8. Nuevos productos
Columnas invitadas
16. ¡Un virtuoso del arreglo en guitarra y del tapping a dos manos! Por Mérlindon Crosthwaytt
20. La armonía creativa: la importancia de las colaboraciones entre artistas Por Ferrer León
4. Detrás del micrófono Mosy, talento musical y de producción que predomina
32. En concierto RockerFest: profesionalizar la escena independiente Por Marisol Pacheco
62. Un encuentro
24. La magia de decidir y la maldición de no hacerlo Por Alan García
Desde el estudio
28. Nacho Retally: un score disruptivo
36. Immersiva Lab: por la democratización del audio
Notas del medio
52. CompaSStage: el momento perfecto para aprender de los mejores
54. Gabriel Espinosa: un músico de cuatro llantas Por Germán Palomares Oviedo
Eventos
58. Gonher Tour 2023: una oportunidad dorada
música y el espectáculo
Hacia la recta de fin de año, todo tipo de proyectos se ven venir, en beneficio de los profesionales de la Industria de la Música y el Espectáculo en nuestro país y el mundo. Grandes cantidades de eventos están a las puertas de este mes en adelante, de todos los géneros musicales, así como eventos deportivos y especiales. Festivales, giras, conciertos internacionales y muchos más serán atendidos por cientos de miles de personas, comprobando una vez más que México tiene público para todo. Esperamos que todos los involucrados tengan una remuneración justa y buenas condiciones de trabajo.
Otro de los rubros en los que la producción técnica despliega todo su talento es en los eventos deportivos, y es justo uno de este tipo el que ocupa nuestra portada. Se trata de los Juegos Centroamericanos y del Caribe, realizados esta ocasión en San Salvador, El Salvador y que tuvo en personal y empresas mexicanas el corazón de su realización, tanto in situ como en todo el mundo, a través de su transmisión por televisión y otros medios. En todo el proceso, la inauguración de este evento requirió de una producción meticulosa y visionaria.
Acompañando este tema, nuestro contenido de octubre incluye las columnas invitadas, reportes de conciertos y reseñas de equipos de reciente aparición, manteniéndonos al día.
Les invitamos a visitar todas nuestras secciones, para ir calentando motores hacia el final de este 2023.
¡Gracias por acompañarnos!
D i r e c c i ó n Jorge Urbano
E d i t o r a y c o p y w r i t e r
Nizarindani Sopeña
D i s e ñ o Héctor Barrera
S t a f f E d i t o r i a l
Marisol Pacheco
A d m i n i s t r a c i ó n Beatriz Camacho
Daniel Villavicencio
Fabiola Nájera
V e n t a s y M e r c a d o t e c n i a Claudia Pérez
D i g i t a l M a r k e t i n g C h i e f Edith García
E d i t o r A u d i o v i s u a l José Luis Careaga
C o r r e s p o n s a l G u a d a l a j a r a Juan Carlos Flores
I n t e r n e t www.soundcheck.com.mx info@musitech.com.mx
T e l é f o n o
(55) 5240 1202
Revista mensual. Año 26, No. 302. Editor responsable: Jorge Raúl Urbano Calva. Número de Reserva al Título de Derecho de Autor: En tramite. ISSN: 1665-8949. Distribuido por medios propios. Editado por Musitech Ediciones y Eventos, Jinetes 47, Fracc. Las Arboledas, C.P. 54026, Tlalnepantla, Edo. de México. Miembro de la Cámara Nacional de la Industria Editorial Mexicana No. 3327. Hecho en México con orgullo.
Orgulloso miembroNizarindani Sopeña Romero X (antes Twitter): @soundandvision7 Instagram: Nixsopena
Productor, compositor y guitarrista, Mosy comparte su inventiva y aptitudes técnicas para la producción musical y discográfica tanto en su proyecto solista como con Ritmo Peligroso, banda a la que pertenece desde hace más de una década. Su gusto por la música pop ha sido un factor de desdoblamiento creativo constante, aplicando el conocimiento adquirido durante el furor del género en los años ochenta y noventa, cuando vivió en México e Italia y donde vivió distintos emprendimientos en agencias como Conceptos.
La crisis sanitaria dejó en Mosy muchas secuelas que influyeron en su forma de trabajo, pero esto lo inspiró para desarrollar conceptos propios: “La pandemia fue terrible para mí -como para tantos-, porque tuve que cerrar el estudio que apenas había echado a andar en 2019, y cuando me di cuenta de que no iba a cambiar pronto la situación, pensé: ‘hay que tomarlo con filosofía artística y aprovechar el momento para trabajar en los discos que quiero hacer’. Me llevé la parte del estudio a mi casa y con eso también fui armando los streamings en vivo que hice; me puse a crear y explorar. Utilicé una técnica distinta para componer y obligarme a desarrollar el desafío de hacer el disco homenaje al pop que me encantaba de los ochenta y noventa: Tears for Fears, Jamiroquai, Depeche Mode, Duran Duran, Lenny Kravitz, Prince, The Police. Quería hacerlo a mi modo y estilo, un tributo a ese pop que siempre me ha gustado, pero no había estado en mis otros discos”. Así se desarrollaron las ideas que dieron vida a su disco “El Conde y las Crónicas del Pop”.
“Básicamente, lo que hice fue componer todo directamente en el secuenciador, usando las bases; muchas de las ideas de preproducción fueron con Reason, que me encanta porque es muy intuitivo y tiene muchos sonidos, me divertí muchísimo. Estoy patrocinado por Steinberg, entonces puedo acceder a muchos juguetes que, ya en la faceta de producción, llevé a algo más profesional”.
Además de producir su propio disco, Mosy se involucró en el álbum de cuarenta aniversario de Ritmo Peligroso “Pachanga peligrosa”, durante el confinamiento: “El mismo proceso de preproducción para ‘El Conde y las Crónicas del Pop’ aplicó para el álbum de festejo de la banda. A lo largo del tiempo, Piro y yo habíamos platicado sobre ideas y de ahí fui armando cosas en Cubase, con todas las herramientas hermosas que tiene de instrumentos virtuales, que luego complementé grabando guitarras. Armé demos completos que tenían ya su línea para muchas canciones; fui eligiendo las que coincidían en concepto y personalidad, y se las mandé a Piro (que estaba en Los Ángeles). Luego pudo venir y aprovechamos para trabajar más los temas que queríamos sacar”.
Todo 2021 fue de preproducción de ambos discos y fue casi un semestre del año siguiente cuando se abordó la producción, con el reto extra de añadir invitados al de Ritmo Peligroso, como Alex Lora, Dr. Shenka (de Panteón Rococó), Rubén Albarrán, Leo de Lozanne, Sax y Sabo Romo, en coproducción con Piro.
En cuanto a la mezcla de “Pachanga peligrosa”, ésta fue hecha por Mosy: “Realicé la producción, mezclé y la masterización la hizo Scott Hull (que es un buen amigo de nosotros) en Masterdisk. El proceso de autoproducir es complejo y sencillo a la vez y ahora que hemos podido tener herramientas de preproducción y he expermentado cómo grabar y aplicar lo aprendido en estudios, me puedo hacer cargo de esos procesos, porque en mi caso, he compartido y aprendido de mucha gente”.
“He aprendido que puedo desdoblarme en cada rola, porque también tengo claro que lo importante es la canción. Cualquier mezcla o masterización, así como la producción, está en el ámbito de las apreciaciones; hay diferentes caminos. Ritmo
Peligroso es una banda de rock latino y por eso la batería tiene que ser lo más importante a nivel percusivo, y las demás percusiones complementan eso. Tenemos un trabajo muy fuerte de remates entre “Pinaca” y “El Gato” para que no estén empalmados, para que haya un complemento, y entonces se oye muy bien cuando lo ponemos en la imagen estéreo. Ritmo Peligroso suena muy rockero, porque al final es eso: una banda de rock”.
Para este disco, el proceso de producción incluyó la participación del estudio Disco Ciudad, de Emiliano Aquino, donde se capturaron baterías, percusiones, la mayoría de los bajos y algunas voces. “Desde ahí, mi labor ahí ya fue de productor; en mi estudio hicimos guitarras, teclados y sintetizadores, percusiones menores y otras como timbales y congas, además de muchas voces de Piro. Emiliano nos ayudó en la parte de grabación de todas las bases que hicimos”, amplía Mosy.
De “Pachanga Peligrosa”, ya había canciones nombradas: “Fuimos decidiendo el sonido para cada una, en particular ‘Dejen a los niños en paz’, que se fue por algo soul rock, casi
Mosy forma parte de la comunidad Steinberg y está patrocinado por Seymour Duncan. Su equipo de producción se basa en una tarjeta Steinberg AXR4 (32 bits / 48-384 khz), monitores Rokit 8 Powered KRK, Imac Retina 4k, MIDI controller Keystation 49, Audífonos AKG y Roland, y entre sus micrófonos preferidos están el Neumann U87, el Baby Bottle Sl de Blue y el AKG C414.
Su equipo de guitarras consta de dos Ibanez S Series con pastillas Seymour Duncan Hot Rodded y Fender Vintage Single Coil (blanca y negra), una Fender Stratocaster, una Fender electroacústica de cuerdas de metal con pastilla Seymour Duncan y una Ibanez electroacústica de cuerdas de nylon, además de un bajo Fender Precision.
Los softwares que utiliza para producir, mezclar y masterizar son Cubase Pro 12, Halion 7, Groove Agent, Wavelab Pro 11, Superior Drummer 3 y Reason 12, así como plug ins nativos de Steinberg y Waves 13, entre otros.
power balad, que con la voz de Piro suena muy latino y en la que invitamos a Cecilia Toussaint. Fue muy lindo porque le dio un peso muy grande a la canción. Piro es un tipo muy abierto, nos dimos chance de jugar entre lo hard rock con latino, llevarlo a algo dance o rap, en fin, explotar ideas. Otra canción que nos gustó mucho en su proceso de creación fue ‘Un minuto de silencio’, y fue maravilloso tener a los chicos de El Gran Silencio porque desde antes habíamos querido hacer una cumbia. Ésta se volvió ska y tiene también rock. Luego, ‘Pistolero’ es nuestra ‘Pedro Navajas’: siempre quisimos hacer una salsa rock y se logró. En fin, como productor este disco fue muy gozoso”, menciona Mosy.
Finalmente, las apreciaciones de Mosy respecto a cómo llevar al show en vivo la música -la suya y la de Ritmo Peligroso-, se concentra en conectar genuinamente con el público, potencializando recursos como las redes sociales y un manejo de booking a la medida: “La única técnica infalible que nunca va a perecer mientras exista el arte, es la relación directa con el público. A mis otros proyectos (como Mosy & Friends), los muevo con distintas alineaciones de mi banda e invitados (como Sergio Arau y Kazz de Los Amantes de Lola), y según el recinto, convocamos. Las redes sociales juegan un papel muy importante, pero no se trata de hacer muchos seguidores, sino de crear un público comprometido para que puedas tener retribución de tu trabajo y a la vez, una relación personal con la gente que te sigue. Hay que conjugar eso y saber en qué ámbito vive y puede producirse tu proyecto a nivel espectáculo”.
Entrevista: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco
Alimentado por USB-C, este dispositivo se conecta a casi cualquier computadora, tablet o dispositivo móvil sin necesidad de una interfaz o fuente de alimentación externa, para aplicaciones de streaming o podcasts, tan exitosas actualmente. Profile USB lo tiene todo cubierto; ya sea que se opte por el soporte de mesa para una mayor comodidad o el brazo articulado para un posicionamiento óptimo, puede montarse de la forma que desee. Su función de inclinación ajustable lo hace permanecer en su sitio, para que los oyentes también puedan hacerlo. Sennheiser Latin America. 55 4352 2381 sennheiser.com
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La marca continúa ampliando su oferta de plug ins con esta nueva opción, que ya está disponible en varios formatos, incluidos VST2, VST3, AAX y AU, como parte de la creciente suscripción a SSL. SubGen se suma a una paleta de herramientas creativas y de producción de alta calidad disponibles exclusivamente a través de la suscripción SSL Complete, que también incluye el aclamado 4K B Channel Strip y los plug ins BLITZER. Audio Acústica y Electrónica. 55 5655 5505 audioacustica.com.mx www.solidstatelogic.com
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Este nuevo sistema de DJ profesional permite controlar la música de una manera muy accesible, como un(a) director(a) de orquesta. Creando armonía entre un diseño bello y la capacidad de reproducción musical, incluye características nuevas y evolucionadas, como la reproducción independiente de 4 decks. Todo esto se combina para ofrecer una grandiosa experiencia de DJ que aprovechable para inspirar al público en cualquier espacio o lugar.
