Capítulo 4º y 5º Eduardo Momeñe: La visión fotográfica.
Sheila Moreno Iniesta. 1ºB.
Resumen capítulos: En estos capítulos comienza cpn una parábola muy signifiativa relacionada con la naturaleza y la fotografía, cuenta la actitud que tiene un cazador de mariposas con su trabajo, también asemeja el jandín al munda real, donde todo está visto,aunque cada uno con una mirada diferente y única. En las fotografias mosntramos el mundo tal y como lo vemos, y conseguir expresar algo a través de las imágenes es lo que se intenta conseguir. Además de mencionar a grandes gotógrafos y artistas de tiempos diferentes, habla sobre el carrete y su proceso, destacando que la parte del positivado n se debe descuidar porque es un complemento de la fotografía, la cual, acaba cuando se encuentra ya e el papel. Tras seguir hablando de la fotografía en general e introduciéndose en pequeños detalles de ella, nos deja dos ideas imprescindibles, y termina diciendo que para formar nuestra propia educación visual, aparte de los museos o galerías, es un interés obsesivo por conseguirlo.
Tema principal: El tema principal del capítulo 4 es mostrar como vemos el mundo, de tener algo que contar a través de la fotografía. El tema del capítulo 5 es como muchos fotógrafos, a través de sus cámaras costruyeron grandes historias.
Ideas principales: • • • •
Tener las ideas claras desde un princiio ayuda a simplificar, ya que no te alejas del contenido. No es lo mismo integrarse en algo que verlo en la distancia. Dar a conocer nuestro punto de vista. Las buenas fotografías son imágenes arriesgadas, desconcertantes e imprescindibles.
Ideas secundarias: • • •
La fotografía sirvió para mostrar como era la zpariencia del mundo lejano. El blanco y el negro tiene más misterio que el color. El positivado de la fotografía no es un complemento, es también la fotografía.
Autores: Francis Frith: Nació en Chesterfield (Inglaterra) en 1822, fomentó su interés por la fotografía, convirtiéndose en un miembro fundador de la Sociedad Fotográfica de Liverpool en 1853 y cofundador de la Royal Photographic Society. Vendió sus empresas en 1855 para dedicarse enteramente a la fotografía. De 1856 a 1859 hizo expediciones fotográficas a Egipto y Palestina, su obra apareció en libros publicados por las empresas de Londres James S. Virtud y William Mackenzie entre 1858 y 1865, y publicado por tereographs Negretti&Zambra en 1862. En 1860, fundó su propia compañía en Surrey, que produjo y distribuyó fotografías e imágenes estereoscópicas para la ilustración de libros y discos. También hizo reportajes fotográficos de viajes internacionales por Italia, Escandinavia, Suiza, Japón, China y la India, así como un amplio cuerpo de trabajo en Gran Bretaña a finales del siglo xix. Fue uno de los primeros productores en masa de fotografías en Inglaterra; F. Frith & Co. cerró en 1960.
Duane Michals: decidió salirse del guión fotográfico que proponía el realismo del "momento decisivo" de Cartier-Bresson o los mandamientos que Roland Barthes dictaba al hablar del "Studium" o el "Punctum". Durante el período que estuvo en la URSS decidió retratar a la gente que se encontraba por la calle. Cuando volvió a EE.UU. comprobó que lo que más le interesaba de los rostros que había fotografiado no era la técnica, ni el momento, ni siquiera la naturalidad o fidelidad de la imagen para con el retratado, sino que quería saber más de esas vidas, consiguió producir su primera exposición en 1963 en la Underground Gallery de Nueva York. Hubo un momento en el que a Michals la fotografía se le quedó corta, así que se atrevió a ir un paso más allá y decidió apoyar su discurso con texto que acompañan a las fotografías.
Richard Misrach: es un fotógrafo estadounidense, nació en Los Ángeles, California, en 1949, que ha abordado la relación entre la sociedad contemporánea y la naturaleza, especialmente en el Oeste Americano. En la década de 1970, fue uno de los precursores del renacimiento de la fotografía a color. Es conocido por su serie en curso, Cantos del Desierto, un proyecto en el que lleva trabajando durante más de 35 años, revelando un complejo panorama del desierto americano, que es tan fascinante
como misterioso y la compleja relación del hombre con él. Otros de sus proyectos incluyen la documentación del corredor industrial a lo largo del río Mississippi que se conoce como el Callejón del Cáncer; el estudio riguroso de las condiciones meteorológicas y la hora en sus fotografías de serie Golden Gate; On the beach, en la que sus fotografías desde una perspectiva aérea, estudian la interacción de las personas y el aislamiento, con cámaras de gran formato, ha adoptado la técnica digital hábilmente y la utiliza para generar paisajes surrealistas, intercambiando los positivos y negativos a lo largo del espectro de color. Sus fotografías se encuentran entre las colecciones de más de cincuenta importantes instituciones, como el Museo de Arte Moderno, el Whitney Museum of American Art, Nueva York, la National Gallery of Art, Washington, DC, el Metropolitan Museum of Art, Nueva York, el Centro Georges Pompidou, Paris, y el Tokyo Metropolitan Museum of Art. Ha obtenido numerosos premios, como cuatro becas de la National Endowment for the Arts, una beca John Simon Guggenheim Foundation Fellowship, el Premio Literario del PEN Center West en no ficción, el Infinity Award del International Center of Photography y el 2002 Kulturpreis.
