Revista Difusión Sofía Mora by Sophia Mora

Creditos Presidente Ejecutivo

El concepto de la portada es “la pasión que siento por

Ronald Sasso

no se puede diseñar. El diseño llega a vivir en el cora-

Vicep residente

zón del diseñador y se vuelve parte de su vida. No se

Luis Diego Bolaños

hace. El filósofo chino Confucio una vez dijo “Si amas

Concejo Editor ial

lo que haces, nunca será un trabajo. Y para mi diseñar

Juan Carlos Porras Eric Rodríguez Ana Lucía Ferrero

Direccion de Arte

el diseño”. Con esto quise representar como sin pasión

puede ser bueno en su profesión sin amor a lo que se

nunca será un trabajo

Editor ial Porque aparte del reto de resolver el diseño de un artículo, el estu-

Vicky Ramos

diante se enfrenta con el proyecto de la revista a trabajar cada uno de

Diagramacion y Diseno

los contenidos con el objetivo de que sea el suyo el que sea elegido

Diseño Publicitario IV

y es el que logra la diferencia. Pero al final queda el aprendizaje que

Arte Final

es lo que nos permite crecer y retarnos para hacer de nuestro trabajo

Mónica Bastos

En esta edición encontrarán más que artículos, experiencias vividas al-

Portada Sofía Mora

Redaccion Diseño Publicitario IV

para estar dentro de la edición; sobre esto está la sana competencia y la humildad de reconocer que siempre hay quien da un paso más allá

algo que cada vez sea mejor. rededor de la quinta edición del Festival Internacional del Diseño FID, y de la visita a la exposición de uno de los artistas más importantes del Renacimiento, el alemán Alberto Durero, realizada en el Museo del Banco Central. Encontrarán entrevistas a estudiantes y egresados de las carreras con experiencias como la participación que ellos tuvieron en el Nueva York Fashion Week y el éxito de un Blog alrededor del proyecto Peppermint de la egresada de nuestra Escuela Lisa Barquero, entre otros artículos de gran interés que espero puedan disfrutar. Juan Carlos Porras Martínez Director de la Escuela de Comunicación Visual

Indice 4 6 10 14 16 22 26 28

Cuento “El príncipe feliz”

Punto G del diseño

Restaurando el pasado Plagio vs Referencia

Moda en Costa Rica Historia de la ropa deportiva Tips para palmarla en la U

34 38 42 46 52 56 60

Diseño para la mente

Diseño en los empaques

Gráfica popular costarricense Campos laborales del diseño

Las historietas como armas de marionetas 7 pecados capitales del diseñador publicitario Convergencia 2015

Comida es amor

Difusión es una revista cuatrimestral de criterio independiente con un propósito académico desde el prisma del diseño, el arte y las industrias culturales. Las opiniones de los elaboradores no necesariamente expresan los puntos de vista del Concejo Editorial o de la Universidad Veritas. Queda prohibida la reproducción total o parcial de los contenidos sin la debida autorización.

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hos años había una ciudad muy hermosa. Era la ciudad más rica y feliz del mundo. Un día de in-

príncipe de la ciudad muere y los habitantes deciden hacerle una estatua en conmemoración a su

olocaron la estatua en el centro de la ciudad. Era bellísima. Tiempo después, llega la fiebre amarilla

udad y mueren muchas personas y las que se salvaron se fueron. La ciudad quedó vacía y la toma-

milias muy pobres que no tenían donde vivir. La ciudad pierde toda su majestuosidad y se vuelve fría y triste. La felicidad ya no rondaba por todas partes. Un día se acercó una pequeña golondrina que andaba de paso, donde la estatua del príncipe a tomar a una siesta. La golondrina empezó a sentir gotas y miró hacia arriba y vio que el príncipe estaba llorando. Le contó que estaba muy triste de ver en lo que se había convertido su ciudad y que se sentía impotente viéndola desde lo alto. El príncipe le pidió a la golondrina que se quedara con él tres días y que en esos tres días le quitara sus riquezas y las repartiera por toda la ciudad. Ella decidió ayudarlo, primero le arrancó ho ja por hoja el oro que lo cubría, después le quitó el rubí del pecho y por último los ojos de zafiro.

golondrina desconsolada por el estado del príncipe y por dejarlo ciego, le prometió que se que-

n él por siempre.

tiempo, la golondrina y el príncipe vieron como la ciudad crecía y volvía a su estado de majestuo-

dad. En una ciudad que se había vuelto tan bonita, una estatua corroída y vieja, afeaba el panorama. Era momento de botarla, sin embargo los vecinos la reconstruyeron. Agradecidos, cada uno le devolvió lo que le quitó. Y la estatua del príncipe se veía más hermosa que nunca. Al final, el príncipe se dio cuenta que la felicidad no está en la riqueza, la felicidad está en compartir y ver felices a quienes uno ama. El príncipe feliz nunca había sido tan feliz.

Por: Angie Pinzón

Qué se considera polémico hoy en día? Para nosotras algo que llama la atención, algo que da de qué hablar; hoy les hablamos de uno de los talentos ticos que da de qué hablar debido a su forma de expresarse mediante el diseño; no pudimos simplvemente pasarla por alto. Se sabe que hoy el Mercado del diseño se encuentra saturado por mucho talento, parte de este talento se pierde entre tanta competencia y otros incluso no llegan ni a salir al aire; es por eso que consideramos que tener visión y un estilo diferente es muy importante para que el diseño sea visto. Destacar y ser memorable son de los principios básicos que nos enseñan nuestros profesores en la Universidad, tener un estilo propio y no tener miedo a desafiar lo tradicional también lo aprendemos a lo largo de la Carrera. Ser audaz y tener un mensaje claro para expresar y transmitir son las cosas que consideramos que Stephanie Chaves tiene, por el cual sus diseños son conocidos en la comunidad.

Stephanie es una Diseñadora tica que se enfoca en compartir un mensaje para las personas de mente abierta; ella defiende la comunicación a partir de las ilustraciones así también como su compromiso por los derechos de la mujer en una sociedad que calla. En su discurso como diseñadora ella habla de cómo defiende los ideales de una comunicación abierta entre el hombre y la mujer dejando de lado el machismo, la opresión, los prejuicios sexuales y la discriminación. Cuenta que quiere cambiar una sociedad tica de mente cerrada mediante sus diseños que son descritos como grotescos y políticamente incorrectos, por el simple hecho de no estar dentro de lo que la sociedad está acostumbrada a ver.

logra quedar en la mente de los que ven su arte. En su forma de aplicar el color nos explica como llega a ella, le gusta siempre tener sus trabajos en tres paletas de color diferentes y utilizando su memoria utiliza el que mas le llame la atención y contraste mas con el tema que esta tratando en la ilustración, es decir ella pone a prueba que tanto le impacta su trabajo y es así como escoge el diseño final con su paleta de color respectiva, como se dijo anteriormente le gustan los colores vibrantes, esto porque ella se describe a si misma como dispersa y con poco rango de atención y memoria. En su forma de pensar si el trabajo le queda plasmado a ella le puede

quedar a cualquier otra persona, incluso si tiene las mismas características de atención que ella; a parte ella esta consiente de que su trabajo transgrede normas y es por eso que le gusta que sus colores no sean tan “agresivos” como el contexto de su arte. Ella describe cómo se inspiró en la vida cotidiana de una mujer tica, en cómo es sentirse acosada por los hombres en toda red social y en las calles; ella nos dice que quiere dejar atrás este tipo de opresión, tratando de presentar la figura femenina como algo bello a su manera.

Ella no tiene filtro social en sus ilustraciones ni en su forma de expresarse, es abierta en su manera de pensar y así ha ido poco a poco incluyendo su diseño en la sociedad joven, posicionando la sexualidad tanto masculina como femenina en algo cotidiano que no haya que catalogar como tabú; sus diseños son llamativos tanto en su paleta de color como en su técnica. Utiliza colores vibrantes y llamativos, muchas veces fusiona características animales en sus ilustraciones, le gusta jugar con las texturas y con la repetición de imágenes, creando un concepto muy personal que 7

Se siente indignada por vivir aun hoy en día en una sociedad donde la mujer es reprimida, en una sociedad donde la mujer aun permite esto, en una sociedad con doble moral, uno de los objetivos que quiere lograr con su arte es que nosotros lleguemos a hablar de nuestros gustos sexuales como cualquier otro gusto y que no se nos discrimine por nuestro genero a la hora de hablar, que todo sea por igual y que no provoque molestia es su meta. Su discurso es agresivo: ella necesita que sus diseños sean escuchados y que éstos hagan bulla por sí solos; para nosotras este objetivo es logrado a la perfección ya que logra quedarse en nuestras mentes y logra que hablemos de su arte. Se considera a sí misma como una artista erótica, que promueve el sexo (de forma saludable) y nos invita a hablar de ello, a disfrutarlo sin “tapujos”; sus exposiciones muchas veces

internacionales han logrado llamar la atención de la prensa y muchas veces ha sido censurada. Comenta que no se siente mal por esto ya que poco a poco ha visto un cambio en el pensar de las personas, en el cómo reaccionan ante su diseño y aunque es triste ver que muchas o personas aún no están listas para aceptar, no solo su arte si no una manera de pensar, dice que poco a poco lo van a estar. Y que de cierta manera le gusta que su diseño sea censurado ya que sabe que esta creando polémica y que así como hay personas que se quejan, hay personas que alaban y se sienten identificados con su forma de pensar. Su ideal es llegar a ser una artista que no sea considerada fuera de lo común pero sin embargo que logre destacar. Nos invita a expresar nuestras ideas y formas de pensar sin importar el qué dirán. Al principio de su carrera se vio enfrentada a muchos obstáculos que las personas le iban poniendo, al rechazo de los demás por mostrar una

idea fuera de lo común; pero con mucho esfuerzo y firmeza a la hora de comunicar su concepto logró hacerse un nombre en una sociedad llena de talento tico, que si bien es muy bueno, no trata temas como los que ella expone.

Crea tu propio estilo visual. dejalo ser único para tí e identificable para otros.— -Orson Welles No solo se siente con poder como ilustradora si no como mujer ya que se considera a si misma defensora de la igualdad de géneros y al ver como su arte que proviene de una mujer joven y costarricense ha logrado tener éxito, ella ve un futuro prometedor para todas y todos los siguientes diseñadores que quieran expresarse de manera libre y sin autocensurarse por miedo al rechazo. Actualmente se

encuentra promoviendo un proyecto llamado “Expo Erótica”, el cual, al ver la reacción del público, realizó nuevamente. En esta expo no solo se muestran sus obras sino también filmes eróticos (no pornográficos) y fotografías representando el tema. Es importante saber diferenciar lo erótico de lo vulgar y es por esto que ella habla de lo fundamental que es informarse acerca del tema para poder iniciar un cambio de pensamiento, ella defiende todo tipo de pensamiento y gusto sexual de las personas siempre y cuando este gusto no lastime o afecte de manera negativa a otro ser vivo. De esto se trata la exposición de intentar informar a los que llegan a ver y apreciar su arte. En esencia, Stephanie nos enseña a no tener miedo de expresar ideales de la forma que queramos, que es importante que nuestros diseños hagan ruido y se noten; por eso nos pareció una gran experiencia llegar a ver cómo una diseñadora no tan diferente de nosotras pudo hacerse nombre y aprender a no callar, no solo por los hombres sino por la sociedad en la que vivimos.

