SHOWBUZZ DIC 2020 - ENE 2021 by S H O W B U Z Z

WE ARE ENTERTAINMENT

DIC-ENE

N º2 20/21

DIRECTOR’S CUT PRESENTE Y FUTURO DEL CINE DOMINICANO

ÍNDICE FOTO PORTADA Locación: PINE VOX VISUAL STUDIO Talentos: JOSÉ MARÍA CABRAL, TABARÉ BLANCHARD, ANDRÉS FARÍAS, LAURA AMELIA GUZMÁN, LETICIA TONOS Y NATALIA CABRAL. Fotografía: KAROLINE BECKER Maquillaje: YUVANAMUA Peinado: MAX PAULINO

ON THE COVER Director’s Cut

SBZ

DICIEMBRE - ENERO

8 10 12 13 14 19 20 21 25 26 28 30 34 38 59 62 68 78 84 88 90 92 96 98 104

ARCHIVO Liza Minnelli. SPORTSTARS Roger Federer: un rockstar dentro y fuera de la cancha. FACETIME Argenis Brito de cerca. FYI Rubik: el cubo infinito.

DIRECTOR

Pedro García boss@showbuzzrd.com SUBDIRECTORA

Fabiana d’Agostino boss@showbuzzrd.com EDITORA

Ana Blanco editor@showbuzzrd.com COORDINADOR DE CONTENIDO

TECH TikTok: la red social del momento. ARTE Creadores a ritmo de layers. TEATRO Grauman’s Chinese Theater. LIBROS 2021: lectura imprescindible. THEN & NOW Agente 007. TRENDING Las muchas vidas de Harry Styles. LA ESQUINA DEL SUPERHÉROE Mujer Maravilla Vs Gal Gadot. PULSO URBANO Moda urbana. CULTURA POP John Hughes. ¿SABÍAS? Salas de cine: + de un siglo de historia. ADDICT Trekkies. RETRATOS Waddys Jáquez. FINAL CUT Papi… a tres bandas. INSIDE La X 102.

Luigi Puello opinion@showbuzzrd.com DIRECTOR DE ARTE

Carlos Romero arte@showbuzzrd.com COLABORADORES

Camilla Báez Pachico Tejada Miguel Cunillera Karina Ciprián Elsa Julia Turul Isabella García De Jesús Manuel Betances Joan Prats Romeo González REDACCIÓN

Joan Sebastian Carla Frontán Estela Heyaime CORRECCIÓN DE ESTILO

Editec GERENTE DE VENTAS Y PUBLICIDAD

Karolyn Folch ventas@showbuzzrd.com PUBLICIDAD Y DISTRIBUCIÓN

Skywolf Media Group ventas@showbuzzrd.com FOTOGRAFÍA

Karoline Becker Pedro Bonilla Fuentes Externas IMPRESIÓN

Serigraf REDES SOCIALES

@Showbuzzrd

LEYENDAS EN RD Omar Sharif. WEBSITE

KLK Yamil Ureña: Súbete a mi moto.

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INSIDE La edad de oro de los documentales.

info@showbuzzrd.com

GASTRONOMIA 3 amazonas tras la excelencia gastronómica. 2020 Lo mejor & lo peor.

MAIL

FE DE ERRATA La autoría de la canción Por eso ahora corresponde a Juan Luis Guerra y no a Luis Dias como erróneamente indicamos en la edición de octubre 2020 en la sección Radiografía. Además la venta fue de unos 30 millones y no de 70 como indicamos en el reportaje.

SHOWBUZZ es una publicación bimestral de Skywolf Media Group, SRL. El contenido de esta edición tiene todos los derechos reservados y no debe reproducirse en ninguna de sus partes sin autorización escrita del editor.

TV MANIA La guerra de los OTT. CARTA EDITORA

Todas las colaboraciones son solicitadas. Skywolf Media Group no se hace responsable jurídicamente de las opiniones emitidas por sus colaboradores. Registrada en la Oficina Nacional de Derechos de Autor (ONDA) bajo el número 02230/07/2020, Folio 30. Registro del Ministerio de Interior y Policía en proceso. Todos los Derechos Reservados.

Jn 14:6

R O T C E R I

Como dije en el discurso del lanzamiento: “Me he rodeado del mejor equipo de trabajo que se pueda pedir”. Llegó diciembre, llegó la Navidad, una de mis épocas favoritas del año, así mismo también termina este 2020, un año diferente, difícil, complejo, en el que debemos hacer un stop y mirar hacia atrás y ver con una lupa todo lo que hemos vivido, aprendiendo a tomar y a dejar; siempre y cuando no nos olvidemos de dónde venimos y hacia dónde vamos, sin jamás olvidar a tanta gente querida que nos dejó físicamente de este plano terrenal, así como a la clase médica que se ha entregado para salvar tantas vidas. En nuestra segunda entrega hemos dedicado gran parte del contenido a la industria del cine tanto nacional como internacional. En nuestra portada podrán deleitarse con estos 6 directores cinematográficos dominicanos, en unas entrevistas realizadas por la productora de cine Elsa Julia Turull, en la sección retratos con nuestro querido Waddy Jacquez, hablamos de los primeros 100 días con nuestra ministra de cultura Doña Carmen Heredia, un Facetime con el exchamo Argenis Brito, y sabremos algo más del actor dominicano Yamil Ureña, además de otros temas que dejo que descubran. Estamos en pandemia, pero seguimos vivos a Dios gracias, y con muchos deseos de continuar, mientras tanto nosotros mantenemos nuestra constante búsqueda para llevarles un producto de calidad que sea de su total interés, tratando en cada de entrega de superarnos.

A todos les deseo que pasen unas felices fiestas junto a sus familiares y que Jesús renazca en el corazón de cada uno de ustedes, a la vez deseándoles un nuevo año lleno de bendiciones, de luz y mucha salud. Hasta el próximo número …. Y recuerden:

Do or do not, there is no try.

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boss@showbuzzrd.com

Les agradezco a nuestros lectores por su interés y hacernos mejorar en cada edición, a nuestros anunciantes por seguir creyendo en nosotros y permitirnos llegar a ustedes a través de nuestra revista impresa, así como por el portal web y las redes sociales.

Finalmente, el pasado mes de octubre hicimos el lanzamiento en medio de esta pandemia de nuestra primera edición, la cual nos ha traído muchas satisfacciones a cada uno de los que estamos involucrados en este proyecto. Les puedo decir que tanto en lo personal como en lo laboral me siento sumamente orgulloso del resultado final que obtuvimos con nuestra primera edición, la acogida que hemos tenido ha sido impresionante, los elogios, las felicitaciones, ya sea por redes, emails, cartas o personalmente han sido motivo de muchas alegrías.

Vito Corleone The Godfather 1972

Por SBZ

Enrique Iglesias

ZOE SALDAÑA “La realidad es que puedes prolongar lo inevitable, pero nunca lo detendrás. Los latinos son la mayoría en esta nación”.

Fue en 1995 que Enrique Iglesias lanzó su primer álbum sin el conocimiento de sus famosos padres, Julio Iglesias e Isabel Preysler. Desde entonces sus innumerables logros, su simpatía en el escenario, su popularidad y, sobre todo, su gran aporte a la música latina han hecho que tras 25 años de carrera los premios Billboard Latinos en su edición 2020 le otorguen el reconocimiento como EL ARTISTA LATINO TOP DE TODOS LOS TIEMPOS.

BROOKE SHIELDS “No pierdas ni un minuto sin ser feliz. Si una ventana se cierra, corre a la siguiente ventana o derribar una puerta”.

Los números hablan por sí solos, por eso no nos sorprende que su predominio en estas listas le haya llevado a recibir el título del Rey del Pop.

• 27 títulos en el puesto no.1 en la lista de Hot Latin Songs y el mayor número de top 10 de la lista, con 39.

• Tiene el récord con más títulos no.1 en el Latin Pop Airplay,, con 24 y con más Airplay top 10 de dicha lista, con 43.

• Es el artista con más títulos no. 1 en el Latin Airplay Airplay,, cuenta con 31 títulos y con más top 10, con 40.

• Sostiene el récord del Billboard Dance Club Songs Songs,, con el mayor número de títulos en el no. 1 entre los artistas latinos, con 14 y el mayor número de top 10 entre las actuaciones latinas, con 25.

180

+ CIFRAS

MILLONES de álbumes vendidos.

• En la lista de Hot 100 ha logrado 25 entradas, con 2 títulos en el no. 1 y cinco entre los top 10. En los Hot 200, 14 entradas con tres en el top 10 y un título en el no. 1 de la lista Pop Songs Airplay,, con siete entre las Airplay top 10.

MILLONES de visitas a sus videos musicales.

ELLEN DEGENERES “A veces no te puedes ver a ti mismo con claridad hasta que te ves a ti mismo a través de los ojos de los demás”.

• Enrique Iglesias ha ganado también el mayor número de premios en la historia de los premios Billboard de la música latina, con 47.

JULIO IGLESIAS “He sido como Ronaldo en el Bernabéu. Las críticas me han hecho meter más goles”.

• Sus aportes no han sido solo en la música, ha apoyado incondicionalmente los esfuerzos de Save The Children,, con el fondo para Children ayuda a desastres.

CHESPIRITO “La risa es una expresión de triunfo del cerebro. Si te ríes por un chiste es porque lo entendiste”.

DADDY YANKEE “Me siento muy orgulloso de representar a mi comunidad y ser latino. Sin duda, por encima de mi carrera y las ventas, ser latino es lo primero”.

BILLONES

de transmisiones de sus canciones.

ÁLBUMES DE ESTUDIO 10 • RECOPILATORIOS 6 • SENCILLOS 54 • VIDEOS MUSICALES 56 • COLABORACIONES 9

SEAN PENN “Cuando todo se responde, es falso”.

ANA BELÉN & VICTOR MANUEL

1. Fue grabado en el Palacio de los Deportes de Gijón en el 1994. Este estadio tiene capacidad para 7,000 mil personas y fue inaugurado en 1992 con un concierto de Luciano Pavarotti. 2.

El audio se tomó de las dos noches consecutivas de concierto, donde Víctor Manuel & Ana Belén compartieron junto a Joan Manuel Serrat, Juan Echanove, Joaquín Sabina, Manolo Tena, Pablo Milanés, Miguel Ríos y Antonio Flores. Un concierto donde cada uno de sus integrantes jugaba y reinterpretaba sus más sonados éxitos.

3. Por Luigi Puello

En España alcanzó ventas de 6 discos de platino y 12 disco de oro. Muchos críticos lo apuntan como la producción más representativa de la movida madrileña.

Llevan casados desde 1972 y Ana Belén ha aparecido en más de 40 películas, más de 30 obras de teatro y ha

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DICIEMBRE - ENERO

Por SBZ

CONAN O’BRIEN El próximo mes de junio Conan O’Brien pondrá fin oficialmente a su programa de entrevistas nocturno después de 28 años. Lo único que sobrevive son sus especiales de viaje de Conan Sin Fronteras, que en el pasado vieron a O’Brien atormentar a su tripulante Jordan Schlansky por toda Italia y también dirigirse a Groenlandia para averiguar qué piensa el país de un Estados Unidos bajo el presidente Donald Trump. Definitivamente se siente como el final de una era, pero el comienzo de una nueva. A partir de 2021, O’Brien obtendrá su propia serie de variedades semanal para la plataforma de transmisión HBO Max.

ROCKY 4: The Director’s Cut Sylvester Stallone dice que la versión The Director’s Cut de Rocky IV llegará para el aniversario de la película. “Para el 35º aniversario, Rocky IV recibirá un nuevo corte del director. Hasta ahora se ve genial y conmovedor. Gracias a MGM por esta oportunidad de entretener”, dijo el actor en su cuenta de IG junto con un impresionante dibujo de la película. La película de 1985 fue un gran éxito y presentó al público a Dolph Lundgren, quien interpretó al imponente Ivan Drago, el boxeador premiado de los soviéticos. La película marcó la aparición física final de Carl Weathers (Apollo Creed) en la serie.

grabado alrededor de 35 producciones discográficas. Una pregunta interesante es cómo le da el tiempo.

Aunque la producción cuenta con verdaderas joyas musicales de diferentes compositores, se utilizó para lanzar dos canciones inéditas: Contamíname de Pedro Guerra, la cual es un himno al mestizaje cultural y Yo también nací en el 53 de Víctor Manuel y Andrés Molina.

6. A su salida ocupó el #1 de las principales listas de España, Latinoamérica y el Estado de N.Y. 7.

Este disco cuenta con una interpretación en español de la canción emblemática de Billy Joel The piano man, la cual fue grabada por Víctor Manuel cuando empezaba a jugar con pinceladas de pop en sus canciones.

FRIENDS: reanuda en marzo del 2021 La estrella de Friends, Matthew Perry, anunció que el especial de la muy esperada reunión de todo el elenco por HBO Max se reprogramó para grabar en marzo de 2021, más de un año después de que se anunció por primera vez. El especial de reunión sin guión traerá a los seis miembros principales del elenco de la comedia de NBC: Jennifer Aniston, Courteney Cox, Lisa Kudrow, Matt LeBlanc, Perry y David Schwimmer. “La verdad es que lo haremos cuando todos determinemos que es seguro hacerlo”, dijo Schwimmer a EW. “No hay duda de que queremos hacerlo y va a suceder. Es realmente una cuestión de cuándo será el momento más seguro para hacerlo”. El elenco planea reunirse en el soundstage original de Friends de los estudios de Warner Bros., junto con los co-creadores Marta Kauffman y David Crane, y recordar cómo trabajaron en la serie, lo que debería conducir a una conversación interesante.

THE GODFATHER CODA: The Dead of Michael Corleone Para celebrar el 30 aniversario de El Padrino: Parte III, el director y guionista Francis Ford Coppola trae una nueva edición y restauración definitiva. La imagen y el sonido meticulosamente restaurados de la película, bajo la supervisión de American Zoetrope y Paramount Pictures, incluye un nuevo comienzo y un nuevo final, así como cambios en las escenas, tomas, musicalización y sonido. El proyecto resultante refleja las intenciones originales del autor Mario Puzo y Coppola de The Godfather: Part III, y ofrece, en palabras de Coppola, “una conclusión más apropiada para The Godfather y The Godfather: Part II”. En una entrevista con CBS This Morning, Coppola dijo que cree que la nueva versión reivindica la película, que, aunque fue nominada para una gran cantidad de premios Oscar, fue atacada salvajemente por críticos y algunos fanáticos. “Era como tirar del hilo de un suéter que te molestaba y terminas re-tejiendo todo el suéter”, dice sobre el nuevo corte, que ha sido retitulado The Godfather Coda: The Dead of Michael Corleone. “Si una audiencia no comprende lo que está sucediendo, es muy difícil para ellos estar emocionados”. Desde el 8 de Diciembre está disponible en DVD, Blu-ray y video on demand.

8. Su canción más famosa La puerta de Alcalá fue compuesta por el grupo suburbano (Luis Mendo & Bernardo Fuster) y fue prometida a Ana Belén, quien la incluyó en su producción: Para la ternura siempre, la cual fue número uno por 7 semanas consecutivas y logró ventas de 6 discos de oro y 3 de platino en España. 9.

La canción nace de una noche de borrachera que empieza en un local en Madrid frente a la protagonista. Cuentan los testigos que empezaron burlándose de las miradas de los que llegaban a admirar el monumento, luego la actividad siguió en el apartamento de Paco Villar, en donde empezaron a verbalizar coplas en forma de vacilón. Estas empezarían a tomar seriedad y Luis Mendo decidió ponerle música con su guitarra y Ana empezó a tararearla. El resto es historia.

10. La estructura de la canción La Puerta de Alcalá cuenta con 6 estrofas: a. La primera sirve de introducción. b. La segunda es dedicada al patrocinador de la construcción: Carlos III. c. La tercera habla de la batalla de Madrid: donde se toma del famoso discurso contra el fascismo de Dolores Ibarruri. Las palabras: “no pasarán”. Que describen que el fascismo no pasará por Madrid y que allí terminaría. d. La cuarta estrofa habla de la dictadura de Franco y las revueltas estudiantiles en contra de él en los años 60. e. La quinta habla de la famosa movida madrileña de la época post franquista de la década de los 80. f. Por último el cierre de la canción honra el famoso monumento y le reconoce ser testigo de muchos momentos.

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“Mi madre me l levó, pero mi padre me dio mis sueños”.

MINNELLI

Por Pedro García

Liza May Minnelli, actriz, cantante, bailarina y coreógrafa norteamericana, nacida el 12 de Marzo de 1946 en Hollywood, California. Hija del famoso director de cine Vincente Minnelli y de la actriz, cantante y bailarina americana Judy Garland. Sus padres la nombraron después de la canción de Ira Gershwin: Liza (All the Clouds’ll Roll Away).

Su primera experiencia en el cine fue a la edad de 3 años, apareciendo en la escena final del musical In The Good Old Summertime de 1949, que contaba con las actuaciones de su madre Judy Garland y de Van Johnson. Ganadora de los premios Óscar y Golden Globes como mejor actriz por su papel de Sally Bowles en la película musical Cabaret en 1973. En su haber, también ha grabado 11 álbumes de estudio. Inducida al Paseo de la Fama de Hollywood el 30 de septiembre de 1991, como Live Performance. En el 1990 recibió el Premio Grammy Leyenda, convirtiéndose en una de las pocas artistas que han ganado los cuatro premios principales del entretenimiento: Óscar, Tony, Emmy y Grammy. Liza y su madre, Judy Garland, fueron las primeras madre e hija en ser nominadas al premio Óscar. Sus apodos son: The Queen Of Hollywood (La Reina de Hollywood) / The Queen Of Broadway (La Reina de Broadway). Principales películas: Cabaret, Arthur y The Sterile Cuckoo. Dentro de sus álbumes más notables están: Results (1989), Gently (1996) y Liza’s Back (2002).

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UNA VIDA DE PELÍCULA A principios de la década de 1980, durante la preproducción de una versión cinematográfica de Evita y Nueva York, el director Ken Russell audicionó a Liza para el papel. Russell estaba tan impresionado que se negó a hacer la película sin ella. El productor Robert Stigwood lo despidió rápidamente y la película permaneció inactiva durante más de 10 años hasta que salió la versión de Madonna en 1996. Mientras que la versión de Frank Sinatra de Nueva York, Nueva York se juega en el Yankee Stadium después de cada victoria en casa de los Yankees, la versión de Liza Minnelli se juega después de cada derrota en casa de los Yankees. Su papel con Robert De Niro en la película de drama musical: New York, New York le dio a Liza Minnelli su canción más conocida. Liza Minnelli fue invitada a participar en Pavarotti & Friends for War Child el 20 de Junio de 1996, donde interpretó la emblemática canción New York, New York junto a Pavarotti. El concierto se llevó a cabo en el Parco Novi Sad, en la ciudad natal del tenor en Modena, Italia. SOBRE JUDY En una publicación en Facebook en respuesta a un informe de que ella se había “unido” con Zellweger para la interpretación de Garland en la película Judy dirigida por Rupert Goold, Minnelli escribió: “Nunca me he encontrado ni hablado con Renée Zellweger... No sé cómo comienzan

estas historias, pero no apruebo ni sancionó la próxima película sobre Judy Garland de ninguna manera“. Cualquier informe contrario es 100% ficción. LIZA Y DIANA “Tuve la suerte de contar con la princesa Diana como amiga. Me la presentaron por primera vez cuando vino al backstage después de un concierto que hice en Londres. Luego nos encontrábamos en estrenos o eventos en los que ella era la invitada de honor. Comenzábamos a conversar y luego nos reuníamos para tomar el té ... Mi instinto era protegerla. Hablamos de todo lo que hay bajo el sol. A ella le encantaba la música.” En la famosa foto tomada por Dave Benett en 1991 aparecen la princesa Diana y Liza Minnelli en una fiesta posterior al estreno de la película Stepping Out. Bennet la considera como la mejor foto de toda su carrera. Cuenta que Diana rara vez iba a los after parties, pero tenía una gran relación con Liza Minnelli. “Estaba en el hotel Langham, esperando en el salón de baile, y de repente hubo todo este alboroto en la calle afuera - flash, flash, flash - y entró Diana con Liza. Por supuesto, eso me presionó mucho para obtener la imagen, porque era muy raro que ella asistiera a un evento no oficial. Me dijeron que tenía 10 segundos con ella. En esta etapa de mi carrera como fotógrafo de celebridades, Diana ya me conocía. Ella me llamó Sr. Benett. La había fotografiado en fiestas y sabía que podía confiar en mí para sacar una foto y luego dejarla en paz. Esa era la cuestión: no me especializaba en la realeza. No intentaría encontrar los lugares en los que estaba, solo la fotografié cuando llegó a mi mundo. Me gusta la imagen porque, por solo un segundo, sus barreras están abajo. Ella es solo

“No fue una gran t r aged ia s er la hija de Jud y G arland . Tuve año s d e infancia t rem end am ente interes antes , excepto q ue tuviero n po co q ue ver co n s er un niño .” una mujer joven que se ríe tontamente como una novia en una mesa en una fiesta.” LIZA Y LOS RAT PACK En abril de 1988 Frank Sinatra, Liza Minnelli y Sammy Davis Jr. anunciaron que unirían sus fuerzas para una gira de 18 conciertos en 12 ciudades de los Estados Unidos. La gira, denominada The Ultimate Event, debutó en el Summit Arena de Houston el 17 de septiembre y finalizó en el Teatro Chicago el 16 de octubre. “Liza ha sido una buena amiga durante muchos años y mi admiración por ella es ilimitada”, dijo Davis. Dean Martin, quien comenzó con los amigos del Rat Pack: Sinatra y Davis en su gira nacional Together Again, tuvo que abandonar después de seis conciertos cuando estalló un viejo problema renal. El resto de su programa de actuaciones de 1988 se limitó a Las Vegas, Nevada. “Extrañamos a Dean y lo amamos, es como un hermano para mí y Sam”, dijo Sinatra. ″ Liza es la mejor intérprete femenina de nuestro tiempo. Ella es una gran dama y siempre es un privilegio compartir un escenario con ella.” LIZA Y LUCIANO Liza Minnelli fue invitada a participar en Pavarotti & Friends for War Child el 20 de Junio del 1996, en donde interpretó la emblemática canción New York, New York junto a Pavarotti. El concierto se llevó a cabo en el Parco Novi Sad, en la ciudad natal del tenor en Modena, Italia. Una intensa vida para una mujer que ha llegado a afirmar que “no soy muy buena cantante. Solo sé cómo presentar una canción, y con cariño, creo que he aprendido lo suficiente como para hacerlo bien.” Correcto.

Emmy Awards 5 Nominaciones 1 Ganado

Premios Óscar 2 Nominaciones 1 Ganado

Golden Globe 6 Nominaciones 2 Ganados

Tony Awards 4 Nominaciones 3 Ganados

Special Tony Awards Recibido en 1974

PREMIOS Y NOMINACIONES Fuentes: The Guardian/Pop Sugar

Fotos: fuente externa

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SPORTSTARS

Por Romeo González

ROGER FEDERER

oger Federer pasó la edad de rendimiento pico para un tenista profesional hace unos años ya, pero con su dedicación y perseverancia se ha mantenido entre los mejores del mundo, eso es algo que ha beneficiado a los amantes de la disciplina porque han podido disfrutar de una de las más relevantes carreras en un deporte individual por más tiempo de lo habitual.

UN ROCK STAR DENTRO Y FUERA DE LA CANCHA

SUS LABORES HUMANITARIAS Roger Federer ha participado en varias organizaciones benéficas, en el mes de diciembre del año 2003 creó la fundación que lleva su nombre, dedicada a financiar diferentes proyectos humanitarios dirigidos al bienestar de la niñez, principalmente en Sudáfrica, país donde nació su madre. En 2005 subastó la raqueta que utilizó para ganar el US Open para ayudar a las víctimas del huracán Katrina y en abril de 2006 se convirtió en el primer nacional suizo en ser nombrado Embajador de la buena voluntad de UNICEF. Su liderazgo, logros y contribuciones a la sociedad le valieron para ser nombrado como joven Líder Global 2010 por el Foro Económico Mundial. Luego del terremoto de Haití en el año 2010 organizó eventos benéficos con algunos de sus colegas para donar las ganancias a las víctimas que dejó el mismo y colaboró luego del temblor de tierra y maremoto del 2011 en Japón.

Roger Federer es uno de los mejores tenistas de todos los tiempos, y sus veinte títulos individuales en eventos mayores hablan por sí solos.

SUS GUSTOS MUSICALES Es intérprete de música clásica en el piano y el violín, inclusive tocó este difícil instrumento en el Festival de Lucerna en Suiza, algo que no se ha atrevido a hacer en el piano. En diferentes ocasiones ha confesado que disfruta mucho la música de DJ ‘s entre la que destaca la de Afrojack. Federer además es un apasionado de la música de Queen, Roxette, Michael Jackson, AC/DC y Metallica. Una de sus canciones preferidas es Fly Away de Lenny Kravitz.

DESDE 1998

TITULOS GRAND SLAM

TOP 10

OCT 2002 - NOV 2016 ENE 2017 - DIC 2020

Nº1

RANKING ATP

237

SEMANAS CONSECUTIVAS

-8- -6- -5- -1-

SUS MARCAS Y PATROCINIOS Con apenas 14 años de edad inició el patrocinio de la marca de ropa Nike, en un acuerdo que se mantuvo hasta el año 2018. En el mes de julio de ese año sorprendió al mundo del tenis y el sports marketing al firmar un acuerdo de patrocinio con la marca japonesa Uniqlo, aunque se mantiene utilizando en cancha las zapatillas Nike, ya que el catálogo de la marca japonesa no tiene productos de alta competición en ese renglón. Su raqueta es la Wilson Pro Staff RF97 y ha sido embajador de la marca Rolex desde el año 2006, utilizando generalmente los modelos Datejust II y el GMT-Master II.

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Foto: fuente externa

PROFESIONAL

TRES COSAS NO MUY CONOCIDAS Es un tremendo nadador, en todas sus casas siempre procura tener una buena piscina, pero en su casa de las Islas Malvinas utiliza el océano como su piscina natural. Fue vegetariano hasta los 14 años, en ese momento entró en un campamento de entrenamiento de tenis a tiempo completo y tuvo que aprender a comer carne para poder lograr sus objetivos. Tiger Woods es uno de sus mejores amigos.

DICIEMBRE

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ue integrante del grupo venezolano Los Chamos. Conoció el éxito en los 80 siendo muy joven. Su talento ha crecido con él y su trayectoria habla de muchas aristas: cantante, productor, compositor… Se encontró con la música electrónica y todo encajó.

¿Qué significó para ti Los Chamos? Los Chamos fue el comienzo de mi carrera musical, fue una época de mucho aprendizaje e intensidad. Me sirvió para darme cuenta que era posible dedicarse a la música como una profesión y me enseñó cómo funciona el negocio de la música y que con dedicación y mucho trabajo se puede lograr lo que uno se proponga. ¿Cuáles son tus influencias? Mis influencias son muy amplias y variadas, desde la salsa al new wave, del pop al punk, pasando por la música industrial, el funk, el hip hop y la música electrónica. Viví mi adolescencia en los ochenta y noventa y ese sonido me definió musi-

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DICIEMBRE - ENERO

calmente, aunque sigo asimilando diferentes estilos musicales hasta el día de hoy.

¿Por qué DJ como medio de expresión? Hablando técnicamente no soy Dj, la modalidad con la que trabajo consiste en presentar mi música con instrumentos electrónicos como sintetizadores, máquinas de ritmo, etc. Es diferente a colocar discos, yo solo interpreto música producida por mí, lo cual no es lo mismo que ser Dj. Para mí, viniendo de tocar en bandas, fue la forma más adecuada e ideal para presentarme en vivo y expresarme como artista.

¿Cómo influye Alemania? Alemania ha sido clave para mi desarrollo, aquí encontré los medios necesarios para evolucionar en mi carrera, además de tener la posibilidad de compartir y aprender con músicos y productores afines a mis gustos y tendencias musicales. ¿Cuál crees que es la próxima gran influencia en la música? No podría decir cuál será la próxima gran influencia en la música actual, solo sé que la música sigue moviéndose en muchas direcciones y estoy seguro que continuará inspirándonos y acompañándonos en las buenas y en las malas, de eso no me cabe la menor duda.

Fotos: fuente externa

FACETIME

Por Pedro García

ARGENIS BRITO

Por Camilla Báez Foto: Fuente Externa

EL CUBO INFINITO

Ernő Rubik, tardó más de un mes en resolver el cubo que él mismo inventó en 1974.

Hay cubos de Rubik en braille.

Se estima que se han vendido más de 400 millones de unidades del cubo Rubik.

El más grande del mundo, con una altura de 3metros y un peso de 500 kilos, se encuentra en EE.UU., concretamente en Knoxville. El cubo de Rubik tiene una sola solución pero 43,252,003,274,489,856,000 de combinaciones posibles.

La “manía” por este juguete hizo que se fundara una organización voluntaria de ‘Cubahólicos Anónimos’, para ayudar a las personas con su adicción al cubo.

Tan solo 4.22 segundos tardó Feliks Zemdegs, un joven australiano de 22 años, en resolver este cubo. Ostenta el récord mundial.

DICIEMBRE - ENERO

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TECH

Por Joan Sebastián Fotos: fuente externa

ENTONCES… ¿QUÉ ES TIKTOK? De manera simple: TikTok es una aplicación para hacer y compartir videos cortos desde 15 segundos hasta un minuto de duración. Los videos son altos, no cuadrados, como en las historias de Snapchat o Instagram, y puedes navegar por ellos desplazándote hacia arriba y hacia abajo, como un feed, no tocando o deslizando de lado a lado. En teoría, los creadores de videos tienen todo tipo de herramientas a su disposición para crear contenido: filtros como en Snapchat y la capacidad de buscar sonidos para calificar los videos. Esto último es lo más novedoso de TikTok, junto a la capacidad de editar el video dentro de la misma aplicación. Puedes seleccionar entre una enorme variedad de sonidos, desde clips de canciones populares hasta breves momentos de programas de televisión, películas, videos de YouTube u otros TikToks. Cuando abres TikTok, se parece un poco a Instagram: se desplaza hacia abajo por una fuente vertical de videos a los que puedes reaccionar dando “gustar”, “comentar” o “compartir”. Pero a diferencia de Instagram y Facebook, en los que eliges seguir a amigos u organizaciones, TikTok brinda contenido basado únicamente en un algoritmo impulsado por inteligencia artificial, que a menudo muestra los videos más virales y divertidos que han surgido recientemente en la plataforma. “Si bien es probable que un video reciba más vistos si lo publica una cuenta que tiene más seguidores, en virtud de que esa cuenta ha acumulado una mayor base de seguidores, ni el conteo de seguidores ni si la cuenta ha tenido videos anteriores de alto rendimiento son factores directos en el sistema de recomendaciones”, explica oficialmente TikTok.

LA RED SOCIAL DEL MOMENTO ¿O NO? Si eres un adulto promedio o perteneces estadísticamente hablando a las generaciones Millennials, Baby Boomers o Generación X, los análisis sugieren que hay una alta probabilidad de que hayas escuchado de esta aplicación de videos llamada TikTok, y una probabilidad igualmente alta de que no estés totalmente seguro de qué se trata.

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DICIEMBRE - ENERO

UN POCO DE HISTORIA (MUY POCO) Esta app se lanzó en 2016 en China (donde se llama Douyin), y ha ganado silenciosamente un seguimiento en los EE. UU. desde que se fusionó con otra aplicación enfocada en videos, Musical.ly, en agosto de 2018. Si sientes que estás viviendo un pequeño déjà vu, se debe a que su principal característica (video en bucle) le ha valido comparaciones con Vine, otra aplicación para compartir videos de Twitter, que se cerró en 2017. Surgió, principalmente, porque redes sociales como Facebook, YouTube, Instagram o Twitter están prohibidas en China, además de que están vigiladas por el gobierno. Con más de 1.500 millones de descargas, es la única aplicación entre las cinco principales que no es propiedad de Facebook, pero ojo, BuzzFeed informó que Zuckerberg pasó seis meses en 2016 tratando de adquirir Musical.ly, la aplicación que se convertiría en TikTok, y al cierre de este número Microsoft estaba negociando la compra de Tiktok pero el intento fue rechazado por la empresa matriz china ByteDance. MÁS QUE SOLO UNA APP PARA ADOLESCENTES Si bien TikTok se está convirtiendo en una amenaza creciente para Facebook, especialmente dada su popularidad con la Generación Z más joven, y algunos usuarios lo ven como otra diversión “tonta” en línea, esta app ha representado una compilación de grandes éxitos. Hasta el punto de que Instagram ha lanzado en sus historias la opción Reels que es muy similar a lo que se hace con Tiktok. En República Dominicana, representó la resurrección de “Plácida”, que interpretó la dominicana Nany Peña, que en esa plataforma, cuenta con más de 11.9 millones de visualizaciones de usuarios usando sus audios bajo el hashtag #NanyPeña. A nivel internacional, famosas como Jennifer López, la han utilizado para aumentar su popularidad con retos como #JloTikTokChallenge tras su participación en el Super Bowl, y con el Dance Again al que se han unido personalidades como Jimmy Fallon y es promovido por (y para promocionar) la World of Dance de la NBC’s. Con esta estrategia retornó su éxito musical de 2012 Dance Again junto a Pitbull. A todo lo anterior se suma lo que en un principio hizo YouTube: promover carreras artísticas poniendo música y talentos frente a posibles fanáticos sin pasar por los guardianes tradicionales. Un ejemplo fue la canción de Old Nas X, Old Town Road, la cual alcanzó el lugar número uno en el Hot100 de Billboard, tras popularizarse después de que millones de usuarios usaran la canción como banda sonora para

“P u bli c a s v id eos b reve s d e ti h a c iend o co s as d ivertid a s c om o s i n cro n i zar los l a b ios c on u na can ci ó n o u n c l ip d e u na p el íc u l a o re pre s en t an d o u na esc ena tonta co n t u s ami gos o inc l u so c on tu s m as co t as ”, di j o e l co m e d i ante Ji m my Fa l l o n s o bre l a apli c ac i ó n e n s u prog ra m a The To n i g ht Sh ow, a f i n a l es de 2 0 18, c u an d o d e s afi ó a l o s es pec tad o re s a e nv i ar videos

videos de ellos haciéndose pasar por vaqueras y vaqueros. TikTok, por supuesto, no inventó la comedia de sincronización de labios que es tan popular entre sus usuarios: Nashla Bogaert ya lo hacía en 2016, por poner un ejemplo, aunque ella tampoco lo inventó. Otra muestra de cómo esta plataforma puede ser una nueva puerta al éxito la trae Ava Max, una cantante y compositora de 25 años en Los Ángeles. Su canción Not Your Barbie Girl pasó desapercibida durante unos seis meses antes de tomar fuerza en TikTok. De repente, las mujeres cantaban sus letras mientras se vestían como Barbie o se burlaban de los estrictos límites de la imagen de la muñeca. La historia se repitió varios meses después, su canción Sweet but Psycho explotó en un grado aún mayor en la aplicación, lo que ayudó a la canción a que acumulara más de 550 millones de transmisiones en Spotify. NO ES ORO TODO LO QUE RELUCE Pero no todo lo que brilla es oro, María Fernanda Boyero, odontóloga dominicana que hace humor en TikTok nos cuenta una verdad ineludible: “En Instagram se cumplen reglas de derechos de autor, es más comercial(…). Con TikTok tienes la libertad de usar cualquier audio a tu antojo, crear contenido propio, pero solo maneja videos como contenido”. Esta situación ha llevado a compañías de música como Universal Music, a amenazar con demandar a TikTok por derechos de autor. Y es que sí, por mucho que ames usar música de artistas como, por citar, Billie Eilish, Lady Gaga o Taylor Swift, ellos no reciben regalías cuando sus canciones se insertan en los videos de TikTok, detalla una publicación de The Financial Times. Boyero, quien cuenta con más de 150 mil seguidores y más de 1 millón “me gusta” solo en esa app, dice que empezó a grabar los videos porque sus amigos cercanos se reían mucho con ellos. “Con los días fueron acercándose más personas reaccionando de manera positiva hacia ellos”, explica. Pese a que entiende que “Tik tok es muy popular con el público joven, de 24, 25 hacia abajo”, añade que “seguro lo seguirá siendo después de la pandemia para el mismo público… cuando el público adulto comience a trabajar y volvamos a la “normalidad”, no creo que tengan tanto tiempo libre en sus manos”. Respecto a si su vida cambió con esta fama, responde “Sí. Debido a la popularidad repentina de mi contenido, he tenido que sacar tiempo para crear y subir contenido todos los días. Además de esto, se presentan colaboraciones y oportunidades que también requieren de tiempo y dedicación”. Entonces sí. Cumple con lo que Youtube hacía en sus inicios: abrir puertas.

