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SUMARIO
ROCKAXIS 106 NOVIEMBRE 2011
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R.E.M: sus enseñanzas El anuncio de su separación fue totalmente inesperado. Rockaxis le rinde tributo a una de las bandas más influyentes de los últimos treinta años. Kyuss Lives!: El rock desértico llega a Chile Conversamos en exclusiva con John García sobre la renovada vida que ha tomado Kyuss bajo esta encarnación. Pearl Jam: Monumental cierre de fiesta En el marco de celebración de sus dos décadas, Pearl Jam vuelve a Santiago en un momento incomparable en su carrera, ya establecidos como banda clásica del rock. Los Tetas: Otra vez en la ciudad Cee Funk y Tea Time se abren sobre la reunión de Los Tetas y su anunciado show de regreso agendado para diciembre.
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Especial Maquinaria
Entrevistas con los protagonistas de esta fiesta, Phil Anselmo de Down, William DuVall de Alice in Chains y Les Claypool de Primus, más la ruta recomendada del festival.
12 Backstage: Cartas, Bitácora, Apuntes del mes, Imperdibles, opinión, Casi famosos, Vitrina Rock, Rock Geek. 36 Futura advertencia: Violent Soho 40 Capel Puro Rock: Hijo de Padres Separados, Capitán Calavera 42 Los 90 no empezaron en los 90 72 Diez discos olvidados de los 90 74 Señal establecida: Kasabian, Evanescence, Peter Gabriel 92 Orgullo nacional: Julia Smith, Ramiroquijano, Humana 98 El rock en Chile en los 90 100 Cancionero nacional: Sonidos de una generación 102 Trece videoclips para no olvidar 106 2120: El triste obituario de este 2011 108 Huellas: A diez años de la muerte de George Harrison 113 Reviews: Disco del mes, cdaxis, dvdaxis, reediciones 126 Rock Shop 128 Cineaxis 130 Foto reviews 142 Opinión por Daniel Matamala
BACKSTAGE
Ejercicio de memoria
AL DIRECTOR Lo que se dice en TWITTER
B
ienvenidos otra vez a esta zona de recuerdos, donde sacudimos la memoria emotiva del rock para revivir grandes momentos. El regreso a nuestras tierras de Faith No More es la ocasión perfecta para poner el foco en los californianos encabezados por Mike Patton. El momento que inmortalizamos es el inolvidable viernes 8 de septiembre de 1995, en la segunda jornada del ciclo Monsters Of Rock. El texto elegido es el enviado por José Vásquez, quien nos cuenta su experiencia aquella afiebrada noche. Recibe como premio una entrada a Maquinaria, para volver a disfrutar del poder de Faith No More en vivo. “Recuerdo que fue un día de lluvia, a comienzos de la primavera. Fui con mi mejor amigo Cristian, avanzando a través de una llenísima calle San Diego. En plena ansiedad por entrar, corrió la voz de que se podía entrar por una puerta trasera del teatro Monumental, hoy Caupolicán. Dimos la vuelta y encontramos el ingreso, donde, sorpresa, no había nadie. El pasadizo llevaba directamente a una despoblada galería, donde tratamos de buscar los mejores puestos. Así, fuimos descendiendo por las escaleras para estar más cerca, cuando descubrimos que unos cuantos de los asistentes se colaban desde la parte alta hacia la cancha. El panorama iba mejorando para nosotros, así que, en un acto desafiante hicimos lo mismo: Pero lo mejor estaba por venir, ya que cuando unos pocos ya nos habíamos pasado muchos otros copiaron la idea y fue el principio del caos. No pocos se arrojaron
22III ROCKAXIS
sin una salvaguarda para acolchar la caída. Fueron numerosos los que definitivamente cayeron mal. El bizarro espectáculo amenizó el proceso de entrada, en una retorcida normalidad. Más tarde, con el teatro a plena capacidad, el desorden fue total: un tipo meando a la cancha desde la galería, unos pocos haciendo mosh....otros tirándole lo que se encontraban al meón de la galucha. Con el show de Paradise Lost, el rock and roll concentraba toda la atención de la muchedumbre. Que yo recuerde, de todos los shows que he ido -que son muchos- nunca había escuchado una banda que sonara tan perfecto. El sonido era impecable, del mejor nivel. Con su presentación, empezaron también los primeros “escupitajos”. Sale Faith No More y el Monumental se viene abajo. Euforia, rabia acumulada y muchos tipos pasados en revoluciones. Su presentación fue notable, los hits sonaban a full. Mike Patton era un verdadero energúmeno y el furor se apoderó de miles de almas. Los escupos caían como lluvia en invierno. En un momento, Patton le reclamó al sonidista que su línea no sonaba, tras lo cual le lanzó el micrófono, el que cayó en medio del público. Supongo que se hizo mierda. El aire que se respiraba era cálido, aparecen los desmayos, así que luego el evento era más una batalla por salvarse que ir a escuchar a tu banda favorita. ‘We Care a Lot’ suena potente y estremecedora. Para cuando sonó ‘Epic’ yo ya estaba sin voz tanto gritar. Después de poco más de una hora de actuación, el arrollador final fue con ‘From Out of Nowhere’ Una vez terminado el concierto, necesitábamos imperiosamente hidratarnos para enfrentar lo que se venía: El Príncipe de las Tinieblas, por primera vez en Chile....Ozzy....pero eso ya es otra historia. Gracias a Faith No More esa noche fue inolvidable”.
Lo que se dice en
Señores Rockaxis:
Guns N’ Roses (@gunsnroses)
Un super grande GRACIAS a todos los soldados aquí en el Movistar Arena y en línea. Ustedes son unos verdaderos rockeros! (6 de octubre)
Serj Tankian (@officialserj)
Siendo golpeados por gases lacrimégenos, carros lanza aguas y siendo arrestados por querer más gasto público en la educación y mayor justicia en los subsidios educacionales de privados. (7 de octubre)
Alex Kapranos (@alkapranos)
Todo el mundo merece la mejor educación posible, no importando quiénes son, de dónde son ni su historial (9 de octubre)
Pixies (@pixies)
Hace un año tocamos 33 canciones para los 33 mineros en Santiago, Chile… ¡qué increíble noche! (13 de octubre)
Redes sociales
Rockaxis
@rockaxiscontodo facebook.com/rockaxisonline youtube.com/rockaxistv myspace.com/rockaxis flickr.com/rockaxis
12III ROCKAXIS
Soy un amante del rock, del rock genéricamente hablando, ese que alcanzó su máximo esplendor en los sesenta y que se fue diversificando y siendo engullido por la maquinaria comercial hasta nuestros días. El rock nació libre, sexual y contestatario, fue la contracultura llevada a las masas y su importancia dentro de la historia de la música y del arte en general es innegable. Su tono desafiante y provocador es lo que a muchos nos gusta. Entonces, se supone que los escuchas de esta música son, en mayor o menor medida, rupturistas y librepensadores. Sin embargo, me he decepcionado al entrar al sitio de Rockaxis y leer noticias sobre algún artista, ya que abundan los comentarios de personas que se descalifican los unos a los otros, con una pobreza de lenguaje e insultos que sorprenden. Me he dado el trabajo de contestar algunos de esos mensajes, sin insultos, pero parece una tarea inútil; la gota que rebalsó el vaso y que me inspiró a escribir, fue específicamente una noticia sobre el falso rumor de reunión de Black Sabbath, en que algunos (o alguno, si fue sólo una persona con diferentes cuentas) sin ningún argumento comenzaron a criticar a la banda fundacional del heavy metal, Judas Priest, basándose en el “pecado” de que su vocalista sea gay. ¿Tiene algo que ver eso en su música? ¿Tienen menos méritos entonces, al haber escrito himnos como “Breaking the Law”, “The Ripper” o “Painkiller”? Desconocer su influencia es simplemente ser un ignorante. Las peleas sobre qué banda es mejor son ridículas y absurdas llevadas en esos términos, ambas son increíblemente sólidas. En mi círculo de amistades, conversamos el tema y con molestia concluimos que, al revés de lo que la evolución cultural pareciese indicar, los nuevos escuchas del rock son tan homofóbicos, intransigentes y conservadores como cualquier persona que no entendiese nada del estilo. Sabemos que no es bueno generalizar, pero puntualizo en los comentarios a las notas de Rockaxis. Creo que ello difiere absolutamente del objetivo de la revista y sitio web y del Rock, con sus diferentes variantes, artistas y héroes. Como no nos gusta la censura, al ser el rock intrínsecamente contrario a ella, tampoco queremos que las opiniones y comentarios sean censurados, la opción de cada cual debe ser libremente expresada,
en ese sentido Rockaxis hace muy bien al abrir espacios para que cada cual se manifieste. Por ello, es que utilizo este mismo medio para apuntar a la estrechez de mente e ignorancia, quizá guiada por el fanatismo o la inmadurez, pero igualmente preocupante, no sólo en cuanto a la música, sino que en cualquier aspecto de la vida. Hernán Díaz Valenzuela
Estimados: Soy lector desde el primer número de su revista, de hecho las colecciono junto a otras semejantes con las que fui formando mi autoconcepción del Rock y de todo lo que le rodea. Habitualmente esperaba con ansias (por cliché que parezca) la nueva publicación, las que leía por completo y en muy poco tiempo, pues me parecía un instrumento de conocimiento y profundización muy válido y confiable dentro de las temáticas abordadas. Pero, lamentablemente, desde hace ya un buen tiempo quedo con un sabor muy, muy amargo. Su revista ha pasado a ser un folleto de publicidad de las más diversas tiendas e instituciones. Obviamente, entiendo que la publicidad es la que permite que el gran universo Rockaxis siga adelante y progrese. Sin embargo, lo anterior no sería problema si es que los reportajes no hubiesen sufrido una tan lamentable reducción en extensión y profundidad, siendo el caso más patético el de los discos clave o fundamentales de 1991 en donde el análisis (o como quieran llamarlo) se limitaba a un párrafo de información bastante obvia y se daba lugar a un (también breve) poco afortunado comentario de algún tipo seleccionado, uno vaya a saber por qué. Para mi es una pena, Rockaxis es (era) el principal medio de información para la comunidad rockera, sin embargo, hoy por hoy, y a pesar del bajo costo de su revista, a veces considero que gastar un par de lucas es perder la plata. Ojalá que de algo sirvan mis palabras, pues, insisto, es indudable el rol fundamental que Uds. cumplen como medio de información y de comunidad. Gonzalo Reyes
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Ejercicio de memoria
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ienvenidos otra vez a esta zona de recuerdos, donde sacudimos la memoria emotiva del rock para revivir grandes momentos. El regreso a nuestras tierras de Faith No More es la ocasión perfecta para poner el foco en los californianos encabezados por Mike Patton. El momento que inmortalizamos es el inolvidable viernes 8 de septiembre de 1995, en la segunda jornada del ciclo Monsters Of Rock. El texto elegido es el enviado por José Vásquez, quien nos cuenta su experiencia aquella afiebrada noche. Recibe como premio una entrada a Maquinaria, para volver a disfrutar del poder de Faith No More en vivo. “Recuerdo que fue un día de lluvia, a comienzos de la primavera. Fui con mi mejor amigo Cristian, avanzando a través de una llenísima calle San Diego. En plena ansiedad por entrar, corrió la voz de que se podía entrar por una puerta trasera del teatro Monumental, hoy Caupolicán. Dimos la vuelta y encontramos el ingreso, donde, sorpresa, no había nadie. El pasadizo llevaba directamente a una despoblada galería, donde tratamos de buscar los mejores puestos. Así, fuimos descendiendo por las escaleras para estar más cerca, cuando descubrimos que unos cuantos de los asistentes se colaban desde la parte alta hacia la cancha. El panorama iba mejorando para nosotros, así que, en un acto desafiante hicimos lo mismo: Pero lo mejor estaba por venir, ya que cuando unos pocos ya nos habíamos pasado muchos otros copiaron la idea y fue el principio del caos. No pocos se arrojaron
22III ROCKAXIS
sin una salvaguarda para acolchar la caída. Fueron numerosos los que definitivamente cayeron mal. El bizarro espectáculo amenizó el proceso de entrada, en una retorcida normalidad. Más tarde, con el teatro a plena capacidad, el desorden fue total: un tipo meando a la cancha desde la galería, unos pocos haciendo mosh....otros tirándole lo que se encontraban al meón de la galucha. Con el show de Paradise Lost, el rock and roll concentraba toda la atención de la muchedumbre. Que yo recuerde, de todos los shows que he ido -que son muchos- nunca había escuchado una banda que sonara tan perfecto. El sonido era impecable, del mejor nivel. Con su presentación, empezaron también los primeros “escupitajos”. Sale Faith No More y el Monumental se viene abajo. Euforia, rabia acumulada y muchos tipos pasados en revoluciones. Su presentación fue notable, los hits sonaban a full. Mike Patton era un verdadero energúmeno y el furor se apoderó de miles de almas. Los escupos caían como lluvia en invierno. En un momento, Patton le reclamó al sonidista que su línea no sonaba, tras lo cual le lanzó el micrófono, el que cayó en medio del público. Supongo que se hizo mierda. El aire que se respiraba era cálido, aparecen los desmayos, así que luego el evento era más una batalla por salvarse que ir a escuchar a tu banda favorita. ‘We Care a Lot’ suena potente y estremecedora. Para cuando sonó ‘Epic’ yo ya estaba sin voz tanto gritar. Después de poco más de una hora de actuación, el arrollador final fue con ‘From Out of Nowhere’ Una vez terminado el concierto, necesitábamos imperiosamente hidratarnos para enfrentar lo que se venía: El Príncipe de las Tinieblas, por primera vez en Chile....Ozzy....pero eso ya es otra historia. Gracias a Faith No More esa noche fue inolvidable”.
BITÁCORA BACKSTAGE
El largo camino de Rockaxis a la cima del rock and roll
La verdadera maquinaria del rock
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i historia con Rockaxis se remonta mucho antes de su creación en el 2000, por lo menos el vínculo nace en la época de la Radio Concierto (Rock y Guitarras). Me acuerdo que por 1999 Cote Hurtado tenía en mente hacer un proyecto multimedia, muy parecido a lo que era en ese entonces la KNAC, con radio online, información fresca del mundo del rock, aunque también habían proyectos radiales para seguir la senda de la extinta Concierto. Pero, ¿qué habría pasado si algún conglomerado comunicacional hubiese aceptado este proyecto Rock and Roll en FM? Lo más probable es que Rockaxis no existiría, lo que hace pensar que nacimos por una necesidad ya creada, era el sí o sí del rock. El equipo era de temer, partiendo por Cote Hurtado y Alfredo Lewin como las grandes cabezas junto al apoyo comercial de Jaime Solar. Cote sugirió los nombres de Héctor Aravena y el mío; así que en una oficina en el Bosque Norte, comenzó este buque medio cojo con Alfredo, Jaime, Cote, Héctor y yo. Al corto tiempo se sumó Rodrigo Améstica, un personaje que venía a ordenar el cuento administrativo y que sin ser tan rockero, tenía toda la actitud que necesitábamos para cuajar un buen equipo. Luego vino llegada de Keko, quien pronto trajo a uno de los grandes valores que ha tenido Rockaxis en sus filas como Rodrigo Carvajal y posteriormente Jorge Rojas, que con su aporte humorístico nos alivianaba las tardes. De cualquier forma, el buque ya estaba navegando
hace rato y no había vuelta atrás. Nos unía un gran compañerismo, había una mística tremenda, siempre uno se preguntaba hasta cuándo podría durar y que no se rompiera. Cote y Alfredo no eran nuestros jefes, eran nuestros compadres y eso ayudaba mucho en la confianza de sentirse parte verdaderamente de un proyecto musical, a veces habían diferencias, como en todos lados, pero el objetivo era común: Sacar adelante un portal rockero en Chile, tarea muy difícil si consideramos
14III ROCKAXIS
que el rock jamás ha sido de consumo masivo en nuestro país, todo era cerrado para ciertos sectores de la juventud en ese entonces. Mi pega en Rockaxis partió comentando discos y haciendo biografías, tenía mi propio background de casi 10 años con los fanzines metaleros Necroanarchy y Void, luego se sumó el trabajo más técnico de webmaster y diseñador multimedia de los banners y elementos gráficos del sitio. Se vino el debacle financiero y nos quedamos sin sueldo, sin oficina y hasta sin computador, pero la mística era más fuerte y de alguna forma todos quisimos seguir adelante, porque Rockaxis ya era parte de nuestro ADN. A mediados de década se vino una nueva camada de gente, reestructuración y la maquinaria que en un principio casi se mantenía a pulso y muchas veces improvisando, ahora empezaba a moverse sola sin necesitar inyecciones externas para mantenerlo. Rockaxis tenía un nombre, en el fondo nunca supe cuando agarramos ese “respeto” dentro de la gente y los medios, pero el trabajo de posicionamiento estaba hecho. Éramos ya un referente construido por todos los que estaban ahí. Hoy en día Rockaxis avanza a paso firme, mucha gente hace posible que tengamos revista digital e impresa, sitio actualizado, multimedia con programas de TV, radio online, era la idea, era el sueño “americano” de Cote y Alfredo. Hoy en día el rock en Chile tiene su espacio y no es tan mal visto como hace once o doce años, existen otros sitios, pero Rockaxis estuvo ahí y esta década no ha sido gratuita. Es por eso que… For those about to rock… we salute you… Claudio Torres
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ienvenidos otra vez a esta zona de recuerdos, donde sacudimos la memoria emotiva del rock para revivir grandes momentos. El regreso a nuestras tierras de Faith No More es la ocasión perfecta para poner el foco en los californianos encabezados por Mike Patton. El momento que inmortalizamos es el inolvidable viernes 8 de septiembre de 1995, en la segunda jornada del ciclo Monsters Of Rock. El texto elegido es el enviado por José Vásquez, quien nos cuenta su experiencia aquella afiebrada noche. Recibe como premio una entrada a Maquinaria, para volver a disfrutar del poder de Faith No More en vivo. “Recuerdo que fue un día de lluvia, a comienzos de la primavera. Fui con mi mejor amigo Cristian, avanzando a través de una llenísima calle San Diego. En plena ansiedad por entrar, corrió la voz de que se podía entrar por una puerta trasera del teatro Monumental, hoy Caupolicán. Dimos la vuelta y encontramos el ingreso, donde, sorpresa, no había nadie. El pasadizo llevaba directamente a una despoblada galería, donde tratamos de buscar los mejores puestos. Así, fuimos descendiendo por las escaleras para estar más cerca, cuando descubrimos que unos cuantos de los asistentes se colaban desde la parte alta hacia la cancha. El panorama iba mejorando para nosotros, así que, en un acto desafiante hicimos lo mismo: Pero lo mejor estaba por venir, ya que cuando unos pocos ya nos habíamos pasado muchos otros copiaron la idea y fue el principio del caos. No pocos se arrojaron
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sin una salvaguarda para acolchar la caída. Fueron numerosos los que definitivamente cayeron mal. El bizarro espectáculo amenizó el proceso de entrada, en una retorcida normalidad. Más tarde, con el teatro a plena capacidad, el desorden fue total: un tipo meando a la cancha desde la galería, unos pocos haciendo mosh....otros tirándole lo que se encontraban al meón de la galucha. Con el show de Paradise Lost, el rock and roll concentraba toda la atención de la muchedumbre. Que yo recuerde, de todos los shows que he ido -que son muchos- nunca había escuchado una banda que sonara tan perfecto. El sonido era impecable, del mejor nivel. Con su presentación, empezaron también los primeros “escupitajos”. Sale Faith No More y el Monumental se viene abajo. Euforia, rabia acumulada y muchos tipos pasados en revoluciones. Su presentación fue notable, los hits sonaban a full. Mike Patton era un verdadero energúmeno y el furor se apoderó de miles de almas. Los escupos caían como lluvia en invierno. En un momento, Patton le reclamó al sonidista que su línea no sonaba, tras lo cual le lanzó el micrófono, el que cayó en medio del público. Supongo que se hizo mierda. El aire que se respiraba era cálido, aparecen los desmayos, así que luego el evento era más una batalla por salvarse que ir a escuchar a tu banda favorita. ‘We Care a Lot’ suena potente y estremecedora. Para cuando sonó ‘Epic’ yo ya estaba sin voz tanto gritar. Después de poco más de una hora de actuación, el arrollador final fue con ‘From Out of Nowhere’ Una vez terminado el concierto, necesitábamos imperiosamente hidratarnos para enfrentar lo que se venía: El Príncipe de las Tinieblas, por primera vez en Chile....Ozzy....pero eso ya es otra historia. Gracias a Faith No More esa noche fue inolvidable”.
OPINIÓN BACKSTAGE
Culto a la diversidad
L
a teoría dice que esto se cocinó en el dial universitario de los ochenta, que fue “Nevermind” (1991) el disco del recambio y que todo pasó tan rápido que, ya en 1998, quedaba poco y nada de una “escena alternativa” que había explotado con suficiente fuerza como para desplazar a Michael Jackson y a los ídolos del “hair metal” del mapa. Pero más allá del enciclopedismo y las tesis formales sobre lo que pasó con la música popular durante los noventa, el rasgo más distintivo y reconocible para el auditor promedio es el que tiene que ver con el sentido de la diversidad que marcó a los mejores trabajos publicados durante esa década. Si los noventa son recordados hoy con más argumentos que la pura nostalgia (como pasa con el agotador revival del pop ochentero), se debe precisamente a la amplitud de géneros y estilos que surgieron en esos años a través de etiquetas como el “grunge”, “brit pop”, “trip hop” y la masificación definitiva de la electrónica y el dance. Una tendencia a la variedad sólo comparable a la que presenció el mundo hacia fines de los sesenta (desde la canción de protesta hasta el nacimiento del rock pesado) y que, particularmente en el caso de la escena cultivada en Seattle, trazó el rumbo de algunos de sus héroes como Pearl Jam, repasando a The Doors y Neil Young, y Soundgarden, remedando las fórmulas de Led Zeppelin. El caso del “grunge” es un buen ejemplo de la mencionada diversidad. Tanto así que hasta la etiqueta acunada por un reportero
18III ROCKAXIS
Por Mauricio Jürgensen
de la desaparecida revista británica “Melody Maker” (que en 1990 intentó definir el sonido crudo de algunas de las bandas embrionarias del movimiento), suena forzada para retratar a un conjunto de bandas tan distintas entre sí como las del Noroeste gringo. Basta con echar un rápido vistazo al repertorio de Alice in Chains, Mudhoney y Nirvana, por nombrar algunos, para concluir que más allá del vecindario y cierta afición por las drogas duras, no era mucho lo que estos músicos tenían en común y que el bendito rótulo del “grunge”, que llegó a inspirar hasta líneas de ropa, no fue más que una convención lingüística para hablar de una nueva moda para la industria. Chile también replicó el espíritu de amplitud de la época y es muy probable que nunca antes en la historia musical del país hayan surgido bandas con perfiles tan distintos entre sí como las que aparecieron hacia 1995 bajo el nombre del “Nuevo Rock Chileno”: Chancho en Piedra y Los Tetas, ligados al funk, Gondwana rezando el credo del funk, Lucybell y su inspiración new wave, La Ley aspirando al pop global, Los Tres resucitando la cueca y La Floripondio fusionando punk con ritmos latinos como pocos habían hecho antes. Toda comparación es odiosa, es cierto, pero no está de más revisar lo que pasó después, esa oda al revisionismo y la copia profesional cercada entre el 2000 y el 2010, para concluir que la admiración por lo que pasó en los noventas no es un capricho generacional, sino el reconocimiento a una época de exquisita curiosidad. Ni mejor ni peor que otros grandes momentos de la historia de la música popular, sólo suficientemente inquieta como para volver a trajinar esos viejos discos de los locos noventa.
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ienvenidos otra vez a esta zona de recuerdos, donde sacudimos la memoria emotiva del rock para revivir grandes momentos. El regreso talde Faith No More es la ao nuestras tierras numen M o r at Te ocasión perfecta para poner el foco en los californianos encabezados por Mike Patton. El momento que inmortalizamos es el inolvidable viernes 8 de septiembre de 1995, en la segunda jornada del ciclo Monsters Of Rock. El texto elegido es el enviado por José Vásquez, quien nos cuenta su experiencia aquella afiebrada noche. Recibe como premio una entrada a Maquinaria, para volver a disfrutar del poder de Faith No More en vivo. “Recuerdo que fue un día de lluvia, a comienzos de la primavera. Fui con mi mejor amigo Cristian, avanzando a través de una llenísima calle San Diego. En plena ansiedad por entrar, corrió la voz de que se podía entrar por una puerta trasera del teatro Monumental, hoy Caupolicán. Dimos la vuelta y encontramos el ingreso, donde, sorpresa, no había nadie. El pasadizo llevaba directamente a una despoblada galería, donde tratamos de buscar los mejores puestos. Así, fuimos descendiendo por las escaleras para estar más cerca, cuando descubrimos que unos cuantos de los asistentes se colaban desde la parte alta hacia la cancha. El panorama iba mejorando para nosotros, así que, en un acto desafiante hicimos lo mismo: Pero lo mejor estaba por venir, ya que cuando unos pocos ya nos habíamos pasado muchos otros copiaron la idea y fue el principio del caos. No pocos se arrojaron
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sin una salvaguarda para acolchar la caída. Fueron numerosos los que definitivamente cayeron mal. El bizarro espectáculo amenizó el proceso de entrada, en una retorcida normalidad. Más tarde, con el teatro a plena capacidad, el desorden fue total: un tipo meando a la cancha desde la galería, unos pocos haciendo mosh....otros tirándole lo que se encontraban al meón de la galucha. Con el show de Paradise Lost, el rock and roll concentraba toda la atención de la muchedumbre. Que yo recuerde, de todos los shows que he ido -que son muchos- nunca había escuchado una banda que sonara tan perfecto. El sonido era impecable, del mejor nivel. Con su presentación, empezaron también los primeros “escupitajos”. Sale Faith No More y el Monumental se viene abajo. Euforia, rabia acumulada y muchos tipos pasados en revoluciones. Su presentación fue notable, los hits sonaban a full. Mike Patton era un verdadero energúmeno y el furor se apoderó de miles de almas. Los escupos caían como lluvia en invierno. En un momento, Patton le reclamó al sonidista que su línea no sonaba, tras lo cual le lanzó el micrófono, el que cayó en medio del público. Supongo que se hizo mierda. El aire que se respiraba era cálido, aparecen los desmayos, así que luego el evento era más una batalla por salvarse que ir a escuchar a tu banda favorita. ‘We Care a Lot’ suena potente y estremecedora. Para cuando sonó ‘Epic’ yo ya estaba sin voz tanto gritar. Después de poco más de una hora de actuación, el arrollador final fue con ‘From Out of Nowhere’ Una vez terminado el concierto, necesitábamos imperiosamente hidratarnos para enfrentar lo que se venía: El Príncipe de las Tinieblas, por primera vez en Chile....Ozzy....pero eso ya es otra historia. Gracias a Faith No More esa noche fue inolvidable”.
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ienvenidos otra vez a esta zona de recuerdos, donde sacudimos la memoria emotiva del rock para revivir grandes momentos. El regreso a nuestras tierras de Faith No More es la ocasión perfecta para poner el foco en los californianos encabezados por Mike Patton. El momento que inmortalizamos es el inolvidable viernes 8 de septiembre de 1995, en la segunda jornada del ciclo Monsters Of Rock. El texto elegido es el enviado por José Vásquez, quien nos cuenta su experiencia aquella afiebrada noche. Recibe como premio una entrada a Maquinaria, para volver a disfrutar del poder de Faith No More en vivo. “Recuerdo que fue un día de lluvia, a comienzos de la primavera. Fui con mi mejor amigo Cristian, avanzando a través de una llenísima calle San Diego. En plena ansiedad por entrar, corrió la voz de que se podía entrar por una puerta trasera del teatro Monumental, hoy Caupolicán. Dimos la vuelta y encontramos el ingreso, donde, sorpresa, no había nadie. El pasadizo llevaba directamente a una despoblada galería, donde tratamos de buscar los mejores puestos. Así, fuimos descendiendo por las escaleras para estar más cerca, cuando descubrimos que unos cuantos de los asistentes se colaban desde la parte alta hacia la cancha. El panorama iba mejorando para nosotros, así que, en un acto desafiante hicimos lo mismo: Pero lo mejor estaba por venir, ya que cuando unos pocos ya nos habíamos pasado muchos otros copiaron la idea y fue el principio del caos. No pocos se arrojaron
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sin una salvaguarda para acolchar la caída. Fueron numerosos los que definitivamente cayeron mal. El bizarro espectáculo amenizó el proceso de entrada, en una retorcida normalidad. Más tarde, con el teatro a plena capacidad, el desorden fue total: un tipo meando a la cancha desde la galería, unos pocos haciendo mosh....otros tirándole lo que se encontraban al meón de la galucha. Con el show de Paradise Lost, el rock and roll concentraba toda la atención de la muchedumbre. Que yo recuerde, de todos los shows que he ido -que son muchos- nunca había escuchado una banda que sonara tan perfecto. El sonido era impecable, del mejor nivel. Con su presentación, empezaron también los primeros “escupitajos”. Sale Faith No More y el Monumental se viene abajo. Euforia, rabia acumulada y muchos tipos pasados en revoluciones. Su presentación fue notable, los hits sonaban a full. Mike Patton era un verdadero energúmeno y el furor se apoderó de miles de almas. Los escupos caían como lluvia en invierno. En un momento, Patton le reclamó al sonidista que su línea no sonaba, tras lo cual le lanzó el micrófono, el que cayó en medio del público. Supongo que se hizo mierda. El aire que se respiraba era cálido, aparecen los desmayos, así que luego el evento era más una batalla por salvarse que ir a escuchar a tu banda favorita. ‘We Care a Lot’ suena potente y estremecedora. Para cuando sonó ‘Epic’ yo ya estaba sin voz tanto gritar. Después de poco más de una hora de actuación, el arrollador final fue con ‘From Out of Nowhere’ Una vez terminado el concierto, necesitábamos imperiosamente hidratarnos para enfrentar lo que se venía: El Príncipe de las Tinieblas, por primera vez en Chile....Ozzy....pero eso ya es otra historia. Gracias a Faith No More esa noche fue inolvidable”.
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sin una salvaguarda para acolchar la caída. Fueron numerosos los que definitivamente cayeron mal. El bizarro espectáculo amenizó el proceso de entrada, en una retorcida normalidad. Más tarde, con el teatro a plena capacidad, el desorden fue total: un tipo meando a la cancha desde la galería, unos pocos haciendo mosh....otros tirándole lo que se encontraban al meón de la galucha. tal enroll Con el show de Paradise Lost, and concentraba toda num Melorock Teatro la atención de la muchedumbre. Que yo recuerde, de todos los shows que he ido -que son muchos- nunca había escuchado una banda que sonara tan perfecto. El sonido era impecable, del mejor nivel. Con su presentación, empezaron también los primeros “escupitajos”. Sale Faith No More y el Monumental se viene abajo. Euforia, rabia acumulada y muchos tipos pasados en revoluciones. Su presentación fue notable, los hits sonaban a full. Mike Patton era un verdadero energúmeno y el furor se apoderó de miles de almas. Los escupos caían como lluvia en invierno. En un momento, Patton le reclamó al sonidista que su línea no sonaba, tras lo cual le lanzó el micrófono, el que cayó en medio del público. Supongo que se hizo mierda. El aire que se respiraba era cálido, aparecen los desmayos, así que luego el evento era más una batalla por salvarse que ir a escuchar a tu banda favorita. ‘We Care a Lot’ suena potente y estremecedora. Para cuando sonó ‘Epic’ yo ya estaba sin voz tanto gritar. Después de poco más de una hora de actuación, el arrollador final fue con ‘From Out of Nowhere’ Una vez terminado el concierto, necesitábamos imperiosamente hidratarnos para enfrentar lo que se venía: El Príncipe de las Tinieblas, por primera vez en Chile....Ozzy....pero eso ya es otra historia. Gracias a Faith No More esa noche fue inolvidable”.
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Ejercicio de memoria
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ienvenidos otra vez a esta zona de recuerdos, donde sacudimos la memoria emotiva del rock para revivir grandes momentos. El regreso a nuestras tierras de Faith No More es la ocasión perfecta para poner el foco en los californianos encabezados por Mike Patton. El momento que inmortalizamos es el inolvidable viernes 8 de septiembre de 1995, en la segunda jornada del ciclo Monsters Of Rock. El texto elegido es el enviado por José Vásquez, quien nos cuenta su experiencia aquella afiebrada noche. Recibe como premio una entrada a Maquinaria, para volver a disfrutar del poder de Faith No More en vivo. “Recuerdo que fue un día de lluvia, a comienzos de la primavera. Fui con mi mejor amigo Cristian, avanzando a través de una llenísima calle San Diego. En plena ansiedad por entrar, corrió la voz de que se podía entrar por una puerta trasera del teatro Monumental, hoy Caupolicán. Dimos la vuelta y encontramos el ingreso, donde, sorpresa, no había nadie. El pasadizo llevaba directamente a una despoblada galería, donde tratamos de buscar los mejores puestos. Así, fuimos descendiendo por las escaleras para estar más cerca, cuando descubrimos que unos cuantos de los asistentes se colaban desde la parte alta hacia la cancha. El panorama iba mejorando para nosotros, así que, en un acto desafiante hicimos lo mismo: Pero lo mejor estaba por venir, ya que cuando unos pocos ya nos habíamos pasado muchos otros copiaron la idea y fue el principio del caos. No pocos se arrojaron
22III ROCKAXIS
sin una salvaguarda para acolchar la caída. Fueron numerosos los que definitivamente cayeron mal. El bizarro espectáculo amenizó el proceso de entrada, en una retorcida normalidad. Más tarde, con el teatro a plena capacidad, el desorden fue total: un tipo meando a la cancha desde la galería, unos pocos haciendo mosh....otros tirándole lo que se encontraban al meón de la galucha. Con el show de Paradise Lost, el rock and roll concentraba toda la atención de la muchedumbre. Que yo recuerde, de todos los shows que he ido -que son muchos- nunca había escuchado una banda que sonara tan perfecto. El sonido era impecable, del mejor nivel. Con su presentación, empezaron también los primeros “escupitajos”. Sale Faith No More y el Monumental se viene abajo. Euforia, rabia acumulada y muchos tipos pasados en revoluciones. Su presentación fue notable, los hits sonaban a full. Mike Patton era un verdadero energúmeno y el furor se apoderó de miles de almas. Los escupos caían como lluvia en invierno. En un momento, Patton le reclamó al sonidista que su línea no sonaba, tras lo cual le lanzó el micrófono, el que cayó en medio del público. Supongo que se hizo mierda. El aire que se respiraba era cálido, aparecen los desmayos, así que luego el evento era más una batalla por salvarse que ir a escuchar a tu banda favorita. ‘We Care a Lot’ suena potente y estremecedora. Para cuando sonó ‘Epic’ yo ya estaba sin voz tanto gritar. Después de poco más de una hora de actuación, el arrollador final fue con ‘From Out of Nowhere’ Una vez terminado el concierto, necesitábamos imperiosamente hidratarnos para enfrentar lo que se venía: El Príncipe de las Tinieblas, por primera vez en Chile....Ozzy....pero eso ya es otra historia. Gracias a Faith No More esa noche fue inolvidable”.
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Los discos favoritos del equipo de Rockaxis del último mes Los Los discos discos favoritos favoritos del del equipo equipo de de Rockaxis del último mes del último mes Rockaxis Rockaxis del último mes
El moment El momento El momento El momento El momento emblematicoEje d emblematico de... emblematico de... emblematico de... emblematico de...
Alice in Chai Alice in Chains Alice in Abrimos Chains una nueva sección
Alfredo Lewin Alfredo Lewin Alfredo Alfredo Lewin Lewin“Welcome 2 My Nightmare” (2011) de Alice Cooper. Cooper se
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Música de oficina MúsicaMúsica de ofi cina de Música de ofi oficina cina Los discos favoritos del equipo de
“Welcome 2 My Nightmare” (2011) de Alicecon Cooper. Cooper se de un atreve la segunda parte álbum clásico, retoma el “Welcome “Welcome 22 My My Nightmare” Nightmare” (2011) (2011) de de Alice Alice Cooper. Cooper. Cooper Cooper se se atreve con la segunda parte desegunda un álbum clásico, retoma concepto, laun estética eel incluso retoma el sonido. La inspiración fue tan atreve con la parte de álbum clásico, atreve con la segunda parte de un álbum clásico, retoma elel Abrimos una nueva sección para concepto, la estética e incluso el sonido. Laque inspiración fue tan grande salió ileso. Bien. quesección nuestros lectores parti Abrimos para concepto, la estética e incluso el sonido. La inspiración fue tan Abrimos una una nueva nueva sección para concepto, la estética e incluso el sonido. La inspiración fue tan grande que saliógrande ileso. Bien.salió ileso. Bien. que nuestros que lectores participen activamente en los conte nuestros lectores participen grande que que salió ileso. Bien. que nuestros lectores participen
Cote Hurtado activamente en los contenidos decontenidos nuestra revista. Este en activamente en los los contenidos Cote Hurtado psicodélico e activamente Cote Hurtado nuestra revista. Este mes, Cote Hurtado“Heritage” (2011) de Opeth. Un viaje progresivo,de
con de revista. de nuestra nuestra comenzamos revista. Este Este mes, mes,el momento “Heritage” (2011) de Opeth. Un viaje progresivo, psicodélico intenso que te lleva a un enuevo mundo musical. Gran evolución de “Heritage” “Heritage” (2011) (2011) de de Opeth. Opeth. Un Un viaje viaje progresivo, progresivo, psicodélico psicodélico eecomenzamos comenzamos con el momento más emblemático la carrera de elel momento más intenso que te lleva a un nuevo mundo musical. mundo Gran evolución de Akerfeldt comenzamos con con momentoen más intenso de intenso que que tete lleva lleva aa un un nuevo nuevo mundo musical. musical. Gran Gran evolución evolución de emblemático en la carrera de Alice Akerfeldt in Chains. Nuestro emblemático en la carrera de Alice Akerfeldt emblemático en la carrera de Alicelector Fran Akerfeldt
Juan Ignacio Cornejo in Chains. Nuestro lectorNuestro Francisco Andrés Letelier Alc in lector in Chains. Chains. Nuestro lector Francisco Francisco Juan Ignacio Cornejo “Dark Side of the Moon” (1973) de Pink Floyd. El mejor Andrés álbum deLetelier Alcalde envió su opinión a trav Juan Ignacio Cornejo Andrés Letelier Alcalde Juan Ignacio Cornejo
Letelier Alcalde “Dark Side of the“Dark Moon” (1973) de Pink Floyd. ElLa mejor álbum“Why de Pink Floyd?” la historia. campaña fue la excusa idealopinión aAndrés envió su través de aa través “Dark Side Side ofof the the Moon” Moon” (1973) (1973) de de Pink Pink Floyd. Floyd. ElEl mejor mejor álbum álbum de de nuestras redesde sociales y se envió su opinión envió su opinión través de la historia. La campaña “Why Pink Floyd?” fue laa escucharlo excusa ideal para volver diariamente.ideal La remasterización es lala historia. historia. La La campaña campaña “Why “Why Pink Pink Floyd?” Floyd?” fue fue lala excusa excusa ideal nuestras redes sociales y se lleva una entrada para Maquin nuestras redes sociales y se lleva para volver a escucharlo diariamente. La remasterización es impecable, y el 5.1 La da miedo. nuestras redes sociales y se lleva para para volver volver aa escucharlo escucharlo diariamente. diariamente. La remasterización remasterización es es una entrada para Maquinaria. impecable, y el 5.1 da miedo. una entrada para Maquinaria. una entrada para Maquinaria. impecable, impecable, yy elel 5.1 5.1 da da miedo. miedo.
María de los Ángeles Cerda María de losMaría Ángeles Cerda “Mirror Ball”Cerda (1995) de Neil Young con Pearl Jam. Dos fuerzas de los Ángeles María de los Ángeles Cerda
“Mirror Ball” (1995) de Neil Young con Pearlpara Jam.conspirar Dos fuerzas unidas en intrigantes e intensas canciones como “Mirror “Mirror Ball” Ball” (1995) (1995) de de Neil Neil Young Young con con Pearl Pearl Jam. Jam. Dos Dos fuerzas fuerzas unidas para conspirar en intrigantes e intensas canciones como canciones ‘Act of Love’ y ‘I’methe Ocean’. Inspirador. unidas para conspirar en intrigantes intensas unidas para conspirar en intrigantes e intensas canciones como como ‘Act of Love’ y ‘I’m the Ocean’.y ‘I’m Inspirador. ‘Act ‘Act ofof Love’ Love’ y ‘I’m the the Ocean’. Ocean’. Inspirador. Inspirador.
Francisco Reinoso Francisco Reinoso “Opillion” (2011) de All Tomorrows. Monstruoso debut de Francisco Reinoso Francisco Reinoso
“Opillion” (2011)“Opillion” de All Tomorrows.deeste Monstruoso debut dede math debut combo chileno metal. Intensos y prolijos. Si sus “Opillion” (2011) (2011) de All All Tomorrows. Tomorrows. Monstruoso Monstruoso debut de de este combo chileno de math metal. Intensos y prolijos. Si sus performances son así de avallasadoras, estamos ante un este este combo combo chileno chileno de de math math metal. metal. Intensos Intensos yy prolijos. prolijos. SiSi sus sus performances son así de avallasadoras, estamos ante un completo fenómeno de nuestroante ascendente underground. performances son así de avallasadoras, estamos un performances son así de avallasadoras, estamos ante un completo fenómeno de nuestro ascendente underground. completo fenómeno de nuestro ascendente underground. completo fenómeno de nuestro ascendente underground.
Mauricio Jürgensen Mauricio Jürgensen “Simple Math” (2011) de Manchester Orchestra. El tercero de los Mauricio Mauricio Jürgensen Jürgensen
“Simple Math” (2011) de Manchester El tercero de los deOrchestra. Atlanta incluye algunas de las mejores canciones de un grupo “Simple “Simple Math” Math” (2011) (2011) de de Manchester Manchester Orchestra. Orchestra. ElEl tercero tercero de de los los de Atlanta incluye algunas de las mejores de uncanciones grupo que es canciones ladecruza perfecta entre My de Morning Jacket y Arcade Fire. de Atlanta incluye algunas las mejores un grupo de Atlanta incluye algunas de las mejores canciones de un grupo que es la cruza perfecta entre Myperfecta Morning Jacket y Arcade Fire. que que es es lala cruza cruza perfecta entre entre My My Morning Morning Jacket Jacket yy Arcade Arcade Fire. Fire.
Andrés Panes Andrés Panes Andrés Panes Andrés Panes“San Sebastián” (2011) de Fernando Milagros. La banda sonora
“En los noventa no habían m “En los noventa no habían medios que permitieran tener inform “San Sebastián”“San (2011) de Fernando Milagros. La banda sonora del fin del mundo tiene un nuevo invitado. En su tercer disco, el “En “En los los noventa noventa no no habían habían medios medios “San Sebastián” Sebastián” (2011) (2011) de de Fernando Fernando Milagros. Milagros. La La banda banda sonora sonora que permitieran tener información actualizada de mis bandas fav del fin del mundodeltiene un nuevo invitado. En su tercer disco, el cantautor nacional musicaliza el apocalipsis con poesía y sudor, que permitieran tener información que permitieran tener información fi n del mundo tiene un nuevo invitado. En su tercer disco, el del fin del mundo tiene un nuevo invitado. 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23 23III22 IIIROCKAXIS ROCKAXIS III ROCKAXIS 22III ROCKAXIS
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ercicio de memoria Música de oficina Alfredo Lewin
“Welcome 2 My Nightmare” (2011) de Alice Cooper. Cooper se atreve con la segunda parte de un álbum clásico, retoma el concepto, la estética e incluso el sonido. La inspiración fue tan grande que salió ileso. Bien.
Cote Hurtado
“Heritage” (2011) de Opeth. Un viaje progresivo, psicodélico e intenso que te lleva a un nuevo mundo musical. Gran evolución de Akerfeldt
Juan Ignacio Cornejo
“Dark Side of the Moon” (1973) de Pink Floyd. El mejor álbum de la historia. La campaña “Why Pink Floyd?” fue la excusa ideal para volver a escucharlo diariamente. La remasterización es impecable, y el 5.1 da miedo.
Alice in Chains Abrimos una nueva sección para que nuestros lectores participen activamente en los contenidos de nuestra revista. Este mes, comenzamos con el momento más emblemático en la carrera de Alice in Chains. Nuestro lector Francisco Andrés Letelier Alcalde envió su opinión a través de nuestras redes sociales y se lleva una entrada para Maquinaria.
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Los discos favoritos del equipo de Rockaxis del último mes
El momento emblematico de...
María de los Ángeles Cerda
“Mirror Ball” (1995) de Neil Young con Pearl Jam. Dos fuerzas unidas para conspirar en intrigantes e intensas canciones como ‘Act of Love’ y ‘I’m the Ocean’. Inspirador.
Francisco Reinoso
“Opillion” (2011) de All Tomorrows. Monstruoso debut de este combo chileno de math metal. Intensos y prolijos. Si sus performances son así de avallasadoras, estamos ante un completo fenómeno de nuestro ascendente underground.
Mauricio Jürgensen
“Simple Math” (2011) de Manchester Orchestra. El tercero de los de Atlanta incluye algunas de las mejores canciones de un grupo que es la cruza perfecta entre My Morning Jacket y Arcade Fire.
Andrés Panes
“En los noventa no habían medios “San Sebastián” (2011) de Fernando Milagros. La banda sonora que permitieran tener información del fin del mundo tiene un nuevo invitado. En su tercer disco, el actualizada de mis bandas favoritas. cantautor nacional musicaliza el apocalipsis con poesía y sudor, Corrían múltiples rumores sobre la para salir airoso con uno de los mejores trabajos locales de la de Layne ienvenidos otra vez a esta zona de recuerdos, sin una salvaguarda para acolchar la caída. Fueron salud numerosos los Staley; se decía que había temporada. perdido uno de donde sacudimos la memoria emotiva del rock que definitivamente cayeron mal. El bizarro espectáculo amenizó el sus brazos, que estaba muerto, se hablaba para revivir grandes momentos. El regreso Héctor Aravena proceso de entrada, en una retorcida normalidad. Más tarde, con el de su depresión por la muerte a nuestras tierras de Faith No More es (2011) la teatro a plena el desorden fue total: un tipo meandodea su la pareja y muchas cosas “New Blood” de Peter Gabriel. Unacapacidad, nueva visión más... tirándole Hasta queloen una edición de la ocasión perfecta para poner orquestada el foco en los desdebritánico, la galería,interpretados unos pocos haciendo mosh....otros de los clásicoscancha del maestro revista Metal Hammer, que recibí con californianos encabezados por El vocal,que se encontraban al meón de la galucha. conMike una Patton. vehemencia simplemente desgarradora. tres meses de toda desfase, leí que la banda se momento que inmortalizamos es el inolvidable Con el show de Paradise Lost, el rock and roll concentraba trabajando viernes 8 de septiembre de 1995, en la segunda de todos los shows en su tercer disco, Rodrigo Bravo la atención de la muchedumbre. Que yo recuerde,encontraba homónimo jornada del ciclo Monsters Of queCommunion. he ido -queLason muchos- de nunca había escuchado el una banda quede 1995. Después de su “2”Rock. (2011)Elde Black Country conjunción brutal regreso, ya con acceso a MTV y o elegido es el enviado por José Vásquez, quien nos cuenta su no asegura sonara tande perfecto. El sonido eramagia impecable, del mejor nivel. Con su grandes músicos el éxito un proyecto, sólo la otros medios informativos especializados, riencia aquella afiebrada noche. Recibe como premio unaentre entrada empezaron tambiénLolos primeros “escupitajos”. que existe ellos es lo presentación, que hace de éste un gran equipo. vinoEuforia, nuevamente quinaria, para volver a disfrutar del poder de Faith NoelMore Salebien Faithcon NoelMore el los Monumental rabiala incertidumbre, la mejor... discoensigue madurando correryde meses. se viene abajo. de giras, los rumores sobre acumulada y muchos tipos pasados en revoluciones.cancelación Su presentación Todo esto hasta el Unplugged verdadero Claudio Ibarra fue notable, los hits sonaban a full. Mike Patton era unLayne... para MTV. Ahí estaban Jerry, Mike, Sean y uerdo que fue un día de lluvia, a comienzos de“Roots” la primavera. energúmeno y eldefuror apoderó de miles de almas. Los escupos (2011)Fui de Johnny Winter. El albino Texasserenueva por supuesto Layne. mi mejor amigo Cristian, avanzando a través desus unavotos llenísima en invierno. le reclamó al Una banda desnuda, de viejo blusero, caían con uncomo discolluvia de clásicos coversEn a laun momento, Patton no necesitaba distorsión para ser San Diego. En plena ansiedad por entrar, corrió la vozdel de alma, que una muestra sonidista su línea sonaba, tras lo cual le lanzó elque micrófono, música que elque tornado delno estado de la densa, una guitarra que no necesitaba día entrar por una puerta trasera del teatro Monumental, que cayó en medio del público. Supongo que se hizo mierda. estrella solitaria, aún sigueelvivo. hacer para ser virtuosa.Y Caupolicán. Dimos la vuelta y encontramos el ingreso, donde, El aire que se respiraba era cálido, aparecen los desmayos, asípirotecnia que desgarradora, perturbadora, resa, no había nadie. El pasadizo llevaba directamente a unaPavez luego el evento era más una batalla por salvarse que esa ir avoz... escuchar a Cristian y emotiva. Sus lentes escondían la oblada galería, donde tratamos de buscar los mejores banda favorita. Care a Lot’ estremecedora. “Templepuestos. of Rock”Así, (2011) detuMichael Schenker.‘We El regreso de unsuena potente y dulce decadencia, las velas os descendiendo por las escaleras para estar más cerca, cuando Paraencuando yo ya estaba Después de hacían presagiar su maestro. Feeling para regalar un finosonó disco‘Epic’ de hard rock llenosin voz tanto gritar. muerte, pero su ubrimos que unos cuantos de los asistentes se colaban desde la poco más de una hora de actuación, el arrollador final fue con ‘Fromvoz aún estaba viva. A de grandes invitados. partir de ese concierto, la banda escaló al e alta hacia la cancha. El panorama iba mejorando para nosotros, Out of Nowhere’ Una vez terminado el concierto, necesitábamos donde solo habitan los ue, en un acto desafiante hicimos lo mismo: Pero lo mejor estaba se venía:del El rock, Príncipe Alejandro Marín imperiosamente hidratarnos para enfrentar lo queOlimpo venir, ya que cuando unos pocos ya nos habíamos pasado muchos de mí, las Tinieblas, por producción primera vezenenlaChile....Ozzy....pero eso ya es otra trascendentes”. “Uno” (2000) de La Ley. Para lejos la mejor copiaron la idea y fue el principio del caos. Nohistoria pocos de se arrojaron historia. Gracias de a Faith No More esa noche fue inolvidable”. la banda y quizás en la historia la música chilena.
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Ejercicio de memoria
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ienvenidos otra vez a esta zona de recuerdos, donde sacudimos la memoria emotiva del rock para revivir grandes momentos. El regreso a nuestras tierras de Faith No More es la ocasión perfecta para poner el foco en los californianos encabezados por Mike Patton. El momento que inmortalizamos es el inolvidable viernes 8 de septiembre de 1995, en la segunda jornada del ciclo Monsters Of Rock. El texto elegido es el enviado por José Vásquez, quien nos cuenta su experiencia aquella afiebrada noche. Recibe como premio una entrada a Maquinaria, para volver a disfrutar del poder de Faith No More en vivo. “Recuerdo que fue un día de lluvia, a comienzos de la primavera. Fui con mi mejor amigo Cristian, avanzando a través de una llenísima calle San Diego. En plena ansiedad por entrar, corrió la voz de que se podía entrar por una puerta trasera del teatro Monumental, hoy Caupolicán. Dimos la vuelta y encontramos el ingreso, donde, sorpresa, no había nadie. El pasadizo llevaba directamente a una despoblada galería, donde tratamos de buscar los mejores puestos. Así, fuimos descendiendo por las escaleras para estar más cerca, cuando descubrimos que unos cuantos de los asistentes se colaban desde la parte alta hacia la cancha. El panorama iba mejorando para nosotros, así que, en un acto desafiante hicimos lo mismo: Pero lo mejor estaba por venir, ya que cuando unos pocos ya nos habíamos pasado muchos otros copiaron la idea y fue el principio del caos. No pocos se arrojaron
22III ROCKAXIS
sin una salvaguarda para acolchar la caída. Fueron numerosos los que definitivamente cayeron mal. El bizarro espectáculo amenizó el proceso de entrada, en una retorcida normalidad. Más tarde, con el teatro a plena capacidad, el desorden fue total: un tipo meando a la cancha desde la galería, unos pocos haciendo mosh....otros tirándole lo que se encontraban al meón de la galucha. tal enroll Con el show de Paradise Lost, and concentraba toda num Melorock Teatro la atención de la muchedumbre. Que yo recuerde, de todos los shows que he ido -que son muchos- nunca había escuchado una banda que sonara tan perfecto. El sonido era impecable, del mejor nivel. Con su presentación, empezaron también los primeros “escupitajos”. Sale Faith No More y el Monumental se viene abajo. Euforia, rabia acumulada y muchos tipos pasados en revoluciones. Su presentación fue notable, los hits sonaban a full. Mike Patton era un verdadero energúmeno y el furor se apoderó de miles de almas. Los escupos caían como lluvia en invierno. En un momento, Patton le reclamó al sonidista que su línea no sonaba, tras lo cual le lanzó el micrófono, el que cayó en medio del público. Supongo que se hizo mierda. El aire que se respiraba era cálido, aparecen los desmayos, así que luego el evento era más una batalla por salvarse que ir a escuchar a tu banda favorita. ‘We Care a Lot’ suena potente y estremecedora. Para cuando sonó ‘Epic’ yo ya estaba sin voz tanto gritar. Después de poco más de una hora de actuación, el arrollador final fue con ‘From Out of Nowhere’ Una vez terminado el concierto, necesitábamos imperiosamente hidratarnos para enfrentar lo que se venía: El Príncipe de las Tinieblas, por primera vez en Chile....Ozzy....pero eso ya es otra historia. Gracias a Faith No More esa noche fue inolvidable”.
e Fait h no Mor
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Los discos favoritos del equipo de Rockaxis del último mes Los Los discos discos favoritos favoritos del del equipo equipo de de Rockaxis del último mes del último mes Rockaxis Rockaxis del último mes
El moment El momento El momento El momento El momento emblematicoEje d emblematico de... emblematico de... emblematico de... emblematico de...