Joel Sternfeld: es un fotógrafo estadounidense, nació en Nueva York el 30 de junio de 1944. Pionero del color, es conocido por sus imágenes documentales de gran formato y en color de escenas de los Estados Unidos. Tras sus estudios en Dartmouth College enseñó fotografía en el Sarah Lawrence College en Nueva York desde 1985. Comenzó a hacer fotografías en color en 1970 después de aprender la teoría del color de Johannes Itten y de Josef Albers. El color fue un elemento importante de sus fotografías a partir de entonces. Comenzó fotografiando la realidad social de las ciudades y los campos norteamericanos, siguiendo de alguna manera la estela de la obra fotográfica de Walker Evans. American Prospects (1987) es su libro más conocido y explora la ironía de los paisajes alterados por la mano del hombre en los Estados Unidos. Su libro On This Site: Landscape in Memoriam (1997), trata la violencia en América. En él fotografía los lugares de tragedias recientes, al lado de cada fotografía está el texto sobre los acontecimientos que sucedieron en esa localización. De 1991 a 1994 trabajó con Melinda Hunt para documentar el cementerio público de Nueva York en Hart Island, dando como resultado su libro Hart Island (1998). Tiene muchos trabajos en las colecciones permanentes del MOMA en Nueva York, en el Getty Centerde Los Ángeles, en la Maison Européenne de la Photographie, en Paris, en el Seattle Art Museum y en el Whitney Museum of American Art, Nueva York
Ha influido en una generación de fotógrafos del color, incluyendo a Thomas Struth y a Andreas Gursky, que ha tomado prestadas muchas de las técnicas de Sternfeld.
Ralph Eugene Meatyard: fue un óptico y fotógrafo estadounidense, nació el 15 de mayo de 1925 en Normal, Illinois, y falleció el 7 de mayo de 1972, interesado en lo extraño y lo simbólico, con raros contenidos y una puesta en escena. Tras la guerra se casó con Madelyn McKinney y se trasladó a Lexington, Kentucky, trabajando como óptico en Tinder-Krausse-Tinder que también vendía material fotográfico.. Con el nacimiento de su primer hijo, con 25 años, se compró una cámara para hacerle fotos. En 1954 se unió al Lexington Camera Club y a la Photographic Society of America, en el club se encontró con Van Deren Coke que sería una gran influencia en sus trabajos y con el que realizó la exhibición Creative Photography en 1956. Continuó con su trabajo fotográfico, generalmente en los días de fiesta, en su cuarto oscuro en su casa, hasta su muerte en 1972. Su acercamiento a la fotografía era improvisado e influenciado muy fuertemente por la música de jazz de su tiempo. Como otros fotógrafos como Henry Holmes Smith y Harry Callahan, produjo muchos trabajos altamente experimental, incluyendo exposiciones múltiples, movimientos deliberados de la cámara, luces sobre el agua y sobre todo imágenes desenfocadas, creando un estilo propio “Sin foco”. Con su temprana muerte en 1972, tuvieron que ser sus amigos y colegas quienes terminaran una monografía de Meatyard para Aperture y publicaran The Family Album of Lucybelle Crater (1974) que había preparado antes de su muerte. Hizo exhibiciones con fotógrafos como Edward Weston, Ansel Adams, Minor White, Aaron Siskind, Harry Callahan, Robert Frank y Eikoh Hosoe.
Guy Bourdin: fue un dibujante y fotógrafo de moda y de publicidad francés, nació en París, en 1928 y falleció en 1991, uno de los más destacados de la segunda mitad del Siglo XX. Fue un personaje obsesionado y apasionado por su trabajo que construyó un mundo de imágenes surrealistas, extrañas, llenas de violencia y sexualidad. Durante los años 1948 y 1949 asumió labores militares en la fuerza aérea de Francia, aquel año recibió su primer entrenamiento en fotografía y fue destinado a vivir en Dakar, Senegal. En 1950, exhibió por primera vez su trabajo, un conjunto de dibujos y pinturas en la galería Rue de la Bourgogne en París. En 1955 se publicaron sus primeras fotografías de moda, en la portada de la revista Vogue francesa. En 1967 fue el responsable de la campaña publicitaria de la marca de calzados Charles Jourdan, además de realizar su primera editorial de fotografías de moda en las revistas Harper’s Bazaar y Photo. En 1985, realizó la campaña para el diseñador francés Emanuel Ungaro, en ese mismo año el Ministerio de Cultura de Francia le otorgó el Gran Premio Nacional de Fotografía, pero se negó a aceptarlo. En 1988, el Centro Internacional de Fotografía, de Nueva York, le otorga el premio Infinity Award En 2001, aunque él había dicho que destruyeran su archivo, su hijo Samuel Bourdin co-edita con Fernando Delgado un libro "Exhibit A" con las obras más artísticas de su padre. En 2003 se realiza una exhibición retrospectiva en el Victoria & Albert Museum de Londres, que después viaja a la National Gallery of Victoria en Melbourne y al Jeu de Paume en Paris. En 2010 se realiza por primera vez una exposición en España: La Comunidad de Madrid presenta en su Sala Canal de Isabel II la exposición A message for you que ofrece al visitante 75 imágenes y un vídeo sobre la labor del creador francés.
