Sheila Moreno Iniesta. 1ยบB
Eduardo Momeñe Una de las cosas que estoy particularmente interesado en explorar, es el “as” real de tomar una foto, como una distinción del producto final fotográfico. Hay algo acerca de ese proceso de mirar, componer y captar ese personaje para aprovechar el comentario final, aunque en este momento no sé qué es...
Es un fotógrafo vasco nacido en 1952 en Bilbao, que reside en Madrid y es docente articulista y autor de ensayos sobre estética fotográfica. Comenzó en los años 80 a fotografiar a todos los personajes españoles y extranjeros que se movían por Madrid. A lo largo de su exitosa carrera, ha realizado proyectos como la serie de televisión sobre la fotografía “ La Puerta Abierta” o la revista “Fotografías”. Su primera exposición la realizó en la galería Nikon en Barcelona en 1974 y desde entonces ha hecho exposiciones en diferentes países. Siempre ha estado muy ligado a la enseñanza de la fotografía, impartiendo talleres y seminarios con regularidad, es recordada su labro en su estudio-escuela de la Calle San Pedro de Madrid, durante los años 90. Actualmente coordina el máster internacional Nuevo Documentalismo, Nueva Realidad en la escuela EFTI de Madrid. Además de haber escrito si libro “La Visión Fotográfica” para los estudiantes y amantes de la fotografía, también ha escrito “Las Fotografías de Burton Norton/ Un relato de W.G” y “PAMPLOSSU/ Una correspondencia fotográfica entre Max Pam y Bernard Plossu.
El tema principal del capítulo es aprender a ser un buen fotógrafo, de aprender a preguntarse que el lo que realmente necesitas, no solo a nivel visual, sino también, a nivel emocional y didáctico. Resumen: en la introducción comienza hablando de Nicéphore Niepce que fue quien inventó la fotografía, a partir de ahí, comienza a hablar a cerca de los grandes fotógrafos de cada época, y de cómo podemos comprender la fotografía y a ser un buen fotógrafo. Para ello, plantea una serie de preguntas con sus respectivas respuestas, para que así vayamos comprendiendo y asimilando lo que el autor nos intenta transmitir acerca de como crear una buena fotografía. Ideas principales del capítulo: -Autores más destacables de cada época. -¿qué se necesita para crear una buena fotografía? -¿qué se necesita para ser un buen fotógrafo? -Elaborar o intentar hacernos preguntas hasta llegar a la pregunta y respuesta deseada para saber qué es lo que quieres exactamente.
AUTORES -Joseph Nicéphore Niepce: fue en terrateniente francés, químico, litógrafo y científico aficionado e inventor. Nacido en Chalon sur Saône, en Borgoña, el 7 de marzo de 1765 y fallecido en Saint Loup de Varennes el 5 de julio de 1833, que inventó, junto a su hermano, un motor para barcos, y junto a Daguerre, la fotografía. Ya retirado del ejército, se interesó en la litografía y comenzó con la reproducción de imágenes realizando copias de obras de arte. Comenzó usando ganas resinosas y sus efectos al exponerlas directamente a la luz del sol. Su primer éxito en crear un medio sensible a la luz fue la técnica llamada heliografía, que se trataba de imágenes positivas directas obtenidas sobre superficies emulsionadas con betún de judea disuelto en aceite de lavanda. Tras perder a su hijo, tuvo la idea de emplear una cámara oscura junto con las sales de plata sensibles a la luz para tratar de conseguir imágenes fijas. Utilizó la piedra, el papel, el cristal y por último, el estaño, el cobre y el peltre. Obtuvo las primeras imágenes fotográficas de la historia en 1816, eran fotografías en papel y en negativo, pero no se dio cuenta de que podían servir para obtener positivos, así que abandonó esta línea, finalmente, entre 1826 y 1827, logró fotografiar una imagen permanente del patio de su casa, utilizando una plancha de peltre, recubierto de betún de judea, exponiendo la plancha a la luz quedando la imagen invisible. En 1829, se asoció con Louis Daguerre, con lo que consiguieron el perfeccionamiento de la cámara oscura.
-Garry Winogrand: nació en 1928 en el Bronx, Ciudad de Nueva York, y murió de cáncer en 1984. Fue un fotógrafo americano practicante y pionero de la fotografía callejera.
