Italian Zero / Cross Reference - italica ars ab ovo incipit by stefano crosara

italian ZERO /cross reference

italica ars ab ovo incipit

“A me, tutte le riduzioni a zero mi interessano e mi rallegrano per vedere cosa ci sarà dopo lo zero, cioè come riprenderà il discorso.” Italo Calvino “Corrispondenza con Angelo Guglielmi

a proposito della ‘Sfida al labirinto’, 1963

Introduction

(en/it/de) Italian Zero_Cross reference italica ars ab ovo incipit_invicem spectantes

(en/it/de) What paper can do: or How to read Azimut (Group) through Azimuth (magazine)

(en/it/de) The Meanings of Movement in the Work of Zero, Gruppo T, and Gruppo N

(en/it/de) Zero/Projected monochrome

(en/it/de) Works_Opere_Kunstwerke

109

(it) New Tendencies... New materials

198

(en/it/de) Interview with Anna Canali_Artestruktura

216

(en/it) Timeline (it)

236

Introduction Introduzione

Einführung

object of art as the seat of and vehicle for aesthetic value.

this catalog, which is such an intense synthesis of the work

With Italian Zero/Cross reference we have tried to frame and

Therefore Azimut (Manzoni, Castellani, Bonalumi), Gruppo T

I carried out in the past few years, to be a homage to her immense

photograph a historic/artistic moment of great relevance in the

(Anceschi, Boriani, Colombo, Devecchi, Varisco) and Gruppo N

work, especially to a great passion and love for art.

history of contemporary art of the last century. We don’t want to

from Padua (Biasi, Chiggio, Costa, Landi, Massironi) are included.

So close to most of the artists in the exhibit, she was a true

presume to be exhaustive in any case, since there there are too

It is an indisputable scenario of the intellectual reflections and

witness to a moment of creativity which even today is unique,

many artists who should be spoken about.

artistic bouts in the old Brera, where there still lingers a whiff

consisting of sensitive and rich relationships.

Spanning from the end of the 50s to the beginning of the 60s,

of a world made of encounters, escapes, research, sketches and

I have been fortunate to be able to be an attentive listener to

the new phenomenon of the group union (whose working

projects, not less than of a clear ideological commitment.

unusual anecdotes which are able to enrich and make more

procedure has as its basic goal critical control and verification

CROSS REFERENCE

personal, closer and tangible, a photograph which otherwise

during the course of an aesthetic operation, thus eliminating any

And here we find, alongside the research projects of the unions

would only remain black and white.

margin of discretion from programmed methodological choices,

of groups active mostly in the area of Milan and surroundings,

while keeping the research and experimentation themselves

that we witness the unstoppable spread of a creativity which

individualized) involved many European countries from its

finds true expressive concreteness on multiple fronts.

Con Italian Zero/Cross reference si è cercato di inquadrare,

inception (Zero Group in Germany, Motus then Grav in France,

It is a phenomenon which would make Italy synonymous with the

fotografare un momento storico/artistico di assoluta rilevanza

Nul in Holland, Equipo 65 in Spain...).

artistic excellence which today is internationally recognized.

nella storia dell’arte contemporanea del secolo scorso.

Alongside them, many artists share their sentiment, the founding

Some of the characters who contributed actively to shape the

Non si vogliono tuttavia avanzare pretese di esaustività, troppi

impetus, the substrate, even while not being married to the

greatness are thus on display.

essendo gli artisti di cui si dovrebbe parlare.

programmatic declarations.

Getulio Alviani, Marina Apollonio, Dadamaino, Francesco Lo Savio,

A cavallo tra la fine degli anni ‘50 e gli inizi dei ‘60 il fenomeno

On the one hand, therefore, the programmed visual research

Scaccabarozzi, Turi Simeti, Nanda Vigo.

nuovo della compagine di gruppo (la cui prassi operativa ha lo

projects which move from the hypothesis that the aesthetic fact

Fontana and Munari also, as absolute points of reference for the

scopo essenzialmente di controllo e verifica critica nel corso

does not exist in itself, as a value stably connected with specific

development of one or another direction of research.

dell’operazione estetica cosi da eliminare, attraverso accordi

objects, art objects, but starts to exist with the image which is

Accompanying the reading of the works are the historical/

collegiali, ogni margine di arbitrio da scelte metodologiche

formed in the subject which receives, through perception, certain

critical texts of Melania Gazzotti and Marina Isgrò, respectively

programmate, pur rimanendo la ricerca e la sperimentazione di

visual and psychological stimuli.

associated with the Guggenheim in Venice and New York, the

per sè individuali), interesserà, sin dal suo nascere, gran parte

On the other hand, and more generally, is an art of renewal, of

brilliant text of Riccardo Venturi (critic and art historian who

dei Paesi europei (gruppo Zero tedesco, Motus poi Grav francese,

resetting to zero with regard to a past which is too recent and

works at the Institut national d’histoire de l’art in Paris) on the

Nul in Olanda, Equipo 65 in Spagna...).

humiliating for the being of man.

contrary effects created by a resetting to zero which perhaps

Accanto ad essi molti artisti ne condividono il sentimento,

It is a clean slate which renounces communicating,

was not so effective, and a very curious close examination on

la spinta fondativa, il sustrato, pur non sposandone le

recommending, imposing values from the start, a democratic

monochrome and cinema.

dichiarazioni programmatiche.

and lay art which is immune from external pressures.

There is also another analysis of restoration techniques regarding

Da un lato quindi le ricerche visive programmate che muovono

ITALICA ARS AB OVO INCIPIT

the use of new materials.

dal postulato che il fatto estetico non esiste in sè come valore

At the end of the catalog, but not least in importance, “those

stabilmente connesso con determinati oggetti, gli oggetti

On display, therefore, on the one hand, are the players in 3 of

magnificent sixties”, notes by my aunt Anna Canali, historic

d’arte, ma comincia ad esistere con l’immagine che si forma nel

those groups who, starting at the end of the fifties, have known

founder and director of the Arte Struktura gallery focused

soggetto che riceve, attraverso la percezione, certi stimoli visivi e

how to translate the common feeling of a new thought into

on constructivist and cinevisualist trends.

psicologici. Dall’altro e, più in generale, un’arte del rinnovamento,

extreme innovation, an art breaking with the past, an abandonment

Active in Milan beginning in the early ‘70s and a devoted constant

dell’azzeramento rispetto ad un passato troppo vicino e umiliante

of traditional artistic techniques, through the elimination of the

presence in the Brera of artists starting in the ‘60s, we wanted

per l’essere uomo. Una tabula rasa, che rinuncia in partenza

Afra Canali

a comunicare, raccomandare, imporre valori.

di nuovi materiali. In chiusura di catalogo, ma non per importanza,

programmatischen Erklärungen nicht zu Eigen machen.

künstlerischen Exzellenz macht.

Un’arte democratica e laica immune da pressioni esterne.

“Quei magnifici anni 60”, appunti di mia zia Anna Canali, storica

Auf der einen Seite also die geplanten visuellen Suchen, die

Präsentiert werden daher einige dieser Persönlichkeiten,

ARS AB OVO INCIPIT

fondatrice e direttrice della galleria di tendenza a stampo

von der Prämisse ausgehen, dass das ästhetische Ereignis in

die aktiv zur Gestaltung dieser Größe beigetragen haben.

costruttivista e cinevisualista Arte Struktura.

sich nicht als permanent mit einem bestimmten Objekt – den

Marina Apollonio, Alviani, Nanda Vigo, Turi Simeti, Dadamaino,

In mostra quindi, da un lato, gli operatori di tre di quei gruppi

Attiva a Milano sin dai primi anni ‘70, ma assidua frequentarice

Kunstobjekten – verbunden existiert, sondern mit dem Bild

Scaccabarozzi, Francesco Lo Savio.

che dalla fine degli anni’ 50 hanno saputo tradurre in estrema

della Brera degli artisti sin dal decennio precedente, abbiamo

entstehen, das sich im Gegenstand herausbildet, der durch den

Außerdem Fontana und Munari als vollkommene Referenzen

innovazione il sentire comune di un pensiero nuovo, di un’arte

voluto che questo catalogo, tanto impegnativo ed al contempo

Bezug bestimmte visuelle und psychologische Reize aufnimmt.

für die Entwicklung der einen bzw. anderen Suche.

di rottura rispetto al passato, di un abbandono delle tecniche

sintesi del lavoro da me svolto negli ultimi anni, fosse innanzitutto

Auf der andere Seite und allgemeiner eine Kunst der Erneuerung,

Zur Unterstützung der Interpretationen der Werke dienen

artistiche tradizionali, attraverso l’eleminazione dell’oggetto

un omaggio al suo immenso lavoro, ma soprattutto ad una grande

der Nullstellung in Bezug auf eine für das Menschsein zu nahe

historische/kritische Texte von Melania Gazzotti und Marina

d’arte come sede e veicolo del valore estetico.

passione ed amore per l’arte.

liegende und demütigende Vergangenheit.

Isgro’, jeweils in Verbindung mit dem Guggenheim in Venedig

E quindi Azimut (Manzoni , Castellani, Bonalumi), Gruppo T

Lei, così vicina a gran parte degli artisti presenti in mostra, è reale

Eine Tabula rasa, die vom Start weg darauf verzichtet, Werte

bzw. in New York; der brillante Text von Riccardo Venturi

(Anceschi, Boriani, Colombo, Devecchi, Varisco) e il Gruppo N

testimone di un momento dalla creatività a tutt’oggi irripetibile,

zu verdeutlichen, nahezulegen oder aufzudrängen. Eine

(Kunstkritiker und -historiker am Institut national d’histoire de

padovano (Biasi, Chiggio, Costa, Landi, Massironi).

fatto di sensibili e ricche relazioni.

demokratische und bekenntnislose Kunst, die immun gegen

l’art in Paris) über die gegensätzlichen Auswirkungen, die durch

Scenario indiscusso delle riflessioni intellettuali e delle bevute

Ed ecco quindi la grande fortuna per me di poter essere un’attenta

Druck von außen ist.

eine vielleicht nicht ganz effektive Nullstellung erzeugt werden

artistiche, la vecchia Brera, in cui aleggia un mondo fatto di

ascoltatrice di aneddoti curiosi che, tanto sanno arricchire e render

ITALICA ARS AB OVO INCIPIT

und eine sehr interessante Untersuchung zum Schwarzweiß

incontri, di scampi , di ricerca, di bozzetti e progetti, non meno che

personale, più vicina e tangibile una fotografia che altrimenti

di chiaro impegno ideologico.

rimarrebbe solo in bianco e nero.

CROSS REFERENCE

und dem Kino. Zudem eine Analyse der Restaurierungstechnik Gezeigt werden folglich einerseits die Mitwirkenden von 3 dieser

gegenüber der Verwendung von neuen Materialien.

Gruppen, die zum Ende der 50er-Jahre in der Lage waren, die

Am Ende des Katalogs – last but not least – finden sich Auszüge

Verbundenheit im neuen Denken in eine extreme Erneuerung

aus einem Interview, das ich mit meiner Tante, Anna Canali,

attive perlopiù nell’area milanese o poco lontano, si assiste al

Italian Zero/Cross reference haben versucht, einen historischen/

zu übertragen. Das gemeinsame Gefühl in einer Kunst, die mit

geführt habe, jener historischen Gründerin und Leiterin

dilagare inarrestabile di una creatività che trova su più fronti reale

künstlerischen Moment von großer Bedeutung in der Geschichte

der Vergangenheit bricht und die traditionellen künstlerischen

der modernen Galerie mit konstruktivistischer und cine-

concretezza espressiva. Fenomeno che farà dell’Italia sinonimo di

der zeitgenössischen Kunst des vergangenen Jahrhunderts zu

Techniken hinter sich lässt, indem sie das Kunstobjekt als Träger

visualistischer Prägung: Arte Struktura.

eccelenze artistiche ad oggi riconosciute internazionalmente.

erfassen und zu fotografieren. Allerdings wollen sie nicht den

des ästhetischen Werts beseitigt.

Sie war seit den frühen 70er-Jahren in Mailand aktiv. Für sie, als

In mostra alcune quindi di quelle personalità che hanno contributo

Anspruch auf Vollständigkeit erheben, da man dafür über zu viele

Diese Gruppen sind Azimuth (Manzoni, Castellani, Bonalumi),

eifrige Besucherin der Brera und der Künstler ab den 60er-Jahren,

attivamente a plasmarne la grandezza.

Künstler sprechen müsste.

Gruppo T (Anceschi, Boriani, Colombo, Devecchi, Varisco) und

wollten wir jedoch, dass dieser aufwendige Katalog,

Getulio Alviani, Marina Apollonio, Dadamaino, Francesco Lo Savio,

Zwischen dem Ende der 50er- und dem Beginn der 60er-Jahre

Gruppo N aus Padua (Biasi, Chiggio, Costa, Landi, Massironi).

der gleichzeitig die Zusammenfassung meiner Arbeit der letzten

Scaccabarozzi, Turi Simeti, Nanda Vigo.

betraf die neue Erscheinung von Gruppenstrukturen (deren

Ein unbestrittenes Szenario intellektueller Reflexionen und

Jahre darstellt, vor allem eine Hommage an ihre immense Arbeit

Fontana e Munari poi come riferimenti assoluti per lo svilupparsi

operative Vorgehensweise in erster Linie eine Überwachung und

künstlerischer Gelage ist die alte Brera, die eine Welt der

und eine große Leidenschaft und Liebe für die Kunst sein soll.

dell’una o altra ricerca.

kritische Überprüfung im Laufe der ästhetischen Aktion zum Ziel

Begegnungen, des Austauschs, der Suche, der Entwürfe und

Sie, die vielen der in der Ausstellung vertretenen Künstler so

Ad accompagnare la lettura delle opere i testi storico/critici di

hatte, um so durch gemeinschaftliche Absprachen jede willkürliche

Projekte in sich birgt und nicht zuletzt auch ein deutliches

nahe steht, ist eine reale Zeugin eines bis heute einzigartigen

Melania Gazzotti e Marina Isgrò, associate rispettivamente al

von methodologischen Entscheidungen geplante Begrenzung zu

ideologisches Engagement.

kreativen Moments, der aus wahrnehmbaren und wertvollen

Guggenheim di Venezia e di New York, il testo brillante di Riccardo

beseitigen, obgleich die Suche und das Experimentieren an sich

CROSS REFERENCE

Beziehungen gemacht ist.

Venturi (storico e critico dell’arte, attivo presso l’INHA Institut

individuelle Prozesse blieben) seit seiner Entstehung die meisten

Und so erleben wir neben der Suche der Künstlergruppen,

Und so habe ich das große Glück, eine aufmerksame Zuhörerin

National d’Histoire de l’Art di Parigi) sugli effetti contrari creati da

Länder Europas (die deutsche Gruppe Zero, die französische

die vor allem im Raum Mailand oder in der Nähe tätig sind, die

interessanter Anekdoten sein zu können, die eine Fotografie, die

un azzeramento forse non così effettivo ed una disamina molto

Gruppe Motus spätere Grav, Nul in Holland, Equipo 65 in Spanien

unaufhaltsame Ausbreitung einer Kreativität, die auf mehr realen

sonst nur schwarz-weiß geblieben wäre, so sehr bereichern und

curiosa sul monocromo ed il cinema.

usw.) Neben diesen teilen auch zahlreiche Künstler die Gesinnung,

Gebieten ausdrucksvolle Sachlichkeit findet. Eine Erscheinung,

persönlich gestalten, sie näherbringen und greifbarer machen.

Ancora una analisi della tecnica del restauro rispetto all’utilizzo

den zugrundeliegenden Impuls, das Substrat, obwohl sie sich die

die Italien zum Synonym der heute international anerkannten

Ed ecco quindi che accanto alle ricerche delle compagini di gruppo

ITALICA ARS AB OVO INCIPIT INVICEM SPECTANTES

to interact with other forms of

Getulio Alviani’s Le Superfici a

placed among some extremely

knowledge, like the written word,

testura vibratile instantly drew

important museum events.

science and technology.

in the attention of all: the artist’s

The inauguration of Azimuth:

Zero Group’s role as a pioneer well

treatment of steel surfaces gives

Continuity and the New

established, Italy was no less of a

life to structures that change in line

(20th September 2014) at Venice’s

trendsetter with N Group founded

with the refraction of life. Marina

Guggenheim museum; the collection

in Padova in 1960 and active up

Apollonio shared the desire for a

Zero. Countdown to Tomorrow,

until 1964 with Alberto Biasi, Ennio

depersonalised form of art opposed

the first major American exhibition

Chiggio, Toni Costa, Edoardo Landi

to the concept of expressive

dedicated to the famous Zero

and Manfredo Massironi.

abstraction with other exponents of

Group formed in Germany, set to

All attention was focused on Milan.

programmed art.

open on the 10th of October at

In addition to Azimut (Bonalumi,

She used modern industrial materials

New York’s Guggenheim and, at

Castellani and Manzoni), it hosted

to create carefully calculated

exactly the same time, at Marcon’s

T Group made up of Gabriele

structures, which, in the eyes of

Padiglione delle Arti, Around Zero,

Devecchi, Davide Boriani, Giovanni

the viewer, transform into dynamic

a thorough exhibition of all of the

Anceschi, Gianni Colombo and, in

and fluctuant spaces. Sicilian artist

languages influenced by the German

its second phase, Grazia Varisco.

Turi Simeti followed on from the

experiment. Next autumn, as well as throughout

Afra Canali

poster del gruppo n_1963

learnings of Bonalumi and Castellani, creating his own predominantly ovoid

2015, there will be a broad range

extroflexion.

of exhibitions dedicated to kinetic

Paolo Scheggi takes us back to ’61,

and programmed art, in the style of

making this movement coincide

zero, analytical painting, the new

with the key phase of his expressive

geometry and the optical.

maturity.

A genuine rediscovery of a world,

From ’59 onwards, Nanda Vigo was

both critic- and market-led, having

already frequenting Lucio Fontana’s

too long been overshadowed by

studio. That same year, the planning

pure conceptual art and partly by

of Milan’s ZERO House began, which

American Pop Art, which influenced

was not finished until 1962.

the tastes of a decade and some of

Then, of course, came Fontana and

whose main players are still active

Bruno Munari, the artist/designer

today. In both Italy and Europe there

Enzo Mari, Calderara, Luigi Veronesi

was a cultural climate organised

and Franco Grignani, to remember

into various mobile groups keen

just a few of the best known names. 9

italian zero CROSS REFERENCE

The present exhibition is quite rightly

Over the course of those crucial

and would, for him, become the key

tastes and voices, with barely

artist’s most significant work.

thus appear, with Enrico Baj, Lucio

Tomasello and Victor Vasarely.

years for Italian and international art,

contacts in his poetic redefinition of

a mention of the works exhibited.

Line m. 11,40 was sent on the very

Fontana, Piero Manzoni, Bruno

That same year, the international

their paths intertwined, animated

what the second edition of Azimuth

The artist’s spirit invaded the gallery’s

day of the exhibition’s closure to the

Munari and Jean Tinguely.

movement Nouvelle Tendence

by meetings, debates and joint

magazine would define as “the new

room, almost overshadowing the

artist’s German friend Otto Piene. The

Once again in 1960, at Rome’s La

came into being, an essential point

exhibitions, demonstrating the

artistic conception”.

canvasses.

letter sent along with the parcel even

Salita gallery, T Group’s Miriorama 10

of dialogue for artists developing

extent to which the urgency of

Ever more conspicuous, from 1959

Dadamaino’s approach closely recalls

says: “Uecker wrote to me to say

presented by Lucio Fontana.

research in the programmed and

different methods and post-informal

onwards, is the documentation of

that of Manzoni and his confreres

that he will be in Italy. I have almost

Spurred on by the experience in

visual arts fields, on the occasional

measures gave rise to a new life in

constant proposals for collaboration

for the reception of the opening of

organised 2 group exhibitions: do

Milano, in December 1960, Alberto

of Zagabria’s Nove Tendencije 1

their work.

on individual exhibitions in private

the Bonalumi Castellani Manzoni

you want to send me some of your

Biasi alongside Manfredo Massironi,

exhibition.

exhibition opened just a few months

paintings and those of other artists’?

Edoardo Landi, Toni Costa and

In Italy, too, the need for comparison

earlier in February 1959 at the same

Uecker can transport them. I suggest

Ennio Chiggio, N Group was founded

In May the 20th 1961 Dadamaino

years of the ‘50s and the first half

and the urgent desire to broaden its

Prisma gallery. There, amongst

we do an exhibition of: Fontana,

in Padova. Compared with the

chose to exhibit the Volumi a moduli

of the following decade, incredibly

field of action to clearly determine

bread and salami, fries and bottles

Castellani, Manzoni, Piene, Mack,

various Italian groups and those

sfasati for the first time at N Group’s

vibrant interchanges took place.

the scope of this new feeling was

of Barbera, Piero Manzoni presented

Uecker, Mavigner, Yves Klein”.

from the other side of the Alps,

exhibition space, a laboratory-

The artists shared the condition

exceptional.

the Achromes, unleashing the irony

the Padova group developed an

gallery, a site of experimentation and

of wanderers, comrades on the

Thus a constant flow of exhibitions,

of certain critics who compared

Over the next few years the

autonomous programme and line of

provocation, where the relationship

adventure of defining a new artistic

studies, research, collaborations and

the Prisma event to a typical soirée

effervescent interchange of

research, above all oriented towards

with the public is placed ahead of

situation, and that of actual travellers

dissolutions, awards, collections,

amongst the Milan Scapigliature,

exhibitions among the various

investigating the psychological

simply selling works. The invitation

throughout Europe in the seventies,

comparisons, manifestos, missives,

where “sheets painted in white”

exponents of the new European art

phenomena of visual perception,

to the exhibition featured a text by

in search of widespread artistic

public demonstrations, conferences

were exhibited.

would continue.

aiming to involve the observer

Piero Manzoni. From 1961 onwards

contacts and opportunities to exhibit

and on-screen declarations was seen.

In Leverkusen, 1960, with

rather than amazing him/her with

the XII Premio Lissone Internazionale

internationally.

Europe saw and participated in a

In 1959, the Milan Group Azimut

Monochrome Malerei at Stadtiche

technological/spectacular feats.

per la pittura was held, featuring

In Italy, it was certainly the Azimut

radically new artistic geography!

was formed. It would establish close

Museum (8 March - May the 8th),

Group, particularly through the

And so it was that even in Azimut’s

relations with the German Zero

featuring a very long list of artists

In March 1961, the important

alongside T and N.

unwavering figure of Manzoni,

infancy, in 1959, the Prisma Gallery in

Group in Germania, Holland’s Nul

such as Fontana, Castellani, Dorazio,

Bewogen Beweging exhibition

In 1961, Klein and the Zero artists

that fostered and promoted close

Milano opened a personal exhibition

and the Motus Group (later Grav)

Manzoni, Lo Savio, Scarpitta, Yves

was held at Amsterdam’s Stedelijk

organised an exhibition at Rome’s

relationships among the key players

dedicated to the artist Edoarda Maino

in France.

Klein, Yayoi Kusama, Heinz Mack,

Museum where the T Group (now

La Salita Gallery, with Francesco

in the new language of art, both

(Dadamaino). For the young artist,

From the 18th to the 24th of August

Otto Piene, Gunther Uecker, Antoni

complete following the entry of

Lo Savio within the collective Mack +

in Italy and with various European

the exhibition represented her entry

1959, Manzoni presented his first

Tapies, and Mark Rothko.

Grazia Varisco) members were

Klein + Piene + Uecker + Lo Savio = 0.

cousins. His relationship with German

into the Milan art scene, following

true exhibition of Linee at the

Again in 1960, at Milan’s Galleria

confronted with, amongst others,

In 1962, Paolo Scheggi exhibited his

artists Heinz Mack and Otto Piene

on from her beginnings having wan

Pozzetto Chiuso in Albisola Mare.

Pater, Miriorama 1 was opened

Alexander Calder, Marchel Duchamp,

Intersuperfici curve a zone riflesse

(whom he had met in 1957) were

a few provincial art prizes. It clearly

One of the works was purchased

(the first in a series of exhibitions

Frank Malina, Cruz Diez, Robert

in a personal exhibition at Bologna’s

certainly very intense. They were the

shows how all of the journalists were

by Lucio Fontana, who would then

run by the exponent’s of Milan’s new

Rauschenberg, Man Ray, Niki de

Galleria Il Cancello, presented by

founders of Düsseldorf’s Zero Group

struck by the event, telling of its

define the Linee as the Soncino

T group). The Group’s exponents

Saint-Phalle, Jean Tinguely, Luis

Lucio Fontana.

Bonalumi, Castellani, Dadamaino

galleries and institutional spaces. At the intersection of the final

dadamaino _ 1977

Dadamaino, Fontana, Manzoni and

in addition to stints in Saint Louis

the first and only official Italian

Kunsthalle, again in 1965, as well as

Munari on the Italian side, alongside

(City Art Museum), Seattle (Art

exhibition of ZERO, with Nobuya,

Weiss Auf Weiss at Galerie Schmela

Aubertin, Bury, Goepfert, Holwek,

Museum), Baltimore (Museum of Art),

Abe, Armando, Bernard Aubertin,

in Düsseldorf.

Klein, Mack, Mavigner, Morellet,

Pasadena (Art Museum). Enzo Mari,

Agostino Bonalumi, Pol Bury, Enrico

And again exhibition in London,

Piene and Soto amongst others.

given the task of choosing the works

Castellani, Lucio Fontana, Hermann

Rotterdam, Philadelphia and

From the 26th of April to the 7th

to represent T Group, decided on

Goepfert, Oskar Holweck, Yves Klein,

Washington.

of October 1963, an important

Davide Boriani’s Ipercubo.

Yayoi Kusama, Francesco Lo Savio,

This little opportunity to convey,

exhibition was organised at Milan’s

Again in ‘65 — following on from

Adolf Luther, Heinz Mack, Piero

on the one hand, the meaning of

Galleria Cadario, Oltre la Pittura Oltre

sudden self-exclusions — N Group

Manzoni, Henk Peeters, Otto Piene,

an extraordinary time in history,

la Scultura (Beyond Painting, Beyond

was renamed ENNE65: Biasi,

Jan Schoonhoven, Turi Simeti, Paul

in which the widespread desire to

Sculpture). Bruno Munari created

Massironi and Landi remained and

Talman, Erwin Thorn, Nanda Vigo and

break with pre-existing structures

the exhibition’s affiche, which

individual members began to put

Hermann de Vries.

was clear and tangible, accompanied

reproduced all of the works shown.

their signature to individual works.

Another important exhibition held

by unconditional optimism in the

The artists involved were Adrian,

that year was Aktuel 65. neue

infinite possibilities of technological

Anceschi, Boriani, Boto, Colombo,

On the 27th of March 1965, Nanda

tendenzen. arte programmata,

advances and new materials.

Costa, Cruz-Diez, Debourg, Devecchi,

Vigo organised the opening of a Lucio

anti-peinture, ZERO, null, recherche

The artist takes a step back: over

a second edition shown in several

Equipo 57, Gerstner, Garcia Rossi,

Fontana studio, Zero avantgarde 1965,

d’art visuelle, recherche continuelle

a large portion of mid-European

with Arman, Armando, Aubertin,

museums and university institutions

Getulio, Kammer, Le Parc, Mack, Dada

at Berna’s Galerie Aktuell, featuring,

territory, shared ideas would inspire

Bury, Castellani, Dadamaino,

in the United States).

Maino, Mari, Mavignier, Morellet,

amongst others, Alviani, Marina

works virtuously shrouded in

Dorazio, Fontana, Goepfert, Haacke,

In ’63, at the 4th San Marino Biennial

Munari, N Group, Peeters, Picelj,

Apollonio, Dadamaino, Scheggi and

anonymity or results of the spreading

Henderikse, Holweck, Kusama,

presided over by Giulio Carlo Argan

Piene, Pohl, Reinhartz, Sobrino,

Simeti, alongside Cruz Diez, Armando,

need for creative collisions, which

Lo Savio, Mack, Manzoni, Mavignier,

and with a judges committee having

Staudt, Talman, Tomasello, Varisco,

Kusama, Leblanc and Schonhoven to

thus had very little in common with

Megert, Peeters, Piene, Pohl,

suggested limiting participation

Von Graevenitz, Yvaral and Zehringer.

mention just a few.

the traditional art dominant up until

Schoonhoven, Uecker, Verheyen,

to the “most renowned artists,

But above all the collection Nul 65.

that time.

de Vries.

painters and sculptors working

At Venice’s famous International

at Amsterdam’s Stedelijk Museum,

Great Masters were interspersed

It would be remiss not to mention the

outside the informal” (146 artists

Biennial of art, 1964, works by

in which we wil remember the

with just as many ‘minor’ genius

famous exhibition Arte programmata

were accepted), the first prize was

Alviani, Mari, Castellani, N and T

participation of Getulio Alviani,

researchers in a Europe defined by

(a definition that appears in

awarded ex aequo to N Group and

appeared.

Anceschi, Arman, Boriani, Castellani,

works that were open, permeable

Umberto Eco’s text), subtitled Arte

Zero Group, triggering much debate.

The cinevisualist artists were swept

Colombo, Devecchi, Dorazio, Lucio

and born out of a shared urgent

cinetica - Opere moltiplicate - Opera

Another exhibition of great scope

away by American Pop Art!

Fontana and Nanda Vigo, alongside,

desire for a total renovation, a

aperta. Created under the impetus

was held at Berlin’s Galerie Diogenes:

The following year, one of the

amongst others, Klein, Yayoi Kusama,

rebirth, a new language of ZERO art.

of Adriano Olivetti and curated by

in March 1963, Zero. Der neue

emblematic exhibitions of the 60s

Saburo Murakami and Zero....

Bruno Munari, in 1962 it occupied

idealismus brought together

was held, The responsive eye, at New

And there was the incredibly famous

the company’s showrooms in Milan,

Alviani, Boriani, Castellani, Colombo,

York’s Museum of Modern Art,

Licht und Bewegung at Berna’s

copertina del catalogo the responsive eye, museum of modern art, new york _ febbraio - aprile 1965

Venice, Rome, Trieste (and there was

Amsterdam’s Stedelijk Museum

The 1962 exhibition Nul at

ITALICA ARS AB OVO INCIPIT INVICEM SPECTANTES

Afra Canali

In Italia, come in Europa, è una

e fluttuanti. Il siciliano Turi Simeti

titolo tra alcuni importantissimi

temperie culturale organizzata in

ha proseguito la lezione di Bonalumi

appuntamenti a carattere museale.

diversi gruppi, peraltro mobili, attenti

e Castellani, creando una sua

L’inaugurata Azimuth: Continuity

ad interagire con altre forme del

estroflessione prevalentemnete

and the New (20 settembre 2014)

sapere, come la parola scritta,

ovoidale; Paolo Scheggi vi si

presso il Guggenheim di Venezia;

la scienza e la tecnologia.

trasferisce nel ’61, facendo

la rassegna Zero. Countdown to

Stabilito il ruolo di precursore del

coincidere questo spostamento con

Tomorrow, prima grande mostra

Gruppo Zero, l’Italia non è certamente

il momento chiave dell’approdo alla

americana dedicata al celebre Gruppo

da meno con il Gruppo N fondato a

sua maturità espressiva. Nanda Vigo

Zero formatosi in Germania, che

Padova nel 1960 e attivo fino al 1964

frequenta già dal ’59 lo studio di Lucio

il 10 ottobre prossimo inaugurerà

con Alberto Biasi, Ennio Chiggio,

Fontana. Nello stesso anno inizia la

al Guggenheim di New York ed,

Toni Costa, Edoardo Landi e

progettazione della ZERO House a

in assoluta contemporanea, al

Manfredo Massironi.

Milano, terminata solo nel 1962.

Padiglione delle Arti di Marcon, sulla

Su Milano tutta la grande attenzione:

Certo poi Fontana e Bruno Munari,

terraferma veneziana, Around Zero,

oltre ad Azimut (Bonalumi, Castellani

Enzo Mari, Calderara, Luigi Veronesi

un’ampia rassegna su tutti i linguaggi

e Manzoni) gravitano il Gruppo T

e Franco Grignani, solo per ricordare

influenzati dall’esperienza tedesca.

di Gabriele Devecchi, Davide Boriani,

alcuni dei nomi conosciuti ai più.

Giovanni Anceschi, Gianni Colombo e, Il prossimo autunno, non meno che

in un secondo momento,

In questi anni cruciali per l’arte

tutto l’arco del 2015, si annuncia

Grazia Varisco.

italiana e internazionale, i loro

con un ventaglio ampissimo di

Le Superfici a testura vibratile di

percorsi si intrecciano, si animano

mostre dedicate all’arte cinetica e

Getulio Alviani si impongono subito

di incontri, di dibattiti e di occasioni

programmata, allo zero, alla pittura

all’attenzione di tutti: il trattamento

espositive congiunte, dimostrando

analitica, alla nuova geometria,

dei piani di acciaio dà vita a strutture

quanto l’urgenza di differenti metodi

all’optical.

cangianti a seconda della rifrazione

e misure post-informale, abbia dato

Una vera e propria riscoperta di un

della luce. Marina Apollonio condivide

vita ad un nuovo essere dell’opera.

mondo, in chiave sia critica, sia di

con altri esponenti dell’arte

Nello snodo di passaggio tra gli

mercato, rimasto troppo a lungo

programmata il desiderio di un’arte

ultimissimi anni ’50 e la metà del

schiacciato dal concettuale puro e

depersonalizzata, in opposizione al

decennio successivo gli scambi sono

in parte dalla Pop Art americana,

concetto di astrazione espressiva.

vivacissimi. Si condivide la comune

che pure influenzarono il gusto

Utilizza materiali industriali moderni

condizione di viandanti, compagni

di un decennio e di cui alcuni dei

per creare strutture calcolate che

di avventure nella definizione di

protagonisti sono ancora attivi.

nella visione dello spettatore si

una nuova situazione artistica, e

trasformano in spazi dinamici

viaggiatori effettivi nell’Europa degli

gruppo t (anceschi, boriani, devecchi, colombo) 1960

italian zero CROSS REFERENCE

La presente mostra si colloca a pieno

missive, pubbliche dimostrazioni,

l’evento del Prisma a una tipica

(18 marzo - 8 maggio), l’elenco di

Del marzo 1961 è l’importante

ricerche in ambito programmato e

artistici allargati e di possibilità

conferenze e dichiarazioni

serata della Scapigliatura milanese,

artisti è lunghissimo. Con Fontana,

rassegna Bewogen Beweging allo

visuale, in occasione dell’esposizione

espositive internazionali.

programmatiche.

dove venivano però esposte delle

Castellani, Dorazio, Manzoni, Lo

Stedelijk Museum di Amsterdam in

Nove Tendencije 1 a Zagabria.

Sarà in Italia certamente Azimut,

L’Europa assiste e partecipa ad una

“lenzuola dipinte di bianco”.

Savio, Scarpitta figurano, tra gli altri,

cui gli esponenti di T al completo

Il 20 maggio 1961 Dadamaino sceglie

in particolar modo nella persona

geografia artistica radicalmente

Nel 1959 si costitusce il gruppo

Yves Klein, Yayoi Kusama, Heinz

dopo l’entrata di Grazia Varisco,

di esibire per la prima volta

dell’instancabile Manzoni, a curare

nuova!

milanese Azimut. Esso stabilirà

Mack, Otto Piene, Gunther Uecker,

si confrontano, tra gli altri, con

i Volumi a moduli sfasati nello spazio

e favorire gli stretti rapporti tra i

È così quindi che Azimut ancora

stretti contatti con il Gruppo Zero in

Antoni Tapies, Mark Rothko.

Alexander Calder, Marchel Duchamp,

espositivo dei colleghi del Gruppo

protagonisti del nuovo linguaggio

nel nascere, la galleria del Prisma

Germania, il Nul in Olanda e il gruppo

A Milano alla Galleria Pater, sempre

Frank Malina, Cruz-Diez, Robert

N, una galleria-laboratorio, luogo di

artistico, sia in Italia che con i

di Milano inaugura, nella primavera

Motus poi divenuto Grav in Francia.

nel 1960, si apre Miriorama 1

Rauschenberg, Man Ray, Niki

sperimentazione e di provocazione,

cugini di diversi Paesi Europei.

del 1959, una mostra personale

Dal 18 al 24 agosto 1959 Manzoni

(prima di una serie di esposizioni

de Saint-Phalle, Jean Tinguely,

dove il rapporto con il pubblico si

Certamente intensissimi i rapporti

dedicata all’artista Edoarda Maino

presenta la sua vera prima mostra di

in cui primi protagonisti sono gli

Luis Tomasello, Victor Vasarely.

antepone alla semplice vendita delle

con gli artisti tedeschi Heinz Mack e

(Dadamaino). Per la giovane artista

Linee al Pozzetto Chiuso di Albisola

esponenti del nuovo Gruppo T

Nasce nello stesso anno il movimento

opere. L’invito alla mostra è con testo

Otto Piene (da lui conosciuti già nel

l’esposizione costituisce l’ingresso

Mare; una di queste viene acquistata

milanese). Compaiono quindi gli

internazionale Nouvelle Tendence,

di Piero Manzoni.

1957), fondatori del Gruppo Zero di

nel milieu artistico milanese, dopo

da Lucio Fontana, che in seguito

esponenti del gruppo con Enrico Baj,

fondamentale punto di dialogo per

Del 1961 è il XII Premio Lissone

Düsseldorf, che diventeranno per lui

gli esordi in alcuni premi d’arte

definirà le Linee come l’opera più

Lucio Fontana, Piero Manzoni, Bruno

quegli artisti che portano avanti

Internazionale per la pittura: vediamo

tra gli interlocutori privilegiati della

provinciali. Appare chiaramente

significativa dell’artista di Soncino.

Munari, Jean Tinguely.

ridefinizione poetica di quella che il

come tutti i giornalisti rimangano

La Linea m. 11,40 fu inviata, lo

Ancora nel 1960, alla galleria La Salita

secondo numero della rivista

colpiti dall’evento, riportando sapori

stesso giorno della chiusura della

di Roma, è Miriorama 10 del Gruppo

Azimuth definirà “la nuova

e voci, con minimi accenni alle

mostra, all’amico tedesco Otto Piene.

T ideata e presentata in catalogo da

concezione artistica”.

opere esposte. Lo spirito dell’artista

Nella lettera che accompagna la

Lucio Fontana.

Sempre più cospicua, dal 1959

invade le sale della galleria quasi

spedizione si legge anche: “Uecker mi

Stimolato dall’esperienza milanese,

in avanti, la documentazione

adombrando le tele.

ha scritto che sarà in Italia. Ho quasi

nel dicembre del ’60, insieme a

di continue proposte di

L’approccio di Dadamaino ricorda

organizzato 2 mostre di gruppo: vuoi

Manfredo Massironi, Edoardo

comparticipazione a singole mostre in

esattamente quello adottato

mandarmi quadri tuoi e degli altri?

Landi, Toni Costa e Ennio Chiggio

gallerie private e spazi istituzionali.

da Manzoni e compagni per il

Uecker li può trasportare. Propongo

viene fondato il Gruppo N a Padova.

Anche in Italia il bisogno di confronto

ricevimento d’apertura della mostra

una mostra così: Fontana, Castellani,

Rispetto ai vari gruppi italiani e

e l’urgenza di diffondere il raggio

Bonalumi Castellani Manzoni

Manzoni, Piene, Mack, Uecker,

d’oltralpe, quello padovano elaborò

d’azione per determinare con

avvenuto pochi mesi prima, nel

Mavigner, Yves Klein”.

un programma e una linea di ricerca

fermezza la portata del nuovo sentire

febbraio 1959, presso la stessa

Negli anni appena a seguire continuo

autonomi, orientati soprattutto

fu eccezionale.

galleria del Prisma. Qui, tra pane e

è l’effervescente scambio di mostre

ad indagare i fenomeni psicologici

Si assiste, così, ad una rete

salame, patatine fritte e bottiglie di

tra i vari esponenti della nuova

della percezione visiva, puntando a

ininterrotta di esposizioni, studi,

Barbera, Piero Manzoni presentava

arte europea. A Leverkusen, 1960,

coinvolgere l’osservatore, piuttosto

ricerche, collaborazioni e scioglimenti,

gli Achromes, scatenando l’ironia di

con Monochrome Malerei presso lo

che a stupirlo con esiti tecnologico-

premi, rassegne, confronti, manifesti,

alcuni cronisti che paragonavano

Stadtiche Museum

spettacolari.

gruppo n (massironi, chiggio, landi, biasi), padova _ 1963

anni sessanta, alla ricerca di contatti

Bonalumi, Castellani, Dadamaino

seconda edizione, portata in vari

polemiche. Alla Galerie Diogenes di

la Pittura Oltre la Scultura. Bruno

Biasi, Massironi e Landi, e le opere

Boriani, Castellani, Colombo,

accanto a T ed N. è in questa

musei e istituti universitari degli

Berlino un’altra esposizione di grande

Munari realizza l’affiche della mostra,

cominciarono ad essere firmate

Devecchi, Dorazio, Lucio Fontana,

occasione che N annuncia il proprio

Stati Uniti).

portata: nel marzo 1963 vediamo

dove vengono riprodotte tutte le

anche con il nome dei singoli.

Nanda Vigo accanto, tra gli altri, a Klein,

manifesto programmatico.

Nel ‘63 alla IV Biennale di San Marino,

uniti in Zero. Der neue idealismus,

opere esposte.

Nel 1961 saranno Klein e gli artisti di

presieduta da Giulio Carlo Argan e

Alviani, Boriani, Castellani, Colombo,

I lavori sono di Adrian, Anceschi,

Il 27 marzo 1965, organizzata da

Ed ancora la famosissima Licht und

Zero ad esporre, alla Galleria La Salita

con una commissione giudicatrice

Dadamaino, Fontana, Manzoni,

Boriani, Boto, Colombo, Costa,

Nanda Vigo, si apriva nell’atelier di

Bewegung al Kunsthalle di Berna,

di Roma, con Francesco Lo Savio nella

che aveva proposto di limitare la

Munari, per gli italiani, e poi Aubertin,

Cruz-Diez, Debourg, Devecchi, Equipo

Lucio Fontana, Zero avantgarde

sempre nel 1965, così come Weiss Auf

collettiva Mack + Klein + Piene +

partecipazione soltanto ai “più

Bury, Goepfert, Holwek, Klein, Mack,

57, Gerstner, Garcia Rossi, Getulio,

1965, la prima e unica mostra

Weiss presso la Galerie Schmela

Uecker + Lo Savio = 0.

rinomati artisti, pittori e scultori che

Mavigner, Morellet, Piene, Soto

Kammer, Le Parc, Mack, Dada Maino,

ufficiale in Italia di ZERO, con Nobuya

di Düsseldorf. E di nuovo esposizioni

Yayoi Kusama, Saburo Murakami, Zero.

ed altri ancora.

Mari, Mavignier, Morellet, Munari,

Abe, Armando, Bernard Aubertin,

a Londra, Rotterdam, Philadelphia

accolti 146 artisti), il primo premio

Dal 26 aprile al 7 ottobre del 1963

Gruppo N, Peeters, Picelj, Piene, Pohl,

Agostino Bonalumi, Pol Bury, Enrico

e Washington.

Intersuperfici curve a zone riflesse

venne assegnato ex aequo al Gruppo

è l’importante mostra organizzata

Reinhartz, Sobrino, Staudt, Talman,

Castellani, Lucio Fontana, Hermann

Questa piccola occasione per dare, in

in una personale alla Galleria

N e al Gruppo Zero, scatenando aspre

alla Galleria Cadario di Milano, Oltre

Tomasello, Varisco,Von Graevenitz,

Goepfert, Oskar Holweck, Yves Klein,

parte, il senso di un momento storico

Yvaral, Zehringer.

Yayoi Kusama, Francesco Lo Savio,

straordinario in cui evidente e tangibile

Nella famosa Biennale Internazionale

Adolf Luther, Heinz Mack, Piero

è la volontà diffusa di rompere con

Del 1962 la mostra Nul allo Stedelijk

d’arte di Venezia, 1964, figurano

Manzoni, Henk Peeters, Otto Piene,

strutture pre-esistenti, forti di un

Museum di Amsterdam con Arman,

opere di Alviani, N e T. Gli artisti

Jan Schoonhoven, Turi Simeti, Paul

ottimismo incondizionato nelle infinite

Armando, Aubertin, Bury, Castellani,

programmati vengono sbalzati via

Talman, Erwin Thorn, Nanda Vigo

possibilità del progresso tecnologico e

Dadamaino, Dorazio, Fontana,

dalla Pop Art americana!

e Hermann de Vries.

dei nuovi materiali.

