensé como me gustaría empezar un disco y lo que no me apetecía hacer era un disco que empezara con voz y a los dos minutos empezara la marcha, quería que empezara de repente y lo hice empezando de repente. Me gustaba mucho porque es una canción (‘Chao, amigo’) que está hecha por secuencias sueltas y lo que hice, fue hacer la primera secuencia dos veces, cuando cambia, y empezar como si hubieras tropezado, me gustaba mucho empezar el disco con un tropiezo. ¿Por qué empieza el disco así? A mí me gusta, no es lo típico. Es para que te fueras tranquilizando porque no va a ser un disco lleno de explosiones. A mí me gusta porque es una canción a medio tiempo, con una especie de violines, que da más tranquilidad. Te quería además contar una cosa que le conté ayer a alguien, en alguna entrevista.

No sé si lo escribirán bien o no lo expliqué bien pero era muy bonito porque cuando estaba haciendo el disco estaba lleno de dudas porque encontrarte que tienes que hacer un disco de 70 ó 80 minutos y tener todo el espacio libre y ver como lo articulas. Yo ya tenía canciones, como

MADELMAN LA GRAN ESPERANZA

‘Favorita’, ‘Matinée’ y ‘Training shoes’, pero no tenía muy claro que iba a entrar, ni siquiera ‘Eurovisible’ estaba claro que iba a entrar, eso lo decidí casi en el último momento.

No sabía muy bien como iba a componer ese disco, que tipo de canciones y que estilo iba a tener.

Hubiera sido un error no meter un tema como ‘Eurovisible’. Se necesita porque si no se queda perdida en la noche de los tiempos. Creo que había que recuperarla porque iba a tener un disco con cosas nuevas pero nadie conoce el pasado y dices, ¡qué absurdo!. Creo que es lo que se tiene y hay que intentar aglutinarlo. Al principio pensaba eso, hacer una cosa coherente, electrónica y modernita, pero me veía incapaz, estaba agobiado por el intento de hacer una cosa compacta y hablando con un chico, me dijo: ¿Qué tal con el disco?. Contesté: “Pues estoy como atascado y no sé por donde tirar”. Y el me aconsejó: “No te imagines que es un disco, imagínate que es otra cosa, que es un libro, verás como cambia toda la concepción”. Imaginé que no sería una novela pero si una especie de librito de recuerdos y vivencias del día a día, donde puedes meter unas fotos al lado de una poesía, una hoja pegada de un árbol, y pasas la página y hay un relato corto y una tira de cómic; una especie de cosa gráfica que tiene la coherencia de estar en el mismo paquete, como vivencias y cosas

La música electrónica es pura diversión y si hacemos música es porque nos divertimos con ella.

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No te imagines que es un disco, imagínate que es otra cosa, que es un libro.

que has hecho durante un año pero que estéticamente no sigue una línea, a la portada le puedes dar un tono pero lo de dentro es como las cosas del día a día. ¿Podría ser ’Palais’ la banda sonora de una película? Podría ser. Albert (Salmerón, de Cosmos Records) decía que era cinematográfico. Y la verdad es que tiene ciertas cosas cinematográficas. ‘Palais’ me recuerda al Grand Palais del Festival de Cannes. ‘Raccord’ es como música de continuidad, una especie de banda sonora, de hecho la melodía está sacada de un fragmento de una banda sonora que hice para un corto. Si, puede tener algo de cinematográfico pero no me lo acabo de creer, ni es un libro ni es una película, es un disco. Puede sugerir cosas, pero no quiero decir que toda la gente tenga que verlo como una película, eso es limitar la imaginación. Hay gente que lo oirá como una colección de singles, otros como una colección de canciones que no funcionan por separado, pero que en conjunto pueden funcionar, otros como un libro, otros como una película, no sé. A mí me gusta porque no es una cosa del todo cerrada y cada uno lo puede experimentar de cualquier forma.

Seguramente si hubiera hecho el disco más homogéneo, se leería simplemente como un disco de techno, bailable y moderno, pero como es más complicado, tiene mis imperfecciones, mis pequeñas virtudes y mis pequeños defectos, es más abierto, más imperfecto, eso es lo bueno. Es guay. ¿Qué le debes, musicalmente hablando, a Kraftwerk, Orbital y la YMO? Les debo los pequeños samplings que les he cogido, que son muy pocos para que me denuncien, y les tengo todo el cariño del mundo. El concepto “deuda”

me parece un peso que no me gustaría tener, prefiero agradecerles la música tan bonita que han hecho y todo lo que me han sugerido. Para mí, Kraftwerk y la Y.M.O. son como un pilar fundamental, aunque lo de pilar fundamental me parece que le da peso a la música electrónica, cuando la música electrónica es pura diversión y si hacemos música es porque nos divertimos con ella, pero son continua referencia.

Ves una portada de Kraftwerk y cada vez que la ves podrías hacer un disco nuevo: no sabes que hacer, tienes un teclado, te pones a hacer música y ves la portada de

Kraftwerk y es que te sales, empiezas a funcionar, se te va la cabeza, imagino de todo, te empiezas a subir, los Kraftwerk son la hostia. Miras el ‘Trans-Europe Express’ y dices: “Joder, voy a funcionar y te vas por ahí”. No sé como han conseguido hacer unas cosas tan sencillas, tan divertidas y tan bonitas.

Lo que me encanta de la Y.M.O. es que no tienen ningún prejuicio y es todo lo contrario a lo que pasa actualmente en la escena techno, no en todos los grupos claro, hay grupos que funcionan sin prejuicios. Hay una tendencia a tener prejuicios: esto es electrónico dark, esto es siniestro, esto es industrial, esto es ‘easy listening’ y esto es ‘intelligent techno’, parece como si no se pudiera pasar de un sitio a otro. La Y.M.O. pasa de una música como hawaiana a un ska o a una pieza de techno minimal y son capaces de deambular por donde les dé la gana e imprimir siempre su buen gusto y sus pequeños guiños.

Son los no-etiqueta. Todo es etiqueta. Cuando estoy muy agobiado y empiezo a oir discos nuevos, que oigo pocos porque no tengo dinero para comprármelos, de repente me pregunto que es lo que suena ahora y ves que te dicen que ahora se lleva mucho el trip-hop, el ‘intelligent techno’ y te empiezan a decir etiquetas que no saben lo que significan y oyes B12 y grupos así y me veo incapaz de meterme ahí, porque no estoy viviendo lo mismo que están viviendo ellos. No acabo de entender esa música, me gusta pero si me pusiera a hacerla, no sé que me saldría porque no sólo vivo de eso. Si intento hacer una cosa en plan B12, me saldría enseguida, por cualquier lado, Pet Shop Boys, Tino Casal y cosas muy diversas y sería una canción llena de influencias. Entonces cuando oigo a la Y.M.O., me siento identificado porque si te ves atascado por las modas, te oyes un disco de la Y.M.O. y dices ¡joder, si es que puedes hacer cualquier cosa!. Son flipantes.

MADELMAN LA GRAN ESPERANZA

En el último tema de tu disco hay una melodía... Si, es de la canción ‘Amigos para siempre’, me gusta mucho.

Pero más por lo que significa, que la canción en sí. Las canciones de Lloyd Webber están muy bien, son muy bonitas, pero a mí me gustaba porque me trae recuerdos de lo que son las grandes ceremonias, los festivales de Eurovisión, las aperturas de las Olimpiadas, todas esas cosas que tienen ese punto de gloria y que resulta que tienen un trasfondo algo kitsch, a veces. Porque Eurovisión es el lujo venido a menos y eso a mí me chifla porque si fuera el lujolujo, podría ser el título de ‘Palais’, es como titular un disco, lujo y que luego está hecho en tu casa. Ese querer y no poder es lo que más me gusta porque es ahí donde verdaderamente me siento cómodo, en el querer lujo y no poder tenerlo y seguramente si el disco tuviera una producción de Malcolm Mclaren y que todo fueran instrumentos de músicos selectos y todos ahí tocando, como en los discos de Peter Gabriel, no tendría para mí ni pizca de interés porque dices vale, suena bien, ¿y qué? No tengo nada que hacer, haces una canción, que la verdad, son bastantes sencillas, y lo que a mí me gusta de las canciones es que un sonido que he elaborado yo y que tiene ciertas imperfecciones y ahí está, es su virtud. Si estuviera todo perfectamente interpretado, si los violines no fueran de imitación, si no fueran muestras, si fuera un cuarteto de cuerda de una orquesta, para mí carecería completamente de interés. n

Soy incapaz de hacer una canción de un solo estilo, a mí me gustan cosas muy diferentes.