Estudió pintura y fotografía en la Columbia University, también, asistió a las clases de fotoperiodismo impartidas por Alexey Brodovitch en la New School for Social Research de Nueva York. Expuso por primera vez en 1963 en el Museo de Arte Moderno (MOMA), también expuso en el George Eastman House de Rochester, con Lee Friedlander, Diane Michals, Bruce Davidson y Danny Lyon en una exposición titulada “Toward a Social Landscape”. Entre 1960 y 19665, el tema central de gran parte de su producción fue la mujer e la calle, motivo que Winogrand nunca abandonó y sobre el cual, en 1975, publicó el libro “Women are beautiful”. Recorría las calles de Nueva York con su cámara y un objetivo gran angular preenfocado, con frecuencia su cámara estaba inclinada en el momento del encuadre, lo que generaba unas fotografías con un horizonte no paralelo, lo que causaba extrañeza a los espectadores. A finales del 1955, inició al lado de su mujer, una travesía por la Unión Americana, la fotografía de Winogrand dio, entonces un giro intempestivo hacia lo artístico. Se convertía así, a finales de la década de 1960, en el heredero de la tradición iniciada por Evans.
-David Hockney: nació en Bradford el 9 de julio de 197, es pintor, proyectista, escenógrafo, impresor y fotógrafo. Fue un importante contribuyente del movimiento de Arte Pop en la década de 1960, siendo considerado uno de los artistas británicos más influyentes del siglo XX. Realizó estampados, retratos de amigos y diseñó escenografías para el Royal Court Theatre, el Festival de Glyndebourne, La Scala y la Metropolitan Opera House en Nueva York. Pintó retratos a sus amigos, amantes y familiares en diferentes periodos de su carrera, por medios de fotografías que los representaban. Cuando llegó a California, dejó de pintar con óleo y comenzó a utilizar pintura acrílica, aplicándola de manera que esta quedara suave, plana y color brillante. A principios de 1980, comenzó a producir “joiners”, que son collage hechos con fotografías, primero comenzó usando impresiones de Polaroid y por consiguiente, estampados de 35 mm procesados comercialmente, creaba imágenes utilizando fotografías hechas con película instantánea o fotografías reveladas de un sólo sujeto ordenadas de manera irregular. Debido a que las fotografías estaban tomadas desde diferentes perspectivas y en momentos distintos, el trabajo resultante es afín el Cubismo. Tras la muerte de su madre y su amigo en estado terminal, se trasladó a Yorkshire, y comenzó realizando pinturas basándose en recuerdos de su niñez, creó pinturas a base de varios lienzos de menor tamaño. En junio de 2007, su pintura más grande “Bigger Trees Near Warter” fue colgada en la galería más grnade de la Royal Academy. Tuvo su primera exhibición como solista en 1963, en el 2004 fue incluido en el Bienal Whitney, donde sus retratos fueron puestos en la galería a la par de varios artistas inspirados por él. La exhibición “David Hockney: Una Exhibición más Grande” fue presentada en el M.H. de Young Memorial Museum y se muestran trabajos del artista desde el año 2002,
- Richard Avedon: nació en Nueva York en 1923, es uno de los fotógrafos de moda más influyentes del siglo, que trabajó para publicaciones de prestigio como Vogue, Life o Harper`s Bazaar. Su fotografía cambió gran parte del panorama fotográfico e incluso influyó de gran forma en la creación de nuevas colecciones de moda al poder fotografiarse y verse a las personas de una manera muy distinta. Con doce años pasó a formar parte del YMHA Camera Club, años después fue admitido en la marina y se le comisionó para hacer fotografías de identificación de todo el personal en su carácter de Photographer`s Mate Second Class, a su vuelta, estudió en el laboratorio del New School con Alexey Brodovitch. Tras su paso por el laboratorio, pasó a engrasar las filas de la revista Harper`s Bazaar Magazine, poco tiempo después pasó a ser el director de fotografía de a revista, aquí fue donde revolucionó la moda, comenzó a arrancar con ese estilo novedoso, elegante y clásico del estilo parisino. Sus escenografías elegantes pero excéntricas, hicieron de la fotografía de moda algo más parecido al mundo teatral que a la fotografía de catálogo vista hasta hora. Durante 1963 fotografió el Movimiento por los Derechos Civiles en el sur de EEUU. A principios de los años 70, realizó reportajes sobre líderes militares y víctimas de la Guerra de Vietnam y manifestaciones anti-guerra en los EEUU para el diario New York Times. Sus retratos, tenían un fuerte carácter psicológico, de personalidades famosas y desconocidos posando frente a un fondo blanco, consiguieron plasmar rasgos inesperados de los rostros de personajes de la envergadura de Marilym Monroe, Andy Warhol, etc. “In the American West”, es el trabajo que lo llevó hasta donde se le reconoce a día de hoy, realizado entre 1979 y 1984, donde documentó en el Oeste de EEUU a personas que posiblemente nunca se sabría de ellas en la historia del país cuando murieran.