Diseño polémico, políticamente incorrecto, grotesco, arte, femineidad, comunicación abierta, aceptación de géneros, visión, nuevos ideales, igualdad, sinceridad, una voz fuerte, esto es Stephanie Chaves. Si gustan ver más de su trabajo, pueden visitar su blog: http://stephaniechavess.tumblr.com Diseño: Sofía Mora Bibliografía: Chaves.S Visto el Domingo 24 de mayo del 2015 de Ilustraciones Stephanie Chaves. Facebook: stephanie chaves ilustración http://stephaniechavess.tumblr.com

RESTAURANDO EL PASADO

En la ciudad se percibe un aire distinto en diferentes lugares que han comenzado a ponerse de moda por su singular ambiente antiguo o restaurado. Este tipo de diseño llama fácilmente la atención del usuario porque hace una combinación exquisita entre lo moderno y la esencia antigua de la historia de su edificación. En este artículo hablaremos un poco de cómo se comporta esta restauración, sus atractivos y de los muchos sitios en nuestro país que han implementado esta técnica para convertirse en un lugar concurrido. Puede que sea esta magnifica combinación de lo añejo con lo contemporáneo lo que atrae al público joven a sentirse un alma vieja en el siglo XXI. El proceso de restauración es lento,

se necesita encontrar el lugar especial. Usualmente la localidad solía ser una casa burguesa que con los años adquiere esa sensación de que está fuera de lugar, ya sea por su arquitectura o simplemente por sus materiales de construcción. Estas construcciones deben ser grandes, un lugar idóneo para botar paredes y que se sienta sus pasadas divisiones. Esto lo marca muchas veces su cambio de paredes o incluso su cerámica o tipo de piso. Muchas de las bellezas de estas casas están en mal estado y necesitan de artistas o diseñadores especializados en recuperar lo que se pueda y arreglar el resto. Además en ocasiones se necesita remodelar de cero para que el sitio siga estando acorde con el tiempo y que no se vaya a sentir una gran diferencia entre su estilo y el 11

entorno, pero es en esa mezcla donde se esconde lo interesante de esta técnica y su gran atractivo. La ex alumna de la Universidad Véritas Verónica Alvarado, después de haberse graduado de Diseño de Interiores, decidió especializarse en Conservación y Restauración de obras de arte y bienes culturales en el instituto español E.C.R.A (Servicios Integrales de Arte) situado en Madrid, España. En esta Escuela se imparten diferentes cursos de restauración tanto de cuadros, esculturas, cerámica, vidrio, edificios históricos, grabados y arte contemporáneo, entre otros. Así como este Instituto, existen otros importantes en la industria que especializan a las personas en este trabajo como lo son el Istituto Superiore per la Conservazione ed Il Restauro en Roma, Italia y The Hispanic Society of America Museum and Library en Nueva York, Estados Unidos. Es importante saber la gama de escuelas que existen a nivel mundial que enseñan

piezas delicadas que necesitan de cierta seguridad durante y después de realizada la restauración. Los resultados son asombrosos, gracias a la mezcla de tiempos, sabor, visualización y ritmo del espacio.

técnicas del arte y que son realmente desconocidas paras las personas y de gran auge en el mercado nacional. El provecho que se le puede sacar a un curso así trasciende al hecho de crear un lugar popular; implica la utilización del material a un cien porciento y nuevas ideas para diseñar lo inimaginable. Es importante saber que si uno es contratado para hacer una remodelación de esta magnitud se debe tener el conocimiento previo, ya que muchas veces se manipulan piezas delicadas que necesitan de ci

Cuando hablamos de sabor, nos referimos a los alimentos. Existen tantos restaurantes con esta tendencia que aunque sean muchos se siguen distinguiendo de los demás. Algunos que vale la pena mencionar son por ejemplo el nuevo restaurante Saúl Bistro en Escazú, que tiene una serie de ambientes combinados con la fachada antigua de la casa de adobe y la naturaleza que lo acoge. Es una especie de santuario con mínimo 4 ambientes que vuelven al lugar tan acogedor que no queda más que escuchar música y disfrutar de la comida. Otro ejemplo es el restaurante Costa Rica Beer Factory Inc. que de igual manera era una casa grande y espaciosa, con pisos de madera, muebles

añejados con una cantidad grande de artículos upcycled (la creación de piezas funcionales con materiales de reciclaje) que nunca pueden faltar en este tipo de ambientes, ya sea en sus mesas, techos o decoración de paredes, bares y baños. Todo se ha resaltado mediante la aplicación de barnices especiales como con luz tenue que fortifica el poder de lo antiguo. Además de estos dos restaurantes exitosos también podemos ver este concepto aplicado a bares en la GAM como lo son el Steinvorth y el Hoxton. Ambos eran edificios grandes que fueron recuperados de sus escombros para crear un ambiente único con estampados, lámparas, escaleras, techos y ventanas que transportan al usuario a otra época fina mezclada con la callejera y lo trendy del momento. Lugares acompañados de cervezas artesanales, comidas vegetarianas y exóticas, música alternativa e Indie le dan vida a cada espacio renovado.

La clave es reciclar, transformar y convertir cada pieza en una obra de arte. Son lugares llenos de historia que mágicamente funcionan como lugares para disfrutar en compañía. Este tipo de diseño está siendo incorporado a muchos apartamentos y edificios en Nueva York y otras ciudades que necesitaban que sus espacios siguieran siendo modernos y costosos, pero el tiempo los había empezado a consumir.

Muchas personas se inclinan en la actualidad ante esta mezcla de estilos por encima de lo minimalista y moderno que hace las casas frías y vacías; por lo contrario, estas remodelaciones producen calidez y comodidad en los consumidores y ahorran muchos costos a la hora de construir. Se trabaja con lo que se tiene y se implementan muy pocas cosas nuevas que muchas veces también son de segunda mano. En conclusión, ésta es una tendencia que ha venido con fuerza y está para quedarse. No solo abarca diseño de interiores sino un gran grupo de profesionales que unidos pueden transformar una casa en escombros en un hotel de lujo, o una tienda, una marca de ropa, un restaurante, etc. Lo más importante es prepararse para usar lo que se tenga a mano y conservar la esencia perfecta de lo añejo y lo actual.

Referencias Bibliográficas Página consultada el 25 de mayo del 2015. E.C.R.A Servicios Integrales de Arte. http://www.ecra-arte.com Página consultada el 25 de mayo del 2015. Istituto Superiori per la Conservazione ed Il Ristauro. http://www.icr. beniculturali.it/pagina.cfm?usz=1 Página consultada el 26 de mayo del 2015. The Hispanic Society. http://www. hispanicsociety.org/hispanic/main.htm Facebook: Saúl Bistro Costa Rica Facebook: Costa Rica Beer Factory Inc. Diseño: Sofía Mora

PLAGIO Por: Ignacio Campos

Normalmente cuando se nos asigna un trabajo se realiza una investigación acerca del tema. Es común revisar qué se ha hecho al respecto, estar al tanto de las nuevas tendencias e inclusive la tipografía más utilizada entre colegas. En esta investigación la mayoría busca referencias para no caer en lo mismo, mientras otros buscan el camino rápido. Cuando muchos trabajos son similares los percibimos como poco originales y nos aburren. Por lo tanto hay que definir unos términos antes de juzgar si estamos frente a un plagio o coincidencia creativa.

REFERENCIA La referencia, como la palabra lo dice, es nuestro punto de referencia. Se podría decir que es analizar el terreno, nos ponemos al tanto de lo que hace la competencia, las nuevos corrientes en el diseño y esta información se analiza para ver qué puede ser beneficioso para nuestra campaña. Podemos encontrar casos de éxito o ver cómo las personas van a responder mejor a nuestra campaña. Aquí cabe cualquier tipo de inspiración, ya sea una experiencia cotidiana, una palabra o una imagen. Todas son válidas, lo importante es buscar cómo diferenciarse y destacar.

PLAGIO

De acuerdo con la Real Academia Española, cuando hablamos de plagio nos referimos a copiar el trabajo ajeno y presentarlo con créditos propios. No hay nada peor para la reputación de un diseñador que ser acusado de plagio o que perciban nuestro trabajo como tal. No se puede usar siempre la excusa de “ya todo está inventado”. Tampoco hay que caer en la publicidad adaptativa, pues ¿para qué vamos a reutilizar ideas de campaña realizadas hace cuatro años en el extranjero? Así que agradezcamos por un momento a los derechos de autor.

RECURSO-TONO-MANERA De acuerdo con Sergio Bravo, hay tres puntos importantes que tomar en cuenta para realizar una campaña: el recurso, el tono y la manera. Se podrían considerar estos tres puntos también como los identificadores de qué es lo que queremos que las personas perciban de ésta, vamos a utilizar un tono divertido, misterioso o formal. Por último, la manera forma parte de las piezas y componentes de

la campaña, sería la manera en que se elaboró la campaña. Después de estas recomendaciones esperamos que las personas comiencen a retar su creatividad y salirse de lo convencional. No queremos que nuestra profesión se vuelva algo aburrido para las personas; está en nuestras manos como diseñadores esta labor. Como menciona Cooper (2014) en su artículo para Fast Company “El conocimiento por sí solo nos es útil, de no ser que podamos hacer las conexiones entre lo que ya sabemos.” Así que una buena manera de nutrir nuestra creatividad es llenándonos de nuevas experiencias que nos inspiren a explorar nuevos horizontes. Referencias Bibliográficas: Cooper, B. (2014, June 18). The Secret To Creativity, Intelligence, And Scientific Thinking., Recuperado de http://www. fastcompany.com/3031994/the-futureof-work/the-secret-to-creativity-intelligence-and-scientific-thinking

REFERENCIA DISENO: SOFIA MORA

MODA EN CR Por: Alberto Gonzรกlez Sancho

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Tenemos una amplia lista de diseñadores costarricenses, hombres y mujeres, que diseñan desde joyería hasta las prendas de vestir más excéntricas, con las últimas tendencias de acuerdo a la temporada en que éstas se diseñen.

