Artículo invitado

Resonance

Cambio volumen por dinámica, mal negocio...

(primera parte)

Pensé que ya no iba a escribir un artículo sobre Loudness War, pero aquí estamos nuevamente.

La música es lo que supuestamente todos amamos y nos importa en este gremio; la dinámica en ella es una herramienta que está a disposición de los compositores y debería ser utilizada como recurso para sorprender y “jugar” con quien escucha de manera constante. Las partes bajas hacen que prestemos más atención, mientras que las fuertes nos transportan a una especie de clímax o resolución. Imagínense Carmina Burana o la Quinta Sinfonía de Beethoven sin dinámica; estamos de acuerdo en que la experiencia sonora sería algo totalmente distinto, ¿no? Ya sé, supuestamente soy un antiguo que utilizo ejemplos “pasados de moda” y que nadie escucha; muy bien, puede ser…

La dinámica siempre está presente Muchas veces me han dicho que la música moderna no tiene dinámica. ¿Cómo? ¿De verdad creen eso?

La dinámica también se manifiesta en la ejecución de un músico; por ejemplo, un bajista haciendo un groove funk acentúa algunas notas mucho más que otras, dando un efecto agradable que aporta musicalidad y claro, groove.

Lo mismo sucede con baterías, percusiones y sus notas fantasma:

En todos los instrumentos musicales, la dinámica está presente, haciendo un aporte que enaltece la música.

Por supuesto, la voz humana es un fiel representante de la dinámica, con interpretaciones que van desde lo más sutil hasta lo más agresivo, incluso en una misma canción.

En los últimos 25 años se ha instalado una búsqueda frenética por lograr un máximo volumen; el mito de “cuanto más fuerte vende más”, hizo que muchos ingenieros de mezcla y masterización empezaran a desarrollar técnicas para que todo suene más fuerte, destruyendo la dinámica por completo.

Un sonido fuerte sin dinámica es el equivalente a una persona que grita todo el tiempo.

Pregunto: ¿quién quiere estar con una persona que grita todo el tiempo? Ahora podemos argumentar: “¡Ah, pero la música que se programa (electrónica, trap, reguetón y demás), no tiene dinámica!”. Esto tampoco es cierto; estos géneros musicales contienen loops de percusión, por ejemplo, de manera que esos sonidos sí tienen dinámica y si la base rítmica estuviese bien programada (para eso existe el parámetro Velocity en MIDI), también deberían tener dinámica, sobre todo si se utilizan sintetizadores analógicos, ya que como muchos saben, funcionan basados en CV y esto tiene un resultado fantástico al ser ejecutado con dinámica, porque hace que el sonido cambie constantemente. Lo que en realidad está cambiando es el voltaje: a menor pulsación, menos voltaje y viceversa.

Conclusión: desde el punto de vista de la música, la dinámica es un recurso fantástico para embellecer y sorprender y lo único que hemos hecho es destruirlo.

La industria…

La música más emitida por todas las radios del mundo gira en torno a los años setenta y noventa. Esto también coincide con la encuesta “Los mejores 500 grandes discos

Resonance

de todos los tiempos”, que realizó la revista Rolling Stone en 2012. ¡Oh, casualidad la música de esos años no estaba tan comprimida como la actual! Otra vez volvemos a lo mismo, ejemplos viejos…

En los medios también hay problemas

El otro día estaba viendo una película y lamentablemente, los diálogos estaban bajos y la música fuerte; seguramente fue la intención del director que así fuera, pero era prácticamente imposible disfrutar la película sin tener que bajar el volumen cuando aparecía una canción. ¿Qué sucedía? En líneas generales, era imposible lograr un equilibrio agradable entre la música y las voces al estar sobrecomprimida la primera en comparación con las segundas, que quizás sonaban demasiado naturales.

Quien haya mezclado este film, seguramente se guió por los medidores, pero no tuvo en cuenta que la música, al ser canciones en su gran mayoría de rock, carecían de dinámica y eso hacía un efecto en contraste con los diálogos de la película, dando como resultado que la música se escuche demasiado fuerte a niveles molestos.

El tema de los medidores y las mediciones K, LU y LUFS

Con muy buenas intenciones se agregan nuevas mediciones en los programas de audio; parece que no sirvió de mucho o que nadie puso atención, porque el sonido siguió aumentando e incluso aparecieron dos nuevos problemas:

1. Muchos ingenieros se obsesionan por llegar a -14db LUFS porque este nivel es el máximo solicitado por casi todas las compañías de streaming y aquí aparece otra mala interpretación, y es que no toda la música debe estar en ese nivel: -14db LUFS es el nivel sugerido máximo y no el estándar o promedio; lo que quiero decir con esto es que si masterizamos una canción a -14db LUFS con batería, bajo, guitarras distorsionadas y voces y otra con guitarra española, bajo y voces, cuando escuchemos las dos canciones sentiremos que la que no tiene batería suena

más fuerte. Esto sucede porque cuando una canción no tiene transientes fugaces, como el sonido de un bombo o una batería, se llega de manera más fácil y natural a niveles más altos.

Las plataformas digitales están preocupadas por este asunto, porque en las playlists a veces se nota mucho la diferencia entre una canción y otra, dando como resultado que hoy el pop suene más fuerte que el hardcore, obteniendo así una relación musical ridícula.

2. Obsesión por el low end. Muchos ingenieros de mezcla o mastering agregan demasiados subgraves a sus grabaciones; cuando esto sucede, los medidores (que miden energía), llegan fácilmente a -14db LUFS (recuerden que las frecuencias graves son las que más energía tienen), pero después, cuando escuchan sus trabajos en las plataformas de streaming, suenan bajos en comparación con otros. Recibo un promedio de dos llamadas por semana consultando por este problema.

Los procesadores en el Mix Bus

Los últimos años han aparecido miles de videos (incluso de famosos), con la leyenda: “Cómo hacer sonar tu mezcla más fuerte”.

Esta es una de las peores prácticas de los años recientes en la ingeniería en audio, que está causando un daño irreparable a la dinámica de la música.

No digo que no tengamos que usar procesadores en el Mix bus; cualquier procesador que se ponga ahí debe ser analizado con detenimiento, porque tendrá un efecto positivo o negativo en toda la mezcla. Ejemplo, supongamos que descubres un emulador de cinta que añade un glue, color o calidez especial, palabras muy utilizadas en los procesos del Mix Bus.

La pregunta que debemos hacernos antes de ponerlo en el Bus Master es: ¿Queda bien en el hi hat y en el bajo este proceso? ¿Queda bien en el bajo, en el bombo y en el cuerpo de la voz?

Session One Mi punto es que muchos de los procesadores que pones en el Bus Master seguramente pueden quedar mejor en etapas anteriores; en el Bus Master de la batería, por ejemplo, o insertado en el bajo si fuera necesario.

Hace poco tuve que masterizar un disco pop y el ingeniero de mezcla me envió unas mezclas que tenían más nivel de RMS de lo que yo le hubiese dado en la masterización. Conclusión: tuve que dar todavía más volumen, porque imagínense que si mando un mastering que suena más bajo que la mezcla, lo primero que pensará el productor o el artista es: “Este ingeniero no sabe masterizar”.

Poner un limitador de mastering en el Mix Bus de una mezcla es el equivalente a grabar la voz con reverb en la etapa de grabación, lo siento... La mezcla es el proceso más creativo de las tres etapas de la producción musical, porque es cuando más se puede modificar una canción.

Lamentablemente, a lo largo de los años, la mezcla ha perdido sus verdaderos objetivos.

Profundizaremos más de este tema en nuestra próxima entrega. ¡Gracias por leer!

*Es músico, compositor, productor musical e ingeniero en audio. Imparte cursos privados online y en universidades sobre Ingeniería en audio, Producción musical y Desarrollo de la creatividad. Es profesor de Técnicas de mezcla y mastering en REC Música y SAE Institute México.

Cinco maneras en las que el estudio de grabación nos hace mejores personas

Después de los episodios surreales que hemos vivido tras los cambios radicales en la industria musical, como los nuevos modelos de producción, tiempos de confinamiento, crisis sanitarias que a su paso arrastran problemas emocionales, económicos y demás, queda de manifiesto que los tiempos difíciles nos unen más como personas, ya que conseguimos ser más empáticos, tolerantes y solidarios entre nosotros. Por supuesto que hay excepciones, pero en general, podemos experimentar más unidad al unir fuerzas para seguir adelante y el campo de la música no es la excepción.