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Seg ú n lo s dato s de l s i t i o de a n á lis i s Sen s o r Towe r, Ti kTo k f u e l a te rce ra apl i c a c i ó n m á s des ca rg a da det rá s de Wh at sApp y Me s s en ger en 2019.

ENTONCES, ¿YA LA HAS DESCARGADO? Carlos Castillo Abreu, publicista, estratega de marketing digital y creador de contenido explica que si bien hay mucho miedo porque los desarrolladores no son de la procedencia probada y conocida como el caso de compañías americanas y se puede sentir que la información se compromete, es una red social a la que se le puede sacar provecho teniendo el cuidado de lugar. En enero de 2019, el Instituto Peterson de Economía Internacional describió la app como una amenaza de seguridad nacional para todo Occidente. Plantean que es posible que TikTok esté extrayendo la localización y los datos biométricos de cada uno de sus usuarios. Como si no fuese suficiente, según la ley china, el gobierno tiene derecho a pedirselos a su empresa, ByteDance. Y esta está obligada a proporcionarlos. Si bien sus usuarios, en su mayoría según datos, son zetas de los millennials, con ese público se puede crear zapatas a futuro para un público sostenible, explica Castillo. “Si asocian de una forma no invasiva el contenido en TikTok por parte de una marca, ahora que tienen 16 años... imagina cuando sientan que TikTok ya no es para ellos y encuentren a esa marca en otras plataformas”. Continúa explicando que las marcas que necesiten conectar con la amplia masa de usuarios (de todas las edades) que usan su tiempo en la web para entretenerse, deben considerar a TikTok. Entonces la tarea es crear “un tipo de contenido que sea un espejo de la personalidad de la marca, ya sea a través de celebridades que lo personifiquen”, todo esto definiendo bien esa personalidad y darse cuenta que todos tenemos un espacio en algo como “TikTok”. Para quienes lo vean como una puerta al éxito y la fama, todas las herramientas están dentro de la app. Boyero, acerca de tener éxito en esa plataforma, dice “es una combinación de todo. Porque yo tengo una cara expresiva, y puedo aprenderme bien un diálogo… pero para mi suerte, todos estaban pendientes del celular al momento de yo comenzar a hacer los videos… Quizás en otro momento no hubiese ocurrido todo esto”. Pero no todo es suerte, también agregó que “hay personas que se dedican a subir contenido propio. Personas que son verdaderamente chistosas, bailan increíble, manejan artes visuales de una manera asombrosa, entre otras ramas más que tiene la aplicación, y por todo este talento son exitosos” y culmina “al final, es una combinación de todo”. Entonces, las grandes estrellas de la app no son las mejores cantantes o los bailarines más talentosos: son, simplemente, la gente más divertida. También es posible que su fama se deba a que esta aplicación combate la ansiedad por la vida perfecta que Instagram ha inculcado ya en varias generaciones. En esta plataforma no hay que fingirse más atractivo, delgado o talentoso para triunfar. Justo ese es el combustible de TikTok: la imperfección, la metedura de pata, la vergüenza ajena. Es un lugar donde poder fracasar todos juntos.

“Ayudó mucho el estado en el que estábamos todos: atentos a las redes”. María Fernanda Boyero - @MBoyero en TikTok.

L@S QUE + GANAN

CHARLI D’AMELIO (102.2 MM seguidores)

SEGÚN FORBES CHARLI D’AMELIO Y ADDISON RAE SON LAS REINAS DE TIKTOK. AMBAS SUBEN VIDEOS DE SUS BAILES Y MEMES

ADDISON RAE (70.9 MM seguidores)

La primera tiene más de 100 millones de seguidores, le patrocinan EOS Cosmetics y Prada, vende ropa con su nombre, su línea de maquillaje y llegó a protagonizar uno de los anuncios de la Super Bowl. Ahora ya parece que viene hasta el reality. Por su parte, Addison Rae cuenta con más de 70 millones de seguidores pero es la que más factura, Forbes señala 5 millones de dólares. Hoy Addison tiene su línea de maquillaje y ha firmado con American Eagle y ya negocia su contenido con Spotify. La lista la completan: Dixie D’Amelio, Loren Gray, Josh Richards, Michael Le y Spencer X.

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TECH

Por SBZ

Google Nest Audio US$99.99

Amazon Echo Dot (4th Gen) US$49.99

Apple HomePod mini US$99.00

LA GUERRA ENTRE

SIRI, ALEXA & GOOGLE A TRAVÉS DE SUS ALTAVOCES INTELIGENTES

quí en las oficinas de Showbuzz, decidimos enfrentar estos 3 pequeños gigantes, emocionados que ya por fin la manzana dio su brazo a torcer presentando su nueva versión de altavoces inteligentes a un precio extremadamente atractivo.

Luego de limpiarnos bien los oídos y seleccionar nuestras canciones preferidas de múltiples géneros, estábamos listos para enfrentar estos titanes, los cuales comparten un precio de salida muy parecido y un diseño de redondez (¿Nos estaremos poniendo los gorditos de moda otra vez?). Empezaremos con el mini, el cual cambia de forma, pero se muestra en la misma piel de su sucesor, repitiendo virtudes y replicando las mismas desventajas. Decidimos darle preferencia a Pedro, quien por supuesto eligió una canción de Duran Duran: Ordinary World, al tocarlo lo que más nos sorprendió del Mini, es su manejo de los bajos. Para su tamaño tiene una gran potencia y una gran claridad en los

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agudos, así como en las voces, por encima de sus competidores. En el caso de nuestra querida Fabiana decidió darle volumen a la canción: ¡Como sueñan las sirenas!, en este caso el Nets llevó ligeramente la ventaja, debido a que las potencias de los bajos no son tan utilizadas en la canción. Yo insisto que la diferencia era impalpable. Cuando llegó mi turno, la elección sorprendió en la oficina, les dije: “Pongan algo moderno: Bad Bunny, Ella perrea sola”. A todos nos sorprendió de nuevo el manejo de los bajos en el mini, aunque debemos decir que, al subir el volumen, el Nest y el Echo llevan la clara ventaja. También notamos que las distorsiones de sonido son menos en el Echo y el Mini, que en el Nest. Percibimos también que la mejor proyección de sonido la tiene ligeramente ganada el Echo. En el tema de asistencia para hacer llamadas, Apple lleva la gran ventaja, sin embargo, a la hora del manejo de los servicios de música como:

Spotify, Apple Music, Youtube Music, Pandora o Deezer, tienen que tener en cuenta que hasta la fecha el mini solo funciona vía air stream o Apple music, ¡y que algunas veces pareciera que Siri se burla de ti al pedirle una selección musical!, ya que en ocasiones te obliga a repetir más de una vez la petición, aquí el asistente de Google se lleva los laureles, con Alexa pisándole los talones. Al final, debemos admitir que el Mini lleva la clara ventaja por su interfaz y es un magnífico esfuerzo de Apple. Pero al final de la tarde las opiniones quedaron divididas siendo el Echo Dot 4, ligeramente el más favorecido al aumentar la selección musical, desde los Beatles, Pink Floyd, Debussy, Pet shop Boys, la Perversa, Juan Luis Guerra, J Balvin, Calle 13, Chayanne y me da pena admitirlo hasta Joseito Mateo. Aunque también se lleva varios puntos, por su integración con las plataformas de streaming musicales más populares. ¡Pero si tu entorno es Apple, tu selección es !Mini!!!

ARTE

Por Carla Frontán

CREADORES A RITMO DE LAYERS “Como tendencia en el país ha tenido óptimos frutos, convirtiéndose en una herramienta que funge como aliado para facilitar y expandir el universo del artista”. Los avances de la tecnología han permitido la digitalización del arte y un mundo de posibilidades se han abierto para que los artistas dominicanos plasmen sus distintas conceptualizaciones, surgiendo de las experiencias artísticas no tradicionales que se han realizado en el país desde la década de los ochenta, acorde al crítico y ensayista Plinio Chahín. Esto ha ido creando una actitud que borra los límites entre las disciplinas y géneros, abarcando al mismo tiempo otros formatos y herramientas, como los celulares y computadoras. Este proceder da como resultado una nueva forma de expresión, el arte digital. Como tendencia en el país ha tenido óptimos frutos, convirtiéndose en una herramienta que funge como aliado para facilitar y expandir el universo del artista, según Antonio José “Penché” Marti, precursor del web comic en el país. Combina recursos y avances tecnológicos que le permiten fácilmente duplicar, mover, quitar y editar elementos, dando pie a “juegos” con los proyectos, ofreciendo ventajas y posibilidades variadas, que además resultan beneficiosas, en el sentido de eficientizar el tiempo y responder a las exigencias del mercado. Entre las personas que se han destacado dentro de esta disciplina creativa figuran exponentes como Karla Peña, Willy Gómez, Nathalie Ramírez y Lena Vargas.

EL PROCESO

KARLA PEÑA Ilustradora y diseñadora gráfica, se ha caracterizado por trabajar en ilustraciones para niños en el ámbito de la publicidad y diseño de superficies. Además, ha colaborado con marcas como Coca Cola, Frito Lays y Scotiabank, entre otras, exhibiendo en el país y fuera de nuestras fronteras su trabajo en diferentes revistas y libros a niveles tanto nacional como internacional. @karlaillustration WILLY GÓMEZ Egresado de la Escuela de Diseño Altos de Chavón, es un muralista e ilustrador profesional destacado por embellecer la ciudad de Santo Domingo con sus creaciones urbanas y fluidas, plasmando su personalidad en lo que pinta. Su sello distintivo son las líneas del cabello y las flores de las mujeres que ilustra. @willgom NATHALIE RAMÍREZ Egresada de la Escuela de Diseño Altos de Chavón en el área de Bellas Artes e Ilustración, ha estado trabajando independiente para compañías nacionales e internacionales, pasando por la ilustración de storyboards, editorial, afiches y muchas más. Fue elegida para desarrollar la línea gráfica del festival Electric Paradise 2019, por su estilo lineal enfocado en el follaje con toques coloridos. @nathaliepresents LENA VARGAS Una ilustradora que ha cruzado fronteras. Ha colaborado para prestigiosas marcas como Toyota y Johnnie Walker; su arte destaca por su surrealismo cósmico, presente en cada uno de sus personajes que han aparecido en editoriales del Washington Post, Huffpost, Wired hasta en artes para el cantautor Juan Luis Guerra. Recientemente fue escogida como parte del jurado de los ZCOOL Awards. @lenalaballena

Mi forma favorita de trabajar es la siguiente, aunque estoy abierta a seguir expandiendo y optimizando este proceso: primero trazo un dibujo ligero a lápiz y luego lo entinto cuidadosamente para que cada plano quede cerrado. Luego, escaneo el dibujo a tinta en Photoshop, usualmente por partes y lo compongo allí. Y, finalmente, coloreo dicho dibujo en layers o capas, primero colores planos y luego gradients,, texturas y así sucesivamente. Nathalie Ramírez gradients

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TEATRO

Por Estela Heyaime

GRAUMAN’S CHINESE THEATRE

Las huellas de la fama El Grauman’s Chinese Theatre, en español Teatro Chino de Grauman, es un teatro ubicado en Hollywood, California, considerado uno de los puntos de referencia más importantes de la zona. Este posee el auditorio IMAX más grande del mundo y el único con cortina. Ha albergado innumerables estrenos relevantes en la industria del cine como es el caso de la película original de Star Wars el 25 de mayo de 1977. También ha sido sede 3 veces consecutivas para la entrega de los premios Óscar entre los años 1944 y 1946.

CHINA EN CALIFORNIA El artista y empresario Sid Grauman, siendo dueño de un tercio de este local, fue quien se encargó de construir este lujoso teatro. Esta edificación se asimila a las pagodas chinas que son los edificios religiosos de varios niveles que se localizan cerca o dentro de los templos budistas. Grauman en su viaje por el mundo quedó impresionado por la arquitectura china y de ahí surge su inspiración.

LAS HUELLAS DEL TEATRO Uno de los factores que hace a este edificio tan popular es el hecho de poseer huellas de distintas celebridades plasmadas en cemento. Hay aproximadamente 200 manos y autógrafos en el Patio de las Estrellas del teatro que incluyen las de Marilyn Monroe, Samuel L. Jackson y Shirley Temple, entre otros de la misma categoría. Con un toque “extra” otros artistas han dejado plasmados objetos que los representan como es el caso de Harold Lloyd quien dejó las huellas de sus anteojos, John Wayne su puño, Groucho Marx y George Burns huellas de sus puros, y otros más quienes plasmaron partes de su cuerpo como homenaje a su arte. Más actuales, las varitas mágicas de los protagonistas de Harry Potter, también están las huellas de los personajes de Star Wars. Wars. La historia del cine norteamericano vista a través de un edificio. Todo un lujo.

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Fuente: www.tclchinesetheatres.com

El teatro se inauguró el 18 de mayo de 1927 y dio a conocer sus espacios en el estreno de la película Rey de Reyes de Cecil B. DeMille. En el año 1968 fue declarado como edificio histórico y cultural, de ahí en adelante ha ido tomando la importancia y popularidad que acoge hoy en día. El teatro cambió de nombre en 1973 y pasó a conocerse como el Mann’s Chinese Theatre, tras ser comprado por Ted Mann, esposo de la actriz Rhonda Fleming, quien decidió añadir su apellido. Esto fue hasta noviembre de 2001 cuando volvió a adquirir su nombre inicial.

LIBROS Por Carla Frontán

NICK por Michael Farris Smith Fecha de publicación: 5 de enero de 2021 Es la precuela no oficial de El Gran Gatsby de F. Scott Fitzgerald. La historia de la vida de Nick Carraway antes de mudarse a West Egg: su servicio en la Primera Guerra Mundial y sus viajes de París a Nueva Orleans. Un retrato épico de una era verdaderamente singular y una historia romántica y arrolladora de autodescubrimiento, esta novela rica e imaginativa da nueva vida a un personaje que muchos conocen pero sobre el que pocos han reflexionado profundamente.

2021, objetivo lectura. Te contamos sobre los lanzamientos más esperados para que identifique s, desde ya, cuáles estarán a tu lado en esta nueva normalidad. Claro, no podemos colocarlos todos porque ser ía imposible, pero estos deben ir a tu list a sí porque sí.

EL MISTERIO DE LA SRA. CHRISTIE por Marie Benedict Fecha de publicación: 12 de enero de 2021 Una novela basada en la historia real de la misteriosa desaparición de la novelista Agatha Christie. La autora se evaporó durante 11 días antes de regresar con amnesia y el enigma de esos once días perdidos ha persistido en el tiempo. La aclamada autora Marie Benedict nos lleva al mundo de Agatha Christie, imaginando por qué una mujer tan brillante e ingeniosa se encontraría en el centro de una historia tan turbia. La historia no contada de Agatha Christie ofrece quizás su mayor misterio de todos.

POSTERIORMENTE por Stephen King Fecha de publicación: 2 de marzo 2021 ¿Quién no conoce a King? El autor número uno en ventas regresa con una novela nueva sobre los secretos que mantenemos enterrados y el costo de desenterrarlos. Sigue la historia de Jamie Conklin, hijo de una madre soltera en apuros, que solo quiere una infancia normal. Pero Jamie no es un niño corriente, nació con una habilidad antinatural la cual su madre le insta a mantener en secreto, pero eso no detiene a Jamie de ver y aprender lo que nadie más puede.

PROYECTO AVE MARÍA por Andy Weir Fecha de publicación: 4 de mayo de 2021 Un nuevo e increíble thriller del autor más vendido del New York Times, The Martian. Un astronauta solitario debe salvar la Tierra del desastre. Ryland Grace es el único superviviente en una misión desesperada y de última oportunidad, si falla, la humanidad y la Tierra misma perecerán. Excepto que él no lo sabe.

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Por Pedro García Fotos: Fuente Externa

Aparentemente todo un caballero inglés. Los actores que han encarnado a lo largo de los años al Agente 007 ttenían enían ese punto en común. Después, cada uno le puso su impronta. Elegir uno, difícil, pero siempre fans de

ACTORES QUE HAN INTERPRETADO A JAMES BOND

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David Niven George Lazenby Sean Connery Roger Moore Timothy Dalton Pierce Brosnan Daniel Craig

1967 (1 Película) 1967 (1 1969 (1 1969 ( 1 Película) 1962-67, 1971-1983 (7 (7 Películas) 1972-85 (7 (7 Películas) 1986-1994 (2 (2 Películas) 1994-2004 (4 (4 Películas) 2005-Presente (5 Películas) (5

SEAN CONNERY 1930 – 2020

Sir Thomas Sean Connery nos dejó recientemente a los 90 años. Con él se va el que se ha considerado como el mejor James Bond de la historia. Sus interpretaciones fueron muchas y variadas, pero siempre con ese porte escocés y esa sonrisa que traspasaba pantallas. Le hacemos nuestro pequeño homenaje.

SU VIDA COMO JAMES BOND

Fotos: fuente externa

Por Pedro García DICIEMBRE - ENERO

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Fue el primer actor en hacer el papel de James Bond en la franquicia de 007 de 1962 a 1983 y el primero en pronunciar esas palabras inmortales en la pantalla: “Mi nombre es Bond ...James Bond”.

SUS 7 JAMES BOND

Su película favorita de Bond era From Russia with Love (1963), como confirmó a ABC News en 2002. Llevaba un tupé en todas las películas de James Bond. Comenzó a perder el cabello a la edad de 17 años y a usar cabello postizo en las películas en 1958. En privado y en la mayoría de sus películas posteriores a Bond, no usaba peluquín. Aston Martin inicialmente no estaba interesado en dejar que Connery condujera sus autos en Goldfinger, lo que hizo que los productores pagaran una tarifa considerable por solo dos vehículos. Sin embargo, después del gran éxito de la película, el fabricante de automóviles británico ha dejado que los cineastas de Bond se lleven el automóvil que quieran de forma gratuita. Cuando regresó para interpretar a James Bond en Never Say Never Again, lanzado no oficialmente en 1983, Connery era un héroe de acción bien establecido y, por lo tanto, según él mismo admitió, se volvió muy arrogante con el joven instructor de artes marciales que había sido enviado a ayudarlo con la coreografía de lucha. El artista de artes marciales se molestó tanto con el comportamiento de Connery que no se contuvo durante una sesión de entrenamiento y le rompió la muñeca en el proceso. Ese instructor de artes marciales no era otro que un joven Steven Segal. Casi muere filmando la escena de la persecución en helicóptero en From Russia with Love cuando el piloto de helicóptero sin experiencia voló demasiado cerca y casi lo decapita. Sobre A View to a Kill (1985), Bond debería ser interpretado por un actor de 35 años. “Soy demasiado viejo. ¡Roger también es demasiado mayor!” Su interpretación de James Bond en las películas de 007 ocupa el puesto número 5 en la lista de los 100 personajes cinematográficos más grandes de todos los tiempos de la revista Premiere. A Ian Fleming, el creador de James Bond, al principio no le gustaba Connery como Bond para el Dr. No (1962) porque sentía que era demasiado “poco refinado”. El actor que Fleming quería que encarnara a Bond era Cary Grant. Fleming luego cambió de opinión y admitió que Connery era el perfecto elegido para el papel. El título de Never Say Never Again se basó (supuestamente) en una conversación entre Sir Sean Connery y su esposa. Después de Diamonds Are Forever (1971), le dijo que nunca volvería a interpretar a James Bond, allí estaba, interpretando a James Bond de nuevo. Su respuesta fue para él: “Nunca digas Nunca más”. Los créditos finales de Never Say Never Again incluyen una línea que decía “Gracias A.K.” Eso se refiere a Adnan Khashoggi, el traficante de armas saudí que les permitió filmar a bordo de su yate de 282 pies, el “Nabila”. Más tarde vendió el yate a Donald Trump, quien lo rebautizó como “Trump Princess”. Actualmente es propiedad del príncipe Alwaleed bin Talal bin Abdulaziz de Arabia Saudita. Sobre Daniel Craig como el nuevo James Bond dijo: “Craig es una gran elección, realmente interesante, diferente. Es un buen actor. Es una salida completamente nueva.” “Me preocupo por Bond y lo que le pasa. No puedes estar conectado con un personaje durante tanto tiempo y no tener interés. Todas las películas de Bond tuvieron sus puntos buenos.”

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DR. NO (1962)

Salario: USD$17,000 Bond Girl: Hony Rider (Ursula Andress) Tema: Kingston Calypso Artista: Bryan Lee & The Dragonaires

FROM RUSSIA WITH LOVE (1963)

Salario: USD$250,000 Bond Girl: Tatiana Romanova (Daniela Bianchi) Tema: From Russia with Love Artista: Matt Monro

GOLDFINGER (1964)

Salario: USD$500,000 Bond Girl: Pussy Galore (Honor Blackman) Tema: Goldfinger Artista: Shirley Bassey

THUNDERBALL (1965)

Salario: USD$750,000 Bond Girl: Domino Derval (Claudine Auger) Tema: Thunderball Artista: Tom Jones

YOU ONLY LIVE TWICE (1967)

Salario: USD$750,000 + 25% de beneficios netos de la mercancía vendida = USD$1.0 M Bond Girl: Kissy Suzuky (Mie Hama) Tema: You Only Live Twice Artista: Nancy Sinatra

DIAMONDS ARE FOREVER (1971)

Salario: USD$1,200,000 + 12.5 de los beneficios de venta en Estados Unidos = USD$6.7m (este salario lo convirtió en el actor mejor pagado del momento) Bond Girl: Tiffany Case (Jill St. John) Tema: Diamonds Are Forever Artista: Shirley Bassey

NEVER SAY NEVER AGAIN (1983)

Salario: USD$3,000,000 + 20% de los beneficios netos Bond Girl: Domino Petachi (Kim Basinger) Tema: Never Say Never Again Artista: Lani Hall

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TRENDING

Por Luigi Puello

PURO ROCK

Fuentes: The Rolling Stones Magazine/The Howard Stern Interview/The NPR Interview/The Fine Line Interview by Zane Lowe

En la vida real, Harry es un ídolo juvenil de su generación el cual progresivamente se ha convertido en una de las estrellas de rock más cautivante y versátil del siglo 21. Debutando en 2017 con una balada de piano de 6 minutos, Sign of the Times, cuyo video desafía las leyes de la gravedad y la cual se convirtió en un himno de su generación. La mayoría de nosotros que no nos interesaba en lo absoluto su trabajo en One Direction, nos hemos asombrado al descubrir que, en el pecho de este joven artista, late un corazón de puro rock. Aunque debemos confesar que hemos cantado un par de canciones sin saber que pertenecían a la banda. The story of my life, me llega a la mente. Para 2017 ya se había despojado de los cánones y reglas de las vestimentas, expresando que cada quien puede vestirse como quiera y que esto no debería ser una preocupación para nadie, ¡ni una herramienta para juzgar!! Es por esto que en múltiples ocasiones lo hemos visto utilizando el collar de perlas de su abuela y cuellos bordados con faldas. En ocasiones ha llevado vestidos de Gucci para tocar en vivo y quizás por esto se ha convertido en una “musa” de la marca. Su valentía lo ha llevado a romper fronteras, siendo la última: lograr ser el primer hombre en solitario en la portada de la revista Vogue. Obviamente con un vestido y con el lema “rompiendo sus propias reglas”. Entre los logros de este rompedor de esquemas está: ser anfitrión del Met Gala en 2019, ser la cara oficial de la fragancia sin género Gucci’s Mémoire d’une Odeur. Participar en un encuentro de Balonazo (Dodge ball) organizado por James Corden, donde la ex primera dama, Michelle Obama, tuvo una puntería muy acertada, convirtiéndose en el primer británico que fue golpeado en sus privados por una primera dama. Fue una de las caras promocionales de la película Dunkirk del afamado director Christopher Nolan, donde actúa en uno de los papeles prominentes de la película. Es un fanático empedernido de Stevie Nick “ella es responsable de la mayor cantidad de máscara (rímel) derramada en la historia de la música”.

EL CORTE DE PELO Como bien es sabido en la cultura popular, un corte de pelo puede simbolizar una nueva etapa en la vida o, en el caso de un artista, una nueva etapa de su carrera. Lo vimos con Miley Cyrus, Justin Bieber, Lenny Kravitz y, en 2017, Harry Styles hizo su propio gran corte. Al deshacerse de su característico cabello largo, simbolizó deshacerse de su pasado de boy band y pasar a la siguiente fase de su carrera como solista.

“Creo que en el momento en que te sientes más cómodo contigo mismo, todo se vuelve mucho más fácil”.

UN CHICO NORMAL Lo que más destaca de su persona es que la fama no le ha llegado a la cabeza, sus cercanos lo describen como un muchacho grande con todo su entusiasmo intacto, a quien le gusta hacer travesuras y lo consideran una de las personas más educadas que hayan conocido. Siempre mostrando respeto hacia los demás. En el video de su canción #1 Watermelon sugar, destacan las declaraciones de las modelos, las cuales afirman que Harry antes de rodar les pidió a cada una de ellas su permiso para acercarse en las tomas, declarando que se veía que esto era de corazón y no un ardid publicitario. Su primer álbum Harry Styles fue una revelación, aparte de sus sencillos, busquen las canciones Two Ghost & Sweet Creature con sus melodías de un rock clásico pero madurado. Su segunda producción Fine Line es simplemente una exquisitez de melodías trabajadas y letras reveladoras, con una madurez impresionante. Aparte de tener una de las bandas más cool de la historia de la música (busquen en YouTube, la interpretación del clásico: Sledgehammer de Peter Gabriel o The chain por Fleetwood Mac) podemos apreciar a un músico que, nutrido con lo mejor del rock, crea canciones clásicas. Tiene más de 50 millones de seguidores en las redes sociales, pudiendo causar terremotos mediáticos tan fácil como tender una cama, pero sin embargo utiliza sus redes para apoyar causas como la marcha en contra de las armas. Cuando le preguntaron por qué no usa su influencia con más frecuencia, respondió que le teme a la dilución y que prefiere que cuando exprese algo, las personas entiendan que es genuino. El Sr. Styles, el cual se ha definido como un ícono de 3 de las grandes expresiones artísticas (cine, música & moda) dice que “lo que vista un hombre o una mujer, no es cuestionable para mí, si me gusta una blusa y alguien me dice ‘eso es de mujer’, simplemente digo ‘Ooookay’ y la compro. Mientras más en paz estés contigo mismo más fácil será tu elección. Son momentos muy liberadores y entiendo que muchos nos preguntamos: ¿Por qué no?, esto para mí es excitante, no solo son las barreras de la moda las que se han ido difuminando, este movimiento ha traspasado la música y las identidades, así como la sexualidad.” Al preguntarle qué opina acerca del bombardeo sobre su sexualidad y de que si le han preguntado si es bisexual, responde: “Me han preguntado y no entiendo por qué. No es que no quiera dar una respuesta, es simplemente: ¿A quién le importa? ¿Por qué es relevante? ¿Qué aporta?” En un concierto en Wembley Stadium, junto a su ídolo Stevie Nicks, comienza a cantar Landslide — “I’ve been afraid of changing, because I built my life around youuuu” (“Me he amedrentado con los cambios, porque construí mi vida alrededor de ti”). Todo el mundo canta con ellos, pero ellos están en su propio mundo, recordando como esta frase no define a nadie y que cada quien debe seguir su propio impulso. ESPERAMOS TU PRÓXIMO PASO, HARRY.

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LA ESQUINA DEL

Por Luigi Puello

sta heroína amazona nace en 1941 para liberar el ideal de las mujeres en esa época: adolescentes enamoradas o secretarias ejecutivas. Su naturaleza guerrera y campeona de la justicia han contribuido a colocarla, junto a Batman & Superman, como uno de los personajes más longevos de la historia de los cómic.

MUJER MARAVILLA

1. Nunca ha usado una falda: son culotes o split pants que son más fáciles de dibujar y las faldas no son prácticas para el combate. 2. Su debut fue en diciembre de 1941 en el All Star Comics #8 y ya para enero de 1942, protagonizaba su propio cómic. 3. Uno de sus creadores, William Moulton Marston, inventó la base para el detector de mentiras cuando descubrió que la presión sanguínea cambiaba al decir una mentira. 4. Al principio fue moldeada de barro por su madre Hipólita y sus poderes le fueron otorgados por los dioses del Olimpo: hermosa como Afrodita, sabia como Atenea, más fuerte que Hércules y más rápida que Mercurio. En el día de hoy, es fruto de una relación entre Zeus y su madre Hipólita. 5. En 1950 se decidió contar la historia de su adolescencia y nació Wonder Girl. Hoy en día es sobrina de Diana y usa falda. 6. En un momento dramático de la serie, en 1968, la Mujer Maravilla se queda sin poderes por su deseo de vivir con Steve Trevor. Abre una boutique con lo último de la moda y aprende artes marciales. En esta época siempre vestía al último grito de la moda y su traje era un jumpsuit con la letra “w” al frente. 7. La famosa activista Gloria Steinem, pidió permiso para colocar en la portada de Ms. Magazine (1972) a su ídolo de juventud, pero en su concepción original con la frase: “Wonder Woman For President”. Aquí describe la importancia de esta heroína como modelo para las niñas con sus atribuciones originales, dando paso a la serie de 1974 y al regreso de los poderes en los cómics en 1975. 8. Diana Prince ha tenido numerosos empleos: asistente de Steve Trevor, espía, editora de novelas de romance, cantante y en la última película es curadora de arte en el Museo del Louvre. 9. Otras mujeres han ostentado el título de Wonder Woman en el pasado: Orana le quitó el título en 1978, pero murió a causa de su impulsividad. Artemis la desafió en 1994, le ganó, le quitó sus poderes y luego murió también. El aprendizaje quizás sea, no le quites el título, que no te ira muy bien. 10. Superman y Diana mantuvieron unos amores durante varios años en la serie de cómics “52”. 11. El primer intento de una serie fue en 1967 con Linda Harrison (El planeta de los simios), donde fue re imaginada como la hija rebelde de un matriarcado tradicional, que no entendía por qué no quería casarse y tener hijos, luego una película para TV, protagonizada por Cathy Lee Crosby, donde emulaba la historia de los cómics de una Marvila sin súper poderes, quien perseguía a Abner Smith (Ricardo Montalbán). La recepción fue mejor de lo esperado y de aquí nace la serie con Linda Carter. En 2011 el súper productor David E. Kelly filmó un piloto con la actriz Adrienne Palicki, la cual no avanzó. En esta versión el Lazo de la verdad solo era un arma y su avión era bien visible. Por último, la Mujer Maravilla de Gal Gadot, ha sido todo un éxito.

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GAL GADOT

1. Su nombre es Rosh HaAyin, es de Israel y su abuelo materno fue prisionero en Auschwitz, antes de emigrar a Israel. 2. Su primer trabajo fue en Burger King, donde era la encargada de las freidoras. 3. En 2004 fue coronada Miss Israel

y de aquí se fue a Ecuador a participar en Miss Universo. Ni siquiera llegó a las 10 finalistas. Francamente no sé qué estarían pensando los jueces. 4. A los 20 años entró en el servicio militar obligatorio de Israel (IDF), era entrenadora de combate y enseñaba: calistenia y gimnasia. Durante su estancia salió un artículo de la revista Maxim’s titulado: ¿son las mujeres del IDF las más sexys del mundo? 5. De aquí saltó al modelaje, con la marca israelí Castro; luego ha realizado campañas para Gucci, Jaguar, Captain Morgan y Revlon. 6. Fue invitada a audicionar para la película de James Bond Quantum of solace, solace, pero el papel fue otorgado a Olga Kurylenko. El mismo año aseguró un papel en la franquicia Fast & The furious, furious, empezando por la 4ta parte. 7. Junto a su esposo, Yaron Versano, compró un hotel en Tel Aviv, como una nueva opción de negocios. Enseñó personalmente al staff como tender las camas y mantener las habitaciones en óptimas condiciones. 8. En 2013 le fue otorgado el papel de la mujer maravilla para la película Batman v. Superman y en la primera película en solitario de Wonder Woman Woman.. Esto pudo haber sido una historia diferente, ya que audicionó para el papel de Nébula en Los Guardianes de la Galaxia. 9. Algunos fans se quejaron de que le faltaba busto para parecer una amazona y la comparaban con Linda Carter. Ella respondió con su conocimiento de mitología griega: “Escuchen, si quieren que las amazonas sean fieles a la realidad, estas solo tenían un seno.” ¡Exactamente 1 solo seno!, así de qué estamos hablando realmente. 10. La directora de la película La Mujer Maravilla, Maravilla, Patty Jenkins, admitió a la revista Playboy que cuando fue informada de que el papel era de Gadot, su corazón se estremeció, ya que no la tenía en mente. ¡Aclara que la ética de trabajo de Gal, su talento y humildad, terminaron por ganarla por completo!! Al punto de que admite que la reclutadora de talento hizo un mejor trabajo del que ella hubiera realizado. 11. Para el papel entrenó en: artes marciales, Jiu Jitsu brasileño, esgrima & capoeira. Dice que el entrenamiento fue mucho más rígido que el de la IDF. 12. Durante la filmación de escenas adicionales para la película tenía 5 meses de embarazo. La película es la de más alta recaudación de un film dirigido por una mujer y alcanzó una taquilla de 49 mil 308 millones de pesos dominicanos.