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Cuando pensamos en moda, se nos viene a la mente pensar en lugares como París, New York, Japón, España e incluso Los Ángeles, CA. Pero no pensamos en países como Costa Rica; en realidad es el último que hubiéramos elegido para hablar de moda. Como ticos, a veces no apostamos por nuestro país para referirnos a cosas que se dan en países cosmopolitas, lo cual nos lleva a una triste y equivocada realidad, pero ya en el año 2015 este tema ha cambiado radicalmente en nuestro país. Costa Rica cuenta con grandes diseñadores, personas como usted o yo, que decidieron arriesgar su nombre y poner en alto el concepto que se tiene de que en este país no hay material para hacer diseños ni eventos para mostrar la moda. Tenemos una amplia lista de diseñadores costarricenses, hombres y mujeres, que diseñan desde joyería hasta las pren-

das de vestir más excéntricas, con las últimas tendencias de acuerdo a la temporada en que éstas se diseñen. Un tema importante que aclarar es que las prendas que vemos en pasarelas internacionales, hechas por los diseñadores más importantes y de renombre en el mundo de la moda, muchas de las veces no son prendas que podamos encontrar en nuestro armario, ya que nos parecen muy locas, muy atrevidas, o muy extravagante, y decimos, ¿cómo alguien puede usar eso? ¿en qué evento tendría que estar para usar estas piezas? Lo que no sabemos es que todo diseñador en su carrera artística, lanza al menos una línea o una colección extremadamente salida de los estándares dictados por la sociedad, y es ahí cuando las vemos y pensamos que eso no es “usable.” Esto es completamente cierto, al menos que seas un artista pop y esas prendas sean parte de un show. Pero aclarando esto, nos llena de alivio 17

saber que cuando estos conceptos salen, no quiere decir que el diseñador se volvió loco y nunca tendrá éxito en su carrera, ya que sus productos no son de nuestro agrado, sino al contrario, nos deja saber de qué podría ser capaz, del uso de la creatividad al usar distintas telas, estampados, y cómo logra mezclar accesorios para que el diseño sea un éxito total. De la misma manera, pasa en Costa Rica. El evento de moda más importante de Costa Rica, tiene un nombre y es el Mercedez Fashion Week San José. Cuenta con una organización impecable, donde en tres días, se muestran los trabajos de diseñadores nacionales e internacionales de más alta calidad.

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El evento de moda más importante de Costa Rica, tiene un nombre y es el Mercedez Fashion Week San José.

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La respetada modelo y empresaria, Leonora Jiménez es la encargada de ponerle pies y cabeza a dicho evento, el cual cuenta con un equipo excelente de producción entre los que están: maquillistas, estilistas, editores, blogueros, diseñadores gráficos y publicitarios. Este año se llevó a cabo el MBFWSJ (Mercedez Benz Fashion Week San José) reuniendo a todas aquellas personas que están empapadas de moda en Costa Rica, entre ellas, top models, farándula, fotógrafos, editores, medios, y blogueros, los cuales ahora tienen un papel sumamente importante en nuestro país, ya que impulsan lo que es el diseño nacional e internacional, imponen tendencias, facilitan tips de belleza, y nos hacen sentir más cerca de los diseñadores. Hay de ellos en todo el mundo, pero En Costa Rica se han convertido en grandes fichas para los diseñadores más importantes , ya que hasta regalos

reciben de las marcas más reconocidas, para así hacer con los diseños un nuevo y distinto tipo de publicidad; los blogueros cuentan con gran cantidad de seguidores y han creado un público más extenso, futuros compradores de sus productos. En este evento se muestran grandes diseñadores nacionales como lo es el reconocido Daniel Moreira; en sus diseños no hay miseria: las más finas telas, encajes, colores y texturas dicen presente en todos sus conceptos. Moreira fue el diseñador estrella de este reinado de Miss Costa Rica, creando impactantes diseños para nuestra reina de belleza Karina Ramos, quien nos representó de muy buena forma en el certamen de Miss Universo. Moreira fue el encargado de diseñar desde el traje de noche que usó nuestra representante, hasta el dos veces confeccionado traje de fantasía blanco de las críticas, ya que fue pintado a mano y no cumplió con las expectativas de muchos. Este diseño provocó desde comentarios constructivos hasta destructivos hechos por los “haters” con más influencia en el país, como la actriz Coco Vargas que cuenta con un blog, donde no tiene miedo de decir hasta la palabra más cruel. Daniel Moreira hizo un grandioso trabajo en este show del MBFWSJ, mostrando su más reciente colección “Fénix en el palacio”, la cual contaba con vestidos de noche y vestidos de boda para aquellas que quieren lucir espectaculares en su gran día, con precios realmente accesibles para el público meta al que Moreira va dirigido (rondando desde los $800 hasta los $6000). Otro diseñador que dijo presente

en el MBFW fue Oscar Hernández con su línea de accesorios para hombre bajo el nombre “Toribio” donde muestra su capacidad para romper esquemas y dejar de lado el pensamiento de que los hombres no usan moda. Su extensa línea de accesorios, entre ellos “clutch” (bolsos de mano) fabricados con los materiales más finos, “Toribio” utiliza pieles tratadas, pieles crudas y estampadas, lo que da gran versatilidad a sus diseños y es lo que hace a este gran diseñador destacarse. Lleva un sello en que se siente el relieve de la marca, impone fuerza en sus conceptos y muestra que llegó para quedarse. Mostrándonos su gran profesionalismo, llega el diseñador que nos hace suspirar cuando nos referimos a diseño: el inigualable AMO Y SEÑOR. Bajo el concepto de indumentaria muestra su estilo vanguardista, el cual abre un espacio en nuestras mentes para aclarar que en Costa Rica hay moda, que “aburrido” es una palabra que se aleja de nuestro vocabulario. Hablamos de el diseñador Eric Mora Cole, quien proyecta una línea

infinita al futuro mostrando frescura y equilibrio. Dejando a un lado lo que son las prendas de vestir, abrimos espacio para una joven que ha impuesto moda, versatilidad y estilo propio en todos sus diseños; hablamos de la diseñadora de joyas Jimena Esquivel. Ella, al igual que los demás, empezó a diseñar por pasión, llevando sus originales diseños a triunfar y hacer de su nombre, una marca. No hay nada mejor a la hora de crear un outfit, que los accesorios correctos y la joyería acertada para hacer armonía en el estilo. Las joyas dicen mucho de una persona, casi para citar: “dime que joya andas y te diré quién eres”. Así que el uso de joyas se volvió crucial a la hora de elegir qué ponernos. Jimena Esquivel utiliza piedras minuciosamente escogidas que hacen de cada estilo algo único; esta última característica es crucial al referirnos a una pieza de Jimena Esquivel. Ella ha puesto muy en alto lo que es el diseño costarricense, que se ha hecho parte de todo guardarropa de aquellas mujeres que quieran sobresalir en su diario vivir.

Por último pero no por esto menos importante, hay que mencionar el arduo trabajo que han hecho los diseñadores al crear revistas que traten los temas de moda, estilo y diseño. Con un formato sumamente llamativo se crea la revista Traffic, que muestra las más fuertes tendencias de la moda, al estilo de las revistas internacionales de alto calibre como lo son Vogue y Glamour, mostrándonos que no hay nada que envidiarle a éstas. La producción de Traffic, está bajo los más altos estándares de moda, llevando a editores reconocidos a participar en dicha revista; también hay blogueros sacando provecho de su gran e imponente estilo, sacando las prendas que están en boga, junto a los accesorios ideales para estar en tendencia como los países de las “ grandes ligas” en cuanto a moda.

Maquillistas, estilistas y fotógrafos, hacen un gran trabajo al explotar la gran belleza de las y los modelos en Costa Rica, sacando provecho de compañías de modelaje como lo son IMM y HSM al usar a sus integrantes para las producciones de la revista. Leonora Jiménez tiene un papel muy importante en Traffic, llevando a cabo su trabajo de dirección editorial, imponiendo su fuerte estilo, así como realizando su trabajo de impulsora de la revista. De paso, también impresiona con su belleza y profesionalismo a la hora de modelar; Leonora nos regala cada cierto tiempo una mirada a su trabajo como modelo, dejando en alto el nombre del país. Hay que hacer referencia también a modelos que están fuera de Costa Rica trabajando para marcas muy reconocidas como lo es la inigualable Juliana Herz (Lisa Blue Swimwear Campaña 2015 San-

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La revista Traffic, que muestra las más fuertes tendencias de la moda, al estilo de las revistas internacionales de alto calibre como lo son Vogue y Glamour, mostrándonos que no hay nada que envidiarle a éstas.

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torini,Grecia), imponiendo el sabor latino “made in CR” en los distintos continentes por los que deja su rastro. Así que al hablar de moda no menospreciemos a nuestro país, sabiendo que hay personas luchando por dejar a Costa Rica en un lugar muy alto. Diseñadores sobran, lo que nos falta es el debido reconocimiento y apoyo de parte de los nuestros.

Diseño: Sofía Mora Referencias bibliográficas https://www.facebook.com/TrafficCR https://www.facebook.com/raysartscr/ ht tps://w w w.facebook .com/daniel. moreira.9066 https://www.facebook.com/leonora. jimenez

Hacer ejercicios ha pasado por una serie de pasos a lo largo del tiempo. Desde ser un pasatiempo, a una disciplina, hasta una moda; pero hoy en día lo presenciamos como un estilo de vida. La rama de deportes y maneras de ejercitarse ha venido variando y expandiéndose también con el pasar de los años, lo cual permite jugar con los distintos diseños de ropa y accesorios que se disponen para utilizar en cada uno de ellos.

en lo que fue la moda masculina la marca que primero tuvo impacto en la industria fue lacoste, dicha marca nace del gran jugador de tennis jean rene lacoste

De los primeros deportes que se practicaron y que poco a poco fueron definiendo un estilo en la manera de vestir fueron el golf, tenis, polo, entre otros. Dichos deportes se veían

por ejemplo, pantalones livianos de tela blanca o crema, camisetas con cuello y acompañadas por un sweater con cuello ‘V’ con una distintiva costura trenzada. Con el pasar del tiempo, se reconoció que era una manera poco cómoda para entrenar, entonces los pantalones fueron cambiando por shorts y ya no se utilizaban los sweaters.