Goepfert, Haacke, Henderikse,

L’anno dopo fu la volta di una delle

Dello stesso anno è l’importante

L’artista fa un passo indietro: idee

Holweck, Kusama, Lo Savio, Mack,

mostre simbolo degli anni ‘60,

Aktuel 65. neue tendenzen. arte

comuni inspirano, in gran parte dell’area

Manzoni, Mavignier, Megert, Peeters,

The Responsive Eye, allestita al

programmata, anti-peinture,

mitteleuropea, lavori virtuosamente

Piene, Pohl, Schoonhoven, Uecker,

Museum of Modern Art di New York

ZERO, null, recherche d’art visuelle,

avvolti dall’anonimato o come risultati

Verheyen, de Vries.

e itinerante a Saint Louis (City Art

recherche continuelle presso

del dilagante bisogno del confronto

Non si può non citare poi la celebre

Museum), Seattle (Art Museum),

la Galerie Aktuell di Berna cui

creativo, che ben poco hanno in

rassegna Arte programmata

Baltimore (Museum of Art),

partecipano, tra gli altri, i nostri

comune con l’arte tradizione fino ad

(definizione che compare in catalogo

Pasadena (Art Museum).

Alviani, Marina Apollonio, Dadamaino,

allora dominante.

nel testo di Umberto Eco) con

Enzo Mari, investito del compito di

Scheggi e Simeti insieme a Cruz

Grandi Maestri si alternano ad altrettanti

sottotitolo Arte cinetica - Opere

scegliere le opere a rappresentazione

Diez, Armando, Kusama, Leblanc,

‘piccoli’ geniali ricercatori in una

moltiplicate - Opera aperta. Voluta

del gruppo T, decide per l’Ipercubo

Schonhoven solo per citarne alcuni.

Europa dell’opera aperta, attraversata,

da Adriano Olivetti e curata da Bruno

di Davide Boriani.

Ma soprattutto la rassegna Nul 65.

assediata dall’urgenza comune di un

Munari, occupò nel 1962,

Sempre nel ‘65 — in seguito a

allo Stedelijk Museum di Amsterdam

rinnovamento totale, di una rinascita,

gli showroom dell’azienda a Milano,

improvvise autoesclusioni — il Gruppo

in cui ricordiamo la presenza di

di nuovo linguaggio dell’arte ZERO.

Venezia, Roma, Trieste (ed ebbe una

N fu ribattezzato ENNE65: rimasero

Getulio Alviani, Anceschi, Arman,

da Lucio Fontana.

gruppo n (massironi, chiggio, landi, biasi), padova _ 1963

Il Cancello di Bologna presentata

agiscono oltre l’informale” (furono Nel 1962 Paolo Scheggi espone le

Die aktuelle Ausstellung gehört

von der amerikanischen Pop Art,

im vollen Umfang zu einem der

die den Geschmack eines ganzen

wichtigsten Ereignissen mit

Jahrzehnts beeinflusste und deren

Museumscharakter.

Protagonisten teilweise noch aktiv

Die Azimuth Einweihung: Continuity

sind, unterdrückt wurde.

and the New (20. September 2014)

italian italianzero zero CROSS CROSSREFERENCE REFERENCE ITALICA ITALICAARS ARS AB ABOVO OVOINCIPIT INCIPIT INVICEM INVICEMSPECTANTES SPECTANTES

im Guggenheim Museum Venedig;

In Italien, wie in Europa herrschte

Die Ausstellung Zero Countdown

ein in verschiedenen Gruppen

to Tomorrow, die erste große

organisiertes kulturelles Klima,

amerikanische Ausstellung, die sich

das vorsichtig mit anderen

der berühmten, in Deutschland

Wissensformen, wie dem

gegründeten Gruppe Zero widmet,

geschriebenen Wort, der

die am kommenden 10. Oktober im

Wissenschaft und der Technologie

New Yorker Guggenheim Museum im

interagierte.

Pavillon der zeitgenössischen Kunst

In seiner Vorreiterrolle der Gruppe

von Marcon auf dem Venezianischen

Zero, lag Italien mit Azimuth

Festland Around Zero eröffnet, eine

(Bonalumi, Castellani e Manzoni),

umfassende Ausstellung über alle

der N-Gruppe, der 1960 in Padua

Sprachen, die durch die deutsche

gegründeten und bis 1964 aktiven

Erfahrung beeinflusst wurden.

Gruppe N mit Alberto Biasi, Ennio Chiggio, Toni Costa, Edoardo Landi

Der nächste Herbst oder besser

und Manfredo Massironi sicherlich

gesagt, das gesamte Jahr 2015,

nicht weit dahinter.

kündigt sich mit einer breiten

In Mailand zog, neben Azimuth, die

Palette von Ausstellungen an, die

Gruppe T von Gabriele Devecchi,

der kinetischen und programmierten

Davide Boriani, Giovanni Anceschi,

Kunst, dem Nichts, der analytischen

Gianni Colombo und Grazia Varisco

Malerei, der neuen Geometrie, dem

große Aufmerksamkeit auf sich.

Optischen gewidmet sind.

Künstler/Designer Enzo Mari,

Die echte Wiederentdeckung

Bruno Munari Von Le Superfici

einer Welt, die im Grunde kritisch

a testura vibratile (Oberflächen

und ein wichtiger Markt war,

mit schwingender Textur) von

die jedoch zu lange von der rein

Getulio Alviani fühlten sich sofort

konzeptionellen Kunst, teilweise

alle angezogen: die Behandlung

Afra AfraCanali Canali

von Stahlflächen schaffte

In diesen entscheidenden

förderte. Die Beziehungen zu den

Prisma in Mailand im Frühjahr 1959

verglichen, wo jedoch „weiß bemalte

erfrischende Austausch von

Strukturen, die abhängig von der

Jahren verflochten sich

deutschen Künstlern Heinz Mack

eine persönliche, der Künstlerin

Laken “ ausgestellt wurden.

Ausstellungen zwischen den

Lichtbrechung, unterschiedlich

durch lebhafte Tagungen,

und Otto Piene (die er bereits 1957

Edoardo Maino (Dadamaino)

1959 wurde die Mailänder Gruppe

verschiedenen Exponenten der

waren. Marina Apollonio teilte

Diskussionen und gemeinsamen

kannte), Gründer der Zero-Gruppe

gewidmete Ausstellung eröffnete.

Azimuth gegründet. Durch diese

neuen europäischen Kunst weiter.

mit anderen Exponenten der

Ausstellungsmöglichkeiten, die Pfade

Düsseldorf, waren sicherlich sehr

Für die junge Künstlerin bedeutete

wurden enge Kontakte zur Gruppe

programmierten Kunst den Wunsch

der italienischen und internationalen

intensiv und für ihn privilegierte

die Ausstellung nach einigen Provinz-

Zero in Deutschland, der Gruppe Nul

1960 war bei der Ausstellung

nach einer entpersönlichten

Kunst und demonstrierten die

Gesprächspartner der poetischen

Kunst-Auszeichnungen, den Eintritt

aus Holland und der Gruppe Motus,

Monochrome Malerei im Städtischen

Kunst als Gegensatz zum Konzept

Dringlichkeit der verschiedenen

Neudefinition, welche die zweite

in das Mailänder Künstlermilieu.

aus der später die Gruppe Grav in

Museum von Leverkusen die Liste

der expressiven Abstraktion. Mit

Methoden und Maßnahmen der

Ausgabe der Zeitschrift Azimuth als

Es war deutlich zu sehen, wie alle

Frankreich wurde, hergestellt.

der Künstler lang. Neben Fontana,

modernen industriellen Materialien,

post-informalen Kunst, indem sie ein

„die neue künstlerische Konzeption“

Journalisten von der Tatsache

schaffte sie Strukturen, die in der

neues Werk schufen.

definierte.

beeindruckt waren, dass bei den

Vom 18 – 24. August präsentierte

gehörten unter anderem Yves Klein,

Castellani, Dorazio, Manzoni,

Immer auffälliger ist ab 1959 die

ausgestellten Werken Vielfalt und

Manzoni seine wahre erste

Yayoi Kusama, Heinz Mack, Otto

fluktuierende Räume transformiert

In dem Zwischenraum der letzten

Dokumentation der dauernden

Nuancen durch minimale Akzente

Ausstellung „Linee” am Pozzetto

Piene, Gunther Uecker, Antoni Tapies

wurden.

Jahre der 50er Jahre und der ersten

Vorschläge für Einzelausstellungen

dargestellt wurden. Der künstlerische

Chiuso von Albisola Mare; Eines

und Mark Rothko dazu.

Der Sizilianer Turi Simeti hat die

Hälfte des nachfolgenden Jahrzehnts

in Privatgalerien und institutionellen

Geist nahm die Räume der Galerie

der Werke wird von Lucio Fontana

In der Galerie Pater in Mailand

Lektion von Bonalumi und Castellani

folgte ein sehr lebhafter Austausch.

Räumen.

quasi durch Überschatten der

gekauft, der daraufhin die Linee

eröffnet, ebenfalls 1960

durch die Erschaffung seiner

Sie teilten den gemeinsamen

Auch in Italien war die Notwendigkeit

Leinwände ein.

als das bedeutendste Werk des

Miriorama1 (die erste einer Serie

vorwiegend ovalen Extrovertiertheit

Status des Reisenden, Abenteuer-

und Dringlichkeit der Erweiterung

Der Ansatz von Dadamaino erinnert

Künstlers Socino bezeichnet.

von Ausstellungen, in denen erste

weiterentwickelt; In diesen Bereich

Gefährten in der Definition einer

des Betätigungsfelds zur eindeutigen

genau an den von Manzoni und

La Linea m 11,40 wurde am gleichen

Protagonisten die Aussteller der

zog es 1961Paolo Scheggi, indem

neuen künstlerischen Situation und

Ermittlung des Geltungsbereichs

Begleiter für die Vernissage der

Tag, an dem die Ausstellung

neuen Mailänder Gruppe T sind).

er diese Verschiebung mit dem

tatsächlichen Reisende im Europa

außergewöhnlich.

Ausstellung Bonalumi Castellani

geschlossen wurde, an den

Dann erschienen die Exponenten der

wichtigen Schlüsselmoment

der 60er Jahre, immer auf der

Es gab daher ein kontinuierliches

Manzoni, die wenige Monate zuvor

deutschen Freund Otto Piene

Gruppe mit Enrico Baj, Lucio Fontana,

seiner ausdrucksstarken Reife

Suche nach neuen künstlerischen

Netzwerk von Ausstellungen,

im Februar 1959 in der gleichen

geschickt. In dem Begleitschreiben

Piero Manzoni, Bruno Munari,

zusammenfallen ließ. Nanda Vigo

Kontakten und internationalen

Studien, Forschungen,

Galerie Del Prisma stattfand.

der Spedition liest man auch: „Uecker

Jean Tinguely.

besuchte bereits 1959 das Atelier

Ausstellungsmöglichkeiten.

Kooperationen und Entlassungen,

Hier präsentierte Piero Manzoni,

hat mir geschrieben, dass er nach

Noch im Jahr 1960, wurde in der

Preise, Bewertungen, Vergleiche,

zwischen Brot und Salami, Pommes

Italien kommt. Ich habe quasi 2

Galleria La Salita in Rom Miriorama

Vision des Zuschauers in dynamische

von Lucio Fontana. Im gleichen

Plakate, Briefe, öffentliche

Frites und Flaschen Barbera ,

Gruppenausstellungen organisiert:

10 der Gruppe T konzipiert und

House in Mailand, die erst 1962

die in Italien, vor allem in der Person

Demonstrationen, Konferenzen und

Achromes, und entfesselte damit

Würdest Du mir bitte Bilder von

im Katalog von Lucio Fontana

abgeschlossen wurde.

des unermüdlichen Manzoni, die

Erklärungen.

die Ironie einiger Journalisten, die

Dir und anderen schicken? Uecker

präsentiert. Angeregt durch die

Natürlich kamen danach Fontana

engen Beziehungen zwischen

Europa unterstützte und beteiligte

den Event in der Galerie Prisma mit

kann sie transportieren. Ich schlage

Mailänder Erfahrung, wurde im

und Bruno Munari, Calderara, Luigi

den Protagonisten der neuen

sich an eine radikal-neuen

einem typischen Abend der Mailänder

folgende Ausstellung vor: Fontana,

Dezember 1960, zusammen mit

Veronesi und Franco Grignani,

künstlerischen Sprache, sowohl in

künstlerischen Geografie!

Scapigliatura (Bezeichnung für eine

Castellani, Manzoni, Piene, Mack,

Manfredo Massironi, Edoardo Landi,

um nur ein paar der bekanntesten

Italien, also auch bei den Vettern der

So war Azimuth noch in der

Gruppe vorwiegend lombardischer

Uecker, Mavigner, Yves Klein”.

Toni Costa und Ennio Chiggio in

Namen zu nennen.

verschiedenen europäischen Länder

Entstehung, als die Galleria del

Künstler und Schriftsteller)

In den Folgejahren ging der

Padua die Gruppe N gegründet.

Natürlich war es die Azimuth-Gruppe,

Jahr begann die Planung der ZERO

In Bezug auf die verschiedenen

Dadamaino entschied sich,

im Katalog im Text von Umberto Eco

und dann Aubertin, Bury, Goepfert,

Museum of Modern Art in New York

italienischen und ausländischen

zum ersten Mal in den

erscheint) mit Untertitel Arte cinetica

Holwek, Klein, Mack, Mavigner,

und auf Tour in Saint Louis (City Art

Gruppen, erarbeitete die Gruppe aus

Ausstellungsräumlichkeiten der

- Opere moltiplicate - Opera aperta

Morellet, Piene, Soto und noch

Museum), Seattle (Kunstmuseum),

Padua ein Programm und eine Reihe

Kollegen der Gruppe N, einer

(kinetische Kunst- multiplizierte

andere.

Baltimore (Kunstmuseum) und

von autonomen Forschungsarbeiten,

Forschungs-Galerie, die Ort von

Werke offene Arbeit). Von Adriano

Vom 26 April bis zum 7. Oktober 1963

Pasadena (Kunstmuseum).

die sich in erster Linie darauf

Experimenten und Provokation

Olivetti gewünscht und von Bruno

wurde eine wichtige Ausstellung in

Enzo Mari, der die Aufgabe hatte,

konzentrierten, die psychologischen

zugleich war, Volumi a moduli sfasati

Munari kuratiert, fand sie 1962 in

der Galleria Milano Cadario mit dem

die Werke zur Repräsentation der

Phänomene der visuellen

auszustellen, wobei die Beziehung

den Ausstellungsräumen der Firma

Titel Oltre la Pittura Oltre la Scultura

Gruppe T zu wählen, entschied sich

Wahrnehmung zu untersuchen,

zum Publikum einfach im Verkauf

in Mailand, Venedig, Rom und Triest

(neben Malerei und Bildhauerei)

für den Ipercubo (Hyperwürfel)

mit dem Ziel, den Beobachter

der Werke bestand. In der Einladung

statt (und hatte eine zweite Auflage,

veranstaltet. Bruno Munari realisierte

von David Boriani. Auch 1956 – als

mit technologisch spektakuläre

zur Ausstellung stand ein Text von

die in verschiedenen Museen und

die Ausstellung, bei der alle

Folge eines unvorhergesehenen

Ergebnisse miteinzubeziehen,

Manzoni.

Hochschulen der Vereinigten Staaten

ausgestellten Werke reproduziert

Selbstausschlusses – wurde die

anstatt ihn zu überraschen.

Ab 1961 gab es in der Malerei den

stattfand).

wurden.

Gruppe in Enne 65 umgetauft: Es

Preis XII Premio International Award

Die Arbeiten sind von Adrian,

blieben Biasi, Massironi und Landi

Ab März 1961 war es die wichtige

Lissone : Wir sehen Bonalumi,

1963, bei der IV Biennale in San

Anceschi Boriani, Boto, Colombo,

und die Arbeiten wurden nun auch

Ausstellung Bewogen Bewegin im

Castellani, Dadamaino neben T und N.

Marino, unter dem Vorsitz von

Costa, Cruz-Diaz, Debourg, Devecchi,

mit dem Namen der Einzelnen

Stedelijk Museum von Amsterdam,

1961 waren es nur Klein und die

Giulio Carlo Argan und mit einem

Equipo 57, Gerstner, Garcia Rossi,

signiert.

bei der die Exponenten von T, die

Künstler von Zero, die in der Galleria

Preisgericht, das vorgeschlagen

Getulio, Kammer, Le Parc, Mack, Dada

nach dem Hinzukommen von Grazia

La Salita in Rom mit Francesco Lo

hatte, die Teilnahme nur auf „die

Maino, Mari, Mavignier, Morellet,

Am 27. März 1965 eröffnete im

Varisco vollständig waren, die

Savio in Mack, kollektive mit Klein

renommiertesten Künstler, Maler

Munari, Gruppe N, Peeters, Picelj,

Atelier von Lucio Fontana die von

Konfrontation mit unter anderem

+ Pieno + Uecker + Lo Savio = 0

und Bildhauer zu beschränken, die

Piene, Pohl, Reinhartz, Sobrino,

Nando Vigo organisierte Ausstellung

Alexander Calder, Marchel Duchamp,

ausstellten.

jenseits des Informellen handeln”

Staudt, Talman, Tomasello,

Zero Avantgarde mit Nobuya,

Varisco,Von Graevenitz, Yvaral

Abe, Armando, Bernard Aubertin,

1962 stellt Paolo Scheggi

erhielten die Gruppe N und die

und Zehringer.

Agostino Bonalumi, Pol Bury, Enrico

Saint-Phalle, Jean Tinguely, Luis

Intersuperfici curve a zone

Gruppe Zero den ersten Preis Ex

Bei der berühmten internationale

Castellani, Lucio Fontana, Hermann

Tomasello, Victor Vasarely suchten.

riflesse in einer von Lucio Fontana

Aequo , was heftige Kontroversen

Kunst Biennale in Venedig

Goepfert, Oskar Holweck, Yves Klein,

Im selben Jahr entstand die

präsentierten Einzelausstellung in

auslöste.

wurden 1964, Werke von Alviani,

Yayoi Kusama, Francesco Lo Savio,

internationale Bewegung Nouvelle

der Galleria Il Cancello in Bologna aus.

In der Galerie Diogenes in Berlin

N und T gezeigt. Die Künstler der

Adolf Luther, Heinz Mack, Piero

Tendence, Fundamentalpunkt des

Ab 1962 die Ausstellung Nul im

fand eine weitere groß angelegte

programmierten Kunst waren hin und

Manzoni, Henk Peeters, Otto Piene,

Dialogs für jene Künstler, die die

Stedelijk Museum von Amsterdam

Ausstellung statt: Im März 1963

weg von der amerikanischen Pop Art!

Jan Schoonhoven, Turi Simeti, Paul

Gelegenheit der Ausstellung Nove

mit (siehe Liste aus der Chronologie).

sehen wir in Zero vereint Der Neue

Ein Jahr später kam die Wende bei

Talman, Erwin Thorn, Nanda Vigo

Tendencije 1 in Zagreb nutzten, um

Es ist unmöglich, nicht die berühmte

Idealismus, Alviani, Hess, Castellani,

einer der Ausstellungen in den 60er

und Hermann de Vries, die 1965 die

Recherchen im programmierten und

Ausstellung der programmierten

Colombo, Dadamaino, Fontana,

Jahren, The responsive eye (das

einzige offizielle Ausstellung von

visuellen Bereich voranzutreiben.

Kunst zu erwähnen (Definition, die

Manzoni, Munari, für die Italiener,

reagierende Auge), ausgerichtet im

ZERO in Italien war.

(146 Künstler wurden angenommen)

Rauschenberg, Man Ray, Niki de

Frank Malina, Cruz Diez, Robert

gruppo di artisti al dibattito di crispolti durante la mostra di sabatini _ milano, 1977

Aus demselben Jahr stammen

außergewöhnlichen historischen

wichtige Ausstellungen, wie

Moments zu vermitteln, in dem

Aktuel 65, neue Tendenzen. arte

die weitverbreitete Bereitschaft

programmata, anti-peinture,

mit bereits vorhandenen

ZERO, null, recherche d’art visuelle,

Strukturen zu brechen, deutlich

recherche continuelle in der Galerie

und greifbar wird ebenso wie

Aktuell in Bern unter Mitwirkung

ein starker bedingungsloser

u.a von unseren Alviani, Marina

Optimismus hinsichtlich unendlicher

Apollonio, Dadamaino, Scheggi e

Möglichkeiten des technischen

Simeti insieme a Cruz-Diez, Armando,

Fortschritts und der neuen

Kusama, Leblanc und Schonhoven ,

Materialien.

um nur einige zu nennen.

Der Künstler tritt einen Schritt

Aber vor allem die Auststellung

zurück: Gemeinsame Ideen

Nul 65. Im Stedelijk Museum in

inspirieren große Teile Mitteleuropas,

Amsterdam, bei der wir uns and

virtuose Arbeiten aus der Anonymität

die Teilnahme von Gelulio Alviani

genommen oder Ergebnisse

Anceschi, Arman Boriani, Castellani,

der grassierenden kreativen

Colombo, Devecchi, Dorazio, Lucio

Auseinandersetzung, die mit der bis

Fontana, Nanda Vigo neben, unter

heute dominierenden traditionellen

anderem, Klein, Yayoi Kusama,

Kunst wenig gemein hat.

Saburo Murakami, Zero erinnern ...

Große Meister wechseln sich in

Und auch noch die äußerst berühmte

einem Europa der offenen Arbeit

Licht und Bewegung in der

mit ebenso „kleinen“, wie brillanten

Kunsthalle von Bern, ebenfalls 1965,

Forschern über die Dringlichkeit

mit Weiß auf Weiß, in der Galerie

einer Rundumerneuerung, einer

Schmela in Düsseldorf.

Wiedergeburt der neuen Sprache

Dies ist eine kleine Gelegenheit,

der ZERO-Kunst, ab.

teilweise das Gefühl eines

nul65, stedelij museum, amsterdam _ 1965

made Milan an ideal place for the creation of ambitious architectural projects, like the Torre Velasca and the Pirelli Tower, as well as for dedicating a true identity for Italian design. On the artistic side, the city offered a lively scene, animated by

Melania Gazzotti

copertina del primo numero della rivista Azimuth

figures like Enrico Baj, who founded

one could choose to tell the complex

the Nuclear Art movement in 1950,

and passionate story of Gruppo

and Lucio Fontana, who upon

Azimut, certainly reading about it in

returning to Italy from Argentina

one of the many key events that has

in 1947 brought with him the idea

marked its short but intense season:

of Spatialism.

the publication of the eponymous

Working and exhibiting in the city

journal. In September 1959, the

were also a numerous amount of

first issue of Azimuth was released

young artists, most of whom were

in Milan under the care of Enrico

searching for alternatives to the

Castellani and Piero Manzoni.

dominant informal painting. Many

The two creatorsâ&#x20AC;&#x2122; idea was to create,

of them saw in Fontana a true

on one hand, a space for dialogue and

master, able to show them the path

diffusion for new artistic expressions,

of experimentation; a generous

and on the other hand, a toolfor

guide who not only gave them

promoting their work group and

moral support, but also helped them

connect them with contemporary

financially with the purchase of their

international experiences.

artwork. The events that interested

The initiative began in a city that

the Milanese art community took

precisely during those years was

place for the most part on the

successfully turning itself around

streets of the Brera neighborhood,

after the disastrous consequences

where one could find the majority

of World War II, offering the

of galleries, studios (including

entire country a model for a rapid

Manzoniâ&#x20AC;&#x2122;s) and hangouts, like the

and efficient economic rebirth.

legendary Bar Jamaica, where a great

Furthermore, relentless industrial,

part of Azimuthâ&#x20AC;&#x2122;s story would take

commercial and demographic growth

place.

What paper can do: or How to read Azimut (Group) through Azimuth (magazine)

Among the many different ways that

In fact, it is in this environment that

character: poet, critic, artist, and

Villa - who not much earlier dedicated

project: Azimuth. Appia Antica

holes designed by Fontana, before

group in September 1957 at the end

Manzoni and Castellani’s friendship

translator (of ancient languages),

a writing to Manzoni4 - invited him

nevertheless remained an interesting

his final departure from the Nuclear

of the fourth evening of a series

grew during the first few months of

Villa was gifted with a great

along with Bonalumi to actively

example of an avant-garde journal

Group.

of events organized in the form of

1958. The collaboration between

sensitivity and of a cosmopolitan

collaborate5 on the journal that

for the Milanese group, just as its

Castellani and Manzoni had different

shows/happenings9 (exhibitions that

the two artists initially led to some

vision of art that allowed him to

he wasto soon publish; the journal

contemporaries like, Esperienza

viewpoints even outside of the

would last for the entire evening

exhibitions1, in which Agostino

identify some of the top talents on

would have the same name as the

moderna (‘Modern Experience’)

country: the Zero journal, founded

in during which performances and

Bonalumi also contributed. Along

the both the Italian and international

gallery. The first issue of Appia Antica

(1957-1959; 4 issues), founded by

in Düsseldorf in April 1958 by

conferences took place) born in the

with him, Castellani and Manzoni

stage. Manzoni had a particular

was published in July 19596 and fully

Achille Perilli and Gastone Novelli,

Heinz Mack and Otto Piene was

Piene studio on GladbacherStraße in

had the idea to create the journal

liking for him, shown by the gift of

reflected Villa’s international artistic

and Gesto (‘Gesture’) (1955-1959; 4

an important cue for the Milanese

Düsseldorf.

that supported their work, choosing

the artist’s book entitled PMP3, i.e.,

vision7.

issues), managed by Enrico Baj and

even if, as we will see, the two

The word was selected inasmuch as a

the title, “Pragma” – that is, “fact,”

Piero Manzoni Pirla (“Piero Manzoni

Manzoni did not contribute at all

Sergio Dangelo. The same Manzoni8

projects developed in different

universal expression able to respond

Jerk”), most likely an ironic reference

to the Roman journal, probably

in 1958 would actively contribute to

ways. The title of the newspaper

to the transnational ambitions of

to his humble Milanese origin. The

preferring to save his own ideas

the third issue of this latter, which

corresponded with that chosen by

the two artists’ endeavor, as well

feeling was mutual, so much so that

in order to create the editorial

was also noted for its cover full of

the two German artists for their own

as synthesize, in a few letters, their

invito per la mostra in cui compaiono i futuri tre componenti di azimut, galleria pater, milano _ 13 settembre 1958

apprehension towards overcoming

crashed and burned, even before taking its final shape, when Bonalumi decided to follow his artistic path on his own. One of the final times that the group exhibited together was in April 1959 at the Galleria Appia Antica2. The space was supervised by Emilio Villa, a brilliant and erratic

regeneration of art. Zero, therefore, did not want to be a nihilist denial, but, on the contrary, represent a “zone of silence” in which new and infinite possibilities could develop. These aspirations were fully reflected in the non-programmatic structure of the group, opened to contaminations, to collaborations and to exchanges with other European experiences. Manzoni represented contact with Italy for the group, when in July 195910 he went to Düsseldorf to meet Mack and Piene, then also favoring contact between the Germans and some Dutch artists, 31

and of the group’s work. The project

informal trends preferring a

esempio di incontro tra alcuni esponenti di zero e alcuni italiani

concrete character of the initiative

“event” – wanting to underscore the

copertina del primo numero della rivista appia antica, roma _ 1959. opera di alberto burri

the predominantly tachiste and

heinz mack model cover per il numero 3 della rivista zero, düsseldorf _ 1961

met, in addition to Castellani: Lucio

chosen theme for the exhibition,

The choice was clearly in homage

When Azimuth came out in

Fontana, Nanda Vigo, Piero Dorazio,

that collected the works of many

to the movement’s moral guide and

September 195914, Castellani and

Dadamaino, Arnaldo Pomodoro

artists, was red monochrome. The

a statement of the enormous debt

Manzoni had the opportunity to only

e Francesco Lo Savio. From this

journal, a humble publication created

that many of the artists in the group

leaf through the first issue of Zero.

point on began a full exchange

with lowly means, also served as

felt towards him. Then Yves Klein,

In comparing the graphics and the

between the German Group and

the exhibition’s catalogue. In the

another iconic figure for the Zero

contents of the two journals, it is

the many Italian artists with which

few pages that made up Zero’s first

group’s development was presented.

immediately clear that the Milanese

many exponents of Milan’s GruppoT

issue were collected critics’ essays

His section contained two handmade

publication came about with many

and Padova’s Gruppo Enne also

and artists’ statements, without

pieces: a page that was torn and

more ambitious propositions and

participated. Despite this, Manzoni

providing any images. This structure

one that was burned. Following

with a greater awareness of the

remained the primary Italian contact

was repeated in the second release

were: Tinguely, Piene, Mack, Arman,

chosen mediumright from the start.

for Piene and Mack, later on Günther

in October 1958, with the addition

Soto, Dorazio, Castellani, Manzoni,

Right from the first issue,

Uecker who arrived between 1961

of some reproductions of artworks;

and 1962, and was already ready to

on this occasion the journal was

travel to from one part of Europe to

connected to the group’s eighth

the other in order to promote both

evening, in which five artists

his and his colleagues’ works, make

exhibited (Holweck, Mack, Mavignier,

contacts, opportunities, partnerships

Piene and Zillmann) on the theme of

or even just stoke moments of

vibration.

exchange and comparison, so much

However, Zero’s most interesting

so that Piene nicknamed him “Zero’s

issue is undoubtedly its third and

Mercury13”. Instead, Lucio Fontana

last, not just for its content – there

was a spiritual father for the two

were many images and texts – but

Spoerri, Uecker, Rot, Holweck,

in fact, Azimuth was more graphically

German artists. Mack first chanced

also for its graphic setting that

Bury, Adrian, Pomodoro, Lo Savio,

refined. Castellani and Manzoni

serata di zero organizzata nell’atelier di mack e piene, gladbacher strasse 69, düsseldorf _ 2 ottobre 1958. In quest’occasione uscirà anche il 2 numero della rivista zero

upon the Argentine maestro’s works

indulged in particularly interesting

Mavigner, Salentin, Van Hoeydonck,

involved graphic designer Cecco Re in

always united under the name

movement12. Zero’s third issue

at the Biennale di Venezia in 1956

experimentation from the beginning

Moldow, Pohl, Kage, Aubertin,

the project, who, at the time, worked

Zero, with which he had already

would serve as a catalogue of the

and was left deeply moved to the

to the end of the publication. The

Peeters, Schoonhoven, Rainer, and

at Max Huber’s studio. Re - who also

point of considering that viewing as a

volume, edited in July 1961, focused

Kleint. At the center of the journal,

suggested the name “Azimuth,”

In autumn of 1959, it was Mack

true turning point in his own artistic

primarily on the theme nature/

other artists’ texts were included,

which immediately appealed to the

quickly included in the Dynamo 1

who came to Milan to visit his Italian

career.

man/technology and was divided

among whom Totalità nell’arte d’oggi

two editors - authored the cover

exhibit that took place in Wiesbaden

colleague. Manzoni introduced him

The first issue of Zero journal was

into sections, each dedicated to an

(“Totality in art today”) by Castellani

page, and the journal’s logo - a

in July 1959, a crucial event that

to the city’s artistic environment,

published in April 1958, on the

artist and collected photographs of

and Progetti immediati (“Instant

complex design and compositionally

presented different protagonists

organizing a full program of

occasion of seventh evening event

works, texts, portraits and projects;

Projects”) by Manzoni, all of which

elegant – as well as the clean and

in the rising European avant-garde

meetings. In just a few days, Mack

organized by Mack and Piene. The

the first regarding Lucio Fontana.

totaling 216 pages.

simple internal page layout.

exhibition.

collaborated and exhibited11. Thanks to this first meeting, Manzoni was

nell’arte d’oggi (‘Consumption in

Castellani created and how at

Among the foreign contributors are

of manifesto for the group. Joining

and particularly Dadaism, with the

Art Today’), Vincenzo Agnetti’s

that stage, they were still open

Charles Estienne, Zoltan Kemeny,

these are Udo Kultermann’s16 Una

related technical skills – this is

contribution of Francis Picabia and

1°: non commettere atti impuri

to different experiences. Besides

Silvano Lora, Fernando Peña,

nuova concezione di pittura (‘A New

demonstrated by his works, like

Kurt Schwitters; a tribute to Fontana

(‘1st: Don’t Commit Impure Acts’),

works by German artists Mack and

Christian Megert and Carl Laszlo,

Concept of Painting’) and Piene

Tavole di accertamento (‘Tables of

with text by Guido Ballo entitled Oltre

and Bruno Alfieri’s Automatismo,

Piene and by different exponents

the latter contributing the text,

with L’oscurità e la luce (‘Darkness

Assessment’) and the series Linee

la pittura (‘Beyond Painting’);

sperimentalità, circoequestre

of the Dutch group, works by Italian

Avanguardia? (‘Avant-garde?’). Also

and Light’). The presence of texts

(‘Lines’), and by his relation with

an entire page in monochromatic blue

(‘Automatism, Experimentation and

artists such as Franco Angeli,

making the first issue particularly

in Italian, French, English and

Milanese typographer, Antonio

was dedicated to Klein’s contribution;

Equestrian Circus’) are dedicated to

Sergio Dangelo, Piero Dorazio,

interesting are connections

German, in addition to the selection

Maschera – undoubtedly takes a lot

and the reproduction of works by

contemporary debate.

Gillo Dorfles, Gastone Novelli, Giò e

with some representatives of

of published works, consecrated

to this aspect. From the point of view

Neo-Dada artists Jasper Johns and

However, it is from the works

Arnaldo Pomodoro, Mario Rossello

contemporary experimental poetry;

Azimuth not only as an international

of content, the journal seemed to

Robert Rauschenberg.

published in the issue that one

and Mimmo Rotella have been

that is, with the future exponents of

avant-garde journal, but also as

want to show the group’s different

Texts by Gillo Dorfles Communicazione

can have an idea of how vast the

reproduced, obviously in addition

that which would be called Novissimi

the most authoritative voice in that

points of reference: one could find

(‘Communication’) and Consumo

network of contacts Manzoni and

to those by Castellani and Manzoni.

and then Gruppo 63. Poems by Leo

moment to represent the various

Paolazzi’s (then known as Antonio

souls of Zero Group. The journal is

Porta15), who had already written

closely tied to the exhibition

the introductive text for the Galleria

La nuova concezione artistica

Appia Antica’s exhibition catalogue,

(‘The New ArtisticConcept’), third

by Elio Pagliarani and by Nanni

exhibition organized by Castellani

Balestrini are published in the

and Manzoni in their exhibition space.

magazine.

The gallery, found in the basement

Leafing through Azimuth’s second

of a store in the Brera neighborhood,

and final issue (January 1960), it

was called Azimut (like the journal

is extremely clear how the field of

but without the “h” at the end) and

possibilities left open in the first issue

for the brief time in which it was

was reduced here, in order to only

open (from December 1959 to July

give space, with great awareness,

1960), operated a frenetic and

to those experiences that Castellani

forward-looking exhibition17.

and Manzoni felt were truly close by.

In fact, Castellani and Manzoni

The two artists exposed themselves

managed to anticipate many of the

personally with two seminal writings

tendencies of the 1960s. Like the

– Castellani published Continuità e

gallery, the journal published by

nuovo (‘Continuity and New’) and

the two Milanese artists also was

Serata di zero organizzata nell’atelier di mack e piene, gladbacher strasse 69, düsseldorf _ 2 ottobre 1958. In quest’occasione uscirà anche il 2 numero della rivista zero

Manzoni’s Libera dimensione (‘Free

forerunner in trends, not only from

Dimension’) – that became a type

an artistic point of view, but also

a homage to historical avant-garde,

by the press and also had the

Manzoni, who was fascinated

In fact, Azimuth, along with a few other Italian magazines like the Genoan Ana Eccetera (1958-1971, 11 issues) and the Neapolitan Documento sud (1959-1961, 6 issues), opened the way for what would then in the 1960s and 1970s become a common practice in the art world, namely that of the avantgarde magazines: newspapers founded, manages, edited and often printed by the artists themselves. MG

The exhibitions feature the three artists, taking place in the following order: Galleria Pater, Milan; Galleria del Prisma, Milan; Galleria Appia Antica, Rome e Galerie Kasper, Lausanne. 2

On 24 October, the gallery will host the Italian stop of the Zero exhibition that was also viewed in Rotterdam and Antwerp; artwork by Kees van Bohemen, Karl Dahmen, Piero Manzoni, Wim Motz, Ian Pieters, Jan Sanders, Jan Schoonhoven, Emil Schumacher, Shinkichi Tajiri and Jaap Wagemacher will be exhibited. It was Manzoni who favored contact between the Roman gallery and the Dutch artists. 3

The book was made up of eight monochromatic pages and a cover with the title “PMP.” 4 The essay was the added in Attributi dell’arte odierna (“Attributes to Present-day Art”) published by Feltrinelli in the Materiali (“Materials”) series in 1970 and recently reprinted by Le Lettere (Florence, 2008). 5 The fact was witnessed in a letter from Emilio Villa to Piero Manzoni sent from Rome and dated 13 June 1959. 6

The journal’s second and final issue came out in June 1960.

7 In the journal, there are contributions dedicated to Alberto Burri, Seymour Lipton, Robert Motherwell, Joan Mitchell, Kimber Smith, Shamai Haber and Toti Scialoja, accompanied by images of works by Edgardo Mannucci, Enrico Cervelli, Joseph Sima, Lorri Whiting, Francesco Lo Savio, Cy Twombly and Arnaldo Pomodoro. 8

During the same period, Manzoni also contributed to the journal Direzioni (‘Directions’) edited by Mondadori. 9

The events developed in the course of one evening, except in the case of the fifth evening in which the exhibition was left on display for a week.

10 Manzoni stopped at Düsseldorf while traveling

to Rotterdam, where he was for the first exhibition at Kunstkring, in Kassel, when he was going to visit Documentata II.

11 We remember the Zero exhibition inaugurated

at Kunstkring in Rotterdam In July 1959.

12 Contributing to the exhibition in addition

to Manzoni: Pol Bury, Oskar Holweck, Yves Klein, Heinz Mack, AlmirMavignier, Herbert Oehm, Otto Piene, Dieter Rot, Raphael Soto, Daniel Spoerri and Jean Tinguely.

13 Lawrence Alloway, Viva Zero, in Zero,

The Massachusetts institute of Technology, Cambridge 1973, p. ix

14 Attached to the journal was a drawing by Tinguely,created with one of his automatic machines. 15 Porta was perhaps one of those among the

Novissimi who had the closest relationship with Manzoni. The poet, in fact, composed a visual poem the day after the artist’s death entitled “Zero,” which was presented at the Galleria Blu in Milan in October 1963 and was published the following month in linear form in the first issue of the journal, Marcatré. 16 During this period, Kultermann was working on preparations for the exhibition “Monochrome Malerei,” which opened in March 1960 and was entirely dedicated to monochrome painting. 17 Le Linee di Piero Manzoni, 4-21 December

1959; Mostra collettiva (Anceschi, Boriani, Castellani, Colombo, Devecchi, Dadamaino, Manzoni, Mari, Massironi, Zilocchi), 22 December 1959-3 January 1960; La nuova concezione artistica, 4 January-1 February 1960; Enrico Castellani, 5-22 February 1960; Massironi, Moldow, Oehm, Uecker, 23 February-10 March 1960; Heinz Mack, 11-28 March 1960; Almir Mavignier, 5-15 April 1960; Motus, 15 April-2 May1960; Corpi d’aria di Piero Manzoni 3-9 May 1960; Alberti, Sordini, Verga, 11–24 May 1960; Mostra collettiva (Biasi, Breier, Bonalumi, Castellani, Ganci[o], Landi, Mack, Dadamaino, Manzoni, Massironi, Mavignier, Moldow, Pisani, Santini), 25 May-18 July 1960; Mostra collettiva (Biasi, Breier, Castellani, Dadamaino, Landi, Mack, Manzoni, Massironi, Mavignier, Motus, Pisani, Santini) inauguration 24 June 1960; Piero Manzoni, Nutrimenti d’arte, 21 July 1960.

of view.

from a more strictly editorial point

Melania Gazzotti

dalle conseguenze disastrose

scegliere per raccontare la complessa

della Seconda Guerra Mondiale,

e appassionante vicenda del

proponendo all’intero Paese un

Gruppo Azimut c’è senz’altro quella

modello per una rapida ed efficace

di leggerla attraverso uno degli

rinascita economica. L’incalzante

avvenimenti fondamentali che

crescita industriale, commerciale e

hanno segnato la sua breve ma

demografica rende inoltre Milano

intensa stagione: la pubblicazione

un luogo ideale per la realizzazione

dell’omonima rivista. Nel settembre

di progetti architettonici ambiziosi,

del 1959 esce a Milano, a cura di

come la Torre Velasca e il Pirellone,

Enrico Castellani e Piero Manzoni,

e per la consacrazione di una vera e

il primo numero “Azimuth”: l’idea

propria identità del design italiano.

dei due curatori è quella di creare

Sul versante artistico la città offre

da una parte uno spazio di dialogo e

una scena molto viva, animata da

diffusione per le nuove espressioni

figure come Enrico Baj, fondatore

artistiche e dall’altra uno strumento

nel 1950 del Movimento nucleare,

per promuovere il lavoro del gruppo

e Lucio Fontana, che tornando

e metterlo in relazione con le coeve

in Italia dall’Argentina nel 1947

esperienze internazionali.

aveva portato con sé l’idea dello

L’iniziativa prende vita in una

Spazialismo. Lavorano ed espongono

città che si sta proprio in quegli

in città anche numerosi giovani

anni risollevando con successo

artisti, buona parte dei quali alla

Quello che può la carta. Ovvero come leggere Azimut (gruppo) attraverso “Azimuth” (rivista)

Fra le molteplici vie che si possono

bar jamaica negli anni sessanta, via brera, milano

naufraga ancora prima di prendere

dedicato uno scritto a Manzoni4,

una forma definita quando Bonalumi

lo invita insieme a Bonalumi a

decide di proseguire il proprio

collaborare attivamente5 alla rivista

percorso artistico autonomamente.

che da lì a breve pubblicherà: la

I tre espongono insieme una delle

testata avrà lo stesso nome della

ultime volte nell’aprile del 1959 a

galleria. Il primo numero di “Appia

Roma presso la Galleria Appia Antica2.