El efecto positivo del estudio

La música, como bien sabemos, encierra (generalmente), un gran contenido emocional. Cada nota ejecutada por los músicos, así como el trabajo del autor, productor y personal técnico, proyectan parte del contenido emocional que se “retrata” en cada canción, es por ello que no se puede dejar de lado la parte humana que se involucra en cada producción a través de la energía que como personas depositamos en toda nuestra función dentro de cada proyecto musical.

Fotos. Rocketzose

En este contexto y a través de tantos años de trabajar dentro del estudio con diferentes personalidades, he aprendido que gran parte de conseguir buenos resultados está en saber cómo generar un vínculo emocional que como equipo funcione lo suficiente como para guiarnos por un camino que nos predestine a obtener no sólo el resultado esperado, sino también a crecer como persona y como profesional.

Es por ello que en esta ocasión, quiero compartir lo que en mi experiencia, a manera de resumen, serían cinco maneras en las que el estudio de grabación impacta en nuestras vidas de manera positiva:

1. Se establecen nuevas relaciones profesionales

Es bueno tener siempre en cuenta que todas las personas que se involucrarán contigo en el estudio merecen la misma atención y respeto; haz todo lo que esté en tus manos para ayudar a su crecimiento, desde tu posición y posibilidades. Es muy común que aquel personaje con el que trabajamos en algún proyecto, se convierta en una amistad, o simplemente regrese en un futuro y que, sin buscarlo de manera intencional, te involucre de nuevo, pero ahora desde una nueva posición, en la que puede influir en tu crecimiento profesional, y no es que actúes por conveniencia, ya que aún si no volvieras a saber jamás de esa persona, tú crecerás como persona y profesional a la vez.

2. Se desarrolla la paciencia y la empatía

La paciencia es, sin duda, una virtud que no todos poseen y si no la desarrollas en un estudio de grabación, te resultará muy difícil lidiar con las dinámicas de producción. Hay que tener siempre en cuenta que, para muchos, es su primer acercamiento a un estudio y que aún les intimida, de forma que su desempeño puede verse mermado por tal sensación, sin tener nada que ver con su capacidad o talento. Asimismo, hagamos memoria de cuando nosotros estábamos en etapa de aprendizaje, buscábamos siempre a quien fuera más tolerante y nos impulsara a aprender de manera cordial. Si desarrollamos la virtud de la empatía, podemos obtener mejores resultados en el desempeño de cualquier ejecutante, que sienta comodidad no sólo físicamente; el ánimo que lo haga sentir en confianza normalmente se reflejará en lo que hará, y tenemos que recordar que a nosotros tampoco nos conviene tener

un resultado mediocre que salga de nuestro estudio. La paciencia y la habilidad de cómo crear nuevos mecanismos para obtener buenas tomas con cada tipo de personalidad es todo un arte.

3. Desarrollo de la excelencia

La minuciosidad con la que se trabaja en un estudio hace de nosotros una persona más observadora y crítica al paso de los años, que, al ser bien canalizada, elevará día a día nuestro nivel de excelencia en los resultados que obtendremos. Trabajar con una actitud profesional responsable y al mismo tiempo armarnos de un equipo de trabajo humano con la misma mentalidad, nos hará no sólo destacar del resto, sino también aprender a ser más cuidadosos, independientemente de que algo “se note o no”. Recuerda que ser profesional no es en sí mismo un nivel, sino una actitud que quizá en un futuro te lleve a un peldaño cada vez más alto. El estudio de grabación es un microscopio en el que todos los detalles cuentan y muchas veces, en los detalles está gran parte del gusto y la elegancia de la música que siempre es un reflejo de nosotros mismos.

4. Se estimula y desarrolla la creatividad

Una de las áreas que más se estimula en los procesos de creación musical y producción es, sin duda, la creatividad; por ser creativo no sólo entenderemos el hecho de tener la capacidad para crear obras musicales, sino también involucra el hecho de saber cómo lidiar con una serie de cuestiones técnicas que nos permitan acercarnos a nuestros objetivos sonoros, por ejemplo: resolución de problemas, cuestiones de rutas de señal, logística de producción, cableado y uso creativo de las herramientas técnicas como micrófonos e instrumentos que se utilizan de forma poco convencional para conseguir determinados resultados sonoros y demás, al mismo tiempo que como mencioné antes, se desarrolla la habilidad de saber cómo obtener lo mejor de cada miembro del equipo, como músicos, arreglistas, director musical o cantantes, con personalidades totalmente distintas. Se trata de aprender a mimetizarnos de manera saludable y para el objetivo común, sin perder de vista que es una habilidad que, una vez desarrollada y apropiada, nos acompañará por el resto de nuestras vidas.

5. Se ayuda a otros a cumplir sueños, metas u objetivos altamente valiosos

Es inevitable que al dar lo mejor de ti en cada proyecto, estás colaborando en el crecimiento de alguien más; no todo se trata de recibir, ya que dando lo mejor también estás ganando mucho en el ámbito personal y profesional; además, la paz que otorga saber que tu trabajo seguirá dando frutos a otros, brinda una sensación de plenitud y motivación para seguir siendo mejor cada día.

Sé que los puntos anteriores suenan muy románticos, pero si creemos en la unidad, donde todos nos ayudamos unos a otros, en lugar de competir, el éxito estará garantizado para muchos en sus respectivos momentos. Ponlo a prueba y evalúa por ti mismo: ser mejor persona y mejor profesional le augura un buen futuro a nuestra música, haciendo de este mundo un lugar mejor para vivir.

*Es productor musical, ingeniero en audio y músico y cuenta con 25 años de trayectoria en diversas áreas de la producción, participando en diferentes proyectos dentro y fuera de México, que abarcan música regional, pop, jazz, rock y orquestas sinfónicas, así como música para empresas y soundtracks. También está a cargo de la producción de audio en la Dirección de Innovación de la Secretaría de Educación Pública. Es miembro votante de los Latin Grammy y cuenta con su propio estudio de grabación, AntenaStudio, en Guadalajara, Jalisco. Pueden encontrarlo en: ferrer@antenastudio.com y www.antenastudio.com

INOVAUDIO

INOVAUDIOMEXICO @INOVAUDIOMEXICO

Love of Lesbian en el Palau Sant Jordi:

porque la cultura es segura y necesaria

Fotos Cortesía: Love of Lesbian

Realizado en marzo de este año en el Palau Sant Jordi, la sala de espectáculos más emblemática de Barcelona, España, con capacidad para 18 mil personas, el concierto que brindó Love Of Lesbian significó el referente para establecer que la realización de espectáculos masivos puede llevarse a cabo, aplicando protocolos sanitarios que se suman a la coordinación operativa de la producción técnica y artística. El concierto demostró que en un evento masivo con 4,996 personas, se tuvo un saldo a favor de la causa cultural, al resultar sólo seis casos positivos a la covid-19, sin que estos se hayan contagiado en el concierto ni propiciado una cadena de contagio posterior a la realización de éste. Es el staff de la banda catalana el que expone lo ocurrido, el significado y el alcance del proyecto para toda la industria del entretenimiento.

Una iniciativa, una luz

“Previamente, los directivos del Primavera Sound y Cruïlla, hicieron un primer experimento en la Sala Apolo con 500 personas. A partir de ese momento se hizo la unión de ese tipo de festivales para empezar a demostrar que la cultura era

segura, mediante una serie de pruebas de test de antígenos que se aplicaron de la mano del Hospital Hermanos Trías. Cuando se propuso a la banda la idea, lo primero que pedimos garantizar era la razón científica, porque la musical, ya la sabíamos. Fueron tres meses sin parar, coincidió con la salida del disco y preparación de la gira”, comparte Gonçal Planas, Manager Personal y Production de la banda.

Tras confirmarse la fecha del concierto, el concepto se basó en atender un diseño sencillo y limpio para cada ámbito de la producción técnica: “No se trataba de fanfarronear con que íbamos a poner 200 millones de focos y de pantallas para que todo el mundo supiera que estábamos ahí; se trataba de un show para indicar que la cultura volvía. Trabajamos con conceptos que fueron claros: que la iluminación no fuera barroca, sino clara, que las pantallas que pedimos para proyectar fueran grandes, pero sin diferentes divisiones o volúmenes. El escenario no tuvo pretensiones: tenía 18 metros de boca y 12 de fondo, con los lados cubiertos. Estos gestos que implicaron ser simples, y honestos, y poner a la música y a

la ciencia por delante, se percibieron perfectamente, porque el concierto fue muy emotivo, donde todos fuimos partícipes de algo histórico”, detalla Gonçal.

La condición sanitaria en la logística

La selección del Palau Saint Jordi garantizaba el nivel espectáculo que se requería, por ser el sitio de Barcelona más emblemático para hacer conciertos; la arena más multitudinaria de España con capacidad para 18 mil personas. Y respecto al tema sanitario, el recinto permite la libre circulación de oxígeno que debía incluso duplicarse para garantizar que el espacio era el mejor posible para hacer la prueba que coordinaron como vocales del Hospital, los médicos Boris Revollo y Josep María Llibre.

