CAPÍTULOS 6, 7 Y 8. SHEILA MORENO INIESTA. 1ºB TEORÍA FOTOGRÁFICA.
Índice RESUMEN______________________________________________________3 TEMA PRINCIPAL_______________________________________________3 UTORES CON LOS QUE ME IDENTIFICO___________________________3 FRASES A RECORDAR___________________________________________3 CONCLUSIÓN__________________________________________________3 AUTORES______________________________________________________4 SITIO WEB_____________________________________________________20
RESUMEN Estos últimos capítulos y en general todo el libro, nos ayuda a razonar sobre con qué tipo de fotografía estamos de acuerdo y defendemos. También remarca mucho el significado de qué fotógrafos queremos ser y el por qué, que no es un simple pasatiempo si de verdad quieres dedicarte a esto y que la fotografía va dirigida a un público y que ellos no ven lo que nsotros vemos. Por último, reclaca, que hacer fotografía supone un esfuerzo físico, mental y económico.
TEMA PRINCIPAL Capítulo 6: es el tipo de fotografía con la que estamos de acuerdo, y abarca otra vez que tippo de fotógrafos somos. Capítulo 7: es el porqué y para qué hacemos fotografía. Capítulo 8: es que es lo que necesitamos para hacer fotografía.
UTORES CON LOS QUE ME IDENTIFICO • Wolfgang Tillmans:es unos de los fotoógrafos eu más me han gustado, por lo simple que son sus fotografías aunque por el contrario te transmiten muchas emociones. • Carleton Watkins: Creo qeu es de los artistas que más me han gustado por como trata la imagen. • Yasumasa Morimura: me gusta como caracteriza a las persnas que retrata, haciendolas de otro mundo gracias al maquillaje y la luz qeu utiliza, en genral, al tratamiento de la fotografía.
FRASES A RECORDAR • El negativo fotográfico es la partitura y la copia fotográfica es si interpretación. • Una fotografía tiene vida propia, lo que ocurrió un día delante de la cámara es una realidad ajena a la realidad de una imagen fotográfica. • La poesía fotográfica poco tiene que ver con la lírica, ya que es una poesía que se dirige directamente al pensamiento, a la inteligencia. La fotografía exige, que para obtener magia y poesía, el mundo esté escrito con cincel, en piedra. • La fotografía es un juego complejo, con sus reglas, fasinante por inteligente..., pero al fin y al cabo un juego, divertido y estimulante donde los haya. • Las fotografías se obtienen de dentro hacia fuera y no al revés: no fotografiamos cosas, sino qeu obtenemos fotografías a partir de las cosas, por lo qeu las fotografías son siempre responsabilidad nuestra. • La fotografía utiliza lo visible para hablar de lo invisible, de la realidad, de la nueva realidad que se genera cuando las cosas son atravesadas, engullidas por el objetivo de una cámara.
CONCLUSIÓN Momeñe nos sigue enseñando a grandes artistas de los que podems aprender a ser grandes fotógrafos y llegar a nuestras metas. En estos capítulos momeñe nos pregunta si tenemos esa visión fotográfica, la cual hace falta para poder alcanzar esos obgetivos dentro del munfo fotográfico. Es bueno tener diferentes estilos de referentes, pero creo que siempre hay que tener un estilo propio, y aunque quieras definirte en un estilo, hay que experimentar aunqeu sea en una pequeña fragción de tu vida, en la cual lo necesitarás para saber realmente que camino y estilo es el verdaderamente tuyo.
AUTORES Robert Capa Robert Capa es el seudónimo de Endré Frieddman, nació en Budapest, Hungría, en 1913, pronto emigró a Berlín por sus ideas de izquierdas. Allí comenzó a trabajar en la agencia de noticias Dephot. En 1933 emigra a París, allí conoce a sus futuros socios de la agencia Magnum, Henri Cartier-Bresson y David Saymour “Chim”. Con ellos comienza a fotografiar las revueltas provocadas por el Frente Popular. En París conoce también a la fotógrafa Gertha Pohorylle, pronto se convirtió en su pareja y adoptó el seudónimo de Gerda Taro y se cree que fue ella quien bautizó a Endré con el nombre de Robert Capa. Es mundialmente conocido por sus fotografías de guerra. Una de sus imágenes más famosas la tomó en Córdoba durante la Guerra Civil Española y se llama “Muerte de un miliciano”, también acompañó al ejército aliado de EEUU en la II Guerra Mundial, esto le dio oportunidad de sacar fotografías tan impactantes como las del Desembarco de Normandía en 1944. Robert Capa solía afirmar que siempre había que estar listo para ir o a una taberna o a una guerra. No importaba ni la hora, ni lo poco atractiva que pudiera parecer esa guerra. Murió en 1954 tras pisar una mina en Vietnam mientras acompañaba a un destacamento francés.
Larry Burrows Fue un fotoperiodista inglés, nació en 1926 en Londres y murió en 1971 en Laos, conocido por sus fotografías de la guerra del Vietnam. Abandonó la escuela con 16 años y encontró trabajo en la oficina en Londres de la revista Life, donde revelaba fotografías. Se especuló con que fuera Burrows quien estropeó los negativos de Robert Capa del día-D, pero parece ser que fue otro técnico quien lo hizo. Llegó a ser fotógrafo y cubrió la guerra de Vietnam desde 1962 hasta su muerte en 1971, cuando su helicóptero, que acompañaba a las fuerzas de Vietnam del Sur invadiendo Laos, cayó, muriendo junto a él los periodistas Henri Huet, Ken Potter y Keisaburo Shimamoto. Su libro póstumo Vietnam ganó el premio Nadar.