Antica” esce nel luglio del 19596

Lo spazio è diretto da Emilio Villa,

e rispecchia appieno la visione

personaggio geniale e irregolare:

internazionale dell’arte di Villa7.

poeta, critico, artista, traduttore

Manzoni non manda alcun contributo

(da lingue antiche), Villa è dotato

alla rivista romana, preferendo

di una grande sensibilità e di una

probabilmente conservare le proprie

visione cosmopolita dell’arte che

idee per la realizzazione di un

gli permette di individuare alcuni

progetto editoriale personale, cioè

tra i migliori talenti nel panorama

“Azimuth”. “Appia Antica” rimane

italiano e internazionale. Manzoni

comunque per il gruppo milanese

ha per lui una particolare simpatia

un esempio interessante di rivista

che è testimoniata dal dono di un

d’avanguardia come lo sono anche

libro d’artista dal titolo PMP3, cioè

le coeve “Esperienza moderna”

Lo stesso Manzoni8 nel 1958

Piero Manzoni Pirla, probabilmente

(1957-1959; 4 numeri), fondata

contribuirà attivamente al terzo

un ironico riferimento alle comuni

da Achille Perilli e Gastone Novelli,

numero di quest’ultima, noto anche

origini milanesi. La stima è reciproca,

e “Gesto” (1955-1959; 4 numeri),

per la copertina a buchi disegnata

tanto che Villa, che aveva poco prima

diretta da Enrico Baj e Sergio Dangelo.

da Fontana, prima del suo definitivo

le strade del quartiere Brera dove

e Castellani. La collaborazione tra

alle dominanti istanze informali. Molti

si trovano la maggior parte delle

i due artisti porta inizialmente ad

di questi vedono in Fontana un vero

gallerie, degli studi (tra i quali anche

alcune mostre1, alla quali partecipa

e proprio maestro, capace di indicare

quello di Manzoni) e dei luoghi di

anche Agostino Bonalumi. Insieme

la rivista “Zero” nata a Düsseldorf

loro la strada della sperimentazione,

ritrovo, primo fra tutti il mitico Bar

a lui, Castellani e Manzoni hanno

nell’aprile del 1958 per opera di

e una guida generosa che non

Jamaica, e dove avrà anche luogo

l’idea di realizzare una rivista che

Heinz Mack e Otto Piene è per i

solo li sostiene moralmente, ma li

buona parte della vicenda

supporti il loro lavoro: il titolo

milanesi un importante spunto anche

aiuta anche economicamente con

di “Azimuth”.

prescelto, “Pragma” - cioè “fatto”,

se, come vedremo, i due progetti

l’acquisto di opere. Gli avvenimenti

E’ proprio in questo ambiente

“avvenimento” - vuole sottolineare

che interessano la comunità artistica

infatti che si stringe nei primi mesi

il carattere concreto dell’iniziativa e

milanese si consumano per lo più tra

del 1958 il sodalizio tra Manzoni

dell’operato del gruppo. Il progetto

copertina del terzo numero della rivista il gesto diretta da enrico baj e sergio d’angelo, nota anche per la copertina a buchi disegnata da fontana _ 1958

allontanamento dal Gruppo nucleare. Castellani e Manzoni hanno punti di riferimento anche al fuori dal Paese:

si svilupperanno con modalità manifesto per la mostra bonalumi castellani manzoni, galleria del prisma, milano _ 16 / 28 febbraio 1959

ricerca di vie operative alternative

differenti. Il nome della testata corrisponde a quello scelto dai due

T di Milano e del Gruppo Enne di

Il contatto con l’Italia per il gruppo è

Padova. Nonostante ciò il principale

rappresentato proprio da Manzoni

contatto con l’Italia per Piene e

che nel luglio del 195910 si reca

Mack, ai quali si aggiunge tra il 1961

a Düsseldorf a conoscere Mack

e il 1962 Günther Uecker, rimane

e Piene, favorendo poi anche i

Manzoni, sempre pronto a viaggiare

artisti tedeschi per il proprio gruppo

contatti fra i tedeschi e alcuni

da una parte all’altra dell’Europa per

nel settembre del 1957 al termine

artisti olandesi, sempre riuniti

promuovere il proprio lavoro e quello

della quarta di una serie di serate

sotto il nome di Zero, con i quali lui

dei colleghi, per creare contatti,

organizzate sotto forma di mostra/

aveva già collaborato ed esposto11.

occasioni, collaborazioni o anche

happening9 (esposizioni che durano

Grazie a questo primo incontro,

solo per alimentare momenti di

il tempo di una serata nel corso delle

Manzoni viene tempestivamente

scambio e confronto, a tal punto che

quali si realizzano performance

incluso nella mostra Dynamo 1 che

lo stesso Piene gli dà il soprannome

e conferenze) nate nello studio

si tiene a Wiesbaden nel luglio del

di Mercurio di Zero13. Lucio Fontana

di Piene in Gladbacher Straße a

1959, evento cruciale che presenta

è invece per i due artisti tedeschi un

Düsseldorf.

diversi protagonisti delle nascenti

padre spirituale: Mack si imbatte per

La parola viene scelta in quanto

avanguardie europee12. Il terzo

la prima volta nelle opere del maestro

espressione universale capace

numero della rivista “Zero” fungerà

argentino alla Biennale di Venezia

di rispondere alle ambizioni

da catalogo della mostra.

del 1956 e ne rimane profondamente

transnazionali dell’impresa dei

Nell’autunno del 1959 è Mack a

colpito, al punto da considerare

due artisti, nonché di sintetizzare

recarsi a Milano per visitare il collega

quella visione un vero punto di svolta

in poche lettere la loro ansia di

italiano. Manzoni lo introduce

nel proprio percorso artistico.

superamento delle predominanti

nell’ambiente artistico della città,

Il primo numero della rivista “Zero”

tendenze tachiste e informali in

organizzando un fitto programma di

esce nell’aprile del 1958 e viene

favore di una rigenerazione dell’arte.

incontri: in pochi giorni Mack riesce

pubblicato in occasione della settima

Zero non vuole essere quindi una

a conoscere, oltre ovviamente a

serata organizzata da Mack e Piene.

negazione nichilista, ma al contrario

Castellani, Lucio Fontana, Nanda

Il tema prescelto per la mostra, che

rappresentare una “zona di silenzio”

Vigo, Piero Dorazio, Dadamaino,

raccoglie le opere di numerosi artisti,

nella quale si possono sviluppare

Arnaldo Pomodoro e Francesco Lo

è il monocromo rosso. La rivista,

nuove e infinite possibilità. Queste

Savio. Da questo momento in poi

una pubblicazione esile e realizzata

aspirazioni si riflettono appieno nella

inizia un fittissimo scambio fra il

con mezzi poveri, serve anche da

struttura non programmatica del

Gruppo tedesco e numerosi artisti

catalogo per l’esposizione. Nelle

gruppo, aperta alle contaminazioni,

italiani al quale parteciperanno

poche pagine che costituiscono il

alle collaborazioni e agli scambi con

anche diversi esponenti del Gruppo

primo numero di “Zero” sono raccolti

altre esperienze europee.

Serata di zero organizzata nell’atelier di mack e piene, gladbacher strasse 69, düsseldorf _ 24 aprile 1958

fotografie di opere, testi, ritratti

Schoonhoven, Rainer, Kleint. Al

e progetti: la prima riguarda Lucio

centro della rivista vengono raccolti

Fontana. La scelta vuole essere

altri testi, sempre di artisti, tra i quali

chiaramente un omaggio alla

Totalità nell’arte d’oggi di Castellani e

guida morale del movimento e una

Progetti immediati di Manzoni, il tutto

dichiarazione del grande debito che

per un totale di ben 216 pagine.

molti artisti del gruppo sentono nei

Quando nel settembre del 1959 esce

saggi di critici e dichiarazioni di artisti,

è però senza dubbio il terzo e ultimo,

sui confronti. Viene poi presentato

“Azimuth”14 Castellani e Manzoni

senza alcuna immagine a corredo.

non solo per i contenuti - vi sono

Yves Klein altra figura emblematica

hanno avuto l’opportunità di sfogliare

La struttura si ripete nella seconda

presentate molte immagini e diversi

per lo sviluppo del gruppo Zero. La

solo il primo numero di “Zero”.

uscita dell’ottobre del 1958, con

testi - ma anche per l’impostazione

sua sezione contiene due interventi

Mettendo a confronto la veste grafica

l’aggiunta di alcune riproduzioni di

grafica che si lascia andare a

a mano: una pagina strappata e

e i contenuti delle due riviste appare

opere; in quest’occasione la rivista

sperimentazioni particolarmente

una bruciata. Seguono Tinguely,

subito chiaro come la pubblicazione

è legata all’ottava serata del gruppo

interessanti all’inizio e alla fine della

Piene, Mack, Arman, Soto, Dorazio,

dei milanesi nasca fin da subito con

nella quale viene proposta una

pubblicazione. Il volume, edito nel

Castellani, Manzoni, Spoerri,

propositi molto più ambizioni e con

mostra di cinque artisti (Holweck,

luglio del 1961, verte principalmente

Uecker, Rot, Holweck, Bury, Adrian,

una maggiore consapevolezza del

Mack, Mavignier, Piene e Zillmann) sul

sul tema natura/uomo/tecnologia

Pomodoro, Lo Savio, Mavinger,

media prescelto. “Azimuth” è infatti

tema della vibrazione.

ed è suddiviso in sezioni: ognuna

Salentin, Van Hoeydonck, Moldow,

dal primo numero graficamente

Il numero più interessante di “Zero”

è dedicata a un artista e raccoglie

Pohl, Kage, Aubertin, Peeters,

molto curata. Castellani e Manzoni coinvolgono nel progetto il graphic designer Cecco Re, che all’epoca

di accertamento e la serie delle Linee

monocroma blu, e la riproduzione di

lavora nello studio di Max Huber.

e la frequentazione della tipografia

opere degli artisti Neo-Dada Jasper

Re, che suggerisce anche il nome

milanese di Antonio Maschera - tiene

Johns e Robert Rauschenberg.

“Azimuth” che piace immediatamente

senz’altro molto a questo aspetto.

Al dibattito contemporaneo sono

ai due redattori, è l’autore sia della

Dal punto di vista dei contenuti la

dedicati i testi di Gillo Dorfles

copertina, interamente occupata

rivista sembra voler mostrare i punti

“Comunicazione” e “consumo”

dal logo della testata, un disegno

di riferimento del gruppo: vi si trova

nell’arte d’oggi, di Vincenzo Agnetti

complesso e di grande eleganza

un omaggio alle avanguardie storiche

1°: non commettere atti impuri

compositiva, sia dell’impaginazione

e in particolare al Dadaismo con la

e di Bruno Alfieri Automatismo,

interna molto pulita e sobria.

presenza di Francis Picabia e Kurt

sperimentalità, circo equestre.

Manzoni, che subisce il fascino della

Schwitters, un tributo a Fontana

E’ tuttavia dalle opere riprodotte che

stampa e ha anche delle conoscenze

con il testo di Guido Ballo, intitolato

si può avere un’idea dell’ampiezza

tecniche a riguardo - ne sono una

Oltre la pittura, la presenza di Klein,

della rete di contatti che Manzoni e

dimostrazione lavori come le Tavole

al quale è dedicata un’intera pagina

Castellani sono riusciti a intessere e

piero manzoni mentre realizza una delle sue linee

di come in questa fase siano ancora

il campo delle possibilità lasciato

luglio 1960) un’attività espositiva17

aperti a esperienze differenti. Oltre

aperto nella prima uscita qui si

frenetica e lungimirante: Castellani e

ai lavori dei tedeschi Mack e Piene

restringa, per dare unicamente

Manzoni riusciranno infatti a cogliere

e di diversi esponenti del gruppo

spazio, con grande consapevolezza,

molti di quelli che saranno poi gli

olandese sono riprodotte opere degli

a quelle esperienze che Castellani

indirizzi dei successivi anni Sessanta.

italiani Franco Angeli, Sergio Dangelo,

e Manzoni sentono realmente

Come la galleria anche la rivista

Piero Dorazio, Gillo Dorfles, Gastone

vicine. I due artisti si espongono

edita dai due artisti milanesi è stata

Novelli, Giò e Arnaldo Pomodoro,

personalmente con due scritti

anticipatrice di tendenze non solo dal

Mario Rossello e Mimmo Rotella, oltre

seminali - Castellani pubblica

punto di vista artistico, ma anche più

ovviamente a quelle di Castellani e

Continuità e nuovo e Manzoni Libera

strettamente da quello editoriale.

Manzoni. Tra le presenze straniere vi

dimensione - che fanno diventare la

“Azimuth” infatti, insieme a poche

sono anche Charles Estienne e Zoltan

pubblicazione una sorta di manifesto

altre testate italiane come la

Kemeny, Silvano Lora e Fernando

del gruppo. A questi si uniscono

genovese “Ana Eccetera” (1958-

Peña, Christian Megert e Carl Laszlo,

Udo Kultermann16 con Una nuova

1971, 11 numeri) e la napoletana

quest’ultimo partecipa con il testo

concezione di pittura e Piene con

“Documento sud” (1959-1961,

“Avanguardia?”.

L’oscurità e la luce. La presenza di

6 numeri), ha aperto la strada verso

A rendere particolarmente

testi in italiano, francese, inglese e

quella che poi negli anni Sessanta

interessante l’esperienza del

tedesco, oltre alla scelta delle opere

e Settanta sarebbe diventata una

primo numero di “Azimuth” sono

pubblicate, consacra “Azimuth” non

pratica molto diffusa nel mondo

anche le sue connessioni con

solo come una rivista d’avanguardia

dell’arte: cioè quella delle riviste

alcuni rappresentati della poesia

internazionale ma anche come la

d’avanguardia: giornali fondati,

sperimentale coeva, cioè con i

voce in quel momento più autorevole

diretti, redatti e spesso anche

futuri esponenti di quello che sarà

per rappresentare le varie anime

stampati dagli stessi artisti.

chiamato Gruppo dei Novissimi e poi

del Gruppo Zero. La rivista è

ancora Gruppo 63. Sono pubblicate

legata strettamente alla mostra

nella rivista poesie di Leo Paolazzi

La nuova concezione artistica,

(poi conosciuto come Antonio

terza esposizione organizzata da

Le mostre che vedono protagonisti i tre artisti si svolgono in ordine presso: Galleria Pater, Milano; Galleria del Prisma, Milano; Galleria Appia Antica, Roma e Galerie Kasper, Losanna.

12 Partecipano alla mostra oltre a Manzoni:

13 Lawrence Alloway, Viva Zero, in Zero,

Il 24 ottobre la galleria ospita la tappa italiana della mostra Zero che ha luogo anche a Rotterdam e ad Anversa; vengono esposte opere di Kees van Bohemen, Karl Dahmen, Piero Manzoni, Wim Motz, Ian Pieters, Jan Sanders, Jan Schoonhoven, Emil Schumacher, Shinkichi Tajiri e Jaap Wagemacher. E’ Manzoni che favorisce i contatti fra la galleria romana e gli artisti olandesi. 3 Il libro è costituito da otto fogli monocromi e da una copertina con l’intestazione PMP. 4 Il saggio sarà poi inserito in Attributi dell’arte odierna pubblicato da Feltrinelli nella collana Materiali nel 1970 e recentemente ridato alla stampa dall’editore Le Lettere (Firenze, 2008). 5

Il fatto è testimoniato da una lettera di Emilio Villa a Piero Manzoni inviata da Roma e datata 13 giugno 1959.

Il secondo e ultimo numero della rivista esce nel giugno del 1960.

7 Nella rivista sono raccolti interventi dedicati a Alberto Burri, Seymour Lipton, Robert Motherwell, Joan Mitchell, Kimber Smith, Shamai Haber e Toti Scialoja, accompagnati da immagini di opere di Edgardo Mannucci, Enrico Cervelli, Joseph Sima, Lorri Whiting, Francesco Lo Savio, Cy Twombly e Arnaldo Pomodoro. 8

Nello stesso periodo Manzoni partecipa anche alla rivista “Direzioni” edita da Mondadori.

Gli eventi si sviluppavano nel corso di un’unica serata, tranne che nel caso della quinta serata in cui la mostra viene lasciata in esposizione per una settimana.

Castellani e Manzoni nel loro spazio espositivo. La galleria, che si trova

mostra alla galleria Appia Antica, di

nel seminterrato di un negozio in

Elio Pagliarani e di Nanni Balestrini.

zona Brera, si chiama Azimut (come

10 Manzoni si ferma a Düsseldorf mentre sta viaggiando da Rotterdam, dove era stato per la mostra al Kunstkring, a Kassel, dove si sta recando per visitare Documenta II.

Sfogliando il secondo e ultimo

la rivista ma senza la h finale) e avrà

numero di “Azimuth” (gennaio 1960)

nel breve periodo nel quale che sarà

11 Ricordiamo la mostra Zero inaugurata al

appare con estrema chiarezza come

operativa (dal dicembre del 1959 al

Kunstkring di Rotterdam nel luglio del 1959.

Porta15), che aveva già scritto il testo introduttivo per il catalogo della

Pol Bury, Oskar Holweck, Yves Klein, Heinz Mack, Almir Mavignier, Herbert Oehm, Otto Piene, Dieter Rot, Raphael Soto, Daniel Spoerri e Jean Tinguely.

The Massachusetts institute of Technology, Cambridge 1973, p. ix

14 Allegato alla rivista c’è un disegno di Tinguely eseguito con una delle sue macchine automatiche. 15 Porta è forse quello fra i Novissimi che ha un legame più stretto con Manzoni. Il poeta compone infatti l’indomani della scomparsa dell’artista un poemetto visivo intitolato Zero, che viene presentato alla Galleria Blu di Milano nell’ottobre del 1963 e pubblicato il mese seguente, in forma lineare, sul primo numero della rivista “Marcatré”. 16 In questo periodo Kultermann, sta lavorando alla preparazione della mostra Monochrome Malerei, che aprirà nel marzo 1960 e sarà interamente dedicata alla pittura monocroma. 17 Le Linee di Piero Manzoni, 4-21 dicembre 1959; Mostra collettiva (Anceschi, Boriani, Castellani, Colombo, Devecchi, Dadamaino, Manzoni, Mari, Massironi, Zilocchi), 22 dicembre 1959-3 gennaio 1960; La nuova concezione artistica, 4 gennaio1 febbraio 1960; Enrico Castellani, 5-22 febbraio 1960; Massironi, Moldow, Oehm, Uecker, 23 febbraio-10 marzo 1960; Heinz Mack, 11-28 marzo 1960; Almir Mavignier, 5-15 aprile 1960; Motus, 15 aprile-2 maggio 1960; Corpi d’aria di Piero Manzoni 3-9 maggio 1960; Alberti, Sordini, Verga, 11–24 maggio 1960; Mostra collettiva (Biasi, Breier, Bonalumi, Castellani, Ganci[o], Landi, Mack, Dadamaino, Manzoni, Massironi, Mavignier, Moldow, Pisani, Santini), 25 maggio-18 luglio 1960; Mostra collettiva (Biasi, Breier, Castellani, Dadamaino, Landi, Mack, Manzoni, Massironi, Mavignier, Motus, Pisani, Santini) inaugurazione 24 giugno 1960; Piero Manzoni, Nutrimenti d’arte, 21 luglio 1960.

enrico baj, lucio fontana, piero manzoni con elio mainini, proprietario del bar jamaica, milano, 1960

Melania Gazzotti

idealen Ort für die Verwirklichung

die man wählen kann, um die

anspruchsvoller Architekturprojekte,

komplexe und spannende Geschichte

wie z. B. den Pirelli-Turm und den

der Azimut-Gruppe zu erzählen,

Torre Velasca und für die Weihe

ist es sicherlich am besten, sie

einer wirklichen und eigenen

im Zusammenhang einer der

Identität des italienischen Designs.

wichtigsten Ereignisse zu lesen, die

Künstlerisch gesehen, bot die

ihr kurzes, aber intensives Bestehen

Stadt eine lebhafte Szene, die von

geprägt haben: die Veröffentlichung

Persönlichkeiten wie Enrico Baj, dem

der gleichnamigen Zeitschrift.

Gründer der Atomkraft-Bewegung

Im September 1959 erschien in

im Jahre 1950 und Lucio Fontana,

Mailand die von Enrico Castellani

der 1947 aus Argentinien nach

und Piero Manzoni kuratierte

Italien zurückgekehrt die Idee des

Erstausgabe von „Azimuth“: Die

Spatialismus aufbrachte, inspiriert

Idee der beiden Kuratoren war,

wurde. Auch zahlreiche junge

einerseits einen Raum des Dialogs

Künstler, von denen die meisten auf

und der Verbreitung für neue

der Suche nach alternativen Wegen

künstlerische Ausdrucksformen

zu den dominanten informellen

zu schaffen und andererseits ein

Instanzen waren, arbeiteten in der

Instrument zur Förderung der Arbeit

Stadt und stellten ihre Werke aus.

der Gruppe und diese in Relation zu zeitgenössischen, internationalen

Viele von ihnen sahen in Fontana

Erfahrungen zu bringen.

einen wahren Meister, der in der

Die Initiative wurde in einer Stadt

Lage war, ihnen den Pfad des

zum Leben erweckt, die genau

Experimentierens zu weisen und

in jenen Jahren erfolgreich die

ihnen dank einer großzügigen

katastrophalen Folgen des Zweiten

Anleitung nicht nur moralisch,

Weltkriegs überwunden hatte und

sondern auch wirtschaftlich

für das gesamte Land zum Modell

Unterstützung bot und dabei half,

für einen schnellen und effizienten

ihre Werke zu verkaufen.

wirtschaftlichen Aufschwung wurde.

Die Events, welche die Mailänder-

Das expandierende industrielle,

Kunst-Gemeinschaft vor allem in

demografische und wirtschaftliche

den Straßen des Brera-Viertels

Wachstum machte Mailand zu einem

veranstaltete, wo sich die meisten

Was Papier vermag Oder wie man Azimut (Gruppe) über „Azimuth“ (Zeitschrift) liest.

Unter den vielen Möglichkeiten,

Zeitschrift mitzuarbeiten, die kurz

eine große Sensibilität und eine

darauf veröffentlicht wurde: Der

kosmopolitische Sichtweise der

Titel sollte den gleichen Namen

Kunst gegeben, die Villa ermöglichte,

wie die Galerie tragen. Die erste

einige der größten italienischen

Ausgabe von „Appia Antica“ erschien

und internationalen Talente zu

im Juli 19596 und spiegelte die

entdecken. Manzoni hegte für

internationale Vision Villas7 von der

ihn eine besondere Sympathie,

Kunst vollkommen wider. Manzoni

die sich darin zeiget, dass er ihm

steuerte dem römischen Magazin

ein Kunstbuch mit dem Titel

keinen einzigen Beitrag bei, da er es

PMP3, also Piero Manzoni Pirla,

wahrscheinlich vorzog, seine eigenen

schenkte, wahrscheinlich sollte

Ideen für die Verwirklichung eines

dies eine ironische Bezugnahme

persönlichen redaktionellen Projekts,

auf Kommunen mit Mailänder

nämlich „Azimut“ zurückzuhalten.

Ursprung sein. Die Wertschätzung

„Appia Antica blieb jedenfalls für die Mailänder Gruppe ein interessantes Beispiel einer avantgardistischen

Galerien, Ateliers (einschließlich

zur Unterstützung ihrer Arbeit zu

hatte und ihn zusammen mit

Zeitschrift, ebenso wie das

eines von Manzoni) befanden und

gründen: Der in den Vorab gewählten

Bonalumi einlud, aktiv5 an der

zeitgenössische Magazin „Esperienza

Veranstaltungsorte, darunter

Titel Pragma – d.h. zielorientiert“,

vor allen anderen die mythischen

Event“ - sollte die Initiative und Arbeit

moderna“ (1957-1959); 4 Zahlen),

Mack und Otto Piene im April 1958

Bar-Jamaika, in der sich auch ein

der Gruppe unterstreichen. Das

gegründet von Achille Perilli Gastone

in Düsseldorf gegründet und

großer Teil der „Azimut“ Geschichte

Projekt erlitt Schiffbruch, noch bevor

Novelli und „Gesto“ (1955-1959;

für die Mailänder ein wichtiger

abspielte.

es eine definitive Form annahm,

4 Zahlen), unter der Regie von Enrico

Anfang, auch wenn, wie wir sehen

Es ist genau dieses Ambiente, in

sodass Bonalumi sich entschloss,

Baj und Sergio Dangelo.

werden, die beiden Projekte sich

dem sich in den ersten Monaten des

seinen künstlerischen Werdegang

Der gleiche Manzoni8 arbeitete vor

unter verschiedenen Bedingungen

Jahres 1958 die Bindung zwischen

individuell zu verfolgen. Im April

seiner endgültigen Abkehr von der

entwickelten.

Manzoni und Castellani festigte.

1959 stellen die Drei ein letztes Mal

Kerngruppe aktiv an der dritten

Die Titelzeile entspricht dem, was

Die Zusammenarbeit zwischen den

in der Galerie Appia Antica2 in Rom

Ausgabe von Letzterer mit, die auch

die beiden deutschen Künstler im

beiden Künstlern führte zunächst

aus. Die Räumlichkeiten wurden

wegen ihres gelöcherten Einbands

September 1957 am Ende des 4.

zu einigen Ausstellungen1, an denen

von Emilio Villa, einer ebenso

bekannt war, einem Design Fontanas.

Abends einer Serie von organisierten

auch Agostino Bonalumi mitwirkte.

genialen wie außergewöhnlichen

Castellani und Manzoni hatten auch

Abenden in Form eines Happening/

Mit ihm zusammen hatten Castellani

Persönlichkeit verwaltet: Dem

außerhalb des Landes Bezugspunkte:

einer Ausstellung9 (Ausstellungen,

und Manzoni die Idee, eine Zeitschrift

Poeten, Kritiker, Künstler, Übersetzer

Die Zeitschrift „Zero“, von Heinz

die einen Abend lang dauern und

war gegenseitige, da Villa Manzoni4 kurz zuvor einen Aufsatz gewidmet

manifesto per la mostra bonalumi castellani manzoni, occasione in cui i tre artisti espongono insieme una delle ultime volte. galleria appia antica, roma _ 3 / 15 aprile 1959

(für altertümliche Sprachen) war

primo numero della rivista zero, fondata da heinz mack e otto piene a düsseldorf _ aprile 1958

und anderen europäischen

fungierte als Ausstellungskatalog.

Künstler ein geistiger Vater: Bei der

Gespräche stattfinden) für ihre

Erfahrungen aufgeschlossen war.

Im Herbst 1959 war es Mack,

Biennale 1956 in Venedig stieß Mack

eigene Gruppe gewählt hatten.

Der Kontakt zur italienischen

der sich nach Mailand begab, um

zum ersten Mal auf die Werke des

Das Wort wurde gewählt, da es ein

Gruppe wurde tatsächlich von

den italienischen Kollegen zu

argentinischen Meisters und verblieb

universaler Ausdruck war, der den

Manzoni aufrechterhalten, der

besuchen. Manzoni führte ihn in

derart tief beeindruckt, dass er diese

transnationalen Unternehmungen

sich im Juli 195910 nach Düsseldorf

den Künstlerkreis der Stadt ein,

Vision als einen wahren Wendepunkt

der beiden Künstler entsprach

begabt, wo er Mack und Piene

indem er eine Vielzahl von Treffen

in seiner künstlerischen Entwicklung

und mit wenigen Buchstaben

kennenlernt und auch Kontakte

organisierte: In wenigen Tagen lernte

empfand.

ihre Angst ausdrückte, dass die

zwischen den deutschen und

Mack neben Castellani auch Lucio

Die erste Ausgabe der Zeitschrift

vorherrschenden tachistischen

einigen niederländischen Künstlern

Fontana, Nanda Vigo, Piero Dorazio,

„Zero“ erschien im April 1958 und

und informellen Tendenzen zu

förderte, immer vereint unter

Dadamaino, Arnaldo Pomodoro

wurde anlässlich des siebten von

Gunsten einer Regeneration

dem Namen Zero, mit denen er

und Francesco Lo Savio kennen.

Mack und Piene organisierten Abende

der Kunst Überhand gewinnen

bereits zusammengearbeitet und

Von diesem Moment an begann

publiziert. Das für die Ausstellung

könnten. Zero wollte demnach

ausgestellt hatte11. Dank dieses

ein reger Austausch zwischen der

gewählte Thema, in der die Werke

keine nihilistische Verneinung,

ersten Treffens, wurde Manzoni

deutschen Gruppe und einer Vielzahl

zahlreicher Künstler vereint waren,

sondern ganz im Gegenteil eine

umgehend in der Ausstellung

italienischer Künstler, an dem auch

war das monochrome Rot. Die

„Zone der Stille“, in der sich neue und

Dynamo 1 aufgenommen, die in

verschiedene Exponenten der Gruppe

Zeitschrift, eine mit wenigen Mitteln

unendliche Möglichkeiten entwickeln

Wiesbaden im Juli 1959 stattfand

T aus Mailand und der Gruppe Enne

verwirklichte, dünne Ausgabe, diente

könnten. Diese Bestrebungen

und ein entscheidendes Ereignis

aus Padua teilnahmen. Dennoch blieb

der Ausstellung auch als Katalog.

spiegelten sich vollständig in der

war, aus dem mehrere Protagonisten

für Piene und Mack der Hauptkontakt

Die wenigen Seiten der ersten

nicht programmatischen Struktur

der entstehenden europäischen

in Italien Manzoni, zu dem zwischen

Ausgabe der „Zero“ bestanden aus

Ohne Zweifel ist jedoch die

Jedem Künstler wurde ein Abschnitt

der Gruppe wieder, die gegenüber

Avantgarde hervorgingen12. Die

1961 und 1962 Günther Uecker

einer Sammlung kritischer Essays

interessanteste Ausgabe der „Zero“

gewidmet und beinhaltete Fotos von

Kontaminationen, Kooperationen

dritte Ausgabe der Zeitschrift „Zero“

hinzukam, immer bereit, von einem

und Stellungsnahmen der Künstler,

die dritte und letzte, nicht nur wegen

Werken, Texte, Porträts und Projekte:

Teil Europas zum anderen zu reisen,

ohne irgendwelche Bilder. Die zweite

der dort dargestellten Inhalte – es

Im ersten Abschnitt geht es um

um seine eigenen Arbeiten und die

Ausgabe vom Oktober 1958 bedient

wurden viele Bilder und verschiedene

Lucio Fontana.

Werke von Kollegen zu fördern, um

sich der gleichen Struktur mit einigen

Texte gezeigt – sondern auch wegen

Die Wahl ist eindeutig eine Hommage

Kontakte zu erstellen, Chancen zu

hinzugefügten Reproduktionen

der experimentellen, grafischen

an die moralische Führung der

ergreifen und Kollaborationen zu

von Werken. Die Zeitschrift widmet

Darstellungen, die besonders am

Bewegung und eine Feststellung des

vereinbaren oder auch nur, um sich

sich dieses Mal dem achten Abend

Anfang und Ende der Ausgabe

großen Defizits, das viele Künstler

auszutauschen und zu vergleichen,

der Gruppe, bei dem das Thema

sehr interessant sind. Die im Juli

der Gruppe im Vergleich mit ihm

in einem solchen Maße, dass Piene

Vibration im Zusammenhang mit

1961 veröffentlichte Ausgabe

fühlten.

ihm den Spitznamen „Merkur von

einer Ausstellung von fünf Künstlern

konzentrierte sich hauptsächlich auf

Danach wurde Yves Kleins anderes

Zero13 verlieh. Lucio Fontana war

(Holweck, Mack, Mavignier, Piene e

das Thema Mensch/Natur/Technik

Sinnbild für die Entwicklung der

stattdessen für die beiden deutschen

Zillmann) behandelt wurde.

und ist in Abschnitte unterteilt:

Zero-Gruppe vorgestellt.

dynamo 1, galerie renate boukes, wiesbaden _ 10 luglio / 7 agosto 1959

während derer Vorstellungen und

und der Vervielfältigung von Werken

den Grafik-Designer Cecco Re,

der Neo-Dada-Künstler Jasper Johns

eine verbrannte Seite.

der damals im Atelier von Max

und Robert Rauschenberg.

Es folgen Tinguely, Full, Mack, Arman,

Huber arbeitete. Re, von dem

Soto, Dorazio, Manzoni, Castellani,

auch der Vorschlag für den Namen

Der Debatte sind die Texte

Spoerri, Uecker, Rot, Holweck, Bury,

„Azimuth“ stammte, der den beiden

„Comunicazione“ (Kommunikation)

Adrian, Tomate, Lo Savio, Mavinger,

Redakteuren sofort gefiel, ist der

von Gillo Dorfles und „Consumo

Salentin, Van Hoeydonck, Moldow,

Autor der Titelseite, die gänzlich

nell´arte d´oggi“ (Konsum in der

Pohl, Kage, Aubertin, Peeters,

vom Logo eingenommen wird, ein

Kunst der Gegenwart) von Vincenzo

Schoonhoven, Rainer, Kleint.

komplexes Design mit eleganter

Agnetti 1°gewidmet:

Komposition, das auch in seiner

Non commettere atti impuri

In der Mitte der Zeitschrift gibt es

internen Paginierung sauber und

(Du sollst nicht ehebrechen)

eine Sammlung weiterer Texte, zu

nüchtern wirkt. Manzoni, der der

von Bruno Alfieri Automatismo,

Unter den ausländischen

denen auf insgesamt 216 Seiten

Faszination des Druckens erlag und

sperimentalità, circo equestre

Künstlern befanden sich auch

Totalità nell‘arte d‘oggi (Ganzheit in

in dieser Hinsicht über technische

(Automatismus, Experimente,

Charles Estienne und Carl Laszlo,

der heutigen Kunst) von Castellani

Kenntnisse verfügte - wie seine

Zirkus).

Zoltan Kemeny, Silvano Lora und

und Progetti immediati (Sofortige

Arbeiten Tavole di accertamento und

Über die gesamte Bandbreite des

Fernando Peña, Christian Megert,

Projekte) von Manzoni gehören.

die Serie der Linien und die Besuche

Kontakt-Netzwerks, das Manzoni

und Carl Laszlo, Letzterer beteiligte

Als im September 1959 „Azimuth“14

in der Mailänder Druckerei von

und Castellani, die in dieser Phase

sich mit dem Text „Avanguardia?“

erschien, hatten Castellani und

Antonio Maschera deutlich machen –

verschiedenen Erfahrungen

(Avantgarde?). Um die erste

Mazoni nur die Gelegenheit

gefiel dieser Aspekt natürlich.

noch offen gegenüberstanden,

Ausgabe der „Azimut“ besonders

gehabt, die erste „Zero“ Ausgabe

Unter dem Gesichtspunkt des

aufbauen konnten, erhält man

interessant zu gestalten, gab es auch

durchzublättern. Durch den

Inhalts schien das Magazin auf

durch die reproduzierten Werke eine

Verbindungen mit experimenteller

Vergleich der Grafiken und des

die Bezugspunkte der Gruppe zu

Vorstellung. Neben den Werken

zeitgenössischer Dichtung, d.h.

Inhalts der beiden Magazine wurd

verweisen:

der Deutschen Mack und Piene

mit den künftigen Mitgliedern der

schnell deutlich, dass die Mailänder

Es war eine Hommage an die

und mehreren Mitgliedern der

Gruppe, die später als Gruppo die

Publikation von Anfang an mit

historischen Avantgarde und

niederländischen Gruppe gab es

Novissimi (Gruppe der Neuen) und

weit ehrgeizigeren Absichten und

besonders an den Dadaismus mit

reproduzierte Werke der Italiener

dann noch als Gruppe 63 bezeichnet

einem größeren Bewusstsein für

Francis Picabia und Kurt Schwitters,

Franco Angeli, Sergio Dangelo,

wurde. In der Zeitschrift wurden

die ausgewählten Medien erstellt

eine Hommage an Fontana mit Text

Piero Dorazio, Gillo Dorfles, Gastone

Dichtungen von Leo Paolazzi

worden war.

von Guido Ballo, mit dem Titel Oltre

Novelli, Giò und Arnaldo Pomodoro,

(später bekannt als Antonio Porta15)

„Azimuth“ wies in der Tat ab der

la pittura (mehr als Malerei), die

Mario Rossello und Mimmo Rotella,

veröffentlicht, der zuvor bereits den

ersten Ausgabe ein sehr präzises

Präsenz von Klein, dem eine ganze

ebenso wie Werke von Castellani und

einleitenden Text für den Katalog

Design auf. Für das Projekt

Seite monochrom blau gewidmet ist,

Manzoni.

der Ausstellung in der Galerie Appia 55

beauftragen Castellani und Manzoni

Interventionen: Eine zerrissene und

Sein Abschnitt enthält zwei manuelle

Antica von Elio Pagliarani und Nanni

tatsächlich nahe fühlten.

das h am Ende), konnte in der kurzen

Balestrini geschrieben hatte.

Die beiden Künstler setzten sich

Zeit, die sie geöffnet war (von

Beim Durchblättern der zweiten

persönlich mit zwei wegweisenden

Dezember 1959 bis Juli 1960) eine

und letzten Ausgabe von „Azimuth“

Schriften ein - Castellani

rasante und zukunftsorientierte

(Januar 1960) wird sehr deutlich, wie

veröffentlichte Continuità e

Ausstellungstätigkeit vorweisen17.

der Bereich der Möglichkeiten, der in

nuovo (Kontinuität ist neu) und

Es gelang Castellani und Manzoni

der ersten Ausgabe offengelassen

Manzoni Libera dimensione

in der Tat viele der Adressen zu

wurde, hier reduziert wurde, um

(freie Abmessung) – die aus der

nutzen, die in den nachfolgenden

mit großer Bewusstheit lediglich

Publikation eine Art Manifest der

sechziger Jahren wichtig waren.

den Erfahrungen Raum zu geben,

Gruppe machten. Hinzugefügt

Wie die Galerie, so war auch die von

denen sich Castellani und Manzoni

wurde Udo Kultermann16 mit Una

den beiden Mailänder Künstlern

nuova concezione di pittura (einem

veröffentlichte Zeitschrift nicht nur

neuen Konzept der Malerei) und

aus künstlerischer, sondern auch aus

Piene con L‘oscurità e la luce (Piene

redaktioneller Sicht tendenziell einen

mit der Dunkelheit und dem Licht).

Schritt voraus.

Das Vorhandensein von Texten in

„Azimuth“ hat in der Tat, zusammen

Italienisch, Französisch, Englisch

mit wenigen anderen Zeitschriften,

und Deutsch, zusätzlich zu der

wie z. B. „Ana Eccetera“ aus Genua

Auswahl der veröffentlichten

(1958 -1971, 11 Ausgaben) und das

Werke, macht „Azimuth“ nicht nur zu

Magazin „Documento sud“ (159-

einer wegweisende internationale

1961, 6 Ausgaben) aus Neapel,

Zeitschrift, sondern auch zur

den Weg für das geebnet, was

autoritären Stimme, um zu diesem

später in den 60er und 70er Jahren

Zeitpunkt die verschiedenen Seelen

eine weit verbreitete Praxis in der

der Zero-Gruppe zu vertreten. Die

Kunstwelt werden sollte, nämlich die

Zeitschrift ist eng mit der dritten

avantgardistische Zeitschrift: Direkt

Ausstellung La nuova concezione

gegründete Zeitungen, oft direkt von

artistica (Das neue künstlerische

den gleichen Künstlern bearbeitet

Konzept) von Castellani und

und gedruckt.

Manzoni in ihrem Ausstellungsraum

verbunden. Die Galerie, die sich im Untergeschoss eines Geschäfts im

hieß, (wie die Zeitschrift, aber ohne

Am 24. Oktober fand in der Galerie den italienischen Teil der Ausstellung statt, die auch in Rotterdam und Antwerpen gezeigt wurde; Es wurden Werke von Kees van Bohemen, Karl Dahmen, Piero Manzoni, Wim Motz, Ian Pieters, Jan Sanders, Jan Schoonhoven, Emil Schumacher, Shinkichi Tajiri und Jaap Wagemacher gezeigt. Und es war Manzoni, der die Kontakte zwischen der römischen Galerie und den niederländischer Künstler förderte.

3 Das Buch bestand aus acht einfarbigen Blättern und einem Deckblatt mit dem PMP-Header. 4

Das Schriftstück wurde anschließend im Jahr 1970 von Feltrinelli in Attributi dell’arte odierna veröffentlicht und vor kurzem an den Verlag Le Lettere (Florenz, 2008) zum Drucken zurückgegeben. 5

Die Tatsache wird durch einen Brief belegt, der von Emilio Villa am 13. Juni 1959 aus Rom an Piero Manzoni geschickt wurde.

Die zweite und letzte Ausgabe der Zeitschrift erschien im Juni 1960.

7 In der Zeitschrift sind Arbeitsprojekte zu sehen, die Alberto Burri, Seymour Lipton, Robert Motherwell, Joan Mitchell, Kimber Smith, Shamai Haber und Toti Scialoja gewidmet sind, begleitet von Bildern von Edgardo Mannucci, Enrico Cervelli, Joseph Sima, Lorri Whiting, Francesco Lo Savio, Cy Twombly und Arnaldo Pomodoro. 8

Gleichzeitig beteiligte sich Manzoni auch an der Zeitschrift “Direzioni” die von Mondadori herausgegeben wurde. 9

Die Events fanden im Laufe eines einzigen Abends statt, außer im Falle des fünften Abends, ab dem die Ausstellung eine Woche lang gezeigt wurde.

10 Manzoni verweilte in Düsseldorf nachdem er aus Rotterdam, wo er sich auf dem Weg zur Documenta II wegen der Ausstellung al Kunstkring in Kassel aufgehalten hatte.

11 Wir erinnern uns an die Ausstellung Zero,

die im Juli 1959 in „al Kunstkring“ in Rotterdam eröffnet wurde

12 An der Ausstellung nahmen außer Manzoni

folgende Künstler teil: Pol Bury, Oskar Holweck, Yves Klein, Heinz Mack, Almir Mavignier, Herbert Oehm, Otto Piene, Dieter Rot, Raphael Soto, Daniel Spoerri und Jean Tinguely.

13 Lawrence Alloway, Viva Zero, in Zero,

secondo numero della rivista azimuth pubblicata in occasione della mostra la nuova concezione artistica presso la galleria azimut, milano _ gennaio 1960

The Massachusetts institute of Technology, Cambridge 1973, p. ix

Viertel Brera befand und die Azimut

1 Die Ausstellung, bei denen die drei Künstler Protagonisten sind, finden an nachfolgenden Orten in dieser Reihenfolge statt: Galerie Pater, Mailand; Galerie del Prisma, Mailand; Galerie Appia Antica, Rom und Galerie Kasper, Lausanne.

14 Anhängend an der Zeitschrift ist eine Zeichnung, die Tinguely mit einer seiner automatischen Maschinen angefertigt hat. 15 Porta ist vielleicht einer unter den „Novissimi“,

der eine engere Verbindung mit Manzoni hatte. Der Dichter schrieb in der Tat nach dem Verschwinden des Künstlers ein visuelles Gedicht mit dem Titel Zero, das im Oktober 1963 in der Mailänder Galerie Blu vorgestellt und einen Monat später in linearer Form in der Erstausgabe der Zeitschrift „Marcatré“ veröffentlicht wurde.

16 Während dieser Zeit arbeitete Kultermann an der Vorbereitung der Ausstellung Monochrome Malerei, die im März 1960 eröffnet wurde und vollständig der monochromen Malerei gewidmet war. 17 Le Linee von Piero Manzoni, 4.-21. Dezember

1959; Gruppenausstellung (Anceschi, Boriani, Castellani, Colombo, Devecchi, Dadamaino, Manzoni, Mari, Massironi, Zilocchi), 22. Dezember 19593. Januar 1960; La nuova concezione artistica, 4. Januar – 1. Februar 1960; Enrico Castellani, 5.- 22. Februar 1960; Massironi, Moldow, Oehm, Uecker, 23. Februar – 10. März 1960; Heinz Mack, 11.-28. März 1960 Almir Mavignier, 5. – 15. April 1960; Motus, 15. April – 2. Mai 1960; Corpi d’aria von Piero Manzoni 3. – 9. Mai 1960; Alberti, Sordini, Verga, 11. – 24. Mai 1960; Gruppenausstellung (Biasi, Breier, Bonalumi, Castellani, Ganci[o], Landi, Mack, Dadamaino, Manzoni, Massironi, Mavignier, Moldow, Pisani, Santini), 25. Mai – 18. Juli 1960; Gruppenausstellung (Biasi, Breier Castellani, Dadamaino, Landi, Mack, Manzoni, Massironi, Mavignier, Motus, Pisani, Santini) Eröffnung 24. Juni 1960; Piero Manzoni, Nutrimenti d’arte, 21. Juli 1960.

Anceschi recalls first viewing Mack’s work that December in the group

The Meanings of Movement in the Work of Zero, Gruppo T, and Gruppo N

exhibition Stringenz. Nuove tendenze tedesche, held at the Galleria Pagani del Grattacielo.3 Alberto Biasi of Gruppo N, meanwhile, remembers first encountering Zero in La nuova concezione artistica—held at Azimut from January to February 1960—in

Marina Isgrò

History

which Mack was also represented.4

European artists beginning their

Piero Manzoni’s Azimut gallery and

Mack would have a solo show

careers in the late 1950s and early

its associated publication provided

at Azimut in March, and other

1960s benefitted from a growing

the initial setting for interactions

exhibitions that year mixed members

atmosphere of internationality.

among the artists of the Zero Group,

of the Italian and German groups: one

As Otto Piene wrote, in the decade

Gruppo T, and Gruppo N, even while

included Massironi alongside Günther

after the end of WWII, “what had

the latter two groups were still in

Uecker, while two group shows in

been banged apart and closed

the process of forming. Manzoni,

before was now opening up”: artists

having met Heinz Mack and Otto

increasingly traveled across borders,

Piene in July 1959, printed work

exchanged ideas through journals,

by both artists in the first issue of

and participated in international

Azimuth that September, exposing

exhibitions.1 This essay examines the

them to a broader Italian audience.

relations between the artists’ groups

Three months later, the future

Zero, N, and T, providing a brief

members of T and N showed their

history of early contacts between

work at Azimut: the gallery’s second

the German and Italian groups before

exhibition, opening on December 22,

taking a closer look at the ways each

1959, included the work of Giovanni

approached the theme of movement.

Anceschi, Davide Boriani, Gianni

Invito per la seconda mostra della galleria azimut, milano _ 22 dicembre 1959

the summer included Mack alongside Biasi, Massironi, and Edoardo Landi of Gruppo N.5

Colombo, and Gabriele Devecchi of Gruppo T, and Manfredo Massironi of Gruppo N.2

A second early site of interaction between Zero and the Italian groups was the left-wing Circolo del

encountered Zero’s art in person

Pozzetto in Padua, the home city

during the same period.

of Gruppo N. 59

The Italian groups would have first

Invito per l’esposizione massironi moldow oehm uecker galleria azimut milano 23 febbraio - 10 marzo 1960

The relationship between the two

the artists’ work is frequently similar

in it, “time cannot be actualized.”11

movement of the viewer, giving rise

close relationship with Azimut,

and Gruppo T deepened at the IV

in material and form, Zero’s writings

Mack further theorizes his

to an ever-shifting play of form with

the members of N participated in a

San Marino Biennial of 1963—titled

frequently reveal an idealism that

conception of aesthetic movement

no discernable beginning or end—a

Padua-based version of La nuova

Beyond Informale—in which all three

is absent from the more rationalist,

in the second issue of Zero, aptly

vibration that, in Mack’s word, “stirs

concezione artistica at the Circolo

collectives showed, and Zero and N

quasi-scientific philosophies of T and N.

titled “Vibration.” Here, he defines

our souls.”13

that included the work of Biasi, Mack,

jointly won first prize.8

Light, for example, might stand for

vibration as “resting restlessness,”

Massironi, and others. An installation

Biasi recalls discussions and meetings

Zero as “the opposite of darkness,”

or “the expression of continuous

photograph shows three works

during the exhibition, primarily

but for the Italian groups as “an

movement.” This last point, stressing

by Mack, apparently examples of

with Mack, while Piene spoke in

electromagnetic frequency.”10

the sheer endlessness of vibratory

his aluminum “light reliefs,” hung

an interview of his friendship with

The remainder of this essay will

motion, is particularly important.

alongside one of Biasi’s punched-hole

Gruppo N and his gratitude for the

examine the treatment of another

Why might one seek motion that has

reliefs or Trame, making clear the

hospitality of Boriani and Colombo

central theme—movement—in the

no beginning or end? Mack gives a

artists’ common interests in light

of T during his time in Italy.9

three groups’ early writings, in order

poignant answer: endless movement

and space.6

Although Zero was expelled from

to elucidate the differences among

allows one to avoid “die Trauer

Despite these early intersections,

the New Tendencies group during

their approaches in greater detail.

des Endlichen”—“the sadness of

Biasi does not recall a substantial

its second exhibition, the Italians

In their initial statements in the

finality.”12

A very different conception of

in-person meeting with the German

and the Germans went on to show

Zero journal, Mack and Piene argue

Mack’s two statements thus reflect

movement appears in the work and

artists until the first edition of Nove

at several more exhibitions together

for the necessity of a particular

an almost naive kind of optimism: the

early writings of Gruppo T.

tendencije, a pan-European exibition

during the remainder of the 1960s.

kind of movement—which they call

idea that one may stave off endings

For the members of Zero writing in

of kinetic and perceptual art held in

In a particularly fitting case, Zero’s

“vibration”— in contemporary art.

by simply moving forever.