-George Eastman: nació el 12 de julio de 1854 en la aldea de Waterville, y murió el 14 de marzo de 1983, fue un inventor y filántropo estadounidense. Tras ahorrar durante años, usó el dinero para iniciarse en el negocio fotográfico. La fotografía se convirtió en una verdadera obsesión para él. En 1884, patentó la primera película en forma de carrete, en 1888, patentó la película transparente y una máquina muy sencilla que llamó “Kodak” por el sonido que hacía al disparar. Cuatro años después logró perfeccionar la cámara Kodak, la primera cámara especialmente diseñada para una película de carrete. En 1892, fundó la Eastman Kodak Company, en Rochester, una de las primeras empresas en producir material fotográfico en serie. Esta compañía también fabricó la película transparente flexible que resultó decisivo en el posterior desarrollo de la industria del cine. Eastman estuvo en la compañía desempeñando un cago de administrador y ejecutivo hasta su muerte.
-Paul Strand: nació en Nueva York en 1890, Su vida fotográfica comenzó cuando su padre le regaló una cámara en 1902, cinco años más tarde, se matriculó en la Ethical Culture School, donde conoció al maestro Lewis W. Hine. Tras visitar la famosa Gallery 291 de Alfred Stieglitz, decidió convertirse en fotógrafo y comenzó emulando a Edward Steichen y Clarence White. Tras una crítica por parte de Stieglitz, 1915 se convirtió en un punto de inflexión para él del pictorialismo al modernismo. Comenzó a trabajar tópicos relacionados con la ciudad, su gente y movimiento pero también algo musitado como las abstracciones, deconstruye el espacio y reduce a formas puras el sujeto hasta hacerlo casi irreconocible. Strand inició una revolución que radicó “en ese peculiar proceso de descontextualización”, inició toda una corriente de la fotografía, pasó de lo pictorialista a lo “puro”, a lo directo. El abandono de la aproximación pictorialista comenzó a acercarlo al registro fotográfico directo, de modo que “es considerado, con razón, uno de los fundadores de la fotografía documental moderna”. 1916 fue un año crucial para Paul y para la fotografía en su conjunto, la revista fotográfica Camera Work de Alfred Steiglitz publicó dos ensayos de Strand que incluyeron fotografías que se convirtieron en algunas de las más famosas e influyentes de la historia. En el período de entre-guerras tornó su mirada hacia la imagen en movimiento, trabajó con Charles Scheeler en películas como Manhattan (1920). En la década de 1950, se orientó de forma más marcada hacia la fotografía humanista. Cada etapa de Strand fue una aportación a la historia de la fotografía, desde haber sido el puente de transición hacía el modernismo fotográfico, dignificar el lenguaje autónomo propio de la fotografía con su
estética peculiar a partir de la toma directa o ser un fotógrafo humanista que buscó honrar a la persona.
-John Gutmann: nació en Breslau, Alemania, en 1905 y murió en San Francisco en 1998, fue un pintor y fotógrafo americano que supo capturar el “modo de vida americano”. Con la llegada de los nazis al poder, huyó a EEUU con una cámara que había comprado semanas antes y comenzó a enviar fotografías a varias revistas alemanas tomando rápidamente interés por el “estilo de vida americano” e intentándolo capturar con su cámara. Realizó impresionantes y expresivas fotografías de los EEUU durante la depresión, la guerra mundial y los años 50 y 60. En la última parte de su vida fue abandonando la fotografía colectiva para dedicarse más a fondo a la educación.
“Para mí no era ni es importante probar que soy un artista. Soy un fotógrafo y eso me basta; a demás, ya sabía, por mi formación pictórica, que podía hacer arte en pintura.” -Brassaï: nació en 1899 en Brassó, Hungría y murió en 1984 en Eze, Francia, estudió en la Universidad de Artes de Berlín. Hablar de él, es pensar en sus escenas nocturnas de París, es abrir las puestas del surrealismo, es conocer un tipo de fotografía única y en muchos casos intransferible. “Las estampas de París bañadas de luces tenues”, esta obra es fácilmente reconocible por ese halo de elegancia que desbordan sus imágenes, aunque los temas nos conduzcan a lo más sórdidos que aparece tras la caída del sol. Otra faceta era su afán por documentar el mundo del graffiti, este interés por acercarse al graffiti era un echo que le conectaba también con el surrealismo, es ismo artístico y cultural de aquellos años
que no sólo le hacia habitar en círculos de personalidades afines a ello como Salvador Dalí, sino que le permitía considerar esas “pintadas” como objetos encontrados, muy característicos de esta vanguardia. También sus inquietudes artísticas lo acercaron al cine, siendo su película “Tant qu´il aura de bêtes” ganadora del premio al film más original en el Festival de Cannes de 1956,