HELADO de la Mujer Maravilla. La comida favorita

JUAN LUIS GUERRA:

Embajador de la Marca País En un acto organizado en el Hotel Embajador de la ciudad de Santo Domingo por el Ministerio de Turismo de la República Dominicana fue designado formalmente Juan Luis Guerra como embajador de la Marca País. “Acciones como las que

protagoniza hoy Juan Luis, nos invitan a soñar en un mejor mañana, que solo será posible si lo construimos todos juntos”, dijo el presidente de la Repúbli-

ca Luis Abinader. Una campaña en donde Juan Luis Guerra protagoniza dos videos de promoción turística del país, realizada por parte del sector privado, sin inversión para el gobierno dominicano, con el propósito de fortalecer la imagen de la nación, en el marco de la iniciativa de Marca País.

PAL CREW:

Concierto ¿Sabías que detrás de cada concierto al que has ido y has gozado, se encuentra un gran equipo de trabajo que hacen posible esta increíble experiencia? En esta ocasión ellos necesitan de nuestro apoyo, sin ellos no hay show. ¿Qué hacemos en PalCrewrd? Hemos desarrollado un programa de ayuda que va dirigido a los equipos de trabajo que hacen posible los conciertos y espectáculos, desde backliners, sonido, rigger, creativos, luminotécnicos, stage manager, asistentes, teleprompter, guionistas, etc. Pal Crew ha sido creado por: Isadora Bruno, Elka Núñez, Laly García, Aidata Selman, Eva Torroja, Adela Quezada, Nurys Almonte, Ceci Moltoni, Carla Taveras, Lía Miranda y Laura Madera. El pasado 31 de octubre en el Teatro La Fiesta del Hotel Renaissance Jaragua se celebró un festival musical virtual, con una diversidad de talentos además de otras actividades que generaron beneficios que serán destinados para ayudar a más de 200 familias afectadas que tienen más de 6 meses sin ingresos por el paro de la industria del entretenimiento Contó con la participación de: Milly Quezada, Pavel Núñez, Javi Grullón, Vicente García, Laura Rivera, Manny Cruz, Rafa Payán, Snenie, Melody Astacio, Pablo Pérez, La Marimba, Badir, Marcos Taveras, Pororo, Bonnet, Cindy Sosa y Antonio González. Bajo la conducción de Gabi Desangles y Raeldo López www.palcrewrd.com

VOY PAL CINE

La industria del cine en la República Dominicana se ha unido para promover la campaña de vuelta al cine, después del periodo de crisis provocado por la pandemia. Distribuidores, exhibidores, productores, actores, actrices y directores del cine local se han unido para lanzar un mensaje de confianza a los dominicanos por medio de la campaña #VOYPALCINE. Yvette Marichal, directora general de la Dirección General de Cine (DGCINE), expresó: “El dominicano lo que más

hace, culturalmente hablando, es ir al cine. Una encuesta de consumo cultural, realizada por el Banco Central de la República Dominicana y el Ministerio de Cultura en 2014, arrojó que el 45% de los encuestados prefieren acudir al cine en lugar de otros lugares culturales. Invitamos a todos y todas a acudir a las salas de cine con toda confianza, pues las medidas sanitarias que han adoptado son rigurosas. Las películas dominicanas esperan por nosotros. Yo #VOYPALCINE”.

JOAN PRATS:

Debora y la Casa al Borde del Infinito La aventura, la ciencia ficción y la fantasía se combinan en DÉBORA Y LA CASA AL BORDE DEL INFINITO, libro infantil juvenil escrito por Joan Prats y publicado por el proyecto Loqueleo de Editorial Santillana. Aquí los lectores conocerán la historia de Débora, una niña muy especial que un verano se va a vivir con el resto de su familia a casa de sus abuelos. Una vez ahí, ella y sus hermanos, Clara y Ernesto, descubren que viven en una casa mágica que les permite viajar a otros mundos, pero mientras ellos se acostumbran a la vida en ese fantástico hogar una oscura figura de otra realidad está por encontrarse con ellos.

EVERGO:

Connected Forward Es la plataforma de estaciones de carga para vehículos eléctricos más avanzada y sofisticada del país. Actualmente, existen 150 estaciones de carga Evergo, instaladas o en proceso de instalación, y en los próximos meses estarán disponibles en todos los puntos cardinales del país, con el objetivo meta de alcanzar los 500 para diciembre del 2021. Evergo es pionera en la instalación de estaciones de carga nivel 3 o conocidas como ‘súper rápidas’ o ‘fast charger’, las cuales revolucionan el sector de la movilidad eléctrica permitiendo la carga completa de un vehículo, según el modelo, en menos de una hora. Casi la mitad de los puntos de carga disponibles instalados corresponden a esta modalidad. El modelo de uso de las estaciones de carga de Evergo es de autoservicio, mediante una APP, disponible en App Store y Google Play, a través de la cual el usuario podrá hacer seguimiento de su carga en tiempo real, pagar a través de una billetera virtual y contar con el mapa de las diferentes estaciones, entre otras facilidades.

RICARDO MONTANER

en Altos de Chavón Ricardo Montaner presentó con rotundo éxito su concierto virtual Las Canciones que Amo. El artista cantó durante dos horas y media sus éxitos más memorables desde el imponente escenario de Altos de Chavón, con un espectáculo totalmente en vivo y con transmisión para República Dominicana y toda Latinoamérica, Estados Unidos y Europa. Registró la conexión de 180 mil usuarios, que disfrutaron del concierto del astro de la música romántica. El intérprete de La Gloria de Dios ofreció un rico repertorio de letras románticas, combinado con una serie de anécdotas que hicieron una mezcla perfecta para una noche de éxitos. Un total de 25 músicos y coristas acompañaron a Ricardo Montaner ante un reducido público presencial de 150 personas. “¡Gracias por quererme!”, dijo el artista al finalizar a ritmo de La Cima del Cielo, agradeciendo también el apoyo recibido y la fidelidad durante su trayectoria.

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PULSO URBANO

Por Luigo Puello

slides Me encontraba en el aeropuerto de Cleveland maravillado por la tecnología aplicada a los negocios, en donde todo ha sido cambiado por tabletas y puedes ordenar y pagar cualquier servicio sin ningún tipo de conexión humana. Mientras mis ojos navegaban entre un mar de gente, noté una tendencia en el calzado de personas menores de 30 años: !HORROR!! Personas con toda clase de vestimenta en medias y en... CHANCLAS. Lo que para mí es un artículo disciplinario se ha vuelto tendencia en el mundo de la moda. Estas han pasado de ser un elemento barato a cotizarse a los precios más absurdos. Todas las grandes casas de Prêt-à-porter han apostado a esta tendencia desde Adidas & Prada hasta Gucci & Coco. Se han atrevido a diseñar para esta moda con precios que van desde RD$ 1,500 pesos hasta RD$ 50,000 mil pesos. A dónde vamos a llegar, en chanclas claro.

s la moda que nace en las calles y no en los estudios, se asocia a los jóvenes de las grandes metrópolis. Las casas de moda por lo general se inspiran en estas tendencias como influencia en sus diseños. No es algo nuevo, nace luego de la Segunda Guerra Mundial y ha tenido su mayor impacto en la actualidad. Kanye West, lanzó su producción The life of Pablo acompañada de una línea de atuendos junto a Adidas. La multi talentosa Rihanna desarrolló una línea de zapatillas con Puma y lanzó su exitosa línea Fenty que abarca cosméticos y atuendos de vestir. El proceso de la moda urbana ha tenido varios nombres en su evolución: Hippies (vaqueros, pelo largo, estilo bohemio); Punk (piezas rasgadas, corte de pelo mohicano y puyas relacionadas al S&M); Góticos (negro sobre negro con abrigos de cuero y maquillaje sombrío); Hip Hop (pantalones anchos, FUBU (For us, By us), Adidas, ropa ancestral); Urbana (muy colorido, accesorios grandes, jeans estrechos, prints florales) y la última llamada Kawaii (faldas tipo tutú, colores rosados y pasteles, animé tipo Lolitas góticas y lazos). La evolución no se detiene y solo hay que esperar cuál será el nuevo reto de la moda urbana, aparte de las chancletas con medias.

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Fotos: fuente externa / Unsplash

ELLA PERREA SOLA

El lenguaje siempre ha sido tema de controversia en la música, el uso de palabras obscenas en las líricas y el deseo primario de odiar antes de comprender, son el primer escalón de rechazo hacia la música urbana. Me pregunto: ¿soy la única persona a la que sus padres le criticaron la música y la letra que decidí escuchar? El segundo disco en solitario del boricua Bad Bunny YHLQMDLG (Yo Hago Lo Que Me Da La Gana), Gana), aspira a la libertad que todos queremos y deseamos pero que somos incapaces de expresar. Esta producción ha logrado varios récords, entre ellos: álbum en español de mayores ventas en una semana en Billboard, álbum latino con más streaming en una semana. En su canción Ella perrea sola habla de que hay que respetar las decisiones de la mujer y la importancia del consentimiento o, en Solo de mi, mi, donde trata el tema de la violencia doméstica. Nos encontramos ante un individuo que aunque lo acabemos por fuera por sus canciones de lenguaje directo y burdo es parte de la libertad de expresión (tengo un buen amigo que dice: “Me hubiese gustado hace 30 años hablar tan directo como el conejo y no dar tantas vueltas de paloma para pedirle a alguien que saliera conmigo y hacer lo que realmente quería hacer”). El conejo es parte del lenguaje y de la percepción de la vida del momento sin dejar atrás los temas sociales que siempre han estado y que provocan. !Viva Bad Bunny!!

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Por Pedro García

¿CURIOSO? SÍ

The Six Million Dollar Man (El Hombre Nuclear): hoy podríamos llamarlo el Hombre de los 36 millones de dólares. Ese es el valor de $6 millones de dólares en 1974 cuando se ajusta por inflación utilizando herramientas de la Oficina de Estadísticas Laborales.

Rocky Balboa: creció idolatrando a los boxeadores y tomó su apodo “Rocky” del famoso “Rocky Marciano”. Este apodo nunca se revela en la película, el nombre real del boxeador se menciona en un primer borrador del guión de Rocky II: Roberto Balboa. Por suerte para nosotros eligieron quedarse con el apodo porque probablemente no hubiéramos visto seis películas de Roberto.

Harry Potter: Michael Jackson una vez le preguntó a J.K. Rowling si consideraría colaborar con él en un musical de Harry Potter, pero ella rechazó su propuesta.

Bruce Springsteen: En 1979 Springsteen vio a Los Ramones en un concierto en New Jersey, allí conoció a la banda y Joey Ramone le pidió que les escribiera una canción, así que les escribió Hungry Heart con la intención de dársela. Pero le gustó tanto y siguiendo la recomendación de su manager, prefirió quedarse con ella.

Ed Sheeran: tiene un nombre para sus fanáticos ... ¡Y estamos orgullosos de decir que somos ENORMES Sheerios! Así mismo Ed tiene nombres propios para sus guitarras: Keith, Felix, Nigel, Lloyd, Trevor y Cyril.

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Billie Eilish: es la primera artista nacida en la década del 2000 en tener un álbum en la posición #1 en la Billboard.

Miami Vice: tenía un presupuesto de producción ridículo. Los productores y el estudio estaban tan comprometidos para hacer que el programa de TV se viera lo más único posible que Miami Vice se convirtió en una de las series más costosas que se haya producido hasta ese momento. Alguno de los factores que ayudaron a aumentar el presupuesto incluyeron su compromiso de filmar en Miami, así como los derechos de licencia de la música que les permitió tocar canciones de The Who, Phil Collins y otra gran cantidad de músicos exitosos.

The Weeknd: reveló que su álbum Starboy estaba 100% influenciado por las muertes de David Bowie y Prince. Llamó al álbum después de Starman de Bowie. “Simplemente lo amo. Creo que es el último inventor”, dijo.

Jennifer López: en sus primeros días como bailarina, López apareció en el programa In Living Color, donde Rosie Pérez era la coreógrafa principal. También tuvo una temporada como bailarina de reparto para la popular banda New Kids on the Block, y actuó con ellos en los American Music Awards de 1991. López se convirtió en una bailarina de reparto para Janet Jackson y apareció en el video musical de Jackson That’s The Way Love Goes. Según Jackson, se suponía que también iría de gira con ella, pero Jennifer la llamó y le dijo que quería irse, porque quería hacer lo suyo.

Luisito Martí. Uno de los actores más importantes del cine dominicano realmente no se apellidaba Martí sino Marte. Cuando su padre Juan Marte fue a inscribirlo en el registro, el funcionario se equivocó y escribió Martí. Y así se quedó.

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CULTURA POP

Por Isabella C. García

Ima g i n a c a m i n a r en u n c am po d e fú tb o l am e r i c an o , m i e ntra s l a nza s tu puño derec h o a l a i re y s u en a la c an c i ó n Do n’ t Yo u ( Fo rget A bo u t Me) de Simpl e Minds; im a g i n a a u s ent a rte de c las e para explo ra r la c i u d ad d e C hica go porque “ l a v ida s e m u eve ba s t a nte rápi d o , s i n o te d eti e n e s y m i ras a tu al re de dor de ve z e n cua n do , po drí a perde rs e” ; i m ag i n a q u e tu fam i li a s e o lv i d a de tu de cim osexto cum p l ea ñ o s y qu e el m ás po pu lar d e ú lti m o a ñ o , Jake Ryan, se fije e n ti. Todo es to o c u rre en el u n i ve rs o c re ad o po r e l d i re c to r d e c i n e John Hug he s y a unque pas en l o s a ñ o s s u s h is to r i as pe rd u ran .

ohn Hughes fue un escritor, productor y director estadounidense conocido por su icónica filmografía, de la cual solo dirigió ocho películas como Sixteen Candles (1984), The Breakfast Club (1985), Ferris Bueller’s Day Off (1986), Weird Science (1985), Planes, Trains & Automobiles (1987), She’s Having a Baby (1988), Uncle Buck (1989), y Curly Sue (1991). Después posee numerosos créditos como guionista. Nacido en Lansing, Michigan, en 1950 y criado en Chicago, Illinois, la ciudad que serviría de escenario para la mayoría de sus

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películas. Asistió a la Universidad de Arizona y, después de graduarse, regresó a Chicago donde comenzó como redactor publicitario. Su evidente amor por la escritura se convirtió, gradualmente, en bromas para algunos comediantes que luego evolucionaron a guiones para películas producidas por la revista National Lampoon. Lampoon. Siendo esta última experiencia, la que le abriría el camino para convertirse en el genio que ha dado una voz a los adolescentes, generación tras generación.

Una de sus mejores frases se puede encontrar durante el clímax de la película The Breakfast Club: “Cuando creces, tu corazón muere”.

DE LA ADOLESCENCIA UNIVERSAL Hasta el día de hoy, Hughes ha encontrado un espacio en los corazones de los adultos jóvenes y continuará haciéndolo debido al hecho de que sus historias resuenan tan fácilmente con la audiencia, especialmente en aquellos que se encuentren en la adolescencia, donde la incertidumbre con respecto a su identidad golpea fuertemente. Como el cineasta Kevin Smith declaró perfectamente en una entrevista con el Los Angeles Times: “Él es el JD Salinger de nuestra generación”. Porque el difunto cineasta fue de hecho el epítome de uno de los más importantes creadores de historias sentimentales con la angustia adolescente como centro del argumento. Smith añadió: “Tocó una generación y luego el tipo se fue. Si no fuera por él, no estaría haciendo lo que hago”. Esta cita demuestra el legado que dejó el hombre, comenzando con su fórmula para contar historias. Primero, crea personajes alienados; establece piezas en tiempo presente con personajes que se sienten desatendidos por un compañero de clase o, con mayor frecuencia, un miembro de la familia. Por ejemplo, Home Alone (1990), uno de sus guiones más aclamados, gira en torno a la ausencia de los padres de Kevin McCallister. Una de sus mejores frases se puede encontrar durante el clímax de la película The Breakfast Club: “Cuando creces, tu corazón muere”, esto refleja los mejores esfuerzos de Hughes para abolir el propósito y el poder de los padres, ya que se trata del viaje de los adolescentes y / o niños hacia el autodescubrimiento. En relación con la frase mencionada anteriormente, una vez que uno alcanza la edad adulta, Hughes hace que parezca que el niño dentro del adulto desaparece perdiendo esa inocencia y alegría predominantes.

LA MÚSICA Y LA EMOCIÓN Segundo, el uso de melodías expresivas sincopadas que sumergen al público en el mundo de la historia y al mismo tiempo les permite comprender el tono de la película, la escena o la agitación interna del personaje es algo propio de este creador. Danny Elfman, líder de Oingo Boingo, compuso la canción Weird Science como tema de la película con el mismo nombre. Su melodía surrealista, excéntrica y extraña revela el estilo cómico y singular de la película. Además, el uso efectivo del needle drop, que es cuando se usa una canción preexistente en la película, es el momento en que tanto el audio como las imágenes crean un vínculo infinito. Por ejemplo, Try a Little Tenderness de Otis Redding es un tema que salió a la luz en los años sesenta, pero es difícil pensar en ello sin el personaje de Jon Cryer, Duckie Dale, irrumpiendo en una tienda de discos para bailar con todo su corazón en el romance Pretty in Pink (1986). Y, lo más importante, se trata de conexión. Hughes brinda a los personajes una red de apoyo con las amistades que nacen a partir del filme, creando un estilo de “familia sustituta” que mejora el sentido de pertenencia del personaje y le proporciona un propósito; al final, el valor de esa conexión se demuestra con el logro del objetivo final: aceptarse a uno mismo. Gracias a la manera en que Hughes cuenta sus historias, su influencia es fuerte en los géneros románticos, cómicos y dramáticos de la actualidad. Películas como Dazed and Confused (1993), Clueless (1995), Superbad (2007), The Perks of Being a Wallflower (2012), The Way Way Back (2013), The Edge of Seventeen (2016), Ladybird (2017), Eighth Grade (2018) y Booksmart (2019) solo por nombrar algunos, son piezas que exploran estos temas pesados (por ejemplo, aceptación social, amistades, sexualidad, enfermedad mental, trauma infantil y experimentación adolescente) como solía hacer él. En 2010, Will Gluck dirigió la comedia romántica Easy A con Emma Stone como personaje principal. La historia no rehúye su evidente inspiración, incluso hay una línea en la que el personaje de Stone dice “Solo una vez quiero que mi vida sea como una película de los 80, preferiblemente una con un número musical realmente increíble sin razón aparente. Pero no, no, John Hughes no dirigió mi vida”. Irónicamente, después de este momento, el resto de la película realiza un homenaje a las piezas más icónicas de John Hughes, reinterpretando tanto el final de Sixteen Candles, cuando Jake Ryan espera a Samantha fuera de la iglesia, como el final de The Breakfast Club, cuando John Bender lanza su puño al aire después de haber conseguido lo que deseaba.

Weird Science Oingo Bongo

Try Little Tenderness Otis Redding

Don’t You (Forget About Me) Simple Minds

CREADOR DE PERSONAJES Otro de sus aportes al mundo del cine fue la variedad de temas relevantes sobre los que habló, sin importar el tabú que la sociedad le había impuesto, en especial, durante esa época. Cada uno de los personajes son complejos debido a que fueron compuestos meticulosamente, pues las actitudes y acciones tomadas por los mismos tienen una razón detrás siempre. Hughes, definitivamente, priorizaba la profundidad de sus personajes ya que cada uno aportaba peculiaridades a la historia que podrían hacer o deshacer el filme. Pero el escritor, productor y director era un fiel creyente de tomar riesgos, cosa que se evidencia con los tópicos que trata. La libertad de expresión que poseía Hughes fue explotada positivamente, tranquilizando a los espectadores que observaban similitudes en los comportamientos y traumas de ciertas figuras de las historias del director con las de ellos mismos. Pues, esto les notificaba que está bien sentirse así, no hay por qué avergonzarse, pero, si no estás conforme con lo que sientes, siempre habrá personas a tu lado para ayudarte a mejorar o superar los desafíos que encuentres. Uno de los mejores ejemplos es el personaje de Cameron en Ferris Bueller’s Day Off. Cameron Frye, interpretado por Alan Ruck, es el mejor amigo de Ferris Bueller desde el

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quinto grado y se caracteriza por su personalidad ansiosa, introvertida y depresiva; es completamente opuesto a su compañero, haciendo que su amistad represente una conexión indispensable. Cameron es un personaje que demuestra desde el inicio de la película que prefiere quedarse en cama durante el día. Bueller, le hace un llamado para aprovechar el hermoso día que tienen en sus manos y lo que pueden hacer con él. Luego de haberle convencido, se preparan para una serie de aventuras que se convierten en el cuerpo de la película, pero no es hasta que Ferris le hace (a Cameron) tomar prestado el valioso carro de su padre, que la película realmente comienza. En el transcurso de este maravilloso día, el personaje interpretado por Ruck se nota más relajado y abierto a las actividades que se les ocurran al grupo. Pero después de un incidente con el auto todo ese progreso se pierde. La escena en la que el trío de Ferris, Sloane (la novia de este) y Cameron se encuentran en el garaje de los Frye es una de las más esenciales en toda la película. Pues en este momento donde un accidente mayor le ocurre al carro, la audiencia esperaría, nuevamente, una reacción neurótica del personaje. Sin embargo, le dice a su mejor amigo: “Yo me haré cargo. Quiero enfrentarlo, si no lo quisiera no te habría dejado sacar el auto esta mañana. Pude haberte detenido. Es posible detener al Sr. Ferris Bueller, y ¿sabes? Quiero enfrentarlo. Estoy decidido.” y añade “Cuando Morris llegue a casa, él y yo tendremos una pequeña charla. Está bien, estará bien. Gracias, de todos modos.” Temprano en la historia, Ferris le informa al público que Cameron proviene de un hogar desunido donde su padre, lo único que valora más que la vida misma, es aquel vehículo que están utilizando. Evidentemente, Frye está dolido por esto, como su padre le da más amor a una máquina que a su propio hijo y a su propia mujer; Cameron, definitivamente, vive en una casa regida por reglas en lugar de amor. El título del filme es Ferris Bueller’s Day Off, pero no es Bueller quien realmente está teniendo un día libre pues analizando sus comportamientos esto vendría siendo un día normal para él. Quien realmente necesitaba un cambio de ritmo y escena era Cameron Frye. Sus amistades le demostraron lo que es relajarse y estar rodeado de sus seres queridos; Ferris le enseñó que cualquier día de su vida puede ser así de memorable, siempre y cuando no se deje dictar por las negatividades que son tan fáciles de encontrar en el día a día.

EN PALABRAS DE OTROS Comentarios que demuestran, fuertemente, quién fue John Hughes para la industria del cine vocalizados por grandes actores que tuvieron la dicha de trabajar con el gran talento:

“John creó personajes familiares, sumamente ordinarios pero al mismo tiempo trascendentales e icónicos.” – Jon Cryer “John nos regaló a todos risa y entendimiento” – Anthony Michael Hall “Trataba a los jóvenes n o como niños, sino como adultos en desarrol lo” – Judd Nelson “[Cuando envejeces, tu corazón muere.] Irónicas palabras, escrit as por un Peter Pan del presente; un hombre que rehusaba crecer” – Ally Sheedy

Durante los Óscar de 2010, hubo un pequeño tributo hacia el cineasta donde Molly Ringwald, quien participó en muchas de sus películas, comentó: “En la vida siempre habrá una persona que ayude a moldear y determinar en qué clase de humano te convertirás, para mí ese fue John Hughes. Fue un director, escritor y amigo que vio algo en mí a los dieciséis.” Pues tenía la habilidad de comentar las inquietudes que todos sienten en algún momento de su vida y que se dificulta poner en palabras. En otras palabras, su legado es innegable. Dio una voz a la juventud y rompió barreras insertando temas tabúes en sus guiones. Ahora, nuevamente, imagina caminar en un campo de fútbol americano, mientras lanzas tu puño derecho al aire y suena la canción Don’t You (Forget About Me) de Simple Minds; imagina ausentarte en clase para explorar la ciudad de Chicago porque “la vida se mueve bastante rápido, si no te detienes y miras a tu alrededor de vez en cuando, podría perderse”; imagina que tu familia se olvida de tu decimosexto cumpleaños y que el más popular del último año, Jake Ryan, se fije en ti. Pueden haber pasado años sin que hayas visto estas escenas en específico pero no te tomó mucho trabajo pensar en ellas, ¿verdad?

EN FIN, DANKESCHÖEN, JOHN.

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¿SABÍAS?

Por Joan Sebastian

UNA HISTORIA A TRAVÉS DE LAS SALAS DE CINE Por el año de 1906 Santiago de los Caballeros tiene la oportunidad de ofrecer su primera sala de cine, el Teatro Palmer, en el espacio donde se construye posteriormente la escuela Rafael Ramos en la calle San Miguel (Restauración). Para 1908, el empresario puertorriqueño Fundador Vargas abre el primer local destinado a la exhibición de películas, el Teatro Vargas (luego Apolo), convirtiéndose en el centro de atracción y partícipe de esos primeros cines en el país.

Busquen en el álbum de los recuerdos y encuentren en este texto ese cine que reconocen de su infancia o de oír a sus padres y abuelos hablar del mismo. Un recorrido único por la historia de nuestras salas de cine.

+ DE UN SIGLO DE HISTORIA

asta hace muy poco se conocía al Teatro Curiel de Puerto Plata como la cuna del cine a nivel nacional, pero tal parece que no es así, pues según una investigación publicada por la Dirección General de Cine, fue en julio de 1900 en La Vega donde se efectuaron las primeras proyecciones, en aquel entonces la casa del Sr. Nathan Cohen, hoy la farmacia Central de don Blas Pezzoty. De acuerdo con los hallazgos, “noche tras noche en el salón de la casa que había construido el Sr. Cohen para billares, se efectuaban las novedosas proyecciones; era muy concurrido por hombres, mujeres y niños de todas las edades y clases sociales”. Ahora, si bien las coordenadas y fechas de nuestra historia cinematográfica cambian un poco, siguen siendo de la manos de Francesco Grecco, y su cinematógrafo, dichos primeros pasos que han forjado nuestra larga historia fílmica. Si bien la cuna tiene una nueva ubicación dentro de la casa, la gestación de la industria sigue en el mismo lugar porque empezó con la exhibición de Diorama, un espectáculo visual diseñado por Daguerre, según relatan los registros de la época y resalta la investigación, en una casa lindante a la del ex presidente José Desiderio Valverde en la calle de Las Rosas de Santiago, el 23 de junio de 1859. Mientras, en febrero de 1879 se presentaría en Santo Domingo el StereoPanóptico eléctrico. Durante la visita de Grecco a la República Dominicana, organiza una gira de su Teatro de Variedades por La Vega, Puerto Plata, Santiago y Santo Domingo llegando al Teatro La Republicana, hoy Panteón de la Patria, el 3 de noviembre de 1900. Posteriormente, el empresario norteamericano conocido como Mr. Myers exhibe en diciembre de ese año el Vitascopio de Thomas Alva Edison en ese mismo lugar

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En La Vega, Manuel Joaquín Gómez, exhibe varias películas en un cine de su propiedad, mientras que Alejandro Leonetty en 1909 trae un cine parlante eléctrico sincronizado. Pocos años después, el 24 de diciembre de 1913, se inaugura el Cine Teatro Independencia, que más tarde el empresario Juan Bautista Alfonseca moderniza. Así mismo remodela el Teatro de Landolfi y le cambia el nombre a Teatro Colón. Este se inaugura en 1915, con unas quinientas butacas de madera, convirtiéndose en una importante edificación para la cinematografía en la ciudad de Santo Domingo. Cabe destacar que en 1911 ya había llegado al teatro La Progresista el aparato de Pathè Frere traído por el señor Germán F; los hermanos José y Antonio Russo Cino, que, aliados al señor Leonetty, fundan en 1914 el cine Colón. En 1917, Luis Carretero inaugura el Teatro Rivoli, y en San Francisco de Macorís hace su aparición el famoso Teatro Colón construido por el general Manuel María Castillo Medrano. Ya para 1922 se estaba realizando la primera película de origen dominicano: La leyenda de la Virgen de la Altagracia, con la colaboración en los textos del historiador Bernardo Pichardo, estrenada un año después en la noche del 16 de febrero de 1923. Ese año se inaugura el Teatro Rialto, el único con tres niveles de asientos, localizado en la calle Duarte llegando a la calle El Conde. Por su parte, la instalación del Teatro Capitolio, el 9 de julio de 1925, significó un paso de avance en la edificación y en la oferta del entretenimiento cinematográfico por su céntrica ubicación frente al parque Colón y la Catedral de Santo Domingo. En década de los 20, desde la azotea del antiguo Hotel Colón, luego el emblemático Café Conde de Peñalba, mejor conocido como el “Palacio de la Esquizofrenia” (como se conoce popularmente), en la calle Arzobispo Meriño esquina calle Conde, se proyectaban películas hacia el parque que es donde se ubicaba la pantalla. Finalizando esa década, se estrena un nuevo espacio para proyecciones, mientras otro cierra sus puertas: el Teatro Aurora de San Pedro de Macorís se inaugura el 1 de enero de 1929 y el Teatro Rialto, conocido como “El templo de la música” es cerrado el 5 de diciembre de ese año para ser remodelado, reinaugurándose el 14 de junio de 1930 para dar entrada al cine parlante. Su cierre definitivo fue más de 60 años después, en septiembre de 1983. El Travieso también abre sus puertas en diciembre de 1930. Cabe destacar que en 1930, el Teatro Independencia (donde hoy opera Telemicro), al igual que el Teatro

Colón, sufren los embates del ciclón San Zenón tras su paso por la ciudad de Santo Domingo el 3 de septiembre de ese año. Cinco años después de ese suceso, el Cine Ozama inicia sus funciones el 27 de febrero de 1935, y Mi Cine, entre la avenida Duarte y la José Martí, el 20 de julio de ese mismo año, con tres tandas al día y especializado en películas del género “western” o “vaqueradas”. El 15 de septiembre de 1936 se inaugura el Teatro Apolo, en la avenida Capotillo (luego avenida Mella) con un costo de instalación de 5 mil dólares. Dos años después hace su aparición en el sector de San Carlos El Paramount, el 18 de agosto de 1938, cuya capacidad era para 700 personas contando con equipos modernos de la época de la marca RCA. En los años 30, a San Francisco de Macorís llegan los cines José Trujillo Valdez a los que con el ajusticiamiento de Rafael Leónidas Trujillo en 1961, se les cambia el nombre a Carmelita. El 7 de febrero de 1941 se inaugura el Teatro Olimpia, propiedad de Marcos Gómez, ubicado en la Palo Hincado de la Ciudad Colonial, que se convierte en una sala innovadora con los equipos más modernos de la época. Un año después, el 21 de enero de 1942 se construye en Villa Francisca el Teatro Julia, propiedad de Federico Geraldino. Se convirtió en la sala de espectáculos más grande y concurrida del país con una capacidad para 1,050 butacas en platea y 300 en palcos, donde se ofrece un espacio único para presentaciones artísticas populares, como la presentación de Lucho Gatica en su apogeo (1956) o de las artistas españolas la Faraona, Lola Flores, y Paquita Escribano. El 29 de septiembre de 1945, en la que se conocía como avenida José Trujillo Valdez, (avenida Duarte), se edificó el Teatro Max (antes El Travieso). En 1948 se inaugura el Teatro Élite, en la calle Pasteur casi esquina Santiago.

AUTOCINEMAS El primero de esta especie que se instala en la capital: el autocine Iris en 1959, que se ubica en la calle Héroes de Luperón del Centro de los Héroes. Luego abre sus puertas el autocinema Naco en la avenida Fantino Falco en el sector del mismo nombre, mientras que el autocinema Jacqueline en la prolongación avenida Independencia Km. 11 se inauguró en diciembre de 1976.

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El 24 de febrero de 1950 abre sus puertas el Santomé (antes Teatro Encanto), en la calle el Conde esquina José Reyes, ofreciendo contenido en tecnicolor, que tuvo su apogeo en la década de los años 50. 1951: se inaugura el Teatro-Cine Diana el 16 de marzo, propiedad del empresario Marcos Gómez y administrado por Elpidio Ortega, con una capacidad para mil personas, diseñado y construido por los arquitectos Pedro Pablo Bonilla y Heriberto de Castro Bonilla ofreciendo un local de líneas modernistas, butacas acojinadas y una ventilación especial. Más adelante, en la misma Duarte, se instauran el Cine Doble y el Cine Triple Nacional. Frente al Parque Enriquillo (antiguo Parque Julia), en la calle Ravelo, se inauguró en 1953 el Atenas, con una capacidad para dos mil personas. Su tecnología es avalada por los equipos de la marca Simplex, los más sofisticados de la época. El 16 de agosto de 1956 se estrenan las salas del Teatro Leonor en la calle Arzobispo Nouel. El Teatro San Carlos, mientras tanto, se estrenó el 25 de enero de 1958, ubicado en la calle Abreu de ese sector, propiedad de la empresa Del Río Motors con una capacidad de unas 1,500 butacas. También funciona el Cine Teatro Antonieta en San Juan de la Maguana en la década de los 50.

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En 1960 se instala Cine Gigante en la misma avenida Duarte, hacia el sur,

después de la avenida Padre Castellanos, (en esa época calle “la 17”), frente a la escuela Normal (Liceo Juan Pablo Duarte), que luego se rebautizó como Teatro Montecarlo. El 8 de febrero de 1963 se abre el Teatro Lido en la avenida Mella número 100 (antes calle Capotillo).

