20 minute read
En concierto
Foto: FB Coldplay
Coldplay, looks esféricos con Chauvet Professional
Advertisement
Cuando miró al cielo, Pitágoras sintió una armonía mística resonando cuando el sol y la luna se unieron a las estrellas y los planetas otando a través de sus órbitas celestiales. “Hay música en el espaciamiento de las esferas”, declaró el matemático y lósofo griego, articulando su visión con una serie de fórmulas y patrones geométricos.
Patrones geométricos, movimientos uidos
Hoy, más de 25 siglos después, las ideas de Pitágoras sobre la hermosa interacción entre los patrones visuales y la música se celebran en la gira mundial “Music of the Spheres” de Coldplay, donde la la actuación de la banda cuenta con el apoyo de un impresionante y trascendente diseño de producción de Misty Buckley y Phil Harvey.
Inspirado en los escritos y diagramas pitagóricos, el diseño del escenario evoca la visión del gran pensador con patrones esféricos que se despliegan y se extienden desde el escenario en múltiples direcciones. Acentuando este panorama y dotándolo con un poder de movimiento aún mayor, se encuentra un diseño de iluminación de Sooner Routhier, que cuenta con 192 equipos Chauvet Professional Color Strike M.
Suministrados por la compañía Upstaging, las blinders/wash motorizadas con clasi cación IP65 están suspendidos a ambos lados del escenario y en las torres de sistemas de audio, además de estar dispuestos en con guraciones circulares en las cubiertas del escenario principal y el escenario B.
“Hay un diagrama de Pitágoras especí co que muestra los arcos y el movimiento del sistema solar y sus cuerpos celestes en los que nos apoyamos para inspirarnos”, comenta Sooner Routhier sobre el concepto de diseño general. “Entonces, la arquitectura para el diseño de iluminación y la señalización del sistema se basan en gran medida en esferas, círculos y arcos. Matt Geasey, de Clear All Visuals, hizo una gran parte del desarrollo tecnológico y la integración previa en relación con estos conceptos, incluso para nuestro sistema de iluminación”. Así las cosas, el diseño de iluminación del tour “Music of the Spheres” resalta los patrones geométricos del escenario con movimientos uidos que se suman al sentido orbital del espectáculo. El movimiento de la luz uye a la perfección con la música, con orituras tales como arcos que se elevan rítmicamente desde la cubierta superior del escenario, mientras que las corrientes horizontales de luz se mueven desde allí. Su diseño también crea estados de ánimo evocadores que recuerdan un viaje transformador a través del uso imaginativo de contrastes de color y efectos estroboscópicos.
La versatilidad de la luminaria Color Strike M, que cuenta con tubos asignables de pixeles de alto rendimiento anqueados por bancos de LED RGB (también asignables por pixeles), fue clave para ayudarla a lograr algunos de estos looks memorables. “Hicimos muchas cosas únicas con estos equipos”, menciona Sooner Routhier. “La canción ‘Clocks’ fue muy especial, ya que hay momentos en los que quitamos la iluminación frontal por completo y dibujamos la silueta de la banda contra la pared de video usando los Color Strike M, lo que funciona dramáticamente con el láser verde masivo que sale del vértice de la pared de video de arco. La mayoría de las otras luces están apagadas durante esa canción”.
Foto: FB Coldplay
Foto: FB Coldplay
“También me encantan los arcoiris en ‘Adventure of a Lifetime’; especialmente el que tenemos con Strike M”, continúa Sooner. “Disfruto jugando con todos los colores en nuestro. Coldplay parece tener que ver con los arcoiris, ¡lo cual es una maravilla! Chris Martin quería la sensación de que la audiencia se mueve a través de los siete niveles de chakra desde la parte superior del espectáculo hasta el nal. Lo seguimos libremente usando los colores de los chakras en orden, pero combinándolos con algo complementario. A veces nos desviamos del orden de los chakras, ya que ciertas canciones tienen identidades muy especí cas. Sin embargo, si prestas su ciente atención, puedes ver que el espectáculo uye en orden: rojo, naranja, amarillo, verde, azul, violeta y demás.
La destreza de mapeo de pixeles del Color Strike M ayudó al equipo de diseño a idear una variedad de ambientes que crean un estado de ánimo para canciones como “Beautiful”, cuando los programadores de iluminación Joe Lott y Matt Kemp, de la compañía Quantum Creative, usaron los equipos para crear un aleteo colorido, movimientos de agua y rosa contra colores de fondo de verde azulado, verde y UV.