La noche sugiere, no enseña. La noche nos encuentra y nos sorprende por su extrañeza, ella libera en nosotros las fuerzas que, durante el día, son dominadas por la razón. -Ansel Adams: nació en 20 de febrero de 1902 y murió el 22 de abril de 1984, fue un fotógrafo estadounidense nacido en San Francisco, y fue uno de los grandes teóricos que tiene la fotografía. Su técnica es sorprendente, su estilo y la imprenta de su fotografía hacen que pasen los años y siga siendo valorado y admirado. En sus comienzos realizó trabajos con su estilo pictorialista hasta que conoció al fotógrafo Paul Strand y cambió a un estilo realista. Se caracterizó por fotografiar paisajes y mediante su fotografía dejar un reflejo de la naturaleza de EEUU. Era un activo ecologista, con lo cual estaba motivado a realizar fotografías de paisajes que pudieran servir para dejar un mensaje de conciencia. Una de las características que posee su fotografía es no poseer sujetos ni personajes en las mismas, lo que también fue un punto de crítica para quines no compartían este estilo. Por este motivo, fue criticado en cierta manera por su amigo Henrie Cartier-Bresson, el cual no compartía la no inclusión de sujetos en la fotografía. Se le denomina teórico porque fue quién creó el Sistema de Zonas junto a Fred Archer, con este Sistema se buscaba la forma de obtener la correcta exposición en una fotografía basándose en una escala de grises. Ansel Adams decía que el fotógrafo es el que debía construir la fotografía y armar con su imaginación y creatividad la fotografía que estaba buscando y que tal vez las limitaciones estaban en lo que el fotógrafo se imponía.
-William Henry Fox Talbot: nació en 1800 y murió en Lacock Abbey en 1877, graduado del Trinity C0llage en Cambridge. En 1839 publicó más de 25 papers sobre temas como matemáticas, iluminación, óptica y cristales, y cuatro títulos de materias literarias e históricas. Pensó en la posibilidad de fijar las imágenes de la cámara oscura, y comenzó a realizar estudios en relación con las posibilidades de químicos y experimentos con la fijación de imágenes por contacto. Finalmente, tuvo éxito cuando trató papel con nitrato de plata y sal, se lograba una imagen latente que posteriormente era revelada. Su proceso de papel y sal permite la posibilidad de reproducir una imagen mediante un sistema de negativo y positivo. En 1841 obtuvo una patente para un proceso que inicialmente llamó “Talbotipo”, pero terminó por llamarse “Calotipo”. Fox Talbot se aferró a su patente, hecho que paradójicamente obstaculizó el auge y desarrollo adicional de la fotografía en Inglaterra, el hecho provocó una clara ventaja de los franceses. Entre 1866 y 1877 Fox Talbot publicó casi 50 papers en materia tan diversas como las matemáticas o la escritura cuneiforme.
-Harry Callahan: nació en Detroit en 1912 y murió en 1999 en Atlanta. Compró su primera cámara en 1938 con la que empezó a desarrollar y a conformar su metódico proceso. Poco después, ingreso en la Detroit Photo Guild, donde conoció a Arthur Siegel quien lo introdujo a la fotografía experimental. En 1946 la revista Menicam Photography publicó su obra por primera vez, y Moholy-Nagy lo llevó al Instituto de Diseño de Chigago para impartir clases. Su dominio de la composición se desarrolló con un constante trabajo y experimentación en la calle. Es conocido por su enorme tendencia a experimentar con diferentes técnicas, exposiciones múltiples, tanto para fotografía de arquitectura como para retratos. Su esposa y su hija son protagonistas de muchas de sus retratos artísticos, unos retratos a menudo íntimos, otros experimentales, pero en todos ellos con una gran capacidad para unir persona y entorno para reforzar el sentido de la fotografía.
-William Klein: nació en 1928 en Nueva York, en un pintor, escultor, fotógrafo y director de cien americano cuya labor artística se ha desarrollado principalmente en Francia. Es reconocido tanto por sus trabajos en el campo de la fotografía sobre moda como por sus reportajes de ciudades. En colaboración con Fernand Leger durante su estancia en París, se introdujo en el mundo de la expresión a través de la pintura y escultura y el movimiento dadaista. Más tarde, en 1954, comenzó a experimentar con la fotografía y en 1955 comenzó a trabajar en la revista Vogue, ganando en 1956 el Premio Nadar. Su verdadera vocación fotográfica fue, como él decía, “sus fotos serias”, los reportajes fotográficos que editó en una serie de monografías y que representaban aspectos cotidianos de ciudades como su querida Nueva York, Moscú, Tokio o Roma. En 1965 abandonó temporalmente la fotografía para dedicarse a la realización cinematográfica y documental. En 1981 regresó a la práctica fotográfica, lo que coincidió con una valoración y reconocimiento públicos de la gran calidad de su obra anterior. En 2005 le dieron el premio PhotoEspaña y en 1990 el Hasselbad.