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El 16 de agosto de 1971 la empresa Wometco Dominicana abre las tres modernas salas del Cine Triple, en la avenida George Washington de Santo Domingo. En 1973 se inaugura el Cine Teatro de Moca con una sala con capacidad para 500 personas en butacas acojinadas. El 9 de diciembre de 1973 la empresa inaugura los cines Doble en la avenida Duarte número 25, con dos salones de proyección con capacidad para 1,200 butacas (700 butacas sala 1 y 500 butacas sala 2), y con equipos más modernos que el Cine Triple. En esa misma fecha se inaugura el cine El Portal, ubicado en la avenida Independencia con capacidad para 500 butacas. El 10 de noviembre de 1976 inician operaciones las dos salas del Palacio del Cine, que se ubica en la avenida 27 de Febrero esquina Federico Geraldino, dentro de un terreno de 5,500 metros cuadrados. Para diciembre de 1978 entran en operación el Cine Doble Bolívar que se instala en la prolongación de lo que es hoy la avenida Rómulo Betancourt con una capacidad para 600 personas. Igual el cine El Portal, que se ubica entre las urbanizaciones Miramar y 30 de mayo, con capacidad para 400 butacas, y el Triple Nacional de

la avenida Duarte, que se inaugura el 29 de agosto de 1979 y ofrece una capacidad de 1,400 butacas a los residentes de Villa Francisca. Cine Lama se construye en los años 70, en la calle Beller entre la Cuba y Sabana Larga. Otros cines destacados de esta década fueron el Teatro Héctor, Cine Balani, Cine Fénix, Teatro Trianón, Radhamés (referente al hijo menor del dictador Leónidas Trujillo) y el Teatro Ramfis (referente también al hijo de Trujillo).

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El 25 de diciembre de 1980 se rehabilita y se inaugura Cine Colonial, antes Teatro Leonor. Su cierre se produce a principios de los años 90.

En julio de 1990 el Palacio del Cine se reestructura para adicionar dos nuevas salas con capacidad para 200 personas y, al final de su funcionamiento, termina operando con 9 salas. Mientras que el Hollywood 7, de la empresa Caribbean Cinemas, se inauguró el 15 de diciembre de 1993 en la avenida Estrella Sadhalá cerca de la autopista Duarte. Caribbean luego se expande hasta La Romana con la inauguración del Hollywood Plaza, el 27 de febrero de 1997. Después ocho salas de los Cinemas Hollywood Diamond, inauguradas el 25 de diciembre de 1998. En ese año en San Francisco de Macorís abre sus puertas Palacio del Cine, un 17 de diciembre.

EL RESTO, ES HISTORIA CONOCIDA A día de hoy, la República Dominicana cuenta con 33 exhibidores y 208 pantallas de cine distribuidas en las ciudades de Santo Domingo, Santiago de los Caballeros, La Romana, Higüey, Bávaro, San Juan de la Maguana, San Francisco de Macorís, Puerto Plata y Monseñor Nouel. Habría que resaltar que de acuerdo con la Revista Panorama Audiovisual Iberoamericano 2019, en Iberoamérica la cuota de mercado del cine propio está liderada por nuestro país con el 26.4%.

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SALAS DE CINE ANTIGUAS A NIVEL NACIONAL Apolo - Ana - Alma - Atenas - Arelis - Aurora - Avenida Balani - Bolívar - Broadway - Brugal Capitolio - Caribe - Crisagris - Cinemateca - Cineclub - Cine Prueba - Casa de Francia - Cine Cultural Universitario (UASD) - Cinzano - Coliseo Brugal - Colonial - Colón - Coloso - Cometa - Copy - Cupido Diana - Doble - Duarte El Encanto - Estela - Eva - Elite Famosa - Fénix Gigante Héctor Ivonne Autocinema - Iris - Independencia - Issfa Janet Autocinema - Jacqueline - Jenny - Julia - Joffy - Joseph Ketty - Kitcher La Nueva Pelota - La Republicana - Landolfi - Las Caobas - Las Flores - Leonor - Letty - Libertad - Lido - Los Prados - Lumiére - Luna - Lux - Luchy Manzana Cinemas - Malecón Center Cinemas

- Marlboro Max - Mi Cine - Militar de las Fuerzas Armadas - Millón - Montecarlo - Municipal Naco Cineplex - Naco Nacional - Naty Olimpia - Oratorio Don Bosco - Ozama Palacio del Cine 27 de Febrero - Palacio del Cine Bella Vista Mall - Palacio Nacional Plaza Paramount - Padres- Colegio San Juan Bosco - Portal - Perla - Petit - Pidoca - Popular - Premier Radhamés - Ramfis Ray - Rialto - San Carlos - San Miguel - Santomé - Satélite - Siboney - Superior - Travieso - Trianón - Triple - Triple Nacional - Venus - Villa Consuelo - Voz Dominicana

CIUDADES DEL INTERIOR AZUA - Elvira - María Montez BANÍ - Enriqueta - Vaganiona - Vahani

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COTUÍ - Celia - Central - City - Cotuí - Dinora - Mella - Rosario Dominicana

NIZAO - Niza

DAJABÓN - Soraya ESPERANZA - Monalisa - Pueblo HAINA - El Gallinero - Irisagris - Mateo HIGÜEY - Duey - Mi Delirio - Payan ELÍAS PIÑA - Elías Piña - Fantino - Kiomi GUANANICO - Luvi - Hato Mayor - Rex INGENIO CONSUELO - Ingenio Consuelo JARABACOA - Diana MAIMÓN - Duarte

LAS MATAS DE FARFÁN - Leovanny Raquel - Moca - Maritza - Moca Viena MONTECRISTI - Angélica - Victoria

BONAO - Cinema 48 - Libertad - Nuevo

NAVARRETE - Global Mecri

LAS CALDERAS - Marina de Guerra - Castillo - San Carlos

De acuerdo con Rolando Robles en Los viejos cines de Santo Domingo: Dependiendo de la zona de la capital donde operaban.

NEYBA - Anilandia - Enriquillo

MAO - Elda

BARAHONA - Bahoruco - Ercilia - S.L. Cinema - Unión

CATEGORÍAS

COSTANZA - Inés - Quisqueya

NAGUA - Anael - Rumor de olas - Senior

PEDERNALES - Doris PUERTO PLATA - Apolo - Cinemar - Galaxia - Rex - Roma RÍO SAN JUAN - Thelma LA ROMANA - Colón - Club Central Romana - Papagayo - Perla - Pueblo SABANA GRANDE DE BOYÁ - Katty - María SALCEDO - Karina Ritz SAMANÁ - Santa Bárbara SAN CRISTOBAL - Angelita - Duarte - Instituto Politécnico Loyola - Sánchez Mercedes SAN FRANCISCO DE MACORÍS - Carmelita - Colón - Peravia SAN JOSÉ DE OCOA - Rhand SAN JOSÉ DE LAS MATAS - Olimpo SAN JUAN DE LA MAGUANA - Alba Mirian - Antonieta - Purita - Romano SAN PEDRO DE MACORÍS - Aurora - Colón - Cinema 23 - Doble - Duarte - Restauración

SANTIAGO DE LOS CABALLEROS - Apolo - Carmelita - Central - Cibao - Colinas - Colón - Doble - Duarte - Galaxia - Hollywood - Ideal - Jardín - Karina - Lama - Luna - Macorís - Marlboro - Montecarlo - Odeón - Palmer - Peravia - Ritz - Víctor - Visión SANTIAGO RODRÍGUEZ - Cinema 46 - Edda - San Pedro SOSÚA - San Antonio - Sosúa TAMBORIL - Tamboril EL SEIBO - Minerva - Prado VALVERDE MAO - Dariel - Elda LA VEGA - Instituto Salesiano Parroquia Santo Domingo Sabio - La Progresista - Rivoli Vega Real VILLA ALTAGRACIA - Altagracia VILLA TAPIA - Clairette VILLA TENARES - Iris VILLA VASQUEZ - Melisa

1. Existen establecimientos de estreno, aquellos localizados en la Zona Colonial y Gazcue. 2. Los cines de segundo turno, en la avenida Duarte. 3. Los llamados “cines populares”, aquellos ubicados en los distintos barrios de la capital. Los primeros llegan a tener aire acondicionado o un gran sistema de ventilación; los de segundo turno, rara vez poseen climatización y los populares, son al aire libre y por tanto solo operan de noche exhibiendo dos películas por tanda.

Fuente: Las salas de cine de la República Dominicana. editado por la Dirección General de Cine. Autores: Félix Manuel Lora y Martha Checo.

SANTO DOMINGO

Por: Elsa Julia Turul

ON THE COVER Fotos: Karoline Becker

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DIRECTOR’S CUT No lo podemos escribir más veces porque se vería como algo exagerado. Pero las palabras se quedan cortas para describir a nuestros protagonistas de portada. Conócelos a través de lo que nos cuentan, pero no hay mayor muestra de ese talento que su trabajo. Y eso es un regalo para quienes amamos el cine.

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A N D R É S F A R Í A S SBZ

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“ Pu e do flui r e i mprovi s ar, pero pre fi ero hac erlo d urante la pre produc c i ón y no durante e l rodaj e”.

EL HOMBRE ESTRUCTURADO

ndrés es de los cineastas que ha podido hacer un doctorado en paciencia y prudencia, una combinación perfecta para hacer cine. Además de especializarse académicamente en la profesión en áreas como guión y dirección de cine digital. Su última película, Candela, a punto de ser estrenada ha gozado de una trayectoria en laboratorios y talleres internacionales.

Veo que le has dado mucha importancia a tu formación académica ¿cómo te ha aportado en tu trabajo? Estudiar dirección me dio rigor, enfoque y un inmenso amor y respeto por el quehacer cinematográfico. Vivir en la escuela de Cine de San Antonio de los Baños en Cuba, me ayudó a encontrar una mirada más personal y comenzar a desarrollar un discurso como director.

¿Cuál ha sido el mayor reto que has encontrado para Candela? La elaboración del guión fue uno de los procesos más complejos del proyecto. Nos tomó varios años a Laura Conyedo Barral (co-guionista) y a mí encontrar el balance perfecto entre el universo y el tono de la novela de Rey Andújar, a la vez que intentábamos generar nuevas ideas desde mi mirada personal.

¿Puedes compartir una lección o consejo recibido de alguno de tus maestros que siempre tienes presente? Ese que nunca se olvida. Un profesor en la escuela de cine solía decirme dos cosas: lo primero es que se aprende cine, haciendo cine. Lo segundo es que hacer cine es como un maratón… es una carrera de resistencia no de velocidad.

Tienes una amplia carrera dentro del cine, ¿cual es tu debilidad y por qué? Como director puedo llegar a ser bastante rígido con las ideas que se gestaron durante la preproducción. Puedo fluir e improvisar, pero prefiero hacerlo durante la preproducción y no durante el rodaje.

Introdúceme Candela, llévame por ese camino que han recorrido juntos. Candela es mi primer largometraje, una película inspirada en la novela del mismo nombre de Rey Andújar. Es un proyecto del que estoy muy agradecido ya que recibió apoyo de varias instituciones y festivales internacionales durante su desarrollo, como el Instituto Sundance, formando parte de sus laboratorios de guión, edición y el de música en el Skywalker Ranch de George Lucas. Así como en La Fabrique Des Cinémas Du Monde durante el Festival de Cannes 2018. Acabamos de finalizar todos los procesos de la película, solo nos queda compartirla con el público en el 2021.

DIRECCIÓN

Por ahí leí de ti esta frase: “el arte surge de la contradicción’’ … ¿Te describe? Espero que no. Intento que mis acciones así como mis proyectos estén en sintonía con mi modo de ver la vida. Ser coherente es importante. Cuando hablo de contradicciones, me refiero a la posibilidad de fijarnos en las contradicciones del mundo, la sociedad, el Caribe. La posibilidad que tenemos de apoyarnos en esos contrastes para a partir de ahí crear algo nuevo. Si República Dominicana fuera una película y tuvieras que dirigirla … ¿Qué harías? www.caribepop.com

2010 - La desgracia de Morena 2012 - El primer día 2014 - Las cosas buenas 2014 - Rollout 2015 - Tiznao Lo próximo (2021) - Candela

UN DIRECTOR… En estos momentos, Roy Anderson. UN ANCLA… Mi madre. UN ACTOR… Pepe Sierra. EL ÉXITO ES… Relativo. UNA PELÍCULA… Stalker. UN SUEÑO… La gestión cultural. UN GÉNERO… Melodrama. LA FAMILIA… Fuente inagotable de aprendizaje. EL CINE DOMINICANO ES… Una caja de sorpresas. UN SECRETO… Titanic me pareció un peliculón.

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UN GIRO A LA FÓRMULA

uando se escucha el nombre de José María Cabral en el cine nacional, hablamos de un cineasta inquieto e incansable en los temas que explora en sus producciones quien viene con una fórmula para indagar sin temblarle el pulso. Se puede considerar como uno de los cineastas nacionales que no se da por vencido y por los temas que aborda, también uno de los más atrevidos.

¿Cómo se dan las condiciones para hacer tu ópera prima? Había hecho muchos cortos, y entre un grupo de amigos hicimos un mediometraje que se llama Traición Oculta, todo eso mientras estábamos en la escuela. Luego ese mismo grupo de 7-8 amigos nos lanzamos a contar una película en largometraje que se llama Excexos, no pasábamos de 18-19 años entre todos. Fue muy divertido y aprendimos un montón.

¿Cuál es la diferencia entre el José María de 2008 y el de hoy? Antes yo era el fin, ahora soy el medio. A lo que me refiero es que antes yo hacía películas que salían de mi cabeza, y ahora he aprendido a meter en mi cabeza historias que veo afuera y simplemente soy el medio para transmitir esa historia. De esa manera puedo llevar películas con una identidad más clara a los espectadores.

¿Qué debe tener un proyecto para que despierte tu atención? Un giro nuevo. Una mirada fresca. Algo que no se haya contado desde ese punto de vista. La historia puede tener fórmula, pero la mirada debe ser original.

Sueñas mucho, pero trabajas más. ¿Cuál es más importante para ti? ¡Trabajar! ¡Siempre trabajar!

¿Cuál es el mayor aprendizaje que te ha dado el cine? A mirar hacia adentro. Entender que lo que se filma y lo que uno es, está muy conectado. Uno termina contando lo que piensa y siente sobre la vida.

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¿Cuál es el mayor reto que has superado? Poder hacer una película de amor dentro de una cárcel. Si República Dominicana fuera una película y tuvieras que dirigirla …. ¿Qué harías? ¡Una road trip movie!

2012 - Jaque Mate 2013 - Arroba 2014 - Despertar 2015 - Detective Willy 2017 - El proyeccionista 2019 - Isla de Plástico Lo nuevo - Hotel Copelia

UN DIRECTOR… Francis Ford Coppola. UN ANCLA… Libertad. UN ACTOR… Daniel Day Lewis. EL ÉXITO ES… Persistencia. UNA PELÍCULA… 8 1/2. UN SUEÑO… Contar historias. UN GÉNERO… Drama. LA FAMILIA… Sostén. EL CINE DOMINICANO ES… Crecimiento. UN SECRETO… Si lo cuento no sería un secreto (risas).

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C A B R A L M A R Í A J O S É

“L a his to r i a puede ten er fó r m ula , pero l a m i r a d a debe s er o r i g i n a l”.

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L A U R A A M E L I A G U Z M Á N SBZ

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“ El c i ne me permi te s er yo, un ente s oc i al c uri os o”.

LA DIRECTORA DE LAS MIRADAS

e las cineastas que vienen desarrollándose en el cine dominicano tengo mucha admiración por su trabajo, me impresiona cómo puede comunicar tanto a través su historia y sus personajes, quienes, sin conversar, a través de la mirada comunican mucho. Tiene una capacidad de transmitir a través del lente un mensaje de poder, sobrevivencia y temas muy exportables.

¿El cine te conquista a ti o tú lo sedujiste primero? Desde muy joven comencé a explorar a través de la fotografía, entender el mundo y la realidad de mi entorno se me hacía más fácil a través del lente. Cuando descubrí el soporte digital empecé a sentir curiosidad por la narrativa. ¿Por qué te llena tanto ser cineasta? A través del cine logro mantenerme en constante investigación. El cine me permite ser yo, un ente social, curioso. Aprender todos los días sobre los temas que me interesan y que ese sea mi trabajo es maravilloso; por eso me esmero en compartir una visión honesta. Creo que el cine es una herramienta muy poderosa para lograr el entendimiento entre los humanos y sobre todo que nos respetemos los unos a los otros. Además, a pesar de ser un reto enorme es sumamente gratificante compartir tu trabajo con tu pareja y el cine me lo permite.

¿Puedes compartir tu estilo de dirección? Procuro que los procesos sean orgánicos, ya sea cuando hago ficción o documental, sucede que ambos siempre se entremezclan. Creo que hay que crear las circunstancias para que la magia suceda. Como trabajo en pareja (con mi compañero de vida, Israel) nos mantenemos en constante exploración, en cada película que hacemos asumimos diferentes roles según las necesidades del proyecto y eso hace que cada película tenga un estilo diferente. Tus películas tratan temas poco convencionales, ¿dónde despierta esa necesidad de llevarlos a la pantalla grande? Al llevar estas historias a la pantalla grande logro conectar a un nivel muy especial con gente con las cuales jamás hubiera imaginado pudiera tener una comunicación.

Los festivales son plazas importantes en tu carrera, has tenido un amplio recorrido, participación, premios, estrenos… ¿Cuál es el mayor valor agregado que le ves a esta plaza? La Fiera y la Fiesta se estrenó en el Festival de Berlín en 2019 y ha sido, creo, que el mayor logro de nuestra carrera hasta ahora. Nuestras primeras películas se estrenaron en el Festival de Venecia y eso nos abrió las puertas para participar en muchos más; lo cual nos permitió conocer a fondo cómo funciona el mundo de la distribución internacional, que es lo que más nos interesa, y me motivó a ser también exhibidora y distribuidora aunque sea a una escala modesta. Y por eso arranqué con el proyecto de Cinema Boreal, que es una sala de cine, donde mostramos muchas películas que vemos en festivales y que no llegan a los cines comerciales del país.

¿Cuándo toman vida tus personajes: en guión, rodaje o edición? ¿Por qué? En las primeras películas que hicimos partimos de personajes reales que son interpretados por ellos mismos; el reto era llevarlos al guión, y siempre hemos sido Israel y yo quienes los escribimos. Ninguno de los dos estudiamos para eso, así que dar vida a los personajes fue un proceso intuitivo que seguía madurando durante el rodaje y la edición. Al pasar los años, ya vamos por nuestra séptima película, eso ha ido cambiando un poco, y siento que ahora procuramos trabajar mejor los personajes desde el guión.

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2007 - Cochochi 2010 - Jean Gentil 2013 - Carmita 2014 - Dólares de Arena 2017 - Sambá 2017 - Noeli en los Países Bajos 2019 - La Fiera y la Fiesta

UN DIRECTOR… Werner Herzog. UN ANCLA… La familia. UN ACTOR… Mi hijo Bosco. EL ÉXITO ES… Relativo. UNA PELÍCULA… Croma Kid. UN SUEÑO… Seguir haciendo lo que me gusta. UN GÉNERO… Drama. LA FAMILIA… Mis amigos. EL CINE DOMINICANO ES… No me gusta generalizar. UN SECRETO… Lanza.

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EN BÚSQUEDA DE LO QUE SOMOS

uionista, directora y productora destacada por su activa labor en pos del crecimiento de la industria cinematográfica en la República Dominicana, co-fundadora de ADOCINE, la Asociación Dominicana de Profesionales de la Industria del Cine, y pionera en la realización de coproducciones internacionales.

¿Qué tipo de películas te gusta contar, qué perfil tienen? Cuando me dieron la noticia de que Mis 500 Locos era la selección de República Dominicana para representarnos en los Óscar, bromeaban conmigo acerca de si mi próxima película iba a ser de ciencia ficción porque, aunque me he manejado mucho con el drama, mis películas son muy diversas. No sé si me gustaría encasillarme pero hay unos puntos en común que tienen todas y es, lo primero, la búsqueda de lo que podría ser llamado una personalidad dominicana. El tipo de película que me llama la atención es la que pueda alimentar esa búsqueda, esa necesidad que tengo de conocer un poco más de lo que significa ser dominicano. Después para mí también es muy importante el contenido social de las películas, sentir que a través de las mismas se toca un tema social, que de alguna manera pongo mi granito de arena… En un diálogo, en una percepción, en un prejuicio… cosas que lleven a conversar sobre ese tipo de cosas y... a la reflexión. ¿Cómo es el proceso de hacer una película? Es complejo. Hace unos años leí en una revista una lista de las profesiones más demandantes a nivel creativo y entre ellas estaban dirección de cine y actuación. ¿Por qué es tan complejo…? Porque combina aspectos de todo tipo: creativos, sumamente técnicos y financieros. Lograr combinar todo esto armoniosamente no siempre es fácil. También en lo que respecta a la dirección, hay que tener aptitudes a veces casi hasta de psicólogo para lograr que un equipo, que en la mayoría de los casos sobrepasa las 125 personas, logren identificarse con el proyecto y trabajar en colaboración en un periodo de tiempo muy breve. Lograr todo esto en apenas 2 meses de trabajo es sumamente difícil y eso lo hace bastante complejo. Además antes el cine no

se consideraba como una industria en la cual había que invertir recursos y esperar unos beneficios, pero eso ha cambiado con la Ley de Cine y con la fundación de asociaciones como ADAC, la Asociación de Actores y la ADOCINE. Ya tenemos un marco legal y finalmente estamos siendo considerados como una industria y como catalizadores de la economía del país.

¿Qué es más importante: idea, guión, actores, director…? Es una pregunta sumamente difícil de responder porque es como preguntarle a un pintor qué es más importante, si el pincel, el canvas, la pintura… azul o amarillo, no sé. Todos los elementos son necesarios para que el producto final quede terminado de manera satisfactoria y por supuesto la materia prima de la que surge todo eso es el guión. Pueden existir ideas pésimas que dan guiones espectaculares, pero puedes tener ideas excelentes y aun así si no tienes un guión que te sirva el potencial de la película queda mermado desde el principio ¿Qué es más difícil hacer una película o venderla? Como mencionaba antes, gracias a la Ley de Cine para nosotros los directores y productores se ha vuelto no más fácil, pero sí menos difícil hacerla, y con los avances de la tecnología no es una exageración cuando se dice que una película puede filmarse con un celular. Ahora, el mismo hecho de que los costos de producción hayan bajado y de que esta tecnología sea más asequible a una mayor cantidad de personas, trae como consecuencia que se produzcan más películas al año y nada más hay que hacer la matemática. Después hay un espacio limitado donde colocar películas, entonces sí, es mucho, mucho más difícil venderla.

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He visto como has podido entrar a los mercados internacionales, ¿cómo lograr ese éxito? Ciertamente para nosotros que somos una industria pequeña y que hacemos películas independientes los festivales de cine son la plataforma por excelencia para obtener visibilidad de compradores, agentes de ventas que, si no es así, es muy poco probable que se interesen en nuestras películas. La competencia es feroz igual, pero yo pienso que hay que ir. Tú vas a los festivales A, si no puedes, a los B, luego a los C. Lo importante es tener visibilidad. Es un trabajo arduo porque hay miles de festivales en el mundo, pero mi consejo es escoger cuidadosamente cuáles son los que puedan realmente dar beneficios y concentrar los esfuerzos porque, al final, se termina gastando mucho dinero en los “feest” para solicitar la admisión. La segunda opción es explorar agentes de venta que estén interesados en el tipo de contenido que produces y contactarlos directamente. Y mucha disciplina, participar, enterarse de cuáles son los mercados de cine internacional, de cuáles son los foros y mantenerse en un trabajo constante que nunca termina. Esto no se acaba cuando se rueda la película, ahora es cuando empieza el trabajo difícil y duro de verdad, cuando la película ya está terminada de rodar. Es un monstruo de verdad. Muy complejo. Si República Dominicana fuera una película y tuvieras que dirigirla …. ¿Qué harías? Escribiría la mejor tragicomedia del mundo con marcados tintes surrealistas, ese sol que golpea a 90 grados nuestras cabezas a veces nos afecta de maneras inesperadas.

2011 - La hija natural 2013 - Cristo Rey 2018 - Juanita 2020 - Mis 500 locos

UN DIRECTOR… Ava Duvernay. UN ANCLA… Mi madre. UN ACTOR/ACTRIZ… Cate Blanchett. EL ÉXITO ES… Libertad. UNA PELÍCULA… The Bad Batch. UN SUEÑO… Una distribución exitosa. UN GÉNERO… Ciencia ficción. LA FAMILIA… Mi salvavidas. EL CINE DOMINICANO ES… Un mango banilejo en proceso de maduración. UN SECRETO… No te lo voy a decir.

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S O N O T A I C I T E L

“Para m i e s muy imp o r ta n te el conten i d o s o c i a l de l as pe lí c ula s ”.

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N A T A L I A C A B R A L SBZ

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“ El c i ne e s s i empre una re c ons t ruc c i ón de la re ali dad para c ont ar una verdad de l autor.”

UNA CONTADORA DE HISTORIAS

ace cine con tanto sentimiento que queda marcado en sus obras. Esa pasión y anhelo por contar historias nuestras y sin manipular le llevan a tener una narrativa muy natural. La relación de pareja es de sus fuertes, la cuenta con tenacidad y un hilo conductor que hace que no puedas quitar la mirada mientras se desarrolla, te adentra a ella y hace que te identifiques.

¿Qué significa Cuba para ti, en tu profesión y formación? Para muchos cineastas dominicanos que estudiamos en la Escuela Internacional de Cine de San Antonio de los Baños, EICTV, Cuba es sinónimo de formación cinematográfica de una manera muy peculiar, ya que la EICTV es una escuela-internado, vives allá y estudias allá, y te formas alrededor de personas de todo el mundo, el profesorado y alumnado es internacional. Así que mientras aprendes cine, también aprendes sobre el mundo, enriqueces tu cultura general y vas creando una red de contactos que luego te sirve muchísimo a la hora de empezar tu carrera. Pero Cuba también es la experiencia (peculiar otra vez) de vivir en un país en donde la salud y la educación son derechos fundamentales, un país bajo otra organización social, económica y política. El aprendizaje en Cuba, sobre cine y vida, es profundo y deja una huella que perdura. ¿Algún profesor o profesional del cine cubano que ha dejado huella o influencia en tu vida en el séptimo arte? A partir del triunfo de la Revolución Cubana, en Cuba se realizó un cine muy estimulante, que miraba su realidad y la contaba con una curiosidad y una inteligencia que hacen que ese cine sea una referencia mundial de nuestra región caribeña. Los estudiantes de la EICTV gozamos de muy buenos profesores cubanos en todas las áreas del cine, como el montador Nelson Rodríguez o el guionista Eliseo Altunaga. Tomás Gutiérrez Alea es siempre un gran referente, director de Memorias del Subdesarrollo (1968), una película que me impresionó mucho cuando la vi, por moderna y subversiva.

Llévanos un poco en el proceso de hacer una película, ¿que tiempo te tomas en su desarrollo? El desarrollo es la etapa de la película que más tiempo dura, por lo menos en mi caso. Empieza desde que tengo una idea que me obsesiona un poco, entonces empiezo a escribir y escribir hasta que estoy atrapada en el mundo de esa idea, y en cada momento surge una pequeña idea que va alimentando a esa gran idea. Así, poco a poco, la película va tomando forma y adquiriendo su propia vida, hasta que la que está siendo dirigida soy yo, la creadora, y la directora del proyecto es la idea. Esto toma años y es fundamental tomar esta etapa en serio, porque luego, cuando esa idea se materializa en el proceso de rodaje, no hay mucho tiempo para repensar o intentar otras estrategias, entonces es muy bueno entrar en rodaje con un desarrollo sólido de la película. Los documentales están creciendo mucho en nuestro país, ¿entiendes que hay algunos temas que se pueden tratar? ¿Cuáles faltan? Hay estudiosos y expertos en cine que argumentan que el cine nació como documental. Los Hermanos Lumière y sus cortometrajes son un ejemplo de ello. Godard suele decir que una película de ficción es siempre un documental sobre el proceso de hacer una película. Incluso hay algunos que van más allá y afirman que el cine de verdad, puro, es el cine documental, porque el cine de ficción contiene muchos elementos de otras artes, como el teatro que tiene actores y argumento. Lo cierto para mí es que el cine es siempre una reconstrucción de la realidad para contar una verdad del autor. Luego, si se quiere utilizar a gente real o a actores para contar esa verdad depende del proyecto en sí, de las herramientas que quiera utilizar el director o de su gusto particular. Con los temas creo que pasa lo mismo. No creo tanto en la obligatoriedad de

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tratar un tema, pero sí en el compromiso y la mirada particular con la cual el cineasta mira su mundo.

¿Cómo valoras el desarrollo del género documental en el cine dominicano? El documental como género en dominicana está aún muy poco explorado si se compara con la filmografía de otros países de América Latina, donde muchos cineastas empiezan su carrera haciendo documentales en formato corto, porque es más barato, más accesible para alguien joven, la realidad agridulce está allí mismo. Pero aquí pasa todo lo contrario, muchos directores empiezan haciendo películas de ficción de grandes presupuestos. Para contrarrestar esta situación, podemos afirmar que existen ya buenos documentales dominicanos. Están nuestros documentales Tú y Yo y El sitio de los sitios que han tenido una buena trayectoria internacional, pero también hay otros documentales de tremenda belleza como Blanco de Melvin Durán, Caribbean Fantasy de Johanné Gómez, Si Dios Quiere, Yuli de Jean Jean, Pareces una carreta de esas que no la paran ni lo’ Bueye de Nelson Carlo de los Santos Arias, y otros más que aún no he visto. También hay un cine de ficción que bebe mucho de la realidad en películas como Carpinteros de José María Cabral, Cocote de Nelson Carlo de los Santos Arias y Jean Gentil de Israel Cárdenas y Laura Amelia Guzmán. Esta realidad no hace más que enriquecer la ficción de la obra. Si República Dominicana fuera una película y tuvieras que dirigirla …. ¿Qué harías? Un remake o de Dirty Dancing (1987) del director Emile Ardolino o de Bienvenido Mister Marshall (1953) de Luis García Berlanga.

2005 - Disco Década 2014 - Tu y Yo 2016 - El sitio de los sitios 2018 - Miriam miente

UN DIRECTOR… La directora Chantal Akerman. UN ANCLA… Mi esposo Oriol y mi hija Lía. UN ACTOR… Ninguno. EL ÉXITO ES … Equivocarse. UNA PELÍCULA… La última que vi que me gustó mucho, Amadeus de Milos Forman. UN SUEÑO… Ninguno. UN GÉNERO… La comedia. LA FAMILIA… La escuela de la vida. EL CINE DOMINICANO ES… Una criatura alegre que quiere correr antes de aprender a caminar. UN SECRETO… ¡Es un secreto!

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UN POLIFACÉTICO AUTODIDACTA

a energía y pasión con la que trabaja se transmite de una manera tal que es de los cineastas más apreciados en la industria. La creatividad en su cabeza no tiene límites y lo más importante es su capacidad de ayudar y apoyar a los demás en el cine nacional, es algo que lo hace diferente dentro de este medio, muy dado y humano.

¿Cómo nace el cine en ti? Llévame… a tu adolescencia o infancia. Desde que tengo uso de razón. Mi papá tenía un proyector casero de 8mm, un Bell & Howell, con muchos rollos de películas cortas y de muñequitos incluso. Sin sonido. Había una de Shirley Temple en blanco y negro del ’33, Kid in Africa que la veía una y otra vez. Había un short documentary de la apertura de la Feria Mundial de NY del 64 que me fascinaba. Pero no era tanto el ver esas películas, sino que yo con 6 años sabía manipular el proyector, colocar los rollos dentro de los reels y mostrar las pelis a mis amiguitos en la pared del patio, en las noches. Tiempos muy lindos. Ese olor del celuloide cuando pasaba por la luz de la lentilla, la magia de los cuadros convirtiéndose en movimiento. Eso fue lo que me despertó esa curiosidad. Pero dos acontecimientos son los que definitivamente me hicieron decir que de grande iba a “filmar”. Ver Back To The Future (1985) y la llegada de una cámara de VHS a mi casa, una JVC prácticamente IGUALITA a la que usaba Marty McFly. Me fundí ahí mismo. Esa cámara no descansó jamás. Debí filmar como 15 tapes de VHS de 120 minutos grabados en “EP” (el doble de grabación) con mis amigos. Grababa todo lo que pasaba en el barrio y en mi casa. Hacíamos short films y recreamos videos musicales de MTV. Los editaba de VHS a VHS yo mismo, con el VHS de mi casa y otro prestado. Yo tenía 1112 años. Un tiempo mágico realmente. Así fue. ¿Cuál fue la primera película que viste que despertó la curiosidad por más? Star Wars, El Imperio Contraataca (1980). Antes de comenzar la película, pasaron un “detrás de cámara” de A New Hope. Ver que las naves eran miniaturas, que usaban fondos azules (chroma keys), que R2D2 era una persona pequeña dentro del robot, que había paredes llenas de shooting boards, eso me hizo llegar a la casa y prácticamente no dormir dibujando las escenas. Yo

tenía 6 años. Me la pasaba jugando a filmar con la cámara de 8mm de mi papá.

Tu ópera prima fue La Montaña, comparte un poco del proceso creativo. Pues fue bastante… ¿Espontáneo? No hubo un proceso así per sé de yo “sentarme” a pensarlo. Nannette Camarena e Iván Gomez me llamaron para invitarme a la expedición para que filmara todo. Les expuse que hiciéramos un documental. Y fui y filmé todo a medida que pasaba. Un día, caminando en los Himalayas, en un pueblo hermoso llamado Namche Bazaar, había una excursión de adolescentes canadienses haciendo la ruta. Ahí surge la idea de contar que jóvenes dominicanos subieran al pico mientras los hombres subían al Everest. Ya de ahí en adelante fue filmar y filmar, y luego en la edición crear la continuidad. Fue más un proceso creativo de edición que de guión. Cuando llega Veneno... ¿Te encontró preparado? ¿Cuál fue esa preparación? Fue un proceso largo realmente. Desde la primera reunión donde se me presentó la idea hasta el inicio del rodaje debieron pasar unos 4 años. Nunca había escrito un guión, este lo tomé como ejercicio. Nunca había filmado un largometraje, así que también lo tomé como una escuelita. De hecho, toda la película fue un experimento para mí. Pero para 2016 cuando filmamos, ya yo tenía 19 años filmando y editando comerciales y videos musicales. MUCHOS. Y filmando en 35mm y 16mm. ¡Mucho! Usé Veneno como la escuela cinematográfica que nunca cursé. Porque nunca estudié nada de lo que hago, y me pareció perfecta para hacerla como esa experiencia de aprendizaje académico, un curso intensivo, por así decirlo. Desde desarrollo de argumento, desarrollo de personajes y universos, escritura de guión, hasta diseño de producción, edición y VFX (efectos visuales). Y fue realmente intenso, sí.