Alfred Eisenstaedt: nació en Dirschau, en Prusia, el 6 de diciembre de 1898, fue fotógrafo de la revista “Life”, y es considerado el padre del fotoperiodismo moderno. Se alistó en el ejército en la edad de 17 años, y fue herido de gravedad en abril de 1918. Pocos años después, en 1922, después de tener una garantía financiera como un comerciante de hebillas y botones, compró su equipo fotográfico y comenzó a desarrollar sus propias fotografías en el baño de la casa. Tuvo el éxito suficiente para convertirse en un fotógrafo de tiempo completo en 1929, cuatro años más tarde fotografió una reunión entre Adolf Hitler y Benito Mussolini en Italia. Comenzó a trabajar como freelance para Pacific and Atlantic Photos.
Sus temas eran políticos, artistas famosos y eventos sociales, junto con Margaret Bourke-White, Thomas McAvoy y Peter Stackpole, participó en el “Proyecto X” en Nueva York, esta fue organizada por la revista Time, sobre la futura publicación de la revista LIFE (23 noviembre 1936). Documentó America durante los años de conflicto, así como su crecimiento y renacimiento después de la depresión de la década de 1930. Recibió la Medalla Presidencial de las Artes y el Premio Master de Fotografía en 1988. Al final de la guerra tomó la fotografía que estaba destinada a convertirse en una de las más famosas en la historia del fotoperiodismo: El beso de Times Square el día de la victoria.
John Cohen: es un musicólogo, cineasta y fotógrafo estadounidense, nació el 02 de agosto 1932 en Queens, Nueva York que, a través de la fotografía, documentó una de las eras más transformadoras del arte estadounidense. Fue miembro fundador de los New Lost City Ramblers, algunas de sus mejores imágenes conocidas documentan la escena expresionista abstracta centrada en Cedar Bar de Nueva York; donde actuaban diversos artistas emergentes, como la llegada del joven Bob Dylan a Nueva York, los escritores de la Generación Beat durante el rodaje de la película de Robert Frank y Alfred Leslie Pull My Daisy y los músicos folk de los Apalaches. Su visión fotográfica se formó antes de que hubiera galerías de fotografía, en ese momento el único trabajo de un fotógrafo se encontraba en el fotoperiodismo o en la publicidad, y no era esto lo que quería hacer, en su lugar, hizo sus propias fotografías personales, así como documentación de cosas que eran importantes para él: en su mayoría artistas y músicos. Sus investigaciones fotográficas lo llevaron a los Andes y a los Apalaches, donde fotografió músicos tradicionales en sus propios lugares de origen. Sus fotografías se han empleado en portadas de discos, y sirvieron como prueba preliminar para sus proyectos cinematográficos posteriores.
Peter Beard: es un artista, escritor y fotógrafo estadounidense, nació el 22 de enero de 1938 en Nueva York, conocido principalmente por sus collages de fotografías de África, principalmente fauna. Asistió a la Universidad de Yale, donde se matriculó como estudiante de pre-medicina, pero pronto cambió su especialidad por la Historia del Arte. Leyó Memorias de África de Karen Blixen, que lo inspiró a viajar a África en 1955. Más tarde, después de reunirse con Blixen en Dinamarca, compró una granja de unas 17 hectáreas en África, cerca de la de Karen en Kenia. Realizó muchas fotos de fauna y allí comenzó su fuerte apuesta por los collages y el uso de sangre animal en los recortes para realzar su obra, siendo testigo del comienzo de la explosión demográfica de Kenia, que puso en jaque a los recursos limitados e hizo mella en la fauna. Es famoso no sólo por sus fotografías de elefantes africanos en peligro de extinción, sino por los retratos de supermodelos y estrellas de rock como Mick Jagger, David Bowie, Iman, Veruschka yMinnie Cushing. En el año 1975 presentó su primera exposición en la Blum Helman Gallery pero fue con su muestra de 1977 que marcó un antes y un después en su carrera presentando instalaciones hechas a partir de carcasas de elefantes y diarios memorabilia en la sede del New York’s International Center for Photography. En sus obras, documenta la historia de sus relaciones con todo el mundo que le rodeaba: África, Karen Blixen, la farándula de Nueva York, el mundo de la moda, Hollywood y la administración Kennedy. Las página están cubiertas con fotografías de mujeres, mensajes telefónicos, los márgenes escritos en tinta china, recortes de periódicos, hojas secas e insectos, viejas fotografías en tonos sepia, dibujos de animales y personas realizados por artistas kikuyu, citas de Joseph Conrad, objetos encontrados, imágenes de cadáveres en descomposición de elefantes y, a veces, la propia sangre de Beard.