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Una de las grandes virtudes que posee Rafael Flores es la capacidad de componer complejos arreglos musicales a través de finas armonías, buen gusto y ricos contrastes sonoros. Cada uno de estos elementos brinda a la audiencia la sensación de estar escuchando a varios instrumentos al mismo tiempo. “Soy un poco conservador y me he mantenido al margen de los avances tecnológicos en la música. No uso pistas, ni loopers, ni equipos digitales, sólo mi propio sonido y lo más natural posible”, comenta. Cuando lo veo con sus dos guitarras mientras posa de pie y las toca al mismo tiempo, me recuerda a algún tipo de deidad azteca, en particular a la madre tierra, la diosa Coatlicue de dos cabezas.
Ocho horas diarias y 10 meses de tapping o técnica a dos manos le tomó a Rafael lograr sus primeros arreglos sobre el tema “Fun Dance”, de Stanley Jordan. Era una lección grabada en un sencillo de vinil. Una y otra vez tuvo que regresar la aguja de su tocadiscos, de aquellos años, cada cinco segundos para así detallar la armonía con la mano izquierda y la melodía con la derecha. “Stanley Jordan sube la afinación de la primera cuerda desde la nota Mi hacia Fa y de la segunda cuerda sube desde la nota Sí hacia Do. Esto hace que la mano se vaya moviendo parejo; así aprendí ocho arreglos de su música”, recuerda Rafael. Sin embargo y desde entonces, él se ha acomodado mejor con la afinación normal y realiza sus propios arreglos e interpretaciones.
Rafael comenzó su práctica utilizando amplificadores Gorila, Peavey, Gallien Krueger y Bandit. Con una sola mano por guitarra es complicado unificar la dualidad entre los acordes y las melodías para sincronizarlos con la métrica. “Hay quien piensa o me pregunta: ‘¿En dónde está la pista cuando oyen a mis dos guitarristas?’, agrega Rafael. Con un bajo natural, un tema se oye más grande todavía; sin embargo, el objetivo de Rafael es componer arreglos de guitarra que hagan la función de un bajo. Al agregar un Cord Melodi (acorde y melodía al mismo tiempo) y al juntar las dos guitarras, queda integrado el bajo a través del arreglo que permite la sincronía entre los acordes y la melodía. Un bajista, si fuera el caso, tendría que aprender los arreglos que compone Rafael, ya que éste modula y cambia de tono constantemente.
Un virtuoso guitarrista en grandes producciones Rafael se formó profesionalmente en el Estudio Contemporáneo de Guitarra del profesor Juan José Lavín (Q.E.P.D.). Posteriormente pasó a formar parte de la plantilla de maestros. Las clases de armonía eran muy buenas e inclusive asistían personalidades como el maestro Enrique Nery (Q.E.P.D.), el guitarrista de sesión Miguel Peña, fundador de Los Macorinos junto con Juan Carlos
Allende y quienes trabajaran diez años con Chavela Vargas y hasta hace pocos años con Natalia Lafourcade en la producción “Musas”. Rafael despuntó en grandes producciones en vivo como “Jesucristo Superestrella” con Lola Cortés y Erik Rubín, “Mamma Mia” y en la obra “Si nos dejan”, basada en los éxitos de José Alfredo Jiménez.
Guitarras: Ibanez Musician 1982 con pastillas Dimarzio Hot Rails. Patrocinio de Yamaha con guitarras RGX A2 con pastillas Dimarzio, fabricadas con material de tablas de surf, color blanco, negro y gris. 2 guitarras Washburn. Actualmente, usa guitarras Paul Ortiz Murcio Guitars con cuerdas calibre .09 D´Addario, o cuerdas chinas marca ORPHE con pastillas
Seymour Duncan.
Amplificación: Bose S1 PRO (mini P.A) y un delay Boss DD200.
Ocho horas diarias y 10 meses de tapping o técnica a dos manos le tomó a Rafael lograr sus primeros arreglos sobre el tema “Fun Dance”, de Stanley Jordan.
Cuando Rafael se presenta en vivo, ¡es en vivo! Sólo en ocasiones invita a su amigo y gran percusionista, Horacio Rodríguez “Chito”. También crea música junto a su hijo Eduardo Flores Pichardo, guitarrista, compositor y estudiante de audio. Próximamente estarán en plataforma dos discos de principios de los años 2000, titulados: “Tapping The Beatles” y arreglos de José Alfredo Jiménez o de otras canciones como “La Llorona”, “La Valentina” y “La Rielera”. Rafael disfruta interpretar, al aire libre, sus arreglos para los transeúntes en sitios como la calle 5 de mayo en el Zócalo, Parque México, Plaza Morisco y Plaza Río de Janeiro. Sin embargo, el encuentro fortuito y callejero con el afamado Steve Vai no fue casualidad. Un fan le avisó que el virtuoso andaba en nuestro país. Así como se propusieron encontrar a la Coatlicue, Rafael encontró al maestro en el estacionamiento del Teatro Metropolitan.
La Coatlicue, con dos cabezas de serpiente que se miran así mismas, es la madre Tierra de las dualidades. Rafael mueve al viento y a las aguas: con una mano mece al sol y con la otra despierta a la luna. Su original arreglo sobre el icónico tema instrumental “For the Love of God” impresionó al mismísimo Steve Vai. No oyó lo de siempre, con violentas distorsiones y copias de sí mismo, sino que escuchó y vio algo diferente. Presenció de pie a la deidad azteca de dos brazos y dos cabezas. Percibió, aún sin alcanzar a intelectualizar, a las fuerzas que, desde el Zócalo de la Ciudad de México, unen al mundo y al cosmos. A Rafael lo pueden encontrar en las redes sociales como Rafael Flores Tapping (IG), Rafael Flores (FB), y en el mail: rafaguit64@hotmail.com
CV Mérlindon Crosthwaytt*Guitarrista, compositor y productor. Ex-guitarrista del grupo Kerigma (1989 – 1993), grabó el disco “Esquizofrenia”. Como solista, sacó su primer disco instrumental “Horizontes” en sound:check Xpo 2018. Psicólogo educativo, psicoterapeuta corporal y de pareja, conferencista, consultor en sexualidad, cuenta con el Postgrado CORE Institute of New York. Es empresario, filántropo, fundador y director de la fundación Más allá de la Adversidad AC, para apoyo de personas con enfermedades reumáticas.
Su original arreglo sobre el icónico tema instrumental “For the Love of God” impresionó al mismísimo Steve Vai.
Desde los tiempos más remotos, los seres humanos hemos encontrado en la música una forma de comunicarnos, expresar emociones y conectar con otros. Dentro de este emocionante mundo de la creación musical, las colaboraciones entre artistas han emergido como una fuerza poderosa y transformadora.
Cuando dos o más artistas se unen en un proyecto musical, se crea una nueva dimensión creativa que va más allá de la suma de sus partes individuales. La colaboración musical es como un lienzo en blanco donde cada artista aporta sus habilidades, estilos y perspectivas únicas, dando como resultado algo completamente nuevo y sorprendente. Esta sinergia creativa puede llevar a la creación de melodías cautivadoras, letras inspiradoras y arreglos innovadores que quizás no hubieran sido posibles de manera individual.
Una de las mayores ventajas de las colaboraciones musicales es la oportunidad de fusionar diferentes géneros y estilos musicales. Cuando artistas de distintos trasfondos y culturas se reúnen, se crea una combinación ecléctica de sonidos que enriquece la diversidad musical. Estas fusiones pueden romper barreras y estereotipos, introduciendo al público a nuevas formas de apreciar la música y expandiendo su horizonte musical.
La colaboración en la producción musical alienta a los artistas a explorar nuevos territorios creativos y aventurarse en caminos menos transitados. Al compartir ideas y experimentar con diferentes enfoques, se abre un espacio para la innovación y la evolución artística. La libertad de probar nuevas combinaciones y sonidos lleva a la producción de música audaz y vanguardista, capaz de marcar tendencias en la Industria.
Cuando los artistas colaboran, también tienen la oportunidad de aprender y crecer profesionalmente. Cada individuo trae consigo un bagaje de conocimientos y técnicas propias que pueden compartir y enseñar a sus compañeros de colaboración. Este intercambio de información y experiencia es valioso para el crecimiento personal y profesional de cada artista involucrado, lo que puede tener un impacto positivo en sus carreras musicales a largo plazo.
La colaboración en la producción musical alienta a los artistas a explorar nuevos territorios creativos y aventurarse en caminos menos transitados.
La colaboración musical no sólo se trata de crear música, sino también de establecer relaciones significativas. Trabajar codo a codo con otros artistas implica confiar en el proceso creativo y en las decisiones tomadas en conjunto. Esta experiencia de confianza y cooperación puede crear lazos profundos entre los artistas involucrados, fortaleciendo conexiones personales y profesionales que pueden durar toda la vida.
La colaboración entre artistas también puede tener un impacto positivo en la promoción y difusión de su música. Al unir sus bases de seguidores, los artistas pueden ampliar su alcance y llegar a nuevas audiencias. Además, las colaboraciones a menudo resultan en oportunidades de presentarse en nuevos escenarios, festivales o incluso obtener una exposición mediática a través de entrevistas y reseñas conjuntas.
En un mundo cada vez más interconectado, la música se ha convertido en un lenguaje universal que trasciende fronteras y barreras culturales. Así, las colaboraciones entre artistas de diferentes países y culturas tienen un potencial poderoso para promover el intercambio cultural y enriquecen la diversidad musical global.
Un ejemplo destacado de esto es la colaboración entre la cantante mexicana Lila Downs y La Mari, cantante de la banda española Chambao en la canción “Ojo de Culebra”. Esta fusión de la música mexicana con el flamenco español refleja la unión de dos tradiciones musicales distintas, creando una mezcla única y enriquecedora que celebra la riqueza de la herencia cultural de ambos países.
En la era digital, las colaboraciones musicales ya no se limitan a los confines geográficos. Los avances tecnológicos han permitido que los artistas trabajen juntos de manera virtual, superando la distancia física y abriendo nuevas oportunidades de colaboración. La creación de música a distancia ha llevado a la formación de proyectos internacionales, donde músicos de diferentes partes del mundo pueden colaborar sin estar en el mismo lugar físico. Un ejemplo contemporáneo es el proyecto “Playing for Change”, una iniciativa que reúne a músicos de diversas culturas y orígenes para tocar y cantar juntos en colaboraciones virtuales. A través de esta plataforma, han creado interpretaciones únicas de canciones famosas que buscan inspirar el cambio positivo en el mundo a través de la música y la unidad.
A lo largo de la historia de la música, ha habido numerosas colaboraciones que han dejado una huella indeleble en la industria musical. Ejemplos como la colaboración entre Freddie Mercury y David Bowie en “Under Pressure“ o la fusión de estilos de Santana y Rob Thomas en “Smooth” son sólo algunas muestras del poder transformador de las colaboraciones musicales.
En la actualidad, vemos cómo artistas de hip-hop colaboran con músicos de géneros como el pop, la música electrónica e incluso el regional mexicano, creando mezclas sorprendentes que desafían las etiquetas convencionales y conectan con audiencias diversas. Estas colaboraciones han sido fundamentales para la aparición de subgéneros musicales que fusionan elementos de distintos estilos, atrayendo a un público más amplio y diverso.
Al celebrar y apoyar estas colaboraciones, abrimos la puerta a nuevas posibilidades creativas y al enriquecimiento continuo de la música. Sigamos alentando a los artistas a unir sus talentos, perspectivas y experiencias para crear obras colaborativas que trasciendan el tiempo y el espacio. La música es una celebración de la humanidad, y la colaboración entre artistas es la esencia misma de esa celebración. Juntos podemos continuar explorando nuevos horizontes musicales y crear una armonía creativa que inspire y conecte a generaciones venideras.