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Me gusta considerar siempre cada álbum como una película sin imágenes.

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TEXTO GUILLERMO ESCUDERO B.

woob

la new age de la new age Ambientes lúdicos de espectrales colores exóticos se alternan con la sobriedad clásica y la electrónica de vanguardia.

El sello inglés em:t es uno de los más importantes hoy en día en la mezcla del lenguaje techno, hip-hop, dub y ambient, en el que conviven MIASMA, INTERNATIONAL PEOPLES GANG y QUBISM, entre otros interesantes grupos

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que os invitamos a conocer. Sus últimas ediciones incluyen la cuarta serie de la compilación, ‘em:t 5595’, ‘lucid dreams 0096’, de la psicóloga inglesa CELIA GREEN, ‘carl stone 1196’ y el más reciente trabajo de WOOB, de quienes nos ocuparemos en este artículo, junto a una entrevista vía Internet con su líder, PAUL FRANKLAND. Estamos frente a una banda sonora a la que se asocian imágenes que se desenvuelven en rincones íntimos y espacios abiertos, en cuyo desarrollo se suceden varios fragmentos melódicos y rítmicos: una percusión rica en matices, donde tablas hindúes, tambores, congas, etc., se conjugan con líneas de bajo que van marcando un funk juguetón que más tarde es reemplazado por un dub envolvente.

Por una parte, el silencio también es un espacio recurrente que se inserta por momentos en este soundtrack de suspense. Inquietante, por cierto, cuando en el trasfondo se reproduce el audio de una escena de horror como en ‘Strange Air‘. Por otra parte, la delicada y fina atmósfera de ‘Wuub’ (ambos temas recogidos en su primer álbum, ‘Woob 1194’, del 94) es el contrapunto; un viaje de ida y sin regreso, con coros sampleados, pasados por delay, produciendo con ellos un estado cadencioso y afable.

El uso de la Roland Sound Space 3-D da a la música de Woob profundidad y volumen. Un sonido expansivo que crea distancia y otro compacto que crea proximidad, dos polos que se unen por un mismo magnetismo: el experimento, como en el uso peculiar de extraños instrumentos, como aquel micrófono de plástico que sirve de juguete para niños, cuyo sonido fue sampleado y reconvertido.

Ello fue elaborado en la habitación en la que se encontraban grabando el tema ‘Creek’, de su segundo y reciente álbum ‘Woob 2 4495’ (95). A este recinto llevaron los registros de las guitarras en Dat y el resto de instrumentos se tocaron en vivo, logrando de esta forma un sonido en tiempo real, que es lo que el grupo está empeñado en imprimir.

Woob, concebido en 1992 por Paul Frankland, teclados y programación, -que también actua bajo el alter-ego de Journeyman, en una veta más electrónica para el sello de trip-hop Ninja Tune-, actualmente está acompañado por otros tres músicos.

Vamos entonces a adentrarnos en el espacio para conectarnos con Woob. ¿Cómo llegaste a la idea de crear Woob? Yo me encontraba grabando temas de house-pop con otro tipo y me estaba frustrando de verdad. Quería hacer algo un poco distinto, así que escribí un par de temas (creo que en ese momento estaba escuchando mucho a Orb, Namlook y ‘Chill Out’ de KLF); básicamente, empecé a escribir la música que yo quería escuchar. Me parece que hasta que hice el primer corte de Woob, ‘Planet’, escribía música para otra gente, no para mí mismo. En cuanto al propio nombre se me ocurrió una noche, no más. Saqué cuatro cassettes de Woob antes de firmar para hacer ‘1194’, que vendí por correo a través de varias revistas de música.

Tu música tiene mucha percusión, con tambores, congas y demás y un sonido muy exótico, ¿tocáis estos instrumentos en vivo o utilizáis samplers?

Parte es en vivo y parte no. La mayoría de los loops de ‘4495’ proviene de sesiones de improvisación de percusión junto a Tim Grabham, Riad Abji y Fez. Grabábamos unas dos horas de improvisación en el estudio, después nos íba-

WOOB LA NEW AGE DE LA NEW AGE

mos a casa y sampleábamos las mejores partes, escribíamos los temas y luego registrábamos algunas overdubs (sobremezclas) en vivo en el multipistas. El chow (flauta china) de ‘Depart’ fue en vivo, como también todo ‘Catorce Treinta y Tres’ (que aparece en la recopilación ‘em:t 2295’).

Parece que la ecuación para Woob es el sonido real de los instrumentos con el uso de la electrónica: la posibilidad de alterar un sonido, de jugar con la realidad y de transformarla si lo deseas. ¿Qué piensas de eso? Es muy loco: con la tecnología que hay hoy lo único que te limita en realidad es tu propia imaginación. Por cierto, me encanta combinar instrumentos reales con electrónica. Por ejemplo, samplear un par de acordes de guitarra, alimentárselo al sampler, invertirlo, poner unos filtros en E.Q. (ecualizador) y F.X. (efectos), y ahí ya tienes este sonido tan loco, completamente desprendido del original. Es una vergüenza que alguna gente se contente con usar las cosas que tiene preestablecidas en sus baratos sintes y en sus grandes y adoradas 909, sólo para sonar tal como los 12 pulgadas que tienen como favoritos en ese momento.. Creo que en los 90, habiendo tanta gente dedicada a escribir y grabar música electrónica, hay que ser muy especial o completamente innovador

Con la tecnología que hay hoy lo único que te limita en realidad es tu propia imaginación.

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El uso de la Roland Sound Space 3-D, da a la música de Woob profundidad y volumen.

para poder destacarse del resto.

Me parece que el Oriente os resulta muy atrayente por la forma en que usáis los instrumentos, samples y ritmos que aparecen en ‘On Earth’ del álbum ‘Woob 1194’. ¿Nos podrías explicar esto? La idea con Woob es dar siempre un sonido realmente orgánico para llevar al oyente a entornos que jamás podrían alcanzarse mediante una película. El Oriente encaja en ese idealismo; además, se consiguen instrumentos más interesantes y desaparece ese sentimiento de claustrofobia que se tiene a menudo con la música occidental.

La música de Woob es realmente como música para películas, con algunos momentos perturbadores, dramáticos (como en el corte ‘Strange Air’) y otros momentos lúdicos, incluso el silencio tiene su lugar. Cuéntanos un poco más de eso. Antes de Woob, yo escribí unos soundtracks para algunos filmes independientes, así es que, supongo, algo me queda de eso. Me gusta considerar siempre cada álbum como una película sin imágenes. Entonces al oyente le queda la posibilidad de formar sus propios argumentos e imágenes, a medida que escucha. Con ‘Woob 3’ esperamos profundizar en este enfoque. Vamos a salir realmente a lugares para cada uno de los temas, vamos a instalar micrófonos y a grabar el audio para una película inexistente.

Vosotros incorporásteis el dub en ‘Woob 2’. Creo que es un ritmo que se adapta muy bien a vuestra música, ¿no te parece? Si. Me parece que Republic Designers consiguió una estupenda interpretación de la música de vosotros para la carátula interior de ‘Woob 2’. ¿Cómo lo

lograron? Si los Republic Designers hubieran diseñado el interior de ‘Woob 2’ me habría sorprendido, pero no, no lo hicieron. Tim Grabham, quien además co-produjo el álbum, lo hizo, lo que ayudó bastante.

