Momeñe capitulo 2 y 3

Eduardo Momeñe Capítulos 2 y 3 La visión Fotográfica

Sheila Moreno Iniesta 1ºB

Tema Principal y Resumen Capítulo 2 El tema principal del segundo capítulo sería, los grandes artístas del Renacimiento y sus obras hechas para la historia.

Resumen: el capítulo comienza con un pequeño resumen del primer capítulo, ya sabiendo que clase de fotógrafos queremos ser, y a partir de este punto, comienza a hablar de los grandes artístas de la época del Renacimieno y su historia.

Nos habla de Daguerre, que junto a Nicéphore Niépce, el cual vimos en el prmimer capítulo, crearon la fotografía, luego nos muetra muchos de los grandes artístas, y no solo de los fotógrafos que marcaron esta época, sino de pintores y de escritores.

Tema Principal y Resumen Capítulo 3 El tema primcipal de este capítulo sería, las diferentes opiniones a cerca de si la fotografía se podría parecer a la pintura, y sus respectivos grandes autores destacables de la época del Pictorialismo.

Resumen: tras el Renacimiento, comenzamos tant un nuevo capítulo como una nueva época, el Pictorialismo, en este capítulo trata sobre todo, la idea y la crítica ue se albergaba a cerca de si la fotografía dse podría semejar a la pintura.

En este capítulo, a demás de mostrarnos a otrs grandes fotógrafos y pintores de la historia, comenzamos a adquirir certo territoria de los que queremos crear en realidad aprendiendo de los diferentes artistas, y también nos enseñan a grandes actores, escritores y cineastas de la historia.

Ideas Principales Capítulos 2 y 3 -Artistas destacables de la época del Renacimiento y del Pictorialismo.

-Las mujeres comienzan a tener más peso en lo relacionado con la fotografía y la historia en general.

-Saber comprender que es lo que queremos y vamos a fotografiar.

- Las fotografías comienzan a transmitir emociones, a hablar de algo.

- El boom de la instantaneidad.

-La crítica sobre la diferencia de fotografía y pintura.

-Libertad a la hora de fotografiar (sin censuras, sin interrupciones).

Autores -Louis Daguerre: fue el primer divulgador de la fotografía, tras inventar el daguerrotipo, y trabajó además como pintor y decorador teatral, nació el 18 de noviembre de 1787, en Francia, y murió en 10 de julio de 1851.

En 1827, inventó el diorema, un espectáculo a base de pinturas y efectos luminosos, Se asoció con Niepce en 1830, y tras su muerte, perfeccionó su método reduciendo el tiempo de exposición a unos pocos minutos, al sustituir el betún de judea por yoduro de plata, que es una sustancia sensible a la luz, así consiguió, en 1837, el primer procedimiento fotográfico conocido como daguerrotipo. Fue premiado por el Gobierno francés y gozó de gran popularidad.

La daguerrotipia, fue unas de las primeras técnicas para la obtención de imágenes estables.Después del Renacimiento, cuando la perspectiva adquirió importancia, las cámaras oscuras se hicieron más pequeñas y más sofisticadas. Hacia finales del siglo XVIII se crearon dispositivos que consistían en una serie de cajas metidas unas dentro de otras y una lente para enfocar.

Tras las investigaciones y los logros de Niepce, Daguerre descubrió que podía revelarse con vapor de mercurio la imagen originada por la luz tras una exposición corta. Este procedimiento consistía en tratar con vapor de yodo una plancha de cobre recubierta de plata por una de las caras, con lo que se creaba una capa de yoduro de plata fotosensible, se exponía la plancha en la cámara y luego se revelaba con vapor de mercurio, por último se sumergía en hiposulfíto de sodio y se aclaraba con agua.

-Lewis Carroll: fue un diácono anglicano, lógico. Matemático, fotógrafo y escritor británico, canió el 27 de enero de 1832 en Reino Unido, y murió en 14 de enero de 1898.

Tras licenciarse, empezó a trabajar como docente y a colaborar en revistas cómicas y literarias, adoptando el seudónico por el que es universalmente conocido.

Su peculiar combinación de fantasía, disparate y adsurdo, junto a incisivas paradojas lógicas y matemáticas, permitieron que las obras se convirtieran a la vez en clásicos de la literatura infantil y en inteligentes sátiras morales.

En 1856. descubrió una nueva forma de arte, la fotografía, primero por influencia de su tío, y más tarde de su amigo de Oxford y del pionero del arte fotográfico Oscar Gustavo Rejlander.

A través de la fotografía, Carrol trató de combinar los ideales de libertad y belleza con la inocencia edénica, donde el cuerpo y el contacto humano podían ser disfrutados sin sentimientos de culpa, aunque poco después, se transformó en la persecución de la belleza como un estado de gracia, un medio para recuperar la inocencia perdida.

Se le tachó de pedófilo, al encontrarse fotografías de desnudos de niñas, aunque muchos académicos argumentaban que Carrol debía ser comprendido en contexto, y que en la cultura victoriana, la aparición de niñas desnudas, era visto como algo totalmenten normal poeque equivalía a un símbolo de inocencia.

Cuando logró tener un estido propio, hizo notables retratos de personajes como John Everett Millais, Elen Terry, Dante Gabriel Rossetti, Julia Margaret Cameron y Alfred Tennyson.

En 1880, abandonó repentinamente la fotografía, En la actualidad, es considerado uno de los fotógrafos vistorianos más importantes, y con seguridad, el más influyente de la fotografía artística contemporánea.

-Julia Margaret Cameron: nació el 11 junio de 1815 en India, y murió el 26 de enero de 1879 en Sri Lanka. Se inició en la fotografía a sus 48 años, a pesar de tener que aprender bajo condiciones con pocos recursos, se convirtió en "una de las fotógrafas artísticas más eminentes del siglo XIX", gracias a que su hija y su yerno, le regalaran una cámara fotográfica, estaba equivocada con todos los bártulos necesarios para realizar el proceso del colodión húmedo inventado por Frederick Scott Archer.

Convirtió su aniguo gallinero en un estudio fotofgráfico y el deposito de carbón en un cuarto

oscuro.

No tuvo un inicio fácil, y siempre se le achacó por su falta de cuidado con el proceso fotográfico, pues sus imágenes contenían defectos como huellas dactilares, manchas, grietas en el negativo o arañazos.

Las temáticas de Julia Margaret abarcaban escenas históricas, mitológicas, alegóricas, poéticas y religiosas. Armaba escnas "con atrezzo muy sencillo, básicamento con unas cuantas telas". Sin embargo, hay una clave fundamental para comprender sus fotografía: sus escenas eran simbólicas, no había en ella una intención de literalidad, sino más bien una visión con una necesidad para conectar lo humano y lo divino.

Abordó solamente dos grandes géneros fotográficos, el tableau vivant, y el retrato, ene l cual buscaba plasmar el temperameto del retratado. Utilizó el desenfoque para lograr una empatía emocional, dirigir la atención y establecer un cierto "estado de ánimo en la imagen".

Nadar: fue un fotógrafo, periodísta, ilustrador, caricaturista y aeronauta frnacés, nació el 6 de abril de 1820 en Francia, y murió el 20 de marzo de 1910.

Estudió medicina, tras trasladarse a la capital francesa, comenzó a trabajar como periodista y caricaturista, hasta que se interesó por la fotografía como complemento para utilizar los retratos como bocetos de sus posteriores caricaturas.

Sus retratos aparecían delante de un fondo neutro, centrando la atención del espectador en los gestos del sujeto representado, lo importante era jugar con la luz y adentrarse en la psicología del personaje.

Su mente pionera lo llevó a ingeniar lo que denominó "foto-interviú", que consiste en tomar 21 fotografías al entrevistado mientras respondía a sus preguntas, consiguiendo con ello un despliegue de gestos que de algún modo impregnaban la personalidad del personaje.

Además de los retatos, hizo fotografías desde un globo aerostático, que fueron las primeras imágenes aéreas. También plasmó las canalizaciones y catatumbas de París utilizando iluminación de magnesio e uncluso fundó la revista "Paris Photograph".

Edward Curtis: fue un fotógrafo estadounidense, nació el 16 de febrero de 1868 en Whitewater, y murió el 19 de octubre de 1952 en Whittier.

Con 12 años construyó su primera cámara fotográfica, y con 17 entró de aprendríz. Durante su juventud se dedicó a realizar retratos y paisajes, y llegó a ser propietario de un estudio fotogáfico en Seattle.

En 1900 viajó a Montana para fotografiar la danza del Sol en la Reserva de Piegan, tras haber vendido una colección premiada a la familia J.P. Morgan, el cual financió su proyecto, Documentar pictóricamente la vida del indio americano.

Trabajó más de 30 años en su intento de documetr la vida, costumbres, mitos, hábitos, religión y lengua de decenas de tribus americanas.

En 1941 filmó la película Land of the Head-Hunters sobre la vida de los pueblos de la costa noroeste de los Estados Unidos, Además de ser fotógrafo, también fue cámara en Hollywood. Al llegar la Gran Depresión y desaparecer el interés por los indios, le creó graves problemas económicos y con ello una depresión.

Irving Penn: fue un fotógrafo de modaas y de retratos estadounidense, nació el 16 de junio de 1917 en Nueva Jerseyy murió el 7 de octubre de 2006 en Nueva York.

Estudió diseño en la Escuela de Artes Industriales del Museo de Filadelfia, su profesor fue el fotógrafo Alexey Brodovitch, con el que tiempo despúes fue su compañero en la revista Harper´s Bazaar.

Su primera labar e la revista Vogue fue como ayudante del artista Alenxander Liberman, en 1943, comenzó a trabajar cpmp diseñador de portadas. En Nueva York y muri´el Tras la II Guerra Mudial, adquirió fama por sus elegantes y glamurosos retratos femeninos publicados en Vogue, En sus fotografías, el sujeto solía posar entre un sencillo fondo blanco o gris, usando la simplicidad ,ás efectivamente que otros fotógrafos de la época.

Recibió el premio Hasselblad en 1985 y dos años más tarde fue galardonado con el Prmeio de cultura de la Asociación Alemana de Fotografía.

Publicó varios libros, incluyendo The astronomers plan a voyage to Earth y Photographs of Dahomey.

Robert Mapplethorpe: nació el de noviembre de 1946 en Nueva York, y murió el 9 de marzo de 1989 en Boston.