Alice in Chai Alice in Chains Alice in Abrimos Chains una nueva sección
Alfredo Lewin Alfredo Lewin Alfredo Alfredo Lewin Lewin“Welcome 2 My Nightmare” (2011) de Alice Cooper. Cooper se
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Música de oficina MúsicaMúsica de ofi cina de Música de ofi oficina cina Los discos favoritos del equipo de
“Welcome 2 My Nightmare” (2011) de Alicecon Cooper. Cooper se de un atreve la segunda parte álbum clásico, retoma el “Welcome “Welcome 22 My My Nightmare” Nightmare” (2011) (2011) de de Alice Alice Cooper. Cooper. Cooper Cooper se se atreve con la segunda parte desegunda un álbum clásico, retoma concepto, laun estética eel incluso retoma el sonido. La inspiración fue tan atreve con la parte de álbum clásico, atreve con la segunda parte de un álbum clásico, retoma elel Abrimos una nueva sección para concepto, la estética e incluso el sonido. Laque inspiración fue tan grande salió ileso. Bien. quesección nuestros lectores parti Abrimos para concepto, la estética e incluso el sonido. La inspiración fue tan Abrimos una una nueva nueva sección para concepto, la estética e incluso el sonido. La inspiración fue tan grande que saliógrande ileso. Bien.salió ileso. Bien. que nuestros que lectores participen activamente en los conte nuestros lectores participen grande que que salió ileso. Bien. que nuestros lectores participen
Cote Hurtado activamente en los contenidos decontenidos nuestra revista. Este en activamente en los los contenidos Cote Hurtado psicodélico e activamente Cote Hurtado nuestra revista. Este mes, Cote Hurtado“Heritage” (2011) de Opeth. Un viaje progresivo,de
con de revista. de nuestra nuestra comenzamos revista. Este Este mes, mes,el momento “Heritage” (2011) de Opeth. Un viaje progresivo, psicodélico intenso que te lleva a un enuevo mundo musical. Gran evolución de “Heritage” “Heritage” (2011) (2011) de de Opeth. Opeth. Un Un viaje viaje progresivo, progresivo, psicodélico psicodélico eecomenzamos comenzamos con el momento más emblemático la carrera de elel momento más intenso que te lleva a un nuevo mundo musical. mundo Gran evolución de Akerfeldt comenzamos con con momentoen más intenso de intenso que que tete lleva lleva aa un un nuevo nuevo mundo musical. musical. Gran Gran evolución evolución de emblemático en la carrera de Alice Akerfeldt in Chains. Nuestro emblemático en la carrera de Alice Akerfeldt emblemático en la carrera de Alicelector Fran Akerfeldt
Juan Ignacio Cornejo in Chains. Nuestro lectorNuestro Francisco Andrés Letelier Alc in lector in Chains. Chains. Nuestro lector Francisco Francisco Juan Ignacio Cornejo “Dark Side of the Moon” (1973) de Pink Floyd. El mejor Andrés álbum deLetelier Alcalde envió su opinión a trav Juan Ignacio Cornejo Andrés Letelier Alcalde Juan Ignacio Cornejo
Letelier Alcalde “Dark Side of the“Dark Moon” (1973) de Pink Floyd. ElLa mejor álbum“Why de Pink Floyd?” la historia. campaña fue la excusa idealopinión aAndrés envió su través de aa través “Dark Side Side ofof the the Moon” Moon” (1973) (1973) de de Pink Pink Floyd. Floyd. ElEl mejor mejor álbum álbum de de nuestras redesde sociales y se envió su opinión envió su opinión través de la historia. La campaña “Why Pink Floyd?” fue laa escucharlo excusa ideal para volver diariamente.ideal La remasterización es lala historia. historia. La La campaña campaña “Why “Why Pink Pink Floyd?” Floyd?” fue fue lala excusa excusa ideal nuestras redes sociales y se lleva una entrada para Maquin nuestras redes sociales y se lleva para volver a escucharlo diariamente. La remasterización es impecable, y el 5.1 La da miedo. nuestras redes sociales y se lleva para para volver volver aa escucharlo escucharlo diariamente. diariamente. La remasterización remasterización es es una entrada para Maquinaria. impecable, y el 5.1 da miedo. una entrada para Maquinaria. una entrada para Maquinaria. impecable, impecable, yy elel 5.1 5.1 da da miedo. miedo.
María de los Ángeles Cerda María de losMaría Ángeles Cerda “Mirror Ball”Cerda (1995) de Neil Young con Pearl Jam. Dos fuerzas de los Ángeles María de los Ángeles Cerda
“Mirror Ball” (1995) de Neil Young con Pearlpara Jam.conspirar Dos fuerzas unidas en intrigantes e intensas canciones como “Mirror “Mirror Ball” Ball” (1995) (1995) de de Neil Neil Young Young con con Pearl Pearl Jam. Jam. Dos Dos fuerzas fuerzas unidas para conspirar en intrigantes e intensas canciones como canciones ‘Act of Love’ y ‘I’methe Ocean’. Inspirador. unidas para conspirar en intrigantes intensas unidas para conspirar en intrigantes e intensas canciones como como ‘Act of Love’ y ‘I’m the Ocean’.y ‘I’m Inspirador. ‘Act ‘Act ofof Love’ Love’ y ‘I’m the the Ocean’. Ocean’. Inspirador. Inspirador.
Francisco Reinoso Francisco Reinoso “Opillion” (2011) de All Tomorrows. Monstruoso debut de Francisco Reinoso Francisco Reinoso
“Opillion” (2011)“Opillion” de All Tomorrows.deeste Monstruoso debut dede math debut combo chileno metal. Intensos y prolijos. Si sus “Opillion” (2011) (2011) de All All Tomorrows. Tomorrows. Monstruoso Monstruoso debut de de este combo chileno de math metal. Intensos y prolijos. Si sus performances son así de avallasadoras, estamos ante un este este combo combo chileno chileno de de math math metal. metal. Intensos Intensos yy prolijos. prolijos. SiSi sus sus performances son así de avallasadoras, estamos ante un completo fenómeno de nuestroante ascendente underground. performances son así de avallasadoras, estamos un performances son así de avallasadoras, estamos ante un completo fenómeno de nuestro ascendente underground. completo fenómeno de nuestro ascendente underground. completo fenómeno de nuestro ascendente underground.
Mauricio Jürgensen Mauricio Jürgensen “Simple Math” (2011) de Manchester Orchestra. El tercero de los Mauricio Mauricio Jürgensen Jürgensen
“Simple Math” (2011) de Manchester El tercero de los deOrchestra. Atlanta incluye algunas de las mejores canciones de un grupo “Simple “Simple Math” Math” (2011) (2011) de de Manchester Manchester Orchestra. Orchestra. ElEl tercero tercero de de los los de Atlanta incluye algunas de las mejores de uncanciones grupo que es canciones ladecruza perfecta entre My de Morning Jacket y Arcade Fire. de Atlanta incluye algunas las mejores un grupo de Atlanta incluye algunas de las mejores canciones de un grupo que es la cruza perfecta entre Myperfecta Morning Jacket y Arcade Fire. que que es es lala cruza cruza perfecta entre entre My My Morning Morning Jacket Jacket yy Arcade Arcade Fire. Fire.
Andrés Panes Andrés Panes Andrés Panes Andrés Panes“San Sebastián” (2011) de Fernando Milagros. La banda sonora
“En los noventa no habían m “En los noventa no habían medios que permitieran tener inform “San Sebastián”“San (2011) de Fernando Milagros. La banda sonora del fin del mundo tiene un nuevo invitado. En su tercer disco, el “En “En los los noventa noventa no no habían habían medios medios “San Sebastián” Sebastián” (2011) (2011) de de Fernando Fernando Milagros. Milagros. La La banda banda sonora sonora que permitieran tener información actualizada de mis bandas fav del fin del mundodeltiene un nuevo invitado. En su tercer disco, el cantautor nacional musicaliza el apocalipsis con poesía y sudor, que permitieran tener información que permitieran tener información fi n del mundo tiene un nuevo invitado. En su tercer disco, el del fin del mundo tiene un nuevo invitado. En su tercer disco, el actualizada de mis bandas favoritas.Corrían múltiples rumores so cantautor nacional musicaliza el apocalipsis con poesía y sudor, para salir airoso con uno de los mejores trabajos locales de la actualizada de mis bandas favoritas. de mis bandas favoritas. cantautor cantautor nacional nacional musicaliza musicaliza elel apocalipsis apocalipsis con con poesía poesía yy sudor, sudor, Corrían múltiplesactualizada rumores sobre saludla de Laynesobre Staley; se decía que para salir airosopara con uno deairoso los mejores trabajos locales de la locales de la temporada. Corrían múltiples múltiples rumores rumores sobre lala para salir salir airoso con con uno uno de de los los mejores mejores trabajos trabajos locales de lasalud de Layne Staley;Corrían se decía que había perdido uno de sus brazos, que temporada. salud salud de de Layne Layne Staley; Staley;se se decía decía que que había había temporada. temporada. perdido uno de perdido sus brazos, que estaba muerto, seque hablaba de su depresió Héctor Aravena uno de sus brazos, estaba perdido uno de sus brazos, que estaba muerto, se hablaba de susedepresión por la su muerte de supor pareja y mucha Héctor Aravena “New Blood” (2011) de Peter Gabriel. Una nueva visión muerto, hablaba de depresión muerto, se hablaba de su depresión por Héctor Aravena Héctor Aravena la muerte de su lapareja y muchas cosas más... Hasta cosas que en una edición “New Blood” (2011) de Peter Gabriel. Una nueva orquestada devisión los clásicos del maestro británico, interpretados la muerte muerte de de su su pareja pareja yy muchas muchas cosas “New “New Blood” Blood” (2011) (2011) de de Peter Peter Gabriel. Gabriel. Una Una nueva nueva visión visión más... Hasta que en una edición de la revista Metal Hammer, que reci orquestada de los clásicos del maestro británico, interpretados con una vehemencia vocal, simplemente desgarradora. más... más...Hasta Hasta que que en en una una edición edición de de lala orquestada orquestada de de los los clásicos clásicos del del maestro maestro británico, británico, interpretados interpretados revista Metal Hammer, que recibí conmeses tres de desfase, leí que la ba con una vehemencia vocal, simplemente desgarradora. revista Metal Hammer, que recibí con revista Metal Hammer, que recibí con con con una una vehemencia vehemencia vocal, vocal, simplemente simplemente desgarradora. leí que la banda se que latrabajando encontraba en su tercer Rodrigo Bravo desgarradora. tres meses de desfase, tres tres meses meses de de desfase, desfase,leí leí que la banda banda se se encontraba trabajando en su tercer disco, el homónimo de 1995. Después Rodrigo Bravo “2” (2011) de Black Country Communion. 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Lo Lo vino nuevamente exper la incertidumbre, la cancelación de giras, los rumores mejor... el disco mejor... sigue madurando bien con el correrbien de los meses. vino vino nuevamente nuevamente lala incertidumbre, incertidumbre,lala mejor... elel disco disco sigue sigue madurando madurando bien con con elel correr correr de de los los meses. meses. aUnpl Maq cancelación de giras, los rumores sobre Layne... Todo esto hasta el Claudio Ibarra cancelación cancelación de de giras, giras,los los rumores rumores sobre sobre vivo. Todo esto hasta el Unplugged para MTV.elAhí estaban Jerry, Mike, Claudio Ibarra “Roots” (2011) de Johnny Winter. El albino deLayne... Texas renueva Layne... Layne...Todo Todo esto esto hasta hasta el Unplugged Unplugged Claudio Ibarra Claudio Ibarra para MTV. Ahí estaban Jerry, Mike, Sean y Mike,Layne. porJerry, supuesto Una banda de “Roots” (2011) de Johnny Winter. El albino de Texas renueva sus votos de viejo blusero, con un disco de clásicos covers a la para MTV. Ahí estaban para MTV. Ahí estaban Jerry, Mike,Sean Sean yy “Roots” “Roots” (2011) (2011) de de Johnny Johnny Winter. Winter. ElEl albino albino de de Texas Texas renueva renueva por supuesto Layne. “Recu Una banda desnuda, que no necesitaba distorsión p sus votos de viejo blusero,de con un disco de clásicos covers a la música del alma, una muestra que el tornado del estado de lasupuesto por por supuesto Layne. Layne.Una Una banda banda desnuda, desnuda, sus sus votos votos de viejo viejo blusero, blusero, con con un un disco disco de de clásicos clásicos covers covers aa lala que no necesitaba con m distorsión para ser densa, una guitarra que no nece música del alma,música una muestra que el tornado del estado de la estrella solitaria, aún siguedel vivo. que que no no necesitaba necesitaba distorsión distorsión para para ser ser música del del alma, alma, una una muestra muestra que que elel tornado tornado del estado estado de de lala densa, una guitarra calle que no guitarra necesitabahacer pirotecnia para ser virtuS estrella solitaria,estrella aún sigue vivo. aún sigue vivo. densa, densa,una una guitarra que que no no necesitaba necesitaba estrella solitaria, solitaria, aún sigue vivo. se pod hacer pirotecnia para ser virtuosa. 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Feelingmaestro. para regalar en un fi no disco de hard rock lleno de grandes invitados. decadencia, las velas hacían su las velas hacían presagiar su maestro. Feeling Feeling para para regalar regalar en en un un fifino no disco disco de de hard hard rock rock lleno llenomuerte, pero sudecadencia, fuimo voz aún estabasuviva. Ade ese concierto, partiraún la banda es de grandes invitados. muerte, muerte,pero pero su voz voz aún estaba estaba viva. viva.AA de de grandes grandes invitados. invitados. descu partir de ese concierto, la banda escaló al Olimpo del rock, donde solo habi Alejandro Marín partir partir de de ese ese concierto, concierto,lala banda banda escaló escaló alal parte Olimpo del rock, solorock, habitan los solo habitan los trascende Alejandro Marín “Uno” (2000) de La Ley. Para mí, lejos la mejor producción endonde la del Olimpo donde Olimpo del rock, donde solo habitan los Alejandro Marín Alejandro Marín así qu “Uno” (2000) de“Uno” La Ley. 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Ejercicio de memoria
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ienvenidos otra vez a esta zona de recuerdos, donde sacudimos la memoria emotiva del rock para revivir grandes momentos. El regreso a nuestras tierras de Faith No More es la ocasión perfecta para poner el foco en los californianos encabezados por Mike Patton. El momento que inmortalizamos es el inolvidable viernes 8 de septiembre de 1995, en la segunda jornada del ciclo Monsters Of Rock. El texto elegido es el enviado por José Vásquez, quien nos cuenta su experiencia aquella afiebrada noche. Recibe como premio una entrada a Maquinaria, para volver a disfrutar del poder de Faith No More en vivo. “Recuerdo que fue un día de lluvia, a comienzos de la primavera. Fui con mi mejor amigo Cristian, avanzando a través de una llenísima calle San Diego. En plena ansiedad por entrar, corrió la voz de que se podía entrar por una puerta trasera del teatro Monumental, hoy Caupolicán. Dimos la vuelta y encontramos el ingreso, donde, sorpresa, no había nadie. El pasadizo llevaba directamente a una despoblada galería, donde tratamos de buscar los mejores puestos. Así, fuimos descendiendo por las escaleras para estar más cerca, cuando descubrimos que unos cuantos de los asistentes se colaban desde la parte alta hacia la cancha. El panorama iba mejorando para nosotros, así que, en un acto desafiante hicimos lo mismo: Pero lo mejor estaba por venir, ya que cuando unos pocos ya nos habíamos pasado muchos otros copiaron la idea y fue el principio del caos. No pocos se arrojaron
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sin una salvaguarda para acolchar la caída. Fueron numerosos los que definitivamente cayeron mal. El bizarro espectáculo amenizó el proceso de entrada, en una retorcida normalidad. Más tarde, con el teatro a plena capacidad, el desorden fue total: un tipo meando a la cancha desde la galería, unos pocos haciendo mosh....otros tirándole lo que se encontraban al meón de la galucha. Con el show de Paradise Lost, el rock and roll concentraba toda la atención de la muchedumbre. Que yo recuerde, de todos los shows que he ido -que son muchos- nunca había escuchado una banda que sonara tan perfecto. El sonido era impecable, del mejor nivel. Con su presentación, empezaron también los primeros “escupitajos”. Sale Faith No More y el Monumental se viene abajo. Euforia, rabia acumulada y muchos tipos pasados en revoluciones. Su presentación fue notable, los hits sonaban a full. Mike Patton era un verdadero energúmeno y el furor se apoderó de miles de almas. Los escupos caían como lluvia en invierno. En un momento, Patton le reclamó al sonidista que su línea no sonaba, tras lo cual le lanzó el micrófono, el que cayó en medio del público. Supongo que se hizo mierda. El aire que se respiraba era cálido, aparecen los desmayos, así que luego el evento era más una batalla por salvarse que ir a escuchar a tu banda favorita. ‘We Care a Lot’ suena potente y estremecedora. Para cuando sonó ‘Epic’ yo ya estaba sin voz tanto gritar. Después de poco más de una hora de actuación, el arrollador final fue con ‘From Out of Nowhere’ Una vez terminado el concierto, necesitábamos imperiosamente hidratarnos para enfrentar lo que se venía: El Príncipe de las Tinieblas, por primera vez en Chile....Ozzy....pero eso ya es otra historia. Gracias a Faith No More esa noche fue inolvidable”.
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El playlist de Rockaxis Este mes, Cristián Pavez
‘Kicking & Screaming’ de Sebastian Bach
El ex Skid Row vuelve a la carga con un disco de Hard Rock potente, de filo moderno y que demuestra que a sus cuarenta y tres años sigue plenamente vigente, siempre rodeado de músicos de primera fila como el joven guitarrista Nick Sterling y el drum master Bobby Jarzombek. (Encuéntralo en “Kicking & Screaming”, 2011)
‘Speedin’
de Reckless Love
Reckless Love demuestra que los sonidos y la influencia de íconos del Hard Rock de los ochenta como Def Leppard, Dokken, Ratt y Scorpions no pierde fuerza ni vigencia, y es puesta al día con frescura mediante un groove salvaje y divertido. (Encuéntralo en “Animal Attraction”, 2011)
‘Blood Red Skies’ de Judas Priest
Esta canción nunca antes había sido interpretada en vivo y lo hicieron en el Movistar Arena con una versión totalmente épica y epopéyica, a la altura de su inmensa leyenda. (Encuéntralo en “Ram It Down”, 1988)
‘Teutonic Terror’ de Accept
Los germanos liderados por guitarrista Wolf Hoffmann, se despacharon quizás el mejor regreso de la década en el Heavy Metal con un álbum monstruosamente inspirado y como si fuera poco, realizaron el mejor concierto de metal de este año en Chile. Ni antes ni después ha habido un concierto tan impresionante como ese, aunque el de Judas Priest le pega en el palo. (Encuéntralo en “Blood Of The Nations”, 2010)
‘Love Will Set You Free’ de Whitesnake
La entrepierna del legendario vocalista británico David Coverdale sigue siendo una de sus principales fuentes de inspiración a la hora de componer esos himnos cargados de sexualidad. Con menos voz que antes, pero con la misma actitud y clase, “Cov” y su armada de músicos norteamericanos también se matriculan con uno de los mejores discos de Hard Rock del año. (Encuéntralo en “Forevermore”, 2011)
‘Fight’em ‘Til You Can’ de Anthrax
Con su nuevo disco, el combo thrasher de Nueva York confirma sus pergaminos con un disco demoledor, que originalmente estaba
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pensado para la voz de John Bush pero al cual Joey Belladonna le termina sacando brillo.Y qué mejor carta de presentación que un tema de temática zombie trayendo al presente todo el power groove del Anthrax ochentero. (Encuéntralo en “Worship Music”, 2011)
‘We Could Be Together’ de Loudness
Amantes del la cultura occidental, los japoneses siempre han tenido una especial devoción por el Heavy Metal, por ello, poco tardaron en tener su propia gran banda y su propio “Eddie Van Halen” local en la figura del tremendo guitarrista Akira Takasaki. Plenamente activos y vigentes, este fue el primer disco de Loudness en triunfar internacionalmente y esta canción representa una gran muestra de ese diamante de la tierra del sol naciente. (Encuéntrala en “Thunder In The East”, 1985)
‘Stained Glass Sky’ de Arch/Matheos
El cetro a mejor disco de Metal Progresivo del año debería recaer en el proyecto Arch/Matheos. Creado por el vocalista original de Fates Warning, John Arch, junto al también guitarrista de FW, Jim Matheos, esta canción demuestra en sus catorce minutos de duración que el arte no tiene límites menos para la mente febril de sus creadores. Una real obligación para los amantes del estilo. (Encuéntrala en “Sympathetic Resonance”, 2011)
‘How Long’
de Michael Schenker
Un regreso para ponerse de pie. El legendario guitarrista alemán Michael Schenker (Scorpions, UFO, MSG), se levanta de sus cenizas y vuelve con un inspirado disco de celebración de sus 40 años de trayectoria, con una lista de célebres invitados que incluye al gran baterista Simon Philips de Toto, junto a quien demuestra que la clase y la elegancia jamás se pierden. (Encuéntrala en “Temple Of Rock”, 2011)
‘Riot’ de Riot
Reuniendo a la misma formación de grandes discos como “Thundersteel” (1988) y “Privilege Of Power” (1990), la legendaria banda de culto norteamericana Riot vuelve con un álbum pletórico de Heavy Metal clásico. Cuando el estilo vive un “revival” de la mano de una camada global de jóvenes bandas que buscan recrear los sonidos de los ochenta, qué mejor que un viejo lobo les marque la senda con una verdadera declaración de principios en ‘Riot’ el tema y por Riot la banda. Simplemente notable. (Encuéntrala en “Inmortal Soul”, 2011)
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Ejercicio CHILE de memoria VOODOO
N B
Presuntos implicados
o será un gran negocio el rock chileno, pero su baja rentabilidad ha hecho que se salve de ser privatizado. Es más, aportes ienvenidos otra vez asalvo esta ocasionales zona de recuerdos, de marcas de alcohol o ropa –que aportan donde sacudimos la memoria emotiva del rock mercadería en nuestro país no hay para revivir usualmente-, grandes momentos. El regreso capitales empresas invertidos en ningún a nuestrasdetierras de Faith No More es la tipo de proyecto musical, ocasión perfecta paracomo ponersíelocurre foco entodavía los en el extranjero. Basta revisar los nominados a los por Grammy californianos encabezados Mike latinos, Patton. oEl los megaconciertos por momento los que nuestro país paga muy es caro, para sentir que inmortalizamos el inolvidable el verde aroma de los dólares. música local, por por viernesLa 8 de septiembre de descarte 1995, en (y la no segunda alguna consigna barata),jornada es pública. Nos pertenece a todos. del ciclo Monsters Of Rock. El Una proporción cada vezpor más grande de grupos y solistas regalan texto elegido es el enviado José Vásquez, quien nos cuenta su su material en línea. Lasafiebrada tocatas, noche. aunqueRecibe suelen como empezar tardeuna paraentrada forzar experiencia aquella premio el consumo depara alcohol, no ason caras (por tres mil es posible ver a Maquinaria, volver disfrutar del poder depesos, Faith No More en en vivo la solidez de Cómo Asesinar a Felipes o The Ganjas). La oferta vivo. es amplia. Hay calidad de sobra. El rock chileno cumple con la mayoría de las acepciones palabraa “popular”¨: es del pueblo, viene “Recuerdo que fueque untiene día dela lluvia, comienzos de la primavera. Fui desde y puede ser costeado bolsillosa través menosde favorecidos. Su gran con miélmejor amigo Cristian, por avanzando una llenísima vacío estáDiego. en la falta de reconocimiento del público que no calle San En plena ansiedad por entrar, corriómayoritario, la voz de que lo a sus tradiciones. se integra podía entrar por una puerta trasera del teatro Monumental, enemigo esDimos un cúmulo de malas costumbres. Una de las peores hoy El Caupolicán. la vuelta y encontramos el ingreso, donde, es la simple cuestionamiento. El mundo es demasiado grande sorpresa, nofalta habíadenadie. El pasadizo llevaba directamente a una como para que, salvodonde excepciones regla, sean siempre despoblada galería, tratamosque de alimentan buscar los lamejores puestos. Así, norteamericanos e ingleses artistas para angloestar que más conozcamos. Lo fuimos descendiendo por laslosescaleras cerca, cuando mismo pasa con música en español, porque lassepotencias regionales descubrimos quelaunos cuantos de los asistentes colaban desde la también repiten, siguiendo una línea iba quemejorando no tiene nada artístico, parte altasehacia la cancha. El panorama paradenosotros, sino queen más a premiarhicimos a los mismos de siempre. los que así que, untiende acto desafiante lo mismo: Pero loAmejor estaba ni necesitan de ununos paíspocos como ya Chile seguirpasado existiendo. porsiquiera venir, ya que cuando nos para habíamos muchos ¿Acaso alguien podría enprincipio serio quedel de caos. verdadNotodo el talento otros copiaron la idea creer y fue el pocos se arrojaron
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Por Andrés Panes se concentra en las grandes economías mundiales y en los mercados discográficos más robustos? Creer eso es partir con el pie izquierdo, apoyarnos en una premisa absurda.la caída. Fueron numerosos los sin una salvaguarda para acolchar suficiente genuflexión hacia culturas foráneas como queHay definitivamente cayeron mal. El algunas bizarro espectáculo amenizó el para, másdeencima, entregar Escuchar que ocurre proceso entrada, en una nuestras retorcidaorejas. normalidad. Máslotarde, con el en nuestro paíscapacidad, es consumir de generación espontánea. teatro a plena el contracultura desorden fue total: un tipo meando a la Es una forma rebelarse. Lapocos resistencia partemosh....otros en casa y se fortalece cancha desde de la galería, unos haciendo tirándole lo por grupalaldemeón las desventajas del ambiente discográfico que elseanálisis encontraban de la galucha. patrio, vencerlas el debut detoda Conenfocado el show en de cómo Paradise Lost, ellimpiamente. rock and rollEn concentraba esta columna, algunos meses, usamos la figura de deltodos baterista Iván la atención de hace la muchedumbre. Que yo recuerde, los shows Molina (Emociones Santos Philipina Bitch que he ido -que son Clandestinas, muchos- nunca habíaDumont, escuchado una banda quey un largo y sus El tressonido décadas carrera para lo pequeño sonaraetcétera) tan perfecto. erade impecable, del graficar mejor nivel. Con su que es Chile y empezaron lo fácil que también es toparse músicos“escupitajos”. en el camino. Pueblo presentación, loscon primeros chico, infierno grande: llama el problema. Pero la moneda Sale Faith No Moreasí y elseMonumental se viene abajo. Euforia,tiene rabia cara y sello:ylamuchos pequeñez delpasados circuitoensonoro chileno Su también ofrece acumulada tipos revoluciones. presentación una ventana.los hits sonaban a full. Mike Patton era un verdadero fue notable, De tanto compartir escenarios, productores, fichajes esfuerzos en energúmeno y el furor se apoderó de miles de almas. Losyescupos general, varios sellos independientes en su rol de entes al de caían como lluvia en invierno. En un nacionales, momento, Patton le reclamó la resistencia, decidieron oficializar bajo el sonidista que su línea no sonaba, trassuloacción cual leconjunta, lanzó el unidos micrófono, nombre IMIen (Industria Musical Independiente). Loshizo involucrados el que cayó medio del público. Supongo que se mierda. son Algorecords, Potoco Discos, Discos TueEl aire que seQuemasucabeza, respiraba era cálido, aparecen losCazador, desmayos, así que Tue y Discos Ríoera Bueno. Seisbatalla nombres podrían presuntos luego el evento más una porque salvarse queser ir alos escuchar a implicados del mayor contra la abulia, a la nueva música tu banda favorita. ‘Wecomplot Care a Lot’ suena potentefrente y estremecedora. chilena, que se recuerde en ya losestaba últimos Ungritar. golpeDespués necesario. Para cuando sonó ‘Epic’ yo sin10 vozaños. tanto de Se mantiene deactuación, cada etiqueta, pero nacefinal unafue instancia para poco más ladeautonomía una hora de el arrollador con ‘From la coordinación entre en la que destaca como una de las ideas Out of Nowhere’ Unaellas, vez terminado el concierto, necesitábamos más inteligentes en la corta historia de estas lo pequeñas compañías. Ya lo imperiosamente hidratarnos para enfrentar que se venía: El Príncipe dijo Pink Floyd en ‘Hey You’: vez “juntos, seguimos en pie; divididos, nosotra de las Tinieblas, por primera en Chile....Ozzy....pero eso ya es caemos”. historia. Gracias a Faith No More esa noche fue inolvidable”.
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Presuntos implicados
o será un gran negocio el rock chileno, pero su baja rentabilidad ha hecho que se salve de ser privatizado. Es más, salvo ocasionales aportes de marcas de alcohol o ropa –que aportan mercadería usualmente-, en nuestro país no hay capitales de empresas invertidos en ningún tipo de proyecto musical, como sí ocurre todavía en el extranjero. Basta revisar los nominados a los Grammy latinos, o los megaconciertos por los que nuestro país paga muy caro, para sentir el verde aroma de los dólares. La música local, por descarte (y no por alguna consigna barata), es pública. Nos pertenece a todos. Una proporción cada vez más grande de grupos y solistas regalan su material en línea. Las tocatas, aunque suelen empezar tarde para forzar el consumo de alcohol, no son caras (por tres mil pesos, es posible ver en vivo la solidez de Cómo Asesinar a Felipes o The Ganjas). La oferta es amplia. Hay calidad de sobra. El rock chileno cumple con la mayoría de las acepciones que tiene la palabra “popular”¨: es del pueblo, viene desde él y puede ser costeado por bolsillos menos favorecidos. Su gran vacío está en la falta de reconocimiento del público mayoritario, que no lo integra a sus tradiciones. El enemigo es un cúmulo de malas costumbres. Una de las peores es la simple falta de cuestionamiento. El mundo es demasiado grande como para que, salvo excepciones que alimentan la regla, sean siempre norteamericanos e ingleses los artistas anglo que conozcamos. Lo mismo pasa con la música en español, porque las potencias regionales también se repiten, siguiendo una línea que no tiene nada de artístico, sino que más tiende a premiar a los mismos de siempre. A los que ni siquiera necesitan de un país como Chile para seguir existiendo. ¿Acaso alguien podría creer en serio que de verdad todo el talento
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Por Andrés Panes se concentra en las grandes economías mundiales y en los mercados discográficos más robustos? Creer eso es partir con el pie izquierdo, apoyarnos en una premisa absurda. Hay suficiente genuflexión hacia algunas culturas foráneas como para, más encima, entregar nuestras orejas. Escuchar lo que ocurre en nuestro país es consumir contracultura de generación espontánea. Es una forma de rebelarse. La resistencia parte en casa y se fortalece por el análisis grupal de las desventajas del ambiente discográfico patrio, enfocado en cómo vencerlas limpiamente. En el debut de esta columna, hace algunos meses, usamos la figura del baterista Iván Molina (Emociones Clandestinas, Santos Dumont, Philipina Bitch y un largo etcétera) y sus tres décadas de carrera para graficar lo pequeño que es Chile y lo fácil que es toparse con músicos en el camino. Pueblo chico, infierno grande: así se llama el problema. Pero la moneda tiene cara y sello: la pequeñez del circuito sonoro chileno también ofrece una ventana. De tanto compartir escenarios, productores, fichajes y esfuerzos en general, varios sellos independientes nacionales, en su rol de entes de la resistencia, decidieron oficializar su acción conjunta, unidos bajo el nombre IMI (Industria Musical Independiente). Los involucrados son Algorecords, Quemasucabeza, Potoco Discos, Cazador, Discos TueTue y Discos Río Bueno. Seis nombres que podrían ser los presuntos implicados del mayor complot contra la abulia, frente a la nueva música chilena, que se recuerde en los últimos 10 años. Un golpe necesario. Se mantiene la autonomía de cada etiqueta, pero nace una instancia para la coordinación entre ellas, en la que destaca como una de las ideas más inteligentes en la corta historia de estas pequeñas compañías.Ya lo dijo Pink Floyd en ‘Hey You’: “juntos, seguimos en pie; divididos, nos caemos”.
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Ejercicio CHILE de memoria VOODOO
o será un gran negocio el rock o The Ganjas). La oferta es amplia. Hay cali- en serio que de verdad todo el talento se conchileno, pero su baja rentabili- dad de sobra. El rock chileno cumple con la centra en las grandes economías mundiales y dad ha hecho que se salve de mayoría de las acepciones que tiene la pal- en los mercados discográficos más robustos? ser privatizado. Es más, salvo abra “popular”¨: es del pueblo, viene desde Creer eso es partir con el ocasionales aportes de marcas él y puede ser costeado por bolsillos menos pie izquierdo, apoyarnos en una premisa abde alcohol o ropa –que aportan mercadería favorecidos. Su gran vacío está en la falta de surda. usualmente-, en nuestro país no hay capita- reconocimiento del público mayoritario, que Hay suficiente genuflexión hacia algunas les de empresas invertidos en ningún tipo de no lo integra a sus tradiciones. culturas foráneas como para, más encima, enproyecto musical, como sí ocurre todavía en El enemigo es un cúmulo de malas cos- tregar nuestras orejas. Escuchar lo que ocurre el extranjero. Basta revisar los nominados tumbres. Una de las peores es la simple falta en nuestro país es consumir contracultura de a los Grammy latinos, o los megaconcier- de cuestionamiento. El mundo es demasiado generación espontánea. Es una forma de retos por los que nuestro país paga muy caro, grande como para que, salvo excepciones que belarse. La resistencia parte en casa y se forpara sentir el verde aroma de los dólares. La alimentan la regla, sean siempre norteameri- talece por el análisis grupal de las desventajas música local, por descarte (y no por alguna canos e ingleses los artistas anglo que conoz- del ambiente discográfico patrio, enfocado consigna barata), es pública. Nos pertenece camos. en cómo vencerlas limpiamente. En el debut Panes hace algunos meses, usamos a todos. Lo mismo pasa con la música en español, PordeAndrés esta columna, Una proporción cada vez más grande de porque las potencias regionales también se la figura del baterista yIván (Emocioo será un gran negocio el rock chileno, pero su se concentra en las grandes economías mundiales en losMolina mercados grupos y solistas regalan su material en línea. repiten, siguiendo una línea que no tiene nes Clandestinas, Santos Dumont, Philipina baja rentabilidad ha hecho que se salve de ser discográficos más robustos? Creer eso es partir con el pie izquierdo, Las tocatas, aunque privatizado. suelen empezar tarde nada de artístico, sino que más tiende a preBitch y un largo etcétera) y sus tres Es más, aportes apoyarnos en una premisa absurda.la caída. Fueron numerosos los décadas ienvenidos otra vez asalvo esta ocasionales zona de recuerdos, sin una salvaguarda para acolchar para forzar el consumo de sacudimos alcohol, no son aaportan losdel mismos A los quegenuflexión ni demal. carrera para graficar lo amenizó pequeño de marcas de alcohol o ropa miar –que suficiente hacia culturas foráneas como donde la memoria emotiva rock de siempre. queHay definitivamente cayeron El algunas bizarro espectáculo elque es caras (por tres mil pesos, es posible vermomentos. en en siquiera necesitan país como Chile para y loorejas. fácil que es toparse músicos en mercadería usualmente-, nuestro país no hayde un para, másdeencima, entregar nuestras Escuchar quecon ocurre para revivir grandes El regreso proceso entrada, en unaChile retorcida normalidad. Máslotarde, con el vivo la solidez de Cómo Asesinar a Felipes seguir existiendo. ¿Acaso alguien podría creer el camino. Pueblo chico, infierno grande: así capitales empresas invertidos en ningún en nuestro paíscapacidad, es consumir de generación espontánea. a nuestrasdetierras de Faith No More es la tipo teatro a plena el contracultura desorden fue total: un tipo meando a la se el problema. de proyecto musical, Es una forma rebelarse. Lallama resistencia partemosh....otros en Pero casa ylasemoneda fortalece ocasión perfecta paracomo ponersíelocurre foco entodavía los cancha desde de la galería, unos pocos haciendo tirándole lo ydel sello: la pequeñez del circuito en el extranjero. Basta revisar los nominados a los por Grammy por grupalaldemeón lastiene desventajas ambiente discográfico californianos encabezados Mike latinos, Patton. oEl que elseanálisis encontraban de lacara galucha. sonoro chileno también ofrece ventana. los megaconciertos por momento los que nuestro país paga muy es caro, para sentir patrio, vencerlas limpiamente. el debutuna detoda que inmortalizamos el inolvidable Conenfocado el show en de cómo Paradise Lost, el rock and rollEn concentraba De tanto compartir escenarios, producel verde aroma de los dólares. música local, por por esta columna, algunos meses, usamos la figura de deltodos baterista Iván viernesLa 8 de septiembre de descarte 1995, en (y la no segunda la atención de hace la muchedumbre. Que yo recuerde, los shows tores, fichajes y esfuerzos en general, varios alguna consigna barata),jornada es pública. Nos pertenece a todos. Molina (Emociones Santos Philipina Bitch del ciclo Monsters Of Rock. El que he ido -que son Clandestinas, muchos- nunca habíaDumont, escuchado una banda quey un sellos nacionales, en Una proporción cada vezpor más grande de grupos y solistas regalan largo y sus El tressonido décadas de carrera para lo pequeño texto elegido es el enviado José Vásquez, quien nos cuenta su su sonaraetcétera) tan perfecto. eraindependientes impecable, del graficar mejor nivel. Consusurol de entes delosla resistencia, oficializar material en línea. Lasafiebrada tocatas, noche. aunqueRecibe suelen como empezar tardeuna paraentrada forzar que es Chile y empezaron lo fácil que también es toparse con músicos“escupitajos”. endecidieron el camino. Pueblo experiencia aquella premio presentación, primeros su acción conjunta, unidos crados son el consumo depara alcohol, no ason caras (por tres mil es posible ver chico, infierno grande: llama el problema. Pero la moneda a Maquinaria, volver disfrutar del poder depesos, Faith No More en Sale Faith No Moreasí y elseMonumental se viene abajo. Euforia,tiene rabiaAlgorecords, Quemasucabeza, Potoco en vivo la solidez de Cómo Asesinar a Felipes o The Ganjas). La oferta cara y sello:ylamuchos pequeñez delpasados circuitoensonoro chileno Su también ofreceDiscos, vivo. acumulada tipos revoluciones. presentación Cazador, Discos Tue-Tue Discos Río Buees amplia. Hay calidad de sobra. El rock chileno cumple con la mayoría una ventana.los hits sonaban fue notable, a full. Mike Patton era un yverdadero no. Seis de nombres podrían ser los presunde las acepciones palabraa “popular”¨: es del pueblo, viene De tanto compartir escenarios, productores, fichajes esfuerzos en “Recuerdo que fueque untiene día dela lluvia, comienzos de la primavera. Fui energúmeno y el furor se apoderó miles deque almas. Losyescupos tos implicados del mayor complot desde y puede ser costeado bolsillosa través menosde favorecidos. Su gran general, varios sellos independientes en su rol de entescontra de la con miélmejor amigo Cristian, por avanzando una llenísima caían como lluvia en invierno. En un nacionales, momento, Patton le reclamó al abulia,tras frente nueva música chilena, vacío estáDiego. en la falta de reconocimiento del público que no la resistencia, decidieron oficializar suloacción unidos bajo el que calle San En plena ansiedad por entrar, corriómayoritario, la voz de que sonidista que su línea no sonaba, cuallaleconjunta, lanzó el micrófono, se recuerde en los 10 años. son Un gollo a sus tradiciones. nombre IMIen (Industria Musical Independiente). Loshizo involucrados se integra podía entrar por una puerta trasera del teatro Monumental, el que cayó medio del público. Supongo queúltimos se mierda. necesario. Selos mantiene la así autonomía de enemigo esDimos un cúmulo de malas costumbres. Una de las peores Algorecords, Potoco Discos, Cazador, Discos Tuehoy El Caupolicán. la vuelta y encontramos el ingreso, donde, El aire que seQuemasucabeza, respiraba erape cálido, aparecen desmayos, que cada etiqueta, pero nace una instancia para es la simple cuestionamiento. El mundo es demasiado grande Tue y Discos Ríoera Bueno. Seisbatalla nombres podrían presuntos sorpresa, nofalta habíadenadie. El pasadizo llevaba directamente a una luego el evento más una porque salvarse queser ir alos escuchar a entre la que destaca como para que, salvodonde excepciones regla, sean siempre implicados del mayor contra la abulia, frente a laennueva música despoblada galería, tratamosque de alimentan buscar los lamejores puestos. Así, tu banda favorita. ‘Wecomplot Carelaacoordinación Lot’ suena potente yellas, estremecedora. unasin de10 las ideas más en la norteamericanos e ingleses artistas para angloestar que más conozcamos. Lo chilena, que se recuerde encomo losestaba últimos años. Ungritar. golpeinteligentes necesario. fuimos descendiendo por laslosescaleras cerca, cuando Para cuando sonó ‘Epic’ yo ya voz tanto Después de Se cortaetiqueta, historia de estas pequeñas compañías. mismo pasa con música en español, porque lassepotencias regionales mantiene deactuación, cada pero nacefinal una instancia para descubrimos quelaunos cuantos de los asistentes colaban desde la poco más ladeautonomía una hora de el arrollador fue con ‘From dijo destaca Pink Floyd ‘Hey también repiten, siguiendo una línea iba quemejorando no tiene nada artístico, la coordinación entre en lo la que comoen una de lasYou’: ideas“juntos, parte altasehacia la cancha. El panorama paradenosotros, Out of Nowhere’ Unaellas, vez Ya terminado el concierto, necesitábamos seguimos en pie; divididos, nos caemos”. sino queen más a premiarhicimos a los mismos de siempre. los que más inteligentes en la corta historia de estas lo pequeñas compañías. Ya lo así que, untiende acto desafiante lo mismo: Pero loAmejor estaba imperiosamente hidratarnos para enfrentar que se venía: El Príncipe ni necesitan de ununos paíspocos como ya Chile seguirpasado existiendo. dijo Pink Floyd en ‘Hey You’: vez “juntos, seguimos en pie; divididos, nosotra porsiquiera venir, ya que cuando nos para habíamos muchos de las Tinieblas, por primera en Chile....Ozzy....pero eso ya es ¿Acaso alguien podría enprincipio serio quedel de caos. verdadNotodo el talento caemos”. otros copiaron la idea creer y fue el pocos se arrojaron historia. Gracias a Faith No More esa noche fue inolvidable”.
N B
22III ROCKAXIS 30
Presuntos implicados
BACKSTAGE
VOODOO CHILE
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Presuntos implicados
o será un gran negocio el rock chileno, pero su baja rentabilidad ha hecho que se salve de ser privatizado. Es más, salvo ocasionales aportes de marcas de alcohol o ropa –que aportan mercadería usualmente-, en nuestro país no hay capitales de empresas invertidos en ningún tipo de proyecto musical, como sí ocurre todavía en el extranjero. Basta revisar los nominados a los Grammy latinos, o los megaconciertos por los que nuestro país paga muy caro, para sentir el verde aroma de los dólares. La música local, por descarte (y no por alguna consigna barata), es pública. Nos pertenece a todos. Una proporción cada vez más grande de grupos y solistas regalan su material en línea. Las tocatas, aunque suelen empezar tarde para forzar el consumo de alcohol, no son caras (por tres mil pesos, es posible ver en vivo la solidez de Cómo Asesinar a Felipes o The Ganjas). La oferta es amplia. Hay calidad de sobra. El rock chileno cumple con la mayoría de las acepciones que tiene la palabra “popular”¨: es del pueblo, viene desde él y puede ser costeado por bolsillos menos favorecidos. Su gran vacío está en la falta de reconocimiento del público mayoritario, que no lo integra a sus tradiciones. El enemigo es un cúmulo de malas costumbres. Una de las peores es la simple falta de cuestionamiento. El mundo es demasiado grande como para que, salvo excepciones que alimentan la regla, sean siempre norteamericanos e ingleses los artistas anglo que conozcamos. Lo mismo pasa con la música en español, porque las potencias regionales también se repiten, siguiendo una línea que no tiene nada de artístico, sino que más tiende a premiar a los mismos de siempre. A los que ni siquiera necesitan de un país como Chile para seguir existiendo. ¿Acaso alguien podría creer en serio que de verdad todo el talento
30III ROCKAXIS
Por Andrés Panes se concentra en las grandes economías mundiales y en los mercados discográficos más robustos? Creer eso es partir con el pie izquierdo, apoyarnos en una premisa absurda. Hay suficiente genuflexión hacia algunas culturas foráneas como para, más encima, entregar nuestras orejas. Escuchar lo que ocurre en nuestro país es consumir contracultura de generación espontánea. Es una forma de rebelarse. La resistencia parte en casa y se fortalece por el análisis grupal de las desventajas del ambiente discográfico patrio, enfocado en cómo vencerlas limpiamente. En el debut de esta columna, hace algunos meses, usamos la figura del baterista Iván Molina (Emociones Clandestinas, Santos Dumont, Philipina Bitch y un largo etcétera) y sus tres décadas de carrera para graficar lo pequeño que es Chile y lo fácil que es toparse con músicos en el camino. Pueblo chico, infierno grande: así se llama el problema. Pero la moneda tiene cara y sello: la pequeñez del circuito sonoro chileno también ofrece una ventana. De tanto compartir escenarios, productores, fichajes y esfuerzos en general, varios sellos independientes nacionales, en su rol de entes de la resistencia, decidieron oficializar su acción conjunta, unidos bajo el nombre IMI (Industria Musical Independiente). Los involucrados son Algorecords, Quemasucabeza, Potoco Discos, Cazador, Discos TueTue y Discos Río Bueno. Seis nombres que podrían ser los presuntos implicados del mayor complot contra la abulia, frente a la nueva música chilena, que se recuerde en los últimos 10 años. Un golpe necesario. Se mantiene la autonomía de cada etiqueta, pero nace una instancia para la coordinación entre ellas, en la que destaca como una de las ideas más inteligentes en la corta historia de estas pequeñas compañías.Ya lo dijo Pink Floyd en ‘Hey You’: “juntos, seguimos en pie; divididos, nos caemos”.
COLUMNA SELLOS
Eje
Por Andrés Panes
B
BACKSTAGE
texto exper a Maq vivo.
Gepe “Audiovisión”
www.quemasucabeza.com
Pedropiedra “Cripta y vida”
los holandeses Mist y el propio Suzuki (junto a Congelador, en un disco en vivo que retrata su show conjunto) también son parte de su listado de álbumes. Eso sí, la especialidad de la casa es la música nacional, cuyos signos vitales han sido leídos con claridad por el sello. En 2005, el compilado “Panorama neutral” juntó en un mismo sitio a buena parte del talento subterráneo de aquel entonces, para luego exportarlo y distribuirlo en Japón, Europa, Estados Unidos y Argentina. Un año después, Javiera Mena con el álbum “Esquemas juveniles” se transformó en el siguiente acierto de la disquera, que en 2009 volvió a dar en el clavo fichando a Chinoy, quien ya era un comentadísimo fenómeno que llenaba a tope todas sus presentaciones en vivo. Este año encuentra a Quemasucabeza embarcado, una vez más, en tomarle el pulso a la contingencia en cuanto a la distribución y difusión de su catálogo. Los últimos estrenos de la compañía han estado disponibles gratuitamente en su sitio, mientras en el plano físico existen en vinilo, formato revitalizado en que ahora es posible encontrar las más recientes obras de Gepe, Caravana (suerte de superbanda liderada por Rodrigo Santis), Pedropiedra y Mostro. “San Sebastián”, la tercera entrega de Fernando Milagros, es el nuevo sabor en el menú de este mes. Un festín para el paladar.
Caravana “Caravana”
E
ran Rodrigo Santis y Walter Roblero, dos de los futuros integrantes de Congelador, que años después usaron el nombre Quemasucabeza para bautizar la pequeña disquera independiente que fundaron. Con un álbum homónimo, lanzado en 1998, el trío inauguró un catálogo que hoy comprende veintinueve títulos y que nunca ha perdido las ganas de proponer. Emblemas del calibre de Pánico, Mostro y Familea Miranda confían sus álbumes en las manos de esta etiqueta, desde la que en 2005 emergió Gepe con una de las obras cumbre del cancionero nacional contemporáneo: su debut en largaduración, “Gepinto”. Lo que, en un comienzo, fue una aventura iniciada gracias a una línea de crédito y la ayuda de amigos, en este momento es un referente básico de la autonomía artística en nuestro país. Pionera por atreverse a existir, cuando todavía era extraño hablar de independencia, la compañía apostó además por el rubro de la producción. Sus logros en ese ámbito incluyen las salidas al extranjero de Congelador, Gepe, Fernando Milagros y Pedropiedra, entre otros créditos locales; así como las venidas a Chile de los baluartes extranjeros Bill Callahan y Damo Suzuki. En ese cambalache de talentos, el inventario de Quemasucabeza se ha engalanado con solistas y grupos internacionales: el argentino Félix,
Mostro “Libre para regurgitar la mente”
Dos compañeros de colegio tenían un fanzine que se llamaba Neutral. Corrían esos noventa en que aún el e-mail no figuraba en la lista de opciones y la oficina de correos era su única alternativa para conseguir material de los grupos que les interesaban, como Mosquito, uno de los proyectos paralelos de Steve Shelley, el baterista de Sonic Youth. Los colegiales amigos le escribieron al sello que editaba a la banda y la respuesta obtenida fue una postal que, en un español tarzanesco, decía “FUMAMOS! QUEMA SU CABEZA!”.
“Recu con m calle S se pod hoy C sorpre despo fuimo descub parte así que por ve otros
22III ROCKAXIS
Carrera de éxitos
Fernando Milagros “San Sebastián”
Quemasucabeza
BACKSTAGE BACKSTAGE
Últimos discos editados por Quemasucabeza:
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COLUMNA SELLOS
Carrera de éxitos Por Andrés Panes
Pedropiedra “Cripta y vida” Gepe “Audiovisión”
los holandeses Mist y el propio Suzuki (junto a Congelador, en un disco en vivo que retrata su show conjunto) también son parte de su listado de álbumes. Eso sí, la especialidad de la casa es la música nacional, cuyos signos vitales han sido leídos con claridad por el sello. En 2005, el compilado “Panorama neutral” juntó en un mismo sitio a buena parte del talento subterráneo de aquel entonces, para luego exportarlo y distribuirlo en Japón, Europa, Estados Unidos y Argentina. Un año después, Javiera Mena con el álbum “Esquemas juveniles” se transformó en el siguiente acierto de la disquera, que en 2009 volvió a dar en el clavo fichando a Chinoy, quien ya era un comentadísimo fenómeno que llenaba a tope todas sus presentaciones en vivo. Este año encuentra a Quemasucabeza embarcado, una vez más, en tomarle el pulso a la contingencia en cuanto a la distribución y difusión de su catálogo. Los últimos estrenos de la compañía han estado disponibles gratuitamente en su sitio, mientras en el plano físico existen en vinilo, formato revitalizado en que ahora es posible encontrar las más recientes obras de Gepe, Caravana (suerte de superbanda liderada por Rodrigo Santis), Pedropiedra y Mostro. “San Sebastián”, la tercera entrega de Fernando Milagros, es el nuevo sabor en el menú de este mes. Un festín para el paladar.
Caravana “Caravana”
E
ran Rodrigo Santis y Walter Roblero, dos de los futuros integrantes de Congelador, que años después usaron el nombre Quemasucabeza para bautizar la pequeña disquera independiente que fundaron. Con un álbum homónimo, lanzado en 1998, el trío inauguró un catálogo que hoy comprende veintinueve títulos y que nunca ha perdido las ganas de proponer. Emblemas del calibre de Pánico, Mostro y Familea Miranda confían sus álbumes en las manos de esta etiqueta, desde la que en 2005 emergió Gepe con una de las obras cumbre del cancionero nacional contemporáneo: su debut en largaduración, “Gepinto”. Lo que, en un comienzo, fue una aventura iniciada gracias a una línea de crédito y la ayuda de amigos, en este momento es un referente básico de la autonomía artística en nuestro país. Pionera por atreverse a existir, cuando todavía era extraño hablar de independencia, la compañía apostó además por el rubro de la producción. Sus logros en ese ámbito incluyen las salidas al extranjero de Congelador, Gepe, Fernando Milagros y Pedropiedra, entre otros créditos locales; así como las venidas a Chile de los baluartes extranjeros Bill Callahan y Damo Suzuki. En ese cambalache de talentos, el inventario de Quemasucabeza se ha engalanado con solistas y grupos internacionales: el argentino Félix,
Mostro “Libre para regurgitar la mente”
Dos compañeros de colegio tenían un fanzine que se llamaba Neutral. Corrían esos noventa en que aún el e-mail no figuraba en la lista de opciones y la oficina de correos era su única alternativa para conseguir material de los grupos que les interesaban, como Mosquito, uno de los proyectos paralelos de Steve Shelley, el baterista de Sonic Youth. Los colegiales amigos le escribieron al sello que editaba a la banda y la respuesta obtenida fue una postal que, en un español tarzanesco, decía “FUMAMOS! QUEMA SU CABEZA!”.