Háblanos de tu proyecto Journeyman. Journeyman éramos originalmente yo y el Dj Colin Waterton, y lo escribimos (el primer álbum) teniendo en mente un perfil más electrónico, con grandes bombos, etc. Desde entonces, Colin pasó a hacer otras cosas y yo he estado haciendo unas remezclas para otros artistas de Ninja. En la actualidad, estoy en la mitad de la grabación del segundo álbum de Journeyman, con una multitud de sonidos y estilos.

Superdifícil de explicar.

Contacto: T:ME RECORDING c/o David Thompson The Square Centre. 389-394 Alfred St. North Nottingham NG3 1AA, United KIngdom

P///MOOG

Lo importante es mantener un sistema creativo, en el que disfrutes trabajando y que la gente acepte lo que haces.

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TEXTO EPROM/LUVAH/PIERROT

autechre

¿inteligencia artificial?

Sean Booth y Rob Brown: Autechre. Uno de los grupos más iconoclastas que existen. Si ya conocíais su música, ahora le toca el turno a sus palabras. Disfrutadlo porque la experiencia es única.

Acerca del concierto de anoche (Sónar 96), muchos de los temas eran desconocidos, ¿se trataba de

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material nuevo que aún no se ha editado o son cosas antiguas que todavía no han salido a la luz? A la hora de tocar solemos plantearnos cada concierto como una unidad separada, como una cosa única, diferente de otras apariciones en directo. En el estudio trabajamos sobre material nuevo que poco a poco vamos aireando en nuestros conciertos, no tienen porque ser temas que luego vayan a editarse, a menudo son temas pensados exclusivamente para el directo, para tal o cual evento, cosas que se van a quedar en el estudio y no van a editarse posteriormente. Nuestro objetivo es mantener el directo lo más fresco posible, no repetirnos ni cansar al público. ¿Quizás el directo difiera de vuestro trabajo en estudio por qué actuáis en ambientes de club? Quizás si. Normalmente tocamos en sitios donde técnicamente acude la gente a bailar, con lo cual nuestros sets en vivo suelen ser mucho más contundentes y con una mayor carga rítmica que nuestros Lp’s registrados en estudio. También depende del lugar donde vayas a tocar, si se trata de locales más pequeños puedes dar mayor márgen a la experimentación y a la abstracción, en cambio si tocas en lugares de mayor superficie, tipo rave, el planteamiento suele ser más dinámico y mucho más contundente. Hace poco tocamos en Londres, en un concierto de crudeza similar a lo del Sónar y, realmente, funcionó bien pero realmente varía mucho el tema del directo en función del lugar donde toques o de la atmósfera; Londres suele ser un buen sitio para tocar, con un público muy exigente, educado y expectante. ¿Sóis de esos grupos que tocáis para el público o tendéis a abstraeros de la gente que tenéis delante?

Depende de muchos factores: el sitio de la actuación, la atmósfera del local, el público o tu estado de ánimo. En ocasiones te encierras en tí mismo y realizas un set bastante claustrofóbico pero en la mayoría de las ocasiones intentas establecer una complicidad con el público, buscas asimilar el ambiente del lugar donde estás tocando, como sucedió ayer por la noche, porque intentamos captar las circunstancias del medio. En esas circunstancias estás todo el rato cambiando e intercalando técnicas de mezclar o filtrar..., para que el público responda, para que se cree un feedback entre nosotros y ellos. ¿Cómo trabajáis en el estudio? Normalmente trabajamos con la base de sonidos en estado bruto. Se trata de pequeñas secuencias, ya sean de melodía, de atmósfera o miniretazos rítmicos. Cuando aparecen sonidos o ritmos que realmente nos interesan, nos centramos en ellos para desarrollar un tema completo, que surge a partir de ese minúsculo fragmento inicial. No trabajamos los temas como tales, sino que al encontrar una idea original, la desarrollamos construyendo secuencia sobre secuencia, sin pensar en la estructura convencional de tema aunque al final guarde determinada armonía. El proceso es bastante intuitivo, nos dejamos llevar por lo que en cada momento sugiere esa idea inicial. ¿Cómo se ha desarrollado vuestra evolución, desde ‘Incunabula’ hasta hoy? No creemos que se trate de una evolución predeterminada, ni tan solo de una evolución propiamente dicha. Trabajamos en el estudio y regularmente vamos juntando nuestros temas en forma de demos; cuando creemos que hay suficiente material que, según nuestro criterio, guarda similitudes y tiene una identidad, decidimos editar un álbum. Nunca nos sentamos y decimos: vamos a trabajar en el material para un próximo Lp, no es nuestra forma de trabajar. Nosotros

AUTECRE ¿INTELIGENCIA ARTIFICIAL?

vamos creando sonidos y a partir de ellos estructuramos nuestra labor, es un proceso de pura abstracción. A menudo lo que editamos no es lo último que hemos elaborado o lo que estamos trabajando en ese momento, puede ser material que lleva tiempo grabado. Lo que cuenta es crear un conjunto de temas que generen fuerza expresiva y que congenien entre ellos. En ocasiones las cosas surgen como por accidente, nuestra dinámica de trabajo demuestra que las ideas, a priori, menos coherentes, pueden acabar siendo temas excelentes o álbumes formidables. ¿Qué opináis de vuestras remezclas?, a menudo son de gente alejada de vuestro estilo, ¿cómo lo planteáis? Al principio sólo nos motivaba remezclar a la gente que por una razón u otra nos gustase o se mereciera nuestro respeto. Pero con el tiempo observamos que también puede ser interesante trabajar con gente de campos muy diferentes a los tuyos, intentando darle tu visión personal a su trabajo, darle la vuelta al concepto inicial, abstrayéndote a su música. Por supuesto, el tema económico es también a menudo un fuerte aliciente, aunque nunca el principal. ¿Qué importancia tiene la imagen en un proyecto como Autechre?, ¿cómo enfocáis vuestras portadas

No hay que venderse ni obsesionarse por tener muchas ventas y montones de dinero. Todo eso es secundario.

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Creamos sonidos y a partir de ellos estructuramos nuestra labor. Es pura abstracción.

y demás aspectos gráficos relacionados con el grupo? Normalmente al acabar un álbum tenemos una imagen mental de como debería ser la portada, pero no es más que eso, una imagen abstracta sugerida por la música.

Luego empieza el proceso de entregar los Dat’s a la compañía, hablar con los diseñadores, etc...

Tenemos la fortuna de trabajar con los Republic Designers, que se encargan de dar la imagen de nuestro sello, Warp; ellos son realmente geniales y se identifican con nuestra música, captando la esencia y traduciéndola al lenguaje gráfico en forma de excelentes portadas. ¿Una vez finalizados vuestros Lp’s, seguís de cerca todo el proceso posterior (ventas, promo, etc...)? Depende. En primer lugar creemos que la música es lo más importante, la base de todo el producto. En función de eso, es importante rodearse de gente que valore tu música y tu trabajo y que no te imponga constantemente reglas y pautas de actuación en función del mercado o cualquier otro condicionante externo. Debe tratarse de gente en la que confías, un sello consistente que trabaje en las mismas coordenadas que tú. Ellos saben como funciona todo el tema de la promoción, las ventas, etc... y en ellos dejamos toda la responsabilidad al respecto pues son personas competentes para ello. A nosotros nos gusta estar informados pero no nos involucramos nunca al 100% en ese proceso post-producción. Esos temas como el marketing, las exigencias del mercado, el volumen de ventas, son aspectos que tan solo nos preocupa en función del status que hemos alcanzado con el tiempo. Me explico, lo importante es mantener un sistema creativo, en el que disfrutes trabajando y que la gente acepte lo que haces, de esa forma tanto tú como la

compañía, generamos unos ingresos mínimos necesarios para continuar produciendo música interesante a un 100% de tus posibilidades. Es cuestión de mantener el engranaje engrasado, pero sin venderte ni obsesionarte por tener muchas ventas y montones de dinero. Eso es secundario. ¿Con qué grupos os sentís afines y con qué sello os gustaría colaborar, ya sea a nivel de recopilatorios, etc...? Nos seduce el trabajo de gran cantidad de artistas, sobre todo de gente que experimenta y busca nuevas vías de creación, como por ejemplo los Coldcut o gente del campo del drum’n’bass más experimental. Nos fascina esa nueva escena que ha surgido en UK donde confluyen decenas de estilos muy variados, creando un “melting pot” realmente interesante y difícil de etiquetar. Me refiero a la fusión de techno, drum’n’bass, trip hop, jazz, electro... es excitante, con sellos como Ninja Tune o Mo’Wax. n

P///ELEFANT

Devo no sólo utilizan el audio para transmitir sus mensajes, si no que filman sus propias películas, directos precedentes de los ‘video-clips’.