*Es productor musical, ingeniero en audio y músico y cuenta con 25 años de trayectoria en diversas áreas de la producción, participando en diferentes proyectos dentro y fuera de México, que abarcan música regional, pop, jazz, rock y orquestas sinfónicas, así como música para empresas y soundtracks. También está a cargo de la producción de audio en la Dirección de Innovación de la Secretaría de Educación Pública. Es miembro votante de los Latin Grammy y cuenta con su propio estudio de grabación, AntenaStudio, en Guadalajara, Jalisco. Pueden encontrarlo en: ferrer@antenastudio.com y www.antenastudio.com
La música es una celebración de la humanidad y la colaboración entre artistas es la esencia misma de esa celebración.
l momento de llevar a cabo una producción musical existen muchas etapas y muchas decisiones a tomar para llegar al resultado final. Desde la etapa de composición hasta la entrega del máster, cada decisión nos llevará por un camino distinto y, por supuesto, afectará al resultado final.
Anteriormente, las limitantes propias del medio usado para la grabación nos obligaban a comprometernos desde el principio, por el número de canales disponibles para grabar o por el equipo al que podíamos tener acceso. En la actualidad tenemos una cantidad ilimitada de tracks y de tomas, muy probablemente una gran cantidad de instrumentos y plug ins a nuestro alcance y por lo tanto, un sinfín de decisiones que tomar. Además, estamos en una época en la que podemos producir desde nuestro home-studio; es decir, tenemos mucho más tiempo disponible que el que reservemos en un estudio comercial, si es que lo llegamos a necesitar. Es algo maravilloso, pero puede ser contraproducente, ya que tener tantas opciones es a veces abrumador.
Por poner un ejemplo, he recibido sesiones listas para mezclar donde me entregan cinco partes similares de guitarra en el coro, cada una grabada con cuatro micrófonos y un canal
directo (DI). Es decir, 25 canales de guitarra para una misma idea. Entonces las opciones son muchísimas, lo cual pudiera ser muy bueno, pues nos da flexibilidad, pero el doble filo en este caso es que se esperaba que yo tomara esa decisión y era muy probable que no atinara al sonido que el artista y productor estaban buscando en primera instancia. En este sentido, la figura y labor del productor se vuelven aún más importantes entre más alternativas tenemos. Es este personaje quien puede apoyar a ver más allá del instrumento que se está grabando y escuchar lo que se busca como resultado final. Esta guía y claridad me parecen invaluables.
cantidad ilimitada de tracks y de tomas, muy probablemente una gran cantidad de instrumentos y plug ins a nuestro alcance y por lo tanto, un sinfín de decisiones que tomar.
Existe una entrevista en la que se le pregunta a Rick Rubin (productor de Beastie Boys, The Cult y Red Hot Chili Peppers, entre muchísimos otros) si sabe tocar algún instrumento, o si sabe algo de ingeniería, a lo que él responde que no, o casi no. El entrevistador entonces lo cuestiona sobre su papel como productor y su respuesta me parece magnífica: “Sé lo que me gusta y lo que no. Estoy seguro sobre lo que me gusta y lo que no. La confianza que tengo en mi gusto y mi habilidad para expresar lo que siento han demostrado ser útiles para los artistas”.
Parece lo más simple del mundo. Decidir si algo te gusta o no, pero la vez es lo más complicado del mundo, pues hay que ver siempre el panorama completo con cada decisión que tomamos.
¿Qué podemos hacer para confiar en nuestro gusto así?
Creo que la respuesta está en tener clara la idea dentro del contexto general y a partir de ahí tener nuestro criterio.
En mi opinión, hablando del proceso de una producción, algo que ayuda mucho es escuchar cada elemento de la forma más parecida al sonido que buscamos como resultado final. Y si no es así, hacer lo necesario para conseguirlo. Es decir, que los instrumentos nos den el timbre que buscamos, la microfonía y procesos también, e incluso puede que nos apoyemos en efectos.
Cuando nuestro enfoque nos da la seguridad de que estamos escuchando el resultado como si fuera el final, es más fácil tomar decisiones. Es entonces que podemos escoger con mayor confianza el sonido que queremos de los distintos instrumentos, saber cuándo tenemos suficientes tomas, y lo mismo para saber qué nos hace falta. Podemos así escuchar los espacios que queremos llenar y los que queremos dejar libres, y darnos cuenta si faltan elementos en nuestro arreglo, como pudieran ser pads, armonías de voz, cuerdas, percusiones, efectos y demás.
Sólo quiero que tengan la confianza para tomar decisiones. Sus oídos y su gusto irán afinándose con cada canción que trabajen.
La magia de esto es que, si nos comprometemos a los sonidos que escuchamos, dejamos menos variables para la siguiente etapa del proceso. El inconveniente de no hacerlo, por no saber lo que queremos desde un principio, es que dejamos nuestra idea sin aterrizar hasta que llegamos a la siguiente etapa y, por lo mismo, corremos el peligro de no poder regresar a hacer cambios si el resultado no es lo que buscábamos.
Al hablar particularmente de la mezcla, hay un concepto hacia el cual siempre gravito, y es el de mezclar rápido, lo cual tiene una enorme ventaja: no pensar. Así, nuestras decisiones se basan en una respuesta simple a cada movimiento que hacemos y a cada efecto que agregamos, y aprendemos a reconocer si algo nos gusta más o no, de manera casi instintiva y basándonos en nuestra reacción visceral y auténtica, sin cuestionarnos. Es casi instantáneo. Hacer las cosas así requiere práctica y autocrítica, pero a la vez es muy gratificante. No es trabajar rápido por hacer menos, sino por no hacer demasiado.
En fin, sólo quiero que tengan la confianza para tomar decisiones. Sus oídos y su gusto irán afinándose con cada canción que trabajen y así tendrán la seguridad de que en cada proyecto que pase por sus manos y por sus oídos habrán hecho lo que para ustedes fue la mejor opción en ese momento.
Además de invitarlos a que me sigan en esta columna, los convoco a que visiten en sunorecords.com/blog, donde trato más temas referentes a la producción musical y en donde comparto más cosas que he aprendido a lo largo de mi carrera. Si algo de esto te fue de ayuda, cuéntame en el correo alan@ sunorecords.com. Me encantará saber de ti.
Dirigida por Rafael Lara, la serie “Pancho Villa: el Centauro del Norte”, una producción de Disney/BTF Media, relata la historia ficticia de Doroteo Arango Arámbula, mejor conocido como Francisco “Pancho” Villa, una de las figuras históricas emblemáticas de la Revolución Mexicana. En ésta, el director convocó al músico, compositor y productor musical Nacho Rettally para hacer el score de la trama.
Nacho y Rafael Lara han formado una relación de trabajo y personal durante 15 años, en los que han realizado películas y cortometrajes: “Nos gusta hacer cosas disruptivas y me dijo que no podía pensar en nadie más para hacer la música de toda la serie. Al principio iba a ver un poco de supervisión musical, pero vimos que se resolvían mejor ciertas escenas y cosas con música original; hice absolutamente todo: desde la contratación de los músicos y producir la música. Fue un trabajo de aproximadamente año y medio”, apunta Nacho.
El proceso se hizo a la par de la filmación para musicalizar un gran número de escenas, como relata el productor: “No sólo fue ir a hacer play o revisar el playback, hice un poco de dirección en determinadas tomas y tuve que ir a varias locaciones en Jalisco y lograr el realismo con los músicos. Rafa fue muy detallista en ese sentido y por eso tomó tanto tiempo. Normalmente se filma la película, se edita y se arma el score, pero acá tuve que estar en ciertas cosas de la filmación y también hacer música previamente; íbamos en paralelo a la grabación para estar muy de la mano con el editor y el diseñador de audio, Micky Sierra y Álex de Icaza, porque no queríamos atiborrar de efectos o música los diálogos”.
El concepto sonoro fue la disrupción para sacar la esencia rebelde y llevarla a diversas atmósferas. Nacho comenta: “Con la música siempre hemos querido dar un toque contemporáneo a lo que hacemos, y cuando te dan libertad y tienes la capacidad de dosificarse con ciertas cosas, lo consigues. Por eso en la paleta de sonidos hay guitarras eléctricas y sintetizadores análogos, pero mesuradamente. Se trataba de transmitir la emoción y cuidar mucho eso, acorde a lo que estaba en la escena. Desarrollamos cosas orgánicamente, sin forzar la narrativa, y creo que la serie se prestó a eso”.
“Entonces, para el cue de la polka en las partes oficiales, que se grabó en Guadalajara en el estudio de Neil Damy y Jorge “Chiquis” Amaro, logramos la sensación de que esos músicos estaban tocando en el lobby del hotel sin tener nada digital. Me traje un sexteto para grabarlo y la primer violín sentía complicada la música, que no salía perfecta
su ejecución, pero justo le mencioné que esa era la intención, porque todo se puede corregir, menos la intención. En este caso, se trataba de que sonaran a músicos de bar, porque eso nos daba más naturalidad”.
Nacho tocó guitarras, bajos, baterías, teclados e hizo samplers. Su laboratorio de creación está basado en Logic Pro y el sonido sintetizado: “Me valgo mucho de la tecnología y en este proyecto utilicé mucho un piano preparado con reverb y en reversa: hacía un tema, volteaba el MIDI y luego tocaba yo con la guitarra en reversa para que esa lira quedara, digamos, volteada. Hago ese tipo de cosas para sacar sonidos diferentes”.
“Tengo muchísimos instrumentos virtuales y también samples hechos por mí, no todo es de librería. Por ejemplo, en una escena de una batalla donde hay tambores, necesitaba uno en específico, así que saqué mi batería, monté unos micrófonos en binaural estéreo, junto a un par más para lograr lo que quería. Yo hago todo, pero conozco mis límites, y cuando requiero ayuda, la pido. El mayor objetivo que cuido es que la música logre transmitir. En algún lugar leí que artista no es el que ejecuta, sino el que logra transmitir o generar inspiración, que me mueva a mí. En eso pienso. Hay otra escena, donde Pancho Villa está con una mujer en una cueva, que pedía hacer algo sin que la música tomara protagonismo o distrajera”.
La suite de producción musical de Nacho rettally
DAW, converters, superficies, software
- Logic Pro X 10.4.8
- MacPro 5,1 Xeon 12 -Core @ 2.6GHz - 64Gb
- Apogee Symphony I/O Mk I 8x8x8
- Vienna Ensemble Pro Library
- NI Komplete 11 Ultimate
- Slate All-Pass Suite
- FabFilter Suite- Melodyne Studio 8
- VocAlign Studio
- LASS Virtual String Library
- Roland Cloud Suite
- Orchestral Tools Virtual Instruments
- Heavyocity Virtual Instruments
Superficies de control
- Slate Digital Raven MTi 2
- Euphonix McMix 8-Fader Surfaces (2)
- Novation Nocturn Plug-In Surface
- Behringer 8-Fader BCF-2000
- Elgato StreamDeck XL
Monitoreo
- Genelec 1037-B, Genelec 1032-A
- Meyer Sound HD-1
- Avantone Mix Cube
- Martin Sound Monitor Max Controller
Periféricos
- Focusrite ISA430 MkI
- Tube Tech CL-1B
- AMEK 9098 Channel Strip Preamp (x2)
- Solid State Logic 383 Twin Channel Strip, Solid State Logic
384 Stereo Buss Compressor
- Lexicon MX400XL
- Akai MFC42
- Yamaha Q2031A (x2)
Microfonía
- Neumann U87A, Neumann KU100
- AKG 414 B-ULS
- Shure KSM32, Shure KSM137 (x2)
- Oktava ML-52
- Apex 460- GT AM62
- Charter Oak SA538-B
- Telefunken M82
- Sterling Sound ST55
- Blue Baby Bottle
-MXL 870, MXL 806, MXL 890, MXL 840
Backline
- Clavia Nord Stage 3, Clavia Nord Lead 4
- Korg Triton Rack (x2), Korg Microkorg
- Moog Ether wave Theremin, Moog Slim Phatty
- Roland D-550
- Novation Nova
- Waldorf Micro Q
- Yamaha Tenori-On, Yamaha TX 816, Yamaha FS1R, Yamaha APX700, Yamaha APX-5, Yamaha TRB 305
- Steinberg Synapse
- Jerry Jones Baby Sitar
- Ovation Celebrity
- Squier Stratocaster
- Jackson Guitar Center Anniversary
- Squier Jazzbass
- Warwick Corvette $$
Los procesos de mezcla y masterización fueron compartidos, explica Nacho: “Entregué mezclas finales, mandé stems con mi mezcla estéreo aprobada por el director y por mí. Micky Sierra se encargó de hacer ese proceso de nivelar o enviar cosas hacia atrás. Se trabajó muy a gusto con el equipo y pudimos acompañar ese proceso también”.