-Dorothea Lange: nació en Hoboken en 1895 y murió en San Francisco en 1965. En 1917 abrió un estudio en San Francisco, el cual le proporcionó su identidad gracias a su faceta de reportera. A partir de 1933, con el grupo f/64 empezó a relejar su entorno mediante documentos fotográficos de las condiciones laborales de la época, dedicando especia interés en captar a los más afectados por la gran presión norteamericana de los 30. En 1934 ofrece su primera exposición en la galería de Williard Van Dike. A partir de 1964, se dedicó a lo que fueron sus últimos dos proyectos, organizó una retrospectiva de su obra en el MOMA y ha documentar su vida. Mediante esos escritos que recogió, explicó su ideario fotográfico, su forma y manera de ver, percibir y vivir la fotografía. En ellos se auto-
describe como una fotógrafa totalmente purista y defensora de la fotografía directa, objetiva y sin pasar por ningún tipo de manipulación. El verdadero éxito de su obra no se dio a conocer hasta 1972, cuando el Museo de Whitney incorporó 27 obras en la exposición “Executive Order 9066” destinadas a mostrar el internamiento japonés, el entonces crítico del New York Times, A.D. Coleman, descubrió las fotografías como “documentos de tan alto nivel que compenetran los sentimientos de las víctimas y también los hechos del crimen”.
-Weegee: nació el 12 de junio de 1899 y murió el 26 de diciembre de 1968. Fue un fotógrafo de noticias especializado en documentar el ambiente callejero de Nueva York mediante sus desgarradoras fotografías en blanco y negro, sus fotografías, mostraban escenas de crímenes, víctimas de un accidente de tráfico ensangrentadas o playas urbanas abarrotadas. Tenía instalado un cuarto oscuro en el maletero del coche, para acelerar el proceso de entrega de sus fotografías a los periódicos. Su primer libro de fotografías, Naked City (1945) sirvió como inspiración a la película de 11948 “The Naked City “, dirigida por Julen Dassin. También realizó cortometrajes en 1941 y trabajó en Hollywood como actor y asesor desde 1946 hasta los primeros años de a década de los sesenta. Durante la década de los cincuenta y sesenta, Weegee también experimentó con la fotografía panorámica y con las distorsiones fotográficas. También viajó a lo largo de Europa en la década de los sesenta donde se dedicó a la fotografía de desnudos.
-Eugene Smith: nació el 30 de diciembre de 1918 en Wichita, y murió el 15 de octubre de 1978 en Tucson. Conocido por su riguroso método de trabajo, y su obsesión por la perfección, fue un fotógrafo conocido por ser uno de los padres del reportaje gráfico. Trabajó para revistas como LIFE y se especializó en lo que luego caracterizó su modo de trabajo, el llamado ensayo fotográfico.
Este tipo de ensayo consiste en elegir un tema para desarrollarlo fotográficamente documentando cada detalle y dejando entrever la subjetividad del autor. “Spanish Village, 1950” trata de un reportaje sobre el pueblo, Deleitosa, de la provincia de Cáceres, documentado hasta el más mínimo detalle, el ensayo no sólo se limitaba a mostrar las fotografías, sino a hacer un estudio psicológico sobre el pueblo, anclado en la tradición. Tras su muerte, nos dejó todo un legado de reportajes antológicos y un método que asentó las bases del foto-periodismo y los ensayos fotográficos.
-Walker Evans: nació el 3 de noviembre de 1903 en St. Louis, Missouri, y murió el 10 de abril de 1975, los años de la Depresión de 1935 a 1936 fueron de notable productividad y logro para él, en junio de 1935 trabajó en el Departamento de interior de EEUU, fotografiando una comunidad de reasentamiento construido por el gobierno, de los mineros desempleados de Virginia Occidental. Se posicionó a tiempo completo como un “especialista de información” en la Administración de Reasentamiento, una nueva agencia en el Departamento de Agricultura. Documentó la vida de pueblo y demostró cómo el gobierno federal estaba tratando de mejorar la situación de las comunidades rurales durante la Gran Depresión. Sus fotografías revelan un profundo respeto por las tradiciones olvidadas del hombre común y aseguraron su reputación como el documentalista por excelencia de EEUU. En 1938, el Museo de Arte Moderno abrió “American Photographs”, una retrospectiva de la primera década de la fotografía de Evans. Entre 1938 y 1941, produjo una notable serie de retratos en el metro de Nueva York, que no se publicaron hasta 1966. Era un apasionado lector y escritor, y en 1945 se convirtió en un escritor de la revista Time, poco después se convirtió en el editor de la revista Fortune hasta 1965, ese año, se convirtió en profesor de fotografía en la facultada de Diseño Gráfico en la Escuela de la Universidad de Arte de Yale.