Fernando Milagros “San Sebastián”
Quemasucabeza
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Ejercicio CHILE de memoria VOODOO
N B
Presuntos implicados
o será un gran negocio el rock chileno, pero su baja rentabilidad ha hecho que se salve de ser privatizado. Es más, aportes ienvenidos otra vez asalvo esta ocasionales zona de recuerdos, de marcas de alcohol o ropa –que aportan donde sacudimos la memoria emotiva del rock mercadería en nuestro país no hay para revivir usualmente-, grandes momentos. El regreso capitales empresas invertidos en ningún a nuestrasdetierras de Faith No More es la tipo de proyecto musical, ocasión perfecta paracomo ponersíelocurre foco entodavía los en el extranjero. Basta revisar los nominados a los por Grammy californianos encabezados Mike latinos, Patton. oEl los megaconciertos por momento los que nuestro país paga muy es caro, para sentir que inmortalizamos el inolvidable el verde aroma de los dólares. música local, por por viernesLa 8 de septiembre de descarte 1995, en (y la no segunda alguna consigna barata),jornada es pública. Nos pertenece a todos. del ciclo Monsters Of Rock. El Una proporción cada vezpor más grande de grupos y solistas regalan texto elegido es el enviado José Vásquez, quien nos cuenta su su material en línea. Lasafiebrada tocatas, noche. aunqueRecibe suelen como empezar tardeuna paraentrada forzar experiencia aquella premio el consumo depara alcohol, no ason caras (por tres mil es posible ver a Maquinaria, volver disfrutar del poder depesos, Faith No More en en vivo la solidez de Cómo Asesinar a Felipes o The Ganjas). La oferta vivo. es amplia. Hay calidad de sobra. El rock chileno cumple con la mayoría de las acepciones palabraa “popular”¨: es del pueblo, viene “Recuerdo que fueque untiene día dela lluvia, comienzos de la primavera. Fui desde y puede ser costeado bolsillosa través menosde favorecidos. Su gran con miélmejor amigo Cristian, por avanzando una llenísima vacío estáDiego. en la falta de reconocimiento del público que no calle San En plena ansiedad por entrar, corriómayoritario, la voz de que lo a sus tradiciones. se integra podía entrar por una puerta trasera del teatro Monumental, enemigo esDimos un cúmulo de malas costumbres. Una de las peores hoy El Caupolicán. la vuelta y encontramos el ingreso, donde, es la simple cuestionamiento. El mundo es demasiado grande sorpresa, nofalta habíadenadie. El pasadizo llevaba directamente a una como para que, salvodonde excepciones regla, sean siempre despoblada galería, tratamosque de alimentan buscar los lamejores puestos. Así, norteamericanos e ingleses artistas para angloestar que más conozcamos. Lo fuimos descendiendo por laslosescaleras cerca, cuando mismo pasa con música en español, porque lassepotencias regionales descubrimos quelaunos cuantos de los asistentes colaban desde la también repiten, siguiendo una línea iba quemejorando no tiene nada artístico, parte altasehacia la cancha. El panorama paradenosotros, sino queen más a premiarhicimos a los mismos de siempre. los que así que, untiende acto desafiante lo mismo: Pero loAmejor estaba ni necesitan de ununos paíspocos como ya Chile seguirpasado existiendo. porsiquiera venir, ya que cuando nos para habíamos muchos ¿Acaso alguien podría enprincipio serio quedel de caos. verdadNotodo el talento otros copiaron la idea creer y fue el pocos se arrojaron
22III ROCKAXIS 30
Por Andrés Panes se concentra en las grandes economías mundiales y en los mercados discográficos más robustos? Creer eso es partir con el pie izquierdo, apoyarnos en una premisa absurda.la caída. Fueron numerosos los sin una salvaguarda para acolchar suficiente genuflexión hacia culturas foráneas como queHay definitivamente cayeron mal. El algunas bizarro espectáculo amenizó el para, másdeencima, entregar Escuchar que ocurre proceso entrada, en una nuestras retorcidaorejas. normalidad. Máslotarde, con el en nuestro paíscapacidad, es consumir de generación espontánea. teatro a plena el contracultura desorden fue total: un tipo meando a la Es una forma rebelarse. Lapocos resistencia partemosh....otros en casa y se fortalece cancha desde de la galería, unos haciendo tirándole lo por grupalaldemeón las desventajas del ambiente discográfico que elseanálisis encontraban de la galucha. patrio, vencerlas el debut detoda Conenfocado el show en de cómo Paradise Lost, ellimpiamente. rock and rollEn concentraba esta columna, algunos meses, usamos la figura de deltodos baterista Iván la atención de hace la muchedumbre. Que yo recuerde, los shows Molina (Emociones Santos Philipina Bitch que he ido -que son Clandestinas, muchos- nunca habíaDumont, escuchado una banda quey un largo y sus El tressonido décadas carrera para lo pequeño sonaraetcétera) tan perfecto. erade impecable, del graficar mejor nivel. Con su que es Chile y empezaron lo fácil que también es toparse músicos“escupitajos”. en el camino. Pueblo presentación, loscon primeros chico, infierno grande: llama el problema. Pero la moneda Sale Faith No Moreasí y elseMonumental se viene abajo. Euforia,tiene rabia cara y sello:ylamuchos pequeñez delpasados circuitoensonoro chileno Su también ofrece acumulada tipos revoluciones. presentación una ventana.los hits sonaban a full. Mike Patton era un verdadero fue notable, De tanto compartir escenarios, productores, fichajes esfuerzos en energúmeno y el furor se apoderó de miles de almas. Losyescupos general, varios sellos independientes en su rol de entes al de caían como lluvia en invierno. En un nacionales, momento, Patton le reclamó la resistencia, decidieron oficializar bajo el sonidista que su línea no sonaba, trassuloacción cual leconjunta, lanzó el unidos micrófono, nombre IMIen (Industria Musical Independiente). Loshizo involucrados el que cayó medio del público. Supongo que se mierda. son Algorecords, Potoco Discos, Discos TueEl aire que seQuemasucabeza, respiraba era cálido, aparecen losCazador, desmayos, así que Tue y Discos Ríoera Bueno. Seisbatalla nombres podrían presuntos luego el evento más una porque salvarse queser ir alos escuchar a implicados del mayor contra la abulia, a la nueva música tu banda favorita. ‘Wecomplot Care a Lot’ suena potentefrente y estremecedora. chilena, que se recuerde en ya losestaba últimos Ungritar. golpeDespués necesario. Para cuando sonó ‘Epic’ yo sin10 vozaños. tanto de Se mantiene deactuación, cada etiqueta, pero nacefinal unafue instancia para poco más ladeautonomía una hora de el arrollador con ‘From la coordinación entre en la que destaca como una de las ideas Out of Nowhere’ Unaellas, vez terminado el concierto, necesitábamos más inteligentes en la corta historia de estas lo pequeñas compañías. Ya lo imperiosamente hidratarnos para enfrentar que se venía: El Príncipe dijo Pink Floyd en ‘Hey You’: vez “juntos, seguimos en pie; divididos, nosotra de las Tinieblas, por primera en Chile....Ozzy....pero eso ya es caemos”. historia. Gracias a Faith No More esa noche fue inolvidable”.
COLUMNA SELLOS
Eje
Por Andrés Panes
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texto exper a Maq vivo.
Gepe “Audiovisión”
www.quemasucabeza.com
Pedropiedra “Cripta y vida”
los holandeses Mist y el propio Suzuki (junto a Congelador, en un disco en vivo que retrata su show conjunto) también son parte de su listado de álbumes. Eso sí, la especialidad de la casa es la música nacional, cuyos signos vitales han sido leídos con claridad por el sello. En 2005, el compilado “Panorama neutral” juntó en un mismo sitio a buena parte del talento subterráneo de aquel entonces, para luego exportarlo y distribuirlo en Japón, Europa, Estados Unidos y Argentina. Un año después, Javiera Mena con el álbum “Esquemas juveniles” se transformó en el siguiente acierto de la disquera, que en 2009 volvió a dar en el clavo fichando a Chinoy, quien ya era un comentadísimo fenómeno que llenaba a tope todas sus presentaciones en vivo. Este año encuentra a Quemasucabeza embarcado, una vez más, en tomarle el pulso a la contingencia en cuanto a la distribución y difusión de su catálogo. Los últimos estrenos de la compañía han estado disponibles gratuitamente en su sitio, mientras en el plano físico existen en vinilo, formato revitalizado en que ahora es posible encontrar las más recientes obras de Gepe, Caravana (suerte de superbanda liderada por Rodrigo Santis), Pedropiedra y Mostro. “San Sebastián”, la tercera entrega de Fernando Milagros, es el nuevo sabor en el menú de este mes. Un festín para el paladar.
Caravana “Caravana”
E
ran Rodrigo Santis y Walter Roblero, dos de los futuros integrantes de Congelador, que años después usaron el nombre Quemasucabeza para bautizar la pequeña disquera independiente que fundaron. Con un álbum homónimo, lanzado en 1998, el trío inauguró un catálogo que hoy comprende veintinueve títulos y que nunca ha perdido las ganas de proponer. Emblemas del calibre de Pánico, Mostro y Familea Miranda confían sus álbumes en las manos de esta etiqueta, desde la que en 2005 emergió Gepe con una de las obras cumbre del cancionero nacional contemporáneo: su debut en largaduración, “Gepinto”. Lo que, en un comienzo, fue una aventura iniciada gracias a una línea de crédito y la ayuda de amigos, en este momento es un referente básico de la autonomía artística en nuestro país. Pionera por atreverse a existir, cuando todavía era extraño hablar de independencia, la compañía apostó además por el rubro de la producción. Sus logros en ese ámbito incluyen las salidas al extranjero de Congelador, Gepe, Fernando Milagros y Pedropiedra, entre otros créditos locales; así como las venidas a Chile de los baluartes extranjeros Bill Callahan y Damo Suzuki. En ese cambalache de talentos, el inventario de Quemasucabeza se ha engalanado con solistas y grupos internacionales: el argentino Félix,
Mostro “Libre para regurgitar la mente”
Dos compañeros de colegio tenían un fanzine que se llamaba Neutral. Corrían esos noventa en que aún el e-mail no figuraba en la lista de opciones y la oficina de correos era su única alternativa para conseguir material de los grupos que les interesaban, como Mosquito, uno de los proyectos paralelos de Steve Shelley, el baterista de Sonic Youth. Los colegiales amigos le escribieron al sello que editaba a la banda y la respuesta obtenida fue una postal que, en un español tarzanesco, decía “FUMAMOS! QUEMA SU CABEZA!”.
“Recu con m calle S se pod hoy C sorpre despo fuimo descub parte así que por ve otros
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Carrera de éxitos
Fernando Milagros “San Sebastián”
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N B
Presuntos implicados
o será un gran negocio el rock chileno, pero su baja rentabilidad ha hecho que se salve de ser privatizado. Es más, aportes ienvenidos otra vez asalvo esta ocasionales zona de recuerdos, de marcas de alcohol o ropa –que aportan donde sacudimos la memoria emotiva del rock mercadería en nuestro país no hay para revivir usualmente-, grandes momentos. El regreso capitales empresas invertidos en ningún a nuestrasdetierras de Faith No More es la tipo de proyecto musical, ocasión perfecta paracomo ponersíelocurre foco entodavía los en el extranjero. Basta revisar los nominados a los por Grammy californianos encabezados Mike latinos, Patton. oEl los megaconciertos por momento los que nuestro país paga muy es caro, para sentir que inmortalizamos el inolvidable el verde aroma de los dólares. música local, por por viernesLa 8 de septiembre de descarte 1995, en (y la no segunda alguna consigna barata),jornada es pública. Nos pertenece a todos. del ciclo Monsters Of Rock. El Una proporción cada vezpor más grande de grupos y solistas regalan texto elegido es el enviado José Vásquez, quien nos cuenta su su material en línea. Lasafiebrada tocatas, noche. aunqueRecibe suelen como empezar tardeuna paraentrada forzar experiencia aquella premio el consumo depara alcohol, no ason caras (por tres mil es posible ver a Maquinaria, volver disfrutar del poder depesos, Faith No More en en vivo la solidez de Cómo Asesinar a Felipes o The Ganjas). La oferta vivo. es amplia. Hay calidad de sobra. El rock chileno cumple con la mayoría de las acepciones palabraa “popular”¨: es del pueblo, viene “Recuerdo que fueque untiene día dela lluvia, comienzos de la primavera. Fui desde y puede ser costeado bolsillosa través menosde favorecidos. Su gran con miélmejor amigo Cristian, por avanzando una llenísima vacío estáDiego. en la falta de reconocimiento del público que no calle San En plena ansiedad por entrar, corriómayoritario, la voz de que lo a sus tradiciones. se integra podía entrar por una puerta trasera del teatro Monumental, enemigo esDimos un cúmulo de malas costumbres. Una de las peores hoy El Caupolicán. la vuelta y encontramos el ingreso, donde, es la simple cuestionamiento. El mundo es demasiado grande sorpresa, nofalta habíadenadie. El pasadizo llevaba directamente a una como para que, salvodonde excepciones regla, sean siempre despoblada galería, tratamosque de alimentan buscar los lamejores puestos. Así, norteamericanos e ingleses artistas para angloestar que más conozcamos. Lo fuimos descendiendo por laslosescaleras cerca, cuando mismo pasa con música en español, porque lassepotencias regionales descubrimos quelaunos cuantos de los asistentes colaban desde la también repiten, siguiendo una línea iba quemejorando no tiene nada artístico, parte altasehacia la cancha. El panorama paradenosotros, sino queen más a premiarhicimos a los mismos de siempre. los que así que, untiende acto desafiante lo mismo: Pero loAmejor estaba ni necesitan de ununos paíspocos como ya Chile seguirpasado existiendo. porsiquiera venir, ya que cuando nos para habíamos muchos ¿Acaso alguien podría enprincipio serio quedel de caos. verdadNotodo el talento otros copiaron la idea creer y fue el pocos se arrojaron
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Por Andrés Panes se concentra en las grandes economías mundiales y en los mercados discográficos más robustos? Creer eso es partir con el pie izquierdo, apoyarnos en una premisa absurda.la caída. Fueron numerosos los sin una salvaguarda para acolchar suficiente genuflexión hacia culturas foráneas como queHay definitivamente cayeron mal. El algunas bizarro espectáculo amenizó el para, másdeencima, entregar Escuchar que ocurre proceso entrada, en una nuestras retorcidaorejas. normalidad. Máslotarde, con el en nuestro paíscapacidad, es consumir de generación espontánea. teatro a plena el contracultura desorden fue total: un tipo meando a la Es una forma rebelarse. Lapocos resistencia partemosh....otros en casa y se fortalece cancha desde de la galería, unos haciendo tirándole lo por grupalaldemeón las desventajas del ambiente discográfico que elseanálisis encontraban de la galucha. patrio, vencerlas el debut detoda Conenfocado el show en de cómo Paradise Lost, ellimpiamente. rock and rollEn concentraba esta columna, algunos meses, usamos la figura de deltodos baterista Iván la atención de hace la muchedumbre. Que yo recuerde, los shows Molina (Emociones Santos Philipina Bitch que he ido -que son Clandestinas, muchos- nunca habíaDumont, escuchado una banda quey un largo y sus El tressonido décadas carrera para lo pequeño sonaraetcétera) tan perfecto. erade impecable, del graficar mejor nivel. Con su que es Chile y empezaron lo fácil que también es toparse músicos“escupitajos”. en el camino. Pueblo presentación, loscon primeros chico, infierno grande: llama el problema. Pero la moneda Sale Faith No Moreasí y elseMonumental se viene abajo. Euforia,tiene rabia cara y sello:ylamuchos pequeñez delpasados circuitoensonoro chileno Su también ofrece acumulada tipos revoluciones. presentación una ventana.los hits sonaban a full. Mike Patton era un verdadero fue notable, De tanto compartir escenarios, productores, fichajes esfuerzos en energúmeno y el furor se apoderó de miles de almas. Losyescupos general, varios sellos independientes en su rol de entes al de caían como lluvia en invierno. En un nacionales, momento, Patton le reclamó la resistencia, decidieron oficializar bajo el sonidista que su línea no sonaba, trassuloacción cual leconjunta, lanzó el unidos micrófono, nombre IMIen (Industria Musical Independiente). Loshizo involucrados el que cayó medio del público. Supongo que se mierda. son Algorecords, Potoco Discos, Discos TueEl aire que seQuemasucabeza, respiraba era cálido, aparecen losCazador, desmayos, así que Tue y Discos Ríoera Bueno. Seisbatalla nombres podrían presuntos luego el evento más una porque salvarse queser ir alos escuchar a implicados del mayor contra la abulia, a la nueva música tu banda favorita. ‘Wecomplot Care a Lot’ suena potentefrente y estremecedora. chilena, que se recuerde en ya losestaba últimos Ungritar. golpeDespués necesario. Para cuando sonó ‘Epic’ yo sin10 vozaños. tanto de Se mantiene deactuación, cada etiqueta, pero nacefinal unafue instancia para poco más ladeautonomía una hora de el arrollador con ‘From la coordinación entre en la que destaca como una de las ideas Out of Nowhere’ Unaellas, vez terminado el concierto, necesitábamos más inteligentes en la corta historia de estas lo pequeñas compañías. Ya lo imperiosamente hidratarnos para enfrentar que se venía: El Príncipe dijo Pink Floyd en ‘Hey You’: vez “juntos, seguimos en pie; divididos, nosotra de las Tinieblas, por primera en Chile....Ozzy....pero eso ya es caemos”. historia. Gracias a Faith No More esa noche fue inolvidable”.
COLUMNA SELLOS
Eje
Por Andrés Panes
B
BACKSTAGE
texto exper a Maq vivo.
Gepe “Audiovisión”
www.quemasucabeza.com
Pedropiedra “Cripta y vida”
los holandeses Mist y el propio Suzuki (junto a Congelador, en un disco en vivo que retrata su show conjunto) también son parte de su listado de álbumes. Eso sí, la especialidad de la casa es la música nacional, cuyos signos vitales han sido leídos con claridad por el sello. En 2005, el compilado “Panorama neutral” juntó en un mismo sitio a buena parte del talento subterráneo de aquel entonces, para luego exportarlo y distribuirlo en Japón, Europa, Estados Unidos y Argentina. Un año después, Javiera Mena con el álbum “Esquemas juveniles” se transformó en el siguiente acierto de la disquera, que en 2009 volvió a dar en el clavo fichando a Chinoy, quien ya era un comentadísimo fenómeno que llenaba a tope todas sus presentaciones en vivo. Este año encuentra a Quemasucabeza embarcado, una vez más, en tomarle el pulso a la contingencia en cuanto a la distribución y difusión de su catálogo. Los últimos estrenos de la compañía han estado disponibles gratuitamente en su sitio, mientras en el plano físico existen en vinilo, formato revitalizado en que ahora es posible encontrar las más recientes obras de Gepe, Caravana (suerte de superbanda liderada por Rodrigo Santis), Pedropiedra y Mostro. “San Sebastián”, la tercera entrega de Fernando Milagros, es el nuevo sabor en el menú de este mes. Un festín para el paladar.
Caravana “Caravana”
E
ran Rodrigo Santis y Walter Roblero, dos de los futuros integrantes de Congelador, que años después usaron el nombre Quemasucabeza para bautizar la pequeña disquera independiente que fundaron. Con un álbum homónimo, lanzado en 1998, el trío inauguró un catálogo que hoy comprende veintinueve títulos y que nunca ha perdido las ganas de proponer. Emblemas del calibre de Pánico, Mostro y Familea Miranda confían sus álbumes en las manos de esta etiqueta, desde la que en 2005 emergió Gepe con una de las obras cumbre del cancionero nacional contemporáneo: su debut en largaduración, “Gepinto”. Lo que, en un comienzo, fue una aventura iniciada gracias a una línea de crédito y la ayuda de amigos, en este momento es un referente básico de la autonomía artística en nuestro país. Pionera por atreverse a existir, cuando todavía era extraño hablar de independencia, la compañía apostó además por el rubro de la producción. Sus logros en ese ámbito incluyen las salidas al extranjero de Congelador, Gepe, Fernando Milagros y Pedropiedra, entre otros créditos locales; así como las venidas a Chile de los baluartes extranjeros Bill Callahan y Damo Suzuki. En ese cambalache de talentos, el inventario de Quemasucabeza se ha engalanado con solistas y grupos internacionales: el argentino Félix,
Mostro “Libre para regurgitar la mente”
Dos compañeros de colegio tenían un fanzine que se llamaba Neutral. Corrían esos noventa en que aún el e-mail no figuraba en la lista de opciones y la oficina de correos era su única alternativa para conseguir material de los grupos que les interesaban, como Mosquito, uno de los proyectos paralelos de Steve Shelley, el baterista de Sonic Youth. Los colegiales amigos le escribieron al sello que editaba a la banda y la respuesta obtenida fue una postal que, en un español tarzanesco, decía “FUMAMOS! QUEMA SU CABEZA!”.
“Recu con m calle S se pod hoy C sorpre despo fuimo descub parte así que por ve otros
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Carrera de éxitos
Fernando Milagros “San Sebastián”
Quemasucabeza
BACKSTAGE BACKSTAGE
Últimos discos editados por Quemasucabeza:
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BACKSTAGE BACKSTAGE
CASI FAMOSOS Ejercicio de memoria Te invitamos a conocer a los personajes detrás de los personajes
Rob McDermott Tras bambalinas
La música es un eterno tema de discusión. Su amplio abanico da para avizorarlo desde su concepción y sus logros hasta lo que son sus usos y alcances en tanto actividad. Claro, muchos pasos y actores no son advertidos por la masa, cuyo veredicto sólo se aboca al producto final. En el seminario Amplifica, realizado en nuestra capital el mes pasado, tuvimos la oportunidad de escuchar a uno de aquellos integrantes de la industria.
E
l trabajo de un manager capta dos polos opuestos. Puede ser en la primera línea, poblando portadas, trascendiendo incluso al nivel de sus protegidos –ahí tenemos a Brian Epstein y “el de Led Zeppelin”, potentes exponentes- y subterráneo, tejiendo redes e influencias invisibles para el beneficio de sus artistas. A estos últimos no les interesa el trono, sino que prefieren el asiento trasero, dondeienvenidos pueden moverse otra vezcon a esta zona de recuerdos, sin una salvaguarda para acolchar la caída. Fueron numerosos los mayor libertad. donde sacudimos la memoria emotiva del rock que definitivamente cayeron mal. El bizarro espectáculo amenizó el Rob McDermott pertenece a este últimomomentos. grupo. El regreso para revivir grandes proceso de entrada, en una retorcida normalidad. Más tarde, con el Si bien su nombre no dice mucho,tierras sus actividades a nuestras de Faith No More es la teatro a plena capacidad, el desorden fue total: un tipo meando a la en la industria musical es muy fácil de detectar. Conel foco en Como ocasión perfecta para poner los cancha desde la galería, unos pocos haciendo mosh....otros tirándole lo queElaún casi dos décadas de trabajo, McDermott cuenta enpor Mikejoven californianos encabezados Patton. que se encontrabanes, al también meón de la galucha. está al tanto de las nuevas formas de distribución su prontuario haber guiado la explosiva irrupción momento que inmortalizamos es el inolvidable Con el show de Paradise Lost, el rock and roll concentraba toda y propagación quedeenla este siglo ha de Linkin Park, haciéndose responsable del enorme En el mesde detodos diciembre, viernes 8 de septiembre de 1995, en la segunda de lalamúsica, atención muchedumbre. Que yo recuerde, los shows sido víctima de un proceso de transformación quenunca había McDermott éxito que el septeto norteamericano ha tenido en reabrió jornada del ciclo Monsters Of Rock. El que he ido -que son muchosescuchado una banda que ha desmoronado viejos tan prospectos, una que hoy-por ha arrojado cuatro quien nos ya su compañía textocarrera elegido es –hasta el enviado José Vásquez, cuenta su sonara perfecto.unElproceso sonido era impecable, del mejorMad nivel. Con su que él ve como natural y que no ser mirado discos de estudio. Mac Entertainment, experiencia aquella afiebrada noche. Recibe como premio una entrada presentación,debería empezaron también los primeros “escupitajos”. recelo: las redes las McDermott vino a Chile invitadodel a lapoder segunda representando a artistasrabia a Maquinaria, para volver a disfrutar de Faith Nocon More en “Es obvio, el uso SaledeFaith No sociales More yyeldeMonumental se viene abajo. Euforia, nuevas plataformas requiere un aprendizaje constante. Los en revoluciones. edición de Amplifica, seminario donde convergieron como Hellyeah y Wayne vivo. acumulada y muchos tipos pasados Su presentación medios digitales hoy nos cercanía con diversos participantes de la industria musical, como Static,era entre Desde fuebrindan notable,una losnueva hits sonaban a full. Mike Patton un otros. verdadero el artista”, con el convencimiento que de miles artistas y ejecutivos. Ahí, parte de su trabajo 2008, se desempeñó como “Recuerdo que fue un díaexplicó de lluvia, a comienzos de la primavera. Fuicorroboraenergúmeno y el furor sedeapoderó de almas. Los escupos los nuevos tiempos caían no coartan actividad, sino que –que abarcado artistas tan disímiles como Robde una llenísima presidente delelareclamó división al con mihamejor amigo Cristian, avanzando a través como la lluvia en invierno. En un momento, Patton Zombie, Iglesias, Snoop Dogg Alaniscorrió la vozsiembra musical de el The Collective, calle San Enrique Diego. En plena ansiedad por yentrar, de quenuevas oportunidades. sonidista que su línea no sonaba, tras lo cual le lanzó micrófono, mapa desde Morissettecomo y sutrasera labor adel la cabeza creativa a se podía entrar pormanager una puerta teatro Monumental,Habiendo explorado el queelcayó en musical medio del público. Supongodando que sedirección hizo mierda. aristas, Rob McDermott de Mac Entertainment, firmay encontramos que ha estadoela ingreso,tantas Slash, Avenged Sevenfold hoyMad Caupolicán. Dimos la vuelta donde, El aire que sedemuestra respiraba tener era cálido, aparecen los desmayos, así que y sus principios incólumes. mucho trate cargo de los de gente comollevaba el rapero Big Alanis que Morissette. sorpresa, no designios había nadie. El pasadizo directamente a una luego elPor evento eraque másseuna batalla por salvarse ir a escuchar a de una industria gigantesca, lo que queda el final Boi o los metaleros Avenged Sevenfold. despoblada galería, donde tratamos de buscar los mejores puestos. Así, tu banda favorita. ‘We Care a Lot’ suena potente y estremecedora. siempre y su deseosonó es que siempre En el evento prestó La tanto filosofía de RobMcDermott fuimos descendiendo porsuslasinnumerables escaleras para estar más cerca, cuandoes la música, Para cuando ‘Epic’ yo ya estaba sin voz gritar. Después de aparezcan nuevos nombres, que esto no experiencias hancuantos mantenido vigente en unse colaban desde la es unir la comprensión de descubrimos que que lo unos de los asistentes poco más de una horatermine: de actuación, el arrollador final fue con ‘From sigan tocando, noOut hayofque tener miedo”. ambiente él mismo confiesa,iba puede las comunidades online e parte alta que, haciasegún la cancha. 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Anecdotario
CASI FAMOSOS BACKSTAGE
Te invitamos a conocer a los personajes detrás de los personajes
Rob McDermott Tras bambalinas
La música es un eterno tema de discusión. Su amplio abanico da para avizorarlo desde su concepción y sus logros hasta lo que son sus usos y alcances en tanto actividad. Claro, muchos pasos y actores no son advertidos por la masa, cuyo veredicto sólo se aboca al producto final. En el seminario Amplifica, realizado en nuestra capital el mes pasado, tuvimos la oportunidad de escuchar a uno de aquellos integrantes de la industria.
E
l trabajo de un manager capta dos polos opuestos. Puede ser en la primera línea, poblando portadas, trascendiendo incluso al nivel de sus protegidos –ahí tenemos a Brian Epstein y “el de Led Zeppelin”, potentes exponentes- y subterráneo, tejiendo redes e influencias invisibles para el beneficio de sus artistas. A estos últimos no les interesa el trono, sino que prefieren el asiento trasero, donde pueden moverse con mayor libertad. Rob McDermott pertenece a este último grupo. Si bien su nombre no dice mucho, sus actividades en la industria musical es muy fácil de detectar. Con casi dos décadas de trabajo, McDermott cuenta en su prontuario haber guiado la explosiva irrupción de Linkin Park, haciéndose responsable del enorme éxito que el septeto norteamericano ha tenido en una carrera que –hasta hoy- ha arrojado cuatro discos de estudio. McDermott vino a Chile invitado a la segunda edición de Amplifica, seminario donde convergieron diversos participantes de la industria musical, como artistas y ejecutivos. Ahí, explicó parte de su trabajo –que ha abarcado artistas tan disímiles como Rob Zombie, Enrique Iglesias, Snoop Dogg y Alanis Morissette- como manager y su labor a la cabeza de Mad Mac Entertainment, firma que ha estado a cargo de los designios de gente como el rapero Big Boi o los metaleros Avenged Sevenfold. En el evento prestó sus innumerables experiencias que lo han mantenido vigente en un ambiente que, según él mismo confiesa, puede brindar muchas satisfacciones pero los sacrificios son también considerables: “La maquinaria te puede absorber por completo al más mínimo guiño”.
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Como joven que aún es, también está al tanto de las nuevas formas de distribución y propagación de la música, que en este siglo ha sido víctima de un proceso de transformación que ya ha desmoronado viejos prospectos, un proceso que él ve como natural y que no debería ser mirado con recelo: “Es obvio, el uso de las redes sociales y de las nuevas plataformas requiere un aprendizaje constante. Los medios digitales hoy nos brindan una nueva cercanía con el artista”, corrobora con el convencimiento de que los nuevos tiempos no coartan la actividad, sino que siembra nuevas oportunidades. Habiendo explorado el mapa musical desde tantas aristas, Rob McDermott demuestra tener sus principios incólumes. Por mucho que se trate de una industria gigantesca, lo que queda el final siempre es la música, y su deseo es que siempre aparezcan nuevos nombres, que esto no termine: “Sólo sigan tocando, no hay que tener miedo”. Sabias palabras. Jean Parraguez
Anecdotario En el mes de diciembre, McDermott reabrió su compañía Mad Mac Entertainment, representando a artistas como Hellyeah y Wayne Static, entre otros. Desde 2008, se desempeñó como presidente de la división musical de The Collective, dando dirección creativa a Slash, Avenged Sevenfold y Alanis Morissette. La filosofía de RobMcDermott es unir la comprensión de las comunidades online e internacionales junto con un trato amigable y visionario con el artista.
Sonic Youth
Los noventa empezaron antes de los noventa
El paisaje del disidente
Por Francisco Reinoso
Antes de la conversión de Seattle como centro neurálgico para el millonario fenómeno grunge, varias ciudades cobijaron en sus sótanos el florecimiento de la edad dorada del rock en Estados Unidos. Los ochenta fueron testigos de una fascinante diversidad de bandas, todas de distintas formas sónicas, pero coincidentes en su afán por vencer al ogro corporativo. 42III ROCKAXIS
Beat Happening
Distintos entornos y leyes, misma obsesión: poner el dedo en la llaga. Germs, Dead Kennedys y Minor Threat mostraron por todo el país sus abrasivas performances pero nadie obtuvo los bonos de los nihilistas, Black Flag. No fue solo un tema de estilo, que vaya que caló hondo en miles de potenciales músicos. También, la actitud empleada por su histórico guitarrista, Greg Ginn, quien a los trece años formó su propia empresa, SST Records. Ningún sello quería lanzar a Black Flag por su precariedad. ¿Qué hizo él? Arreglárselas para aprender el recorrido del disco desde estudio a la tienda. Ese mismo método empleó Ian Mackaye con Dischord y Jello Biafra con Alternative Tentacles. Había que quitar de en medio a terceros. Práctico y brillante. Así, con arrebatos pasionales y las limitantes técnicas imperantes, se fue armando el sonido americano. No había trucos ni excesos de producción en los álbumes de presentación de los actos más preciados de casas independientes como SST. Esa esencia amateur, posibilitó la libre exploración en texturas y capas sónicas en nombres como Meat Puppets o Minutemen. Con el apoyo de su padrino Greg Ginn y SST, Hüsker Dü lograron estar dentro de los favoritos en la ascendente escena norteamericana. Siguiendo la logística de los grandes discos conceptuales de los setentas, lanzan “Zen Arcade” (1984), trabajo que por minutaje rompía los moldes de las piezas de catálogos independientes. Minutemen, continúa esta tendencia gracias a las cuarenta y tres canciones del rompedor “Double Nicles On The Time”.
Black Flag
K
urt Cobain tenía claro que portando el odio a la cultura del triunfo no bastaba. El inmenso éxito de “Nevermind” de Nirvana le trajo a su malogrado frontman fuertes consecuencias existenciales que acabaron en el trágico final conocido por todos. Sucumbía una nueva víctima de esa cruda brecha entre los ideales de la autonomía artística y la visión del rock como bien de consumo. Pero ese agobio del mártir de la Generación X no era casualidad. Había una fascinante formación ideológica de por medio. Porque en esa marketera revolución grunge que acabó con las ideologías del rock clásico y la admiración por el estrellato hay un importante batallón de bandas que pavimentaron en los ochentas el camino al impacto global de Pearl Jam o Nirvana. Todos escudados en el minimalismo, el do it yourself y la nula ambición. Sin que ellos se lo propusieran, la mina de oro comenzaba a edificarse. Dicen que la primera meca trascendente fue Olimpia (ciudad del estado de Washington, Estados Unidos). Espoleados en una careta obtusamente lo-fi y minimalística surge Beat Happening, la banda del hiperkinético y reconocido padre del indie rock norteamericano, Calvin Johnson. Aparte de ser el cerebro del trío fundado en 1982, su obra también se vio reflejada en K Records, atrevida disquera independiente formada con un único y ambicioso propósito: descentralizar la cultura pop. Los arquetipos éticos de Calvin calaron hondo en toda una generación de melómanos. Años después, esa noción de imponer las ganas por sobre el virtuosismo instrumental le significarían un sólido reconocimiento a Johnson, K Records y Beat Happening en distintas ciudades de Estados Unidos. Por 1985, un par de idas a Olimpia bastaban para adquirir, por primera vez, los mandamientos sagrados del indie. Luego había que predicarlos. Pero ese mismo año pasaban otras cosas. Los neoyorquinos Sonic Youth volvían de una exitosa gira al otro lado del charco y pasaban a convertirse en el primer grupo del underground americano en tener éxito en Europa durante los ochenta, todo gracias al exquisito y disonante banquete de guitarras cortantes plasmado en “Bad Moon Rising”. Además, los canales subterráneos presenciaban la aparición de un efectivo brazo periodístico: “Alternative Press”. Entretanto, en la costa Este, Georgia importa un diamante en bruto desde otra ciudad pequeña (Athens). La excelente respuesta e interés demostrada con “Murmur” (1983), el debut de R.E.M, terminó por diluir la teoría de que solo Los Angeles, Nueva York y San Francisco podían brindar música de alto vuelo. La resonancia de sus sofisticadas ideas, escritas en emotivas tonadas melódicas, ecos literarios, folk, punk, garage y compromiso social, los convirtieron en líderes de la escena universitaria norteamericana. En California, el rechazo de los jóvenes hacia los clichés del rock and roll tuvo su eje de desahogo en el hardcore. Lo mismo, Washington.
Espacios y coberturas en medios convencionales llegarían sin problema, al igual que para los hippies psicodélicos de Meat Puppets que ese año irrumpieron con “Meat Puppets II”. Llegaba el punto de inflexión. Si situáramos niveles de apoyo de las estaciones de radio universitarias en los ochenta, Boston ganaría por varias cabezas. Había una comunidad de tape traders demasiado activa y en términos de infraestructura era posible ver bandas locales materializando shows especiales en los estudios de estos espacios. En 1988, una canción le voló la mente a miles de estudiantes: ‘Freak Scene’ de Dinosaur Jr, quizás los únicos estandartes valederos del pop con ruido junto a Pixies, otros fundacionales para la languidez grunge que infectó los noventa. Pero aún faltaba su resto para la fascinación emotiva por la agrupación de Black Francis. La premisa de Calvin Johnson (para una amplia mayoría, el sumo pontífice de todo este atractivo brote de nombres) era hacer las cosas sin pensar en la repercusión. Ese hilo conductor dirigió la ruta de cientos de grupos.Y todos tenían condiciones para dar el gran salto. Podía ser el punk sabathico-tosco de Melvins, Butthole Surfers o la clase de The Replacements. Pero no, contra todo pronóstico, las miradas se fijaron en Seattle, aquél microcosmos de orígenes sonoros, a excepción de Hendrix o The Sonics, casi inexistentes. Son esas particularidades las que enaltecieron la historia de un recambio difícil de superar.
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BACKSTAGE los
Ejercicio de memoria
empezaron antes de los
90’s
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ienvenidos otra vez a esta zona de recuerdos, donde sacudimos la memoria emotiva del rock para revivir grandes momentos. El regreso a nuestras tierras de Faith No More es la ocasión perfecta para poner el foco en los californianos encabezados por Mike Patton. El momento que inmortalizamos es el inolvidable viernes 8 de septiembre de 1995, en la segunda jornada del ciclo Monsters Of Rock. El texto elegido es el enviado por José Vásquez, quien nos cuenta su experiencia aquella afiebrada noche. Recibe como premio una entrada a Maquinaria, para volver a disfrutar del poder de Faith No More en vivo. “Recuerdo que fue un día de lluvia, a comienzos de la primavera. Fui con mi mejor amigo Cristian, avanzando a través de una llenísima calle San Diego. En plena ansiedad por entrar, corrió la voz de que se podía entrar por una puerta trasera del teatro Monumental, hoy Caupolicán. Dimos la vuelta y encontramos el ingreso, donde, sorpresa, no había nadie. El pasadizo llevaba directamente a una despoblada galería, donde tratamos de buscar los mejores puestos. Así, fuimos descendiendo por las escaleras para estar más cerca, cuando descubrimos que unos cuantos de los asistentes se colaban desde la parte alta hacia la cancha. El panorama iba mejorando para nosotros, así que, en un acto desafiante hicimos lo mismo: Pero lo mejor estaba por venir, ya que cuando unos pocos ya nos habíamos pasado muchos otros copiaron la idea y fue el principio del caos. No pocos se arrojaron
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sin una salvaguarda para acolchar la caída. Fueron numerosos los que definitivamente cayeron mal. El bizarro espectáculo amenizó el proceso de entrada, en una retorcida normalidad. Más tarde, con el teatro a plena capacidad, el desorden fue total: un tipo meando a la cancha desde la galería, unos pocos haciendo mosh....otros tirándole lo que se encontraban al meón de la galucha. Con el show de Paradise Lost, el rock and roll concentraba toda la atención de la muchedumbre. Que yo recuerde, de todos los shows que he ido -que son muchos- nunca había escuchado una banda que sonara tan perfecto. El sonido era impecable, del mejor nivel. Con su presentación, empezaron también los primeros “escupitajos”. Sale Faith No More y el Monumental se viene abajo. Euforia, rabia acumulada y muchos tipos pasados en revoluciones. Su presentación fue notable, los hits sonaban a full. Mike Patton era un verdadero energúmeno y el furor se apoderó de miles de almas. Los escupos caían como lluvia en invierno. En un momento, Patton le reclamó al sonidista que su línea no sonaba, tras lo cual le lanzó el micrófono, el que cayó en medio del público. Supongo que se hizo mierda. El aire que se respiraba era cálido, aparecen los desmayos, así que luego el evento era más una batalla por salvarse que ir a escuchar a tu banda favorita. ‘We Care a Lot’ suena potente y estremecedora. Para cuando sonó ‘Epic’ yo ya estaba sin voz tanto gritar. Después de poco más de una hora de actuación, el arrollador final fue con ‘From Out of Nowhere’ Una vez terminado el concierto, necesitábamos imperiosamente hidratarnos para enfrentar lo que se venía: El Príncipe de las Tinieblas, por primera vez en Chile....Ozzy....pero eso ya es otra historia. Gracias a Faith No More esa noche fue inolvidable”.
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texto exper a Maq vivo.
“Recu con m calle se po hoy C sorpr despo fuimo descu parte así qu por v otros
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Por Francisco Reinoso
BACKSTAGE
Eje
22III ROCKAXIS
Las enseñanzas de
Por Juan Ignacio Cornejo
El 21 de septiembre de 2011 va a quedar marcado para siempre en la historia del rock. Fue un día triste; intentar comprender y sopesar lo que la noticia de la disolución de los padres del college rock implica. Se despidieron cuando menos se pensaba: hace tres años, reconquistaron el mundo con “Accelerate” y volvieron a asentarse en el sitial que les correspondía con “Collapse Into Now”, de este año. Sin hacer ruido, sin ventilar conflictos, sin sacar provecho de la renovada – y justa – adoración.
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U
n día después del estreno Stipe y compañía generaron un estilo que no mundial de “PJ20”, la era exclusivamente musical, sino incorporaba a película de Pearl Jam en aquellos dejados fuera de la corriente principal. la que ahora nos damos Hasta antes (en paralelo con su desarrollo) del cuenta que Michael Stipe college rock, se hablaba de estilos encajonados en debió haber estado: antes un solo público y una sola estética. R.E.M. terminó de Seattle, la integridad y en el mismo cajón de Pixies, Husker Du, Nirvana, humanidad del rock la simbolizaba R.E.M., quizás Pearl Jam e incluso Radiohead. Esa escena que ellos como ninguna otra agrupación antes (sólo comandaron durante los ochenta fue la opacada por la existencia de Neil llave maestra a una próxima década que R.E.M. Young como escuela para ambos). regaló diversidad y tolerancia. nos enseñó que Esperaron al 21. Hasta para eso fueron nobles. Son muchas las Renovación en el éxito para ser grandes, no era lecciones que podemos sacar necesario vender millones, de una carrera como la que El auditor casual puede haber ni llenar estadios. El éxito tuvieron ellos. creído que R.E.M. era siempre lo midieron de acuerdo a su lo mismo, así como puede creer desarrollo artístico, y una La gloria no se mide con que todo el metal es igual. Pero vez concretado eso, vino el cuesta recordar cuántas veces números estos tipos supieron renovarse, reconocimiento. R.E.M. nos enseñó que para ser pasando de su sonido primitivo grandes, no era necesario vender a una propuesta definitivamente millones, ni llenar estadios. El éxito lo rockera, contrastada con dos álbumes midieron de acuerdo a su desarrollo artístico y casi totalmente acústicos y retomar las guitarras una vez concretado eso, vino el reconocimiento. eléctricas a tope en dos recordadas ocasiones El recorrido musical que hizo aquel novel cuarteto (“Monster” en 1994 y “Accelerate” en 2008). entre 1980 y 1987 roza la perfección y aunque La absoluta confianza en su propuesta, los llevó recién con “Document” se destapó el asunto, es de un disco que tenía un tema titulado ‘Shiny Happy difícil no enamorarse de todo lo que hicieron en ese People’ a ofrecer un disco centrado en la muerte, lapso. que de amigable no tenía nada. Los que creían que Los discos más vendedores del grupo R.E.M. era siempre lo mismo, terminaron teniendo difícilmente serán recordados como sus mejores razón en una cosa: disco tras disco, movida tras obras, quizás con la excepción de “Automatic for the movida, nunca perdieron su identidad. People”. La primera obra definitiva de R.E.M. no fue su primer LP “Murmur”, sino su EP “Chronic Oídos sordos Town”, de 1980, suficientemente categórico como para haber marcado a generaciones venideras. Mucho auto-definido “rockero” ha destrozado a Aunque claro, el EP no tenía ‘Radio Free Europe’. R.E.M., prácticamente desde el minuto en que los conocieron. Es decir, para ‘Losing My Religion’, El valor de la independencia en 1991. Que eran muy pop, que su sonido era tremendamente comercial o que sólo hacían Ese periodo mágico que concluye en 1987 en el canciones para la radio. historial de R.E.M. coincide también con su estadía Stipe, un letrista de esos que la historia ha en el sello I.R.S., una discográfica independiente. sabido atesorar, respondió a cuentagotas. La Hasta su irrupción, las biografías del rock seguían volcánica ‘Living Well is the Best Revenge’, la incluyendo la frase “hasta que les ofrecieron un apertura de “Accelerate”, debe ser de lo más duro contrato discográfico”. Incluso los mencionados que él y la banda hayan firmado. Pero los oriundos Ramones estaban en una subsidiaria de Warner. de Athens, Georgia, no tenían por qué rendirle Eran otros tiempos claros, pero alguien tenía que cuentas a nadie. representar a la minoría. Lo que muchos definieron como “sonido Quizás los creadores de ‘Man on the Moon’ comercial”, llegó a serlo simplemente por no fueron los primeros salidos de una casa cuánto influyeron ellos mismos a crear esa nueva independiente que alcanzaron el éxito, pero sí amabilidad para el oído. En 1992, todo el rock son los más representativos, por la cantidad de alternativo estaba sonando como ellos lo hacían en tiempo que estuvieron en el circuito alternativo, “Document”, cinco años atrás e incluso antes. En su y cómo lograron defender su accionar y las último adiós, bien vale el tardío reconocimiento a la decisiones relacionadas a su carrera estando en una clase con que llevaron su carrera. multinacional. De ahí en más, la preferencia por Por último, me quedo con el recuerdo de disqueras menores dejó de ser una obligación. mi canción favorita de R.E.M., de su impecable disco “Lifes Rich Pageant”. Los versos “confía en El adiós a las etiquetas tu llamado, asegúrate que tu llamado sea real / piensa en otros, los otros piensan en ti”, acompañan Quienes vieron el capítulo de Seven Ages of Rock con optimismo e incluso alegría la despedida y la dedicado a la movida alternativa del rock americano fantástica ‘I Believe’ nos recuerda que aquí no hay de los ochenta y noventa, comprenderá por qué espacio para más lamentos, sino sólo esperanza. R.E.M. logró ser tan validado por tipos como “Cambio, eso es en lo que creo”, remata el estribillo Henry Rollins y Nirvana. de ‘I Believe’. Que esa fe no se pierda.
45III ROCKAXIS
Uno para todos y todos para uno Los perfiles de R.E.M.
Por Juan Ignacio Cornejo Mauricio Jürgensen
Parecían tener todas las recetas. De la coherencia e integridad artística, de la conquista del oído masivo, y de cómo sostener sus equilibrios internos. Más allá de momentos de mayor o menor exposición, R.E.M. fue, por sobre todo, una banda, un colectivo en que todos sus protagonistas resultaron claves para el éxito. Stipe, Mills, Buck y Berry, separados y por separado.
Michael Stipe vocalista Carismático, enigmático, poético y un fantástico showman. Supo comunicarse con el auditor como nadie en su época; el bicho raro, que en la década del rock de motocicletas y chicas, él hablaba de la pasión. Independientemente de cómo sonaba R.E.M., Stipe por sí solo posicionó a su pandilla como un número excepcional en su momento. Heredero de referentes como Patti Smith, Tom Petty o Bob Dylan, para el alguna vez desgarbado frontman del cuarteto él sí podía dar un valor agregado a su banda, ofreciendo una visión personal pero al mismo tiempo cercana para el auditor. Si el punk desembocó en la ética del “hazlo tú mismo”, a través de su vocalista, R.E.M. pudo proponer el “vívelo tú mismo”. Lejos de opacar a sus compañeros, Stipe asumió su rol de rostro del conjunto – tras un tiempo que demoró en perderle el miedo a la tarea – con honestidad. Todos los valores que su banda poseía parecían ser encarnados por su delgado hombre-ancla, y eso le valió la admiración y amistad de los mayores referentes de una generación varios años menor (Kurt Cobain y Eddie Vedder, para empezar). Por su apariencia, nadie hubiese predicho que lograría acomodarse tan bien a los momentos más agresivos del grupo, como “Lifes Rich Pageant”, “Monster” y “Accelerate”. Así y todo, era su desconsolada voz en temas como ‘Everybody Hurts’ o ‘Daysleeper’ lo que lo hizo conectar de manera especial con gran parte de su público. Frágil como pocos de su era, se hizo fuerte en el momento preciso para llevar a R.E.M. a la cúspide. “That’s me in the spotlight” cantaba en ‘Losing My Religion’. Desde el momento en que lo visualizó, fue capaz de sacar la tarea adelante con la clase de los elegidos. Gesto personal suficiente como para cambiar la historia del rock alternativo para siempre.
46III ROCKAXIS
Mike Mills
bajista, pianista R.E.M. siempre fue una unidad. Les gustaba representarse de aquel modo y así los entendíamos. Había pocos elementos en la brillante oferta de los americanos que haya sobresalido más que otro de manera permanente. Uno de estos era Mike Mills con sus soñadas segundas voces, las cuales hoy alcanzan todo tipo de simbolismos. El que el ejercicio vocal de Mills haya permitido que la música de la banda nos sonara como un eco multi-dimensional es la forma más básica – y a la vez lógica – de asimilar cuánto más profunda era la concepción artística de aquellos cuatro tipos de Athens, en comparación con los múltiples sonidos de la primera mitad de los ochenta. Un abrumador talento en términos de composición, sumado a su ya mencionado atributo armónico, su puesto de bajista lo ubica también como el vigilante sobre el escenario. Decir que él llevaba los ritmos en R.E.M. es mucho más que jugar con las palabras. Independiente de cuántas ganas tuviesen las manos de Peter Buck de divertirse o Michael Stipe de perder el control, siempre estaría el bajo y la voz de Mills para sostener a su pandilla en pie. No le tuvo miedo al protagonismo. No tenía por qué tenerlo, claro. Tomaba la primera voz cuando le correspondía, ya fuese cantando o dando la cara ante la prensa. Así también al hace al momento de la despedida, en el compilado final de R.E.M. (“Part Lies, Part Heart, Part Truth, Part Garbage 1982-2011”) a través del tema ‘(Don’t Go Back to) Rockville’ y lo hizo al aclarar que esta decisión “no es porque sí, ni porque no nos soportemos, o porque apestemos. Estamos haciendo esto por buenas razones. Después de “Around the sun”, sentimos que teníamos que demostrar, a los fans, la crítica y nosotros mismos, que aún podíamos hacer grandes discos. Pensamos que ya lo hemos hecho. Ahora haremos lo que ningún otro grupo: darnos la mano, y separarnos como amigos”. Claro, sencillo, y sin dobles lecturas. Ese es Mike Mills.
Peter Lawrence Buck guitarrista Fue el encargado de preservar los intereses rockeros de R.E.M. Nunca quedó más claro su rol de guardián de la crudeza al interior de la banda, que a comienzos de los noventas, cuando el creciente peso compositivo de Michael Stipe amenazó por un momento con alterar los históricos equilibrios creativos del conjunto. Pero no. Buck fue un obrero incansable y ya en la época de IRS, en la era de la independencia de los de Athens, llenaba con afán de artesano cada espacio de las canciones en las que le tocó intervenir. ‘Pretty Persuasion’ y ‘Gardening at Night’ son dos melodías de esos años, que muestran al guitarrista ambicionando mucho más que aspirar a ser únicamente el encargado de llevar la parte rítmica pulsando las cuerdas de su Rickenbacker. El influjo inicial de The Byrds (en una época en que todos sus colegas querían ser el relevo del punk) fue mutando hacia la explosión eléctrica de “Lifes Rich Pageant”, primero, y, años después, en “Monster”, uno de los álbumes más ruidosos de R.E.M. y que surgió, básicamente, por la insistencia de Buck por volver al lado más rockero de la agrupación. ¿Lo último para atesorar de este miembro clave de R.E.M.? Su perfil arrogante, de gatillo fácil y personalidad avasalladora que le permitió ser identificado como el único verdadero rockstar de la banda (inolvidable su pastelazo etílico de 2001, durante un vuelo comercial para el que tomó más de la cuenta). Fueron esos rasgos, además de su destreza musical, los que le valieron un respeto de sus pares que se mantiene hasta hoy día.
William “Bill” Thomas Berry ex baterista Ya es encomiable que haya escrito un buen número de canciones para su banda y que no se haya conformado con ser el típico baterista limitado a la pega de darle a platos y tambores con algún sentido del ritmo. Pero que Bill Berry haya compuesto monumentos del catálogo de R.E.M. como ‘Everybody Hurts’ y ‘Man On the Moon’ da para pensar que aquí había un talento que, en ese apartado, pudo haber dado mucho más. El primer batero de R.E.M. se alejó en 1997, dos años después de que colapsara en escena por un aneurisma cerebral (durante un show en Suiza) y que le hizo replantearse la vida entera. Pero, contrariamente a lo que muchos pudieron pensar en ese momento, su puesto nunca fue ocupado con propiedad. Básicamente, porque para ellos, para sus colegas, no había con quién reemplazarlo. Fue Berry el que convenció a sus viejos amigos que siguieran adelante, sin culpas y los tranquilizó diciéndoles que, de ahí en adelante, él iba a ser el fan número de R.E.M. Eso habla, de algún modo, del tipo de madera que estaba hecho el hombre que cambió los escenarios por una vida en el campo de la que sólo ha salido un par de veces para acompañar a los músicos en alguna entrega de premio. Nobleza obliga: el tipo era capaz de firmar clásicos (‘Driver 8’ y ‘Leave’ son otras de sus composiciones) y tenía una lealtad de fierro tras como quedó claro después de su retiro. Pero como baterista era más bien un ejecutante discreto. Sin embargo, Berry se las ingenió para que su estilo más bien sencillo llamara la atención de los músicos que venían siguiendo su catálogo y, ya hablando de sus otras capacidades, también fue capaz de poner brillantes coros en canciones emblemáticas de conjunto como ‘The One I Love’, junto a Mills. Las claves secundarias de un tipo que, aunque se perdió catorce años en la historia del grupo, nunca dejó de ser un R.E.M. más.