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Además de cine eres muy conocido en el mundo del videoclip y de los comerciales. ¿En qué se diferencia el trabajo en cada uno de estos renglones? En el lenguaje cinematográfico. Los tipos de narrativa. Para mí los videos musicales deben ser experimentales. Arte visual, narrativas abstractas, surrealismo. Porque estamos hablando de música. Es el video promocional de una canción. Proyectar al artista dentro de su mística musical, que es lo que más atrae al público, la mística. Si lo sacamos de esa mística, entonces pierde esa esencia de artista. Se vuelve… común. Ordinario. Por ende, pierde el “feeling”. El “feeling”… palabra tan difícil de entender. Hay una ley en los videoclips: “keep it weird”. En los comerciales, la narrativa cambia mucho. Hay una mezcla de todo. Hacemos short films de 45 segundos, de 2 minutos. Y hacemos videoclips abstractos de 35 segundos. Vainas muy locas, o fílmicas súper emotivas y recatadas. Por eso AMO los comerciales más que nada. Por esa diversidad de narrativa visual que tienen. Es una escuela constante, con un gran abanico de variantes de estilos donde uno como director debe mimetizarse y nunca ser constante, pues le estamos comunicando mensajes a diversos targets: un día al coro del colmado, un día al platinum golfista, otro día a la mujer emprendedora, otro día al niño que quiere ese dulce. ¿Qué consejos le darías al Tabaré de 15 años que soñó con hacer una película? !Taba, estudia administración! O por lo menos toma un cursillo de contabilidad. Te vas a evitar problemas con gente... por tú estar de artista na má. Si República Dominicana fuera una película y tuvieras que dirigirla …. ¿Qué harías? Shhh… Es un secreto. Estamos en ello :P

2013 - La Montaña 2018 - Veneno

UN DIRECTOR… Imposible seleccionar uno solo. UN ACTOR… Imposible seleccionar uno solo. UNA PELÍCULA… Imposible seleccionar una sola. UN GÉNERO… Drama, siempre drama…. porrr queeeeehhhh!!??? EL CINE DOMINICANO ES… Dominicano. UN ANCLA… El tiempo. EL ÉXITO ES… Tener tiempo para disfrutar. UN SUEÑO… En mi caso varía mucho. Hoy: 1974 Citröen SM. ¿Mañana? no sé. LA FAMILIA… Es el núcleo de la sociedad (me lo dieron en Ciencias Sociales en primaria). UN SECRETO… Como diría Chespirito: “¿puedes guardar un secreto? Yo también”.

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B L A N C H A R D T A B A R É

“A mo lo s comercia le s más que n a da por es a d iver s i d a d de narrativa v i s u a l que tien en .”

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VISAGE

Por Luigi Puello

COCO CHANEL LA MUSA QUE RECHAZÓ A HOLLYWOOD

UN HOLLYWOOD ACARTONADO En una ocasión los productores del gran Hollywood, deslumbrados por el magnetismo de la artista, la invitaron a los grandes estudios con la vaga esperanza que esta se atreviera a diseñar en las grandes producciones. Al ver la falsedad de las escenografías y las posturas de diosas de ciertas estrellas de Hollywood, Coco simplemente decidió darle la espalda por completo a la industria, afirmando que sus creaciones no eran para desclasados. Aunque los diseños de Chanel puedan parecer elitistas, su fundadora decía: “No es la apariencia, es la esencia. No es el dinero, es la educación. No es la ropa, es la clase”. Creía firmemente que si cumpli-

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Fotos: fuente externa

a Casa Chanel nace en el año 1909 cuando Gabrielle Chanel, más conocida como Coco Chanel, abre una tienda de sombreros (Millinery) en el Boulevard de Malesherbes # 160 de París. Esta propiedad pertenecía a su amante, el socialista y dueño de negocios de textiles Étienne Balsan. La misma albergaba un salón de caballeros dedicado a la caza y los deportes. Gabrielle tuvo la oportunidad de codearse con las amantes de los clientes del salón; mujeres del mundo de la moda en quienes estos ricos de la época gastaban enormes fortunas en vestidos, joyas y sombreros como una forma de mostrar su poder adquisitivo. Es de aquí que Chanel ve una vía para hacer negocio. La revolución de esta visionaria cambió el camino del Haute Couture y del prêt-à-porter, al ir en contra de lo establecido y liberar la silueta femenina, reemplazando los corsés y la figura de reloj de arena (tan popular en la Belle Époque de Francia y en la época Eduardiana de Inglaterra), por estilos más funcionales. Además del uso de colores asociados con lo masculino como el gris y el azul marino, para hacer notar lo osado de lo femenino. Liberó igualmente la silueta femenina incorporando a sus diseños las cómodas prendas masculinas como los pantalones o zapatillas planas, mezclados con grandes accesorios. También rescató a la mujer de la tiranía de las melenas y popularizó el famoso corte garçon, demostrando que el cabello corto también podía ser híper femenino.

“La moda es efímera, pero el estilo permanece”.

mos estos requisitos, se puede tener gracia en cualquier situación. Otra de las frases famosas de Coco, que muestra su filosofía sobre el dinero y la riqueza obtiene mucho significado cuando conocemos el principio humilde de la misma: “Las mejores cosas de la vida son gratis. Las segundas mejores son muy, muy caras”. En 1910, apertura su primera tienda de moda, Chanel Models, en el número 21 de la Rue Cambon de París. Paso a paso fue captando la atención de este mundo con diseños tan exitosos como su blusa básica marinera o su cartera BOY nombrada en honor a uno de sus amantes: Arthur “Boy” Capel. Siempre le decía a sus amigas: “Una mujer puede darlo todo con una sonrisa y recuperarlo después con una lágrima”.

EL NÚMERO 5 Coco era un poco cabalística y es por esto que sus colecciones siempre se presentaban el día 5 del quinto mes (mayo) del año. Aunque en la actualidad no se ha podido mantener esta tradición, el número 5 se ha perpetuado en accesorios, vestidos o en elementos decorativos. La verdad es que Chanel decía: “Una mujer sin perfume es una mujer sin futuro”, por eso utilizó su número de la suerte para nombrar la quinta versión de su fragancia: CHANEL 5, la cual se dice que vende un frasco cada 30 segundos en el mundo. “Un vestido bonito necesita ser visto en un cuerpo en movimiento, no en una percha”. Coco se negó rotundamente a diseñar para las princesas y nobles de la época. Decía que siempre querían cambiar los diseños y eran muy morosas. ¿Por qué tengo que hacer algo gratis, cuando nunca nadie me dio nada gratis? Coco convirtió el Hotel Ritz de París en su segundo hogar y diseñó la suite presidencial del mismo en el cual declaró su amor por los lacados asiáticos, los espejos dorados y el combo blanco y negro, afirmando: “Uno no puede estar siempre innovando. Quiero crear clásicos”. Gabrielle Chanel falleció el 10 de enero de 1971 en su habitación del Hotel Ritz. Sus últimas palabras fueron: “Bueno, así es como una se muere”. Hoy en día su legado perdura liderado por Alain Wertheimer y Gérard Wertheimer, nietos de Pierre Wertheimer, quien fue un socio de Chanel. Las ventas de este emporio en el año 2019 fueron las más altas en la historia de la compañía con beneficios que rondan los 151 mil millones de pesos.

Por Luigi Puello

TREKKIES HABLEMOS UN POCO DE LOS FANÁTICOS MÁS FANÁTICOS, QUE FUERON LOS PRIMEROS EN AUTONOMBRARSE… LOS ADEPTOS A LA SAGA DE

1. Es un término que se originó en 1967 para describir a aquellos fanáticos cuya admiración por la serie de TV (1966-1969) iba más allá de lo normal. 2. Se utilizó por primera vez durante la 25va. Convención Mundial de Ciencia Ficción, en la cual el creador de la serie, Gene Ronddenberry, se presentó ante varios fanáticos que vestían como el personaje Spock. El editor de ciencia ficción Arthur W. Saha, usó el término durante una entrevista a TV Guide durante la convención.

Fuentes: Utopian Enterprise: Articulating the Meanings of Star Trek’s Culture of Consumption/ Youth subcultures: A search for style/ Star Trek Lives: Trekker Slang

3. La serie original rompió varios moldes establecidos en la TV. Primer elenco multirracial, primer beso televisado interracial y homosexual. Así como un futuro positivo de hermandad, donde los estilos de vida son respetados mientras no amenacen el de los otros. 4. Los antagonistas: los Klingons, poseen su propio idioma (construido por Marc Okrand para la serie) se estima que solo 100 trekkies en el mundo lo pueden hablar fluidamente (incluyendo a Sheldon, de Big Bang Theory). Theory). 5. Los trekkies han llegado a costear producciones amateurs para dar continuidad a las historias de la serie original. 6. La cultura trekkie se basa en emular los principios de la serie de un mundo mejor, empezó como un movimiento en Estados Unidos y Canadá. Hoy en día es un fenómeno mundial gracias a que la serie original y sus variaciones se transmiten en todas partes del mundo. 7. Hoy en día se cataloga a los trekkies como una subcultura y no como una fanaticada. 8. Otros fanáticos han querido emular esta clase de hermandad, adoptando nombres para describirlos: Harry Potter: Potterhead Potterhead;; Taylor Swift: Swifties Swifties;; BTS: Army Army;; Lady Gaga: Little monsters monsters;; Barry Manilow: Fanilows;; Justin Bieber: Beliebers Fanilows Beliebers;; The Killers: The victims victims;; Nicki Minaj: Barbies;; Ed Sheeran: Sheerios Barbies Sheerios;; Cardi B: Bardigang y los de Ariana Grande: Arianatics Arianatics.. 9. Los trekkies viven su vida bajo el código moral creado en la serie, el cual dista mucho de los valores morales de la sociedad moderna. Se rigen por la igualdad, la aceptación, ciencia ficción, progresión y otros valores, se observan como una desviación de la media. 10. Los trekkies son referenciados en múltiples obras, programas de TV, películas y hasta tienen su propio documental Trekkies el cual se estrenó en 1997 y recaudó 37 millones de pesos.

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Por Pedro García

THAN LIFE

onocido quizás como el director, escritor, productor y actor del filme que se considera el mejor de todos los tiempos: Ciudadano Kane, debido a la cantidad de nuevas técnicas que aportó a la industria cinematográfica. Welles tuvo una infancia cargada de enfermedades (malaria, paperas, difteria, asma, sinusitis, dolores de espalda y deformidades congénitas en la espina dorsal) que pasó postrado a una cama, pero este Fénix llegó a comandar todo los medios en Hollywood. • Desarrolló el talento del piano junto a su madre, en su escuela descubrió su pasión por el teatro. • También podía pintar muy bien y era un gran ilusionista. Era miembro de la Hermandad Internacional de Magos y de la Sociedad Americana de Magos. Su mentor fue Harry Houdini. • Le encantaba decir que era familia de Gideon Welles, Secretario Naval de Abraham Lincoln, aunque esto no era verdad. • Interpretó a Brutus en una reimaginación del clásico de Shakespeare Julio César en el 1937. Es la interpretación del clásico que más tiempo ha durado en escena.

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• A los 21 años dirigió una versión de MacBeth donde todo el elenco era afroamericano. • Orson Welles narró los trailers de la Guerra de las Galaxias. • En la película Ciudadano Kane da vida a una versión ficticia del publicista de la vida real William Randolph Hearst, este se incomodó tanto con esto, que prohibió mención alguna del filme en sus publicaciones. Esto hizo que las personas no fuesen a ver la película. Aun así fue nominada a 9 premios de la academia, ganando por mejor guión. • Orson Welles desarrolló las técnicas de: deep focus, tiros largos y más de una perspectiva para contar la historia. Hoy en día no se pensaría hacer una película sin una de estas técnicas. • Cuando filmó su película The other side of the wind no tenía con qué pagarle al cinematógrafo Gary Graver, así que le regaló su único Óscar. • Los descendientes de Graver lo vendieron en una subasta por RD $50,799,000.00. • No le gustaban las películas a color, pensaba que eran distrayentes y que se podía apreciar más la emotividad de la actuación en blanco & negro.

• Murió el 10 de octubre de 1985, horas después de dar una entrevista en el show de Merv Griffin y con la máquina de escribir es su regazo. Fue cremado y enterrado esparcido en un campo de flores de la finca del torero Antonio Ordóñez. • Su doctor le recomendó dejar de celebrar cenas para 4 personas en especial cuando solo había una presente. Orson llegó a pesar 400 Lbs en su altura de 6 pies y 3 pulgadas. Su cena favorita consistía en: 2 steaks término rojo y una botella de whisky escocés. • Interpretó el papel de UNICRON, en la película de los Transformers de 1984. • Estuvo casado con la gran actriz Rita Hayworth, de la cual agradeció que había estado con él mucho más tiempo que con cualquier otro hombre. • En la famosa transmisión de la Guerra de los Mundos, Welles cambió un poco el nombre de las localidades de la novela original de H.G. Wells la transmitió como si fuesen boletines de noticias incluyendo pseudo testigos de la historia, lo que hizo que el radioyente creyese que de verdad se estaba desarrollando una invasión extraterrestre y causando una histeria colectiva.

Foto: fuente externa. Fuentes: Variety Magazine/ The Orson Welles Biography/Factinate/Town and Country Magazine.

ORSON WELLES

Dejamos este espacio en blanco para que en él expreses cómo visualizas tu 2021. Si gustas, compártelo en tus redes con el #2021TheShowMustGoOn

RETRATOS

Por Joan Prats

“Tengo historias que debo contar que aún esperan en mi computadora”. Waddys Jáquez es un actor, guionista, productor y director teatral dominicano que a lo largo de su carrera ha ganado 16 Soberanos, pero más que nada es un artista que se ha dedicado a compartir sus creaciones en distintas disciplinas artísticas. No solo ha dirigido y actuado en obras teatrales y producciones cinematográficas, con cada proyecto se presenta una oportunidad de compartir relatos plasmados con su inusual estilo.

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UN GRAN SALTO PARA LA GRAN PANTALLA Jáquez es un contador de historias que se adapta a la disciplina en la que quiere compartir y desde hace poco ese medio han sido las películas. En 2019 fue su estreno como director de cine con La Barbería, filme protagonizado por Héctor Aníbal Estrella Pantaleón, Georgina Duluc, Modesto Lancén y Josué Guerrero. Con esta producción hizo el salto de director teatral a director de cine y le despertó el apetito por seguir hilvanando historias para el séptimo arte. “Con La Barbería trabajé el guión, o mejor dicho la adaptación de la obra teatral, que resultó tener unos 20 personajes nuevos”, explica Waddys, “es decir que ahí tuve la oportunidad de romper el libreto y en base a la verdad central hacer el guión”. En la actualidad Jáquez trabaja como guionista bajo contrato y además de estos proyectos también debe concluir la post producción de la última película que dirigió, Inesperadamente Lucía. En el caso de este filme él escribió el guión junto a Alejandro Andújar y Ettore D’Alessandro. “Entré al proceso cuando ya estaba listo el último draft. Trabajé mi corrección del guión en base a lo que estaba allí. Hubo cambios pero dentro del marco de la historia establecida”, comenta el director. Otra película que contó con su participación como guionista fue Mis 500 Locos, filme dirigido por Leticia Tonos y cuyo guión fue creado por Jáquez y Lenin Compres. Esta película está basada en la novela del mismo nombre escrita por Antonio Zaglul y ha sido la elegida oficialmente para representar al país en los Óscar. “Fue un proceso largo, pero hermoso y divertido”, recuerda Waddys. “Era mi libro favorito durante el bachillerato y fue una gran experiencia trabajar con Lenin Compres, un amigo a quien quiero y admiro profundamente”. Jáquez no tiene problemas con volver a escribir un guión junto a otro guionista, siempre y cuando se presenten las circunstancias

apropiadas y que sea la persona correcta. “Escribir en dupla es como un matrimonio, no siempre estaremos felices, pero sabemos que debemos caminar juntos para que funcione”. Después de estas experiencias la fascinación de Jáquez con la gran pantalla sigue creciendo al igual que su deseo por seguir explorando todas las posibilidades para contar historias a través del lente de una cámara. “Tengo proyectos que entiendo pueden tener un gran éxito” comenta Waddys, “historias que debo contar y que aún están esperando en mi computadora.” EL TEATRO COMO CENTRO DEL UNIVERSO Gran parte de la carrera de Jáquez ha cobrado vida sobre las tablas, ya sea como actor (a veces interpretando hasta cinco papeles en la misma obra), director, coreógrafo o productor artístico, este ha sido el medio en el que él ha podido desplegar todo su talento como artista y ha cosechado los frutos de un constante flujo de creaciones. Entre sus obras más importantes están Perfectus Quórum, El Camaleón, In The Heights, Cabaret y Circo, Crónicas de Cero, Letal: televisión en vivo y la obra que siente que más ha definido su carrera, Pargo: Los Pecados Permitidos. Al hablar sobre sus preferencias en cuanto a actuar frente a las cámaras o un público en vivo, Waddys lo tiene claro. “Son dos emociones distintas. Claro, el contacto con el público en el teatro es directo y se renueva cuando sales al escenario cada noche”, aclara el actor. “En una película tenemos que editar y luego esperar a ver cómo reacciona el público”.

EL ESPECTÁCULO DE LA TV Entre sus triunfos en el teatro y sus populares incursiones en la gran pantalla es fácil pasar por alto que Waddys Jáquez desde hace años también ha hecho carrera en la televisión. Además de colaborar como guionista con la serie Juanita’s Gran Salón y Spa y como actor en la película producida para la televisión Más de un siglo, también colaboró como productor de las series de televisión Sección 2 y Camino Malo. Aun así, es posible que sus aportes más conocidos en el medio de la televisión sean sus participaciones en producciones televisivas con un enfoque internacional. Jaquéz fungió como parte del jurado en proyectos como Latin American Idol y ¿Quién baila mejor?, competencia que se hizo entre República Dominicana y Puerto Rico. En una segunda edición el concurso fue entre República Dominicana y Venezuela. Para Waddys este trayecto ha culminado con su colaboración con Dominicana’s Got Talent. “Es una puerta más amplia, porque abarca artistas de todas las disciplinas conocidas”, expresa Jáquez. Para él la experiencia de trabajar en ese ambiente hace que se activen todos sus sentidos, ya que “el conocimiento va en diferentes direcciones y emociones a la hora de evaluar a alguien”. Esto se debe a que en ese certamen no estás buscando el mejor bailarín o el mejor cantante, ni el mejor actor, aquí todas las disciplinas artísticas compiten entre ellas. “Dominicana’s Got Talent me dio la gran alegría de redescubrir los miles de talentos con que cuenta nuestra nación”, agrega el artista, a quien definitivamente le gustaría encabezar otro proyecto para la televisión.

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“Mi experiencia con la covid-19 me hizo pensar en lo frágil de la vida, en lo leve del aplauso y en lo necesario que es ejercitar el amor todos los días. Porque al fin y al cabo será lo único que dejaremos”.

CREAR EN UN MUNDO POST COVID-19 No está de más decir que este año ha sido un reto para el mundo gracias a la pandemia de la covid-19. Esta es una oscura verdad que le tocó vivir en carne propia al mismo Waddys Jáquez, quien en abril pasó dos semanas intubado en un hospital de Nueva York. Además de sobrevivir a esa aterradora experiencia también tuvo que pasar por un largo proceso de recuperación debido a las secuelas causadas por la enfermedad. “Mi experiencia con la covid-19 me hizo pensar en lo frágil de la vida, en lo leve del aplauso y en lo necesario que es ejercitar el amor todos los días. Porque al fin y al cabo será lo único que dejaremos”, medita Jáquez. Aunque el mundo post-pandemia ha tenido un efecto devastador en diversas disciplinas artísticas y la industria del entretenimiento en general, Waddys entiende que hay que convivir con ese “monstruo por un tiempo más”. Él tiene claro que esta es la realidad que todo el mundo debe enfrentar y hay que tomar medidas para adaptarse. “Hay cosas que deberían cambiar”, piensa el actor, “pero todos los momentos dramáticos arrojan adelantos a nivel de contenido y forma para el arte universal”. Aun así, el arte, el entretenimiento y la vida continúan y esto se nota en cómo algunas empresas y artistas han tenido que ingeniárselas para subsistir en este nuevo contexto. Además del aumento de conciertos virtuales, algunas salas de cines se han abierto y otras actividades se han realizado siguiendo los requerimientos y protocolos de sanidad para luchar contra la pandemia. Es en este ambiente que se llevó a cabo el primer estreno de una película dominicana después de la llegada del coronavirus y se trata de Mis 500 Locos lo cual fue muy esperanzador para Jáquez. “Me hizo pensar que a pesar de todo lo que hemos vivido vamos a seguir adelante y que al final ganaremos esta guerra”, exclama el artista. “Podremos juntos volver al escenario, sea este un cine o un teatro”.

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LA VIDA DEL ARTISTA CONTINÚA El futuro trae nuevos desafíos para aquellos cuya vida están ligadas al arte, pero también puede presentar la oportunidad de tratar de andar por senderos hasta ahora no explorados. “Otra cosa que me gusta y que no descarto en un futuro es la política”, explica Waddys. “He estado estudiando de forma autodidacta y si decido hacerlo, no quiero ganar un escaño por el grado de popularidad que pudiera tener. Hay tanta gente poco preparada que llega al poder. Me asusta la idea de ser uno de ellos. La política es una ciencia. No es cuestión de sentarse y levantar la mano o decir lo que yo pienso, porque lo pienso así”. En cuanto al teatro Waddys Jáquez se encuentra trabajando un nuevo proyecto del cual hablará más adelante y, después de que se determine cuándo será el estreno de Inesperadamente Lucía, hay que ver qué otras historias de este autor se convertirán en películas. De todas formas, el mundo puede seguir cambiando, pero eso no evitará que las palabras, historias e ideas que provienen de la excepcional mente de Waddys Jáquez se sigan filtrando en las salas de teatro y en cualquier pantalla sin importar su tamaño.

SU TRABAJO, SU ÉXITO

PARGO

Género: Drama Función: Autor / Actor / Director Reconocimientos: Nominada en los Premios Casandra (certamen ahora conocido como los Premios Soberano) en las categorías de Mejor actor, Mejor director teatral y Mejor obra. Ganó las estatuillas de Director y Obra.

LA TIENDITA DEL HORROR

Género: Musical Función: Actor Reconocimientos: Nominada en los Premios Casandra (certamen ahora conocido como los Premios Soberano) en la categoría de Mejor actor, la cual ganó.

LA GRAN AVENTURA DE LA BACHATA

Género: Musical Función: Autor / Director/ Coreógrafo Reconocimientos: Nominada en los Premios Casandra (certamen ahora conocido como los Premios Soberano) en la categoría de Espectáculo musical del año, la cual ganó.

LETAL TV EN VIVO

Género: Monólogo Función: Autor / Actor / Co-director Reconocimientos: Nominada en los Premios Casandra (certamen ahora conocido como los Premios Soberano) en las categorías de Mejor actor, Mejor director teatral y Mejor obra. Ganó la estatuilla de Director.

CERO

Género: Drama Función: Autor / Director / Actor Reconocimientos: Nominada en los Premios Casandra (certamen ahora conocido como los Premios Soberano) como Mejor actor, Mejor actriz, Mejor director teatral y Mejor obra. Ganó en las cuatro categorías.

LA CABEZA DEL REY

Género: Drama Musical Función: Autor / Director / Actor Reconocimientos: Nominada en los Premios Casandra (certamen ahora conocido como los Premios Soberano) como Mejor actor, Mejor director teatral y Mejor obra. Ganó en las categorías de Director y Obra.

LA BARBERÍA

Género: Comedia Función: Director Reconocimientos: En los certámenes de Hola Awards y Ace Awards, esta obra fue galardonada en las categorías de Actor, Actriz, Director, Obra y Stage.

IN THE HEIGHTS

Género: Musical Función: Director Reconocimientos: Nominada en los Premios Soberano como Mejor actor, Mejor actriz, Mejor director teatral y Mejor musical del año. Ganó en la categoría de Musical.

SUPER WILLIE CONTRA LOS 4 VILLANOS

Género: Musical Función: Director/ Co-autor Reconocimientos: Nominada en los Premios Soberano como Mejor musical del año, categoría en la que ganó.

PERFECTUS QUÓRUM

Género: Musical Función: Director/Autor Reconocimientos: Nominado en los Premios Soberano como Mejor director teatral y Mejor musical del año. Ganó en ambas categorías.

INENARRABLE

Género: Monólogo Función: Autor Reconocimientos: Premiada en los IATI Awards en las categorías de Mejor actriz, Mejor directora, Mejor obra, Mejor vestuario y Mejor escenografía.

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Por Luigi Puello

Y TODO CAMBIÓ El silencio se apoderó de la sala, el encuentro se tornaba inerte y aburrido, como si se le agotara la vida. En ese momento Elvis les entregó guitarras a John, Paul y George, también mandó a buscar un piano y la atmósfera de repente se alegró. Se encontraron hablando el lenguaje más inteligente que compartían: la música. Ringo acompañaba resonando en las mesas, todo el mundo cantaba, Elvis tocaba toscamente el bajo y le decía a Paul: “Te fijas cómo estoy practicando”. Paul respondió: “¡No te preocupes, Brian Epstein (productor de los Beatles) y yo, te haremos muy famoso pronto!!!”

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La sesión llegó a su fin, cuando el manager de Elvis, el coronel Parker, lo dispuso. Este entregó regalos a los presentes (discos de Elvis, por supuesto). Al volver a las limusinas, John en su mejor acento alemán gritó: “¡Long Live Ze King!!”, y les dijo a sus compañeros: “Elvis está un poco colgado (stoned)”, a lo cual George respondió: “Creo que todos estamos iguales.” Seguramente si el encuentro hubiese sido grabado y documentado con fotos, ¡costaría una fortuna hoy en día!!! Pero también es seguro que la magia se habría desvanecido y no hubiesen disfrutado tanto.

Fuentes: BBC news by Ian Jones/The Beatles Bible/Brainly.com/Coursehero.com/Beatlestory.com

ay muchas historias en la música que nos sorprenden, debido a que imaginamos celos ficticios (y otros no tanto), diferencias artísticas que explotan en grandes guerras o simplemente ese momento en el que vas camino al estrellato y aún te emocionas con tus ídolos de juventud. Esta historia es una de ellas. El 27 de agosto del 65, los Beatles conocieron al gran Elvis Presley. Estos estaban en su segunda gira por los Estados Unidos cuando fueron invitados a visitar la mansión del rey del rock and roll en Beverly Hills. Tony Barrow, quien era el jefe de prensa de los “Fab Four”, le presentó la idea a John, Paul, Ringo y George, estos se mostraron poco receptivos a la idea de que la prensa estuviese involucrada, expresando que no querían un circo mediático lleno de fotógrafos y reporteros con preguntas indiscretas que pudiese empañar la admiración que sentían hacia su ídolo. Su primera reacción fue decir: “¡Olvídalo!” Entonces se decidió el encuentro bajo las normas de: no fotógrafos, no grabaciones y no filtración de la visita. Cerca de las 10:00 PM, tres limusinas negras transportaban a los Beatles a conocer a su estrella. La mansión era cuidada por la mafia de Memphis, los cuales, al verlo, cedieron el paso inmediatamente. Llegaron a un salón redondo, bañado por luces azules y rojas y una alfombra donde se hundían los pies. Era la guarida de Elvis, equipada con una victrola, televisión a color (un lujo en esa época), un mueble en forma de luna creciente, mesa de billar y un bar artillado hasta los dientes y por supuesto un séquito de 20 personas, atentos a cualquier requerimiento. John rompió el hielo al preguntar: “¿Por qué grabas tantas baladas para el cine? ¿Qué pasó con hacer rock and roll?” Esto no logró romper el hielo, la conversación se tornó banal, a solo hablar de experiencias en las giras. Esto culminó en un silencio profundo, cuando nadie supo de qué más hablar…

Fotos: fuente externa

Por Joan Prats

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FICHA

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Título: PAPI Categoría: FICCIÓN Año de rodaje: 2019 Fecha de estreno: TBD

País: REPÚBLICA DOMINICANA Duración: 88 MINUTOS Género: DRAMA Idioma: ESPAÑOL

Directora y guionista: NOELIA QUINTERO HERENCIA Productora: LANTICA MEDIA Producción: RAFAEL ELÍAS MUÑOZ Producción ejecutiva: ALBERT MARTÍNEZ MARTÍN Elenco: AVRIL ALCÁNTARA, AMAURIS PÉREZ, OLGA BUCARELLI Y HONY ESTRELLA

....A TRES BANDAS ¿Tienes pensado escribir un guión original para una película? Lo he hecho, pero prefiero escribir novelas. El guión para mí es muy frío, muy técnico. Esta producción también cuenta con Regalito, una canción compuesta por ti y Luis Amed Irizarry. ¿El estar tan íntimamente ligada con el material en el que se basó la película facilitó el proceso de crear la canción? Definitivamente, aunque para el proceso de musicalización nos sometimos a la visión de la directora y a lo que quería para su película. También participaste en la película MOSH en un papel secundario, ¿tienes planeado actuar en otras producciones? La experiencia de MOSH me encantó, si aparece un proyecto así de interesante me apunto. RAFAEL ELÍAS MUÑOZ (Productor) De todas las obras de Rita Indiana, ¿por qué eligieron a PAPI para llevarla al cine? Creo que PAPI nos eligió a nosotros. En 2015 en el Festival de Cine de San Juan, Tanya Valette nos conectó a Rita y a mí para hablar de PAPI. Ya conocía la novela, pero me entusiasmó mucho que fuese un proyecto tan personal para Rita y quedamos interesados en la posibilidad de hacer la adaptación. Luego, exactamente 2 años después, recibimos el primer draft del guión de Noelia y después del análisis del equipo de Lantica, estábamos convencidos de que queríamos producirla. Esta película fue la ópera prima de su directora, Noelia Quintero. ¿Qué tal fue la experiencia de trabajar con esta cineasta? Ha sido una experiencia maravillosa. Noelia se conecta tanto, emocional e intelectualmente con la obra, esto le hace estar muy clara de lo que persigue. Además, logra transmitir toda esa energía al equipo y eso siempre se traduce en la pantalla. ¿Cuál ha sido el mayor reto de estrenar una película en una industria post Covid-19? El reto es repensar las formas de distribución, tratar de encontrar nuevos caminos. Por un lado, hay que trabajar juntos para animar a la gente a volver a los cines, porque las películas se piensan y diseñan para la experiencia en la sala, pero por otro lado hay que buscar la internacionalización de las películas a través de los streamers.

NOELIA QUINTERO (Directora y guionista) De todas las obras de Rita Indiana, ¿por qué eligieron a PAPI para llevarla al cine? Fue totalmente onírico como la película. Anteriormente había leído La estrategia de Chochueca y PAPI, en la Universidad de Puerto Rico y mi generación celebramos mucho la llegada de estas novelas a Puerto Rico. Además, en ese momento, en 2009, no existían otras novelas, bueno existían, pero no estaban publicadas o eran inéditas como La máquina de hacer música que es una novela que muy pocos han leído de Rita. Era PAPI y se lo comuniqué, no fue producto del análisis de una obra en particular, sino un proceso más personal e incomprensible.

¿Qué nos puedes contar de tu experiencia durante la filmación de este filme? De todo el proceso de la película, la filmación fue lo que más me nutrió. Era un momento muy complejo para mí, acababa de pasar el huracán María por mi país, Puerto Rico. Mi equipo me cobijó. Tengo que resaltar el trabajo de mi productor Rafael Elías Muñoz, quien tiene una visión muy importante para el cine dominicano y el de los actores y actrices que llegaron con sus historias personales y su energía a hacer de la película lo que es.

LA HISTORIA

RITA INDIANA ¿Cuál otra de tus obras te gustaría que se adaptaran en la gran pantalla? La mucama de Omicunlé, para mí es mi mejor novela y para el guionista sería un reto adaptarla, igual que PAPI.

¿Qué medidas debe tomar el cine dominicano para adaptarse al estado actual de la industria cinematográfica mundial? Creo que los exhibidores tienen que continuar trabajando en que el espectador regrese a las salas, esto es muy importante. Pero mientras los exhibidores hacen este esfuerzo, los productores tenemos que desarrollar las demás ventanas de distribución, ya sea con acuerdos con agentes de ventas internacionales o auto gestionando estas ventas. La segunda es mucho más difícil e improbable. Por esto va a ser más importante que nunca que logremos películas exportables, que hagamos más co-producciones, que real y genuinamente hagamos un plan desde el desarrollo de la película que persiga esto. Siento que en sentido general estábamos muy centrados únicamente en el mercado local.

Sonia, una niña de nueve años espera a su padre, un mafioso dominicano que le ha prometido llevarla a la playa. Papi la deja esperando, porque el tráfico de carros, dólares, mercancías y novias entre el Miami y el Santo Domingo de los años 80 lo mantienen muy ocupado. La niña sufre el paso de las horas de ese sábado sin fin, al cuidado de su madre deprimida. En los juegos y recuerdos con los que mata el tiempo crea un mundo fantástico de criaturas siniestras y túneles ocultos en el que ella y Papi se enfrentan a socios, familiares, novias y espectros. La pequeña delirante sobrelleva el abandono y la angustia, aferrada a la memoria de su héroe que aparece pero nunca llega.

¿Cómo fue el proceso de convertir la novela PAPI en un guión cinematográfico? Raro, un proceso largo en la parte conceptual, casi cuatro años dándole cabeza, pero la escritura fluyó rápido, me tomó seis meses y es una adaptación muy parsimoniosa del capítulo 4 de la novela donde la espera de una niña o un niño nunca es lo suficientemente entendida ni valorada. Es un comentario para nosotros los adultos, sobre la complejidad de la maternidad y la paternidad dentro de nuestras sociedades caribeñas patriarcales y esas afectividades dentro de las familias matriarcales que terminan sosteniendo la sociedad. Con este filme haces el salto del documental al drama, pero ¿con cuál de los dos géneros cinematográficos te sientes más cómoda como creadora audiovisual? No te podría decir con certeza, quiero seguir explorando la ficción. Lo que sí tengo claro es que el documental me ha preparado para casi todo en mi vida, cuando entrevistas a tanta gente y te involucras con la historia desde sus voces, notables o anónimas, es inevitable que la mirada y el oído se entrenen.