“Con amos en Color Strike M para obtener muchos pixeles para manipular”, dice Joe Lott. “Tener una cantidad tan grande de unidades en las proximidades nos brinda una super cie realmente dinámica para crear la apariencia y los efectos del espectáculo. El aura circular de los dispositivos Strike M alrededor de la banda es clave para darle forma al escenario y con la alta densidad de pixeles nos permite lograr gradientes suaves de color y luz que envuelve la banda; y con más de 8,000 pixeles en total podemos crear patrones y formas muy diferentes, dando a cada canción su propia identidad.
La destreza de mapeo de pixeles de la Color Strike M ayudó al equipo de diseño a idear una variedad de ambientes que crean estados de ánimo.
La versatilidad de la luminaria Chauvet Professional Color Strike M fue clave para lograr algunos de estos looks memorables.
“La cantidad de salida de luz de estas luminarias es realmente impresionante”, menciona Joe Lott. “Cuando encendimos las luces del público por primera vez en Sudamérica, pudimos iluminar todo el estadio de color de una manera que nunca antes había visto. La canción ‘People Of The Pride’ hace un gran uso de lo brillantes que son las Strike M al permitirnos iluminar todo el estadio con una luz blanca brillante”.
La iluminación intensa de la audiencia es fundamental para conectar a Coldplay con los fanáticos en la gira, concuerda el operador de iluminación Shaheem Litchmore. “La interacción y la conexión con el público son una parte muy importante de nuestro programa. Cuando Chris está en el escenario y dice ‘Puedo verte’, genera un poderoso momento compartido con los fanáticos”.
Al ir y venir entre la banda y el público, este vínculo da como resultado un círculo de conectividad que abarca a todos en el escenario y en la arena: exactamente el tipo de armonía esférica que habría sido música para los oídos de Pitágoras.
Cinematic Media:
perfección en producción audiovisual
División de Argos Media Group, Cinematic Media es el sitio donde se brindan servicios de postproducción, desde la creación de archivos editables, diseño sonoro, VFX, color grading, edición y diseño de proyectos audiovisuales para el cine, plataformas de contenido on demand, música y publicidad. Cuenta con cuatro salas Dolby Atmos, más una 7.1 y una dedicada para Dolby Atmos Music, con lo que se erige como una opción de primera línea en este quehacer.
Fotos: Oliver de Gante
La creatividad, basada en el trabajo de equipo
Tras un ejercicio de observación sobre los procesos de producción audiovisual en países como los Estados Unidos, se estableció la misión de conformar un equipo dedicado para impulsar el eslabón del audio, sumando talento y experiencia de profesionales como Tonalli Villaseñor (director de Cinematic Media) y Martín Hernández (director de audio), quienes junto a Omar Martínez (gerente técnico de audio) y Daniel Torres (ingeniero de mezcla senior), han logrado sistematizar una línea de producción de alta calidad que beneficia a todos los servicios. Tonalli (quien cuenta con una trayectoria de más de 20 años en el ámbito de la producción para series, películas, comerciales y proyectos audiovisuales), menciona:
“He estado involucrado en los procesos y flujos de trabajo y he sido parte del equipo desde que comenzó hace cinco años, sobre todo en la parte editorial, que ha sido la naturaleza de mi acercamiento a todo. Esta parte editorial reúne todas las piezas que después se van a convertir en el producto final; antes de pasar a sound design, desde editorial se hace un acercamiento siempre en conjunto y en comunicación con el área de diseño sonoro. Todas las partes que hoy son la postproducción final se involucran en la edición. De esta forma, fue un paso natural haber sido el líder del equipo editorial y haber pasado a esta parte de laboratorio digital”.
“En Cinematic, parte fundamental de la filosofía es tomar los proyectos desde su primera etapa, “añade Tonalli; “tratamos de hacer contacto con los fotógrafos desde que se hacen las pruebas de cámara, desde que el production designer se sube al proyecto, los guiones se empiezan a crear y el cast empieza a conformarse, ya que la única manera de llevar a buen fin un proyecto, o al mejor fin posible, está íntimamente relacionado con ser parte de su génesis. Entonces, ésta es parte seminal de nuestra manera de trabajar en todos los departamentos”.