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TEXTO HAI!

devoare we not men? ”La fusión hombre-máquina no sólo es aceptable sino inevitable. Suponer al hombre sin tecnología es como pensar en un ser humano sin esqueleto.” ¿Quién puede atreverse a decir esto? Are we not men? We are Devo. Pero, ¿quiénes son Devo? Jerry Casale, el más hablador del grupo: “La banda provino de una línea de ’monos comecerebros’, algunos de los cuales se establecieron en el nor-

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deste de Ohio, alrededor de Akron, donde los Devo aparecieron ocasionalmente. Por un proceso de selección natural, la banda se conoció y compartió el hábito de ver TV y hacer ruido. A lo que vieron a su alrededor lo llamaron ’de-evolución‘ y a su música, DEVO. La masa les gritaba y les tiraba cosas (como botellas de cerveza) cuando tocaban, hasta un día de 1977, cuando la masa de la ciudad se dió cuenta que “nosotros somos Devo”.

Volvamos a la misma pregunta: ¿pero quiénes son Devo? Respuesta: Devo son/eran 5 chicos de Akron (ciudad de Ohio donde se produce toda la goma de neumático para la industria del automóvil estadounidense), uniformes tanto en altura como en peso y calzan un 8c. Alan incorpora los ritmos del estilo “jungle”. Jerry emite pulsos alterados y Bob 2 añade ritmos de robot precisos. Bob 1 se desquita con mutaciones sónicas y Mark lo pulveriza todo con sintetizadores, además su voz se utiliza mucho más que las otras cuatro. “Cuando ‘Hair‘ y la ‘beautiful people‘ estaban de moda,-dice Jerry— nosotros decíamos: nadie es importante y todo es una farsa. Los humanos no están en el centro del universo. Fue todo un revés para las creencias de todo el mundo y a la gente no les gustó oírlo.“ Sus ideas las distribuyen mediante material visual, textos y cassettes entre todos sus contactos, se autoproducen vídeos y, finalmente, Devo graba un primer single autoproducido en su propio sello, Booji Boy, que contiene dos curiosos, extraños y sorprendentes temas, ’Jocko Homo’ y ’Mongoloid’, grabados en un cuatro pistas. Este single llega a manos de David Bowie, a través de Iggy Pop, que tras comentar que “son como dos Enos y un par de Edgar Froeses”, los contrata para su propia productora, y empieza a mover el disco para poder conseguir-

les un contrato discográfico. Mientras llega el contrato, dos nuevos singles en Booji Boy, uno de los cuales contiene la, posiblemente (sin lugar a dudas) mejor y más alucinada y excentricoestrambótica, versión del ‘Satisfaction’ rollingstoniana. La compañía británica Stix se hace con los derechos de estos primeros discos para su país, igual que Barclay para Francia. Bowie pone en contacto a Devo con Eno, que comenta no haber escuchado, exceptuando a Kraftwerk, nunca algo similar. El resultado: ’Q: Are we not men?; A: We are Devo!’ (1977), primer Lp (en un bonito vinilo gris) de Devo, grabado en el famoso estudio de Conny Plank bajo la producción de Brian Eno (menos dos temas grabados en San Francisco). Virgin se hace con el contrato tras un pleito con Warner Brothers, al mismo tiempo que CBS y EMI también reclaman contratos apalabrados. Del anonimato en su natal Akron a ser motivo de disputas entre las multinacionales. La devomanía se extiende como la espuma por todo el mundo, y lo confirman tras su segundo Lp , ‘Duty Now For The Future’ (1978). Ambos discos utilizan para ilustrar sus carpetas, imágenes de algunas de sus primeras películas. Si, no sólo utilizan sorportes de audio para transmitir sus mensajes, sino que filman sus propias películas, directos precedentes de los ‘video-clips’: ‘’The Truth About DEDEVOLUTION’, ‘Satisfaction’ y ‘The Men Who Make The Music’. ¿Qué tienen Devo para triunfar de esta manera?

Sencillamente, una gran dosis de humor que destilan a través de los surcos de sus discos, sobre los que (y gracias a un envidioso contrato) controlan su imagen y todo el contenido musical de los mismos. Mezclan instrumentos eléctricos (guitarras y bajos que manipulan y utilizan de manera muy personal) con electrónicos (sintetizadores y percusión

DEVO ARE WE NOT MEN?

electrónica, el famoso ‘synare’) para dar forma a extrañas canciones, no exentas de pegadizas melodías. Crean toda una parafernalia visual que después ofrecen a seguidores a través de un servicio de merchandising, donde pueden comprar sus trajes amarillos, sus sombreros de plástico rojo, postales, camisetas, gafas 3-D... Tras ‘Freedom of Choice’ (1980), que contiene el single más vendido de la historia de Los Angeles (‘Whipit’), y el correspondiente directo plastificado, llega la crisis creativa. Tras unos discos donde, por original, destaca todo, llega la falta de ideas. Todo su montaje ideológico empieza a tener un mensaje caduco. La repetición de un mismo patrón no hace nada de bien por la causa. Abandonan Virgin y firman por la Warner Bros. para grabar ‘New Tradicionalists’ (1981) (personalmente creo que supone el fin de Devo), pero el cambio no mejora su situación. Tras arrastrarse con una serie de discos para olvidar y una desaparición del panorama musical, lo último que han hecho ha sido un Cd-Rom (se imponen las nuevas tendencias tecnológicas) de un juego donde recuperan sus mejores temas musicales. “Cuando algo se expresa en palabras, pierde tantos matices que hace que también todo lo contrario sera válido’ (Devo dixit). n

David Bowie, que los conoció a través de Iggy Pop, comentó de Devo que “son como dos Enos y un par de Edgar Froeses” 7:29

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Con ‘Crash’ reniegan de su pasado techno, permitiéndose incluso el descaro de ‘advertir’ en la contraportada, que no se habían utilizado secuenciadores en su elaboración.

FOTOS T.R./SELF

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TEXTO SUMÁTRIX

human league resurrección y ascensión

A mediados de los 70, la ciudad británica de Sheffield era un auténtico hervidero de artistas inquietos y provocadores, que sin apenas medios, intentaban revolucionar la cultura preestablecida.

En el panorama musical, los primeros en aparecer en escena fueron Cabaret Voltaire en 1974, y poco después lo harán Throbbing Gristle y Daniel Miller (líder de The

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Normal), fundando ambos un sello llamado Industrial Records, que pronto cederían su nombre para definir este tipo de música.

Ya en 1977, los miembros de una banda llamada The Future, formada por Craig Marsh y Marty Ware, expertos en ordenadores pero sin conocimientos musicales, deciden que necesitan un cantante para sus temas, e incorporan a un espabilado chico de 22 años llamado Phil Oakey. Más tarde aceptarían también a un fotógrafo de la misma edad, Adrian Wright, que se encargaría de proyectar sus diapositivas en los lugares donde actuaban.

Posteriormente toman el nombre de un juego de rol, llamado The Human League.

En junio del 78 publicarían en un sello independiente su primer single, ‘Electronically yours’, y el segundo en abril del 79, ‘The dignity of labour’. Estos discos no tendrían ninguna repercusión y desmoralizados, deciden cambiar el nombre de la formación, tomando el de The Men, con el que grabarían otro single, ‘I don’t depend on you’, con la ayuda de músicos de sesión. Por suerte, el sello Virgin se interesó por ellos y les ofreció un sustancioso contrato. Otra vez llenos de moral y con el nombre de The Human League graban en 1979 y en su propio estudio el que fue su primer Lp, ‘Reproduction’. Los singles ‘Holiday 80’ y ‘Empire state human’ entran tímidamente en las listas de éxitos. Todo un logro si tenemos en cuenta la aspereza de los temas y su espartana producción.