Nan Goldin: es una artista estadounidense, renovadora de la fotografía documental y narradora de la escena contracultural de Nueva York de los años 70 y 80. Cuando tenía 15 años, tuvo su primer contacto con la fotografía en la escuela; dos años más tarde, ya apareció como una aspirante a fotógrafa profesional inspirada, según ella misma, "en las imágenes de las revistas de moda moderna". Por esa época, empiezó a frecuentar la comunidad de Provincetown, allí, la artista conoció a los que habrían de ser habitantes y protagonistas de sus fotografías durante los siguientes 20 años: Bruce, Sharon, Cookie, Waters... Poco después, ingresñó en la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston, donde se graduó en 1978. En esa época, además, empezó a trabajar con películas de color y a emplear luces de flash. Abandonó Boston y se estableció en el barrio de Bowery, en Manhattan, donde se topó con el estallido del punk y la aparición paralela de decenas de impulsos contraculturales. En Nueva York, encontró el gran tema de su obra: la narración de la vida sentimental y sexual de ese ambiente. Para emprender esa narración, trabajó con series de fotografías que cuentan desde dentro la vida de sus amigos: iniciación, plenitud y dependencia sexual, depresión, pobreza, amor, soledad, violencia, enfermedad... para enfatizar el efecto narrativo, la más famosa de ellas se llama La balada de la dependencia sexual , y ya muestra el efecto devastador del sida sobre esa generación en 1986. Una de sus series posteriores, La balada desde la morgue insiste en el mismo tema. Tanto es así que, poco después de presentar La Balada de la dependencia sexual en Europa, ingresó en una clínica de desintoxicación, donde siguió trabajando. Allí, el autorretrato se convirtió en uno de los temas recurrentes de su obra. Más tarde, rodó un documental autobiográfico, I'll be your mirror, que toma su título de una canción de la Velvet Underground. En el año 1992 exhibió en la Galería Matteu Marks siendo su trabajo objeto de dos grandes retrospectivas itinerantes: una organizada en 1996 por el Museo Whitney de Arte Americano y otro, en 2001, el Centro Pompidou, París y Whitechapel Art Gallery, Londres.
Bill Brandt: nació en 1904 en Hamburgo, se interesó por la fotografía a partir de los 20 años, cuando todavía residía en Viena. Este gran maestro de la fotografía, optó por resaltar en sus obras algunos valores como la poesía, la justicia y el amor.
En 1929 se mudó a París donde trabajaró como asistente de Man Ray, para trasladarse, dos años después, a Londres, allí empiezó su carrera como fotógrafo independiente. Durante este tiempo hizo fotografías de grandes ciudades inglesas, en un momento en el que se acerca apresuradamente una fuerte crisis económica. Lo relevante de sus paisajes es la preferencia por determinados tipos de luz, que estimula la total y absoluta libertad mental. El poeta Aland Ross escribió sobre esta forma característica de los retratos de Brandt, el cual exploró libremente las posibilidades del medio fotográfico sin ligarse a ninguna doctrina concreta. Hacia los años 50, empiezó a positivar sus imágenes en papel contrastado y duro, llegando a solidificar los negros, lo que proporciona un extraordinario relieve a altas luces. A la edad de 40 años, pasó desde un tipo de fotografía arquitectónica y social, al retrato. En este momento es cuando, tras su experimentación, se inició en la fotografía de desnudos y perspectivas deformadas.
Herbert List: fue un fotógrafo alemán, nació en Hamburgo en 1903 y falleció en 1975 en Munich conocido por sus colaboraciones en las revistas Vogue, Harper's Bazaar y Life y por sus trabajos sobre desnudos masculinos. Su obra se suele denominar como fotografía metafísica, como si naciese misteriosamente del interior, pero de un modo especial está considerado como uno de los más importantes fotógrafos del homoerotismo y gran cantidad de sus fotos tratan el desnudo masculino en blanco y negro. Hasta 1929 estuvo realizando viajes comerciales a Brasil, Guatemala, Costa Rica y El Salvador, al regresar a Alemania se convirtió en asociado de List & Heineken que era el nombre del negocio paterno. Empezó a interesarse por la fotografía animado por Andreas Feininger en 1930 tras conocer el trabajo visual de René Magritte, Man Ray y Giorgio de Chirico, por ello su trabajo se inició bajo el prisma del surrealismo. En 1935, por motivos políticos y personales, dejó el trabajo en su empresa y se trasladó a París y al año siguiente a Londres, donde montó un estudio fotográfico en 1938 y comenzó a vender sus fotos para revistas como Vogue, Harper's Bazaar y Life. En 1945 regresó a Munich y en 1948 se convirtió en editor de arte de la revista Heute que publicaban los aliados. En los años siguientes, hasta 1962, estuvo viajando y visitando países como Grecia, España, Italia,
Francia, México y el Caribe, y publicando en diversas revistas: Heute, Época, Look, Harper's Bazaar, Flair, Picture Post y Life. Fue seleccionado para participar en la exposición The family of man en el MOMA en 1955. En 1951 se encuentra con Robert Capa, que le anima a entrar en la Agencia Magnum, aunquerealizó pocos encargos para ella. En 1964 recibió la medalla David Octavius Hill de la Sociedad alemana de fotografía.