47III ROCKAXIS
BACKSTAGE
Ejercicio de memoria
B
ienvenidos otra vez a esta zona de recuerdos, donde sacudimos la memoria emotiva del rock para revivir grandes momentos. El regreso a nuestras tierras de Faith No More es la ocasión perfecta para poner el foco en los californianos encabezados por Mike Patton. El momento que inmortalizamos es el inolvidable viernes 8 de septiembre de 1995, en la segunda jornada del ciclo Monsters Of Rock. El texto elegido es el enviado por José Vásquez, quien nos cuenta su experiencia aquella afiebrada noche. Recibe como premio una entrada a Maquinaria, para volver a disfrutar del poder de Faith No More en vivo. “Recuerdo que fue un día de lluvia, a comienzos de la primavera. Fui con mi mejor amigo Cristian, avanzando a través de una llenísima calle San Diego. En plena ansiedad por entrar, corrió la voz de que se podía entrar por una puerta trasera del teatro Monumental, hoy Caupolicán. Dimos la vuelta y encontramos el ingreso, donde, sorpresa, no había nadie. El pasadizo llevaba directamente a una despoblada galería, donde tratamos de buscar los mejores puestos. Así, fuimos descendiendo por las escaleras para estar más cerca, cuando descubrimos que unos cuantos de los asistentes se colaban desde la parte alta hacia la cancha. El panorama iba mejorando para nosotros, así que, en un acto desafiante hicimos lo mismo: Pero lo mejor estaba por venir, ya que cuando unos pocos ya nos habíamos pasado muchos otros copiaron la idea y fue el principio del caos. No pocos se arrojaron
sin una salvaguarda para acolchar la caída. Fueron numerosos los que definitivamente cayeron mal. El bizarro espectáculo amenizó el proceso de entrada, en una retorcida normalidad. Más tarde, con el teatro a plena capacidad, el desorden fue total: un tipo meando a la cancha desde la galería, unos pocos haciendo mosh....otros tirándole lo que se encontraban al meón de la galucha. Con el show de Paradise Lost, el rock and roll concentraba toda la atención de la muchedumbre. Que yo recuerde, de todos los shows que he ido -que son muchos- nunca había escuchado una banda que sonara tan perfecto. El sonido era impecable, del mejor nivel. Con su presentación, empezaron también los primeros “escupitajos”. Sale Faith No More y el Monumental se viene abajo. Euforia, rabia acumulada y muchos tipos pasados en revoluciones. Su presentación fue notable, los hits sonaban a full. Mike Patton era un verdadero energúmeno y el furor se apoderó de miles de almas. Los escupos caían como lluvia en invierno. En un momento, Patton le reclamó al sonidista que su línea no sonaba, tras lo cual le lanzó el micrófono, el que cayó en medio del público. Supongo que se hizo mierda. El aire que se respiraba era cálido, aparecen los desmayos, así que luego el evento era más una batalla por salvarse que ir a escuchar a tu banda favorita. ‘We Care a Lot’ suena potente y estremecedora. Para cuando sonó ‘Epic’ yo ya estaba sin voz tanto gritar. Después de poco más de una hora de actuación, el arrollador final fue con ‘From Out of Nowhere’ Una vez terminado el concierto, necesitábamos imperiosamente hidratarnos para enfrentar lo que se venía: El Príncipe de las Tinieblas, por primera vez en Chile....Ozzy....pero eso ya es otra historia. Gracias a Faith No More esa noche fue inolvidable”.
Michael Stipe vocalista
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BACKSTAGE
Eje
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texto exper a Maq vivo.
“Recu con m calle se po hoy C sorpr despo fuimo descu parte así qu por v otros
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22III ROCKAXIS
BACKSTAGE
Ejercicio de memoria
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ienvenidos otra vez a esta zona de recuerdos, donde sacudimos la memoria emotiva del rock para revivir grandes momentos. El regreso a nuestras tierras de Faith No More es la ocasión perfecta para poner el foco en los californianos encabezados por Mike Patton. El momento que inmortalizamos es el inolvidable viernes 8 de septiembre de 1995, en la segunda jornada del ciclo Monsters Of Rock. El texto elegido es el enviado por José Vásquez, quien nos cuenta su experiencia aquella afiebrada noche. Recibe como premio una entrada a Maquinaria, para volver a disfrutar del poder de Faith No More en vivo. “Recuerdo que fue un día de lluvia, a comienzos de la primavera. Fui con mi mejor amigo Cristian, avanzando a través de una llenísima calle San Diego. En plena ansiedad por entrar, corrió la voz de que se podía entrar por una puerta trasera del teatro Monumental, hoy Caupolicán. Dimos la vuelta y encontramos el ingreso, donde, sorpresa, no había nadie. El pasadizo llevaba directamente a una despoblada galería, donde tratamos de buscar los mejores puestos. Así, fuimos descendiendo por las escaleras para estar más cerca, cuando descubrimos que unos cuantos de los asistentes se colaban desde la parte alta hacia la cancha. El panorama iba mejorando para nosotros, así que, en un acto desafiante hicimos lo mismo: Pero lo mejor estaba por venir, ya que cuando unos pocos ya nos habíamos pasado muchos otros copiaron la idea y fue el principio del caos. No pocos se arrojaron
sin una salvaguarda para acolchar la caída. Fueron numerosos los que definitivamente cayeron mal. El bizarro espectáculo amenizó el proceso de entrada, en una retorcida normalidad. Más tarde, con el teatro a plena capacidad, el desorden fue total: un tipo meando a la cancha desde la galería, unos pocos haciendo mosh....otros tirándole lo que se encontraban al meón de la galucha. Con el show de Paradise Lost, el rock and roll concentraba toda la atención de la muchedumbre. Que yo recuerde, de todos los shows que he ido -que son muchos- nunca había escuchado una banda que sonara tan perfecto. El sonido era impecable, del mejor nivel. Con su presentación, empezaron también los primeros “escupitajos”. Sale Faith No More y el Monumental se viene abajo. Euforia, rabia acumulada y muchos tipos pasados en revoluciones. Su presentación fue notable, los hits sonaban a full. Mike Patton era un verdadero energúmeno y el furor se apoderó de miles de almas. Los escupos caían como lluvia en invierno. En un momento, Patton le reclamó al sonidista que su línea no sonaba, tras lo cual le lanzó el micrófono, el que cayó en medio del público. Supongo que se hizo mierda. El aire que se respiraba era cálido, aparecen los desmayos, así que luego el evento era más una batalla por salvarse que ir a escuchar a tu banda favorita. ‘We Care a Lot’ suena potente y estremecedora. Para cuando sonó ‘Epic’ yo ya estaba sin voz tanto gritar. Después de poco más de una hora de actuación, el arrollador final fue con ‘From Out of Nowhere’ Una vez terminado el concierto, necesitábamos imperiosamente hidratarnos para enfrentar lo que se venía: El Príncipe de las Tinieblas, por primera vez en Chile....Ozzy....pero eso ya es otra historia. Gracias a Faith No More esa noche fue inolvidable”.
Michael Stipe vocalista
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texto exper a Maq vivo.
“Recu con m calle se po hoy C sorpr despo fuimo descu parte así qu por v otros
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22III ROCKAXIS
Las enseñanzas de
Por Juan Ignacio Cornejo
El 21 de septiembre de 2011 va a quedar marcado para siempre en la historia del rock. Fue un día triste; intentar comprender y sopesar lo que la noticia de la disolución de los padres del college rock implica. Se despidieron cuando menos se pensaba: hace tres años, reconquistaron el mundo con “Accelerate” y volvieron a asentarse en el sitial que les correspondía con “Collapse Into Now”, de este año. Sin hacer ruido, sin ventilar conflictos, sin sacar provecho de la renovada – y justa – adoración.
44III ROCKAXIS
U
n día después del estreno Stipe y compañía generaron un estilo que no mundial de “PJ20”, la era exclusivamente musical, sino incorporaba a película de Pearl Jam en aquellos dejados fuera de la corriente principal. la que ahora nos damos Hasta antes (en paralelo con su desarrollo) del cuenta que Michael Stipe college rock, se hablaba de estilos encajonados en debió haber estado: antes un solo público y una sola estética. R.E.M. terminó de Seattle, la integridad y en el mismo cajón de Pixies, Husker Du, Nirvana, humanidad del rock la simbolizaba R.E.M., quizás Pearl Jam e incluso Radiohead. Esa escena que ellos como ninguna otra agrupación antes (sólo comandaron durante los ochenta fue la opacada por la existencia de Neil llave maestra a una próxima década que R.E.M. Young como escuela para ambos). regaló diversidad y tolerancia. nos enseñó que Esperaron al 21. Hasta para eso fueron nobles. Son muchas las Renovación en el éxito para ser grandes, no era lecciones que podemos sacar necesario vender millones, de una carrera como la que El auditor casual puede haber ni llenar estadios. El éxito tuvieron ellos. creído que R.E.M. era siempre lo midieron de acuerdo a su lo mismo, así como puede creer desarrollo artístico, y una La gloria no se mide con que todo el metal es igual. Pero vez concretado eso, vino el cuesta recordar cuántas veces números estos tipos supieron renovarse, reconocimiento. R.E.M. nos enseñó que para ser pasando de su sonido primitivo grandes, no era necesario vender a una propuesta definitivamente millones, ni llenar estadios. El éxito lo rockera, contrastada con dos álbumes midieron de acuerdo a su desarrollo artístico y casi totalmente acústicos y retomar las guitarras una vez concretado eso, vino el reconocimiento. eléctricas a tope en dos recordadas ocasiones El recorrido musical que hizo aquel novel cuarteto (“Monster” en 1994 y “Accelerate” en 2008). entre 1980 y 1987 roza la perfección y aunque La absoluta confianza en su propuesta, los llevó recién con “Document” se destapó el asunto, es de un disco que tenía un tema titulado ‘Shiny Happy difícil no enamorarse de todo lo que hicieron en ese People’ a ofrecer un disco centrado en la muerte, lapso. que de amigable no tenía nada. Los que creían que Los discos más vendedores del grupo R.E.M. era siempre lo mismo, terminaron teniendo difícilmente serán recordados como sus mejores razón en una cosa: disco tras disco, movida tras obras, quizás con la excepción de “Automatic for the movida, nunca perdieron su identidad. People”. La primera obra definitiva de R.E.M. no fue su primer LP “Murmur”, sino su EP “Chronic Oídos sordos Town”, de 1980, suficientemente categórico como para haber marcado a generaciones venideras. Mucho auto-definido “rockero” ha destrozado a Aunque claro, el EP no tenía ‘Radio Free Europe’. R.E.M., prácticamente desde el minuto en que los conocieron. Es decir, para ‘Losing My Religion’, El valor de la independencia en 1991. Que eran muy pop, que su sonido era tremendamente comercial o que sólo hacían Ese periodo mágico que concluye en 1987 en el canciones para la radio. historial de R.E.M. coincide también con su estadía Stipe, un letrista de esos que la historia ha en el sello I.R.S., una discográfica independiente. sabido atesorar, respondió a cuentagotas. La Hasta su irrupción, las biografías del rock seguían volcánica ‘Living Well is the Best Revenge’, la incluyendo la frase “hasta que les ofrecieron un apertura de “Accelerate”, debe ser de lo más duro contrato discográfico”. Incluso los mencionados que él y la banda hayan firmado. Pero los oriundos Ramones estaban en una subsidiaria de Warner. de Athens, Georgia, no tenían por qué rendirle Eran otros tiempos claros, pero alguien tenía que cuentas a nadie. representar a la minoría. Lo que muchos definieron como “sonido Quizás los creadores de ‘Man on the Moon’ comercial”, llegó a serlo simplemente por no fueron los primeros salidos de una casa cuánto influyeron ellos mismos a crear esa nueva independiente que alcanzaron el éxito, pero sí amabilidad para el oído. En 1992, todo el rock son los más representativos, por la cantidad de alternativo estaba sonando como ellos lo hacían en tiempo que estuvieron en el circuito alternativo, “Document”, cinco años atrás e incluso antes. En su y cómo lograron defender su accionar y las último adiós, bien vale el tardío reconocimiento a la decisiones relacionadas a su carrera estando en una clase con que llevaron su carrera. multinacional. De ahí en más, la preferencia por Por último, me quedo con el recuerdo de disqueras menores dejó de ser una obligación. mi canción favorita de R.E.M., de su impecable disco “Lifes Rich Pageant”. Los versos “confía en El adiós a las etiquetas tu llamado, asegúrate que tu llamado sea real / piensa en otros, los otros piensan en ti”, acompañan Quienes vieron el capítulo de Seven Ages of Rock con optimismo e incluso alegría la despedida y la dedicado a la movida alternativa del rock americano fantástica ‘I Believe’ nos recuerda que aquí no hay de los ochenta y noventa, comprenderá por qué espacio para más lamentos, sino sólo esperanza. R.E.M. logró ser tan validado por tipos como “Cambio, eso es en lo que creo”, remata el estribillo Henry Rollins y Nirvana. de ‘I Believe’. Que esa fe no se pierda.
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Ejercicio de memoria
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ienvenidos otra vez a esta zona de recuerdos, donde sacudimos la memoria emotiva del rock para revivir grandes momentos. El regreso a nuestras tierras de Faith No More es la ocasión perfecta para poner el foco en los californianos encabezados por Mike Patton. El momento que inmortalizamos es el inolvidable viernes 8 de septiembre de 1995, en la segunda jornada del ciclo Monsters Of Rock. El texto elegido es el enviado por José Vásquez, quien nos cuenta su experiencia aquella afiebrada noche. Recibe como premio una entrada a Maquinaria, para volver a disfrutar del poder de Faith No More en vivo. “Recuerdo que fue un día de lluvia, a comienzos de la primavera. Fui con mi mejor amigo Cristian, avanzando a través de una llenísima calle San Diego. En plena ansiedad por entrar, corrió la voz de que se podía entrar por una puerta trasera del teatro Monumental, hoy Caupolicán. Dimos la vuelta y encontramos el ingreso, donde, sorpresa, no había nadie. El pasadizo llevaba directamente a una despoblada galería, donde tratamos de buscar los mejores puestos. Así, fuimos descendiendo por las escaleras para estar más cerca, cuando descubrimos que unos cuantos de los asistentes se colaban desde la parte alta hacia la cancha. El panorama iba mejorando para nosotros, así que, en un acto desafiante hicimos lo mismo: Pero lo mejor estaba por venir, ya que cuando unos pocos ya nos habíamos pasado muchos otros copiaron la idea y fue el principio del caos. No pocos se arrojaron
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sin una salvaguarda para acolchar la caída. Fueron numerosos los que definitivamente cayeron mal. El bizarro espectáculo amenizó el proceso de entrada, en una retorcida normalidad. Más tarde, con el teatro a plena capacidad, el desorden fue total: un tipo meando a la cancha desde la galería, unos pocos haciendo mosh....otros tirándole lo que se encontraban al meón de la galucha. Con el show de Paradise Lost, el rock and roll concentraba toda la atención de la muchedumbre. Que yo recuerde, de todos los shows que he ido -que son muchos- nunca había escuchado una banda que sonara tan perfecto. El sonido era impecable, del mejor nivel. Con su presentación, empezaron también los primeros “escupitajos”. Sale Faith No More y el Monumental se viene abajo. Euforia, rabia acumulada y muchos tipos pasados en revoluciones. Su presentación fue notable, los hits sonaban a full. Mike Patton era un verdadero energúmeno y el furor se apoderó de miles de almas. Los escupos caían como lluvia en invierno. En un momento, Patton le reclamó al sonidista que su línea no sonaba, tras lo cual le lanzó el micrófono, el que cayó en medio del público. Supongo que se hizo mierda. El aire que se respiraba era cálido, aparecen los desmayos, así que luego el evento era más una batalla por salvarse que ir a escuchar a tu banda favorita. ‘We Care a Lot’ suena potente y estremecedora. Para cuando sonó ‘Epic’ yo ya estaba sin voz tanto gritar. Después de poco más de una hora de actuación, el arrollador final fue con ‘From Out of Nowhere’ Una vez terminado el concierto, necesitábamos imperiosamente hidratarnos para enfrentar lo que se venía: El Príncipe de las Tinieblas, por primera vez en Chile....Ozzy....pero eso ya es otra historia. Gracias a Faith No More esa noche fue inolvidable”.
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Exclusiva con John García
La voz del rock desértico Por Francisco Reinoso Baltar Álvaro Rojas Meza
La interminable espera por ver a los mayores íconos del desert rock ha llegado a su fin. A semanas de su primera presentación en Chile como cabezas del Stoner Fest 2011, conversamos con John García, líder de Kyuss Lives!, la reencarnación de una banda cuya música ha dejado una de las huellas más profundas en el rock de las últimas dos décadas. 50III ROCKAXIS
H
ace poco más de un año, cuando los ex miembros de Kyuss se encontraban enfrascados en sus numerosos proyectos personales -Mondo Generator, García vs García, Brant Bjork and the Bros-, pocos se habrían imaginado que una reunión del semillero de todas esas bandas estaba a la vuelta de la esquina. Todo comenzó en el Hellfest en junio de 2010: Lo que era una simple aparición de Brant Bjork y Nick Oliveri durante la presentación de García Plays Kyuss se convirtió en una serie de conciertos y esa serie de conciertos en una reformación estable que ya trabaja en un disco agendado para el primer semestre de 2012. Sumido en sus tareas en Them Crooked Vultures y Queens of the Stone Age, y receloso de manchar la herencia de Kyuss, Josh Homme decidió marginarse de esta vuelta a los escenarios. No así los miembros restantes, quienes junto al guitarrista belga Bruno Fevery decidieron dar forma a un proyecto que por años pareció inconcebible. Sobre el momento en su vida actual, la tan mentada reunión y el imperecedero legado de Kyuss, al teléfono desde su casa en el desierto de California, en exclusiva John García.
“Hay un estándar que seguir cuando se trata de un disco de Kyuss, pero ahora somos más viejos, sabios y nuestros estilos de composición han madurado bastante. Nosotros mismos estamos curiosos respecto a cómo va a sonar el material nuevo”.
“Muchas cosas se exageraron porque [Nick] era el bajista de QOTSA, Kyuss y Mondo Generator. Algunas personas están tan aburridas que necesitan un poco de drama de la vida de otras para hacer que las suyas estén más completas. Nosotros no entramos en esos juegos, son sólo juegos y no estamos para eso”.
¿Cómo se han preparado para la gira sudamericana, han estado ensayando mucho? “Para ser honesto, no, no hemos ensayado demasiado (risas). Recién volvimos a Estados Unidos y hemos estado haciendo shows casi todas las noches. Tenemos un tiempo reservado pero lo dedicaremos principalmente a escribir material nuevo. Las canciones que tocamos en los shows ya las manejamos bastante bien, así que ahora estamos más en modo de composición”. ¿Qué puedes contarnos sobre el disco en el que están trabajando? “Bueno, no sé si muchos están al tanto pero estamos en proceso de escribir un nuevo álbum. Estoy muy feliz y complacido de anunciarlo, pero para ser honesto yo mismo estoy curioso sobre el resultado. Es verdad que hay cierto estándar que seguir cuando se trata de un disco de Kyuss, pero obviamente somos mucho más viejos, sabios y nuestros estilos de composición han madurado bastante, así que nosotros mismos estamos curiosos respecto a cómo va a sonar el material nuevo. Hay un nerviosismo positivo, pero estamos ansiosos por empezar la tarea”. Hemos visto que Bruno Fevery obviamente puede tocar canciones de Kyuss, pero ¿funciona la química con él al momento de componer? “Muchos guitarristas pueden tocar la música de Kyuss, pero se requiere de cierto carácter para tocar esas canciones con tanta disposición y personalidad como lo hace Bruno. Estamos felices de que esté con nosotros. En cuanto a la escritura… [Se escuchan risas y una voz de niño a través del teléfono]. Tengo a mi hijo de dos años aquí conmigo
(risas). Escribir es algo completamente distinto, pero creo que Bruno definitivamente está a la altura de la tarea. Él es muy respetuoso con las canciones de Josh y Brant y todos lo queremos mucho. Es un guitarrista increíblemente talentoso y estoy ansioso de entrar al estudio con él y empezar a escribir canciones. Es un momento de expectación para todos nosotros”. ¿Quién va a tocar bajo en Sudamérica? Scott Reeder tocó en algunas fechas de la gira... “Nick Oliveri irá a Sudamérica con nosotros. Tuvimos que pedirle a Scott que tocara en Canadá y en Noruega por motivos legales. Tenemos suerte de tener a dos bajistas tan talentosos en esta banda: Nick Oliveri le da cierta intensidad al show y Scott tiene un estilo y técnica especial en su forma de tocar. Es una suerte que se hayan quedado con nosotros en estos momentos tan difíciles. Si hay algo cierto es que los queremos a ambos y no hay día en que no piense en mi relación con Nick y Scotty y lo afortunados que somos de tenerlos a ambos. Nick es el bajista principal, lo seguirá siendo y vamos a quedarnos a su lado pase lo que pase. Estoy muy orgulloso de poder decir eso”. ¿Están solucionados sus problemas legales? “No estoy cien por ciento seguro de la situación de sus asuntos legales. Creo que muchas cosas se exageraron porque él era el bajista de QOTSA, Kyuss y Mondo Generator. Algunas personas están tan aburridas que necesitan un poco de drama de la vida de otras para hacer que las suyas estén más completas. Nosotros no entramos en esos juegos, son sólo juegos y no estamos para eso. Lo principal es que sus hermanos estén a su lado y lo apoyen y eso es lo que vamos a hacer. Todo se está solucionando y vamos a avanzar en una dirección positiva. Sé que todo estará bien”. EL LEGADO DESÉRTICO Ustedes y un par más de bandas fueron pioneros en crear un estilo musical. ¿Estaban conscientes en ese momento de lo que estaban haciendo? “Por mi parte no. Para ser honesto no era consciente de lo que hacíamos. No creo que nos hayamos propuesto hacer eso, sólo nos dedicamos a tocar la música que le faltaba a nuestras vidas y llenamos ese vacío de la mejor forma posible. Josh y Brant, Nick, Scott Reeder y Alfredo Hernández hicieron un muy buen trabajo en ese sentido. No tratamos de ser como nadie y no quisimos ser como nadie. Queríamos ser quienes éramos y creo que por eso la música que escribimos ha superado la prueba del tiempo. No nos propusimos cambiar la cara de la música o inventar un estilo, en absoluto”. ¿Qué piensas sobre todas las bandas que vinieron después de ustedes y que tenían un sonido similar? “Bueno, ¿qué puedes decir más que ‘guau, increíble, genial’? En realidad sólo hay una respuesta posible y es de agradecimiento, de halago. Es imposible reaccionar de otra forma más que estar agradecido y sorprendido de que eso haya pasado. Gente como
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Ejercicio de memoria
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ienvenidos otra vez a esta zona de recuerdos, donde sacudimos la memoria emotiva del rock para revivir grandes momentos. El regreso a nuestras tierras de Faith No More es la ocasión perfecta para poner el foco en los californianos encabezados por Mike Patton. El momento que inmortalizamos es el inolvidable viernes 8 de septiembre de 1995, en la segunda jornada del ciclo Monsters Of Rock. El texto elegido es el enviado por José Vásquez, quien nos cuenta su experiencia aquella afiebrada noche. Recibe como premio una entrada a Maquinaria, para volver a disfrutar del poder de Faith No More en vivo. “Recuerdo que fue un día de lluvia, a comienzos de la primavera. Fui con mi mejor amigo Cristian, avanzando a través de una llenísima calle San Diego. En plena ansiedad por entrar, corrió la voz de que se podía entrar por una puerta trasera del teatro Monumental, hoy Caupolicán. Dimos la vuelta y encontramos el ingreso, donde, sorpresa, no había nadie. El pasadizo llevaba directamente a una despoblada galería, donde tratamos de buscar los mejores puestos. Así, fuimos descendiendo por las escaleras para estar más cerca, cuando descubrimos que unos cuantos de los asistentes se colaban desde la parte alta hacia la cancha. El panorama iba mejorando para nosotros, así que, en un acto desafiante hicimos lo mismo: Pero lo mejor estaba por venir, ya que cuando unos pocos ya nos habíamos pasado muchos otros copiaron la idea y fue el principio del caos. No pocos se arrojaron
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sin una salvaguarda para acolchar la caída. Fueron numerosos los que definitivamente cayeron mal. El bizarro espectáculo amenizó el proceso de entrada, en una retorcida normalidad. Más tarde, con el teatro a plena capacidad, el desorden fue total: un tipo meando a la cancha desde la galería, unos pocos haciendo mosh....otros tirándole lo que se encontraban al meón de la galucha. Con el show de Paradise Lost, el rock and roll concentraba toda la atención de la muchedumbre. Que yo recuerde, de todos los shows que he ido -que son muchos- nunca había escuchado una banda que sonara tan perfecto. El sonido era impecable, del mejor nivel. Con su presentación, empezaron también los primeros “escupitajos”. Sale Faith No More y el Monumental se viene abajo. Euforia, rabia acumulada y muchos tipos pasados en revoluciones. Su presentación fue notable, los hits sonaban a full. Mike Patton era un verdadero energúmeno y el furor se apoderó de miles de almas. Los escupos caían como lluvia en invierno. En un momento, Patton le reclamó al sonidista que su línea no sonaba, tras lo cual le lanzó el micrófono, el que cayó en medio del público. Supongo que se hizo mierda. El aire que se respiraba era cálido, aparecen los desmayos, así que luego el evento era más una batalla por salvarse que ir a escuchar a tu banda favorita. ‘We Care a Lot’ suena potente y estremecedora. Para cuando sonó ‘Epic’ yo ya estaba sin voz tanto gritar. Después de poco más de una hora de actuación, el arrollador final fue con ‘From Out of Nowhere’ Una vez terminado el concierto, necesitábamos imperiosamente hidratarnos para enfrentar lo que se venía: El Príncipe de las Tinieblas, por primera vez en Chile....Ozzy....pero eso ya es otra historia. Gracias a Faith No More esa noche fue inolvidable”.
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texto exper a Maq vivo.
“Recu con m calle se po hoy C sorpr despo fuimo descu parte así qu por v otros
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Exclusiva con
GanĂĄndole a la vida Por Francisco Reinoso Baltar
Como todas las leyendas del rock, Phil Anselmo sabe lo que son los altos y bajos. A pocos dĂas de su debut con Down en Maquinaria Festival 2011, el explosivo frontman nos obsequia su descarnado relato de sobrevivencia. Sin pelos en la lengua. 54III ROCKAXIS
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hil Anselmo es un banco de historias, excesos y vivencias. Pero hay que saber hallarlas y también todo depende de su estado anímico y la fase personal en que se encuentre. Más aún sabiendo su reticencia con los medios especializados, sindicados por el mismo cantante como los culpables del quiebre de Pantera. El nefasto deceso de Dimebag Darrell solo incrementó sus anticuerpos hacia los periodistas y el rechazo duró muchos años. Afortunadamente, el tiempo y las vueltas de la vida han logrado sanar esas heridas. Luego de trece años vuelves a Chile. De esas dos visitas con Pantera, tengo entendido que la experiencia de 1997, cuando telonearon a Kiss, fue la que te marcó de sobremanera. Sucedieron bastantes cosas, ¿no? “El tour con Kiss en Sudamérica fue fantástico. Pero lo que pasó en Santiago yo lo tomé como una verdadera proclamación de lo increíble que son los chilenos ¿sabes? Pantera tocó un set de sesenta minutos y la gente se volvió loca. Luego, Kiss se subió al escenario y nos quedamos disfrutando de la performance a un -Phil costado. Todos amamos a la banda desde niños. Estábamos disfrutando de la performance. Esa noche, Gene Simmons lucía muy molesto por el sonido de su bajo. Más encima, entre cada canción de Kiss, la gente gritaba, ¡Pantera!, ¡Pantera! Y eso no ayudó mucho a su estado de ánimo. Digamos que ellos no están muy acostumbrados a ese tipo de cosas (risas). Recuerdo esa noche como si fuese ayer, hermano”.
bastante a los fans. ¿Es algo definitivo? “Creo que sus días en Down han finalizado. Ahora, él sigue escribiendo música pero está resolviendo sus cosas. Todos en la banda respetamos el hecho de que no pueda cumplir con compromisos como viajar y tocar varios meses al año. Es mi hermano, todos los queremos y así será siempre”.
¿La decisión tomada por Rex de dejar Down fue principalmente por sus problemas con el alcohol? Pregunto esto porque tanto tú como Kirk Windstein están alejados de los excesos y las borracheras de antaño. “Entiendo. Recuerda que Rex tiene pancreatitis.Yo y Kirk nos tomamos unas cervezas pero siempre relajados, sabemos cuando parar. También disfruto de un buen vino pero nada fuerte. Las juergas interminables son parte del pasado. Todos saben que esas experiencias al límite casi terminan con mi vida. Por su enfermedad, era complicado para Rex estar de gira. Piensa que hay muchas tentaciones en la carretera. Más aún en los festivales en Europa que te topas con todo el mundo tomando y con ganas de carretear. Como te digo, entendemos y apoyamos su Anselmo decisión de abandonar el grupo”.
“No puedo permitirme vivir en el pasado”
¿Cómo están las cosas en New Orleans? Ya han pasado seis años desde que el huracán Katrina arrollara tu ciudad. “Hay una parte de la ciudad que aún está destruida. Hay muchos barrios con problemas, incluso el mío. Es súper obvio. Ves una casa bonita y luego dos aún acabadas con un spray rojo en la pared y un número que señala cuantos cadáveres fueron encontrados en esa vivienda. Pese a toda esta adversidad como comunidad estamos muy fuertes y unidos. Saldremos adelante”. Por ello el proceso de composición de “III: Over The Under” fue fuertemente influido por esa experiencia. “Ese álbum estuvo marcado por momentos bastante emocionales. Digamos que la tragedia fue tomada de una forma positiva. El resultado fueron doce canciones muy oscuras y agresivas.Yo pasé por mucha mierda y mis compañeros fueron de gran ayuda. Dejamos atrás la tristeza y negatividad y lo plasmamos en un gran disco.” Ese período fue muy duro para ti, Phil. La cirugía a tu espalda y su complicada recuperación, el huracán Katrina y la muerte de Darrell. ¿Cuál fue la clave para salir adelante? “Cuando las miserias torrenciales de la vida te golpean al mismo tiempo, debes encontrar la fuerza de voluntad dentro de ti para tomar las decisiones correctas para mejorarte, mejorar tu entorno y despejar el aire. No diría que la vida es fácil pero este tipo de situaciones te ayudan a construir un cierto carácter o coraza. Si estás todo el día trabajando o construyendo casas con un martillo, tu brazo desarrolla músculos, te haces más fuerte. Es lo mismo que siento con mi alma y mi corazón. Tú construyes una capa extra de piel. Hay algunas cosas, en especial cuando se trata de Darrell, que no estoy seguro que vaya a llegar a entender. Algo tan absurdo como su asesinato, pero no puedo permitirme vivir en el pasado. Tengo que tomar mis pies y moverme hacia adelante. Eso es lo que se supone que tienes que hacer en la vida: tomas las cosas malas, te vuelves duro, te afeitas la cabeza y te haces el ánimo para seguir avanzando”. La salida de Rex Brown de Down fue algo que afectó
“SABEMOS QUE LOS FANS QUIEREN UN DISCO DE DOWN” Acabamos de enterarnos que están preparando un nuevo disco. ¿Cómo va eso? “Entraremos al estudio en las próximas semanas. Tenemos entre cinco y ocho temas listos. Haremos un EP. Sabemos que la base de fans de Down quiere nuevo material. Suena súper heavy y creemos que la gente merece disfrutarlas. Decidimos sacar un mini álbum porque es más sencillo dado los tiempos actuales. Cada vez menos gente se interesa en los elepés. Sacaremos la versión física y también la digital”. ¿Podremos escuchar algo de eso en su show en Santiago? “No, no, no (risas). Tú sabes lo que pasaría. Estaría en horas en Youtube y la gente de todas partes especularía y comentaría canciones que ni siquiera han sido lanzadas. Es primera vez que vamos a Chile, por lo que preferimos obsequiarles un listado con los temas más clásicos de Down. Si todo sale bien, volveremos a Chile para presentarles el nuevo álbum”. ¿Podrías definirnos la línea de estas nuevas composiciones? “Mucha gente ahora podría catalogarlo como sludge pero para mí es doom. Tal como las bandas con las que crecí, pioneras en copiar el sonido clásico de Black Sabbath. Saint Vitus, Trouble o Witchfinder General. Por lo que la vibra de este material es puro y maldito doom metal”. ¿Cómo va todo en tu sello Housecore Records? ¿Algún grupo que haya ganado tu atención sobre el resto? “Es un bonito desafío. Hay una banda que está de tour con nosotros. Se llaman Pony Killer y no tienen que ver con el heavy metal. Son psicodélicos, melódicos y nadie suena como ellos. Editarlos es un honor. Califican dentro de lo que yo busco. También estoy preparando mi disco en solitario que se viene bien heavy y abrasivo. Espero de corazón tenerlo para el 2012”. PANTERA Hablando del 2012. Se cumplirán veinte años de “Vulgar Display Of Power”. ¿Estás al tanto si acontecerá algo similar a “Cowboys From Hell”? ¿Una reedición o evento especial? “¿Sabes qué? Es chistoso pero no he escuchado ninguna palabra. Para
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ienvenidos otra vez a esta zona de recuerdos, donde sacudimos la memoria emotiva del rock para revivir grandes momentos. El regreso a nuestras tierras de Faith No More es la ocasión perfecta para poner el foco en los californianos encabezados por Mike Patton. El momento que inmortalizamos es el inolvidable viernes 8 de septiembre de 1995, en la segunda jornada del ciclo Monsters Of Rock. El texto elegido es el enviado por José Vásquez, quien nos cuenta su experiencia aquella afiebrada noche. Recibe como premio una entrada a Maquinaria, para volver a disfrutar del poder de Faith No More en vivo. “Recuerdo que fue un día de lluvia, a comienzos de la primavera. Fui con mi mejor amigo Cristian, avanzando a través de una llenísima calle San Diego. En plena ansiedad por entrar, corrió la voz de que se podía entrar por una puerta trasera del teatro Monumental, hoy Caupolicán. Dimos la vuelta y encontramos el ingreso, donde, sorpresa, no había nadie. El pasadizo llevaba directamente a una despoblada galería, donde tratamos de buscar los mejores puestos. Así, fuimos descendiendo por las escaleras para estar más cerca, cuando descubrimos que unos cuantos de los asistentes se colaban desde la parte alta hacia la cancha. El panorama iba mejorando para nosotros, así que, en un acto desafiante hicimos lo mismo: Pero lo mejor estaba por venir, ya que cuando unos pocos ya nos habíamos pasado muchos otros copiaron la idea y fue el principio del caos. No pocos se arrojaron
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sin una salvaguarda para acolchar la caída. Fueron numerosos los que definitivamente cayeron mal. El bizarro espectáculo amenizó el proceso de entrada, en una retorcida normalidad. Más tarde, con el teatro a plena capacidad, el desorden fue total: un tipo meando a la cancha desde la galería, unos pocos haciendo mosh....otros tirándole lo que se encontraban al meón de la galucha. Con el show de Paradise Lost, el rock and roll concentraba toda la atención de la muchedumbre. Que yo recuerde, de todos los shows que he ido -que son muchos- nunca había escuchado una banda que sonara tan perfecto. El sonido era impecable, del mejor nivel. Con su presentación, empezaron también los primeros “escupitajos”. Sale Faith No More y el Monumental se viene abajo. Euforia, rabia acumulada y muchos tipos pasados en revoluciones. Su presentación fue notable, los hits sonaban a full. Mike Patton era un verdadero energúmeno y el furor se apoderó de miles de almas. Los escupos caían como lluvia en invierno. En un momento, Patton le reclamó al sonidista que su línea no sonaba, tras lo cual le lanzó el micrófono, el que cayó en medio del público. Supongo que se hizo mierda. El aire que se respiraba era cálido, aparecen los desmayos, así que luego el evento era más una batalla por salvarse que ir a escuchar a tu banda favorita. ‘We Care a Lot’ suena potente y estremecedora. Para cuando sonó ‘Epic’ yo ya estaba sin voz tanto gritar. Después de poco más de una hora de actuación, el arrollador final fue con ‘From Out of Nowhere’ Una vez terminado el concierto, necesitábamos imperiosamente hidratarnos para enfrentar lo que se venía: El Príncipe de las Tinieblas, por primera vez en Chile....Ozzy....pero eso ya es otra historia. Gracias a Faith No More esa noche fue inolvidable”.
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La carismática voz de
Exclusiva con su vocalista William Duvall Por María de los Ángeles Cerda
Por primera vez en su carrera, Alice in Chains visita Chile y lo hace en el marco del festival Maquinaria, como una de sus principales atracciones. Sus fanáticos aquí en el país han esperado ansiosos por su llegada, tanto como los mismos miembros de la banda, que vienen precedidos de excelentes críticas por su espectáculo y además, por el apoyo emocional que ha brindado el entorno más cercano de los de Seattle a William Duvall, su vocalista.
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Lo que dijo Mike Inez sobre William Duvall, en exclusiva para Rockaxis el 2009: “Creo que él ha hecho un trabajo estupendo. Hace ejercicios vocales y precalentamiento antes del show y también hace ejercicios después del show, es un vocalista muy aplicado. Me llena de orgullo su trabajo y el que sea parte de este momento tan especial para la banda”.
o debió haber sido fácil para William Duvall ocupar el lugar de Layne Staley. Estaba claro que no sería su reemplazo, como muchos seguidores de la banda entendieron en un comienzo, sino el inicio de otra etapa, donde lo conocido se unía con un aporte de sorpresa. Hubo muchos también que observaron con escepticismo cómo Duvall llegaba a enfrentar a una de las agrupaciones más relevantes de la escena de los noventa, con sugerencias tan ridículas como la de que Eddie Vedder renunciara a Pearl Jam y se uniera a Alice in Chains. Sin embargo, el estrecho vínculo entre Duvall y Jerry Cantrell facilitó su entrada al conjunto. Fue Cantrell que lo ubicó en un show de Comes With the Fall, la banda que lidera el cantante y de la cual Cantrell se declaraba un completo fanático. Desde ese entonces, a fines de los noventa, comenzaron a trabajar codo a codo en las giras solistas del blondo guitarrista. “Muchos creen que aparecí de la nada –aseguró Duvall para un medio inglés- pero vengo de la escena de Atlanta, crecí escuchando punk rock y llevo años trabajando en esto”. Con la reunión de Mike Inez, Jerry Cantrell y Sean Kinney, la opción más cercana fue la de Wiiliam Duvall. La confianza ya existía y ya era avalado como un gran músico. La duda en un inicio fue la continuidad de esta formación, pero, con el tiempo y sobre todo con la edición de “Black Gives Way to Blue” (2009) los cuestionamientos se disiparon. No era solo un asunto de efectividad musical, sino también de la emocionalidad que podía crear la integración de Duvall, que fue comprobada no solo en el álbum sino también en vivo. Altamente respetado y con un carisma enorme, Duvall ya es reconocido por los fans como uno más de la banda y no como el personaje “de paso”. De hecho ya se encuentran trabajando en un nuevo álbum, que sería lanzado a comienzos de 2012. Sobre todo el proceso de reconocimiento y su primer concierto en Chile, conversamos en exclusiva con el vocalista de Alice in Chains. Ya han pasado más de seis años desde que fuiste presentado como vocalista de Alice in Chains. Gran parte de este tiempo lo han pasado de gira, ¿cómo te han recibido los fans? ¿Fue muy difícil en un inicio? “Sí, claro, fue muy desafiante para mí, para el resto de la banda y para los fans. Todos teníamos un desafío que enfrentar, pero mi manera de enfrentarlo fue con la cabeza en alto. Ser yo mismo. Afortunadamente, debido a mi larga amistad con Cantrell, que ya lleva doce o trece años, y que la decisión de reformar Alice in Chains fue posterior, nosotros ya habíamos tocado juntos, ido de gira, él era muy fanático de mi banda Comes With the Fall, había una cosa intensa, teníamos una química previa. Así que para el momento en que se reunió Alice in Chains el 2006 ya había una base y creo que, muy rápidamente, nosotros cuatro, Sean, Mike y Cantrell creamos un vínculo mientras estábamos de gira porque estábamos en una situación tan extrema, que teníamos que crear esa relación estrecha. Creo
que es eso lo que los fans han visto. Ellos han ido a nuestros shows y han visto lo honestos que somos, la intención real detrás de todo esto, la pureza que había. Nos consideramos muy afortunados por eso y aquí estamos, seis años después. El tiempo ha volado”. ¿Cuánto ha evolucionado la relación entre ustedes cuatro, particularmente durante y después de la creación de “Black Gives Way to Blue”? “Siempre es difícil evaluar una relación cuando estás dentro de ella. Pero estamos en un buen lugar, como te dije, ha sido una escalada larga y a veces difícil. Una vez que lanzamos el disco, cambió totalmente el juego, se elevó la forma en que nos evaluaban y también nos sirvió para validar lo que estábamos haciendo en ese momento. Hacer la gira de promoción del álbum fue una muy buena experiencia porque fue nuestro último fundamento, fue como decir que estábamos haciendo esto y que era real, y que si querías estar a bordo, eras bienvenido y esto es lo que está pasando y este es el disco. Por eso dije que estamos en un buen lugar, cuando estamos de gira, estamos de gira, y nos llevamos muy bien”. Tuviste la oportunidad de conocer a la familia de Layne Staley y ellos te dieron su bendición. ¿Cómo fue para ti conocerlos? ¿Qué te dijeron? “El primer momento que yo recuerdo fue en el segundo show que hicimos. Fue en el Moore Theater en Seattle, a comienzos de 2006. Acabábamos de hacer una presentación para VH1 con Heart, eso fue increíble, ese fue el primero, después el show en el Moore Theater, que fue muy intensa emocionalmente. Pero recuerdo claramente a la mamá de Layne que se me acercó, fue muy, muy amable, y me dijo muchas cosas con las que nos daba apoyo, que era la mejor decisión, que yo era la persona correcta para el puesto, así que fue muy gratificante. Salimos e hicimos un gran recital, los fans que llegaron eran tremendos. Fue una temprana validación para mí y mis compañeros. Cada vez que me encuentro con ella, siempre es muy tierna conmigo. Su opinión ha sido muy importante para mí”. Chris Cornell también estuvo presente desde que llegaste a la banda y hubo una oportunidad en que estaba a un costado del escenario mirándote cantar. ¿Qué tan importante es su opinión para ti? ¿Cómo te sentiste en ese momento? “(risas) estás aterrorizado un día e inspirado, por otra parte. Fue grandioso y he tenido que enfrentar ese tipo de situaciones muchas veces hasta ahora. He tenido el privilegio de conocer y de hacerme amigo de algunos de mis ídolos. Todos, desde Cornell hasta Ozzy, Ian Astbury de The Cult y tantos más. Todos son personas a las que respeto muchísimo. Es increíble tenerlos a ellos complementándome.Yo nunca dejaré de ser un fan y creo que muchos de los músicos que más me gustan son tal como yo, nunca dejarán de ser fans de sus ídolos. Eddie Vedder es un gran fan de Pete Townsend de The Who, por
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ienvenidos otra vez a esta zona de recuerdos, donde sacudimos la memoria emotiva del rock para revivir grandes momentos. El regreso a nuestras tierras de Faith No More es la ocasión perfecta para poner el foco en los californianos encabezados por Mike Patton. El momento que inmortalizamos es el inolvidable viernes 8 de septiembre de 1995, en la segunda jornada del ciclo Monsters Of Rock. El texto elegido es el enviado por José Vásquez, quien nos cuenta su experiencia aquella afiebrada noche. Recibe como premio una entrada a Maquinaria, para volver a disfrutar del poder de Faith No More en vivo.
sin una salvaguarda para acolchar la caída. Fueron numerosos los que definitivamente cayeron mal. El bizarro espectáculo amenizó el proceso de entrada, en una retorcida normalidad. Más tarde, con el teatro a plena capacidad, el desorden fue total: un tipo meando a la cancha desde la galería, unos pocos haciendo mosh....otros tirándole lo que se encontraban al meón de la galucha. Con el show de Paradise Lost, el rock and roll concentraba toda la atención de la muchedumbre. Que yo recuerde, de todos los shows que he ido -que son muchos- nunca había escuchado una banda que sonara tan perfecto. El sonido era impecable, del mejor nivel. Con su presentación, empezaron también los primeros “escupitajos”. Sale Faith No More y el Monumental se viene abajo. Euforia, rabia acumulada y muchos tipos pasados en revoluciones. Su presentación fue notable, los hits sonaban a full. Mike Patton era un verdadero “Recuerdo que fue un día de lluvia, a comienzos de la primavera. Fui energúmeno y el furorPor se apoderó de miles de almas. Los escupos Francisco con mi mejor amigo Cristian, avanzando a través de una llenísima caían como lluvia en invierno. un momento, Patton le reclamó al Reinoso En Baltar calle San Diego. En plena ansiedad por entrar, corrió la voz de que sonidista que su línea no sonaba, tras lo cual le lanzó el micrófono, se podía entrar por una puerta trasera del teatro Monumental, el que cayó en medio del público. Supongo que se hizo mierda. hoy Caupolicán. Dimos la vuelta y encontramos el ingreso, donde, El aire que se respiraba era cálido, aparecen los desmayos, así que sorpresa, no había nadie. El pasadizo llevaba directamente a una luego el evento era más una batalla por salvarse que ir a escuchar a Como todasdelas leyendas del rock, sabe que son lospotente altosy estremecedora. despoblada galería, donde tratamos buscar los mejores puestos. Así,Phil Anselmo tu banda favorita. ‘Welo Care a Lot’ suena fuimos descendiendo por las escaleras para estar más cerca, cuando Para cuando sonó ‘Epic’ yo ya estaba sin voz tanto gritar. Después de bajos. Adepocos díassede su debut endeMaquinaria Festival 2011,final fue con ‘From descubrimos queyunos cuantos los asistentes colaban desde la con Down poco más una hora de actuación, el arrollador parte alta hacia la cancha. El panorama iba mejorando para nosotros, Out of Nowhere’ Una vez terminado el concierto, necesitábamos el desafiante explosivo frontman noslo obsequia depara sobrevivencia. así que, en un acto hicimos lo mismo: Pero mejor estaba su descarnado imperiosamenterelato hidratarnos enfrentar lo que se venía: El Príncipe por venir, ya que cuando unos pocos ya nos habíamos pasado muchos de las Tinieblas, por primera vez en Chile....Ozzy....pero eso ya es otra Sinsepelos lengua. otros copiaron la idea y fue el principio del caos. No pocos arrojaronen lahistoria. Gracias a Faith No More esa noche fue inolvidable”.
Ganándole a la vida
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“Habíamos hablado de reunir a Primus, pero para ser sincero no tenía muchas ganas de hacerlo, porque se había convertido más que nada en una cosa de nostalgia”.
“Sentimos que “Green Naugahyde” se desarrolla casi como una película. Fluye muy bien como una pieza de música en el escenario”.
“Hay crítica social increíble que puede hacerse a través de la sátira”.
S
e ven a sí mismos como “el sillón en desuso dentro del mundo de la música”. Una perspectiva que más allá de la humildad, apunta hacia un estilo individual, totalmente desmarcado de cualquier tipo de tendencia. A partir de ese punto de vista, se encubó la idea del regreso del trío a los escenarios y la posterior grabación de su nuevo álbum, “Green Naugahyde” (escogido por Rockaxis como el disco del mes en el pasado número de septiembre), en el que, en lugar de continuar con la misma línea de sus últimos trabajos, experimenta con la carga sonora de los discos solistas de Les Claypool y, por supuesto, con la frescura que trajo el regreso del baterista Jay Lane. Sobre todo esto, conversamos en exclusiva con el frontman, compositor y bajista Les Claypool. Me gustaría empezar preguntándote sobre el disco nuevo y tu motivación para reformar Primus. ¿Por qué decidiste reunir a la banda? “Recién había terminado el ciclo del álbum “Fungi and Foe” con mi banda y con mi manager estábamos pensando qué hacer después. Tiendo a tener varios proyectos en carpeta y el paso siguiente era decidir cuál llevar a cabo. Habíamos hablado de Primus antes, pero para ser sincero no tenía muchas ganas de hacerlo porque se había convertido más que nada en una cosa de nostalgia. Me gusta avanzar creativamente y eso no estaba pasando con Primus, pero Larry LaLonde tenía ganas de hacerlo e insistió mucho. De un momento a otro se hizo muy obvio que la única forma de avanzar creativamente era con un nuevo baterista. Tim [Alexander] sentía lo mismo así que sugerí que habláramos con Jay Lane, que era el baterista original y había trabajando conmigo por muchos años en Sausage, Holy Mackerel, Frog Brigade y otros proyectos. Así que Jay vino a tocar y a los diez segundos de la primera canción, que creo que era “Pudding Time”, Larry y yo nos miramos y sonreímos de oreja a oreja porque sabíamos que se sentía bien y que había química. Creo que fue en ese punto cuando decidimos que íbamos a necesitar hacer un disco nuevo”. ¿Cuáles son las principales diferencias entre los tres bateristas que Primus ha tenido, Tim Alexander, Bryan Mantia y Jay Lane? “En realidad esos son los bateristas que todos han escuchado, pero desde que empezamos en 1984 probablemente hemos tenido ocho o nueve bateristas distintos. Esos son sólo los que la gente conoce. Jay Lane tiene todo el estilo de Jay Lane, ese feel, esa cualidad en su forma de tocar que nunca he encontrado en nadie más. Me recuerda mucho a Dave Garibaldi y el sonido de Minneapolis en esos tiempos. Bryan es un baterista de grooves mucho más directo y Tim Alexander es Tim Alexander; una mezcla de Bill Bruford y Neil Perth. Tiene un estilo de tocar mucho más lineal, casi como de una marcha”. Se ha dicho que hay una conexión entre “Green Naugahyde” y el primer álbum de Primus, “Frizzle Fry”. ¿Qué puedes decirnos
de la relación entre esos dos discos? “Bueno, Jay dejó la banda un mes antes de que lanzáramos nuestro primer disco, así que el primer par de placas son réplicas de lo que él estaba haciendo en la batería. Creo que la estampa de Jay Lane se siente mucho en esos dos primeros trabajos, y por supuesto, es muy obvia también en el último disco. Me parece que ese es el elemento más notorio”. Respecto a tu forma de tocar, en “Green Naugahyde” usaste muchos efectos y sonoridades diferentes a los discos tradicionales de Primus. ¿Qué buscabas en cuanto al bajo y sus sonidos? “Para mí ha sido una progresión natural. He estado haciendo discos estos diez años y he trabajado en muchos de esos sonidos. Siempre he usado efectos, pero creo que en los últimos diez años he estado usando más delays, loops y filtros. Eso es probablemente lo que escuchas en este disco en contraste con los más antiguos. Pero si escuchas los trabajos de Claypool o incluso de Oysterhead puedes escuchar esos sonidos con bastante frecuencia. Han estado ahí evolucionando constantemente. Probablemente no has escuchado algunas de esas cosas porque no ha habido un disco de Primus en estos diez años”. ¿Cómo se relacionan el título del disco y las películas de Clint Eastwood y Lee Van Cleef? “No sé si tiene algo que ver con Clint Eastwood excepto que el título del disco viene de una frase en la canción ‘Lee Van Cleef’, que dice “A yellow studebaker with a 302/ I see the green naugahyde”. Esa era la camioneta que tenía mi padre cuando yo era niño, una vieja Studebaker amarilla. En cuanto al naugahyde [una especie de cuero artificial], donde crecí nadie tenía sillones de cuero, sólo de vinilo o naugahyde. Pertenecíamos a una larga línea de mecánicos y nadie tenía sillones de cuero, pues ¿quién podía pagarlos? Así que “Green Naugahyde” parecía apropiado para Primus, que somos una especie de cuero en desuso dentro del mundo de la música”. ¿Cómo han reaccionado los fans a las nuevas canciones? “Ha sido espectacular, de hecho las han recibido mucho mejor que lo que cualquiera hubiera pensado. Hemos estado de gira por más de un mes haciendo dos sets por noche, sin banda telonera. El primer set son canciones clásicas de Primus, algunas muy oscuras, pero es diferente cada noche. Cambiamos el setlist para hacer un show distinto cada vez. El segundo set es “Green Naugahyde” completo de principio a fin. Ha sido muy bien recibido”. ¿Crees que los fans estaban esperando una reunión de Primus por lo que mencionabas antes, por nostalgia o porque estaban expectantes de escuchar las nuevas canciones? “No lo sé realmente, esa es la prueba de los dos sets. Si la gente no estuviera interesada en el disco nuevo creo se irían al terminar el primer set
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Filosofía antipop Por Héctor Aravena María de los Ángeles Cerda Álvaro Rojas M.
Sí, están en medio de la tormenta revival de los noventa, pero no por eso son un acto de nostalgia. Invitados al festival Maquinaria, esta vez vienen a presentar su nuevo trabajo, “Green Naugahyde”, con una visión remozada en cuanto a su performance y su sonido, tal como nos confirma Les Claypool, su líder. 62III ROCKAXIS
“Habíamos hablado de reunir a Primus, pero para ser sincero no tenía muchas ganas de hacerlo, porque se había convertido más que nada en una cosa de nostalgia”.
“Sentimos que “Green Naugahyde” se desarrolla casi como una película. Fluye muy bien como una pieza de música en el escenario”.
“Hay crítica social increíble que puede hacerse a través de la sátira”.