Los Talking Heads los requieren entonces para ser sus teloneros. Los miembros de la Liga Humana aceptan y les proponen una performance audiovisual de vanguardia en la que no estarían presentes en el escenario, si no a distancia y por control remoto. A los Bustos Parlantes les pareció

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un completo desatino y se retractan de su oferta de inmediato (recordemos que era 1979).

Al año siguiente aparecería su segundo álbum, ‘Travelogue’, con similar acogida que el primero. Semanas después, Ware y Marsh descontentos, deciden abandonar el grupo e inician un ambicioso proyecto de multiproducciones, denominado B.E.F. (British Electric Foundation) y forman otra histórica banda, llamada Heaven 17.

La Human League se vería entonces reconstituida con dos go-gos de 17 años, Joanne Catherall y Susanne Sulley y con un músico ‘de verdad’ llamado Ian Burden.

Y es en ese momento cuando llega el periodo más ‘dulce’ de este grupo. Abandonan la línea más dura y experimental de sus primeros discos para sumergirse de lleno en un estilo mucho más comercial (que en esos días, los dj’s radiofónicos británicos acuñaban como ‘techno pop’), desprendiéndose ya definitivamente de su anterior etiqueta de música industrial. Se suceden entonces un cúmulo de singles de gran éxito como: ‘Boys and girls’, ‘The sound of the crowd’, ‘Love action’, ‘Open your heart’ y ‘Don’t you want me’, culminando con la aparición en el 81 de su tercer álbum, ‘Dare!’. En aquellas fechas Phil Oakey se casaría con Joanne y la banda se vería reforzada con la incorporación de otro músico profesional llamado Jo Callis.

Un año después grabaron ‘Love and dancing’, con el nombre de League Unlimited Orchestra, que contenía versiones de sus anteriores producciones en clave ‘dance’.

En 1983 aparecieron los singles ‘Mirror man’, ‘Keep feeling fascination’ y ‘The Lebanon’, que volverían a llevarles al estrellato. Y al año siguiente publican el Lp ‘Hysteria’. Se abrirá entonces un período de inactividad, forzada por un bloqueo de inspiración de Phil.

THE HUMAN LEAGUE RESURRECCIÓN Y ASCENSIÓN

En 1986, con la formación reducida sólo a él y las chicas, y con el fenómeno ‘techno pop’ en recesión, graban en Minneapolis el álbum ‘Crash’, que contó con la colaboración de dos productores especializados en funky. En él, reniegan de su pasado techno, permitiéndose incluso el descaro de ‘advertir’ en la contraportada que no se habían utilizado secuenciadores en su elaboración, lo que era doblemente descarado, ya que en muchos temas se aprecia claramente que hay instrumentos secuenciados. Este disco pasaría sin pena ni gloria y daría paso a la crisis más profunda de la formación, ya que sólo aparecerá de ellos un recopilatorio, en 1988.

Pero sorprendentemente en 1995 cuando se daba por finiquitado al trío, publican la que es hasta la fecha su última producción, el Cd ‘Octopus’, que tuvo como avanzadilla el single ‘Tell me when’.

Si desde 1984 Oakey se encontraba sumergido en un vacío creativo absoluto, en febrero del 94 se le debió aparecer la Vírgen y una docena de santos, porque ‘Octopus’ recoge las mejores esencias del techno pop de los 80 y 90, y las pone al día, siendo a mi parecer una de las más destacables realizaciones de pop electrónico. Confiemos que trabajos así (a pesar de su ‘tibia’ repercusión), sirvan para reflotar este estilo que siempre ha contado con fieles adeptos. n

Ware y Marsh abandonan la H.L. e inician un ambicioso proyecto, denominado B.E.F. y forman otra histórica banda, Heaven 17.

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Crisis colabora en todos los aspectos junto con los grupos, con el fin de sacar un mayor provecho a las todas ideas .

FOTO CRISIS R.

TEXTO HÉCTOR AGUIRRE

crisiselrecords difícil camino Crisis nació a mediados de 1995, editando una demo tape compilatoria del grupo 2CV6, para posteriormente editar a finales de diciembre del mismo año un single del grupo Arteknnia y un mini álbum de Miradas & Doncellas. Estas dos bandas son chilenas y cultivan distintas variantes del techno. Paralelo al trabajo de sello discográfico, nos desarrollamos como una productora de

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eventos, que abarcan a las bandas del sello más otras que se han ido sumando al proyecto. Entre las cosas de las que nos preocupamos está el manejo de las bandas, la imagen visual, gráfica, instalación escénica, sonido en vivo, etc... Para esto ocupamos los conocimientos de nosotros y los de los integrantes de los mismos grupos, con el fin de sacar un mayor provecho a las ideas de ellos mismos.

Los trabajos de Crisis en la actualidad son distribuidos a nivel nacional (Chile) por Toxic Records, sello también independiente dedicado a músicas más extremas. La distribución internacional la realizamos, por el momento, vía correo, esperando distribuir por otras vías en el futuro próximo.

Miradas & Doncellas es un grupo que nació en el año 1992 y al igual que las otras bandas del sello, ‘Miradas & Doncellas’ es su primer trabajo discográfico, con muy buena respuesta de la crítica chilena y en el que desarrollan una textura musical muy interesante, destacando todos los temas por si mismos; este material abarca composiciones desde los inicios, hasta finales de 1993 y en la actualidad se encuentran tocando en vivo y creando el material de su próxima producción que queremos sacar a comienzos de 1997. ‘Lobo entre lobos’, es el tema del que estamos realizando un vídeo clip en la actualidad y que, como casi todo el trabajo del mini álbum, el mismo grupo se relaciona directamente con la concepción y producción del mismo.

M & D está integrado por Alejandro Miranda (voz y sintetizador), Tonko Yutronic (sintetizador y coros) y Rodrigo Miranda (guitarra). Patricio Moya (sintetizador)

se retiró del grupo recientemente, para dedicarse a otro proyecto y al trabajo en su estudio de grabación.

Arteknnia es el grupo techno más antiguo de Chile.

Mario Aguilar y Alejandro Albornoz comenzaron a trabajar en el año 85, cuando tenían 12 y 14 años respectivamente, experimentando con ruidos, mostrando fascinación por los sonidos urbanos comunes pero que al trabajarlos, cambiaba su carácter de ruido y pasaba a ser algo entre ruido y música. Sin tener ningún conocimiento musical y con el antecedente de Kraftwerk, desarrollaron esta vertiente hasta el año 1988, cuando comienzan a musicalizar más sus composiciones e integran nuevos músicos. Con estos cambios empiezan a realizar sus primeros conciertos, en los que mostraban una propuesta escénica bastante dura. Con el correr de los años se alejaron varios integrantes, lo que produjo un lapsus de tiempo en el que no tuvieron actividad.

Entraron nuevos músicos, lo que les llevó a cambiar de estilos musicales y a realizar nuevas composiciones.

Actualmente Arteknnia lo componen Mario, Alejandro y Fabi González, que siempre han sido la base de este grupo.

El single ‘La última tierra’ está compuesto por 4 temas, que comienza con una nueva versión de un antiguo tema, ‘Ceremonia leal’, cuya versión original se encuentra en el Cd recopilatorio ‘Con el corazón aquí’, que fue una compilación de rock chileno y que se editó en 1993 por la Asociación de Trabajadores del Rock. ‘Digital’ es un tema grabado a finales de 1993. ‘La última tierra’ es el corte más antiguo, ya que fue realizado a mediados de

CRISIS RECORDS EL DIFÍCIL CAMINO

1992 y corresponde a un tema improvisado en el estudio de grabación, sobre la idea de una melodía de Mario y una letra de Alejandro. ‘Telúrica’ cierra este trabajo y es un tema instrumental que se hizo a mediados de 1995, que recuerda en cierta medida a las composiciones de los grupos electrónicos de los años 70.