“También es muy importante para nosotros toda la gente que se dedica a alimentar los proyectos. Gran parte del esfuerzo que hacemos en los equipos es capacitarlos, ver qué necesitan
Martín Hernández y Tonalli Villaseñor
“Es muy importante para nosotros toda la gente que se dedica a alimentar los proyectos. Gran parte del esfuerzo que hacemos en los equipos es capacitarlos, ver qué necesitan para dar, no solamente un mejor servicio a nuestros clientes, sino a su vida”. Tonalli Villaseñor.
para dar, no solamente un mejor servicio a nuestros clientes, sino a su vida, a ellos mismos. Hay una recompensa en pasar tanto tiempo aquí y hacer una familia con toda la gente que colaboras, y es que cada vez hay una mayor libertad de crecer todos los días. Eso al nal no solamente es un estímulo personal, sino profesional para los que trabajamos en conjunto, para la empresa, los proyectos, la pantalla y la industria audiovisual”.
Por su parte, Martín Hernández, de extensa trayectoria en el diseño sonoro de proyectos tan importantes como “Birdman” (2014) y “The Revenant” (2015), por los que fue nominado a dos Premios Oscar y ganador de un Premio de Cine de la Academia Británica en el caso del segundo título, comenta:
“En México tenemos que entender que si no hay un proceso como tal (en la producción audiovisual), no podemos tener industria. No hay una consistencia del impacto que tiene cada decisión que se toma y lo que va a pasar con esto en todas las áreas. El audio es uno de los últimos eslabones, recibe el impacto de todas las áreas como una concatenación de eventos que no se pueden deshacer ni bloquear. Estuve haciendo un análisis, platicando con editores, con la gente que estaba involucrada y con personas fuera del ámbito editorial, en producción, postproducción, en la parte de imagen, y luego mi labor era también traer proactivamente mi experiencia, los veinte años que tengo haciendo esto de una forma y determinar cómo podemos incorporarlo en algo tangible para la organización, involucrando todo: el tiempo, el dinero, el costo”. “Luego se hizo una inversión de todo el equipo, el diseño de las salas por Horacio Malvicino y en el proceso se incorporó Omar Martínez, que nos ha ayudado enormemente en la logística. Creamos un roster de editores venidos de escuelas de audio como SAE Institute y otros de la escuela de la vida. Queremos que haya quienes hagan algo muy especí co para potencializar sus capacidades y no se convierta en alguien que carga con todo, porque eso no funciona”.
“Se incorporó un sistema, hicimos una línea de producción, un proceso con el que hasta ahora nos ha ido muy bien a nivel de trabajo, con calendarios y presupuesto. Mi responsabilidad es saber qué equipo funciona, lo que he probado y lo que va a funcionar. Cuando comenzamos hablé con varias personas que conocía en México que se dedicaban a representar marcas como Pro Tools y Focusrite -donde ahora está Pepe Reveles- y les dije que haríamos estas salas para que funcionaran de manera uni cada, aprovechando la poca o mucha experiencia que se tenga individualmente y sin que impactara el resultado nal de lo que hacemos. Es una de las cosas que más me ha gustado de la experiencia de estar aquí: la oportunidad de tener este crisol de talentos que viene en distintas formas a aprender y a proveer lo que saben hacer”, añade Martín.
“Lo importante era volver esta unidad autosu ciente: que cuando llegara un productor a buscar una solución, en este mismo lugar existiera, y para ello, la línea de ensamblaje del audio debía ser continua y funcionar con el equipo y en forma. Cualquier productor que venga sabe que puede traer
el proyecto y desarrollarlo desde cualquier punto, desde cero, a la mitad de la postproducción o al nal, incluso habiendo terminado las labores editoriales y listo para mezclar”.
Martín pone un ejemplo “Cuando estábamos mezclando la versión para Criterion Collection de ‘Amores Perros’ para celebrar su aniversario número veinte, se volvió a mezclar con John Taylor y Rodrigo Prieto armó cosas en 4K. Comenzó a trabajar con Alejandro –González Iñárritu- corrigiendo color y si comparamos versiones, verás que ésta última se ve mejor. Estábamos haciendo la mezcla y nos contactó Harrison Atkins, un amigo editor que estaba haciendo la película ‘Emily the Criminal’ de John Patton Ford, pero en plena crisis sanitaria y yo de regreso en México, le expliqué lo que podíamos hacer en Cinematic Media, así que nos pusimos a trabajar a nivel remoto, él en Los Angeles y nosotros aquí. Acabamos una versión y volé con mis supervisores, Alejandro Quevedo y Jaime Saiz, y estuvimos mezclando allá con Chris Minkler (que también hizo “Biutiful” y “Babel” junto con John Taylor). Chris mezcló toda la película en un estudio en Burbank, California, y fue muy bonito ver cómo eso que habíamos pensado y hecho con maquetas conceptuales en la sala Dolby Atmos se había concretado de una forma increíble”.