Alfred Stieglitz: nació en Hoboken, en el estado de Nueva Jersey, el primer día del año 1864, tuvo la fortuna de iniciar su formación académica en uno de los mejores colegios privados de Nueva York gracias a la acomodada posición económica de sus padres. Comenzó sus estudios de ingeniería mecánica en una prestigiosa escuela técnica de Berlín, aunque en ese momento ya había calado en él algo que marcaría profundamente su vida: la fotografía. Pero posiblemente también influyó mucho en él Hermann Wilhelm Vogel, un destacado científico que le dio clases de química durante su formación en ingeniería mecánica, y que, como él, estaba muy interesado en la fotografía y la química del proceso de revelado. Compró su primera cámara fotográfica con 18 o 19 años, no solo recorrió Alemania, sino también Italia y los Países Bajos, y, al parecer, aprovechó todas las oportunidades que se le presentaron para retratar a los campesinos con los que tropezó, y también para practicar fotografía de paisajes. Pero poco después, cuando tenía 20 años, su vida dio un nuevo giro: sus padres decidieron regresar a Estados Unidos, pero decidió quedarse en Alemania y aprovechó la ocasión para empezar a dar forma a una colección muy respetable de libros de fotografía que devoró durante la década de los años 80 del siglo XIX. Las instantáneas que tomó durante la última década del siglo XIX y la primera del XX tenían un marcado estilo pictorialista, experimentó con la luz y las texturas. Pero probablemente el hecho más relevante en el que se vio envuelto en esa época fue la creación de algo a medio camino entre una muestra y un club fotográfico, a la que llamó Photo-Secession, cuyo objetivo era defender una fotografía muy diferente a la que imperaba en aquel momento, y muy cercana a la idea de la fotografía como arte que tenía en mente desde hacía años. La acogida que tuvo esta iniciativa fue muy buena, lo que le animó enseguida a poner en marcha Camera Work, una nueva revista de fotografía en la que podía dar rienda suelta a la visión pictorialista que practicaba y defendía en esa época.
Más tarde, fue poco a poco abandonando el estilo pictorialista que marcó sus primeros años y derivó en una fotografía con un carácter más natural, lo que le llevó a practicar con cierta frecuencia el retrato, e, incluso, la fotografía de desnudos. Además de a O’Keeffe, retrató en numerosas ocasiones a Dorothy Norman, exhibiendo sus instantáneas en algunas de las galerías no comerciales más prestigiosas de la Nueva York de la época.
Martin Parr: es un fotógrafo británico, nació el 23 de mayo de 1952 en Epsom, Surrey, Reino Unido, reconocido internacionalmente por su particular acercamiento a la fotografía de documentación social. Su obra se caracteriza por el sentido del humor y la ironía de su mirada sobre el estilo de vida de la gente corriente en Gran Bretaña. Su interés por la fotografía fue alentado desde niño por su abuelo, George Parr, un fotógrafo aficionado, estudió fotografía en la Escuela Politécnica de Manchester de 1970 a 1973 A principios de los ochenta, su trabajo reflejaba el estilo de vida de la gente corriente en Gran Bretaña, reflejando el deterioro social y los problemas de la clase trabajadora durante el gobierno de Margaret Thatcher. Inicialmente trabajó en blanco y negro, pero en 1984 se pasó al color. También ha trabajado en el cine documental, su primer contacto con este medio fue su colaboración con Nick Barker en 19901992, realizando fotografías de la película Signs of the Times. En 1997 comenzó a producir sus propios documentales de televisión con Mosaic Film. En 2004 fue nombrado profesor de fotografía en la Universidad de Gales y director artístico invitado de los Rencontres D'Arles. En 2006 recibe el premio Erich Salomon. En 2008 recibe el premio PHotoEspaña Baume et Mercier El sentido del humor es muy importante en su obra, para él, es el modo de salvarse del ridículo y la decadencia en nuestra vida diaria, la banalidad, el aburrimiento y la falta de sentido de la vida moderna es plasmada en trabajos como "Parejas aburridas" y "Sentido Común".
Clarence John Laughlim: fue un fotógrafo americano, nació en Lake Charles, Luisiana en 1905 y falleció en París en 1985, considerado el primer fotógrafo surrealista de los Estados Unidos. Aunque no terminó sus estudios era un hombre educado y muy culto, su vocabulario y amor a la literatura son evidentes en los subtítulos con los que acompañaba sus fotografías. Descubrió la fotografía cuando tenía 25 años y aprendió de forma autodidacta, comenzó a trabajar como fotógrafo de arquitectura de forma independiente y fue empleado posteriormente por agencias tan variadas como Vogue Magazine y el gobierno de los E.E.U.U. , teniendo problemas con ambos, por lo que, después de eso, trabajó casi exclusivamente en proyectos personales utilizando una amplia gama de estilos y de técnicas fotográficos, desde abstracciones geométricas simples de características arquitectónicas a elaboradas alegorías utilizando modelos, trajes y escenografía. Muchos historiadores lo acreditan como el primer fotógrafo surrealista verdadero de los Estados Unidos. Sus imágenes son a menudo nostálgicas, influenciado por Eugene Atget y otros fotógrafos que intentaron capturar paisajes urbanos en fase de desaparición. El libro más conocido de Laughlin, “Ghosts Along the Mississippi”, fue publicado en 1948. Murió en1985, dejando una colección masiva de libros y de imágenes.