De los primeros deportes que se practicaron y que poco a poco fueron definiendo un estilo en la manera de vestir fueron el golf, tenis, polo entre otros Por: Carolina Gómez caracterizados primeramente por su elegancia, pero gracias a la búsqueda por la comodidad y practicidad en el deporte, fueron variando. La manera más común de vestir para practicarlos era utilizando colores claros, como

En lo que fue la moda masculina, la marca que primero tuvo impacto en la industria fue Lacoste. Dicha marca nace del gran jugador de tennis Jean René Lacoste y sus diseños se mantienen hasta la fecha. En cuanto a moda femenina, se comenzó a notar una moda inclinada a un ‘look’ más o menos masculino, y lo único prácticamente distinto era la parte de abajo, que en vez de pantalón utilizaban faldas largas de paletones; pero toda la parte superior era muy similar al uniforme de los hombres.

el ejercicio y los deportes se volvieron selectivos, la ropa comenzo a ser disenada solo para cierto tipo de personas, pero a la vez comenzaron a aparecer mas accesorios deportivos

Después de crear tendencias de modas no prácticas en épocas antiguas, ahora nos desplazamos a cuando el deporte se consideró una disciplina. El ejercicio y los deportes se volvieron selectivos; la ropa comenzó a ser diseñada solo para cierto tipo de personas, pero a la vez comenzaron a aparecer más accesorios deportivos. No existía mucha variedad de diseños, más que solo lo funcional, diseños básicos, genéricos y prácticos. Los accesorios que acompañaban ahora al deportista eran para hacer que cualquier cosa que se hiciera durante el entrenamiento físico fuera más sencilla y no quitara tiempo de la rutina. Es así como salieron a la venta las botellas de agua de fácil uso, ropa más cómoda, zapatos adecuados para todos los distintos tipos de usos que se le vayan a dar, bandas de pelo que retienen el sudor, entre otras muchas más. De nuevo cabe recordar que en esta fase había variedad de

artículos, más no variedad de diseños. Es así como pasamos a la tercera etapa del ejercicio: la moda. Las rutinas de ejercicio y los diferentes estilos de deportes comienzan a tomar una nota atractiva para todos aquellos no deportistas. Sus cuerpos llaman la atención por lo que más personas se involucran en este mundo, pero no por las razones correctas; por el momento todo sigue tratando de la manera de proyectarse como persona a la sociedad. Comienzan a nacer ‘trends’ como los colores fosforescentes; las camisetas que en un momento fueron prácticas nada más, ahora toman formas diferentes y llamativas. Ahora tanto los hombres como las mujeres exponen su cuerpo de diferentes maneras para atraer o resaltar más dentro de este mundo tan competitivo. Ya no solo se trata de practicidad, sino de lucir bien. Todas las compañías ven este momento

como una ventana de oportunidades infinitas, amplían sus inventarios, varían diseños, tallas, colores, e inventan hasta nuevos aparatos para no solo facilitar la manera de practicar el ejercicio, sino que también para imponer una moda. Es común que todo lo bonito llame la atención, pero las personas siempre se encuentran en constante cambio; es por eso que las modas van y vienen. Es así como llegamos al presente, el famoso estilo de vida. Ya muchos probaron la moda del ejercicio, muchos se fueron al igual que van pasando las tendencias, pero muchos otros permanecieron ya que vieron una oportunidad de salud y mejora de estilo de vida en la práctica de un deporte. ¿El lado positivo? Ya están las cosas bonitas, ya está definida la funcionalidad de las piezas; hoy en día tenemos no solo variedad de diseños, sino que también fácil acceso y comodidad en las piezas que se vayan a usar.

Es interesante ver cómo el diseño se refleja en tantas cosas y cómo ha estado y seguirá estando en constante cambio. Es por eso que siempre es importante informarse de todos los cambios que han ocurrido, para así mantenerse a la vez actualizados de los que están por venir.

Diseño: Sofía Mora

es comun que todo lo bonito llame la atencion pero las personas siempre se encuentran en constante cambio por eso las modas vienen y van

Referencias Bibliográficas Fashion Encyclopedia. (n.d). Retrieved from http://www.fashionencyclopedia.com/fashion_costume_culture/ Modern-World-1919-1929/Sportswear.html History of Athletic Wear in Photos. (2013, January 17). Retrieved May 26, 2015, from http://joyfitnessandstyle. com/2013/01/17/history-of-athletic-wear-in-photos/ 25

tips para

palmarla en

Cuando se acerca el final del cuatrimestre y se acumulan los trabajos finales, a veces es necesario quedarse largas horas en la U trabajando. Para lograr una mejor experiencia te damos los siguientes tips:

poner musica La música relaja y aumenta la concentración. Así que puede ayudar a mejorar la dinámica del trabajo. Si con anterioridad se pidió una clase, se puede poner música para todo el grupo y de esta forma lograr un ambiente relajado y casual.

Preparar los materiales

llevar comida La comida hace todo mejor. Tener una reserva de comida para picar y dulces ayuda a sobrevivir la noche. Se puede pedir comida exprés. Es importante planear esto porque los lugares cerca de la U los cierran a cierta hora de la noche.

Un día antes del día de la palmada, es importante organizarse bien. Planear con anticipación quién lleva qué y dividirlo justamente.

pedir una clase Se puede pedir una clase en registro hasta la hora que uno necesite. Se crea un espacio de trabajo más íntimo y personalizado. Se puede utilizar la clase como un taller de diseño. No olvidar pedir la clase a primera hora en la mañana.

escoger un buen

Es importante escoge trabajo. Un grupo en e lleven bien y trabajen t

llevar ropa comoda

hacer un cronograma

En una palmada se pasan horas y horas en la U, por lo que sentirse cómodo realmente puede ayudar a mejorar la experiencia. No olvidar un buen sweater, ya que ya sea en una clase o en los laboratorios, la noche se hace larga y fría.

tener una buena actitud

La organización es fundamental. Después de horas y horas de estar en la U, uno se empieza a bloquear mentalmente. Llevar un cronograma ayuda a ver qué tan rápido se está avanzando y a tener claro todo lo que se tiene que realizar.

Es importante mantener una buena actitud toda la noche. Trabajar en un ambiente tenso y hostil es muy desgastante. Con una buena actitud se logra tener una mejor disposición y el trabajo sale más rápido y mejor.

hacer descansos

grupo de trabajo

Si se trabaja demasiado sin descansar, el cerebro se bloquea. Si es posible trabajar en diferentes cosas del trabajo después de cada descanso, se logra que el cerebro se despeje aún más.

er un buen grupo de el que las personas se todos equitativamente. Diseñ 27 o y esc rito por: Sofía Mora

Comer es uno de las pocas actividades que logra involucrar los 5 sentidos del cuerpo humano. La presentación entra por la vista, el aroma del platillo por el olfato, la textura por las manos y el paladar, el sonido de texturas y ambientación por el oído y el sabor por el gusto. Pocas actividades hacen que los sentidos se involucren y funcionen como un todo. Por esto mismo la comida no es solamente para comerla sino para embarcarse en toda una experiencia. La comida es definida como el conjunto de sustancias alimenticias que se consumen en diferentes momentos del día; no obstante es una actividad que se realiza con fines fruitivos o gratificantes. Comer por comer es fácil, tendemos a comer y salir del paso por la rutina tan ajetreada que se vive actualmente. Fisiológicamente está bien: se desayuna, se hacen dos meriendas al día, almuerzo , cena y pare de contar. Pero para las personas como yo, y no puedo ser

la única persona, comer no significa sentarse en una mesa y consumir los alimentos solo porque sí.

La comida es amor

Comer es toda una experiencia, es algo que logra involucrar cultura, familia y hasta amor. ¿A qué me refiero con esto? La comida es una de las actividades que logra reunir a las personas, que las hace compartir y sentarse en una mesa para unirse y disfrutar. Tanto en reuniones o fiestas familiares como en restaurantes o actividades, el centro de unión siempre será la hora de la comida. Es el momento en el que todos paran sus actividades personales, se reúnen en un mismo lugar y comparten algo en común. La comida es amor, y el amor es comida. Este pensamiento tiene toda la razón, ya que esta actividad demuestra que al cocinar uno desprende amor y cariño en lo que se está haciendo. Este pensamiento puede sonar un poco irreverente para las personas

diseño, se trabaja con el balance de sabores, el equilibrio entre sustancias, se tiene un conocimiento previo acerca de las técnicas que hay que utilizar, se plantea un diseño visual en el plato, luego se da a degustar y se espera su retroalimentación. Lastimosamente el comer en sí no se lleva el crédito que merece, dejando de lado el mérito que sí se le da a la gastronomía profesional. Hablo de la gastronomía y cocina que nace por amor puro a la comida. De esos restaurantes que tienen el núcleo en la familia, en las personas cercanas. Estos que nacen para poder compartir su amor con otras personas. En los últimos años la comida ha ido revolucionando la manera en que pensamos, vivimos y comemos hoy en día. Las personas se han vuelto más conscientes y demandantes a la hora de comer.

que no ven el grado de cariño y dedicación que tiene la comida y al significado de unión y la actividad de compartir que esto conlleva. Todos estuvimos presentes mientras se cocinaba algo alguna vez en nuestras vidas; no todos cocinamos y somos astros de la cocina pero por lo menos hemos visto a algún familiar preparando algún platillo en alguna ocasión importante. Siempre que hay alguna actividad, fecha, ocasión especial la importancia se ve reflejada en lo que se cocina. Jamás la comida de un almuerzo familiar o un domingo casual será la misma que una comida de Nochebuena en Navidad. Horas y horas de preparación y detalle, demuestran el cariño que se le pone a un manjar como los que se sirven para estas ocasiones. El paladar se vuelve cada vez más caprichoso y busca que lo asombren

con comidas nuevas y exóticas, pero la comida hecha con amor siempre tendrá un encanto que dejará feliz y contento al consumidor. Por esto mismo la comida no es solo para comer sino para compartir, disfrutar, sonreír y gozar; y lo más importante: la comida es amor.

La comida es diseño

El diseño siempre se ha relacionado con las gráficas visuales, productos, edificaciones y demás. No obstante el diseño está en todo lo que hacemos, vemos y vivimos diariamente. Uno de los diseños que más ignoramos y al que no se le da el mérito correspondiente es la comida. Piénselo bien la comida es como cualquier otra disciplina del diseño. Se inicia con un concepto inicial, se hace un plan de trabajo, se buscan los componentes necesarios para su

La revolución gastronómica en San José está en auge; en el pasado año se ha visto un incremento sustancial en los cafés, pastelerías artesanales, restaurantes que buscan representar la cultura costarricense y compartir el amor que la comida puede darle a otra persona. Uno de los lugares que ha tenido mayor relevancia en esta revolución gastronómica es “El Paseo Gastronómico La Luz”. Así como suena: es un paseo, una calle en medio de Barrio Escalante llena de distintos restaurantes y lugares que le dan vida a San José mediante la gastronomía de alta calidad. Entre algunos restaurantes que podemos nombrar están: Beer Factory, Lounge, Keidas Bar Restaurante, Luna Roja, Olio y el Ristorante Italiano L’Ancora. A continuación se explicarán los atributos más fuertes que resaltan en cada lugar y que logran darle vida al Barrio Escalante en el Paseo Gastronómico de La Luz.

Beer Factory: un lugar distinto en medio de San José donde se pueden disfrutar de deliciosos almuerzos, aprender sobre la cultura de la cerveza y saborear variedad de platillos. El bar cuenta con más de 100 tipos de cerveza y la cocina prepara platillos creativos estilo gourmet para ofrecer múltiples opciones de maridaje.

Ristorante Italiano L’Ancora, Da Ciro: una excelente opción para quien desea vivir una auténtica experiencia culinaria 100% italiana de la mano del chef y propietario Ciro Genova, quien entrega su pasión por la comida y la atención personalizada, creando la perfecta atmósfera para disfrutar el encanto de las verdaderas costumbres gastronómicas y hospitalidad italiana.