1958, vibration was in some sense

Zagreb in 1961, which included Zero

work returned to Italy for a 1965

In “The New Dynamic Structure,”

In “Resting Restlessness,” Mack

detached from the world; it existed

and Gruppo N.7

exhibition at the Atelier Fontana in

published in issue one in April 1958,

gives his reflective aluminum Light

in an aesthetic realm where standard

Milan, reuniting many figures who

Mack writes that the interactions

Reliefs as examples of artworks

notions of space and time could

had felt the older artist’s influence

among pictorial elements like line

that produce vibration. The reliefs

not apply. For the members of T,

over the preceding decade.

and color ideally create “virtual

consist of metal foil stamped with

however, the inclusion of movement

vibration, i.e., pure, perceptually

repetitive—though hand-shaped and

in art was in the service of a kind

creative movement.” This vibration

slightly irregular—patterns of curves

of realism: kineticism was meant

“cannot be found in nature,” is “free

and lines. (The artist specified that

to mirror, and to take part in, the

of all suggestive illusion,” and is

he did not want the patterns to be

conditions of the outside world.

the international art scene, it is

“directionless and therefore never

mechanically produced.)

Gruppo T’s first statement on

somewhat surprising to note just

finalized.” Because this abstract

Light reflecting on the surface of the

movement appeared on the occasion

how different their conceptual

notion of movement is unmoored

aluminum produces bright spots and

of their exhibition Miriorama 1,

approaches were. As Marco

from natural space, it is also removed

shadows that change according to

which opened on January 15, 1960,

Meneguzzo has argued, although

from our standard concepts of time;

environmental conditions and the

at Milan’s Galleria Pater. 61

Approaches to Movement

Given the groups’ proximity in

copertina catalogo nove tendecije, zagabria - 1961

In April of 1960, as a result of their

while Zero produced a combination

share elements with those of their

of works in real motion and in virtual

colleagues in Düsseldorf and Milan.

or perceptual motion.) Existing in real

Like Gruppo T, the artists of N denied

time, the artworks even take on a life

the separateness of the aesthetic

of their own. As Boriani writes,

realm and rarely spoke of “beauty”

“In its real duration the work

and “feeling” as Mack and Piene did in

constantly reveals that which—

In a text written on the occasion of

the Zero journal; they too considered

through the initial input I have given

Miriorama 10, Lucio Fontana aptly

motion a constitutive part of reality.

it—will be its concrete, disquieting, or

summarized the work of the young

Yet they were much less literal than

artists of T: they “propose an art

Gruppo T in their conception of

that in its variation is continually

movement, sharing a strong interest

sorrowful presence.”16 These works, that is, take part in the world, even to the point of seeming

il gruppo t al completo dopo l’adesione al movimento di grazia varisco

miriorama 2, mostra personale di davide boriani, opera esposta in mostra: superficie magnetica diametro 60 cm, galleria pater, milano 19 / 27 gennaio 1960

immersed in the present,” he wrote,

in virtual or perceptual movement

to lead their own lives and possess

“an art [...] that abandons evocation

with the German artists.

their own unique attitudes. Colombo,

for concreteness, that destroys

What stands out in the group’s early

too, reflects something of this

form and finds it again in organic

statements is their pronounced

movement.”19

scientific tone. Although Gruppo T

Gruppo N’s ideas on movement

and Zero, too, made references

sentiment when he writes that the unpredictable succession of images

i componenti del gruppo n nello studio di piazza duomo, padova _ 1964

in his work “can represent a true and

to contemporary developments in

as a constitutive part of reality,

preestablished”; but this desire

proper surprising drama.”17

science, Gruppo N took this rhetoric

which they define as “the continual

ignores the unstable, changing, fluid

Unsurprisingly, the group’s

much further. Their first official

becoming of phenomena which we

nature of the world and can only lead

production during this early period

statement, released on the occasion

perceive in variation.” Art should not

to disappointment.15

expresses an organic, animate

of the XII Premio Lissone in 1961,

be set apart from this world—it is

Additional statements published

quality. In Boriani’s Superfici

declared that the artists “deny the

itself “a reality made with the same

in connection with the Miriorama

magnetiche, hidden magnets,

spatial and temporal dimensions in

elements that constitute that reality

exhibitions explicitly relate these

which man has lived deterministically

which surrounds us.”14

ideas to the group’s artworks. In

lift and drop heaps of iron dust into

until today,” instead choosing to

Alongside this realist impulse,

his Miriorama 2 pamphlet, Boriani

changing configurations, recalling

explore the “indeterminacy of inter-

Gruppo T expressed an ethical

reiterates that his understanding

bacteria under a microscope or an

phenomena,” a term that may be

one: they found it imperative to

of reality as “becoming” requires

underwater landscape. A critic would

taken from quantum mechanics.20

acknowledge the uncertainty of

him to give his works “an objective

later write of Colombo’s kinetic

The first writings from the group to

daily life, and thought that putting

temporal value.”

sculptures that they “wink,” “babble,”

address movement explicitly appear

art in motion could be part of

(Indeed, Gruppo T primarily produced

and “palpitate,” and often “seem

in 1962. In a series of collected

this project. As Anceschi wrote,

objects that truly moved—powered

to be absurd, sly creatures from

notes, they write, “The distinction

humans naturally want to “set our

by hand manipulation or by motors—

another world.”18

between real movement and 63

bourgeois feet on something solid,

Here the group named movement

inspiration from the tenets of

becoming.”

20th-century science.

Lee argues for the “obsession with time” in the art of the 1960s, a moment in which artists found themselves confronted with new technologies and social changes that upended conventional notions manifesto del gruppo n _ 1970

of time’s passage. Kinetic artists were part of this trend, turning to movement to advance their art beyond the spatial dimension. Yet, as we have seen, movement in kinetic art may have many different philosophical valences. In Zero’s early writings, movement via “vibration” serves to produce aesthetic feeling. For Gruppo T during their “Miriorama”

“Otto Piene in Conversation with João Ribas,” in Otto Piene: Lichtballett (Cambridge: MIT, 2011), 51.

Gruppo T’s formation began in 1959, and the group officially showed together for the first time in mid-January, 1960. Gruppo N’s founding is sometimes also dated to 1959. However, according to Alberto Biasi, Gruppo Enne—later called Gruppo N—was formally constituted between late December 1960 and January 1961. Previously, Biasi and Massironi had been involved in another group called Enne-a or Ennea. See “An Interview with Alberto Biasi” in Marco Meneguzzo, Alberto Biasi: Opere scelte (Milan: Silvana Editoriale, 2013), 49.

3 Conversation with artist, April 16, 2014. Even before this time, Fontana owned a relief by Mack, which he purchased from the artist’s 1958 show at Iris Clert. See “ZERO e Azimuth. Un pozzo artesiano. Intervista di Stephan von Wiese a Heinz Mack,” in Meneguzzo, Zero 1958-1968: Tra Germania e Italia (Milan: Silvana Editoriale, 2004), 165.

11 Heinz Mack, “The New Dynamic Structure,” translated and reprinted in Lawrence Alloway, Zero (Cambridge: MIT Press, 1973), 14-15. 12 Mack, “Resting Restlessness,” translated and

reprinted in ibid., 40-41.

13 Ibid., 40. 14 Giovanni Anceschi, Davide Boriani, Gianni Colombo, and Gabriele Devecchi, “Miriorama 1: Manifestazione del Gruppo T,” Galleria Pater, Milan, January 1960. Reprinted in Italo Mussa, Il Gruppo Enne: La situazione dei gruppi in Europa negli anni 60 (Rome: Bulzoni, 1976), 58. Mussa’s volume contains facsimiles of all the major texts released by the N and T groups. 15 Anceschi, “Miriorama 5,” Galleria Pater, Milan, February 1960. Reprinted in Mussa, 60. 16 The italics are mine.

“Intervista di Marco Meneguzzo ad Alberto Biasi,” in Meneguzzo, Zero, 170.

For a deeply researched history of Azimut’s exhibitions, see Francesca Pola, ed., Manzoni: Azimut (London: Gagosian Gallery; Milan: Fondazione Piero Manzoni, 2011). Uecker became a “core” member of Zero between 1960 and 1961. For a history of Zero, see Renate Wiehager, ZERO aus Deutschland 1957-1966. Und heute (Ostfildern-Ruit: Hatje Cantz; New York: D.A.P., 2000).

17 Colombo, “Miriorama 4,” Galleria Pater, Milan, February 1960. Reprinted in Mussa, 60.

apparent movement is admissible as

through motors, their best-known

phase, movement grounds art in lived

a hypothesis, but void of meaning.”

work operates through optical

reality; and Gruppo N complicates

From the standpoint of human

effect.22

the terms of this reality through the

perception, they argue, these types

In their Optical-Dynamic reliefs,

insights of modern science.

of movement are indistinguishable.

produced by Biasi, for example,

Of course, these statements

Instead, it is more precise “to speak

twisted and superimposed strips

represent only one moment in the

of changes in relation to the essential

of plastic create the uncanny

development of the respective

variables: position, luminous

impression of shifting colors and

groups. The artists evolved and

intensity, perception time.”21

shapes as the spectator moves.

changed their perspectives as the

This argument is in clear conflict with

The works are more complicated than

years passed.23 Still, viewing them

7 “Intervista di Marco Meneguzzo ad Alberto Biasi,” in Meneguzzo, Zero, 170. For a comprehensive account of the Nove Tendencije shows, see Valerie Lynn Hillings, “Experimental artists’ groups in Europe, 1951-1968: Abstraction, interaction and internationalism,” PhD diss., Institute of Fine Arts, New York, 2002.

the statements of Gruppo T, who had

simple embraces of standardized

together reveals the diversity of

advocated for literal motion in art

forms and modern materials—the

approaches within the context of

two years earlier. Although Gruppo

artist made the works by hand

their common goal: to create art

N did produce some art objects that

through painstaking labor—but their

that was never finished but rather,

moved through spectator handling or

embrace of indeterminacy takes clear

in Gruppo T’s words, in “continual

10 Meneguzzo, Zero, 45.

The image appears in Meneguzzo, Biasi, 11.

Meneguzzo refers to this occasion as the “pinnacle” of relations between Zero and the Italian groups. Meneguzzo, Zero, 45.

9 For Biasi’s comments, see “Intervista di Marco Meneguzzo ad Alberto Biasi” in Meneguzzo, Zero, 170. For Piene’s comments, see Otto Piene, “L’Italia di Fontana” in Meneguzzo, Zero, 163.

18 “Mostra d’arte. Gianni Colombo,” Corriere della sera, Milan, October 16, 1968. 19 Lucio Fontana, “Miriorama 10,” Galleria La Salita, Rome, April 1961. Reprinted in Mussa, 62. 20 Statement of Gruppo N on the occasion of the XII Premio Lissone, Lissone, 1961. Reprinted in Mussa, 300. 21 Collected writings of Biasi and Landi for

Gruppo N, 1962. Reprinted in Mussa, 304.

22 Unlike their fellow groups, for most of their

existence Gruppo N signed their work collectively rather than attributing it to any individual member.

23 For instance, the artists of Zero were not

always unanimous about the correct path for the group. See Dieter Honisch and Heiner Stachelhaus, “Assertions: A discussion about ZERO: Heinz Mack, Otto Piene, Günther Uecker,” in Wiehager, 55-57.

In her book Chronophobia, Pamela

La concezione del movimento nelle opere di Zero, Gruppo T, e Gruppo N

questi ultimi due gruppi erano ancora

I gruppi italiani avrebbero conosciuto

in fase di formazione. Manzoni, dopo

per la prima volta l’arte Zero, in

aver incontrato Heinz Mack e Otto

maniera diretta, durante lo stesso

Piene nel luglio 1959, stampò delle

periodo. Anceschi ricorda la prima

opere di entrambi gli artisti nel primo

volta che vide l’opera di Mack nel

numero di Azimuth del settembre

dicembre di quell’anno alla mostra

di quell’anno, facendoli conoscere

collettiva Stringenz. Nuove Tendenze

a un pubblico italiano più vasto. Tre

Tedesche, tenutasi presso la Galleria

mesi più tardi, i futuri membri del T

Pagani del Grattacielo.3 Alberto Biasi

e N mostrarono le loro opere presso

del Gruppo N, nel frattempo, ricorda

la galleria Azimut; nella seconda

di aver scoperto Zero durante La

Storia

mostra della galleria, che inaugurò il

Nuova Concezione Artistica, tenutasi

Gli artisti europei che iniziarono la

La galleria Azimut di Piero Manzoni

22 dicembre 1959, furono esposte

alla galleria Azimut dal gennaio al

loro carriera alla fine degli anni ‘50

e la sua pubblicazione associata

anche le opere di Giovanni Anceschi,

febbraio del 1960, in cui, anche in

e i primi anni ‘60 beneficiarono di un

fornirono le premesse per le

Davide Boriani, Gianni Colombo e

questa occasione, furono esposte

crescente clima di internazionalità.

interazioni tra gli artisti del Gruppo

Gabriele Devecchi del Gruppo T, e

alcune opere di Mack.4

Come scrisse Otto Piene, nel

Zero, Gruppo T e Gruppo N, anche se

Manfredo Massironi del Gruppo N.2

decennio dopo la fine della seconda Marina Isgrò

guerra mondiale, “ciò che era stato messo da parte e nascosto ora si stava ripresentando”: gli artisti iniziavano a viaggiare sempre di più attraverso le frontiere, scambiandosi le idee attraverso riviste e partecipando a mostre internazionali.1 Questo saggio esamina i rapporti tra gli artisti dei gruppi Zero, N e T, fornendo una breve storia dei primi incontri tra i gruppi tedeschi e italiani, concludendo con una disamina più specifica sui diversi approcci di ciascun gruppo al tema invito per la mostra la nuova concezione artistica galleria azimut milano _ gennaio/febbraio 1960

del movimento.

due mostre collettive nell’estate di

altre mostre nel corso degli anni ‘60.

Piene sostengono la necessità di un

personale presso Azimut a marzo e,

quell’anno presentavano le opere

In una situazione particolare,

particolare tipo di movimento,

sempre in quell’anno, altre mostre

di Mack insieme a quelle di Biasi,

il lavoro di Zero venne ripresentato in

da loro chiamato “vibrazione”,

che esponevano congiuntamente

Massironi e Edoardo Landi del

Italia per una mostra del 1965 presso

nell’arte contemporanea.

opere sia del gruppo tedesco che di

Gruppo N.5

l’Atelier Fontana a Milano, riunendo

Nello scritto “La Nuova Struttura

quello italiano: una presentava le

Un secondo luogo in cui si svolsero

molti appassionati che avevano

Dinamica”, pubblicato nel numero

opere di Massironi accanto a quelle di

i primi incontri tra Zero e i gruppi

sentito l’antica influenza di Fontana

uno del mese di aprile 1958, Mack

Günther Uecker, mentre altre

italiani fu il circolo di sinistra chiamato

nel corso del decennio precedente.

scrive che le interazioni tra elementi

Circolo del Pozzetto a Padova, la città natale del Gruppo N. Nel mese di aprile del 1960, grazie alla loro stretta relazione con la galleria Azimut, i membri di N parteciparono alla versione padovana de La Nuova Concezione Artistica presso il Circolo, durante la quale vennero esposte le opere di Biasi, Mack, Massironi, e altri. Una fotografia mostra tre opere di Mack, apparentemente esempi dei suoi “rilievi di luce” in alluminio, appese accanto a uno dei rilievi perforati di Biasi o Trame, rendendo evidente l’interesse comune degli artisti per la luce e lo spazio.6

copertina catalogo oltre l’informale, IV biennale internazionale d’arte di san marino _ 1963

Mack avrebbe poi tenuto una mostra

pittorici come la linea e il colore creano idealmente “vibrazione virtuali, vale a dire, puro movimento,

al movimento

percettivamente creativo”. Questa

Data la vicinanza dei gruppi nel

vibrazione “non può essere trovata in

panorama artistico internazionale,

natura”, è “libera da tutte le illusioni

è piuttosto sorprendente notare

suggestive”, ed è “senza direzione, e

quanto fossero diversi i loro approcci

quindi mai finalizzata”. Poiché questa

concettuali. Come ha sostenuto

nozione astratta di movimento è

Marco Meneguzzo, anche se il lavoro

scollegata dallo spazio naturale,

degli artisti è spesso simile nei

viene rimossa anche dalla nostra

materiali e nelle forme, gli scritti di

normale concezione del tempo;

Zero spesso rivelano un idealismo

in essa, “il tempo non può essere

che è assente dalle filosofie più

attualizzato”.11

razionaliste, quasi-scientifiche,

Nonostante questi primi incroci, Biasi

di T e N. La luce, per esempio,

Mack continua a teorizzare sulla

potrebbe rappresentare per Zero

sua concezione del movimento

non ricorda un incontro rilevante

alla IV Biennale di San Marino del

il Gruppo N e della sua gratitudine per

“l’opposto dell’oscurità”, mentre

estetico nel secondo numero di Zero,

di persona con gli artisti tedeschi

1963, chiamata Oltre l’informale,

l’ospitalità di Boriani e Colombo del

per i gruppi italiani “una frequenza

giustamente intitolato “Vibrazione”.

fino alla prima edizione della Nove

in cui tutti e tre i gruppi esposero

gruppo T durante la sua permanenza

elettromagnetica”.10 Il resto di

In uno scritto presente all’interno

tendencije, una mostra pan-europea

le proprie opere, e Zero e N vinsero

in Italia.9

questo saggio tratterà un altro tema

di questo numero egli definisce

di arte cinetica e percettiva tenutasi a

insieme il primo premio.8

Sebbene il gruppo Zero fu espulso

centrale, il movimento, nei primi

la vibrazione come “irrequietezza

Zagabria nel 1961, che esponeva

Biasi ricorda le discussioni e gli

dal gruppo Nuove tendenze durante

scritti dei tre gruppi, al fine di chiarire

a riposo”, o “espressione di un

incontri durante la mostra, in primo

la sua seconda mostra, gli italiani

le differenze tra i loro approcci

movimento continuo”. Quest’ultimo

luogo con Mack, mentre Piene parlò

e i tedeschi continuarono a esibire

più nel dettaglio. Nelle loro prime

punto, che sottolinea l’infinità

Gruppo T divenne ancora più solido

in un’intervista della sua amicizia con

insieme le proprie opere in diverse

dichiarazioni sulla rivista Zero, Mack e

assoluta del moto vibratorio,

le opere di Zero e Gruppo N.7 Il rapporto tra questi due gruppi e il

inviti a mostre presso la galleria azimut in cui esponenti del gruppo t e n figurano accanto ad alcuni artisti del gruppo zero _ estate 1960

Approcci concettuali

è particolarmente importante.

Una diversa concezione del

Perché si dovrebbe cercare un

movimento appare nel lavoro e nei

movimento che non ha inizio, né fine?

primi scritti del Gruppo T.

Mack dà una risposta pertinente:

Per i membri di Zero che scrivevano

il movimento infinito permette di

nel 1958, la vibrazione era in un certo

evitare il “Trauer des Endlichen”

senso distaccata dal mondo; esisteva

– “la tristezza della finalità”.12

in un regno estetico dove non si

Le due affermazioni di Mack

potevano applicare le concezioni

riflettono quindi una sorta di ingenuo

standard di spazio e di tempo.

ottimismo: l’idea che si possa

Per i membri di T, tuttavia, l’inclusione

scongiurare la fine semplicemente

del movimento nell’arte era al servizio

muovendosi continuamente.

di una sensazione di realismo: il cinetismo aveva lo scopo di copiare

Nello scritto Irrequietezza a riposo

le condizioni del mondo esterno,

Mack mostra i suoi “rilievi di luce” in

prendendone parte.

alluminio riflettente come esempi di opere d’arte che producono

La prima dichiarazione del Gruppo T

vibrazioni. I rilievi sono costituiti da

sul movimento apparve in occasione

una lamina di metallo stampato con

della sua mostra Miriorama 1,

modelli ripetitivi, sebbene plasmati

inaugurata il 15 gennaio 1960, presso

dalla mano e leggermente irregolari,

la Galleria Pater di Milano.

di curve e linee (l’artista precisò di

Qui il gruppo definì il movimento

non volere dei modelli da produrre

come parte costitutiva della realtà;

meccanicamente). La luce che si

gli esponenti del gruppo

riflette sulla superficie dell’alluminio

concepiscono il movimento come un

produce punti luminosi e ombre

“continuo divenire di fenomeni che

che cambiano secondo le condizioni

noi percepiamo nella variazione”.

ambientali e il movimento dello

L’arte non deve essere scollegata da

spettatore, dando luogo ad un gioco

questo mondo, essa stessa è “una

di forme mutevoli senza inizio né

realtà fatta con gli stessi elementi

fine percepibili; una vibrazione che,

che costituiscono quella realtà che

nelle parole di Mack, “agita le nostre

ci circonda”.14

anime”.13

Accanto a questo impulso realista,

primo manifesto del gruppo t in occasione di miriorama 1, galleria pater, milano 15 gennaio 1960

il Gruppo T ne espresse uno etico:

per esso era imperativo riconoscere

ribadisce che la sua comprensione

Queste opere, cioè, diventano

raramente parlarono di “bellezza”

scrivono: “La distinzione tra

l’incertezza della vita quotidiana,

della realtà come “divenire” gli

parte nel mondo, anche al punto da

e “sentimento” come fecero Mack e

movimento reale e movimento

e pensò che mettere l’arte in

richiede di dare alle sue opere “un

sembrare di condurre una vita propria

Piene sulla rivista Zero; anche loro

apparente è ammissibile per ipotesi,

movimento potesse essere parte

oggettivo valore temporale” (infatti,

e possedere degli atteggiamenti

consideravano il movimento come

ma priva di significato”. Dal punto

di questo progetto. Come scrisse

il Gruppo T produsse principalmente

unici. Anche Colombo sembra essere

una parte costitutiva della realtà.

di vista della percezione umana,

Anceschi, gli esseri umani vogliono

oggetti che si muovevano veramente,

in sintonia con questo sentimento

Eppure erano molto meno letterali

sostiene il gruppo, questi tipi di

naturalmente “poggiare i nostri piedi

mossi a mano o meccanicamente,

quando scrive che la successione

del Gruppo T nella loro concezione

movimento sono indistinguibili.

borghesi su qualcosa di solido, di

mentre Zero produsse una

imprevedibile di immagini nella sua

di movimento, condividendo un forte

Invece, è più preciso “parlare di

precostituito”; ma questo desiderio

combinazione di opere in movimento

opera “potrà rappresentare un vero

interesse per il movimento virtuale

mutamenti in relazione alle variabili

ignora la natura instabile, mutevole

reale e in movimento virtuale o

e proprio sorprendente dramma”.17

o percettivo con gli artisti tedeschi.

essenziali: posizione, intensità

e fluida del mondo e non può che

percettivo). Esistenti nel tempo reale,

Naturalmente, la produzione del

Ciò che risalta nelle prime

luminosa, tempo di percezione”.

portare alla delusione.15

le opere d’arte hanno una vita propria.

gruppo durante questo primo periodo

dichiarazioni del gruppo è il

Questa posizione è in chiaro

Come scrive Boriani, “Attraverso

esprimeva una qualità organica

tono scientifico prominente.

contrasto con le dichiarazioni del

Altre dichiarazioni pubblicate in

la sua reale durata, l’opera rivela

e animata. Nelle opere intitolate

Sebbene anche il Gruppo T e

Gruppo T, che aveva sostenuto una

connessione con le mostre Miriorama

costantemente quella che, attraverso

Superfici Magnetiche di Boriani,

Zero avessero fatto riferimento

concezione letterale del movimento

collegano esplicitamente queste

l’impronta iniziale data da me, sarà la

dei magneti nascosti, alimentati

a sviluppi contemporanei nel

nell’arte durante i due anni

idee alle opere del gruppo. Nel suo

sua concreta, inquietante o dolorosa

da un motore elettrico, sollevano

campo della scienza, il Gruppo N

precedenti.

pamphlet Miriorama 2, Boriani

presenza.”16

e rilasciano lentamente mucchi di

sviluppò ulteriormente questa

Sebbene il Gruppo N abbia

polvere di ferro dalle forme mutevoli,

In un testo scritto in occasione

idea. Nella sua prima dichiarazione

prodotto alcuni oggetti d’arte

ricordando quelle dei batteri visti

del Miriorama 10, Lucio Fontana

ufficiale, rilasciata in occasione

che si muovevano attraverso la

al microscopio o un paesaggio

sintetizzò giustamente il lavoro

del XII Premio Lissone nel 1961,

manipolazione dello spettatore o

sottomarino. Successivamente,

dei giovani artisti di T, scrivendo:

il gruppo dichiarò che gli artisti

meccanica, la sua opera più nota si

un critico scriverà che le sculture

essi “propongono un’arte che

“negano le dimensioni spaziali e

basa sull’effetto ottico. Ad esempio,

cinetiche di Colombo “ammiccano”,

nella variazione è continuamente

temporali in cui l’uomo è vissuto

nei loro rilievi Ottico-dinamici,

“barbugliano” e “palpitano” e spesso

immersa nel presente, un’arte […]

fino ad oggi deterministicamente”,

prodotti da Biasi, dei nastri di plastica

“sembrano assurde sornione creature

che abbandona l’evocazione per la

scegliendo invece di esplorare

intrecciati e sovrapposti creano

animali di un altro mondo.”18

concretezza, che distrugge la forma e

la “indeterminazione degli

l’impressione inquietante di colori

la ritrova nel movimento organico”.19

interfenomeni”, un termine che

e forme che cambiano quando

Le idee del Gruppo N sul movimento

deriva dalla meccanica quantistica. 20

lo spettatore si muove. Le opere

hanno degli elementi in comune con

sono più complicate di semplici

quelle dei loro colleghi di Düsseldorf e

I primi scritti del gruppo che

adozioni di forme standardizzate e

Milano. Come quelli del Gruppo T,

affrontano il tema del movimento

materiali moderni. Infatti, l’artista

gli artisti di N negavano la

appaiono esplicitamente nel 1962.

creò le opere a mano attraverso un

separatezza del regno estetico e

In una serie di appunti raccolti,

lavoro scrupoloso, ma il loro accento

mostra del gruppo t di milano (giovanni anceschi, davide boriani, gianni colombo, gabriele devecchi, grazia varisco). presentazione di bruno munari. le opere: “oggetti miriorama”, studio enne, padova 17 febbraio / 1 marzo 1962 72

mostra miriorama 10 con interessante scritto di lucio fontana sul lavoro dei giovani artisti del gruppo t, galleria la salita, roma _ aprile 1961

sull’indeterminatezza trae una

rivela la diversità di approcci nel

chiara ispirazione dai principi della

contesto del loro obiettivo comune:

scienza del 20° secolo. Nel suo libro

creare un’arte che non fosse mai

Chronophobia, Pamela Lee sostiene

finita ma, piuttosto, nelle parole del

la “ossessione del tempo” nell’arte

Gruppo T, in “continuo divenire”.

degli anni ‘60, un periodo in cui gli

artisti iniziarono a confrontarsi con le nuove tecnologie e i cambiamenti sociali, provocando un cambiamento radicale nella nozione convenzionale del passaggio del tempo. Artisti cinetici facevano parte di questa tendenza, rivolgendosi al movimento per creare una loro arte che andasse al di là della dimensione spaziale. Eppure, come abbiamo visto, il movimento nell’arte cinetica può avere tante valenze filosofiche differenti. Nei primi scritti di Zero, il movimento tramite “vibrazione” serve per produrre un senso estetico. Per il Gruppo T, durante la loro fase di “Miriorama”, il movimento ancora l’arte nella realtà vissuta; infine, il Gruppo N complica i termini di questa realtà attraverso le intuizioni della scienza moderna. Ovviamente, queste dichiarazioni rappresentano solo un determinato momento dello sviluppo dei rispettivi gruppi. Gli artisti si evolverono e cambiarono i loro punti di vista nel corso degli anni.

Meneguzzo si riferisce a quest’occasione come al “culmine” delle relazioni fra Zero e i gruppi italiani. Meneguzzo, Zero, 45.

“Otto Piene in Conversation with João Ribas,” in Otto Piene: Lichtballett (Cambridge: MIT, 2011), 51.

Per i commenti di Biasi, vedere “Intervista di Marco Meneguzzo ad Alberto Biasi” in Meneguzzo, Zero, 170. Per i commenti di Piene, vedere Otto Piene, “L’Italia di Fontana” in Meneguzzo, Zero, 163.

La formazione del Gruppo T iniziò nel 1959, ed il gruppo si presentò insieme per la prima volta nella metà di gennaio del 1960. Anche la fondazione del Gruppo N è, a volte, datata 1959. Tuttavia, secondo Alberto Biasi, il Gruppo Enne, più tardi chiamato Gruppo N, fu costituito formalmente fra la fine di dicembre del 1960 ed il gennaio del 1961. Precedentemente, Biasi e Massironi erano stati coinvolti in un altro gruppo chiamato Enne-a o Ennea. Vedere “Intervista con Alberto Biasi” in Marco Meneguzzo, Alberto Biasi: Opere scelte (Milano: Silvana Editoriale, 2013), 35. 3

Conversazione con l’artista, 16 aprile 2014. Anche prima di questa data, Fontana possedeva un rilievo di Mack, che aveva acquistato nel 1958 presso una mostra dell’artista all’Iris Clert. Vedere “ZERO e Azimuth. Un pozzo artesiano. Intervista di Stephan von Wiese a Heinz Mack,” in Meneguzzo, Zero 1958-1968: Tra Germania e Italia (Milano: Silvana Editoriale, 2004), 165. 4

“Intervista di Marco Meneguzzo ad Alberto Biasi,” in Meneguzzo, Zero, 170.

Per una cronologia dettagliata delle mostre tenutesi presso Azimut, vedere Francesca Pola, Manzoni: Azimut (London: Gagosian Gallery; Milan: Fondazione Piero Manzoni, 2011). Uecker divenne un esponente “di punta” di Zero fra il 1960 e il 1961. Per conoscere la storia di Zero, vedere Renate Wiehager, ZERO aus Deutschland 1957-1966. Und heute (Ostfildern-Ruit: Hatje Cantz; New York: D.A.P., 2000). 6

Nonostante ciò, la visione d’insieme 75

dichiarazione del gruppo n in occasione del XII premio lissone, lissone _ 1961

7 “Intervista di Marco Meneguzzo ad Alberto Biasi,” in Meneguzzo, Zero, 170. Per un resoconto dettagliato delle mostre Nove Tendencije, vedere Valerie Lynn Hillings, “Experimental artists’ groups in Europe, 1951-1968: Abstraction, interaction and internationalism,” PhD diss., Institute of Fine Arts, New York, 2002.

L’immagine appare in Meneguzzo, Biasi, 11.

Meneguzzo, Zero, 37.

11 Heinz Mack, “The New Dynamic Structure,” tradotto e ristampato su Lawrence Alloway, Zero (Cambridge: MIT Press, 1973), 14-15. 12

Mack, “Resting Restlessness,” tradotto e ristampato su ibid., 40-41.

Ibid., 40.

14 Giovanni Anceschi, Davide Boriani, Gianni Colombo, e Gabriele Devecchi, “Miriorama 1: Manifestazione del Gruppo T,” Galleria Pater, Milano, gennaio 1960. Ristampato in Italo Mussa, Il Gruppo Enne: La situazione dei gruppi in Europa negli anni 60 (Roma: Bulzoni, 1976), 58. Il volume di Mussa contiene dei facsimile di tutti i testi principali prodotti dai gruppi N e T. 15 Anceschi, “Miriorama 5,” Galleria Pater, Milano, febbraio 1960. Ristampa in Mussa, 60. 16

I caratteri in corsivo sono miei.

17 Colombo, “Miriorama 4,” Galleria Pater, Milano, febbraio 1960. Ristampa in Mussa, 60. 18 “Mostra d’arte. Gianni Colombo,” Corriere della sera, Milano, 16 ottobre 1968. 19 Lucio Fontana, “Miriorama 10,” Galleria La Salita, Roma, aprile 1961. Ristampa in Mussa, 62. 20 Dichiarazione del Gruppo N in occasione del XII Premio Lissone, Lissone, 1961. Ristampa in Mussa, 300.

manifesto per la mostra personale di heinz mack galleria azimut milano _ 11 marzo 1960

Geschichte

Marina Isgrò

Galleria del Pagani Grattacielo.3

die entsprechende Veröffentlichung

Alberto Biasi von der Gruppo N

schafften eine erste Basis für die

erinnert in der Zwischenzeit an die

Zusammenarbeit zwischen den

erste Begegnung mit Zero in La

Künstlern der Gruppe Zero, Gruppo

nuova Concezione artistica, die in

T und Gruppo N, während die beiden

der Azimut-Galerie von Januar bis

letztgenannten Gruppen sich noch

Februar 1960 gezeigt wurde, in

bildeten. Nachdem Manzoni Heinz

der Mack ebenfalls vertreten war.4

Europäische Künstler, die ihre

Mack und Otto Piene im Juli 1959

Mack würde im März in der Azimut-

Karriere in den späten 1950er und

getroffen hatte, wurde das Werk

Galerie eine Einzelausstellung haben,

frühen 1960er Jahren begannen,

beider Künstler in der ersten Ausgabe

andere Ausstellungen in diesem Jahr

profitierten von einer zunehmend

des Azimuth in diesem September

mischten Mitglieder der italienischen

internationalen Atmosphäre. Wie

gedruckt, damit wurden sie einem

und deutschen Gruppen: bei einer

Otto Piene in den zehn Jahren nach

breiteren italienischen Publikum

Gruppe war Massironi und Günther

dem Ende des Zweiten Weltkrieg

bekannt gemacht. Drei Monate

Uecker dabei, während bei zwei

schrieb „was auseinander knallte und

später präsentierten die zukünftigen

Gruppenausstellungen im Sommer

davor geschlossen wurde, öffnete

Mitglieder der Gruppen T und N

Mack, Biasi, Massironi und Edoardo

sich jetzt“: Künstler überschritten

ihre Arbeiten in der Azimut Galerie:

Landi von der Gruppo N dabei waren.5

zunehmend die Grenzen, tauschten

die zweite Ausstellung, die am 22.

Ein zweiter früher Interaktionsort

Ideen in Fachzeitschriften aus

Dezember 1959 eröffnet wurde,

zwischen Zero und den italienischen

und nahmen an internationalen

enthielt Arbeiten von Giovanni

Gruppen war der linke Circolo del

Ausstellungen teil.1 Dieser Aufsatz

Anceschi, Davide Boriani, Gianni

Pozzetto in Padua, der Heimatstadt

untersucht die Beziehungen

Colombo, und Gabriele Devecchi der

der Gruppo N. Im April 1960 nahmen

zwischen den Künstlergruppen

Gruppo T und Manfredo Massironi

die Mitglieder der Gruppo N als

Zero, N und T und erzählt eine kurze

der Gruppo N.2

Ergebnis ihrer engen Beziehung zu

Geschichte der frühen Kontakte

Die italienischen Gruppen hätten

Azimut an einer Version des

zwischen den deutschen und

im gleichen Zeitraum Zeros

La nuova concezione artistica

italienischen Gruppen, bevor ein

Kunst persönlich hervorgebracht.

aus Padua am Circolo teil, sie

genauerer Blick auf die Art und

Anceschi zeigt in diesem Dezember

enthielt Arbeiten von Biasi, Mack,

Weise geworfen wird, wie sie sich

zuerst Macks Arbeit in der

Massironi und anderen. Eine

jeweils dem Thema der Bewegung

Gruppenausstellung Stringenz.

Installationsfotographie zeigt drei

annäherten.

Nuove Tendenze tedesche, in der

Arbeiten von Mack, offensichtlich 77

Bedeutung der Bewegung im den Arbeiten von Zero, Gruppo T und Gruppo N

Piero Manzonis Azimut Galerie und

manifesto per la mostra la nuova concezione artistica, circolo del pozzetto, padova _ aprile 1960

Beispiele seiner „Lichtreliefs“ aus

Ausstellung aus der New Tendencies

Ansätze der Bewegung

Der Rest dieses Essays untersucht

Aluminium, aufgehängt neben

Gruppe ausgeschlossen wurde,

Angesichts der Nähe der Gruppen

die Behandlung eines anderen

einer von Biasis gelochten Reliefs

stellten Italiener und Deutschen

zur internationalen Kunstszene

zentralen Themas -Bewegung- in

oder Trame. Diese zeigen klar das

auf mehreren Ausstellungen im

ist es etwas überraschend, wie

frühen Schriften der drei Gruppen,

generelle Interesse an Licht und

verbleibenden Teil der 1960er

unterschiedlich ihre konzeptionellen

um die Unterschiede zwischen den

Raum.6

Jahre aus. In einem besonders

Ansätze waren. Wie Marco

Ansätzen im Detail aufzuklären.

Trotz dieser frühen Begegnungen

passenden Fall kehrte Zeros

Meneguzzo argumentierte, obwohl

In den ersten Aussagen in der

erinnert sich Biasi bis zur ersten

Arbeit für eine Ausstellung 1965

die Arbeit der Künstler in Material

Zero Zeitschrift sprechen Mack

Ausgabe des Nove tendencije,

in das Atelier Fontana in Mailand

und Form häufig ähnlich ist, zeigen

und Piene über die Notwendigkeit

einer pan-europäischen

nach Italien zurück. Dabei wurden

die Arbeiten der Gruppe Zero

einer besonderen Art Bewegung,

Ausstellung von kinetischer und

viele Persönlichkeiten, die den

häufig einen Idealismus, der nicht

die sie - in der zeitgenössischen

wahrnehmungsgeprägter Kunst,

Einfluss des älteren Künstlers im

dem Rationalismus und den quasi-

Kunst - „Vibration“ nennen. In

welche 1961 in Zagreb abgehalten

vorangegangenen Jahrzehnt erlebt

wissenschaftlichen Philosophien

„Die Neue Dynamische Struktur“,

wurde und die Gruppe Zero und

hatten, wieder zusammengeführt.

der Gruppe T und N entspricht.

deren erste Ausgabe im April 1958

Gruppo N umfasste nicht an

veröffentlicht wurde, schreibt Mack,

wesentliche persönliche Beziehung

dass die Wechselwirkungen zwischen

zu den deutschen Künstlern.7

Bildelementen, wie Linien und Farben

Die Beziehung zwischen den beiden

idealerweise „virtuelle Vibrationen, d.

und der Gruppo T vertiefte sich an

h., reine, wahrgenommene, kreative

der IV San Marino Biennale 1963 —mit

Bewegung schafft.“ Diese Vibration

Titel „Vibration“. Hier definiert

Optimismus: die Idee, dass man

dem Titel Beyond Informale—in der

„ist in der Natur nicht zu finden“,

er Vibrationen als „ruhende

Enden abwehren kann, indem man

alle drei Kollektive ausstellten und

sie ist „frei von jeder suggestiven

Unruhe“ oder „den Ausdruck der

sich einfach immer bewegt.

Zero und die Gruppo N gemeinsam

Illusion“, sie ist „richtungslos und

kontinuierlichen Bewegung“.

In „ruhende Unruhe“ zeigt Mack

den ersten Preis gewannen.8

deshalb nie fertig“, weil dieser

Dieser letzte Punkt, der die schiere

seine reflektierenden Lichtreliefs

Biasi, erinnert sich an Diskussionen

abstrakte Begriff der Bewegung

Endlosigkeit der Vibrationsbewegung

aus Aluminium beispielhaft als

und Treffen während der

losgelöst vom Naturraum ist, ist er

betont, ist besonders wichtig. Warum

Kunstwerke, die Vibrationen

Ausstellung, vor allem mit Mack,

auch aus unserem Standard-Konzept

sollte man eine Bewegung suchen,

schaffen. Die Reliefs bestehen aus

während Piene sprach in einem

der Zeit darin entfernt, „Zeit kann

die keinen Anfang und kein Ende hat?

Metallfolie mit wiederkehrenden—

Interview von seiner Freundschaft

nicht aktualisiert werden.”11

Mack gibt eine ergreifende Antwort:

von Hand geformten und etwas

Licht könnte zum Beispiel für die

Mack theoretisiert weiter

endlose Bewegung erlaubt es „die

unregelmäßigen— Mustern aus

Dankbarkeit für die Gastfreundschaft

Gruppe Zero „das Gegenteil von

seine Konzeption der

Trauer des Endlichen“ zu vermeiden

Kurven und Linien. (Der Künstler hat

Dunkelheit“ bedeuten, aber für

ästhetischen Bewegung in

– „die Traurigkeit der Endgültigkeit“.12

festgelegt, dass er nicht wollte, dass

die italienischen Gruppen eine

der zweiten Ausstellung von

Beide Aussagen von Mack spiegeln

die Muster mechanisch hergestellt

„elektromagnetische Frequenz“.10

Zero, passenderweise mit dem

somit eine fast naive Art von

werden.)

von Boriani und Colombo von T Obwohl Zero während der zweiten

mostra gruppo zero presso l’atelier di lucio fontana a milano poi alla galleria il cavallino di venezia _ primavera 1965

während seiner Zeit in Italien.9

mit der Gruppo N und seiner

Licht, das auf der Oberfläche des

Hier bezeichnete die Gruppe

Projekts sein könnte. Wie Anceschi

„einen objektiven zeitlichen Wert“

ihr scheinbar eigenes Leben führen

... die Evokation für Konkretheit

Aluminium reflektiert, erzeugt helle

Bewegung als konstitutiven Teil der

schrieb, wir Menschen wollen

haben, (in der Tat schaffte vor

und ihre eigenen, einzigartigen

aufgibt, die Form zerstört und

Flecken und Schatten, die sich je

Wirklichkeit, den sie als „das ständige

natürlich „unsere bürgerlichen

allem die Gruppo T Objekte, die sich

Einstellungen besitzen. Colombo

sie in organischer Bewegung

nach äußeren Bedingungen und der

Entstehen von Phänomenen, die

Füße auf etwas festes, vorher

wirklich bewegten - angetrieben

reflektiert auch etwas von dieser

wiederfindet.”19

Bewegung des Betrachters ändern,

wir in Variation wahrnehmen“

Festgelegtes setzen“; aber dieser

durch Hand oder durch Motoren-

Stimmung, wenn er schreibt, dass die

Die Ideen der Gruppo N in Bezug auf

was zu einem ständigen Spiel der

bezeichnen. Kunst sollte nicht als

Wunsch ignoriert die instabile, sich

während Zero eine Kombination von

unvorhersehbare Abfolge von Bildern

Bewegung entsprechen teilweise

Form ohne erkennbaren Anfang oder

getrennt von der Welt angesehen

ändernde, fließende Natur der Welt

Arbeiten in echter und in virtueller

in seinem Werk „ein wahres und

den Elementen ihrer Kollegen aus

Ende führt, einer Schwingung, die

werden, sie ist die Welt selbst“,

und kann nur zu Enttäuschungen

oder wahrnehmender Bewegung

eigentliches Drama überraschend

Düsseldorf und Mailand. Wie die

laut Mack „unsere Seelen aufrührt.“13

eine Realität, die aus den gleichen

führen.15

schuf.) Die Kunstwerke, die in

vertreten können.“17

Gruppo T verweigerten die Künstler

Elementen besteht, wie die Realität,

Weitere Stellungnahmen, die im

Echtzeit bestehen, haben selbst ein

Es überrascht nicht, dass die

der Gruppo N die Trennung des

Eine ganz andere Auffassung

die uns umgibt.“14

Zusammenhang mit den Miriorama

Eigenleben. Wie Boriani schreibt „in

Produktionen der Gruppe in dieser

Ästhetischen und sprachen von

von Bewegung erscheint in den

Neben diesem realistischen Impuls

Ausstellungen veröffentlicht

seiner realen Dauer zeigt die Arbeit

frühen Phase Ausdruck einer

„Schönheit“ und „Gefühl“, wie Mack

frühen Arbeiten und Schriften der

drückte die Gruppo T etwas Ethisches

wurden, beziehen diese Ideen auf die

ständig – durch die erste Eingabe, die

organischen, belebten Qualität

und Piene es im Zero-Journal taten;

Gruppo T. Für die Mitglieder der

aus: sie fanden es zwingend

Kunstwerke der Gruppe. In seinem

ich ihr gegeben habe – ihre konkrete,

auch sie sprachen von Bewegung als

magnetiche heben und senken

konstitutivem Teil der Wirklichkeit.

aus dem Jahr 1958, Vibrationen in

versteckte Magnete, die von einem

Doch waren sie in ihrer Vorstellung

einem gewissen Sinne losgelöst

Elektromotor angetrieben sind,

von Bewegung nicht so wortgetreu

von der Welt; sie existierten in

langsam Häufen von Eisenstaub

wie die Gruppo T, sie teilten ein

einem ästhetischen Bereich, in dem

in wechselnden Konfigurationen.

starkes Interesse an virtueller oder

Sie erinnern an Bakterien unter

wahrnehmender Bewegung mit den

dem Mikroskop oder an eine

deutschen Künstlern

miriorama 1, grande oggetto pneumatico, galleria pater, milano _ 15 gennaio 1960

ausdrücken. In Borianis Superfici

Gruppe Zero waren laut Schriften

Standard-Vorstellungen von Raum und Zeit nicht anwendbar sind. Für die Mitglieder der Gruppo T war die Einbeziehung der Bewegung in der Kunst jedoch im Dienst einer Art von Realismus: Kinetismus war zur Spiegelung vorgesehen und um an den Bedingungen der Außenwelt teilzunehmen.