Lisette Model: fue una fotógrafa austriaca, nació en Viena en 1901 y falleció en Nueva York en 1983, figura clave de la historia de la fotografía, tanto por su personal y característica forma de fotografiar como por la labor docente que desempeñó. En 1933 se interesó por la fotografía por razones puramente económicas, su amiga Rogo André, fotógrafa y primera mujer de André Kertész, le enseñó a manejar una Rolleiflex. En 1934 visitó a su madre e inició su serie Promenade des Anglais, un estudio crítico de la burguesía, el cual fue publicado al año siguiente en el periódico Regards. En Octubre de 1938 visitó Nueva York, donde conoció a Ralph Steiner, Director Artístico de la revista liberal PM's Weekly, donde publicó su trabajo Promenade des Anglais, con fotografías realizadas en Niza y Montecarlo. Se relacionó con el grupo Photo League así como con Paul Strand, Edward Weston, Berenice Abbot, con quienes expuso en el MOMA de Nueva York. En 1941, una de sus más conocidas imágenes, Coney Island Bather, fue usada para ilustrar un articulo en Harper's Bazaar.
En los años cuarenta, coincidiendo con su traslado a un apartamento de Greenwich Village, empiezó una serie de reportajes de la vida cotidiana. Estas imágenes se publicaron en revistas como París Match, Look, Ladies Home Journal, Harper's Bazaar. En 1951 se inició como profesora en el New School for Social Reseach, donde dio clases años más tarde a Larry Fink, Diane Arbus y Bruce Weber. En 1965 obtuvo una beca de la Fundación Guggenheim, para el proyecto Glamour: The Image of Our Image. En 1968 se le concedió el título de miembro honorario de la Asociación Americana de Fotógrafos de Prensa. Sus últimas muestras fueron en la Galería Sander de Washington DC (1976) y una retrospectiva en el Museo de Arte de Nueva Orleans (1982).
Paul Outerbrige: fue un fotógrafo americano, nació en Nueva York en 1896 y falleció en 1958, sus primeras fotografías se centraron en abstracciones de estilos de vida, con objetos comunes como tazas, bombillas, botellas de leche, piezas de maquinaria y huevos. Trabajó como fotógrafo comercial, principalmente de moda, siendo conocido por la alta calidad de sus ilustraciones en color, realizadas por medio del proceso tricolor carbro, que era extremadamente complejo. Además, tiene una serie de desnudos eróticos en color que apenas pudo exhibir y publicar durante su vida. Después de que un accidente causara su salida del Royal Canadian Naval Air Service, en 1917 se alistó en el ejército americano donde empezó con la fotografía. En 1921 asistió a la escuela de fotografía Clarence H. White en la Universidad de Colombia. En 1922 su trabajo empezó a aparecer en revistas como Vanity Fair y Vogue. En 1925, la Royal Photographic Society de Londres lo invitó a que expusiera. Después viajó a París donde entabló amistad con fotógrafos y artistas como Man Ray, Marcel Duchamp y Berenice Abbot. En París produjo la versión francesa de Vogue, trabajó con Edward Steichen y construyó el estudio fotográfico para publicidad más grande y mejor equipado de todos los tiempos. En 1929, 12 de sus fotografías fueron incluidas en la prestigiosa exposición Film und Foto en Alemania. Volvió a Nueva York en 1929, donde abrió un estudio donde realizaba trabajo comercial y artístico y comenzó a escribir una columna mensual sobre fotografía en color para U.S. Camera Magazine.
En 1940, publicó su libro Photographing in Color, usando ilustraciones de la alta calidad para explicar sus técnicas. En 1943 se trasladó a Hollywood tras retirarse como fotógrafo comercial tras los escándalos por sus fotografías eróticas.