En lo que respecta a la banda, también fue clave el precedente de prevención que ellos ya venían aplicando: “Antes de este concierto, nosotros estábamos grabando el disco que recién presentamos: ‘V. E. H. N (Viaje Épico Hacia la Nada)’. Tenemos la suerte de tener una amistad que es un oncólogo muy notable de Barcelona, quien nos asesoró cuando no había ni un protocolo normativo para ningún negocio. De tal forma que el primer protocolo que se siguió en España en un estudio de grabación fue el nuestro. Esto quiere decir que cada vez que hemos entrado al estudio de grabación, que hacemos un stage técnico, stage musical, ensayo y demás, ya tenemos la parte sanitaria cubierta, porque hemos invertido en ella desde hace tiempo”, relata Gonçal.

Marcel Rius, Jefe de Producción y Logística, quien recién se sumó al staff de la banda, detalla la coordinación entre el equipo del grupo y la producción de los festivales que convocaron la iniciativa: “Toda la parte de producción local de los festivales mencionados, marcó el empuje para realizar el concierto. Ellos fueron los encargados de montar todo el protocolo sanitario, atender el nivel de las salidas de aire en el recinto, coordinar los test por antígenos durante los cinco días que se ensayó y montó todo para el concierto. Expusimos nuestras dudas y aquello que podía tener repercusión en el diseño de toda la producción porque, como se entiende, un concierto de estas dimensiones implica ensayos, proveedores, colaboradores y cosas que un médico carece de saber”.

La coordinación y aplicación impecable de protocolos por parte de todo el personal de producción y sanitario, alrededor de 300 personas, marcó la pauta de lo que también se replicó entre el público asistente para cumplir los requerimientos de prueba y control para el concierto: el público debió acudir a una sede en Barcelona para realizarse el test, usando una aplicación específica para ello que registraba sus datos de localidad y actividad fuera de casa. Así mismo, en el Saint Jordi se dispuso de una carpa en la que podían hacerse el test, en caso de no haberlo hecho con antelación. “Hubo una zona de bar exterior, previo a la entrada de la pista, para consumir antes del concierto. En la pista hubo tres zonas de público divididas con vallas anti avalanchas para que no se mezclaran entre diferentes bloques, creando tres burbujas de 1,600 personas aproximadamente. No había distancia social obligatoria, pero la condición fue llevar la mascarilla todo el tiempo”, menciona Marcel.

La experiencia con el público fue genial, gracias a una tipología de fan propia de la banda y de un proceso pedagógico en la organización en la que el grupo y las autoridades sanitarias indicaban cómo iban a ser las cosas en este concierto. Santi Balmes –líder de la banda–, preparó un discurso de comportamiento para el público donde les compartió la importancia de aquel experimento y momento, del significado de esa jornada”.

Extensión de días y horas, variables clave del montaje

Para cumplir los protocolos sanitarios en la logística de la producción, se han debido extender los días de montaje y escalonar los horarios de participación del staff, proveedores y talento. Eso es crucial, como revela Leandro López, “Leo”, Stage Manager del grupo: “El montaje nos tomó cinco días. Previamente hicimos un estimado de los horarios y el tiempo que necesitábamos para montarlo todo, planificando lo que serían el montaje, los días de ensayo y calculando los tiempos para citar a la banda y trabajar cómodos. Tardamos un día en montar todo, llegamos en la mañana y por la noche ya teníamos todo operativo. En el segundo día, entramos a tiempos escalonados a partir de la mañana, para hacer pruebas, y por la tarde ya estaban tocando”.

“Lo particular de este montaje fue que el escenario iba sobre ruedas. Eso fue algo que pudimos armar en paralelo: mientras se trabajaba en el colgado de las luces y el PA en la estructura del escenario como tal, armamos la tarima que se montó debajo. Ya con esto montado, entró el backline y se pudo hacer bastante rápido; tanto el personal de los festivales como nuestro crew es gente bastante experimentada, así que el trabajo fue fluido”.

“Respecto al tema de sanidad y desinfección, todos los que estaban ahí tenían su test de antígenos, además de usar todo el tiempo el cubrebocas”.

La cultura es segura

Con los casi cinco mil asistentes, la logística y protocolos implementados para la realización del concierto y haber tenido como conclusión sólo seis casos positivos a la covid 19, lo logrado en este recital en vivo desde el Palau Saint Jordi, sentó un posible modelo de trabajo para reactivar la industria de la música y el espectáculo en el mundo.

“De las personas asistentes, sólo seis dieron positivo y ninguno fue transmisor o se contagió en el concierto. Ese resultado estaba previsto por parte de los médicos e incluso salió más favorable, porque ellos calculaban que entre 100 y 200 personas podían llegar a dar positivo, con lo cual este experimento y la manera de trabajar que se tuvo, demuestran que la cultura es segura”, afirma esperanzado Gonçal.

Leo enfatiza esto al establecer que nos volvimos más cautos: “Tienes claro que cualquier positivo entre nosotros implica que todo un equipo de trabajo vaya a cuarentena, así que ya no es sólo por seguridad personal y de colectivo, sino también por lo laboral. La cautela estará muy presente”.

Marcel coincide y agrega: “Esta situación nos ha cambiado a todos, desde la esfera máxima personal a la laboral, pero hoy podemos decir que gracias a un protocolo como el que hemos compartido, podemos estar agradecidos de sumar estos ingredientes para ver una luz al final del túnel. La prudencia y la cautela nos permitirán seguir trabajando y sortear las dificultades”.

El audio en sala, de nuevo en la labor

Roger Marín, ingeniero de audio en sala de Love of Lesbian, narra su historia en este excepcional concierto:

“Cuando surgió la idea de este concierto, nos encontrábamos en plena pre-producción de la nueva gira del disco más reciente, así que nos supuso un alto en el camino ya hecho, pero encantados con la idea de poder realizar un evento de estas características con lo que eso conlleva, después de más de un año de parón de la música en vivo, era una oportunidad inmejorable para demostrar que se podían hacer este tipo de conciertos con la máxima seguridad posible”.

“En cuanto al sistema de sonido, se montó un sistema L-Acoustics, compuesto de 18 cajas K2, 12 cajas Kara y 16 subs K28, ajustado por el ingeniero de sistemas Josep María Riera. Como comenté antes, al ser un show basado principalmente en la anterior gira, decidimos montar la misma consola, una Midas PRO2 con un DL251”.

“Ya estábamos preparando la nueva gira con la nueva de Midas, Heritage-D, y gracias al distribuidor de la marca en España, Adagio, que nos la cedió, decidimos montar las dos consolas en cascada, los primeros dos días ajustamos el show con la Pro 2 y una vez lo teníamos todo preparado y ajustado, probamos a pasar a la nueva Heritage D, en seguida nos convenció su increíble sonido y su rápida curva de aprendizaje. Finalmente se hizo todo el show con ella”.

“Todo fue muy relajado en cuanto a montaje, tuvimos un día entero de montaje y dos de ensayo con la banda. Cada mañana, el personal sanitario nos hacía un test de antígenos, esperábamos unos 15 minutos el resultado y accedíamos al recinto del concierto. Una vez dentro, todo el día con la mascarilla puesta, era más seguro estar dentro del Palau Sant Jordi que afuera, realmente”.

“Puedo decir como aprendizaje, que la música en vivo no se puede perder; si se han de buscar fórmulas alternativas, se crean, la música no puede parar, ya no sólo para los que nos dedicamos a esto, sino sobre todo para nuestra sociedad. La música en vivo nos hace mejores y nos ayuda a todos”.

Monitores que vuelven al escenario

Por su parte, Jaume Fernández, jefe de monitores de la banda, vivió así esta singular experiencia:

“Empecé a trabajar con la banda en 2011 y para esta ocasión, el proceso de producción fue exactamente igual al de cualquier otro concierto de Love Of Lesbian. Diseño el rider de sonido de Love of Lesbian según el concierto a realizar y con la empresa proveedora de sonido del festival y a través del personal de producción de Management, acuerdo todo el set de monitoreo y las diferentes tomas de corriente necesarias para todo el sistema de sonido y backline. Además, en paralelo coordino toda la infraestructura de señal y patch, junto todo el control de monitores a través de nuestra empresa proveedora de sonido Araso, con la que trabajamos desde hace años”.