S
e ven a sí mismos como “el sillón en desuso dentro del mundo de la música”. Una perspectiva que más allá de la humildad, apunta hacia un estilo individual, totalmente desmarcado de cualquier tipo de tendencia. A partir de ese punto de vista, se encubó la idea del regreso del trío a los escenarios y la posterior grabación de su nuevo álbum, “Green Naugahyde” (escogido por Rockaxis como el disco del mes en el pasado número de septiembre), en el que, en lugar de continuar con la misma línea de sus últimos trabajos, experimenta con la carga sonora de los discos solistas de Les Claypool y, por supuesto, con la frescura que trajo el regreso del baterista Jay Lane. Sobre todo esto, conversamos en exclusiva con el frontman, compositor y bajista Les Claypool. Me gustaría empezar preguntándote sobre el disco nuevo y tu motivación para reformar Primus. ¿Por qué decidiste reunir a la banda? “Recién había terminado el ciclo del álbum “Fungi and Foe” con mi banda y con mi manager estábamos pensando qué hacer después. Tiendo a tener varios proyectos en carpeta y el paso siguiente era decidir cuál llevar a cabo. Habíamos hablado de Primus antes, pero para ser sincero no tenía muchas ganas de hacerlo porque se había convertido más que nada en una cosa de nostalgia. Me gusta avanzar creativamente y eso no estaba pasando con Primus, pero Larry LaLonde tenía ganas de hacerlo e insistió mucho. De un momento a otro se hizo muy obvio que la única forma de avanzar creativamente era con un nuevo baterista. Tim [Alexander] sentía lo mismo así que sugerí que habláramos con Jay Lane, que era el baterista original y había trabajando conmigo por muchos años en Sausage, Holy Mackerel, Frog Brigade y otros proyectos. Así que Jay vino a tocar y a los diez segundos de la primera canción, que creo que era “Pudding Time”, Larry y yo nos miramos y sonreímos de oreja a oreja porque sabíamos que se sentía bien y que había química. Creo que fue en ese punto cuando decidimos que íbamos a necesitar hacer un disco nuevo”. ¿Cuáles son las principales diferencias entre los tres bateristas que Primus ha tenido, Tim Alexander, Bryan Mantia y Jay Lane? “En realidad esos son los bateristas que todos han escuchado, pero desde que empezamos en 1984 probablemente hemos tenido ocho o nueve bateristas distintos. Esos son sólo los que la gente conoce. Jay Lane tiene todo el estilo de Jay Lane, ese feel, esa cualidad en su forma de tocar que nunca he encontrado en nadie más. Me recuerda mucho a Dave Garibaldi y el sonido de Minneapolis en esos tiempos. Bryan es un baterista de grooves mucho más directo y Tim Alexander es Tim Alexander; una mezcla de Bill Bruford y Neil Perth. Tiene un estilo de tocar mucho más lineal, casi como de una marcha”. Se ha dicho que hay una conexión entre “Green Naugahyde” y el primer álbum de Primus, “Frizzle Fry”. ¿Qué puedes decirnos
de la relación entre esos dos discos? “Bueno, Jay dejó la banda un mes antes de que lanzáramos nuestro primer disco, así que el primer par de placas son réplicas de lo que él estaba haciendo en la batería. Creo que la estampa de Jay Lane se siente mucho en esos dos primeros trabajos, y por supuesto, es muy obvia también en el último disco. Me parece que ese es el elemento más notorio”. Respecto a tu forma de tocar, en “Green Naugahyde” usaste muchos efectos y sonoridades diferentes a los discos tradicionales de Primus. ¿Qué buscabas en cuanto al bajo y sus sonidos? “Para mí ha sido una progresión natural. He estado haciendo discos estos diez años y he trabajado en muchos de esos sonidos. Siempre he usado efectos, pero creo que en los últimos diez años he estado usando más delays, loops y filtros. Eso es probablemente lo que escuchas en este disco en contraste con los más antiguos. Pero si escuchas los trabajos de Claypool o incluso de Oysterhead puedes escuchar esos sonidos con bastante frecuencia. Han estado ahí evolucionando constantemente. Probablemente no has escuchado algunas de esas cosas porque no ha habido un disco de Primus en estos diez años”. ¿Cómo se relacionan el título del disco y las películas de Clint Eastwood y Lee Van Cleef? “No sé si tiene algo que ver con Clint Eastwood excepto que el título del disco viene de una frase en la canción ‘Lee Van Cleef’, que dice “A yellow studebaker with a 302/ I see the green naugahyde”. Esa era la camioneta que tenía mi padre cuando yo era niño, una vieja Studebaker amarilla. En cuanto al naugahyde [una especie de cuero artificial], donde crecí nadie tenía sillones de cuero, sólo de vinilo o naugahyde. Pertenecíamos a una larga línea de mecánicos y nadie tenía sillones de cuero, pues ¿quién podía pagarlos? Así que “Green Naugahyde” parecía apropiado para Primus, que somos una especie de cuero en desuso dentro del mundo de la música”. ¿Cómo han reaccionado los fans a las nuevas canciones? “Ha sido espectacular, de hecho las han recibido mucho mejor que lo que cualquiera hubiera pensado. Hemos estado de gira por más de un mes haciendo dos sets por noche, sin banda telonera. El primer set son canciones clásicas de Primus, algunas muy oscuras, pero es diferente cada noche. Cambiamos el setlist para hacer un show distinto cada vez. El segundo set es “Green Naugahyde” completo de principio a fin. Ha sido muy bien recibido”. ¿Crees que los fans estaban esperando una reunión de Primus por lo que mencionabas antes, por nostalgia o porque estaban expectantes de escuchar las nuevas canciones? “No lo sé realmente, esa es la prueba de los dos sets. Si la gente no estuviera interesada en el disco nuevo creo se irían al terminar el primer set
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Ejercicio de memoria
B
ienvenidos otra vez a esta zona de recuerdos, donde sacudimos la memoria emotiva del rock para revivir grandes momentos. El regreso a nuestras tierras de Faith No More es la ocasión perfecta para poner el foco en los californianos encabezados por Mike Patton. El momento que inmortalizamos es el inolvidable viernes 8 de septiembre de 1995, en la segunda jornada del ciclo Monsters Of Rock. El texto elegido es el enviado por José Vásquez, quien nos cuenta su experiencia aquella afiebrada noche. Recibe como premio una entrada a Maquinaria, para volver a disfrutar del poder de Faith No More en vivo. “Recuerdo que fue un día de lluvia, a comienzos de la primavera. Fui con mi mejor amigo Cristian, avanzando a través de una llenísima calle San Diego. En plena ansiedad por entrar, corrió la voz de que se podía entrar por una puerta trasera del teatro Monumental, hoy Caupolicán. Dimos la vuelta y encontramos el ingreso, donde, sorpresa, no había nadie. El pasadizo llevaba directamente a una despoblada galería, donde tratamos de buscar los mejores puestos. Así, fuimos descendiendo por las escaleras para estar más cerca, cuando descubrimos que unos cuantos de los asistentes se colaban desde la parte alta hacia la cancha. El panorama iba mejorando para nosotros, así que, en un acto desafiante hicimos lo mismo: Pero lo mejor estaba por venir, ya que cuando unos pocos ya nos habíamos pasado muchos otros copiaron la idea y fue el principio del caos. No pocos se arrojaron
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sin una salvaguarda para acolchar la caída. Fueron numerosos los que definitivamente cayeron mal. El bizarro espectáculo amenizó el proceso de entrada, en una retorcida normalidad. Más tarde, con el teatro a plena capacidad, el desorden fue total: un tipo meando a la cancha desde la galería, unos pocos haciendo mosh....otros tirándole lo que se encontraban al meón de la galucha. Con el show de Paradise Lost, el rock and roll concentraba toda la atención de la muchedumbre. Que yo recuerde, de todos los shows que he ido -que son muchos- nunca había escuchado una banda que sonara tan perfecto. El sonido era impecable, del mejor nivel. Con su presentación, empezaron también los primeros “escupitajos”. Sale Faith No More y el Monumental se viene abajo. Euforia, rabia acumulada y muchos tipos pasados en revoluciones. Su presentación fue notable, los hits sonaban a full. Mike Patton era un verdadero energúmeno y el furor se apoderó de miles de almas. Los escupos caían como lluvia en invierno. En un momento, Patton le reclamó al sonidista que su línea no sonaba, tras lo cual le lanzó el micrófono, el que cayó en medio del público. Supongo que se hizo mierda. El aire que se respiraba era cálido, aparecen los desmayos, así que luego el evento era más una batalla por salvarse que ir a escuchar a tu banda favorita. ‘We Care a Lot’ suena potente y estremecedora. Para cuando sonó ‘Epic’ yo ya estaba sin voz tanto gritar. Después de poco más de una hora de actuación, el arrollador final fue con ‘From Out of Nowhere’ Una vez terminado el concierto, necesitábamos imperiosamente hidratarnos para enfrentar lo que se venía: El Príncipe de las Tinieblas, por primera vez en Chile....Ozzy....pero eso ya es otra historia. Gracias a Faith No More esa noche fue inolvidable”.
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Eje
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texto exper a Maq vivo.
“Recu con m calle se po hoy C sorpr despo fuimo descu parte así qu por v otros
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Maquinaria 2011
Más que estrellas de segunda línea El Festival Maquinaria ya es un hecho y no queda más que dejarse llevar por la efervescencia que provoca la visita de un puñado de artistas de primer nivel. Más allá de los que aparecen como cabeza de cartel, hay otro grupo de bandas con iguales merecimientos, trayectoria y relevancia como para completar un line up de antología.
C
omo todo gran festival, hay bandas que encabezan el cartel y otras en una segunda línea. Aquellas que aparecen con letras más pequeñas en afiches y comunicados, pero de igual importancia y con un número no menor de seguidores. El Festival Maquinaria 2011 presenta invitados de lujo de cara a completar un cartel de jerarquía más allá de los números estelares. Alice in Chains, Faith No More, Megadeth, Chris Cornell y Stone Temple Pillots atraen todas las miradas, pero ¿quiénes vienen más atrás y qué hacen por estos días? PRIMUS, SONIC YOUTH Y MÁS La importancia de los nombres que nos visitan en este Maquinaria 2011 hicieron que dos clásicos como Primus y Sonic Youth quedaran un poco relegados en importancia y cobertura. Sin embargo, se trata de dos visitas más que relevantes y que nos muestran dos piezas clave del rock de todos los tiempos. Especialmente significativa es la aparición de Primus. Si bien ya nos visitaron como teloneros de Faith No More en diciembre de 2010, la aparición de nuevas canciones del trío y el impulso obtenido por su regreso, le dan a esta presentación un sabor especial. Ya está en las calles “Green Naugahyde”, la
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MIYAVI
nueva placa de la banda de Les Claypool y la expectativa por ver estos temas, más los viejos clásicos es aún mayor. Por su parte, Sonic Youth regresa a Chile tras su visita en marzo de 2009 en el marco del Pepsi Fest. Luego de ello editaron su placa titulada “The Eternal” en junio de ese mismo año y de entrada es un show imposible de dejar pasar. Algo de ello será lo que mostrarán en su visita a Chile, aunque claro, son tres décadas de trayectoria y de canciones. Con un poco menos de historia, aunque como un número fuerte, Black Rebel Motorcycle Club vuelve a Chile tras su presentación en el Teatro Caupolicán en 2008. Esta vez en promoción de “Beat The Devil’s Tattoo” editado en 2010. En tanto, Loaded trae a la figura del gran Duff McKagan (Guns N’ Roses, Velvet Revolver) y su nueva placa “The Taking” (2011) como principal atractivo. Otro regreso importante a nuestro país. Pero si hay un debut que llame la atención en el cartel de este Maquinaria, ese es el show que pueda brindar Down. Con integrantes como el guitarrista Pepper Keenan (Corrosion of Conformity) y el cantante Phil Anselmo (ex Pantera y Superjoint Ritual) y tres disco de estudio editados, son otras
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de las atracciones y principales novedades de este cartel. No los hemos visto nunca en estas tierras y la posibilidad de ver en acción a Anselmo, uno de los grandes vocalistas del rock duro, es impagable. Estos son los números principales y más ligados al rock, aunque aquí hay para todos los gustos. El rap y reggae de Movimiento Original, Pepper, el hip hop de Violadores del Verso y el J Rock de Miyavi completan esta parte del cartel de Maquinaria 2011. Como vemos, el line up incluye desde el rock más duro hasta el hip hop, algo de reggae, rock alternativo y punk. La cuenta regresiva ya ha comenzado y todos estos números prometen un show de primera. No en vano, tenemos la posibilidad de ver un puñado de grandes artistas reunidos en sólo dos días no es algo que se vea frecuentemente. Rodrigo Carvajal U.
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La ruta ideal de
Por Mauricio Jürgensen
Cada uno puede hacer con su tiempo lo que le dé su santa gana. Pero en eventos como estos, donde el que pestañea pierde, no está de más una ruta sugerida. Un manual para maximizar tu inversión y tus ganas. Aquí el trayecto de imperdibles de la segunda versión del festival que se hará entre el 12 y 13 de noviembre en el Club Hípico de Santiago. Sábado 12 noviembre 14.00: Partir con The Ganjas. Nunca es malo empezar con reggae en uno de los dos escenarios centrales (Pepper en el Claro Sony Ericsson Stage a la misma hora), pero Maquinaria también tiene localía y The Ganjas es uno de sus principales créditos. La cita es en el Lenovo Stage a las dos de la tarde. 15.00: Hard rock. Los que vienen de The Ganjas podrían quedarse ahí mismo para ver a Perrosky, pero en el Transistor Stage, la segunda gran tarima de Maquinaria, estará Duff McKagan’s Loaded, del ex bajista de Guns N’ Roses y Velvet Revolver, tocando desde las 15 horas. 16.00: Legión en “black”. The Black Angels y Black Rebel Motorcycle Club, dos bandas contemporáneas que se han especializado en la revision del rock clásico, coinciden a las cuatro de la tarde en el Lenovo Stage y en el Claro Stage. 17.00: Chile desde Estados Unidos. El único que se repite el plato de la edición 2010, es el chileno radicado en Estados Unidos, Alain Johannes, que mostrará un set acústico,
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Alain Johannes
incluyendo temas de Eleven, antes de acompañar a su amigo, Chris Cornell. A las 17 horas en el Lenovo Stage. 17.30: Ex Pantera. Down, la superbanda metalera en la que militan Phil Anselmo (Pantera) y Peeper Keenan (Corrosion of Conformity), viene a cerrar una larga deuda
con los fanáticos locales. A las cinco y media en la tarima rotulada como Transistor. 19.00: Debut de Seattle. A las seis se presenta un “parche” de Morphine, pero la cosa real viene una hora después con Alice in Chains en el Claro Stage. Será el debut de la banda de Seattle que viene con un estupendo último disco (“Black Gives Way to Blue”, 2009) y el comienzo del programa estelar de la primera jornada.
Chris Cornell
20.30: Cornell solista. Después de Alice In Chains, es conveniente seguir la “mini convención grunge” con Chris Cornell en el escenario llamado Transistor. Será un set acústico donde incluye canciones de Soundgarden, Audioslave y también de su carrera solista. Esto parte a las ocho y media de la noche. 22.00: Un clásico. Podrán venir mil veces, pero público en Chile nunca les va a faltar.Y menos ahora que Faith No More ha decidido traer un show “novedoso” en su retorno al país y que servirá para recrear en vivo el disco “King For a Day… Fool For a Lifetime” (1995). A las diez de la noche en el Claro Stage. 23.30: Metal y Tecno. Megadeth fue uno de los primeros confirmados a la cita y serán los encargados de cerrar el primer día en el escenario Transistor. Para los que gustan de las despedidas sintetizadas, el aclamado DJ chileno Matías Aguayo cierra el boliche del sábado en Lenovo Stage.
Domingo 13 noviembre
20.30: Vanguardia noventera. Debutaron en Chile junto a Faith No More, en diciembre de 2010, y ahora retornan con nuevo disco bajo el brazo, “Green Naugahyde”. Primus toca a las ocho y media en Transistor Stage. 21.15: Tecno solista. James Murphy es otro que se repite el plato. Estuvo el año pasado con LCD Soundsystem y ahora retorna para mostrar su mezcla de rock y electrónica. A las nueve y cuarto de la noche, en Lenovo Stage. 22.00: Leyenda rap. De Primus al rap de vieja escuela. Snoop Dogg, otro que vuelve al país, lanzará sus rimas de súperestrella del hip hop en el Claro Sony Ericsson Stage. A las diez de la noche. 23.30: Cierre postgrunge. A más de un año de su debut en Chile, Stone Temple Pilots retorna con la responsabilidad de cerrar la segunda versión de Maquinaria. A las once y media en el escenario Transistor. Stone Temple Pilots
14.00: A la chilena. Todavía es discutible la decisión de que lo chileno vaya al comienzo, pero de todos modos Gepe siempre será un buen punto de partida. En Lenovo Stage a las dos de la tarde. 16.00: Voz de mujer. La cantautora chilena Francisca Valenzuela, que ya tocó en Lollapalooza Chile, regresa a un gran festival a las cuatro de la tarde en el Lenovo Stage. 17.00: Hit de los noventa. Tienen veinticinco años de carrera, pero es sólo una la canción que todos querrán escuchar de Inspiral Carpets: ‘Saturn 5’, ese hit noventero que, de seguro, sonará en Lenovo Stage, desde las 17 horas. 17.30: Deuda Indie. Sonic Youth debutó en Chile en marzo de 2009 y su retorno genera casi la misma expectativa de esa primera vez. Las deudas con la leyenda neoyorquina se pagan en el Transistor Stage a las cinco y media de la tarde del domingo.
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Filosofía antipop Por Héctor Aravena María de los Ángeles Cerda Álvaro Rojas M.
Sí, están en medio de la tormenta revival de los noventa, pero no por eso son un acto de nostalgia. Invitados al festival Maquinaria, esta vez vienen a presentar su nuevo trabajo, “Green Naugahyde”, con una visión remozada en cuanto a su performance y su sonido, tal como nos confirma Les Claypool, su líder. 62III ROCKAXIS
“Habíamos hablado de reunir a Primus, pero para ser sincero no tenía muchas ganas de hacerlo, porque se había convertido más que nada en una cosa de nostalgia”.
“Sentimos que “Green Naugahyde” se desarrolla casi como una película. Fluye muy bien como una pieza de música en el escenario”.
“Hay crítica social increíble que puede hacerse a través de la sátira”.
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e ven a sí mismos como “el sillón en desuso dentro del mundo de la música”. Una perspectiva que más allá de la humildad, apunta hacia un estilo individual, totalmente desmarcado de cualquier tipo de tendencia. A partir de ese punto de vista, se encubó la idea del regreso del trío a los escenarios y la posterior grabación de su nuevo álbum, “Green Naugahyde” (escogido por Rockaxis como el disco del mes en el pasado número de septiembre), en el que, en lugar de continuar con la misma línea de sus últimos trabajos, experimenta con la carga sonora de los discos solistas de Les Claypool y, por supuesto, con la frescura que trajo el regreso del baterista Jay Lane. Sobre todo esto, conversamos en exclusiva con el frontman, compositor y bajista Les Claypool. Me gustaría empezar preguntándote sobre el disco nuevo y tu motivación para reformar Primus. ¿Por qué decidiste reunir a la banda? “Recién había terminado el ciclo del álbum “Fungi and Foe” con mi banda y con mi manager estábamos pensando qué hacer después. Tiendo a tener varios proyectos en carpeta y el paso siguiente era decidir cuál llevar a cabo. Habíamos hablado de Primus antes, pero para ser sincero no tenía muchas ganas de hacerlo porque se había convertido más que nada en una cosa de nostalgia. Me gusta avanzar creativamente y eso no estaba pasando con Primus, pero Larry LaLonde tenía ganas de hacerlo e insistió mucho. De un momento a otro se hizo muy obvio que la única forma de avanzar creativamente era con un nuevo baterista. Tim [Alexander] sentía lo mismo así que sugerí que habláramos con Jay Lane, que era el baterista original y había trabajando conmigo por muchos años en Sausage, Holy Mackerel, Frog Brigade y otros proyectos. Así que Jay vino a tocar y a los diez segundos de la primera canción, que creo que era “Pudding Time”, Larry y yo nos miramos y sonreímos de oreja a oreja porque sabíamos que se sentía bien y que había química. Creo que fue en ese punto cuando decidimos que íbamos a necesitar hacer un disco nuevo”. ¿Cuáles son las principales diferencias entre los tres bateristas que Primus ha tenido, Tim Alexander, Bryan Mantia y Jay Lane? “En realidad esos son los bateristas que todos han escuchado, pero desde que empezamos en 1984 probablemente hemos tenido ocho o nueve bateristas distintos. Esos son sólo los que la gente conoce. Jay Lane tiene todo el estilo de Jay Lane, ese feel, esa cualidad en su forma de tocar que nunca he encontrado en nadie más. Me recuerda mucho a Dave Garibaldi y el sonido de Minneapolis en esos tiempos. Bryan es un baterista de grooves mucho más directo y Tim Alexander es Tim Alexander; una mezcla de Bill Bruford y Neil Perth. Tiene un estilo de tocar mucho más lineal, casi como de una marcha”. Se ha dicho que hay una conexión entre “Green Naugahyde” y el primer álbum de Primus, “Frizzle Fry”. ¿Qué puedes decirnos
de la relación entre esos dos discos? “Bueno, Jay dejó la banda un mes antes de que lanzáramos nuestro primer disco, así que el primer par de placas son réplicas de lo que él estaba haciendo en la batería. Creo que la estampa de Jay Lane se siente mucho en esos dos primeros trabajos, y por supuesto, es muy obvia también en el último disco. Me parece que ese es el elemento más notorio”. Respecto a tu forma de tocar, en “Green Naugahyde” usaste muchos efectos y sonoridades diferentes a los discos tradicionales de Primus. ¿Qué buscabas en cuanto al bajo y sus sonidos? “Para mí ha sido una progresión natural. He estado haciendo discos estos diez años y he trabajado en muchos de esos sonidos. Siempre he usado efectos, pero creo que en los últimos diez años he estado usando más delays, loops y filtros. Eso es probablemente lo que escuchas en este disco en contraste con los más antiguos. Pero si escuchas los trabajos de Claypool o incluso de Oysterhead puedes escuchar esos sonidos con bastante frecuencia. Han estado ahí evolucionando constantemente. Probablemente no has escuchado algunas de esas cosas porque no ha habido un disco de Primus en estos diez años”. ¿Cómo se relacionan el título del disco y las películas de Clint Eastwood y Lee Van Cleef? “No sé si tiene algo que ver con Clint Eastwood excepto que el título del disco viene de una frase en la canción ‘Lee Van Cleef’, que dice “A yellow studebaker with a 302/ I see the green naugahyde”. Esa era la camioneta que tenía mi padre cuando yo era niño, una vieja Studebaker amarilla. En cuanto al naugahyde [una especie de cuero artificial], donde crecí nadie tenía sillones de cuero, sólo de vinilo o naugahyde. Pertenecíamos a una larga línea de mecánicos y nadie tenía sillones de cuero, pues ¿quién podía pagarlos? Así que “Green Naugahyde” parecía apropiado para Primus, que somos una especie de cuero en desuso dentro del mundo de la música”. ¿Cómo han reaccionado los fans a las nuevas canciones? “Ha sido espectacular, de hecho las han recibido mucho mejor que lo que cualquiera hubiera pensado. Hemos estado de gira por más de un mes haciendo dos sets por noche, sin banda telonera. El primer set son canciones clásicas de Primus, algunas muy oscuras, pero es diferente cada noche. Cambiamos el setlist para hacer un show distinto cada vez. El segundo set es “Green Naugahyde” completo de principio a fin. Ha sido muy bien recibido”. ¿Crees que los fans estaban esperando una reunión de Primus por lo que mencionabas antes, por nostalgia o porque estaban expectantes de escuchar las nuevas canciones? “No lo sé realmente, esa es la prueba de los dos sets. Si la gente no estuviera interesada en el disco nuevo creo se irían al terminar el primer set
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Las lecciones aprendidas de Maquinaria Por María de los Ángeles Cerda
Mejor espectáculo, mejor infraestructura, mejor acceso, mejor comunicación. Todo esto promete la producción del festival Maquinaria en relación al evento del año pasado, que marcó un precedente en los eventos masivos en nuestro país y que, para este 2011, augura una experiencia mucho más satisfactoria.
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o cabe duda que el festival Maquinaria de 2010 abrió las posibilidades para que en Chile el público del rock pudiera ver de una sola vez a nombres históricos que no habían pisado suelo nacional, como Pixies, Queens of the Stone Age o los mismos Linkin Park. Pero el costo a cambio de aquel debut trajo consigo algunos detalles que la producción promete aplacar en su segunda versión. Uno de ellos y que ya ha mostrado un notable avance es el aspecto comunicacional. Mientras que en 2010 corrían y se alimentaban rumores sobre las bandas que formarían parte del cartel definitivo, este año la única fuente de información fue la productora en sí misma. “Las comunicaciones son de otra manera –afirma el productor Leo Valeria- nosotros anunciamos el line up, tenemos web oficial, comunicados de prensa… todo se aprende”, en particular por lo ocurrido con Rage Against the Machine, cuya inclusión al festival no fue oficialmente informada por Transistor sino por un periódico de tiraje nacional y que confundió a cientos de personas que habían comprado su entrada únicamente para ver a la banda de Zack de la Rocha. Por otra parte, Maquinaria ahora se asienta como un evento de dos días, en lugar de presentar los diversos side shows que se
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dieron el año pasado. “Nos quisimos consolidar en el mismo lugar y con un line up bastante decente, considerando que el Rock in Rio estaba encima. Por ese lado se avanzó, las ventas lo han demostrado”, asegura Valeria. Eso, sin dejar de lado las características técnicas, que en términos de sonido y timing cumplieron a cabalidad y que ahora se mantendrán: “Creo que el año pasado lo hicimos bien, hubo buen sonido, se cumplieron los horarios, le gente notó que era algo bien armado”. De todas maneras, aquello también implica avances en la infraestructura y los servicios básicos: “Hay más mejoras en torno a la instalación, zonas de comida, más lugares de distribución, mejor acceso y cajero automático. Queremos apropiarnos más del Club Hípico, le gente tiene la impresión que es un peladero, pero estamos aprovechando mejor el recinto, la gente lo va a poder descubrir ahí. Además que es un lugar arquitectónicamente muy bonito, entonces este año sí van a haber diferentes cosas, también hay un intento estético de mejorar”. Asimismo, el descartar el rock area o sector vip se inclina a la entrega de un producto que satisfaga cabalmente las necesidades que pide el público: “la diferencia es que en el sector vip en esta oportunidad habrá acceso a mejores baños, a más comodidades, pero en el show, la entrada es
general”, explica Valeria. En cuanto al espectáculo en sí mismo y contando con un cartel con nombres de la misma escena, se puede esperar más de alguna sorpresa, a la usanza de los festivales en el primer mundo: “Yo sé que las bandas están en contacto, que son conocidos entre ellos, seguro que van a haber cosas especiales, por cosas que hemos estado viendo en la producción técnica. Además que van a estar quedándose en el mismo hotel. Lo que es seguro, es que Alain Johannes va a tocar con Cornell, como colaborador de años”. Como si todo esto fuera poco, “el show de Faith No More va a ser filmado por un documentalista de Estados Unidos, porque lo que van a hacer, tocar el “King for a Day”, es algo histórico, algo que nunca han hecho”. Con todo esto, Maquinaria pretende consolidarse como el festival de rock en Chile y la ambición es “hacerlo para siempre”, según Valeria. “Apostamos en Maquinaria a llenar los vacíos históricos, pero también a las nuevas tendencias y a promover tolerancia. Si es que te quieres ir a bailar un rato, lo puedes hacer, ¿por qué no?”, concluye el productor.
jE EGATSKCAB otxet irepxe qaM a .oviv uceR“ m noc S ellac dop es C yoh erpros opsed omiuf ucsed et rap uq ísa ev rop sorto
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Por María de los Ángeles Cerda
SEÑAL ESTABLECIDA
Kasabian Aspirantes al trono
Por Jean Parraguez
Con “Velociraptor!”, su nuevo disco bajo el brazo, Kasabian se alza como una de las bandas más importantes del Reino Unido hoy en día. Un serio aspirante al trono que dejó vacante Oasis.
E
n estos dos últimos años de silencio discográfico, comprender el porqué de lo amplio de su abánico, que lo puede llevar lo más nuevo de Kasabian había despertado unas a abrazar por completo la sicodelia propia de The Beatles o saturarse de expectativas inmensas tanto en el público como para máquinas. ellos mismos, alimentadas por la positiva acogida que El proceso de grabación del cuarto álbum de los ingleses tomó tuvo “West Ryder Pauper Lunatic Asylum” y por las algo más de seis meses, en sesiones repartidas entre Leicester y mismas declaraciones de los integrantes del grupo, San Francisco, lo que refrenda la necesidad de tomar que auguraban palabras como: “Bueno, es épico. Hay inspiración de diversos lugares para dar cabida a su grandes canciones que te hacen sentir que todo es posible. ecléctica propuesta, que nace en la intimidad del Es realmente un disco muy positivo. Supongo que es la hogar. Sobre esto, Serge Pizzorno expresó al sitio combinación de todos los otros tres álbumes, pero hemos ido kasabianparadise.com lo siguiente: “El ochenta por ciento un poco más lejos”, era lo que sostenía el guitarrista de la música es compuesta en mi casa y siempre ha sido así, Serge Pizzorno a la NME hace algunos meses. empezó ahí. Es bueno levantarse de la cama y bajar las Donde muchos reconocerían la ya acostumbrada escaleras y no pensar en que es un trabajo. Realmente, los verborrea plagada de arrogancia que poseen algunos estudios son lugares incómodos”. conjuntos británicos, el cuarteto nacido en Leicester La obra ha sido objeto de muchas loas de parte de mostró con su más reciente entrega -“Velociraptor!”la crítica, y del público, sobre todo en su país natal, que el piso para sostener dichas palabras es sólido e donde las ventas alcanzaron el primer lugar, a lo que incuestionable. Una discografía que ha demostrado las sumamos una popularidad creciente que sólo guarda visita , n profundas inquietudes del cuarteto por mutar con cada buenos augurios para el futuro de la banda. ió c a e/ inform Para másbian.co.uk/gb/hom entrega y la naturalidad con que lo realizan. “Realmente Son once canciones que tienen a la banda con sa www.ka nunca hemos tenido malas experiencias en el estudio, de lo una confianza tremenda: “Realmente son sólo buenas contrario nuestro disco nunca sale o no suena de la manera en canciones...hicimos esto: hicimos un viaje, fue increíble pero no quisimos que queremos”, reveló el vocalista Tom Meighan a The Audio Perv. hacer eso otra vez...imagina que tienes un disco y no tienes que apretar el Nuevamente producido por Dan The Automator –quien ha botón shuffle porque quieres escuchar uno o dos de las canciones, debes oír cada trabajado en Gorillaz y Lovage-, su impronta se nota en pasajes como una de las canciones porque todas son diferentes y asombrosas para tener una ‘I Hear Voices’ o el track que le da título al opus, lo que convierte al idea del álbum.”, Serge Pizzorno no pudo ser más claro para graficar a productor en el complemento perfecto para Kasabian, lo que hace “Velociraptor!” como uno de los grandes lanzamientos de la temporada.
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SEÑAL ESTABLECIDA
Kasabian Aspirantes al trono
Por Jean Parraguez
Por Jean Parraguez
Con “Velociraptor!”, su nuevo disco bajo el brazo, Kasabian se alza como una de las bandas más Kasabian importantes del Reino Unido hoy en día. Un serio aspirante al trono que dejó vacante Oasis.
EFilosofía antipop
n estos dos últimos años de silencio discográfico, comprender el porqué de lo amplio de su abánico, que lo puede llevar lo más nuevo de Kasabian había despertado unas a abrazar por completo la sicodelia propia de The Beatles o saturarse de expectativas inmensas tanto en el público como para máquinas. ellos mismos, alimentadas por la positiva acogida que El proceso de grabación del cuarto álbum de los ingleses tomó tuvo “West Ryder Pauper Lunatic Asylum” y por las algo más de seis meses, en sesiones repartidas entre Leicester y mismas declaraciones de los integrantes del grupo, San Francisco, lo que refrenda la necesidad de tomar que auguraban palabras como: “Bueno, es épico. Hay inspiración de diversos lugares para dar cabida a su grandes canciones que te hacen sentir que todo es posible. ecléctica propuesta, que nace en la intimidad del Es realmente un disco muy positivo. Supongo que es la hogar. SobreAravena esto, Serge Pizzorno expresó al sitio Por Héctor combinación de todos los otros tres álbumes, pero hemos ido kasabianparadise.com lo siguiente: “El ochenta por ciento María losesÁngeles un poco más lejos”, era lo que sostenía el guitarrista de lade música compuestaCerda en mi casa y siempre ha sido así, Serge Pizzorno a la NME hace algunos meses. empezó ahí. EsM.bueno levantarse de la cama y bajar las Álvaro Rojas Donde muchos reconocerían la ya acostumbrada escaleras y no pensar en que es un trabajo. Realmente, los verborrea plagada de arrogancia que poseen algunos estudios son lugares incómodos”. conjuntos británicos, el cuarteto nacido en Leicester La obra ha sido objeto de muchas loas de parte de mostró con su más reciente entrega -“Velociraptor!”la crítica, y del público, sobre todo en su país natal, que el piso para sostener dichas palabras es sólido e donde las ventas alcanzaron el primer lugar, a lo que incuestionable. Una discografía que ha demostrado las sumamos una popularidad creciente que sólo guarda ita vivsiista , , n n profundas inquietudes del cuarteto por mutar con cada buenos augurios para el futuro de la banda. ió ió c a rm form fo e/ e/ om om /gbb/h/h arammáássininiann.c.coo.uk/g PaPra entrega y la naturalidad con que lo realizan. “Realmente Son once canciones que tienen a la banda con ia b b sa a asa w.k w.k wwww nunca hemos tenido malas experiencias en el estudio, de lo una confianza tremenda: “Realmente son sólo buenas contrario nuestro disco nunca sale o no suena de la manera en canciones...hicimos esto: hicimos un viaje, fue increíble pero no quisimos que queremos”, reveló el vocalista Tom Meighan a The Audio Perv. hacer eso otra vez...imagina que tienes un disco y no tienes que apretar el Nuevamente producido por Dan The Automator –quien ha botón shuffle porque quieres escuchar uno o dos de las canciones, debes oír cada trabajado en Gorillaz y Lovage-, su impronta se nota en pasajes como una de las canciones porque todas son diferentes y asombrosas para tener una ‘I Hear Voices’ o el track que le da título al opus, lo que convierte al idea del álbum.”, Serge Pizzorno no pudo ser más claro para graficar a productor en el complemento perfecto para Kasabian, lo que hace “Velociraptor!” como uno de los grandes lanzamientos de la temporada.
Sí, están en medio de la tormenta revival de los noventa, pero no por eso son un acto de nostalgia. Invitados al festival Maquinaria, esta vez vienen a presentar su nuevo trabajo, “Green Naugahyde”, con una visión remozada en cuanto a su performance y su sonido, tal como nos confirma Les Claypool, su líder.
74IIIIIIROCKAXIS ROCKAXIS 62
EN CHILE
Monumental cierre de fiesta Por Juan Ignacio Cornejo
Dos décadas de actividad y Pearl Jam vive su mejor momento en, por lo menos, quince años. Película, libro, festival propio y una gira que los trae de regreso a Chile, son algunos de los hitos que nos han tenido hablando de ellos toda la temporada. El 16 de este mes, se presentan en el estadio Monumental. Vaya clausura del proceso que tendremos.
80III ROCKAXIS
“En estos momentos, entrar al estudio con estos cuatro tipos es lo más entretenido del mundo y simplemente hacer música. Es lo máximo”. Jeff Ament
“Si no fuese por el interés del propio Cameron [Crowe], no creo que esta película se hubiese realizado. Nosotros no lo habríamos hecho. Una vez que supimos que él estaría a cargo del proyecto, recién ahí confiamos en que sería una buena idea”. Stone Gossard
“La exposición por la que pasamos fue mucho para mí. Incluso como compositor, no puedes escribir sobre una situación e introducirte en ella a través de la observación si es que todo el mundo te está observando a ti”. Eddie Vedder
E
l 22 de octubre de 2000, Pearl que fue imposible para casi la totalidad de sus Jam celebró sus primeros diez contemporáneos. años de carrera con un show El Pearl Jam que llega a Chile es uno ante diecisiete mil personas caracterizado por su resiliencia, orgulloso de su en la ciudad de Las Vegas. No salud y que mira el futuro con el optimismo propio fue porque ese fuese el lugar de quienes ya creen haber superado los momentos escogido para albergar la fiesta, más difíciles. “Los últimos años que hemos tenido han sino que simplemente ahí coincidió que tenían sido de gratitud entre nosotros mismos”, señaló Eddie agendada una de las casi cincuenta fechas de su Vedder a la prensa para el lanzamiento de PJ20, el gira norteamericana; justo el día que el calendario documental dirigido por Cameron Crowe. marcaba un decenio desde su primera performance Mike McCready cree que la sobrevivencia del en conjunto, en el Off Ramp Café de grupo se debe a “todo el cuidado que hemos Seattle (cuando aún se llamaban puesto y el hablar el uno con el otro, con Mookie Blaylock) y que contó con líneas de comunicación claras y abiertas “En diez trescientos asistentes. entre nosotros.Todavía implica un años más, creo que Qué contraste aquel esfuerzo, pero nos tomamos el festejo con el que el quinteto tiempo para solucionar lo que estaremos haciendo lo se dio el lujo de parar pasa en la banda. Cuando hay mismo, pero mejor. Creo que tanto afecto, entendimiento y este 2011, año en el cual, en rigor, ya son veintiún seguiremos mejorando, quizás compromiso, eso es una ayuda”. los calendarios que han Respecto a lo mismo, ampliando las fronteras, deshojado desde que Jeff Jeff Ament se da cuenta Ament, Stone Gossard y ahora que “en los primeros musicalmente. No veo que Mike McCready adoptaron a cinco o seis años, no había esto vaya a parar”. Eddie Vedder como uno más mucha comunicación. Muchas Eddie Vedder de la familia. veces, agachábamos las cabezas Hoy, todo ha cambiado. Pearl y seguíamos adelante. No recuerdo Jam es una auténtica institución, que muchas conversaciones de lo que nos estaba montó un festival propio para la ocasión, pasando, porque simplemente no sabíamos qué con The Strokes y Queens of the Stone entre los demonios significaba todo lo que vivimos”. compañeros de cartel, y que llega a Chile después “Queremos seguir sanos”, completa Vedder. del estreno mundial de su propia película, que “Tenemos familias y queremos ser confiables, no solo marca un brillante final al ciclo celebrativo. como compañeros de banda, sino para nuestro público”, Para los chilenos, eso no termina ahí. El 16 de concluye. La buena forma que describe Eddie la noviembre, Pearl Jam se presentará en un estadio han conseguido mediante una dinámica que incluye Monumental hasta las banderas, para dar su segunda largos periodos de descanso, proyectos paralelos, performance en tierra nacional, después de su debut giras de corto aliento y sesiones de grabación hace casi exactamente seis años, con dos recordadas alternadas con salidas a girar por distintos lugares actuaciones, que en Rockaxis calificamos como “El del mundo. show de la década”, a principios de 2010. Actualmente, Pearl Jam está en la fase de salir a tocar en pleno para liberar energías. Tal cual en Veinte años de aprendizaje 2005, su nueva visita a Chile los encuentra con un nuevo álbum a medio componer y con ningún El natural repaso al camino que han recorrido ha apuro en su agenda, habiendo pasado la intensa sido marcado por el reconocimiento de los malos celebración de sus dos décadas. Nosotros no momentos y todo lo que fueron aprendiendo, queríamos quedar fuera del jolgorio. Bienvenidos de para haber llegado juntos a este momento, tarea vuelta y que empiece (el fin de) la fiesta.
81III ROCKAXIS
Por Juan Ignacio Cornejo
Filosofía antipop Por Héctor Aravena María de los Ángeles Cerda Álvaro Rojas M.
Sí, están en medio de la tormenta revival de los noventa, pero no por eso son un acto de nostalgia. Invitados al festival Maquinaria, esta vez vienen a presentar su nuevo trabajo, “Green Naugahyde”, con una visión remozada en cuanto a su performance y su sonido, tal como nos confirma Les Claypool, su líder. 62III ROCKAXIS
“Habíamos hablado de reunir a Primus, pero para ser sincero no tenía muchas ganas de hacerlo, porque se había convertido más que nada en una cosa de nostalgia”.
“Sentimos que “Green Naugahyde” se desarrolla casi como una película. Fluye muy bien como una pieza de música en el escenario”.
“Hay crítica social increíble que puede hacerse a través de la sátira”.
S
e ven a sí mismos como “el sillón en desuso dentro del mundo de la música”. Una perspectiva que más allá de la humildad, apunta hacia un estilo individual, totalmente desmarcado de cualquier tipo de tendencia. A partir de ese punto de vista, se encubó la idea del regreso del trío a los escenarios y la posterior grabación de su nuevo álbum, “Green Naugahyde” (escogido por Rockaxis como el disco del mes en el pasado número de septiembre), en el que, en lugar de continuar con la misma línea de sus últimos trabajos, experimenta con la carga sonora de los discos solistas de Les Claypool y, por supuesto, con la frescura que trajo el regreso del baterista Jay Lane. Sobre todo esto, conversamos en exclusiva con el frontman, compositor y bajista Les Claypool. Me gustaría empezar preguntándote sobre el disco nuevo y tu motivación para reformar Primus. ¿Por qué decidiste reunir a la banda? “Recién había terminado el ciclo del álbum “Fungi and Foe” con mi banda y con mi manager estábamos pensando qué hacer después. Tiendo a tener varios proyectos en carpeta y el paso siguiente era decidir cuál llevar a cabo. Habíamos hablado de Primus antes, pero para ser sincero no tenía muchas ganas de hacerlo porque se había convertido más que nada en una cosa de nostalgia. Me gusta avanzar creativamente y eso no estaba pasando con Primus, pero Larry LaLonde tenía ganas de hacerlo e insistió mucho. De un momento a otro se hizo muy obvio que la única forma de avanzar creativamente era con un nuevo baterista. Tim [Alexander] sentía lo mismo así que sugerí que habláramos con Jay Lane, que era el baterista original y había trabajando conmigo por muchos años en Sausage, Holy Mackerel, Frog Brigade y otros proyectos. Así que Jay vino a tocar y a los diez segundos de la primera canción, que creo que era “Pudding Time”, Larry y yo nos miramos y sonreímos de oreja a oreja porque sabíamos que se sentía bien y que había química. Creo que fue en ese punto cuando decidimos que íbamos a necesitar hacer un disco nuevo”. ¿Cuáles son las principales diferencias entre los tres bateristas que Primus ha tenido, Tim Alexander, Bryan Mantia y Jay Lane? “En realidad esos son los bateristas que todos han escuchado, pero desde que empezamos en 1984 probablemente hemos tenido ocho o nueve bateristas distintos. Esos son sólo los que la gente conoce. Jay Lane tiene todo el estilo de Jay Lane, ese feel, esa cualidad en su forma de tocar que nunca he encontrado en nadie más. Me recuerda mucho a Dave Garibaldi y el sonido de Minneapolis en esos tiempos. Bryan es un baterista de grooves mucho más directo y Tim Alexander es Tim Alexander; una mezcla de Bill Bruford y Neil Perth. Tiene un estilo de tocar mucho más lineal, casi como de una marcha”. Se ha dicho que hay una conexión entre “Green Naugahyde” y el primer álbum de Primus, “Frizzle Fry”. ¿Qué puedes decirnos
de la relación entre esos dos discos? “Bueno, Jay dejó la banda un mes antes de que lanzáramos nuestro primer disco, así que el primer par de placas son réplicas de lo que él estaba haciendo en la batería. Creo que la estampa de Jay Lane se siente mucho en esos dos primeros trabajos, y por supuesto, es muy obvia también en el último disco. Me parece que ese es el elemento más notorio”. Respecto a tu forma de tocar, en “Green Naugahyde” usaste muchos efectos y sonoridades diferentes a los discos tradicionales de Primus. ¿Qué buscabas en cuanto al bajo y sus sonidos? “Para mí ha sido una progresión natural. He estado haciendo discos estos diez años y he trabajado en muchos de esos sonidos. Siempre he usado efectos, pero creo que en los últimos diez años he estado usando más delays, loops y filtros. Eso es probablemente lo que escuchas en este disco en contraste con los más antiguos. Pero si escuchas los trabajos de Claypool o incluso de Oysterhead puedes escuchar esos sonidos con bastante frecuencia. Han estado ahí evolucionando constantemente. Probablemente no has escuchado algunas de esas cosas porque no ha habido un disco de Primus en estos diez años”. ¿Cómo se relacionan el título del disco y las películas de Clint Eastwood y Lee Van Cleef? “No sé si tiene algo que ver con Clint Eastwood excepto que el título del disco viene de una frase en la canción ‘Lee Van Cleef’, que dice “A yellow studebaker with a 302/ I see the green naugahyde”. Esa era la camioneta que tenía mi padre cuando yo era niño, una vieja Studebaker amarilla. En cuanto al naugahyde [una especie de cuero artificial], donde crecí nadie tenía sillones de cuero, sólo de vinilo o naugahyde. Pertenecíamos a una larga línea de mecánicos y nadie tenía sillones de cuero, pues ¿quién podía pagarlos? Así que “Green Naugahyde” parecía apropiado para Primus, que somos una especie de cuero en desuso dentro del mundo de la música”. ¿Cómo han reaccionado los fans a las nuevas canciones? “Ha sido espectacular, de hecho las han recibido mucho mejor que lo que cualquiera hubiera pensado. Hemos estado de gira por más de un mes haciendo dos sets por noche, sin banda telonera. El primer set son canciones clásicas de Primus, algunas muy oscuras, pero es diferente cada noche. Cambiamos el setlist para hacer un show distinto cada vez. El segundo set es “Green Naugahyde” completo de principio a fin. Ha sido muy bien recibido”. ¿Crees que los fans estaban esperando una reunión de Primus por lo que mencionabas antes, por nostalgia o porque estaban expectantes de escuchar las nuevas canciones? “No lo sé realmente, esa es la prueba de los dos sets. Si la gente no estuviera interesada en el disco nuevo creo se irían al terminar el primer set
63III ROCKAXIS
Pearl Jam
It’s evolution, baby Vitalogy 1994
Por Mauricio Jürgensen
Aquí Pearl Jam se mira al espejo y conoce su verdadero rostro. Si “Ten” fue un milagro a distancia y “Versus” una suerte de test de capacidades grupales, “Vitalogy” es el primer disco de un grupo propiamente tal. El primer esfuerzo colectivo y elaborado de unos músicos que, incluso en la incómoda posición de estar expuestos de un modo en que muy pocos aguantarían media hora, supieron decirle al mundo de qué estaban hechos. El primer gesto de identidad de una banda que está pensando más en conocerse que en crecer en las listas, está en el arte, en ese librillo inspirado en un viejo manual médico y que insinuaba un tono conceptual y un afán de posteridad, tal como esos discos de los héroes que de aquí en adelante empezaron a nutrir este repertorio. Pearl Jam acelera el tranco con ‘Spin the Black Circle’, define su ética antisistema con la elocuente ‘Not For You’, coquetea con la sicodelia en ‘Aya Davanita’ y corona sus pretensiones épicas en ‘Corduroy’, quizás la mejor canción de su historia. La interna, en todo caso, era desastrosa. Desplazado en las decisiones por Vedder, el guitarrista Stone Gossard casi deja el grupo, McCready tuvo que ir a rehabilitación por su feroz consumo de alcohol y Dave Abruzzesse fue despedido poco después de terminar “Vitalogy”. Ese fue el alto costo que Pearl Jam tuvo que pagar por dar con algo propio. Con el primero de los discos imprescindibles de su espléndido catálogo.
82III ROCKAXIS
Nueve discos de estudio, dos compilados de estudio y dos en vivo e incontables bootlegs (oficiales y no tanto) se pueden contar en el legado discográfico de Pearl Jam en sus veintiún años de carrera. Nos quedamos con el primer grupo, el principal. Títulos que acumulan millones y que, algunos más, otros menos, marcaron generaciones. De entre aquellos cuya vida parece haber sido marcada a fuego por la banda, se cuentan tres integrantes de nuestro equipo, que aquí rinden tributo a su álbum favorito. Pearl Jam, mucho más que un catálogo.
Ten
Vs
1991
1993
Millonario despertar
Cinco contra el mundo
Yield 1998
Por Juan Ignacio Cornejo
Me sobran las razones para tener a “Yield” como disco favorito de la banda de mi vida. Pocas de ellas pueden ser puestas en palabras. Se sugiere como el álbum que más valida al colectivo por sobre lo individual. Eddie Vedder vuelve a ceder protagonismo a las ofertas cancioneras de sus compañeros y en Pearl Jam eso casi siempre ha significado que su conexión lírica sea intencionalmente
No Code
Binaural
Ven tal cual eres...
Oscura y silenciosa madurez
1996
2000
Riot Act 2002
Por Alfredo Lewin
Pearl Jam
Backspacer
Sacudón eléctrico
La paz después del vendaval
2006
más inclusiva. Tan así, que en ‘Wishlist’ pareciera que canta a sus camaradas más que al auditor. La fuerza de la voluntad y el amor por quienes lo acompañaron en un camino glorioso, irrepetible y aparentemente indeseado. La gran estrella del disco es Mike McCready (que firma tres fabulosos cortes) y quizás eso sea lo que mejor resume “Yield”. Es sorpresivo, potente, virtuoso y exquisitamente equilibrado. Desde lo más árido que el quinteto jamás grabó (‘Do the Evolution’) a baladas que son un sueño (‘Low Light’). Esos mid-tempo que parecieron en algún
2009
instante convertirse en el sello del combo se roban la película con una tripleta irrepetible: ‘Faithfull’, ‘Wishlist’ e ‘In Hiding’. La diversidad y camaradería compositiva transforman a “Yield” en el registro vivo de cuánto esfuerzo pusieron estos cinco tipos por mantenerse juntos haciendo música. De ese modo también se puede comprender al mayor hito del álbum. ‘Given to Fly’ es un sueño sobre el cual construir un futuro. Así lo tomó Pearl Jam y la evidencia es generosa para celebrar el camino que finalmente eligieron.
Ahora viene a mi cabeza “Riot Act”, como si alguna vez se hubiera ido. Ni siquiera tengo que ponerle play al reproductor, lo tengo grabado en mi cerebro. Pearl Jam con “Riot Act” demostraba que se puede crecer y que su música era susceptible de crecer contigo. Después de escuchar ‘I Am Mine’ me volví a sentir pleno de Pearl Jam y éste, más que un disco, fue una oportunidad. Pearl Jam me adoptaba a mí, un adulto hecho y derecho, tal como los miembros de la banda asumían sus treinta y muchos años. Luego llegaba la canción melliza, ‘Love Boat Captain’ que hábilmente yuxtapone la sabiduría de los viejos con el desaliento de los jóvenes y encuentra al amor como el vehículo para encontrar el camino a través del trance. No murieron, no sucumbieron a las drogas, no se casaron con súper modelos o con el estilo de vida de autos de lujo que puedes estrellar en un acantilado. No había anuncios publicitarios con su música ni para automóviles ni para bebidas, ni siquiera un Grandes Éxitos. Corresponde una cita a una canción de “Riot Act”: “Lo he visto todo antes... tráelo aquí porque yo no soy una víctima”. Sin que su obra 2002 signifique el mejor álbum que hayan publicado, innegablemente se eleva por encima de la bazofia sin sentido que dominaba la radio en aquel entonces. Pearl Jam se relaja con naturalidad y estira sus piernas musicales en esta placa. En última instancia, “Riot Act” es un disco con una gran cantidad de momentos punta y de otros, valles. El enfoque del lente es más amplio y se arriesgan a lanzar canciones como quien patea una pelota y le da un efecto, no se trata solo de probar cosas nuevas.
83III ROCKAXIS
Pearl Jam
It’s evolution, baby Vitalogy 1994
Por Mauricio Jürgensen
Aquí Pearl Jam se mira al espejo y conoce su verdadero rostro. Si “Ten” fue un milagro a distancia y “Versus” una suerte de test de capacidades grupales, “Vitalogy” es el primer disco de un grupo propiamente tal. El primer esfuerzo colectivo y elaborado de unos músicos que, incluso en la incómoda posición de estar expuestos de un modo en que muy pocos aguantarían media hora, supieron decirle al mundo de qué estaban hechos. El primer gesto de identidad de una banda que está pensando más en conocerse que en crecer en las listas, está en el arte, en ese librillo inspirado en un viejo manual médico y que insinuaba un tono conceptual y un afán de posteridad, tal como esos discos de los héroes que de aquí en adelante empezaron a nutrir este repertorio. Pearl Jam acelera el tranco con ‘Spin the Black Circle’, define su ética antisistema con la elocuente ‘Not For You’, coquetea con la sicodelia en ‘Aya Davanita’ y corona sus pretensiones épicas en ‘Corduroy’, quizás la mejor canción de su historia. La interna, en todo caso, era desastrosa. Desplazado en las decisiones por Vedder, el guitarrista Stone Gossard casi deja el grupo, McCready tuvo que ir a rehabilitación por su feroz consumo de alcohol y Dave Abruzzesse fue despedido poco después de terminar “Vitalogy”. Ese fue el alto costo que Pearl Jam tuvo que pagar por dar con algo propio. Con el primero de los discos imprescindibles de su espléndido catálogo.
Nueve discos de estudio, dos compilados de estudio y dos en vivo e incontables bootlegs (oficiales y no tanto) se pueden contar en el legado discográfico de Pearl Jam en sus veintiún años de carrera. Nos quedamos con el primer grupo, el principal. Títulos que acumulan millones y que, algunos más, otros menos, marcaron generaciones. De entre aquellos cuya vida parece haber sido marcada a fuego por la banda, se cuentan tres integrantes de nuestro equipo, que aquí rinden tributo a su álbum favorito. Pearl Jam, mucho más que un catálogo.
Ten Ten
Vs
1991 1991
1993 1993
Millonario despertar Millonario despertar
Cinco mundo Cincocontra contra el mundo
Filosofía antipop Por Héctor Aravena María de los Ángeles Cerda Álvaro Rojas M.