“Éste no fue el primer proyecto que hicimos así”, recuerda Martín; “la película de Josephine Decker, ‘The Sky Is Everywhere’ para Apple TV, la mezclamos en Universal en Los Ángeles con John Taylor, pero toda la preparación de los tracks la hicimos aquí en las salas Atmos, al igual que ‘Bardo’, la nueva película de Alejandro González Iñárritu, que la parte hecha en México, la pre mezclamos y editamos en las salas Dolby Atmos. Ha sido la misma experiencia proactiva de tener unas salas profesionales, bien hechas, donde sabes que lo que estás oyendo es lo que debes y luego ir a otras salas en el mundo y ver qué mejorar; eso para mí ha sido la mejor forma de calibrar y saber la temperatura de lo que estamos haciendo en Cinematic”.
Además de las salas Dolby Atmos para los proyectos visuales, se tiene una dedicada para música, sobre la que Tonalli y Martín re eren:
“Afortunadamente, nuestros amigos de Adam Audio y Focusrite tuvieron a bien traer la idea de hacer una sala Dolby Atmos Music para dar la posibilidad a los clientes de hacer música en ese formato. A Tonalli y a mí nos encanta la música y siempre estamos compartiendo canciones y playlists; en lo personal, la música es un motor primigenio de ideas y sonidos y siempre empiezo y termino mi día con ella”, comenta Martín.
“La música es un común denominador para los que nos dedicamos a esto”, añade Tonalli; “cada vez que entras a una sala te confrontas con tecnología y todo lo que se necesita en ella, pero sobre todo, con alguien que está creando algo, con un equipo que está uniéndose para crear algo y creo que eso es algo que nos gusta a todos. No solamente es la posibilidad de crear, sino de llevar al mejor lugar posible esa creatividad. En ese sentido, las salas Dolby Atmos nos permiten consolidar algo de lo que hablamos todo el tiempo, hacerlo y llevarlo a su mejor versión. Ahora que Martín menciona cuánto hablamos él y yo de música y la calidad de una grabación, cabe mencionar que la sala Atmos Music es una oportunidad en ese campo para aportar algo importante y sumar a la gente que necesitemos sumar para tener a los mejores”.
Aprendizaje y crecimiento constante
Lo que inició como una invitación para capacitar al personal en Dolby Atmos, se convirtió en una convocatoria para unirse al equipo de Cinematic Media y regir con su expertise los aspectos técnicos, como lo expone Omar Martínez:
“Entré en abril de 2021, luego de tener muchas juntas con Martín Hernández y Aquiles Vera, a quienes conocía por mi trabajo en Avid. Mi labor es atender el audio para tener funcionando correctamente toda la infraestructura. Cuando entré, las salas se estaban terminando y estuve viendo con el integrador que todo se pusiera en orden, se revisaran las señales y las cosas que nos fuimos encontrando”.
“Las salas comenzaron a funcionar en junio de 2021y la primera mezcla Dolby Atmos fue de la segunda temporada de Oscuro Deseo, que fue un aprendizaje para todos, incluido yo. El trabajo de Martín y su equipo humano es impresionante, está lleno de los mejores profesionales de México y América Latina y logró tener una estructura con puestos y per les muy de nidos”, detalla Omar.