En su juventud mostró interés por el homoerostismo, por el trabajo de Andy Warhol , de ahí su interés por la relevancia de la imagen fotográfica en la cultura y el arte de su tiempo.

Sus primeros tranajos con una cámara fueron autorretratos realizados en Polaroid y una serie de retratos de Patti Smith.

Tras adquirir una Hasselblad, comenzó a tomar fotografías de su círculo de amigos y conocidos.

Algunas de esas fotografías fueron impactantes por su contenido, eran exquisitas dado su dominio técnico, pero su alto contenido sexual, trajo cierta controversia dentro de la sociedad puritana.

Realizó retratos de famosos para revistas como Voge y Vanity Fair.

Continuó desafiando la definición de fotografía mediante la introducción de nuevas técnicas y formatos para sus obras.

David Hochney: es un pintor, proyectista, escenógrafo, impresor y fotógrafo inglés, nació el 9 de julio de 1937.

Fue un importante contribuyente del movimiento conocido como Arte Pop en la década de 1960, siendo considerado uno de los artistas británicos más influyentes del siglo XX. Estudió en la Escuela Primaria de Wellington, Bradford Grammar School, Universidad de Bradford de Arte y en el Royal College of Art en Londres, donde conoció a R. B. Kitaj. En el Royal College of Art, fue incluido en la exposición Jovenes Comtemporáneos junto con Peter Blake, anunciando la llegada del Arte Pop británico.

Realizó estampados, retratos de amigos y diseñó escenografías para el Royal Court Theatre, el Festival de Glyndebourne, La Scala y la Metropolitan Opera House en Nueva York. pintó retratos en diferentes periodos de su carrera.

A principios de 1980, Hockney comenzó a producir "joiners", que son collages hechos de fotografías, primero empezó usando impresiones de Polaroid y subsecuentemente estampados de 35mm procesados comercialmente. Hockney creaba imágenes compuestas utilizando fotografías hechas con película instantánea o fotografías reveladas de un sólo sujeto ordenadas de manera irregular. Debido a que las fotografías están tomadas desde diferentes perspectivas y en momentos ligeramente distintos, el trabajo resultante es afín al Cubismo.

Robert Frank: fue fotógrafo y cineasta americano, nació el 9 de noviembre de 1924 en Zúrich.

Es el iniciador del llamado Neo-documentalismo Fotográfico , capturó “el mundo como es”, un tipo de documental donde el fotógrafo elige deliberadamente capturar aquellos aspectos de la realidad menos dulces, menos poéticos. Su obra cumbre fue Les Américains, en donde el fotógrafo presenta a los estadounidenses desde una óptica propia, personal, subjetiva y libre.

Su obra se encuentra impregnada por la expresión de la realidad, ya que “…presentaba muchos estados de ánimo —tristeza, felicidad, amargura, ira, pesar—, pero el tono general era pesimista.”

En sus fotografías “…el estado de ánimo que transmitía era deprimente, y su técnica respondía a dicho estado.

En los años cincuenta, los expresionistas abstractos (también conocidos como la primera generación de la Escuela de Nueva York ) como Mark Rothko, Franz Kline, Willem De Kooning o Jackson Pollock sacudieron el mundo de las artes visuales, sentían que el verdadero sujeto del arte estaba en las emociones humanas; de las cuales era necesario resaltar aspectos como forma, color, textura y gesto por su potencial simbólico y expresivo.

Construye sus imágenes de una manera fluida, que podría ser llamada una fotografía gestual, en donde imprime un dominio total sobre los parámetros técnicos de la imagen. Las decisiones sobre la longitud focal son premeditadas y llenas de intención, la cámara se comprende como una extensión del cuerpo, el obturador y el dedo índice son uno mismo, el visor es una prolongación del ojo.

Bill Owens: es un reportero gráfico, cervecero, editor y fotógrafo estadounidense, nació el 25 de septiembre de 1938 en San José, conocido mayormente por sus fotografías de escenas domésticas suburbanas tomadas en la ciudad de Livermore.

Se introdujo en la fotografía, mientras que trabajaba como voluntario del Peace Corps en Jamaica como maestro de escuela en un pueblo rural. Se compró una Leica en mal estado y con la gente del pueblo descubrió su verdadera pasión y vocación como fotógrafo documental social. Estudió en el San Francisco State College hasta que fue contratado como fotógrafo para el periódico local de Livermore, un suburbio del este de la bahía de San Francisco, su fascinación con la gente y estilos de vida le llegó mientras trabajaba para The Independent los fines de semana.

Es conocido por sus fotografías de escenas domésticas suburbanas tomadas en el Este de la Bahía y publicados en el libro Suburbia en 1973, también ha publicado en Rolling Stone, Bomb, Esquire y Newsweeky sus fotografías se han expuesto a nivel internacional y se encuentran en muchas colecciones, como las del Museo de Arte Moderno, Museo de Arte de Berkeley, Los Angeles County Museum of Art, San Francisco Museum of Modern Art, Los Ángeles Museo de Arte Contemporáneo, Museo José San de Arte y el Museo Getty de Los Ángeles.

Edward Weston: fue un fotógrafo estadounidense, nació en 1886 en Highland Park, Illinois y murió en Widcat Hill el 1 de enero de 1958, es considerado uno de los más importantes del siglo XX y cofundador del Grupo f/64.

Hizo sus primeras fotos con 16 años, con 20 se trasladaró a California donde pasó la mayor parte de su vida, viajó a Nueva York en 1922 para conocer a Stieglitz y a México en 1923 con Tina Modotti.

Aunque sus inicios se habían enmarcado en el pictorialismo, coincidiendo con su estancia en México sus ideas se clarificaron y destruyó sus primeras fotografías y se inició en el movimiento purista.

Samuel Bourne: fue un fotógrafo inglés, nació el 30 de octubre de 1834 en Arbour Farm, Mucklestone, Shropshire, y falleció el 24 de abril de 1912 en Nottingham, conocido por sus 7 prolíficos años fotografiando la India con cámara de placas y la técnica del colodión húmedo.

Sus actividades fotográficas como aficionado comenzaron alrededor de 1855 y rápidamente se convirtió en un fotógrafo paisajista consumado, realizando conferencias sobre fotografía y contribuyendo con artículos técnicos en varias revistas fotográficas. Hizo un recorrido fotográfico por Lake District, y en 1859 expuso sus fotografías en la exposición anual de la Sociedad Fotográfica de Nottingham, al año siguiente, sus fotografías también se mostraron en Londres, en la Exposición Internacional de 1862.

Se asoció con William Howard, un fotógrafo ya establecido en Calcuta. Se trasladaron hasta Simla, donde establecieron el nuevo estudio Howard & Bourne, al que se unió en 1864 Charles Shepherd.

En 1866, tras la salida de Howard, el estudio se convertiría en Bourne & Shepherd llegando a ser el estudio fotográfico más importante de la India.

Algunos años después de su vuelta a Inglaterra, vendió su parte del estudio y dejó de realizar fotografía comercial. Su archivo en el estudio, fue reimpreso y vendido durante más de 140 años, hasta que en 1991 un incendio lo destruyó. Bourne se trasladó a Nottingham, donde fundó un próspero negocio de algodón con su cuñado, llegando a ser magistrado local. Aunque siguió fotografiando de forma relajada y perteneciendo a sociedades fotográficas locales, gran parte de su energía creativa se dedicó a la acuarela.

Joel Meyerowitz: es un fotógrafo estadounidense, nació el 6 de marzo de 1938 en el Bronx, Nueva York, que realiza fotografía de calle, paisaje y retrato y fue uno de los precursores en el uso del color en 1962, cuando no se consideraba serio el uso del color en la fotografía artística.

Tras ver trabajar a Robert Frank con su leica, abandonó su trabajo como director artístico en una agencia de publicidad para salir a la calle con su cámara de 35mmm y un carrete en diapositivas a hacer fotografías y allí se encontró con Tony Ray Jones, Garry Winogrand.

Inspirado por Henri Cartier-Bresson, Robert Frank y Eugène Atget, después de un tiempo de alternar color y blanco y negro, adoptó permanentemente el color. La pérdida de calidad al imprimir a partir de las diapositivas le hizo pasarse a cámaras de 8x10, que le permitieron conseguir textura, luz y color suficientes en su serie de retratos, paisajes y marinas Cape Light.

Fue el único fotógrafo al que se permitió el acceso a la zona zero inmediatamente después del ataque a las torres gemelas de Nueva York. Su trabajo ha sido plasmado en un libro y en una exhibición que ha recorrido más de 60 países. También ha creado el The World Trade Center Archive con más de 8.000 imágenes, esponsorizado por el Museum of the City of New York.

Stephen Shore: nació en la ciudad de Nueva York en 1947. Sus inicios no estuvieron con la cámara en la mano, sino en el cuarto oscuro. Un tío le regaló para su cumpleaños un set Kodak de revelado con el que procesaba e imprimía las instantáneas familiares.

A los ocho años comenzó a experimentar con una cámara telemétrica de 35mm, a los diez años recibió un ejemplar de American Photographs, el libro fundamental del fotógrafo clásico Walker Evans.

Aunque Shore fue autodidacta, no significa que no tuviera una educación artística privilegiada, había tenido de mentor John Szarkowski, y más tarde en su adolescencia, tuvo al artista más importante del posmodernismo y el rey del Pop Art: Andy Warhol.

Junto con William Eggleston, es uno de los pioneros en el uso del color en la fotografía artística, para él, el color amplía la paleta de una fotografía y añade a la imagen un nuevo nivel de información descriptiva y transparencia. Una fotografía en color es más transparente porque quien la contempla se detiene menos en la superficie. Y es que las personas estamos acostumbradas a ver el mundo en color.

A principios de la década de 1970 inició un trabajo insólito y que sorprendió al mundo del arte, el cual tituló American Surfaces y fue tan rechazado por la crítica en su momento como fundamental para la fotografía que le precedió.

Luis Baylón: es un fotógrafo español, nació en abril de 1958 en Madrid, que realiza fotografía de calle.

Compró su primera cámara de 35 mm con 18 años en un mercadillo, y Pronto se hizo con una ampliadora y empezó a realizar todo el proceso de revelado. En el 80 consiguió su primer trabajo profesional como retratista en colegios que compaginó más tarde con su faceta de freelance. En 1984 su padre le regaló una Rolleiflex 2,8F de doble objetivo que se convirtió en su cámara preferida. y desde ese momento todo vino rodado: Ajoblanco, El País Semanal, El Europeo, El Mundo Magazine, Tentaciones y la legendaria El Canto de la Tripulación.