Keidas Lounge, bar restaurante: se centra en un menú ejecutivo con 40 opciones diferentes diarias. Perfecto ¿Por qué se considera la comida para los que disfrutan de tardes de diseño? El diseño de comida es ese café o vino, cenas o tapas con delici- diseño que se derrite, que explota, osas bebidas con música en vivo o de que empuja, que es espumoso y que mezcla y rearma lo que conocemos conciertos. como gastronomía; es lo que logra Restaurante Luna Roja: consiste en transformar y crear algo nuevo que un acogedor espacio donde se puede nunca antes había existido en térmidisfrutar de un menú de comida tradi- nos de sabor, consistencia, temperatura, color, textura y experiencia. cional, regional y de innovación. Restaurante Olio: un restaurante que logra brinda un gran variedad de Como cualquier diseño al innovar esalmuerzos, cenas, bebidas y cafés a tamos creando, pero al compartir y al experimentar cosas nuevas estamos todos sus clientes. 31

diseñando. Estos restaurantes han ido diseñando experiencias que han logrado que las personas de Costa Rica disfruten de una experiencia de comida y diseño excelente. La comida nos une En Costa Rica la gastronomía ha tenido un auge espectacular en los últimos años . El poder que tiene la comida para unir a las personas es increíble, logra reunir a miles de personas y crear experiencias mediante festivales, fiestas, reuniones, almuerzos. El Paseo Gastronómico La Luz ha logrado darle vida a Barrio Escalante y por esto mismo este 2015 se dio el primer Festival Gastronómico Nacional, donde participaron todos estos restaurantes anteriormente mencionados; fue un punto de encuentro donde se compartió música en vivo, degustación de comidas y bebidas, venta de comidas, conferencias y exposiciones de arte. Se logró reunir a miles de personas que disfrutaron de buena compañía,

excelente comida y fomentaron la cultura de nuestro país. Y todo empezó con una simple comida. Siempre se andan buscando maneras de cómo lograr comunicarse con las personas; en diseño se buscan maneras de cómo interactuar con el público meta sin darnos cuenta de que una de las mejores maneras de llamar la atención y reunir a varios grupos de extraños está frente a nuestros ojos: porque la comida es amor, la comida es diseño y la comida nos une. Diseño por: Sofía Mora, Ingrid Navarro e Ignacio Campos. Referencias Bibliográficas FoodDesign (2014). iFood Design International Food Design Society. Consultado en http:// ifooddesign.org Ray, K (2015). Food, Culture and Society. Consultado en http://www.food-culture.org/ fcs-journal/ ScoulaDesign (2014). Food Design. Consultado en http://www.scuoladesign.com/master/ food-design/

Steel, C (2009). How Food Shapes Our Cities. Consultado en https://www.ted.com/talks/ carolyn_steel_how_food_shapes_our_cities Allaboutnow (2015). Allaboutnow. Consultado en http://pingonow.tumblr.com Wild and Grizly (2015). What would you spend £100 on? Consultado de http://www.thesweetestoccasion.com/2012/03/entertaining-ideas/ Carnets Parisiens (2014). Buns Au Pulled Pork. Consultado de http://www.carnetsparisiens. com/2014/03/03/buns-pulled-pork/ What Katie Ate (2012). Mini beef and pork sliders with brioche buns. Consultado de http://www.whatkatieate.com/recipes/minibeef-and-pork-sliders-with-brioche-buns/ Tworedbowls (2015). Budae JJiggae (korean army base stew). Consultado de http:// tworedbowls.com/2015/01/07/budae-jjigae-korean-army-base-stew/#comments Daily Mail UK (2009). Pea, basil and mint soup. Consultado de http://www.dailymail.co.uk/ home/you/article-1166417/Recipe-Pea-basilmint-soup.html

Diseño para la mente La ciencia y el diseño de la mano Por: José Daniel Rodríguez.

“No tengo miedo de empezar de cero” -Steve Jobs

El cambio Desde hace varios años, el ámbito del diseño ha tenido grandes cambios en su modo de operar, tales como la inserción de la computadora al proceso de diseño, la digitalización de la fotografía y la incorporación constante de medios más efectivos, interactivos y personalizados. El siglo veintiuno no ha sido la excepción; el avance tecnológico

queda fuera del campo del diseño y es llevado a cargo por neurocientíficos y especialistas de otras disciplinas que estudian al cerebro y el comportamiento humano ¿De qué trata esta nueva tendencia? ¿Qué tiene esto que ver con el diseño? ¿Cómo lo puedo aplicar? A continuación nos sumergiremos en los aires nuevos de la comunicación científica, la cual nos lleva a diseñar con propósitos fundamentados, no meramente intuitivos.

Prediciendo el futuro El mundo de la publicidad, el mercadeo y el diseño tienen mucho tiempo de trabajar en conjunto; sin embargo, hoy se unen a este ámbito la neurociencia, la sociología, la antropología, la psicología, la semiología y la biología, con el fin de responder a las preguntas de ¿Por qué las personas actúan como actúan?

La búsqueda de control es intrínseca a la humanidad desde sus inicios. Desde hace miles de años hemos ideado desde simples lanzas hasta sistemas informáticos con un propósito en común: tener el control ¿Por qué buscamos tener el control? Sencillo, el control nos da poder. La publicidad y el marketing en su corta trayectoria en la historia, han sido disciplinas muy inexactas debido a la base intuitiva de muchas de sus acciones. Se han ideado métodos con el fin de aumentar la efectividad, tales como encuestas, focus groups, estudios de datos estadísticos, entre otros; pero siempre persistía un amplio rango de fallo. La razón: La variable con la que trata la comunicación es más compleja y más difícil de entender. Por ejemplo, la medicina parte de principios biológicos generalizados para todos los seres humanos, con sus obvias variaciones de persona a persona, y la aviación, lo hace de manera similar pero con principios físicos. ¡Y dan muy buenos resultados! ¿Qué pasa con el comportamiento humano? Hoy se ha demostrado científicamente que son muchos los factores que lo determinan. Aspectos biológicos, sociales, culturales y psicológicos son solo parte de los propulsores que llevan a un ser humano a actuar de una manera determinada. Hoy en día se están creando metodologías interdisciplinarias de estudio cada vez más efectivas, que lanzan datos focalizados aplicables a la creación de estrategias de marketing y publicitarias más poderosas. Estos estudios se realizan midiendo las reacciones fisiológicas neuronales, oculares, psicológicas; a esto se suman investigaciones antropológicas como la etnografía para entender el punto de vista cultural del

segmento estudiado. Recopilando, analizando y extrapolando los datos se obtienen resultados muy precisos del significado que va a tener un mensaje, producto o idea para aquel al que se dirige. Esto ayuda a fabricar estrategias más robustas para alcanzar objetivos cada vez más específicos. La clave yace en un principio básico de la comunicación: si el emisor conoce al receptor, codifica un mensaje que el receptor va a decodificar de manera sencilla y efectiva. Si se conoce al público meta, se pueden formular estrategias de marketing, publicitarias y creativas que satisfagan la mente del consumidor de manera placentera y hasta posicionar un mensaje que tenga efectos a mediano y largo plazo, rompiendo el paradigma de que la publicidad solo produce efectos a corto plazo, como es el caso de la aseguradora GEICO con su amistosa lagartija que nos activa el cerebro con su efecto emocional.

Llegamos al diseño ¿Cómo es que llega a ser importante la información anterior al diseño? Los equipos modernos de comunicación a partir de los estudios explicados anteriormente, sabiendo qué espera y qué no espera el público meta, diseña las diferentes piezas con fundamentos; por ejemplo, se determinó que redondear los vértices en los sitios web aumenta un 14% la conexión emocional del usuario, pequeño detalle de diseño que genera grandes resultados. Para el diseñador esta metodología va a significar un menú de recursos persuasivos que aplicar en las piezas de diseño, no como muchos piensan, imitadores de creatividad. 35

ejemplos:

El diseñador del futuro

¿Estoy diseñando para mujeres u hombres? Se ha descubierto que la mujer es capaz de manejar más información en una pieza que un hombre ya que posee una visión más amplia. El hombre, por su pasado de cazador, tiene una visión focalizada donde presta mucha atención a un elemento. Más para las mujeres, menos para los hombres.

Los diseñadores modernos deben tener una mente amplia y estar preparados para afrontar el cambio. ¡No hay que preocuparse! La cada vez más científica comunicación, nunca podrá dejar por fuera a las mentes creativas. El diseñador seguirá siendo una herramienta clave para la creación de mensajes.

El ser humano es sumamente básico: una idea con la que se sienta profundamente identificado puede cambiar su forma de pensar inmediatamente. Por esto es importante conocer el público para el que se diseña; una imagen puede cambiar totalmente la percepción de la pieza. El 85% de las decisiones son llevadas a cabo de manera subconsciente. En tan solo segundos el cerebro se aburre, hay que darle motivos para que se interese positivamente. Significa la necesidad de nuevas ideas, nuevos diseños y mucha creatividad.

Hay que reconocer que todavía muchas agencias no aplican estos sistemas, por el poco tiempo que se acostumbró a darle a la investigación, generación de estrategias y diseño de las campañas. Las nuevas metodologías dan cada vez más resultados, por lo que no sería ninguna sorpresa ver cómo estos nuevos métodos se emplean el mercado publicitario.

¡Recuerda! 1. Tú siempre le prestas atención a la palabra “Tú”. 2. El cerebro del hombre y la mujer son polos separados ¿Para quién diseñas? 3. El cerebro ama el número 3, ¡Aun no se sabe por qué!. 4. Las mujeres se llevan bien con composiciones más complejas. 5. Con el hombre, sé simple. 6. En el diseño web, los bordes redondeados aumentan un 14% la conexión emocional. 7. Usa los signos de pregunta y admiración, nos encantan. 8. Transmite emociones, son más efectivas que las palabras. 9. No diseñes para la gente, diseña para la mente. Referencias Bibliográficas Jurgen Klaric. (2012). Estamos ciegos. Lima, Perú: Editorial Planeta Perú S. A. Diseño: Ignacio Campos, Ingrid Navarro y Sofía Mora.

Velkopopovicky Kozel Diseño por: Yurko Gutsulyak Cliente: Efes Ukraine Se creo el diseño de edición limitada que pretende reflejar las antiguas tradiciones de los Checos, cada lata es una parte de la República Checa. Cada lata de cerveza se ve como un obsequio al cliente donde al desenvolverla ve el mensaje dentro de ella.

ta comunicación con el consumidor. La presentación de un producto es fundamental, tanto es así que puede ser un factor determinante del éxito o el fracaso de un producto. Aunque se realice mucha publicidad, y aunque sea superior a las demás macas, el consumidor decide qué comprar cuando está delante del producto, y en ese momento lo único que ve es la etiqueta, la caja, el envase o el empaque que lo contiene. El packaging contiene, protege, conserva, transComo diseñadores, creativos y pu- porta, informa, y se vende. blicitarios debemos tener presente que el packaging tiene como objeti- Un buen packaging es uno de los elevo primario atraer la atención de los mentos que hace más perdurable la clientes y ser la principal y más direc- imagen de un determinado producto.

Cada vez que vamos al supermercado nos topamos con una infinidad de marcas y productos que muchas veces ni siquiera conocemos o habíamos visto anteriormente, al haber tantas opciones se dificulta la toma de decisiones a la hora de comprar un producto por más simple que sea. Con tantos productos en el mercado, el diseño de los empaques ha convertido en un factor muy importante a la hora de comprar.

Así que la creación de un diseño de packaging llamativo, que sea reutilizable y funcional convierte al envase en un valioso atractivo. Pero además debe de poderse reproducir por varios años y esto lo hace un verdadero reto, aún más teniendo en cuenta que hoy en día las tendencias en diseño industrial exigien envases y empaques biodegradables o renovables debido al gran impacto ambiental que están teniendo éstos por sus materiales tóxicos que son contaminantes de los recursos naturales.