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Por Pachico Tejada Fotos: Karoline Becker

DOÑA CARMEN HEREDIA LOS 100 DÍAS EN CULTURA

Como primera mujer al frente del Ministerio de Cultura, Doña Carmen Heredia trabaja para lograr la descentralización de la cultura y que la labor de su ministerio llegue a todos los rincones del país. Conozcamos esos primeros 100 días de trabajo.

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¿Cómo se siente al frente del Ministerio de Cultura? Feliz, motivada y comprometida. ¿Cuáles han sido los retos más importantes que ha enfrentado en estos primeros meses de su gestión? En primer lugar, proceder a la terminación de la reconstrucción del Ministerio para poder alojar a los funcionarios y empleados que aún no disponen de las oficinas correspondientes. La terminación del auditorio, lugar idóneo para la celebración de conferencias, talleres, seminarios y, por supuesto, presentaciones artísticas. En nuestras visitas a diferentes lugares del interior hemos podido constatar el estado de deterioro de las diferentes “casas de cultura” y de las “escuelas de bellas artes”, las que ameritan una rápida intervención. La clase artística, como toda la sociedad, ha sido golpeada por la pandemia de la covid 19, por lo que, con la autorización de las autoridades de salud, hemos iniciado la apertura de teatros y museos, respetando los protocolos. ¿Cuáles serán los puntos a los que dedicará mayor importancia? Todos los aspectos culturales son importantes, por lo que todos merecerán nuestra debida atención. La Feria del Libro, no solo la de Santo Domingo, es uno de los eventos de mayor importancia. El fomento de la lectura es una necesidad que necesitamos apoyar. ¿Cómo ha sido asumir este nuevo cargo de cara a la pandemia? Ha sido difícil, sin duda… especialmente porque nos ha limitado el desarrollo de muchos programas, en consecuencia, hemos establecido un vínculo con todos los sectores culturales para que unidos podamos ir avanzando, hacer lo posible dentro de las circunstancias y preparándonos para un futuro, que esperamos sea cercano y prometedor. ¿Qué medidas son las más importantes que desde su Ministerio van a tomar para salvaguardar las actividades culturales frente a la pandemia? Las medidas limitativas son las que establecen las autoridades de salud. La primera feria del libro que hemos realizado, en Neyba, ha sido semipresencial y virtual, pero hemos logrado mantener esa actividad tan importante.

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“Todos los aspectos culturales son importantes, por lo que todos merecerán nuestra debida atención.”

¿Cuál desea que sea el legado que deje al salir de este cargo? Como primera mujer al frente de este Ministerio, deseo que mi legado sea el haber contribuido a la descentralización de la cultura. En el poco tiempo que llevamos hemos visitado muchos pueblos de nuestro país y en casi todos escuchamos que nos dicen: “Es la primera vez que un ministro de cultura viene a nuestro pueblo”. Espero ser recordada, no solo porque visitamos el lugar, sino también porque pudimos satisfacer muchas de sus necesidades en el ámbito cultural. ¿Cuándo inicia su relación con el arte y la cultura? Desde que nací. Mi hogar estaba formado por mi madre, profesora de piano, mi padre y mi abuelo, grandes amantes de la lírica, al punto que escogieron para mí el nombre de dos óperas: Carmen y Alcestes. Desde temprano escuchábamos música clásica y a las grandes voces de la época como Caruso, Beniamino Gigli, la Galicursi y otros. La pasión de mi padre y abuelo por la ópera tenía otro motivo especial, mi tío Salvador Heredia ha sido el primer y único dominicano graduado de “Barítono de Ópera” en el Conservatorio de Santa Cecilia, en Roma. Inicié mis estudios musicales a los once años y durante cuatro años estudié violín con los maestros Jacinto Gimbernard y Ernesto Leroux. El teatro era otra de mis pasiones, mi hermano Mario Heredia fue un excelente actor. La lectura era parte consustancial de la educación de la época, recuerdo el primer libro que me impactó, Platero y yo, de la autoría de Juan Ramón Jiménez. Ese libro me lo obsequió mi profesor Manuel Marino Miniño cuando pasé al cuarto curso. A partir de entonces la lectura ha sido parte de mi vida. La danza ha ocupado un lugar importante, ingresé a la Academia de Ballet que dirigía la profesora húngara Magda Corbett en la que permanecí por siete años, y con el tiempo llegué a dirigír el Ballet Clásico Nacional en dos ocasiones, 1983-86 y 1991-1999. ¿Qué la motivó a dedicarse a la crítica de espectáculos artísticos? He asistido desde la infancia a la mayoría de las presentaciones artísticas –danza, teatro, música- realizadas en nuestra ciudad capital. Un día, en Bellas Artes, viendo un espectáculo de danza, se sentó a mi lado el distinguido pe-

riodista don Rafael Herrera, entonces director del Listín Diario, y comenzó a preguntarme sobre los diferentes ballets presentados. Al finalizar la presentación me dijo: “¿Por qué no me escribe lo que usted me ha comentado del espectáculo?... se lo podría publicar en el periódico”. Me animé y escribí mi primera crítica de danza, corría el año 1978. El teatro ha sido otra de mis pasiones, luego de ver la obra Qué buena amiga es mi suegra, del gran dramaturgo Franklin Domínguez, entablamos una tertulia con algunos de los presentes a la que se unió el propio Franklyn; al finalizar me dijo: “Carmen, escribe sobre la obra”, así lo hice, iniciándome entonces en la crítica teatral, el 4 de diciembre 1983 en el Listín Diario. Amo la música clásica, la lírica, ya con algunos años escribiendo sobre teatro y danza me sentí motivada a escribir sobre una zarzuela presentada en la Casa de España, La leyenda del beso, 10 de julio 1990-Última Hora-. Mis artículos han sido recogidos en mis libros: Espacios de teatro y danza y otros espacios -2004- y Desde platea -2017-. La pandemia me ha detenido, espero poder asistir pronto al teatro y retomar mi rol de crítica.

Si tuviera que definir qué es la cultura dominicana, ¿qué diría? Es el conjunto de manifestaciones artísticas, sociales y humanas que nos identifican como nación, que nos dan identidad. Una manifestación cultural con la que se identifica es.. ¿por qué? Pues como he señalado, son muchas las manifestaciones culturales con las que me identifico. Puedo decir que la que más disfruto es aquella que esté disfrutando en el momento, ya sea danza, música, teatro y de manera más íntima la lectura de un libro. Definitivamente, las artes escénicas y la música son mi pasión.

UN TIEMPO DE PANDEMIA Desde que la profesora Carmen Heredia asumió las directrices del Ministerio de Cultura (MINC) se han puesto en marcha una serie de programas para impulsar el quehacer cultural nacional. Entre estos se destaca el programa Rutas Culturales, dirigido a identificar las necesidades primordiales de agrupaciones, instituciones y gestores culturales en todo el territorio nacional. Como parte de este programa, un equipo de especialistas y funcionarios encabezados por la titular de la cartera han visitado espacios de interés patrimonial situados en San Juan de la Maguana, Santiago, San Pedro de Macorís, Puerto Plata, Moca, La Vega y Bonao, entre otros. Del mismo modo, junto a la Fundación Sinfonía y la Alcaldía del Distrito Nacional, la institución ha desarrollado el proyecto “Sinfonía Callejera”, con el cual se han intervenido sectores como Guachupita, ensanche La Fe, Cristo Rey, La Ciénaga, Piantini y la Ciudad Colonial, alegrando corazones de niños, jóvenes y adultos de diferentes estratos sociales. La sede de la institución ha sido el escenario para llevar alegría y cultura a la población a través de miniconciertos y espectáculos a cargo de renombrados artistas como Aisha Syed, Nathalie Peña Comas y Glenmer Pérez, y de grupos artísticos como Endanza y Royalty Dance Crew, los cuales han sido transmitidos por las plataformas virtuales del MINC. Además, se ha dado seguimiento directo a las labores de rescate de la Plaza de la Cultura Juan Pablo Duarte, acudiendo en auxilio de museos y colecciones que se encontraban en franco deterioro. Empeñados en beneficiar al sector cultural, la entidad firmó un acuerdo con el seguro Senasa para beneficiar a 5,000 miembros del gremio del espectáculo, cumpliendo en parte con el compromiso de apoyar a los artistas y gestores culturales. En conjunto con Progresando con Solidaridad (Prosoli) y con la Administradora de Subsidios Sociales (ADESS) fueron incorporados 700 artistas al programa “Quédate en Casa” y en enero del año próximo se pretende incluir en dicho programa a la mayor cantidad de beneficiarios posible del sector cultural. Los domingos 13 y 20 de diciembre el MINC cerró el año con el “Aguinaldo Callejero”, con el que a ritmo de villancicos y cánticos alusivos a las pascuas, ejecutados por la Orquesta Sinfónica Nacional, el grupo Koribe y el cuarteto ADMA, la entidad cultural conmemoró la Navidad en diversos sectores y espacios públicos de la capital.

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ONE ON ONE

Por: Pachico Tejada

Foto: fuente externa

En medio de estos meses encerrados llegaron unos acordes que nos pusieron a bailar al son de la ciudad que acoge a los capitaleños y que tiene magia en cada rincón. Gracias Manny Cruz por cantar a Santo Domingo, por cantarnos a todos.

SANTO DOMINGO A RITMO DE MERENGUE ¿HACÍA FALTA UNA CANCIÓN PARA SANTO DOMINGO? En realidad no sé si hacía falta o no, pero desde hace años quería dedicarle una canción a ritmo de merengue y resaltar todo lo maravilloso y hermoso que ella tiene. Gracias a Dios por la inspiración, pude hacerle este homenaje a la ciudad primada de América. ¿CÓMO FUE EL PROCESO DE ESCRITURA DE LA CANCIÓN? La inspiración me llegó en un acto de fin de año de mi sobrina en Casa San Pablo, inmediatamente fui al baño y escribí todo lo que me llegó a la mente, ahí salió un 3/4 de la canción (risas). Luego ese mismo día la terminé en mi casa sin pensar en lo que se iba a convertir. La verdad que ha sobrepasado mis expectativas. SIENTO ELEMENTOS DEL ROCK, COMO LA GUITARRA ELÉCTRICA. ¿CÓMO FUE REALIZADA LA PARTE MUSICAL DEL TEMA? La guitarra eléctrica, en combinación con la

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acústica, siempre han sido parte fundamental de mis merengues, trato de que lo lleven como un sello en mis canciones. Agradecido con Edwin García, productor y arreglista de esta canción, que plasmó musicalmente las emociones que yo quería transmitir.

¿QUÉ COSAS DE SANTO DOMINGO SE TUVIERON QUE QUEDAR FUERA DE MENCIÓN POR FALTA DE ESPACIO? Realmente me faltaron muchos lugares por destacar de la ciudad, pero a Jochy Fersobe y a mí no nos daba el tiempo en la canción para mostrarlo todo (risas). Me hubiera gustado incluir la Plaza de la Cultura en especial nuestro Teatro Nacional, el Palacio de Bellas Artes, la Puerta del Conde etc... ¿A DÓNDE CREES QUE SE DIRIGE EL MERENGUE EN MANOS DE GENTE COMO TÚ Y OTROS JÓVENES COMO VICENTE GARCÍA O GABRIEL? Creo que va en una muy buena dirección. Ver cómo la gente ha abrazado mi

proyecto en particular ha sido increíble. Espero en Dios que más talentos jóvenes surjan y quieran llevar en alto nuestro ritmo para que pueda seguir de generación en generación.

¿QUÉ MOMENTO VIVE TU CARRERA? Sin temor a equivocarme uno de los más importantes, dentro de todo lo que está aconteciendo a nivel mundial, en este 2020 he sido bendecido con salud para mí y para los míos, y mi carrera se ha expandido internacionalmente, colocándome en el gusto popular de países como Venezuela, Ecuador, Puerto Rico, Estados Unidos, España... Además de la oportunidad de importantes colaboraciones con Elvis Crespo, R.K.M & Ken Y, Miriam Cruz y todo lo que con Santo Domingo está alcanzando... Dios sin duda alguna me ha bendecido.

TOP

MEJORES PELÍCULAS DE LA HISTORIA Elegidas por los actores y directores de Hollywood.

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El Padrino - 1972

Cantando bajo la lluvia - 1956

El Mago de Oz - 1939

El club de los cinco - 1985

Ciudadano Kane - 1941

El graduado - 1967

Sueños de fuga - 1994

Blade Runner - 1982

Pulp Fiction - 1994

Alguien voló sobre el nido del cuco - 1975

Casablanca - 1942

La princesa prometida - 1987

El Padrino (Parte 2) – 1974

La guerra de las galaxias. Episodio V: El imperio contraataca - 1980

E.T. El Extraterrestre - 1982

Fargo - 1996

2001: Odisea del Espacio - 1968

Belleza americana - 1999

La lista de Schindler - 1993

La naranja mecánica - 1971

La guerra de las Galaxias: Episodio 4 – Una nueva esperanza - 1977

Un experto en diversión - 1986

Regreso al futuro - 1985

Dr. Insólito o: cómo aprendí a dejar de preocuparme y amar la bomba - 1964

En busca del arca perdida - 1981

Cuando Harry conoció a Sally - 1989

Forrest Gump - 1994

El resplandor - 1980

Lo que el viento se llevó - 1939

El club de la pelea - 1999

Matar a un Ruiseñor - 1962

Psicosis - 1960

Apocalypse Now - 1979

Alien - 1979

Annie Hall - 1977

Toy Story - 1995

Buenos muchachos - 1990

Matrix - 1999

Qué bello es vivir - 1946

Titanic - 1997

Chinatown - 1974

Rescatando al soldado Ryan - 1998

El silencio de los corderos - 1991

Con faldas y a lo loco - 1959

Lawrence de Arabia - 1962

Los sospechosos de siempre - 1995

Tiburón - 1975

La ventana indiscreta - 1954

La novicia rebelde - 1965

Jurassic Park - 1993

CÓMO EL RON DOMINICANO MÁS EXPORTADO DEL MUNDO CUIDA SU HUELLA AMBIENTAL A 360 GRADOS Ron Barceló, busca convertirse en referente en iniciativas medioambientales, cuenta con un código de sostenibilidad llamado RB360 y recientemente lanzó su primer producto 100% orgánico, siendo este el primer ron dominicano de esta categoría.

on Barceló, es uno de los rones oscuros favoritos en los más de 80 mercados alrededor del mundo, donde tiene presencia, siendo durante años el ron más exportado del mundo gracias a la calidad y variedad de su portafolio. Destilado, añejado y embotellado en sus instalaciones en San Pedro de Macorís, este ron de tradición dominicana continúa dando pasos certeros hasta llegar a cumplir el sueño de su creador y fundador, Julián Barceló, de convertirse en el mejor del mundo. Barceló es el único ron dominicano elaborado 100% del jugo de caña de azúcar, y a su vez un ron elaborado en completa armonía con el medioambiente, siguiendo protocolos minuciosos que garantizan una reducción significativa de su huella ambiental en cada una de las etapas del ciclo de vida de sus productos. EL CÓDIGO DE SOSTENIBILIDAD DE RON BARCELÓ Ron Barceló cuenta con un código de sostenibilidad denominado RB360, diseñado para garantizar que todas las operaciones de la empresa son ejecutadas de acuerdo con sus parámetros de sostenibilidad. El código cuenta con cuatro pilares fundamentales: aire, agua, campo y territorio, cada uno atado a una serie de procesos de monitoreo, cuantificación y reducción en cada renglón. La base para desarrollar este código ambiental fue la exitosa iniciativa carbono neutral de la empresa, implementada desde 2016 para gestionar las emisiones de CO2 de sus procesos. Gracias a estas acciones Barceló se convirtió en el primer ron dominicano certificado como carbono neutral bajo la licencia Bilan Carbone® e ISO14067. “Nuestro código de sostenibilidad es parte de nuestra identidad corporativa. Diseñar esta plataforma e implementarla con la dedicación con que lo hacemos era el siguiente paso natural desde la visión de nuestra empresa de cómo debemos navegar la realidad ambiental del mundo de hoy. Nos sentimos en la responsabilidad de aprovechar todas las prácticas y tecnologías disponibles para reducir nuestra huella ambiental, en la medida en que el mundo se hace más consciente del impacto de las industrias en el planeta”, señala Chiara Pennacchio, Directora Global de Marketing. Como parte del código, Ron Barceló cada año compensa las emisiones que no han podido ser eliminadas de sus procesos, adquiriendo créditos de carbono provenientes de proyectos de reducción formalmente certificados. Recientemente, por primera vez dos empresas dominicanas realizan una operación de este tipo, donde se concluyó el proceso de transferencia de créditos de carbono entre Ron Barceló y la Empresa Generadora de Electricidad Haina, esta compensación de emisiones se coordina a partir de un proyecto registrado en el marco del Mecanismo de Desarrollo Limpio. En este caso la compensación se realizó para los parques eólicos Los Cocos I y II de EGE Haina. La más reciente iniciativa de Ron Barceló es sumarse a Climate Neutral Now de las Naciones Unidas, siendo el primer destilado y ron en

el mundo en ser parte de este programa, el mismo que reúne las iniciativas de carbono neutralidad de más de 300 organizaciones y empresas del planeta. “Al adherir a la iniciativa Climate Neutral Now hacemos público nuestro compromiso de carbono neutralidad al 2030, al cual se suma el objetivo de reducir nuestras emisiones controladas de cuando menos un 20%”, destacó Vinicio Subero, Director Global de Negocios.

BARCELÓ ORGANIC

Primer ron orgánico de República Dominicana Como parte de su constante búsqueda de opciones para seguir innovando en armonía con el medioambiente, la casa ronera recientemente introdujo al mercado su producto Barceló Organic, el primer ron orgánico de la República Dominicana. Se trata de un ron oscuro elaborado a partir del jugo fresco de caña de azúcar cultivada en campos libres de fertilizantes y productos químicos agregados. “Para lograr obtener este ron tan especial utilizamos caña proveniente de un selecto cañaveral de apenas 1.5 kms² que sembramos a orillas del río que pasa por nuestra destilería. El resultado es un producto tan exclusivo que hasta ahora solo produciremos unas 39,670 cajas para todo el mundo”, explica Pennacchio. Barceló Organic es añejado en barricas de roble sin previo uso, lo que le aporta su color ámbar intenso y unas sutiles notas de cacao, hojas de tabaco, frutas carnosas y pimienta rosada. Ron Barceló reafirma con este innovador producto su constante reverencia a la Madre Naturaleza, reivindicando un cultivo totalmente sostenible y un empaque eco amigable, elaborado de la fibra vegetal extraída del bagazo de caña e identificado con tinta 100% orgánica. Para la empresa ronera, se trata de un regalo de la Tierra puesto en manos de sus consumidores, en pocas palabras “LA SOSTENIBILIDAD HECHA RON”.

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INSIDE

Por Manuel Betances Fotos: cortesía X-102

BANDA SONORA DE GENERACIONES

oco se habla del impacto que tuvieron las estaciones en el formato rock o música americana en el país, y es lógico. En tiempo de redes sociales donde todo está en la palma de la mano, se queda en el pasado ese legado que indefectiblemente forjó lo que tenemos hoy. Y aunque suene cruel, debe ser así porque todo cambia. Y esa es una constante. Entre likes y views, existió una generación que estuvo atenta a cada bloque comercial en determinadas horas mientras escuchaba radio, con un dedo pegado al botón de algún aparato con el

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fin de esperar el momento justo y exacto en que un locutor dejaba de hablar para soltar la tecla de pausa, y comenzar a grabar esa canción que luego formaría parte de ese playlist que se disfrutaría camino a la playa o de algún paseo sabatino. Y esa es la historia que queremos contar, la de la primera estación de radio que sintonizó con una generación que buscaba más allá del gusto adquirido al escuchar las canciones con las que crecieron. Así nace La X 102, un nombre con más de 40 años de historia musical de la radio dominicana.

TODO EMPEZÓ CON TEO Lamentablemente aunque ya no nos acompañe en este plano físico, es bueno destacar la obra y la visión que tuvo Teo Veras de siempre estar a la vanguardia. Emprender una tarea como la de sacar a flote un proyecto como esta emisora representa un hito que perdura hasta hoy, y queremos dedicar este reportaje a su trabajo y memoria. JM Hildago, natural de Moca, llega a la emisora por recomendación de Teo Veras quien tenía intención de seguir otros proyectos. Corría el año 1980 y para Hidalgo dos de sus grandes satisfacciones como director fueron el resumen con Las 102 Canciones del Año donde reunían a todo el talento de la época a repasar el año en canciones; y la otra fue brindarle el apoyo necesario a las Olimpíadas Rock, organizadas frente al Dominico-Americano por Kin Sánchez como ideólogo, y Mirtha Bergés, lugar donde se realizarían varias ediciones. ‘Mis recuerdos de La X es que todo el que trabajó durante mi tiempo de director, tenía un criterio de trabajo diferente y de calidad. Y agradezco a Don Waldo por haberle dado la oportunidad a todos los que por allí pasaron’, cuenta JM. EL POSICIONAMIENTO La llegada de Miguel Cunillera fue por cuestiones personales ya que estudiaba en el colegio Loyola junto a los hermanos Pons. ‘Mi entrenamiento para ser director consistió en 15 minutos por parte de JM explicándome -risas- cómo funcionaba la consola de la cabina’, recuerda Cunillera. ‘No había Internet, celulares, computadoras, nada. Todo era a través de revistas, leer periódicos, ver Mtv, y todo eso conllevaba una dinámica muy diferente a cómo trabajamos hoy en día’, recuerda. La X 102 estuvo dirigida por Miguel Cunillera durante unos 17 años, y fueron muchos los espacios que se produjeron en ese lapso de tiempo. A todo esto, el comunicador se siente satisfecho al saber que existieron artistas y bandas locales a quienes La X 102 brindó apoyo y exposición a sus trabajos. Otro punto que ayudó a cimentar la fidelidad de la audiencia fue la apertura y colocación a otro tipo de artistas como Alejandro Sanz, Alejandro Lerner, Laura Pausini, Franco de Vita, Alexandre Pires, Gianluca Grignani o Raul DiBlasio quienes sonaron por primera vez en La X 102. “Al final de estos años, puedo decir que dirigí radio de una manera instintiva, porque yo buscaba cosas que entendía eran compartibles y que a la gente le podían interesar”, finaliza Cunillera. Aunque le asustaba la idea de reemplazar a una figura como Miguel Cunillera, Anina Rodríguez lo tomó como un reto gracias al amor por la musica y sobre todo por llevar su creatividad al plano gerencial. Llega en 2004 y su primer impulso se basó en dirigir, programar y darle su perspectiva alrededor de una programación general manteniendo una línea que tenía años tratando de enriquecer ese legado, pero de igual forma dar nuevos giros ante el cambio que se estaba produciendo a nivel mundial en cuanto a radio. “La X 102 siempre fue una gran escuela, y hasta el día de hoy si habláramos con cualquier miembro de la familia Pons, se recalca el hecho de que así lo ha sido para cualquiera de las figuras que han pasado por allí. Esta experiencia la valoro y atesoro tanto, que puedo decir que soy amante del formato radio gracias a mis años en La X 102”, describe la comunicadora.

Como ya está escrito, muchos talentos pasaron tanto como staff así como invitados y Nelson García fue uno de ellos, quien en 2002 decide iniciar un proyecto enfocado al rock local dando vida a De Consumo Local junto a Mariam Suárez. Dos años después pasaría a conducir Generación X, y ya en 2008 por varias circunstancias pasa a ser director por recomendacion del propio Miguel Cunillera hacia la familia Pons. Otra realidad que se veía venir era esa transición ante la llegada de otra década, y por esto Nelson cuenta que fue una decisión difícil. “Cuando me refiero a difícil me voy por el lado personal porque antes de trabajar allá, fui oyente y significaba mucho para mi todo lo que escuchaba. No quise ser yo el que cambiara ese concepto que por años me acompañó como radioescucha ni tampoco ser el que destruyera eso de alguna forma. Por eso cuando asumí la dirección me preocupaba por saber qué estaba sonando, el pop, el rock, el dance, revisar los charts internacionales, todo para mantenerme actualizado”, explica García con un dejo de nostalgia. CAMBIO DE DÉCADA Para Miguel Martínez, quien llegó de la mano de Nelson en 2010. “Recuerdo que todavía teníamos Generación X y propuse hacer el concurso Biggest Fan con Lady Gaga, porque entendíamos que era lo más importante que había pasado en esos años. Era algo muy pop y en voga. Entonces el EDM trajo a Pitbull, a una Rihanna que sonaba en todas partes, acá abrieron nuevas emisoras que éramos del mismo circuito que solo sonaban música en inglés, aunque estábamos lejos de otras emisoras rock o más soft, pero cuando llega una 100.1 y te colocaba a David Guetta con Akon a las 11 de la mañana, ahí entendías que estaba pasando otra cosa y no podías ignorarlo, y el público menos. Entonces a nivel de show o actividades llegó la empresa Shave Ur Legz con

EL ORIGEN DE LA ONDA 102 Al final de 1967 surge en el país una de las estaciones FM independientes HILX, Radio Centro Estéreo en los 102.1 MHz, ubicada en el Edificio Copello de la calle El Conde, propiedad del ingeniero Pedro Torres y dirigida por Manuel Henríquez. Para 1973, y con apenas unos 100 vatios de potencia, HILX fue arrendada por 500 pesos mensuales a los entonces jóvenes estudiantes universitarios, Enmanuel -Manolito- Silvestre Ortíz, Tony Jansen, Edward Silfa, Kin Sánchez y Teo Veras, quienes desarrollaron el primer experimento programático del país realizado en la frecuencia modulada, saliendo al aire, con el slogan Para ti gente interesante, un programa en un formato dedicado a la juventud de entonces, con canciones juveniles en inglés por 17 horas al día, rompiendo todos los esquemas existentes en la banda de FM hasta el momento, que consistían en programaciones de los géneros musicales instrumental ligero y clásico. En octubre de 1978 HILX pasó a manos del ingeniero Waldo Pons Cabral, quien conjuntamente con Teo Veras, se propuso implantar una programación juvenil enfocada a la música Disco, de moda para esa época, por el bombardeo recibido de películas del género como Saturday Night Fever y Grease. La nueva HILX-FM, salió al aire en noviembre de 1978 (…) La X, resultó ser un fenómeno de audiencia entre la juventud de la capital dominicana, ocupando rápidamente uno de los primeros lugares. Esto marcó la nueva etapa de La X, que se mantiene con un formato juvenil desde entonces, regentada por Sandra y Windy Pons.’ (Tomado de LAS TELECOMUNICACIONES EN AMERICA Y REPÚBLICA DOMINICANA, ORIGEN Y DESARROLLO / TEO VERAS, 2009)

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NOMBRES PROPIOS Pero para contar esta historia hemos querido hacer un paseo desde una cabina de transmisión que será nuestra máquina del tiempo, y que sean los mismos que dirigieron este medio, quienes nos cuenten desde la génesis, cómo se creó el legado de La X.

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(1987-2004)

(1980-1987)

(1978-1980)

muchas fiestas temáticas, pero teníamos mucho indie y house de New York, electrónica de Los Angeles, menos rock de UK y era un cambio que el público pedía, la relación oyente-estación cambió, y así fue como pasó la generación X y llegó una nueva generación’”, recuerda el ahora DJ conocido como Korduroy. La llegada de Noel Lamarche se remonta a diciembre de 2010, y entró como co-host en el programa especial de temporada llamado El Bonche de La X compartiendo la tarea de animador junto a Gaby Desangles y Mónica Herrera. Por asuntos personales y profesionales, Lamarche se aparta de la radio por un tiempo, pero regresa de lleno como director oficial, y hablamos del año 2015. Para esa ocasión, y coincidiendo con la salida de Miguel Martínez y el regreso temporal de Nelson García como programador de la estación, Noel es entrenado por este último en cuanto a todos los aspectos técnicos que se requieren para manejar la logística de una dirección radial. Noel reconoce que el streaming es una fuerte competencia ya que ha cambiado la forma en que la gente consume la música, y por eso actualmente la estación tiene alta presencia en redes sociales de forma muy agresiva, por lo que han tratado de agregar contenido en la programación regular que no encuentren directamente en plataformas como Spotify. De igual forma se han enfocado en servir de curadores musicales, donde tienen una oferta muy fresca y nueva que es muy probable no esté disponible en los servicios de streaming tradicionales en la actualidad, por lo que apuestan a que sea una experiencia el escuchar la emisora e identificarse con descubrir algo diferente.

Director

Fue el primer director de la estación y aunque en sus inicios estaba enfocada primordialmente a la música Disco, ya podía notarse el giro que lentamente fue tomando con el paso del tiempo.

Con su entrada la emisora adquirió un giro hacia el rock comercial, avalado por un paquete de discos en formato 45 que recibía semanalmente con todo lo que sonaría en Estados Unidos cada quincena. De esta forma La X siempre estaba actualizada, contando además con la revista Billboard como biblia. Sobre el staff que encontró y que luego fue creciendo, recuerda a Ramón Blandino con un programa llamado Constelation, y a Camilo Casanova con un programa dedicado a The Beatles, ambos productores venía de Radio HIN. Con el proyecto en pie, se fueron sumando animadores y DJs como Ildefonso Ureña, Martha Miniño, Brian Lucas, Mike Romero, Alex Solo y un joven Chichí Peralta, aunque se hacía poca animación en vivo porque no era el fuerte hasta entonces.

Su llegada como director le llevó a pedirle a todos sus amigos cuando viajaban, que le trajeran un cassette o CD de lo que sea, con tal de expandir su horizonte y saber qué sonaba en otras latitudes. Aparte de mantenerse actualizado con la música, su otro reto fue enfocarse en manejar el talento humano que encontró a su llegada. Seguían en la estacion Brian Lucas, Mike Romero, Gilberto Abreu, sumando la voz femenina de Wanda Pons. Era un grupo establecido y conocían bastante de música, pero lo importante es que todos estaban conscientes de que lo nuevo era lo primordial y ubicar las propuestas que la gente pudiera digerir y disfrutar.

TEO VERAS

JM HIDALGO

MIGUEL CUNILLERA

(2015-Presente)

(2010-2011)

(2008-2015)

(2004-2008)

TONY ROJAS, talentos y

Directora

Director

NELSON GARCÍA

MIGUEL MARTÍNEZ

Director

Programador

Al incorporarse las fichas se habían movido bastante, encontrando a figuras como Silvia Callado, Armando Almánzar y Arturo Rodríguez con A La Hora Señalada, y Sergio Carlo, Panky, Silvia y Tony Rojas en Cuál es tu versión. Dentro de las cosas nuevas implementadas, se creó el concurso para oyentes Biggest Fan, siendo Madonna la elegida en la primera versión, siguiendo luego con The Police. De esta forma el ganador tendría la oportunidad de viajar a un concierto de su artista favorito.

A su llegada muchos espacios ya tradicionales se mantenían al aire, pero a la vez llegaron otros como Desde el Mediodia con Nashla Bogaert, Mauvie Espinosa e Ico Abreu, sumándose talentos como Gaby Desangles, Amín Domínguez y Eddy Alba. Pasando balance, Nelson rememora que la valía de La X consistió en ser la única estación que colocaba la música que nadie más se atrevía, cautivando a su generación. De igual forma fue un emblema del rock local desde los años de las Olimpíadas hasta finales de los 2000, aunque reconoce que ese interés se fue diluyendo en las demás estaciones que brindaban apoyo al movimiento.

Notó que algunos programas se resistían a desaparecer como De Consumo Local o Generación X, aunque al final quedarían fuera del aire al agotar su ciclo de vigencia e interés en la nueva audiencia que adquirió la emisora con su llegada. Cuando sabes que tienes el poder de cambiarle el mood a la gente cuando está en un tapón, gracias a lo que programas, te complica el juego porque debes saber medir esa dosis para controlar el gusto de la gente que te escucha, y que los numeritos de un rating a fin de mes no te dicen cómo tocaste la vida de una persona cuando colocaste esa canción que quizá le salvó la vida. “Ser el soundtrack de la vida de muchas personas que sigue un standard de calidad que ha aportado La X 102 por tantos años, es una oportunidad que no podía dejar pasar”, comenta Martínez.

Noel contó con una rotación compuesta por José Brache, Laura Camasta Olivo, Gaby Desangles y Luz Grullón. A pesar de que la parrilla no contaba con programas que ofrecían un contenido elaborado en materia de producción, este equipo respondía a la tendencia de acompañar al oyente a modo de animador, ya que para ese tiempo el boom del streaming exigía esa dinámica al aire. A pesar de ello, existían algunos espacios como el recuento de Las 30 Favoritas y el Weekend DAB que respondía a cierto segmento de oyentes inclinados por el género de música urbana a nivel internacional (trap, reggaeton, hip hop, etc). Otros talentos que se fueron sumando fueron Sebastián Rodríguez (integrante del grupo urbano Lo Blanquito), Sheily Martínez (quien aún permanece en la estación), Javier García, Sara Quezada Bonetti y Luis Valdez.

ANINA RODRÍGUEZ

NOEL LAMARCHE

programas. La X fue un espacio donde convergieron muchas figuras, y dentro de ese staff que recibió a Tony Rojas se encontraba Miguel Cunillera como director, Wanda Pons como locutora y administradora, María Vírgen Gómez, José Lora ‘Checho’, Frank Arias, Pedro García (quien producía La Fiesta de La X con música electrónica), Hernán Pedraza, sin olvidar a un empleado y personaje icónico de la estación: Cacata. Eventualmente Walter Pons participaba como DJ, y luego se sumarían otros miembros como Frank de los Santos, Jim Hills, Manuel Betances, José Felix García (encargado del estudio de grabación), Victor Ramírez (quien luego se dedicaría al mundo del cine), José Guillermo Cortines a.k.a. Memo, Barón Valette, Charles Castro, Nils Robles (que luego sería la voz que identificaba la estación), entre otros tantos que fueron pasando de generación en generación, y que Tony los recuerda con mucho afecto. Pero una de las cosas que más le aportó a Tony desde su llegada, fue la oportunidad de poder producir espacios a lo largo de los años que estuvo en La X. Iniciándose con el conteo semanal de las favoritas y el Especial de la Semana cada domingo al caer la tarde. Generación X en los 90 un programa que sonaba rock alternativo convirtiéndolo en un referente. En el año 2000 nace el proyecto ‘Cuál es tu versión’, que duró unos 15 años en el aire. Rojas salió del país a finales de los 2000, pero a su regreso tomaría las riendas de su último programa como presentador en La X, hablamos de Exit 102 y de esa manera se despedía del medio que le dio la oportunidad de incursionar en la radio y dejar su nombre inscrito dentro de esta historia.