La serie ha gozado de buena recepción, hecho que Nacho Rettally atribuye a que hubo una intención para ello con el proyecto: “Creo que todo lo que se hace con las manos se plasma, no sólo se trata de ser un gran ejecutante, sino de poner en disposición el talento, la atención y la energía en eso. Creamos un concepto que se llama “Música para sentir” y por eso debe quedar plasmada la intención con la que lo hacemos. Así lo quisimos, porque así lo pensamos y lo sentimos”.
Con la misión de brindar un espacio profesional para talento musical emergente, el Rocker Fest celebró su edición 2023 en el Hendrix Circus Bar (HDX) en la Ciudad de México. Ahí se presentaron Víctor Hervank, El Cuarto de Sarah, Baktún, Los Viel, Mattakuria y Plasmodium Vivax como los actos principales, en el marco de un espacio que busca ser escaparate de diversas expresiones artísticas.
El proyecto es una iniciativa de Pentatitlán, una plataforma de radio en línea que, a través de su programa RockerSlam, “La
arena del arte rebelde”, armó una convocatoria en 2019 para celebrar su aniversario, siendo la primera edición un concurso para bajistas y bandas amigas, que evolucionó a este formato de festival, como recuerda su director, Fat Men Santiago (a.k.a Rey Místico, director del festival y conductor del programa): “Hicimos ese concurso y salió bastante bien. Para el siguiente ya había entrado Daniela Ramírez (a.k.a Extraña del Mal, productora del programa y el festival), y se decidió hacer un festival musical. Armamos la convocatoria en el programa, a través de la sección llamada “Bandas destacadas”, y debían activar a sus seguidores para hacer difusión y ser parte del cartel”.
“Nos fuimos con las bandas emergentes porque nos dimos cuenta de que las cosas no están muy profesionalizadas y parte de las misiones del RockerFest es sensibilizar al músico sobre esto y evolucionar con ellos”. Para ser consistentes con esa evolución, el festival fue sumando el expertise de diversos profesionales, como relata Daniela: “Cuando llegué a RockerFest iban a cumplir su tercer aniversario y ya teníamos contacto con algunos productores de teatro, de música independiente y bastante material para darles un espacio distinto. Íbamos aprendiendo cómo organizar un show, ser muy cuidadosos en los detalles y fuimos puliendo cosas a partir de un balance de resultados”.
“La pandemia nos frenó un poco, pero seguimos aspirando a convertir esto en un punto para diferentes marcas y empresarios, un show room para el teatro, el cine y la fotografía, expandirlo a otras áreas, no sólo la musical, pero ahora tenemos bastantes bandas que han creído en el proyecto y quieren participar en el RockerFest; eso nos motiva mucho”.
Un factor clave para el crecimiento en la producción técnica del RockerFest ha sido gracias a la suma de integrantes de compañías como Representaciones de Audio, de iniciativas de formación como RF Latino y de difusión como el proyecto Bananalandia (un videopodcast armado en pandemia por
ingenieros de audio y técnicos en RF, que busca concientizar a los músicos independientes sobre la producción del show en vivo). Este es el caso de Erik Méndez, quien realizó la mezcla de sala y monitores, y así cuenta cómo se dio su participación: “En pandemia, para mantenernos cuerdos, hacíamos cursos para músicos independientes y, con personas como Alejandro Peralta, hicimos un colectivo para armar un videopodcast al que llamamos “Bananalandia”, que surgió porque afirmamos que nuestra industria independiente era bananera y había que cambiar eso, llevarlos a la profesionalización”.
“Nos subimos al RockerFest con la intención de mostrar un poco lo que es trabajar, si no al top profesional, sí con los requerimientos mínimos que pide un show. Hacemos un acompañamiento y sensibilización entre músicos y técnicos. Fat Men es el fundador y productor ejecutivo, y yo me encargué de toda la parte técnica y operativa”.
El RockerFest 2023 contó con una consola Allen & Heath SQ6 para sala y monitores; in ears PSM300 con combinadores con antenas, más inalámbricos ULXD Axient de Shure y microfonía complementaria para batería (Beta y SM81), cajas de escenario Radial Engineering, y además, se hizo una grabación multitrack via Dante. “Lo que estamos haciendo se puede aplicar en más espacios que den oportunidad al talento en México. Creo que la Industria da para más, porque tenemos muy buenos dirigentes, pero hay que empezar a juntar generaciones, porque los que vienen traen mucho ímpetu y hay que encaminarlos; necesitamos armar una buena base para los futuros headliners de México o se van a ir quedando atrás. Hay que invertir en eso, propiciar la profesionalización de la industria independiente”, reflexiona Erik.
Desde su posición en la coordinación de radiofrecuencia (RF), Mónica Luna sopesa también el acierto que ha sido poner foco en este ámbito por parte del festival: “Fat Men y yo nos conocemos desde la escuela -ESIME Zacatenco-, y hemos colaborado en varios proyectos, además del RockerSlam, donde ya estuve en la edición pasada y se ve un salto. Esta vez usamos micros inalámbricos para escenario (3 para instrumentos y 3 para presentadores y la voz principal), más 2 in ears. Son bastantes bandas y algunos performances o intervenciones por lo que todo el tiempo hay gente entrando y saliendo. Me tocó coordinar RF y tenemos listo todo ya calibrado con el Shure Wireless Workbench y RF Explorer para ver el espectro. Estamos ocupando las primeras bandas de frecuencia y no hubo problema, pero hay que estar al pendiente”.
Los equipos del RockerFest 2023
“Está creciendo poco a poco y los involucrados, especialmente las bandas, están aprendiendo de la experiencia sobre el escenario, viven cómo son las cosas en el show en vivo y eso es muy importante, que se den cuenta de todo lo que tienen que poner y cómo deben utilizarlo para que el nivel suba”.
El RockerFest celebró una edición redonda que marcó un nuevo momento de crecimiento. Celebramos con ellos su perseverancia, compromiso y convocatoria. “No nos detenemos con lo que hay y valoramos a quienes siguen confiando como el Instituto Mexicano de Numerología, RF Latino con Alex Peralta, la gente de catering y fotografía que son amigos emprendedores también. En el equipo tenemos chicos que son músicos o ingenieros; queremos darles herramientas para hacer de esto un semillero, una colectividad a favor de la profesionalización de nuestra Industria”, concluye la Extraña del Mal.
Audio
P.A.
(10) Altavoces Musicson Douglas 8-D (arreglo lineal con 5 altavoces x lado)
(04) Subwoofers Musicson BP-212 (Sidefill / Delay)
(04) Monitor Coaxial Musicson MS-12A
(01) Consola Allen & Heath SQ-6 (FOH/Monitores)
Microfonía (Shure)
(01) ULX-D – G50 (Handheld), (03) SLX – G4 (Bodypack / Handheld),
(04) FP – G4 (Bodypack / Handheld), (03) WA304, (01) UA844+SWB, (01) UA874, (01) UA860SWB, (07) UA8x, (01) SB900B, (ULXD2), (01) SBC100-US, (02) SBC200-US, (01) Beta 52A, (01) Beta 57A, (01) Beta 91A, (02) Beta 56A, (05) SM57, (02) SM81-LC, (01) PGA57, (03) PGA56, (01) PGA52, (02), PGA181-XLR, (01) KSM8 (Wireless), (01) KSM11 (Wireless), (01) Beta 87A (Wireless), (01) Beta 58A (Wireless), (01) SM58 (Wireless), (01) SM86, (01) PGA 58, (01) SM58, (01) SM7B, (01) Super 55
Monitoreo (in-ears)
(02) Shure P3T-G20, (04) Shure P3RA-G20, (01) Shure PA821B, (05) Shure SE215-CL, (01) Behringer PM1
Cajas directas (DI) Radial Engineering
(01) Pro-D2, (01) ProAV2, (01) JPC, (01) SB-1, (02) SB-2, (01) SB-4 , (04)
SB-5
Iluminación
(01) Consola Chamsys MagicQ MQ80
(04) Wash Móvil
(05) 10 LED
(02) Flood RGB 54x3
(02) Spot Móvil
(04)
(05)
(06)
(04)
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Fundado a principios de este año, las instalaciones de Immersiva Lab tienen como eje rector el concepto de que la tecnología debe ser para todos. Sus fundadores, Diana Urquiza y Mijael Gutiérrez, están convencidos de que esta actividad humana debe estar democratizada y llegar a todas partes. Es una empresa que da soluciones integrales de audio inmersivo en diferentes rubros y actualmente desarrolla proyectos en sus tres áreas principales: Acoustic & Sound System Design, Music & Home Entertainment Production y educación.
“Como venimos de sectores educativos, llegó un momento en el que pensamos que era muy importante relacionarnos no solamente con las nuevas generaciones, sino con toda la gente que está relacionada con la Industria de la Música y el Espectáculo, entonces empezamos a notar que había una necesidad de llevar la tecnología inmersiva a más personas y que fuera accesible para mejorar las experiencias auditivas para toda la gente”, inicia Diana.
ésta se puede ajustar a los presupuestos. Nuestra intención es ayudar a los profesionales, a los estudiantes y al usuario, porque la experiencia es muy buena”.
El Centro Histórico de Coyoacán, al sur de la Ciudad de México, fue la locación seleccionada para establecer Immersiva Lab. “Nos ubicamos justo frente al mercado tradicional de artesanías, en una zona turística y cultural. Desde ahí empieza la experiencia, porque es un lugar muy atractivo. Al llegar, lo primero que se encuentra son los cuartos de edición, donde tenemos estaciones donde se trabaja la edición previa a la mezcla. Después te encuentras con pasillos tradicionales de Coyoacán y al fondo se encuentra el estudio de mezcla, que tiene una fachada rústica. Cuando abres la puerta, te encuentras con otro mundo lleno de tecnología, con monitores, acondicionamiento acústico y luces neón. Enfrente se encuentran las oficinas administrativas, donde acostumbramos recibir a los clientes y más al fondo, tenemos un espacio de esparcimiento, donde nuestros clientes, artistas y visitantes pueden disfrutar de varias cosas para tener una pausa durante el trabajo”, explica Diana.
Mijael continúa: “Como dice Diana, empezó a acercarse mucha gente que nos hacía consultas sobre cuestiones técnicas del sonido envolvente, ya que es algo que hemos estudiado y trabajado, y también nos dimos cuenta de que hay muchos mitos, como que necesitas equipos muy especial y que si no los tienes no puedes trabajar, o que necesitas invertir muchísimo para tener un estudio con estas características, y es cierto que se necesita una inversión, pero
Juan Santos, director del área de tecnología y diseño de sistemas, agrega: “También contamos con un pequeño booth que sirve para doblaje, y tanto en la oficina como en el estudio tenemos una pequeña bodega para nuestro inventario de conectores, cables, micrófonos y otros periféricos que ocupamos en el día a día.
En cuanto a la adaptación acústica del espacio, Mijael comenta: “Trabajamos la parte acústica con dos personas que fueron mis alumnos y a los que daba asesoría en estos temas, la empresa se llama Free Land Acoustics y estamos en colaboración con ellos para resolver todas las situaciones de acústica, no solamente de nuestro estudio, sino de los otros proyectos que estamos convirtiendo a Dolby Atmos. Ellos se encargan de hacer toda la parte de acondicionamiento acústico y nosotros hacemos todo el diseño del sistema”.
Acoustic & Sound System Design. Entre los proyectos en desarrollo o ya finalizados se encuentran: salas de mezcla Dolby Atmos para Universidad Centro, Signal Studio, Loud and Clear Sound, Sombrero Producciones, ZA Sound Design, De Pe a Pa Studio, Recsville, Rancho Jaguar, Look as Audio, Portal Studio y otros estudios ubicados a lo largo de México, Sudamérica y Estados Unidos.
Educación. Se imparten cursos de perfeccionamiento en diversos temas de sonido inmersivo. Gracias a que son parte de Dolby Academic, han certificado a más de 200 ingenieros y productores para mezcla y producción en Dolby Atmos, en México, Estados Unidos y Latinoamérica.
