editorial Es un orgullo para nosotros el hecho de saber que lees estas palabras, no por el ego de sabernos leídos, sino por la satisfacción de haber visto crecer el producto final que posees en tus manos. Desde su primera idealización, hasta los inevitables errores finales al cierre de la edición, créanos, 5 milímetros de diferencia pueden crear una catástrofe mundial. En dB Magazine no buscamos ni buscaremos cambiar el mundo (quizás conquistarlo sí), ya que eres tú quien debe de estar dispuesto a hacer el cambio, nosotros solo somos un factor más en la propagación de los ideales mediante la música y sus encantos auditivos. Por lo tanto los recibimos, en esta primera edición de la revista, con un banquete especial y un festín bañado en melodías. Pase usté.
Sergio Camalich Morales
Publicidad Karina Trejo Belducea publicidad@db.com
Ilustración Sergio Camalich Morales ilustracion@db.com
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Karina Trejo Belducea
© dB Magazine. Marca registrada. Año 3 Nº05. Fecha de publicación: 27/11/09. Revista mensual, editada y publicada por EDITORIAL TELEVISA, S.A. DE C.V., Av. Vasco de Quiroga Nº 2000, Edificio E Col. Santa Fe, Del. Alvaro Obregón, C.P. 012110, México D.F., tel. 52-62-11-00, por contrato de licencia celebrado con RODALE, INC. Editor responsable: Francisco Javier Martinez Staines. Miembro de la Cámara Nacional de la Industria Editorial Mexicana. Número de Certificado de Reserva de derechos al uso exclusivo del Título EFE: 04-05938859498958699-09, de fecha 02 de Septiembre de 2002, ante el Instituto Nacional de Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Título Nº 8135, de fecha 13 de Enero de 1997, Certificado de Licitud de Contenido Nº 4356, de fecha 24 de Abril de 2004, ambos con expediente Nº 1/897”49”/2367, ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Distribuidor exclusivo en México: Distribuidora Intermex S.A. de C.V., Lucio Blanco Nº 435, Azcapotzalco, C.P. 02400, México D.F. Tel: 52-34-52-66. Distribución en zona metropolitana: Unión de Expendedores y Voceadores de los Periódicos de México A.C., Barcelona Nº 34 Col. Juárez, México D.F. Tel: 52-35-28-11. Impresa en: Servicios Profesionales de Impresión, S.A. de C.V., Mimosas No. 31, Col. Santa María Insurgentes, C.P. 0678, México D.F., tel: 52-33-66-77. EDITORIAL TELEVISA S.A. DE .C.V. investiga sobre la seriedad de sus anunciantes, pero no se responsabiliza con las ofertas relacionadas por los mismos. ATENCIÓN A CLIENTES: zona metropolitana tel. 52-42-53-06, interior de la República Mexicana tel. 01-800-711-26-33 Exportado por Editorial Televisa, S.A. de C.V. Prohibida su reproducción parcial o total.
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guía News R.E.M Anuncia nuevo material discográfico Robbie Williams Renace en su nuevo disco
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Foo Fighters Deciden tomarse un tiempo
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Sting Nuevo disco “If on a winter night”
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Coldplay Las diez claves del éxito
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The Killers Imparables
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The Beatles USB con toda su discografía
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Bon Jovi Comenzará su gira mundial
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Especial Cine La importancia de la música
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Las 10 mejores bandas Latinoamérica
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Entrevista 28
Muse Épico contemporáneo
Reseñas Discos Los mejores del año
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Ha sido Peter Buck el primero en hablar sobre este nuevo trabajo de los de Athens para el a単o 2010.
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News
R.E.M. Anuncia nuevo material disográfico
El guitarrista y confundador de la banda, responsable de himnos como Losing my Religion, What’s the Frequency, Kenneth? o Imitation of life, ha sido el primero en hacer declaraciones al respecto de un nuevo trabajo de R.E.M. Pocos datos pero los justos para poner la miel en los labios a los muchos seguidores de la banda. Así habló del mismo equipo y productor de sus anteriores discos, Scott Litt. Añadió que se espera para el próximo año y que sonará más pop y más acústico. Parece ser que la banda se encuentra ya en el proceso de grabación. Desde que publicaran Murmur en 1983 no han parado de hacer buenas canciones. En el 2007 R.E.M ocupó su merecido puesto en el Salón de la Fama del Rock and Roll y en 2008 publicaron lo que es hasta ahora su último disco Accelerate. Mientras esperamos su nuevo trabajo de estudio ellos no paran. Hace unos días se publicó un directo grabado en el Olimpia Theatre de Dublin Live At The Olympia. Además acaban de presentar un documental donde se cuenta cómo fueron esos días y noches en Dublín. Un material que se podrá ver el martes día 3 en Barcelona dentro del In-Edit Film Festival. Dirigido por el director y productor de videos musicales Vicent Moon, quien ha trabajado con Tom Jones, dEUS, Andrew Bird o Beirut, entre otros. Fue el propio Michael Stipe quien se dirigió a él para pedirle que dirigiera este documental. “Me llamó Michael Stipe y yo estaba algo borracho, por lo que me costó creerme lo que me estaba proponiendo. Confió totalmente en mí y en mi trabajo, me ofreció toda si confianza”, declaró Vicent a “El periódico” en su paso por nuestro país para presentar este documental.
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News
Renace
Robbie Williams
en su nuevo disco
Tras un agridulce Rudebox, lo que le llevó en 2006 a tomar la decisión de estar “un poco alejado” de la vida pública y mudarse a Los Ángeles, Robbie Williams renace con Reality killed the video star, un álbum “más rockero” de lo que tiene acostumbrados a sus fans el niño malo del pop británico.