“Para el concierto del Palau Sant Jordi escogí la consola Avid S6L 32D. Desde hace un par de años estoy utilizando esta mesa con unos resultados fantásticos, tanto por su calidad de sonido, como por su versatilidad, fiabilidad y flexibilidad a la hora de configurarla. Además, complemento todo el set interno de efectos y dinámica, utilizando una serie de plug-ins Waves con un Extreme Server. En los in ears utilizamos Shure PSM1000 (x10) más una antena helicoidal para los músicos e invitados, y sistemas Sennheiser EW300G3 (x4) para el Stage Manager y los Backliners. Todo gestionado con el Shure Wireless Workbench”.

“Por otra parte, los músicos utilizan desde hace años audífonos Ultimate Ears, aunque últimamente algunos de ellos y yo mismo, hemos adquirido audífonos Jerry Harvey JH/16v2. En monitores de piso utilicé en esta ocasión monitores L-Acoustics X12 I en los side-fills, 4 L-Acoustics KARA, más 2 L-Acoustics SB28, todo amplificado con LA4X y LA12X, gestionados con una computadora con Network Manager. Para el baterista utilizamos desde hace tiempo un sistema de monitoreo Thumper Porter & Davies BC2rm”.

“El proceso de montaje fue muy similar al de la época prepandemia, con la excepción de la mascarilla FPP2, que se nos entregaba cada día al pasar el test de antígenos diario. La gente era muy consciente de las normas sanitarias. En cualquier caso, los únicos que utilizaban estos micrófonos eran los propios músicos y yo mismo en los momentos de las pruebas, nadie

más. Respecto a las instalaciones (backstage, catering y demás), se siguieron escrupulosamente las indicaciones de las autoridades sanitarias junto con el coordinador sanitario, que estuvo presente todos los días”.

“Lo más difícil de esta situación es gestionar la distancia de seguridad marcada por las autoridades con cualquier persona de tu entorno de trabajo más próximo. No trabajamos en situaciones donde puedas comunicarte fácilmente a una cierta distancia, por lo que en entornos ruidosos como los nuestros es realmente complicado mantener esa distancia exigida. Por lo demás, con un poco de precaución y una buena higiene en las manos no hay más problema”.

“Creo que en una época anterior, nunca habíamos dado la suficiente importancia a la higiene cuando se manipulaba la microfonía. Desde que he vuelto a estar activo en lo laboral, evito en la medida de lo posible tener mucho contacto cuando chequeo los micrófonos de las voces y trato de mantenerlos totalmente limpios y desinfectados, junto con las maletas de todos los técnicos y músicos”.

La creatividad de los visuales continúa

Felipe Cardeñosa, de la empresa AudioVisualKollective, estuvo a cargo de las videoproyecciones en el concierto de Love Of Lesbian en el Palau Sant Jordi el pasado marzo. Él narra su experiencia en este evento que marcó un antes y un después en la producción de eventos en vivo en el país español:

“Hemos trabajado con la banda desde 2016; estuvimos en la gira de ‘El Poeta Halley’, en 2016-2017, ‘El Gran Truco Final’ en 2018 en Madrid y Barcelona, el concierto en las Fiestas de la Merced (Barcelona) 2018 y el concierto de la celebración de los 20 años de la banda en la Ciudad de México en 2018. El diseño de los contenidos evolucionó desde la gira de ‘El Poeta Halley’ al concierto de marzo pasado en consenso entre la banda, la compañía Somos Luz (encargada de la puesta escena y la iluminación) y AudioVisualKollective, (que se encargó de la realización del footage y la ejecución de las visuales en tiempo real). Se respetó la estética de las canciones clásicas del grupo, como ‘1999’ o ‘Ahí donde solíamos gritar’, por ejemplo), dentro de un look espacial que se ha ido actualizando”.

“Hay un viaje conceptual que parte de las ilustraciones de Sergio Mora (sergiomora.com) y su visión de lo espacial, que se explora dentro de un imaginario de cómic vintage. A partir de ahí se ha tratado de modernizar el discurso (conservando el mismo leit motiv), con piezas en 3D, en un trabajo en equipo, donde la iluminación y el video han ido de la mano para sumar y enriquecer a la banda”.

“Las videoproyecciones del concierto en el Palau Sant Jordi se ejecutaron con los siguientes equipos: Pantalla de LED de 12

por 7 metros y un pixel pitch de 5.9 milímetros, mezcladora Roland VR-50, computadoras Mac Book Pro con el software Modul8 y una cámara de alta resolución”.

“Mi aprendizaje en este evento fue muy significativo, pues el año pasado estuve ingresado en el hospital durante un mes y medio, con dos semanas en coma inducido debido a la covid 19 y neumonía bilateral. Después de una larga recuperación, el concierto del 27 de marzo fue para mí una resurrección artística. Participar en este espectáculo significó salir de la baja medica y volver a hacer lo que más me gusta; más que un reto, este evento fue un ritual de vida y sanación. Rodearme de amigos para conmemorar delante de 5,000 personas mi recuperación y el regreso de la música en vivo a los escenarios”.

Las luces, energía que libera

En la iluminación, Ezequiel Gómez, fundador y director de SomosLuz (somosluz.eu), tiene 12 años trabajando con el grupo. Para esta ocasión tan especial, el concepto lumínico trató de abrazar lo más posible al público con las luces y las imágenes, ya que los espectadores eran los verdaderos protagonistas de este evento. Así lo describe:

“Siempre estamos todos muy involucrados en todos los aspectos del show. Según las características de la producción, desde el estudio de Somos Luz, proponemos la idea inicial, que es contrastada con la banda, el management, la producción y el staff técnico. Soy el encargado de diseñar el espacio escénico en su totalidad, mientras que la creación de contenidos está a cargo de Felipe Cardeñosa de AudioVisualKollective y estos están trabajados conceptualmente con la banda, el management y conmigo. Los contenidos visuales para este show parten de las ilustraciones de Sergio Mora, a las que se añaden efectos y elementos propios que AV-K dispara en tiempo real. Yo me encargo de ubicar esos contenidos en su sitio, de matizarlos e integrarlos con la puesta en escena. Desde las primeras conversaciones, la producción de la puesta en escena duró casi un mes”.

“Mi aprendizaje de esta experiencia es que la cultura sin duda alguna es una necesidad básica y sentir el intercambio de energía en un concierto en vivo no tiene precio”.

Los equipos que se usaron en la iluminación fueron: luminarias Clay Paky A.leda K20, Mythos Robe Robin 800, Elan Strobe, máquinas de humo Robe Hazer, cañones Aramis 2500 y consola MA Lighting Grand MA2.

Junto con los fans y por supuesto, una banda como Love Of Lesbian, este staff será parte de la historia de la producción en España y el mundo, demostrando que la ciencia y la música tienen un fuerte lazo, donde la primera hará que la segunda vuelva a escucharse fuerte y claro, en vivo.

GoroGoro IL,

donde nacen nuevas experiencias

“Este espacio surgió de la necesidad y del impulso creativo que tengo desde hace años y que se intensificó debido a la crisis sanitaria. Como no tuve giras, encontré más tiempo; este proyecto es como un ente para juntar creativos, tanto músicos como productores, innovadores de software, tecnológicos o musicales, en diferentes formatos inmersivos. A mí me llamó mucho la atención porque entré a trabajar y colaborar con grandes profesionales de la mezcla sonora en el cine”. Esto lo dice Carolina Anton, fundadora de GoroGoro Inmersive Labs, un lugar que abrió junto con estos colegas que menciona.

“Del sonido estéreo que todos en música manejamos —en mi caso, mucho tiempo ha sido en eventos en vivo—, ahora meterme a otro mundo que es el cine, me empezó a crear una idea diferente a lo que estaba acostumbrada a mezclar. Trabajar al lado de grandes personajes de este medio, como Jaime Baksht, me ha guiado mucho, así como Carlos Reygadas, Carlos Cortés, Marco Hernández, Miguel Molina y muchos más mezcladores y directores de cine”, agrega.

Experimentos de éxito

“Como me dedico mucho más a hacer shows en vivo, mi primer acercamiento fue crear conciertos inmersivos, así que empecé a investigar cómo hacer estas mezclas en general para hacer shows en vivo. Hicimos un concierto así en la Fonoteca Nacional y en sound:check Xpo, en donde se sumó Ianina Canalis, experta en audio inmersivo y que nos ayudó muchísimo a lograrlo”, recuerda Carolina.