A finales de los 80 montó un estudio con Quico Rivas y García-Alix en Vallecas, y en el 98 lanzó Entrefotos con Caprile y en el 2001 recibió el Premio de La Comunidad de Madrid.

Su trabajo es principalmente con película y en blanco y negro, aunque también dispara en color, en especial cuando trabaja para marcas como Swatch o discográficas como Polygram.

Max Pam: es un fotógrafo australiano, nació en Melbourne en 1949, considerado uno de los fotógrafos contemporáneos más importantes de su país. Se encontró de adolescente en los sombríos, opresivos y culturalmente aislados suburbios de Melbourne de la posguerra. Encontró refugio en la contra-cultura del surf y la imaginería de National Geographic y la revista Surfer y se decidió a viajar al extranjero, dejando Australia con 20 años, después de aceptar un trabajo como fotógrafo de un astrofísico.

Su primera exposición fue en la Art Gallery of Western Australia en 1986, y fue seguida por una retrospectiva de mitad de su carrera en la Art Gallery of New South Wales en 1991. También fue objeto de una importante exposición en el Comptoir de la Photographie de París en 1990, que abarcaba el trabajo de tres décadas.

"La fotografía es un pasajero al servicio de memorizar el espíritu del viaje. Si la fotografía se interpone entre el viaje y tu, guarda la cámara." Max Pam.

Man Ray: nació en Filadelfia en 1890, cantante preadolescente y bailarín, su interés por el arte nace tras el traslado a Nueva York, lo que en su juventud le permite trabajar en una agencia de publicidad y compaginar sus estudios en la National Academy of Design, comenzando también a frecuentar la galería de Alfred Stieglitz y acudir a tertulias.

Adquiere una cámara fotográfica en un principio para reproducir sus obras plásticas, pero su inquietud hizo que hoy en día tenga su hueco en la historia de la fotografía. Con Duchamp y Picabia creó el Dadá newyorkino, realizando obras experimentales que coqueteaban con todo tipo de soportes para la creación de obra artística. Así es como tras su instalación en París, al ver que su obra no encontraba mercado, empezó a crear sus famosos "rayogramas", son creaciones fotográficas que son realizadas sin la intervención de una cámara.

Gracias a la inspiración de su modelo y amante Kiki de Montparnasse, nació una de sus obras más emblemáticas, "Le Violon d'Ingres", que refleja en una sola imagen todo lo que este creador es para el arte.

Helmut Newton: nació el 31 de octubre de 1920 y murió el 23 de enero de 2004, comenzó en la fotografía siendo un niño, a sus 12 años compró su primera cámara gracia a sus ahorros. Cuatro años más tarde su cámara AGFA Tengor Box y él se convertieron en los aprendices de la fotógrafa Yva, de quien aprenderó el dominio del retrato y de los desnudos en blanco y negro.

Tras su paso poco exitoso por el periódico de Singapur, en el cual solo estuvo dos meses antes de que le despidiesen, llegó a Australia donde tras un tiempo en un campo de internamiento por su nacionalidad pasó a las filas del ejército australiano. En 1945 Helmut Neustädter pasa a llamarse como lo conocemos hoy en día: Helmut Newton. Tres años más tarde se casó con la actriz June

Brunell, más conocida como la fotógrafa Alice Springs.

En 1946 establece su propio estudio en Melbourne, a partir de aquí comienza a ganar relevancia y al poco da el salto a Vogue Australia donde logra tener un mínimo reconocimiento. Su primer trabajo lo logra en 1956 con el suplemento de British Vogue edición australiana.Tras asentarse en París en 1961 encuentra el estilo que le hará único: encontrará el sexo. Y si es posible con un toque de perversión que luego aumentaría.

La técnica de Helmut Newton era muy depurada, elegante, en blanco y negro por lo general, con ningún retoque, apuesta por la luz natural y gusto por retratar al personaje.

Shelby Lee Adams: es un fotógrafo estadounidense, nació en 1950 en Hazard, Kentucky, conocido principalmente por sus fotografías de la gente de los Apalaches profundos. Con 18 años se fue a estudiar bellas artes y fotografía a Cleveland, aunque pasaba los largos veranos en el campo.

Rodeado de artistas, el choque cultural fue muy fuerte y, se avergonzaba de sus orígenes decía que era de Cincinnati.

Desde 1974 fotografíó una de las regiones más atrasadas de Estados Unidos, en los confines de Kentucky, Tennessee y Virginia. Conocido allí como picture man (el hombre de las fotos), pero para llegar a ser aceptado debió salvar barreras sociales muy difíciles de franquear. Hoy, más de 35 años después, sigue todavía visitando a esta gente, volviendo de año en año, visitando, estudiando y documentando sus vidas. En sus últimos trabajos, nos muestra a familias que han salido de sus remotas montañas y viven en caravanas, con los discos de las antenas parabólicas dominando el paisaje. Donde antes fotografiaba a padre e hijo rodeados de vacas, ahora retrata a una familia en un porche celebrando Halloween o a una pareja de ancianos con su perro en frente de una antena parabólica. Todo cambia y permanece al mismo tiempo.

Entre otros premios, ha obtenido en 2010 una beca Guggenheim Fellowship. Sus obras están en colecciones permanentes como Art Institute of Chicago, Museum of Contemporary Photography, International Center of Photography, Nueva York, Musée de l'Élysée, Lausanne, Museum of Modern Art, Nueva York, Fogg Museum, Cambridge, Massachusetts, National Gallery of Canada, Ottawa, San Francisco Museum of Modern Art, Smithsonian American Art Museum,Washington, DC, Stedelijk Museum, Ámsterdam, Time Life Collection, Rockefeller Center, Nueva York, Victoria and Albert Museum, Londres y Whitney Museum of American Art, Nueva York.

Sebastiao Salgado: nació en 1944 en Minas Gerais, Brasil, inició los estudios universitarios de Derecho para abandonarlos y decidirse por la Economía que cursó en Vitoria.

Tras casarse y ser exiliados, En 1971 se mudaron a Londres donde trabajó como economista en la International Coffee Organization y comenzó a viajar al continente africano en comisiones para el Banco Mundial. Ahí realizó sus primeros trabajos fotográficos que fueron la razón para dejar definitivamente, la práctica económica por la fotografía. Comenzó a registrarlo todo: desde bodas y retratos de su esposa, hasta documentar dramas sociales y humanos, el de los refugiados y desplazados por el hambre y la guerra, y las agrestes condiciones de vida de agricultores y trabajadores de las minas de oro.

Inicialmente colaboró con la Agencia Sygma en 1974 haciendo historias en Portugal, Mozambique y Angola. Ingresó el siguiente año a la Agencia Gamma realizando proyectos fotográficos en Latinoamérica, África y Europa. Para 1979 ya era parte de la legendaria agencia Magnum Photos.

Finalmente en 1994 fundó su propia agencia Amazonas Images, tal vez la más pequeña del mundo, dedicada exclusivamente a distribuir sus fotografías.

El sobresalto inicial de los estadounidenses ante sus imágenes se contrastó con la respuesta europea mucho más favorable y en 1986 publicó su primer libro Otras Américas.

Tras volver a su lugar de origen para reponerse del estado de ánimo que le causaron sus viajes, surgió su proyecto Génesis.

Lewis Hine: fue un fotógrafo estadounidense, nació en Oshkosh, Wisconsin en 1874 y falleció en Nueva York en 1940, conocido principalmente por sus imágenes de los inmigrantes que llegaban a la Isla de Ellis, Nueva York y por documentos fotográficos que reflejaban las condiciones laborales en los Estados Unidos de la época.

Entró en la Universidad de Chicago en 1900, estudiando Sociología, carrera que continuó en las universidades de Columbia y Nueva York. En Nueva York, trabajó de profesor en la Ethical Culture School, donde animaba a sus estudiantes a utilizar la fotografía como un medio educativo.

Con una sencilla cámara de fuelle de 13 x 18 cm, emprendió un año de expediciones fotográficas a Ellis Island (Nueva York), con el fin de hacer retratos de inmigrantes recién llegados que sirvieran de inspiración a sus alumnos. Entre 1904 y 1909,hizo unas 200 placas (fotografías), y se dio cuenta que su vocación era el fotoperiodismo. En 1908, se convitió en el fotógrafo oficial del National Child Labor Committe, organización creada para luchar contra el empleo infantil en la industria pesada, documentando el trabajo de los niños en campos, minas y fábricas, recolectando algodón, vendiendo periódicos o ayudando a sus familias a pelar nueces.

En los años 30, las condiciones habían cambiado y en 1932 publicó su colección Men at Work, documento fotográfico sobre la construcción del Empire State, su obra fue donada al Museo Internacional de Fotografía George Eastman House, en Rochester.

Josef Koudelka: nació en Boskovice , Moravia, Checoslovaquia en 1938. Tuvo contacto con la fotografía gracias al panadero que era un fotógrafo aficionado, logró comprar su primera cámara recogiendo fresas y vendiéndolas al hombre de la heladería.

Una vez establecido en Praga, Josef estudió ingeniería en la Universidad Técnica y se inició en la fotografía. Josef realizó su primera exposición, tras conocer al fotógrafo y crítico Jiří Jeníček.

Recortaba sus imágenes para entrenar su ojo, las pegaba para crear panorámicas, experimentaba con el medio y publicaba su trabajo en Divadlo, revista vanguardista especializada en teatro.

Trabajó con varias compañías disparando entre los actores que representaban obras de Ionesco, Beckett y Jarry; retrató un montaje de El rey Lear de Peter Brook.

En sus fotografías se puede comprender a un hombre cuya mirada va mucho más allá de la superficie; no importa si es una obra de teatro o el paisaje ajado por la mano del hombre. Josef parece muy cómodo ante la paradoja fotográfica: las apariencias que muestran algo que está más allá de la fachada. Para mediados de la década de 1970 logra publicar su trabajo Gitans: la Fin de Voyage, editado por Robert Delpire. Gracias a este logró ser conocido en el mundo occidental. Tras querer seguir a los Gitanos por europa, perdió el pasaporte y lo exiliaron, y vino a españa, más tarde en la década de los 90, vuelve a Praga, e inicia un cambio rfadical en sus fotografías, deja el teatro humano para concentrarse en el escenario del drama. Con Caos realiza un primer cambio al adoptar la cámara panorámica.