Music & Home entertainment. Se realizan mezclas en formato Dolby Atmos para música y audiovisual. Entre los artistas con los que se ha trabajado, se encuentran Los Amantes de Lola, La Gusana Ciega, Japónica, Yukun & Nsqk, Melódico y Oscar Calderón, Orión, El Clan, Rosino Serrano, JotDog y “Chiquis” Amaro, entre otros. También se trabaja en mezcla para cortometrajes y se han establecido alianzas para apoyo a talento musical con sellos y agregadoras para producción original y conversión a formato Dolby Atmos.
El staff de Immersiva Lab incluye a Juan Santos Castañeda como director del área de tecnología y diseño de sistemas, Diana Urquiza como directora general y CEO, Luis Mendieta como director del área de diseño acústico y Mijael Gutiérrez López como director del área de producción musical y home entertainment.
“Contábamos con el espacio que cumplía con nuestros requerimientos. Desde el inicio queríamos un estudio dedicado a música y home media, y entre las modificaciones que hicimos, instalamos el booth de grabación. Hicimos el diseño acústico y el del sistema, que tiene a los monitores Neumann como elemento esencial para lograr el formato Dolby Atmos. Se empezó a montar todo, hicimos el montaje de las bocinas, el cableado y las calibraciones, y obtuvimos varias curvas de calibración para que se pueda trabajar con diferentes géneros sonoros”.
Diana agrega: “Se hizo el cuarto dentro del cuarto y en el diseño de sistemas logramos una respuesta plana, que es difícil conseguir en espacios pequeños, pero eso nos permite también que con las curvas se pueda trabajar prácticamente todo”.
Para añadir acerca de los monitores seleccionados, Mijael suma: “Los conocimos en el pasado NAMM, justamente cuando se lanzaron. Pudimos pasar a su sala de audición y nos sorprendieron bastante, porque nos dimos cuenta de que el sonido era muy
bueno, cuentan con un sistema de calibración interna y se pueden ajustar de manera digital, algo que es fantástico. Son pequeños, pero muy potentes, tienen un sistema de anclaje nativo con lo que se pueden fijar perfectamente bien al techo, que es algo que no todas las bocinas de este tipo tienen. En cuanto a la interfaz, tenemos una Galaxy de Antelope, porque con la experiencia que tengo, son muy sólidas y confiables. Tenemos un sistema Avid Pro Tools HDX, pero además, esta interfaz tiene un sistema de calibración de hardware para Dolby Atmos, para ajustar delays, ecualizadores y ganancias para cada dispositivo y tiene su propio procesador y sus propios DSPs, entonces todo el ajuste se hace desde la interfaz y se queda guardado. También tenemos monitores estéreo Focal, con los que estamos muy acostumbrados a trabajar. El sistema está configurado como un sistema 7.1.4, que son siete altavoces abajo, un subwoofer y cuatro altavoces arriba, que para el espacio, es la cantidad de monitores adecuado”.
Para concretar Immersiva Lab, las relaciones con Dolby fueron cruciales. Diana comenta: “Tenemos una muy buena relación con Dolby Estados Unidos, nos pusimos en contacto con ellos y fuimos canalizados a Dolby Latinoamérica, con Giovanni Asselta, y empezamos a trabajar en el proyecto. Ese fue el inicio de toda esta colaboración maravillosa. Posteriormente, le comentamos a los demás socios que tendríamos una reunión con todo el equipo de Dolby, pues además de dar la validación Atmos a los estudios, también capacitamos a empresas y a profesionales del audio. Tenemos una colaboración en curso con Dolby Institute y en otros rubros, como relaciones comerciales y relaciones técnicas para el aval de los estudios y para poder ofrecer nuestros programas educativos en línea y presenciales”.
Juan Santos agrega: “Con la popularización de un formato como Dolby Atmos, hay muchas cosas que vamos a ganar: siempre ha habido una relación muy estrecha, pero a veces muy invisible entre la ciencia, la tecnología y el arte, y en el caso de Dolby Atmos vamos a ganar experiencias culturales y artísticas. Algo que nos puede ayudar a ganar los formatos inmersivos es a tener toda esa variedad y diversidad que nos rodea en todo tipo de arte, tanto en el cine como en la música, las series y los documentales. Podemos tener experiencias completas que antes eran imposibles de reproducir y esto también permite conocer el punto de vista de los artistas o productores audiovisuales. Ahora que
Estudio certificado para Dolby Atmos
Monitoreo 7.1.4
3 Neumann KH120, 8 Neumann KH80 DSP
1 subwoofer Neumann KH750 DSP
Interfaz Antelope Galaxy 32 Synergy Core
Interfaz Antelope ZEN
Audífonos Neumann NDH 30
Software
Mac Studio con M1 Ultra
Waves Diamond Suite
Ircam Web (7.1.2)
Pro Tools Ultimate (2022) con tarjeta HDX
Dolby Atmos Renderer
Dolby Album Assembler
Logic Pro (2022)
Ableton Live con Max for Live
ADR / Doblaje
Iso Booth con pantalla
Micrófonos AKG C414, C3000
Blue Spark
WARM WA-84 (par estéreo)
Audio-Technica AT2020
Shure SM58
estamos re mezclando en Dolby Atmos música anterior, nos damos cuenta de que había sonidos que ni el productor recordaba que estaban ahí. Si bien no es el primer formato inmersivo que ha existido, es el primero que se ha podido hacer accesible, y eso es algo que nos va a ayudar a ganar terreno, no solamente en la experiencia del usuario, sino en la conveniencia que tiene para la industria musical, de tener un solo entregable, que es escalable y que facilitará mucho el servicio de distribución de contenidos.
Diana finaliza: “Queremos ser una empresa que llegue a todo tipo de clientes, en diferentes aspectos de presupuesto, intereses y necesidades. En la conversión de estudios a Dolby Atmos, nosotros apoyamos a que el presupuesto sea suficiente para poder hacerlo. Trabajamos con mucha transparencia, precisamente porque queremos democratizar la tecnología y el conocimiento, partiendo de las necesidades de los clientes. Como todo emprendimiento, siempre hay que estar en movimiento, buscando las nuevas tendencias y apostamos porque la educación sea para todos y todas”.
Alrededor de 35 mil personas asistieron a la noche inaugural de la fiesta deportiva para Centroamérica y el Caribe. La velada fue una fiesta para la sociedad salvadoreña y las autoridades de su gobierno, que pudieron cumplir la épica misión de rehabilitar el Estadio Jorge “El Mágico” González para realizar en tiempo y forma la ceremonia de apertura de los XXIV Juegos Centroamericanos y del Caribe, que incluyó a DJ Marshmello como acto musical.
Con un pronóstico climatológico muy complicado de fuertes lluvias, fue la labor ejemplar de producción comandada por Beandou CAC y las empresas mexicanas Prees Productora de Espectáculos y Eventos Especiales (Prees), quienes sumaron la experiencia Castelein (video), Promedsa (efectos especiales) y ProColor (audio) a la entramada creativa y técnica los que hicieron posible la histórica ceremonia de inauguración en San Salvador 2023. Así relatan lo vivido sus protagonistas.
Carlos Rosanoff / productor
“La invitación fue de Mauro Díaz, director de la empresa Beandou CAC, quienes tuvieron el vínculo con el gobierno de El Salvador. Una de las razones por la que nos eligieron fue que querían usar L-Acoustics y nosotros estamos en lista de proveedores o compañía de renta en México. El primer enlace se hizo en septiembre del 2022 y en una noche armamos junto con ellos una propuesta”.
“Fue un proceso largo, porque el gobierno de El Salvador debía aprobar todos los cambios y autorizar. Dos meses antes comenzó a fluir más el visto bueno de todo, pero nosotros ya llevábamos avanzadas cosas, como la compra de estructuras Prolyte que hicimos con Distribuidora Gonher y de luminarias con certificación IP65 de Chauvet, sabiendo que las condiciones del clima indicaban lluvias. Escogimos un equipo de proveedores en los que confiamos, porque ya tenemos mucho tiempo trabajando con ellos, como Castelein y Promedsa, que tienen una gran capacidad, son muy colaborativos y profesionales en lo que hacen”.
“Se llevó todo desde México y llegamos con todo el show prácticamente programado. Íbamos prevenidos con el tema de la lluvia en todos los aspectos y eso nos dio mucha tranquilidad, porque si bien no tuvimos los ensayos como tal por la tormenta que inundó el estadio una noche antes de la ceremonia, sabíamos que era un show para la televisión e hicimos los ajustes debidos prácticamente el mero día con un monitor de referencia; hicimos los mejor que pudimos y lo sacamos adelante muy bien”.
“Como casa productora nos llenó de orgullo ser parte de esto. Fue un evento muy demandante por la lluvia y las condiciones complicadas de trabajo que vivimos. Se entregó el corazón; nos mantuvimos en modo colaborativo y de servicio porque trabajamos con diferentes instancias y jerarquías y a todos les respondimos adecuadamente, marcando la línea de mando. Esa parte de comunicación organizacional fue un aprendizaje tremendo en este evento”.
“Soy dramaturgo y director de teatro con 30 años de experiencia en las artes escénicas, tuve la misión de conceptualizar el acto artístico de la Inauguración, por invitación de Óscar Montiel. Hice equipo con Antonio Salinas (coreógrafo), Indira Aragón, Mike y Julián González en la música, además de la contraparte creativa de Beandou CAC. Fue un desafío conseguir la cantidad de bailarines profesionales requeridos y enlazar los grupos coreográficos en El Salvador y el armado en México, pero se pudo”.
“Este evento me dejó claro lo de planear bien, su importancia para que, cuando surjan las eventualidades y la sorpresa, todo lo otro esté cubierto. La idea del evento masivo y su dimensión que requiere gente que sepa hacer cada cosa muy bien, sin haberse conocido antes. Nos tocó movernos en esta amplificación de nuestra labor y estuvimos a la altura para resolver”.
“Mi labor fue coordinar los equipos de trabajo, video, audio, estructuras e iluminación. En San Salvador la misión fue crear al mejor equipo entre la gente de allá y la nuestra. Fue una tarea compleja porque teníamos la supervisión de Presidencia de El Salvador, por medio de Comunicación Social y tuvimos que ser cuidadosos de respetar y cumplir las regulaciones de allá, como la que tienen en seguridad en el trabajo para temas como la altura”.
“Fuimos más allá al tener un seguro por accidentes para los 46 técnicos que viajamos de Prees. Prevenimos como nunca: desde tener los equipos en la bodega en tiempo y forma, avanzar con diseños y programación, hasta aprovechar apoyos como el del programa Cero Ocio, que aplican con población privada de la libertad con base en confianza por delitos menores en El Salvador, y que nos permitió disponer de más 250 personas como stage hands”.
“No es el show convencional, teníamos que cumplir con un calendario y su ruta crítica, atender a los involucrados creativos, técnicos y demás, cumplir con los protocolos de Centro Caribe Sports, que es el Comité Olímpico, la parte de protocolo, el show del artista… todos querían probar y ensayar y, por el retraso en la entrega del recinto y las lluvias, no se pudo hacer. Tuvimos que ponernos de acuerdo y hacer las pruebas con lo justo, porque la tormenta de un día antes desechó el plan. Hubo mucha frustración, pero como equipo de producción llevábamos ya planes alternativos y creamos muchos escenarios posibles”.
“Te das cuenta de que no sólo era un show, sino un compromiso político, social, económico, turístico y de derrama económica que recibió el país. Uno como coordinador técnico puede tomar las mejores y las peores decisiones, pero creo que hacer eso y asumir las responsabilidades y hacer que todo el equipo humano esté en sintonía y hagan sinergia contigo, es el resultado del éxito porque eres una pieza más del ajedrez”.
Paola Montoya / tour manager“Mi labor fue coordinar la logística de todos los que viajaron: pasaportes, listas de personal, hospedaje, comidas, transportes, horarios; el escalonado de llegada. La preproducción se hizo desde México y se trabajó de la mano con la producción de los juegos en El Salvador”.
“Se trabajó la comunicación y la tolerancia para acoplarte a la forma de ser de los compañeros y de las diferentes empresas que participaron, como Prees, Promedsa, Castelein y ProColor, ir a otro país, adaptarte a otra cultura y situaciones como la de convivir con los stage hands que, especialmente, fue un grupo de personas privadas de su libertad que asignó la producción en
El Salvador. Aprendes a trabajar con todos y a adaptarte a las formas y personalidades, conocerte a ti y crear una forma de trabajo que funcione para todos”.