Carolina Antón “Comenzó el confinamiento sanitario y entonces se crearon más contenidos binaurales. Fue como una forma de decir: ‘¿Cómo podemos generar nuevas experiencias al público utilizando estos nuevos formatos de sonido inmersivo y audiovisual?’ Porque también va de la mano con videos en 360 grados que ya son más interactivos con el público. Esto fue la necesidad de crear nuevas experiencias y de ahí salió este laboratorio”, agrega la fundadora de GoroGoro IL. Atmos lleva altavoces en el techo, de manera que si puedes escuchar sonidos que vienen dirigidos hacia ti desde la parte de arriba, no están simulados. Son diferentes formatos, una experiencia te la va a dar escuchando con audífonos, por ejemplo in ears, mientras que otro sería como binaural si utilizas audífonos un poco más abiertos. Tenemos también el sistema head tracker, el cual es justamente un sensor de movimiento”, expone Carolina.

“En general, no nada más en México, creo que en todos lados hay muy poca información de este formato”, explica Carolina; “es algo que me emociona y a todo el equipo que trabaja con nosotros. Se trata de la creación; es raro, porque yo he hecho contenido y hay mucho contenido público, pero no hay un estándar, sino creación pura, y sí, definitivamente es un área en donde todos estamos aportando, entonces es muy bonito, porque hay muchos colegas con los que hablamos y nos ayudamos también, de manera que es a donde se quiere llegar: que sea abierto para todos y de alcance más fácil”.

Las herramientas

Acerca de los recursos con los que cuenta este espacio, Carolina Anton menciona: “Básicamente lo que tenemos es como un laboratorio, hemos probado equipos como Klang, con mezclas inmersivas en tiempo real para los músicos. Como monitorista puedes crear este tipo de experiencias con cada uno de los ejecutantes y además tiene un sensor en donde utilizas el giroscopio de tu teléfono o tablet y puedes girar todo conforme lo ves”.

“También hemos probado con herramientas como el sistema inmersivo desarrollado por Ianina Canalis (Immersive Sound System Panning/ISSP), del que somos representantes en México y que fue el software que utilizamos en sound:check Xpo y en la Fonoteca Nacional para hacer el primer show de este tipo en nuestro país”.

“En la cuestión de estudio para audio inmersivo, hemos trabajado en Dolby Atmos, en formatos 7.1.4. A diferencia de los sonidos inmersivos como binaurales o en vivo, por ejemplo,

“Antes del primer experimento hecho en sound:check Xpo, —espacio muy interesante con el que pudimos contar—, lo montamos aquí para ser probado. No sólo fue una experiencia inmersiva, sino que desarrollamos cuatro diferentes; utilizamos una conexión vía Dante, que es audio sobre IP, no sólo como una cuestión creativa en sonido inmersivo, sino también un desarrollo y un mejoramiento. Buscamos optimizar el rendimiento de los equipos para tener una mejor experiencia. Para este caso utilizamos toda una red Dante, tanto en sala como en monitores; no usamos splitters ni snakes analógicos, todo fue por CAT 6 en routers y todo el sonido viajó por IP”.

Carolina también comenta: “De ahí se llegó a todas las bocinas. En ese momento hicimos un 7.1.4 con diferentes calibraciones, que es otro tema importante. Cuando estás mezclando para sonido en vivo, la forma de ecualizar y de optimizar es diferente a la manera en la que escuchas contenido para cine o contenido binaural. En la ocasión de sound:check Xpo hubo una combinación de todo, tuvimos varios presets y cambiábamos del show inmersivo a una película, nos cambiábamos a Dolby Atmos con la gente de esta compañía o un contenido en Pro Tools o en algún software. Todas esas experiencias son las que hemos hecho en GoroGoro IL”.

“También hemos hecho grabaciones en Ambisonics; el formato de cómo se registra el sonido es con micrófonos que tienen varias cápsulas, que se pueden poner al centro del cuarto o de donde se quiere capturar el sonido, entonces ya capta el sonido inmersivo, se exportan esos audios y cuando se importan al software ya puedes imaginar que estás ahí, ya no simulas, que es lo que se hace normalmente cuando grabamos en mono. Para una cuestión de ambiente o una creación musical se puede pensar en grabar con esos micrófonos la batería, por ejemplo, o lo que se requiera”.

El futuro

Todo esto se oye interesante y con mucho futuro, pero ¿qué tanto se podrán usar sistemas inmersivos de una manera mucho más común en aplicaciones de música en vivo? Carolina responde: “Lo creo totalmente, lo estamos viviendo y estoy muy contenta de que seamos parte de él. Las nuevas generaciones y todos estamos en búsqueda de nuevas experiencias como estos formatos y formas de escuchar. Como todo cambio, será paulatino”.

Lo que hay en GoroGoro IL

Para la mezcla

Dolby ATMOS 7.1.4 con Mastering Suite y monitoreo Genelec Mezcla inmersiva binaural con Ambisonics (aquí se usa head tracker, sensor de movimiento que se coloca en los audífonos, más otros plug-ins inmersivos como Waves o DearVr).

Para sonido en vivo

Sistema de monitoreo personal Klang. También se usa actualmente para hacer streaming y es para mezcla en vivo. Software Immersive Sound System Panning, que usa el giroscopio del teléfono, sensores de movimiento (Leap Motion), y es para audio en sala.

“La gente que está implicada en la parte de producción, desde la creación de los contenidos y los ingenieros que lo pueden ocupar, deben tener una adecuación al tema, conocimiento y ganas de experimentarlo”.

“Para mí, lo que estamos haciendo en GoroGoro IL ha sido un camino muy lindo, me he podido relacionar de otra forma con músicos, productores, ingenieros y otras áreas que complementan estos procesos, para crecer todos”.

Entrevista: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco

Mozart y la tecnología

Tuve un sueño hace un año, justo en medio de la pandemia. Como en un viaje a través del tiempo, me vi en una estrecha calle de Viena en 1787, tres años antes de la muerte de Wolfgang Amadeus Mozart. Parado frente a una casa que miro con atención, toco la puerta color terracota. Al instante, aparece un personaje alto y delgado que me mira asombrado por mi contemporánea apariencia. Pregunto por Mozart. Con cierta desconfianza, el personaje me deja entrar a una pequeña sala adornada con candiles, diciéndome que avisaría al gran maestro vienés de mi visita. Bajo mi hombro izquierdo cargo mi portafolio de trabajo que contiene mi MacBook Pro, un pequeño teclado MIDI y una impresora también pequeña. Después de unos diez minutos de espera en los que varios habitantes de la casa pasan mirándome como un extraterrestre, finalmente aparece Mozart elegante y aristocrático con su fina peluca, maquillado y vestido como digno compositor de las cortes del siglo XVIII. Mirándome con evidente desconfianza y hasta cierto punto asustado, Mozart me pregunta:

—¿De dónde viene usted y en qué puedo ayudarle?

—Maestro, vengo de muy lejos, del otro lado del océano; de América, y quiero mostrarle algo que usted debe conocer y que deseo obsequiarle.

—No entiendo quién es usted ni como llegó aquí, pero dígame, ¿qué es lo que yo debo conocer?

En ese momento, abro mi portafolio negro en el piso, saco mi laptop, el pequeño teclado MIDI, la impresora, los conecto y oprimo los botones para que se prendan. Mozart ve el teclado, que es lo único que parece reconocer como algo conocido, pero se queda mirando el otro extraño objeto metálico, formado por una pantalla de cristal y un teclado con letras iluminadas, tal y como si una persona en la actualidad mirara la consola de navegación de un ovni. Estuve a punto de preguntarle a Mozart

si no tenía algún contacto de corriente en alguna pared para conectar mi cargador, pero preferí omitir la pregunta. Inmediatamente suena el acorde mayor característico de las computadoras Apple cuando se prenden y como arte de magia emerge el icono de la manzanita en la pantalla, momento en el que Mozart da un salto hacia atrás con los ojos desorbitados.

—Debo decirle, Maestro, con el debido respeto y proporción guardada ante usted, que yo también soy músico y compositor, que admiro su música y que me gusta analizar sus obras.

Mozart no contestó, pues se había quedado paralizado viendo la MacBook sin poder emitir una sola palabra.

—¿Es usted músico? ¿Qué es eso? ¿Cómo es que conocen mi música en América?

Mozart no daba crédito a lo que veía. Aparece mi pantalla iluminada, fondo de pantalla con una imagen de los Avengers, selecciono el ícono del Sibelius, y abro el programa. —Sí, Maestro, he dedicado mi vida a la música, sólo que en los tiempos en los que yo vivo, las cosas han cambiado demasiado. Esto que ve usted funciona con electricidad, fenómeno físico que aún no se conoce; es una computadora inventada por Steve Jobs y Steve Wozniak aproximadamente en 1980. En América conocemos muy bien su música y de hecho, no existe Conservatorio en el que actualmente no se estudie su arte.

Mozart palidece, comienza a temblar y grita:

—¡Constanza, Constanza, ven de inmediato!