Unterwasserlandschaft. Ein Kritiker

miriorama 4, mostra personale di gianni colombo, opera esposta in mostra: strutturazione pulsante, galleria pater, milano _ 9 febbraio 1960

schrieb später über Colombos

Was in den ersten Aussagen der

kinetischen Skulpturen, dass sie

Gruppe auffällt, ist der ausgeprägte

„winken“, „plappern“ und „pochen“

wissenschaftliche Ton. Obwohl auch

und oft „absurde, schlaue Wesen aus

die Gruppo T und die Gruppe Zero

einer anderen Welt zu sein scheinen.“18

sich auf aktuelle Entwicklungen

In einem Text anlässlich der

in der Wissenschaft bezog, nahm

Miriorama 10 fasste Lucio Fontana

die Gruppo N diese Rhetorik viel weiter auf. In der ersten offiziellen

notwendig, die Unsicherheit des

Miriorama-2-Pamphlet bekräftigt

beunruhigende oder traurige

Gruppo T treffend zusammen: sie

Stellungnahme, welche anlässlich

ihrer Ausstellung Miriorama 1, die

täglichen Lebens zu erkennen

Boriani, dass sein Verständnis der

Gegenwart.“16

„schlagen eine Kunst vor, die in ihrer

des XII Premio Lissone 1961

am 15. Januar 1960 an der Mailänder

und dachten, dass die Technik der

Wirklichkeit des „Entstehens“ von

Diese Arbeiten nehmen an der Welt

Variation ständig in die Gegenwart

veröffentlicht wurde, wurde deutlich,

Galleria Pater eröffnete.

beweglichen Kunst Teil dieses

ihm verlangt, dass seine Werke

teil, auch bis zu dem Punkt, wo sie

eintaucht“, schrieb er, „eine Kunst

dass die Künstler „die räumlichen

die Arbeit der jungen Künstler der

Thema Bewegung erschien anlässlich

Die erste Aussage der Gruppo T zum

und zeitlichen Dimensionen, in denen

aus, so argumentieren sie, sind

In ihrem Buch Chronophobia plädiert

im Rahmen ihres gemeinsamen Ziels:

der Mensch bis heute lebt, leugnet,“

diese Arten von Bewegung nicht

Pamela Lee für die „Obsession

Kunst schaffen, die nie fertig wird,

anstatt die „Unbestimmtheit von

zu unterscheiden. Stattdessen

mit Zeit“ in der Kunst der 1960er

oder in den Worten der Gruppo T

Interphänomenen“ zu erforschen, ein

ist es genauer „von Änderungen

Jahre, ein Moment, in dem Künstler

sich im „ständigen Werden“ befindet. MI

in Bezug auf die wesentlichen

sich mit neuen Technologien und

Variablen zu sprechen: Position,

gesellschaftlichen Veränderungen

Bezug auf Bewegung erschienen

Lichtstärke, Wahrnehmungszeit.“21

konfrontiert sahen, die herkömmliche

im Jahr 1962. In einer Reihe von

Dieses Argument steht in klarem

Vorstellungen von der Zeit

gesammelten Notizen schreiben sie:

Widerspruch zu den Aussagen der

umwarfen. Kinetische Künstler waren

„Die Unterscheidung zwischen realer

Gruppo T, die Bewegung in der Kunst

Teil dieses Trends. Sie wandten sich

Bewegung und Scheinbewegung

2 Jahre früher befürwortet hatte.

der Bewegung zu, um ihre Kunst über

ist als Hypothese zulässig, hat aber

Obwohl die Gruppo N einige

die räumliche Dimension zu fördern.

keine Bedeutung. „Vom Standpunkt

Kunstobjekte produzierte, die sich

Doch wie wir gesehen haben, kann

der menschlichen Wahrnehmung

durch Bedienung von Zuschauern

Bewegung in der kinetischen Kunst

oder Motoren bewegten, bewegt

viele verschiedene philosophische

sich das bekannteste Werk über die

Valenzen haben. In den frühen

optische Wirkung.22

Schriften von Zero, dient die

In seinen Optisch-Dynamischen

Bewegung per „Vibration“ dazu, ein

Reliefs, produziert von Biasi,

ästhetisches Gefühl zu erzeugen.

zum Beispiel verdrehte und

Für die Gruppo T, gründet Bewegung

überlagerte Streifen aus Kunststoff

in der Kunst in der „Miriorama-Phase“

den unheimlichen Eindruck von

gelebte Wirklichkeit, während die

wechselnden Farben und Formen,

Gruppo N die Bedingungen dieser

wenn der Zuschauer sich bewegt.

Wirklichkeit durch die Erkenntnisse

Die Arbeiten sind komplizierter

der modernen Wissenschaft

als einfache Umfassungen von

erschwert. Natürlich stellen diese

standardisierten Formen und

Aussagen nur einen Moment in

modernen Materialien-der Künstler

der Entwicklung der jeweiligen

erstellte die Werke in mühsamer

Gruppen dar. Die beteiligten Künstler

Arbeit mit der Hand, aber ihre

entwickelten sich weiter und

Umfassung der Unbestimmtheit

veränderten ihre Perspektiven, als die Jahre vergingen.23

Lehren der Wissenschaft des 20.

Die gemeinsame Betrachtung

Jahrhunderts.

offenbart die Vielfalt der Ansätze

miriorama 12, esposizione del gruppo t, galleria del cavallino, venezia _ aprile 1962

nimmt klare Inspirationen aus den

„Otto Piene im Gesprach mit João Ribas,“ in Otto Piene: Lichtballett (Cambridge: MIT, 2011), 51. 2

Die Bildung der Gruppo T’ begann 1959 und die Gruppe stellte erstmals gemeinsam Mitte Januar, 1960 aus. Die Gründung der Gruppo N wird manchmal auch auf 1959 datiert. Jedoch wurde gemäß Alberto Biasi, Gruppo Enne—später auch Gruppo N genannt—formell zwischen Ende Dezember 1960 und Januar 1961 konstituiert. Vorher waren Biasi und Massironi an einer anderen Gruppe mit dem Namen Enne-a oder Ennea beteiligt. Siehe “Ein Interview mit Alberto Biasi” in Marco Meneguzzo, Alberto Biasi: Opere scelte (Milan: Silvana Editoriale, 2013), 49. 3

Konversation mit dem Künstler, 16. April 2014. Schon vor dieser Zeit besaß Fontana ein Relief von Mack, welches er von der Ausstellung des Künstlers 1958 in Iris Clert kaufte. Siehe “ZERO e Azimuth. Un pozzo artesiano. Intervista di Stephan von Wiese a Heinz Mack,” in Meneguzzo, ed., Zero 1958-1968: Tra Germania e Italia (Milan: Silvana Editoriale, 2004), 165. 4

“Intervista di Marco Meneguzzo ad Alberto Biasi,” in Meneguzzo, Zero, 170.

Für eine genau untersuchte Geschichte der Azimut Ausstellungen, siehe Francesca Pola, ed., Manzoni: Azimut (London: Gagosian Gallery; Milan: Fondazione Piero Manzoni, 2011). Uecker wurde zwischen 1960 und 1961 Kern-Mitglied von Zero. Die Geschichte von Zero, siehe Renate Wiehager, ed., ZERO aus Deutschland 1957-1966. Und heute (Ostfildern-Ruit: Hatje Cantz; New York: D.A.P., 2000). 6

Das Bild erscheint in Meneguzzo, Biasi, 11.

7 “Intervista di Marco Meneguzzo ad Alberto Biasi,” in Meneguzzo, Zero, 170. Ein umfassender Bericht der Nove Tendencije Ausstellungen siehe Valerie Lynn Hillings, “Experimentale Künstlergruppen in Europa, 1951-1968: Abstraktion, Interaktion und Internationalismus,” PhD diss., Institut der Feinen Künste, New York, 2002. 8

Meneguzzo bezieht sich auf diese Gelegenheit als „Gipfel“ der Beziehungen zwischen Zero und den italienischen Gruppen. Meneguzzo, Zero, 45.

copertina catalogo nouvelle tendance, con i simboli del gruppo t e n, musée des arts décoratifs, parigi _ 1964

Intervista di Marco Meneguzzo ad Alberto Biasi,” in Meneguzzo, Zero, 170. Ein umfassender Bericht der Nove Tendencije Ausstellungen

Begriff aus der Quantenmechanik.20 Die ersten Schriften der Gruppe in

siehe Valerie Lynn Hillings, “Experimentale Künstlergruppen in Europa, 1951-1968: Abstraktion, Interaktion und Internationalismus,” PhD diss., Institut der Feinen Künste, New York, 2002. 10 Meneguzzo, Zero, 45. 11 Heinz Mack, “Die Neue Dynamische Struktur, Übersetzung und Neudruck in Lawrence Alloway, Zero (Cambridge: MIT Press, 1973), 14-15. 12 Mack, “ruhende Unruhe” Übersetzung und

Neudruck in ibid., 40-41.

13 Ibid., 40. 14 Giovanni Anceschi, Davide Boriani, Gianni Colombo, and Gabriele Devecchi, “Miriorama 1: Manifestazione del Gruppo T,” Galleria Pater, Milan, Januar 1960. Neudruck in Italo Mussa, Il Gruppo Enne: La situazione dei gruppi in Europa negli anni 60 (Rome: Bulzoni, 1976), 58. Mussas Band umfasst Reproduktionen aller größeren Texte, welche von den Gruppen N und T freigegeben wurden. 15 Anceschi, “Miriorama 5,” Galleria Pater, Milan, Februar 1960. Neudruck in Mussa, 60. 16 The italics are mine. 17 Colombo, “Miriorama 4,” Galleria Pater, Milan, Februar 1960. Neudruck in Mussa, 60. 18 “Mostra d’arte. Gianni Colombo,” Corriere della sera, Milan, 16. Oktober 1968. 19 Lucio Fontana, “Miriorama 10,” Galleria La Salita, Rom, April 1961. Neudruck in Mussa, 62. 20 Aussage der Gruppo N zur XII Premio Lissone, Lissone, 1961. Neudruck in Mussa, 300. 21 Gesammelte Schriften von Biasi und Landi für

Gruppo N, 1962. Neudruck in Mussa, 304.

22 Im Gegensatz zu vielen anderen Gruppen

unterschrieb die Gruppo N ihre Arbeit gemeinsam und schrieb diese keinem einzelnen Mitglied zu.

23 Die Künstler der Gruppe Zero waren sich in

Bezug auf den richtigen Weg der Gruppe nicht immer einig. Siehe Dieter Honisch und Heiner Stachelhaus, “Erklärungen: Eine Diskussion über ZERO: Heinz Mack, Otto Piene, Günther Uecker,” in Wiehager, 55-57.

“Our white rectangle is not ‘nothing at all’. In fact, it is, in the end, all we have. That is one of the limits of the art of film” Hollis Frampton, A Lecture, 1968

Riccardo Venturi

itself it could reach this point once

Resetting to zero is a work, an action

and for all, which believed in the

of the negative, the negative at work.

regenerating power of destruction,

Not a carnival which momentarily

on the artistic plane (raze cities,

suspends the governing laws in a

museums, monuments to the

space which is rigidly regulated,

ground), anthropological (focus on

like that of the easel canvas; not a

the regeneration of man), not to

mystical state in which one is silent

mention political.

Zero

about that about which one cannot

Let us imagine pictorial abstraction

The zero of Fontana, the zero of

speak; not a tabula rasa which rose

as a gesture which draws the line on

Manzoni, the zero of Lo Savio,

to become an artistic program; not a

the last lines of the artistic tradition;

the zero of Castellani, the zero of

back to square one (let’s get rid of the

it draws a line, line by line, and when

Schifano, the zero of Fabio Mauri:

Art Informel and look to the future).

it gets to the bottom turns the page.

how many zeroes has Italian postwar

Resetting to zero is, on the other

Instead of finding itself facing the

art known in such a short timespan!

hand, a point which has the strange

zero degree, an immaculate page, it

Our history of art, accustomed to

ability to reproduce itself, to present

finds itself with the back of a sheet

thinking of works and artists within

itself once again in the same way:

on which appear the erasures of the

schools and movements, has often

an eternal return of painting to the

front, on which one can make out in

considered such resetting to zero

same problems. It is a repetition

negative the hard work of negation.

of painting as a reaction to the Art

compulsion. Zero and repetition, zero

Or, let us imagine the artists intent

Informel. We have therefore not

as repetition. The zero manifests

on passing an eraser over the history

questioned the manner in which this

itself through repetition, it is the

of painting and on the surface

crazy desire for zeroes constituted

gesture of repetition itself, one of its

of the canvas. The blackboard

a compositional strategy—more

most brilliant manifestations.

never becomes black because the

complex and articulated than one

The zero point doesn’t only close

whiteness continues to accumulate

might believe—instead of a reaction

with the Art Informel, which after all

on its surface, creating spots, illegible

to informal drunkenness. The zero

was an easy prey, with its existential

nebulae which are loaded with the

is not a gesture that returns to the

falls and a language emptied of

past over which the eraser passed.

origin, but a placing into the cycle

sense for a generation of artists who

In other words, the zeroing out

of history, the same circularity of

lived at the time of the making of

as a repetition responds to a neo

the zero as a graphical sign. It is not

the social and aesthetic sphere into

avant-garde logic which we will try

a historically determined artistic

a spectacle. Instead, the zero point

to develop here by examining more

style as much as a cultural dominant

definitively ends the relationship

closely the destiny of a privileged

theme, as Fredric Jameson comments

with the futurist model which illuded

object such as the monochrome.

_ ZERO _ Projected monochrome

regarding post-modernism.

Monochrome reloaded

It is not easy to trace the extent

monochrome, for example the need

On actor-free film. Malevič

In parallel to this, attention has been

Though Malevič never completed

Monochrome holds no secrets

of the relations between the

to uproot the dominant conception

Whom else could we start with but

paid to Malevič’s four essays on film

the film and the project disappeared

for us. Reaching back to the most

two. Artists like Rodchenko

within the history of art, that claims

Malevič? He is an essential case in

in the twenties, in which he does

from circulation only to re-emerge

revolutionary trends of the first half

used monochrome to declare

that monochrome is nothing more

so far as he lived at a time when the

not hesitate to criticise the work

in the fifties, it may lead us to

of the 20th century, monochrome

the end of painting and its final

than a subgenre of painting, on a par

relationship between painting and

of Ejzenštejn (who responded with

reconsider the role played by moving

represents the backbone of abstract

reduction to pure colours with no

with landscape or still life, portraits

film was still subject to the values of

animosity) for its residual pictorial

images in the historic trajectory

painting, no doubt the most

further transcendental meaning

or nudes. Specifically, this reading

the fine arts, in a world yet to fully

quality and for the persistance of the

from impressionism to suprematism.

emblematic format of the modernist

nor psychological or spiritual

has impeded the consideration of

realise the revolution of the gaze

actor’s faces in close-up.

Other works in the same vein include

movement. We know its origins,

associations. What more could the

the relations between monochrome

held by cinema – that dynamite of

A tendency far removed from that

Storia suprematista di due quadrati

key works, exhibitions, reception,

artists of the fifties and sixties

and cinema. Now, what affinity

the tenth of a second that blew the

realm of “non-objective” film – the

(Suprematist history of two squares),

historical development, agenda

offer? Neo-avant-garde was thus

could possibly exist between the

world to pieces, to borrow Walter

correlate of post-cubist painting – in

an avant-guard masterpiece of

and messages communicated, and

undervalued and largely understood,

most iconoclastic surface ever

Benjamin’s expression.

which Malevič’s productions can be

graphic design created by El Lissitzky

the artists’ written programmes

reduced to a mere reproduction

designed in the history of painting

By then, for around twenty years,

placed, intent on pulverising the

in 1920 (and published by Van

of monochrome, as well as its

of the original. This break with

and film’s ability to showcase the

the supremacist painter had been

residual objects of reality.

Doesburg in 1922). Set within a red

decline and burn-out once the

tradition was repeated for a second

most outlandish of stories, between

engaged in an in-depth revision of

Neglected in the Soviet Union, this

circle (Earth), it tells the symbolic

historical conditions having given

his black and white squares. For

intuition was first realised by Hans

story of a red and a black square

of institutionalising the original

and leave nothing but silence on the

most (and not only in textbooks),

Richter, who played a crucial role.

fighting against chaos.

Monochrome has starred in

subversive movement that had

one hand and the desire to combine

these remain the very first abstract

Displayed in the same rooms of the

Projected monochrome would

courageous exhibitions (showing

essentially transformed avant-garde

heterogeneous moving elements,

paintings or – more subtly put and

retrospective on Mondrian in the

be unthinkable without the full

nothing but monochromes is risky for

creativity into museum art.

such as sounds and moving images

betraying the background and

Parisian Pompidou Centre in 2010,

fruition of the non-objective and

a museum), such as Lyon’s La couleur

Criticizing this parti pris, among

on the other? Nonetheless, the

expectations of today’s art historians

his films represent a prototype of

actor-free cinema that Malevič

seule. L’expérience du monochrome

others, of Peter Bürger (Theory of

history of monochrome painting runs

– the abstract icons of the 20th

projected monochrome. Malevič

dreamt of. Curiously, this trend was

(1988) and well-documented studies

the Avant-Garde) Benjamin Buchloh1,

in parallel to that of the blank screen

century. But some Malevič experts

met Richter in Berlin in 1927 and

combatted with an anti-modernist

such as that of Denys Riout

once again reflected on the meeting

of cinematographic projection. And

such as Alexandra Shatskikh, Oksana

was so struck by the encounter

stance by T.W. Adorno who, in

(La peinture monochrome. Histoire

of painting with the cultural industry

not just that; these two figures are

Bulgakowa and Margarita Tupitsyn2

that shortly after he would draft

“Filmtransparente” (1966), would

et archéologie d’un genre, 1996).

typical of the neo-avant-garde,

encountered multiple times, giving

now recognise the influence of

the screenplay for a film whose

reproach film for its photographic

Broadly speaking, one of the unique

placing the concept of authenticity in

rise to what I will call, for want of a

the silver screen on these aniconic

protagonists were not actors but

realism and resistance to totally

features of monochrome is the fact

opposition with that of seriality and

better name, projected monochrome.

paintings. These are not, or, better,

geometric shapes (indistinct squares,

renouncing the remains of

that it arose in line with two different

repetition, and that of the auratic

no longer function as painted

circles, crosses, rectangles). Its

representation.

historical movements: the avant-

experience of the work of art with

surfaces, but as screens. Such is the

title was programmatic: An artistic

garde and the post-war movement

that of ready-made models and

case, for example, of the black square

and scientific film: painting and

(from Yves Klein to the abstract

a de-mystified aesthetic experience.

enlivened by rays of light in the

the problems of the architectonic

expressionists to minimal art

There are further reasons to

scenography for the play Victory over

approach to the new classical-

and so on).

reconsider the second movement of

the sun, 1913.

architectonic system. 87

the impetus to reduce, to take away

time leading to the consequence

rise to its emergence disappeared.

as precisely as Leonardo

On the chromatic screen.

as freely as Picasso

Nam June Paik

I will attempt an initial definition:

On the slow inception

exhibition of twenty canvas and

of yellow. Tony Conrad

more the simultaneous projection

as colourfully as Renoir

Ok, Tony Conrad. If only he had read

of twenty films. Nonetheless, the

as profoundly as Mondrian

Paik’s text before creating his Yellow

Yellow Movies were later displayed

at the intersection of a form of

as violently as Pollock and

Movies. American experimental

in museums and to a contemporary

monochrome having abandoned the

as lyrically as Jasper Johns.

film-maker, pioneer in minimalist

art audience, that is, generally, as

music and active member of the

paintings.

projected monochrome occurs

exclusive realm of painting and a form of film having abandoned the

These few lines effectively

underground New York music

The Yellow Movies are made up of

exclusive realm of representation.

demonstrate the need to refine our

scene alongside LaMonte Young

one or more coloured squares held

With regard to the first phase of

analytical tools, raising them to the

and John Cale, in the realm of film

within a thick black frame, similar to

monochrome’s history, the names

level of those of the history of art

he is primarily known for The

the frames of a film. This likeness is

Malevič and Richter are of key

allowing us to explain, for example,

Flicker (1965). The Yellow Movies

also suggested by the fact that the

importance.

why a monochrome by Robert Ryman

were shown at the Millennium, a

support sometimes continues onto

But it was in its second phase –

is not the same as a monochrome

multi-functional alternative New

the ground, like a roll of film unrolling.

which extended, broadly speaking,

by Olivier Mosset. It will not be until

York space, in March 1973 for just

The frames are covered in cheap

from the second post-war period

art historians and film historians

one day, or, as the artist elegantly

varnish, creating a shiny whitish

onwards, peaking in the sixties and

each work on their own side in line

writes, “the only time the Yellow

finish that slowly evolves over time.

seventies, as a counter-trend to

with an agenda appropriate to their

Movies were shown in the twentieth

Conrad had the idea when he was

the mushrooming of information

discipline and no other, will this jump

century”. With regard to the 21st

lying in bed, staring at the ceiling

circulation and communication-that

in quality be possible. In this regard,

century, ten were shown at the

painted the year before and noticed

its multiple manifestations were

an anecdote on the American critic

2005 Lyon Biennial (Expérience de

that it was already yellowing.

seen. The work of Nam June Paik is

Annette Michelson springs to mind:

la durée), while others were shown

Or when he noticed the ghostly

pivotal, from Zen for Film (1964) to

in 1974, she had to choose an image

in Cologne and New York in 2007

imprint of a piece of furniture on

TV-Buddha (1974), to the cathode

emblematic of an independent

and, lastly, at the 2009 Venice

a wall. Conrad finally found the

ray tubes of the television set which

contemporary director for the cover

biennial. These showings say a lot

property he was looking for in

emanate light and produce a kind

of a book. Somebody suggested that

about the complexity of Conrad’s

emulsion paint, an “environmental

of de-materialized pictorialism. This

a blank screen would do the job, to

work: the first time round, in 1973,

responsiveness over a very, very long

is brilliantly described in a 1969

which Michelson replied: “But which

they were shown as cinema screens

scale of time”. But how slowly did the

text entitled Versatile Color TV

blank screen? That of Frampton,

before an audience largely made up

painted image change colour? Very

Synthesizer3.

Sharits, Brakhage, Breer, Conrad or

of avant-guard directors. For them,

– more slowly than Conrad imagined

By transducing electrical impulses

Kubelka?”4.

the screening was a fun occasion,

– since when the Yellow Movies were

into optical signals, the television

with the exception of Jonas Mekas,

exhibited in 2007 he deemed them

screen is modelled

for whom the installation made up

“pretty white for movies that are supposed to turn yellow”.

tony conrad_yellow movies

of painting-screens was less an

Not too slowly though, given his

Or at least occurs in more conceptual

On projection as exhibition

her agency, rather than the formal

screens of Alfredo Jaar (Lament of

intentions, that is, producing a film

than chromatic fashion. It is not

Conrad’s rage is understandable: as

representation occurring at its

the images, 2002 or The Sound of

able to last a lifetime – an extension

accessible to experience, not in a

late as the seventies, people did not

surface. Thus the turn-around

Silence, 2006); what David Batchelor

precisely covering our existence

physical plane, nor during a single

know that a projected monochrome is

suggested by none better than

– author of Cromophobia – has called

where art and life exist in a 1:1 ratio.

visit, nor during the average length

above all an exhibited monochrome.

Ad Reinhard in his 1946 vignette

“found monochromes”, showing that

Referring to them as “movies” and

of a temporary exhibition.

Set up within a museum space,

is completed: a visitor points at an

even the urban space of today’s cities

not “paintings”, Conrad placed the

Faced with the acceleration of time

it takes on a sculptural presence,

abstract painting and exclaims

is brimming with monochromes.

emphasis on movement and duration,

provided by technological devices,

that of the screen itself or the

“Ha Ha. What does this represent?”;

The list continues to be updated.

however imperceptible their

the Yellow movies challenge our

projector. Both types were recently

suddenly the painted signs take

sensitivity to light was. Reviewing

desire to capture, control, measure,

experienced by Rosa Barba. The

on the features of a wicked face

the Yellow Movies,

record and “customise” time.

first, for example, in Stating the

overlooking the space of the canvas,

a journalist ironically pointed out that

And they challenge rigid definitions

Real Sublime (2009), made up of

which turns against the spectator:

it was perfectly fitting to review a

of monochrome and cinema. Let us

a projector suspended from the

“What do you represent?”

film just when its projection was still

not forget Conrad’s rage when he

ceiling by the 16mm film and a light

(How to Look At Modern Art).

in progress. They are the antithesis

realised that at the 1972 document

projection on the wall. The second in

It is not surprising that, in his last year

of the American movie theatres

of life, 1967, Reinhard confessed

work was exhibited “in the palace”

a metaphor? (2010), an impressive

his intention to abandon painting

where the film’s unfolding is captured

(the Friedericianum), while the film-

work in need of specific reflection,

in favour of making films made

in a single shot, with the camera

makers were relegated to the local

where it is the museum itself with

up of a sequence of monochrome

shutter left open throughout the

cinema.

its oblong structure (the Centre

and colour-effect frames to Lucy

film’s duration. Sugimoto was the

internationale ‘art paysage’ on Ile

Lippard. Though he did not have time

first to be surprised by the result:

Vassivière) that acts as the projector.

to attempt this project, I am sure

all of the film’s images left nothing

In a paroxysmal development of the

it would form an integral part of a

but a dazzling light – nothing but a

sculpture-film – the term generally

genealogy of projected monochrome

projected monochrome.

used to describe Richard Serra’s

yet to be written.

The Yellow Movies are films created

videos from the seventies – the

It would include the works and

with no recording equipment, no

museum’s architecture becomes a

writings of Fernand Léger and

projector and no film, but not without

vast viewing device.

Moholy-Nagy; the American

a plot, though elementary:

The result of a hybrid between

structural films of the seventies;

the story of a rectangle (and not of

painting and film, between frame

the chromatic atmospheres invading

two squares as in El Lissitzky) turning

and screen, of a surface acting

architectonic spaces from James

yellow. Only that the process of

within a specific device, projected

Turrell to Veronica Jenssens; films

yellowing – an unequivocal sign of

monochrome directly questions

like Blue (1993) by Derek Jarman;

the passage of time – is invisible.

the role of the spectator and his/

the blinding white of the traumatic

Benjamin H.D. Buchloh, “The Primary Colors for the Second Time: A Paradigm Repetition of the Neo-Avant-Garde”, in October, 37, Summer 1986, pp. 41-52. 2

Alexandra Shatskikh, “Malevich and Film”, in The Burlington Magazine, 135/1084, July 1993, pp. 470-78; Kasimir Malevich, The White Rectangle. Writings on Film, care of Oksana Bulgakowa, Potemkin Press, Berlin-San Francisco 1997, 2002; Margarita Tupitsyn, Malevich and Film, Yale University Press, New Haven-London 2002. Nam June Paik, Versatile Color TV Synthesizer [1969], cit. in Judson Rosebush (edited by). Videa’n’Videology 1959-1973, Everson Museum of Art, Syracuse 1973. 3

Related in Annette Michelson, “Hollis Frampton: poïésis et mathésis”, in A. Michelson, Jean-Michel Bouhours (care of), Hollis Frampton. L’écliptique du savoir. Film, Photographie, Video, Centre Georges Pompidou, Paris 1999, pp. 11-23, cit. p. 23n14.

in Is it a two-dimensional analogy of

5 to which he was invited, the artists’

photographed by Hiroshi Sugimoto,

“Our white rectangle is not ‘nothing at all’. In fact, it is, in the end, all we have. That is one of the limits of the art of film” Hollis Frampton, A Lecture, 1968

Riccardo Venturi

col modello futurista che s’illudeva

esprime Fredric Jameson a proposito

di raggiungere una volte per tutte

del postmodernismo.

questo punto, che credeva nel potere

L’azzeramento è un lavoro, un’azione

rigenerante della distruzione, sul

del negativo, il negativo all’opera.

piano artistico (radere al suolo città,

Non un carnevale che sospende

musei, monumenti), antropologico

momentaneamente le leggi vigenti

(puntare alla rigenerazione

in uno spazio rigidamente regolato

dell’uomo) se non politico.

come quello del quadro; non uno

Immaginiamo l’astrazione pittorica

Zero

stato mistico in cui si tace su ciò

come un gesto che tira la linea

Lo zero di Fontana, lo zero di

di cui non si può parlare; non una

sulle ultime righe della tradizione

Manzoni, lo zero di Lo Savio, lo zero

tabula rasa assurta a programma

artistica; tira una linea rigo per rigo e

di Castellani, lo zero di Schifano,

artistico; non un punto e accapo

quando arriva in fondo volta pagina.

lo zero di Fabio Mauri: quanti zeri

(sbarazziamoci dell’Informale e

Anziché trovarsi davanti al grado

ha conosciuto l’arte italiana del

guardiamo al futuro).

zero, a una pagina immacolata, si

dopoguerra in un lasso temporale

L’azzeramento è al contrario un

ritrova con il verso di un foglio in cui

così circoscritto! La nostra storia

punto che ha la strana capacità di

traspaiono le cancellature del recto,

dell’arte, abituata a pensare opere

riprodursi, di ripresentarsi tale e

in cui s’intravede in negativo il lavoro

e artisti all’interno di scuole e

quale, un eterno ritorno della pittura

faticoso della negazione.

movimenti, ha spesso considerato

agli stessi problemi. Una coazione

Oppure, immaginiamo gli artisti

tale azzeramento della pittura come

a ripetere. Zero e ripetizione, zero

intenti a passare ogni tanto una

una reazione all’Informale. Non ci

come ripetizione. Lo zero si manifesta

mano di cancellino sulla storia della

si è così interrogati sul modo in cui

attraverso la ripetizione, è il gesto

pittura e sulla superficie della tela.

questa voglia pazza di zero abbia

stesso della ripetizione, una delle sue

La lavagna non diventa mai nera perché

costituito una strategia compositiva

manifestazioni più lampanti.

il bianco continua ad addensarsi sulla

– più complessa e articolata di

Il punto zero non chiude soltanto

sua superficie, a creare macchie,

quanto si possa pensare – piuttosto

con l’Informale, che era una preda

nebulose illeggibili ma cariche

che una reazione all’ubriacatura

facile in fondo, con i suoi cascami

del passato su cui si è passato il

informale. Lo zero non è un gesto

esistenzialisti e un linguaggio

cancellino. Insomma l’azzeramento

che torna all’origine, ma una messa

svuotato di senso per una

come ripetizione risponde a una

in circolo della storia, la stessa

generazione di artisti che viveva ai

logica neo-avanguardista, che qui

circolarità dello zero in quanto

tempi della spettacolarizzazione della

proveremo a sviluppare guardando

segno grafico. Non uno stile artistico

sfera sociale ed estetica. Il punto

più da vicino il destino di un oggetto

storicamente determinato quanto

zero chiude invece definitivamente

privilegiato quale il monocromo.

_ ZERO _ Il monocromo proiettato

una dominante culturale, come si

Monocromo reloaded

art e così via). Misurare le relazioni

Ci sono tuttavia altre ragioni per

Del cinema senza attori.

Il monocromo non ha segreti per noi.

che intercorrono tra le due non è

riconsiderare il secondo tempo del

Malevič

Spingendo agli estremi le tendenze

facile. Artisti come Rodchenko si

monocromo, ad esempio la necessità

Cominciamo – come potrebbe essere

più rivoluzionarie della prima metà del

erano serviti del monocromo per

di sradicare l’idea dominante, propria

altrimenti? – da Malevič.

XX secolo, il monocromo rappresenta

dichiarare la fine della pittura e la

della storia dell’arte, secondo

Un caso cruciale in quanto vive in un

la spina dorsale dell’astrazione

sua ultima riduzione ai colori puri,

cui il monocromo non è altro che

periodo in cui i rapporti tra pittura

pittorica, senza dubbio la forma

senza più significati trascendentali né

un sottogenere della pittura, al

e cinema sono ancora sottoposti al

più emblematica della vicenda

associazioni psicologiche

pari del paesaggio o della natura

sistema delle belle arti, in un mondo

modernista.

o spirituali. Cosa mai potevano

morta, del ritratto o del nudo.

che non ha ancora pienamente

Del monocromo conosciamo le

aggiungere gli artisti degli anni

Nello specifico, questa lettura ha

realizzato la rivoluzione dello sguardo

origini, le opere chiave, le occasioni

cinquanta e sessanta?

impedito di considerare i rapporti tra

di cui il cinema era portatore – quella

espositive, la ricezione, lo sviluppo

La neo-avanguardia fu quindi

il monocromo e il cinema. Ora, quale

dinamite dei decimi di secondo che

storico, l’agenda e i messaggi

sottovalutata e sostanzialmente

affinità vi sarà mai tra la superficie più

manda a pezzi il mondo, secondo

veicolati, gli scritti programmatici

incompresa, ridotta a una mera

iconoclasta che la storia della pittura

l’espressione di Walter Benjamin.

degli artisti, così come il declino e

riproduzione dell’originale. Una

abbia concepito e l’abilità del cinema

Da una ventina d’anni è in corso una

l’esaurimento una volta venute meno

profonda revisione dei quadrati neri

una seconda volta che aveva

più stravaganti, tra la spinta alla

e bianchi del pittore suprematista.

segnato l’emergenza. Il monocromo

avuto, come conseguenza, quella

sottrazione, al venir meno, al silenzio

Per lo più sono ancora considerati,

è stato protagonista di mostre

d’istituzionalizzare quel gesto

da una parte e la spinta a combinare

non solo nei manuali scolastici, come

coraggiose (esporre nient’altro

originale ed eversivo, di aver

elementi eterogenei quali suoni e

i primissimi dipinti astratti o – in modo

che monocromi è un azzardo per

contribuito insomma a trasformare

immagini in movimento dall’altra?

più sottile che tradisce la formazione

un museo) come La couleur seule.

l’avanguardia in un’arte da museo.

Nondimeno, la storia del monocromo

e l’orizzonte d’attese dei nostri storici

L’expérience du monochrome di

Criticando questo parti pris proprio

pittorico corre parallela a quella dello

dell’arte – come icone astratte del XX

Lione (1988), così come di studi

tra gli altri di Peter Bürger (Teoria

schermo bianco della proiezione

secolo. Ma alcune studiose di Malevič

ben documentati come quello

dell’avanguardia), Benjamin Buchloh1

cinematografica.

quali Alexandra Shatskikh, Oksana

di Denys Riout (La peinture

è tornato a riflettere sull’incontro

Non solo, queste due figure si sono

Bulgakowa e Margarita Tupitsyn2

monochrome. Histoire et archéologie

della produzione pittorica con

incontrate diverse volte, dando vita a

concordano ormai nel riconoscere

di luce nella scenografia dello

per quell’insistenza sui primi piani

d’un genre, 1996).

l’industria culturale tipico delle neo-

quello che, faute de mieux, chiamerò

l’influenza che lo schermo

spettacolo teatrale Vittoria sul sole

dei volti degli attori. Un’inclinazione

In grande sintesi, una delle peculiarità

avanguardie, opponendo al concetto

monocromo proiettato.

cinematografico ha esercitato su

(1913). Parallelamente ci si è rivolti

lontana da quel cinema “non-

del monocromo è di aver conosciuto

di autenticità quello di serialità e di

questi dipinti aniconici. Questi non

ai quattro scritti che Malevič ha

obiettivo” – corrispettivo della pittura

due distinte occorrenze storiche:

ripetizione, all’esperienza auratica

sono, o meglio non funzionano più,

consacrato al cinema negli anni venti

post-cubista – nel cui solco Malevič

quella delle avanguardie e quella

dell’opera d’arte il modello del

come superfici pittoriche ma come

e in cui non esita a criticare i film

inscriveva la sua produzione, tesa a

del dopoguerra (da Yves Klein agli

readymade e la demistificazione

schermi; è il caso, ad esempio, del

di Ejzenštejn (che gli rispose per le

polverizzare gli oggetti residui della

espressionisti astratti alla minimal

dell’esperienza estetica.

quadrato nero animato dai raggi

rime) per il loro residuo pittorialista,

realtà.

el lissitzky_storia di due quadrati

a mettere in immagine le storie

rottura con la tradizione ripetuta

le condizioni storiche che ne hanno

Ignorata in Unione Sovietica,

terra), racconta la storia simbolica

circolazione dell’informazione e

non sarà possibile. Al proposito

century”. Riguardo al XXI secolo, dieci

col tempo. Conrad ha l’idea quando,

quest’intuizione trovò una prima

di un quadrato rosso e uno nero in

della comunicazione – che le sue

mi viene in mente un aneddoto

sono stati installati alla Biennale

disteso a letto, fissa il soffitto dipinto

realizzazione con Hans Richter, il cui

lotta contro il caos. Il monocromo

manifestazioni si moltiplicano.

sulla critica americana Annette

di Lyon nel 2005 (Expérience de la

l’anno precedente e si rende conto

ruolo è cruciale. Installati nel 2010

proiettato è impensabile senza

Il lavoro di Nam June Paik s’impone,

Michelson: nel 1974, doveva scegliere

durée), altri a Colonia e New York nel

che stava già ingiallendo. O quando

nelle stesse sale della retrospettiva

il pieno raggiungimento di quel

da Zen for Film (1964) a TV-Buddha

un’immagine emblematica di un

2007 e infine alla biennale veneziana

scopre il segno fantasmatico lasciato

su Mondrian al Pompidou di Parigi,

cinema non-oggettivo e senza

(1974), fino ai tubi catodici della

regista indipendente contemporaneo

del 2009. Queste occasioni espositive

da un mobile sul muro retrostante.

i suoi film sono uno dei prototipi

attori vagheggiato da Malevič.

televisione che emanano luce e

per la copertina di un libro. Qualcuno

rivelano bene la complessità del

Nella pittura a emulsione Conrad

del monocromo proiettato. Malevič

Curiosamente, questa tendenza

producono una sorta di pittorialismo

le suggerì che uno schermo vuoto

lavoro di Conrad: la prima volta, nel

trova finalmente la proprietà

incontrò Richter a Berlino nel 1927

fu impugnata con intenti anti-

smaterializzato. Questo trova

avrebbe fatto l’affare, al ché

1973 sono esposti come schermi

di cui andava alla ricerca, un

e restò così colpito da abbozzare

modernisti da T.W. Adorno che,

una brillante descrizione in un

Michelson rispose: “Ma quale schermo

cinematografici, davanti a un

“environmental responsiveness over

poco dopo la sceneggiatura per un

in “Filmtransparente” (1966),

testo del 1969, Versatile Color TV

vuoto? Quello di Frampton, di Sharits,

pubblico composto in gran parte

a very, very long scale of time”.

film i cui protagonisti non erano

rimproverava al cinema il suo

Synthesizer3. Traducendo impulsi

di Brakhage, di Breer, di Conrad

di registi d’avanguardia. Presero lo

Ma quanto lentamente l’immagine

attori ma forme geometriche

realismo fotografico e la resistenza

elettrici in segnali ottici, lo schermo

o di Kubelka?”4.

screening per un divertissement,

dipinta cambiava colore? Molto

(quadrati, cerchi, croci, rettangoli

a sciogliere totalmente il suo residuo

televisivo viene modellato

a eccezione di Jonas Mekas, per cui

lentamente, più di quanto Conrad

sfumati). Programmatico il titolo:

rappresentativo.

l’installazione dei dipinti-schermi era

immaginasse, al punto che quando

Del lento divenire

meno una mostra di venti quadri che

gli Yellow Movies furono esposti

del giallo. Tony Conrad

la proiezione simultanea di venti film.

nel 2007 dichiarò che erano “pretty

Già, Tony Conrad. Chissà se aveva

Tuttavia in seguito i Yellow Movies

white for movies that are supposed

as precisely as Leonardo

Un film artistico e scientifico: la

as freely as Picasso

pittura e i problemi dell’approccio architettonico al nuovo sistema

Dello schermo cromatico.

as colourfully as Renoir as profoundly as Mondrian

letto il testo di Paik prima di

sono stati esposti in istituzioni

to turn yellow”.

Azzardo una prima definizione:

as violently as Pollock and

realizzare i suoi Yellow Movies.

museali e davanti al pubblico

Non troppo lentamente

mai e il progetto, scomparso dalla

il monocromo proiettato si produce

as lyrically as Jasper Johns.

Filmmaker sperimentale americano,

dell’arte contemporanea, ovvero,

pertanto, tenuto conto delle sue

circolazione, riemerse solo negli anni

all’intersezione tra un monocromo

pioniere della musica minimalista,

sostanzialmente, come quadri.

intenzioni, ovvero la produzione

cinquanta, ci spinge a riconsiderare il

che ha abbandonato il campo

Poche righe che mostrano bene

membro attivo della scena musicale

I Yellow Movies sono costituiti da

di un film che durasse una vita

ruolo che le immagini in movimento

esclusivo della pittura e un cinema

la necessità di affinare i nostri

underground newyorkese assieme

uno o più quadrati colorati trattenuti

intera – un’estensione che copra

hanno svolto in quella parabola

che ha abbandonato quello della

strumenti d’analisi, all’altezza di quelli

a LaMonte Young e John Cale, in

da una spessa cornice nera, simili

precisamente la nostra esistenza,

storica che va dall’impressionismo

figurazione. Riguardo al primo tempo

della storia dell’arte che permettono

campo cinematografico è conosciuto

a fotogrammi di una pellicola

in cui arte e vita siano in scala

al suprematismo. Nello stesso solco

della storia del monocromo, i nomi di

di spiegare, ad esempio, perché un

soprattuto per The Flicker (1965).

cinematografica. Una vicinanza

1:1. Chiamandoli “movies” e non

s’inscrivono altre opere come la Storia

Malevič e Richter s’impongono.

monocromo di Robert Ryman non

I Yellow Movies furono esposti al

suggerita tra l’altro dal fatto che a

“paintings”, Conrad insisteva sul

suprematista di due quadrati, un

Ma è nel secondo tempo – che

è un monocromo di Olivier Mosset.

Millennium, uno spazio alternativo

volte il supporto continua a terra,

movimento e sulla durata, non

capolavoro avanguardista di graphic

va grosso modo dal secondo

Finché storici dell’arte e storici del

multi-funzionale di New York, nel

come una bobina srotolata.

importa quanto impercettibile

design realizzato da El Lissitzky nel

dopoguerra in poi con un’apice

cinema lavoreranno ognuno per

marzo 1973 per una sola giornata

I quadrati sono ricoperti con una

fosse la loro sensibilità alla luce.