José Luis Sánchez Helos / energía
“Mi función fue estar al pendiente de la concentración de energía en los generadores y las plantas de luz; verificar la continuidad de la corriente que se requería para los equipos y su funcionamiento. Se trabajó con un proveedor local que puso 10 generadores, tuvimos conflictos con uno que nos hizo sufrir un poco justo el día de la inauguración porque se le tapó un filtro, pero salimos adelante”.
“No me había tocado un proyecto internacional de estas dimensiones. El mayor aprendizaje fue lograr trabajar en equipo con el personal de México y el de allá, vivimos muchas cosas y ver que nos echamos la mano y porras se me quedó muy marcado; la atención de la gente de El Salvador también fue muy bonita y sumó para lograr el objetivo”.
“Fue un evento con muchísima responsabilidad, por su carácter internacional, por el tema político de El Salvador y la transformación social que están pasando. Se tuvo todo en contra por las condiciones del clima, pero el trabajo previo logró cubrir la eventualidad”.
“Hice la programación para los performances, el recorrido con la antorcha y el desfile de los atletas. Cumplimos con la calidad y el estándar de los equipos que llevamos. Me encantó el tema de las pulseras (35 mil) que dio un momento muy bonito para integrar a la gente y el momento emocional con su color institucional en toda la grada azul. Logramos ser muy precisos con los requerimientos de su gobierno. Si hay que ponerle medalla de oro a alguien es a los chicos de Prees, porque gracias a ellos nosotros pudimos picar botones, subir pantallas y apretar faders. Dieron más del 100 por ciento”.
“Tres meses antes planeamos y checamos lo que se necesitaba. Sabíamos que las condiciones climáticas iban a ser complejas y que se iban a necesitar equipos IP65 resistentes al agua y se pudo hacer la planeación para llevar todo el equipo con esa certificación y pasó la prueba, porque quedaron debajo del agua en la inundación que tuvimos por la tormenta”.
“Llevamos 328 luminarias, la consola MA Lighting grandMA3 y el equipo que se estrenó para este evento fue Chauvet: en washes, Maverik Storm 3 Beam Wash; de spot las Rogue Outcast 2 Hybrid; estrobos Strike M y barras Colorado Pixel Bar 16 que fue impresionante su desempeño con las lluvias. De equipo que teníamos en casa llevamos blinders DTW 700 intemperie; Protones Eclipse de Elation Professional que sirvieron para tener
una iluminación al 100 por ciento, sin importar las condiciones climáticas. Fue un tráiler completo de pura iluminación que salió de nuestra bodega en México”.
“Fue de los eventos más complejos que hemos tenido, pero con la planeación que se llevó logramos minimizar cualquier error y todo salió muy bien gracias al profesionalismo y entrega de todos los riggers, stage hands y roadies. Pocas personas logran lo que ellos en este evento tan desafiante por las condiciones en las que hicieron su trabajo”.
“Fui el enlace con la producción de México y El Salvador para cubrir sus requerimientos en el apartado de iluminación. Por el tema del clima, que se revisó con tiempo, se eligió conseguir luminarias con certificación IP65, y elegimos Chauvet y Elation”.
“Junto con Víctor De Luna checamos las cantidades de máquinas y aplicamos los cambios en los diseños, la distribución en carga, señales, distancias y lo que iba a poder funcionar para la transmisión y el show de Marshmello. Fuimos nueve personas en iluminación y armamos el montaje de todo en tres días, donde pasamos de todo, incluida la tormenta que inundó todo el estadio una noche antes del evento”.
“Me llevo la valía de planear, de anticipar para ver el mayor detalle. Todos sabían lo que tenían que hacer y el modo de trabajar fue algo que me gustó mucho”.
Miguel Solís / video“Nos sumamos como Castelein a la idea que ya había armado el equipo creativo de El Salvador y México; a partir de ahí preparamos el equipo que llevamos: cuatro videoproyectores de 32 mil lumens y uno más de backup, dos switchers Barco S3 robustos para el nivel del evento y que funcionaron muy bien; y dos video servidores con 8 salidas cada uno para poder distribuir y cargar señales con un programa que se llama Resolume Arena. Todo se tiró por fibra óptica, las señales y el cableado de corriente también, cubrimos 400 metros para llegar al proyector más lejano y añadimos un poco de equipo de rigging porque se debían subir los proyectores a unas torres. Nos dieron una parte del contenido y otras se hizo acá, aplicando los cambios solicitados. Adaptamos eso en la semana previa y lo que más tiempo nos llevó fue el montaje”.
“Hicimos un sistema de kabuki para caída de telón que formó cuatro paredes alrededor del escenario donde se presentaría Marshmello; estrenamos nuestra nueva línea de CryoJets que ahora está haciendo Promedsa como línea propia”.
“Todo se mandó en el contenedor de Prees y lo que se pidió allá fue el proveedor de CO2 que logramos enlazar a la filial que opera allá de la que solemos contratar en México. Funcionaron perfecto los tanques, debimos maniobrar con ellos debajo del escenario y se logró gracias al grupo especial de stage hands que hubo para el evento. De Promedsa fuimos seis y estoy muy orgullosa de mi equipo, de gente como Pablo González, que es mi productor, y los chicos que nos acompañaron”.
“Fuimos tres compañeros, Juan Manuel Solís, Josué Israel González y yo. Vivimos una experiencia única, teníamos un sentimiento de alegría y llanto por ser partícipes de algo tan grande que involucró a tantas personas. Mis respetos para todos los que estuvimos allá porque sí nos enfrentamos a contratiempos muy estresantes; esto se lo lleva uno en el corazón, te motiva a hacer más y crecer”.
“Apenas dejó de llover probamos todo y me da gusto decir que la gente de Marshmello llegó y probó todos mis equipos y estaba muy contento de que todo estuviera como ellos querían. Estaban muy contentos y tranquilos porque ya nos conocían y sabían que estaban en buenas manos sus efectos especiales, eso también es un orgullo. Todo salió increíble con todo y la lluvia, y que estás en otro país, pero íbamos preparados”.
“La invitación de Carlos fue porque tengo experiencia en transmisiones para televisión, conozco las normativas y sé calibrar las consolas para ese fin. Usé una Midas Pro 2 Live Digital, muy amigable y funcional para el objetivo, con conexión Dante. Todo lo que sonaba en el estadio lo mezclé: locutores, actores, el audio de video de las proyecciones que se hicieron, las coreografías, el presentador titular, el artista principal y los micrófonos del protocolo del presidente, la federación y los representantes para el juramento. Algo que
añadí fueron micrófonos de ambiente y los mezclé también, estuve produciendo esa sensación de lo vivido en el estadio para la transmisión”.
“No me había tocado un evento a nivel internacional de esta magnitud. Me quedo con la logística y el personal calificado que entregó todo, y me dio mucho orgullo ver a varios egresados de Mixtlán, la escuela de audio que dirijo, eso fue muy especial”.
“Hice todo el monitoreo para bailarines, conductores y el DJ Marshmello, mi trabajo fue tenerlos a gusto, porque los bailarines que estaban en pista no tenían un audio específico para ellos y por eso se les mandó”.
“Armé nueve mezclas en total desde la consola Yamaha CL5; tuve 12 monitores de piso Audio Focus M15, 8 in ears PSM 1000 de Shure y dos Sennheiser más para Marshmello, los conductores y los cantantes. El desafío fue trabajar con gente de otro país, entenderlos y que me entendieran. Lo que más me gustó fue compartir equipo con maestros que tuve de estudiante como Luis René “El Boro” y Carlos Aldama, me dio gusto tenerlos como compañeros de trabajo”.
Audio
96 Altavoces L-Acoustics KARA
Consolas
Midas Heritage– D (sala)
Midas Pro 2 Live Digital Console 64in x 27 mix busses with Stage DL251 (broadcast)
Midas ProX @ 96in x 96out (monitores)
12 In Ears Sennheiser G4
8 AudioFocus CM15a Monitor de piso / bocina de tripié / Activo por Powersoft
DPA 4098 Podium mic (with splitter) wireless and wired
Analizador de frecuencias Shure Axient Spectrum Manager
AXT600US
4 Receptores Digital Doble Shure Axient AD4DUS-A RANGO
G10 4
8 Body Pack Axient Digital AD1-G55
4 Micrófono DPA 4488 Headworn
2 Transmisores AXIENT Digital ADX2/FDBR 2 KSM9
6 Transmisores Shure Axient Digital ADX2-G55 2x KSM9, 4x KSM8
1 Sennheiser Micrófono XS1 vocal con switch
2 Micrófonos Sennheiser MKH 416-P48U3
4 Microfonos Shure SM 57, 4 KSM 137
Marshmello
1 Consola Venue S6L 24-C
1 Avid Engine E-S6L
1 Avid Stage rack 64 (48in x 24 out)
4 Pioneer DJ CDJ-3000 multiplayers
2 PioneerDJ DJM-900 NXS2 mixer (Main+Backup
4 Proyectores Barco 40k lumens laser w/optics
Iluminación
“Para hacer el audio de este evento tuvimos el reto principal de cubrir distancias, casi 270 metros desde el punto de las consolas hasta la cancha del estadio. Usamos fibra óptica para lograrlo donde estaban los stage racks DL231 de Midas, más un Neutron que es el DSP de la consola, la computadora. Éste tenía una tarjeta con el protocolo Dante y lo que hacía era convertir el protocolo AES50 de la Midas a Dante. Tuvimos dos protocolos: AES50 para la ProX y Dante para la Heritage D y la CL5, esto lo hicimos debido a las tiradas que íbamos a necesitar tan largas y era más estable a la hora de convertir de Cat5 y Cat6 a fibra óptica”.
“El sistema de audio se formó con 18 clusters L-Acoustics Kara distribuidos alrededor de la pista con 2 subwoofers por cada cluster; para monitoreo de DJ Marshmello usamos altavoces ARCS, 2 por lado, y para el monitoreo de bailarines y actores Audio Focus M15. Tuve 38 canales de mezcla. Me quedo con esta parte de darme cuenta
que ya es muy importante el salto total a lo digital con estos nuevos protocolos como Dante, que me parece maravilloso. La interconexión de consolas que ya no es tirar tanto snake como antes se hacía, la parte de splittear las señales de forma digital y lo que brinda la fibra óptica. Nunca lo había hecho y hacerlo esta vez fue un trabajo que me dejó muy feliz desde que estuve haciendo las pruebas en bodega, hasta ver todo en acción. Fue agotador, pero los resultados que logramos fueron geniales y muy satisfactorios”.
Entrevistas: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco
La MT 48 es una interfaz de audio sin concesiones. Con su enorme rango dinámico, convertidores, preamplificadores y amplificadores de audífono, establece nuevos estándares en calidad de sonido. La potencia del procesamiento de señal digital (DSP) interno permite mezclas de monitor con ecualizador sofisticado y procesamiento dinámico, todo controlado intuitivamente a través de una pantalla táctil.
El equipo aporta la calidad de Neumann al flujo de trabajo digital. Es la primera interfaz de audio en su clase que puede capturar todo el rango dinámico de los micrófonos de la marca y se adapta de manera óptima a la línea KH de monitores de estudio y audífonos. El resultado es una cadena de señal óptima, con una calidad de sonido del más alto nivel, desde el diafragma del micrófono hasta el oído.
La MT 48 se desarrolló en estrecha colaboración con el fabricante suizo Merging Technologies, cuyos convertidores AD de alta precisión ofrecen un sorprendente rango dinámico de 136 dB. Esto le da cuatro veces la resolución de interfaces de audio comparables. Integra dos preamplificadores de micrófono/línea de ruido extremadamente bajo con hasta 78 dB de ganancia, dos entradas de línea/instrumento, cuatro salidas de monitor/ línea y dos salidas de audífonos, cada una con convertidores AD/DA de última generación. Su conectividad puede ampliarse mediante ADAT/S/PDIF y AES67 y también está integrada una interfaz MIDI. Además, se pueden controlar cuatro mezclas de monitores independientes directamente en la unidad a través de su pantalla táctil. El procesamiento integrado incluye un ecualizador de 4 bandas totalmente paramétrico y un procesador dinámico de 3 vías (puerta/compresor/limitador) por canal, así como una reverberación de alta calidad. Y todavía queda mucha potencia DSP para futuros desarrollos.