Actualmente nos encontramos trabajando en la producción de tres proyectos, que esperamos lanzar a mediados de este año. El primero y más ambicioso es un recopilatorio, en el que aparecen doce grupos que cultivan varios estilos de techno, que van desde el ambient hasta cosas muy influenciadas por el industrial. Destacan entre las bandas, Selk’nam, Kampf y Ha Lugar Menos 128 Bajo.

El segundo es un larga duración de Arteknnia, con un trabajo de producción musical más prolijo y con composiciones bastante interesantes. El otro proyecto es un mini álbum de La Redención, grupo de Patricio Moya y anterior a Miradas & Doncellas, que reflotó hace pocos meses. El estilo en el que se mueven, se encuentra entre bandas como The Cure y Japan.

Quien quiera contactar con los grupos o con el sello para adquirir este material, que escriba a Crisis Rec., P.O. Box 10137-21, Santiago, Chile. n

Al mismo tiempo que como sello discográfico, Crisis también desarrolla un trabajo como productora de eventos.

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SELF

TEXTO JB, THE LAST FRONTIER

klem

el self holandés

KLEM son las siglas de Kontakt Liefhebbers Electronische Muziek, la Asociación de contacto entre gente a la que le gusta la música electrónica. Actualmente tiene más de 1.000 miembros, fundamentalmente en Holanda y Bélgica, pero también en Alemania, Francia, Reino Unido, Austria, Portugal, Canadá, EE.UU., Australia, Brasil, Rusia y España. Desde hace algunos años son la mayor organización del mundo para la promoción de la música electrónica, entendiendo por ésta la que realizan músicos que utilizan fundamentalmente instrumentos electrónicos, incluyendo incluso estilos como la New Age o la música minimalista.

El objetivo principal de la Asociación KLEM es estimular la música electrónica en cualquier forma. Cada dos meses se publica una revista en holandés de 70 páginas en formato A5 en la que se comentan discos, revistas y libros, se da información sobre las tiendas de discos que tienen amplia selección de música electrónica, sobre conciertos y festivales y sobre el panorama electrónico en otros países. Publican entrevistas, biografías y listado de novedades discográficas.

Existe un servicio telefónico de información para realizar consultas sobre música electrónica y grupos de reunión en diferentes ciudades de Holanda, Bélgica y Alemania que se encuentran para hablar de música electrónica.

KLEM ayuda a sus miembros a obtener información

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7:34

sobre discos difíciles de conseguir (KLEM no vende discos) y organiza un festival anual, el KLEMdag, al que asisten más de 1.300 personas.

En 1989, con motivo del 10º aniversario de la existencia de la Asociación, KLEM editó un Cd: ‘Electronische Muziek 1989’ (agotado desde hace años). Cinco años después, en 1994, KLEM cumplía 15 años. El 8 de octubre de ese año se decidió editar un segundo Cd, ‘Electronische Muziek 1994’, repleto de música electrónica de los más renombrados compositores. Ninguno de los temas que aparecen en este disco había sido grabado anteriormente. Como en la primera ocasión, se fabricaron 1.000 copias numeradas. En cuanto se hayan vendido, el cd quedará descatalogado irremisiblemente. Esto lo convierte en una grabación doblemente excepcional: por un lado, la recuperación de temas inéditos a cargo de maestros consumados del medio electrónico; y por otro, el hecho de tratarse de existencias limitadas, dándole carácter de coleccionista. De esta segunda grabación de KLEM todavía existen algunos discos en stock, así que os adelantamos su contenido y cómo conseguirlo: Peter Mergener (A little bit of something, 8’53”), Michael Garrison (Glider, 3’09”), Klaus Schulze (Vas insigne electionis, 9’45”), Steve Roach (The majestic void, 5’26”), John Kerr (Imminent shadows II, 7’10”), Suzanne Ciani (Princess with orange feet, 3’33”), Michel Huygen (Madrid oculto, 9’46”), John Dyson (Rainforest dawn, 5’45”), Johannes Schmoelling (Galago, 6’35”), Patrick “Kosmos” Wille (Wolf 359, 5’48”) y Christopher Franke (Timesteps, 5’33”). Esta grabación no se encuentra en las tiendas de discos. Sólo se puede conseguir dirigiéndose directamente a KLEM a cambio de 35 francos (correo aéreo, gastos de envío incluidos). Buena caza. n Contacto: Stichting KLEM, Amstelsingel 7, 4105 GZ Culemborg, Holanda

P///BELETA RECORDS

The angriest dog jockey of the world Por V.S. Los ordenadores son malos. No son amigos de los humanos. El mío me ha borrado el fichero del último dogjockey, así que ahora (45 minutos antes de que se cierren las puertas) tengo que inventarme algo rápido para llenar, por lo menos, una página, porque el mundo no puede seguir existiendo sin mi columna pesada.

Mi disco favorito del verano: ‘Smiley Smile/Wild Honey’ de los Beach Boys. Si alguien me hubiera dicho que yo pudiera considerar un disco de los Beach Boys como disco favorito, me hubiera reído de él/ella. Pero la vida es dura y extraña. Así que tampoco doy más explicaciones y sólo lo recomiendo.

Disco 2: ‘Chromium Nebulae’ de Anthony Manning. Siempre me gusta encontrar un disco en ofertas (995 ptas.) que nadie quiere y del que no tienes idea de lo que te espera. Tenía la idea que podría ser interesante y así es. Música electrónica bastante tranquila y muy individual. Te puedo asegurar que no suena a FAX Records.

Hay también ligeras influencias de la música industrial pero es sólo un elemento más en una mezcla de influencias esotéricas.

Disco 3: ‘Balearic Rhythms’ de Esplendor Geométrico. Siguen en la línea del Cd anterior, música étnica-industrial contundente. Como de costumbre, la música viene acompanada de voces grabadas de la televisión/radio.

En el primer tema la voz de un cura, descrito por Andrés

SELF

7:36

Noarbe como “la voz del papa”. Justo este tema, que por la voz fastidia a algunos amigos míos, a mí me encanta. El resto del disco es más “normal” y no aporta sorpresas.

Disco 4: ‘Quatermass’ de Tod Dockstader. Tod Dockstader grabó la música de este compacto entre 1963 y 1964. Él es uno de los maestros más desconocidos de la música electrónica, o mejor dicho en su caso, de la ‘musique concrete’.

Trabaja sólo con ruidos de lo más cotidiano (la parte que da título al compacto esta hecho con el ruido de un balón desinflándose, un cymbal y un oscilador) y lo que proporciona el interés es el tratamiento de estos ruidos sencillos. Tod Dockstader es un verdadero genio en el momento de manipular estas grabaciones, cortar cintas, hacer sobreimposiciones de pistas, etc. Es imposible mejorar esta música, incluso teniendo un equipo de hoy en día con sampler/ordenador/grabación en disco duro. Impresionante e imprescindible.

Disco 5: ‘See me ridin’’ de Martin Rev. Otro americano totalmente loco y sin comparación. Ya deberías conecer su trayectoria con Alan Vega en Suicide y si no, mejor que compres rápidamente los primeros dos discos de este dúo infernal. El nuevo disco en solitario de Martin Rev nos lleva a terrenos hasta ahora casi desconocidos en él, aunque siempre había una latente fascinación en Suicide por los temas del ‘bubblegum pop’. Pues aquí lo tenéis puro y suave.

Martin canta sobre amores/desamores y todos los otros temas favoritos de los cantantes de este tipo de música. Con él no puedes estar seguro de si se trata de una broma o ... 16 temas llenos de ternura y paranoia. Un regalo perfecto para esta navidad. ¡Felices fiestas! n

P///AMA RECORDS

cd store

te tanto subproducto importado que aporta muy poco. El tema de Pez tiene que ser elegido como uno de los mejores del 96. ¿Volverán a ganar el título de mejor recopilación del año? Porque no, si lo han hecho casi perfecto.