Sally Man Es una fotógrafa estadounidense, nació en 1951 en Lexington, Virginia, donde vive con su esposo Larry, y sus hijos Jessie, Emmett y Virginia, protagonistas de algunos de sus mejores retratos, cuyo trabajo ha llamado la atención no solamente por sus cualidades técnicas sino también por algunas controversias desatadas por grupos radicales, al final de la década de 1990, de cristianos conservadores de su país los cuales protestaron contra la fotógrafa, David Hamilton y Jock Sturges acusándoles de crear pornografía. Después de su graduación trabajó como fotógrafo en Washington y en la Lee University, en los setenta fotografió la construcción de Lewis Law Library, consiguiendo su primera exposición en solitario en 1977 en la Corcoran Gallery of Art de Washington, con imágenes surrealistas que fueron incluidas posteriormente como parte de su primer libro Second Sight publicado en 1984. Su trabajo más conocido es Immediate Family, publicado en 1992, que contiene 65 fotografías en blanco y negro de sus tres hijos. En los mediados 90 comenzó a fotografiar paisajes en negativos de placas de collodion húmedo de 8x10”, con la misma vieja cámara fotográfica de 8x10 que había utilizado para sus anteriores retratos. Sus proyectos actuales incluyen una serie de autorretratos, un estudio de los efectos de la distrofia muscular en su marido, retratos de la vida familiar en los últimos 30 años, y un estudio del legado de la esclavitud en Virginia.
Rineke Dijkstra Es una fotógrafa holandesa, nació en Sittard en 1959, que desde principios de los noventa, se ha dedicado a inmortalizar con su cámara a individuos que viven en situación de cambio, de transformación de su identidad. Se formó en la Rietveld Academie de Ámsterdam desde 1981 hasta 1986. Su primera exposición individual tuvo lugar en la Galería De Moor en Amsterdam en 1984. Estuvo trabajando como retratista formal hasta principios de los 90 en los que comenzó a desarrollar su propio estilo. Un año clave en la trayectoria artística de Dijkstra fue 1991, cuando realizó un autorretrato en una piscina. El estado emocional que la artista reflejó en esa obra le sirvió de orientación a la hora de enfocar su carrera creativa. Entre 1992 y 1996 lleva a cabo una serie de retratos realizados en la playas de Estados Unidos, Polonia, Inglaterra, Ucrania y Croacia y por la cual consigue un reconocimiento por parte de la crítica internacional. Realizadas con una simple cámara técnica de formato 4×5 pulgadas, a veces con luz de flash añadida a la natural, sus obras no son nada complejas en cuanto a los aspectos técnicos, pero sí en su contenido, al buscar respuestas sobre la identidad y sobre las relaciones familiares y culturales en la sociedad contemporánea. Forma parte ya del selecto grupo de los creadores del siglo XXI cuyas obras son consideradas un icono del arte de nuestro tiempo. El trabajo de Dijkstra es paradigmático de una nueva manera de interrogar la realidad en busca de respuestas contemporáneas sobre la identidad, las relaciones familiares y culturales, la naturaleza y el lenguaje.
William Eggleston Nació en Memphis, Tennessee (Estados Unidos), en 1939. Es hijo de un ingeniero y nieto de un importante jurista. William creció al amparo de un aristocrático hogar sureño. Tenía 10 años cuando llegó a sus manos la primera cámara: una Kodak Brownie Hawkeye. Desafortunadamente se decepcionó rápidamente de sus propios resultados: “Todo lo que fotografiaba estaba borroso, lucía horrible.” asistió a tres universidades durante un período de 6 años sin obtener grado alguno.La prosperidad económica familiar fue un factor para que nunca se graduara: ni siquiera se molestaba en realizar exámenes. En una clase de arte conoció el expresionismo abstracto de mediados de los cincuentas. La pintura no figurativa le resultó muy atractiva. Desde entonces admira a Paul Klee y Vassily Kandinsky. Tras comparse una nueva cámara, Las frustraciones fotográficas infantiles se vieron ampliamente recompensadas en esta nueva etapa: “En ese momento entendí que la fotografía era para mí.” Hacia 1962 William Eggleston dejó Vanderbilt y se matriculó en la Universidad de Mississippi, conocida como Ole Miss. Tom Buchanan volvió a ser protagonista del siguiente episodio en la vida fotográfica de Eggleston cuando compró un libro de Magnum con el trabajo de Henri Cartier-Bresson. A finales de 1950 comenzó a fotografiar los suburbios de Memphis utilizando películas de 35mm blanco y negro de alta sensibilidad. Desarrollaba un estilo y motivos que se convertirían en su trabajo fundamental que incluía restaurantes, interiores domésticos y personas enfrascadas en situaciones aparentemente triviales, llenas de banalidad. En sus primeras etapas, hacía fotografía en blanco y negro, en aquella época los fotógrafos serios como Ansel Adams o Edward Weston trabajaban en monocromático. Pronto comenzó a trabajar a contrapelo. Rebelde hasta la médula, en lo fotográfico contravino dos reglas no escritas: si se quería hacer arte había que realizar fotografías de sujetos hermosos y en blanco y negro. Sus composiciones parecen no obedecer a un plan ni a un diseño deliberado. En una primera revisión parecen estar más cerca de la instantánea familiar que de la fotografía artística. Mediante los objetos ordinarios desarrolló “una habilidad para acceder a una intimidad y una voz narrativa.”
Joel Meyerowitz Es un fotógrafo estadounidense, nació el 6 de marzo de 1938 en el Bronx, Nueva York, que realiza fotografía de calle, paisaje y retrato y fue uno de los precursores en el uso del color en 1962, cuando no se consideraba serio el uso del color en la fotografía artística. Se graduó en la Ohio State University en 1959 en pintura e ilustración médica. Un día vio a Robert Frank trabajando con su Leica 35mm y abandonó su trabajo como director artístico en una agencia de publicidad para salir a la calle con su cámara de 35mmm y un carrete en diapositivas a hacer fotografías y allí se encontró con Tony Ray Jones, Garry Winogrand, … Inspirado por Henri Cartier-Bresson, Robert Frank y Eugène Atget, después de un tiempo de alternar color y blanco y negro, adoptó permanentemente el color en 1972, antes de que éste fuera puesto en valor por la exhibición de un desconocido William Eggleston en 1976. El trabajo de Meyerowitz, Eggleston y Stephen Shore, visto y publicado en América y Europa, preparó el paso al color de la siguiente generación de fotógrafos. La pérdida de calidad al imprimir a partir de las diapositivas le hizo pasarse a cámaras de 8x10, que le permitieron conseguir textura, luz y color suficientes en su serie de retratos, paisajes y marinas Cape Light. Fue el único fotógrafo al que se permitió el acceso a la zona zero inmediatamente después del ataque a las torres gemelas de Nueva York. Su trabajo ha sido plasmado en un libro y en una exhibición que ha recorrido más de 60 países y que se puede ver en este mes de enero en Madrid. También ha creado el The World Trade Center Archive.