Edward Steichen: fue un fotógrafo luxemburgués, nacionalizado americano, nació en 1879 en Bivange, Luxemburgo, y falleció en 1973 en West Redding, Connecticut que es considerado el iniciador de la fotografía de vanguardia y de la fotografía publicitaria, sentando las bases de la fotografía moderna. Buscó la interpretación emotiva e impresionista en sus temas y luchó para que la fotografía fuese reconocida como una manifestación formal de arte. También realizó heliogramas con papel japonés, difuminaba los contornos y manipulaba las fotografías para conseguir efectos artísticos. También fue precursor de la fotografía en color.

Tomó su primera foto en 1895 y posteriormente fue miembro del Photo-Secession y uno de los mayores representantes del Pictorialismo. Durante la primera guerra mundial fue fotógrafo en el ejército americano.

Trabajó para las revistas de moda Vanity Fair y Vogue. Entre los famosos que retrató para la primera, se encuentran Greta Garbo y Charles Chaplin. Se le considera el creador de la fotografía del glamour. Durante la segunda guerra mundial dirigió la sección de fotografía de los marines .

En 1947 fue nombrado director de la sección de fotografía del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA).

Jacques Henri Lartigue: fue un pintor y fotógrafo francés, nació en Courbevoie en 1894 y falleció en Niza en 1986. Tomó sus primeras fotografías en la edad de seis años, usando la cámara fotográfica de su padre, y comenzó a guardar lo que se convirtió en un diario de por vida.

En 1904 comenzó a hacer fotografías y dibujos de los juegos de la familia y de sus experiencias de niñez, capturando también los comienzos de la aviación y de los automóviles y las mujeres elegantes del Bois de Boulogne así como eventos de sociedad. Gracias a una cámara estereoscópica, puede producir imágenes 3D, de las que hará unas 5000 hasta 1928.

Gracias a una cámara estereoscópica, pudo producir imágenes 3D, de las que hará unas 5000 hasta 1928. En 1912, añade una Nettel 6 x 13 a su colección, con lo que empieza a realizar panorámicas.

En 1915, estudió pintura en la Académie Jullian, la pintura se fue convirtiendo en su actividad profesional y desde 1922 realizó exposiciones en salones de París y de Francia meridional, se codeó en el mundo del arte con Sacha Guitry, Yvonne Printemps, Kees van Dongen, Pablo Picasso y Jean Cocteau, mientras que su pasión para las películas le hizo trabajar como fotógrafo fijo con Jacques Feyder, Abel Gance, Roberto Bresson, François Truffaut y Federico Fellini.

En 1955 sus fotos de Pablo Picasso y Jean Cocteau logran reconocimiento mundial. En 1966 obtiene fama mundial con su primer libro, Album de familia, 1970 publica el libro Diary of a Century (Stills from ray Life),concebido por Richard Avedon, con fotografías tomadas después de 1930.

Francesca Woodman: fue una fotógrafa estadounidense, nació 3 de abril de 1958 Denver, Colorado, Estados Unidos, y murió 19 de enero de 1981, Nueva York, Estados Unidos.

Creó un corpus fotográfico donde exploró la corporeidad, el ser, la feminidad, la evanescencia, la relación con el espacio físico a través de tintes performáticos, ecos de simbolismo, notas surrealistas así como referencias a la literatura gótica. En1972 Francesca se matricula en la Abbott Academy, un internado ubicado en Andover (Massachusetts) que privilegiaba el estudio del arte. Es ahí donde aprende fotografía, por primera vez, con la profesora Wendy Snyder MacNeill. El siguiente año la niña asistió a la Phillips Andover Academy.

Realizó una parte muy importante de su obra en la RISD donde destacó rápidamente, por ello, viajó a Roma para estudiar de intercambio, este viaje se convirtió para ella “en una fuente enormemente fértil de inspiración.” En Roma Francesca produjo su serie “Ángel”.

Más tarde, expone colectivamente en la muestra Beyond Photography ’80 en The Alternative Museum New York y también en la Daniel Wolf Gallery.

Aunque pasó inadvertida en vida, cinco años después de su muerte se organizó una exposición en el Wellesley College que rescató del olvido a la artista. Su trabajo tiene raíces del modernismo donde se inscribe en el surrealismo. También tiene importantes elementos provenientes de la literatura gótica.

Jacob Riis: fue un fotoperiodista y reformador social danés-estadounidense, nació en Ribe, Dinamarca, en 1849 y murió en Barre, Massachusetts, en 1914 célebre porque utilizó su talento como fotógrafo y periodista para ayudar a los menos afortunados en la ciudad de Nueva York quienes fueron los principales sujetos de sus obras.

Trabajó en varios oficios antes de aceptar un trabajo como reportero policial en 1874 para el periódico New York Evening Sun. En 1874 se unió a la oficina de noticias de Brooklyn News. En 1877 trabajó como reportero policial para el New York Tribune, durante todo ese tiempo como reportero policial, recorrió los bajos fondos de Nueva York y conoció muy bien la realidad de la gente más pobre, especialmente de los inmigrantes.

Fue el primer periodista estadounidense en utilizar el flash, lo que le permitió hacer tomas fotográficas nocturnas y elaborar sus célebres documentales sociales como aquel de la Calle Mulberry, tenida entonces como centro del crimen en la ciudad. El New York Sun publicó su ensayo "Flashes from the Slums: Pictures Taken in Dark Places by the Lightning Process".

En 1890 creó su obra más meritoria, "Cómo vive la otra mitad", dicho documental convenció al comisionado de la policía, Theodore Roosevelt, de cerrar las residencias para pobres controladas por la policía en las cuales Riis sufrió sus primeros años en Estados Unidos. Después de leer el documental, Roosevelt se dejó impresionar por el alto sentido de la justicia de Riis y se hizo su amigo por el resto de su vida para referirse a él como el mejor estadounidense que he conocido.

Lee Friedlander: es un fotógrafo estadounidense, nació 14 de julio de 1934 Aberdeen, Washington, Estados Unidos, realizó estudios de fotografía en el Art Center School entre 1953 y 1955, al año siguiente se trasladó a Nueva York y estuvo trabajando en portadas de discos de música de jazz.

Su primer trabajo profesional llegó cuando una dama residente en Aberdeen le pagó para que hiciera las fotos de un perro que aparecería en una tarjeta navideña. Siguió trabajando como fotógrafo hasta que terminó la escuela media superior, al graduarse emprendió la marcha hacia California para estudiar en la escuela del Art Center, sin embargo, el encuentro con la educación fotográfica formal no le sentó bien. En lugar de eso, prefería sentarse en las clases avanzadas donde enseñaba Edward Kaminski, pintor y fotógrafo.

Abandonó la escuela y Kaminski lo alentó para que el joven se mudara a Nueva York, donde comenzó una nueva etapa como fotógrafo freelance. Para 1955, Friedlander estaba bien asentado en el mundo editorial y publicaba regularmente en revistas como Esquire, Sports Illustrated, Holiday, McCall’s, Collier’s y Art in America. Realizó entre 1961 y 1969 un conjunto de fotografías donde aparecen televisiones encendidas en lo que parecen ser cuartos de hotel, es un conjunto enigmático donde aparecen rostros, a veces ojos, que más que ser vistos parecen mirar, la serie terminó publicándose con el título Little Screens.

Durante la década de 1960, trabajó diferentes temas en la calle,como el de autorretratos peculiares.

Lee juega con lo mucho que revelan la sombras y lo que esconden los reflejos. La exposición que puso a Friedlander en la mira del mundo fue New Documents de 1967, donde compartió cartel con Garry Winogrand y Diane Arbus.

Henry Peach Robison: fue un fotógrafo pictorialista inglés, nació en Ludlow, Shropshire, el 9 de julio de 1830 y falleció en Royal Tunbridge Wells, Kent, el 21 de febrero de 1901, conocido principalmente por la utilización de múltiples negativos o impresiones para formar una sola imagen.

Fue uno de los fotógrafos artísticos y comerciales de mayor éxito en el siglo XIX en Gran Bretaña.

Comenzó su carrera artística como pintor de la escuela prerrafealista, en 1852 expuso una pintura al óleo en la Royal Academy y ese mismo año se inició en la fotografía, y cinco años más tarde, tras una reunión con el fotógrafo Hugh Welch Diamond, decidió dedicarse a este medio, abriendo un estudio fotográfico en 1857. Inicialmente aplicó a sus imágenes las ideas de la fotografía academicista aportando un poco más de lirismo (influencia del prerrafaelismo).

Su obra más célebre, Los Últimos Instantes (Fade Away), de 1858, nos muestra a una joven moribunda en representación teatral, donde nada queda de los aspectos documentales o testimoniales propios de la fotografía. Al igual que Oscar Gustav Rejlander recurre al fotomontaje con el empleo de varios negativos. Hacia 1868 su salud había mejorado lo suficiente como para abrir un nuevo estudio junto con Nelson Rey Cherrill, y en 1870 se convertió en vicepresidente de la Royal Photographic Society defendiendo firmemente a la fotografía como una forma de arte.

Oscar Rejlander: fue un fotógrafo sueco afincado en Inglaterra, nació en Suecia, y falleció en Clapham, el 18 de enero de 1875, es considerado uno de los pioneros de la fotografía artística en la época victoriana.

Abandonó su profesión inicial de pintor y retratista de miniaturas, tras comprobar cómo la fotografía, recientemente inventada conseguía los logros que a él se le negaban, al ver el pliegue de una manga de chaqueta en un retrato fotográfico. Hacia 1846 se instaló como retratista en la ciudad industrial de Wolverhampton, más tarde, en 1850, aprendió el laborioso proceso del colodión húmedo, a lo largo de su carrera empleó la albúmina, el platino y el colodión.

Su obra fotográfica, realizada en estudio con el empleo de mucho atrezzo, se centra en temas como la alegoría, el mito y la historia, para la obtención de la obra final realizaba bocetos previos y luego retocaba los negativos, imprimiéndolos en una sola hoja de papel, que volvía a fotografiar para crear una imagen completa y perfecta, con tal maestría que no se notaba el retoque. Se dedicó al retrato fotográfico y a la fotografía de desnudo, para la que empleaba como modelos a chicas del circo de Madame Wharton, chicos de calle y jóvenes prostitutas.