1920 (e pubblicato nel 1922 da Van

tra gli anni sessanta e settanta,

conto proprio, secondo un’agenda

o, come scrive elegantemente

vernice per interni a buon mercato,

Recensendo i Yellow Movies, un

Doesburg).

in controtendenza rispetto

propria alla loro disciplina e solo

l’artista, “the only time the Yellow

che crea una patina brillante e

giornalista notò ironicamente che

Ambientata in un cerchio rosso (la

all’accelerazione ipertrofica nella

a quella, questo salto qualitativo

Movies were shown in the twentieth

biancastra che evolve lentamente

capitava di rado di recensire un

Nam June Paik

Sebbene Malevič non lo realizzò

classico architettonico.

di catturare, controllare, misurare,

museo stesso con la sua struttura

Lippard l’intenzione di abbandonare

sua prima proiezione era ancora

registrare, “customizzare” il tempo.

oblunga (il Centre internationale

la pittura per realizzare dei film,

in corso. Siamo agli antipodi delle

E sfidano le definizioni legnose del

‘art paysage’ dell’Ile Vassivière) a

costruiti come una sequenza di

sale cinematografiche americane

monocromo e del cinema.

servire da proiettore. In uno sviluppo

fotogrammi monocromi e di effetti

fotografate da Hiroshi Sugimoto,

Non dimentichiamo la rabbia di

parossistico del film–scultura – con

cromatici. Se gli mancò il tempo di

in cui lo svolgimento del film viene

Conrad quando realizzò che, alla

cui s’indicano generalmente i video

abbozzare questo progetto, sono

catturato in un singolo scatto,

documenta 5 del 1972 cui era

degli anni settanta di Richard Serra

certo che farebbe parte integrante

con l’otturatore della macchina

stato invitato, gli artisti erano ben

– l’architettura diventa un’immensa

di una genealogia del monocromo

fotografica lasciato aperto per tutta

esposti “in the palace” (ovvero al

macchina di visione.

proiettato che resta da scrivere.

la lunghezza del film.

Friedericianum), mentre i filmmakers

Risultato di un’ibridazione tra pittura

In questa vi sarà spazio per le opere

Sugimoto fu il primo a essere

erano relegati nel cinema locale.

e cinema, tra quadro e schermo,

e gli scritti di Fernand Léger

sorpreso dal risultato: di tutte le

di una superficie che funziona

e Moholy-Nagy; per il cinema

immagini del film, non restava altro

all’interno di un dispositivo specifico,

strutturale americano degli

Della proiezione in quanto

il monocromo proiettato mette

anni settanta; per le atmosfere

luce – nient’altro che un monocromo

esposizione

direttamente in causa il ruolo dello

cromatiche che invadono lo spazio

proiettato.

La rabbia di Conrad è comprensibile:

spettatore, la sua agency (per

architettonico, da James Turrell a

I Yellow Movies sono film realizzati

ancora negli anni settanta s’ignorava

utilizzare un termine difficilmente

Veronica Jenssens; per un film come

senza macchina da presa, senza

che un monocromo proiettato è

traducibile), piuttosto che la

Blue (1993) di Derek Jarman; per

proiettore, senza pellicola ma non

anzitutto un monocromo esposto.

rappresentazione formale che si

il bianco accecante degli schermi

senza trama, sebbene elementare:

Installato in uno spazio museale,

dispiega sulla superficie. Si compie

traumatici di Alfredo Jaar (Lament

la storia di un rettangolo (e non di

assume una presenza scultorea, che

così appieno quella rotazione che

of the images, 2002 o The Sound

due quadrati come in El Lissitzky)

sia quella dello schermo stesso o

nessuno meglio di Ad Reinhard ha

of Silence, 2006); per quelli che David

che diventa giallo. Solo che il

del proiettore. Entrambe queste

suggerito in una vignetta del 1946:

Batchelor – autore del fortunato

processo d’ingiallimento – segno

tipologie sono state sperimentate

un visitatore punta il dito contro un

Cromofobia – ha chiamato “found

inequivocabile del trascorrere del

di recente da Rosa Barba. La prima,

quadro astratto esclamando “Ha Ha.

monochromes”, mostrando a che

tempo – è invisibile. O perlomeno è di

ad esempio, in Stating the Real

What does this represent?”; di colpo

punto lo spazio urbano delle nostre

natura più concettuale che cromatica.

Sublime (2009), costituita da un

i segni dipinti prendono le fattezze

metropoli rigurgiti di monocromi.

Non è accessibile all’esperienza, non

proiettore sospeso al soffitto dalla

di un volto malevolo prospiciente

La lista è in continuo aggiornamento.

su un piano fisico, non nel corso di

pellicola 16 mm, e da una proiezione

lo spazio della tela che si ritorce

una singola visita né della durata

di luce sul muro. La seconda in

così contro lo spettatore: “What

media di una mostra temporanea.

Is it a two-dimensional analogy

do you represent?” (How to Look

Davanti all’accelerazione del tempo

of a metaphor? (2010), un’opera

At Modern Art). Non sorprenderà

dei dispositivi tecnologici, gli Yellow

impressionante che richiederebbe

che nel suo ultimo anno di vita, il

movies sfidano la nostra illusione

una riflessione a parte, in cui è il

1967, Reinhard confessava a Lucy

che un’abbagliante emanazione di

Benjamin H.D. Buchloh, “The Primary Colors for the Second Time: A Paradigm Repetition of the Neo-Avant-Garde”, in October, 37, Summer 1986, pp. 41-52. 2

Alexandra Shatskikh, “Malevich and Film”, in The Burlington Magazine, 135/1084, July 1993, pp. 470-78; Kasimir Malevich, The White Rectangle. Writings on Film, a cura di Oksana Bulgakowa, Potemkin Press, Berlin-San Francisco 1997, 2002; Margarita Tupitsyn, Malevich and Film, Yale University Press, New Haven-London 2002. Nam June Paik, Versatile Color TV Synthesizer [1969], cit. in Judson Rosebush (a cura di). Videa’n’Videology 1959-1973, Everson Museum of Art, Syracuse 1973. 3

Raccontato in Annette Michelson, “Hollis Frampton : poïésis et mathésis”, in A. Michelson, Jean-Michel Bouhours (a cura di), Hollis Frampton. L’écliptique du savoir. Film, Photographie, Vidéo, Centre Georges Pompidou, Paris 1999, pp. 11-23, cit. p. 23n14.

film nel momento stesso in cui la

_ ZERO _ Der monochrome Bildschirm

Riccardo Venturi

„Unser weißes Rechteck ist „ gar nichts“. In der Tat ist es letztendlich alles, was wir haben.

Negativs, das Negativ der Kunst.

im Grunde eine leichte Beute war.

Kein Karneval, der die herrschenden

Der Nullpunkt schließt endgültig

Lo Savios Zero, Castellanis Zero,

Gesetze eines streng geregelten

mit dem futuristischen Modell,

Schifanos Zero, Fabio Mauris Zero:

Raumes wie dem des Gemäldes

das sich vormachte, diesen Punkt

Italiens Kunst der Nachkriegszeit

vorübergehend außer Kraft

ein für allemal zu erreichen und

hat in einem zeitlich so begrenzten

setzt; kein mystischer Zustand, in

das an die regenerierende Macht

Rahmen besonders viele

dem man das verschweigt, über

der Zerstörung auf künstlerischer

Nullstellen kennengelernt! Unsere

das man nicht sprechen darf;

(Städte, Museen, Denkmäler

Kunstgeschichte, die es gewohnt

keine Tabula rasa, die zu einem

dem Erdboden gleich machen),

war, Kunstwerke und Künstler als

Künstlerprogramm ‚emporgestiegen‘

anthropologischer (auf die

Teil einer Schule und verschiedener

ist; kein Punktsetzen und zum

Erneuerung des Menschen zielen)

Bewegungen anzusehen, hat eine

Zeilenanfang wechseln (lasst uns

und sogar politischer Ebene glaubte.

solche komplette Nihilierung der

des Informellen entledigen und in die

Stellen wir uns die malerische

Malerei oft als eine Reaktion auf

Zukunft schauen). Die Nullstellung

Abstraktion als eine Geste vor, die

das Informelle gesehen. So hat

ist ganz im Gegenteil ein Punkt, der

ihre Linie auf den letzten Zeilen der

man sich nicht danach gefragt, in

die eigenartige Fähigkeit besitzt,

künstlerischen Tradition zeichnet;

welcher Weise dieses verrückte

sich zu reproduzieren, sich als

sie zeichnet eine Linie Zeile für

Verlangen nach der Null eine

jenes oder solches vorzustellen,

Zeile und sobald sie am unteren

kompositorische Strategie – die

eine ewige Wiederkehr der

Rand angelangt ist, schlägt sie ein

sehr viel komplexer und sehr viel

gleichen Probleme der Malerei.

neues Kapitel auf. Anstatt den

durchdachter ist, als man glauben

Ein Wiederholzwang. Null und

Nullpunkt, eine makellose Seite

könnte – bildete und eher weniger

Wiederholung, Null als Wiederholung.

vorzufinden, findet sie sich vor der

als eine Reaktion auf den formellen

Die Null manifestiert sich durch

Rückseite eines Blattes wieder, auf

Rausch zu betrachten sei. Die Null ist

die Wiederholung, sie ist die Geste

der die Streichungen der Vorderseite

selbst der Wiederholung, eine

deutlich erkennbar sind und man

sondern ein Umlaufbringen der

ihrer auffälligsten Erscheinungen.

das Negativ der harten Arbeit der

in der Filmkunst.“

Geschichte, der Zirkularität der

Der Nullpunkt schließt nicht nur

Negation erblickt. Oder stellen wir

Null selbst als grafisches Zeichen.

mit dem Informellen, das wegen

uns die Künstler vor, die mit einer

Kein künstlerischer, historisch

seiner existenzialistischen

Hand hin und wieder die Geschichte

determinierter Stil einer kulturellen

Abfallprodukte und einer für die

der Malerei wegwischen und die

Dominante, wie es Fredric James

Künstlergeneration, welche in einer

Oberfläche der Leinwand reinigen.

in Bezug auf die Postmoderne

Zeit der Spektakularisierung der

Die Tafel wird nie schwarz, weil

ausgedrückt hat. Die Nullstellung

sozialen und ästhetischen Sphäre

das Weiß sich auf der Oberfläche

ist eine Arbeit, eine Tätigkeit des

lebte, bedeutungslosen Sprache

weiter verdickt und sich Flecken,

101

keine Geste zurück zum Ursprung,

Dies ist eine der Grenzen

Hollis Frampton, A Lecture, 1968

100

Zero

Fontanas Zero, Manzonis Zero,

unleserliche Nebelflecken bilden,

gewagten Ausstellungen (die nichts

die Institutionalisierung dieser

Affinität gibt es nun zwischen den

der Zehntelsekunden, die die Welt in

zögert, die Filme von Ejzenštejn

die mit Vergangenheit getränkt

anderes als Monochromie zeigen und

ursprünglichen und subversiven

ikonoklastischen Oberflächen,

Stücke reißt, um es mit den Worten

wegen ihrer piktoralistischen

sind und über die hinweggewischt

für ein Museum ein Wagnis ist), wie

Geste zur Folge hatte, die zur

die die Geschichte der Malerei

von Walter Benjamin auszudrücken.

Rückständigkeit und dem Beharren

wurde. Die Nullstellung als

z. B. La couleur seule. L´expérience

Umwandlung der Avantgarde in eine

entworfen hat und der Fähigkeit

In den letzten zwanzig Jahren hat

auf Nahaufnahmen der Gesichter

Wiederholung reagiert also auf eine

du monochrome von Lione (1988),

für Museen geeignete Kunst beitrug.

des Films, die extravagantesten

eine gründliche Überprüfung der

der Akteure zu kritisieren (was

neoavantgardistische Logik, die wir

ebenso wie die gut dokumentierten

Benjamin Buchloh1, der diese Teile

Geschichten darzustellen, zwischen

schwarzen und weißen Quadrate

die Reime beantwortet haben).

versuchen hier zu entwickeln. Hierfür

Studien, wie z. B. die von Denys Riout

der Theorien von Peter Bürger

dem Differenzwert bis zum

des vorherrschenden Malers

Ein sich Abwenden von diesem

betrachten wir das Schicksal eines

(La peinture monochrome. Histoire et

(Theorie der Avantgarde) kritisierte,

Verblassen, dem Schweigen auf der

stattgefunden. In den meisten

„nicht objektiven Film“ – unter

privilegierten Gegenstandes, das

archéologie d´un genre, 1996).

kehrte zu seinen Gedanken bezüglich

einen Seite und andererseits dem

Fällen werden Sie weiterhin, nicht

Berücksichtigung der post-

Monochrome, aus nächster Nähe.

Ganz kurz gesagt ist eine der

des Aufeinandertreffens der

Bestreben, heterogene Elemente

nur in Schulbüchern, als die ersten

kubistischen Malerei – in deren

Besonderheiten der Monochromie

künstlerischen Produktion mit der

wie Sound und bewegte Bilder zu

abstrakten Gemälde betrachtet

Zeichen Malevič seine Produktion

Der monochrome Bildschirm

die Existenz zweier unterschiedlicher

typischen neoavantgardistischen

kombinieren? Dennoch verläuft

oder - in einer subtileren Art und

einordnete, eine Theorie, welche

Die Monochromie birgt keine

historische Ereignisse: die

Kulturindustrie zurück und

die Geschichte des monochromen

Weise, als Verrat an der Ausbildung

die verbleibenden Objekte der

Geheimnisse für uns. Durch Erweitern

Avantgarde und die Nachkriegszeit

widersprach dem Konzept der

Bildes parallel zu der des weißen

und den Horizont der Erwartungen

Wirklichkeit pulverisieren sollte.

aufs Äußerste der revolutionärsten

(von Yves Klein über die abstrakten

Authentizität von Serie und

Bildschirms von Kinoprojektionen.

unserer Kunsthistoriker - als

In der Sowjetunion ignoriert, wurde

Tendenzen der ersten Hälfte

Expressionisten zur Minimalkunst

Wiederholung, dem Erlebnis des

Nichtsdestotrotz sind sich diese

abstrakte Symbole des Zwanzigsten

diese Intuition zum ersten Mal durch

des Zwanzigsten Jahrhunderts,

usw.). Die Beziehung zwischen den

auratischen Kunstwerks, dem

beiden Figuren mehrmals begegnet,

Jahrhunderts. Aber einige Malevič-

Hans Richter verwirklicht, dessen

repräsentiert die Monochromie

beiden zu messen, ist nicht leicht.

Readymade-Modell und der

was ich, mangels einer besseren

Gelehrte wie Alexandra Shatskikh,

Rolle entscheidend war. 2010 in

in der Malerei das Rückgrat der

Künstler wie Rodchenko hatten

Entmystifizierung der ästhetischen

Bezeichnung, monochromen

Oksana Bulgakowa und Margarita

den gleichen Sälen vorgeführt,

Abstraktion und ist ohne Zweifel

die Monochromie genutzt, um das

Erfahrung.

Bildschirm nenne.

Tupitsyn2, stimmen darin überein,

in denen im Centre Pompidou in

das Wahrzeichen der Geschichte des

Ende der monochromen Malerei und

Es gibt allerdings andere Gründe,

Modernismus. Von der Monochromie

ihr endgültige Reduktion auf reine

die zweite Hälfte der Monochromie

kennen wir die Herkunft, die

Farben zu erklären, ohne mehrere

Hauptwerke, die Ausstellungen, die

transzendentale Bedeutungen

Entstehung, den geschichtlichen Werdegang, die Agenda und die

stattfand, sind seine Filme einer

zu berücksichtigen, z. B. die

Malevič

hatte, anzuerkennen. Diese sind

der Prototypen der monochromen

Notwendigkeit, die beherrschende

Beginnen wir – wie könnte es

keine- oder vielmehr funktionieren

Bildschirme. Malevič traf Richter 1927

oder geistige oder psychische

Idee der Kunstgeschichte, nach der

anders sein? - Mit Malevič. Ein

nicht mehr als Maler-Leinwände,

in Berlin und war kurz darauf sehr

Assoziationen. Was konnten die

die Monochromie nichts weiter als ein

entscheidender Fall, da er in einer

sondern als Bildschirme; Das ist z. B.

von dem Drehbuch für einen Film

vermittelten Botschaften, die

Künstler der fünfziger und sechziger

untergeordnetes Genre der Malerei

Zeit lebte, als die Beziehungen

der Fall beim schwarzen animierten

beeindruckt, indem die Protagonisten

programmgemäßen Schriften der

Jahre hinzufügen? Die Neo-

ist, wie z. B. Landschaftsmalerei,

zwischen Malerei und Kino noch

Quadrat bis hin zu Lichtstrahlen in

keine Schauspieler, sondern

Künstler sowie den Niedergang und

Avantgarde wurde auf eine bloße

Stillleben, Porträt- oder Aktmalerei,

dem System der bildenden Kunst

der Szene des Theaterstücks Vittoria

geometrische Formen waren

das Verblassen nach dem Scheitern

Reproduktion des Originals reduziert

zu beseitigen. Insbesondere hat

untergeordnet waren, in einer

sul sole (1913).

(Quadrate, Kreise, Kreuze, nuancierte

der historischen Bedingungen,

und dementsprechend unterschätzt

diese Lektüre die Berücksichtigung

Welt, die noch nicht vollständig

Gleichzeitig zielt es auf vier

Rechtecke). Programmatisch ist

die den Ausnahmezustand

und gründlich missverstanden.

der Beziehung zwischen

die Weise realisiert hatte, in

Schreiben ab, die Malevič in

die Überschrift: ein künstlerischer

gekennzeichnet haben. Die

Ein Bruch mit der zum zweiten

der Monochromie und der

welcher der Film den Überblick

den zwanziger Jahre dem Film

und wissenschaftlicher Film:

Monochromie war Protagonist in

Mal wiederholten Tradition, der

Kinematografie verhindert. Welche

revolutionierte, jene explosive Macht

gewidmet hat und in denen er nicht

die Malerei und Probleme der

103

Paris die Mondrianretrospektive

auf diese anikonischen Gemälde

102

den Einfluss, den die Kinoleinwand Der Film ohne Darsteller

architektonischen Annäherung

Realismus und sein Widerstreben,

Signale in optische Signale wird der

Bildschirm? Den von Frampton,

gezeigt, das zum größten Teil aus

fand Conrad schließlich die

an das neue System klassischer

seinen repräsentativen Rückstand

Bildschirm moduliert, und zwar

Sharits, Brakhage, Bree, Conrad oder

avantgardistischen Regisseuren

Eigenschaft, die er suchte, eine

Architektur. Obwohl Malevič es nie

vollständig aufzugeben, kritisierte.

von Kubelka?4“

bestand. Bis auf Jonas Mekas, für

„ökologische Reaktionsfähigkeit“

den die Installation der Gemälde-

über einen sehr langen Zeitraum

so genau wie Leonardo

verwirklicht hat und das Projekt von

so frei wie Picasso

Das langsame Vergilben

Bildschirme weniger eine Ausstellung

hinweg.

Bildschirm Nam June Paik

so bunt wie Renoir

Tony Conrad

von 20 Gemälden war, sondern

Aber wie langsam veränderte

auf und zwingt uns, die Rolle, die

Wagnis, eine erste Definition: Den

so tiefgründig wie Mondrian

Natürlich, Tony Conrad. Wer weiß,

vielmehr die gleichzeitige Projektion

das gemalte Bild die Farbe? Sehr

bewegte Bilder in der historischen

monochromen Bildschirm findet man

so heftig wie Pollock und

ob er vor der Verwirklichung seiner

von 20 Filmen wurde das Screening

langsam, viel langsamer, als Conrad

Parabel, die vom Impressionismus

an der Schnittstelle zwischen der

Yellow Movies die Texte von Paik

als Unterhaltung angesehen. Danach

angenommen hatte, sodass er im

zum Suprematismus geht, gespielt

Monochromie, die auf das Gebiet der

gelesen hatte. US-amerikanische

wurden die Yellow Movies jedoch

Jahr 2007, als die Yellow Movies

haben, zu überdenken. In die gleiche

Malerei verzichten und dem Film,

Ein paar Zeilen, die auch die

Experimentalfilmer, Pionier der

in Museen einem Publikum für

ausgestellt wurden, meinte, dass sie

Kategorie fallen andere Werke,

der ohne Darsteller auskommt. Zum

Notwendigkeit darlegen, unser

minimalistischen Musik, ein aktives

zeitgenössische Kunst im Prinzip als

für Filme, die gelb werden sollten,

wie z.B. die suprematistische

ersten Mal in der Geschichte der

Instrumente zur Analyse, mit

Mitglied der New Yorker Untergrund-

Gemälde gezeigt.

„ganz schön weiß“ wären. Nicht

Geschichte von zwei Quadraten,

Monochromie werden die Namen von

denen wir die Kunstgeschichte

Musik-Szene mit LaMonte Young

Die Yellow Movies bestehen aus

allzu lange, unter Berücksichtigung

ein avantgardistisches Meisterwerk

Malewitsch und Richter verbindlich.

erklären können, zu verfeinern,

und John Cale, im Kino ist vor allem

einem oder mehreren farbigen

seiner Absichten, der Produktion

des Grafik-Designs, das El Lissitzky

Es ist jedoch in der zweiten

weil z. B. ein monochromatisches

bekannt für The Flicker (1965).

Quadraten in einem dicken,

eines Films, die ein Leben lang

1920 verwirklichte (und 1922 von

Hälfte, – das geht in etwa ab

Kunstwerk von Robert Ryman

Die Yellow Movies wurden zum

schwarzen Rahmen, ähnlich wie

dauern sollte – eine Erweiterung,

Van Doesburg veröffentlicht wurde).

dem zweiten Weltkrieg bis, in

nichts mit einem monochromen

Millenium in einem alternativen

bei Frames in einem Kinofilm.

die sich genau mit unserer Existenz

Innerhalb eines roten Kreises (die

Anführungszeichen, in die sechziger

Bild von Olivier Mosset zu tun hat.

multifunktionalen Raum in New York

Eine Ähnlichkeit, die einem unter

deckt, in der Kunst und Leben in

Erde), wird symbolisch die Geschichte

und siebziger Jahre, im Gegensatz zur

Solange Kunsthistorikerinnen und

im März 1973 an einem einzigen

anderem in den Sinn kommt, ist die

einem Verhältnis von 1:1 stehen.

eines roten und schwarzen Quadrats,

hypertrophen Beschleunigung in der

Filmhistoriker jeder für sich basierend

Tag gezeigt, bzw. wie der Künstler

Filmspule, die sich manchmal auf der

Indem er sie „Filme“ und nicht

die gegen das Chaos kämpfen,

Verbreitung von Informationen und

auf einer eigenen Agenda in ihrem

elegant formulierte: “Das einzige

Erde abwickelt. Die Quadrate sind

„Gemälde“ nannte, bestand Conrad

erzählt.

Kommunikationen – dass sich seine

Bereich arbeiten und ausschließlich

Mal, dass die Yellow Movies im

mit einem preiswerten Außenlack

auf Bewegung und Dauer, egal wie

Der monochrome Bildschirm ist

Erscheinungsformen vermehren.

so, wird dieser qualitative Sprung

20. Jahrhundert gezeigt wurden.”

gestrichen, der eine weißlich

subtil ihre Lichtempfindlichkeit war.

ohne die volle Verwirklichung dieser

Die Arbeit von Nam June Paik

nicht möglich sein. Dazu fällt mir

Was das 21. Jahrhundert betrifft,

glänzende Patina hinterlässt, die

Bei der Rezension der Yellow Movies

nicht-objektiven Kinematografie

erstreckt sich von Zen for Film

eine Anekdote der amerikanischen

so wurden 10 Filme 2005 auf der

mit der Zeit stärker wird. Die Idee

bemerkte ein bekannter Journalist

und ohne die von Malewitsch in

(1964), ein TV-Buddha (1974) bis

Kritikerin Annette Michelson

Biennale in Lyon gezeigt (Expérience

kam Conrad, als er im Bett lag und

ironisch, dass es selten sei, einen

Betracht gezogen Schauspieler

zu den Kathodenstrahlröhren des

ein: 1874 sollte sie für das Cover

De La Durée), andere in Köln und New

die im Vorjahr angestrichene Decke

Film zu bewerten, dessen erste

nicht denkbar. Seltsamerweise

Fernsehens, die leuchten und eine

eines Buchs ein Sinnbild für einen

York im Jahr 2007 und schließlich

anschaute und bemerkte, dass sie

Ausstrahlung noch im Gange sei.

wurde dieser Trend durch die

Art entmaterialisierten Piktorialismus

zeitgenössischen unabhängigen

2009 auf der Biennale in Venedig.

schon vergilbte.

Kommen wir nun zum Gegensatz der

anti-modernistischen Absichten

produzieren. Dies ist eine brillante

Regisseur wählen. Jemand schlug ihr

Diese Ausstellungen zeigten die

Oder als er das schemenhafte

amerikanischen Kinematographie,

von T.W. herausgefordert. Adorno,

Beschreibung in einem Text von

vor, dass ein leerer Bildschirm das

Komplexität von Conrads Werk: Beim

Zeichen entdeckt, dass ein

fotografiert von Hiroshi Sugimoto,

der in dem Film “Filmtransparente”

1969, Versatile Color TV Synthesizer3.

Beste wäre, woraufhin Michelson

ersten Mal 1973 wurden die Filme auf

Möbelstück an der Wand dahinter

bei dem die Handlung des Films

(1966), seinen fotografischen

Durch Umwandlung elektrischer

antwortete: „Aber welchen leeren

Kinoleinwänden vor einem Publikum

hinterlässt. Bei der Dispersionsfarbe

in einer einzigen Aufnahme

So lyrisch wie Jasper Johns.

105

Über den chromatischen

es in den fünfziger Jahren wieder

104

der Bildfläche verschwand, tauchte

eingefangen wird und die Linse des

des Films. Nicht zu vergessen die

Bei einer paroxysmalen Entwicklung

die aus einer Reihe monochromer

Turrell bis Veronica Jenssens

Fotoapparats über die gesamte

Wut Conrads, als merkte, dass auf

der Skulptur – die in der Regel auf

Fotogramme mit Farbeffekten

eindringenden; für einen Film, wie

Länge des Films hinweg geöffnet

der Documenta 5 im Jahr 1972, zu

die Videos der siebziger Jahre von

bestehen. Hätte ihm nicht die Zeit

Blue (1993) von Derek Jarman; für das

bleibt. Sugimoto war der Erste, den

der er eingeladen worden war,

Richard Serra hindeuten – wird die

zum Entwurf dieses Projekts gefehlt,

blendende weiß der traumatischen

das Ergebnis überraschte: Von allen

die Künstler nun „im Palast”(bzw.

Architektur zu einer immensen

bin ich sicher, dass es integraler

Bildschirme von Alfredo Jaar (Lament

Aufnahmen des Films blieb nichts

im Friedericianum) ausstellten,

Visions-Maschine.

Bestandteil einer Genealogie des

of the images, 2002 o The Sound

anderes übrig, als eine Emanation

während die Filmemacher ins

Das Ergebnis einer Hybridisierung

monochromen Bildschirms sein

of Silence, 2006); für die, die David

des Lichts – nichts anderes als ein

örtliche Kino abgeschoben wurden.

zwischen Malerei und Kino, zwischen

würde, was noch zu schreiben wäre.

Batchelor – Autor des erfolgreichen

Bild und Bildschirm, einer Fläche,

Darin wäre Platz für die Werke

Cronofobia – „found monochromes“

monochromer Bildschirm. Projektion als Exposition

die innerhalb eines bestimmten

und Schriften von Fernand

genannt hat und damit zeigte, in

ohne Kamera, ohne Projektor und

Conrads Ärger ist verständlich: In

Geräts funktioniert, übernimmt

Léger und Moholy-Nagy; für die

welchem Umfang der urbanen Raum

ohne Film aufgenommen wurden,

den 1970er Jahren war man sich

der monochrome Bildschirm die

kinematografische Struktur der

unserer Metropolen die Monochromie

aber nicht ohne Handlung, auch

dessen noch nicht bewusst, dass ein

direkte Rolle des Zuschauers,

70er Jahre; für die chromatischen

wieder aufleben lässt.

wenn diese elementar ist: die

Schwarzweiß-Bildschirm in erster

seiner agency (um einen schwierig

Atmosphären die in den

Die Liste wird ständig aktualisiert.

Geschichte eines Rechtecks (und

Linie ein monochromes-Display ist.

zu übersetzenden Begriff zu

architektonischen Raum von James

nicht von zwei Quadraten, wie bei

In einem Museumsraum installiert,

verwenden), anstelle einer formellen

El Lissitzky), das gelb wird. Nur dass

nimmt er eine skulpturale Präsenz

Repräsentation, die sich auf der

die Gelbfärbung – ein untrügliches

ein, sei es der Bildschirm selbst oder

Oberfläche entfaltet. So schließt

Zeichen der vergangenen Zeit –

der Projektor.

sich der Kreis, den niemand besser

unsichtbar ist. Oder zumindest ist

Beide Typen wurden kürzlich von

dargestellt hat, als Ad Reinhard

sie mehr konzeptioneller Natur,

Rosa Barba ausprobiert. Der Erste,

in einem Cartoon von 1946: Ein

als chromatischer. Auf physischer

zum Beispiel in Stating the Real

Besucher zeigt mit dem Finger auf

Ebene ist sie nicht zugänglich, weder

Sublime (2009), bestehend aus

ein abstraktes Quadrat und schreit:

bei einem einzigen Besuch noch

einem auf die Decke gerichteten

„Ha ha, was stellt das dar? “; plötzlich

während der durchschnittlichen

Projektor für 16 mm-Film und einer

nehmen die Bildzeichen ein böses

Dauer einer temporären Ausstellung.

Lichtprojektion an der Wand. Der

Gesicht mit Blick auf den Raum der

Vor dem Hintergrund der schnellen

Zweite in Is it a two-dimensional

Leinwand an, die sich so gegen den

Entwicklung technischer Geräte,

analogy of a metaphor? (2010), ein

Betrachter stellt: “Was stellen Sie

trotzen die Yellow Movies unserer

beeindruckendes Werk, das eine

dar?” (Wie man moderne Kunst sehen

Illusion, die Zeit einfangen,

eigenständige Diskussion erfordert

sollte). Es ist nicht überraschend,

kontrollieren, messen, aufzeichnen

und in dem das Museum selbst mit

dass Reinhard 1967, in seinem

und „anpassen“ zu können. Und

seiner länglichen Struktur (Centre

letzten Lebensjahr, Lucy Lippard

sie widersetzen sich den starren

Internationale Kunst Paysage ‘ l ‘

seine Absicht beichtete, die Malerei

Definitionen der Monochromie und

ile Vassiviere) als Projektor dient.

aufzugeben, um Filme zu machen,

Benjamin H.D. Buchloh, “The Primary Colors for the Second Time: A Paradigm Repetition of the NeoAvant-Garde (Die primären Farben zum zweiten Mal: eine Paradigmawiederholung der Neo-Avantgarde)“, im Oktober, 37, Sommer 1986, S.41-52.

Alexandra Shatskikh, “Malevich and Film”, in The Burlington Magazin, 135/1084, Juli 1993, S. 470-78; Kasimir Malevich, The White Rectangle (Das weiße Rechteck). Filmtheoretische Schrift von Oksana Bulgakowa, Potekim Verlag, Berlin-San Francisco 1997, 2002; Margarita Tupitsyn, Malevich und Film, Yale Universitätsverlag, New Haven-London 2002 Nam June Paik, Versatile Color TV Synthesizer [1969] (Vielseitiger Farb-TV Synthesizer [1969]), Zitat in Judson Rosebush (von). Videa´n Videologie 1959-1973, Eversum Kunstmuseum, Syracuse 1973. 3

Erzählt in Annette Michelson, „Hollis Frampton: poïésis et mathésis“, in A. Michelson, Jean-Michel Bouhours (von), Hollis Frampton. L´écliptique du savoir. Film, Fotografie, Video, George Pompidou Center, Paris 1999, S.11-23, Zitat S.23n14.

rosa barba_stating the real sublime

107

106

Die Yellow Movies sind Filme, die

Works_Opere_Kunstwerke

Fontana Manzoni

Azimut

Castellani Bonalumi Dadamaino Lo Savio Scheggi Simeti Munari Alviani Biasi Costa Landi Massironi Anceschi Boriani Colombo Devecchi Varisco Vigo Apollonio

109

Scaccabarozzi

108

gruppo N

Chiggio

gruppo T

Lucio Fontana CONCETTO SPAZIALE 40x33 cm idropittura su tela

111

110

1964/1965

“I tagli che ho fatto finora rappresentano soprattutto

Lucio Fontana

uno spazio filosofico. Ma quello di cui vado in cerca, oggi, non è piu uno spazio filosofico, ma piuttosto lo spazio fisico.

CONCETTO SPAZIALE - TEATRINO

Sono bastati due o tre anni, infatti, e lo spazio non è più un’astrazione, ma è diventato una dimensione nella quale

70x70 cm

l’uomo può addirittura vivere, violandola con i Jet, con gli

rilievo

Sputnik con le astronavi. è una dimensione umana capace

1968

di procurarci un’angoscia fisiologica, uno sbigottimento dell’animo, e io, nelle mie tele, sto appunto cercando di esprimere questa sensazione”.

113

112

Intervista a Lucio Fontana, su Vanità n. 13, 1962, pp. 53 sgg

115

114

Piero Manzoni > SENZA TITOLO, 55x37 cm, olio e catrame su tela, 1957

Piero Manzoni > IGITUR, 70x90 cm, olio su tela, 1957

“ Nell’estate del 1959 andai con Anceschi ad Albisola dove

Piero Manzoni

Manzoni esponeva la sua prima Linea, tracciata con un pennello su di una lunga striscia di carta che percorreva le

LINEA m 11,94

quattro pareti della galleria; Piero felice di vederci, ne staccò un pezzo dove uno spettatore indignato il giorno prima

tecnica mista

aveva sputato e ce la regalò.”

novembre 1959

Davide Boriani In Marina Pugliese, Le tecniche e i materiali dell’arte contemporanea, Atti dell’Accademia Nazionale dei Lincei. Memorie, serie IX, vol. XII, fasc.II_Roma, 2000, p.223

Con il critico spagnolo Juan-Eduardo Cirlot trattiene una fondamentale corrispondenza (durata poche lettere) utile per comprendere la poetica dell’artista.

“... quello che più mi interessa sono le Linee: credo siano il punto culminante di tutta la mia pittura, il punto che fa anche comprendere i miei quadri bianchi, che per me non sono quadri di materia, ma quadri antimateria, quadri “achrome”. Per quanto riguarda i quadri, ora li realizzo con la macchina da cucire, e posso ottenere effetti sorprendenti: ora ho in progetto una serie di quadri in oro.” Piero Manzoni Per questa corrispondenza, cfr. Juan-Eduardo Cirlot. De la critica a la filosofia del arte, a cura di Lourdes Cirlot, Quaderns Crema_ Barcelona, 1997,

117

116

pp. 105-124

Enrico Castellani SUPERFICIE BIANCA -B150x120 cm tela sagomata

119

118

1979

Enrico Castellani SUPERFICIE BIANCA 60x60 cm tela sagomata

121

120

2005

Agostino Bonalumi BIANCO 190x190 cm acrilico, tela estroflessa, gomma piuma

123

122

1968

125

124

Agostino Bonalumi > BIANCO, 100x80 cm, acrilico su tela estroflessa, 1979

Agostino Bonalumi > ROSSO, 60x73 cm, acrilico su tela estroflessa, 1989

Dadamaino

Piero Manzoni su Dadamaino

Secondo Manzoni, Dada “si stacca dalla terra con le ali”, non allude, non esprime, non rappresenta, non astrae, ma libera la superficie:

VOLUME A MODULI SFASATI A TRE STRATI SOVRAPPOSTI

“Dada Maino ha superato la ‘problematica pittorica’: altre misure informano la sua opera: i suoi quadri sono

60x60 cm

bandiere di un nuovo mondo, sono un nuovo significato:

plastica fustellata a mano

non si accontentano di ‘dire diversamente’:

1960

dicono cose nuove”. I quadri, a cui Manzoni allude, sono evidentemente i coevi cicli sui Volumi e i Volumi a moduli sfasati. Da “Libera dimensione” pubblicato sul secondo numero della rivista Azimuth.

Alberto Biasi sui moduli sfasati di Dadamaino Alberto Biasi ricorda così la sua reazione di fronte ai Volumi a moduli sfasati:

“Nel maggio 1961 Dada fu invitata a Padova ad esporre nel nostro atelier, lo Studio Enne. Presentò per la prima volta i Volumi a moduli sfasati. Nel vedere questi ultimi lavori di grande dimensione, con un’infinità di piccoli buchi, fustellati a mano su fogli di plastica, le famose tende delle docce, mi arresi alla grandiosità del suo lavoro e cessai di produrre le Trame che io ottenevo sovrapponendo carte forate di piccolo formato. [...] In sostanza le stratificazioni di Dada mi sembrarono meno giocose, più impegnate delle mie, lasciai a lei lo sviluppo del concetto e mi dedicai al processo creativo dei Rilievi otticodinamici.” Alberto Biasi in Dadamaino.

127

126

Gli anni ’50 e ’60, la capacita’ di sognare. Milano, Cortina Arte_2010

129

128

Dadamaino > VOLUME, 120x60 cm, idropittura su tela, 1958

131

130

Dadamaino > VOLUME, 120x60 cm, idropittura su tela, 1958

133

132

Dadamaino > DISEGNO OTTICO DINAMICO, 26x26 cm, inchiostro su cartoncino, 1964/1968

Dadamaino > VOLUME, 120x60 cm, idropittura su tela, 1958

135

134

Dadamaino > MOVIMENTO DELLE COSE, 116x150 cm, mordente su poliestere, 1990

Dadamaino > VOLUME, 100x80 cm, idropittura su tela, 1958

Francesco Lo Savio FILTRO 75x75 cm tecnica mista, collage su tela

137

136

1960

“... abbandonare l’illusione e entrare nella realtà,

Paolo Scheggi

trasformare lo spazio virtuale in spazio reale, spostare lo spazio reale in tempo visibile e vivibile,

INTERSUPERFICIE CURVA DEL BIANCO

rifiutare la contemplazione per l’azione, lo statico per il dinamico.

50x50x5 cm

E ancora, la necessità di trasformare la parola, il gesto,

tele sovrapposte

il suono, il movimento in tempo-città-totale.”

1967

139

138

Paolo Scheggi

141

140

Paolo Scheggi > INTERSUPERFICIE CURVA DEL BIANCO, 41x41x11 cm, cartone, 1965

Paolo Scheggi > SENZA TITOLO, 57x67 cm, inchiostro su carta, 1967

Turi Simeti 12 OVALI NERI 70x50 cm cartone, pittura acrilica, legno

143

142

1963

Turi Simeti X CUBIC 35x35x43 cm neon, metalacrilato

145

144

1969

147

146

Turi Simeti > DUE OVALI METALLIZZATI, 34x27 cm, cirĂ¨ sagomato, 2006

Turi Simeti > DUE OVALI BLU, 50x50 cm, idropittura su tela, 2006

“Mentre i negativi-positivi sono costruiti con tinte sature

Bruno Munari

piatte, senza alcun segno “espressionista”, in uno spazio geometrico organizzato da ritmi rigidi, e dove tutto lo spazio

NEGATIVO POSITIVO

è significante, i segni sono invece delle forme appoggiate sul fondo, senza problemi di ambiguità percettiva,

34x34 cm

dove il valore è dato dall’energia, dal colore materico,

olio su masonite

dalle dimensioni, dai collegamenti, dagli spazi vuoti.”

1964

149

148

Bruno Munari

151

150

Bruno Munari > COMPOSIZIONE, 18x18 cm, tempera su cartone, 1970

153

152

Getulio Alviani > SUPERFICIE A TESTURA VIBRATILE, 21x15 cm, alluminio, 1978

Getulio Alviani > SUPERFICIE A TESTURA VIBRATILE, 50x50cm, alluminio, laminato, 1972

Alberto Biasi DINAMICA VISIVA 59,5x59,5x5 cm doppia serigrafia su plexiglas

155

154

Gruppo Enne _ 1964

157

156

Alberto Biasi > POLITIPO, 48x48 cm, PVC, acrilico, 1975

Alberto Biasi > DINAMICA VISIVA 62, 50x50 cm, doppia serigrafia su plexiglas, telaio in legno, 1975

159

158

Ennio Chiggio > INTERFERENZA LINEARE 9 , 49x49x13 cm, tecnica mista, 1966

Ennio Chiggio > PIN-UP 2, 53x53x7 cm, spilli colorati su legno, 1959

161

160

Ennio Chiggio > DECOLLAGE A TESSERE - 4 QUADRATI, 45x45x3 cm ciascun elemento, collage, cartoncino, acrilico su tavola, 1990

163

162

Toni Costa > OPTICAL DYNAMIC STRUCTURE, 64x64 cm, pvc su legno, 1973

Toni Costa > ALTERNAZIONE, 45x45 cm, tela su fondo nero, 1964

165

164

Edoardo Landi > SUPERFICIE S.B.N., 50x50 cm, carta velina su cartoncino, 1962

Edoardo Landi > VERSO Lâ&#x20AC;&#x2122;ALTO VERSO IL BASSO 1 2 3 4, 36,2x47,3 cm, inchiostro su carta, 1960

167

166

Edoardo Landi > CINORIFLESSIONE SFERICO VARIABILE, 82x82x11,5 cm, sfere, nylon, acrilico su legno, 1966/1967

Edoardo Landi > CINORIFRAZIONE CILINDRICA, 50x50 cm, legno, acrilico, perxpex, 1966/1968

169

168

Edoardo Landi > RIFLESSIONE CILINDRICA VARIABILE N.63, 60x60x6 cm, plexiglass, 1963

Edoardo Landi > SUPERFICIE A TRIANGOLI, 70x70 cm, cartoncino fustellato, 1961/1971

Manfredo Massironi STRUTTURA DOPPIA A QUADRATI RUOTATI 50x25x10 cm metallo cromato, telaio in legno

171

170

1964

173

172

Manfredo Massironi > CERCHI PIÙ QUADRATI, 35x35x1 cm, serigrafia su cristallo, 1965

Manfredo Massironi SFERA NEGATIVA 50x50x50 cm fili di cotone, telaio in legno

175

174

1964/2007

Giovanni Anceschi STRUTTURAZIONE POLICROMA 35x35x6 cm plexiglas, impianto elettrico

177

176

1965

179

178

Davide Boriani > IPERCUBO ROTANTE, 42x42x42 cm, plexiglass, 1963/1965

Davide Boriani > SUPERFICIE MAGNETICA, 35x31 cm, assemblaggio, impianto elettrico, 1965

181

180

Gianni Colombo > STRUTTURAZIONE FLUIDA, 50x50x7 cm, metallo, cartone, apparato elettrico, 1960

Gianni Colombo > SPAZIO ELASTICO -DOPPIO PIĂ&#x2122;-, 20x20 cm, tecnica mista su tela, 1989/1990

183

182

Gabriele Devecchi > STRUTTURAZIONE TRIANGOLARE, 45x45x23 cm, specchi, metallo, apparato elettrico, 1963

Gabriele Devecchi > ZOOM, 53x50 cm, legno, apparato elettrico-luminoso, 1987

Grazia Varisco SCHEMA LUMINOSO VARIABILE 51x51x9,5 cm vetro serigrafato, legno, apparato elettrico

185

184

1965

Grazia Varisco RETICOLO FRANGIBILE 54x54 cm legno, vetro industriale

187

186

1967

189

188

Grazia Varisco > STUDI PER EXTRAPAGINA, 50x50 cm, inchiostro, collage su tela, 1975/1976

Grazia Varisco > EXTRAPAGINA, 50x50 cm, inchiostro su carta, 1976

Nanda Vigo CRONOTOPO 30x30x8 cm metallo, vetri smerigliati

191

190

1964

193

192

Marina Apollonio > GRADAZIONE N.42 15 N, 70x70 cm, acrilico su tela, 1966/72

Marina Apollonio > Dinamica Ellittica, 126x46,5 cm, smalto sintetico su legno, 1967/2011

195

194

Antonio Scaccabarozzi > LETTURA ORIZZONTALE OBBLIGATA, 80x80 cm, legno incavato, 1974

Antonio Scaccabarozzi > GIOCO SUL QUADRATO, 59x59 cm, tecnica mista, 1969

197

196

Antonio Scaccabarozzi > PREVALENZE, 60x60 cm, acrilico su tela, 1976

NEW MATERIALS IN ART

physicality of the work for the

With the beginning of the twentieth

purpose of the expressiveness

century, the modes of expression

testified by the polimateric

and techniques of the artists began

assemblies of Cubists, Futurists and

to be influenced by the discoveries

Dadaists, from Duchampâ&#x20AC;&#x2122;s ready-

and innovations produced by

mades, from the assemblage of the

industrial development. The avant-

surrealists, from the building with the

garde currents, set a fundamental

new industrial constructivistic and

passage in understanding the art as

minimalistic materials. Even waste

perception of the reality, the art as

materials collected and assembled

conceptualization and intellectual

The radical mutation of the

by the neo-Dadaists, to arrive at

elaboration.

expressive needs of the

new techniques of reproduction of

The new vision of the historical

contemporary art has led to the

the images as the fotoserigrafia on

avant-garde artists leads to a

gradual abandonment of the

canvas, which is typical of Warhol,

complete renovation of works

traditional techniques and the

to Nauman holograms, to the video

that require new formal solutions

materials and the introduction of

installations, to finish with the

and techniques, such as the

completely new creative practices,

interactive installations done with

polymaterism, the colorfulness of the

Attilia Todeschini

free from the balance of material

digital devices.

assembly, the space and the blank,

Federica Picco

and preservatives, which for

The artist then learns the materials

seen as integral parts of the work.

centuries had overseen the creation

and techniques from the industrial

Thatâ&#x20AC;&#x2122;s why in the work it was started

of the artifacts.

progress, makes his own items

to use the foreign materials like

Since the early years of the

intended for everyday reality,

cardboard, wire, metal: everything

twentieth century, with the first

reinterpreting them in a creative and

that is part of everyday life can be

avant-gardes and the Cubism, the

anti-functional way.

means of artistic expression.

artistâ&#x20AC;&#x2122;s work is gradually liberating

Again, this is the big break from

The key point in this process is

from subordinate role to narrative

the tradition of contemporary art:

that Marcel Duchamp who, with

needs and wins the status of

the expressive intention exceeds,

the conception of the ready-made,

autonomous object with a specific

indeed, decisively omits, the balance

elevates the common object in art

aesthetics identity and with a new

of the materials used and the need

work, and opens the way to Dadaism,

choice and technical processing of

for conservation of artifacts for

through which the traditional logical

the materials used.

centuries, except for a few rare,

systems are condemned, reaching

This disruptive change in operating

brilliant, example, it was the basis

to a new conception of the meaning

logic has resulted in emphasizing

of the technical choices.

of the objects based on the replaced

198

New Tendencies... New materials

199

the importance of the concrete

meaning and on the intrinsic value of

in the world of art must be tribute

to those traditional, characteristics

and improvement of the materials,

for an impersonal style. From the

Gabriele Devecchi, Giovanni Anceschi

the material.

to Naum Gabo for the construction

that do not delay in attracting artists,

responding to the demands put

fifties, the use of pictorial materials

and all the exponents of the T-group

At the same time for the

of his three-dimensional work, who,

especially for the faster drying

forward by the personal creativity

extends to resume the impersonal

(Davide Boriani, Gianni Colombo,

development of the avant-garde

between the Twenties and Thirties

and less yellowing compared to oil

of the artists.

style of advertising posters based on

Grazia Varisco) who make heavy

movements, make their entry into

exploited the power of the cellulose

painting.