Cindy Sherman: nació el 19 de enero de 1954 en Glen Ridge (Nueva Jersey, Estados Unidos). Estudió arte en la State University College en Buffalo (Nueva York), ahí dio sus primeros pasos artísticos en la pintura, sin embargo la abandonó para adoptar la fotografía como medio de expresión. Desde un principio trabajó realizando series, los dos antecedentes más importantes datan de 1975 y son Bus Riders (Pasajeros de autobús) y Murder Mistery People(Sospechosos criminales) donde la autora se personificó como los supuestos protagonistas de un crimen o como los usuarios del transporte público en Buffalo (Nueva York). En estas primeras series existen resonancias al trabajo de otras artistas de la misma época como Suzy Lake, a quien Sherman citó como una influencia directa. Existen otros precedentes de importancia: la obra surrealista de Claude Cahum, el Scherzo di Follia de Pierre-Louis Pierson o las transfiguraciones de Marcel Duchamp como Rrose Sélavy fotografiado por Man Ray. Sus series destacadas son Society Portraits (Retratos de Sociedad), Sex Pictures (Imágenes Sexuales), Disasters y Fairy Tales (Desastres y Cuentos de Hadas) o History Portraits (Retratos históricos), pero su trabajo fundamental se encuentra en el clásico Untitled Film Stills(Fotogramas Sin Título) y su corolario Rear Screen Projections (Proyecciones Retro-proyectadas). Realizó su más famosa serie fotográfica en 1977 y sigue siendo hoy en día la más conocida y ampliamente difundida. En estos fotogramas Sin Título, montó una escena que remite visual y narrativamente al cine. Sherman recuperó los modelos cinematográficos de representación de la mujer, para ofrecer una lectura, a través de sus autorretratos, en torno a la condición femenina en el mundo contemporáneo. Los fotogramas de Sherman son una combinación entre tableaux vivants y performances. La artista parece aglutinar en un solo cuadro las apiraciones pictorialistas decimonónicas, las vanguardias y el postmodernismo en cada una de sus fotografías.
Entre 1982 y 1984 trabajó series pequeñas donde comienzó a explorar temas relacionados con la sexualidad en Pink Robe. Sus pruebas de color son un puente hacia la primera entrega de fotografías relacionadas con la moda en Fashion. En Fairy Tales comienza una experimentación con las prótesis (anticipación de su serie Sexual Pictures de 1992 y History Portraits) como un recurso adicional para la caracterización de personajes. Disasters es una provocación brutal al espectador. Muchos visitantes de las exposiciones de Sherman en museos terminan en estado de choque ante estas imágenes terribles de vómito, podredumbre, reflejos, desmembramientos… Son claras proyecciones de las congojas de la autora con zozobras y delirios.
Alexander Rodchenko: nació en San Petersburgo el 5 de diciembre de 1891. Además de fotógrafo, fue escultor, pintor y diseñador gráfico, fue también uno de los fundadores del constructivismo ruso. Su vida está influenciada claramente por su educación e ideología bolchevique. Su obra tiene un marcado estilo propio donde el componente social, el uso de la línea y los inusuales puntos de toma de sus fotografías acaparan el protagonismo. La línea juega un papel primordial en su obra. La línea y el ritmo de sus fotografías acentuan la sensación de orden de sus imagenes y ayudán a transmitir el mensaje social que busca. A menudo acompaña la línea con encuadres oblicuos que aportan dinamismo a la imagen. La característica más personal de su obra, los planos cenitales o nadir de sus fotografias muestran las imágenes desde un nuevo punto de vista poco habitual para el ojo del espectador. Volvió a pintar a finales de 1930 y dejó de fotografiar en 1942, realizando cuadros abstractos en los años 40. No obstante, continuó realizando exposiciones fotográficas para el gobierno durante esos años.
Tina Barney: es una fotógrafa estadounidense, nació en 1945 en Nueva York, conocida principalmente por sus retratos a gran escala y en color de su familia y amigos cercanos. Se introdujo a la fotografía por su abuelo cuando era una niña, en su adolescencia, estudió Historia del Arte en la Spence School de Manhattan, y a la edad de 19 años se fue a Italia por un tiempo para estudiar más a fondo el arte. No fue hasta 1973, cuando se mudó a Sun Valley, Idaho, con su esposo e hijos, cuando ella comenzó a estudiar la fotografía, aburrida de ser la clásica mujer de clase alta norteamericana centrada en la gestión del hogar, los hijos y a ocupar el tiempo libre en compras o deporte. Es conocida principalmente por sus fotografías de gran formato y a todo color de su rica familia de la Costa Este. Usando una cámara de gran formato y brillantes colores, sus imágenes seductoras conforman un estilo de realismo característico, que ofrece una visión de la alta sociedad que la mayoría de la gente no puede contemplar habitualmente. Su trabajo se encuentra en las colecciones del George Eastman House International Museum of Photography and Film en Rochester, Nueva York; Museum of Modern Art en Nueva York; Museum of Fine Arts en Houston, Texas; JPMorgan Chase Art Collection en Nueva York; y Museum of Contemporary Photography. Recientemente su obra fue expuesta en el New York State Theater en 2011, The Barbican Art Centre, Londres; Museo Folkwang en Essen, Museum der Art Moderne en Salzburgo, y otros muchos.
Erich Salomon: fue un fotógrafo alemán, nació en Berlín el 28 de abril de 1886 y fue asesinado el 7 de julio de 1944 en Auschwitz, que fue pionero del periodismo fotográfico moderno y uno de los primeros en usar máquinas de pequeño formato y en fotografiar interiores sin flash ni lámparas. Durante la primera guerra mundial sirvió en el ejército alemán y estuvo prisionero en un campo de concentración francés. Después realizó diversos trabajos hasta entrar como colaborador en 1926 en la editorial Ullsteindonde, con 41 años, se inició en la fotografía al emplearla para demostrar el empleo de las paredes reservadas por su clientes para poner carteles. En 1928 obtuvo la fotografía de un acusado en un juicio a pesar de la prohibición de realizar fotos en el tribunal, para lo que empleó su cámara oculta en un maletín y a partir de ese momento estuvo trabajando como reportero gráfico hasta 1933.