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WINDY PONS ¿Cómo percibe el equipo de trabajo de La X 102 ese legado, por parte de los que han formado parte de ella? Para mí La X 102 ha sido y seguirá siendo una cuna de talentos, los que estuvieron antes y los actuales. Son muchos los que han pasado por aquí, empezando por Teo Veras desde nuestros inicios, y otros apasionados por la música como un Miguel Cunillera, una biblia andante del mundo del espectáculo. Pero también hemos tenido un grupo maravilloso de locutores y DJs, y debo recordar a mi hermana Wanda que hizo un gran trabajo a través de su voz junto a Miguel; de igual forma todos los directores de programación que hicieron su trabajo a medida que iban cambiando los tiempos y la música, que es y sigue siendo nuestra materia prima principal. ¿Qué significado tiene para la familia Pons que este apellido se asocie a entretenimiento, a la historia de la radio dominicana? Fíjate, para los más cercanos sí, pero para la mayoría de la gente no, porque nosotros siempre nos mantuvimos en bajo perfil, tras bastidores. Es como mi papá (Don Waldo) que siempre estuvo atrás, nunca estuvo frente a un microfono como para dar la cara. Nuestra familia sí ha servido de plataforma para mantener a un grupo de personas trabajando con buena música y, en el aspecto social para todo lo que hemos podido ayudar y aportar un granito de arena, en cada época que se necesitaba o nos demandaba. ¿Qué hitos ha dejado La X 102 durante estos 40 años de historia? Creo que lo que ocurre aquí dentro se refleja de cierta manera en nuestra vida. Fueron tantas primeras veces, la emisora ha tenido siempre una personalidad atrevida, curiosa, amiga, cómplice y eso viene desde la época de las Olimpíadas Rock con Kin Sanchéz. Y todo cumple un ciclo por el mismo cambio de las generaciones, desde la magnitud que tuvo el rock, la música Disco, la música electrónica y así seguirán los cambios y esta estación, adaptándose. Creo que ese es el secreto de una marca que tiene más de cuarenta años vigente. Como hito, recuerdo algo que ocurrió en 1998 a raíz del huracán George. Era una época de sana competencia con estaciones como Radio Listín y La Nota Diferente, pero La X 102 fue la única emisora que quedó en el aire y en esta misma cabina se juntaron todas las emisoras hermanas a recolectar lo necesario para ayudar a los damnificados de nuestro país. A tu juicio, ¿cómo definirías el legado de La X 102 a la radio dominicana? Nuestra misión ha sido siempre entretener y enganchar a la mayor cantidad posible de público con lo que está pasando aquí dentro. Siempre hemos apostado a programas de temporada, con especiales, campañas sociales y fuimos la primera estación con una página en Internet. Pero el verdadero legado es mantenernos por más de 40 años con la misma visión, y aunque antes existía una forma diferente de escuchar la música, nos mantenemos adaptándonos y ese es el desafío.

“Lo que ocurre aquí dentro se refleja de cierta manera en nuestras vidas”.

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“Lo importante es el alma de la gente”.

mar Sharif, actor de origen egipcio que conquistó la gran pantalla con personajes como el de Sherif Ali en Lawrence de Arabia que ya reposan en los anales de la historia cinematográfica. El inolvidable Doctor Zivago visitó nuestro país a principios de los 2000.

Omar Sharif visitó la República Dominicana en noviembre de 2009 como invitado de honor del III Festival de Cine Global Dominicano. El actor llegó al país procedente de El Cairo, Egipto, junto a varios familiares, su hijo Tarek Omar el Sharif, la esposa de este, Mariana Zherdeva y su nieto Omar Sharif. Con Sharif vino al país Kathleen Martínez, la arqueóloga dominicana que realiza trabajos de exploración en busca de las tumbas de Cleopatra y Marco Antonio desde 2005, y el doctor Zahi Hawass, director del Consejo Supremo de Antigüedades egipcio. El ex presidente Leonel Fernández dijo: “Estamos profundamente emocionados de poder contar con una figura que es un icono universal del séptimo arte”, tras imponer la Orden Heráldica Cristóbal Colón en el Grado de Caballero al actor egipcio, quien la recibió con “honor” aunque aseguró que era “demasiado” para él. “La figura de Omar Sharif ha sido tan atrayente, atractiva e influyente que logró penetrar a mi familia desde muy temprano”, aseguró el ex mandatario, quien reveló que bautizó con el nombre de Omar a su único hijo en honor al legendario actor. La película de Sharif que más impactó a Fernández fue Doctor Zhivago, la cual, según confesó, ha visto “al menos quince veces”. Sharif dijo: “Los días que pasé aquí en dominicana fueron estupendos, las gentes de este país son muy buenas, son simpáticos, te dan amor y sin querer nada a cambio. Pero lo importante es el alma de la gente, lo más importante es la intención, es el amor, es algo sentimental para mí, el honor es la amistad”.

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Fotos: Fuente externa

LEYENDAS EN RD

Por Pedro García

OMAR SHARIF

Por Luiggi Puello Fotos: fuente externa

E Fuentes: thegamefanatics - Sony - Microsoft - thegamer - Ign.com

n un ciclo que se repite cada 5 años, los jugadores de videoconsolas nos enfrentamos a meses de gran anticipación y momentos de angustia, delirio, fanatismo y excitación. Parecido a un teeneager antes de empezar un concierto de BTS. Este momento es cuando dos marcas rivales anuncian la fecha de salida de sus nuevas consolas. Aquí es donde nos volvemos mejores investigadores que el mismo Batman o el propio Sherlock Holmes y hasta se nos prende una parte del cerebro dedicada a los más grandes talentos del área de ingeniería. Todo con tal de poder discutir aspectos y detalles de la capacidad gráfica y de procesamiento de cada una de estas maravillas de la ingeniería moderna e, incluso, discutimos la trivialidad de cosas que apenas logramos comprender. En mi caso particular aún no veo la diferencia entre 24 FPS o 60 FPS, pero algo entiendo como cierto: ¡si es más, es mejor!!!... ¿O no? Para mi, lo que hace una plataforma superior a otra es la calidad de sus juegos y el multi uso que podamos dar a la consola (algo que Nintendo ha demostrado con creces). Pero es digno de mencionar que la última vez que se enfrentaron Sony y Microsoft con el

10,28 teraflops AMD Zen 2, 8 núcleos @ 3,5 GHz (variable) 36 CUs RDNA 2 @ 2,23 GHz (variable) 16 GB GDDR6 @ 448 GB/s SSD NVME de 825GB personalizada 5.5 GB/s (sin comprimir), 8-9 GB/s (comprimido) 4K UHD Blu-Ray Con PS4

PS4 (1080p / 30 FPS) y el Xbox One (900p / 30 FPS), el PS4 ganó la primera mano. Pero cuando ambas consolas se refrescaron (esto ocurre igual que en los autos, al tercer año) la capacidad procesadora del Xbox resultaba la ganadora en títulos que compartían las 2 consolas como Red Dead Redemption II. Ahora en la carrera de salida de estas dos nuevas consolas, la comparación se ha realizado en base un juego compartido en ambas: Devil May Cry 5: Special Edition, el cual tiene una resolución de 4K y un FPS de 120. Sin indagar mucho y previo al análisis, el Xbox One parecía el ganador seguro, ya que las especificaciones le daban la ventaja sobre el PS5. Cabe destacar que la nueva consola de Sony, aunque tiene menos elementos, los utiliza de manera más eficiente. Los muchachos de Digital Foundry (digitalfoundry.net), llegaron al consenso de que ambas consolas están en una carrera cuello a cuello. En algunos juegos la PS5 lleva una ligera ventaja y en otros el Xbox One le saca la nariz. Pero la realidad es que ambas son comparables y las diferencias son imperceptibles.

POTENCIA PROCESADOR (CPU) GRÁFICA (GPU) MEMORIA RAM ALMACENAMIENTO ANCHO DE BANDA DEL ALMACENAMIENTO LECTOR DE DISCOS RETROCOMPATIBILIDAD

EN POCAS PALABRAS Además de todas estas mejoras que hemos mencionado, luego hay otra serie de funciones o características que las diferencian. Por ejemplo, Xbox Series X tiene la nueva función Quick Resume, que nos permite dejar en reposo varios juegos a la vez y retomarlos en cualquier momento justo donde los dejamos, volviendo a jugar en apenas unos segundos. PS5 ha hecho un completo rediseño de su interfaz e incluye algunas novedades muy interesantes como las actividades, que nos permiten acceder rápidamente a secciones concretas de los juegos. También ha incluido un sistema de ayudas y pistas en los juegos, disponible para suscriptores de PS Plus. Xbox Series X es compatible con VRR (refresco adaptativo), por lo que si tu televisor cuenta con HDMI 2.1 puedes disfrutar de imágenes más suaves y fluidas sin defectos como tearing, y además cuenta con el estándar de HDR Dolby Vision; PS5 de momento no es compatible con ninguna de estas dos tecnologías. Al final la elección no es tan fácil y es... personal.

12 teraflops AMD Zen 2, 8 núcleos @ 3,8 GHz 52 CUs RDNA 2 @ 1,825 GHz 16 GB GDDR6 (10 GB @ 560 GB/s + 6 GB @ 336 GB/s) SSD NVME de 1 TB personalizada 2.4 GB/s (sin comprimir), 4.8 GB/s (comprimido) 4K UHD Blu-Ray Con Xbox One, Xbox 360 y Xbox

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COOL HAPPENING 1

UNA NOCHE DE COMIENZOS Por Ana Blanco Fotos: Pedro Bonilla/Camila Joga

Dudamos en hacer un evento presencial. Pero si nuestra revista nace con el claro mensaje de que el show debe continuar, debemos ser fieles a esa esencia. Así que con todos los protocolos de seguridad y un aforo controlado presentamos el primer número de ShowBuzz en Sophia’Bar & Grill. Emoción, satisfacción, ganas de compartirla y de escuchar las opiniones de todos ustedes. Fue una noche que marcó el comienzo oficial y que disfrutamos a plenitud todo el equipo, nuestros allegados, así como patrocinadores y la prensa.

Esperamos que este número que hoy cierra 2020 siga copando sus horas de lectura, que nos acompañen en este camino, nosotros entramos en 2021 con fuerza y con muchas ganas de decir presente en su vida. Hoy les compartimos algunos momentos del lanzamiento que recogen mucho sentimiento y mucho trabajo pero, siempre, con la mirada hacia delante. Gracias por estar ahí.

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Recuerden que pueden suscribirse en nuestra página web: www.showbuzzrd.com y seguirnos en nuestras redes @showbuzzrd

PAGINA IZQUIERDA: 1- Fabiana d’ Agostino y Pedro García 2- Odette Perrotta, Pedro García y Ricardo García 3- Pedro García 4- Ana Blanco 5- Luigi Puello, Carlos Romero, Ana Blanco, Fabiana d’ Agostino y Pedro García 6- Pedro García y Angie Hernández 7- Calos Romero, Ana Blanco, Luigi Puello, Fabiana d’ Agostino y Pedro García 8- Fabiana d’ Agostino, Pedro García y Karolyn Folch

PAGINA DERECHA: 9- Camilla Báez d’Agostino, Fabiana d’Agostino, Sebastian Báez d’Agostino, Gemna de d’Agostino, Giuseppe d’Agostino 10- Karina Cirpián y Patricia Hernández 11- Claudia Luna y Rafael Llaneza 12- Enrique Porcella, Ana Blanco y Pedro García 13- Claritza Méndez, Patricia Hernández y Evelyn Jiménez 14- Ricardo García Perrotta, Isabella García De Jesús, Pedro García, Lissette De Jesus y Ricardo García De Jesús 15- Regina Koenig y Claudia Luna 16- Rafael Llaneza, Yvette Marichal, Regina Koenig y Pedro Garcia 17- Jorge Ramos 18- Jose María Cabral y Roger Zayas

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KLK

Por Joan Sebastián Foto: @PedroFloresmx.jpg

YAMIL UREÑA

1.INTERPRETAS A EDGARDO DÍAZ EN LA SERIE SÚBETE A MI MOTO, UN PERSONAJE BASTANTE COMPLEJO EN TUS PALABRAS. ¿CÓMO CREES QUE VA A MARCAR ESTE PAPEL TU CARRERA? Las historias basadas en la vida real son mis favoritas. Siento que tienen un peso tanto emocional como histórico que nos transporta a eventos significativos. Es una responsabilidad aún mayor, sobre todo si el personaje está vivo, como Edgardo Diaz. Estar al frente de una historia que se origina de donde vengo, de mis raíces, de mi cultura es un logro increíble, algo que por años me decían que no sucedería. CITA: Amazon Prime. PERSONAJE: Edgardo Díaz. LUGAR: Súbete a mi moto. PALABRA CLAVE: Menudo. VERDADERO PROTAGONISTA: el actor y productor de origen dominicano Yamil Ureña.

2.¿CUÁL ES EL RETO AL QUE VERDADERAMENTE SE ENFRENTAN LOS LATINOS EN EL MUNDO DE LA ACTUACIÓN? Aún quedan estereotipos, hay gente que dice que no estamos a la altura de actores de otros mercados, pero en las pasadas décadas hemos visto como sí nos hemos preparado y que sí existe el talento. Nos hacen falta más historias, más personajes que representen lo que realmente somos. Eso empieza al tener representación latina en los niveles ejecutivos, con los escritores, con los directores de casting, con todos los que toman las decisiones de a quién van a contratar para los personajes e historias latinas. Poco a poco hemos visto cómo nos están incluyendo en la toma de decisiones y nos permiten demostrar que siendo la cultura que más consumimos en la industria, queremos vernos representados en la pantalla grande. 3.DECÍAS QUE ES DIFÍCIL OBTENER PAPELES, PERO CUANDO SE PRESENTA LA OPORTUNIDAD DE RETRATAR LA HISTORIA, Y UNA FUERTEMENTE CUESTIONADA ¿CUÁL ES TU REACCIÓN? Siento que es darle un VIP pass a que vean cómo se manejan las cosas en la industria. Estos personajes existen, el glamour del escenario no siempre se vive en el día a día. Es sacrificado, es frustrante, es muchas veces retante, sin embargo cuando haces lo que te apasiona en esos minutos, en esos instantes, olvidas lo que cuesta. 4.NO TUVISTE LA OPORTUNIDAD DE CONVERSAR CON EDGARDO DÍAZ, QUISIÉRAMOS SABER QUÉ LE HUBIESES PREGUNTADO... ¿Cómo hacía para bloquear emocionalmente las reacciones de los integrantes al salir del grupo? ¿Alguno le pesó más que otro? ¿Piensa que si no hubiese cambiado a los integrantes tantas veces el grupo hubiese mantenido el éxito?… Entiendo que fue el concepto que funcionó más, sin embargo me gustaría preguntarle si mirando hacia atrás, él cree que pudo lograr lo mismo de otra manera. 5.EN UNA ENTREVISTA HABLABAS DE QUE A LA EDAD DE LOS CHICOS DE MENUDO, NO TENÍAS LA CONFIANZA PARA ESTAR EN UN ESCENARIO. ¿EN QUÉ MOMENTO TE EMPEZASTE A ARRIESGAR Y GANAR ESA CONFIANZA? Cuando tuve que escoger una profesión, cuando tuve que decidir cómo me gustaría ganarme la vida y mantener a mi familia. Han sido muchas batallas pero cuando tuve más claro hacia dónde me dirigía, ahí se dieron más oportunidades y con cada una de ellas fui ganando más confianza en mí mismo, en lo que me gustaría lograr.

“Estoy trabajando varios proyectos y espero poder compartir alguno pronto. Soy de los que piensa que las cosas se comparten cuando ya se van a hacer o cuando están hechas”.

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6.CUANDO DICES QUE ES UNA CARRERA CUESTA ARRIBA, ¿A QUÉ TE REFIERES EXACTAMENTE? Son muchos sacrificios, estar alejado de tus seres queridos, la incertidumbre de cuál y cuándo será tu próximo proyecto… Si a eso le sumas que ahora estamos en medio de una pandemia y como los actores estamos aún más expuestos, estar en un set se ha vuelto más complicado. 7.HAS TRABAJADO EN GRANDES CADENAS COMO TELEMUNDO, UNIVISIÓN, WAPA TV Y CON GRANDESPERSONALIDADES. ¿QUÉ HA SIDO LO MÁS DIFÍCIL Y LO MÁS GRATIFICANTE SI MIRAS HACIA ATRÁS? Estar lejos de los míos, de mi tierra. La verdad es que lograr algo por mérito propio da una satisfacción enorme pero extraño las navidades en República Dominicana y se vuelve aún más difícil cuando regresas y las calles no son las mismas ni están esas personas clave en tu vida sentadas en la galería.

INSIDE

LA EDAD DORADA DE LOS DOCUMENTALES

o queremos hablar de tendencia, porque documentales ha habido desde el comienzo del cine, pero desde luego estamos viviendo una época muy fructífera que bien podemos denominar de oro. ¿Por qué? Jeffrey Epstein: Filthy Rich, Para bien o para mal, Mucho, mucho amor, Tiger King, The Social Dilemma (El dilema de las redes sociales), Becoming: Mi historia y una larga lista que sería suficiente para llenar las páginas de esta revista. Todos documentales que marcaron el 2020 bien sea por la controversia que causaron, por la realidad que narran (que quizás conocíamos pero no le prestamos atención), por ser tendencia en plataformas como Netflix o ser ganadores en premiaciones como los Óscar.

Sí, la “Edad de Oro” de estos filmes, es la que estamos viviendo. Es una realidad. Los documentales nunca habían sido tan populares como ahora. Eso se puede evidenciar más obviamente desde el lanzamiento de películas estadounidenses como Fahrenheit 9/11 (2004) o An Inconvenient Truth (2006 - Óscar a Mejor Documental), o cuando vemos que solo entre 2005 y 2010, la Academia proyectó los 139 documentales y cortometrajes que habían ganado un Premio de la Academia, algo que nunca se había hecho antes. Algo todavía más llamativo es que a diferencia de otras categorías en donde las mujeres han sido olvidadas, en los documentales son protagonistas, ya sea como directoras o bien como sujetos de los mismos, como en el caso de Caroline Waterlow en O.J.: Made in America (2016) o Julia Reichert en American Factory, que en 2019 ganó el Premio Óscar al Mejor Documental Largo mientras compitió con otros cuatros documentales con mujeres al frente. Si no nos vamos muy lejos, en la República Dominicana, la ejemplificación podría hacerse con Caribbean Fantasy (2016) de la productora y cineasta Johanne Gómez Terrero, La isla de plástico (2019) que tuvo a Nashla Bogaert en la producción o A la deriva de la joven cineasta dominicana Paula Cury Melo, sin olvidarnos de quienes engalanan la portada de esta edición, claro.

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Fotos: fuente externa. Fuente: Insider

Por Joan Sebastian

Nanook of the North (1922) del director estadounidense Robert Flaherty se considera el primer documental.

EL CAMINO RECORRIDO Si resumimos, e ignoramos, algunas de las divergencias que encontramos en la definición de documental, podemos dejarlo en que indagan la realidad, plantean discursos sociales, representan historias particulares y colectivas y se constituyen en archivo y memoria de las culturas. Lo que no podemos dejar de incluir es que hay infinitas formas de hacerlo. Si en algo coinciden las definiciones es que pueden ser tanto para fines educativos como de entretenimiento, aunque no siempre han sido vistos de esta última forma, tal como dijo el productor Dan Cogan (Icarus, 2017) a CBS News, los documentales nunca fueron tan populares como las películas de ficción. “Se habían ganado la reputación de ser espinacas cinematográficas, películas que eran buenas para ti. Se suponía que debías verlos, ellos te informaban, pero no necesariamente querías verlos como entretenimiento en sí mismos”, dijo. Pero no hay que ser director con una larga lista de documentales multipremiados como Cogan para ver que eso ha cambiado. Solo basta con echar una mirada a plataformas de streaming para darnos cuenta como producciones como The Crown - ojo aquí - aún con sus toques de ficción, ha conquistado a millones de suscriptores en todo el mundo, excepto a la familia real -ojo también aquí-. A eso sumamos que los números le dan razón, con mirar las cifras citadas por Box Office Mojo, un sitio web dedicado al seguimiento y conteo de los ingresos en taquilla que consiguen las películas. En los últimos años, los documentales están ganando más, cuestan más y se proyectan más en los cines convencionales. Si bien el streaming - Netflix - ha jugado un papel casi esencial para hacer lo anterior posible, para cuando arribó esa plataforma ya los documentales tenían su camino bien cimentado gracias en gran parte a algunas de las películas que han hecho temblar la tierra, empujar agujas y, en última instancia, cambiar

el mundo, encontrando su enfoque en la guerra, el amor, el sexo, la muerte y todo lo demás. Solo hay que ver lo que ha estado haciendo National Geographic. Si queremos ir más profundo, e intensos, vemos como películas documentales como Thin Blue Line (1988) de Errol Morris o la trilogía documental Paradise Lost, que han sacado a gente de la cárcel. Esta última, si bien no ganó el codiciado Óscar, logró el mejor de los premios posibles: conseguir la libertad de tres jóvenes que pasaron 18 años en la cárcel por unos crímenes que no cometieron. Hoy por hoy, los documentales están cambiando el mundo, pero no empezó en un ayer cercano, en 2004 vio la luz Super Size Me, un documental que cambió la conversación acerca de la comida de servicio rápido. Inconvenient Truth activó las alarmas sobre el cambio climático. En estas categorías es donde más han florecido los frutos de este árbol llamado “documentales”. En la República Dominicana tenemos el ya mencionado Isla De Plástico del también cineasta y productor José María Cabral. Pero los productores no son los únicos que han visto el poder de cambio, o la tendencia en alza que tienen los documentales. DOCUMENTALES Y CELEBRIDADES Dentro de la temporada de cosecha de los documentales, vemos cómo muchos, más que retratar una realidad colectiva, cuentan una historia particular. Producciones que nunca pierden su valor histórico, más allá de los que muestran un hecho. Valiéndonos de lo que en este momento está en la palestra, vemos como The Crown, abalanza otros documentales disponibles en la plataforma de streaming, aquellos que hablan más detalladamente de los personajes de su trama: Lady Diana, Margaret Thatcher, o la misma Isabel II del Reino Unido, que era tendencia en Google al momento de escribir esto. Pero más allá de la realeza, o más para acá, tal como resalta un artículo del The New York Times, hasta hace no mucho tiempo las celebridades solían evitar los documentales, porque estas películas, entre muchas otras cosas, rara vez, si acaso, obtienen ganancias. Eso fue hasta que una de esas cosas pasó a ser positiva cuando empezaron a ser utilizados para mejorar la imagen de personalidades como Robert Evans con el documental El chico que conquistó Hollywood (2002) o la del boxeador Mike Tyson, y se comenzaron a usar como editoriales visuales para la era de Internet. Lo anterior tiene más sentido cuando tomamos en cuenta que por culpa de redes so-

ciales como Twitter y Facebook, o portales como TMZ, les ha dificultado a las celebridades manipular su personalidad pública. Aquí es cuando un documental puede ser el primer paso para rehabilitar una reputación dañada, o aumentarla. Podemos citar casos como el de Demi Lovato en Simply Complicated; Taylor Swift en Miss Americana; o Beyoncé en Homecoming: A Film By Beyoncé. Todas estas producciones documentales dan al público un vistazo detrás de la escena y son un modo cada vez más popular de revelación de celebridades, que brindan una mirada a sus vidas cotidianas y procesos artísticos, mientras que en general promueven su trabajo. Pero aquí es cuando la línea divisoria entre realidad y la ficción se difumina a un nivel casi indetectable porque las estrellas pueden dar forma a sus narrativas como mejor les parezca. ¿REALMENTE REALIDAD? Nadie puede culpar a los sujetos por querer expresar su opinión. Pero respecto a qué tan reales son los documentales, Sheila Nevins, quien fue presidenta de HBO Documentary Films y dirigió más de 1,000 documentales para esa cadena, dijo a The New York Times lo siguiente sobre la realización de documentales de celebridades: “Es muy difícil hacer algo que sea honesto y no lastime a nadie”. Es entonces cuando el público de a pie se pregunta “¿Es precisa?”, “¿Es verdad?”, aun cuando se trata o lanzan un aviso “basadas en una historia real” o “inspiradas en hechos reales”. A esa publicación del The New York Times, James Toback, quien dirigió Tyson dijo: ”Existe una demanda de lo que es verdadero y real, o lo que se representa como verdadero y real… Las películas que son biografías de personas reales son una extensión natural de ese fenómeno”. Pero reales o no, a diferencia de años atrás cuando la remuneración o impacto logrados con estas producciones era mínima o nula, hoy reviven y mantienen vivos personalidades que aún después de muertas siguen generando interés, y con él, dinero. Por ejemplo, Leaving Neverland, documental en el que Wade Robson y James Safechuck alegan que Michael Jackson abusó de ellos cuando eran niños, es una producción que terminó en una demanda a HBO por $100 millones, por parte de la familia de Jackson. Es entonces cuando el valor de los documentales se pone en la mesa de juego como contenido para mantener vivas a leyendas, contar historias que crean intriga y establecen lo que hasta ahora es la edad de oro de estos filmes.

LOS MÁS FAMOSOS Algunos de los documentales más famosos de la historia del cine, de acuerdo con los Óscar son: Woodstock (1970) Harlan County USA (1976) The War Game (1965) Hearts and Minds (1974) This Tiny World (1972) Thursday’s Children (1954)

CELEBRIDADES DOCUMENTADAS Gaga: Five Foot Two narra el proceso de Lady Gaga grabando su álbum Joanne y preparándose para actuar en el espectáculo de medio tiempo de la Super Bowl. Simply Complicated presenta entrevistas sinceras con Demi Lovato sobre cómo navegar el estrellato infantil y la adicción. Katy Perry: Part of Me sigue a la cantante pop en su gira California Dreams de un año.

Jonas Brothers: Chasing Happiness es un documental de 2019 que recoge la reciente reunión de los hermanos como banda. Amy incluye imágenes caseras poco comunes de la difunta Amy Winehouse y ganó un premio de la Academia y un BAFTA al mejor documental en 2016.

El gobierno nazi de la Alemania en tiempos de guerra utilizó la industria cinematográfica nacionalizada para producir documentales de propaganda.

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GASTRONOMÍA

Por Luigi Puello

3 AMAZONAS TRAS LA EXCELENCIA GASTRONÓMICA Ana, Laura y Patricia.

Tres chefs que tienen la creatividad en sus manos, la valentía en sus corazones y el sabor perfecto en sus platillos. Descubran qué lograron por primera vez para nuestro país. BRANGUS BEEF TENDERLOIN Filete y muselina de ternera. Hongos salvajes y lengua envuelta en pan de mantequilla. Mondongo de tripas de res con ragú de tomate, vegetales de estación, alcachofas y holandesa de orégano salvaje.

orrían los vientos de enero de 2019 cuando la chef Ana Lebrón Smester, presidenta del capítulo de RD de la American Culinary Federation y dueña de su propia empresa de catering, Línea Gourmet, además de competidora nata con 15 medallas de competencias en su haber, puso su mirada y decidió inscribirse en lo que se conoce como las olimpiadas gastronómicas “IKA 2020” con el fin de presentar a nuestro país en la más grande de las vitrinas de los profesionales de las técnicas culinarias.

En esta aventura reclutó a 2 de los más grandes talentos que posee nuestra isla: chef Laura Rizek & chef Patricia de Marchena, socias del excelente servicio de banquetes y catering que ofrece PATLAU, con la finalidad de redondear la experiencia y llevar una visión 360 al escaparate culinario. A POR LA PROPUESTA PERFECTA En octubre de 2019 y a solo 3 meses de la competencia, montaron una exhibición para el afamado chef Americano de origen salvadoreño George Castañeda, campeón de la copa de 2016 y entrenador del equipo americano para la magistral competencia del Bocuse D’ Or. Al ver la muestra presentada por nuestras 3 guerreras y después de un rato de ensimismamiento profundo, exclamó: “Tenemos una medalla de bronce asegurada con este trabajo, vamos a trabajar y pulir para el oro”.

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Simultáneo a los entrenamientos de la competencia, comenzaron los preparativos del viaje hacia la ciudad de Stuttgart, Alemania, los cuales contaban con empezar a tocar muchas puertas y estructurar una logística que parecía sencilla, pero ardua para personas con poca experiencia en la materia. Así pasaron las navidades entre reservas, e-mails y entrenamiento, desmenuzando cada propuesta y en espera de la segunda corrección de contenido realizada en enero de 2020 a cargo de George y del chef Víctor Somo. Entusiasmadas con la propuesta deciden partir para la competencia en el mes de febrero del 2020. CONTRA TODO, A POR TODO Como dice el refrán: “A mal tiempo, Buena cara”. Al llegar a Stuttgart se dieron cuenta que la cocina que habían contratado para trabajar la propuesta culinaria quedaba a algo más de 2 horas del sitio de la competencia. La decisión unánime fue partir hacia donde estaba el lugar de trabajo y empezar la chercha, la cual arrancó con canciones de Paquita la del barrio, cantadas al unísono y una cena de San Valentín en una bomba de gasolina en algún lugar de Alemania. La fecha fijada era el 16 de febrero, así que quedaban escasamente 36 horas para montar la propuesta en geografías no conocidas y aquí es donde comienza el maratón de trabajo. Nuestras compatriotas se

enfrentaron a ingredientes con características diferentes a la criolla, con la ejecución de técnicas a temperaturas diferentes a las que habían practicado y equipos no familiares y con ejecuciones de tiempo diferentes, fueron algunos de los obstáculos enfrentados para cumplir la ardua jornada de trabajo. Patricia y Ana comentan que el cansancio incita a sacar lo mejor de los dominicanos que es ¡la alegría!! Y a revivir la edad del pavo. Cuentan que solo eso alegró la situación y las mantuvo despiertas. !En el caso de George, fue diferente!! Para mantenerlo en vilo nuestras chicas se pusieron a cantar Ratas de dos patas y uno que otro himno del gran José José, para darle pilas al entrenador. Llegaron a la entrega del programa como decimos “rayando” y es aquí donde el júbilo del trabajo completado no deja que el cansancio se apodere, sino que la algarabía siga. A las 12:00 del mediodía, se daba el veredicto, República dominicana, liderada por el equipo formado por la chef Ana Lebrón, había logrado sobresalir entre los 176 participantes de la categoría, para alzarse con el oro en la categoría de: Individual Culinary Arts. Era la primera vez que participábamos y la primera vez que una mujer conseguía esta medalla. Nuestro equipo logró posicionarnos como el 5to. mejor en el mundo y nuestras amazonas lo habían logrado…

Por Pedro García

GREAT ENGINES

CÓMO ESTE ICÓNICO

LOTUS ESPRIT S1 SE CONVIRTIÓ EN

007

aka WET NELLIE 007

uando se hizo The Spy Who Loved Me la franquicia de películas de James Bond era la más lucrativa del mundo y muchos fabricantes querían que sus productos aparecieran. Había una gran competencia por ser la empresa que suministrara el coche de Bond. Era el momento de Roger Moore como el icónico agente del MI6. El año fue alrededor de 1975, durante la etapa de preproducción de The Spy Who Loved Me. Entra en escena Don McLaughlin, gerente de relaciones públicas de Lotus, que consiguió el codiciado visto bueno de 007 sin tener que mendigar como todos los demás, gracias a una idea brillante. Esto simplemente requería de tener una fe total en el producto, sincronización y muchas bolas. McLaughlin decidió que la manera perfecta de evitar la persecución regular de los productores era hacer que los productores lo persiguieran. Para hacer eso, era necesario un elemento de misterio e intriga. En la preparación para su ataque, McLaughlin tomó un Lotus Esprit Turbo Coupe inédito ... con todas las marcas e insignias de identificación cubiertas. Condujo hasta Pinewood Stu-

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dios, parqueó el carro justo delante del edificio de los productores, dejó el coche y esperó. Poco tiempo después, cuando regresó, el Lotus Esprit había atraído a una multitud. Más importante aún, había atraído a la multitud adecuada con los productores de Bond. Este próximo movimiento puede sonar un poco contradictorio, pero encajó perfectamente con la idea de “déjalos ahí queriendo más”. Según varios relatos, McLaughlin “con indiferencia” se acercó al automóvil y se alejó sin responder ninguna pregunta. Sonrisa de come mierda sin duda pegada en su rostro (conjetura no confirmada). McLaughlin dejó marinar ese momento de caída del micrófono durante un minuto caluroso. Como era de esperar, los productores estaban hambrientos de detalles y fueron a buscar migajas. Después de algunas pistas descaradas aquí y allá, la producción de Bond finalmente conectó con Lotus. Y como ya saben, el cuerpo del Esprit fue elegido por el productor Albert R. Broccoli para ser el coche de acrobacias Wet Nellie de The Spy Who Loved Me.

UN ÉXITO Después del lanzamiento de esta película, la demanda de automóviles Lotus Esprit blancos aumentó hasta el punto de que los nuevos clientes tuvieron que ser incluidos en una lista de espera de tres años.

Marca: Lotus Modelo: Esprit S1 Año de Producción: 1976-1978 Nacionalidad: Británica Motor: Lotus 907 4 Cilindros Transmisión: 5 Velocidades Manual Poder: 160 bhp Max. Velocidad: 135 millas por hora De 0-60mph: 8.4 segundos Peso: 2,218 lbs Película: The Spy Who Loved Me (La Espía que me Amó) Año: 1977 Actor: Roger Moore como James Bond Bond Girl: Barbara Bach como Mayor Anya Amasova / Agente Triple X

Elon Musk compró Lotus Esprit de James Bond por USD $1 millón. “Me decepcionó saber que en realidad no se puede transformar. Lo que voy a hacer es actualizarlo con un tren motriz eléctrico Tesla e intentar que se transforme de verdad “, dijo en ese momento. Podemos agradecer esta historia por el diseño del Cybertruck, que explicó en Twitter que tuvo algunos aportes sobre el diseño general.