“Mira fijamente, curiosea,escucha a escondidas. Muere sabiendo algo, No estarás aquí por mucho tiempo”
-August Sander: nació en Herdorf, en Alemania en 1876 y murió en Colonia en 1964, fue un fotógrafo cuyo trabajo incluye fotografía de paisajes, naturaleza, agricultura y fotografías de la calle, pero es especialmente famoso por sus retratos, como lo demuestra en la serie “Hombres del siglo XX”, esta serie trata de ofrecer un catálogo de la sociedad alemana durante la República de Weimar. Mientras trabajaba en la mina, Sander aprendió los primeros pasos de la fotografía, ayudando a un fotógrafo que trabajaba para la empresa minera. Entre 1897 y 1899 realizó el servicio militar como asistente de fotógrafo y los años siguientes, viajó a través de Alemania retratando a la gente que se encontraba. En 1901, comenzó a trabajar para un estudio fotográfico en Linz, convirtiéndose en el primer socio en 1002 y luego en el único propietario. En 1909 abrió un nuevo estudio en Colonia, en 1929 publicó su primer libro “Face of our Time” que contiene una selección de 60 retratos de la serie “Retratos del siglo XX”, el cual en 1936, fue incautado por los nazis. En el año 1961 recibió el premio de cultura de la asociación alemana de fotografía.
-Henry Cartier-Bresson: nació el 22 de 1908 en Chanteloup en Brie, Francia, y murió el 3 de agosto de 2004 en Céstere, Francia. Fue uno de los padres de la fotografía, un hito histórico y un referente para muchos. La mayor influencia de Cartier-Bresson en el mundo fotográfico era su creencia para captar el “momento decisivo”, y es que sus imágenes estaban cargadas de paciencia, y sobre todo, de momentos únicos que solo podían haberse retratado si el artista estaba preparado para tomar la fotografía en el momento justo. Tras estudiar pintura en la universidad, se sumergió en el surrealismo que se vivía en París en los años 30, esto quedó claramente retratado en sus primeras fotografías, pero desapareció a medida que se iba haciendo en él la idea de dedicarse a los fotorreportajes. Su obra se alejó mucho de la normalidad, diversificaba su trabajo en temas muy varipintos como la Guerra Civil Española y la muerte de Mahatma Ghandi. “Victorie de la vie”, documental realizado en 1937 sobre la España Republicana, fue el inicio de su especialización en el fotorreportaje. Durante este período, y con la posterior explosión de la II Guerra Mundial, se centró en la documentación de estos conflictos. En 1947 fundó, junto a Robert Capa, Bill Vandivert, David Seymour y George Rodger la Agencia Magnum Photo, una de las primeras cooperativas del mundo de la fotografía. Poco a poco, fue ganando importancia y protagonismo en el mundo del fotoperiodismo. Fue el primer fotógrafo en exponer en el Museo del Louvre. En 2003, poco antes de su muerte, llevó junto a su mujer, una fundación encargada de reunir todas sus obras.
-Erwin Blumenfeld: nació en Berlín en 1897 y murió en Roma en 1969, fue un fotógrafo estadounidense de origen alemán creador de una nueva concepción de la fotografía de moda, introduciendo elementos del surrealismo al dadaísmo así como la sofisticación y elegancia inauditas para la época y un concepto de modernidad que sacaba a la modelos del estudio a la calle por primera vez en la fotografía de moda. Al terminar la I Guerra Mundial, se trasladó a Holanda y junto a George Grosz y Paul Citroën fundó la << Central Dadá de Ámsterdam>>. Sus trabajos fotográficos consistían en material contra los nazis y fotomontajes experimentales, para lo que empleaba solarizaciones, combinaciones de negativos, escenificaciones y otros procedimientos que situaban su obra en el movimiento surrealista. En 1940 fue internado en un campo de concentración pero logró irse a EEUU con su familia. En este país, continúa con sus colaboraciones en las revistas Verve, Vogue, Harper´s Bazaar, Cosmopolitan, Look y Popular photography, alcanzando gran prestigio en el mundo de la fotografía de moda en la que aplicaba el experimentalismo propio del surrealismo. Mientras sus fotografías para publicidad eran en color, su proyecto personal, siempre fue en blanco y negro. En 1955, abandonó la fotografía comercial dedicándose a los desnudos y paisajes.
-Rembrandt: nació el 15 de julio de 1606 en Leiden, Países Bajos y murió el 4 de 1669 en Ámsterdam. Recibió buena educación y llegó a ingresar en la Universidad de Leiden, donde estudió un curso, ya que decidió dedicarse a la pintura. El maestro que tuvo en Ámsterdam fue quien influyó en él y el que le transmitió las tendencias italianizantes en boga, de hecho, sus primeras creaciones manifestaban una evidente influencia del estilo Pieter Lastman.