Su trabajo se desarrolló en diversas publicaciones como Berliner Illustrierte, Müchner illustrierte presse, Fortune, Life o Daily Telegraph. Los principales temas que abordaba eran reuniones oficiales de las autoridades y también del mundo cultural y artístico. En 1931 publicó Berühmte Zeitgnossen in unbewachten Augenblicken (Celebridades contemporáneas en momentos imprevistos), con 150 fotografías de dignatarios y celebridades de la época. El Premio Dr. Erich Salomon se creó en su honor en 1971 para destacar la calidad de trabajos de fotoperiodismo.
Martin Chambi: Nació el 5 de noviembre del año 1891, luego de su primer contacto con la fotografía en la mina de oro donde trabajaba su padre, viajó a Arequipa donde aprendió el oficio de su maestro y guía Don Max T. Vargas, luego del aprendizaje y práctica en los talleres del Portal de Flores de la Plaza de Armas, finalizó su estadía en Arequipa exponiendo, gracias al patrocinio de su maestro en el Centro Artístico de aquella ciudad el 12 de octubre de 1917. Se estableció profesionalmente y luego decidió trasladarse al Cusco, ciudad a la que llegó en 1920 atraído por su esplendor e historia, es en esta ciudad en la que desarrolló su trabajo más importante y deslumbrante hasta su muerte. Reveló el universo cotidiano y mágico de la cultura andina entregándole al mundo su secreto más íntimo, a través de su archivo fotográfico que contiene cerca de 30,000 negativos, entre placas de vidrio, las cuales tienen diversos formatos: desde las más grandes de 18 x 24 cm. pasando por las de 13 x 18 cm., 10 x 15 cm; hasta las más pequeñas de 9 x 12 cm. y películas flexibles, rollos de 120 y de 35 mm. material que se encuentra en perfecto estado de conservación en la ciudad del Cusco. Los rostros fotografiados por Martín Chambi reflejan la dignidad de un pueblo refugiado en sí mismo, incómodo en las impuestas vestimentas, sometido, pero nunca humillado.
Sitio web: https://es.wikipedia.org/wiki/Francis_Frith https://www.xatakafoto.com/xataka-foto/duane-michals-el-fotografo-artista-que-nunca-supo-seguirlas-reglas http://www.cadadiaunfotografo.com/2012/10/richard-misrach.html http://www.cadadiaunfotografo.com/2012/01/joel-sternfeld.html http://www.cadadiaunfotografo.com/2012/02/ralph-eugene-meatyard.html http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/03/guy-bourdin.html https://clubdefotografia.net/grandes-fotografos-alfred-eisenstaedt/ http://www.cadadiaunfotografo.com/2015/06/john-cohen.html http://www.cadadiaunfotografo.com/2012/11/peter-beard.html https://es.wikipedia.org/wiki/Nan_Goldin http://www.fotonostra.com/biografias/billbrandt.htm http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/04/herbert-list.html https://www.xatakafoto.com/fotografos/alfred-stieglitz-el-legado-del-maestro-que-hizo-de-lafotografia-el-arte-que-es-hoy www.cadadiaunfotografo.com/2010/06/martin-parr.html http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/02/clarence-j-laughlin.html http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/05/lisette-model.html http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/02/paul-outerbridge.html https://oscarenfotos.com/2012/08/18/cindy-sherman-la-nina-de-los-disfraces/ https://www.xatakafoto.com/fotografos/rodchenko-el-constructivismo http://www.cadadiaunfotografo.com/2014/12/tina-barney.html http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/06/erich-salomon.html http://martinchambi.org/es/biografia/
Autores con los que me identifico: ➢ Guy Bourdin, por la convinación de colores llamativos en sus fotografías. ➢ Paul Outerbrie, por sus innovaciones fotográficas. ➢ Joel Stenrfeld, por su búsqueda de la belleza en lugares abandonados.
Frases a recordar: • •
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Quien sólo ve lo de fuera mira el jardín desde su ventana, no baja a él, no sse integra en él, lo percibe desde la distancia. Lo que importa de una fotografía es que nos mire de tal manera que queramos saber más, que nos obligue a interrogarla, que sus respuestas se nos resistan, que eso inexpresabla que se encuentra en todas las grandes imágenes. La fotografía es un medio para hablar sobre el mundo pero sin disponer de una hoja en blanco sobre la que escribir o una boca con la que explicarnos.Nuestra hoja en blanco nos permite tan sólo cubrirla con luces y sombras. No buscamos una luz bella, sino una luz comprometida, de presencia applastante, una luz que hable, que oscurezca, que nos ilumine, que penetre en las cosas, que nos cree espacio, que nos sitúe en otro lugar.