Yield Sí, están en medio de la tormenta revival1998 de los noventa, Por Juan Ignacio Cornejo pero no por eso son un acto de nostalgia. Invitados al Me sobran las razones para tener a “Yield” festival Maquinaria, esta vez vienen a presentar su nuevo como disco favorito de la banda de mi vida. Pocas de ellas pueden ser puestas en palabras. trabajo, “Green Naugahyde”, con una visión remozada Se sugiere como el álbum que más valida por sobre lo nos individual. Eddie en cuanto a su performance y su sonido,al colectivo tal como Vedder vuelve a ceder protagonismo a las ofertas cancioneras de sus compañeros y en confirma Les Claypool, su líder. Pearl Jam eso casi siempre ha significado que su conexión lírica sea intencionalmente
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e ven a sí mismos como “el sillón de la relación entre esos dos discos? en desuso dentro del mundo de la “Bueno, Jay dejó la banda un mes antes de que música”. Una perspectiva que más lanzáramos nuestro primer disco, así que el primer allá de la humildad, apunta hacia par de placas son réplicas de lo que él estaba un estilo individual, totalmente haciendo en la batería. Creo que la estampa de desmarcado de cualquier tipo de Jay Lane se siente mucho en esos dos primeros tendencia. A partir de ese punto trabajos, y por supuesto, es muy obvia también en el de vista, se encubó la idea del último disco. Me parece que ese es el elemento más regreso del trío a los escenarios y la posterior notorio”. grabación de su nuevo álbum, “Green Naugahyde” “Habíamos hablado de (escogido por Rockaxis como el disco del mes en Respecto a tu forma de tocar, en “Green 1996 2000 1996 2000 reunir a Primus, pero el pasado número de septiembre), en el que, en Naugahyde” usaste muchos efectos Ven cual eres... lugar de continuar Oscura ysilenciosa silenciosa madurez Ven taltalcual eres... Oscura madurez con la y misma línea de sus últimos y sonoridades diferentes a los discos para ser sincero no trabajos, experimenta con la carga sonora de los tradicionales de Primus. ¿Qué buscabas en tenía muchas ganas discos solistas de Les Claypool y, por supuesto, con cuanto al bajo y sus sonidos? de hacerlo, porque se la frescura que trajo el regreso del baterista Jay “Para mí ha sido una progresión natural. He estado Lane. Sobre todo esto, conversamos en exclusiva haciendo discos estos diez años y he trabajado había convertido más con el frontman, compositor y bajista Les Claypool. en muchos de esos sonidos. Siempre he usado 2002 que nada en una cosa efectos, pero creo que en los últimos diez años Me gustaría empezar preguntándote he estado delays, loops y filtros. de nostalgia”. Porusando Alfredomás Lewin sobre el disco nuevo y tu motivación para Eso es probablemente lo que escuchas en este reformar Primus. ¿Por qué decidiste reunir disco enAhora contraste loscabeza más antiguos. Pero si vienecon a mi “Riot Act”, a la banda? escuchascomo los trabajos de Claypool o incluso si alguna vez se hubiera ido. de “Recién había terminado el ciclo del álbum “Fungi Oysterhead puedestengo escuchar sonidos Ni siquiera que esos ponerle playcon al and Foe” con mi banda y con mi manager estábamos bastantereproductor, frecuencia. Han estado ahí evolucionando lo tengo grabado en mi pensando qué hacer después. Tiendo a tener varios constantemente. cerebro. Probablemente no has escuchado proyectos en carpeta y el paso siguiente era decidir algunas de esas noAct” ha habido un disco Pearlcosas Jam porque con “Riot demostraba cuál llevar a cabo. Habíamos hablado de Primus de Primus años”. queen seestos puedediez crecer y que su música era antes, pero para ser sincero no tenía muchas ganas susceptible de crecer contigo. Después de hacerlo porque se había convertido más que ¿Cómodeseescuchar relacionan título disco ‘I AmelMine’ medel volví a y las nada en una cosa de nostalgia. Me gusta avanzar películas de Clint Eastwood y Lee Van sentir pleno de Pearl Jam y éste, más Cleef? creativamente y eso no estaba pasando con Primus, “No sé sique tiene algo que Clint Eastwood un disco, fuever unacon oportunidad. Pearl 2006 2009 2006 pero Larry LaLonde tenía ganas2009 de hacerlo e insistió exceptoJam queme el título del disco de una frase adoptaba a mí, viene un adulto hecho momento a otro se hizo muy obvio en la canción ‘Lee Van Cleef’, que dice “A yellow Sacudóneléctrico eléctrico mucho. De un La después del vendaval Sacudón La paz paz después del vendaval y derecho, tal como los miembros de que la única forma de avanzar creativamente era con studebaker with a asumían 302/ I seesus thetreinta green naugahyde”. la banda y muchos Esa un nuevo baterista. Tim [Alexander] sentía lo mismo era la camioneta que tenía mi padre cuando yo era años. Luego llegaba la canción melliza, “Sentimos que “Green así que sugerí que habláramos con Jay Lane, que niño, una viejaBoat Studebaker En cuanto al ‘Love Captain’amarilla. que hábilmente Naugahyde” se era el baterista original y había trabajando conmigo naugahyde [una especie de cuerodeartificial], yuxtapone la sabiduría los viejosdonde con por muchos años en Sausage, Holy Mackerel, Frog crecí nadie tenía sillones de cuero, de vinilo desarrolla casi como el desaliento de los jóvenes sólo y encuentra Brigade y otros proyectos. Así que Jay vino a tocar y o naugahyde. Pertenecíamos a unapara largaencontrar línea de al amor como el vehículo una película. Fluye a los diez segundos de la primera canción, que creo mecánicos y nadieatenía de cuero, pues el camino travéssillones del trance. muy bien como una que era “Pudding Time”, Larry y yo nos miramos y ¿quién podíaNo pagarlos? Así no quesucumbieron “Green Naugahyde” murieron, a las sonreímos de oreja a oreja porque sabíamos que se parecía drogas, apropiado para Primus, somos una pieza de música en el no se casaron conque súper modelos sentía bien y que había química. Creo que fue en especie odecon cuero en desuso dentro del mundo de la el estilo de vida de autos de lujo escenario”. ese punto cuando decidimos que íbamos a necesitar música”.que puedes estrellar en un acantilado. hacer un disco nuevo”. No había anuncios publicitarios con ¿Cómosuhan reaccionado los fans ni a las música ni para automóviles paranuevas ¿Cuáles son las principales diferencias entre canciones? bebidas, ni siquiera un Grandes Éxitos. los tres bateristas que Primus ha tenido, Tim “Ha sidoCorresponde espectacular,una de hecho las han recibido cita a una canción de Alexander, Bryan Mantia y Jay Lane? mucho “Riot mejorAct”: que lo que cualquiera hubiera “Lo he visto todo antes... “En realidad esos son los bateristas que todos pensado.tráelo Hemos de yo giranopor aquíestado porque soymás unade un mes han escuchado, peroconvertirse desde que en empezamos haciendo dos sets por noche, sin banda telonera. más inclusiva. Tan así, que en ‘Wishlist’ instante el sello delencombo víctima”. 1984 probablemente ocho o nueve El primer de Primus, pareciera que canta a sus camaradas más se roban lahemos películatenido con una tripleta Sinset queson su canciones obra 2002clásicas signifique el bateristas distintos. Esos son sólo ‘Wishlist’ los que la egente algunas mejor muy oscuras, pero es diferente cada noche. que al auditor. La fuerza de la voluntad irrepetible: ‘Faithfull’, ‘In álbum que hayan publicado, conoce. JayHiding’. Lane tiene todo el estilo de Jay Lane, ese Cambiamos el setlist para distinto y el amor por quienes lo acompañaron innegablemente se hacer eleva un porshow encima de su formay de tocar que nunca cada vez. segundo set es “Green Naugahyde” en un camino glorioso, irrepetible y feel, esa cualidad La en diversidad camaradería la El bazofia sin sentido que dominaba la he encontrado en nadietransforman más. Me recuerda mucho completo de principio a fin. Ha sido aparentemente indeseado. compositiva a “Yield” en ela radio en aquel entonces. Pearlmuy Jambien se y elvivo sonido de Minneapolis esos recibido”. La gran estrella del disco es MikeDave Garibaldi registro de cuánto esfuerzo en pusieron relaja con naturalidad y estira sus piernas un baterista grooves mucho McCready (que firma tres fabulosos tiempos. Bryan estoses cinco tipos pordemantenerse juntos musicales en esta placa. En última y Tim Alexander es Tim Alexander; ¿Creesinstancia, que los fans una cortes) y quizás eso sea lo que mejor más directohaciendo música. De ese modo también “Riotestaban Act” es unesperando disco con una “Hay social una mezclasedepuede Bill Bruford y NeilalPerth. un reunión decantidad Primusde por lo que mencionabas resumecrítica “Yield”. Es sorpresivo, potente, comprender mayorTiene hito del gran momentos punta y de mucho mástolineal, una antes, por o porque virtuoso y exquisitamente álbum. ‘Given Fly’ escasi un como sueñode sobre otros,nostalgia valles. El enfoque delestaban lente es más increíble que puedeequilibrado.estilo de tocar marcha”. el cual construir un futuro. Así lo tomó expectantes de escuchar las nuevas Desde lo más árido que el quinteto jamás amplio y se arriesgan a lanzar canciones hacerse de alabaladas canciones? grabó (‘Doathetravés Evolution’) Pearl Jam y la evidencia es generosa como quien patea una pelota y le da un hay una conexión entre “No lo sé realmente, esa essolo la prueba de los dos sátira”. que son un sueño (‘Low Light’). EsosSe ha dicho paraque celebrar el camino que finalmente efecto, no se trata de probar cosas sets. Si la gente no estuviera interesada en el mid-tempo que parecieron en algún “Green Naugahyde” eligieron. y el primer álbum de nuevas. Primus, “Frizzle Fry”. ¿Qué puedes decirnos disco nuevo creo se irían al terminar el primer set
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PearlJam Jam Pearl
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Veinte años en veinte días No hay manera perfecta de resumir todo el tiempo que Pearl Jam lleva junto. La propia banda hizo su manifiesto de carácter oficial con la película y el libro que conocemos como “PJ20”. Aquí, marcamos veinte fechas que definieron el destino para Ament, Gossard, McCready, Vedder y quién sea que haya estado sentado tras la batería en cada momento. 19 de marzo de 1990 Muere Andrew Wood, después de sufrir una sobredosis de heroína. Era el líder de Mother Love Bone y pierde la vida a solo días para la publicación del primer y único álbum del conjunto que también integraban Jeff Ament y Stone Gossard. 13 de octubre de 1990 Después de poner su voz en un demo instrumental y recibir la respuesta positiva desde Seattle, Eddie Vedder toma un avión y aterriza en Seattle para conocer a sus futuros compañeros de aventura. 26 de agosto de 1991 Tras concluir las sesiones dirigidas por el productor Rick Parashar en el mes de abril, Pearl Jam publica su primer álbum. A la fecha, “Ten” ha vendido más de 13 millones de discos sólo en Estados Unidos. 18 de julio de 1992 Se inicia la segunda versión del festival itinerante Lollapalooza. El evento, donde se acuña por primera vez el término “Nación Alternativa”, será clave en la aceptación masiva de Pearl Jam. El cartel también incluía a Red Hot Chili Peppers, Ministry, Soundgarden, Cypress Hill, Rage Against the Machine y Stone Temple Pilots. 1 de agosto de 1992 Dirigido por Mark Pellington, el video del track ‘Jeremy’ se estrena mundialmente a través de la cadena MTV.
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19 de octubre de 1993 Se edita “Vs.”, la segunda obra del quinteto. En su primera semana, vendió casi un millón de copias sólo en los Estados Unidos, marcando un record absoluto. 6 de diciembre de 1994 En un año marcado por la muerte de Kurt Cobain y las tensiones internas, se publica “Vitalogy”, tercera entrega de Pearl Jam. 26 de mayo de 1995 Tras compartir escenario un par de años antes y en 1995 en su inducción al Salón de la Fama, Neil Young recluta a Pearl Jam como banda de soporte para un nuevo LP. “Mirror Ball” es publicado, con un solo tema en el cual Young y Vedder comparten voces. Un EP del crédito grunge, “Merkin Ball”, saldría de las mismas sesiones. 16 de junio de 1995 A causa de desencuentros por el precio de las entradas a sus shows, y tras haber comenzado un litigio judicial contra la compañía, el conjunto inicia su primera gira sin Ticketmaster, tocando en recintos alternativos, algunos de mayor convocatoria, pero en menos ciudades de Estados Unidos. 26 de agosto 1996 Superando rumores de disolución, llega a estanterías “No Code”, el más experimental registro del grupo a la fecha, junto a Jack Irons en batería, que marca el inicio de una nueva era en su carrera.
3 de febrero de 1998 Habiendo sobrevivido al oscuro periodo marcado por sus dos largos anteriores, se publica “Yield”, acompañado del documental dirigido por Cameron Crowe “Single Video Theory”. Incluye, además, ‘Do the Evolution’, que será su primer video clip en seis años. 20 marzo de 1998 En la ciudad de Perth, Australia, Pearl Jam efectúa su último concierto con Jack Irons en batería. De ahí en más, el puesto lo ocupará Matt Cameron, en el último cambio de alineación del grupo. 8 de junio de 1999 Como parte de un álbum de beneficencia, ‘Last Kiss’ es lanzado como single. Es el sencillo más exitoso en toda la carrera del conjunto. 16 de mayo de 2000 Pearl Jam ofrece su placa más oscura a la fecha, “Binaural”, que es recibida con regulares críticas. 30 de junio de 2000 En medio de su gira europea, Pearl Jam actúa en el festival de Roskilde, Dinamarca. En medio de su presentación, nueve personas mueren por asfixia. 26 de septiembre de 2000 Superado el trauma de Roskilde, los músicos retoman su gira americana y a fines de septiembre llegan a las disquerías de todo
el mundo veinticinco discos en vivo de su pasada europea. Es la primera vez que cualquier artista lleva a cabo una iniciativa como ésta. Cuarenta y siete discos más estarían por llegar, para luego llevar la venta al formato digital para todas sus giras futuras. 12 de noviembre de 2002 Se edita “Riot Act”, último trabajo de los de Seattle junto a Epic. El CD incluye reflexiones en torno a Roskilde y el ataque a las Torres Gemelas en 2001. 2 de mayo de 2006 Habiendo visitado Sudamérica por primera vez en 2005 y revalorados por la prensa mundial, Pearl Jam vuelve a abrazar al gran público con su álbum homónimo. El disco los posiciona como uno de los referentes rockeros en la oposición al gobierno de George Bush y la guerra en Irak. 14 de enero de 2008 Eddie Vedder gana un Globo de Oro por su tema ‘Guaranteed’ para la banda sonora de “Into the Wild” (dirigida por Sean Penn), en la categoría “Mejor Canción Original para película”. 20 de septiembre de 2009 En su novena entrega discográfica, Pearl Jam ofrece “Backspacer”, el lanzamiento que los lleva de vuelta al número 1 de Billboard después de trece años.
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Filosofía antipop Por Héctor Aravena María de los Ángeles Cerda Álvaro Rojas M.
Sí, están en medio de la tormenta revival de los noventa, pero no por eso son un acto de nostalgia. Invitados al festival Maquinaria, esta vez vienen a presentar su nuevo trabajo, “Green Naugahyde”, con una visión remozada en cuanto a su performance y su sonido, tal como nos confirma Les Claypool, su líder. 62III ROCKAXIS
3 de febrero de 1998 Habiendo sobrevivido al oscuro periodo marcado por sus dos largos anteriores, se publica “Yield”, acompañado del documental dirigido por Cameron Crowe “Single Video Theory”. Incluye, además, ‘Do the Evolution’, que será su primer video clip en seis años. 20 marzo de 1998 En la ciudad de Perth, Australia, Pearl Jam efectúa su último concierto con Jack Irons en batería. De ahí en más, el puesto lo ocupará Matt Cameron, en el último cambio de alineación del grupo. 8 de junio de 1999 Como parte de un álbum de beneficencia, ‘Last Kiss’ es lanzado como single. Es el sencillo más exitoso en toda la carrera del conjunto. 16 de mayo de 2000 Pearl Jam ofrece su placa más oscura a la fecha, “Binaural”, que es recibida con regulares críticas. 30 de junio de 2000 En medio de su gira europea, Pearl Jam actúa en el festival de Roskilde, Dinamarca. En medio de su presentación, nueve personas mueren por asfixia. 26 de septiembre de 2000 Superado el trauma de Roskilde, los músicos retoman su gira americana y a fines de septiembre llegan a las disquerías de todo
el mundo veinticinco discos en vivo de su pasada europea. Es la primera vez que cualquier artista lleva a cabo una iniciativa como ésta. Cuarenta y siete discos más estarían por llegar, para luego llevar la venta al formato digital para todas sus giras futuras. 12 de noviembre de 2002 Se edita “Riot Act”, último trabajo de los de Seattle junto a Epic. El CD incluye reflexiones en torno a Roskilde y el ataque a las Torres Gemelas en 2001. 2 de mayo de 2006 Habiendo visitado Sudamérica por primera vez en 2005 y revalorados por la prensa mundial, Pearl Jam vuelve a abrazar al gran público con su álbum homónimo. El disco los posiciona como uno de los referentes rockeros en la oposición al gobierno de George Bush y la guerra en Irak. 14 de enero de 2008 Eddie Vedder gana un Globo de Oro por su tema ‘Guaranteed’ para la banda sonora de “Into the Wild” (dirigida por Sean Penn), en la categoría “Mejor Canción Original para película”. 20 de septiembre de 2009 En su novena entrega discográfica, Pearl Jam ofrece “Backspacer”, el lanzamiento que los lleva de vuelta al número 1 de Billboard después de trece años.
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ROCK SHOP 90’s
Por Juan Ignacio Cornejo
Nirvana
Malfunkshun: The Andrew Wood Story
Nevermind 2011. Geffen
E
L
2011. Universal
Filosofía antipop
l disco más importante de los noventa cumplió veinte años y, como era de esperarse, recibió el tratamiento que toda publicación clásica ha tenido desde que se desató la moda de las reediciones. ¿En qué consiste esta versión? Como ya es habitual, hay versiones de lujo y otra súper-ultra—mega-de-lujo. Para el primer caso, en dos discos se presentan el álbum original y todos los lados B de sus singles (incluyendo, por supuesto, ‘Aneurysm’) en un CD, y una amplia colección de primitivos demos – en su mayoría inéditos – en el otro. Con esto ya debiese ser suficiente para la mayoría. Los más fanáticos ya sabrán de las
míticas sesiones en Smart Studio, en su primer acercamiento junto a Butch Vig. Bueno, aquí están disponibles, por fin. La versión más potente (y cara) es la que incluye otra mezcla del álbum y un show de 1991 en el teatro Paramount de Seattle, que llevaba años dando vueltas como bootleg. El valor agregado lo pone el DVD de la misma presentación, también ya vista, pero cuya fineza en el formato la transforman en la coronación ideal de lare-edición. Todo coleccionista querrá hacerse de esta edición de “Nevermind” y aquellos que conocen la historia de la placa al revés y al derecho sentirán un gozo interior que esperaron por años, al poder disponer de todo lo que aquí se ofrece en un mismo empaque. Si nos hace felices a todos, la tarea está hecha.
a de Andy Wood, fallecido líder de los míticos Mother Love Bone, ha sido una historia muy contada. Siempre presente en los recuerdos del grunge, y en especial cuando los caminos se cruzan con los años previos a la fama de Chris Cornell y Pearl Jam, el nombre de Wood es familiar a todos los viudos de Seattle. El asunto es que como cada vez que se le mencionaba era Por Héctor Aravena como un apartado dentro de otra historia (siendo el caso de PJ20 María deejemplos), los Ángeles Cerda el más fresco de los siempre su figura era tratada con romanticismo y algo de épica. Álvaro Rojas M. “Malfunkshun” es el tratamiento que un personaje como él pedía hacía rato. Con la historia bien contada, con Wood como personaje central, mejor contextualizado y explicado, es difícil imaginar una mejor manera de conocer los misterios de un tipo que se convirtió en un recuerdo desconocido para toda una generación. El documental ofrece apariciones de casi todos los héroes del noroeste americano, en el que queda claro que Andy Wood era algo más que “el vocalista de Mother Love Bone”. El film fue estrenado en 2005 y recién fue lanzado como DVD, en una edición que incluye el álbum de estudio de su primera banda, Malfunkshun (que en 1995 fue publicado, financiado por Stone Gossard) y una colección de rarezas de Wood, entre las cuales encontramos grabaciones caseras que lo muestran junto a su amigo Chris Cornell. De culto, literalmente.
Sí, están en medio de la tormenta revival de los noventa, pero no por eso son un acto de nostalgia. Invitados al festival Maquinaria, esta vez vienen a presentar su nuevo trabajo, “Green Naugahyde”, con una visión remozada en cuanto a su performance y su sonido, tal como nos confirma Les Claypool, su líder.
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ROCK SHOP 90’s
Por Juan Ignacio Cornejo
Nirvana
Malfunkshun: The Andrew Wood Story
Nevermind 2011. Geffen
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l disco más importante de los noventa cumplió veinte años y, como era de esperarse, recibió el tratamiento que toda publicación clásica ha tenido desde que se desató la moda de las reediciones. ¿En qué consiste esta versión? Como ya es habitual, hay versiones de lujo y otra súper-ultra—mega-de-lujo. Para el primer caso, en dos discos se presentan el álbum original y todos los lados B de sus singles (incluyendo, por supuesto, ‘Aneurysm’) en un CD, y una amplia colección de primitivos demos – en su mayoría inéditos – en el otro. Con esto ya debiese ser suficiente para la mayoría. Los más fanáticos ya sabrán de las
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2011. Universal míticas sesiones en Smart Studio, en su primer acercamiento junto a Butch Vig. Bueno, aquí están disponibles, por fin. La versión más potente (y cara) es la que incluye otra mezcla del álbum y un show de 1991 en el teatro Paramount de Seattle, que llevaba años dando vueltas como bootleg. El valor agregado lo pone el DVD de la misma presentación, también ya vista, pero cuya fineza en el formato la transforman en la coronación ideal de lare-edición. Todo coleccionista querrá hacerse de esta edición de “Nevermind” y aquellos que conocen la historia de la placa al revés y al derecho sentirán un gozo interior que esperaron por años, al poder disponer de todo lo que aquí se ofrece en un mismo empaque. Si nos hace felices a todos, la tarea está hecha.
a de Andy Wood, fallecido líder de los míticos Mother Love Bone, ha sido una historia muy contada. Siempre presente en los recuerdos del grunge, y en especial cuando los caminos se cruzan con los años previos a la fama de Chris Cornell y Pearl Jam, el nombre de Wood es familiar a todos los viudos de Seattle. El asunto es que como cada vez que se le mencionaba era como un apartado dentro de otra historia (siendo el caso de PJ20 el más fresco de los ejemplos), siempre su figura era tratada con romanticismo y algo de épica. “Malfunkshun” es el tratamiento que un personaje como él pedía hacía rato. Con la historia bien contada, con Wood como personaje central, mejor contextualizado y explicado, es difícil imaginar una mejor manera de conocer los misterios de un tipo que se convirtió en un recuerdo desconocido para toda una generación. El documental ofrece apariciones de casi todos los héroes del noroeste americano, en el que queda claro que Andy Wood era algo más que “el vocalista de Mother Love Bone”. El film fue estrenado en 2005 y recién fue lanzado como DVD, en una edición que incluye el álbum de estudio de su primera banda, Malfunkshun (que en 1995 fue publicado, financiado por Stone Gossard) y una colección de rarezas de Wood, entre las cuales encontramos grabaciones caseras que lo muestran junto a su amigo Chris Cornell. De culto, literalmente.
d a d u i c a l n e z e v a r Ot
Texto por Andrés Panes Entrevista por Juan Ignacio Cornejo y Andrés Panes
Primero fue un anhelo. Después, un rumor de pasillo. El 18 de septiembre, la resurrección de Los Tetas se transformó en una realidad confirmada oficialmente. Con su escuadra original, que no comparte un escenario hace trece años, el cuarteto firmará su regreso en el Teatro Caupolicán este 14 de diciembre. Rockaxis fue el primer medio que conversó en extenso con Cee-Funk y Tea Time, las caras más visibles del grupo, y esta es la historia de su retorno contada por ellos mismos.
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“
Cee-Funk me llamó con la propuesta de juntarnos, una instancia que nunca había se había dado, obviamente que me pareció espectacular hacer un show grande.Ya habíamos tenido cercanía compartiendo escenario o cartel las últimas veces que él vino a Chile, y había buena onda”, dice Tea Time, explicando cómo se gestionó una de las noticias musicales del año: el esperadísimo regreso de Los Tetas. “Los dos siempre nos hemos admirado mutuamente… creo”. La risa desatada por la broma deja ver, apenas comenzada la entrevista, que la animosidad entre ambos es cosa del pasado. No hay rastro evidente de los roces públicos que marcaron la disolución del grupo en 2004, como las declaraciones cruzadas en la prensa y el conflicto judicial por el uso del nombre de la banda, tras la salida de Cee-Funk. En los primeros minutos de este encuentro, Cee-Funk y Tea Time ya habían chocado los cinco en un par de ocasiones, en señal de celebración cada vez que uno decía algo que al otro le parecía atinado. Como dos escolares amigos. “Compartimos toda la vida juntos, fue mi primer compañero de grupo, junto a Rulo y a Pepino, y yo nunca he hecho nada tan grande como lo que hicimos juntos, ni antes ni después. Dije de inmediato que sí a la invitación y le echamos para adelante”. Cee-Funk contextualiza: “Pasó en agosto. Fuimos los dos primeros en hablar. Se dio entretenido porque cada uno tiene experiencia por separado, ocurrió naturalmente.Viendo lo que pasaba con el grupo, me daba siempre la sensación de que sería bueno reunirse”. “Todo este tiempo en que estuvimos separados noté las miradas de lástima. Los comentarios que me llegaban tenían un sabor amargo, como de frenarse y no poder decirme “oye, estai puro hueviando, deberían volver Los Tetas””, reconoce Tea Time. A su lado, Cee-Funk asiente: “Nos pasaba a los demás también, aunque lo que hacíamos por separado tenía buena aceptación. Este reencuentro es lo que la gente quería ver y respetamos eso. La parte humana de este regreso tiene que ver con el público, yo estuve viviendo tres años en Estados Unidos y hasta allá los latinos se acuerdan de nosotros. Necesitábamos volver a ese principio”. Reaparecen Los Prisioneros con su formación original, editan dos álbumes innecesarios que manchan su –hasta entonces- impecable discografía y terminan disueltos nuevamente. Reaparecen Los Tres sin
su formación original, editan dos álbumes innecesarios que manchan su –hasta entonces- impecable discografía y siguen juntos hasta hoy. Difícil saber qué es peor. Por bombásticas que parezcan en un comienzo, las resurrecciones más bulladas de bandas chilenas, en cuanto a legado artístico, han estado lejos de ser un negocio redondo. De cara a estos antecedentes, ¿qué tienen que decir Los Tetas? Tea Time responde en pocas palabras: “Esto es un gran comeback, una gran vuelta, pero más que nada es una continuación. Garantizamos clásicos y nuevo sonido”. SUMA Y SIGUE Al contrario de otros desaparecidos en acción que han vuelto, el grupo que inmortalizó los discos “Mama funk” (1995) y “La medicina” (1998) tiene a su favor la juventud de sus miembros (ninguno supera los treinta y cinco años de edad) y una combinación de experiencias por separado que incluye estadías en el extranjero (Tea Time por un lado y, por el otro, Cee-Funk con Pepino en Estados Unidos, a la cabeza de la activa banda Joya) y un recomendable emprendimiento soul con un larga duración en la calle (Esencia, liderado por Rulo). Asimismo hay discos solistas: Cee-Funk con “Joya”, sumado a “1” de Tea Time, quien a su vez posee un generoso listado de colaboraciones en temas de otros (desde los electrónicos Usted No!, pasando por los festivos Tunacola, hasta Denisse Rosenthal), así como un álbum con el genio alemán Atom Heart y otro en camino junto a su proyecto Criminal Jazz, por supuesto, está Funkattack (Tea Time con Rulo y dos ex miembros de la formación posterior de Los Tetas, Toly Ramírez y “Tata” Bigorra). “Juntarnos no es sólo revivir el pasado, porque sería un poco decadente ver a los mismos tipos de antes tocando exactamente lo mismo, queremos vernos mejor que antes y tocar mejor que antes. Cada uno se ha desarrollado gracias a su carrera individual. Si nos volvemos a reunir es para hacer los temas antiguos, pero con un nuevo sonido y una perfección nunca antes vista”, explica Tea Time, “ahora no voy a olvidarme de las letras, que es un clásico (aunque así aprendí a hacer freestyle), la idea es tocar todo a la perfección como nunca. Vamos a plantear la propuesta más profesional que hemos entregado. Es lo que yo estoy esperando porque, a través de los años, todo lo aprendido ha aumentado
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Filosofía antipop Por Héctor Aravena María de los Ángeles Cerda Álvaro Rojas M.
Sí, están en medio de la tormenta revival de los noventa, pero no por eso son un acto de nostalgia. Invitados al festival Maquinaria, esta vez vienen a presentar su nuevo trabajo, “Green Naugahyde”, con una visión remozada en cuanto a su performance y su sonido, tal como nos confirma Les Claypool, su líder. 62III ROCKAXIS
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Cee-Funk me llamó con la propuesta de juntarnos, una instancia que nunca había se había dado, obviamente que me pareció espectacular hacer un show grande.Ya habíamos tenido cercanía compartiendo escenario o cartel las últimas veces que él vino a Chile, y había buena onda”, dice Tea Time, explicando cómo se gestionó una de las noticias musicales del año: el esperadísimo regreso de Los Tetas. “Los dos siempre nos hemos admirado mutuamente… creo”. La risa desatada por la broma deja ver, apenas comenzada la entrevista, que la animosidad entre ambos es cosa del pasado. No hay rastro evidente de los roces públicos que marcaron la disolución del grupo en 2004, como las declaraciones cruzadas en la prensa y el conflicto judicial por el uso del nombre de la banda, tras la salida de Cee-Funk. En los primeros minutos de este encuentro, Cee-Funk y Tea Time ya habían chocado los cinco en un par de ocasiones, en señal de celebración cada vez que uno decía algo que al otro le parecía atinado. Como dos escolares amigos. “Compartimos toda la vida juntos, fue mi primer compañero de grupo, junto a Rulo y a Pepino, y yo nunca he hecho nada tan grande como lo que hicimos juntos, ni antes ni después. Dije de inmediato que sí a la invitación y le echamos para adelante”. Cee-Funk contextualiza: “Pasó en agosto. Fuimos los dos primeros en hablar. Se dio entretenido porque cada uno tiene experiencia por separado, ocurrió naturalmente.Viendo lo que pasaba con el grupo, me daba siempre la sensación de que sería bueno reunirse”. “Todo este tiempo en que estuvimos separados noté las miradas de lástima. Los comentarios que me llegaban tenían un sabor amargo, como de frenarse y no poder decirme “oye, estai puro hueviando, deberían volver Los Tetas””, reconoce Tea Time. A su lado, Cee-Funk asiente: “Nos pasaba a los demás también, aunque lo que hacíamos por separado tenía buena aceptación. Este reencuentro es lo que la gente quería ver y respetamos eso. La parte humana de este regreso tiene que ver con el público, yo estuve viviendo tres años en Estados Unidos y hasta allá los latinos se acuerdan de nosotros. Necesitábamos volver a ese principio”. Reaparecen Los Prisioneros con su formación original, editan dos álbumes innecesarios que manchan su –hasta entonces- impecable discografía y terminan disueltos nuevamente. Reaparecen Los Tres sin
su formación original, editan dos álbumes innecesarios que manchan su –hasta entonces- impecable discografía y siguen juntos hasta hoy. Difícil saber qué es peor. Por bombásticas que parezcan en un comienzo, las resurrecciones más bulladas de bandas chilenas, en cuanto a legado artístico, han estado lejos de ser un negocio redondo. De cara a estos antecedentes, ¿qué tienen que decir Los Tetas? Tea Time responde en pocas palabras: “Esto es un gran comeback, una gran vuelta, pero más que nada es una continuación. Garantizamos clásicos y nuevo sonido”. SUMA Y SIGUE Al contrario de otros desaparecidos en acción que han vuelto, el grupo que inmortalizó los discos “Mama funk” (1995) y “La medicina” (1998) tiene a su favor la juventud de sus miembros (ninguno supera los treinta y cinco años de edad) y una combinación de experiencias por separado que incluye estadías en el extranjero (Tea Time por un lado y, por el otro, Cee-Funk con Pepino en Estados Unidos, a la cabeza de la activa banda Joya) y un recomendable emprendimiento soul con un larga duración en la calle (Esencia, liderado por Rulo). Asimismo hay discos solistas: Cee-Funk con “Joya”, sumado a “1” de Tea Time, quien a su vez posee un generoso listado de colaboraciones en temas de otros (desde los electrónicos Usted No!, pasando por los festivos Tunacola, hasta Denisse Rosenthal), así como un álbum con el genio alemán Atom Heart y otro en camino junto a su proyecto Criminal Jazz, por supuesto, está Funkattack (Tea Time con Rulo y dos ex miembros de la formación posterior de Los Tetas, Toly Ramírez y “Tata” Bigorra). “Juntarnos no es sólo revivir el pasado, porque sería un poco decadente ver a los mismos tipos de antes tocando exactamente lo mismo, queremos vernos mejor que antes y tocar mejor que antes. Cada uno se ha desarrollado gracias a su carrera individual. Si nos volvemos a reunir es para hacer los temas antiguos, pero con un nuevo sonido y una perfección nunca antes vista”, explica Tea Time, “ahora no voy a olvidarme de las letras, que es un clásico (aunque así aprendí a hacer freestyle), la idea es tocar todo a la perfección como nunca. Vamos a plantear la propuesta más profesional que hemos entregado. Es lo que yo estoy esperando porque, a través de los años, todo lo aprendido ha aumentado
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Filosofía antipop Por Héctor Aravena María de los Ángeles Cerda Álvaro Rojas M.
Sí, están en medio de la tormenta revival de los noventa, pero no por eso son un acto de nostalgia. Invitados al festival Maquinaria, esta vez vienen a presentar su nuevo trabajo, “Green Naugahyde”, con una visión remozada en cuanto a su performance y su sonido, tal como nos confirma Les Claypool, su líder. 62III ROCKAXIS
“Habíamos hablado de reunir a Primus, pero para ser sincero no tenía muchas ganas de hacerlo, porque se había convertido más que nada en una cosa de nostalgia”.
“Sentimos que “Green Naugahyde” se desarrolla casi como una película. Fluye muy bien como una pieza de música en el escenario”.
“Hay crítica social increíble que puede hacerse a través de la sátira”.
S
e ven a sí mismos como “el sillón en desuso dentro del mundo de la música”. Una perspectiva que más allá de la humildad, apunta hacia un estilo individual, totalmente desmarcado de cualquier tipo de tendencia. A partir de ese punto de vista, se encubó la idea del regreso del trío a los escenarios y la posterior grabación de su nuevo álbum, “Green Naugahyde” (escogido por Rockaxis como el disco del mes en el pasado número de septiembre), en el que, en lugar de continuar con la misma línea de sus últimos trabajos, experimenta con la carga sonora de los discos solistas de Les Claypool y, por supuesto, con la frescura que trajo el regreso del baterista Jay Lane. Sobre todo esto, conversamos en exclusiva con el frontman, compositor y bajista Les Claypool. Me gustaría empezar preguntándote sobre el disco nuevo y tu motivación para reformar Primus. ¿Por qué decidiste reunir a la banda? “Recién había terminado el ciclo del álbum “Fungi and Foe” con mi banda y con mi manager estábamos pensando qué hacer después. Tiendo a tener varios proyectos en carpeta y el paso siguiente era decidir cuál llevar a cabo. Habíamos hablado de Primus antes, pero para ser sincero no tenía muchas ganas de hacerlo porque se había convertido más que nada en una cosa de nostalgia. Me gusta avanzar creativamente y eso no estaba pasando con Primus, pero Larry LaLonde tenía ganas de hacerlo e insistió mucho. De un momento a otro se hizo muy obvio que la única forma de avanzar creativamente era con un nuevo baterista. Tim [Alexander] sentía lo mismo así que sugerí que habláramos con Jay Lane, que era el baterista original y había trabajando conmigo por muchos años en Sausage, Holy Mackerel, Frog Brigade y otros proyectos. Así que Jay vino a tocar y a los diez segundos de la primera canción, que creo que era “Pudding Time”, Larry y yo nos miramos y sonreímos de oreja a oreja porque sabíamos que se sentía bien y que había química. Creo que fue en ese punto cuando decidimos que íbamos a necesitar hacer un disco nuevo”. ¿Cuáles son las principales diferencias entre los tres bateristas que Primus ha tenido, Tim Alexander, Bryan Mantia y Jay Lane? “En realidad esos son los bateristas que todos han escuchado, pero desde que empezamos en 1984 probablemente hemos tenido ocho o nueve bateristas distintos. Esos son sólo los que la gente conoce. Jay Lane tiene todo el estilo de Jay Lane, ese feel, esa cualidad en su forma de tocar que nunca he encontrado en nadie más. Me recuerda mucho a Dave Garibaldi y el sonido de Minneapolis en esos tiempos. Bryan es un baterista de grooves mucho más directo y Tim Alexander es Tim Alexander; una mezcla de Bill Bruford y Neil Perth. Tiene un estilo de tocar mucho más lineal, casi como de una marcha”. Se ha dicho que hay una conexión entre “Green Naugahyde” y el primer álbum de Primus, “Frizzle Fry”. ¿Qué puedes decirnos
de la relación entre esos dos discos? “Bueno, Jay dejó la banda un mes antes de que lanzáramos nuestro primer disco, así que el primer par de placas son réplicas de lo que él estaba haciendo en la batería. Creo que la estampa de Jay Lane se siente mucho en esos dos primeros trabajos, y por supuesto, es muy obvia también en el último disco. Me parece que ese es el elemento más notorio”. Respecto a tu forma de tocar, en “Green Naugahyde” usaste muchos efectos y sonoridades diferentes a los discos tradicionales de Primus. ¿Qué buscabas en cuanto al bajo y sus sonidos? “Para mí ha sido una progresión natural. He estado haciendo discos estos diez años y he trabajado en muchos de esos sonidos. Siempre he usado efectos, pero creo que en los últimos diez años he estado usando más delays, loops y filtros. Eso es probablemente lo que escuchas en este disco en contraste con los más antiguos. Pero si escuchas los trabajos de Claypool o incluso de Oysterhead puedes escuchar esos sonidos con bastante frecuencia. Han estado ahí evolucionando constantemente. Probablemente no has escuchado algunas de esas cosas porque no ha habido un disco de Primus en estos diez años”. ¿Cómo se relacionan el título del disco y las películas de Clint Eastwood y Lee Van Cleef? “No sé si tiene algo que ver con Clint Eastwood excepto que el título del disco viene de una frase en la canción ‘Lee Van Cleef’, que dice “A yellow studebaker with a 302/ I see the green naugahyde”. Esa era la camioneta que tenía mi padre cuando yo era niño, una vieja Studebaker amarilla. En cuanto al naugahyde [una especie de cuero artificial], donde crecí nadie tenía sillones de cuero, sólo de vinilo o naugahyde. Pertenecíamos a una larga línea de mecánicos y nadie tenía sillones de cuero, pues ¿quién podía pagarlos? Así que “Green Naugahyde” parecía apropiado para Primus, que somos una especie de cuero en desuso dentro del mundo de la música”. ¿Cómo han reaccionado los fans a las nuevas canciones? “Ha sido espectacular, de hecho las han recibido mucho mejor que lo que cualquiera hubiera pensado. Hemos estado de gira por más de un mes haciendo dos sets por noche, sin banda telonera. El primer set son canciones clásicas de Primus, algunas muy oscuras, pero es diferente cada noche. Cambiamos el setlist para hacer un show distinto cada vez. El segundo set es “Green Naugahyde” completo de principio a fin. Ha sido muy bien recibido”. ¿Crees que los fans estaban esperando una reunión de Primus por lo que mencionabas antes, por nostalgia o porque estaban expectantes de escuchar las nuevas canciones? “No lo sé realmente, esa es la prueba de los dos sets. Si la gente no estuviera interesada en el disco nuevo creo se irían al terminar el primer set
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Filosofía antipop Por Héctor Aravena María de los Ángeles Cerda Álvaro Rojas M.
Sí, están en medio de la tormenta revival de los noventa, pero no por eso son un acto de nostalgia. Invitados al festival Maquinaria, esta vez vienen a presentar su nuevo trabajo, “Green Naugahyde”, con una visión remozada en cuanto a su performance y su sonido, tal como nos confirma Les Claypool, su líder. 62III ROCKAXIS
“Habíamos hablado de reunir a Primus, pero para ser sincero no tenía muchas ganas de hacerlo, porque se había convertido más que nada en una cosa de nostalgia”.
“Sentimos que “Green Naugahyde” se desarrolla casi como una película. Fluye muy bien como una pieza de música en el escenario”.
“Hay crítica social increíble que puede hacerse a través de la sátira”.
S
e ven a sí mismos como “el sillón en desuso dentro del mundo de la música”. Una perspectiva que más allá de la humildad, apunta hacia un estilo individual, totalmente desmarcado de cualquier tipo de tendencia. A partir de ese punto de vista, se encubó la idea del regreso del trío a los escenarios y la posterior grabación de su nuevo álbum, “Green Naugahyde” (escogido por Rockaxis como el disco del mes en el pasado número de septiembre), en el que, en lugar de continuar con la misma línea de sus últimos trabajos, experimenta con la carga sonora de los discos solistas de Les Claypool y, por supuesto, con la frescura que trajo el regreso del baterista Jay Lane. Sobre todo esto, conversamos en exclusiva con el frontman, compositor y bajista Les Claypool. Me gustaría empezar preguntándote sobre el disco nuevo y tu motivación para reformar Primus. ¿Por qué decidiste reunir a la banda? “Recién había terminado el ciclo del álbum “Fungi and Foe” con mi banda y con mi manager estábamos pensando qué hacer después. Tiendo a tener varios proyectos en carpeta y el paso siguiente era decidir cuál llevar a cabo. Habíamos hablado de Primus antes, pero para ser sincero no tenía muchas ganas de hacerlo porque se había convertido más que nada en una cosa de nostalgia. Me gusta avanzar creativamente y eso no estaba pasando con Primus, pero Larry LaLonde tenía ganas de hacerlo e insistió mucho. De un momento a otro se hizo muy obvio que la única forma de avanzar creativamente era con un nuevo baterista. Tim [Alexander] sentía lo mismo así que sugerí que habláramos con Jay Lane, que era el baterista original y había trabajando conmigo por muchos años en Sausage, Holy Mackerel, Frog Brigade y otros proyectos. Así que Jay vino a tocar y a los diez segundos de la primera canción, que creo que era “Pudding Time”, Larry y yo nos miramos y sonreímos de oreja a oreja porque sabíamos que se sentía bien y que había química. Creo que fue en ese punto cuando decidimos que íbamos a necesitar hacer un disco nuevo”. ¿Cuáles son las principales diferencias entre los tres bateristas que Primus ha tenido, Tim Alexander, Bryan Mantia y Jay Lane? “En realidad esos son los bateristas que todos han escuchado, pero desde que empezamos en 1984 probablemente hemos tenido ocho o nueve bateristas distintos. Esos son sólo los que la gente conoce. Jay Lane tiene todo el estilo de Jay Lane, ese feel, esa cualidad en su forma de tocar que nunca he encontrado en nadie más. Me recuerda mucho a Dave Garibaldi y el sonido de Minneapolis en esos tiempos. Bryan es un baterista de grooves mucho más directo y Tim Alexander es Tim Alexander; una mezcla de Bill Bruford y Neil Perth. Tiene un estilo de tocar mucho más lineal, casi como de una marcha”. Se ha dicho que hay una conexión entre “Green Naugahyde” y el primer álbum de Primus, “Frizzle Fry”. ¿Qué puedes decirnos
de la relación entre esos dos discos? “Bueno, Jay dejó la banda un mes antes de que lanzáramos nuestro primer disco, así que el primer par de placas son réplicas de lo que él estaba haciendo en la batería. Creo que la estampa de Jay Lane se siente mucho en esos dos primeros trabajos, y por supuesto, es muy obvia también en el último disco. Me parece que ese es el elemento más notorio”. Respecto a tu forma de tocar, en “Green Naugahyde” usaste muchos efectos y sonoridades diferentes a los discos tradicionales de Primus. ¿Qué buscabas en cuanto al bajo y sus sonidos? “Para mí ha sido una progresión natural. He estado haciendo discos estos diez años y he trabajado en muchos de esos sonidos. Siempre he usado efectos, pero creo que en los últimos diez años he estado usando más delays, loops y filtros. Eso es probablemente lo que escuchas en este disco en contraste con los más antiguos. Pero si escuchas los trabajos de Claypool o incluso de Oysterhead puedes escuchar esos sonidos con bastante frecuencia. Han estado ahí evolucionando constantemente. Probablemente no has escuchado algunas de esas cosas porque no ha habido un disco de Primus en estos diez años”. ¿Cómo se relacionan el título del disco y las películas de Clint Eastwood y Lee Van Cleef? “No sé si tiene algo que ver con Clint Eastwood excepto que el título del disco viene de una frase en la canción ‘Lee Van Cleef’, que dice “A yellow studebaker with a 302/ I see the green naugahyde”. Esa era la camioneta que tenía mi padre cuando yo era niño, una vieja Studebaker amarilla. En cuanto al naugahyde [una especie de cuero artificial], donde crecí nadie tenía sillones de cuero, sólo de vinilo o naugahyde. Pertenecíamos a una larga línea de mecánicos y nadie tenía sillones de cuero, pues ¿quién podía pagarlos? Así que “Green Naugahyde” parecía apropiado para Primus, que somos una especie de cuero en desuso dentro del mundo de la música”. ¿Cómo han reaccionado los fans a las nuevas canciones? “Ha sido espectacular, de hecho las han recibido mucho mejor que lo que cualquiera hubiera pensado. Hemos estado de gira por más de un mes haciendo dos sets por noche, sin banda telonera. El primer set son canciones clásicas de Primus, algunas muy oscuras, pero es diferente cada noche. Cambiamos el setlist para hacer un show distinto cada vez. El segundo set es “Green Naugahyde” completo de principio a fin. Ha sido muy bien recibido”. ¿Crees que los fans estaban esperando una reunión de Primus por lo que mencionabas antes, por nostalgia o porque estaban expectantes de escuchar las nuevas canciones? “No lo sé realmente, esa es la prueba de los dos sets. Si la gente no estuviera interesada en el disco nuevo creo se irían al terminar el primer set
63III ROCKAXIS
Herencias de los noventa en el rock chileno de hoy
Vicios y virtudes Por Andrés Panes
Pánico y Fiskales Ad-Hok estaban en sellos multinacionales. Los Tres tocaban cuecas en MTV. Un recital de De Kiruza era parte de la teleserie “Adrenalina”. Los Tetas y Joe Vasconcellos vendían decenas de miles de discos. Jorge Rencoret entrevistaba a Christianes en el matinal de Chilevisión. Eran los noventa, una década en que el mapa musical chileno mostraba un trazado geográfico muy distinto al actual, en que algunos territorios ya colonizados solían ser vírgenes y viceversa. 98III ROCKAXIS
E
l fichaje de bandas patrias en grandes compañías, encabezado por Carlos Fonseca (con el proyecto de “Nuevo Rock Chileno” de EMI), es el hito más recordado de la época. Pero, como en toda historia mal documentada, sobra la mitificación. “Lo que pasó es la mejor metáfora de lo que fue el rock chileno de los noventa. Un momento en que se le puso mucha plata a cierta cantidad de artistas y en que se aplicó la lógica del mercado. La ley del más fuerte. Lanzar diez tortugas a la arena, a ver cuál llega al mar. A los más exitosos, los ayudaron para que les fuera mejor, para que explotaran. La palabra ‘explotar’ era muy recurrente”, explica el periodista Felipe Arratia, quien acumula más de setenta entrevistas a personajes clave de los noventa, para una futura publicación. Los vicios y virtudes que dejó la década son evaluados hoy con la distancia del tiempo, aunque todavía con discrepancias. Alejandro Gómez, líder del disuelto grupo Solar y hoy en Alamedas, dice que “ahora hay muchas más malas costumbres que antes. Si perduran hasta hoy es porque han proliferado. Los vulgares tratos en los locales nocturnos, los periodistas de espectáculos, los directores de radios: esos son los mañosos”. En la vereda opuesta, el guitarrista y productor Mauricio Melo, ex Santos Dumont, reflexiona: “No creo que se hayan heredado mayores males, más bien, creo que el rock actual aprendió a desarrollarse en un medio bastante adverso y dinámico. Un buen legado de los noventa fue la profesionalización en el sentido sonoro, estético, escénico y ejecutivo. Gracias a la autogestión, se vive uno de los momentos más fructíferos en la historia del rock chileno”. “Los vicios que perduran están focalizados más en un tipo de músico de la vieja escuela, ése que espera que el sello le solucione la vida, que le haga la promo en radios, lo ‘lance’ al mercado y le conduzca la vida. Esa realidad, al menos en Chile, nunca fue más que un mito; o no se hacía o se hacía pésimo. Hoy, los más lúcidos se han dado cuenta de que la autogestión es parte del modelo que deben seguir”, concuerda Cristián Heyne (Christianes, Shogún). Para Felipe Arratia, “el primer vicio es evidentemente la flojera. La flojera de los noventa fue construida por una estructura que, al desaparecer, obligó a los músicos a tomar la iniciativa, cuando antes sentían que sólo tenían que dedicarse a tocar y ser ‘súper artistas’”. “Hoy se sabe, a ciencia cierta, que fichar con un sello multinacional no es garantía ni consolidación de nada, y que se puede autogestionar una carrera con mejores resultados”, aporta el periodista Cristian Araya de Super45 y Radio Duna (y parte de Extravaganza! en su encarnación original). Con menos presupuesto que antes, las bandas y solistas han tenido que encarar desde sus computadores la difusión de su labor. Al respecto, Carlos Vargas (ex Yupisatam y actual solista bajo el nombre Corderolobo), piensa que “en los noventa, ellos [los músicos de los sellos grandes] eran rockstars, había menos bandas y menos comunicación. Esta distancia hacía que ellos se
posicionaran en el inconsciente colectivo como algo más grande, a nivel de percepción. Hoy, con las redes sociales tú ves que todos conversan con todos, las relaciones se hacen más humanas. Quizás ahí desaparece un poco eso del ‘rockstar de película’. Pero siempre fue un error poner las metas o proyecciones en los medios de comunicación, porque desenfoca y no lleva a nada. A ellos no les importa lo que hacemos. Si les somos útiles, bienvenido sea, pero ésa es una industria, hay que entenderla así”. Según Araya, aún persiste “el creerse estrella o alguien ‘importante’ por tener algo de prensa favorable o un grupo de amigotes que hacen ‘el aguante’. El reconocimiento de la prensa es apenas el primer eslabón de una carrera y debería ser considerado más bien una anomalía. Esto va de la mano con la autocomplacencia, el mayor de todos los males de las bandas nuevas y no tanto”. Un punto sobre el que existe consenso. El mal endémico del rock chileno es el estancamiento, ya sea para Felipe Arratia (“hay algo en el ADN del músico chileno que tiene que ver con la poca constancia, la poca capacidad de levantarse y sobreponerse al éxito y al fracaso”) o Cristián Heyne (“algunas bandas siguen sin preocuparse de tener un show en el escenario, una narración visual que entretenga, que no de pena”). En cuanto a las enseñanzas que dejaron los noventa, y que –por la razón o la fuerza- se transformaron en virtudes del circuito local, Iván Molina (ex Santos Dumont) apunta que “ya no existe ese factor amateur, ni la poca solidaridad o lo sectorizado que era el rock chileno de esos años, cuando no había mucha colaboración ni respeto de los unos con los otros. Al menos en el movimiento santiaguino actual. En mi experiencia, la provincia está más pegada con eso todavía, con rencillas, algo de envidia y la autocomplacencia”. En su rol de productor, Heyne reconoce la falta de preparación de antaño recordando que “en esa época, algunas personas ni siquiera sabían lo que era masterizar un disco, creo que es obvio que hubo un paso que se dio entonces. Hoy, a pesar de que todo se hace desde la independencia, esta mejora se demuestra en procesos técnicos”. La década que partió con Sexual Democracia en la cúspide y acabó con Los Tres a punto de colapsar, espera con calma su revival. Por ahora, queda desclasificarla sin caer en idealizaciones, porque el romanticismo por el pasado hará su trabajo. Si vamos a sentir añoranza por el sonido chileno de los noventa, que sea porque en esos años se forjó lo que tenemos ahora: un mapa lleno de posibilidades, donde quedan muchos caminos por conocer y se puede aprender de los viajes efectuados por antiguos exploradores. En el mejor de los casos, será una travesía conjunta. Como concluye Felipe Arratia, “este es el momento en que los músicos chilenos han estado más hermanados en la historia, se invitan a tocatas, a colaborar. Generan una interacción que no existía antes, que les permite relacionarse en niveles comerciales, estructurales y artísticos. Siempre habrán rivalidades, porque hablar de artistas es hablar de ego, pero ese ego está bajo control”.
99III ROCKAXIS
Filosofía antipop
Por Andrés Panes
Por Héctor Aravena María de los Ángeles Cerda Álvaro Rojas M.
Sí, están en medio de la tormenta revival de los noventa, pero no por eso son un acto de nostalgia. Invitados al festival Maquinaria, esta vez vienen a presentar su nuevo trabajo, “Green Naugahyde”, con una visión remozada en cuanto a su performance y su sonido, tal como nos confirma Les Claypool, su líder. 62III ROCKAXIS
“Habíamos hablado de reunir a Primus, pero para ser sincero no tenía muchas ganas de hacerlo, porque se había convertido más que nada en una cosa de nostalgia”.
“Sentimos que “Green Naugahyde” se desarrolla casi como una película. Fluye muy bien como una pieza de música en el escenario”.
“Hay crítica social increíble que puede hacerse a través de la sátira”.