William Christenberry Fue un fotógrafo , pintor y escultor que trabajó con temas personales y algo míticos surgidos de sus experiencias infantiles en el condado de Hale, Alabama. Su carrera artística comenzó con la pintura de grandes lienzos expresionistas abstractos, pero gradualmente comenzó a ser atraído por material que hablaba sobre el lugar de su infancia. Después de graduarse de la Universidad de Alabama y comenzar una carrera artística prometedora, si no gratificante de inmediato, en la ciudad de Nueva York , se encontró con el libro de 1941, Let Us Now Praise Famous Men , en el que James Agee describe en prosa, y Walker Evans en fotografías, la experiencia de vivir entre las familias de agricultores pobres en tierras del Condado de Hale durante la Gran Depresión. Poco después de comenzar una cátedra en Corcoran College, comenzó a hacer visitas anuales al condado de Hale durante el verano para visitar a la familia y explorar y hacer fotografías, uno de los resultados de esta peregrinación fue una serie de fotografías que documentan la descomposición de las estructuras individuales, que se fotografían como objetos casi aislados. Otra serie de obras fue provocada por un incidente cuando, por curiosidad, intentó asistir a una reunión del Ku Klux Klan . Confrontado a la puerta por una figura enmascarada, Christenberry huyó. Aunque destruyó sus primeras dos pinturas Klan, el tema lo ocupó durante muchos años, lo que resultó en una densa construcción multimedia adyacente a su estudio que llegó a ser conocida como la “Habitación Klan”, que fue robada misteriosamente en 1979. Christenberry en gran medida reconstruyó la sala, que está llena de pinturas, objetos encontrados, dibujos, esculturas, dioramas y una serie de muñecas de tela de miembros del Klan en sus túnicas con capucha.
Adam Bartos Es un fotógrafo estadounidense, nació en 1953 en Nueva York, que comenzó a utilizar la fotografía en color para documentar el paisaje urbano contemporáneo, a través de imágenes perfectas y tranquilas, buscando la composición adecuada, incluso en los rincones más inesperados. Se ha centrado mucho en su Nueva York natal y ha publicado una serie de fotografías monumentales de arquitectura moderna de Estados Unidos. Ha estado fotografiando desde que era un adolescente, a principios de los 70 asistió a la escuela de cine de la Universidad de Nueva York y comenzó a trabajar con fotografía en color. Tuvo como mentor a Evelyn Hofer, conocida por sus composiciones de color serenas y meticulosas. Influenciado por William Eggleston y los anteriores Timoty O’Sullivan y Carleton Watkins, se centra en el paisaje contemporáneo.con unas imágenes en las que el tiempo parece haberse detenido, prestándoles un aura de dislocación temporal. Es conocido por sus imágenes de colores intensos y saturados que representan escenas ordinarias que exudan una calma tranquila y con frecuencia un tinte de melancolía. Su obra se encuentra en las colecciones del J. Paul Getty Museum en Los Angeles, Museum of Fine Arts de Houston, Museum of Modern Art de Nueva York, Whitney Museum of American Art de Nueva York y San Francisco Museum of Modern Art, entre otros. En 2013, fue finalista del Prix Pictet, un premio mundial en la fotografía y sostenibilidad, por su serie Yard Sales.
Nick Waplington Es un artista y fotógrafo británico con sede en Londres y Nueva York , que nació en 1965. Viajó extensamente durante su niñez ya que su padre trabajó como científico en la industria nuclear. Estudió arte en West Sussex College of Art & Design en Worthing, Trent Polytechic en Nottingham y el Royal College of Art en Londres. Desde 1984, visitaba regularmente a su abuelo en Broxtowe Estate en Aspley , Nottingham , donde comenzó a fotografiar su entorno inmediato. Su libro Other Edens (1994) se centró en las preocupaciones medioambientales y, aunque se concibió y se trabajó al mismo tiempo que Living Room, se consideró una gran diferencia en estilo y contenido. Trabajó en un importante proyecto de libro con el diseñador de moda Alexander McQueen durante
2008/2009, llamado Working Process (2013), el título hace referencia al proceso de trabajo de McQueen como diseñador de modas y al proceso de trabajo de Waplington, como artista que hace álbumes de fotos. En marzo de 2015, este proyecto se convirtió en la primera exposición individual de un fotógrafo británico en el espacio principal de exhibición de Tate Britain en Londres. Waplington participó en el colectivo de fotografía This Place , fundado por Frédéric Brenner , [22] contribuyendo con el libro Settlement (2014), un estudio de colonos judíos que viven en Cisjordania , fotografías de paisajes y retratos tomadas con una cámara de gran formato .
Les Krims Es un fotógrafo conceptual americano, nació el 16 de agosto de 1942 en Brooklyn, vive en el Búfalo, Nueva York, conocido por sus cuidadosamente montadas fotografías fabricadas (llamadas “ficciones”), varias series candid, su lado satírico y su humor negro. Estudió en la High School secundaria de Stuyvesant en Nueva York y, estudió arte en The Cooper Union for the Advancement of Science and Art y en el Pratt Institute. Durante más de 40 años ha enseñado fotografía, en el Rochester Institute of Technology y en el Buffalo State College. Robert Delpire expuso por primera vez su obra en Francia en1974. Es un autor controvertido, y objeto de numerosas críticas por parte de feministas e izquierdistas. Sus trabajos están presentes en numerosas colecciones públicas, European Centre of Photography, en Paris,Tokyo Metropolitan Museum, Georges Pompidou de Paris,San Francisco Museum of Modern Art, Boston Museum of Fine Art, El proyecto más reciente de Krims es una web donde vende copias de inyección de tinta (Epson 4800) de una selección amplia de sus fotografías antiguas.