En ese momento, entra por la puerta Constanza preocupada y es así, de esta manera, en un tenso y absurdo ambiente que sólo es posible en el mundo de los sueños, como conozco a la mujer de Mozart.

—Llévense a este lunático que habla del año 1980 como si ya hubiera ocurrido y asegura que conocen en América mis obras, cuando aquí lucho a diario con mis editores para que las publiquen.

—¿Quién es usted, y qué desea con mi marido?

—Señora, yo sólo quiero mostrarle a su esposo tres herramientas que quisiera dejarle como obsequio.

En ese momento, le muestro a Mozart los compases iniciales de “Don Giovanni” en mi Sibelius, obra que en este momento el maestro aún estaba por componer, además de mostrarle la partitura y la reproducción de la misma por medio del Note Performer 3. Mozart sigue callado. Mientras tanto, comienzo a tocar en el teclado MIDI, las notas que al mismo tiempo se escriben en la partitura, reproduciendo los sonidos de los instrumentos, y le añado una reverb en la mezcladora del programa. Don Giovanni comienza a sonar con una orquesta invisible, con un sonido casi real, dentro de un pequeño y extraño objeto de metal. Después de escribir las notas en el score, lo transporto, extraigo las partes individuales y realizo varios trucos que los músicos hacemos hoy con la tecnología.

Mozart sigue sorprendido, pero ahora muestra menos desconfianza, al haber escuchado los primeros compases de una obra que le suena familiar, compuesta con su propia personalidad musical, pero que aún no reconoce, ya que en el desarrollo lineal del tiempo es una obra que él mismo compondrá unos meses después.

—Me parece una obra interesante y no puedo negar que tiene mi estilo, aunque no puedo comprender cómo es posible que pueda estar yo escuchando una obra musical que compondré después, no entiendo qué es lo que está sucediendo ni quién es usted.

En ese momento, selecciono “imprimir” en la pantalla y de mi impresora comienzan a salir dos hojas de papel con la partitura del violín primero. Mozart comienza a temblar, sale corriendo de la habitación, pero al salir por la puerta cae muerto de un infarto. Constanza grita desesperada mientras una voz operística que anuncia el fin de mi sueño penetrando las paredes adornadas, canta en alemán: “El tiempo no es más que lo que nos permite darnos cuenta de cómo los instantes se suceden uno al otro en una secuencia de eventos que percibimos como presente y como realidad. Cada momento es único. El presente es la línea indefinible que va convirtiendo el futuro en el pasado”.

Sirva este extraño sueño para reflexionar en varias cosas. Hoy, los músicos y compositores tenemos a nuestra disposición herramientas que hace doscientos años nadie podría imaginar. Si bien la tecnología no sustituye la capacidad de un músico, bien usada, la potencializa.

Hoy, un músico no sólo debe prepararse en los terrenos de la teoría musical, el desarrollo de una técnica en su instrumento, el entrenamiento auditivo, la armonía y la composición. La tecnología nos ofrece hoy la posibilidad de poder grabar nuestras ideas, de poder escribirlas con ventajas que hace apenas unos años, implicaban una inversión considerable de tiempo y esfuerzo. Cuando Mozart escribía una ópera, la escribía a mano y una vez terminada, debía contratar un copista que realizara las partes de cada instrumento y no habiendo fotocopiadoras, el copista debía realizar con su puño, letra, estilo caligráfico y con el riesgo de cometer errores, las partes musicales de cada atril, proceso que podía llevarle varias semanas en terminar. Hoy se escribe una partitura y las partes individuales se generan en unos cuantos minutos con la calidad caligráfica de una partitura editada profesionalmente. Los compositores en el pasado, escribían música orquestal, sonando la obra en su cabeza, en su universo imaginario, aunque pudieran utilizar el piano como herramienta. Comprobaban el resultado en los ensayos, cuando los músicos comenzaban a tocar la obra. Hoy basta con tener un DAW (programa para grabar audio y MIDI), para poder sonar e incluso componer, contando con la ventaja en el proceso creativo, de estar en contacto directo con la materia sonora. Hoy es posible grabar o adquirir una pista con los instrumentos de un ensamble sin nuestro instrumento para poder practicar y estudiar una obra, improvisación o cualquier tema musical, pudiendo tocar encima como parte del ensamble.

La tecnología hoy es parte de nuestra vida artística, de tal forma que un músico, cantante, compositor, arreglista o productor, alterna en un constante flujo su capacidad creativa con el uso de la misma y aprovecha sus ventajas. Y por supuesto, es necesario reafirmar que la tecnología jamás sustituye el talento del creativo. Lamentablemente en mi sueño Mozart no pudo recibir mis tres obsequios… de haberlo logrado, le hubiera hecho la vida más práctica, aunque haya que decir de la misma forma, que nunca requirió Wolfgang en su corta vida de una computadora para realizar su magnífica y sublime obra artística.

Es músico, pianista, compositor y productor musical mexicano con 35 años de experiencia en el medio musical contemporáneo. Ganador de un Latin Grammy como productor musical, ha sido director y arreglista en múltiples proyectos y con diversos artistas: Natalia Lafourcade, Café Tacvba, Filippa Giordano, Gustavo Dudamel, Eugenia León, Cecilia Toussaint y Fernando de la Mora, entre otros. Ha sido compositor para diversos proyectos de cine, teatro y danza y es fundador de CCM Centro de Creadores Musicales, pedagogo, conferencista e importante impulsor de la educación musical en México.

Jairo Guerrero y su Cámara de sueños, sonidos sanadores

El artista sonoro Jairo Guerrero tradujo el acompañamiento personal de un tratamiento psicoterapéutico en un proyecto para mejorar la calidad de vida de las personas a través de la música. Llamado “Cámara de Sueños”, se trata de atmósferas que a través del sonido permiten contrarrestar desbalances emocionales y trastornos mentales, al emular el efecto vibracional que proveen medicamentos como los ansiolíticos; efectividad avalada por el Instituto de Educación e Investigación en Salud Mental de México.

“Este proyecto partió de una experiencia propia en el confinamiento sanitario, que creo nos pasó a muchos por toda esta nueva situación: lidiar con nosotros mismos, aislarse, empezar a compartir con una familia con la que no acostumbras estar las 24 horas y tener dinámicas de vida que no se demoraron en mostrar problemas mentales y emocionales como insomnio, ansiedad, depresión y falta de concentración porque, además, los entornos de trabajo cambiaron”, relata Jairo. “Muchas personas desafortunadamente no tienen la posibilidad de un tratamiento o simplemente no han llegado a la decisión de entender que lo necesitan o a pedir ayuda. De ahí partió esta iniciativa. Quería hacer algo de manera sonora que pudiera fungir como una especie de acompañamiento para personas que sufren este tipo de desbalances. Lo que hacen los antidepresivos es equilibrar la química del cerebro para que empieces a pensar de manera correcta. Cada uno de estos medicamentos hace lo suyo en la mente y en el cuerpo, y cuando eso sucede, la persona empieza a experimentar bienestar y eso está ligado con vibraciones: está comprobado que el cuerpo humano vibra cuando está en una situación positiva o estable; emite vibraciones que se miden en hertzs —entre los 62 y 69, aproximadamente—. Cuando la gente vibra por debajo de esas frecuencias es cuando está deprimida o triste y el sistema inmunológico es más propenso a enfermarse”, explicó el músico.

Jairo comenzó a trabajar en el proyecto y considerando también factores como la fluctuación del ritmo —la música electrónica como el house suena a 122 beats—, decidió componer esta música para tratar de llevarla a la manera en la que ocurre la respiración humana para conseguir que las personas se sincronicen a ésta:

“Es música que fluctúa entre los 40 y 60 beats, que es como respira el cuerpo humano; tiene ese juego también y las frecuencias que mencionaba, aunque éstas no sean tan audibles por el oído humano; es como poner una cama de vibración por debajo que, de alguna manera, cala el inconsciente. Le mostré el proceso de trabajo a Ruth Cabrera, psicoterapeuta, y me dijo que le recordaba a los sleeping pods (cápsulas de descanso) en los aeropuertos, para que quienes hacen viajes muy largos puedan dormir mientras escuchan sonidos acompañados con variaciones de luces; se meten en una especie de burbuja para relajarse”.