Participó en la Exposición de París de 1855, realizando dos años más tarde su obra más conocida, el trabajo alegórico titulado Los dos caminos de la vida, realizado mediante la combinación de 32 negativos. Presenta una composición geométrica dividida por la figura del Patriarca, cuyo objetivo es ofrecer un mensaje moral: ubica personificaciones del mal (la lujuria, la gula y otros pecados cristianos) a la izquierda de la composición y las del el bien a la derecha, trabajados de forma más luminosa y donde se puede ver alegorías de la virtud, el trabajo, las buenas costumbres, etc.

Una de sus obras más conocidas, sobre todo por las críticas recibidas de sus detractores, es Rejlander el pintor presentando a Rejlander el voluntario, 1871, el autor busca en ella que se vea el truco a fin de que el espectador admire su técnica, la intención de la obra es mostrar la disposición del artista hacia el poder.

Robert Demachy: fue un fotógrafo francés, nació el 7 de julio de 1859 en Saint Germain en Laye y falleció el 29 de diciembre de 1936 en Hennequeville, que destacó en el estilo pictorialista, siendo muy conocido por las manipulaciones de sus obras proporcionándoles un acabado similar a las pinturas.

A mitad de la década de 1870 descubrió la fotografía y se apasionó por ella, desde ese momento dedicó su tiempo a la misma, realizando continuamente tomas fotográficas y se dedicándó a escribir sobre fotografía, aunque nunca trabajó como profesional la fotografía fue la actividad a la que dedicaba un mayor tiempo. En 1882 fue elegido miembro de la Sociedad Francesa de Fotografía lo que le permitió conocer a los principales fotógrafos europeos de la época y durante un tiempo se sintió frustrado ante las ideas conservadoras que mantenían. En 1888 fundó con Maurice Bucquet el Photo Club de París en el que se mantenían los principios estéticos del pictorialismo y poco a poco este club se convirtió en un movimiento similar a The Linked Ring en el Reino Unido y a la PhotoSecession en Estados Unidos. Posteriormente en 1895 fue elegido como miembro destacado de The Linked Ring.

Fue de los primeros en emplear el procedimiento de la goma bicromatada introducido por A. Rouillé-Ladevèze en el Salón de París, desarrolló un estilo que se basaba en una gran manipulación

de la imagen, tanto durante la toma, como en los procesos de revelado del negativo y de nuevo durante la impresión. Estas ideas que él mismo había experimentado las desarrolló en escritos teóricos y prácticos señalando sus conclusiones acerca de la estética y de la goma bicromatada, ayudando a divulgarlas entre los fotógrafos franceses. Entre otras ideas defendió el retoque de la fotografía con el fin de convertirlo en una copia única.

Realizó varias exposiciones en la Royal Photographic Society de Londres, marcando en cada una un nuevo hito en su carrera, y en cada una dio un discurso de apertura a los miembros de la esta sociedad, dando a conocer los aspectos técnicos y estéticos de su obra. En 1904 publicó varios de sus trabajos en Camera Work, lo que significó dar a conocer su trabajo en Estados Unidos. En 1905 fue elegido miembro de la Royal Photographic Society.

A principios de 1914, sin explicación dejó de hacer fotografías y nunca más tocó una cámara. Su único esfuerzo artístico por el resto de su vida fue conducir su coche clásico a la playa donde realizaba bocetos de gruesas mujeres nadadoras.

José Ortiz de Echagüe: fue un ingeniero militar, piloto y fotógrafo español, nació en Guadalajara en 1886 y falleció en Madrid en 1980.

Cumpliendo destino en el norte de África, trabajó en 1909 como responsable del servicio de fotografía aérea, lo que le permitió practicar sus dos grandes pasiones, la toma de instantáneas y los ingenios aeronáuticos. Para entonces ya era un fotógrafo de reconocido prestigio que había conseguido retratar a Alfonso XIII y realizar la famosa fotografía Sermón en la aldea (1903) con medio minuto de exposición, en la que aparecía todo un pueblo. Es quizá el fotógrafo español más popular y uno de los más reconocidos internacionalmente, en 1935 la revista American Photography lo consideró uno de los tres mejores fotógrafos del mundo. Algunos críticos lo consideran el mejor fotógrafo español hasta el momento.

Desde el punto de vista artístico y por su formación y temática se le podría considerar el representante de la generación del 98 en la fotografía, se le suele encuadrar dentro de la corriente fotográfica del pictorialismo, siendo el mejor representante del llamado pictorialismo fotográfico español.

Su obra fotográfica se enfocaba hacia la plasmación de los caracteres más definitorios de un pueblo: sus costumbres y atuendos tradicionales y sus lugares. Consiguía expresar con sus fotografías una expresión personal más cercana a la pintura, casi siempre mediante efectos durante el positivado.

En 1898 le regalaron su primera cámara; desde entonces y a lo largo de 75 años realizó miles de fotografías. Revelaba él mismo sus negativos usando la técnica del carbón fresson, lo que daba un especial matiz a sus positivos, así como un mayor contraste.

George Rodger: fue un fotoperiodista inglés, nació en Hale, Cheshire, en 1908 y falleció el 24 de julio de 1995 en Ashford, Kent, fue uno de los fundadores de la agencia Magnum y después de sus fotografías de la II Guerra Mundial documentó diversas culturas africanas.

Aunque comenzó a tomar fotografías a los 15, su sueño era convertirse en escritor. Toda su vida registró sus andanzas en un diario. Durante la vuelta al mundo, escribió notas sobre sus viajes y pensó fotografías para ilustrar su cuaderno de viaje, en 1936 regresó a Gran Bretaña, vio un anunció en donde el Daily Telegraph de la BBC necesitaba un fotógrafo, con un portafolio de 6 fotos obtuvo el trabajo y así comenzó una nueva etapa, hasta que en 1938 comenzó a trabajar para la agencia Black Star.

Comenzó a publicar en numerosas revistas y desde un principio escribió los textos que acompañaban sus imágenes, fue un fotógrafo que contaba historias.

En 1940 cuando los alemanes bombardearon Londres, la revista Life lo invitó a documentarlo, plasmando de forma indeleble las atrocidades, el miedo y la miseria inherentes a los conflictos armados. Durante la II Guerra Mundial, fue el único fotógrafo independiente británico que pudo tomar fotografías de la liberación de los campos de concentración, realizando una dura crónica de guerra, fue el primer fotógrafo en entrar en el campo de concentración de Bergen-Belsen en 1945.

Sus fotografías de los supervivientes y de las pilas de cuerpos muertos fueron publicadas en Life y en Time y sirvieron para mostrar la realidad de los campos de concentración, los campos de la muerte.

Para Rodger, las guerras se convirtieron en una experiencia traumática no pudiendo volver a trabajar como corresponsal de guerra. Dejó Life y viajó por África y Oriente Medio, evadiéndose de la sociedad occidental.

En 1947, fundó junto a Robert Capa, David Seymour yHeri Cartier-Bresson la agencia Magnum, trabajando durante más de 30 años como freelance, haciendo expediciones y fotografiando gente y paisajes de África.

Gran parte de sus fotografías sobre África fueron publicadas en National Geographic.

"Debe sentir una afinidad con lo que está fotografiando. Usted debe ser parte de él, pero estando lo suficientemente separado para verlo de una manera objetiva. Como observando desde la grada un juego que ya se sabe de memoria." George Rodger.

Ralph Gibson: es un fotógrafo y compositor y guitarrista estadounidense, nació en Los Ángeles en 1939 que desarrolló una idea teórica basada en que dos imágenes individuales que vistas una junto a otra, se combinan generando una tercera en la mente del espectador, produciendo bajo este concepto y hasta la fecha más de 25 libros fotográficos.

Durante su juventud participó como figurante en películas de Nicholas Ray o Alfred Hitchcock, del cual era asistente su padre. Cuando se alistó en la marina, ingresó en la Escuela Naval de Fotografía, donde adquirió una formación técnica muy completa. Su trabajo en la marina consistía en realizar retratos, fotografía aérea y fotografía documental.

Terminado su servicio militar empezó a estudiar fotografía en el instituto de arte de San Francisco, pero enseguida paso a ser asistente de Dorothea Lange. Con ella estuvo trabajando durante un año y medio al mismo tiempo que desarrollaba su estilo personal. En 1962 decidió mudarse a Los Ángeles para trabajar como reportero gráfico. Publicó sus primeras fotos en 1963 en la revista Nexos de San Francisco. En 1965 uno de sus trabajos para la agencia Kennedy Graphics se convirtió en su primer libro titulado The Strip.

A principios de 1967 conoció a ,Robert Frank que lo contrató como asistente en la película Yo y mi hermano, también, conoció a Larry Clark y Mary Ellen Mark que influyeron en su concepción de la fotografía, a partir de ese momento se alejó de fotoperiodismo y expresó un rechazo hacía la fotografía comercial. Su concepción de la fotografía cambió y se convirtió en el instrumento de su introspección, sus negativos adoptaron un tono surrealista y con ellos decidió publicar un libro:The Somnambulist, aunque no lo consiguió.

Creó su propia editorial Lustrum Press, para mantener su independencia editorial, en 1970 realizó una tirada de 3000 ejemplares del libro The Somnambulist, cuya publicación supuso un éxito inmediato y a partir del mismo Gibson fue reclamado para exponer sus obras y dar conferencias. En 1971 realizó un viaje por Europa, lo que le permitió realizar gran cantidad de fotos en Francia e Inglaterra, que incluyó en su libro Déjà Vu que publicó en 1973.

"Un fotógrafo afirmó una vez que la belleza de la mujer es infinita. Quizás fuera yo quien lo aseveró. Al menos, la historia del arte indica que esto es así; se dice que la Venus de Willendorf data del 25.000 a. C. Me encanta fotografiar a las mujeres y podría decir que la forma del cuerpo femenino es absoluta y perfecta. " Ralph Gibson.

Eugéne Atget: nació en Libourne, Gironda (Francia), el 12 de febrero de 1857 y murió el 4 de agosto de 1927 . Una vez terminados sus estudios se alistó en la marina y viajó a África y Sudamérica, tras su etapa como militar,vuelve a estudiar, esta vez arte dramático en París, los que finalmente no logra terminar. A pesar de esto, con esa experiencia adquirida trabajó durante más de 10 años como actor de provincias, sin conseguir obtener más que papeles secundarios, desvinculado de la compañía teatral, se inició como pintor, sin lograr repercusión notable de su obra. Entonces, cerca de los 40 años, decidió dedicarse a la fotografía, abriendo un pequeño estudio, originalmente ofrecía fotografías de paisajes pintorescos para artistas, aquí fue donde decidió la fotografía como profesión.