Mitch Epstein Es un fotógrafo estadounidense, nació en 1952 en Holyoke, Massachusetts, vive y trabaja en Nueva York, que con sus obras a gran tamaño y con saturados colores consigue fusionar los términos opuestos del foto-conceptualismo y la llamada fotografía documental. A mediados de los 70, abandonó sus estudios académicos y comenzó a viajar, embarcándose en una exploración fotográfica de los Estados Unidos, de la que 10 fotografías formaron parte de la exposición en grupo en 1977 en la Light Gallery en Nueva York. En 1978 viajó a la India con su futura esposa, la directora Mira Nair, donde realizó labores de productor,
escenógrafo y director de fotografía en varias películas, como Salaam Bombay! y India Cabaret. Su libro In Pursuit of India es una recopilación de sus fotografías de la India de este período. De 1992 a 1995, fotografió en Vietnam, exponiendo este trabajo en Wooster Gardens de Nueva York, y publicando el libro titulado Vietnam: A Book of Changes. En su último trabajo New York Arbor desarrolla una nueva línea, realizando una serie de fotografías de los árboles más significativos que habitan en la ciudad de Nueva York, con cámara de placas y película de blanco y negro, compone escenas impresionantes con estos árboles centenarios. Sus fotografías se encuentran en numerosas colecciones de importantes museos, como el Museum of Modern Art de Nueva York, Whitney Museum of American Art, The J. Paul Getty Museum en Los Ángeles, San Francisco Museum of Modern Art y el Tate Modern en Londres. También ha trabajado como director, director de fotografía y en diseño de producción en varias películas como Dad, Salaam Bombay! y Mississippi Masala.
Kenneth Josephson Es un fotógrafo estadounidense, nació el 1 de julio 1932 en Detroit, Michigan, que ha sido un fotógrafo conceptual muy influyente desde la década de los 60, utilizando su trabajo para llamar la atención sobre el acto físico de la fotografía, como por ejemplo,. utilizando técnicas como capas de fotografías en las fotografías con el fin de determinar los grados tanto de veracidad como la ilusión dentro del medio. En 1953, después de haber sido enviado en Alemania por el ejército de Estados Unidos fue entrenado en la fotolitografía y fotografía aérea de reconocimiento, en 1957 obtuvo una licenciatura en Bellas Artes en el Rochester Institute of Technology, con sede en Nueva York. Allí le dio clases Minor White. Sus obras en los años 60 y 70 se centran en la fotografía conceptual, y o colocaron en la vanguardia de dicha fotografía. En 1972 fue galardonado con la beca Guggenheim Fellowship y en 1975 y en 1979 fue galardonado con la beca NEA por el National Endowment for the Arts. Muchas de sus colecciones se encuentran en museos como el Contemporary Art de Chicago, Smithsonian Institution en Washington, National Museum of American Art, Foograficka Maseet en Estocolmo, Corcoran Gallery of Art en Washington, D.C. y la Bibliothèque National de París. Ha expuesto en Austria, Reino Unido, Alemania, Países Bajos, Suecia, Suiza y Francia.
Martin Parr Es un fotógrafo británico, nació el 23 de mayo de 1952 en Epsom, Surrey, Reino Unido, reconocido internacionalmente por su particular acercamiento a la fotografía de documentación social. Su obra se caracteriza por el sentido del humor y la ironía de su mirada sobre el estilo de vida de la gente corriente en Gran Bretaña. Su interés por la fotografía fue alentado desde niño por su abuelo, George Parr, un fotógrafo aficionado. Estudió fotografía en la Escuela Politécnica de Manchester de 1970 a 1973, a principios de los ochenta, su trabajo reflejaba el estilo de vida de la gente corriente en Gran Bretaña, reflejando el deterioro social y los problemas de la clase trabajadora durante el gobierno de Margaret Thatcher. Inicialmente trabajó en blanco y negro, pero en 1984 se pasó al color, también ha trabajado en el cine documental. Su primer contacto con este medio fue su colaboración con Nick Barker en 1990-1992, realizando fotografías de la película Signs of the Times. Es miembro de la Agencia Magnum desde 1994. En 1997 comenzó a producir sus propios documentales de televisión con Mosaic Film. En 2004 fue nombrado profesor de fotografía en la Universidad de Gales y director artístico invitado de los Rencontres D’Arles.
Nicholas Nixon Es un fotógrafo estadounidense, nació en Detroit, Michigan, en 1947, vive en Boston, que cree en el papel crítico del arte y, por ello, lo utiliza como relato que pueda ser comprendido, compartido y recordado. Escoge temas que destacan precisamente por su normalidad, que están siendo vividos por el artista, que pertenecen a su experiencia privada y que, muy probablemente compartan, con nosotros la experiencia de nuestra vida. Tras realizar sus estudios de postgrado en Fotografía por la New Mexico State University, compaginó sus clases como profesor de fotografía en el Massachusetts College of Art de Boston con su labor como fotógrafo. Comenzó a trabajar con cámaras de gran formato, su interés por el retrato y la fotografía de carácter social se ha plasmado en conocidas series como The Brown sisters (1999-2012) o People with AIDS (1991), donde se observa la influencia de grandes artistas como Walker Evans y Edward Weston. Influenciado por la exposición New Topographics: Photographs of a Man-Altered Landscape en la George Eastman House en 1975, se dedicó inicialmente al paisaje urbano, pasando poco a poco al interés por las personas que lo habitaban. A finales de los años noventa, documentó los cambios en el panorama urbano de Boston durante el proyecto de desarrollo vial Big Dig. Desde 1975, realiza todos los años una fotografía de su mujer Bebe y sus cuñadas Mimi, Laurie y Heather. Las cuatro mujeres aparecen retratadas siempre en el mismo orden, mirando al objetivo. Esta serie, llamada The Brown sisters, está compuesta por más de 33 fotografías realizadas en gelatina de plata. La fotografía de Nixon forma parte de algunas de las más prestigiosas colecciones de todo el mundo como la del MoMA de Nueva York, la National Gallery de Washington, el Museum of Fine Arts de Houston, el Fogg Art Museum de Cambridge o la Maison Européenne de la Photographie de París.