“Me hizo sentido: de ahí salió el nombre de ‘Cámara de Sueños’. Le expliqué a Ruth el tema de las vibraciones y empezó a utilizarlo en terapias con pacientes a volumen bajo y lograba que llegaran a lugares más íntimos para el tema de sacar todo lo que necesitaba durante la sesión. Luego lo mostré a médicos del Instituto de Educación e Investigación en Salud Mental de México y me dijeron que el efecto lograba borrar el exterior y tener un momento de foco bastante interesante, que no tenía que ver con dormir o meditar, sino que se trata de un viaje sonoro que te acompaña”, explica el artista sonoro. Concebido como proyecto no terminado, Jairo comenta: “Cada track-atmósfera-cámara corresponde a un medicamento: primero salió ‘Aprazolam’, después ‘Desvenlafaxina’, luego ‘Fluoxetina’ y ‘Zolpidem’. Seguirán ‘Prozac’ y ‘Quetiapina’, que se usa para el trastorno bipolar”.

“La composición ha sido un tema de mucha paciencia, porque tengo los ingredientes, pero no sé exactamente cómo va a quedar el viaje y al final, aunque sea sonido experimental, la misma canción empieza a hablar por ella misma”.

“Toda la captura de audio la hago en Ableton y ahí también armo la masterización, ajusto volúmenes y demás. Uso sintetizadores análogos, algunos teclados y quise incorporar algo aleatorio, porque finalmente esto no es una fórmula química, puede tener variantes inesperadas, así que me valí de una vieja técnica que se llama tape looping para generar casetes; se cortan las cintas y se arman reels muy cortos que pongo a correr en una grabadora multicanal Tascam de seis canales, que empieza a generar un ritmo que se repite de algo que grabas, pero es inexacto. Sobre eso voy jugando con los sintetizadores y demás, pero lo que grabo en las cintas y demás va en línea con las vibraciones y notas que necesito, todo sonando de manera aleatoria, y de pronto en el caos, empieza a encontrarse un patrón que termina siendo una fluctuación que entiendes y con el que te sintonizas”.

“La masterización va sobre cómo meter ciertos niveles de bajos por track, porque uno de los sonidos más incómodos para el oído son los medios, así que traté de matar esos sonidos y limpiar ciertos niveles, dar volumen y cuerpo en los bajos, que no suenen muy brillante y que se entiendan si los escuchas en equipo de alta fidelidad o en tu celular o computadora. La ecualización está pensada para que funcione en diferentes ambientes. Es maravilloso hacerlo, porque es todo un tema de experimentación, donde mezclo cosas digitales y análogas”, expone el creador. “Cámara de Sueños” está acompañada por su contraparte visual, realizada por artistas que trabajan en 3D; es material ya hecho que permite elegir el tipo de fluctuaciones visuales adecuadas para cada cámara: “Se buscaba que no fuera como un video ni que entrase al mundo del DJ con visuales y demás, sino que también acompañara, como cuando se dispara el salvapantallas de tu computadora. Está pensado para que se use en consultorios psiquiátricos y de psicología y ya se ocupan en la Sala de Espera del Instituto de Investigación y Educación Mental de México; son hipnóticas, amables, tranquilas y te sincronización en un estado neutro”, describe Jairo.

El proyecto cuenta ya con una playlist especial en Spotify a través de la disquera del artista, Days Without End, y ha ganado menciones por su arte y campaña de difusión entre la comunidad publicitaria de América Latina, especialmente por sus posters e e-Cards interactivas que permiten descargar los tracks al celular: “Ya están disponibles cuatro temas y en el segundo semestre de 2021 se liberará otro más. Esto es para todo público, porque todos hemos sentido ansiedad o depresión y hemos lidiado con situaciones complicadas para las que a veces la mente no da solución. Si está funcionando en tratamiento para personas con ese tipo de trastornos, lo hará para el público en general y eso me parece una maravilla”, concluye feliz Jairo.

Este momento de la historia y nuestro bienestar, lo agradecen. Bendita la música.

Genelec, creatividad y emprendimiento con nuevas iniciativas

La marca finlandesa de altavoces profesionales está estableciendo la primera sucursal de su nuevo G Innovation Lab en la ciudad de Kuopio, con el objetivo de fomentar la creatividad y el espíritu empresarial en la región y atraer profesionales a la zona. Se comenzará con la actividad llamada Discovery Event Pitch Challenge en agosto y ahí, la firma reclutará un equipo de personas para desarrollar aún más el pensamiento innovador que ha ayudado a inspirar los avances técnicos de la empresa durante las últimas cuatro décadas.

Desde 1978, Genelec ha combinado un profundo conocimiento de sus clientes con un equipo de investigación y desarrollo notables en la industria del audio profesional, lo que ha llevado a una serie de hitos técnicos que han establecido el estándar de rendimiento para los altavoces profesionales en todo el mundo. Genelec también comprende que los enormes cambios en la forma en que se produce y distribuye el contenido de audio, además de los desarrollos en el aprendizaje automático, la inteligencia artificial y los modelos comerciales basados en servicios, significan que las formas de pensar nuevas y creativas serán esenciales en el futuro.

El G Innovation Lab será el hogar de personas talentosas y con un interés profundamente compartido en la industria del audio, que comenzará a trabajar este otoño. La ubicación del laboratorio también está diseñada para facilitar una cooperación aún más estrecha con universidades e instituciones educativas regionales, algo que Genelec ha valorado y fomentado durante mucho tiempo.

Para poner en marcha el proceso de contratación para el G Innovation Lab, el Discovery Event Pitch Challenge se llevará a cabo los días 23 y 24 de este mes y es un evento híbrido (presencial y en línea) en el que los buscadores de carrera y los emprendedores tendrán la oportunidad de presentar sus ideas a un panel de figuras de alto nivel de Genelec, lo que creará una oportunidad idónea para que los candidatos conozcan más sobre la marca y muestren al panel cómo ellos y sus ideas pueden ayudar a fortalecer el negocio de la empresa y la industria del audio profesional en general.

El director general de Genelec, Siamäk Naghian, comenta: “La transformación en curso en nuestra sociedad, tecnología, industrias y comunidad de audio es profunda y extremadamente emocionante. Nuestro propio éxito como empresa siempre ha sido impulsado por personas decididas a superar los límites de su imaginación y vemos al G Innovation Lab como un vehículo esencial para liberar el potencial creativo oculto que existe en nuestra comunidad local y atraer nuevos talentos a la región”.

Podemos tomar este ejemplo para pensar en maneras de descubrir talentos en nuestras regiones que puedan ser útiles al audio profesional. Para más información sobre el evento, pueden entrar a: www.pondi.fi/en/discovery-event.

Vari-Lite añade texturas de color a Agua Flamenco

El diseñador de iluminación, Yaron Abulafia, dio vida a una antigua fábrica de aceite de oliva cerca de Sevilla, España, cuando la pieza flamenca contemporánea “Agua” se interpretó con una variedad de equipos Vari-Lite.

Anunciada como una “pieza visual que se desplaza entre la danza, el teatro visual y la instalación de arte”, “Agua” fue representada en el espacio La Aceitera, por el artista israelí Adva Yer en colaboración con Andrés Marín. Como sugiere el título, es una pieza inspirada en el agua que explora el movimiento, el color, la textura y el sonido, con un guiño al cuadro de Matisse llamado “La piscina”.

A la cabeza de las luminarias Vari-Lite se encontraba la VL5LED WASH, que proyectaba ricas combinaciones de colores en el espacio, complementadas con las luminarias VL2600 WASH. Un equipo de luminarias VLZ PROFILE y VL2600 PROFILE agregó luz frontal y efectos, con luz lateral SL BAR 720ZT.

“Tenía mucha curiosidad por probar el VL5LED WASH para esta producción debido a su aspecto retro, que era muy adecuado para el recinto”, dice LD Yaron Abulafia, quien ha diseñado producciones en todo el mundo, incluso en Deutsche Oper Berlin, Royal Opera House de Londres y el Centro Internacional de Danza de Shanghai. “Fue un placer trabajar con los colores ricos, tanto saturados como sutiles y la calibración de la mezcla de colores, con una óptica precisa excepcional. El diseño exterior es muy atractivo a la vista y la versatilidad de su luz con lamas abiertas o cerradas tuvo un impacto muy interesante en el aspecto del espacio”.

Yaron Abulafia usó ocho unidades VL5LED WASH para retroiluminación, aprovechando su gran rango de zoom, mientras que otras dos VL5LED WASH funcionaron se utilizaron como foco para marcar áreas en el escenario.

El funcionamiento silencioso también fue clave, como explica Yaron: “La antigua fábrica de aceite de oliva, ubicada en un pueblo cercano a Sevilla, es un hermoso espacio cultural con carácter único, por lo que las fuentes LED, el nivel de ruido y el bajo peso fueron una prioridad para nuestro sitio, debido a la energía, consumo, música en vivo y condiciones arquitectónicas en el espacio”.