Butter better Diseño por: Yeongkeun Jeong Cliente: Butter Better El empaque de la marca Butter Better no es solamente estético, sino que también es funcional, son porciones individuales de mantequilla que salvan cualquier momento ya que ofrecen el untador.

Cinco ventajas de tener un buen empaque 1

Fácil identificación: Resalta rápidamente por encima de la competencia en los anaqueles.

Identidad original: Un empaque diferente a los demás que sea coherente promueva y venda, le da mucha identidad a una marca.

Comunica valores positivos de la marca: denota planeación y creatividad

Si contiene la información necesaria sobre el producto y la marca se convierte en une referencia de confianza.

Es la vía más rápida de enganchar al consumidor: tener un look atractivo y funcional genera una excelente carta de presentación.

Diseñando Packaging Para diseñar un empaque o envase hay que contemplar el producto para el que se diseña el packaging. Además las recomendaciones de la empresa deben ser seguidas con atención y valorar ciertos aspectos que se deben de considerar a la hora de diseñarlo.

Amola rebranding Diseño por: Arithmetic Creative Studio Cliente: Amola Salt El empaque de Amola Salt tuvo un giro completamente diferente ya que antes era común y no representaba lo que la marca quería transmitir con sus productos. El estudio canadiense se dió a la tarea por crear esta marca totalmente nueva, empaque y etiqueta, expresan que lo principal a transmitir es la necesidad vuelta en un lujo.

• Aspectos comerciales de la empresa: público al que va dirigido, canales de distribución, antecedentes en la comercialización de productos similares, etc. • Aspectos relacionados con la distribución: tipo de almacenamiento, gestión de almacenes, puntos de destino, transporte utilizado, etc. • Imagen de la compañía. • Aspectos legales.

cionarán el concepto de packaging que se maneja hoy en día. Como por ejemplo: bolsas que alargan la vida de las frutas y verduras, films que cambian de color cuando la carne se pone mala, entre muchas otras novedades. Son envases activos, inteligentes y amigables con el ambiente que encontraremos muy pronto a nuestro alcance para disfrutarlos.

La investigación científica, los nuevos materiales revolucionarios y los avances tecnológicos innovarán y evolu-

Bibliografía Señor Creativo. (2013). Qué es el Packaging. 27/05/2015, de Código visual Sitio web: https:// codigovisual.wordpress.com/2009/07/06/que-es-el-packaging/

Diseño por: Ignacio Campos, Sofía Mora e Ingrid Navarro.

Grรกfica populaR

costarricense

Grafitica Sussy Vargas- Carolina Goodfellow Por: NAtalia Orozco.

“Caminando por las calles de San José, con los renovados ojos de quien busca algo escondido en lo burdo y lo diario,nos dimos cuanta de los maravillosos tesoros gráficos que ostenta la ciudad, una especie de galería urbana llena de frescura e ingenuidad dentro de un espacio caótico y temperamental. “ -Sussy Vargas & Carolina Goodfellow

Este libro de Grafitica nos hace reflexionar sobre los valores históricamente desplazados en los territorios de la marginalidad, la cual ahora parecieran ser la actitud cultural mas reiterada de nuestro tiempo. Las calles de nuestro país esconden trazos difusos entre lo “culto” y lo “popular” un valor y un recurso de la comunicación que lidera una buena parte de la visualidad en nuestras ciudades latinoamericanas: la gráfica popular. Denominada como tal a partir de la procedencia social de sus ejecutores e ingeniosidad de las soluciones sígnicas que la distinguen . Se ha convertido en protagonista y una alternativa de discurso que desde la perspectiva actual de diseño publicitario, favorece la identificación de la imagen local como un recurso diferenciador en un entorno cada vez más globalizado y uniforme. Gracias a esto se han abierto desde las universidades y otros centros de relación vinculados a la institucionalidad del arte y el diseño, un importante espacio de reflexión sobre una de las formas de expresión en las que más se preserva el sentido de autenticidad de la comunicación como una forma primaria de socialización y como un recurso inequívoco de supervivencia de valores identitarios.

Nos hace ver el reflejo de su visión comercial diferente, plasmada en paredes de una soda, de una peluquería o de una verdulería, teniendo vida propia que realmente es algo muy original y creativo, por personas anónimas que desde años crear un movimiento mas libre para llamar la atención, que identifican o marcan diferencia o simplemente que descubren ilusiones, confiesan errores y en ocasiones, establecen un dialogo con el espectador al provocarlo o alburearlo. La gráfica popular es transitoria en su gran mayoría, no pretende ser permanente ni alcanzar el nivel de una obra de arte, que en su proceso de comunicación reproduce imaginarios colectivos a partir de un lenguaje simple y fácil de comprender . Diseño: Ignacio Campos, Ingrid Navarro y Sofía Mora Bibliografía: Goodfello Sánchez, Carolina y vargas,Sussy.(2014). Grafitica.Grafica popular costarricense. Editorial roger Union Prints. http://www.experimenta.es/blog/sussy-vargas-ycaro-goodfellow-grafitica-4983

“A diferencia de la gráfica profesionalizada, En la gráfica popular se expresan inevitablemente, Todos los planos del fenómeno comunicacional” (Norberto Chaves,2009)

Campos laborales diseno del

Por: Andrea Hidalgo y Paula Santos

Donde laboramos?

Es común encontrarse con una interrogante a lo largo del desarrollo de la carrera de Diseño Publicitario: ¿En qué áreas del diseño se puede desarrollar un profesional de la publicidad actualmente? Pues es una duda que pasa en algún momento por la cabeza de todos. Hemos contactado a diferentes profesionales en esta área que podrán contestar todas tus dudas.

NURIA ESTRADA

COORDINADORA DE EXCELENCIA ACADÉMICA / PROFESORA

“Desde el punto de vista de trabajo el diseño publicitario es el diseño más interdisciplinario que hay. ¿Por qué? Porque usualmente se trabaja en grupos, en grupos que desarrollan proyectos grandes, proyectos en donde no solamente se trabajan identidades, sino que se trabajan campañas publicitarias completas en donde se hacen actividades de publicidad, relaciones públicas, de promoción, de mercadeo directo, de mercadeo interactivo…Y en todos ellos, ¿qué es lo que vamos a usar? Medios. Entonces todos ellos se convierten en una fuente de trabajo para el diseñador publicitario. Es más, hay campos en donde usualmente un diseñador publicitario no tenía mucha injerencia, pero que en la actualidad está adquiriendo gran importancia. Esto se

puede ver en la construcción de una página web; ya no trabaja solamente el animador o el técnico puramente, sino el diseñador para ver todo el aspecto de diseño, cómo voy a navegar, qué voy a ver cuándo abro. Entonces también ese es un campo enorme que se ha abierto. Y en producción, el diseñador publicitario hace los guiones; entonces él tiene que ver con gran cantidad de trabajo. En la televisión, es el que dibuja el guión, el que dice de dónde a dónde va una escena, e incluso, el que indica específicamente qué va a pasar en esa escena, y esa es la base sobre la que todos los demás trabajan. Entonces, para mí las áreas de trabajo de un diseñador publicitario son tan grandes como su propia iniciativa”.

fernando quiros

PROFESOR DE EL CURSO PRODUCCIÓN GRÁFICA

“Pienso que el campo laboral ha ido cambiando a como ha cambiado la tecnología. Entonces yo apunto a que los diseñadores jóvenes como ustedes vayan a trabajar en campos que tienen que ver con la tecnología, con productos tecnológicos, todo lo que es diseño de apps, diseño web, libros digitales, catálogos digitales, publicidad específicamente para la web. Y todo esto debe especializarse, ya no se puede pensar con el mismo lenguaje que hemos hecho hasta ahora; es un lenguaje nuevo, un lenguaje digital, en donde se debe fomentar incluso la interacción del usuario, que el usuario pueda agregar algo, pueda modificar algo, que dé una respuesta, que se sienta parte del medio, que se inserte en el medio. Es-

tamos en un universo donde necesitamos compartir. La única manera de subsistir en la sociedad actual es al compartir, entonces en la medida en que tomemos en cuenta al usuario y éste pueda aportar algo al producto vamos a tener éxito. Claro, eso necesita estrategias. Por eso, más que todo, yo pienso en el diseñador como un estratega de comunicación.”

“Pienso que dentro del campo laboral del diseño hay muchas posibilidades de trabajo; para empezar, hay muchas empresas con necesidad de mejorar su marca personal, ocupan mejoramiento de la imagen corporativa y constante control acerca de su imagen y estar llamando la atención del público. Es algo que la gran mayoría de las empresas grandes ocupan, y en caso de pequeñas empresas requieren una identidad lo suficientemente fuerte para que quede en la recordación, por lo que ocupan un identificador fuerte, y para todo esto es necesario el diseñador. Por otro lado otras empresas que requieren bastante diseñadores y con constancia son las editoriales, ya que ocupan velar no solo por la parte gráfica, sino por todo el proceso de

diagramación arte final y el éxito final del libro (ventas).

Bueno, ahí lo tenés, hay un sinfín de posibilidades en las que un diseñador publicitario puede desarrollarse, es ahora tu decisión. ¿En qué querés laborar vos?

alma fuentes

TRABAJADORA EN DISEÑO INDEPENDIENTE

Un diseñador en general tiene un campo amplio de trabajo, el problema es que los recién egresados de la Universidad solo ven como posible trabajo una agencia publicitaria, pero el campo laboral es muy amplio y muy necesitado de un diseñador.

Guillermo tovar “Creo que la mejor opción hoy por hoy es el emprendedurismo. Empezar un negocio propio. Virtualmente todo compañía grande o mediana necesita una proyección de imagen. La idea sería identificar cuales necesitan renovar la imagen y trabajar directamente con ellas. Hay un curso muy bueno, de una gente que se llama Pejibaye Consulting”. PROFESOR DEL CURSO VIDEO-ANIMACIÓN

! QUIZ! que tipo de disenador sos?

¿Te consideras una persona creativa?

¿Tus dibujos por lo general son en 3D?

El diseno no es para vos

¿Te imaginás a tus personajes cobrando vida?

SI animador

SI SI

¿Andás siempre ¿Te interesa el proceso de la preparado para capturar creación de cada marca? un momento especial?

corporativo

¿Siempre has querido programar y crear sitios web con un diseño mega cool?

¿Te gusta estructurar textos e imágenes para una revista tan cool como esta?

ensenanza

¿Tenés habilidad para hablar en público?

SI blogger

¿La computadora se ha empezado a convertir en tu nuevo mejor amigo?

¿Te interesa relatar tus propias historias a un público cibernético?

ilustrador fotografo

¿Te llama más el lapiz y el papel?

¿Tenés habilidad para escribir?

NO editorial 49

resultados quiz Cual crees que es tu campo?