Stanly Kubrich Fue un director de cine, guionista, productor y fotógrafo estadounidense, considerado por muchos como uno de los cineastas más influyentes del siglo XX, destacó tanto por su precisión técnica como por la gran estilización de sus películas y su marcado simbolismo. Comenzó a trabajar en el cine a partir de 1951, año en el que se estrenó su primer proyecto, el cortometraje documental Day of the Fight, que fue comprado por RKO Pictures, dándole a Kubrick un pequeño beneficio económico. En 1968 alcanzó la cumbre de su carrera con 2001: A Space Odyssey, film de ciencia ficción con el que ganó su único Óscar a título personal, por el diseño de efectos especiales. Además, la película es considerada como una de las mejores de la historia dentro de su género, posteriormente, dirigió La naranja mecánica, una de las cintas más polémicas de la historia, más que nada por su alto nivel de censura.
Jeff Wall Es un fotógrafo canadiense, nació en Vancouver, Columbia británica, el 29 de septiembre de 1946, cuyo “primer acto creativo” consiste en “no fotografiar nada”, es decir, “abstenerse de capturarlo, aunque sí experimentarlo, atestiguarlo, sea lo que sea”. Posteriormente emprende un proceso “reconstructivo o constructivo”, en el que busca la manera de que la experiencia tenida en torno al tema halle la forma de convertirse en una imagen. Con 15 años su padre, mostrando confianza en sus capacidades artísticas, acondicionó un pequeño cobertizo en la parte trasera de casa para poder utilizarlo de estudio, fue su primer estudio y sigue siendo su favorito. Empezó a experimentar con todo lo nuevo que encontraba a su alrededor, lo conceptual y el minimalismo. En Vancouver en los años 60 hubo dos grandes exposiciones de arte contemporáneo, una de arte norteamericano, la otra de arte europeo que fueron una oportunidad para ver cuadros de Pollock, Newman, Franz Kline, Bacon, Giacometti, Fontana... Aquello tuvo un efecto formativo para todos los artistas jóvenes de la zona. También la Vancouver Art Gallery organizaba grandes exposiciones con artistas como Jasper Johns, Rauschenberg, Donald Judd, Warhol, ... En aquella efervescencia cultural y artística Wall estudiaba historia del arte en la University of British Co-
lumbia, inmerso en la experimental escena artística de Vancouver, aprendió de forma autodidacta fotografía, viéndola como la mejor herramienta para expresar sus ideas conceptuales. En 1974 comenzó a dar clases en Nova Scotia College of Art and Design en Halifax, enseñando posteriormente en la Simon Fraser University, Vancouver, y luego en la University of British Columbia. Su primera exposición en solitario fue en la Nova Gallery, Vancouver, en 1978, después expuso en el Institute of Contemporary Arts en Londres en 1984, y el Museum of Contemporary Art, Chicago, 1995, el Jeu de Paume, Paris, el Helsinki Museum of Contemporary Art y la Whitechapel Art Gallery, Londres, entre otros. Su obra ha ayudado a definir el llamado fotoconceptualismo, sus fotografías son a menudo cuidadosamente planificadas como una escena en una película, con pleno control de todos los detalles. Sus composiciones se encuentran siempre bien pensadas, o prestadas, a partir de clásicos pintores como Édouard Manet. Muchas de sus imágenes son grandes (normalmente 2X2 metros) transparencias colocadas en cajas de luz. Los temas tratados en sus fotografías son sociales y políticos, tales como la violencia urbana, racismo, pobreza, así como conflictos de género y de clase.
Andrés Serrano Es un fotógrafo y artista estadounidense que se hizo famoso a través de sus fotos de cadáveres y su uso de heces y fluidos corporales en su trabajo, en particular su controvertida obra “ Piss Christ “, una fotografía teñida de rojo de un crucifijo sumergido en un recipiente de vidrio de lo que se pretendía que era la propia orina del artista . Trabajó como asistente de director de arte en una empresa de publicidad, antes de crear sus primeros trabajos en 1983. El 5 de octubre de 2007, su grupo de fotografías llamado “La historia del sexo” estuvo en exhibición y varias fueron destrozadas en una galería de arte en Lund , Suecia por personas que se creía que eran parte de un grupo neonazi . El 16 de abril de 2011, después de dos semanas de protestas y una campaña de correo de odio y llamadas telefónicas abusivas a una galería de arte que muestra su obra, orquestada por grupos de fundamentalistas católicos franceses , aproximadamente mil personas marcharon por las calles de Aviñón , para protestar fuera de la galería. El 17 de abril de 2011, dos de sus obras, Piss Christ y The Church, fueron vandalizados. El director de la galería planea reabrir el museo con las obras dañadas “para que la gente pueda ver lo que los bárbaros pueden hacer”. Serrano adoptó el alter ego “Brutus Faust” para crear el álbum de larga duración Vengeance Is Mine en julio de 2010. En 2013, Serrano realizó una obra de arte llamada Sign of the Times al recolectar 200 señales de personas sin hogar en la ciudad de Nueva York, generalmente pagando $ 20 por cada cartel. Describió el trabajo como “un testimonio de los hombres y mujeres sin hogar que deambulan por las calles en busca de comida y refugio. También es una crónica de los tiempos en que vivimos”.
Sophie Calle Es una escritora, fotógrafa, directora y artista conceptual francesa. El principal objeto de su obra es la intimidad y de modo particular la suya propia. Para ello utiliza gran diversidad de medios de registro como libros, fotografías, vídeos, películas o performances. A finales de los años ‘70 presenta su primera serie de fotografías. De 1980 es su proyecto Suite Vénitienne (Suite veneciana), donde a partir de una fiesta celebrada en Venecia, se dedica a perseguir sutilmente a un invitado, con el fin de tomar parte de su intimidad. De ese mismo año también es su proyecto Detective, donde encarga a su madre que contrate a un detective para que le siga y realice un pormenorizado detalle de su vida diaria incluyendo un soporte gráfico. De esta forma posee la información recibida del detective y la información que ella había recogido en su diario personal, y las compara.