However, acrylic colors have

flat surfaces without traces of brush

use of this type of material: their

the world of art, the plastics: since

esters, progenitors of the plastic

From the beginning of forties alkyd

a disadvantage: the paint film

strokes that mimic the color printing

works are composed of electrical and

1930 world saw the development of

materials, trying to explore all the

resins based paints were introduced.

remains soluble in turpentine and

on paper. The new synthetic paints

electronic equipment that create

the chemical industry which lead to

possible optical and luminous effects

Drying of these paints is similar to

other organic solvents, making it

possessed a range of colors on an

play of light and motion through

the production of new materials, with

which these compounds could

that of the oils, but occurs more

quite difficult to repaint and the

intensity never seen before: shiny or

which perceptual experiments and

different polymeric structures, such

obtain, preparing the way for the

rapidly. The alkyd resins soon

overlapping of successive layers,

matt, metallic or satin, with a strong

interactive environments take the

as polystyrene, polyvinyl chloride,

official entry of the materials such

became the standard components

which is why, during the fifties, an

covering power, new effects of

final form, as said earlier, to solicit the

polyethylene, nylon, and, in the 1940,

as plexiglas, polyester, expanded

of commercial paints for domestic

attempt was made to resolve the

brightness and optical variations with

viewerâ&#x20AC;&#x2122;s perception.

teflon, the first fluorinated polymer.

polystyrene, polyurethane resins,

use, being chosen by the artists

problem with the introduction of

the use of fluorescent colors.

Thanks to advances in research,

polychrome and carbon fibers in the

in replacement to the classical

water based acrylic paints. When

However, industrial development

cellulose nitrate, highly flammable,

world of art, which would take place

oil painting because of their easy

these are coated on the surface,

does not involve only the pictorial

is soon replaced by the acetate,

during the years of the second world

availability, the low cost, and the

after the evaporation of the water,

materials: in fact in the sixties, we

contemporary art

The deterioration of

possibility to obtain thick layers of

they form a solid, tenacious and

witnessed widespread of new media

used plastic for the next thirty years.

mention the Group N from padua,

pigment and wide variety of colors.

flexible film, on which subsequent

technology. These were the years

experienced all the materials that

For a long period the plastic materials

whose exponents (Alberto Biasi,

The widespread of alkyd enamels as

layers can be applied, retaining all the

in which the digitization is only in

the industrial production puts at

were used as imitations of traditional

Ennio Chiggio, Toni Costa, Edoardo

art materials was promoted by the

properties of easy incorporation, the

its beginning - the rest, Giovanni

his disposal and his choice of the

materials at a low cost: in the form

Landi and Manfredo Massironi),

experiences in the United States

optical quality and rapid drying of the

Anceschi, exponent of the T-Group,

product, is solely based on functional

of fibers replacing silk and wool,

during the sixties, created the work

with the work of De Kooning and the

pigments that the originals acrylic

confirms that the kinetic artists

aesthetic criteria for the expression

for the characteristics of flexibility

using the materials such as PVC and

works of Frank Stella. In the same

solvents had shown.

and programmers work without

of the individual poetics and does not

and elasticity replaced by synthetic

plexiglass, materials that better

years, the first acrylic colors in tube

These colors had a significant impact

a computer, but as if computer

take into account, nor is interested

rubbers. The artists immediately

express the intent to recreate the

were made, whose properties have

on the most important artists of

existed - but the artists immediately

in the effects that time may cause.

identified their characteristics: they

optical-dynamic effects typical of the

a key role in the expressiveness

that time: Andy Warhol and all the

become aware of the strong impact

Now the mental-ideational aspect

are versatile, lightweight, easy to

kinetic art.

of great artists such as Barnett

other exponents of the Pop Art

that these tools would have on

that prevails over the concrete

cut and shape, can be printed in any

However, even greater impact

Newman or Roy Lichtenstein,

immediately adopted acrylics just

mass communication. There is still

and manual, matching of materials

form, obtaining the final effects

was done by the introduction

who would experiment their

because these allow to obtain a

no talk of interactivity but of open

responds to the expressive needs of

of all types. In the fifties, with the

of synthetic and semi-synthetic

potential by pushing towards more

painted surface flat and opaque,

work, to show the work of art that

the artist who ignores or however,

birth of acrylic paints, the polymers

polymeric materials such as pictorial

advanced solutions. The production

with no signs of brush strokes, very

gets completeness thanks to the

does not take into account the

became fundamental element for the

binders: industry required paint with

companies begin to establish a close

different from the one obtained with

intervention of the viewer by brining

possible harmful mechanisms that

contemporary painting.

characteristics of manageability,

collaboration with the artists, trying

the oils and ideal for those artistic

the art in contact of the public.

may also be caused by the co-

Pioneering the use of these materials

durability and stability, far superior

to pursue technological innovation

movements in the sixties seeking

A clear example are the work of

existence of different materials.

201

war. In this regard, we cannot fail to

As seen, the contemporary artist

200

which will become the most widely

give indication on the meaning of the

of his works. The artist takes the

of ruin. If paint irreversibly alters it

“[…] Just the knowledge of the

approaches, the introduction of

work are now fundamental, so as to

advantages of the characteristic of

or from the reflective sheets it gets

materials and mastering the

the term “mixed media” is used:

carry out a restoration compatible

the material to shrink and crack when

deformed, it is necessary to proceed

techniques of restoration is not

this definition comes from a

to the work, its physical, aesthetics

drying. The texture and thickness

step by step, constantly mediating

enough: now it is necessary to

progressive difficulty in collecting

and historical consistency. The

of these cracks may vary according

between the historical aspect of

penetrate the intellectual and

accurate information about the new

conservation status of a work is

to the dilution of the mixture and

testimonies and that of aesthetic,

philosophy of the artist, otherwise

techniques that they spread and

not ascertained by age but by the

the thickness of the dough which

linked to the fruition of artistic

the starting point of the same

the materials, which require more

parameters of durability, stability

constitutes the work. The artist was

message that must continue to

restoration would be wrong.

specific knowledge. The unlimited

and permanence, which may require

able to control the cracks, was able

transmit the artist’s intentions.

Now they are the same materials

artistic experimentation of the

a restoration even just after few

to guide their affect on the material,

In the absence of photographs of the

to be the expressions of the artistic

twentieth century has wiped out

years of execution of the work, in

by speeding up the drying process or

original work or consent of the artist

subjectivity: this is the condition

the differences between sculpture,

order to avoid abnormal situations

by blocking the process by applying

is no longer be possible to intervene,

of main importance, because if you

painting and environmental art; has

which were already at risk at the

the glue. However, this blocking is

ratify the irretrievable loss of the

don’t take it into account, the work

inaugurated the use of materials of

time of creation of the artifact. The

not definitive: in fact, the cracks may

original features of the work.

will be destroyed in its physical

new formulation; has implemented

deterioration of the materials can

continue and, at a time may grow in

From these conditions we are able

and spiritual existence […]”1.

an extreme search for new means of

sometimes be an integral part of the

the smooth areas or in high entity,

to understand how the restoration

AT_FP

expression and a break with the past.

language of the artist, it must be

and become the object of restoration.

of contemporary art requires a

The emergence of the ephemeral

therefore, respected and maintained,

The same applies to the works

very careful approach in the study

art, from the Sixties, has shown an

while controlling its evolution.

of Lucio Fontana: in his “Concetti

of the artist, his creative intent,

increasing disinterest for the life

In many cases the work has

Spaziali” practice holes or cuts in the

the diversity of materials used and

span of the products, entrusting the

already deteriorated at the time of

canvas, make the work very fragile.

the causes of degradation, and

transmission of the artistic language

execution with cracks, burns, tears,

The artist, in 1947, collaborated in

considerable flexibility in the choice

to the idea. In this context, lifeless

discolorations: further damage,

the drafting of the manifesto of

of mode of work.

materials are researched, which are

which develop on the work but

Spatialists enunciating “art is eternal

However, on the other hand the

characterized by their evolutionary

that does not disturb the artistic

but may not be immortal” where

main feature of contemporary art

conditions that give poetics value:

perception, which does not deviate

“eternal” means the gesture made by

is the multiplicity of its forms and

rusted iron, leaves, straw, wax, wood,

from the original, if not affecting

the artist, which can never be erased.

manifestations from which inevitably

rope are only some of the materials

areas originally undamaged, are

On the contrary, the work material

follows a wide variety of techniques

that may constitute to a work.

maintained within predetermined

will reach the moment of its total

and expressive materials used, as

Therefore, the knowledge and the

compositional choices, which in

destruction.

pointed out by Heinz Althöfer, one

meanings of materials becomes

some way were present from the

In the case of a significant

of the most respected restorers of

more and more important: interviews

beginning. One example among many

deterioration they lose the original

contemporary art:

with the artists (where possible),

is, the “Cretti” by Alberto Burri: the

aesthetic characteristics and lead

researches, in-depth analysis that

crack is the aesthetic element typical

the status of work to the condition

AA.VV, “Conservare l’arte contemporanea Proceedings of Ferrara in 1991, Nardini, Florence, 1992”.

203

202

To define these heterogeneous

I NUOVI MATERIALI DELL’ARTE

conseguenza l’enfatizzazione

Con l’inizio del XX secolo i modi di

dell’importanza della fisicità concreta

espressione e le tecniche degli artisti

dell’opera ai fini dell’espressività

cominciano ad essere influenzati

testimoniata dagli assemblaggi

dalle scoperte e innovazioni prodotte

polimaterici di cubisti, futuristi e

dallo sviluppo industriale. Le correnti

dadaisti, dai ready-made di Duchamp,

avanguardistiche impostano un

dagli objets trouvés dei surrealisti,

passaggio fondamentale dall’arte

dalle costruzioni con i nuovi materiali

intesa come percezione della realtà,

industriali dei costruttivisti e dei

all’arte come concettualizzazione e

minimalisti. Oppure dai materiali

rielaborazione intellettuale.

di scarto raccolti e assemblati dai

La nuova visione degli artisti delle

neodadaisti, per arrivare a nuove

avanguardie storiche porta a un

La radicale mutazione delle esigenze

tecniche di riproduzione delle

rinnovamento completo delle

espressive dell’arte contemporanea

immagini come la fotoserigrafia su

opere che necessitano di nuove

ha comportato il progressivo

tela, tipica di Warhol, agli ologrammi

soluzioni formali e tecniche, come

abbandono delle tecniche e dei

di Nauman, alle videoinstallazioni, per

il polimaterismo, la policromia

materiali tradizionali e l’introduzione

finire con le installazioni interattive

degli assemblaggi, la spazialità e il

di pratiche creative assolutamente

realizzate con dispositivi digitali.

vuoto, intesi come parti integranti

nuove, libere dagli equilibri materici

L’artista assimila, quindi, i materiali e

delle opere. Ecco quindi che nelle

e conservativi che per secoli avevano

le tecniche provenienti dal progresso

opere cominciano ad essere inseriti

sovrinteso alla creazione dei

industriale, fa propri gli oggetti

materiali finora estranei come

Attilia Todeschini

manufatti artistici.

destinati alla realtà quotidiana

cartone, fil di ferro, metallo: tutto ciò

Federica Picco

Fin dai primi anni del Novecento,

reinterpretandoli in modo creativo e

che fa parte della quotidianità può

con le prime avanguardie e il

antifunzionale.

essere mezzo di espressione artistica.

Cubismo, l’opera dell’artista si va

Anche in questo sta la grande

Punto chiave in questo processo è

progressivamente liberando da

rottura dell’arte contemporanea con

Marcel Duchamp che, con l’ideazione

qualsiasi funzione subordinata a

la tradizione: l’intento espressivo

del ready-made, innalza l’oggetto

esigenze narrative e conquista lo

supera, anzi, tralascia decisamente,

comune a opera d’arte e apre la

statuto di oggetto autonomo,

l’equilibrio dei materiali utilizzati

strada al Dadaismo, attraverso

con una specifica identità estetica e

e l’esigenza di conservazione dei

cui si smantellano i sistemi logici

con una nuova scelta e elaborazione

manufatti che per secoli, tranne

tradizionali, approdando a una nuova

tecnica dei materiali utilizzati.

qualche raro, geniale, esempio, era

concezione del significato degli

Questo dirompente cambiamento

stata alla base delle scelte tecniche.

oggetti basato sullo spostamento

204

Nuove Tendenze... Nuovi materiali

205

di logica operativa ha avuto come

maneggevolezza, durata e stabilità,

cominciano a instaurare una stretta

diversa da quella ottenuta con gli oli

contemporanea.

ben superiori a quelle tradizionali,

collaborazione con gli artisti,

e ideale per quelle correnti artistiche

In contemporanea allo sviluppo dei

L’utilizzo pionieristico di questi

caratteristiche che non tardano ad

cercando di perseguire l’innovazione

che negli anni Sessanta ricercano

movimenti delle avanguardie, fanno

materiali nell’arte si deve a Naum

attirare gli artisti, soprattutto per la

tecnologica e il miglioramento dei

uno stile impersonale. Dagli anni

il loro ingresso nel mondo dell’arte le

Gabo che, tra gli anni Venti e

maggiore rapidità di essiccamento e

materiali, rispondendo alle istanze

Cinquanta l’uso dei materiali pittorici

materie plastiche: dal 1930 si assiste

Trenta, per la costruzione delle

il minore ingiallimento rispetto alla

poste dalla personale creatività

si estende per riprendere lo stile

allo sviluppo mondiale dell’industria

sue opere tridimensionali sfrutta

pittura ad olio.

degli artisti.

impersonale della cartellonistica

chimica che porta alla produzione di

le potenzialità degli esteri della

A partire dagli anni Quaranta sono

I colori acrilici hanno, però, un

pubblicitaria basato su superfici

nuove materie con diverse strutture

cellulosa, progenitori delle materie

introdotte pitture a base di resine

inconveniente: il film pittorico rimane

piatte senza tracce di pennellate

polimeriche, come per esempio

plastiche, cercando di esplorare tutti

alchiliche. L’essiccamento di queste

solubile in trementina e in altri

che imitano la stampa a colori su

il polistirene, il policloruro di vinile,

i possibili effetti ottici e luminosi

pitture risulta simile a quello degli oli,

solventi organici, rendendo difficile

carta. Le nuove pitture sintetiche

il polietilene, nylon e, nel 1940,

che questi composti consentivano

ma avviene più rapidamente.

una ridipintura e la sovrapposizione

possedevano una gamma di colori di

il teflon, primo polimero fluorurato.

di ottenere, preparando la strada

Le resine alchiliche diventano presto

di strati successivi, motivo per cui,

un’intensità mai vista prima: brillanti

Grazie ai progressi della ricerca,

all’ingresso ufficiale nell’arte di

i componenti standard delle pitture

nel corso degli anni Cinquanta, si

o opachi, metallizzati o satinati, con

il nitrato di cellulosa, altamente

materiali come plexiglass, poliestere,

commerciali per uso domestico,

cerca di ovviare al problema con

forte potere coprente, nuovi effetti di

infiammabile, è presto sostituito

polistirene espanso, poliuretano,

essendo scelte dagli artisti in

l’introduzione delle pitture acriliche

luminosità e variazioni ottiche con

dall’acetato, che diverrà la materia

resine policrome e fibre di carbonio,

sostituzione alla classica pittura

in acqua. Quando queste sono

i colori fluorescenti.

plastica più diffusa per i successivi

che avverrà durante gli anni della

ad olio per la loro facile reperibilità,

stese sulla superficie, in seguito

Lo sviluppo industriale, però, non

trent’anni.

seconda guerra mondiale. A questo

il basso costo e la possibilità di

all’evaporazione dell’acqua, si forma

coinvolge soltanto i materiali pittorici:

Per un lungo periodo le materie

proposito non si può non menzionare

ottenere spessi strati di pigmento

un film solido, tenace e flessibile, su

negli anni Sessanta si assiste infatti

plastiche sono utilizzate come

il Gruppo N padovano, i cui esponenti

e ampia varietà di colori.

cui possono essere applicati strati

a una grande diffusione di nuovi

imitazioni a basso costo dei

(Alberto Biasi, Ennio Chiggio, Toni

La diffusione degli smalti alchidici

successivi, mantenendo tutte le

media tecnologici. Sono anni in cui

materiali tradizionali: in forma di

Costa, Edoardo Landi e Manfredo

come materiali artistici fu promossa

proprietà di facile incorporazione dei

la digitalizzazione è solo all’inizio

fibre sostituiscono seta e lana, per

Massironi), nel corso degli anni

dalle esperienze negli Stati Uniti

pigmenti, le qualità ottiche e il rapido

- del resto, Giovanni Anceschi,

le caratteristiche di flessibilità ed

Sessanta, realizzano opere con

con i lavori di De Kooning e le opere

essiccamento che avevano mostrato

esponente del Gruppo T, afferma

elasticità sostituiscono le gomme

l’ausilio di materiali come PVC e

di Frank Stella. Negli stessi anni

gli originali acrilici a solvente.

che gli artisti cinetici e programmati

sintetiche. Gli artisti ne individuano

plexiglass, materiali che esprimono al

sono realizzati i primi colori acrilici

Questi colori hanno un notevole

lavorano senza computer ma come

subito le caratteristiche: sono

meglio l’intento di ricreare gli effetti

in tubetto le cui proprietà hanno un

impatto sui più importanti artisti

se il computer esistesse - ma gli

versatili, leggere, facili da tagliare e

ottico-dinamici tipici dell’arte cinetica.

ruolo fondamentale nell’espressività

del tempo: Andy Warhol e tutti gli

artisti prendono subito coscienza del

forgiare, possono essere stampate

Di impatto ancora maggiore è

di grandi artisti come Barnett

esponenti della Pop Art adottano

forte impatto che questi strumenti

in qualsiasi forma, ottenendo

l’introduzione di materiali polimerici

Newman o Roy Lichtenstein, che

immediatamente gli acrilici proprio

avrebbero avuto sulla comunicazione

effetti finali di tutti i tipi. Negli

sintetici e semisintetici come leganti

ne sperimentano le potenzialità

perché permettono di ottenere una

di massa. Non si parla ancora di

anni Cinquanta, con la nascita dei

pittorici: l’industria richiedeva

spingendo verso soluzioni sempre più

superficie dipinta piatta e opaca,

interattività ma di opera aperta, ad

colori acrilici, i polimeri diventano

vernici con caratteristiche di

avanzate. Le società di produzione

senza segni di pennellate, molto

indicare il manufatto artistico che 207

fondamentali anche per la pittura

materia.

206

di senso e sul valore intrinseco della

acquista completezza solo grazie

che ignora o, comunque, non tiene

Le conoscenze e i significati dei

scelte compositive prefissate, che

materiale giungerà al momento della

di tecniche e materiali espressivi

all’intervento dello spettatore

conto dei possibili meccanismi

materiali diventano, quindi, sempre

in qualche modo li prevedevano

sua distruzione totale.

utilizzati, come sottolineato da Heinz

facendo entrare l’arte in contatto con

dannosi che possono essere

più importanti: interviste agli

dall’inizio. Un esempio tra tanti,

Nel caso di un degrado rilevante

Althöfer, uno dei più accreditati

il pubblico. Un chiaro esempio sono le

provocati anche dalla coesistenza di

artisti (ove possibile), ricerche,

i “ Cretti” di Alberto Burri: il cretto

si perdono le caratteristiche

restauratori del contemporaneo:

opere di Gabriele Devecchi, Giovanni

materiali diversi.

approfondimenti che diano

è l’elemento estetico tipico delle

estetiche originali e si conduce lo

Anceschi e tutti gli esponenti del

Per definire questi accostamenti

indicazioni sul significato dell’opera

sue opere. L’artista sfrutta la

status dell’opera alla condizione

“[…] Non basta più conoscere

Gruppo T (Davide Boriani, Gianni

eterogenei si ricorre all’introduzione

sono ora fondamentali, in modo da

caratteristica del materiale di

di rudere. Se una vernice si altera

i materiali e padroneggiare le

Colombo, Grazia Varisco) che

del termine “tecnica mista”: questa

attuare un restauro compatibile

fessurarsi per ritiro in fase di

irreversibilmente o delle lastre

tecniche del restauro: ormai è

fanno largo utilizzo di questo tipo

definizione scaturisce da una

all’opera, alla sua consistenza

essiccazione. La trama e lo spessore

riflettenti si deformano è necessario

necessario penetrare nell’universo

di materiali: le loro opere sono

progressiva difficoltà a raccogliere

fisica, estetica e storica. Lo stato di

di queste crettature possono variare

procedere per gradi, mediando

intellettuale e nella filosofia

composte da apparati elettrici ed

puntuali informazioni circa le

conservazione di un’opera non si

a seconda della diluizione della

costantemente tra l’aspetto storico

dell’artista, altrimenti lo stesso

elettronici che creano giochi di luce e

nuove tecniche che si diffondono

valuta dall’età ma dai parametri di

miscela e dello spessore dell’impasto

di testimonianza e quello estetico,

punto di partenza del restauro

movimento attraverso cui prendono

e i materiali, che richiedono

durabilità, stabilità e inalterabilità,

che costituisce l’opera. L’artista

legato alla fruizione del messaggio

sarebbe sbagliato. Ora sono gli

forma esperimenti percettivi e

conoscenze sempre più specifiche.

che possono rendere necessario

riusciva a controllare le fessure,

artistico che deve continuare a

stessi materiali a essere espressione

ambienti interattivi finalizzati, come

L’illimitata sperimentazione artistica

un intervento di restauro anche

poteva guidarle incidendo nel

trasmettere le intenzioni dell’autore.

della soggettività artistica: si

detto poc’anzi, a sollecitare

del XX secolo ha spazzato via le

pochi anni dopo l’esecuzione

materiale, accelerando l’asciugatura o

In mancanza di fotografie dell’opera

tratta di premesse d’importanza

la percezione dello spettatore.

differenziazioni tra scultura, pittura e

dell’opera, per bloccare situazioni

bloccando il processo applicando colla

integra o di un assenso dell’artista

centrale, perché se non le si prende

arte ambientale; ha inaugurato l’uso

anomale che erano già a rischio nel

vinilica. Questo bloccaggio non è però

non sarà più possibile intervenire,

in considerazione l’opera sarà

di materiali di nuova formulazione;

momento stesso della creazione del

definitivo: infatti, i cretti possono

sancendo la perdita irrimediabile delle

annientata nella sua esistenza fisica

Il deterioramento dell’opera

ha attuato un’estrema ricerca

manufatto. Il deterioramento dei

continuare e, nel momento in cui si

caratteristiche originali dell’opera.

e spirituale […]”1. AT_FP

materiali può essere a volte parte

sviluppano in zone concepite come

Da queste premesse si capisce come

rottura col passato. L’emergere

integrante del linguaggio dell’artista,

lisce o in elevata entità, diventano

il restauro dell’arte contemporanea

sperimenta tutti i materiali che la

dell’arte effimera, a partire dagli

va quindi rispettato e mantenuto, pur

oggetto di restauro.

necessiti di un approccio

produzione industriale gli mette

anni Sessanta, ha dimostrato

controllandone l’evoluzione.

Lo stesso discorso vale per le opere

particolarmente accurato nello studio

a disposizione e la sua scelta del

un crescente disinteresse per la

In molti casi l’opera si presenta

di Lucio Fontana: nei suoi “Concetti

dell’artista, del suo intento creativo,

prodotto si basa solo su criteri

durata dei manufatti, affidando la

già deteriorata al momento

Spaziali” pratica buchi o tagli nelle

della molteplicità dei materiali

estetici funzionali all’espressione

trasmissione del linguaggio artistico

dell’esecuzione con cretti, bruciature,

tele, rendendo l’opera molto fragile.

utilizzati e delle cause di degrado, e di

delle poetiche individuali e non tiene

all’idea. In questo contesto sono

squarci, alterazioni cromatiche: danni

L’artista, nel 1947, collabora alla

una notevole flessibilità nella scelta

conto, né spesso gli interessa, degli

ricercati materiali bruti, caratterizzati

ulteriori, che si sviluppano sull’opera

stesura del manifesto degli Spazialisti

della modalità di lavoro.

effetti che il tempo potrebbe causare.

dalle loro condizioni evolutive che

ma che non disturbano la percezione

enunciando “l’arte è eterna ma non

D’altro canto, però, la caratteristica

Ora l’aspetto mentale - ideativo

conferiscono valenza poetica: ferro

artistica, che non si discostano

può essere immortale” dove con

principale dell’arte contemporanea è

prevale su quello concreto e manuale,

arrugginito, foglie, paglia, cera, legno,

da quelle originali, se non vanno

“eterno” s’intende il gesto compiuto

proprio la molteplicità delle sue forme

l’accostamento dei materiali risponde

corda sono solo alcuni dei materiali

a intaccare zone originariamente

dall’artista, che non potrà mai essere

e manifestazioni da cui ne consegue

alle esigenze espressive dell’artista

che possono costituire un’opera.

integre, si mantengono entro

cancellato. Al contrario, l’opera

inevitabilmente un’ampia varietà 209

di mezzi espressivi nuovi e di

208

d’arte contemporanea

Come visto, l’artista contemporaneo

AA.VV, “Conservare l’arte contemporanea – Atti del convegno di Ferrara del 1991, Nardini, Firenze 1992”.

DIE NEUEN MATERIALIEN DER

Kubisten, Futuristen und Dadaisten,

KUNST

über die ready-mades von Duchamp,

Mit dem Beginn des zwanzigsten

den objets trouvés der Surrealisten

Jahrhunderts begannen die

bis zu den Industriematerialien der

Ausdrucksformen und Techniken

Die radikale Veränderung der

Konstruvisten und Minimalisten.

der Künstler von den Entdeckungen

Ausdrucksbedürfnisse der

Neo-Dadaisten verwendeten

und Innovationen der industriellen

zeitgenössischen Kunst, hat zur

gesammelte und zusammengebaute

Entwicklung beeinflusst zu werden.

schrittweisen Aufgabe traditioneller

um neue Techniken der

Die Avantgardistischen-Strömungen

Techniken und Materialen und der

Bildreproduktion zu erreichen,

legten einen Grundstein von der

Einführung völllig neuer kreativen

wie die Fotoserigraphie auf

Kunst als Perzeption der Realität

Praktiken geführt.

Leinwand, typisch für Warhol,

zur Kunst als Konzeptualisation und

Frei von der Balance zwischen

Nauman Hologramme, über

intellektueller Verarbeitung. Die neue

Material und Konservatismus, welche

Videoinstallationen, um die

Vision der historischen Avantgarde-

jahrhundertelang die Schöpfung

interaktiven Gebilde mit digitalen

Künstler beinhaltete eine komplette

von Kunstwerken bestimmte.

Geräten zu verbinden. Der Künstler

Überarbeitung der Werke, neue

Seit den Anfängen des 20.

gleicht sich also den Materialien

formale und materielle Lösungen,

Jahrhunderts, mit den ersten

und Techniken, die durch den

wie den Polymaterialismus,

Avantgardisten und dem Kubismus,

industriellen Fortschritt entstanden,

polychrome Bauteile, den Raum und

befreite sich die Arbeit des Künstlers

an und kreiert Objekte ausgerichtet

die Leere als integralen Bestandteil

fortlaufend von der Unterordnung

auf das tägliche Leben, in einer

der Werke. Mit der Entstehung

Attilia Todeschini

als Funktion des Ausdrucks und der

kreativen und anti-funktionalen

neuer Kunstwerke wurden neue

Federica Picco

Erzählung und gewann den Status als

Weise neu-interpretiert.

Fremdmaterialien eingearbeitet,

autonomes Objekt mit spezifischer

Auch hier sieht man den grossen

wie Karton, Draht, Metall: alles, was

Identität und Ästhetik und mit einer

Bruch der zeitgenössischen Kunst

Teil des täglichen Lebens ist kann

neuen Auswahl an Materialien und

mit der Tradition: die expressionelle

Mittel des künstlerischen Ausdrucks

verwendeten Techniken.

Absicht übersteigt, unterlässt

sein. Schlüsselfaktor in diesem

Diese brisante Veränderung

sogar bewusst, die Balance der

Prozess ist Marcel Duchamp der, mit

der Arbeitsabläufe hatte eine

verwendeten Materialien und die

der Erfindung des ready-made, das

Verschiebung des Schwerpunkts

Konservierung der Kunstwerke,

Gemeinschaftsobjekt zum Kunstwerk

von der Wichtigkeit der konkreten,

was während Jahrhunderten, bis

erhob und so dem Dadaismus

physischen Erscheinungsbildes

auf wenige geniale Beispiele, die

den Weg geebnet hat, wodurch

zugunsten des Ausdrucks des

Grundlage der Wahl der Technik

die traditionellen Logiksysteme

Kunstwerks zur Folge, bezeugt von

darstellte.

demontiert wurden, was zu einem

211

210

Neue Tendenzen... Neue Materialien

den Mixed-Media-Assemblagen der

zum Ausdruck bringen.

als Kunst-Materialien wurde von

können. Die positiven Eigenschaften

Opazität, neuen Lichteffekten

finale Effekte erzielt werden.

Von noch grösserem Einfluss ist die

den Erfahrungen in den USA mit

der Original-Acrylfarben wie

und optischen Variationen mit

Verrückung des Sinns und inneren

In den fünfziger Jahren, mit

Einführung von synthetischen und

der Arbeit von De Kooning und

die einfache Einarbeitung von

fluoreszierenden Farben. Die

Werts der Materie führte.

der Geburt der Acrylfarben,

semi-synthetischen Materialien

den Werken von Frank Stella

Pigmenten, optische Eigenschaften

industrielle Entwicklung beinhaltete

Zur gleichen Zeit, mit der

erlangten die Polymere auch in

als Bindemittel in der Malerei: die

gefördert. In den gleichen Jahren

und der raschen Trocknungszeit

jedoch nicht nur Malmaterialen:

Entwicklung der Anvantgarde-

der zeitgenössischen Malerei an

Industrie verlangte nach Firnissen

wurden die ersten Acrylfarben

blieben dabei erhalten.

in den sechziger Jahren kam es zu

Bewegung, hielten die Kunststoffe

fundamentaler Wichtigkeit.

mit einfach zu handhabenden

in Tuben hergestellt, welche von

Diese Farben hatten einen

einer grossen Verbreitung neuer

Einzug in die Welt der Kunst: seit

Der Pionierseinsatz dieser

Charakteristika, Langlebigkeit und

fundamentaler Bedeutung in

wesentlichen Einfluss auf die

Medientechnologien. Es waren

1930 konnte die Chemie-Industrie

Materialien geht auf Naum Gabo

Stabilität, den traditionellen Firnissen

der Ausdruckskraft von grossen

wichtigsten Künstler der Zeit:

Jahre, in denen die Digitalisierung

mit deren Hilfe neue Materialien mit

zurück, welche zwischen den

weit überlegen. Charakteristika

Künstlern wie Barnett Newman,

Andy Warhol und alle Pop-Art

erst am Anfang stand – im übrigen,

unterschiedlichen Polymerstrukturen

zwanziger und dreissiger Jahren

die den Schaffensprozess nicht

oder Roy Lichtenstein waren, der

Vertreter verwendeten sogleich

bestätigt John Anceschi, Mitglied der

entwickeln, wie beispielsweise

Zelluloseester, ein Vorprodukt

verlangsamen und um Künstler zu

deren Potential für fortgeschrittene

die neuen Acrylfarben, besonders

Gruppe T, arbeiteten die Bewegungs-

Polystyrol, Polyvinylchlorid,

des Plastik, zur Konstruktion Ihrer

gewinnen, vor allem aufgrund der

Lösungen erprobte.

da diese es ermöglichen eine

und Programmier- Künstler ohne

Polyethylen, Nylon, und 1940 das

dreidimensionalen Werke nutzte und

schnelleren Trocknung und weniger

Die Produktionsunternehmen

flache, transparente Malfläche

Computer, aber so als ob er bereits

erste Fluorpolymer – Teflon-.

die verschiedenen erzielbaren Optik-

Gelbfärbung im Vergleich zur

begannen eine enge

ohne sichtbare Pinselstriche zu

existieren würde – aber die Künstler

Dank der Fortschritte in

und Lichteffekte untersuchte, welche

Öl-Malerei.

Zusammenarbeit mit den Künstlern

erreichen - ganz im Unterschied

verstanden sofort die Konsequenz

der Forschung konnte das

diese Mischungen erlaubten. Damit

zu schaffen, mit dem Bestreben,

zu den Öl-Farben -und ideal für

dieser Instrumente, der Wirkung die

leichtentzündliche Cellulosenitrat

ebnete Sie den Weg für Materialien

Ausgehend von den vierziger

technologischer Innovationen und

die künstlerische Bewegung der

sie auf die Massenkommunikation

durch Acetat ersetzt werden,

wie Plexiglas, Polyester, Polystyrol-

Jahren, wurden Farben auf Basis

der Verbesserungen der Materialien,

sechziger Jahre auf der Suche nach

haben würden.

welche der am meisten verwendete

Hartschaum, Polyurethanharze und

von Alkydharzen eingeführt. Das

zugunsten der persönlichen Freiheit

einem unpersönlichen Stil.

Man sprach noch nicht von

Kunststoff in den folgenden 30

polychrome Kunstharze, welche in

getrocknete Resultat dieser Farben

der Künstler.

Seit den fünfziger Jahren

Interaktivität, aber von offener Arbeit

Jahren sein sollte.

den Jahren des Zweiten Weltkrieges

ähnelt dem von Öl-Farben, der

Acrylfarben haben jedoch einen

dehnte sich der Gebrauch

um auf das Kunstwerk hinzuweisen,

Eine lange Zeit wurden Kunststoffe

offiziellen Einzug in die Welt der

Trocknungsprozess läuft jedoch viel

Nachteil: der Farbfilm bleibt löslich in

von Bildmaterialen, um den

welches nur dank der Intervention

als kostengünstiger Ersatz für

Kunst fanden.

schneller ab. Alkydharze wurden

Terpentin und anderen organischen

unpersönlichen Stil von Werbetafeln

des Betrachters Komplettierung

traditionelle Materialien verwendet:

In dieser Hinsicht darf die Gruppe-

schnell zu Standardkomponenten

Verbindungen, was das Neustreichen

aufzugreifen aus, welche auf einer

erreichte - indem die Kunst in

in Form von Fasern die Seide und

N-Padua nicht unerwähnt bleiben,

für handelsübliche Farben für den

und die Überlappung mehrerer

flachen Oberfläche ohne Spur von

Kontakt mit der Öffentlichkeit geriet.

Wolle ersetzen und als synthetischen

deren Exponenten (Alberto Biasi,

Hausgebrauch und von den Künstlern

Schichten erschwert. Aus diesem

Pinselstrichen basieren und den

Ein klares Beispiel sind die Werke von

Ersatz für Kautschuk mit gleicher

Ennio Chiggio, Toni Costa, Edoardo

der klassischen Kunst als Alternative

Grund wurden in den fünziger

Aufdruck auf Papier nachahmen.

Gabriele Devecchi, Giovanni Anceschi

Flexibilität und Elastizität. Die

Landi und Manfredo Massironi) in

zu Öl-Farben gewählt, aufgrund der

Jahren Acrylfarben auf Wasserbasis

Die neuen synthetischen Farben

und allen anderen Mitgliedern

Künstler erkannten sofort die

den sechziger Jahren Werke mit

einfachen Beschaffung, den tieferen

entwickelt. Das Wasser in den Farben

besassen eine Variation an

der Gruppe T (Davide Boriani,

Charakteristiken der Kunststoffe:

Materialien wie PVC und Plexiglas

Kosten und der Möglichkeit dicke

verdunstet nach dem Auftragen

Farbintensität, wie man sie zuvor

Gianni Colombo, Grazia Varisco),

sie sind vielseitig, leicht, einfach zu

realisierten. Materialien, welche

Schichten von Pigmenten und einer

und es bleibt ein fester, zäher und

noch nicht kannte: glänzend

die umfangreich Gebrauch dieser

schneiden und in Form zu bringen,

dynamisch-optische Effekte, typisch

Vielfalt an Farben zu erzielen.

flexibler Film, auf den mehrere

oder matt, metallic oder satin,

Arten von Materialien machten: ihre

können in jede Form gepresst

für die bewegende Kunst, am besten

Die Verbreitung von Alkydlacken

Schichten aufgetragen werden

mit starker Deckkraft oder

Werke setzen sich aus elektrischen,

213

werden und somit verschiedenste

des Objekts basierend auf der

212

neuen Konzept der Bedeutung

der Materialen wird daher immer

Beginn vorausgesehen hat. Ein

des Künstlers gemeint ist, welche

Arbeitsmodalitäten voraussetzt.

fortschreitenden Schwierigkeit,

wichtiger: Interviews mit den

Beispiel unter vielen, die “Risse”

niemals ausgelöscht werden kann.

Auf der anderen Seite ist aber gerade

und Bewegung erzeugen, in Form

punktuelle Informationen über die

Künstlern (wenn möglich),

von Alberto Burri: die Risse sind

Anderereseits wird jedoch das

die Vielzahl der Erscheinungsformen

von Wahrnehmugsexperimenten

neuen Techniken zu sammeln, die

tiefgehende Recherchen zur

das typische Ästhetik-Element

materielle Werk den Moment seiner

und –manifestationen ein

und interaktiven Umgebungen, um

sich in Materialen unterscheiden,

Bedeutung des Werks sind

seiner Werke. Der Künstler nutzt die

totalen Zerstörung erreichen.

Hauptmerkmal der zeitgenössischen

die Wahrnehmung des Betrachters

welche spezifischeres Fachwissen

heute fundamental um eine dem

Materialeigenschaften die sich bei

Im Falle einer wesentlichen

Kunst, woraus unweigerlich eine

anzuregen.

verlangen.

Kunstwerk, seiner physischen

der Trocknung zusammenziehen.

Verschlechterung verlieren sie

reichliche Fülle an verwendeten

Die unlimitierten künstlerischen

Konsistenz, Ästhetik und Geschichte

Die Textur und die Dicke dieser

ihre ursprünglichen ästhetischen

Ausdruckstechniken und –materialien

Experimente des zwanzigsten

angepasste Restauration

Krakelüren können je nach

Eigenschaften und führen den Status

folgt, wie es Heinz Althöfer, einer der

Die Verschlechterung der

Jahrhunderts fegten die

durchzuführen.

Verdünnung und dicke der Masse

des Werks zum Zustand einer Ruine.

meist respektierten Restauratoren,

zeitgenössischen Kunst

Unterschiede zwischen Skulptur,

Der Erhaltungszustand eines Werks

variieren. Der Künstler könnte

Wenn sich ein Anstrich irreversibel

unterstreicht:

Wie gesehen wurde, experimentiert

Gemälde und Umgebungskunst

wird nicht anhand seines Alters

die Risse kontrollieren, könnte

verändert, oder sich die

der zeitgenössische Künstler mit

davon, eröffneten den Gebrauch

gemessen, sondern anhand von

sie bewusst auf dem Material

reflektierenden Plättchen der

“[…] Es genügt nicht, die

allen Materialien, die die industrielle

neu formulierter Materialien;

Parametern wie der Beständigkeit,

führen, den Trocknungsprozess

Farbe verformen, ist es notwendig

Materialien zu kennen und die

Produktion zur Verfügung stellt und

verwirklichten eine extreme Suche

Stabilität und Unveränderlichkeit,

beschleunigen oder blockieren indem

Schritt für Schritt vorzugehen, einen

Restaurationstechniken zu

seine Wahl der Produkte hängt allein

nach neuen Ausdruckswegen und

welche eine Restauration auch

er Vinyl-Kleber hinzufügt.

konstanten Mittelweg zwischen dem

beherrschen: vielmehr ist es

von ästhetisch-funktionalen Kriterien

dem Bruch mit der Vergangenheit.

kurz nach der Ausstellung des

Diese Blockade ist jedoch nicht

historischen und dem ästhetischen

notwendig, in das intelektuelle

ab, zum Ausdruck individueller

Die Entstehung von kurzlebiger

Werks nötig machen können um

endgültig: tatsächlich können die

Zeugnis zu finden. Falls Fotografien

und philosophische Universum

Poesie. Den Interessen, welche die

Kunst, seit den sechziger Jahren,

Ausnahmesituationen zu umgehen,

Risse sich in dem Moment fortsetzen,

des gesammten Kuntswerks

des Künstlers einzudringen. Sonst

Zeit mit sich bringen könnte, tragen

hat einen wachsenden Mangel

welche bereits Risikofaktoren bei der

wo sie Feuchtigkeit oder Höhe

fehlen, oder ohne Zustimmung des

wäre bereits der Anfangspunkt

sie keine Rechnung.

an Interesse für die Dauer der

Erstellung des Werks darstellten.

ausgesetzt werden und das Werk

Künstlers wird es nicht möglich

der Restauration fehlerhaft. Heute

Heute überwiegt der mentale,

Handwerke gezeigt, was die

In den meisten Fällen weist das

somit Restaurationsbedürftig

sein zu intervenieren, was zum

sind es die gleichen Materialien,

ideologische Aspekt gegenüber dem

Übertragung der Sprache des

Werk bereits bei der Ausstellung

machen.

unwiederbringlichen Verlust

die die Subjektiviät des Künstlers

konkreten, handwerklichen. Die

Künstlers der Idee überlässt. In

Qualitätsverluste auf, wie Risse,

Das gleiche gilt für die Werke

der Charakteristika des Original-

ausdrücken: Räumlichkeiten sind von

Anpassung der Materialien trägt dem

diesem Zusammenhang sind

Bruchstellen, chromatische

von Lucio Fontana: in seinen

Kunstwerks führt.

zentraler Bedeutung, denn werden

expressiven Ausdruck des Künstlers

hässliche Materialien gefragt,

Veränderungen: weitere Schäden

“Raumkonzepten” arbeitet er mit

Unter diesen Prämissen wird

diese nicht berücksichtigt, wird

Rechnung, welcher die möglichen

charakterisiert durch ihren

die sich auf das Werk auswirken,

Übungslöchern oder Schnitten in

klar, dass die Restauration

das Werk in seiner physischen und

schädlichen Mechanismen ignoriert,

evolutionsbedingten Zustand,

aber nicht die künstlerische

der Leinwand, welche das Werk

zeitgenössischer Kunst einen

spirituellen Existenz vernichtet […]”1.

oder nicht berücksichtigt, die durch

welcher ihnen poetische Werte

Wahrnehmung stören, nicht von

sehr zerbrechlich werden lassen.

spezielle, akuraten Ansatz benötigt,

AT_FP

die Koexistenz verschiedener

verleiht: rostiges Eisen, Blätter,

den Originalen abweichen, sich

Der Künstler, arbeitete 1947 bei

welcher das Studium des Künstlers,

Materialien verursacht werden

Stroh, Wachs, Holz, Seide sind nur

nicht in die Grundform einkerben,

der Ausarbeitung des Manifests

seiner kreativen Absicht, der Vielfalt

können. Um diese heterogenen

einige der Materialien die ein solches

sich innerhalb der vorgegebenen

der Spezialisten, “Kunst ist ewig,

der verwendten Materialien und der

Ansätze zu definieren, wurde der

Werk begründen können.