En 1695, abrió un taller en Leiden junto a Jan Lievens, durante los años en Leiden, el arte Rembrandt evolucionó desde unos inicios de colores brillantes y gestos grandilocuentes hacia una creciente afirmación del claroscuro. Hacia 1930, el claroscuro se convirtió en el más poderoso medio de expresión del pintor, tal como evidenciaban sus obras “Sansón traicionado por Dalila” y “La presentación de Jesús en el templo”. Las dos etapas de la vida de Rembrandt, se reflejaron en sus obras, particularmente en los autorretratos, un género que el artista cultivó a lo largo de su carrera. De los numerosos géneros que cultivó, el religioso y el retrato fueron los dos en que más brilló su talento de maestro del Barroco. A Rembrandt se le recuerda, sobre todo por sus magistrales retratos múltiples, absolutamente alejados de los convencionalismos al uso. Su composición, la perfecta caracterización de los personajes, el detallado estudio de los ademanes, la agudeza de los rostros, hacen de sus tres grandes creaciones de éste género unas obras llenas de vida y de genio.
-André Kertész: nació el 2 de julio de 1894 en Hungría y murió el 28 de septiembre de 1985 en Nueva York. Gracias a su trabajo en la Bolsa de valores de su ciudad, se pudo comprar su primera cámara a los 18 años, con ella, hacía fotos de los paisajes a su alrededor y de los vecinos, tomando inspiración de las revistas que llegaban a su casa. Cuando estalló la I Guerra Mundial, se alistó al ejército, pero no abandonó la fotografía, continuó retratando lo que veía pero las imágenes en su mayoría fueron destruidas en la Revolución Húngura en 1919. Los retratos consistían en el día a día de los soldados, las largas esperas en la trinchera, la desorientación, la desolación, etc. En 1917, de vuelta a casa, tomó una de sus más conocidas fotografías “Nadadores bajo el agua”, a partir de ese momento empezó a interesarse en retratar cuerpos que estuvieran cubiertos por reflejos luminosos, así como imágenes distorsionadas, marcando con ellas lo que sería su peculiar estilo fotográfico. André interpretaba la fotografía como un diario, donde escribía la vida que había a su alrededor. “Distortions” fue una de sus series más famosas y destacada, donde cuerpos femeninos se ven distorsionados por espejos y se mueven como una especie de caricatura, pero con erotismo y sensualidad.
-Diane Arbus: nació el 14 de marzo de 1923 en Nueva York y murió en 26 de julio de 1971 en Greenwich. Comenzó a estudiar fotografía con Berenice Abbot, aprendió de Robert Frank el contravenir la moral estadounidense, de Louis Faurer el desparpajo y los fuertes contrastes tonales de aquella estética de “instantánea” y de Alex Broduvitch, que “si ves algo que has visto antes, no aprietes el disparador”. Lo que pretendía Arbus en sus fotografías, no era belleza en ellas, sino descifrar un acertijo propuesto por “una mujer de punzante inteligencia y gran sofisticación”, la falta de atención y cariño por parte de sus padres en su niñez, se convirtió en un elemento clave para la creación de su obra fotográfica adulta. Terminada la II Guerra Mundial, su marido Allan estudió fotografía en el New Jersey Signal Corp, y tras nacer su primera hija, fundaron el estudio fotográfico Diane & Allan Arbus. Tras tener a su segunda hija y separarse de su marido, la carrera fotográfica de Diane properó. Comenzó realizando fotografía de calle de una manera más o menos ortodoxa pero tras la enseñanza con Lisette Model, comenzó a escoger sujetos extraños. Una de sus fotografías más famosas, la del niño con la granada de juguete en la mano, es una clara muestra de su estilo. Las fotografías de esta autora no son sencillas, muchas de ellas estaban muy lejos del ideal de belleza que habían preconizado modernistas como Edward Weston. En realidad, sus fotos generaban un choque porque expresaban incredulidad, curiosidad, escándalo, devoción, pero jamás indiferencia.
Vocabulario: • betún de judea: mineral negro de origen natural u obtenido artificialmente por destilación del petróleo.
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Arte Pop: fue un importante tipo de arte del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. Pictorialismo: es un movimiento fotográfico de pretensiones artísticas que se desarrolla a nivel mundial. Ismo: es utilizado, principalmente, para denominar a cualquiera de las tendencias o escuelas artísticas contemporáneas. Papers: papeles. Movimiento dadaista: es un movimiento artístico y literario que surgió durante la I Guerra Mundial como una forma de protesta ante los cánones estéticos dominantes. Solarizaciones: fenómeno fotográfico en el que la imagen sobre un material sensible a la luz invierte su tono de un modo total o parcial, este proceso puede efectuarse sobre un negativo o una copia fotográfica. Italianizantes: fue una etapa característica del siglo XX en la historia de la arquitectura clásica.