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News
Tras un agridulce Rudebox, lo
Williams, “realmente siempre sabe lo
que le llevó en 2006 a tomar la decisión
no es perfecto”, aunque haya escrito
de estar “un poco alejado” de la vida
“I want perfection”, y reconozca que
pública y mudarse a Los Ángeles, Rob-
“todo el mundo busca la perfección,
“fan absoluto” de los Pet Shop Boys
bie Williams renace con Reality killed
porque nadie cuando se mira al espejo
sobre todo de su álbum Behaviour, pero
the video star, un álbum “más rockero”
se siente a gusto consigo mismo”.
para la preparación de este disco ha
de lo que tiene acostumbrados a sus fans el niño malo del pop británico. “George Michael saca un disco
“Aunque me esfuerce e intente hacer un pop perfecto jamás lo conseguiré, pienso que nunca estaré satisfecho
que hace”. El artista británico se declara
escuchado mucho la radio y todo lo que tiene en su iTunes. Aunque, subraya que el tema
cada diez años y nadie le insiste que
con lo que hago porque sino pararía”,
“Human”, del grupo The Killers, es una
vuelva rápido”, declara categórico Rob-
afirma rotundo Williams. “Pero, no en-
canción que le “hubiera encantado
bie Williams en una vídeo conferencia
tra en mis planes dejarlo”, puntualiza.
escribir e incluir en este disco”.
con motivo del lanzamiento el próximo
En el álbum hay cortes como
martes de Reality killed the video star,
“Morning sun”, que recuerda a los ini-
un disco producido por Trevor Horn en
cios de un joven Elton John; una balada
los míticos estudios londinenses de Not-
titulada “You know me”, que bien po-
ting Hill.
dría ser de los años 60; “Do you mind?”,
Desde el pasado 12 de octubre ya está disponible un adelanto de este nuevo trabajo del que fuera líder de los
la más rockera, o la pegadiza “Last days of disco”. Durante el proceso de creación
Take That, “Bodies”, una canción que
de este disco, murió el rey del pop,
Williams escribió de “una manera muy
Michael Jackson por eso, Williams
peculiar”. “Fue una tarde en la que es-
le rinde su propio homenaje con una
tuve navegando demasiado por internet
canción que estaba “inacabada” e hizo
y estuve viendo dos documentales en
“unos arreglos en las letras”, explica.
los que se ofrecía una versión diferente
Poco a poco el “genio” de Trevor
sobre el cristianismo y la religión”,
Horn fue enlazando y eligiendo el orden
explica.
de los nuevos temas. “Quería trabajar
Son sus “creencias católicas
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Williams sabe que “este álbum
con Trevor porque hace trabajos ex-
personales” recogidas en “Bodies”, una
traordinarios”, admite Williams, quien
canción que trata sobre “las teorías
homenajea a su productor con el título
religiosas de la conspiración” que ha
del disco Video killed the radio star y
descubierto en internet “googleando
que hace referencia a un tema compues-
demasiado”.
to por Horn en los años 70.
Sin embargo la polémica no ha
Don Black, popular por los temas
abandonado a este chico malo del pop
escritos para la saga cinematográfica de
que en este nuevo trabajo, canta “Your
James Bond, es otro de los artistas que
Jesus died for me”, algo que podría tra-
han colaborado en este trabajo, una co-
ducirse como “Tu Jesús murió por mi”.
laboración “excepcional” porque, según
Williams sabe que “este álbum no
es perfecto”, aunque haya escrito “I want perfection”, y reconozca que “todo el mundo busca la perfección, porque nadie cuando se mira al espejo se siente a gusto consigo mismo”.
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FOO FIGHTERS
News
Al dar una entrevista a la cadena de televisión norteamericana CNN, el vocalista de Foo Fighters, Dave Grohl, anunció que la banda tiene la intención de tomarse un tiempo, después de 15 años de carrera y seis discos publicados. Actualmente el grupo prepara una recopilación de sus grandes éxitos, y el músico cree que este lanzamiento marca el fin de una etapa. “Es un excelente CD. Ahora es tiempo de seguir con el próximo capítulo”. “Haremos algunas presentaciones en Europa, pero después no sé cuando los volveré a ver”, refiriéndose a sus compañeros de grupo. Grohl confirmó la realización de todos los recitales programados para la gira que Foo Fighters está llevando a cabo, y luego se dedicará de lleno a Them Crooked Vultures, el proyecto que tiene con Josh Homme, de Queens of the Stone Age, y John Paul Jones, de Led Zeppelin.
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“Es medio raro. Ponemos nuestros corazones en nuestras canciones, pero está bueno no saber qué es lo que va a pasar después”.
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News
El sorprendente Sting
canciones tradicionales y po-
Vincent Ségal, el trompetista
al mismo tiempo deprimente
se ha inspirado en el invierno
emas del siglo XVI. A la hora
libanés Ibrahim Maalouf, la
y armónico, esencial para la
para producir su más nuevo
de componer, las principales
violinista Daniel Hope y el
historia de la humanidad”
material, que estará dis-
influencias de Sting fueron
guitarrista Dominic Miller.
afirmó Sting.
ponible la semana próxima.
Johann Sebastian Bach y
Enamorado de la estación
Robert Schubert.
más fría del año, el británico
Para el cantante, “el
se acerca cada vez más del
invierno es un momento
género clásico, que ya había
repleto de magia, y cada
comenzado a explorar con su
vez más corto”. Sting contó
álbum anterior, “Songs From
con la colaboración de siete
the Labyrinth”, producido en
músicos variados: Kathryn
el 2006.