En febrero de 1892 publicó en La Revue des Beaux Arts (El Diario de Bellas Artes) un anuncio en el que describe sus especialidades. Desde entonces se dedicó a recorrer París y sus alrededores con una vieja y pesada cámara de fuelle con placas de vidrio de 18×24 cm capturando un sinfín de bellas imágenes que él simplemente consideraba meros documentos gráficos para otros artistas.

En 1898 comenzó a fotografiar lo que se ha dado en llamar la colección del “Vieux París” (Viejo París) encargo del Consejo Municipal de París que quiere conservar a toda costa la imagen de las viejas calles y construcciones de París que estaban a punto de desaparecer.

En 1900 creó su serie “Les petits métiers” (los pequeños oficios), una sucesión de retratos de cuerpo entero en donde muestra representantes de oficios cuando menos curiosos y dedicados a la artesanía y al comercio ambulante de las calles de París.

Una seña de identidad en sus fotografías arquitectónicas es el intento de evitar que las líneas verticales converjan y cambien la perspectiva. En 1921, realizó una serie de prostitutas, fotografiadas por encargo del pintor André Dignimont, además conoció al artista estadounidense, pintor y fotógrafo Man Ray. Sus fotografías tienen gran fuerza de sugestión, reflejan la cotidianidad parisina, de una forma espontánea, libre de las ataduras de otros movimientos artísticos.

Clementina Hawarden: fue una fotógrafa escocesa nació el 1 de junio de 1822 en Cumbernauld, cerca de Glasgow y falleció en South Kensington, Londres, el 19 de enero de 1865 que obtuvo un notable reconocimiento como fotógrafa en la Era Victoriana, a pesar de su prematura muerte, es considerada una precursora de la fotografía de moda.

Es probable que comenzara a experimentar con la fotografía a partir de 1857, realizando inicialmente fotos estereoscópicas de paisajes en los alrededores de su finca, pero en 1859 cuando la familia regresó a Londres, comenzó a fotografiar a sus hijas adolescentes en un estudio que se montó en el primer piso de su lujosa casa.

En 1863 expuso por primera vez su trabajo en la Photographic Society of London y repitió exposición al año siguiente, en ambas oportunidades fue galardonada y muy aplaudida, aunque la celebración no duró mucho ya que murió a sus 42 años, su repentina muerte se cree que estuvo relacionada con la prolongada exposición a los productos químicos fotográficos de la época que le debilitaron su sistema inmunológico, trabajaba con negativos de colodión húmero y copias en albúmina.

Sus fotografías representan la vida de una familia victoriana de clase alta, las posturas, muchas veces provocativas de sus hijas, fueron muy criticadas, la sociedad victoriana estaba molesta por la idea de la sexualidad en la adolescencia, tema explícito en la obra de la vizcondesa.

Le gustaba utilizar la luz natural para hacer sus fotografías, en su momento esto fue visto como algo “atrevido” y novedoso; colocaba espejos para reflejar la luz y los utilizaba para explorar la idea de “el doble”. También, como otros fotógrafos, utilizó una cámara estereoscópica para producir impresiones individuales.

Leni Reifenstahl: nació el 22 de agosto de 1902, y murió el 8 de septiembre de 2003, fue una actriz, fotógrafa y cineasta alemana célebre por sus producciones propagandistas del régimen de la Alemania nazi.

Entre 1925 y 1929, actuó en cinco películas exitosas. En 1932 decidió intentar dirigir su propia película, llamada La luz azul. En la década de 1930, dirigió El triunfo de la libertad y Olympia, por las que recibió aclamación mundial. Algunos críticos consideran que son dos de las películas propagandísticas más impresionantes y técnicamente innovadoras que jamás se hayan hecho, sin embargo, su participación en Triumph des Willens dañó significativamente su carrera y reputación después de la guerra.

En 1932, Hitler le ofreció filmar la concentración del Partido Nazi en el Campo de Zeppelín de Núremberg en 1933. En esta etapa, trabajó con el experto camarógrafo Walter Frentz en un codo a codo, Frentz apoyó entusiastamente a la cineasta con tomas artísticas muy logradas.

Su siguiente obra importante como directora fue el megadocumental de más de cuatro horas de duración Olympia, en el que filmó los Juegos Olímpicos de Berlín 1936 conocidos como las Olimpiadas de Hitler, se trató de un verdadero hito cinematográfico, ya que nunca antes se habían filmado unos JJ. OO. A finales de la década de los 50 produjo una detallada y bella documentación fotográfica sobre un pueblo africano, los nuba, y en años posteriores realizó varias producciones sobre la vida submarina. Su estilo fue imitado por varios fotógrafos de revistas muy conocidas.

Claude Cahun: fue una escritora, escultora, crítica, traductora, actriz, activista política y fotógrafa judía que nació en Francia, en Nantes, en 1894.

Colaboró en la compañía Le Plateu de manera indistinta representando papeles femeninos o masculinos.

Hacia 1925 sus fotografías se transfiguran en Safo, Penélope, Salomé, Eva, Dalila, Judith, Helena, se trata de la serie Héroïnes, sobre los prototipos femeninos y hacia 1929 el magazine Bifour publicó en sus páginas el Autorretrato Anamórfico.

En 1935 participó en la fundación de la revista Contre Attaque y firmó el manifiesto de los surrealista, en 1936 participa en la exposición Surrealista de Objetos y en la International Surrealist Exhibiton de Londres, así como la muestra surrealista de la galería Charles Ratton, y al año siguiente ilustra con 22 fotografías el libro Le Coeur de Pic de Lise Deharme.

Su obra parisina es fundamentalmente surrealista, donde aprovecha la ambigüedad y limitaciones de la cámara para mostrar la verdad, crea ficciones con sus fotomontajes, o con sus acciones performáticas, como la de Combat de Pierres donde dos monolitos de piedra se enfrascan en una lucha gracias a extraños brazos.

Una de las notas distintivas de su fotografía es el autorretrato, en el cual es una exploración del ser donde lo mismo se caracteriza de Buda, como su propio padre, con turbante, con máscaras, como marinero, muñeca, dandy, piloto, es difícil saber si eran autorretratos o actividades de performance donde lo que retrata es un estereotipo o un personaje.

Al igual que la identidad, la sexualidad se convierte en la obra en un fluido, un contenido que se amolda al continente según sea necesario, el género y la identidad cruzan fronteras continuamente, sin detenerse nunca en un punto fijo.

Tras su muerte, todo su trabajo quedó sepultado por el trabajo de su mujer, pero más tarde fue encontrado por François Leperlier, un escritor francés, y actualmente su trabajo puede encontrarse en la Neue Galerie am Landesmuseum Joanneum, el Museè d’Art Moderne de la Ville, la Galeria Nationale D’Art , el Museè des Beaux Arts de Nantes , el Museum Folkwan Essen o el Centre Georges Pompidou, el Museum of Modern Art, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía o la Art Gallery de Ontario entre otros museos e instituciones artísticas.

Lee Miller: nació el 23 de abril de 1907 en Poughkeepsie en el estado de Nuevo York.

Con 19 años conoció a Condé Nast, fundador de la resvista Vogue, con quién inició su carrera como modelo, en marzo de 1927 apareció en la portada de la revista con una ilustración de George Lepape, durante dos años fue una de las modelos más solicitadas en Nueva York, siendo fotografiada por Edward Steichen, Arnold Genthe y Nickolas Murray, cuando una fotografía realizada por Steichen fue utilizada para anunciar un producto de higiene femenina, se originó tal escándalo que puso fin a su carrera como modelo.

Tras trasladarse a París en 1929, y conocer a Man Ray, abrió su propio estudio fotográfico encargándose a veces de hacer fotografías de moda encargadas a Man Ray para que él pudiese concentrarse en su pintura, en esos años fue una participante activa en el movimiento surrealista con sus imágenes ingeniosas y humorísticas, en bastantes casos empleó la técnica de la solarización.

Tras terminar su relación con Man Ray regresó a Nueva York en 1932 estableciendo un estudio fotográfico con la colaboración de su hermano Erik que trabajaba como su ayudante de cuarto oscuro. Ese mismo año participó en la exposición de fotografía moderna europea realizada en la Galería Julien Levy de Nueva York y en 1933 realizó una exposición en solitario en la misma galería.

Entre 1939 y 1945 formó parte del London War Correspondents Corp y en su ejercicio como fotoperiodista fue corresponsal de Vogue durante el Blitz y recorrió Francia fotografiando entre otros los efectos del napalm en el asedio de Saint Malo la liberación de París, la batalla de Alsacia y el horror en los campos de concentración de Buchenwald y Dachua. Tras regresar al Reino Unido notó los efectos del transtorno por estrés postraumático y en 1947 se divorció de Aziz Eloui Bey y se casó con Roland Penrose del que se encontraba embarazada, al tener su hijo su actividad fotográfica fue casi abandonada, siendo conocida en esta época como Lady Penrose.

Algunas de sus fotografías fueron seleccionadas en la exposición The Family of Man realizada en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1955, en 1976 fue invitada de honor en los Encuentros internacionales de fotografía de Arles y en 1989 se realizó una gran retrospectiva que recorrió buena parte de Estados Unidos. En 2012 se incluyeron varias de sus obras en 13ª edición de la documenta en Kassel.

Aenne Biermann: fue una fotógrafa alemana, nació el 8 marzo de 1898 en Goch, una ciudad de Renania del Norte-Westfalia y falleció el 14 enero de 1933 en Gera, que fue uno de los principales defensores de la Nueva Objetividad.

Fue una fotógrafa autodidacta, sus primeros temas fueron sus dos hijos, Helga y Gershon. Sus fotografías de minerales transformaron su práctica fotográfica hasta hacer de ella una figura central en la Nueva Objetividad fotografía, un importante movimiento del arte en la República de Weimar.

Su trabajo se dio a conocer internacionalmente a finales de los 20, cuando formaba parte de cada gran exposición de fotografía alemana.

Las grandes exposiciones de su trabajo incluyen el Munich Kunstkabinett, la Deutscher Werkbund y la exposición del Museo Folkwang en 1929, otras exposiciones importantes fueron la exposición titulada Das Lichtbild celebrada en Múnich en 1930 y la exposición en el Palais des Beaux Arts de Bruselas en 1931.