Modo sumergible:

la característica más notable del automóvil, y por la que se recuerda mejor, fue su capacidad para transformarse en un sumergible para dos personas. El automóvil submarino fue representado por una combinación de una carrocería Esprit vacía con dos buzos adentro y miniaturas a escala.

Misiles tierra-aire:

mientras está bajo el agua, el Esprit podía emplear misiles tierra-aire para hacer frente a los aviones enemigos en el aire. Se desconoce si también se pudieron utilizar mientras el vehículo estaba en tierra. Bond disparó un SAM al piloto del helicóptero para “decirle adiós a un invitado no invitado”.

Torpedos:

el automóvil podía disparar torpedos pequeños y altamente explosivos desde una matriz abatible ubicada entre los faros del automóvil.

El Lotus Esprit costó USD$100,000 y se transformó en seis semanas a partir de un modelo estándar. Rociador de chorro de cemento:

ocultas detrás de la placa de la matrícula trasera hay cuatro boquillas, dos de las cuales rocían cemento para cegar a los perseguidores. El efecto se logró utilizando avena gris.

Minas:

otra arma exclusivamente submarina, las minas de contacto podían liberarse desde un pequeño puerto debajo del automóvil.

Tinte negro resbaladizo: comparable a los chorros de cemento que

Fotos: Fuente externa

podía usar en tierra, el Esprit era capaz de dispensar un tinte negro similar a un pulpo.

FUENTES: IMDB/Grand Tournation Boss Hunting/James Bond Fandom. DICIEMBRE - ENERO

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Pen 15 Nunca había disfrutado una serie que en tan solo 7 episodios desarrollara tanto sus personajes secundarios y cubriese tantos temas de una forma elegante, divertida, sarcástica, incluyente, híperviolenta. Debe ser la serie de teens mas buena de la historia.

Harley Quinn (La serie animada) Nadie pensó que las aventuras de la ex del guasón, iban a ser tan divertida, sarcástica, incluyente, hiperviolenta y con sensibilidades tan a flor de piel.

The Good Fight Hay que decir que esta serie no es para todo el mundo, pero nadie puede negar lo bien escrita, actuada y producida que está. En sus 4 temporadas no ha sido capaz de dar un episodio que no sea simplemente brillante.

Ted Lasso Esta es la serie que todos necesitamos, ligera y profunda, con gran corazón, súper divertida. Narra las aventuras de un coach americano dirigiendo una liga de fútbol en Inglaterra. Nunca pensé que una serie de deportes fuese tan divertida.

One Night in Miami. En Hollywood es común que el primer esfuerzo de los actores que deciden dirigir sea digno de admirar. En este thriller que se toma su tiempo, Regina King, nos presenta 4 estrellas que se encuentran en la pelea de Cassius Clay del 1964.

The First Cow. Obviamente el título no es nada apetecible, y la historia algo trillada (La fiebre del oro) que pudiese parecer superflua, pero en su corazón late una historia digna de verse.

CINE

His House. Llena de sustos y sobresaltos en cada uno de los pasillos y habitaciones de la casa, en el fondo es una mirada terrorífica de los inmigrantes y un magnífico debut de Remi Weeks.

Ma Rainey’s Black Bottom. Celuloide basado en 2 poderosas actuaciones que honran la leyenda del blues. Nos hace reflexionar en la pérdida del gran Chadwick Boseman y lo maravillosa que es Viola Davis.

Soul. Parece que Pixar es incapaz de sacar algo malo (no vamos a pelear por The Good Dinosaur). Película que explora el más allá. Es una historia tierna de un jazzista atrapado en el purgatorio, donde la representación de lo que es ser humano emana en cada uno de sus poros.

Nomadland. Si este filme es una indicación de lo que Cloe Zhao va a presentar con The Eternals, será una de las mejores adaptaciones de superhéroes que hayamos visto. Retrato: parte vaquerada, elegía del sueño americano y mucho drama. De una viuda de Nevada quien arma su mundo dentro de su van. Logra imágenes de lo que se siente como una nueva forma de clásico cinematográfico.

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The Crown Nunca se me ocurrió que una serie simplemente excelente sería elevada por dos nuevas adiciones al elenco: Olivia Wilde (Reina Elizabeth II) & Gillian Anderson (Margaret Thatcher). Ambas merecen todos los premios que se puedan dar. Es una serie que uno no puede dejar de quitarle los ojos de encima.

Emily in Paris (una serie para desconectar el cerebro y simplemente disfrutarla.

LO MEJOR DE RD PAPI Por sus propios méritos de tratar de hacer algo diferente y hasta se podría decir atrevido dentro de la oferta local y tratar de empujar los límites. MIS 500 LOCOS Es muy grato ver el desarrollo de lo que entendemos será una de las directoras de mayor empuje en el futuro.

Wonder Woman 1984. Porque en Showbuzz nos late el corazón “nerdo”, WW 84 es el positivismo que todos necesitamos ahora y poder disfrutar visualmente una de las épocas más ridícula y grandiosa a la vez.

Better call Saul Sabemos que la serie es un trago duro de tragar, pero también en ciertas ocasiones es mejor que su predecesora (Breaking Bad). La química entre sus dos protagonistas es innegable y ahora que la saga llega a su final, el acercamiento realístico y pragmático hacia el amor, es cautivante.

Space Force Cuando una serie es tan vacía como la intención de querer que una serie triunfe por las grandes cantidades de dinero que se le paga a sus talentos. Con el gran Steve Carell quien no es capaz de sacar la más leve sonrisa.

Ratched, simplemente porque Sarah Paulson puede elevar cualquier cosa en la que MENCIÓN A LAS MALAS decida estar. Aquí vemos la saga de la enfermera Ratched, uno de los villanos más QUE SON BUENAS queridos del folklore americano (Alguien voló sobre el nido del cuco).

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CINE

LO PEOR

LO PEOR Capone Mejor descrita cuando el ego de un actor, conduce un camión cargado cuesta abajo y sin freno. El acercamiento grotesco de los últimos días de Al Capone, no logra enganchar. Hillbilly Elegy Cuando dos grandes actrices no logran ningún efecto fuera del maquillaje y el vestuario. Glenn Close y Amy Adams, no logran rescatar este guión medio horneado y sin ninguna pasión en pantalla.

En otro año donde parece que musicalmente todavía estamos en los 80. El género de la bachata y el merengue es más de lo mismo. Estos tres artistas por lo menos han agregado un ingrediente diferente al mix. •THE ACADEMY: The Academy Album •NATI NATACHA: Naughty Nat •RUEDA REMIX: REMIX: Chimbala

MÚSICA

Por Luigi Puello

I may Destroy You Su protagonista (Michaela Coel) canaliza su propia experiencia de abuso en una serie que es parte noir, sátira de los millennials y políticas de género e inquisición. Está tan visceralmente escrita por su protagonista, que simplemente es increíble.

SHOW

LO MEJOR (& PEOR)

TEATRO VIRTUAL DOMINICANO: Conciertos de Toque Profundo. Porque se adentraron en la nueva plataforma pandémica con una calidad inigualable. OZUNA NIBIRU en el Estadio Olímpico. Porque fue la última experiencia musical de un show multitudinario con calidad.

MÚSICA

¡Hay que decirlo! Cada vez que leemos una lista de lo mejor y peor, podemos estar en acuerdo o desacuerdo infinito, lo importante es que el criterio de cohesión, innovación o impacto permee en cada uno de los puestos de la lista. No basta con la popularidad, tenemos que observar cómo este álbum cala o impacta a su alrededor; cómo la covid-19 modeló e inspiró varias de estas obras. Y aquí en Showbuzz nos hemos atrevido a poner un granito de arena al escoger según nuestro criterio los mejores álbumes del 2020.

BTS: Be A principios de año, quien me hubiese hablado de que oiría tan solo una canción del grupo coreano, lo hubiese mandado a freir ‘Tusa’. Pero en esta mini colección de canciones que muestran el talento de cada uno de sus componentes, así como la gran maquinaria detrás de estos artistas, merecen al menos una escucha antes de desecharlos completamente.

Harry Styles: Fine Line Muchos podrán opinar que es un gran esfuerzo, pero no una representación de la excelencia. Pero hoy un artista es más que aquello que logra un álbum. Harry ha demostrado esto con creces, influyendo en casi todo lo que se propone e irradiando una alegría plena. Este álbum te engancha desde la primera nota y no te suelta hasta la última.

Dixie Chicks: Gaslighter El nombre de esta producción es una de las palabras que más oiremos en el 2021, es la banda sonora perfecta para chapiadoras, cuerneros, mentirosos, cobardes, tiranos, racistas, homofóbicos y todo aquel tan idiota de montarse en una yola con medias de vestir. Este matrimonio poli amoroso de pop, country, armonías e ira profunda, nos muestra a un grupo musical que a estas alturas no debería sorprender, pero que nos brinda la mezcla perfecta de notas en forma de himnos para exorcizar nuestros demonios personales y colectivos.

Miley Cyrus: Plastic Hearts Producción que rinde homenaje a sus héroes del New Wave. Miley no ha dejado de sorprendernos desde que se soltó del manto de Disney. Pero la mezcla de estilos combinada con su particular voz, hace una experiencia de noche de karaoke con excelentes resultados. Hasta su punta de lanza Midnight Sky la cual fue comparada con The edge of seventeen inspiró un remix con la misma Stevie Nicks que la convierte en un clásico instantáneo.

Paul Mc Cartney: Mc Cartney III El ex Beatle escribió, grabó y produjo el álbum en su finca de Sussex, con equipos “Vintage” incluyendo un bajo de la banda de Elvis Presley, un mellotron (especie de piano polifónico) de Abbey Road y su propia sección de cuerdas. Esta producción es más palpable y digerible que su trabajo anterior y aunque no todo es perfecto a mitad del álbum es cuando este se eleva a la estratosfera, cuando es capaz de conectarse con su ira interna en Slidin. The Kiss of Venus muestra la añoranza de un Yesterday o Blackbird. Sus melodías pegajosas permean el álbum y la sabiduría de alguien que decide mirar hacia adelante sin dejar de reflexionar lo vivido.

SAULT: Untitled Este grupo está liderado por Michael Kiwanuka, misterioso artista británico de origen ugandés quien ha sido comparado con Otis Redding & Bill Withers. Ha logrado en 2020 editar dos producciones tan elegantes, elocuentes y contundentes, que al terminarse te provocan el gusto de darle a “play de nuevo”. Esta mezcla de soul, dub, funk, reggae, trip hop, folk & psychedelic son una verdadera medicina para el alma. Estas producciones resuenan tanto con este momento, que casi pudieran ser el soundtrack del juicio final.

The WEEKND: Blinding Lights Abel Tesfaye, presentó esta producción con dos de los mejores singles del 2020: Heartless & Blinding Light. La primera con su productor de confianza The Metro y la segunda del afamado Max Martin. Basada en el uso de sintetizadores y matices ochenteros, tan pronto la percusión arranca, te engancha y no te deja escapar. Álbum de disfrute pleno y éxtasis auditivo. Lo que no logramos entender es el afán de aparecer ‘abimbao’ en todas sus presentaciones. Debemos señalar que siendo el 5to. artista más oído en 2020 en Spotify, ve el futuro de la música latina al querer cantar con Maluma y remezclar con Rosalía.

Bob Dylan: Rough and Rowdy Ways Siendo honesto, este álbum debió haber estado más alto en la lista, Dylan entrega una visión tan visceral como una escena de crimen de masas, con una voz con matices de espaldas encorvadas, sangrientas y vengativas. Canciones como I contain Multitudes entregan escalas de blues, que reconectan con el porqué es una de las más grandes voces para canalizar la atmósfera de una tarde de verano lluviosa en medio de una pandemia.

21 Savage & Metro Boomin: Savage Mode 2 Quien siga menospreciando el trap y el reggaeton se llevará una difícil sorpresa en los próximos años, insistimos en repetir los patrones de nuestros padres quienes se quejaron de Elvis, los Beatles, los Rolling Stones y el heavy metal. Pero la memoria es efímera. Este álbum está cargado de futuro y de beats sacados del medio de los 90 que no suenan nada obsoletos sino más bien avanzados. 4 años después de su debut, sacan esta excelente colección de temas con líricas bastante superadas.

Bruce Springsteen: Letters to You Este álbum del Jefe con su legendaria banda The E Street Band, lo devuelve a su forma más pura e infecciosa, esa del Springteen relevante de la década de los 70 sin que por ello suene como un puro acto nostálgico.

Jessie Ware: What’s Your Pleasure? En la casi década de su carrera musical, Jessie se oye más atrevida, sincera y francamente más divertida. Su producción suena como un anfitrión de una soirée en medio de los 70 inspirado por Studio 54, Limelight o una polaroid del propio Warhol. La voz de Jessie es capaz de hilvanar de una manera cautivante los diferentes electro beats del álbum.

Run the Jewels: RTJ 4 En la época del Black Lives Matter, histeria colectiva donde las verdades no son comprobadas más bien asumidas y el fascismo vuelve a estar de moda, este es el colectivo de canciones más chocante y brutal para esta gran comedia humana del momento. Estas piezas musicales son crudas, groseras, graciosas y brutales.

Haim: Haim III Este trío de hermanas ha colectado un compendio de canciones con filos rústicos el cual pega en una feria sureña Americana con altavoces llenos de distorsión. Además alegra cualquier parrillada en un año lleno de incertidumbres y golpes duros. Estas melodías nos llenan de ese escape que todos necesitamos para bailar con los ojos aguados.

Dua Lipa: Future Nostalgia Siempre hemos conversado entre amigos que las cantantes pop del momento (Ariana Grande, Selena Gómez, Halsey) poseen mucho talento, pero esta colección de canciones presentada en el segundo esfuerzo de Dua Lipa, con colaboraciones de Ed Sheeran, Dua Lipa se ancla en líneas de bajo las que torna trascendentales emanando la naturaleza transformativa del romance. La mezcla de pop & disco es visceralmente brillante.

Bad Bunny: El último Tour del mundo En la última canción de su anterior álbum, Benito anunciaba que nos veríamos en 9 meses. Y aquí está con una colección de temas que lo convierten en un intérprete mejor y más grande, el cual la industria no sabe simplemente qué hacer con él. Esta colección de latín traps hará bailar y cantar a todo el mundo, inclusive a los que no hablen español.

Bad Bunny: YHLQMDLG A principios de año alguien cantaba una canción, y yo le dije: ‘¿Qué haces cantando a Bad Bunny?’, me contestaron: ‘¿Cómo usted sabe que es de Bad Bunny? Mi respuesta es que por la forma peculiar de cantar. Al verme enfrentado a mi verdad, decidí realmente poner atención a esta producción,

la cual está cargada de alertas al clima político social, pero llena de canciones para disfrutar la vida. Bad Bunny hace lo que le da la gana, desafía las normas sociales y crea música para bailar y disfrutar. Quizás por esto es el artista con más streaming en 2020.

Jay Electronica: A Written Testimony Quien fue catalogado como la gran esperanza del rap: Jay Electronica, nos hizo esperar trece años para escuchar su debut, las expectativas eran altas, pero fueron cumplidas con piezas de añoranzas filosóficas y virtudes espirituales que el artista ha cultivado por largos años.

Perfume Genius: Set My Heart Immediately El líder Mike Andreas, siempre ha tenido como tema central la fragilidad de nuestros cuerpos. En su colección anterior exploraba la muerte: no como el final de un camino, sino como la liberación de la fragilidad corporal. Antes de embarcarse en este nuevo proyecto, estudió danza moderna para poder escapar de la frontera que divide nuestros hemisferios cerebrales. Quien haya decidido que el rock indie debe sonar modesto y pequeño, debe oír este álbum para cambiar de opinión. Perfume Genius camina entre el pop sinfónico, guitarras distorsionadas, baladas barrocas y rococó y del boogie al más clásico R & B.

Fiona Apple: Fetch the Bolt Cutters El primer álbum de Fiona en 8 años sigue enseñando que es una voz que no se piensa callar, desplegando una increíble intimidad parecida a una erupción volcánica. La sección rítmica es placentera, contra intuitiva e inusual. En el tema que le da título al álbum, podemos escuchar una sinfonía de enseres de cocina, un perro aullar y un gato ulular. Fiona no deja de sorprender y de innovar en una carrera de ¼ de década con tan solo 5 joyas musicales.

Taylor Swift: Folklore Folklore es el álbum perfecto para canalizar todas las emociones generadas por la dificultad de respirar con mascarilla, los sentimientos de vacío y soledad de la pandemia y la ansiedad creada por no poder controlar el entorno. En esta producción la compositora rompe todas sus anteriores normas de himnos de estadios, para brindarnos una mirada a mujeres estoicas (The last great american dynasty, probablemente una de sus mejores canciones); tríos juveniles mirado en diferentes épocas (Cardigan, Betty & August); historia revisada de héroes de guerra comparados a lo que enfrenta el personal de salud hoy en día (Hoax) y hasta sentimientos de traición y abandono sobre el tapete por parte de su antiguo colaborador (My tears Ricochet). Folklore es el álbum que todos necesitábamos y no sabíamos.

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Por Luigi Puello

LA GUERRA DE LOS O.T.T. Netflix tiene una base de suscripción instalada en el mundo entero de 192.5 millones de suscriptores que, pagando 11 dólares de promedio, quiere decir que ingresan un aproximado de 127 mil 50 millones de pesos mensuales sin prácticamente ningún intermediario. Gracias a sus series más famosas: Stranger Things, The Witcher & La Casa de Papel; así como el incursionar en las películas tipo blockbuster de manera exclusiva en la plataforma: Extraction (Chris Hemsworth con 99 millones de espectadores); Bird box (Sandra Bullock con 89 millones de espectadores) Spencer Confidential (Mark Wahlberg con 85 millones de espectadores) la convierten en el estándar dorado de la industria. Es por esto que otras compañías han decidido montarse en el barco y en los últimos 9 meses 4 servicios han entrado al mercado:

Disney + Lanzado el 12 de noviembre de 2019, en tan solo 9 meses y sin un despliegue total en el mundo (se espera en Latinoamérica a finales de 2022) ya supera los 60 millones de suscriptores. Parte del éxito se le atribuye a contar con la distribución de las películas MARVEL, así como la bóveda de clásicos animados de Disney. Pero su diamante de la corona es la serie The Mandalorian, la cual gracias al personaje del baby yoda y una actuación estelar de Pedro Pascal, cada capítulo de la primera temporada fue visto por aproximadamente 60 millones de personas y que, al sumar las descargas a nivel mundial, fue admirada 55 veces más que la serie número uno en TV libre de la misma semana, en su semana de estreno. Otras series del servicio son: Star Wars: The clone wars (28 millones

Una de las desventajas de ir adquiriendo experiencia con el paso de los años (volverse viejo) es que uno deja de reconocer el lingo moderno de las palabras y empieza a quejarse de lo mismo que nuestros padres. A cada momento me encuentro artículos que usan números en palabras en vez de letras o simplemente siglas para mostrar acciones completas o sentimientos (bff, lol, tbd…etc. Estoy seguro también que estos están pasados de moda). Y es aquí donde al fin decidí investigar qué eran estas siglas que, como amante de la TV escucho cada día más… OTT Empecemos con las siglas en el título de este escrito: OTT que cual significan: over the top y se refiere al contenido de cine y televisión que es provisto vía conexión de internet, en vez de cable o satélite. Se espera que esta industria para finales del 2020 esté generando ingresos en U.S.A. (esta sigla sí me la sé) por valor de 300 mil millones de pesos que, aunque cueste admitirlo, una gran tajada pertenece a la industria del porno. La industria OTT se divide en 3 modelos básicos: TVOD (transactional video on demand), demand), aquí tenemos los famosos modelos de PAY PER VIEW, donde por cada contenido que queramos ver tendremos que pagar una tarifa. Los AVOD (advertising based video on demand), demand), son aquellos que para acceder al contenido hay que ver comerciales, como es el caso de YouTube o uno de los modelos de negocios de HULU+. Por último SVOD (subscription video on demand), demand), que son los modelos más utilizados en el momento (NETFLIX, DISNEY+, CBS ALL ACCESS, PEACOCK & HBO MAX)

de espectadores); la serie de High School musical (10 millones) y Marvel: what if (8 millones). Apple TV+ Lanzada el 1 de noviembre de 2019, alcanza ya 33 millones de suscripciones. Pero muchos consideran estas suscripciones no reales, debido a que se hizo una oferta por 1 año de suscripción gratuita con la compra de cualquier dispositivo Apple, ya que, aunque es uno de los servicios más baratos (USD$ 4.99) es criticada por su escaso contenido, sus 4 series de estreno de canal alcanzaron un promedio de 14.7 millones de espectadores (See, The morning show, Dickinson y For all mankind). HBO MAX Lanzada el 27 de mayo de 2020 en tan solo 1 mes alcanzó 10 millones de sus-

cripciones, siendo el servicio de SVOD más caro (USD $14.95), ya se ha convertido en una leyenda por acceder a terminar la visión de Zack Snyder de La liga de la justicia, estreno que se espera para el 1er aniversario del servicio. Actualmente es la casa del contenido de WARNER (Harry Potter, DC Universe, la serie Friends, Big bang theory y la serie animada más divertida que recuerdo haber visto: Harley quinn). El contenido más buscado por sus suscriptores son los dibujos animados de LOONEY TUNES (20 millones de espectadores) y la serie Love life. PEACOCK Lanzada el 15 de julio de 2020, con una oferta introductoria gratuita, ya alcanza más de 15 millones de suscripciones, gracias a sus series exclusivas: Brave new world y Curious George.

CBS ALL ACCESS Este servicio al igual que HULU+ y ESPN, ofrece la modalidad de: AVOD & SVOD, donde la primera cuesta USD $5.99 y la segunda USD $9.99. Actualmente es la casa para el contenido de Star Trek (Viaje a las estrellas), donde tienen 4 series basada en este clásico: ST: Discovery, ST: Picard (un regreso a la serie The Next Generation), ST: Strange New Worlds (con el primer capitán del Enterprise (Pike) al mando) y ST: Lower decks (serie animada de los tripulantes que hacen el trabajo arduo y que esperan llegar algún día a un puesto de comando). También cuenta con más de 3,500 horas de series de TV y la increíble The Good Fight.

Existen más productos como Amazon Prime, ESPN y DC Channel, los cuales ofrecen más contenido, así que como diría Missy Misdemeanor Elliot: “Get your freak on” y decide a cuál de estos te vas a suscribir, cuando estén disponibles en Latinoamérica. Si no paga un servicio de VPN (virtual (virtual private network), network), para que puedas acceder a este mundo de maravilloso contenido.

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DEDICADO A LOS: “MORNING LOVERS” Por Karina Ciprián

LAS TENDENCIAS MUNDIALES PARA 2021

EL + VISTO Netflix llega a 195.1 millones de suscriptores en el mundo, el gigante del streaming ha visto sus números crecer principalmente en el mercado del medio oriente y Asia. El dinerito que recauda mensualmente (multipliquen por USD $8.95) y su estrategia de producciones locales en sus mercados más grandes, lo ha posicionado como el canal más visto en el mundo.

2021: EL AÑO DEL BUEY DE METAL Es el segundo animal del horóscopo chino y su energía pertenece al yang. Los nacidos en este periodo que inicia con el calendario lunar el 12 de febrero del 2021, son conocidos por su naturaleza honesta, ser diligentes, fuertes y determinados. Por lo general no les gusta que los adulen. Como 2021 pertenece al 201, este aboga por la integración familiar y la mirada hacia el interior, fortaleciéndonos desde adentro y no de las apariencias. Famosos bueyes • Barack Obama, 1961: buey de metal • Vincent Van Gogh, 1889: buey de tierra • Walt Disney, 1901: buey de oro • Margaret Thatcher, 1925: buey de madera

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Crecimiento de las economías: se estima un crecimiento de un 4%.

Los que tenían esperanza en que la virtualidad fuese la norma, 2021 dicta la tendencia hacia los viajes y las juntaderas. Mientras todo cambia, el ser humano insiste en quedarse igual.

Las compañías tipo unicornio (compañías privadas que cotizan en la bolsa de valores a partir de 1 billón de dólares o más) entrarán en peligro de extinción. Piensen en QUIBI.

La política de izquierdas verá crecer sus números, debido a las dificultades financieras a las que fuimos sometidos en 2019.

5 QUÉ ESPERAR EN EL AÑO 2 DE LA PANDEMIA Según la revista The Economist, 2020 fue un año de aplastar la curva y detener el virus, el 21 por el contrario es el año donde aprenderemos a convivir con el virus y a manejar mejor el stress. Esto lo lograremos con la salida de las vacunas, pruebas rápidas más eficientes, la experiencia generada por el personal médico, el cual ha generado conocimientos para combatir el virus. Eso sí, el uso de mascarilla, el distanciamiento social y el uso de desinfectantes, continuarán en boga en el 2021. También se espera la apertura de más localidades destinadas a la venta de artículos novedosos para combatir el virus.

Y, por último, tenemos que ahorrar, ya que el paro de la economía creará una inflación palpable en 2021.

Y para que todo no se vea tan gris e irradiando positividad bajo el lema de: es mejor estar preparados, les dejo con esta frase de uno de mis escritores infantiles más querido, Dr. Seuss: “Puedes tomar tus propias decisiones, todo es posible. Si tienes los pies en tus zapatos, puedes conducirte a cualquier parte”. xoxox

Be positive + Be joyous

“Aunque nadie puede volver atrás y hacer un nuevo comienzo, cualquiera puede comenzar a partir de ahora y hacer un nuevo final”

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Por Fabiana d’ Agostino Fotos: Fuente externa

ADIÓS A LA PAZ En la noche del 30 de enero de 1948 1948,, Mahatma Gandhi salió de la residencia donde se alojaba en Delhi y caminó hacia el jardín, mientras el líder de 78 años subía hacia la plataforma para orar, un hombre empujó a su sobrina Manu, sacó una pistola y disparó tres veces al frágil anciano en el pecho y abdomen. Gandhi cayó, invocó el nombre de una deidad hindú y murió.

NO OLVIDAR Al Qaeda, multinacional del terror, es juzgada el 15 de febrero de 2007 por la Audiencia Nacional española para determinar su implicación en los atentados perpetrados contra los trenes de cercanías de Madrid, aquel imborrable 11 de marzo de 2004. Murieron 191 personas y 1,824 sufrieron heridas de distinta consideración. El atentado fue el más grave jamás cometido en territorio europeo.

S.O.S El petrolero Exxon Valdez que se dirigía a Alaska desde Los Angeles, encalló contra el arrecife de la isla de Bligh en Alaska. Imágenes de la costa abundantemente impregnada de petróleo y de animales muriendo dieron la vuelta al mundo y dejaron al público atónito. Ese 24 de marzo de 1989 1989,, más de 1,200 millas de costa fueron afectadas y los efectos del crudo de petróleo fueron devastadores para el medio ambiente.

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AHORA, UNA SERIE El accidente de la central nuclear rusa de Chernóbil ocurrió el 26 de abril de 1986 1986.. Fue el desastre nuclear más grande en la historia de la humanidad. El reactor no tenía actualizado el sistema de seguridad, su nivel de automatización era bajo y se estaba llevando a cabo un experimento.

LOS 50 DE MICHAEL La ceremonia de conmemoración de Michael Jackson, quien murió inesperadamente a los 50 ańos de edad, fue la despedida más grandiosa nunca vista en el mundo. Con una estimación de mil millones de telespectadores, la conmemoración del “Rey del Pop” fue la retransmisión en vivo más vista en la historia. Más de diecisiete mil afortunados obtuvieron entradas para este espectáculo que se celebró en el Staples Center en Los Ángeles, el 7 de julio de 2009 2009..

SIN MIEDO A LAS ALTURAS Felix Baumgartner es un exmilitar, paracaidista y saltador BASE austríaco. Es conocido por la particular peligrosidad de las maniobras que ha realizado durante su carrera. El 14 de octubre de 2012 batió tres récords históricos al lanzarse en caída libre desde los 38.969,3 metros de altura, después de haber ascendido en globo tripulado a la estratosfera, alcanzando una velocidad máxima de 1357,64 km/h.

MARILYN ETERNA Vestida con un traje de noche resplandeciente, Marilyn Monroe cantó con una voz seductora la famosa Happy Birthday, Birthday, Mr. President para el entonces presidente de los Estados Unidos John F. Kennedy. Fue el 19 de mayo de 1962 1962.. La interpretación susurrante de Marilyn se convirtió en su actuación más memorable y, trágicamente, en su última aparición en público, ya que murió tan solo tres meses más tarde.

LA LETRA DE LA DISCORDIA El himno nacional de la República Dominicana se interpretó por primera vez el 17 de agosto de 1883 1883.. La partitura musical fue creada por el maestro José Reyes en 1883, quien le pidió a Emilio Prud’Homme que escribiera unos versos patrióticos que acompañaran sus compases. La música tuvo un éxito instantáneo, con la letra no sucedió lo mismo porque contenía errores en referencias históricas y algunos defectos de métrica. En 1897, Emilio presentó de forma pública una versión corregida de sus letras originales, que terminó con los debates y fue aceptada por todos. Es la letra actual del himno.

GRACIAS LAIKA El 3 de noviembre de 1957 la Unión Soviética mandó a la perra Laika a bordo del Sputnik 2 en un viaje del que se sabía que no volvería viva. Ella fue el primer ser vivo en órbita y su viaje marcó un antes y un después en la carrera espacial entre la URSS y Estados Unidos, la gran protagonista de la Guerra Fría. La misión de la cosmonauta canina Laika era realizar un viaje espacial para probar la seguridad de estos viajes al espacio exterior para humanos.

INVENCIBLE Rocky Marciano sigue siendo el único campeón de los pesos pesados de la historia del boxeo que se retira sin ser vencido. El boxeador ítaloamericano mantuvo su título desde 1952 hasta 1956, ganó 49 peleas consecutivas, 43 de las cuales dejó a sus contendientes K.O. Su última pelea la disputó el 22 de septiembre de 1955 a sus 32 años.

TRAS HUSSEIN Después de que los Estados Unidos invadieron Irak, se produjo una de las persecuciones más intensas de la historia. Los soldados americanos, siguiendo las pistas facilitadas por un miembro de la gran familia del depuesto presidente de Irak, Saddam Hussein, lo encontraron el 13 de diciembre de 2003 escondido en un pequeño agujero subterráneo. En noviembre de 2006, Hussein fue declarado culpable de crímenes de guerra contra la humanidad y sentenciado a muerte en la horca.

LA PELVIS DE ELVIS Milton Berle Show contrató para aparecer por segunda vez en su programa al Rey del rock and roll, Elvis Presley, el 5 de junio de 1965 1965,, causando un escándalo nacional. Para que el público pudiera verle, Berle lo convenció para que actuara sin su guitarra y, una vez sobre el escenario, el cantante realizó una actuación sensual de su canción Hound Dog, Dog, volviendo loca a la audiencia femenina con sus famosos movimientos de caderas. Tras publicar críticas pésimas y para irritación del cantante, el público comenzó a darle el sobrenombre de “Elvis the Pelvis”.

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¿POR QUÉ ES IMPORTANTE LEER?

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Que en los albores del 2021 haga esta pregunta debería hacernos pensar. Los estímulos audiovisuales están a la orden del día. El confinamiento ha disparado hasta límites insospechados el tiempo que pasamos frente a una pantalla. Nuestro cerebro codifica imágenes y sonido y le estamos acostumbrando a ese tipo de aprendizaje que nos lleva a desarrollar una serie de habilidades, pero nos está atrofiando otras. Las personas estamos pensando en imágenes y eso nos condiciona nuestra capacidad de entendimiento. Leer es importante, pero más aún es desarrollar la comprensión lectora. Entender lo que estamos leyendo. Siempre que algún estudiante me pregunta cuál es mi secreto para escribir, les contesto lo mismo: leer. De esa forma es que aprendes a no tener faltas de ortografía pero, sobre todo, a redactar con sentido, enlazar ideas y construir conceptos. Y, además, aprendes a ser análitico, a pedir a tu cerebro que sea capaz de entender lo que está leyendo, destriparlo, compararlo, buscar un por qué de las cosas, razonarlo y, definitivamente, descubrir tu propio pensamiento sobre toda esa información que te llegue por cualquier vía. No satanizo lo audiovisual, para nada. Es importante porque potencia otras habilidades que son complementarias, no excluyentes. Pero el abuso es malo. Y si a eso unimos el que las redes sociales se han convertido en el medio de comunicación más importante entre seres humanos, llegamos a que no importa distorsionar el mensaje, da igual si te inventas palabras, si las acortas, si lo que dices está mal armado. Todo se aguanta. Las nuevas generaciones son incapaces de entender lo que están leyendo. Su cerebro salta de una frase a otra sin asumir lo que le llega, muchas veces hasta terminando lo que lee para ir más rápido. Y lo digo con conocimiento de causa porque lo veo cada día. Cuando la base del aprendizaje no se instala, todo lo que venga después no se sostiene. Y cuando hablo de leer, no es hacerlo para salir del paso. Es tomarse el tiempo de asimilarlo y permitir que se desarrollen las diferentes conexiones cerebrales que ayudan a analizar, reflexionar, comprender. Todo esto lo aplicaremos al resto de cosas en nuestra vida. Cuando se nos plantee un problema en el trabajo, si no somos capaces de entenderlo, ¿cómo vamos a solucionarlo? Recuerdo mi infancia de devora libros, todo lo que caía en mis manos era un regalo para mí. He leido desde la novela rosa más sencilla a ensayos profundos que me ha costado digerir. Hoy, soy consumidora audiovisual como el resto del planeta, pero sigo leyendo, escribiendo con lapiz mis ideas principales, tratando de armar todo bien antes de cualquier acción. Escribo esto porque alguien me dijo recientemente, por qué una revista que tenga contenido tan largo, hoy muy poca gente lee. Y me niego a sumarme a esa afirmación. Hay mucha gente que lee, que le gusta tener en sus manos un libro, una revista, una guía y leerlo con calma. Qué decir de la nueva generación de periodistas, si quieren dedicarse a esta maravillosa profesión primero deben partir de lo básico: leer, comprender, escribir. Todo lo demás, todo lo que la tecnología nos regala es un plus. Pero si las raíces no están bien arraigadas se arrastrará siempre una deficiencia y, cuando estén escribiendo en cualquier medio, tendrán errores y se preguntarán qué hago para subsanarlos. Sencillo: leer.

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Ana Blanco Editora

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