Tickell y Julian Sutton,
Este nuevo disco ha
músicos tradicionales de
sido grabado en Italia, en
Newcastle; la arpista Mary
la región toscana, e incluye
Macmaster, el violoncelista
Sting Anuncia nuevo disco “If on a winter Night”
“Hay algo en el invierno que es fundamental, misterioso, completamente insustituible, y
Coldplay Las diez claves del ĂŠxito
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News
Coldplay es uno de los grupos más grandes del pop-rock actual, algo que han conseguido casi sin hacer ruido. La banda británica realiza un único concierto hoy en España en el Estadi Olímpic de Barcelona con las entradas agotadas hace meses. Repasamos en diez puntos las razones por las que se han convertido en una de las bandas más exitosas de la última década.
» Los nuevos U2 Es un incómodo sambenito que les ha seguido desde sus inicios. Su rock de estadios tiene mucho que ver con la fórmula de los irlandeses. Radiohead, modelo en el cual se miran Martin y cía, también pasaron por lo mismo, pero lograron desmarcarse a tiempo. ¿Lo lograrán Coldplay?
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» Canciones emotivas Si bien su carrera se empezó a labrar en los terrenos del pop y rock independientes, la realidad es que los de Londres se han hecho grandes gracias a un buen número de medios tiempos sentidos que no hacen ascos a las radiofórmulas. » Para todos los públicos Se hace difícil pensar, hoy en día, en un grupo que ejemplifique mejor lo de “para todos los públicos”. Coldplay son la definición perfecta de ese término, y ahí radica una de las claves de su exitosa carrera. Su carácter inofensivo va en consonancia con lo políticamente correcto. » Buenas personas Sólo hay que mirar a la cara a Chris Martin y al resto de la banda para confirmar el hecho de que no son las típicas estrellas narcisistas. Es más, queda claro que son ese grupo de amigos que ha pasado de ser vapuleado en el instituto a multimillonarios haciendo lo que les gusta.
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News » La “buena música” Es un hecho comprobado que mucha gente considera la “buena música” como un género. Sus “fans” sólo siguen a un reducido número de bandas que consideran a años luz del resto. En esa lista militan U2, The Police, Springsteen o Queen. Coldplay han conseguido entrar en el selecto grupo. » Músicos comprometidos Si algo ha caracterizado a los ingleses en su compromiso con un buen número de ONGs y causas solidarias al más puro estilo U2 y Sting pero sin resultar ser tan odiosos. » Mimar a los “fans” Sus seguidores son capaces de estar con el grupo llueva, truene o nieve al más puro estilo «teenager». Los británicos lo saben, y los han premiado con conciertos gratuitos y canciones-regalo vía Internet. » Aires “cool” Hubo un tiempo en que la pareja formada por Gwyneth
Paltrow y Chris Martin fue una de las más «cool» del planeta. Se convirtieron en objetivo constante de los tabloides rosas y se hablaba más de su relación que de música. Hoy siguen casados y tienen dos hijos. » Mejor que The Killers Si hay un grupo que hoy por hoy puede cuestionar su reinado dentro del rock llena-estadios es The Killers. Los de Las Vegas son una versión más comercial y menos personal de los británicos y también gustan a los indies. El tiempo dirá si los americanos les acaban robando el cetro. »Banda sonora Coldplay han contado este año en España con un aliado inesperado: Pep Guardiola. La supertemporada del FC Barcelona ha tenido como banda sonora el «Viva La Vida», uno de los singles más exitosos de la banda británica.
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News
THE
Killers: En medio de gran jubilo, fue recibida la víspera la banda estadounidense, The Killers, quien con su indie rock logró su cometido de complacer a su audiencia que se dio cita en el Palacio de los Deportes. A siete años de su creación, la agrupación originaria de Las Vegas, Nevada, Estados Unidos, integrada por Brandon Flowers, Dave Keuning, Mark August Stoermer y Ronnie Vannucci, continúa con la cosecha de éxitos y su presentación en México no podía ser la excepción. En esta ocasión y para calentar ánimos, los mexicanos Hello Seahorse! fueron los encargados de abrir la prometedora velada musical, donde presentaron temas de su actual “Bestia”, el cual será reeditado y lanzado a partir del 1 de diciembre. Así por espacio de casi dos horas los “Asesinos” deleitaron a sus víctimas, quienes dejaron impreg-
nado en las paredes del lugar el buen ánimo y un ambiente de euforia que se enfatizó con la salida del cuarteto al escenario. Alrededor de las 22:15 horas, se apagaron las luces y la alegría terminó por desatarse, para comenzar la esperada velada donde temas como “Human”, “Smile like you mean it”, “Spaceman” y “Sweet talk” fueron su carta de presentación. Aunque fueron pocas las palabras intercambiadas con el público, el cuarteto no podía dejar de dar la bienvenida y seguir así con lo que mejor sabe hacer que es tocar, lo cual no disgustó a la audiencia que pudo bailar. “A dustland fairy tale”, “This is your life”, “Somebody told me”, “For seasons unknown”, “Losing touch” y “Read my mind” también formaron parte de la fiesta, donde el rock volvió a ser el lenguaje en común entre los asistentes y The
Killers. De esta forma, su presentación en el Palacio de los deportes cerró su breve gira por tierra azteca, donde una vez más el público se le entregó.
Imparables
The Beatles USB
Discografía completa:
un pecado díficil de resistir
En ocho años de carrera, la banda vendió más de 400 millones de discos en todo el mundo. La memoria de 16 GB, serálanzada el próximo 7 de diciembre y contendrá los 14 discos remasterizados del grupo.
El grupo Los Beatles, considerado el más famoso en la historia musical, regresa ahora al mercado con un USB de edición limitada, disponible el próximo mes y pre-cargado con toda la discografía del cuarteto.
lones de discos en todo el mundo. De acuerdo con las compañías, la USB tendrá una edición de 30 mil copias, compatibles para PC como Mac, con un precio aproximado de 240 dólares. Indicaron que esperan una respuesta positiva del público, luego del lanzamiento en septiembre pasado de la discografía completa y remasterizada del grupo de Liverpool.