Los nazis incautaron buen parte de su archivo a su marido, desde 1992 el Museo de Gera celebra el concurso bianual Premio Biermann Aenne de fotografía contemporánea alemana, que es uno de los eventos más importantes de su tipo en Alemania.

Florence Henri: fue una pintora fotógrafa suiza, nació el 28 de junio 1893 en Nueva York y falleció el 24 de julio 1982 en Laboissière-en-Thelle en Oise, Francia, que experimentó la técnica del fotomontaje, la impresión negativa asociada a la positiva, la superposición de imágenes, el uso de espejos para distorsionar las perspectivas y muchas otras técnicas innovadoras.

Después de tocar como pianista en conciertos, se pasó a la pintura, en Berlín, estudió con Kurt Schwitters y en París con Fernand Léger, y se unió a la Bauhaus en 1927 en Dessau, donde contó entre sus profesores a Josef Albers, finalmente estudió fotografía con László Moholy-Nagy, y trabó amistad con su mujer Lucia.

A su regreso de Alemania, se unió a la escena artística parisina y creó su propio estudio, donde se dedicó al retrato, la fotografía de moda y publicidad, en París, conoció entre otros a Man Ray, Germaine Krull y al húngaro André Kertész, que fueron importantes para su trabajo fotográfico. Desarrolló un trabajo muy personal, basado en experimentos con espejos y prismas, con un estilo que tocaba desde la Bauhaus, el dadaísmo y el surrealismo, y no dudando tampoco en adoptar ángulos originales y la producción de imágenes fragmentadas, como cubista.

Participó en 1929 en las exposiciones pioneras de la nueva fotografía, Film und Foto en Stuttgart y Photographie der Gegenwart. En 1930, contribuyó a la revista Cercle et carré fundada por Michel Seuphor y Joaquín Torres-García.

Su obra fotográfica fue reconocida durante su vida en exposiciones en solitario y en publicaciones en diversas revistas, también produjo fotografías durante este período, como una serie de fotos de la bailarina Rosella Hightower. El último periodo de su vida lo dedicó a la publicación personal de su antiguas fotografías y volvió de nuevo a trabajar el collage, en una serie de obras abstractas y geométricas, siguiendo la tendencia marcada por el constructivismo y su experiencia de la Bauhaus.

Margaret Bourke-White: nació el 14 de junio de 1904 en el Bronx, Nueva York, heredó de su padre, ingeniero y fotógrafo amateur, la pasión por la fotografía y la admiración a las grandes construcciones de la ingeniería.

Después de su etapa en el instituto consiguió graduarse en Herpetología en la Universidad de Cornell después de pasar por otras universidades, fue en esta etapa universitaria que desarrolló su afición por la fotografía y cuando se planteó dedicarse a ella de manera profesional. En 1927 se mudó a Cleveland estableciendo allí un estudio fotográfico y realizando múltiples trabajos sobre temas industriales y de arquitectura, desde avionetas, helicópteros o azoteas, fotografía todo tipo de edificios y construcciones desde un punto de vista muy novedoso en sus días.

Su carácter aventurero y su pasión por las construcciones industriales la llevó a convertirse en la primera reportera extranjera en conseguir autorización para viajar a Rusia en 1930, cuando el país se encontraba cerrado al mundo occidental, allí realizó un amplio reportaje de más de 3.000 fotografías capturando la vida en las fábricas y las granjas. Una década después volvió a Rusia por encargo de la revista LIFE, y acompañada del reportero Erskine Caldwell, para documentar los bombardeos alemanes sobre Moscú el 22 de junio de 1941 que suponían la ruptura de la alianza de Rusia con Alemania en la II Guerra Mundial.

Una de las imágenes más impactantes de esta época fue la entrada de las tropas del General Patton en el Campo de Concentración de Buchenwald en 1945 para liberar a los soldados americanos que se encontraban cautivos allí. Tras la guerra sigue trabajando para la revista LIFE viajando por India, Corea, Pakistán y Suráfrica. Recorre también las tierras polares de Canadá fotografiando a las tribus Inuits.

Gordon Parks: fue un ,fotógrafo,escritor y director de cine estadounidense, nació el 30 de noviembre de 1912 y murióen Nueva York el 7 de mayo de 2006 se le reconoce como el primer fotoperiodista negro que trabajó para la revista Life.

Con 25 años se inició en la fotografía de un modo autodidacta y al ir a revelar su primer rollo los empleados del laboratorio le comentaron que eran unas fotografías muy buenas, a partir de ese

momento decidió dedicarse a la fotografía. Se había comprado una cámara Voigtänder Brillant y con ella hizo después una serie de fotografías de moda para una tienda local en Saint Paul, su trabajo fotográfico dirigido a la captura de las innumerables experiencias de los afroamericanos en toda la ciudad de Chicago, lo llevó a recibir el Julius Rosenwald Fellowship.

En 1942 Roy Stryker le contrató para trabajar en la Farm Security Administration, donde pudo poner en práctica la fotografía directa, uno de los trabajos más conocidos fue el reportaje realizado a Ella Watson, limpiadora de la FSA, realizado en Washintong D.C y titulado American Gothic en relación al cuadro de Grant Wood titulado con el mismo nombre.

Tras la IIGuerra Mundial estuvo trabajando como fotógrafo para la Standard Oil desde 1945 a 1948, para Roy Stryker. Alexey Brodovitch intentó contratarlo para trabajar en su revista Harper´s Bazaar, pero no pudo hacerlo al ser negro.

En 1949 fue contratado por la revista Life, siendo el primer fotógrafo negro que trabajó para la misma, al estar concienciado con la situación de la población negra realizó reportajes sobre la misma, dando a conocer el barrio de Harlem y la vida en el mismo. Entre sus reportajes más significados se pueden mencionar los realizados con motivo de la muerte de Malcom X y de Martin Luther King.

Fue el primer director negro que realizó una película en los estudios de Hollywood, además en sus historias policíacas fue la primera vez que el principal protagonista era un inspector negro.

Willy Ronis: fue un fotógrafo francés, nació en París el 14 de agosto de 1910 y falleció en París el 12 de septiembre de 2009, quien retrató la vida de post-guerra en París y en Provenza, siendo considerado el fotógrafo parisino por excelencia.

Su primera vocación fue la música, soñando con ser compositor, pero al volver del servicio militar en 1932 tuvo que hacerse cargo del negocio familiar por la enfermedad de su padre, los trabajos de los fotógrafos, Alfred Stieglitz y Ansel Adams le inspiraron para empezar a explorar el mundo de la fotografía.

Cuando su padre murió, en 1936, cerró el estudio y comenzó a trabajar como freelance, con CartierBresson, entra en la Association des Écrivains et Artistes Révolutionnaires y será siempre un hombre de izquierdas.

Fue el primer fotógrafo francés en trabajar para la revista Life, en 1953, Edward Steichen incluyó a Ronis, Henri Cartier-Bresson, Doisneau, Izis y Brassaï en una exposición en el Museo de Arte Moderno, el MOMA titulada Five French Photographers.

En 1979 fue galardonado con el Gran Premio de las Artes y las Letras en Fotografía por el Ministro de Cultura, y en 1981 obtiene el premio Nadar.

Finalmente, por su edad, abandonó el reportaje, pero continuó sacando desnudos, era conocido por persuadir a las periodistas que le entrevistaban para posar desnudas durante la entrevista. Aunque dejó la fotografía en 2001, cuando comenzó a necesitar un bastón para moverse, terminó su vida redactando libros para la compañía Taschen.

David Seymour: también conocido por el seudónimo Chim, fue un fotógrafo polaco, nació el 20 de noviembre de 1911 como Dawid Szymin en Varsovia, y falleció el 10 de noviembre de 1956 en Qantara, Egipto, miembro fundador de la Agencia Magnum de fotografía.

Como antifascista viajó en 1936 a España y fotografió el horror de la guerra civil, en 1939 regresó a París y de allí viajó a México. Luego se estableció en Nueva York y servió en el ejército de los Estados Unidos en la II Guerra Mundial como fotógrafo e intérprete hasta 1945.

Terminada la guerra viajó para la Unesco a Checoslovaquia, Polonia, Alemania, Grecia e Italia para documentar los efectos de la guerra en los niños.

En 1947, junto con Capa, Cartier-Bresson y George Rodger, funda la agencia de fotografía Magnum. En 1949 publica el libro Children of Europe, también retrató a celebridades de Hollywood como Sophia Loren, Kirk Douglas, Ingrid Bergman y Joan Collins.

Tras la muerte de Robert Capa en 1954 tomó la presidencia de Magnum. El 10 de noviembre de 1956, durante la crisis de Suez, mientras conducía, fue ametrallado junto al fotógrafo francés Jean Roy por soldados egipcios en el cruce fronterizo, donde quiso hacer un reportaje sobre un intercambio de presos en el Canal de Suez.

En 2008 se hace pública una maleta en Méjico con 3.000 negativos que se creían perdidos de la Guerra Civil Española, de Gerda Taro, Robert Capa y David Seymour, pendientes actualmente de limpiar y catalogar.

Robert Doisneau: fue un fotógrafo francés, nació el 14 de abril de 1912 en Gentilly, cerca de París, y murió el 1 de abril de 1994.

En 1929 comenzó a realizar sus primeras fotografías aprendiendo de forma autodidacta y leyendo las instrucciones de las cajas de emulsión para revelar, comenzó a trabajar en un estudio fotográfico que posteriormente compraría al morir su dueño. En 1931 comenzó a trabajar con el artista André Vigneau gracias a sus conocimientos como grabador, este lo introdujo en el mundo de la fotografía como arte.

Inicialmente trabajó como fotógrafo industrial y de publicidad en la factoría de Renault de Billancourt hasta ser despedido por sus repetidas ausencias. De los objetos inanimados pasó a las fotografías de gente en París y Gentilly, el 25 de septiembre de 1932, L´Excelsior publicó su primera fotografía.

Los tiempos de la guerra y la postguerra fueron duros, ya que solo realizó fotografías de científicos por encargo, aunque no dejó de retratar la ocupación y la liberación de París. Terminada la guerra, fue contratado por la agencia ADEP y trabajó junto con Henri Cartier-Bresson y Robert Capa reflejando la alegría y la jovialidad de la ciudad de París tras la desgracia. Desde 1945 colaboró con Le Point y se integró de por vida en la agencia Rapho.