VV. AA. COSMOSOUND 1

LOUNGE

COSMOS

Se han vuelto a atrever otra vez, además se han vuelto a adelantar al presente que nos rodea, dando más calidad que mucha otra gente y con una portada muy original, ¿qué se le puede pedir más a un disco? Yo diría que poco más. Aquí sí que han conseguido un recopilatorio homogéneo y muy compacto (nunca mejor dicho), menos previsible y más valiente que el anterior, más acertado en la elección de los artistas y con mejores resultados a simple vista. No es un disco de jungle (género maldito en este país), no es un disco de trip-hop (una de las etiquetas más difusas que conozco) y no es un disco de drum & bass (no se puede ‘etiquetar’ algo tan extendido, casi todo lo que suena ahora es percusión y bajo). Es música y de muchos quilates, sin apellidos reconocibles y con ánimo de hacer daño an-

SELF

FLARE GRIP SUBLIME RECORDS

¿Quién es Flare?, os preguntaréis. Pues no es otro que Ken Ishii, el mismo que grabó ‘Jelly Tones’ (95) para R & S, publicando nuevo material para el sello japonés en el que ya editó ‘Reference to Difference’(94), bajo el proyecto Rising Sun. Este nuevo trabajo es mucho más experimental que lo que hace para R & S, se adentra en terrenos más minoritarios y menos previsibles e intenta introducir la personalidad japonesa en su forma de interpretar la música electrónica y deja de lado la ‘facilidad’ de su anterior obra (esquemas repetitivos y más asimilables), que le ha reportado un reconocimiento masivo. Supongo que ésta es la de cal o así lo veo yo.

RALF & FLORIAN

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VV. AA. SOMA COMPILATION VOL. 3 SOMA

Aquí tenemos un completo resumen de lo que está haciendo el sello escocés Soma Quality Recordings en 1996. Éste es su tercer recopilatorio (para mí, el mejor de los tres) y es el que tiene que redondear los éxitos obtenidos durante este año (el ‘Headstates’ de Slam y la recopilación nº 2). Música electrónica de alta calidad, fabricada para la pista de baile pero que puedes escuchar perfectamente en tu casa. Sobresaliente.

ALBERTO BALSAM

ELEGANT MACHINERY YESTERDAY MAN VISAGE

Nuevo álbum de este trío sueco que se dedica, con gran acierto, a emular el tecno-pop de las primeras producciones de Depeche Mode. Si en sus anteriores trabajos ya apuntaban buenas maneras, en este ‘Yesterday Man’ (oportuno título) se consagran totalmente, y de aprendices adelantados han pasado a ser consu-

CD STORE mados maestros en el fino arte de la imitación, aunque menos experimentales y más comerciales que los británicos. Si te gustaron aquellos Depeche Mode, te complacerán, retrocediendo dieciseis años en el tiempo. Por cierto, lo que aparece en la portada es efectivamente un teléfono móvil ‘Vintage’ (seguro que con él se fardaba un montón).

SUMÁTRIX

MADELMAN PALAIS COSMOS

Por fin tengo en mis manos un disco de Madelman, sólo de él, que hace merecida justicia al desinterés que había hacia su obra por parte de la industria musical nacional. Parece mentira que algo tan interesante haya estado tanto tiempo oculto y sólo pequeñas gotas de su talento hayan aparecido en diversos recopilatorios. Pero no me voy a extender más en las desgracias, el álbum ya está aquí y sinceramente es de lo más importante que se ha hecho en este país en música electrónica. A su vertiente más lúdica (ya conocida en anteriores temas), ahora se añade su lado más introspectivo y ‘experimental’. No voy

a destacar ningún tema en particular porque ‘Palais’ está dotado de una unidad interna que lo compacta tanto que me impide elegir algo en particular (destacaría la interesante remezcla del dúo barcelonés Feel Action de ‘Matinée’, porque presenta una nueva lectura de la música de Madelman, ajena a su autor pero no por eso menos atractiva).

Resumiendo: estamos ante una obra única que merece toda la atención y todo el respaldo que se le pueda dar porque las joyas escasean cada vez más y hay que sentirse orgulloso de las que se diseñan aquí.

RALF & FLORIAN

HEAVEN 17 BIGGER THAN AMERICA WARNER

Si en el 95 reaparecieron The Human League, ahora lo hacen Heaven 17, aunque desprovistos de aquel aroma tecno-funky blanco que siempre les caracterizó. Eso sí, continuan con las consignas de concienciación política y solidaridad en sus letras. En este excelente trabajo de la British Electric Foundation no aparece ningún tema de relleno pero hi-

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lando muy fino diremos que varias canciones suenan algo ‘light’. En definitiva, pienso que agradará plenamente a los seguidores del tecno-pop, ya que la línea sigue siendo la habitual, por no decir mejorada. También puede satisfacer a ese público que ya esté cansado de la dictadura del bombo pertinaz y facilón.

SUMÁTRIX

RINÔÇERÔSE RINÔÇERÔSE STEREOPHONIC ELEFANT DANCE RECORDINGS

Sigue la atracción francesa por parte de los chicos de Elefant pero ahora se aleja del pop aterciopelado y se acerca a una nueva propuesta para las pistas de baile: el dúo Rinôçerôse.

Guitarras, bajo, teclados y percusiones que se mueven entre el indie, el dub, el acid-jazz y el trip-hop y que crean algo bastante alejado del ‘standard moderno británico’. Cuentan con esplendidos colaboradores (entre ellos el ingeniero de los dos álbumes de los Chemical Brothers, Steve ‘Dub’ Jones,

SELF

cd store que remezcla, de forma muy acertada, el tema estrella del disco, la version de ‘Bloodsport’ de los Killing Joke) que redondean el resultado final. Hay que seguirles la pista porque esto no ha hecho más que empezar.

puntales de la recopilación es Towa Tei, miembro de Deee-Lite y gurú de todo este ‘movimiento’, que aparece como compositor o productor en algunos de los temas. Hay que acercarse al disco con toda la curiosidad que puedas reunir porque te vas a llevar más de una sorpresa agradable.

ALBERTO BALSAM

+N BUILT

BLACK MUSLIM

RATHER INTERESTING

VV. AA. SUSHI 3003

PARA-

BUNGALOW

Como reza el subtítulo del disco, estamos ante ‘una espectacular colección de clubpop japonés’. Y, ¿qué es el ‘clubpop japonés’? os preguntaréis, pues es una mezcla de jazz, techno, house, latin y easy listening a partes iguales y si a eso le añades el ‘amor fanático’ que sienten por toda la música que les gusta y el ‘perfeccionismo enfermizo nipón’, te encontrarás con ‘Sushi 3003’. Es un disco que te gusta o lo odias con todas tus fuerzas (yo no daré mi opinión subjetiva, pero la tengo), pero merece todo el respeto del mundo ya que uno de los

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NOID PARANOID RATHER INTERESTING

Aquí tenemos dos discos con muchos puntos en común. + N, actualmente, está formado por Uwe Schmidt y Víctor Sol y ’Built’ es su tercer álbum. Paranoid es un proyecto en solitario de Víctor Sol que cuenta con la ayuda de José Lecha y éste es su primer fruto. Y los dos salen publicados en el sello de Uwe

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Schmidt (Atom Heart), Rather Interesting. Parece un lío pero todo concuerda perfectamente. + N vuelve a darnos otra sorpresa y nos ofrece una nueva cara musical de su poliedro creativo. Si en el primer disco nos ofrecían dos caras, una hasta cierto punto “bailable” y otra altamente experimental, en el segundo, se decantaban por un aire más planeador y en este tercero ya se liberan de toda clase de ataduras etiquetables y hacen lo que les sale directamente de la cabeza y del corazón: MÚSICA. No voy a decir nada más, si mis palabras te han despertado la curiosidad, búscalo.

Paranoid surgió espontaneamente y se lanzó al mercado americano este verano pasado, como una edición especial del sello de Uwe. Percusiones insistentes y sonidos desnudos de toda artificiosidad, nos invaden desde que empezamos a escuchar el Cd y nos transportan a la escuela de Frankfurt (no sé si alguien, antes que yo, había acuñado este término, pero lo encuentro muy acertado), de la que uno de los abanderados principales es Atom Heart.