Las empresas Apple y Emi lanzarán esta memoria de 16 GB el próximo 7 de diciembre y contendrá los 14 discos remasterizados de Los álbumes que incluirá la USB son “Sgt Pepper’s lonela alineación, además 13 mini documentales, ly hearts club band”, “Yellow submarine”, “Revolver”, ilustraciones, fotos, información y notas de “With The Beatles”, “Beatles for sale”, “Please please la agrupación. me”, “Magical mystery tour” y “The Beatles”.
1960
The Beatles, conformada por John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr, fue una banda de rock formada en y sólo en ocho años vendió más de 400 mil-
Además, “Rubber soul”, “Help!”, “Let it be”, “Past masters one and two”. “A hard day’s night” y “Abbey road”, entre otros .
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News
Café Tacvba
(México)
Dignísimos representantes del rock alternativo, grabaron más de diez discos y ganaron los Grammy Latinos de Mejor álbum de música alternativa, en el 2004, y los de Mejor canción de rock y Mejor canción alternativa en el 2008.
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News
Maná
(México)
Son ya más de veinte años de carrera, desde el disco “Maná”, editado en 1987, y han logrado la máxima popularidad en muchísimos países. ¿Quién no se emocionó al oír temas como “Vivir sin aire” o “En el muelle de San Blas”?
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News
La música en el
cine
Cada vez son más los espectadores que se sienten atraídos por tal o cual melodía que han oído en una película, pero que no logran identificar. La música ocupa en nuestros días un lugar preferente en el cine. Para todos aquellos que quieran deleitarse con algunas de las bandas sonoras más bellas compuestas para el séptimo arte, he aquí un modesto decálogo ordenado por autores.
TOR C U D PRO R CTO E R I D
LO
ROL A
TOM
ENA
ESC
NO. A
FECH
w Especial News Cada vez son más los espectadores que se sienten atraídos por tal o cual melodía que han oído en una película, pero que no logran identificar. La música ocupa en nuestros días un lugar preferente en el cine. Para todos aquellos que quieran deleitarse con algunas de las bandas sonoras más bellas compuestas para el séptimo arte, he aquí diez autores. Michael Nyman Su trabajo más conocido para el cine es la banda sonora de “El Piano”, de Jane Campion. Buena parte del éxito obtenido por el filme se debió al compositor británico. Muchos son los espectadores que recuerdan a Anna Paquin danzando en la playa, con una fina lluvia perlando su rostro, al son de la envolvente y deliciosa “The heart ask pleasure first”. Ésta es una de las piezas más notables de la película, pero hay muchas otras que no tienen desperdicio, tales como “Big is my secret” o “The promise”. Uno de los estigmas que aflige a numerosos artistas es que el público tiende a identificarlo con una de sus creaciones, que además no siempre tiene por qué ser la mejor. Éste es el caso de Michael Nyman. Bastaría con preguntar a un espectador cualquiera cuántas bandas sonoras conoce de este compositor para comprobar que la de “El Piano” es la única que le viene a la cabeza. Sin embargo, la aportación de Nyman para el cine es prolija y proficua. Una de sus mejores bandas sonoras es la de “Gattaca”, de Andrew Niccol. Como ocurría en el caso de “El Piano”, la música del genio inglés supera en belleza a las imágenes que acompaña, si bien ambas películas rayan a un gran nivel. Temas como “The Arrival” o “The Departure” (esta última es una variación de aquélla). Otras piezas destacadas de la película son “Gattaca Opening Theme” y “The Other Side”. Una curiosidad es el “Impromptu for 12 fingers”, en el que se permite hacer un homenaje a Chopin. Ya que he hablado de homenajes, no puedo pasar por alto el que le brindó a Henry Purcell en la B.S.O. de “El contrato del dibujante”. Ésta es su colaboración más notoria con Peter Greenaway. La pieza “Chasing sheep is best left to Shepherds” se hizo muy popular al aparecer en un spot publicitario, pero la más compleja y valiosa es “The garden is becoming a Robe Room”. Otra banda sonora que todo buen melómano debería escuchar es la de “El fin del romance”, de Neil Jordan. Aquí se combina como en pocas el violín y el piano, creando un ambiente romántico y sensible en extremo. “Love doesn´t end” es magistral, al igual que “Diary of hate” o “I know your voice”. La última obra que resaltaría de Nyman es la de “El Perdón”, de Michael Winterbottom. En esta ocasión, el compositor recurre a una voz femenina para acentuar el sentimiento dramático. “The exchange” o “The snowy death” son una
buena muestra de la calidad de esta banda sonora, que para algunos entendidos es la mejor de su autor. Gabriel Yared La primera vez que supe de él fue cuando vi “El Paciente Inglés”, la sublime película de Anthony Minghella. En este caso se puede decir que música e imágenes forman un matrimonio de belleza eterna. “The cave of swimmers”, “Read me to sleep” o “As far as Florence” son temas que te dejan marcado por su emotividad. Por si la música del compositor libanés no fuera suficiente, Minghella incluyó el aria de las “Variaciones Goldberg”, de Bach, a modo de música diegética, contribuyendo a crear un clima más romántico. Con “Cold Mountain”, también de Minghella, ha dado lo mejor de sí hasta ahora. Piezas como “Ada Plays” y “Ada and Inman”, tocadas con piano, inicialmente, para luego recibir un acompañamiento orquestal, son soberbias. La película es buena, pero en este caso se ve claramente superada por la música. La más reciente aportación de Yared es la banda sonora de “Troya”. Lo que le sucedió a Yared con el director alemán es curioso. Éste