Bueno, ahí lo tenés, hay un sinfín de posibilidades en las que un diseñador publicitario puede desarrollarse, es ahora tu decisión. ¿En qué querés laborar vos?

diseno editorial

diseno web

fotografia

Tenés una personalidad que te permite ser organizado y esquemático. La prudencia caracteriza tu trabajo, sin embargo, también se deja ver tu sensibilidad en tus escogencias del diseño, en esos pequeños detalles que todos los demás no ven. Podés llegar a ser un poco solitario, pero no te molesta porque te sentís acompañado cada vez que se inicia el programa InDesign. Tal vez podés estresarte fácilmente porque te importan los detalles y te frustrás por no poder dibujar como un profesional, pero no te preocupés, que lo que no traés de dibujo, lo traés en perfección para la diagramación.

Te caracterizás por estar siempre a la vanguardia y por tu increíble habilidad con la tecnología. Te apasionás tanto con generar buenas páginas web que has generado una seria adicción al café para mantenerte despierto a altas horas de la noche. Sabes que pertenecés a esta categoría cuando los programas que más utilizás son Photoshop, Ilustrador, Flash y programas de desarrollo web como Dreamweaver. Sos fácilmente sugestivo pero te encargás al mismo tiempo de generar nuevos trends en el diseño que serán apreciados en todos los celulares de los de tu generación.

Te calificás por ser una persona sociable, hasta incluso un poco filosófica, sin dejar lo técnico y lo bohemio de lado, por supuesto. Sos persuasivo, pues tenés que manejar bien a los modelos con los que trabajás. Claramente te atrae el entorno y la belleza la encontrás en esos rayos de luz que iluminan el objeto de tu fotografía a la perfección. Sin duda alguna, el mejor día para vos es cuando tenés una cámara en mano.

ilustracion

animacion

diseno corporativo

Cuando de ilustración se trata, sos crítico a tal punto que te podés considerar un perfeccionista al extremo, pero con una increíble justificación: cada vez que tomás tus materiales de dibujo creás una obra de arte digna de estar en un museo o una galería. Tenés tendencia a ser disperso pero esto se debe a que te fijás en detalles que luego pasarás a tus dibujos. Tus programas favoritos son ilustrador y photoshop, aunque bien sabés que nada supera al lápiz y al papel.

Sos un buen candidato para especializarte en animación digital! Te caracterizás por ser paciente y tranquilo, incluso, a ratos serio, pero esto se debe a que necesitás toda tu energía para darle vida a esos entretenidos personajes y ambientes que creás en tu mente para la pantalla. Evidentemente tu amor es la tecnología y lo demostrás en la cantidad de trabajo que le invertís a tus proyectos.

A esta rama también se le llama branding y te fascina. Te obsesionás por los detalles sobre las compañías, su historia, la competencia entre ellas, etc. Sos competitivo por naturaleza pero es eso mismo lo que te mantiene actualizado en tu área. Te vuelven loco los impresos, la identidad de marca, el packaging y la creación de productos digitales. Tu fortaleza son tus habilidades comunicativas y eso es lo que te distingue dentro de todo ese amplio mercado.

blog

ensenanzas

Te encanta generar una crítica constructiva, dar tu opinión, hacer posibles predicciones en el área del diseño y hasta incluso enseñar a través de la web en tutoriales o a través de recomendaciones. Te enamora la teoría detrás de esas geniales campañas y te interesan las figuras importantes en el diseño. Tenés un talento para la escritura y eso llevará tu blog muy largo.

Tenés un amor profundo por la enseñanza a tal punto que lográs transmitir tus conocimientos y emoción por tu profesión en cada una de tus lecciones. Lográs introducir a muchos al ámbito y enamorarlos perdidamente de la rama; después de todo, el hablar en público en un aula o en un salón de conferencias te hace la persona más feliz del planeta. Tenés el talento de predicar la palabra de los grandes diseñadores y de generar en tu aula a la siguiente generación de grandes diseñadores.

Referencias bibliográficas: Flores, J. (2015). Áreas y Disciplinas del Diseño Gráfico – Debate. 16 julio 2015, de origenarts Recuperado de: http://origenarts.com/areas-y-disciplinas-del-diseno-grafico-debate/ Marín, F. (2015). 8 versiones del diseñador gráfico: ¿Te identificas? (parte II). 16 julio 2015, de creativosonline. Recuperado de: http://www.creativosonline.org/ blog/8-versiones-del-disenador-grafico-te-identificas-parte-ii.html Diseño: Sofía Mora, Ingrid Navarro e Ignacio Campos.

Historietas como arma de marionetas Por: Andrea Barantes

A través de la historia el hombre ha utilizado los medios de comunicación colectiva para delatar y hacer denuncia social de los males que acosan a la sociedad.

escenas , algunas veces serias y otras cómicas, que llegan a conmover al lector sobre los derechos del ser humano y su libertad.

Las historietas dentro de los periódicos o internet se convirtieron para muchas personas un modo de escapatoria para poder hablar de aquello que ellos quieren expresar pero que la sociedad les prohíbe escribir dentro Entre ellos han utilizado recursos de una noticia . Sus mensajes son cócomo, radio, periódico, televisión , digos secretos dentro de ilustraciones dentro de lo que se plantea denun- para que los lectores o las víctimas no cia social en el periodismo ,diferentes se sientan solas dentro del caos de la ilustradores han tomado la decisión sociedad. de crear controversia en los folletines , creando historietas denunciando te- Dentro de las influencias más impormas tales como corrupción, diversi- tantes de las historietas se encuentra dad de ideologías, corrupción, indife- Supertiñosa un cómic hispanoamerirencias sexuales, religiosas , políticas, cano creado en Cuba en los años 1950 entre otros. Los personajes creados , como burla de Superman y dándole en dichas historietas creadas por au- importancia al espíritu revolucionario tores llenos de palabras que ilustrar contra el imperialismo de la cultura se manifiestan como marionetas ver- capitalista. En resumen la historieta bales y gráficas que llevan a través de Supertiñosa aparte de ser un cómic

de América reivindicó el poder de crítica mediante parodias en los comics norteamericanos, que ya se estaban convirtiendo en un negocio puramente corrupto. Para ellos la mejor forma de expresar sus pensamientos críticos era haciendo burlas de lo que pasaba en sus alrededores , creando una conexión importante en el público de habla hispana.

que denuncia todo mal de una forma graciosa y coherente. Su creador chileno tuvo que escapar de su país e instalarse en México por los grandes problemas que sus tiras cómicas creaban , sus palabras e ilustraciones crearon revueltas en Chile, de tal modo que José Palomo fue exiliado. A partir de los años 90 los grandes empresarios empezaron a ver las historietas como un arma hacia sus pequeños, pero Los ilustradores que elaboran las tiras grandes fraudes comerciales. cómicas generan en sí una crítica social de los problemas que ellos creen, Aparte de criticar o defender un puno se encuentra más enfatizados como to de vista mediante los comics, tamcorruptos; son en sí criminales bajo bién un punto fuerte de las historieuna hoja de papel, el hecho de plas- tas es el entretener a los lectores. Un mar su opinión generando controver- ilustrador que hace dicho objetivo sia en aquellos que leen todo lo que es Joan Cornella, de origen español este dibuja se ve como un delito ante y cuyos comics se basan en divertir y los ojos del gobierno, esto mismo le hacer reír a las personas por medio de pasó a José Palomo , creador de la his- sus historietas, estos empiezan con un torieta el Cuarto de Reich ; tira cómica mensaje confuso pero terminan con

Homeless por Joan Cornellá

una gran sonrisa en las personas, el hecho de que Joan Cornella dedique su tiempo en hacer comics de este tipo, le ha generado a él un gran reconocimiento a nivel mundial , sus obras se entienden sin escribir ningún mensaje dentro de ellos , a diferencia de los demás, su comunicación averbal genera un sentimiento de intriga en las personas en indagar lo que el autor quiso decir desde el principio, sus historietas generan entretenimiento general para cualquier persona bajo un mundo caótico. Para terminar con las diferentes referencias se encuentra Mafalda, su trayectoria dentro de la historia del periodismo y de los comics ha generado un gran impacto en las personas , su autor Quino genera controversia a partir de un persona ingenuo ante todo mal del universo , comunicando así un mensaje poderoso hacia los lectores seguidores.

Superman por Supertiñosa

r a e r c a r a Pasos p a t e i r o t s i h a un

1. Escribe lo que quieras expresar No todo tiene que ser real, puedes encontrar una historia o un objetivo que criticar pero dentro de un mundo que no existe, eso le genera al lector una diferencia entre lo real y lo imaginario pero igual le interesa lo que este esta denunciando.

2. Decide cual es tu estilo de dibujo Dentro del mundo de las historietas hay un sin fin de estilos , tales como manga, superhéroes clip art, no ir, muñecas de palitos, tira cómica de diario. Hay que tener en cuenta que lo más importante es que el mensaje se entienda, así que se recomienda escoger el estilo que se le tiene mas confianza.

4. Crea un boceto de tu historieta 3. Elige un formato Los comics tiene tres tipos de formatos, están los de una sola viñeta, que suele ser humorísticos, estos comics no requieren mucho detalle en la parte gráfica ( depende del autor) pero sí mucho énfasis en su mensaje, también los comics políticos o críticos se generan dentro de este formato. Luego se encuentra la tira cómica de una secuencia de cuadros donde se generan una o dos hileras de 3 o 4 cuadros donde los personajes o el mensaje van a tomar acción, por último se encuentra las historietas de una página entera donde los cuadros no se encuentran en forma horizontal sino que el autor tiene la libertad de generar los cuadros de acción de diferentes formas.

Es importante antes de crear la historieta , crear un boceto para aclarar donde se van a encontrar los personas, cual va a ser la idea centrar del cómic, y si estos dos encajan entre sí. También dentro del boceto se le debe dar mucha atención a que su composición tenga sentido para los lectores.

5. Dibuja el comic Lo más importante en una historieta es el mensaje , este debe de entenderse cuando el lector termine de leer el contenido, este tipo de “escritura” es un simple medio para que los ilustradores se puedan expresar de forma libre sobre los problemas de la sociedad que hoy en día atacan al país, por ello las historietas han creado un gran cambio en el mundo y lo seguirán haciendo, es un medio que nunca pasará de moda, pasará de papel al internet pero igual será un arma de todo autor para aquellos que se esconden de la realidad.

Bibliografía http://es.wikihow.com/hacer-un-comic Diseño por: Ingrid Navarro, Sofía Mora e Ignacio Campos

PECADOS CAPITALES DEL DISENADOR PUBLICITARIO Por: Natalia Chaves

Se puede decir con certeza que todas las personas que estudian diseño tienen algo en común, esto los une pero al mismo tiempo los hace diferentes de cada diseñador; la tendencia a equivocarse. El hecho de equivocarse no es malo, dado que es un proceso de aprendizaje y que poco a poco los hace más críticos ante los trabajos que desarrollan. Pero, ¿qué pasa cuando estos errores se cometen una y otra vez y terminan siendo horrores “garrafales”?

MALO ES VER EL ERROR Y NO HACER NADA PARA MEJORAR Los errores nos ayudan a mejorar como diseñadores, es por esto que es necesario tener en cuenta los siete pecados capitales de los diseñadores publicitarios, errores que NO se deberían de ejecutar y siempre tener en mente a la hora de trabajar en un proyecto.