La MT 48 es una interfaz de audio y una mesa de mezclas digital en uno. Puede utilizar su procesamiento DSP sólo para monitorear o puede imprimir efectos mientras graba, o ambos al mismo tiempo. Gracias a la exclusiva tecnología de salida dual, las señales secas y húmedas se pueden grabar simultáneamente a través de canales de controlador separados. Por lo tanto, si es necesario, puede recurrir a una copia de seguridad sin procesar.
Y ahora…la reseña
Por Martín Muscatello y Andrés Mayo
En el estudio Andrés Mayo Immersive Audio, hace un par de meses inauguramos una nueva sala de mezcla y producción en la planta baja, donde realizamos la gran mayoría de los procesos “in the box”. Estábamos en la búsqueda de una interfaz de audio hasta que llamó nuestra atención la Neumann MT 48. Con sinceridad, es una joya.
Además de sus enormes bondades, la MT 48 siempre resulta fácil de manejar. Todos los ajustes se pueden realizar en el propio dispositivo a través de la pantalla táctil incorporada, sin tener que cambiar a un software de mezcla en la computadora. De hecho, el equipo puede funcionar incluso de forma independiente como mesa de mezclas. Conecta micrófonos, altavoces y audífonos para crear el estudio perfecto.
Nosotros la utilizamos como hub central del control room. Como control de monitores, posee una particularidad muy bienvenida que es la posibilidad de insertar un ecualizador en la salida que alimenta las cajas; por lo tanto, aprovechamos esta funcionalidad para ajustar la curva de respuesta del control. Otro aspecto no menos importante es que el ajuste de volumen es controlado digitalmente; es decir, no con un potenciómetro, sino con un encoder, lo que hace que el balance entre izquierda y derecha se mantenga perfectamente estable en todos los rangos de volumen.
Los dos pre-amplificadores y las entradas de instrumento que incorpora la MT 48 son exactamente lo que necesitamos para el tipo de trabajo que realizamos. Por otro lado, la facilidad y flexibilidad de ruteo rápido que ofrece la interfaz hace fácil la tarea de grabar voces en el control, donde es necesario anular los monitores temporalmente. Utilizamos las dos salidas de auriculares, que podemos alimentar con mezclas independientes, y agregar efectos con latencia cero.
Lo más importante a destacar es que la calidad de audio es cristalina de punta a punta y que el rango dinámico y la respuesta en frecuencia son comparables con unidades del más alto nivel.
Cabe mencionar también la altísima calidad de construcción y de materiales de la unidad. Es notable su robustez y los conectores son tope de gama.
El proyecto que está llegando a su tercer aniversario es una plataforma que tiene como propósito nutrir el espíritu creativo de los latinos en todo el mundo, así como enriquecer su educación mediante encuentros digitales, diseñados para que los maestros puedan compartir sus conocimientos y experiencia de vida: siempre podemos aprender de los mejores.
Cuando la idea de CompaSStage surgió, en 2016, no existían los recursos tecnológicos que hay ahora para establecer un mecanismo, sobre todo, para hacer efectivos los pagos on line. Brenda Salayandía, directora del proyecto, comenta: “La idea primordial fue de mi hermano, para desarrollar una plataforma en la que los protagonistas de la Industria de la Música y el Espectáculo impartan su experiencia y conocimiento en cursos y talleres accesibles para todos los interesados. Nosotros empezamos nuestra empresa de producción en el año 2000 y no había escuelas en estos temas como ahora”.
“Empezamos a pensar en cómo podría ser esta plataforma, la lista de talento que estaría impartiendo estos cursos, y lo quisimos hacer hispanohablante, para darle ese valor a nuestro mercado, tanto de exposición como de público; en ese momento tampoco existía tecnológicamente todo lo que hay ahora para realizarlo, pero para 2020 todo eso se convirtió en algo exponencial y fue el boom de lo digital en toda la parte del e-learning. Fue entonces que pudimos realizarlo tan rápido, porque es un proyecto que nació en la crisis sanitaria y que lanzamos en marzo de ese año”.
“El primer bloque de cursos lo integra Armando Manzanero (Q. E. P. D.), Aída Cuevas y Susana Zabaleta. Los grabamos en una semana en Estudio 13 y cabe mencionar que para nosotros,
la grabación con Armando Manzanero es un documental de la música mexicana, y que más que un curso, es un acervo cultural, porque el legado del maestro quedó registrado en videos de consejos, testimonios y anécdotas, una aportación sumamente valiosa al público para poder motivar su creación musical”, menciona Brenda.
Con el tiempo, nuevos cursos se han sumado a CompaSStage, ofreciendo nuevas opciones para el desarrollo creativo: “El siguiente bloque incluye a Rubén Albarrán y Fernando Delgadillo, que son artistas con los que hemos trabajado. En el caso de Rubén él mismo hizo el guión y se entusiasmó mucho con la idea. Después vino Ramón Amezcua “Bostich”, y Elsa y Elmar, que ya abordan otros temas, y posteriormente llegaron los cursos de Salo Loyo, Jenny Beaujean y Salvador Castañeda, curso que está fundamentado en el arte y la ciencia del sonido”, explica Brenda.
Hay otras ideas para agregar en cursos en CompaSStage, como de organización de conciertos, festivales y management; “también queremos hacer encuentros en vivo con talento especializado, para que haya mucha interacción y seguir compartiendo, para que las nuevas generaciones sigan creciendo y la industria se fortalezca”, comenta Brenda y continúa: “falta mucho talento que convocar; somos 7,000 usuarios en Hispanoamérica y la idea es ampliar la oferta de cursos. Es importante que todo el que quiera aprender de los mejores, pueda hacerlo”.
Otros cursos como “100 años de bolero: historia e interpretación”, con Rodrigo De la Cadena; “Introducción a la percusión latina”, y “10 historias para hacer tu podcast”, están disponibles en compasstage.com, para motivar y fortalecer la inspiración que requieren tener quienes se dedican a la composición, la producción musical, la interpretación vocal, la ejecución de algún instrumento o la creación de contenidos. Esperamos que esta plataforma crezca mucho más y que tengamos presente que el momento perfecto para aprender de los mejores es hoy.
Gabriel Espinosa se ha tomado un tiempo de sus múltiples actividades en la ciudad de Demoin, capital del estado de Iowa, en los Estados Unidos, para venir a planear una gira de sus estudiantes en el sureste mexicano. Y dentro de esos días de arduo trabajo en la Península de Yucatán, también se ha tomado uno para llegar a la Ciudad de México, (donde no había estado en 27 años), a presentar su reciente producción, titulada “Bossas and Boleros”, que hace apenas unas cuantas semanas está ya en todas las plataformas digitales.
¿Cómo te definirías, Gabriel?
“Gabriel Espinosa es un romántico de corazón brasileño, con influencia del jazz, ese híbrido de tres culturas musicales lindas, como el jazz, la música de Brasil de los años 60 y 70 y la música romántica de México. Hemos sido muy bendecidos porque en Yucatán hay mucha música, muchos compositores que han trascendido nacionalmente”.
¿Con qué tipo de música empezaste? Eras prácticamente un niño, un adolescente, cuando ya tenías una agrupación…
“Sí, mi grupo, Los Deltons, comenzó tocando a Los Beatles, a Burt Bacharach, a Los Carpenters. Mis hermanos y yo nos identificamos con ese tipo de música. Nosotros no tocábamos cumbia, pero sí mucho Bossa Nova. Cuando nos contrataban sabían que iban a escuchar a Chicago, a James Taylor y a los Hermanos Castro, por ejemplo.
“Mi primera maestra fue mi madre; ella me enseñó a tocar la guitarra y a agarrarle gusto a la música. Me hice profesional a los 14 años de edad; veníamos de una situación económica que suele describirse como ‘pegados a la pared’, pero no comprometimos a la música por el dinero. Trabajamos casi una década tocando lo que nosotros queríamos tocar”.
“No sabía leer música durante mi época con Los Deltons, pero me di cuenta de que, si quería dedicar mi vida a ella, tenía que aprender de verdad. Cuando cumplí veinte años, me percaté de que mis amigos ya se estaban preparando para el futuro, ya estaban en la universidad. ¿Y yo? Entonces tomé la decisión y tuve la suerte de lograr una beca para estudiar cuatro años en el Central College de Iowa y de ahí fui a estudiar a Boston, al Berklee College of Music, gracias al apoyo económico de mi hermano”.
Pero, cuando quisiste ser maestro, surgieron otro tipo de necesidades.
“Bueno, me casé y con mi esposa decidimos radicar en Cancún, durante algunos años. Luego me surgió la oportunidad de poder conseguir un trabajo, como maestro, en los Estados Unidos, pero la condición era el grado de maestría. Si no tenía la maestría en Jazz no me daban el trabajo. A Dios gracias se abrieron las puertas de la Universidad del Norte de Texas, donde me familiaricé con los secretos de la big band, conseguí el título que me hacía falta y entonces comenzaron mis 27 años como maestro en el Central College de la ciudad de Pella, Iowa”.
¿Descubriste al bajo o el bajo te descubrió a ti?
“El bajo me descubrió a mí, porque yo era guitarrista y un día, en un baile, me dijeron: si tocas guitarra, puedes tocar el bajo. Me dieron el instrumento y pude tocarlo como si pulsara las cuatro cuerdas graves de la guitarra. Por eso, yo me considero un músico que toca el bajo. Yo no soy un bajista, bajista es Enrique Toussaint. En realidad, desde joven, yo me identifiqué más con la composición y el arreglo. Estudiar tres años en Berklee fue una bendición, fueron años fascinantes estudiando arreglismo todo el día”.
“Por otra parte, siempre he sido un admirador de la voz humana: Ella Fitzgerald, Sinatra… el jazz es vocal, así que en lo que yo hago siempre hay cantantes de jazz, aunque no siempre cantando, en sentido estricto, sino utilizando la voz como un
instrumento más. Es mágico hacer temas en los que la melodía la lleve una voz humana, además de los instrumentos”.
Mi CD “From Yucatán to Río”, de 2009, fue la primera oportunidad que tuve de enlazar las dos corrientes, la música de Yucatán y la música de Río de Janeiro, con la que crecí muy influido en los años sesenta. La combinación ha estado conmigo toda mi vida. En esa producción tuve la suerte de contar con la participación del gran trompetista brasileño Claudio Roditi y de Helio Alves, pianista del mismo origen. Además, en todos mis proyectos, invito a bateristas brasileños, porque sólo ellos le pueden dar el color que mi música necesita”.
“El disco “Celebrando”, de 2012, me gustó mucho porque es una colaboración con el gran armonicista y vibrafonista alemán Hendrick Meurkens. Nos encontramos gracias a nuestra casa grabadora Zoho: incluimos en ese CD 5 temas de él y 5 temas míos y aunque utilizamos la misma banda, el proyecto suena variado. Nos complementamos bien. Ese trabajo lo presentamos en el Lincoln Center de Nueva York”.
“La mancuerna Meurkens-Espinosa funcionó de tal manera que, en 2014, decidimos hacer otro CD: ‘Samba Little Samba’. Aunque la atmósfera del trabajo fue distinta, era el mismo contexto y nos funcionó maravillosamente. Para esa producción invité a la gran clarinetista Anat Cohen y a Antonio Sánchez, que tuvieron conmigo su tercera participación”.
A propósito de este cuarto CD de Gabriel Espinosa, ¿cuáles pueden ser los puntos de contacto entre la música de Burt Bacharach y la de Armando Manzanero?
“Sin duda, son la melodía y la armonía. Bellas melodías y bellas armonías. Tú puedes tener una bella melodía, pero si la armonizas de una manera ramplona no va a sonar. En cambio, si utilizas acordes más llenos, la melodía lucirá mucho mejor.
Hubiera querido entregarle este trabajo de forma personal a Armando, pero no me fue posible. Después de “Songs of Bacharach and Manzanero”, retomé a Gabriel Espinosa compositor en el CD “Nostalgias de mi vida”, de 2018. Incluí seis de mis composiciones y tres canciones mexicanas: una de Arturo Castro, otra de Sergio Esquivel y una más de Eric Germon, con la cual Los Deltons nos hicimos famosos en 1972, cuando ganamos un festival”.