le pidió permiso para utilizar los temas que había compuesto para la película, cuando aún no estaban terminados. El compositor, convencido de la calidad de su trabajo, le dio su aquiescencia, y luego resultó que al público que asistió al pase de prueba no le gustó la música, motivo por el cual Petersen, que también cumplía funciones de productor, decidió expulsar a Yared. Angelo Badalamenti La banda sonora más excelsa de Badalamenti es indiscutiblemente la de “Una historia verdadera”. Los suaves acordes de guitarra rasgada que caracterizan al tema “Rose´s Theme” tienen la virtud de enternecer. De otro lado, el “Country Waltz” aporta una sensación de paz y tranquilidad que, en definitiva, es la búsqueda de Alvin, el personaje interpretado por el finado Richard Farnsworth. Aunque no llegan a la hermosura de esta obra, el trabajo de Badalamenti para “Mulholland Drive” y “Carretera Perdida” es asimismo laudable. Lo que diferencia a estas composiciones de la anterior es que en éstas lo que perseguía era crear un ambiente lúgubre y siniestro que realzara la proterva oscuridad de los filmes a los que acompañaba. En consecuencia, es un tipo de música más árida para escuchar por separado de la película. Hans Zimmer Ahora mismo, el compositor en el que todo director piensa para hacer una película bélica de época es Hans Zimmer. Esto no es un hecho casual, pues el germano se ha destacado por su habilidad para recrear la batalla con el uso de la percusión, las cuerdas y los coros, todos ellos bien combinados. Su mejor exponente es la banda sonora de “Gladiator”, de Ridley Scott; y su muestra más palmaria es “The Battle”, que acompaña
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News a la victoria de las legiones dirigidas por Máximo Décimo Meridio sobre las huestes bárbaras teutonas. Esta banda sonora sabe alternar como pocas la estridencia de la guerra con la sensibilidad de los momentos de recogimiento. En este particular tiene mucho que ver la empírea voz de Lisa Gerrard (parte fundamental del magnífico y ya desaparecido grupo Dead Can Dance), que compuso varias piezas de la B.S.O., como las exquisitas “The wheat” o “Sorrow”. El tercero en discordia fue Klaus Badelt, autor de los restantes temas. Para seguir con su tradición, Zimmer nos regaló hace poco otra maravilla del género: la banda sonora de “El último samurái”, de Edward Zwick. En esencia, es una repetición de la misma fórmula: fuerza y finura, y también con brillantes resultados. “A way of life”, “Spectres in the fog” e “Idyll´s end” contienen melodías que seducen los sentidos. Wojciech Kilar A pesar de que lleva tiempo sin sacar nada a luz, el compositor polaco Wojciech Kilar bien merece estar en esta sección. Desde que la escuché por primera vez, me enamoré de la música que creó para el “Drácula” de Coppola. En ambas se respira ese romanticismo gótico y acendrado que hoy en día es una reliquia de tiempos pasados (y mejores). Temas con “Love remembered”, “Mina/Drácula” y “The Brides” son armoniosos, tentadores y sensuales, y se deslizan por el alma como una serpiente enroscada. La otra gran obra de Kilar es la B.S.O. de “Retrato de una dama”, de Jane Campion, que exorna a una película que, en verdad, no es digna de una presea tan valiosa. En los “End Titles” se resume lo mejor de su creación. Kilar parece abocado a participar en filmes que no le hacen honor, y así tenemos la banda sonora de “La novena puerta”, que es muy buena, pero que se ve lastrada por pertenecer una película de calidad ínfima. John Barry Uno de los compositores que mejor sabe tratar temas románticos es John Barry. Películas como “Bailando con lobos”, de Kevin Costner, y “Memorias de África”, de Sidney Pollack, beben de su genialidad y le deben buena parte de su identidad. En la primera destacan “The John Dunbar Theme”, “Love Theme” y “Two Socks: The Theme”. De la segunda es inevitable reseñar “I had a farm in Africa” y “I had a compass from Denys”. Ennio Morricone A Morricone le ocurre algo parecido a lo que le sucede a Nyman: en la memoria colectiva su imagen está asociada de forma indisoluble a la banda sonora de “La Misión”, de Roland Joffé, si bien algunos también le recuerdan por la del “El bueno, el feo y el malo”, de Sergio Leone; y ello a pesar de que ha dado muchas y grandes composiciones. Sin pretender ser un iconoclasta o un émulo de Zoilo, en mi
opinión la mejor creación de Morricone es la banda sonora de “Érase una vez en América”, también de Leone. Nunca ha sonado mejor una armónica que en “Cockeye´s song”. También es digna de elogio “Deborah´s Theme”, la canción con la que daba sus primeros pasos en el cine Jennifer Connelly. La banda sonora de “La Misión” también ocupa un lugar preeminente en la fonoteca de todo amante de la música. Su pieza más célebre es “Gabriel´s oboe”, que en la película interpreta el personaje de Jeremy Irons con la flauta ante los atónitos y pugnaces indios guaraníes. Otra B.S.O. de Morricone que hay que destacar es la de “Cinema Paradiso”, de Giuseppe Tornatore, aunque quizá esté un poco sobrevalorada por el aura de emotividad asociada a la niñez y al despertar de los sentidos que le acompaña. Vangelis Si antes decía que nunca una armónica sonó tan bien hasta que la tocó Morricone, otro tanto podría decir del saxofón en relación con Vangelis, y, más concretamente, en el “Love Theme” de la B.S.O. de “Blade Runner”, de Ridley Scott. A esta película también pertenecen los “End Titles”, que se hicieron muy conocidos a raíz oírse, tiempo ha, en la cabecera de Informe Semanal. Una curiosidad acerca de esta banda sonora es que años después de su estreno y comercialización