NO ENTENDER EL BRIEF

Si no se tiene una idea clara de lo que el cliente quiere, la ausencia de un brief puede dificultar y alargar el proceso creativo, teniendo como consecuencia la perdida de tiempo y trabajar en ideas innecesarias.

SOLUCION: Es de suma importancia entender lo que el cliente busca, por eso es importar tomar notas, intercambiar ideas (no encasillarse en el criterio propio si no preguntarle a otras personas qué opinan sobre el trabajo) y mantener contacto con el cliente para que pueda ver los avances y los cambios en el trabajo.

FORMATO CORRECTO Es de mucha importancia conocer el formato correcto de cada trabajo, por lo tanto hay que tener en cuenta que los formatos varían. Si hablamos de un trabajo que posiblemente se pueda imprimir, este se guarda en formato CMYK y a 300 ppp (puntos por pulgada). Si estamos trabajando con un documento digital, como el que se usa para el diseño presente en páginas web, este debe ser guardado en RGB y a 72 ppp. Además de los formatos, es necesario incluir las fuentes, los perfiles de color y las fotos que fueron utilizadas en el documento.

TIPOGRAFIA

El escoger la tipografía ideal para un trabajo puede ser difícil y se tiene que escoger de manera sabia, conociendo la psicología de esta. Debido a esto, es importante tener una idea clara de lo que se tiene que buscar. No se deben de usar muchas tipografías en un solo documento, dado que esto genera confusión y no ayuda al diseño.

REGLA DE ORO: En un documento es recomendable utilizar o mezclar dos fuentes diferentes y los tamaños deben de ser los correctos para generar énfasis en puntos específicos del documento, esto brinda dinamismo a la composición. Utilizar una fuente que posea derechos de autor y que sea legible.

HORRORES ORTOGRAFICOS

Antes de entregar un documento es de suma importancia revisar la ortografía de este, ya que este paso puede ser la diferencia entre un buen trabajo o un trabajo hecho sin esmero.

SOLUCION: Sacar tiempo para leer el documento antes de cualquier impresión o presentación.

IMAGENES

Muchas veces para diversos productos es necesario el uso de imágenes. Hay que tener cuidado de cuales imágenes escoger, ya que el uso de fotografías “tradicionales” que se encuentran con facilidad en la web, pueden restarle originalidad al diseño.

RECOMENDACION: Utilizar bancos de fotografías como Shutterstock o utilizar fotografías tomadas en una sesión fotográfica para lograr sobresalir del montón de fotografías que pueden haber de forma libre en la internet.

PLAGIO

Una palabra que asusta, que no tiene que confundirse con las referencias y que todos los diseñadores no deben de tomar a la ligera. El plagio no pasa desapercibido y es por eso que la originalidad es una pieza clave en el diseño.

TOME NOTA: Con el crecimiento de la internet y las redes sociales, es más fácil conocer quien ha hecho plagio, por esto mismo, es muy importante ejercitar la creatividad.

TENDENCIAS

La tendencia se puede definir como un elemento, acción o suceso que esté de moda y es temporal. Al crear un diseño en base a una tendencia, este al poco tiempo de haber sido creado puede caducar.

RECOMENDACION: Utilizar recursos que se adecuen a la marca o trabajo y que reflejen parte de los objetivos que el producto o marca quiere transmitir al público.

REFERENCIAS PAREDRO (2013). 13 errores comunes que cometen los diseñadores. Consultado en http://www.paredro.com/13-errores-comunes-que-comenten-los-disenadores/3/ Jelanie (2014). A loft home in Amsterdam. Consultado en http://blog.jelanieshop. com/interior/a-loft-home-in-amsterdam/ A feminine Tomboy (2014). Sin título. Consultado en https://www.pinteres t .co m /p in /27676 0339576 456 4 01/ Diseño: Sofía Mora

DISENADORES CONsCIENTES SON DISENADORES FELICES Es necesario conocer que se comenten estos errores para poco a poco ir eliminándolos. También nos ayuda a ser conscientes de que cada trabajo que se crea no posee ningún pecado capital y que si tiene algunos de estos errores, saber que hay solución.

2015 COnvergencia De talleres y otros oficios

Este año, la semana de Convergencia, que tuvo lugar del 20 al 23 de julio, trajo a estudiantes y profesores la posibilidad de experimentar y acercarse a conocer mejor sobre diferentes técnicas expresivas y a desarrollar aptitudes en torno a la estrategia y la creatividad. El nombre “De talleres y otros oficios” sugiere aspectos esenciales para el diseñador actual, inmerso en tecnología y en competencia por la creatividad. Fue así como durante esos días, hubo talleres planificados para todos los niveles de los estudiantes de la Escuela. Específicamente se contó con el aporte de David Carvajal (JW Thompson) a cargo del Taller de Creatividad; Ronny Villalobos (JBQ Grey) quien impartió el Taller de Estrategia; Walter Behrens (UCR) con el Taller de Tipo-

grafía y Daniel Zúñiga (Contraforma) quien organizó el Taller de Serigrafía. Ellos también ofrecieron en el último día de Convergencia, unas charlas que resumieran lo esencial de los temas que desarrollaron en los talleres. En la charla de Serigrafía, Daniel Zúñiga quien mostró con claridad que la serigrafía como técnica no muere: evoluciona. En efecto, la serigrafía tiene cada vez más fuerza, al ser un método de impresión rápido, económico y de calidad. Su constante reinventarse permite hacer uso de distintas tintas y pigmentos, por lo que es una forma ideal de expresión creativa. Por su parte, el tipógrafo Walter Behrens mostró cómo la tipografía es fundamentalmente necesaria en las distintas áreas de la comunicación

visual y por tanto su conocimiento debe ser medular en el diseño curricular. Mediante la explicación de las distintas leyes ópticas, dejó claro que la tipografía es parte del lenguaje visual y debe ser considerada como un medio, no como un fin en sí misma. Para finalizar, David Carvajal habló sobre los publicistas del futuro, que, paradójicamente, son los actuales. Enfatizó en que un publicista no debe creer que por hacer cosas buenas, él en sí mismo es buen. Tres consejos para ser un buen publicista son: decir la verdad, considerar que se habla a personas, no a consumidores y ser “buena onda”, es decir, los publicistas del futuro son quienes ayudan a las marcas a hacer el bien.

El nombre “De talleres y otros oficios” sugiere aspectos esenciales para el diseñador actual, inmerso en tecnología y en competencia por la creatividad

ALICIA 150 ANOS DES PUES Como parte de Convergencia, se convocó a un concurso abierto para profesores y estudiantes, aprovechando los 150 años de la creación de “Alicia en el País de las Maravillas”. La convocatoria daba libertad de técnica y se buscaba representar a Alicia en la actualidad, 150 años después, suponiendo cómo se vería hoy. Las propuestas recibidas se expusieron en la Galería Roberto Sasso, y los ganadores se eligieron por los votos recibidos para cada propuesta. En este caso, es importante hacer referencia a cuál fue el origen de “Alicia”, por lo que se ofrece un recorrido breve a sus antecedentes: Charles Lutwidge Dodgson mejor conocido como Lewis Carroll era hijo de un reverendo de una iglesia cristiana en Oxford, Inglaterra y un aburrido profesor de matemática y lógica; pero cuando estaba con niños se transformaba pues sentía una atracción casi mística que traducía en sus fotografías de niñas semi desnudas, cosa que en esta época hubiese sido muy cuestionada. En una tarde de verano del año 1862, como era una costumbre, salió de picnic con las hermanas Liddell, cuya familia lo tenía prácticamente adoptado, sintiendo una especial fascinación por Alice de 10 años. Más tarde decidieron navegar por el Río Támesis donde les contaba historias, les cantaba canciones e inventaba juegos divertidos. Alice le pidió que le escribiera un cuento, y él recopiló varias

de las narraciones en un libro que llamó Alice Adventures under ground, le hizo algunas ilustraciones y en noviembre de 1864 lo terminó y se lo mostró a Alice como regalo de Navidad. Varios de sus amigos lo motivaron a publicarlo, por lo que comenzó a trabajar en una nueva edición y le agregó otros personajes como el gato de Cheshire y los miembros de la reunión del té; de esta forma lo fue transformando y lo llamó Alice’s Adventures in Wonderland. Satisfecho de su obra, fue a buscar a un ilustrador, su amigo John Tenniel, quien era un reconocido caricaturista político, por lo que le solicitó se lo ilustrara. Carroll, como buen perfeccionista, nunca aceptó la versión de Alice que hizo Tenniel, pues no se le parecía a la verdadera Alicia. En 1965, Alice Liddell llevó el libro a la Editorial Macmillan, lo publicaron y 150 años después es el libro más publicado después de las obras de Shakespeare y de la Biblia; no se ha dejado de imprimir en más de 300 versiones, más de 140 lenguas entre idiomas y dialectos al extremo que según Mark Burstein (presidente de la Sociedad Norte Americana Lewis Carroll), la literatura para niños moderna se puede dividir en BC (before Carroll) AD (after Dodgson). También se considera el libro que más estrategias de marketing ha generado con películas, obras de teatro, musicales, óperas, ballet, fotografía, exposiciones, moda, juegos, blogs, aplicaciones, libros de cocina, pelí-

culas, comic, álbumes, muñecos, etc. Asimismo la versión de Tenniel ha quedado grabada en el imaginario a tal punto que a pesar de que la obra ha sido ilustrada por grandes maestros de la gráfica, el público sigue prefiriendo las ilustraciones de Tenniel y le han dicho en tono de broma en las actividades del 150 aniversario “el sesquicentenniel”. Tenniel es el responsable del atuendo victoriano de Alicia, su pelo rubio y largo con vestido de colores celeste con amarillo y delantal blanco; más adelante en 1951 Disney marcaría el estilo de la Alicia que más reconocemos en la actualidad, ambos lejanos de la Alice Liddell de pelo corto, negro y aspecto un poco desgarbado y desafiante no muy acorde con las niñas de su época. Alice in Wonderland es un libro que ningún ilustrador debe privarse de leer e intentar ilustrar, al menos un detalle. Nichols, C. (2014). Alice’s Wonderland a visual journey through Lewis Carroll’s mad, mad world. New York: Race point Publishing. En el concurso participaron varias propuestas. Al final se otorgó una Mención a la profesora e ilustradora Virginia Ramos, quien participó del concurso representando a la parte docente de la Escuela. Los ganadores de los primeros tres lugares por votación del público fueron: Javier Yep (I y II lugar) y. Con todas las actividades quedó evidenciado una vez más que “Convergencia” se ha convertido para la Escuela de Diseño y Comunicación Visual en un espacio donde convergen y divergen diversos pensamientos sobre el diseño, que es justo lo que lo hace un espacio rico para la germinación de nuevos contenidos y creatividad. Diseño: Sofía Mora

Ganadores

Profesora ganadora: Vicky Ramos

Segundo lugar: Javier Yep

Primer lugar: Javier Yep

Tercer lugar: Francine Gomez 63