Katy Grannan Es una fotógrafa estadounidense, obtuvo su título de Humanidades de la Universidad de Pennsylvania y su MFA en Fotografía de la Escuela de Arte de la Universidad de Yale en 1999. Su trabajo ha aparecido en The New York Times Magazine , se incluyó en la Bienal Whitney 2004 , y está en colecciones públicas, incluyendo el Museo Metropolitano de Arte , el Solomon R. Guggenheim Museum y el Whitney Museum of American Art . También recientemente tomó un retrato del Sr. Presidente Barack Obama para el New York Times. Su preferencia por fotografiar extraños comenzó cuando todavía estaba en la Escuela de Arte de Yale, cuando colocó anuncios en periódicos pidiendo “personas para retratos”. En su serie “Dream America”, los voluntarios a veces posaban desnudos y a menudo optaban por posar en lotes vacíos o habitaciones con techos bajos. En otro trabajo, fotografió a las personas en sus hogares y se centró en la forma en que sus entornos, muebles o aspectos de la vida privada, iluminaron el carácter de las personas, este trabajo culminó en la monografía “The Model American”. Para su serie Boulevard, fue influenciado por su nuevo entorno en California. Ella fotografiaba extraños en Los Ángeles y San Francisco contra las paredes blancas como telón de fondo. Cada fotografía es el resultado de una colaboración sobre el terreno, realizada con la participación voluntaria de sus sujetos, a quienes compensa por su tiempo.
Southworth and Hawes Fue una de las primeras firmas fotográficas en Boston , 1843-1863. Sus socios, Albert Sands Southworth (1811-1894) y Josiah Johnson Hawes (1808-1901), han sido aclamados como los primeros grandes maestros estadounidenses de la fotografía, cuyo trabajo elevó los retratos fotográficos al nivel de las bellas artes. Sus imágenes son prominentes en todos los libros y colecciones importantes de la fotografía estadounidense temprana. Southworth y Hawes trabajaron casi exclusivamente en el proceso de daguerrotipo . Trabajando en el formato de placa entera de 8 ½ x 6 ½ pulgadas , sus imágenes son brillantes, con forma de espejo y finamente detalladas. Escribiendo en el Photographic and Fine Art Journal , agosto de 1855, el daguerrotipista contemporáneo de Filadelfia Marcus Aurelius Root les hizo este elogio: “Su estilo, en verdad, es peculiar a ellos mismos, presentando bellos efectos de luz y sombra, y dando profundidad y redondez junto con una maravillosa suavidad o suavidad. Estos rasgos han logrado para ellos una gran reputación entre todos los verdaderos artistas y conocedores “. Señaló además que la empresa había dedicado su tiempo principalmente a los daguerrotipos, prestando poca atención a la fotografía en papel.
Joel-Peter Witkin Es un fotógrafo americano, nació el 13 de septiembre de 1939 en Brooklyn, Nueva York, cuyas imágenes de la condición humana son muy llamativas. Encontrando belleza dentro de lo grotesco, Witkin persigue esta visión compleja a través de la gente apartada por la sociedad: hermafroditas, enanos, lisiados, andróginos, reses muertas, gente discapacitada, fetichistas y “cualquier mito vivo… cualquier persona que lleve los estigmas de Cristo”. Trabajó como fotógrafo de guerra entre 1961 y 1964 en la Guerra de Vietnam, en 1967 decidió trabajar como fotógrafo freelance y se convirtió en el fotógrafo oficial de City Walls Inc. Su acercamiento al proceso físico de la fotografía es altamente intuitivo e incluye manchar o rayar el negativo y una técnica de impresión con las manos, esta experimentación comenzó luego de ver un ambrotipo del siglo XIX de una mujer y su amante, quien había sido arrancado. Su fascinación con el físico de la gente ha inspirado trabajos que enfrentan nuestro sentido de la normalidad y de la decencia, mientras que constantemente pone en cuestión las enseñanzas impuestas por el cristianismo. Joel-Peter Witkin nos deja mirar en su mundo recreado, que es espantoso y fascinador, ya que él intenta desmontar nuestras nociones preconcebidas sobre sexualidad y belleza física. Con sus imágenes, ganamos una mayor comprensión sobre la diferencia y tolerancia humanas. Su referencia constante a las pinturas de la historia de arte, incluyendo trabajos de Picasso, Balthus, Goya, Velázquez y Miró, testifica su necesidad de crear una nueva historia para sí. Su artista favorito y gran influencia en su obra es Giotto.
Wolfgang Tillmans Es un fotógrafo y artista conceptual alemán que trabaja en Londres y Berlín, su obra emplea la investigación sobre los conceptos básicos de la fotografía y la realización de instalaciones. Reivindica lo directo y lo auténtico. Nació en 1968 en Remscheid aunque en 1987 se trasladó a Hamburgo donde estuvo trabajando de telefonista y comenzó su trabajo investigador empleando la fotocopiadora sobre imágenes fotográficas y poco después empezó a documentarse sobre la subcultura rave. Durante estos años estuvo publicando sus fotografías en las revistas i-D, Tempo, Spex y Prinz. En 1990 se trasladó a Bournemouth para estudiar fotografía y dos años después a Londres. En sus exposiciones suele colocar las imágenes sin destacar las obtenidas mediante una cámara fotográfica de la procedente de cualquier otro medio de reproducción como por ejemplo una fotocopiadora. Su primera exposición en España la realizó en 1998 en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.Obtuvo el premio Turner en el 2000. En 2002 grabó un documental titulado Light para el grupo Pet Shop Boys. En 2009 recibió el premio de cultura de la asociación alemana de fotografía.
Marcel Duchamp Fue un artista y ajedrecista francés, especialmente conocido por su actividad artística, su obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del movimiento dada en el siglo XX. Al igual que el citado movimiento, abominó la sedimentación simbólica en las obras artísticas como consecuencia del paso del tiempo y exaltó el valor de lo coyuntural, lo fugaz y lo contemporáneo. Duchamp es uno de los principales valedores de la creación artística como resultado de un puro ejercicio de la voluntad, sin necesidad estricta de formación, preparación o talento. A partir de Retrato de jugadores de ajedrez, primera pintura innovadora, cada obra de Duchamp era distinta a las anteriores, nunca se detuvo a explorar las posibilidades que abría una nueva obra, simplemente cambiaba a otra cosa. Comenzó a interesarse por la plasmación pictórica de la idea movimiento, el primer intento de esta línea es Joven triste en un tren, que Duchamp consideró un esbozo. Además de por la nueva línea que abre, esta obra es notable por ser la primera vez en la que Duchamp juega con las palabras en sus obras, pues según él eligió triste por su aliteración con train.