se editó un CD con piezas añadidas, entre las cuales sobresale “Rachel´s song”, que es una delicia para los oídos. Sin alcanzar las elevadas cotas de la citada composición, la de “1492: La conquista del Paraíso” es una obra a tener en cuenta. Brillan con luz propia “Monastery of La Rabida” y “Light and shadows”. Menionaré de igual modo su composición para “Carros de fuego”, de Hugh Hudson, que a mí no me encandila, pero que en su momento fue mítica. John Williams John Williams es otro compositor que tiende a formar tándem con un director; en este caso, con Spielberg. Es uno de los más prolíficos que hay. Sinceramente, yo no recuerdo cuántas bandas sonoras ha compuesto. De todas ellas, yo me quedo dos: la de “Inteligencia Artificial” y la de “La lista de Schindler”. La primera de ellas me parece excepcional, una obra maestra. En la banda sonora de “A.I.” plasmó su quintaesencia, mostrándose como un epígono
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w Especial News de Tchaikovsky y Khatchaturian. Piezas como “Where dreams are born” y “The search for the blue fairy”, que cuentan con la voz de Lara Fabian, son enternecedoras, tanto como las imágenes surgidas de la imaginación de Spielberg. Otras como “The Moon raising” o “The Mecha World” crean un contraste por su velocidad y percusión, e incorporan ritmos árabes que ineluctablemente recuerdan a “Blade Runner”. “La lista de Schindler” es una referencia obligada cuando se habla de Williams. Consiguió unos sones muy dramáticos con el violín. También menciono la “Cavatina” de “El cazador”, que es lo mejor de la película de Michael Cimino. Howard Shore El compositor canadiense está en racha. Así lo atestiguan sus trabajos para películas como la trilogía de “El Señor de los Anillos”, de Peter Jackson, o para Scorsese en “Gangs of New York”. Shore se dio a conocer por sus colaboraciones con su compatriota David Cronenberg, pero ahora ha alcanzado tal éxito que se lo reparten los estudios más importantes. La B.S.O. de “Las Dos Torres” es su trabajo más destacado, con temas como “The riders of Rohan” o “Foundations of stone”. Basil Poledouris Del compositor de origen griego sólo reseñaría una obra: la banda sonora de de John Milius; que, no es realmente buena.
“Conan el bárbaro”, obstante,
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“Theology y Civilization”, “The Orgy” y “Riders of the steel” son temas que no hay que perder de vista. Michael Galasso / Shigeru Umebayashi Una de las últimas revelaciones cinematográficas que he tenido es “In the mood for love”, de Wong Kar-Wai. Esta sin par película, además de atesorar unos exquisitos fotogramas, filmados desde una sensibilidad fuera de lo común, contiene una música que bien puede despejar un cielo nublado. Dos son los temas que se quedan adheridos a nuestro oído: “Yumeji´s Theme”, una especie de vals oriental compuesto por Shigeru Umebayashi, y “Angkor Wat Theme”, la sutil melodía obra de Michael Galasso que suena al final del filme, cuando el personaje de Tony Leung visita las ruinas del templo de Angkor Wat para susurrar en un agujero su amor secreto y taponarlo. El director chino también tuvo la brillante idea de incluir algunas canciones de Nat King Cole, como “Aquellos ojos verdes” o “Quizás, quizás, quizás”, que, en verdad, formaban parte del sonido característico de la ciudad de Shangai en la época en que se desarrolla la película (años 60). Con su último filme, “2046”, Wong Kar-Wai ha vuelto a demostrar que es un sibarita de la música. La “Polonaise” y el “Main Theme” de Umebayashi, el “Adagio” de Secret Garden o “Dark Chariot” de Peer Raben, son piezas de una hermosura singular. Por supuesto, no faltan los boleros, con “Siboney” cantado por Connie Francis y la versión instrumental de “Perfidia” de Xavier Cugat. También está presente el eterno Nat King Cole, con su “The Christmas Song”.
Entrevista: Épica Contemporánea
El rock de estadios está de enhorabuena. La banda de Matt Bellamy regresa igual de dramática y excesiva con “The Resistance”, un disco más accesible e igual de soberbio que los anteriores. Nunca más de lo mismo fue tan diferente.
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Si no hubiera prejuicios, de qué íbamos a hablar en los bares. La pérdida de esas conversaciones tan vacías y tan llenas de opiniones infundadas convertirían el abandonar la tranquilidad de nuestros hogares en algo demasiado aburrido. Muse son un grupo sobre el que hay prejuicios suficientes: ¿excesivamente épicos? ¿cada vez más comerciales?… La respuesta es afirmativa en los dos casos, pero también es cierto que “The Resistance” es un álbum excelente. Más accesible que trabajos anteriores y con grandísimas canciones. El fantasma de los cambios importa poco a Dominic Howard (batería). “Ahora tenemos la libertad suficiente para poder buscar una dirección diferente en nuestras canciones, pero siempre va a haber alguien que nos critique por hacer algo distinto. Para el grupo es bueno que haya esas expectativas de cambio porque nos hace asumir riesgos. Por poner un ejemplo, nos gusta mucho trabajar con instrumentos a los que no estamos acostumbrados”. Asomarse a lo imprevisible ha sido una de las constantes en la carrera de los de Devon, que en esta ocasión han preferido preparar las canciones en su ciudad y trasladarse a rematarlas al estudio del cantante cerca del Lago de Como, al norte de Italia. (Matt Bellamy) “Hemos tenido muy buenas experiencias con los productores con los que hemos trabajado, pero habíamos alcanzado suficiente confianza al trabajar en nuestro propio estudio como para animarnos a producir nosotros mismos. Algo muy importante al tomar esta decisión es que el final del disco no se hubiera podido hacer de otra manera, porque necesitábamos bastante flexibilidad y tiempo para experimentar”. Más de quince minutos de piano y orquesta en los que Bellamy ha trabajado durante años y a los que dedicó tres meses para ensamblar todas las piezas. “Era la primera vez que componía para orquesta, y ha sido un trabajo duro; una apuesta por mi mismo a la que el resto de la banda ha respondido de manera fantástica”. “Exogenesis Symphony” es un delirio excesivo en tres episodios, ambicioso y catártico; pero también un admirable ejercicio