Dos discos arriesgados que merecen un lugar bajo el sol.

BLACK MUSLIM

P///LA SALA DEL CEL

cd store

ALEX REECE

SO FAR

4TH & BROADWAY/ISLAND

Con una portada tipo carta de ajuste del año 2000, Alex Reece nos ha traído un disco que está, sin embargo, muy lejos de ese público aplatanado y aficionado al consumo de cartas de ajuste. Porque lo cierto es que ‘So Far’ es un álbum -o compacto, sorry- infinito en el arte de hacer bailar y, por eso, está más cerca del personal dotado de buena musculatura, capaz de ponerse al rebufo del explosivo, carnal, juguetón

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y hasta jugoso jungle de última hora con el que se ha descolgado el señor Reece, erigiéndose como el nuevo flautista de Hamelin de la música techno.

Se nota aquí, en el debut de Alex en esta espantosa y fascinante maquinaria del mundo techno, que estamos ante un personaje que va con su maleta cambiando de ciudad, de pista de baile y de hora, paradójicamente, en sólo cuestión de horas. Porque si algo se percibe a primera vista en este trabajo es la locura del reloj, la velocidad con la que se cambia de culturas y la absorción con la que Reece las maneja, con un estilo similar a eso que solemos llamar “tener encima del hombro un coco abierto a todo”. ‘So Far’ podrá sorprender a los más incrédulos pero no a las trasnochadas gentes de Ibiza, que ya conocían a nuestro hombre como un lumbreras de la cosa Dj y le recuerdan con mucho amor. Y claro, como no, él ha sabido responder: no en vano, uno de los temas que mejor se devoran en el disco lleva tatuado el nombre de ‘Ibiza’, una nostalgia que quema por dentro.

Digamos que si la música jungle es una espectacular feria de razas, este disco es como si estuviera dotado de una goma elástica para moverse de una a la otra. E incluso Alex va mucho

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más allá. Por eso no es de extrañar que el primer tema, ‘Feel the sun shine’, sea una mezcla de estribillo y melodía propia del pop de la tierra, fusionada con las heladas sonoridades de la dama Björk (¿habrá ido a pinchar hasta Islandia nuestro héroe?) y que ‘Jazz master’ sea una genial fusión de jazz neoyorkino con jungle, una nueva química que hace pensar que, desde que nos dejó papá Miles, el jazz sólo evolucionará con el jungle. Será una pena que el papá no lo pueda bailar.

También en ‘So Far’ cabe la ironía, por eso ‘Pulp Friccion’ (sustituyendo a Pulp Fiction) es un tema duro y veloz que incita a bailar no a modo de ficción, sino a modo de fricción. Y, ¿qué me dicen de las féminas Debora y Carmen, dos voces que le vienen de perlas al disco, y que sugieren más de lo que se perciben en ellas? Hablo de sensualidad y sexualidad, términos que en todo el disco se dan como un acontecimiento y un espectáculo de oir en sí mismos. En fin, que amo este compacto y amo la cabecita de este bendito personaje, cuyo peso real no pasará de los cincuenta kilos, aunque, si medimos el peso real que tiene el disco, sobrepasa la tonelada.

MARIO LACASPA

P///MAD HOUSE

communication LA FRONTERA PERDIDA Música electrónica: la generada a partir de procesos electrónicos, bien interpretada mediante instrumentos propiamente electrónicos, bien procesando electrónicamente sonidos mal llamados acústicos (puesto que todo sonido, por su propia naturaleza, es acústico).

Y ahora, ¿qué?. Ahora, a dejar volar la imaginación, porque ahí precisamente reside el poder de la música electrónica: no conoce límites, ya que la única limitación es la creatividad del propio artista.

Los primeros instrumentos electrónicos pretendían ampliar el mundo de sonidos que había permanecido restringido durante siglos a los sempiternos instrumentos convencionales, mecánicos, donde siempre hay que soplar, rasgar, golpear o frotar, y no tengo nada en contra de ellos, al contrario: tienen su encanto y me parecen insustituibles.

Donde esté un oboe o un cello como Dios manda, gloria bendita. Pero no malinterpretemos los términos: cuando un sampler recrea un determinado sonido y le permite al músico tocar un violín sin haber estudiado solfeo, cuando le permite dirigir a la Sinfónica de Berlín sin tener que contratarla por horas, cuando le da la inmensa libertad y el fastuoso poder de CREAR, entonces está justificado.

Soy partidario de que cada cosa es para lo que es. Si se

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ha de dar un concierto donde deba aparecer un piano, allí debe estar el piano. Pero cuando queremos traspasar los límites conocidos y adentrarnos en espacios inexplorados, entonces, una vez más, recurramos a lo que es válido. Y aquí la electrónica es la herramienta más versátil, porque no impone ninguna regla, no dicta ningún patrón, no restringe ningún campo de acción, es la llave que abre la puerta de la Verdad, que nos concede el don de ser los sumos Creadores de nuestro propio universo.

Pero, ¿por qué ceñirnos a la electrónica y desaprovechar las bondades de lo tradicional?.

Parece como si hubiese un acuerdo tácito y lo uno anulase (aniquilase) a lo otro.

No. Sería un grave error sacar esa conclusión. Cada día son más los músicos electrónicos que se apoyan en instrumentación “más amable” (esto ya es un tópico anticuado), y también es mayor el número de “convencionales” que recurren a la electrónica cuando precisan llegar más lejos.

En algún lugar perdido en el espacio y en el tiempo hemos dejado atrás esa frontera que separaba ambos mundos. Atrás quedan los años en que un sonido “artificial” era frío y duro, cuando todo eran cables y los músicos eran unos locos visionarios que corrían buscando algo inexistente. Hoy eso se ha hecho realidad, sus sueños dan vida a los nuestros, su música calienta nuestras emociones. Para todos ellos, pioneros entonces y consumados artistas hoy, mi más sincero agradecimiento y respeto.

ANÓNIMO

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PROVINCIA

C.P. TELF. FAX

communication ALGO HUELE A PODRIDO EN...

Con mi acostumbrada altanería observo desde la torre del homenaje un desolado paisaje del que emana una profunda hediondez. Tanta es, que no puedo por menos que alzar aún más el mentón e insuflar el oxígeno que sólo mi espíritu es capaz de producir. Las extensas planicies que en lontananza alcanzo a ver, yacen cubiertas por un lóbrego manto de cadáveres. Tiempo ha que fallecieron mas nadie osa levantarlos. Es tal su número y peso, que no hay en el reino fuerzas bastantes para hacerlo. Pero si algo me repugna aún más, son los recien nacidos vástagos de nuestro señorío, que abandonados a su suerte por sus irresponsables progenitores, se arrastran por entre la carroña y de ella se alimentan. Bastaría todo lo referido para ensombrecer el alma de cualquier caballero sensato pero lo cierto es que hay más. Mis más fieles allegados me han relatado los perversos experimentos que algunos alquimistas desarrollan con el objeto de devolver a la vida a los más significados de entre los cadáveres que cubren nuestro principado. Como véis nos enfrentamos al mayor de los entuertos que jamás ha asolado el reino. Sólo hay una solución, pacificar nuestra tierra con el poder del fuego y ejecutar a todo aquel inclinado al recuerdo. Me consta que aún

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quedan claros varones capaces de comandar la revolución inspirándose en nuestros gloriosos antepasados, los futuristas.

Es mi voluntad, ha poco que pueda, lanzar mis huestes, que en ordenada formación, habrán de exterminar a todos esos pobres diablos. La descendencia de éstos conocerá el limpio aroma de la tierra fertilizada con los despojos de unos y otros. Ninguna vieja estructura ocultará el horizonte y hacia él avanzarán las nuevas generaciones, siempre firmes e indolentes. En cabeza, los nuevos alquimistas sólo preocupados en producir y nunca más en reproducir. ¡Animo y vigor en el gesto!

TALUDIO RATIVO FECIT (ADN)

P///SO DENS

P///ROLAND