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Grandilocuentes: elocuencia abundante y altisonante. Ademanes: conjunto de expresiones, gestos, movimientos, actitudes, etc., que una persona utiliza para comportarse en público y con las demás personas, especialmente según ciertas reglas sociales comúnmente admitidas.
Biografías: http://www.cadadiaunfotografo.com/2011/06/eduardo-momene.html http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/06/joseph-nicephore-niepce.html http://www.cadadiaunfotografo.com/2009/10/garry-winogrand.html https://oscarenfotos.com/2014/12/06/garry-winogrand/ https://es.wikipedia.org/wiki/David_Hockney https://www.xatakafoto.com/fotografos/richard-avedon-el-hombre-que-giro-la-fotografia-de-moday-retrato-la-simpleza https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/1819/George%20Eastman https://oscarenfotos.com/2013/06/29/paul-strand-el-fotografo-directo/ http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/02/john-gutmann.html http://www.cadadiaunfotografo.com/2009/12/brassai.html https://www.xatakafoto.com/fotografos/brassai-el-ojo-de-paris-fotografo-de-la-noche-y-el-graffiti https://clubdefotografia.net/ansel-adams/ https://oscarenfotos.com/2012/10/13/william-henry-fox-talbot-y-los-otros-padres-de-la-fotografia/ https://www.xatakafoto.com/fotografos/harry-callahan-el-fotografo-que-nunca-dejo-deexperimentar-y-ensenar http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/02/william-klein.html https://www.ciudaddemujeres.com/mujeres/Fotografia/Lange.htm http://www.cadadiaunfotografo.com/2009/12/weegee-arthur-fellig.html https://www.xatakafoto.com/fotografos/eugene-smith-y-el-ensayo-fotografico https://clubdefotografia.net/walker-evans/ http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/04/august-sander.html https://culturafotografica.es/henri-cartier-bresson/ http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/05/erwin-blumenfeld.html https://www.biografiasyvidas.com/biografia/r/rembrandt.htm https://culturafotografica.es/andre-kertesz-fotografo-con-luz/ https://oscarenfotos.com/2014/09/28/diane-arbus-la-princesa-rota/ -Aportación del capítulo: ¿qué te aporta el capítulo? El capítulo aporta una gran sabiduría a la hora de como organizarte para hacer una buena fotografía y poder ser un buen fotógrafo. Intentando que veamos de una manera u otra corregir los pequeños errores que cometemos al no planificar la imagen que queremos y lo más importante en mi opinión, conocer que es exactamente lo que queremos crear, expresar, hacer sentir con esa fotografía. -Autores con los que me siento identificada: He escogido estos autores porque creo que hacen una crítica al mundo con sus imágenes y no se han acobardado a la hora de mostrar sus fotografías. Ha conseguido con esa pretensión que les caracteriza a la hora de fotografiar lo que tiene ante sus ojos sin que les importe que es lo que la gente pensará de ellos. Sobretodo, Diane Arbus me ha impresionado mucho, porque pocas mujeres por lástima, no llegan hasta donde ella llegó, aunque fuese después de su muerte, ya que nunca expuso su gran talento en solitario, pero sobretodo a ella, no le importaba la belleza en sus fotografías, sino que impactasen en la gente que se paraba a verlas. ➢ Weegee ➢ Erwin Blumenfeld ➢ Diane Arbus -Frases a recordar : ➢ Algún día, fotografiar será tan fácil como pintar con un lápiz de colores. George Eastman.
➢ Fotografiar es muy fácil, y obtener buenas fotografías no es tan fácil. Eduardo Momeñe. ➢ Planificar nuestro trabajo fotográfico es como planificar un viaje, se trata de algo que requiere orden: hemos de saber adónde vamos, comprar los billetes, tener una cierta previsión… y después hay que partir. ➢ La fotografía puede ser una pasión, e incluso una obsesión. ➢ Es el momento el que siempre dicta mi trabajo… Todo el mundo puede mirar, pero ello no significa necesariamente ver. Yo veo una situación y sé si es correcta. André Kertész. ➢ Reconocer lo correcto es la dificultad de la fotografía, porque lo correcto es un concepto realmente resbaladizo, es lo que obtienen los buenos fotógrafos. Richard Avedon. -¿Recomendaría este libro? Por supuesto que sí, es un buen instrumento de trabajo a la hora de aprender a interpretar y a saber como crear una buena imagen. Teniendo claro los conceptos que se necesitan a la hora de hacer la fotografía ayudándote de los mejores fotógrafos de cada época y valorando con cada pregunta que se cuestiona que fotógrafo quieres ser en realidad.