S
e ven a sí mismos como “el sillón en desuso dentro del mundo de la música”. Una perspectiva que más allá de la humildad, apunta hacia un estilo individual, totalmente desmarcado de cualquier tipo de tendencia. A partir de ese punto de vista, se encubó la idea del regreso del trío a los escenarios y la posterior grabación de su nuevo álbum, “Green Naugahyde” (escogido por Rockaxis como el disco del mes en el pasado número de septiembre), en el que, en lugar de continuar con la misma línea de sus últimos trabajos, experimenta con la carga sonora de los discos solistas de Les Claypool y, por supuesto, con la frescura que trajo el regreso del baterista Jay Lane. Sobre todo esto, conversamos en exclusiva con el frontman, compositor y bajista Les Claypool. Me gustaría empezar preguntándote sobre el disco nuevo y tu motivación para reformar Primus. ¿Por qué decidiste reunir a la banda? “Recién había terminado el ciclo del álbum “Fungi and Foe” con mi banda y con mi manager estábamos pensando qué hacer después. Tiendo a tener varios proyectos en carpeta y el paso siguiente era decidir cuál llevar a cabo. Habíamos hablado de Primus antes, pero para ser sincero no tenía muchas ganas de hacerlo porque se había convertido más que nada en una cosa de nostalgia. Me gusta avanzar creativamente y eso no estaba pasando con Primus, pero Larry LaLonde tenía ganas de hacerlo e insistió mucho. De un momento a otro se hizo muy obvio que la única forma de avanzar creativamente era con un nuevo baterista. Tim [Alexander] sentía lo mismo así que sugerí que habláramos con Jay Lane, que era el baterista original y había trabajando conmigo por muchos años en Sausage, Holy Mackerel, Frog Brigade y otros proyectos. Así que Jay vino a tocar y a los diez segundos de la primera canción, que creo que era “Pudding Time”, Larry y yo nos miramos y sonreímos de oreja a oreja porque sabíamos que se sentía bien y que había química. Creo que fue en ese punto cuando decidimos que íbamos a necesitar hacer un disco nuevo”. ¿Cuáles son las principales diferencias entre los tres bateristas que Primus ha tenido, Tim Alexander, Bryan Mantia y Jay Lane? “En realidad esos son los bateristas que todos han escuchado, pero desde que empezamos en 1984 probablemente hemos tenido ocho o nueve bateristas distintos. Esos son sólo los que la gente conoce. Jay Lane tiene todo el estilo de Jay Lane, ese feel, esa cualidad en su forma de tocar que nunca he encontrado en nadie más. Me recuerda mucho a Dave Garibaldi y el sonido de Minneapolis en esos tiempos. Bryan es un baterista de grooves mucho más directo y Tim Alexander es Tim Alexander; una mezcla de Bill Bruford y Neil Perth. Tiene un estilo de tocar mucho más lineal, casi como de una marcha”. Se ha dicho que hay una conexión entre “Green Naugahyde” y el primer álbum de Primus, “Frizzle Fry”. ¿Qué puedes decirnos
de la relación entre esos dos discos? “Bueno, Jay dejó la banda un mes antes de que lanzáramos nuestro primer disco, así que el primer par de placas son réplicas de lo que él estaba haciendo en la batería. Creo que la estampa de Jay Lane se siente mucho en esos dos primeros trabajos, y por supuesto, es muy obvia también en el último disco. Me parece que ese es el elemento más notorio”. Respecto a tu forma de tocar, en “Green Naugahyde” usaste muchos efectos y sonoridades diferentes a los discos tradicionales de Primus. ¿Qué buscabas en cuanto al bajo y sus sonidos? “Para mí ha sido una progresión natural. He estado haciendo discos estos diez años y he trabajado en muchos de esos sonidos. Siempre he usado efectos, pero creo que en los últimos diez años he estado usando más delays, loops y filtros. Eso es probablemente lo que escuchas en este disco en contraste con los más antiguos. Pero si escuchas los trabajos de Claypool o incluso de Oysterhead puedes escuchar esos sonidos con bastante frecuencia. Han estado ahí evolucionando constantemente. Probablemente no has escuchado algunas de esas cosas porque no ha habido un disco de Primus en estos diez años”. ¿Cómo se relacionan el título del disco y las películas de Clint Eastwood y Lee Van Cleef? “No sé si tiene algo que ver con Clint Eastwood excepto que el título del disco viene de una frase en la canción ‘Lee Van Cleef’, que dice “A yellow studebaker with a 302/ I see the green naugahyde”. Esa era la camioneta que tenía mi padre cuando yo era niño, una vieja Studebaker amarilla. En cuanto al naugahyde [una especie de cuero artificial], donde crecí nadie tenía sillones de cuero, sólo de vinilo o naugahyde. Pertenecíamos a una larga línea de mecánicos y nadie tenía sillones de cuero, pues ¿quién podía pagarlos? Así que “Green Naugahyde” parecía apropiado para Primus, que somos una especie de cuero en desuso dentro del mundo de la música”. ¿Cómo han reaccionado los fans a las nuevas canciones? “Ha sido espectacular, de hecho las han recibido mucho mejor que lo que cualquiera hubiera pensado. Hemos estado de gira por más de un mes haciendo dos sets por noche, sin banda telonera. El primer set son canciones clásicas de Primus, algunas muy oscuras, pero es diferente cada noche. Cambiamos el setlist para hacer un show distinto cada vez. El segundo set es “Green Naugahyde” completo de principio a fin. Ha sido muy bien recibido”. ¿Crees que los fans estaban esperando una reunión de Primus por lo que mencionabas antes, por nostalgia o porque estaban expectantes de escuchar las nuevas canciones? “No lo sé realmente, esa es la prueba de los dos sets. Si la gente no estuviera interesada en el disco nuevo creo se irían al terminar el primer set
63III ROCKAXIS
Cancionero Nacional Sonidos de una generación
Por Juan Ignacio Cornejo
Sería una crueldad tildarlos de “one hit wonders”. Pero escogimos una docena de cortes de bandas cuyo éxito fue ef ímero, y que pasado el impulso inicial, debieron reformularse o simplemente detener su andar. Estos son los nombres que, más allá de los pesos pesados de la época, queremos que recuerdes. Parkinson
‘Por el vino’ (“De rey a mendigo”, 1992, EMI)
Uno de los primeros bombazos mediáticos del rock chileno de los noventa lo dieron los Parkinson, con una composición que poco demoró en transformarse en un clásico de la cultura popular. Antes de las vacas gordas y de la marejada de bandas chilenas financiadas por grandes compañías para llevar su música a las masas, Parkinson puso la chilenidad en la radio local con su energía punk rural. Un llamado al desorden en una sociedad que recién se asumía libre y lista para agitarse.
Los Peores de Chile
‘Síndrome Camboya’ (“Los Peores de Chile”, 1994, BMG)
El homónimo de Los Peores de Chile puso la fealdad en un año clave en el despegue del rock nacional. La voz de Pogo, tan poco musical y reminiscente a Johnny Rotten, líricas inolvidables, y el potente respaldo de los hermanos Guzmán hicieron del cuarteto el gran “nuevo nombre” de 1994. ‘Síndrome Camboya’ parece ser su canción que mejor envejeció, sonando fresca hasta el día de hoy. Aunque el coro de ‘Chicholina’ (“Yo te quiero, yo te amo, yo te adoro porque eres cochina”) contiene algunos de los mejores versos de la década.
Machuca
‘Corazón desilusionado’ (“Hogar, dulce hogar”, 1995, EMI)
Punk para las masas. En Chile también podíamos tener bandas de tres acordes en nuestras radios, sacudiendo la FM en poco más de dos minutos y compartiendo un coro de esos inmediatos. ‘Corazón desilusionado’ figuró entre los grandes himnos de su temporada, pero es de los pocos temas nacionales que mantuvieron su presencia radial por otro par de años. Inevitable e inolvidable, el primer acierto mediático de una banda histórica.
Bambú
In Jamaica (“Bambú”, 1995, EMI)
Gran parte del encanto de la programación radial de mediados de los noventa se explicaba en la inmensa variedad en cuanto al nuevo material. Nunca imaginamos que el reggae llegase en formato rockero a hacerse un espacio, en la aventura comandada por Quique Neira y que presentaba a un muy joven Angelo Pierattini. Bambú no sólo acertó con ‘In Jamaica’, sino que se anotó ‘Mama yo quiero’ y en 1996 se la jugaron con un excelente cover a ‘No necesitamos banderas’ de Los Prisioneros.
Christianes
Mírame sólo una vez (“Ultrasol”, 1995, EMI)
Llegábamos a la mitad de la década y por todos lados se hablaba de un tal Cristián Heyne. Al tipo se le ha reconocido desde siempre como esos tipos con la fórmula para conquistar el oído masivo, de esos personajes que escasean en el rock chileno desde siempre. Junto a Christian Arenas formó Christianes a fines de los ochenta. Cien canciones después y con Evelyn Fuentes en la voz, llegó “Ultrasol”, un luminoso testimonio del talento de la pareja de compositores. ‘Mírame sólo una vez’ fue un single que aparentaba ser un sueño, que ratifica todo el cuidado sonoro que Heyne impuso como estándar a seguir por sus contemporáneos.
100III ROCKAXIS
La Pozze Latina
Pazz la cerveza (“Una nueva religión, 1996, Alerce)
Cypress Hill y los Beastie Boys le habían quitado el miedo a nuestros rockeros a escuchar hip hop. La Pozze Latina así lo entendió, y entre el toque centroamericano de Jimmy Fernández y su simpleza sonora, cayeron tan bien que ‘Pazz la cerveza’ los anotó en nuestra memoria musical, mucho antes de que ‘Chica eléctrica’ los convirtiera en fenómeno de discotecas.
La Dolce Vita
Amor a la mala (“El corazón en la boca”, 1996, EMI)
Es quizás el caso más emblemático del “one hit wonder”. Nadie supo de dónde salió La Dolce Vita, de qué año era esta canción y de dónde había aparecido esa voz hecha para conquistar cualquier ranking radial. Con la inmediatez melódica de ‘Corazón Desilusionado’ y las cuerdas estilo ‘Por el vino’, el himno de La Dolce Vita se convirtió en un extemporáneo himno pop-punk, como no hubo otro en su tiempo.
Los Ex
La corbata de mi tío (“Caída libre”, 1996, BMG)
Colombina Parra y, especialmente, Pablo Ugarte, son nombres grandes en el organigrama del rock chileno de los noventa (e incluso un poco antes). En Barracos insinuaron, pero se sentían como bichos raros ante una generación que había subido el volumen. A la par con lo que indicaban los tiempos, nacieron Los Ex, cuyo álbum debut “Caída libre” es de esos que hoy vemos como imprescindibles. Si ‘Sacar la basura’ no era suficientemente popular, ‘La corbata de mi tío’ rompió todas las barreras y sonó un semestre entero. “Dime cuántas veces quieres que te lo repita…”.
Venus
Borracho (“El ataque de Zorrita”, 1996, BMG)
Chicas con guitarras, fantástico. Chicas ramoneando, mucho mejor. Comandadas por Sara Ugarte y Rosemarie Vargas, las Venus pusieron dos tremendos sencillos en el cancionero de la década con ‘Zorrita’ y la furiosa ‘Borracho’. La igualdad de género llegó a punta de guitarrazos, en un periodo de dos o tres años en que el rock tuvo más voz de mujer que nunca. De todas esas propuestas, Venus puso la polenta.
La Rue Morgue
Blues a dos mujeres (“La Rue Morgue”, 1997, Sony Music)
El blues en los noventa lo puso La Banda del Capitán Corneta. Más cercanos a la amabilidad del jazz, La Rue Morgue llamó la atención por su delicadeza y buen gusto que parecían pre-destinados para algo mayor. ‘Blues a dos mujeres’ y la posterior balada ‘Sigues dando vueltas’ les dieron sus quince minutos de gloria y disco de oro. Su elegancia no pudo repetir el golpe y se fueron diluyendo en el anonimato.
Elso Tumbay
Aire (“Elso Tumbay”, 1997, Fusión)
Hoy puede sonar exagerado, pero Elso Tumbay fue de las últimas apariciones excitantes de los noventa. Con una mezcolanza que ofrecía referentes progresivos de los años setentas hasta nombres propios del rock alternativo, fueron una de las pocas agrupaciones con un sonido totalmente noventero. ‘Aire’ permitió que se les llamara “los Jane’s Addiction chilenos” y contaba con todos los ingredientes que una canción de rock anglo podía pedir. Quizás no haya canción que mejor represente cuán lejos llegó el rock criollo en los noventa.
Solar
Por costumbre (“Play”, 1997, BMG)
Llegada la segunda mitad de la década, el referente obligado pasó a ser el Britpop. Más allá de la eterna influencia británica de los sesenta, pocos se atrevieron a tomar el brit de los últimos diez años y hacerlo propio. Pop del bueno, Solar no logró sostenerse mucho en los primeros planos. ‘Por costumbre’ es el mejor recuerdo que nos dejaron.
Bonus Track(s) Joe Vasconcellos ‘La funa’, ‘Mágico’, ‘Sed de gol’, ‘Sólo por esta noche’, ‘Preemergencia’, ‘Las seis’… Por un par de años, Joe Vasconcellos peleaba en las grandes ligas. En 1999, con su álbum en vivo, se convirtió en un fenómeno de masas. El proceso lo terminó dejando fuera de competencia por un buen tiempo. Como sea, no podemos olvidar que el gran Joe musicalizó nuestros 90 tanto como Los Tres, La Ley, Chancho en Piedra, Lucybell, Los Tetas y algunos más. Su oferta multi-cultural se hizo un espacio en el variopinto mapa rockero, principalmente porque no había otro que hiciera del ritmo algo tan chileno como él. Fundamental.
101III ROCKAXIS
CANCIONERO
NACIONAL Sonidos de una generación
Filosofía antipop Por Héctor Aravena María de los Ángeles Cerda Álvaro Rojas M.
Sí, están en medio de la tormenta revival de los noventa, pero no por eso son un acto de nostalgia. Invitados al festival Maquinaria, esta vez vienen a presentar su nuevo trabajo, “Green Naugahyde”, con una visión remozada en cuanto a su performance y su sonido, tal como nos confirma Les Claypool, su líder. 62III ROCKAXIS
“Habíamos hablado de reunir a Primus, pero para ser sincero no tenía muchas ganas de hacerlo, porque se había convertido más que nada en una cosa de nostalgia”.
“Sentimos que “Green Naugahyde” se desarrolla casi como una película. Fluye muy bien como una pieza de música en el escenario”.
“Hay crítica social increíble que puede hacerse a través de la sátira”.
S
e ven a sí mismos como “el sillón en desuso dentro del mundo de la música”. Una perspectiva que más allá de la humildad, apunta hacia un estilo individual, totalmente desmarcado de cualquier tipo de tendencia. A partir de ese punto de vista, se encubó la idea del regreso del trío a los escenarios y la posterior grabación de su nuevo álbum, “Green Naugahyde” (escogido por Rockaxis como el disco del mes en el pasado número de septiembre), en el que, en lugar de continuar con la misma línea de sus últimos trabajos, experimenta con la carga sonora de los discos solistas de Les Claypool y, por supuesto, con la frescura que trajo el regreso del baterista Jay Lane. Sobre todo esto, conversamos en exclusiva con el frontman, compositor y bajista Les Claypool. Me gustaría empezar preguntándote sobre el disco nuevo y tu motivación para reformar Primus. ¿Por qué decidiste reunir a la banda? “Recién había terminado el ciclo del álbum “Fungi and Foe” con mi banda y con mi manager estábamos pensando qué hacer después. Tiendo a tener varios proyectos en carpeta y el paso siguiente era decidir cuál llevar a cabo. Habíamos hablado de Primus antes, pero para ser sincero no tenía muchas ganas de hacerlo porque se había convertido más que nada en una cosa de nostalgia. Me gusta avanzar creativamente y eso no estaba pasando con Primus, pero Larry LaLonde tenía ganas de hacerlo e insistió mucho. De un momento a otro se hizo muy obvio que la única forma de avanzar creativamente era con un nuevo baterista. Tim [Alexander] sentía lo mismo así que sugerí que habláramos con Jay Lane, que era el baterista original y había trabajando conmigo por muchos años en Sausage, Holy Mackerel, Frog Brigade y otros proyectos. Así que Jay vino a tocar y a los diez segundos de la primera canción, que creo que era “Pudding Time”, Larry y yo nos miramos y sonreímos de oreja a oreja porque sabíamos que se sentía bien y que había química. Creo que fue en ese punto cuando decidimos que íbamos a necesitar hacer un disco nuevo”. ¿Cuáles son las principales diferencias entre los tres bateristas que Primus ha tenido, Tim Alexander, Bryan Mantia y Jay Lane? “En realidad esos son los bateristas que todos han escuchado, pero desde que empezamos en 1984 probablemente hemos tenido ocho o nueve bateristas distintos. Esos son sólo los que la gente conoce. Jay Lane tiene todo el estilo de Jay Lane, ese feel, esa cualidad en su forma de tocar que nunca he encontrado en nadie más. Me recuerda mucho a Dave Garibaldi y el sonido de Minneapolis en esos tiempos. Bryan es un baterista de grooves mucho más directo y Tim Alexander es Tim Alexander; una mezcla de Bill Bruford y Neil Perth. Tiene un estilo de tocar mucho más lineal, casi como de una marcha”. Se ha dicho que hay una conexión entre “Green Naugahyde” y el primer álbum de Primus, “Frizzle Fry”. ¿Qué puedes decirnos
de la relación entre esos dos discos? “Bueno, Jay dejó la banda un mes antes de que lanzáramos nuestro primer disco, así que el primer par de placas son réplicas de lo que él estaba haciendo en la batería. Creo que la estampa de Jay Lane se siente mucho en esos dos primeros trabajos, y por supuesto, es muy obvia también en el último disco. Me parece que ese es el elemento más notorio”. Respecto a tu forma de tocar, en “Green Naugahyde” usaste muchos efectos y sonoridades diferentes a los discos tradicionales de Primus. ¿Qué buscabas en cuanto al bajo y sus sonidos? “Para mí ha sido una progresión natural. He estado haciendo discos estos diez años y he trabajado en muchos de esos sonidos. Siempre he usado efectos, pero creo que en los últimos diez años he estado usando más delays, loops y filtros. Eso es probablemente lo que escuchas en este disco en contraste con los más antiguos. Pero si escuchas los trabajos de Claypool o incluso de Oysterhead puedes escuchar esos sonidos con bastante frecuencia. Han estado ahí evolucionando constantemente. Probablemente no has escuchado algunas de esas cosas porque no ha habido un disco de Primus en estos diez años”. ¿Cómo se relacionan el título del disco y las películas de Clint Eastwood y Lee Van Cleef? “No sé si tiene algo que ver con Clint Eastwood excepto que el título del disco viene de una frase en la canción ‘Lee Van Cleef’, que dice “A yellow studebaker with a 302/ I see the green naugahyde”. Esa era la camioneta que tenía mi padre cuando yo era niño, una vieja Studebaker amarilla. En cuanto al naugahyde [una especie de cuero artificial], donde crecí nadie tenía sillones de cuero, sólo de vinilo o naugahyde. Pertenecíamos a una larga línea de mecánicos y nadie tenía sillones de cuero, pues ¿quién podía pagarlos? Así que “Green Naugahyde” parecía apropiado para Primus, que somos una especie de cuero en desuso dentro del mundo de la música”. ¿Cómo han reaccionado los fans a las nuevas canciones? “Ha sido espectacular, de hecho las han recibido mucho mejor que lo que cualquiera hubiera pensado. Hemos estado de gira por más de un mes haciendo dos sets por noche, sin banda telonera. El primer set son canciones clásicas de Primus, algunas muy oscuras, pero es diferente cada noche. Cambiamos el setlist para hacer un show distinto cada vez. El segundo set es “Green Naugahyde” completo de principio a fin. Ha sido muy bien recibido”. ¿Crees que los fans estaban esperando una reunión de Primus por lo que mencionabas antes, por nostalgia o porque estaban expectantes de escuchar las nuevas canciones? “No lo sé realmente, esa es la prueba de los dos sets. Si la gente no estuviera interesada en el disco nuevo creo se irían al terminar el primer set
63III ROCKAXIS
Trece videoclips para no olvidar Por Rodrigo Carvajal
Marcaron una época en que los clips sí que eran importantes. MTV estaba en su apogeo y lo que ahí se veía marcaba la pauta en materia audiovisual… estos trece videoclips rotaron a destajo en la cadena norteamericana y cuanto programa de videos había en la década de los noventa.
R.E.M. - Losing My Religion Año: 1991 Director: Tarsem Singh
Nirvana – Smells Like Teen Spirit Año: 1991 Director: Samuel Bayer
Red Hot Chili Pepper - Give it Away Año: 1991 Director: Stephane Sednaoui
Guns N’ Roses - November Rain Año: 1992 Director: Andrew Morahan
R.E.M. como nunca lo habíamos visto antes. Un video maravilloso que combina el protagonismo de Michael Stipe con imágenes religiosas, ángeles caídos y famosas representaciones religiosas. Un perfecto ambiente para la mandolina, una letra potente y un tremendo complemento para el que sería uno de los mayores éxitos de la agrupación.
Una locura. Es casi como decirle a los protagonistas: “muévanse y hagan lo que quieran mientras filmo”. Aquí los Red Hot hicieron lo que quisieron y les resultó. Apoyado con una canción que a estas alturas es un clásico, ‘Give it Away’ marcó un antes y un después en la carrera de la banda.
102III ROCKAXIS
Clásico de clásicos. Un tema tan potente como éste y con tanta historia merecía un video a la altura. La banda haciendo pedazos la canción frente a un público que repleta un pequeño gimnasio mientras las porristas se menean suavemente. Un clip lleno de simbolismos y que contribuyó a que la canción tomara mucha más relevancia de la que ya tenía.
Este video es una verdadera lección de lo que se puede hacer si se tiene dinero y una buena idea. Por esos días, Guns N’ Roses seguía siendo una de las bandas más importantes del mundo y lo demostraban con un video apoteósico que contó con un presupuesto millonario y que, además, incluye sorprendentes escenas: el solo de Slash fuera de la iglesia, el casamiento de Axl o el funeral son sólo tres muestras de esta película hecha clip.
Pearl Jam - Jeremy Año: 1992 Director: Mark Pellington
Blind Melon - No Rain Año: 1993 Director: Samuel Bayer
Aerosmith – Crazy Año: 1994 Director: Marty Callner
La imagen de la niña disfrazada de abeja que busca encajar en algún lugar es el típico caso de un videoclip que se hace más famoso que la propia banda. Venerado y architocado durante 1993 y 1994, lanzó al estrellato y puso en la historia del rock a Blind Melon y Shannon Hoon.
‘Crazy’ fue el corolario de una tripleta de videos íconos de la mejor época de MTV que incluía a ‘Crazy’ y ‘Amazing’. Protagonizados por Alicia Silverstone, aquí compartía roles con Liv Tyler y su juego sugerente cautivó a muchos. Una gran canción, pero por sobre todo, un mucho mejor video.
Beastie Boys – Sabotage Año: 1994 Director: Spike Jonze
Beck – Loser Año: 1994 Director: Steve Hanft
Nine Inch Nails – Closer Año: 1994 Director:Mark Romanek
Smashing Pumpkins - Tonight Tonight Año: 1996 Director: Jonathan Dayton y Valerie Faris
Radiohead - Karma Police Año: 1997 Director: Jonathan Glazer
Korn - Freak on a Leash Año: 1999 Director: Todd McFarlane
Pocos videos representaron tan fielmente la década como ‘Jeremy’ de Pearl Jam. Con un personaje lleno de tribulaciones y Eddie Vedder sufriendo la canción, todo termina con el protagonista suicidándose en medio de la sala de clases. Fue censurado, malinterpretado y premiado, todo el mismo año. Y por largo tiempo fue el último de la banda.
Es cosa de echar atrás la mente y es imposible no recordar cómo una y otra vez MTV emitía este clip. El trío norteamericano parodiaba las series policiales de televisión y nos daba un mazazo con una canción enormemente aguerrida. Y si no te gustaba, de seguro te quedabas viendo este entretenido video.
Este video podría definirse como una bizarra película muda. Tomando como inspiración aquellos filmes de principios del siglo XX, nos muestra viajes en zeppelin, aterrizajes en la Luna, extraterrestres que mueren de un paraguazo y otro viaje en una burbuja desde las profundidades del mar. Esto, mientras Smashing Pumpkins canta en medio de nubes y cielos estrelladamente azules.
Los colores sicodélicos y el stop motion del ataúd son dos de los aspectos que llamaban la atención de entrada. Las imágenes parecen pegadas casi sin sentido, pasan de lo puramente experimental a unas chicas haciendo ejercicio mientras el flaco y desgarbado Beck se roba la atención y enciende su guitarra. Todo al azar, pero cuidadosamente editado. Eran sólo los primeros pasos de Beck.
Una idea sencilla, pero eficaz e inteligente con sólo tres protagonistas: una cámara subjetiva que maneja el auto, Thom Yorke como pasajero y un tipo que corre desesperado para no ser atropellado. El desenlace sorprende y la cadencia de la canción acompaña extraordinariamente.
Órganos humanos, bichos por doquier y un mono crucificado son sólo algunos de los elementos que incluía ‘Closer’. Por lo mismo fue censurado y editado para su exhibición en la TV mundial, pues algunos desnudos y la imagen de Jesús sin ropa ayudaban a facilitar las cosas. Un clip transgresor y ofensivo por donde se le mire. Un clip perfecto para Nine Inch Nails.
Casi cerrando la década, Korn sorprendía con una mixtura de animación y registro audiovisual que recrea fielmente la potencia y fuerza que la banda proyectaba por esos días. Es tal la energía que se proyecta, que el propio Jonathan Davis devuelve con su cantar una bala que sirve de hilo conductor del clip. Esto es algo del mejor Korn que conocimos en esta década.
103III ROCKAXIS
Filosofía antipop Por Héctor Aravena María de los Ángeles Cerda Álvaro Rojas M.
Sí, están en medio de la tormenta revival de los noventa, pero no por eso son un acto de nostalgia. Invitados al festival Maquinaria, esta vez vienen a presentar su nuevo trabajo, “Green Naugahyde”, con una visión remozada en cuanto a su performance y su sonido, tal como nos confirma Les Claypool, su líder. 62III ROCKAXIS
“Habíamos hablado de reunir a Primus, pero para ser sincero no tenía muchas ganas de hacerlo, porque se había convertido más que nada en una cosa de nostalgia”.
“Sentimos que “Green Naugahyde” se desarrolla casi como una película. Fluye muy bien como una pieza de música en el escenario”.
“Hay crítica social increíble que puede hacerse a través de la sátira”.
S
e ven a sí mismos como “el sillón en desuso dentro del mundo de la música”. Una perspectiva que más allá de la humildad, apunta hacia un estilo individual, totalmente desmarcado de cualquier tipo de tendencia. A partir de ese punto de vista, se encubó la idea del regreso del trío a los escenarios y la posterior grabación de su nuevo álbum, “Green Naugahyde” (escogido por Rockaxis como el disco del mes en el pasado número de septiembre), en el que, en lugar de continuar con la misma línea de sus últimos trabajos, experimenta con la carga sonora de los discos solistas de Les Claypool y, por supuesto, con la frescura que trajo el regreso del baterista Jay Lane. Sobre todo esto, conversamos en exclusiva con el frontman, compositor y bajista Les Claypool. Me gustaría empezar preguntándote sobre el disco nuevo y tu motivación para reformar Primus. ¿Por qué decidiste reunir a la banda? “Recién había terminado el ciclo del álbum “Fungi and Foe” con mi banda y con mi manager estábamos pensando qué hacer después. Tiendo a tener varios proyectos en carpeta y el paso siguiente era decidir cuál llevar a cabo. Habíamos hablado de Primus antes, pero para ser sincero no tenía muchas ganas de hacerlo porque se había convertido más que nada en una cosa de nostalgia. Me gusta avanzar creativamente y eso no estaba pasando con Primus, pero Larry LaLonde tenía ganas de hacerlo e insistió mucho. De un momento a otro se hizo muy obvio que la única forma de avanzar creativamente era con un nuevo baterista. Tim [Alexander] sentía lo mismo así que sugerí que habláramos con Jay Lane, que era el baterista original y había trabajando conmigo por muchos años en Sausage, Holy Mackerel, Frog Brigade y otros proyectos. Así que Jay vino a tocar y a los diez segundos de la primera canción, que creo que era “Pudding Time”, Larry y yo nos miramos y sonreímos de oreja a oreja porque sabíamos que se sentía bien y que había química. Creo que fue en ese punto cuando decidimos que íbamos a necesitar hacer un disco nuevo”. ¿Cuáles son las principales diferencias entre los tres bateristas que Primus ha tenido, Tim Alexander, Bryan Mantia y Jay Lane? “En realidad esos son los bateristas que todos han escuchado, pero desde que empezamos en 1984 probablemente hemos tenido ocho o nueve bateristas distintos. Esos son sólo los que la gente conoce. Jay Lane tiene todo el estilo de Jay Lane, ese feel, esa cualidad en su forma de tocar que nunca he encontrado en nadie más. Me recuerda mucho a Dave Garibaldi y el sonido de Minneapolis en esos tiempos. Bryan es un baterista de grooves mucho más directo y Tim Alexander es Tim Alexander; una mezcla de Bill Bruford y Neil Perth. Tiene un estilo de tocar mucho más lineal, casi como de una marcha”. Se ha dicho que hay una conexión entre “Green Naugahyde” y el primer álbum de Primus, “Frizzle Fry”. ¿Qué puedes decirnos
de la relación entre esos dos discos? “Bueno, Jay dejó la banda un mes antes de que lanzáramos nuestro primer disco, así que el primer par de placas son réplicas de lo que él estaba haciendo en la batería. Creo que la estampa de Jay Lane se siente mucho en esos dos primeros trabajos, y por supuesto, es muy obvia también en el último disco. Me parece que ese es el elemento más notorio”. Respecto a tu forma de tocar, en “Green Naugahyde” usaste muchos efectos y sonoridades diferentes a los discos tradicionales de Primus. ¿Qué buscabas en cuanto al bajo y sus sonidos? “Para mí ha sido una progresión natural. He estado haciendo discos estos diez años y he trabajado en muchos de esos sonidos. Siempre he usado efectos, pero creo que en los últimos diez años he estado usando más delays, loops y filtros. Eso es probablemente lo que escuchas en este disco en contraste con los más antiguos. Pero si escuchas los trabajos de Claypool o incluso de Oysterhead puedes escuchar esos sonidos con bastante frecuencia. Han estado ahí evolucionando constantemente. Probablemente no has escuchado algunas de esas cosas porque no ha habido un disco de Primus en estos diez años”. ¿Cómo se relacionan el título del disco y las películas de Clint Eastwood y Lee Van Cleef? “No sé si tiene algo que ver con Clint Eastwood excepto que el título del disco viene de una frase en la canción ‘Lee Van Cleef’, que dice “A yellow studebaker with a 302/ I see the green naugahyde”. Esa era la camioneta que tenía mi padre cuando yo era niño, una vieja Studebaker amarilla. En cuanto al naugahyde [una especie de cuero artificial], donde crecí nadie tenía sillones de cuero, sólo de vinilo o naugahyde. Pertenecíamos a una larga línea de mecánicos y nadie tenía sillones de cuero, pues ¿quién podía pagarlos? Así que “Green Naugahyde” parecía apropiado para Primus, que somos una especie de cuero en desuso dentro del mundo de la música”. ¿Cómo han reaccionado los fans a las nuevas canciones? “Ha sido espectacular, de hecho las han recibido mucho mejor que lo que cualquiera hubiera pensado. Hemos estado de gira por más de un mes haciendo dos sets por noche, sin banda telonera. El primer set son canciones clásicas de Primus, algunas muy oscuras, pero es diferente cada noche. Cambiamos el setlist para hacer un show distinto cada vez. El segundo set es “Green Naugahyde” completo de principio a fin. Ha sido muy bien recibido”. ¿Crees que los fans estaban esperando una reunión de Primus por lo que mencionabas antes, por nostalgia o porque estaban expectantes de escuchar las nuevas canciones? “No lo sé realmente, esa es la prueba de los dos sets. Si la gente no estuviera interesada en el disco nuevo creo se irían al terminar el primer set
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Filosofía antipop Por Héctor Aravena María de los Ángeles Cerda Álvaro Rojas M.
Por juan ignacio conerjo
Sí, están en medio de la tormenta revival de los noventa, pero no por eso son un acto de nostalgia. Invitados al festival Maquinaria, esta vez vienen a presentar su nuevo trabajo, “Green Naugahyde”, con una visión remozada en cuanto a su performance y su sonido, tal como nos confirma Les Claypool, su líder. 62III ROCKAXIS
Freddy Stock
Rock desde la otra vereda Por Juan Ignacio Cornejo
A la par con el rock chileno en sí mismo, en los noventa tuvimos el nacimiento de muchos medios dedicados a la música, cuya escuela se perpetúa hasta nuestros días. Freddy Stock es uno de los nombres que vivió el proceso desde dentro.
P
artamos contextualizando tu ingreso a los medios. ¿En qué parte del camino sientes tú que te incorporaste, en este nuevo esquema de medios? “Creo que yo e Iván Valenzuela fuimos punta de lanza de un periodismo musical que no tenía muchos referentes en Chile. Iván desde la trinchera de “El Mercurio” y yo desde la trinchera de “La Época” y del “Rockshow”, que fue una sección que inventamos en la revista “Vea” en esos años. Nos cuestionábamos que por culpa de la dictadura estuviéramos marginados de los grandes eventos del rocanrol. Pertenecí a esa generación. Si algo nos corresponde, fue abrir camino”. En referencia a la industria de la época, de siempre se ha hablado de los vicios de la industria, de coimas, de la importancia de los contactos e influencias. ¿Funcionaba así la industria en Chile también en los noventa? “Yo creo que la industria de la música es una empresa y los artistas tienden a culpar a la industria de muchas cosas. No hay que perder nunca de vista que la industria es un grupo de personas que intenta ganar dinero con el negocio de la música y pedirle más que eso, es no entenderlo. Si en algún momento hubo más exposición o apoyo al rock chileno, es porque la industria entendió que ahí había un negocio”. ¿De los proyectos en los cuales te hiciste parte en los noventa, existe alguno que te gustaría que se recuperara, al menos en cuanto a los valores y significado que representaban? ¿O sientes que alguno de esos proyectos le haría bien a los medios actuales? “La Radio Zero tenía el lema “Generación de Sonido”.Yo fui subdirector de esa radio, estuve en la génesis, y sentíamos que a través del sonido, se unían las generaciones. Quizás fue la primera generación de padres que escuchaban lo mismo que sus hijos. Apuntaba a romper
104III ROCKAXIS
un paradigma de las radios, que era la segmentación. Nos fue muy bien, le competíamos al fenómeno Rock & Pop y fue un proyecto interesante socialmente.Y el Subte de La Tercera, que fue una apuesta en ese momento. El diario se la juega por un suplemento que trataba de entender a las nuevas generaciones de lectores. Era un adelanto a lo que hoy día llaman suplementos de Tendencias. Nosotros tratábamos de marcar la tendencia desde la música. Eso era mucho más potente, porque la música es el pilar más importante de la cultura de masa. En ese proyecto había mucho rocanrol, no sólo de los que hacíamos el Subte, sino de los ejecutivos que creyeron el cuento de apostar por eso”. Desde el punto de vista periodístico, hemos aprendido cómo funciona el periodismo de música y la crítica de música. ¿Cómo era la crítica a la música chilena en los noventa? “Era muy complicado hacer crítica de música chilena en esa época. Primero, porque había pocos medios de comunicación; era el Mercurio, el Wikén, esencialmente. Cuando te sientas frente al computador y empiezas a decir lo que sientes respecto del disco, era muy difícil, porque al otro lado había alguien que tú conocías perfectamente. Era súper complicada la dualidad de ser periodista y ser amigo o conocido de la persona que estabas criticando. Era una relación mucho más pueblerina.Yo recuerdo que me pasó con un disco de Los Tres. Creo que fue el “Fome” y era complicado, porque te imaginabas a Álvaro leyendo esa crítica. Fue bien difícil”. Finalmente, ¿perjudicó el tamaño de la industria terminó al crecimiento o madurez de la misma? “La música y los medios siempre han estado dentro de la industria. En la medida que el mercado siempre sea pequeño, siempre va a ir en contra de la industria. El mercado chileno impide una industria más floreciente. El problema de Chile en general, no sólo en la música, es que somos muy pocos”.
Huellas del Rock
A una década de la muerte de
George Harrison
N
Por Alfredo Lewin
A George Harrison le gustaba contar una anécdota acontecida en 1965, la de su búsqueda por lugares en donde hubiera gente que nunca oyó hablar de The Beatles. Esta misión lo llevó a la India, donde sabía que la gente pobre simplemente no tendría los recursos para encontrarse inmersos en la cultura pop de los Estados Unidos y de Gran Bretaña. Se bajó del avión, donde vio lo que él denominó “Todos esos rostros morenos que estaban cantando Bee-Tuls, Bee-Tuls!”.
108III ROCKAXIS
unca ha habido un fenómeno en la cultura pop como los Beatles. Nunca habrá otro. George Harrison lo sabía y en ese sentido apreciaba las cosas que un pequeño grupo de la ciudad de Liverpool había sido capaz de lograr. Pero nunca se sintió del todo cómodo con su fama. A él le tocó, mal que mal, ser el “Beatle tranquilo” lo que no era lo mismo que ser uno de esos “mártires de la fama” que siempre se quejan de lo mucho que odian su popularidad. George era un héroe, muy a su pesar, a quien le gustaba mantener algunas de sus cosas en el terreno más de lo privado. Apenas podría yo recordar cuando murió John Lennon. Me acuerdo. Sí. Pero era demasiado niño para darle la significación debida a la cuestión de su muerte. Muy diferente al caso de hace diez años, cuando entendí perfectamente porqué la noticia de la muerte de George Harrison podía llegar a detener el mundo del espectáculo por un par de días. Basta decir que me pareció una ironía que en el 2001, justo en aquel momento de agitación y guerra, del cuestionamiento de la cordura, muriera uno de los grandes voceros de la paz, bondad y
amor universal. Que Harrison se haya silenciado en ese instante hizo que nuestra tristeza se viera aumentada. UN POCO DE HISTORIA: HARRISON PARA PRINCIPIANTES Harrison, Lennon y McCartney: estos nombres pueden fechar su amistad a finales de los cincuenta, en un momento en que dos chicos post adolescentes llamados John y Paul se unieron para formar The Quarrymen y convocaron a un tipo más joven aún de nombre George. Años después, con apenas diecinueve, George entró al estudio con sus compañeros de los ahora denominados The Beatles, para grabar en un solo día lo que pronto se conocería como su histórico primer álbum. George solía referirse acerca de lo inseguro que se sentía como cantante y eso se puede corroborar en su primera pista vocal con la banda, ‘Do You Wanna Know a Secret?’. A pesar de que fue un compositor desde el principio, el hombre tenía poca fe en su propia habilidad comparada con la explícita autosuficiencia de John y Paul, que parecían podían descolgarse con fantásticos clásicos en pocos minutos. Con tanto talento que lo rodeaba, el entonces humilde Harrison por cierto debe haber sentido que estaba convocado a ser lo que era y que fue. El Beatle silencioso. Pero sus amigos le motivaron para que cantara canciones. Él respondió directamente, con canciones propias. Al tiempo que era motivado para que prestase una mayor participación en The Beatles, Harrison respondió con ‘Don’t Bother Me’, nada menos que un disfraz tras el que se escondía una canción de amor desesperado y luego nos regaló ‘I Need You’ para la banda sonora de “Help!”. Esa era sólo una idea de lo que vendría. GEORGE’S AIR BITTERSWEET SYMPHONY En el “Rubber Soul” George le entregó al mundo ‘Think for Yourself’ y la gran ‘If I Needed Someone’, ambos temas cargados de una potente vibra The Byrds. Pero fue una canción que él NO escribiría la que más influenciaría no sólo en el mundo de la música pop rock, sino como la que marcó el camino del que tomaría su vida. Después de haber estado expuestos a instrumentos hindúes durante lo que fuera la grabación de su segunda película, George se trajo y luego tocó una cítara en el contexto de un disco rock... sería la primera vez.Y era una de John, se llamaba ‘Norwegian Wood’. Luego de esto se dio la chance de estudiar con Ravi Shankar, un maestro con el que trabó una amistad que se extendería por el resto de su vida. Para hacer una analogía entre las voces de los Beatles con el arte culinario de la India, John fue dulce, salado y picante, Paul era simplemente dulce mientras que George era dulce, picante y amargo. Juntos los tres lograron una nueva variedad para paladear en la música, obvio que se le agrega el beat animado de la batería de Ringo a la que raramente se le da el debido reconocimiento. Volviendo a Harrison, imposible resulta subestimar el papel que desempeñó en el llamar la atención de Occidente para que se fijaran en la música del Oriente. Sin él, imposible que el ya mencionado Shankar, la música clásica de la India e incluso la música tradicional de otras culturas (como las africanas) fueran tan prominentes en Europa y América como sucede el día de hoy. Teniendo en cuenta lo inmerso que estaba George en la cultura de la India ¿alguien ha comentado la coincidencia de que su apellido contiene uno de los nombres por los que el divino Krishna es conocido también? Hari. HARRISON GATILLA EL REVOLVER A la altura de “Revolver”, a George se le permitieron tres canciones, el único álbum, excluyendo el registro doble conocido como el “White Album” en que pudo mostrar más de dos composiciones. Eran ‘Taxman’, desde entonces y para siempre un clásico, también la un-poco-estrafalaria ‘I Want to Tell You’ y la primera composición de corte hindú en un disco de rock ‘Love You To’. En 1967, George nos entregaría la más hipnóticas ‘Within You, Without You’, ‘Blue Jay
Way’, ‘It’s All Too Much’ y ‘Only A Northern Song’. Un año de algo más que escribir canciones norteñas. Con el pasar del tiempo, George había llegado a poseer lo más importante, una voz y una visión, pero ya estaba claro que dentro de The Beatles serían eclipsadas siempre por las de Lennon y McCartney. Tal y como la misma estructura de los Fab Four comenzó a derrumbarse, la oposición y el control sobre su persona y aportes empezó a crecer. Cuesta creer que el grupo se mostrara apenas interesado en ‘While My Guitar Gently Weeps’, hasta que George trajo a Eric Clapton de invitado: “Veo el mundo y me doy cuenta de que está girando... todavía mi guitarra llora suavemente”. Tiene sentido que George se sintiera tan atraído por la doble esencia del “raga” Charukeshi. ‘While My Guitar Gently Weeps’ también presentaba una mezcla de tonalidades mayores y menores al tiempo que esboza una cualidad de las canciones de Harrison que vendrían a futuro: una confluencia placentera pero desconcertante de alegría y de tristeza, de sencillez y complejidad. Ese 1968 contribuiría con ‘Piggies’, ‘Long, Long, Long’, ‘Savoy Truffle’ y ‘The Inner Light’, en esta última también compositor de un single oficial, la contraparte de ‘Lady Madonna’. Harrison se había convertido en un competente compositor de una forma tan sutil que incluso diría que John y Paul no lo sopesaron hasta que este fue una realidad imparable. El primero en esbozar su individualidad hasta el punto de necesitar una carrera solista. Durante el rodaje de “Let it Be” con toda la tensión que cortaba el aire que respiraban Paul y el propio George, la banda se estaba haciendo pedazos y él respondía dándonos un blues y un vals, ‘For You Blue’ y ‘I, Me, Mine’. Luego como single Beatle oficial vendría ‘Old Brown Shoe’ en apoyo a ‘The Ballad of John and Yoko’, ambas evidencias que The Beatles funcionaba en plan solista. Su momento más glorioso, sin embargo, se produjo durante el último álbum que el grupo fue capaz de producir. ‘Something’ y ‘Here Comes the Sun’ partes críticas del “Abbey Road”. A la primera se le denominó “la más grande canción de amor del siglo” - lo dijo el propio Frank Sinatra- y ha sido cubierta más que cualquier otra canción de The Beatles, a excepción de ‘Yesterday’.Y la segunda, una balada acústica que fue escrita en el jardín de Eric Clapton, la que termina siendo mucho más de lo que parece dado a que la influencia india en la música de George está más que bellamente demostrada aquí. Refleja simple y llanamente, con elegancia y alegría, algunas de las complejidades rítmicas que se escuchan en las ragas y talas de la música clásica india. BEATLE GEORGE? NO MORE! Una vez que su grupo se desbandó, George lanzó su nuevo registro en la forma de un enorme conjunto de tres álbumes titulado “All Things
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Filosofía antipop Por Héctor Aravena María de los Ángeles Cerda Álvaro Rojas M.
Sí, están en medio de la tormenta revival de los noventa, pero no por eso son un acto de nostalgia. Invitados al festival Maquinaria, esta vez vienen a presentar su nuevo trabajo, “Green Naugahyde”, con una visión remozada en cuanto a su performance y su sonido, tal como nos confirma Les Claypool, su líder. 62III ROCKAXIS
“Habíamos hablado de reunir a Primus, pero para ser sincero no tenía muchas ganas de hacerlo, porque se había convertido más que nada en una cosa de nostalgia”.
“Sentimos que “Green Naugahyde” se desarrolla casi como una película. Fluye muy bien como una pieza de música en el escenario”.
“Hay crítica social increíble que puede hacerse a través de la sátira”.
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e ven a sí mismos como “el sillón en desuso dentro del mundo de la música”. Una perspectiva que más allá de la humildad, apunta hacia un estilo individual, totalmente desmarcado de cualquier tipo de tendencia. A partir de ese punto de vista, se encubó la idea del regreso del trío a los escenarios y la posterior grabación de su nuevo álbum, “Green Naugahyde” (escogido por Rockaxis como el disco del mes en el pasado número de septiembre), en el que, en lugar de continuar con la misma línea de sus últimos trabajos, experimenta con la carga sonora de los discos solistas de Les Claypool y, por supuesto, con la frescura que trajo el regreso del baterista Jay Lane. Sobre todo esto, conversamos en exclusiva con el frontman, compositor y bajista Les Claypool. Me gustaría empezar preguntándote sobre el disco nuevo y tu motivación para reformar Primus. ¿Por qué decidiste reunir a la banda? “Recién había terminado el ciclo del álbum “Fungi and Foe” con mi banda y con mi manager estábamos pensando qué hacer después. Tiendo a tener varios proyectos en carpeta y el paso siguiente era decidir cuál llevar a cabo. Habíamos hablado de Primus antes, pero para ser sincero no tenía muchas ganas de hacerlo porque se había convertido más que nada en una cosa de nostalgia. Me gusta avanzar creativamente y eso no estaba pasando con Primus, pero Larry LaLonde tenía ganas de hacerlo e insistió mucho. De un momento a otro se hizo muy obvio que la única forma de avanzar creativamente era con un nuevo baterista. Tim [Alexander] sentía lo mismo así que sugerí que habláramos con Jay Lane, que era el baterista original y había trabajando conmigo por muchos años en Sausage, Holy Mackerel, Frog Brigade y otros proyectos. Así que Jay vino a tocar y a los diez segundos de la primera canción, que creo que era “Pudding Time”, Larry y yo nos miramos y sonreímos de oreja a oreja porque sabíamos que se sentía bien y que había química. Creo que fue en ese punto cuando decidimos que íbamos a necesitar hacer un disco nuevo”. ¿Cuáles son las principales diferencias entre los tres bateristas que Primus ha tenido, Tim Alexander, Bryan Mantia y Jay Lane? “En realidad esos son los bateristas que todos han escuchado, pero desde que empezamos en 1984 probablemente hemos tenido ocho o nueve bateristas distintos. Esos son sólo los que la gente conoce. Jay Lane tiene todo el estilo de Jay Lane, ese feel, esa cualidad en su forma de tocar que nunca he encontrado en nadie más. Me recuerda mucho a Dave Garibaldi y el sonido de Minneapolis en esos tiempos. Bryan es un baterista de grooves mucho más directo y Tim Alexander es Tim Alexander; una mezcla de Bill Bruford y Neil Perth. Tiene un estilo de tocar mucho más lineal, casi como de una marcha”. Se ha dicho que hay una conexión entre “Green Naugahyde” y el primer álbum de Primus, “Frizzle Fry”. ¿Qué puedes decirnos
de la relación entre esos dos discos? “Bueno, Jay dejó la banda un mes antes de que lanzáramos nuestro primer disco, así que el primer par de placas son réplicas de lo que él estaba haciendo en la batería. Creo que la estampa de Jay Lane se siente mucho en esos dos primeros trabajos, y por supuesto, es muy obvia también en el último disco. Me parece que ese es el elemento más notorio”. Respecto a tu forma de tocar, en “Green Naugahyde” usaste muchos efectos y sonoridades diferentes a los discos tradicionales de Primus. ¿Qué buscabas en cuanto al bajo y sus sonidos? “Para mí ha sido una progresión natural. He estado haciendo discos estos diez años y he trabajado en muchos de esos sonidos. Siempre he usado efectos, pero creo que en los últimos diez años he estado usando más delays, loops y filtros. Eso es probablemente lo que escuchas en este disco en contraste con los más antiguos. Pero si escuchas los trabajos de Claypool o incluso de Oysterhead puedes escuchar esos sonidos con bastante frecuencia. Han estado ahí evolucionando constantemente. Probablemente no has escuchado algunas de esas cosas porque no ha habido un disco de Primus en estos diez años”. ¿Cómo se relacionan el título del disco y las películas de Clint Eastwood y Lee Van Cleef? “No sé si tiene algo que ver con Clint Eastwood excepto que el título del disco viene de una frase en la canción ‘Lee Van Cleef’, que dice “A yellow studebaker with a 302/ I see the green naugahyde”. Esa era la camioneta que tenía mi padre cuando yo era niño, una vieja Studebaker amarilla. En cuanto al naugahyde [una especie de cuero artificial], donde crecí nadie tenía sillones de cuero, sólo de vinilo o naugahyde. Pertenecíamos a una larga línea de mecánicos y nadie tenía sillones de cuero, pues ¿quién podía pagarlos? Así que “Green Naugahyde” parecía apropiado para Primus, que somos una especie de cuero en desuso dentro del mundo de la música”. ¿Cómo han reaccionado los fans a las nuevas canciones? “Ha sido espectacular, de hecho las han recibido mucho mejor que lo que cualquiera hubiera pensado. Hemos estado de gira por más de un mes haciendo dos sets por noche, sin banda telonera. El primer set son canciones clásicas de Primus, algunas muy oscuras, pero es diferente cada noche. Cambiamos el setlist para hacer un show distinto cada vez. El segundo set es “Green Naugahyde” completo de principio a fin. Ha sido muy bien recibido”. ¿Crees que los fans estaban esperando una reunión de Primus por lo que mencionabas antes, por nostalgia o porque estaban expectantes de escuchar las nuevas canciones? “No lo sé realmente, esa es la prueba de los dos sets. Si la gente no estuviera interesada en el disco nuevo creo se irían al terminar el primer set
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“Habíamos hablado de reunir a Primus, pero para ser sincero no tenía muchas ganas de hacerlo, porque se había convertido más que nada en una cosa de nostalgia”.
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CDAXIS
e ven a sí mismos como “el sillón en desuso dentro del mundo de la música”. Una perspectiva que más allá de la humildad, apunta hacia un estilo individual, totalmente desmarcado de cualquier tipo de tendencia. A partir de ese punto de vista, se encubó la idea del regreso del trío a los escenarios y la posterior grabación de su nuevo álbum, “Green Naugahyde” (escogido por Rockaxis como el disco del mes en el pasado número de septiembre), en el que, en lugar de continuar con la misma línea de sus últimos trabajos, experimenta con la carga sonora de los discos solistas de Les Claypool y, por supuesto, con la frescura que trajo el regreso del baterista Jay Lane. Sobre todo esto, conversamos en exclusiva con el frontman, compositor y bajista Les Claypool.
de la relación entre esos dos discos? “Bueno, Jay dejó la banda un mes antes de que lanzáramos nuestro primer disco, así que el primer par de placas son réplicas de lo que él estaba haciendo en la batería. Creo que la estampa de Jay Lane se siente mucho en esos dos primeros trabajos, y por supuesto, es muy obvia también en el último disco. Me parece que ese es el elemento más notorio”.