En 1950, buscaba material para cumplir con un encargo de la revista estadounidense America´s Life interesada en los enamorados de París, de ahí sacó la serie Besosy su obra más significativa, El Beso.

En 1953 abandonó Vogue, sufriendo el eclipse de la fotografía y de los fotógrafos de la posguerra en la década de 1960.

Bernard Plossu: es un fotógrafo francés, nació el 26 de febrero de 1945 en Dalat, Vietnam, del que la parte más importante de su trabajo está constituida por reportajes de viajes.

En 1958 (a los 13 años) empezó con la fotografía, en 1965 se marchó a México en compañía de una expedición inglesa para fotografiar la jungla de Chiapas.

Realizó numerosos reportajes en color en tierras de los indios mayas, en California; recorrió todo el oeste americano, Nevada y el Medio Oeste. En 1970 realiza un trabajo sobre la India, ideando las secuencias "subanalistas": secuencias banales que son, de hecho, surrealistas.

En 1983 empieza a pintar y a trabajar con la agencia Fotowest. En 1987, gracias al Instituto francés de Nápoles, efectúa una estancia fotográfica en la isla de Stromboli, al año siguiente se instala en la isla Lipari.

En 2006 expone su proyecto Los jardines de polvo.

También han sido nombrados grandes fotógrafos expuestos y comentados anteriormente en el capítulo 1, pintores, músicos, actores, escritores y cineastas: Niepce, Filippo Brunelleschi, Alberti, Ruysdael, Rembrandt, Richard Avedon, Jackson Pollock, René Magrite, Jan Van Eyck, Garry Winogrand, Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel, Rafael, E.H. Gombrich, George Eastman, Veláquez, Ronald Barthes, Bach, Mozart, Beethoven, Rolling Stones, P.P. Rubens, Cartier-Bresson, William Klein, Dorothea Lange, Walker Evans, Diane Arbus, Ansel Adams, Michelangelo Antonioni, Canaletto, Billy Wilder, Weegee, William Hogarth, Jan Steen, Joe Pesci, André Kertész, August Sander, Picasso, Martin Scorse, Edward Hopper, Bill Viola, Condesa de Castigioni, Amelia Esrhart, Arthur Penn, Brassai, Ezra Pound, Marcel Duchamp, Robert Flaherty, Raymond Depardon, Werner Herzog, Jim Jarmusch, Bécquer.

Vocabulario: •

Daguerrotipo: es un proceso por el cual se obtiene una imagen en positivo a partir de una placa de cobre recubierta de yoduro de plata. Tras ser expuesta a la luz, la imagen latente se revelaba con vapores de mercurio, que daba como resultado una imagen finalmente detallada con una superficie delicada que había de protegerse de la abrasión con un cristal y sellarse para evitar que se ennegreciera al entrar en contacto con el aire.

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Diorama: panorama en el que lienzos transparentes pintados por ambas caras permiten por efectos de iluminación, ver un mismo sitio dos cosas distintas.

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Yoduro de plata: es un compuesto químico usado en fotografía y como antiséptico en medicina, es altamente insoluble en agua y tiene una estructura cristalina parecida a la del hielo, permitiendo inducir la desnaturalización de cristales de hielo en el sembrado de nubes para provocar lluvia artificial.

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Vapor de mercurio: lámpara de descarga de gran intensidad lumínica que consiste en un arco eléctrico rodeado de vapor de mercurio en el interior del bulbo, la luz que produce es ligeramente azulada.

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Hiposulfito de sodio: es un compuesto inorgánico cristlino que se encuentra con mayor frecuencia en forma de pentahidrato, su estructura cristalina es de tipo monoclínica.

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Bártulos: conjunto de utensilios, instrumentos y otros enseres de uso cotidiano que pertenecen a una persona o son propios de una actividad.

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Colodión húmedo: es un procedimiento fotográfico creado en el año 1851 por Gustave Le Gray, que fue el primero en indicar un procedimiento con este compuesto, consiguiendo imágenes mediante el revelado con sulfato de protóxido de hierro.

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Tableau Vivant: es una expresión francesa para definir la representación por un grupo de actores o modelos de una obra pictórica preexistente o inédita.

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Freelance: actividad que realiza la persona que trabaja de forma independiente o se dedica a realizar trabajos de manera autónoma que le permitan desenvolverse en su profesión o en aquellas áreas que pueden ser más lucrativas y son orientadas a terceros que requieren de servicios específicos.

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RISD: Escuela de diseño Rhode Island.

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Albúmina: proteína animal y vegetal, rica en azufre y soluble en agua, que constituye el componente principal de la clara del huevo y se encuentra también en el plasma sanguíneo y linfático, en la leche y en las semillas de ciertas plantas.

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Técnica del carbón fresson: es un antiguo procedimiento fotográfico que consiste en sumergir un tejido o papel en una solución coloidal de dicromato de potasio para obtener su sensibilización a la luz.

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Técnica de la solarización: es un fenómeno fotográfico en el que la imagen sobre un material sensible a la luz invierte su tono de un modo total o parcial, este proceso puede efectuarse sobre un negativo o una copia fotográfica. Tras la inversión las zonas oscuras aparecen como zonas de luz y a la inversa, apareciendo un borde definido entre las zonas contrastadas.

Sitios Web para información recibida: https://www.biografiasyvidas.com/biografia/d/daguerre.htm https://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/carroll.htm https://es.wikipedia.org/wiki/Lewis_Carroll https://oscarenfotos.com/2013/09/21/julia-margaret-cameron-fotografa-visionaria/ https://www.xatakafoto.com/fotografos/nadar-uno-de-lo-mas-grandes-fotografos-del-siglo-xix http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/11/edward-curtis.html https://es.wikipedia.org/wiki/Irving_Penn https://graffica.info/robert-mapplethorpe/ https://es.wikipedia.org/wiki/David_Hockney https://oscarenfotos.com/2012/05/13/robert-frank-y-la-fotografia-gestual/ http://www.cadadiaunfotografo.com/2014/03/bill-owens.html http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=edward+weston http://www.cadadiaunfotografo.com/2015/05/samuel-bourne.html https://oscarenfotos.com/2013/11/16/stephen-shore-de-la-superficie-a-las-profundidades/ http://www.cadadiaunfotografo.com/2013/06/luis-baylon.html http://www.cadadiaunfotografo.com/2014/07/max-pam.html https://www.xatakafoto.com/fotografos/man-ray-el-surrealista-que-convirtio-la-fotografia-en-arte https://www.trendencias.com/fotografos-de-moda/los-mejores-fotografos-de-moda-helmut-newtonla-naturalidad-del-sexo http://www.cadadiaunfotografo.com/2011/10/shelby-lee-adams.html https://oscarenfotos.com/2013/02/23/sebastiao-salgado/ http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/01/lewis-hine.html https://oscarenfotos.com/2012/06/17/josef-koudelka-el-nomada/ http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/02/edward-steichen.html http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/02/jacques-h-lartigue.html https://oscarenfotos.com/2016/04/02/francesca-woodman-la-evanescente-informe-especial/ http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/02/jacob-riis.html https://oscarenfotos.com/2015/01/03/lee-friedlander-y-su-paisaje-social/ http://www.cadadiaunfotografo.com/2014/01/henry-peach-robinson.html http://www.cadadiaunfotografo.com/2014/01/oscar-gustav-rejlander.html

http://www.cadadiaunfotografo.com/2012/04/robert-demachy.html http://www.cadadiaunfotografo.com/2011/12/jose-ortiz-echague.html http://www.cadadiaunfotografo.com/2012/02/george-rodger.html http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/05/ralph-gibson.html http://biografiadefotografos.blogspot.com.es/2014/10/biografia-de-eugene-atget.html http://www.cadadiaunfotografo.com/2014/12/clementina-hawarden.html https://es.wikipedia.org/wiki/Leni_Riefenstahl https://oscarenfotos.com/2017/05/06/claude-cahun-y-la-exploracion-de-la-identidad/ http://www.cadadiaunfotografo.com/2015/05/aenne-biermann.html http://www.cadadiaunfotografo.com/2014/12/florence-henri.html https://fotografiadslr.wordpress.com/2017/01/10/margaret-bourke-white-una-fotografa-en-unmundo-de-hombres/ https://es.wikipedia.org/wiki/Gordon_Parks http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/05/willy-ronis.html http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/05/david-seymour.html https://es.wikipedia.org/wiki/Robert_Doisneau http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/05/bernard-plossu.html Aportación de los capítulos: Tanto el primer capítulo como estos dos, me han aportado conocimiento de todo o de casi todo lo qeu ha ido evolucionando a lo largo de la historia la fotografía, y sobretodo sus autores, y por tanto, una gran madurez que nos caracterizará a la hora de saber que es lo que realmente queremos fotografiar y ser para qeu en un futuro podamos representar y ser quienes qaueremos ser: unos buenos y grandes fotógrafos.

Autores con los que me siento identificada: •

Robert Mapplethorpe: no busca lo normal, sino lo extraordinario y extravagante de cada objeto o persona que retrata.

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Claude Cahum: me encanta su forma de ver y de transmitir lo que cree que es real, como recrea estos personajes o esas escenas tan míticas. Crea unas fotografías realmente atrevidas pero a la vez fantásticas.

Frases a recordar: ➢ La fotografía ya no se limita tan sólo a mostrar el aspecto de las personas, sino que podían "hablar" de cómo sentían y cómo vivían. ➢ No hay situaciones excepcionales, sino que somos nosotros quienes creamos las situaciones privilegiadas, con nuestra cámara y con nuestra mirada. ➢ La fotografía es otro mundo. ➢ Así empiezan casi todos los grandes, poco a poco, cada vez con más interés, con más curiosidad, con más profundidad. Roma se edificó piedra a piedra. ➢ La cámara fotográfica es para mí un cuaderno de bocetos, el instrumento de la intuición t de la espontaneidad. ➢ La fotografía es poner en la misma línea de mira la cabeza, el ojo y el corazón, Es una manera de vivir.

➢ Es necesario disparar antes de tan siquiera tener el arma en la mano. Para ello hay que entonar los ojos, mirar fijamente, una concentración absoluta y a partir de ahí se dispara de verdad. ➢ Las fotografías no surgen ni de las buenas intenciones ni tan sólo de la intuición o del azar, sino que exigen de esfuerzo, constancia, curiosidad, actividad, un bagaje de información, de formación, de dataos culturales, de referencias, de conocimiento, de fracasos previos...