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de estilo con una historia detrás. “Quería hacer algo parecido a una película de ciencia ficción. La primera parte habla de una civilización que habita un planeta cuya vida está llegando a su fin. En la segunda, una pareja escapa del planeta para sobrevivir, y en la tercera llegan a un nuevo planeta para empezar de nuevo, tratando de no cometer los mismos errores”. La sensación global de que en algún momento la gente se va a cansar de aguantar las tonterías de los gobernantes es el tema principal de un disco que no puede etiquetarse como conceptual y que deja claro que la voz del pueblo es igual de fuerte desde la reivindicación política que desde la épica grandilocuente de la distorsión y el rock de estadios. (Bellamy) “A lo largo de todo el álbum hay una fuerte influencia de hechos políticos que están pasando en este momento, no sólo en el Reino Unido, sino a nivel global. Mi país está indignado con el comportamiento de los miembros del Parlamento, la política antiterrorista… El día a día se parece cada vez más a una lucha entre la gente normal, la policía y el gobierno. Hay una fuerte necesidad de cambio, que es de lo que hablan canciones como ´Smooth´ y ´Uprising´ (casi un himno futbolero criticando el sistema bancario británico) o el tema que elegimos como adelanto, ´United States Of Eurasia´”. En palabras del bajista Chris Wolstenholme: “Las personas ya no confían en las instituciones y la idea de ´La Resistencia´ está en nuestras mentes porque realmente algo está pasando en este momento”. La sombra nada difuminada de 1984 de George Orwell planea sobre muchas de las letras que podremos empezar a investigar a partir del 14 de septiembre, cuando “The Resistance” salga a la venta. (Dominic Howard) “En el single puedes escuchar a niños jugando y palabras como ´daño político´ o ´fuego amigo´. Varias canciones sugieren una nueva vida y es algo que creo que tiene mucha fuerza. La verdad es que no hay más que pensar en las cámaras de circuito cerrado que tenemos en Londres, están por todos sitios”.
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Track List: 1.- All My Life 2.- Best Of You 3.- Everlong 4.- The Pretender 5.- My Hero 6.- Learn To Fly 7.- Times Like These 8.- Monkeywrench 9.- Big Me 10.- Breakout 11.- Long Road To Ruin 12.- This is a Call 13.- Skin and Bones 14.- Wheels
Foo Fighters
15.- Word Forward 16.- Everlong (acústico)
Greatest Hits
Una de las bandas que ya habían tardado en lanzar una compilación de grandes éxitos, era sin duda Foo Fighters. Con Dave Grohl ocupado en la batería de Them Crooked Vultures, FF se han tomado un “receso”, sin embargo incluyeron 2 temas nuevos en esta compilación que recorre lo mejor de su trayectoria musical. Esta placa incluye: La compilación al igual que la trayectoria de esta banda, comienza bien: potente, rockera, sin pretensiones y con los temas que consolidaron a FF, sin embargo, después de la melancolía viene la cruda realidad, en especial con los 2 nuevos tracks; ‘Wheels’ y ‘Word Forward’, canciones en donde se nota que el lugar de Grohl está en el banco de batería, y que los mejores tiempos de FF lejos están de regresar. La composición de Grohl se ha vuelto ya monótona, y al experimentar, los tracks podrían rayar en el pop (lo cual no tiene nada de malo si está bien hecho, cosa que Grohl no logra). En fin que este material retrata los buenos tiempos y augura el fin de Grohl como líder ingenioso. “Zapatero a sus zapatos” dicen popularmente ¿Cuántos no prefieren a Grohl en la batería que con guitarra en mano? Si alguien duda el rol del ex-Nirvana, ‘Wheels’ y ‘Word Forward’ despejarán cualquier duda.
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Track List: 1.- Uprising 2.- Resistance 3.- Undisclosed Desires 4.- The United States of Eurasia 5.- Guiding Light 6.- Unnatural Selection 7.- MK Ultra 8.- I Belong to You 9.- Exogenesis : Symphony Part I 10.- Exogenesis: Symphony Part II 11.- Exogenesis: Symphony Part III
Muse The Resistance
Muse, es una de las bandas que más expectación ha creado en los últimos años. Matt Bellamy y compañía, regresan con su material más ambicioso en su carrera, la cual siempre se ha caracterizado por su gusto a las melodías épicas, pianos melancólicos y voces y arreglos de ópera. Ya dejando de lado completamente su lado psicodélico y por momentos obscuro que presentaran en sus dos primeras producciones, “The Resistance” envuelve todo un concepto que incluye letras con carga política y sintetizadores que dan la impresión de que la banda se encuentra cómoda con éste nuevo sonido. Canciones como ‘Uprising’ y ‘Unnateral Selection’ combinan de forma acertada los riffs de guitarra y los coros agudos a los que nos tienen acostumbrados, con el piano que toma el control en éste nuevo sonido de la banda inglesa. Por si fuera poco, Bellamy lleva su sonido al extremo, al ofrecer ‘Exogenesis: Symphony’ en tres tiempos y que reúne de forma acertada la música clásica con el rock al más puro estilo de Muse.