Respecto a tu forma de tocar, en “Green Naugahyde” usaste muchos efectos y sonoridades diferentes a los discos tradicionales de Primus. ¿Qué buscabas en cuanto al bajo y sus sonidos? “Para mí ha sido una progresión natural. He estado haciendo discos estos diez años y he trabajado en muchos de esos sonidos. Siempre he usado efectos, pero creo que en los últimos diez años Me gustaría empezar preguntándote he estado usando más delays, loops y filtros. sobre el disco nuevo y tu motivación para Eso es probablemente lo que escuchas en este Colombina Parra¿Por qué decidiste reunir reformar Primus. disco en contraste con los más antiguos. Pero si “Flores como gatos” a la banda? escuchas los trabajos de Claypool o incluso de “Recién había terminado el ciclo del álbum “Fungi Oysterhead puedes escuchar esos sonidos con El primer disco en solitario de la vozmi debanda Los Exylacon mi manager estábamos and Foe” con bastante frecuencia. Han estado ahí evolucionando muestra y frágil, Tiendo a tener varios pensando qué íntima hacer después. constantemente. Probablemente no has escuchado lejos de su papel furioso proyectos en carpeta y el paso siguiente era decidir algunas de esas cosas porque no ha habido un disco en su banda. Ahora cambia cuál llevar a cabo. Habíamos la guitarra eléctrica por hablado de Primus DISCO DEL MESde Primus en estos diez años”. acústica y ofrece unano tenía muchas ganas antes, lapero para ser sincero emocionalidad de hacerlo porque sepocas habíaveces convertido más que ¿Cómo se relacionan el título del disco y las escuchada. nada en una cosa de nostalgia. Me gusta avanzar películas de Clint Eastwood y Lee Van Cleef? creativamente y eso no estaba pasando con Primus, “No sé si tiene algo que ver con Clint Eastwood www.myspace.com/ pero Larry LaLonde tenía ganas de hacerlo e insistió excepto que el título del disco viene de una frase colombinamusica mucho. De un momento a otro se hizo muy obvio en la canción ‘Lee Van Cleef’, que dice “A yellow que la única forma de avanzar creativamente era con studebaker with a 302/ I see the green naugahyde”. Esa DESTACADOS POR ESTILO: un nuevo baterista. Tim [Alexander] sentía lo mismo era la camioneta que tenía mi padre cuando yo era así que sugerí que habláramos con Jay Lane,VANGUARDIA: que niño, una vieja Studebaker amarilla. En cuanto al Noel Gallagher’s High Flyingy Birds era el baterista original había trabajando conmigo naugahyde [una especie de cuero artificial], donde “Noel Gallagher’s HighSausage, Flying Birds”Holy Mackerel, Frog por muchos años en crecí nadie tenía sillones de cuero, sólo de vinilo Brigade otrosdeproyectos. Así que Jay vino a tocar y o naugahyde. Pertenecíamos a una larga línea de El ymayor los hermanos a los diez segundos de como la primera canción, que creo mecánicos y nadie tenía sillones de cuero, pues Gallagher debuta METAL:y en este álbumLarry que y yo nos miramos que erasolista “Pudding Time”, ¿quién podía pagarlos? Así que “Green Naugahyde” pasa de desde la sicodelia sonreímos oreja a oreja porque sabíamos que se parecía apropiado para Primus, que somos una a las melodías más sentía amigables, bien y quedemostrando había química. Creo que fue en especie de cuero en desuso dentro del mundo de la ese punto cuando decidimos música”. por qué ha sido llamado que íbamos a necesitar unodisco de losnuevo”. compositores hacer un BLUES: más importantes salidos ¿Cómo han reaccionado los fans a las nuevas de la isla británica en los ¿Cuáles son las principales diferencias entre canciones? últimos quince años. los tres bateristas que Primus ha tenido, Tim “Ha sido espectacular, de hecho las han recibido Alexander, Bryan Mantia y Jay Lane? mucho mejor que lo que cualquiera hubiera www.noelgallagher.com/ “En realidad esos son los bateristas que todosXCORE: pensado. Hemos estado de gira por más de un mes han escuchado, pero desde que empezamos en haciendo dos sets por noche, sin banda telonera. 1984 probablemente hemos tenido ocho o nueve El primer set son canciones clásicas de Primus, bateristas distintos. Esos son sólo los que la gente algunas muy oscuras, pero es diferente cada noche. Wilco conoce. LaneLove tiene todo el estilo de Jay Lane, ese TheJay Whole REEDICIONES Cambiamos el setlist para hacer un show distinto feel, esa cualidad en su forma de tocar que nunca cada vez. El segundo set es “Green Naugahyde” Mientras cientos de más. Me recuerda mucho a he encontrado en nadie completo de principio a fin. Ha sido muy bien bandas intentan imitar de Minneapolis en esos Dave Garibaldi y el sonido recibido”. su estilo, Wilco les tiempos. Bryan es un baterista de grooves mucho pone un obstáculo más. DVDAXIS más directo y Tim Alexander ¿Crees que los fans estaban esperando una Baladas, cortes reflexivoses Tim Alexander; y melodías pop,Bruford hacen y Neil Perth. Tiene un una mezcla de Bill reunión de Primus por lo que mencionabas Love” estilo de de “The tocarWhole mucho másellineal, casi como de una antes, por nostalgia o porque estaban gustillo que se quiso dar marcha”. expectantes de escuchar las nuevas Jeff Tweedy para aplacar a canciones? la obviedad. Se ha dicho que hay una conexión entre “No lo sé realmente, esa es la prueba de los dos http://wilcoworld.net “Green Naugahyde” y el primer álbum de sets. Si la gente no estuviera interesada en el Primus, “Frizzle Fry”. ¿Qué puedes decirnos disco nuevo creo se irían al terminar el primer set
En esta edición
Jane’s Addiction
“The Great Escape Artist”
“Sentimos que “Green Naugahyde” se desarrolla casi como una película. Fluye muy bien como una pieza de música en el escenario”.
Efrim Menuck, “Plays High Gospel” Iced Earth, “Dystopia”
Johnny Winter, “Roots”
Humana, “In Case of Ear Discomfort” U2, “Achtung Baby”
“Hay crítica social increíble que puede hacerse a través de la sátira”.
Pearl Jam, “PJ 20”
113 ROCKAXIS 63IIIIIIROCKAXIS
CDAXIS
Colombina Parra “Flores como gatos” El primer disco en solitario de la voz de Los Ex la muestra íntima y frágil, lejos de su papel furioso en su banda. Ahora cambia la guitarra eléctrica por la acústica y ofrece una emocionalidad pocas veces escuchada. www.myspace.com/ colombinamusica
Noel Gallagher’s High Flying Birds “Noel Gallagher’s High Flying Birds” El mayor de los hermanos Gallagher debuta como solista en este álbum que pasa desde la sicodelia a las melodías más amigables, demostrando por qué ha sido llamado uno de los compositores más importantes salidos de la isla británica en los últimos quince años.
En esta edición DISCO DEL MES
Jane’s Addiction
“The Great Escape Artist” DESTACADOS POR ESTILO: VANGUARDIA:
Efrim Menuck, “Plays High Gospel” METAL:
Iced Earth, “Dystopia” BLUES:
Johnny Winter, “Roots”
www.noelgallagher.com/
XCORE: Wilco The Whole Love Mientras cientos de bandas intentan imitar su estilo, Wilco les pone un obstáculo más. Baladas, cortes reflexivos y melodías pop, hacen de “The Whole Love” el gustillo que se quiso dar Jeff Tweedy para aplacar a la obviedad.
Humana, “In Case of Ear Discomfort” REEDICIONES
U2, “Achtung Baby” DVDAXIS
Pearl Jam, “PJ 20”
http://wilcoworld.net
113III ROCKAXIS
CDAXIS DEL MES
114III ROCKAXIS
Jane’s Addiction The Great Escape Artist
C
EMI
uando eres responsable de dos de los discos más revolucionarios jamás facturados en el rock norteamericano -en 1988 “Nothing’s Shocking” y en 1990 “Ritual de lo Habitual”- la única cosa que queda por discutir es cuál de estos dos es el mejor.Y más encima cuando no has publicado un álbum en ocho años obvio que existe una sensación de gran anticipación, más que expectativa. Cuando supe que Jane’s Addiction estaban grabando un nuevo disco, mi primera reacción fue del tipo “habrá que escucharlo, pero obvio que nada podría superar el “Nothing’s Shocking” o el “Ritual De Lo Habitual”, no se trata de hacer previsiones. En el 2003 la reunión de J.A. nos trajo el disco “Strays”, un álbum que sin ser malo, carecía de la sensación épica, majestuosa de los dos primeros álbumes. Para los fans que se sintieron decepcionados con este disco del 2003 puede que te encuentres una grata sorpresa con lo que ahora la banda pretende ofertar.Y si, suena similar en estilo a “Nothing’s Shocking” y a “Ritual”, pero con dos diferencias fundamentales: en primer lugar, por supuesto, todos los beneficios de una producción moderna y segundo que es más corto, más al callo que los dos discos clásicos. Por eso aquí no puede haber nada tan épico como ‘Three Days’, no obstante las canciones sigue siendo un aporte de gran alcance en el formato de tres a cinco minutos. Los productores Rich Costey y Dave Sitek de TV on the Radio (que también llega como el último reemplazo en el bajo) hacen hincapié en la dimensión post-punk que sugiere Jane’s Addiction invocando a Public Image Ltd., Killing Joke, Theatre of Hate y The Cult en la reverberación, el eco y la elaborada mezcla de “The Great Escape Artist”. Bandas como estas son las que en realidad tiñeron el crisol sonoro que dio lugar al concepto original de Jane’s Addiction y son esas influencias las que se perciben totalmente contemporáneas aquí, añadiendo una tensión dinámica al sonido de la banda. McKagan co-escribió tres de las cuatro canciones que cierran el disco y su presencia es, sin duda algo positivo. Mientras Sitek puede ser, en general, un aporte más adecuado para Jane’s Addiction, las contribuciones de Duff le imprimen más onda al disco. Algo del espíritu callejero, el de Sunset Strip, de ese punk-rock que provee a este “Great Escape Artist” de un equilibrio rockero que se equipara con el resto del material que se siente como algo más sofisticado. Cuando Duff se unió a J.A. colaboró con un montón de canciones y luego cuando se fue, el grupo tornó en otra dirección con el mencionado Sitek y en el álbum como un todo se nota bastante. Parte de la corta vida de la era que conocimos como la Duff’s Addiction sirvió para hacer “The Great Escape Artist” algo más ecléctico. Por eso cuando llega el cierre con ‘Words Right Out Of My Mouth’ este suena casi como si perteneciese a otro álbum - tal vez a un disco de Velvet Revolver o Loaded. Definitivamente es un giro inesperado, pero funciona y lo convierte en una excelente clausura. Pero antes de terminar vamos al lugar de partida. Los signos estaban ahí para ser leídos cuando lanzaron ‘End To The Lies’ en mayo, una canción con un groove no tan lejano a ‘Ted, Just Admit it’ y con la marca registrada de sonido pesado en la guitarra de Dave Navarro. El tono imperante en letras como “You talk about me so much, I think
you’re in love with me/ You never really change like they say/ You only become more like yourself ” era un buen indicador de que la canción trata del ex bajista Eric Avery. El otro single, ‘Irresistible Force’ exhibió un nuevo sonido, algo más experimental con el uso de sintetizadores y una entrega vocal entre hablada y cantada por parte Perry Farrell. Esos eran los adelantos, el terreno que hasta ahora se nos estaba haciendo familiar de Jane’s Addiction modelo 2011. Los otros ocho temas eran una incógnita. El arranque con ‘Underground’ y ‘End to the Lies’ suena algo tripeado, pero el hard rock igual es palpable incluso en medio de estos paisajes sonoros. ‘Underground’ tiene un gran riff de Dave Navarro quien conduce la canción a través del aire como alguna vez lo hiciera con ‘Mountain Song’, así como ciertamente ayuda algo lo de la onda tribal en la batería de Stephen Perkins, a estas altura, el gran arma secreta de los Addiction. El oscuro y melancólico ‘Curiosity Kills’ es algo que recuerda a los sonidos de “Ritual de lo Habitual”, eso sí en menor escala. Es Dave Navarro el hombre responsable de uno de los grandes solos de guitarra de la vida en ‘Three Days’ quien se escucha en buena forma cuando se despacha otro gran solo para este tema al tiempo que en ‘I’ll Hit You Back’ -una soñadora, pero aún filosa canción que es una de aquellas que crece dentro tuyo para terminar instalándose bajo tu piel- se luce una gran línea de bajo y también se hace un buen uso de los sintetizadores, sin duda resorte de la participación del productor Rich Costey, que antes había producido a Muse y a Interpol, aunque también debe ser responsabilidad -en menor medida- de Dave Sitek. ‘Irresistible Force’ de nuevo es un poco más contemplativa, con una onda casi oriental. Sin embargo, demuestra una vocación por el himno rockero memorable. En contraste, ‘Twisted Tales’ sería la más “moderna” y ondera dentro de lo que suena en el disco, con Perry Farrell que se escucha cantando por medio de auto-tunes. Es super pegajosa y se archivaría como material singlero. ‘Splash a Little Water on it’ (Sitek co-escribió esta última) y la oscura ‘Ultimate Reason’ son de ritmo lento, pero bien rockeado y por su parte ‘Broken People’, como sugiere el título, es un poco decepcionante, aunque muy bien lograda en su tono sombrío. Contabilizando cuarenta minutos, “The Great Escape” es una versión más delgada y fibrosa de la épica expansiva que la gente ha llegado a apreciar e incluso a amar de Jane’s Addiction. Todo el rato flota en las pistas una cierta grandeza y elegancia del clásico J.A., algo alteradas por las contribuciones de Duff que vienen a añadir un poco de picante a la mezcla. En definitiva, esta colección de canciones es una adición bienvenida a lo que la adicción de Juanita ha provocado. Por desgracia, mientras que la ejecución sigue siendo algo excepcional, ya las cosas no están como para arrebatos incendiarios y tampoco hay tanto de coros memorables o ganchos que te desarmen por completo, lo que es más preocupante aún. Sin embargo que un grupo suene tan vital después de dos décadas sigue siendo impactante. Algo “shocking” al menos. No se puede negar que aquí se revela una genuina intención de sonar revitalizados y que esperemos que los inspire a no implosionar de nuevo, para así no esperar otros ocho años para el quinto álbum. Alfredo Lewin
115III ROCKAXIS
Filosofía antipop Por Héctor Aravena María de los Ángeles Cerda Álvaro Rojas M.
Sí, están en medio de la tormenta revival de los noventa, pero no por eso son un acto de nostalgia. Invitados al festival Maquinaria, esta vez vienen a presentar su nuevo trabajo, “Green Naugahyde”, con una visión remozada en cuanto a su performance y su sonido, tal como nos confirma Les Claypool, su líder. 62III ROCKAXIS
“Habíamos hablado de reunir a Primus, pero para ser sincero no tenía muchas ganas de hacerlo, porque se había convertido más que nada en una cosa de nostalgia”.
“Sentimos que “Green Naugahyde” se desarrolla casi como una película. Fluye muy bien como una pieza de música en el escenario”.
“Hay crítica social increíble que puede hacerse a través de la sátira”.
S
e ven a sí mismos como “el sillón en desuso dentro del mundo de la música”. Una perspectiva que más allá de la humildad, apunta hacia un estilo individual, totalmente desmarcado de cualquier tipo de tendencia. A partir de ese punto de vista, se encubó la idea del regreso del trío a los escenarios y la posterior grabación de su nuevo álbum, “Green Naugahyde” (escogido por Rockaxis como el disco del mes en el pasado número de septiembre), en el que, en lugar de continuar con la misma línea de sus últimos trabajos, experimenta con la carga sonora de los discos solistas de Les Claypool y, por supuesto, con la frescura que trajo el regreso del baterista Jay Lane. Sobre todo esto, conversamos en exclusiva con el frontman, compositor y bajista Les Claypool. Me gustaría empezar preguntándote sobre el disco nuevo y tu motivación para reformar Primus. ¿Por qué decidiste reunir a la banda? “Recién había terminado el ciclo del álbum “Fungi and Foe” con mi banda y con mi manager estábamos pensando qué hacer después. Tiendo a tener varios proyectos en carpeta y el paso siguiente era decidir cuál llevar a cabo. Habíamos hablado de Primus antes, pero para ser sincero no tenía muchas ganas de hacerlo porque se había convertido más que nada en una cosa de nostalgia. Me gusta avanzar creativamente y eso no estaba pasando con Primus, pero Larry LaLonde tenía ganas de hacerlo e insistió mucho. De un momento a otro se hizo muy obvio que la única forma de avanzar creativamente era con un nuevo baterista. Tim [Alexander] sentía lo mismo así que sugerí que habláramos con Jay Lane, que era el baterista original y había trabajando conmigo por muchos años en Sausage, Holy Mackerel, Frog Brigade y otros proyectos. Así que Jay vino a tocar y a los diez segundos de la primera canción, que creo que era “Pudding Time”, Larry y yo nos miramos y sonreímos de oreja a oreja porque sabíamos que se sentía bien y que había química. Creo que fue en ese punto cuando decidimos que íbamos a necesitar hacer un disco nuevo”. ¿Cuáles son las principales diferencias entre los tres bateristas que Primus ha tenido, Tim Alexander, Bryan Mantia y Jay Lane? “En realidad esos son los bateristas que todos han escuchado, pero desde que empezamos en 1984 probablemente hemos tenido ocho o nueve bateristas distintos. Esos son sólo los que la gente conoce. Jay Lane tiene todo el estilo de Jay Lane, ese feel, esa cualidad en su forma de tocar que nunca he encontrado en nadie más. Me recuerda mucho a Dave Garibaldi y el sonido de Minneapolis en esos tiempos. Bryan es un baterista de grooves mucho más directo y Tim Alexander es Tim Alexander; una mezcla de Bill Bruford y Neil Perth. Tiene un estilo de tocar mucho más lineal, casi como de una marcha”. Se ha dicho que hay una conexión entre “Green Naugahyde” y el primer álbum de Primus, “Frizzle Fry”. ¿Qué puedes decirnos
de la relación entre esos dos discos? “Bueno, Jay dejó la banda un mes antes de que lanzáramos nuestro primer disco, así que el primer par de placas son réplicas de lo que él estaba haciendo en la batería. Creo que la estampa de Jay Lane se siente mucho en esos dos primeros trabajos, y por supuesto, es muy obvia también en el último disco. Me parece que ese es el elemento más notorio”. Respecto a tu forma de tocar, en “Green Naugahyde” usaste muchos efectos y sonoridades diferentes a los discos tradicionales de Primus. ¿Qué buscabas en cuanto al bajo y sus sonidos? “Para mí ha sido una progresión natural. He estado haciendo discos estos diez años y he trabajado en muchos de esos sonidos. Siempre he usado efectos, pero creo que en los últimos diez años he estado usando más delays, loops y filtros. Eso es probablemente lo que escuchas en este disco en contraste con los más antiguos. Pero si escuchas los trabajos de Claypool o incluso de Oysterhead puedes escuchar esos sonidos con bastante frecuencia. Han estado ahí evolucionando constantemente. Probablemente no has escuchado algunas de esas cosas porque no ha habido un disco de Primus en estos diez años”. ¿Cómo se relacionan el título del disco y las películas de Clint Eastwood y Lee Van Cleef? “No sé si tiene algo que ver con Clint Eastwood excepto que el título del disco viene de una frase en la canción ‘Lee Van Cleef’, que dice “A yellow studebaker with a 302/ I see the green naugahyde”. Esa era la camioneta que tenía mi padre cuando yo era niño, una vieja Studebaker amarilla. En cuanto al naugahyde [una especie de cuero artificial], donde crecí nadie tenía sillones de cuero, sólo de vinilo o naugahyde. Pertenecíamos a una larga línea de mecánicos y nadie tenía sillones de cuero, pues ¿quién podía pagarlos? Así que “Green Naugahyde” parecía apropiado para Primus, que somos una especie de cuero en desuso dentro del mundo de la música”. ¿Cómo han reaccionado los fans a las nuevas canciones? “Ha sido espectacular, de hecho las han recibido mucho mejor que lo que cualquiera hubiera pensado. Hemos estado de gira por más de un mes haciendo dos sets por noche, sin banda telonera. El primer set son canciones clásicas de Primus, algunas muy oscuras, pero es diferente cada noche. Cambiamos el setlist para hacer un show distinto cada vez. El segundo set es “Green Naugahyde” completo de principio a fin. Ha sido muy bien recibido”. ¿Crees que los fans estaban esperando una reunión de Primus por lo que mencionabas antes, por nostalgia o porque estaban expectantes de escuchar las nuevas canciones? “No lo sé realmente, esa es la prueba de los dos sets. Si la gente no estuviera interesada en el disco nuevo creo se irían al terminar el primer set
63III ROCKAXIS
Filosofía antipop Por Héctor Aravena María de los Ángeles Cerda Álvaro Rojas M.
Sí, están en medio de la tormenta revival de los noventa, pero no por eso son un acto de nostalgia. Invitados al festival Maquinaria, esta vez vienen a presentar su nuevo trabajo, “Green Naugahyde”, con una visión remozada en cuanto a su performance y su sonido, tal como nos confirma Les Claypool, su líder. 62III ROCKAXIS
“Habíamos hablado de reunir a Primus, pero para ser sincero no tenía muchas ganas de hacerlo, porque se había convertido más que nada en una cosa de nostalgia”.
“Sentimos que “Green Naugahyde” se desarrolla casi como una película. Fluye muy bien como una pieza de música en el escenario”.
“Hay crítica social increíble que puede hacerse a través de la sátira”.
S
e ven a sí mismos como “el sillón en desuso dentro del mundo de la música”. Una perspectiva que más allá de la humildad, apunta hacia un estilo individual, totalmente desmarcado de cualquier tipo de tendencia. A partir de ese punto de vista, se encubó la idea del regreso del trío a los escenarios y la posterior grabación de su nuevo álbum, “Green Naugahyde” (escogido por Rockaxis como el disco del mes en el pasado número de septiembre), en el que, en lugar de continuar con la misma línea de sus últimos trabajos, experimenta con la carga sonora de los discos solistas de Les Claypool y, por supuesto, con la frescura que trajo el regreso del baterista Jay Lane. Sobre todo esto, conversamos en exclusiva con el frontman, compositor y bajista Les Claypool. Me gustaría empezar preguntándote sobre el disco nuevo y tu motivación para reformar Primus. ¿Por qué decidiste reunir a la banda? “Recién había terminado el ciclo del álbum “Fungi and Foe” con mi banda y con mi manager estábamos pensando qué hacer después. Tiendo a tener varios proyectos en carpeta y el paso siguiente era decidir cuál llevar a cabo. Habíamos hablado de Primus antes, pero para ser sincero no tenía muchas ganas de hacerlo porque se había convertido más que nada en una cosa de nostalgia. Me gusta avanzar creativamente y eso no estaba pasando con Primus, pero Larry LaLonde tenía ganas de hacerlo e insistió mucho. De un momento a otro se hizo muy obvio que la única forma de avanzar creativamente era con un nuevo baterista. Tim [Alexander] sentía lo mismo así que sugerí que habláramos con Jay Lane, que era el baterista original y había trabajando conmigo por muchos años en Sausage, Holy Mackerel, Frog Brigade y otros proyectos. Así que Jay vino a tocar y a los diez segundos de la primera canción, que creo que era “Pudding Time”, Larry y yo nos miramos y sonreímos de oreja a oreja porque sabíamos que se sentía bien y que había química. Creo que fue en ese punto cuando decidimos que íbamos a necesitar hacer un disco nuevo”. ¿Cuáles son las principales diferencias entre los tres bateristas que Primus ha tenido, Tim Alexander, Bryan Mantia y Jay Lane? “En realidad esos son los bateristas que todos han escuchado, pero desde que empezamos en 1984 probablemente hemos tenido ocho o nueve bateristas distintos. Esos son sólo los que la gente conoce. Jay Lane tiene todo el estilo de Jay Lane, ese feel, esa cualidad en su forma de tocar que nunca he encontrado en nadie más. Me recuerda mucho a Dave Garibaldi y el sonido de Minneapolis en esos tiempos. Bryan es un baterista de grooves mucho más directo y Tim Alexander es Tim Alexander; una mezcla de Bill Bruford y Neil Perth. Tiene un estilo de tocar mucho más lineal, casi como de una marcha”. Se ha dicho que hay una conexión entre “Green Naugahyde” y el primer álbum de Primus, “Frizzle Fry”. ¿Qué puedes decirnos
de la relación entre esos dos discos? “Bueno, Jay dejó la banda un mes antes de que lanzáramos nuestro primer disco, así que el primer par de placas son réplicas de lo que él estaba haciendo en la batería. Creo que la estampa de Jay Lane se siente mucho en esos dos primeros trabajos, y por supuesto, es muy obvia también en el último disco. Me parece que ese es el elemento más notorio”. Respecto a tu forma de tocar, en “Green Naugahyde” usaste muchos efectos y sonoridades diferentes a los discos tradicionales de Primus. ¿Qué buscabas en cuanto al bajo y sus sonidos? “Para mí ha sido una progresión natural. He estado haciendo discos estos diez años y he trabajado en muchos de esos sonidos. Siempre he usado efectos, pero creo que en los últimos diez años he estado usando más delays, loops y filtros. Eso es probablemente lo que escuchas en este disco en contraste con los más antiguos. Pero si escuchas los trabajos de Claypool o incluso de Oysterhead puedes escuchar esos sonidos con bastante frecuencia. Han estado ahí evolucionando constantemente. Probablemente no has escuchado algunas de esas cosas porque no ha habido un disco de Primus en estos diez años”. ¿Cómo se relacionan el título del disco y las películas de Clint Eastwood y Lee Van Cleef? “No sé si tiene algo que ver con Clint Eastwood excepto que el título del disco viene de una frase en la canción ‘Lee Van Cleef’, que dice “A yellow studebaker with a 302/ I see the green naugahyde”. Esa era la camioneta que tenía mi padre cuando yo era niño, una vieja Studebaker amarilla. En cuanto al naugahyde [una especie de cuero artificial], donde crecí nadie tenía sillones de cuero, sólo de vinilo o naugahyde. Pertenecíamos a una larga línea de mecánicos y nadie tenía sillones de cuero, pues ¿quién podía pagarlos? Así que “Green Naugahyde” parecía apropiado para Primus, que somos una especie de cuero en desuso dentro del mundo de la música”. ¿Cómo han reaccionado los fans a las nuevas canciones? “Ha sido espectacular, de hecho las han recibido mucho mejor que lo que cualquiera hubiera pensado. Hemos estado de gira por más de un mes haciendo dos sets por noche, sin banda telonera. El primer set son canciones clásicas de Primus, algunas muy oscuras, pero es diferente cada noche. Cambiamos el setlist para hacer un show distinto cada vez. El segundo set es “Green Naugahyde” completo de principio a fin. Ha sido muy bien recibido”. ¿Crees que los fans estaban esperando una reunión de Primus por lo que mencionabas antes, por nostalgia o porque estaban expectantes de escuchar las nuevas canciones? “No lo sé realmente, esa es la prueba de los dos sets. Si la gente no estuviera interesada en el disco nuevo creo se irían al terminar el primer set
63III ROCKAXIS
STREET ROCK
140III ROCKAXIS
Mirror mirror, What’s My Curve ID? Levi’s - Galería Departamento 21
Mirror mirror, What’s My Curve ID? Levi’s - Galería Departamento 21
Paloma Salas, Jani Dueñas, Mariana Derderián
Jacinta Besa, Mariana Ossa
Mirror mirror, What’s My Curve ID? Levi’s - Galería Departamento 21
Mirror mirror, What’s My Curve ID? Levi’s - Galería Departamento 21
Virginia de Maria, Ina Groovie
Paola Velásquez, Catalina Bustos, Fernanda Pérez
Smirnoff en el concierto de Bad Religion - Teatro Caupolicán
Smirnoff en el concierto de Bad Religion - Teatro Caupolicán
Bad Religion, fans y team Smirnoff
Francisco Reinoso, periodista de Rockaxis, y Greg Hetson, guitarrista de Bad Religion
Smirnoff en el concierto de Bad Religion - Teatro Caupolicán
Smirnoff en el concierto de Bad Religion - Teatro Caupolicán
Fans de Bad Religion con team Smirnoff
Bad Religion en vivo
STREET ROCK
Ciclo de cuerdas y maderas Ron Maddero - El Barril
Ciclo de cuerdas y maderas Ron Maddero - El Barril
El Cruce
Asistentes
Ciclo de tocatas Capel - La Batuta
Ciclo de tocatas Capel - La Batuta
Johou
Ganadores mesa Capel
Festival de Bandas Escudo, con Dorso - La Batuta
Festival de Bandas Escudo, con Dorso - La Batuta
Dorso
Escuderos
Ciclo Jack Daniels - House Rock & Blues
Ciclo Jack Daniels - House Rock & Blues
Angelo Pierattini
Asistentes
141III ROCKAXIS
Filosofía antipop Por Héctor Aravena María de los Ángeles Cerda Álvaro Rojas M.
Sí, están en medio de la tormenta revival de los noventa, pero no por eso son un acto de nostalgia. Invitados al festival Maquinaria, esta vez vienen a presentar su nuevo trabajo, “Green Naugahyde”, con una visión remozada en cuanto a su performance y su sonido, tal como nos confirma Les Claypool, su líder. 62III ROCKAXIS
“Habíamos hablado de reunir a Primus, pero para ser sincero no tenía muchas ganas de hacerlo, porque se había convertido más que nada en una cosa de nostalgia”.
S
e ven a sí mismos como “el sillón en desuso dentro del mundo de la música”. Una perspectiva que más allá de la humildad, apunta hacia un estilo individual, totalmente desmarcado de cualquier tipo de tendencia. A partir de ese punto de vista, se encubó la idea del regreso del trío a los escenarios y la posterior grabación de su nuevo álbum, “Green Naugahyde” (escogido por Rockaxis como el disco del mes en el pasado número de septiembre), en el que, en lugar de continuar con la misma línea de sus últimos trabajos, experimenta con la carga sonora de los discos solistas de Les Claypool y, por supuesto, con la frescura que trajo el regreso del baterista Jay Lane. Sobre todo esto, conversamos en exclusiva con el frontman, compositor y bajista Les Claypool.
de la relación entre esos dos discos? “Bueno, Jay dejó la banda un mes antes de que lanzáramos nuestro primer disco, así que el primer par de placas son réplicas de lo que él estaba haciendo en la batería. Creo que la estampa de Jay Lane se siente mucho en esos dos primeros trabajos, y por supuesto, es muy obvia también en el último disco. Me parece que ese es el elemento más notorio”. Respecto a tu forma de tocar, en “Green Naugahyde” usaste muchos efectos y sonoridades diferentes a los discos tradicionales de Primus. ¿Qué buscabas en cuanto al bajo y sus sonidos? “Para mí ha sido una progresión natural. He estado haciendo discos estos diez años y he trabajado en muchos de esos sonidos. Siempre he usado efectos, pero creo que en los últimos diez años he estado usando más delays, loops y filtros. Eso es probablemente lo que escuchas en este disco en contraste con los más antiguos. Pero si escuchas los trabajos de Claypool o incluso de Oysterhead puedes escuchar esos sonidos con bastante frecuencia. Han estado ahí evolucionando constantemente. Probablemente no has escuchado algunas de esas cosas porque no ha habido un disco de Primus en estos diez años”.
Me gustaría empezar preguntándote sobre el disco nuevo y tu motivación para reformar Primus. ¿Por qué decidiste reunir a la banda? “Recién había terminado el ciclo del álbum “Fungi and Foe” con mi banda y con mi manager estábamos pensando qué hacer después. Tiendo a tener varios proyectos en carpeta y el paso siguiente era decidir cuál llevar a cabo. Habíamos hablado de Primus antes, pero ypara ser sinceroRon no tenía muchas -ganas Ciclo de cuerdas maderas Maddero El Barril de hacerlo porque se había convertido más que ¿Cómo se relacionan el título del disco y las Asistentes nada en una cosa de nostalgia. Me gusta avanzar películas de Clint Eastwood y Lee Van Cleef? creativamente y eso no estaba pasando con Primus, “No sé si tiene algo que ver con Clint Eastwood pero Larry LaLonde tenía ganas de hacerlo e insistió excepto que el título del disco viene de una frase mucho. De un momento a otro se hizo muy obvio en la canción ‘Lee Van Cleef’, que dice “A yellow que la única forma de avanzar creativamente era con studebaker with a 302/ I see the green naugahyde”. Esa un nuevo baterista. Tim [Alexander] sentía lo mismo era la camioneta que tenía mi padre cuando yo era “Sentimos que “Green así que sugerí que habláramos con Jay Lane, que niño, una vieja Studebaker amarilla. En cuanto al Naugahyde” se era el baterista original y había trabajando conmigo naugahyde [una especie de cuero artificial], donde por muchos años en Sausage, Holy Mackerel, Frog crecí nadie tenía sillones de cuero, sólo de vinilo desarrolla casi como Brigade y otros proyectos. Así que Jay vino a tocar y o naugahyde. Pertenecíamos a una larga línea de una película. Fluye a los diez segundos de la primera canción, que creo mecánicos y nadie tenía sillones de cuero, pues muy bien como una que era “Pudding Time”, Larry y yo nos miramos y ¿quién podía pagarlos? Así que “Green Naugahyde” sonreímos de oreja a oreja porque sabíamos que se parecía apropiado para Primus, que somos una pieza de música en el sentía bien y que había química. Creo que fue en especie de cuero en desuso dentro del mundo de la escenario”. ese punto cuando decidimos que íbamos a necesitar música”. hacer un disco nuevo”. ¿Cómo han reaccionado los fans a las nuevas ¿Cuáles son las principales diferencias entre canciones? los tres bateristas que Primus ha tenido, Tim “Ha sido espectacular, de hecho las han recibido Alexander, Bryan Mantia y Jay Lane? mucho mejor que lo que cualquiera hubiera “En realidad esos son los bateristas que todos pensado. Hemos estado de gira por más de un mes han escuchado, pero desde que empezamos en haciendo dos sets por noche, sin banda telonera. 1984 probablemente hemos tenido ocho o nueve El primer set son canciones clásicas de Primus, bateristas distintos. Esos son sólo los que la gente algunas muy oscuras, pero es diferente cada noche. conoce. Jay Lane tiene todo el estilo de Jay Lane, ese Cambiamos el setlist para hacer un show distinto feel, esa cualidad en su forma de tocar que nunca cada vez. El segundo set es “Green Naugahyde” Ciclo de tocatas Capel - Lamás. Batuta he encontrado en nadie Me recuerda mucho a completo de principio a fin. Ha sido muy bien Dave Capel Garibaldi y el sonido de Minneapolis en esos recibido”. Ganadores mesa tiempos. Bryan es un baterista de grooves mucho más directo y Tim Alexander es Tim Alexander; ¿Crees que los fans estaban esperando una “Hay crítica social una mezcla de Bill Bruford y Neil Perth. Tiene un reunión de Primus por lo que mencionabas estilo de tocar mucho más lineal, casi como de una antes, por nostalgia o porque estaban increíble que puede marcha”. expectantes de escuchar las nuevas hacerse a través de la canciones? Se ha dicho que hay una conexión entre “No lo sé realmente, esa es la prueba de los dos sátira”. “Green Naugahyde” y el primer álbum de sets. Si la gente no estuviera interesada en el Primus, “Frizzle Fry”. ¿Qué puedes decirnos disco nuevo creo se irían al terminar el primer set
63III ROCKAXIS
El ElSOUNDTRACK SOUNDTRACKDE DEHOY HOY Por PorDaniel DanielMatamala Matamala(@DMatamala) (@DMatamala)
Soundtrack Soundtrackrecomendado: recomendado:
El SOUNDTRACK DE HOY Por Daniel Matamala (@DMatamala)
Que Que veinte veinte años años Que veinte años
no es nada no es nada
““
Sentir Sentir/ /que queesesununsoplo soplolalavida vida/ / que queveinte veinteaños añosnonoesesnada”. nada”.Citar Citarelel tango tango“Volver” “Volver”dedeCarlos CarlosGardel Gardelpuede puede parecer pareceruna unaopción opciónextraña extrañapara parauna una columna columna sobre sobre pero pero porestos Sentir / que es rock, unrock, soplo lapor vida /estos días díasveinte eseselelsentimiento sentimiento que queenvuelve envuelve que años no es nada”. Citar el a atoda toda una unageneración. generación. Hablo, claro, claro, tango “Volver” de CarlosHablo, Gardel puede dedeloslosveinte veinte años añosdeextraña delalaexplosión explosión del del parecer una opción para una grunge grungeque quemarcó marcócon con tinta tinta indeleble indeleble aloslosestos que quehoy hoy columna sobre rock, peroapor están estánenensus sustreinta treinta y ytantos tantos(y(yenensus suscuarenta cuarentay y días es el sentimiento que envuelve algo, algo,también). también). a toda una generación. Hablo, claro, Los Losveinte veinte años dedediscos discos capitales como como del deaños los veinte añoscapitales de la explosión “Nevermind” “Nevermind” y y“Ten” “Ten” han hancelebrado celebradoacon conesfuerzos esfuerzos grunge que marcó consese tinta indeleble los que hoy documentales documentales (el(elestreno estreno mundial mundial dede“Pearl “PearlJam Jam están en sus treinta y tantos (y en sus cuarenta y Twenty”, Twenty”, lalaautobiografía autobiografíaaudiovisual audiovisualdedePearl Pearl algo, también). Jam Jam encargada encargada a aCameron Cameron Crowe), Crowe), comerciales comerciales Los veinte años de discos capitales como (el(ellanzamiento lanzamiento dedeotra otra cajacelebrado para paracoleccionistas coleccionistas “Nevermind” y “Ten” se caja han con esfuerzos dedeNirvana) Nirvana)y ymusicales (losescasos escasos conciertos documentales (elmusicales estreno(los mundial deconciertos “Pearl Jam dedelalaaún aúnrudimentaria reunión reunión dedeSoundgarden). Soundgarden). Twenty”, larudimentaria autobiografía audiovisual de Pearl Chile Chile será seráununlugar privilegiado privilegiado por por estos estosdías, días, Jam encargada alugar Cameron Crowe), comerciales con con conciertos conciertosde dePearl Pearlcaja Jam Jam y Alice y Alice ininChains Chains (el lanzamiento de otra para coleccionistas programados programados paraSantiago. Santiago. de Nirvana) ypara musicales (los escasos conciertos Porsupuesto, supuesto,hay hayunreunión untufillo tufillode comercial comercial detrás detrásdede de laPor aún rudimentaria Soundgarden). todo: todo:los losadolescentes adolescentes dede1991 1991hoy hoyson soneleldías, segmento segmento Chile será un lugar privilegiado por estos más másconciertos cotizado cotizadodel del mercado: ellos con demercado: Pearl Jamadultos, yadultos, Alice muchos inmuchos Chainsdedeellos con conalto altopoder poder adquisitivo. adquisitivo. nostalgiasiempre siempre programados para Santiago.LaLanostalgia vende, vende, desdeentradas entradas para para elelcine cine y ytickets tickets para parade Pordesde supuesto, hay un tufillo comercial detrás conciertos conciertos hasta hastacamisetas camisetas y ydiscos discos (lagran gran ventaja ventaja todo: los adolescentes de 1991 hoy (la son el segmento del deldisco discofísico físico sigue siendo siendo precisamente precisamente esa, esa, la más cotizado delsigue mercado: adultos, muchos delaellos necesidad necesidad del delnostálgico nostálgicodede tener tener algo algoensiempre ensus susmanos, manos, con alto poder adquisitivo. La nostalgia nonoununsimple simpleentradas archivo archivoen ensus sus i-pods). vende, desde para eli-pods). cine y tickets para Sería Seríafácil fáciltomar tomar lalapostura postura cínica cínica ydecir decir que que conciertos hasta camisetas y discos (laygran ventaja elelgrunge grunge nonofue fue más más que queuna una efímera efímeraexplosión explosión del disco físico sigue siendo precisamente esa, la comercial, comercial, que que duró duróloloque queduran duran laslasmodas, modas, y necesidad del nostálgico de tener algo en sus ymanos, que que hoy hoy loslosgenios genios del del marketing explotan explotancon con no un simple archivo enmarketing sus i-pods). susuconsabido consabido revival. Sería fácil, fácil, pero perosería falso. falso. Sería fácilrevival. tomar laSería postura cínica y sería decir que Porque Porque sí síhay ununlegado legado sí síhay hay una unalección lección dedeese ese el grunge nohay fue más quey yuna efímera explosión comercial, que duró lo que duran las modas, y que hoy los genios del marketing explotan con 142 142 IIIIII ROCKAXIS ROCKAXIS su consabido revival. Sería fácil, pero sería falso.
1991, 1991,elelaño añoenenque, que,tomando tomandoprestado prestadoeleltítulo títulodel del documental documentaldedeDave DaveMarkey, Markey,elelpunk punkirrumpió. irrumpió. ElEllegado legadoes,es,enenprimer primerlugar, lugar,musical. musical.Discos Discos inmortales inmortalescomo como“In“InUtero”, Utero”,“Vitalogy”, “Vitalogy”,“Live “Live Through Through This” This” o“Alice “Alice ininChains” Chains” (y(yagrega agrega aquí aquítu tu 1991, el año eno que, tomando prestado el título del favorito). favorito).Pero Pero sobreMarkey, todo, todo,ético. ético. ElElrescate rescatedel delrock rock documental de sobre Dave el punk irrumpió. desde desde elmagma magma maquillaje, gelgel para paraelelpelo peloy y El el legado es,de endemaquillaje, primer lugar, musical. Discos actitud actitudpedante pedante deloslos años añosprecedentes precedentesya yahace haceque que inmortales comode“In Utero”, “Vitalogy”, “Live todo todovalga valga lalapena. Gracias Gracias a a1991, 1991, elrock rockvolvió volvió Through This” opena. “Alice in Chains” (yelagrega aquí tua a serserununasunto asunto artístico, nonoen enelelsentido sentido pretencioso pretencioso favorito). Peroartístico, sobre todo, ético. El rescate del rock del deltérmino, término, sino sino elelsencillo sencillogel y ypuro purode buscar desde el magma deenen maquillaje, para eldebuscar pelo y lala expresión expresión dedesentimientos sentimientos realesa através través lalavoz, voz, actitud pedante de los añosreales precedentes yadede hace que lalaguitarra, guitarra, bajo bajoyGracias ylalabatería. batería. todo valga laelel pena. a 1991, el rock volvió a ElElsonido sonidode deSeattle Seattle exploró exploró elelsarcasmo sarcasmo (‘In (‘In ser un asunto artístico, no en el sentido pretencioso Bloom’, Bloom’, ‘Big ‘Bigsino Dumb Dumb pero pero también suposerser del término, enSex’), elSex’), sencillo ytambién puro desupo buscar la brutalmente brutalmente honesto,confesional confesional yautobiográfico. autobiográfico. expresión de honesto, sentimientos reales aytravés de la voz, ‘Alive’ ‘Alive’ dedePearl Jam Jam y ‘Serve ybatería. ‘Servethe theServants’ Servants’dede la guitarra, elPearl bajo y la Nirvana Nirvana son sondos dosbellísimos bellísimos ejemplos ejemplos dedesinceridad sinceridad El sonido de Seattle exploró el sarcasmo (‘In a alalahora hora dedetratar tratarcon con loslosfantasmas fantasmas que quetodos todos Bloom’, ‘Big Dumb Sex’), pero también supo ser cargamos cargamosenenhonesto, nuestras nuestrasvidas. vidas. brutalmente confesional y autobiográfico. SuSuéxito fue fueJam efímero, efímero, porque porque laslaspropias propias ‘Alive’ deéxito Pearl y ‘Serve the Servants’ de estrellas estrellasson del delgrunge grunge asíasílolodecidieron. decidieron. Como Como moda, moda, Nirvana dos bellísimos ejemplos de sinceridad escena dedetratar Seattle Seattle sesesuicidó. Literalmente, Literalmente, alalaescena hora de con lossuicidó. fantasmas que todos como comoNirvana. Nirvana. Perdiéndose Perdiéndose drogaso oenenloslos cargamos en nuestras vidas. enenlaslasdrogas conflictos, conflictos, como Alice AliceininChains Chainsylas ySoundgarden. Soundgarden. Su éxitocomo fue efímero, porque propias OOejecutando ejecutando ununcuidado cuidado suicidiocomercial, comercial, como como estrellas del grunge así lo suicidio decidieron. Como moda, Pearl Pearl Jam. Jam. Senegaron negaron a asersersólo sólo elelnuevo nuevosabor sabordel del la escena deSeSeattle se suicidó. Literalmente, verano. verano. YYloslosdueños dueños del delnegocio negocio partieron buscando como Nirvana. Perdiéndose en laspartieron drogas obuscando en los a anuevas nuevasestrellas estrellas más másmaleables entusiastas(sí, (sí,laslas conflictos, como Alice inmaleables Chains y yentusiastas Soundgarden. boyboy bands bandsy ylalafactoría factoría Disney, Disney, por pornombrar nombrardos). dos). O ejecutando un cuidado suicidio comercial, como sabe sabe que que laslaspifias pifias son son una una medallasabor y yque quedel PearlSeSe Jam. Se negaron a ser sólo elmedalla nuevo eleltiempo tiempo leledará darálalarazón. razón. Sabe Sabeque queelelauténtico auténtico verano. Y los dueños del negocio partieron buscando espíritu de1991 1991sigue sigue vivo. vivo. YYsabe sabe que quelalaverdad verdad es aespíritu nuevasde estrellas más maleables y entusiastas (sí,es las más más importante importante que quecualquier cualquier Grammy Grammy olvidado olvidado boy bands y la factoría Disney, por nombrar dos). enenelSe elsótano. sótano. AlAlmenos ese ese sentido, sentido, enenel dedelala sabe que lasmenos pifiasenen son una medalla y el que honestidad honestidad yloslosprincipios, esescierto: cierto: veinteaños añosnono el tiempo leydará laprincipios, razón. Sabe que elveinte auténtico esesnada. nada.de 1991 sigue vivo.Y sabe que la verdad es espíritu más importante que cualquier Grammy olvidado en el sótano. Al menos en ese sentido, en el de la honestidad y los principios, es cierto: veinte años no
“Volver”, “Volver”,Carlos CarlosGardel Gardel L aL ahistoria historiadede ununviajero viajeroque que Soundtrack recomendado: vuelve vuelvea acasa casa eseselelmarco marco “Volver”, Carlos Gardel para parahablar hablar L a historia de dedeamor, amor,pero pero un viajero que sobre sobretodo tododededesarraigo desarraigopor porelel vuelve a casa presente, presente,nostalgia nostalgiapor porelelpasado pasado es el marco y miedo y miedopor porelelfuturo. futuro.Una Unadede para hablar laslasinterpretaciones interpretacionesinmortales inmortales de amor, pero dedeCarlos CarlosGardel, Gardel,dando dandovoz voza alala sobre todo de desarraigo por el letra letradedeAlfredo AlfredoLeLePera. Pera. presente, nostalgia por el pasado y miedo por el futuro. Una de “Serve “Servethe theServants”, Servants”,Nirvana Nirvana las interpretaciones inmortales LaLamirada mirada de Carlos Gardel, dando voz a la desencantada desencantadadede letra de Alfredo Le Pera. Kurt KurtCobain Cobaina alaslas consecuencias consecuencias “Serve the Servants”, Nirvana y los y loscostos costosdede La mirada lalafama. fama.“La “La desencantada de angustia angustiaadolescente adolescentediodiosus sus Kurt Cobain a las frutos frutos/ ahora / ahoraestoy estoyaburrido aburridoy y consecuencias viejo” viejo”admite, admite,antes antesdedeconfesar confesar y los costos de susudolor dolorpor poreleldivorcio divorciodedesus sus la fama. “La padres padresy su y sudesarraigo desarraigofamiliar: familiar: angustia adolescente dio sus “Ese “Eselegendario legendariodivorcio divorcioesestan tan frutos / ahora estoy aburrido y aburrido aburrido( )( Cuando ) Cuandomis mishuesos huesos viejo” admite, antes de confesar crecían, crecían,dolió dolió/ dolió / doliórealmente realmente su dolor por el divorcio de sus mucho mucho/ Traté / Tratédedetener tenerununpadre padre/ / padres y su desarraigo familiar: enencambio, cambio,tuve tuveununpapi”. papi”. “Ese legendario divorcio es tan aburrido ( ) Cuando mis huesos “Corduroy”, “Corduroy”,Pearl PearlJam Jam crecían, dolió / dolió realmente Estrenada Estrenadaenen mucho / Traté de tener un padre / vivo vivoenenmarzo marzo en cambio, tuve un papi”. dede1994, 1994,pocas pocas semanas semanasantes antes “Corduroy”, Pearl Jam deldelsuicidio suicidiodede Estrenada en Cobain, Cobain,eseslala vivo en marzo declaración declaracióndedeprincipios principiosenenque que de 1994, pocas Eddie EddieVedder Veddercomunica comunicasusuplan plan semanas antes para parasalvarse: salvarse:renunciar renunciara alala del suicidio de fama. fama.“No “Noquiero quierotomar tomarloloque que Cobain, es la tútúquieres quieresdar dar/ Prefi / Prefi ero eromorir morir declaración de principios en que dedehambre hambreantes antesque quecomer comertutu Eddie Vedder comunica su plan pan”. pan”.ElEltítulo títulohace hacereferencia referenciaa a para salvarse: renunciar a la lalacomercialización comercializacióndedelalamoda moda fama. “No quiero tomar lo que grunge, grunge,eneneste estecaso casodedeuna una tú quieres dar / Prefiero morir chaqueta chaquetadedepana pana(corduroy) (corduroy)que que de hambre antes que comer tu elelcantante cantantehabía habíausado. usado. pan”. El título hace referencia a la comercialización de la moda “Bu$hleaguer”, “Bu$hleaguer”,Pearl PearlJam Jam grunge, en este caso de una UnUnataque ataque chaqueta de pana (corduroy) que directo directocontra contra el cantante había usado. elelPresidente Presidente dedeEstados Estados “Bu$hleaguer”, Pearl Jam Unidos, Unidos,usando usando Un ataque metáforas metáforas directo contra deportivas deportivasy juegos y juegosdedepalabras palabras el Presidente (‘Bush (‘Bushleague’ league’esesununtérmino término de Estados derivado derivadodeldelbéisbol béisbolpara para Unidos, usando referirse referirsea aununcomportamiento comportamiento metáforas amateur amateuro oincapaz). incapaz).“Un “Untipo tipo deportivas y juegos de palabras confi confi ado, ado,pero pero¿por ¿porqué quétan tan (‘Bush league’ es un término atribulado? atribulado?/ no / noesesununlíder, líder, derivado del béisbol para esesununjugador jugadortexano”. texano”.Pearl Pearl referirse a un comportamiento Jam Jamnonosólo sóloprotestó protestócontra contralala amateur o incapaz). “Un tipo guerra guerraenenIrak; Irak;enen2004 2004salió saliódede confiado, pero ¿por qué tan gira giraproselitista proselitistaenenununintento intento atribulado? / no es un líder, (infructuoso) (infructuoso)por porimpedir impedirlala es un jugador texano”. Pearl reelección reeleccióndedeBush. Bush. Jam no sólo protestó contra la guerra en Irak; en 2004 salió de gira proselitista en un intento (infructuoso) por impedir la
El SOUNDTRACK DE HOY Por Daniel Matamala (@DMatamala)
Soundtrack recomendado: “Volver”, Carlos Gardel L a historia de un viajero que vuelve a casa es el marco para hablar de amor, pero sobre todo de desarraigo por el presente, nostalgia por el pasado y miedo por el futuro. Una de las interpretaciones inmortales de Carlos Gardel, dando voz a la letra de Alfredo Le Pera.
Que veinte años
no es nada
“
Sentir / que es un soplo la vida / que veinte años no es nada”. Citar el tango “Volver” de Carlos Gardel puede parecer una opción extraña para una columna sobre rock, pero por estos días es el sentimiento que envuelve a toda una generación. Hablo, claro, de los veinte años de la explosión del grunge que marcó con tinta indeleble a los que hoy están en sus treinta y tantos (y en sus cuarenta y algo, también). Los veinte años de discos capitales como “Nevermind” y “Ten” se han celebrado con esfuerzos documentales (el estreno mundial de “Pearl Jam Twenty”, la autobiografía audiovisual de Pearl Jam encargada a Cameron Crowe), comerciales (el lanzamiento de otra caja para coleccionistas de Nirvana) y musicales (los escasos conciertos de la aún rudimentaria reunión de Soundgarden). Chile será un lugar privilegiado por estos días, con conciertos de Pearl Jam y Alice in Chains programados para Santiago. Por supuesto, hay un tufillo comercial detrás de todo: los adolescentes de 1991 hoy son el segmento más cotizado del mercado: adultos, muchos de ellos con alto poder adquisitivo. La nostalgia siempre vende, desde entradas para el cine y tickets para conciertos hasta camisetas y discos (la gran ventaja del disco físico sigue siendo precisamente esa, la necesidad del nostálgico de tener algo en sus manos, no un simple archivo en sus i-pods). Sería fácil tomar la postura cínica y decir que el grunge no fue más que una efímera explosión comercial, que duró lo que duran las modas, y que hoy los genios del marketing explotan con su consabido revival. Sería fácil, pero sería falso. Porque sí hay un legado y sí hay una lección de ese
142III ROCKAXIS
1991, el año en que, tomando prestado el título del documental de Dave Markey, el punk irrumpió. El legado es, en primer lugar, musical. Discos inmortales como “In Utero”, “Vitalogy”, “Live Through This” o “Alice in Chains” (y agrega aquí tu favorito). Pero sobre todo, ético. El rescate del rock desde el magma de maquillaje, gel para el pelo y actitud pedante de los años precedentes ya hace que todo valga la pena. Gracias a 1991, el rock volvió a ser un asunto artístico, no en el sentido pretencioso del término, sino en el sencillo y puro de buscar la expresión de sentimientos reales a través de la voz, la guitarra, el bajo y la batería. El sonido de Seattle exploró el sarcasmo (‘In Bloom’, ‘Big Dumb Sex’), pero también supo ser brutalmente honesto, confesional y autobiográfico. ‘Alive’ de Pearl Jam y ‘Serve the Servants’ de Nirvana son dos bellísimos ejemplos de sinceridad a la hora de tratar con los fantasmas que todos cargamos en nuestras vidas. Su éxito fue efímero, porque las propias estrellas del grunge así lo decidieron. Como moda, la escena de Seattle se suicidó. Literalmente, como Nirvana. Perdiéndose en las drogas o en los conflictos, como Alice in Chains y Soundgarden. O ejecutando un cuidado suicidio comercial, como Pearl Jam. Se negaron a ser sólo el nuevo sabor del verano.Y los dueños del negocio partieron buscando a nuevas estrellas más maleables y entusiastas (sí, las boy bands y la factoría Disney, por nombrar dos). Se sabe que las pifias son una medalla y que el tiempo le dará la razón. Sabe que el auténtico espíritu de 1991 sigue vivo.Y sabe que la verdad es más importante que cualquier Grammy olvidado en el sótano. Al menos en ese sentido, en el de la honestidad y los principios, es cierto: veinte años no es nada.
“Serve the Servants”, Nirvana La mirada desencantada de Kurt Cobain a las consecuencias y los costos de la fama. “La angustia adolescente dio sus frutos / ahora estoy aburrido y viejo” admite, antes de confesar su dolor por el divorcio de sus padres y su desarraigo familiar: “Ese legendario divorcio es tan aburrido ( ) Cuando mis huesos crecían, dolió / dolió realmente mucho / Traté de tener un padre / en cambio, tuve un papi”. “Corduroy”, Pearl Jam Estrenada en vivo en marzo de 1994, pocas semanas antes del suicidio de Cobain, es la declaración de principios en que Eddie Vedder comunica su plan para salvarse: renunciar a la fama. “No quiero tomar lo que tú quieres dar / Prefiero morir de hambre antes que comer tu pan”. El título hace referencia a la comercialización de la moda grunge, en este caso de una chaqueta de pana (corduroy) que el cantante había usado. “Bu$hleaguer”, Pearl Jam Un ataque directo contra el Presidente de Estados Unidos, usando metáforas deportivas y juegos de palabras (‘Bush league’ es un término derivado del béisbol para referirse a un comportamiento amateur o incapaz). “Un tipo confiado, pero ¿por qué tan atribulado? / no es un líder, es un jugador texano”. Pearl Jam no sólo protestó contra la guerra en Irak; en 2004 salió de gira proselitista en un intento (infructuoso) por impedir la reelección de Bush.
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