Para mejorar el espectáculo en el interior, Abulafia colocó un VL6500 WASH fuera del espacio dentro de los campos de olivos para iluminar el espacio a través de una ventana, emitiendo hermosos reflejos a través de las paredes traseras.

“Birds in the Moon”, nuevas propuestas para nuevos tiempos

Una nueva y provocativa ópera de cámara con música del compositor Mark Gray, llamada “Birds in the Moon”, ha lanzado una gira nacional basada en un concepto de puesta en escena revolucionario: toda la producción se encuentra en un contenedor de seis metros que se puede configurar rápidamente para presentaciones al aire libre en cualquier lugar. Para simplificar la producción de audio y al mismo tiempo ofrecer un paisaje sonoro horizontal extendido, la producción utiliza doce altavoces autoamplificados Meyer Sound montados en el contenedor. El espectáculo se mezcla en un iPad con el diseño de sonido espacial Spacemap Go de Meyer Sound y el software de mezcla en vivo. La ópera en contenedores debutó en Domino Park en Brooklyn a principios de mayo como parte del programa gratuito Bandwagon 2 de la Orquesta Filarmónica de Nueva York en toda la ciudad. Desde el principio, Mark Gray creó esta obra con una flexibilidad y portabilidad sin precedentes en mente. La idea era llegar a un público razonablemente grande al aire libre sin dejar de ofrecer un paisaje sonoro dinámico y panorámico, y hacerlo con un sistema optimizado que admitiera flujos de trabajo tanto automatizados como en vivo. Gray, un consumado diseñador de sonido y compositor, recurrió a Spacemap Go como la herramienta fundamental para implementar sus ambiciosos conceptos auditivos.

“Ha sido increíble trabajar con Spacemap Go durante el año pasado, explorando todo lo que puede hacer”, dice Mark Gray. “Realmente superó mis expectativas, por ejemplo, en la forma en que puedes automatizar las trayectorias sónicas a lo largo del tiempo, capturar esa escena y luego pasar a la siguiente. Y recordar todo es simple, ya que Spacemap Go se integra sin esfuerzo con otros programas de software”.

El sistema de altavoces consta de dos altavoces principales ULTRA-X40 y dos elementos de control de baja frecuencia 900LFC montados en el contenedor / escenario, además de ocho altavoces UP-4slim en las alas extendidas. Todo el frente es muy simple: dos micrófonos inalámbricos para los intérpretes, cuatro DPA 4099 para los instrumentos a través de preamplificadores y una unidad de reverberación estéreo vintage que se alimentan directamente a las entradas analógicas de un GALAXY 816, junto con 24 canales para electrónica.

“Hemos demostrado que se puede configurar un gran sistema sin tantas salidas y Spacemap Go es clave, porque podemos hacerlo todo sin usar una consola de mezclas dedicada”, continúa Gray. “Cada escena del programa tiene una instantánea Go Mix de Spacemap con etiquetado, configuración y mapas espaciales asignados a los canales. Luego realizamos la mezcla en vivo en el iPad con Spacemap Go. Cuando el Ringmaster está en la parte superior del contenedor de envío, mezclamos su posición utilizando un mapa espacial que impulsa el X40 con más fuerza”.

Este lugar móvil se ha convertido en el escenario de toda la serie Bandwagon 2 de cuatro festivales de fin de semana en Nueva York. La Filarmónica de Nueva York se asoció con seis organizaciones y más de cien artistas para presentar 39 actuaciones, que abarcan disciplinas artísticas desde el reggae, el jazz y la ópera hasta la danza, la poesía, el teatro, el cine y las artes visuales. Después de una exitosa carrera en Nueva York, “Birds in the Moon” hará su estreno en la costa oeste de Estados Unidos del 1 al 4 de septiembre, presentado por The Broad Stage. El proyecto está producido por Cath Brittan y dirigida por Elkhanah Pulitzer, con libreto de Júlia Canosa. El escenario fue diseñado y construido por Chad Owen,s con diseño de video de Deborah O’Grady, diseño de iluminación de David Finn y diseño de vestuario de Christine Crook. Se presenta en asociación con Meyer Sound, con soporte adicional de micrófonos DPA. El consultor de audio para las actuaciones de Nueva York fue Garth MacAleavey, diseñador de sonido residente y director de producción de National Sawdust.

Gibson,

¡bienvenida a Eusica!

Convocados en Eusica para el que sería su primer evento presencial post confinamiento en la tienda de instrumentos musicales, equipo de audio para grabación y escucha con sede en la Ciudad de México, se reunieron directivos, técnicos, personal de venta y músicos como Tito Fuentes (Molotov), Sabo Romo (Rock en tu Idioma Sinfónico), Iñaki (Fobia) y Arturo Tranquilino, entre otros, para inaugurar su nueva sala para las guitarras Gibson.

El proyecto, que se tuvo que postergar por la crisis sanitaria, aporta con creces en la visión de este espacio que ha venido a renovar la venta de instrumentos musicales desde el cambio de su concepto e instalaciones en el 2017; la esencia que distinguió a Equipos y Cintas (EyC, como muchos conocieron este punto de venta), pervive en un concepto que ha logrado resignificar la experiencia del usuario final, el vínculo con los aliados, la innovación y el servicio al cliente. Así lo valoró el ingeniero Jaime Celis, fundador y director de Representaciones de Audio y la que fuera Equipos y Cintas:

“Es una emoción y un gusto que después de un año de estar guardados y no tener oportunidad de reunirnos, hoy haya un tiempo para abrir este lugar y estar juntos. Son muchos recuerdos desde hace 42 años que se instaló esta tienda, y Jaime (Celis, hijo), en su deseo y entusiasmo, vino a tirar paredes, crear nuevas cosas, cambiar y ampliar el lugar; construyó la relación con Fender y fue trayendo otros instrumentos que sabemos son maravillosos... lo felicito por este esfuerzo y el equipo de trabajo que ha desarrollado”, externó orgulloso.

“Estamos viviendo un momento extremadamente complejo y sin embargo, la industria de la música está renaciendo. Nunca había tenido un crecimiento tan importante como el que tuvo el último año y esto renueva el rock, a la guitarra y el poder volver a tocar la música como hacía tiempo no se hacía”, mencionó por su parte Jaime Celis Cuevas, director de Eusica.

“La industria de la música antes de 2009 no crecía más de diez por ciento; el porcentaje de crecimiento de la compra de instrumentos musicales era del cinco por ciento. El año pasado creció más del veinte por ciento, lo que significa que habrá

muchos nuevos guitarristas. Ojalá haya más de estos espacios; que nosotros podamos motivar a la industria para que más gente quiera mejorar la experiencia de venta es mi objetivo, eso es ‘el bien del alma’. Eusica debe ser, y será, ese espacio para poder transmitir y compartir una cultura y un gusto por hacer música”.

Tras el corte del listón a manos de Tito Fuentes, Sabo Romo e Iñaki, quienes compartieron anécdotas para luego echar también el “jamming”, los asistentes hicieron el recorrido por el nuevo demo room. Con la experiencia de tener en exhibición prácticamente todo el catálogo de Fender, la llegada de las guitarras Martin y ahora Gibson, el anhelo de que Eusica tenga lo mejor, se está cumpliendo. Con Gibson, la estrategia es atender a músicos que crecieron con el sonido y modelos de la marca y a los entusiastas que se están acercando a ella, como expuso Yanina Quiroz, Gerente de Mercadotecnia y Comercial de Eusica:

“Todos los músicos quieren tener o sueñan con tener una Gibson. Donde te muevas, ya sea pop o rock, ahí están sus guitarras. Va a un nicho que distingue su sonido como un sello en la música, pero también hay nuevas generaciones que la están buscando. Marcas como Gibson y Martin valen por su legado y la gente lo paga. Lo que hacemos es brindar opciones de pago a meses sin intereses o bonificaciones para que adquieran más cosas. En México, quienes distribuyen Gibson suelen tener sólo ciertos modelos y acá tendremos todos. Esta noche inauguramos el área de guitarras eléctricas y mañana estará lista su zona para las acústicas, justo al lado”.

“El confinamiento sanitario nos mostró también un nicho entre las personas que buscan información sobre los productos de las marcas y que no tenían otra opción más que la de ir a los sitios web de éstas, hechos en el extranjero. Nos pusimos a hacer todo nuestro contenido y así hemos creado servicios como el ‘Uno a Uno’, donde haces una cita y a través de videollamada, los chicos de la tienda —a quienes aquí llamamos músicos, no vendedores—, brindan desde el recorrido virtual hasta demostración de la guitarra que quieres oír, te explican todo en detalle y resuelven tus dudas”. Lo que ocurre en Eusica es el sueño que todos los que hemos estado en la industria de la música queríamos realizar”, concluyó Yanina.