“En cuanto a la infraestructura en equipamiento, la columna está en el protocolo Dante, como lo hablaron Martín con Pepe Reveles, de Focusrite, y a partir de ahí, el equipamiento se basó en interfaces de esta marca para las seis salas que operan por
pares, donde las salas 1 y 2 son las más grandes y tienen Pro Tools HDX2 con dos interfaces Focusrite HD32R para lograr 64 canales de Dante que entra a una Dolby Atmos Workstation, que recibe hasta 128 canales -64 alimentados vía Dante con una tarjeta PCIeR de Focusrite-, mientras que el monitoreo se hace con un convertidor de Dante a Bluelink que utiliza JBL. Los altavoces y subs elegidos para sonorizar las salas son la serie C211 en los frontales y laterales, y a techo las 708P, con el subwoofer 4645, todo administrado por medio de Intonato, que está calibrado para tener la curva de Dolby. Las salas 3 y 4 operan con sistemas HDX con Red 4Pre de Focusrite; la sala 5 es Dolby Atmos Music con HD Native Thunderbolt conectado a una Red 4Pre, y en la sala 6 la misma con guración, pero en formato 7.1. Por las condiciones de colaboración remota que la crisis sanitaria fortaleció, en Cinematic Media se usa la aplicación No Machine, sugerida por Luis De la Cruz, del equipo técnico, y avalada por Avid, la cual permite controlar y recibir audio desde Pro Tools. Omar explica:
“La serie donde usamos ese recurso fue ‘Donde hubo fuego’. Tuvimos varios elementos trabajando a distancia y ya es una normalidad a la cual todos nos hemos de acostumbrar y disponer de la infraestructura para que ocurra adecuadamente”. Para Omar, Cinematic es la oportunidad para seguir creciendo:
“Todos los años de experiencia que me dio Avid me han permitido aplicar y aprender aquí y crecer. Es sumamente interesante trabajar con gente de video y corrección de color y que los ujos de trabajo corran; veo que no estaba tan errado y que estar aquí es la culminación de experiencia de todos estos años. Cinematic Media para mí es una de las casas de producción más grandes que hay en América Latina”.
Otra parte fundamental del equipo humano de Cinematic Media, está Daniel Torres, egresado de la carrera de Ingeniería en Electrónica con especialidad en Acústica del Instituto Politécnico Nacional. Daniel ha construido su experiencia en la postproducción de audio en Televisa San Ángel, TLC, TV Azteca y Argos, donde se ha mantenido desde 2012: “En 2015 tuvimos el
Daniel Torres
proyecto de ‘Ingobernable’, para el que me llamó Arturo Sedano. Hicimos las dos temporadas y en el ínter fue que empezó mi experiencia en Cinematic Media”.
Con créditos que incluyen también “Yankee”, “El Club”, “Pan y Circo”, “Ana”, “Oscuro Deseo” 1 y 2, “Donde hubo fuego” y ahora “Triada” que se está mezclando en Dolby Atmos, Daniel ha tenido la fortuna de vivir la transición de todo un proyecto que busca ser parteaguas en la producción audiovisual de México:
“Me ha tocado vivir cada cambio en el audio, desde los procesos analógicos y digitales, y ahora mezclar en Atmos es una tarea de mucha mayor sensibilidad. Para mí es una fortuna vivir esta transición y estar en este proceso de avance que ha tenido Cinematic Media, ver cómo pasamos de salas de edición 5.1 con audífonos y ahora tener estas salas que son una gran experiencia. Hicimos para Paramount el primer proyecto de cción mexicano, “Dani Who?” y fue un logro que nos quedó muy bien editado, grabado, con un sonido excelente”. A ese ánimo de satisfacción y desafíos logrados se suma Tonalli: “Nos falta muchísimo, pero el camino está puesto y ya empezó un movimiento en esa dirección. Falta abrirse a las plataformas y el hecho de que llegaran y empezaran a demandar trabajo ha sido muy importante para empezar a crear una industria, porque la demanda de gente y de talento ha crecido, pero aún nos queda mucho camino que recorrer. Sé que el público es quien empuja los contenidos y aunque va caminando, creo que la exigencia del público juega un papel de nitorio absolutamente en los contenidos que estaremos generando”.
Martín Hernández añade para nalizar el encuentro con este valioso staff en unas instalaciones de postproducción que cuentan con el talento y el equipamiento necesarios en un medio en el que se requieren altísimos estándares de calidad: “En todo el mundo, el fenómeno de apreciar algo es un gusto adquirido, entonces, como consumidores estamos también siendo responsables de esos contenidos. A nivel demográ co, en el mundo se están pidiendo ciertos contenidos y otros no, y eso depende de la exposición que
Daniela Zamudio, asistente de mezcla Diego Armenta, mixer Diana Tenorio, mixer
Cinematic Media y sus talentos
Tonalli Villaseñor (Director de Cinematic Media) Martín Hernández (Director de audio) Oliver de Gante (CTO) Omar Martínez (Gerente técnico de audio) Daniel Torres (Ingeniero de mezcla senior) Diego Armenta (Mixer) Diana Tenorio (Mixer) Daniela Zamudio (Asistente de mezcla)
hemos tenido como consumidores, culturalmente, por años. Yo creo que esto va a tomar mucho tiempo, pero hay que empezar por algo. De nuestro lado, la misión es que al producir se haga lo mejor posible y esperar honestamente a que sea el mejor de los resultados”.
Entrevistas: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco