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Track List: 1.- Losing Touch 2.- Human 3.- Spaceman 4.- Joy Ride 5.- A Dustland Fairytale 6.- This Is Your Life 7.- I Can’t Stay 8.- Neon Tiger 9.- The World We Live In 10.- Goodnight, Travel Well
The Killers Day and Age
Brandon Flowers, así de flaquito como lo ves, puede crear maravillas. Después de “Sam’s Town”, de 2006, que estaba bueno pero no tanto, The Killers se va de paseo en Cadillac en “Day and Age” por el lado perversito-melancólico-divino de su Las Vegas natal, y entregan las canciones más calidas, humanas y muevenalga también de su carrera. Se llora y se baila. “Losing Touch” es hermosa, huele a Bowie y al staccato de saxo de Bruce Springsteen con la E-Street Band, mareas de sintetizadores y un estribillo gigantesco. “Human” es gigantesca también, con su pregunta esencial, reversión new wave, teclados emocionantes, y Flowers que da la mejor melodía vocal de su vida. Es hermosa, de verdad. Pura fantasía. “Spaceman”, más rockera, mueve con más teclados, beat derecho y olor a hit plaga de este verano en tu playa amiga. “A Dustland Fairytale” suena a Springsteen totalmente, historia de amor rockera con blue jeans, el piano que va y la guitarra heróica de Dave Keuning, y Flowers otra vez, que se la monta toda encima, y sale campeón. El bajo robótico y el tempo a lo Talking Heads en “I Can’t Stay”, y “Neon Tiger”, que podría estar en la banda de sonido de “Top Gun”, especialmente, en alguna escena triste, con ese estribillo enorme, gigante. A eso suena “Day and Age”: a gigante pop.
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Track List: 1.- Castellorizon 2.- On An Island* 3.- The Blue 4.- Take a Breath* 5.- Red Sky at Night 6.- This Heaven 7.- Then I Close My Eyes 8.- Smile* 9.- A Pocketful of Stones* 10.- Where We Start*
David Gilmour On an Island
Pink Floyd ha tenido tres etapas con tres pilares diferentes: Syd Barett, Roger Waters y David Gilmour. Cada uno tenía su fuerte bien específico. Barrett en la experimentación, Waters en los conceptos y las letras y Gilmour en la música. Muchos dicen que los últimos trabajos de PF fueron esencialmente discos solistas de David Gilmour, pero sin lugar a dudas “On an island” es su trabajo más personal. Grabado principalmente en su estudio Astoria, (en una casa flotante en el río Thames) On an Island es un trabajo de años de recopilación de ideas entre Gilmour y Phil Manzanera (ex-Roxy Music) El disco presenta un aire de estar en una hamaca mirando el río, con el aditamento de tu preferencia y buena compañía. El sonido de guitarra y los solos siguen siendo el trademark de Gilmour, ambos presentes en esta producción especialmente en “On an island”. Este es el mejor tema del disco y cuenta con las armonías vocales de Graham Nash y David Crosby y el órgano Hammond de Richard Wright (tecladista de Pink Floyd)
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Track List: 1- Spiralling 2.- The Lovers Are Losing 3.- Better Than This 4.- You Haven’t Told Me Anything 5.- Perfect Symmetry 6.- You Don’t See Me 7.- Again And Again 8.- Playing Along 9.- Pretend That You’re Alone 10.- Black Burning Heart 11.- Love Is The End 12.- My Shadow
Keane Perfect Symmetry
El último disco de Keane ha sido una buena fuente de discusiones sobre el rumbo de su música. La expectativa estaba centrada en qué seguiría al muy melancólico e indie “Hopes and Fears” y al pop progre de “Under the Iron Sea”. El single “Spiralling”, con sus referencias al Bowie de los 80, en particular, y al synth-pop de toda esa ¿gloriosa? década, por lo menos dejó claro que los chicos trataban de divertirse, aunque fuese a costa de los emo-fans. Lo que primero destaca al escuchar el disco completo es el uso de ¡¡¡guitarras!!!! Si, señores, Chaplin toca la guitarra. No es Hendrix, pero con la Tele logra algunos simpáticos arreglos, como el lead de Spiralling o las rítmicas de Pretend that you’re Alone Si bien la mayoría señala que el disco se divide entre una primera mitad electrónica-80 y una segunda más clásica, yo diría que tenemos 3 grupos de temas: los electrónicos-alegres, los covers encubiertos y los de continuación del estilo Keane clásico. Entre los temas electrónicos, que son un homenaje a toda una época, tenemos los ya nombrados Spiralling y Pretend that you’re Alone, The lovers are Losing, Better than this (uno de mis preferidos), You haven’t told me anything. En resumen, un intento de explorar nuevos sonidos, que cuando no resulta por lo menos es decente y que cuando logra su objetivo, es muy bueno.
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Track List: 1.- Fuerza Natural 2.- Deja Vu 3.- Magia 4.- Amor Sin Rodeos 5.- Tracción A Sangre 6.- Desastre 7.- Rapto 8.- Cactus 9.- Naturaleza Muerta 10.- Dominó 11.- Sal 12.- Convoy 13.- He Visto A Lucy 14.- #
Gustavo Cerati Fuerza Natural
Luego del éxito obtenido con “Ahí Vamos” (2006), el músico argentino regresa con su quinta producción de estudio, en el cual una vez más, experimenta y da un giro a la gama de sonidos que nos ha presentado a lo largo de su etapa solista. Un material lleno de canciones tranquilas, donde llama la atención la incorporación de guitarras acústicas y mandolinas. ‘Deja Vú’, el primer sencillo, engloba el concepto que se presenta a lo largo de “Fuerza Natural”, una combinación de lo que ha hecho Cerati en cada uno de sus discos, desde sintetizadores y pianos, pasando por el rock, hasta llegar a una atmósfera pop acústico, que le dan un toque fresco y renovado. Por supuesto las letras son una parte fundamental, una combinación de metáforas relacionadas con el amor y el desamor, el sello de la casa. Con este material, Gustavo Cerati reafirma una vez más su talento y capacidad que tiene de reinventarse a sí mismo tras cada uno de sus discos.