“En el repertorio de mi trabajo más reciente, “Bossas and Boleros”, lanzado al mercado apenas en el mes de mayo de este año, incluyo composiciones propias y 3 de otros autores, porque me gusta arreglar, sobre todo las canciones emblemáticas de nuestra cultura, a las que hay que darles continuidad, pero con un sonido fresco, contemporáneo. En este proyecto hay temas que remiten a situaciones dolorosas, como ‘New Year’, ‘Amelia’, ‘First Responders’, ‘Pa’ Eugenio’ (Toussaint) y ‘22’. Recordemos que, de 2018 al 2022, pasamos por situaciones amargas y novedosas… y nuestras células sintieron algo que nunca habían sentido, aunque, después de las cosas tristes, ha revivido la esperanza”.
“El tema más representativo de la producción es “Mi Jarana”. Para los eruditos, el tema se aleja de los cánones de ese género. Estoy de acuerdo en que no se trata de una jarana típica, pero queda claro que es Mi Jarana”.
¿Es posible hacer una vida tan luminosa, como la de Gabriel Espinosa, haciendo el esfuerzo necesario?
“He sido muy afortunado, pues he contado con el apoyo de mucha gente. Desde luego que yo he hecho mi parte, pero, en mi caso, se han juntado muchas cosas. Pienso que eso le puede suceder a cualquiera, porque la vida es un rompecabezas de muchas partes: si uno no las busca y las acomoda, la misión no se completa. Siempre lucho por llevar mis ideas a buen puerto… y sólo cuando concluyo un proyecto es tiempo de
“En el estudio utilizo un bajo Sadowsky, de cuatro cuerdas. En los conciertos uso el mismo bajo con un amplificador Aguilar y una bocina Epifani. Utilizo la tecnología básica, ya que prefiero obtener un sonido orgánico: piano acústico, batería acústica, mientras que en el estudio uso el bajo directo a la consola”.
“Los primeros cinco CDs de mi discografía los grabé en Acoustic Recording, de Brooklyn, Nueva York, con un gran ingeniero y músico llamado Michael Brorby. En “Bossas and Boleros”, el ingeniero fue Peter Karl”.
“Cuando tengo que grabar en Iowa, voy al Catamount Recording, en Cedar Falls, con el fantástico ingeniero Travis Huisman, y me gusta mucho mezclar y masterizar con Dave Darlington, en su Bass Hit Recording & Production, en Nueva York.
“En mis conciertos platico con los ingenieros y les explico qué es lo que busco en la mezcla final. Tengo suerte de estar rodeado de mucha gente amable y profesional”.
comenzar uno nuevo. Hay que esforzarse lo más posible, evitar dejar huecos. Un músico verdadero no se retira; siempre tiene nuevos sonidos que concretar con esfuerzo, disciplina, una pizca de suerte y fe, convicción. La vida de los músicos es fabulosa. Hacer música, tocar, grabar, componer, arreglar, enseñar, vivir de la música produce felicidad”.
“En la vida personal de Gabriel Espinosa tiene que haber cuatro llantas convenientemente infladas, calibradas. La primera es Dios, la segunda es la familia, la tercera: la profesión, la cuarta: el compromiso social. No podemos descuidar el calibraje de nuestra vida; es necesario mantenerse con los pies en la tierra, sin perseguir fama o riqueza. Si el músico hace bien su trabajo, las bendiciones llegarán”.
Para presentar las últimas novedades de instrumentos musicales y tecnología en audio, Gonher Tour 2023 se realizó los últimos días de agosto y los primeros de septiembre pasado, con las tres unidades de negocio del grupo Gonher: Gonher Instrumentos Musicales, Inovaudio y Audyson. El evento se llevó a cabo después de tres años de ser suspendidos por la crisis sanitaria y este año, con todo el entusiasmo, el tour pasó por Ciudad de México y Guadalajara.
Ignacio Hernández, gerente de ventas de Gonher, menciona que este tour se ha realizado cada año en los meses de agosto y septiembre: “Los hemos organizado en distintas sedes; por ejemplo, en 2017 fue en CDMX y Guadalajara (Jalisco); en 2018 en CDMX, Guadalajara y Tuxtla Gutiérrez (Chiapas); en 2019 en CDMX, Guadalajara y Oaxaca (Oaxaca), mientras que los tres siguientes años fue cancelado debido a la pandemia. Regresamos este 2023 y realizamos el evento en el salón de un hotel en CDMX y Guadalajara, y participaron nuestras tres unidades de negocio, encaminándonos al cierre de ventas anual con cada distribuidor”.
“El evento consistió en la exhibición y demostración de productos y estuvo dirigido principalmente a nuestra red de distribuidores. En
la sede de CDMX recibimos un promedio de 80 distribuidores de CDMX, Oaxaca, Puebla, Monterrey, Mérida, Campeche, Chiapas, Villahermosa, Veracruz, y otras ciudades, mientras que en la sede de Guadalajara recibimos a 43 distribuidores de Guadalajara, León, Guanajuato, Michoacán, Sinaloa, Sonora, BCS, Aguascalientes, entre otras.
Los nuevos productos no se hicieron esperar, mismos que están todos en existencia. “Se trató, por ejemplo, del reproductor de audio y video multipista, M-Live, las guitarras eléctricas Jet Guitars, la mezcladora Flow 8 de Behringer, las pastillas para instrumentos acústicos KNA, el módulo de percusión Okto A de Carlsbro y el controlador Mixon 8 de Reloop, entre otros productos”, comenta Ignacio.
Estas presentaciones de productos estuvieron acompañadas por algunos números musicales que fueron altamente apreciados por los visitantes, como el grupo tapatío Porter, el baterista Elohim Corona, Yucatán A Go Go y la banda Domperbyl, que con su música demostraron que los equipos del Gonher Tour están listos para cualquier escenario.
“Tuvimos excelentes resultados; se cumplieron las expectativas de comercialización y de dar a conocer nuevos productos a nuestra red de distribuidores”, menciona Ignacio Hernández; “para el cierre de fin de año, tenemos como expectativas el incremento y posicionamiento correspondiente de nuestras marcas”. Seguramente este objetivo se verá cumplido, gracias al momento del año en el que Gonher Tour se llevó a cabo y sobre todo, gracias a la calidad de las marcas presentes, que son una garantía para quien se dedica a la música.
Cuenta con cuarenta años de trayectoria como ingeniero de audio profesional y su experiencia abarca tanto estudio de grabación como sonorización en vivo. El venezolano Darío Peñaloza posee dos Latin Grammy (2014 y 2018), es autor del libro “Lo humano del audio” y actualmente, es docente presencial en Sala de Audio, Amerike y MAP en México y en línea en otras 3 instituciones de Latinoamérica. Aquí los principios que guían su criterio sonoro.
“Mi papá era audiófilo y melómano, además de accionista en una emisora de radio en Caracas, así que mi conexión con los equipos, manipularlos, era algo súper natural. Recuerdo que a los 16 años me regalaron un grabador de casete TEAC que tenía faders. Siempre quise estudiar electrónica para poder especializarme en audio y tuve que empezar por la Ingeniería formal”, recuerda.
Su interés por atender el llamado de la vocación le llevó a buscar escuelas de audio cuando éstas aún eran escasas en todo el mundo, hasta que encontró dos de ellas en Nueva York, Estados Unidos, y otra en Ontario, Canadá. Tras ese periodo formativo sellado por ir más allá de lo que le ofreció el aula, volvió a Caracas para aplicar lo aprendido:
“Mi hermano es baterista e iba a grabar su tercer disco con un grupo que tenía, así que al volver a Venezuela fue lo primero que hice. Luego conseguí trabajo en una empresa de doblaje donde ya usaban sistemas con grabadores multitrack a cuatro canales usados en el cine; paralelamente hacía grabaciones musicales hasta llegar a Estudios Telearte, del sello Sonográfica, donde colaboré con bastantes grupos pop”.
Luego comenzaron las agrupaciones de jazz y la grabación para el pianista Gerry Weil fue una de las más destacadas. “Nos encerramos desde la preproducción y nos tomó seis meses trabajarlo. Grabamos e hicimos las capturas, todo se pasaba junto al MIDI y yo iba mezclando directo a DAT; terminé involucrándome hasta en el diseño de la portada. Lo hice en
un estudio mediano con pocas herramientas digitales y supe que las cosas se pueden hacer si le pones empeño, pasión y planeación. Fue un disco muy importante para mí, porque me dio la visión de que las cosas se pueden hacer sin estar en el gran estudio”.
“Ahí comenzaron las grabaciones de jazz que fueron importantes, ya que las bandas me invitaban a hacerles el audio en vivo cuando tenían conciertos y, a partir de esa
Darío y
época, comencé a incursionar en el sonido en vivo para Arturo Sandoval, Eric Daniels, C4 Trío, Guillermo Carrasco, Saxomanía Orquesta y entendí la responsabilidad grande que esa labor implica, porque cuentan contigo para defender su arte”.
Ese estudio Le Garage adoptó equipamiento digital y el formato de audio multicanal ADAT: “Empecé a generar otro contenido y calidad de trabajo que comenzó a llamar
la atención y un año me permitió realizar alrededor de 15 discos, de jazz y clásicos, entre otras cosas. Mi norte siempre ha sido la calidad, que las cosas suenen bien”. Cuando Venezuela entró en crisis en los años noventa, la opción de Darío y sus colegas fue hacer un sello propio de jazz donde publicaron cinco discos con esa calidad sonora e incluso visual.
“Viví toda la transición del audio: pasé de una Studer de 24 canales a trabajar en un estudio pequeño con procesadores Lexicon o Yamaha. Me compré una laptop, salió la primera interfaz firewire y empecé a trabajar con Nuendo y Cubase VST32; ahí fue cuando hice la transición completa a digital y a trabajar “In the Box”. Hablé con los distribuidores de Genelec y me alquilaron unas 1029 que luego compré para poder trabajar en casa. En un estudio buscaban a alguien que les trabajara
“Nuestro trabajo es ser invisibles la mayor parte del tiempo. No importa el género o el target, debemos buscar que la sonoridad sea la mejor posible”.
5.1 y yo estaba en eso, así que hicimos una alianza perfecta: me alquilaban uno de los espacios en sus estudios y monté mi sala 5.1, donde hice series de televisión dobladas al español y películas. Fue el periodo en el que también mezclé el disco del C4 Trío que ganó el Grammy en ingeniería. Para mí ya estamos en un muy buen nivel de calidad de sonido digital hace mucho rato. Es cuestión de saber cómo ponerlo en lo que capturas”.
La distancia tampoco es pretexto
Afianzado en su modelo de trabajo In the Box, para Darío, el trabajo a distancia es la ruta: “Hace un año decidí vivir en México. Acondicioné el estudio con mis monitores Genelec para seguir haciendo mi trabajo de mezcla y actualmente estoy realizando dos proyectos de cantantes venezolanas que viven en París. Estoy involucrándome lo más posible con la música mexicana, recibiendo clases de Alex Abara en su estudio Fábrica de Éxitos. Encontré una media que me funciona muy bien y puedo revisar las mezclas con mis audífonos Sennheiser y así mantengo mi sonido. Mi trabajo está en la computadora”.
Lo humano del audio
Para Darío se trata de hacer que la música funcione y lograr la mejor calidad posible, defenderla del abuso de tecnología, los egos o inseguridades de los mismos artistas, las tendencias. “Nuestro trabajo es ser invisibles la mayor parte de tiempo. No importa el género o el target, debemos buscar que la sonoridad sea la mejor posible, porque si existen los programas y los plug ins es porque detrás de eso también hay músicos e ingenieros. En la medida en que nosotros nos involucremos en el proceso, vamos a vencer el miedo a cosas como la Inteligencia Artificial, que como cualquier otra innovación debe ser una herramienta de trabajo”.
“Hoy busco aportar a la Industria de la Música mexicana y latinoamericana, porque al final, lo que debemos entender es que se está globalizando un estilo de música y algo que apoyo que dice George Massenburg y me parece muy importante de la nuestra es el groove, la parte rítmica que para nosotros es fundamental y tenemos que hacerla entender”.
Entrevista: Nizarindani Sopeña Romero / Redacción: Marisol Pacheco
“Hoy busco aportar a la Industria de la Música mexicana y latinoamericana, porque al final, lo que debemos entender es que se está globalizando un estilo de música”.
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23 M-LIVE Gonher
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Representaciones de Audio
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