La siguiente obra de Duchamp continuó esta senda, se trata de Desnudo bajando una escalera, del que pintó dos versiones. Desnudo, que empezó en diciembre de 1911, sorprendió en primer lugar por su título, que pintó en el mismo lienzo. El desnudo era un tema artístico con unas reglas fijas ya establecidas, que desde luego no incluían figuras bajando por escaleras. Duchamp mostró la idea de movimiento mediante imágenes superpuestas sucesivas, similares a las de la fotografía estroboscópica. Tanto la sensación de movimiento como el desnudo no se encuentran en la retina del espectador, sino en su cerebro. Aúna elementos del cubismo y futurismo, movimiento que atacaba al cubismo del grupo de Puteaux. El cuadro debía exhibirse en la exposición cubista del Salon des Indépendants, pero Albert Gleizes le pidió a sus hermanos que le dijeran que retirara voluntariamente el cuadro, o que le cambiase el título, que les parecía caricaturesco, a lo que estos accedieron.
Thomas Ruff Es un fotógrafo alemán, nacido en Zell am Harmersbach, Selva Negra, el 10 de febrero de 1958, uno de los miembros más destacados de la escuela alemana desde los años 80. Autor de imágenes de gran formato muestra espacios aparentemente lejanos al alcance de la vista del espectador. Explora una amplitud de temas que reflejan la gama de técnicas que emplea: las exposiciones analógicas y digitales tomadas por el artista coexisten con las imágenes creadas en ordenador, fotografías de archivos científicos, de periódicos, de revistas y de Internet. Empezó con una pequeña cámara Nikon cuando tenía 16 años, inspirándose en las fotografías de revistas tan amateurs como él, con 19 años, fue aceptado en la clase de Bernd Becher en la Academia de Bellas Artes de Dusseldorf. Pronto demostró que su idea de lo fotográfico se desmarcaba de la de otros famosos alumnos de esta escuela: Tomas Struth, Axel Hütte, Cándida Höffer o Andreas Gursky. De 2000 a 2006 fue profesor en la misma academia en la que estudió, tomando el relevo de Jeff Wall, sucesor, a su vez, de Bernd Becher. Su relación con la arquitectura se inicia a raíz de sus trabajos con fotografías de viviendas sociales alemanas durante la década de los ochenta. En 1992 comenzó a colaborar con el estudio de arquitectura de Herzog y Meuron, fotografiando sus edificios y estudiando su interacción con el entorno. Sus imágenes arquitectónicas de carácter serial, formato monumental y extrema precisión ya son parte del legado visual de los años ochenta, pero además cultiva otros géneros como el interior, el retrato, el desnudo etc., manipulando por medio de ordenador las escalas de color, el contraste y la definición.
Mark Klett Es un Investigador, docente y fotógrafo estadounidense, nació en 1952 en Albany, Nueva York, interesado en la Intersección de la cultura, el paisaje y el tiempo. En 1984, publicó Second View, un vasto proyecto que consistía en volver a fotografiar los escenarios del oeste norteamericano que fotógrafos tan conocidos como Timothy O’Sullivan, entre otros, realizaron en el transcurso de las expediciones encargadas por el Gobierno Federal durante la segunda mitad del siglo XIX. Con este proyecto, generó, a la vez, tres importantes elementos: la metodología necesaria para desarrollar el riguroso género de la refotografía, el equipo humano necesario para abarcar los ambiciosos propósitos de sus proyectos, y un discurso sobre la construcción del imaginario colectivo. A finales de los años noventa retomó el mismo trabajo, lo que le llevó a publicar la monografía Third Views, Second Sights, donde se recogen las imágenes realizas en el siglo XIX, las de los años setenta y las del final del siglo XX. En sus trabajos iniciales utilizaba película Polaroid positiva y negativa dejando una trama irregular alrededor de sus imágenes que se asemejaba a las asperezas de negativos en placa de vidrio utilizados por los fotógrafos del siglo XIX. Los bordes fueron recortados por razones estéticas, antes de su inclusión en libros. En sus trabajos más recientes, todavía utiliza a menudo una cámara de 4x5”, pero la técnica digital le permite mezclar las imágenes de otros fotógrafos con las suyas propias. Es profesor regente de Arte en la Arizona State University. Klett ha recibido becas de la Guggenheim Foundation, National Endowment for the Arts, Buhl Foundation y Japan/US Friendship Commission. Su trabajo ha sido expuesto y publicado a nivel nacional e internacional a lo largo de más de 30 años, y su obra está en más de 80 colecciones de museos y galerías de todo el mundo.
Carleton Watkins Fue un fotógrafo estadounidense, nació el 11 de noviembre de 1829 en Oneonta, Nueva York, y falleció el 23 de junio de 1916, muy conocido en la California del siglo XIX, es conocido por su serie de fotografías del valle de Yosemite en los 860 que consiguieron del Congreso de los EEUU convertir el valle en Parque Nacional y por sus fotografías estereográficas. Su contacto con la fotografía comenzó trabajando como asistente de Robert Vance, en su estudio de retrato de San Francisco, y comenzó a hacer fotografías propias en 1861. Se interesó en la fotografía del paisaje y pronto comenzó a hacer las fotografías de las explotaciones mineras de California y del valle de Yosemite. Experimentó con varias nuevas técnicas fotográficas, y creó su “cámara mamut” de 18x22”, donde utilizaba grandes negativos de placa de cristal. Se hizo famoso por su serie de fotografías y estereogramas históricos del valle de Yosemite en los 60s que motivaron en parte la decisión del Congreso Norteamericano de establecer el valle como Parque Nacional en 1864. Watkins también tomó una gran variedad de imágenes de California y de Oregón en los 70s y posteriormente. Ganó muchos premios durante su carrera, comenzando en 1865 con un premio por “Mountain Views” en la Exposición del Instituto de Mecánicos de San Francisco. En 1867 ganó una medalla por fotografías de paisaje en la Exposición Internacional de París Compró los negativos estereográficos de Alfred A. Hart, fotógrafo oficial del Central Pacific Railroad, sobre la construcción del ferrocarril y continuó su publicación durante los 70.
Rafael Goldchain Es un fotógrafo canadiense muy respetado, sus fotografías están incluidas en las colecciones de importantes museos como la Galería Nacional de Canadá, la Biblioteca Nacional de Francia, el Museo de Arte Moderno, el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (México) y la Biblioteca Nacional de Chile. Las raíces de Goldchain en Chile y México lo llevaron a trabajar en México y América Central en los años ochenta y noventa, este prolífico período produjo obras que incluyeron retratos y documentales personales para escenificar una visión desde el exilio de diversas tierras y culturas convulsionadas por el conflicto y el cambio rápido. La nostalgia por una Tierra Desconocida, como se dio a conocer la obra, recibió elogios de críticos, curadores y coleccionistas y se exhibió en Canadá, Estados Unidos, México, Cuba y Chile. A finales de la década de 1990 y principios de 2000, se mudó al estudio para realizar una serie de autorretratos de sí mismo como sus antepasados, muchos perdidos en el Holocausto y muchos que se extendieron por Sudamérica y América Central a principios del siglo XX. Recogidos en un libro titulado I Am My Family: Photographic Memories and Fictions (Princeton Architectural Press 2008), estas imágenes performativas sugieren un vínculo íntimo entre la identidad, la memoria, la historia y el retrato fotográfico. En los últimos trabajos (Beautifully Broken, 2011 y posteriores) recurre a temas arquitectónicos y naturales, concebidas como una forma de autorretrato, las imágenes de pilares que se desmoronan y arbustos enredados son meditaciones sobre el envejecimiento, la belleza, la complejidad y la mortalidad que buscan un equilibrio entre la vulnerabilidad y la fuerza. Las distinciones de Rafael Goldchain incluyen el Premio Leopold Godowsky en Fotografía (Centro de Recursos Fotográficos en la Universidad de Boston, 1989) y el Premio Duke and Duquesa de York en Fotografía (The Canada Council, 1989). En 2001, Goldchain viajó a Chile y Argentina con la gobernadora general Adrienne Clarkson como parte de una delegación cultural canadiense.
Yasumasa Morimura Es un artista plástico japonés, nació el 11 de junio de 1951 en Osaka, conocido por ser un representante de la fotografía escenificada, así como de la corriente artística conocida como Apropiacionismo, procedimiento mediante el cual el artista se apropia de imágenes clásicas del arte occidental para reinterpretarlas y recrearlas dándoles una nueva significación. Desde sus primeras creaciones se observa la base dualista de su obra (Oriente frente a Occidente, lo femenino frente a lo masculino, lo propio y lo extranjero, lo tradicional y lo contemporáneo...), así como el eje determinante de toda ella: el concepto de identidad. A mediados de los ochenta incorporó la fotografía a su obra, a través de la cámara, analiza los complejos intercambios culturales entre Oriente y Occidente y denuncia la imposición cultural y económica de Occidente sobre Japón. En 1985, exhibió un gran retrato en color de Van Gogh insertándose él mismo en ella, en 1988, fue seleccionado como artista de Aperto of Venice Biennale y fue catapultado a la fama. A través de la amplia utilización de utilería, vestuario, maquillaje y de la manipulación digital, se transforma magistralmente a sí mismo en temas reconocibles que jalonan el cañón de la cultura occidental. Sus series incluyen obras basadas en pinturas seminales de artistas como Frida Kahlo, Velázquez o Goya y sobre las fuentes pictóricas de la historia y los medios de comunicación. Su habilidad para satirizar y al mismo tiempo crear un homenaje de su material de origen es lo que hace la obra de Morimura especialmente contundente y eficaz. A pesar de que su obra generalmente la desarrolla en fotografías en color sobre lienzos u otros soportes, también realiza audio/vídeo-instalaciones, e incluso colabora en giras teatrales desde el año 2000. Sin embargo su trabajo siempre ha gozado de aspecto teatral: el propio Morimura es el actor de su obra. Mediante un elaborado maquillaje y un agudo narcisismo, se transforma en los personajes de los grandes clásicos, dando una nueva identidad a las grandes obras canónicas.
SITIO WEB http://www.fotonostra.com/biografias/robertcapa.htm http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/03/larry-burrows.html http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/03/sally-man.html http://www.cadadiaunfotografo.com/2009/07/rineke-dijkstra.html https://oscarenfotos.com/2013/10/19/william-eggleston-y-su-mundo-de-color/ http://www.cadadiaunfotografo.com/2012/01/joel-meyerowitz.html https://en.wikipedia.org/wiki/William_Christenberry http://www.cadadiaunfotografo.com/2015/02/adam-bartos.html https://en.wikipedia.org/wiki/Nick_Waplington http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/06/les-krims.html http://www.cadadiaunfotografo.com/2015/05/mitch-epstein.html
http://www.cadadiaunfotografo.com/2014/04/kenneth-josephson.html http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/06/martin-parr.html http://www.cadadiaunfotografo.com/2013/07/nicholas-nixon.html https://es.wikipedia.org/wiki/Stanley_Kubrick http://www.cadadiaunfotografo.com/2012/09/jeff-wall.html https://en.wikipedia.org/wiki/Andres_Serrano https://es.wikipedia.org/wiki/Sophie_Calle https://en.wikipedia.org/wiki/Katy_Grannan https://en.wikipedia.org/wiki/Southworth_%26_Hawes http://www.cadadiaunfotografo.com/2009/01/joel-peter-witkin_8428.html https://es.wikipedia.org/wiki/Wolfgang_Tillmans https://es.wikipedia.org/wiki/Marcel_Duchamp http://www.cadadiaunfotografo.com/2012/06/thomas-ruff.html http://www.cadadiaunfotografo.com/2013/11/mark-klett.html http://www.cadadiaunfotografo.com/2012/05/carleton-watkins.html https://rafael-goldchain.squarespace.com/biography/ http://www.cadadiaunfotografo.com/2014/09/yasumasa-morimura.html