Zusammensetzung bewegen,

aber kann nicht unsterblich sein”

Ursachen des Zerfalls, sowie eine

Begriff der “Mischtechnik” eingeführt:

Die Kenntnis und die Bedeutung

welche in einer Weise diese zu

mit, wobei mit “ewig” die Geste

hohe Flexibilität bei der Wahl der 215

diese Definition entspringt der

zusammen, die ein Spiel von Licht

214

sowie elektronischen Apparaten

AA.VV, “Conservare l’arte contemporanea – Atti del convegno di Ferrara del 1991, Nardini, Florenz 1992”.

A thought to Anna Canali _Arte Struktura constructivist and cinevisualist-oriented gallerist in the ’70’s Milan

Arte Struktura, with the goal of promulgating this trend, knew how to stimulate the approach to the reading of works by offering an experience rich in ideas and emotions, following the artists and maintaining with them an uninterrupted dialogue, presenting their works by organizing personal and group exhibits either on site or in prestigious national and international spaces. It has hosted countless exhibits conceived and organized for the great masters of international contructivism

agostino bonalumi, rino sernaglia, anna canali, zita vismara _ ottobre 1977

The Arte Struktura gallery was founded in Milan in 1970

and cinevisualism: from Joseph Albers (with a preface

by Anna Canali, and presented itself as a constructivist-

by Getulio Alviani) to Carmelo Arden Quin, Nicolay

and cinevisualist-oriented gallery working on the theme

Diulgheroff, Max Huber, Hans Jorg Glattfelder, Michel

of research and promotion of events which are

Seuphor, Luis Tomasello, hardly scratching the surface

completely experimental.

of the great panorama of twentieth century structural

Pioneers and protagonists of the Italian and international

art from its origins in the ‘70s of 1993 through the

constructivism-concretism and cinevisualist movements

constructivism of Natalie Gontcharova of (1912), and

participate in and collaborate on the artistic seasons

Ljuba Popova (1918), the neoplasticism of Theo van

of the gallery located at Via Mercato 1 in Brera: from

Doesburg (1918), the suprematism of Ilya Chasnick (1921),

Alberto Biasi to Marina Apollonio to Agostino Bonalumi,

the abstractivism of Victor Vasarely (1924), continuing

Gianni Colombo, Enrico Castellani, Gabriele De Vecchi,

with the Hungarian Lajos Kassak, the Poles Wladislaw

Edoardo Landi, Manfredo Massironi, Bruno Munari, Franco

Strzeminski, the French Andre’ Heurtraux (1951),

Grignani, Luigi Veronesi, Mario Ballocco, Edoarda Maino,

August Herbin (1947), Marcel Cahn (1960), and the

Marcello Morandini, Carlo Nangeroni, Mario Nigro, Lorenzo

Russian Sonia Delaunay.

Piemonti, Mauro Reggiani, Piero Risari, Paolo Scheggi,

Add to that the constructivist research from Hans Arp

Jorrit Torquist, Grazia Varisco, just to name a few...

(1962) to the concretism of the Swiss Max Bill (1967),

Antonio Calderara was present at every event at

Richard Paul Lhose (1972) and Camille Graeser (1968).

Arte Struktura, Piero Manzoni had rented a house with

Forty years of activity are a long time, but also the

Anna Canali on the Lake Iseo years before, Lucio Fontana

beginning of the definition of a cultural project

gave her works to be sold, chatting amicably in front

dedicated to a rational art in continuous expressive

of the Bar Jamaica.

and modal evolution.

217

216

arte struktura, proposta di manifestazione

Those magnificent sixties… some of my notes

“

With Piero Manzoni the friendship was longer,

particularly because he loved to spend hours on one of my father’s properties, le Selve di Gaino on Lake Garda, where a cellar full of choice wines kept us company. Before returning to Milan, he would put some bottles

“

I used to go with the driver and my father’s workers

arte struktura, comunicato stampa _ 1993 antonio calderara alla galleria arte struktura

who were doing the furnishing work for the Council

one of these to my friend Castellani”.

Chamber of the Palazzo Marino in Milan, and in my free

With my friend Gualberto Colombo we decided to rent a

time I would go to Mamma Lina at the Jamaica or to listen

house on the Lake Iseo, a first floor house on the shore of

to lectures at the Accademia in Brera.

the lake which Piero liked a lot as well; he said that life was

It was there that I started to frequent the artists, some of

more peaceful there where—he said—he was forced to

whom treated me with reserve because they

drink, being far from a frenetic city like Milan.

said I was the daughter of an industrialist, especially

We spent many pleasant hours, talking and talking.

at the beginning of the relationship.

Even Nanda Vigo came a few times. We also would

Lucio Fontana was the first to confide in me, inviting me

go to Montisola to eat fish at the Archetti.

to sit next to him while sitting on the ground in front of

One day he called me to invite me to the opening of

the Jamaica trying to sell the drawings on sheets that he

one of his exhibits. I couldn’t go that day.

would take from a ream of paper, executing them and

The title was “Tocco d’artista” (the touch of the artist)

passing them to me saying “500 lire please”… also adding

they were hard boiled eggs that, after being touched

that if I sold ten he would give me one:

by Him, were passed to the visitor who had to eat them.

but it never happened.

The works ran out, and as a result the exhibit did too.

Another day he invited me to have an aperitif at

His works Sagome antropomorfe or the Achromes

Pino La Parete where he usually had lunch; on that

were not only the provocation which would lead

occasion he proposed that I buy one of his works, a steal

to Merda d’artista, but also the sign of the genius

at 15,000 Lire, for which I could have paid 500 Lire per

of a Great One. Brilliant and irreverent.

week… he entrusted the work to the owner Pino with the

Then, in February 1963, he passed away… he had given

task of collecting… I made some payments, then I had to

me some of this paintings as gifts, but they were never

be operated on for my crossed eyes.

given to me. He had put the works in a box with the label

”

219

I left Milan, and in the meantime Fontana died.

218

in a bag and say to me, “You know Anna, I have to take

”

“these are Anna’s”, but I never received them.

dadamaino alla galleria arte struktura

“

dadamaino, “un foglio, un contesto”_ 1976

The heated and stubborn discussions in the taverns

and in the nights of old Brera, with wines which were not always good and meals that were often not paid for, were intolerant of all traditions and conformities. The nights were long and convivial, and we felt we were owners of and actors in a Milan which was culturally and humanly rich and full of hopes for the future. It was there that I met Dadamaino, who used to frequent at the Jamaica like all the other artists of the period. She was, however, very snooty, unlike the others with whom one quickly became friends. I organized two of Dada’s exhibits in the gallery, the first one was in May 1976 and the second in 1977. She is an artist who surely is eclectic, capable, ever-present on the Milan scene, but the relationship with her, unlike that with other artists, was not very affectionate. Sometimes she would call me a “whore” because of my decision to exhibit another artist instead of her, and other times I would meet her and she would

”

embrace and flatter me.

“

My unauthorized presence at some of the lectures

at the Accademia, and my hanging out at the Bar Jamaica gave me the cultural base I found again years later when

inaugurazione “arte struktura 76 - un foglio, un contesto”

I decided to open Arte Struktura in the ‘70s, and with personal exhibitions and shows I was able to promote and show the work, developing a path right in projects, mystery and magic where each one of us drank from the individual energy of the others, and where all of us grew humanly and intellectually in friendship

”

221

220

and reciprocal respect.

“

Among the many artists I hung out with, studied

I know him personally because of an evening organized in

and exhibited, I especially remember the warmth,

the hills of Brescia

the human rapport, and the friendship of some of them.

by Armando Nizzi of Sincron Gallery. We sat next to each

Munari and Fontana, they would meet in Brera but

other and started seeing each other after that. In Milan,

Fontana went every day, Munari didn’t because Munari

we would eat together.

hung out with high society while Fontana liked to be with

I used my Dad’s car to accompany him. Then we slowly

the people; he would sit on the ground like when

became friends and started to spend more time together.

I met him, as I already mentioned before.

Once the gallery opened, he never refused to exhibit with

You would see him discussing things with a friend who

me, with personal exhibits or with other artists.

could be a house painter instead of a literary type.

He was a very pleasant man, elegant, open, joyful,

This didn’t bother him whereas Munari, on the other

generous, an enthusiast with a desire to do things and

hand… Two different ways of comparing themselves

to teach. He never said no, even when he was very tired

with the others.

and very sick.

Munari loved people too.

He still came to the opening of Victor Simonetti (one of

The young and children, he loved to explain how you could

his last official appearances), entering the gallery and

do a little drawing, collect a leaf, copy it, play with pencils,

saying: “Ladies and Gentlemen, I am happy to come to this

things like that.

opening because we are presenting a genius named Victor

To play just as he defined his theory: giocare con l’arte

Simonetti. Congratulations!!! I believe in him”, and… lots of

(play with art). Munari, the undisputed genius of design,

compliments…

who at the same time was connected to childrens’

It wasn’t as if Victor didn’t deserve these compliments

publishing, to childrens’ Workshops. He was a great artist,

but Munari was generous in judging others. Presenting

the only one really well-known at the time who produced

an exhibit of kids who did notebooks or drawings for

art to reveal, to educate through art.

workshops, he always had generous words for them.

The market doesn’t reward him because he made a clear choice. Not the rare object, but rather a rich production which is the fruit of wisdom and artistic skill, without

”

concern for the market. It’s well known that collectors want rare works. He was, among other things, a man of great elegance. I remember meeting him through his art when I was twenty, maybe younge because my father used to buy his works edition from Danese.

223

222

bruno munari e edda canali

I, a young woman, not from Milan, opened my gallery

“

With the Group N people from Padua, I got in contact later

“

on Via Mercato and there I became close with the guys

on, when some of them weren’t artists anymore.

very very cultured. He knew all the greats and had

of gruppo T. With the elegant Colombo always present in

One day I called Alberto Biasi saying: “I am Anna Canali

relationships throughout Europe if not the world. He was

the gallery. I remember that at one of the many lunches,

and I’d like to come and see you”.

a great collector, organizer of art exhibits, a promoter of

he spilled a glass of wine on me after I complimented

We saw each other and the answer was: “I only do exhibits

art. He often got important works for me. He didn’t come

him—not for his art but for his charm—because he was

if they buy my works”. “All right”, I told him, “but I won’t buy

to the openings, we’d see each other before, he gave me

embarrassed. Colombo with his marvelous ambienti

them from you”. Then we made a nice catalogue together

suggestions on how to set up the exhibits, how to select

(environments)!

and a nice show. It took time to develop a friendship with

the artists. They say he has a difficult character, but we

Gianni used to come to the gallery every week: he never

Landi too, but since we’ve been in touch, we’ve been

can only say positive things about him. Arte Struktura

seeing each other for years and years.

has nothing bad to say about him, indeed we can only

In those years without the internet, everything was

“

I lived through a special period regarding art.

different. Lead times were longer, relationships broader.

missed an opening in addition to the many private events… Gianni was famous long before he died, he was surely the most well-known member of the group.

anna canali e davide boriani, inaugurazione berlewi e mansouroff _ 8 febbraio 1990

” “

With Boriani Anceschi, De Vecchi, Varisco,

”

Getulio deserves special mention.

He was a central figure of programmed art, at least in Italy, a talented artist, a very good artist, very intelligent,

show him immense gratitude for the assistance and the

”

affection with which he treated us.

we were together a lot. Davide (Boriani) was a crazy smoker, ignited a cigarette

alberto biasi nel suo studio di padova _ 1989

while having the other in his mouth still! Devecchi participated often and calmly with its soothed character, and Grazia as well who complained saying “I’m the only woman, they don’t take me seriously… and I’m outside the inner circle and they are more and I am less...”.

“

In any case, what wonderful

I don’t know why she came to me happily, it wasn’t as if I bought a lot, I couldn’t afford it, I don’t understand it

times, and what great company…

even today… But we held meetings and many discussions,

I am still proud of this Milanese

attended international events, we did something abroad…

experience that has found continuity

doing exhibitions in Basel, Paris, Cologne, but it’s not as if

over time starting from my naïve love

I bought a lot… Artists knew very well that Marconi was

of art through my activities as gallery

much richer and had money but they came to me too.

owner of Arte Struktura,

Grazia never missed my exhibitions, both group and

at via Mercato 1.

”

individual ones: she’s an eclectic artist of great value—I

”

have always held her in high regard!

225

224

da sinistra jorrit tornquist, grazia varisco, gianni colombo _ 1979

Antonio Calderara era presente in Arte Struktura ad ogni occasione d’incontro, Piero Manzoni aveva con Anna Canali preso in affitto una casa sul lago d’Iseo anni addietro, Lucio Fontana le consegnò dei lavori da vendere chiacchierando amichevolmente di fronte al Bar Jamaica. Arte Struktura, nel prefiggersi di divulgare questa tendenza ha saputo sollecitare l’approccio alla lettura delle opere offrendo un’esperienza ricca di spunti ed emozioni, ha seguito gli artisti mantenendo con loro un dialogo ininterrotto, ha sempre suggerito le loro opere organizzando mostre personali e di gruppo, in sede o in spazi di prestigio nazionali e internazionali. Innumerevoli le esposizioni pensate e organizzate per i grandi maestri del costruttivismo e cinevisualismo internazionale: da Joseph Albers (con prefazione di Getulio Alviani) a Carmelo Arden Quin, Nicolay Diulgheroff, Max Huber, Hans Jorg Glattfelder, Michel Seuphor, Luis

226

grazia varisco -1980

La galleria Arte Struktura nasce a Milano nel 1970 per

dell’arte strutturale del XXmo secolo dalle sue origini

volontà di Anna Canali proponendosi come galleria di

agli anni ’70 del 1993 attraverso il costruttivismo di

tendenza costruttivista, operante in chiave di ricerca

Natalie Gontcharova del 1912, e Ljuba Popova (1918),

e promozione di eventi compiutamente sperimentali.

il neoplasticismo di Theo van Doesburg (1918), il

Partecipano e collaborano alle stagioni artistiche della

suprematismo di Ilya Chasnick (1921), l’astrattismo di

galleria di Via Mercato 1 in Brera, pionieri e protagonisti

Victor Vasarely (1924), per proseguire con l’ungherese

del costruttivismo-concretismo e cinevisualismo italiano

Lajos Kassak, i polacchi Wladislaw Strzeminski, i francesi

ed internazionale: da Alberto Biasi a Marina Apollonio a

André Heurtraux (1951), August Herbin (1947), Marcel

Agostino Bonalumi, Gianni Colombo, Enrico Castellani,

Cahn (1960), la russa Sonia Delaunay.

Gabriele Devecchi, Edoardo Landi, Manfredo Massironi,

E ancora la ricerca costruttivista di Hans Arp (1962)

Bruno Munari, Franco Grignani, Luigi Veronesi, Mario

fino al concretismo degli svizzeri Max Bill (1967),

Ballocco, Edoarda Maino, Marcello Morandini, Carlo

Richard Paul Lhose (1972) e Camille Graeser (1968).

Nangeroni, Mario Nigro, Lorenzo Piemonti, Mauro

Quarant’anni di attività sono tanti, ma sono anche l’inizio

Reggiani, Piero Risari,Paolo Scheggi, Jorrit Torquist,

per definire un progetto di cultura dedicato ad un’arte

Grazia Varisco, solo per citarne alcuni...

razionale in continua evoluzione espressiva e modale.

227

Un pensiero ad ANNA CANALI _ ARTE STRUKTURA gallerista di tendenza costruttivista e cinevisualista nella Milano degli anni Settanta

Tomasello sino non poter non citare la grande rassegna

Quei magnifici anni ’60 ... alcuni miei appunti

“

Con Piero Manzoni fu un’amicizia più lunga e

particolare perché lui amava molto passare alcune ore in una proprietà di mio padre, le Selve di Gaino sul Lago di Garda, dove una cantina di vini selezionati ci faceva compagnia. Prima di ripartire per Milano metteva in una borsa alcune bottiglie dicendomi: “Sai Anna, una di queste devo portarla al mio amico Castellani”.

Consigliare di Palazzo Marino a Milano e, nelle ore di

Con il mio amico Gualberto Colombo decidemmo di

libertà, andavo a Brera da mamma Lina al Jamaica

prendere una casa in affitto sul Lago d’Iseo un primo piano

o ad ascoltare lezioni all’Accademia.

in riva la lago che piaceva molto anche a Piero; diceva che lì

Ed è lì che alla fine degli anni ’50 ho iniziato a frequentare

la vita, lontano da una città frenetica come Milano, dove lui

gli artisti, alcuni dei quali, specie all’inizio della conoscenza,

diceva di essere costretto a bere, era più tranquilla.

mi trattavano con un poco di distacco, perché dicevano

Si passavano ore piacevolissime, parlando e parlando...

che ero la figlia di un industriale.

anche Nanda Vigo venne alcune volte. Si andava anche a

Lucio Fontana fu il primo a darmi confidenza, che seduto

Montisola a mangiare il pesce dagli Archetti.

in terra davanti al Jamaica mi invitò a sederglisi vicino e

Un giorno mi telefonò per invitarmi all’inaugurazione di

cercare di vendere i disegni che da una risma di carta da

una sua mostra, non potevo andare in quel giorno - il titolo

ufficio prendeva, eseguiva e passava dicendomi:

era Tocco d’artista - erano uova sode che, dopo essere

”mi raccomando, 500 lire”... aggiungendo anche che,

state toccate da lui, venivano passate al visitatore che poi

se ne avessi venduto dieci, uno me lo avrebbe regalato,

le doveva mangiare. Le opere finivano e, di conseguenza,

ma non accadde.

la mostra. Le sue opere Sagome antropomorfe o gli

Un altro giorno mi offrì l’aperitivo da Pino La Parete dove

Achromes non erano solo provocazione che avrebbe

lui praticamente pranzava; in quell’occasione mi propose

portato alla Merda d’artista ma il segno del genio di un

l’acquisto di una sua opera, un taglio a 15.000 Lire, che

grande artista. Geniale e irriverente.

avrei potuto pagare 500 Lire la settimana.. consegnò

Poi nel febbraio del ’63 lui se ne è andato... mi aveva

l’opera al proprietario Pino con l’incarico di incassare,

regalato dei suoi quadri, ma mai nessuno me li consegnò.

pagai alcune rate, poi io feci l’operazione per lo strabismo,

Le opere le aveva messe in una cassetta con la scritta

fui assente da Milano e nel frattempo Fontana morì.

“sono di Anna”, ma non mi furono mai rese.

228

che stavano eseguendo i lavori di arredo per la Sala

”

grazia varisco, dadamaino, nanda vigo durante la mostra personale di grazia varisco _ 1977/1978

229

“

Con l’autista accompagnavo gli operai di mio padre

“

discussioni nelle osterie e nelle notti della vecchia Brera

“

con vini non sempre eccellenti e pasti non pagati.

Munari e Fontana si incontravano a Brera ma Fontana

Le notte erano lunghe e conviviali e ci si sentiva padroni

andava tutti i giorni, Munari no perché frequentava una

e attori di una Milano culturalmente e umanamente ricca

società altolocata mentre a Fontana piaceva stare con

e piena di futuro. Ed è lì che ho conosciuto Dadamaino.

il popolo, con la gente; si metteva in terra come quando

Frequentava il Jamaica come tutti gli artisti dell’epoca.

l’ho conosciuto io, come ho già raccontato altre volte.

Lei però era molto altezzosa, a differenza degli altri con

Lo vedevi discutere con un amico che poteva essere un

cui si diventava subito amici. Di Dada ho organizzato

pittore, un imbianchino, piuttosto che un letterato.

due mostre in galleria, la prima nel maggio del ’76 e la

A lui non dava fastidio questo mentre forse a Munari...

seconda nel ’77, un’artista sicuramente eclettica, capace;

Due modi diversi di confrontarsi con gli altri.

sempre presente sulla scena milanese ma il rapporto, a

Anche Munari amava la gente, i giovani e i bambini:

differenza di quello intrattenuto con altri artisti, non era

amava spiegare come si poteva fare un piccolo disegno,

così affettuoso. È capitato che mi desse della “puttana”

raccogliere una foglia, copiarla, giocare con le matite...

per la mia scelta di esporre un altro artista e non lei e

cose così.

successivamente incontrarla e trovarmi abbracciata e

Giocare, proprio come definì la sua teoria:

adulata.

giocare con l’arte. Genio indiscusso del design allo stesso

Insofferenti nei confronti di tutte le tradizioni e i

Di alcuni dei tanti artisti frequentati, studiati ed

conformismi erano soprattutto le accalorate e testarde

esposti ricordo il calore, il rapporto umano, l’amicizia particolare che ci legava.

”

“

tempo legato anche all’editoria per bambini, ai Laboratori per bambini. Un grande artista. L’unico all’epoca che producesse arte per educare attraverso l’arte. Il mercato non lo ha premiato, perché ha fatto una scelta

La mia presenza abusiva ad alcune lezioni

netta. Non l’oggetto raro, ma una produzione ricca, frutto

all’Accademia e la frequentazione al bar Jamaica mi hanno

di sapienza e estro artistico, ma senza attenzione al

dato quella base culturale ritrovata poi, dopo anni, quando

mercato. Si sa... il collezionista vuole l’opera rara.

decisi di aprire, nei primi anni ’70, Arte Struktura e con

Un uomo fra l’altro di grande eleganza. Ricordo di averlo

mostre personali e rassegne ebbi modo di promuovere

conosciuto attraverso la sua arte quando avevo vent’anni,

e divulgare il lavoro sviluppando un percorso ricco di

forse meno, perché mio padre andava a comprare da

impegni, mistero e magia, dove ognuno si abbeverava alle

Danese i suoi multipli. Lo conobbi di persona, invece, ad

energie individuali degli altri e tutti crescevano assieme

una serata organizzata sulle colline bresciane da Armando

umanamente e intellettualmente in amicizia e rispetto

Nizzi della Sincron: sedevamo accanto. Da allora abbiamo cominciato a frequentarci; a Milano si mangiava insieme,

230

bruno munari alla mostra di arturo vermi

231

”

reciproco.

usavo la macchina di mio padre per accampagnarlo. Poi piano piano siamo diventati amici, ci siamo frequentati

o con altri artisti.

“

Davide (Boriani) era un fumatore pazzesco, accendeva una

internazionale, facevamo qualcosa all’estero, esposizioni

Era un uomo simpaticissimo, elegante, disponibile,

sigaretta quando ancora aveva l’altra in bocca!!

a Basilea, Parigi, Colonia.

gioioso, generoso, un entusiasta con voglia di fare,

Devecchi partecipava spesso e tranquillamente, con il suo

Gli artisti sapevano benissimo che Marconi era molto

insegnare. Non diceva mai di no, anche negli ultimi tempi

carattere pacato e anche Grazia Varisco, che si lamentava

più ricco e con i soldi, ma, ad ogni modo, venivano

quando era molto stanco e malato. Venne comunque

dicendo “sono una donna, non mi considerano... e io sono

anche da me. Grazia non è mai mancata nelle mie mostre,

all’inaugurazione di Victor Simonetti (una delle sue

sempre fuori dal giro e loro sono più e io sono meno....”.

sia colletive che individuali.

ultime presenze ufficiali): entrò in galleria dicendo:

Non so perchè venisse volentieri da me, non è che

È un’artista eclettica e di grande valore, l’ho sempre

“Signore e Signori sono lieto di essere venuto a questa

comprassi molto, non potevo permettermelo...

stimata!

in modo più assiduo. Aperta la galleria non si è mai rifiutato di esporre da me con mostre personali

Con Boriani, Anceschi, Devecchi, Varisco siamo stati

facevano riunioni e molti dibattiti, partecipazioni a livello

inaugurazione perché presentiamo un genio che si chiama Victor Simonetti. Complimenti!!! Credo in lui”.. e giù... un

anna canali, cesare medail, miro cosumano, grazia varisco

sacco di complimenti... Non che Victor non meritasse quest’attenzione ma Munari era un generoso nel giudicare anna canali e gianni colombo, inaugurazione berlewi e mansouroff, catalogo con testo introduttivo di getulio alviani _ 8 febbraio 1990

gli altri. Presentando una mostra di ragazzini che avevano fatto dei quaderni o dei disegni per dei laboratori,

”

aveva sempre parole generose.

“

Io donna giovane, non milanese, ho aperto la galleria

in via Mercato, a Brera, e lì sicuramente la vicinanza con i ragazzi del gruppo T è stata immediata. Gianni Colombo, sempre elegante, veniva in galleria continuamente. Ricordo, in uno dei tanti pranzi da me organizzati, che dopo un mio complimento - non alla sua arte ma al suo fascino - imbarazzato, mi rovesciò un bicchiero di vino addosso. Colombo con i suoi ambienti... stupendii!!! Frequentava molto la galleria tutte le settimane... non mancava ad una inaugurazione, oltre che alle molte occasioni private... Gianni, sì, era famoso molto prima che lui morisse;

”

232

233

era sicuramente il più conosciuto del gruppo.

mostra personale di gabriele de vecchi _ 1988

veramente non mi è chiaro nemmeno ora... ma da me si

molto assieme...

”

“

In quegli anni, senza internet, era tutto diverso:

tempi più lunghi, relazioni più espanse.

Un giorno ho chiamato Biasi al telefono e gli ho detto:

“

“Sono la Anna Canali e voglio venirti a trovare”.

amore dell’arte fin nella mia attività di gallerista in Arte Struktura,

Ci vedemmo e la risposta fu: “Io faccio mostre solo se mi si

in via Mercato 1.

Comunque che bei tempi e che bella compagnia...

Ho avuto contatti con gli artisti del Gruppo N padovano

Ancora oggi mi sento orgogliosa di questa mia esperienza

quando alcuni non facevano più nemmeno l’artista.

milanese, che ha trovato continuità nel tempo dal mio ingenuo

”

comprano le opere”. “Ah, va bene”, dissi, “ma io non te le compro”. Poi facemmo insieme un bel catalogo e una bella mostra. Landi dopo anni mi ha permesso di frequentarlo; ci volle tempo prima di conquistare la sua amicizia e ora sono anni

”

che ci sentiamo e frequentiamo.

“

Una parola speciale devo riservare a Getulio.

Una figura centrale nello sviluppo dell’arte programmata almeno in Italia, un bravo artista, un bravissimo artista, molto intelligente, molto molto colto. Ha conosciuto tutti i grandi, con rapporti in tutta Europa, se non nel mondo. Un grande collezionista, organizzatore di mostre d’altri, un promotore dell’arte. Spesso mi ha procurato opere di grande rilievo. Non veniva durante le inaugurazioni, ci si vedeva prima,

edoardo landi

mi dava suggerimenti su come allestire le mostre, su come scegliere gli artisti. Dicono che abbia un carattere difficile ma noi possiamo spendere solo parole positive. Arte Struktura non ha nulla da rimproverargli anzi, può dimostrargli sempre immensa gratitudine per l’aiuto

”

e l’affetto con cui ci ha trattati.

235

234

1992. 20 anni arte struktura. anna canali getulio alviani. 24/03/1992 “20 anni di arte struktura in via mercato 1 a milano. anna canali - getulio Alviani

1957timeline

1958

Luogo (città), nome Galleria, data

Titolo della mostra/titolo dell’avvenimento

Nomi artisti partecipanti

Milano, Galleria Pater

Mostra: Piero Manzoni

Espone per la prima volta gli Achrome in una mostra personale

Piene e Mack avviano a Dusseldorf la serie delle Abendaustellungen, mostre evento che si svolgono nel corso di una serata

Düsseldorf

Rivista: “Zero”

Esce il primo numero, a cura di Piene e Mack

Milano, Galleria Pater

Mostra: Manzoni, Verga, Sordini

Milano, Galleria Pater dal 13 settembre

Mostra: Biasi, Bonalumi, Castellani, Manzoni, Rumney, Swan

Milano

Manifesto: Contro lo stile

Manzoni è tra i firmatari. Insieme agli esponenti del Movimento Nucleare, Baj e Dangelo

Milano, Galleria del Prisma

Mostra collettiva

Biasi, Bonalumi, Calos, Castellani, Dangelo, Fossati, Fraquelli, Scacchi Gracco, Lavagnino, Manzoni, Orsenigo, Pignatelli, Recalcati, Scuderi, Sordini, Verga

Milano, Galleria San Fedele

Mostra: Arte Nucleare 1957

Baj, Bemporad, Bertini, Dangelo, Jorn, Klein, Manzoni, Pomodoro, Rossello, Sordini

Luogo (città), nome Galleria, data

Titolo della mostra/titolo dell’avvenimento

Nomi artisti partecipanti

Roma, Galleria L’Appunto febbraio

Mostra: Angeli, Festa, Uncini, De Bernardi, Lo Savio, Schifano

Milano, Galleria del Naviglio

Mostra: Fontana

Milano, Galleria del Prisma

Mostra: Bonalumi, Castellani, Manzoni

Anversa, Hessenhuis

Mostra: Motion in Vision/Vision in Motion

Roma, Galleria Appia Antica

Mostra: Agostino Bonalumi, Enrico Castellani, Piero Manzoni

Luogo (città), nome Galleria, data

Titolo della mostra/titolo dell’avvenimento

Milano, Galleria Apollinaire

Mostra: Yves Klein. Proposte monocrome, epoca blu

Düsseldorf aprile

dal 29 maggio

settembre

12-30 ottobre

1958

Luogo (città), nome Galleria, data

Titolo della mostra/titolo dell’avvenimento

Milano

Nasce il sodalizo tra Bonalumi, Castellani e Manzoni

primi mesi dell’anno

Bergamo, Galleria Bergamo 4 - 17 gennaio

Mostra: Fontana, Baj, Manzoni

22 aprile - 4 maggio

aprile

1 - 10 dicembre

1959

Nomi artisti partecipanti 10 - 23 febbraio

16 - 28 febbraio

21 marzo - 3 maggio 23 marzo - 8 aprile

Mostra: Baj, Fontana, Manzoni

3 - 15 aprile

236

Bologna, Galleria del Circolo di Cultura

237

2 - 12 gennaio

Nomi artisti partecipanti

Fontana espone per la prima volta i “tagli”

Esposizione pioneristica che presenta opere di Breer, Bury, Klein, Mack, Mari, Munari, Necker, Piene, Rot, Soto, Spoerri, Tinguely, Van Hoeydoncks

Luogo (città), nome Galleria, data

Titolo della mostra/titolo dell’avvenimento

Nomi artisti partecipanti

Rotterdam, Rotterdamse Kunstkring

Mostra: ZERO

van Bohemen, Fred, Dahmen, Manzoni, Pieters, Romijn, Sanders, Schoonhoven, Schumacher, Tajiri, Wagemaker

1 - 28 luglio

Wiesbaden, Galerie Boukes 10 luglio - 7 agosto

Mostra: Dynamo 1

Prima occasione di contatto diretto tra Manzoni e gli esponenti tedeschi del movimento Zero. Partecipano all’esposizione: Bury, Holweck, Klein, Mack, Manzoni, Mavignier, Oehm, Piene, Rot, Soto, Tinguely

Milano

Rivista: ”Azimuth”

Esce il primo numero, a cura di Manzoni e Castellani. Testi di Dorfles, Ballo, Pagliarani, Agnetti, Schwitters, Alfieri, Paolazzi, Balestrini, Picabia, Tono, Beckett, Galvano, Laszlo

Albisola Marina (Savona), Pozzetto Chiuso

Mostra: Piero Manzoni

L’artista espone per la prima volta le “Linee”

Milano, Galleria Pater

22 settembre – 10 ottobre

Mostra: Anceschi, Boriani, Colombo, Devecchi

Prima mostra di gruppo, con opere informali, dei fondatori del Gruppo T

Padova

Si costituisce il Gruppo Enne

Roma, Galleria Appia Antica

Mostra: Zero

Milano, Galleria del Prisma

Mostra: Agostino Bonalumi

Milano, Galleria Azimut

Mostra: Le linee di Piero Manzoni

Prima mostra della Galleria Azimut

Milano, Galleria Azimut

Mostra collettiva

Anceschi, Boriani, Catellani, Colombo, Devecchi, Dadamaino, Manzoni, Mari, Massironi, Zilocchi

settembre

ottobre

24 ottobre - 4 novembre

27 novembre - 7 dicembre

4 - 21 dicembre

22 dicembre 1959 - 3 gennaio 1960

238

18 - 24 agosto

1960

Luogo (città), nome Galleria, data

Titolo della mostra/titolo dell’avvenimento

Milano

primi mesi dell’anno

Manzoni e Castellani stringono rapporti di amicizia e collaborazione con i padovani Massironi e Biasi del Gruppo Enne

Milano, Galleria Pater

Mostra: Miriorama 1

Prima di una serie di mostre intitolate Miriorama. Vi partecipano: Anceschi, Boriani, Colombo e Devecchi, a quali si unisce poi Varisco

Milano

Rivista: ”Azimuth”

Esce il secondo e ultimo numero, a cura di Manzoni e Castellani, dedicato al tema: “La nuova concezione artistica”. Sono pubblicati testi di Castellani, Kultermann, Manzoni, Piene, in italiano, francese, inglese e, in parte, tedesco

Milano, Galleria Azimut

Mostra: La nuova concezione artistica

Breier, Castellani, Holweck, Klein, Mack, Manzoni, Mavignier

Milano, Galleria Azimut

Mostra: Enrico Castellani

Prima personale dell’artista che espone in quest’occasione le sue “Superfici in rilievo”

Milano, Galleria Azimut

Mostra: Massironi, Moldow, Oehm, Uecker

Berna, Galerie des Kleintheater

Mostra: Neue Malerei

Londra, New Vision Center Gallery 1 - 19 marzo

Mostra: Castellani Manzoni. A New Artistic Concepition

Milano, Galleria Pater

Mostra: Miriorama 6

Seconda mostra collettiva del Gruppo T al quale di unisce Grazia Varisco

Leverkusen, Städtisches Museum

Mostra: Monochrome Malerei

Importante ricognizione delle esperienze monocrome internazionali. Vengono presentati 40 artisti, tra i quali Castellani, Fontana, Klein, Manzoni, Rothko, Tàpies. Nel catalogo sono inclusi scritti di Manzoni e Castellani

gennaio

gennaio (con pubblicazione effettiva in maggio)

4 gennaio - 1 febbraio

5 - 22 febbraio

23 febbraio - 10 marzo

van Bohemen, Dahmen, Manzoni, Motz, Ian Pieters, Sanders, Schoonhoven, Schumacher, Tajiri, Wagemacher

25 febbraio - 7 marzo

3 - 6 marzo

18 marzo - 8 maggio

239

1959timeline

Nomi artisti partecipanti

Armando, Bogart, van Bohemen, Bonalumi, Bordoni, Castellani, Leuzinger, Manzoni, Megert, Pieters, Schoonhoven, Schoendorf

Luogo (città), nome Galleria, data

Titolo della mostra/titolo dell’avvenimento

Milano, Galleria Azimut

Mostra: Heinz Mack

Milano, Galleria Azimut

Mostra: Almir Mavignier

Padova, Circolo del Pozzetto

Mostra: La nuova concezione artistica

Esposizione in collaborazione con la Galleria Azimut: Biasi, Castellani, Mack, Manzoni, Massironi

Milano, Galleria Azimut

Mostra: Motus

Demarco, Garcia Rossi, Molnar, Morellet, Yvaral

Milano, Galleria Azimut

Mostra: Corpi d’aria di Piero Manzoni

11 - 28 marzo

5 - 15 aprile

9 - 20 aprile

15 aprile -2 maggio

3 – 9 maggio

Milano, Galleria Azimut dal 25 maggio

Milano, Galleria Azimut 24 giugno – 18 luglio

Milano, Galleria Azimut 21 luglio

Albisola Mare (Savona), Circolo degli Artisti 30 giugno – 5 agosto

Nomi artisti partecipanti

1961

Luogo (città), nome Galleria, data

Titolo della mostra/titolo dell’avvenimento

Nomi artisti partecipanti

Amsterdam, Stedelijk Museum

Mostra: Bewogen Beweging

Agam, Anceschi, Boriani, Breer, Bury, Calder, Colombo, Cruz-Diez, Devecchi, Duchamp, Hains, Hamilton, Johns, Kaprov, Mack, Malina, Munari, Le Parc, Piene, Rauschenberg, Man Ray, Rickey, Rot, Niki de Saint-Phalle, Soto, Tajiri, Talmann, Tarkis, Tinguely, Tomasello, Ultveldt, Varisco, Vasarely, Yvaral

Padova, Studio Enne dal 29 marzo

Mostre a puntate dei componenti del Gruppo Enne

Biasi, Chiggio, Costa, Landi, Massironi

Roma, Galleria La Salita

Mostra: Miriorama 10

Roma, Galleria La Tartaruga

Mostra: Castellani & Manzoni

Biasi, Breier, Bonalumi, Castellani, Gancio, Landi, Mack, Dadamaino, Manzoni, Massironi, Mavignier, Moldow, Pisani, Santini

Roma, Galleria La Salita dal 15 giugno

Mostra: Mack + Klein + Piene + Uecker + Lo Savio = 0

Biasi, Breier, Castellani, Dadamaino, Landi, Mack, Manzoni, Massironi, Mavignier, Motus, Pisani, Santini

Padova, Gruppo Enne

Mostra: Dada Maino

Düsseldorf

Rivista: ”Zero”

Esce il terzo e ultimo numero

Düsseldorf, Galerie Schmela

Mostra: ZERO – Edition, Exposition, Demonstration (ZERO 3)

Adrian, Arman, Aubertin, Breier, Bury, Castellani, Dorazio, Fontana, von Graevenitz, Van Hoeydonck, Holweck, Kage, Klein, Kleint, Lo Savio, Mack, Manzoni, Mavignier, Moldow, Peeters, Piene, Pohl, Pomodoro, Rainer, Rot, Salentin, Schoonhoven, Soto, Spoerri, Tinguely, Uecker

marzo

dal 14 aprile

dal 22 aprile

Mostra collettiva

Performance: Piero Manzoni, Nutrimenti d’arte

L’artista firma con l’impronta del pollice alcune uova sode che vengono poi consumate dal pubblico

dal 20 maggio

luglio

Mostra: Castellani, Dadamaino, Manzoni, Pisani, Santini dal 5 luglio

Mostra: Sculture da viaggio

Padova, Studio Enne

Mostra: Il Gruppo Enne espone a porte chiuse

dall’8 ottobre

11 - 13 dicembre

240

Roma, Galleria Trastevere

Biasi, Bonalumi, Dadamaino, Manzoni, Massironi, Santini

241

1960timeline

Luogo (città), nome Galleria, data

Titolo della mostra/titolo dell’avvenimento

Nomi artisti partecipanti

Zagabria, Galerija Suvremene Umjetnosti

Mostra: Nove tendencije

Alla grande collettiva organizzzata da Mavignier partecipano: Adrian, Biasi, Castellani, Chiggio, Christen, Costa, Dorazio, Gerstner, von Graevenitz, Kämmer, Knifer, Landi, Le Parc, Mack, Manzoni, Massironi, Mavignier, Morellet, Müller, Oehm, Picelj, Piene, Pohl, Rot, Stein, Talman, Uecker, Wyss, Zehringer

3 agosto - 14 settembre

Wolframs-Eschenbach, Ordens-Schlolss 15 luglio – 24 settembre

Trier, Stadtisches Museum Trier 7 ottobre – 5 novembre

Lissone

dal 23 ottobre

Mostra: Internationale Malerei 1960-61

Mostra: Avantgarde 61

XII Premio Lissone

Armando, Bartels, Bischoffhausen, Bleckert, van Bohemen, Bordoni, Castellani, Crippa, Dahmen, Dorazio, Fontana, Geccelli, Geiger, Girke, Goepfert, Henderikse, Honegger, Kleint, Kusama, Leblanc, Luther, Manzoni, Megert, Peeters, Rainer, Rotella, Saura, Lo Savio, Schoonhoven, Teshigahara, Thieler, Uecker, Verheyen, Yoshihara, Zangs Armando, Berner, Bartels, Castellani, De Luigi, Dorazio, Fontana, Geiger, Girke, Goepfert, Holweck, Honegger, Kleint, Kusama, Jochism, Lo Savio, Mack, Manzoni, Peeters, Piene, Quinte, Rainer, Sellung, Schoonhoven, Uecker, Zangs

Partecipano tra gli altri Bonalumi, Castellani, Dadamaino e Manzoni, sono invitati anche esponenti del Gruppo T e del Gruppo Enne

1962

Luogo (città), nome Galleria, data

Titolo della mostra/titolo dell’avvenimento

Nomi artisti partecipanti

Antwerpen, Galerie Ad Libitum

Mostra: ZERO

Bury, Castellani, Dorazio, Fontana, Holweck, Klein, Mack, Manzoni, Mavignier, Piene, Soto, Uecker, Verheyen

Den Haag, Internationale Galerij OREZ

Mostra: Nieuwe Tendenzen

Arman, Armando, Aubertin, Bury, Castellani, Colombo, Dorazio, Fischer, Fontana, Girke, Goepfert, Holweck, Honegger, Klein, Kleint, Kusama, Mack, Dadamaino, Manzoni, Mavignier, Megert, Peeters, Piene, Pohl, Rainer, Rot, Schoonhoven, Soto, Uecker, de Vries, Weber

Amsterdam, Stedelijk Museum

Mostra: Nul

Arman, Armando, Aubertin, Bury, Castellani, Dadamaino, Dorazio, Fontana, Goepfert, Haacke, Henderikse, Holweck, Kusama, Lo Savio, Mack, Manzoni, Mavignier, Megert, eeters, Piene, Pohl, Schoonhoven, Uecker, Verheyen, de Vries

Antwerpen, Hessenhuis

Mostra: G 58, Anti – peinture

Armando, Biasi, Boriani, Castellani, Chiggio, Colombo, Costa, Cruz-Diez, Debourg, Devecchi, Garcia-Rossi, Goepfert, Henderikse, Hiltmann, Landi, Le Parc, Leblanc, Manzoni, Massironi, Megert, Morellet, Peeters, Schoonhoven, Sobrino, Stein, de Vries, Yvaral

Venezia, Galleria del Cavallino

Mostra: Miriorama 12

Anceschi, Boriani, Colombo, Devecchi, Varisco

Milano, Negozio Olivetti

Mostra: Arte programmata – Arte cinetica, opere moltiplicate, opera aperta

Esposizione itinerante, poi Venezia (luglio – agosto) e Roma (ottobre), a cura di Munari. Anceschi, Boriani, Colombo, Devecchi, Mari, Munari, Gruppo N, Varisco. Nelle tappe successive si uniscono il Groupe de recherche d’art visuel e Alviani

Gent, St. Pietersabdij, Centrum voor Kunstambachten

Mostra: Forum 62

Castellani, Dorazio, Fontana, Klein, Leblanc, Mack, Manzoni, Mavignier, Megert, Piene, Pohl, Soto, Uecker, Vasarely, Verheyen

Parigi

Muore Yves Klein

13 gennaio – 13 febbraio

10 gennaio – 18 febbraio

9 - 25 marzo

24 marzo – 30 aprile

7 – 17 aprile 1 – 31 dicembre

Arnhem, Galerie A dicembre

Mostra: Exposition dato 1961

Mostra: ZERO

Aubertin, Bartels, Breier, Carlfriedrich, Castellani, Claus, Fontana, Goepfert, Henderikse, Holweck, Kiender, Klein, Mack, Manzoni, Piene, Pohl, Rainer, Schmidt, Schoonhoven, Uecker

Arman, Aubertin, Bury, Castellani, Fontana, Holweck, Klein, Mack, Manzoni, Mavignier, Peeters, Piene, Pohl, Rainer, Rot, Schoonhoven, Soto, Spoerri, Tinguely, Uecker

maggio

5 maggio – 3 giugno

6 giugno

242

Francoforte, Galerie Dato

243

1961timeline

Luogo (città), nome Galleria, data

Titolo della mostra/titolo dell’avvenimento

Nomi artisti partecipanti

Berna, Galerie Schindler

Mostra: ZERO

Arman, Aubertin, Bury, Castellani, Dufrene, Fontana, Goepfert, Hains, Hiltmann, Holweck, Klein, Leblanc, Mack, Manzoni, Mavignier, Merget, Piene, Peeters, Pohl, Rainer, Rotella, Rot, Schoonhoven, Uecker, Verheyen

Rotterdam, Galerie Delta

Mostra: Castellani Manzoni Schoonhoven

Albisola Mare, Galleria della Palma

Mostra: Punto 3

Trieste, Galleria La Cavana

Mostra: Arte programmata

9 – 30 giugno

4 – 25 agosto

20 – 30 agosto

19 dicembre 1962 – 8 gennaio 1963

Rotterdam, Kunstcentrum’t Venster 3 – 23 novembre

1963

Luogo (città), nome Galleria, data

Mostra: Anno 62, plastiek, grafiek en tekeningen

Titolo della mostra/titolo dell’avvenimento Mostra: Mostra monocroma

Milano

Manzoni muore improvvisamente

6 febbraio

Berlino, Galleria Diogenes

Mostra: Zero - der neue Idealismus

244

Mostra: Castellani

marzo-aprile

Titolo della mostra/titolo dell’avvenimento

Nomi artisti partecipanti

Milano, Galleria Cadario

Mostra: Oltre Ia pittura, oltre Ia scultura

Mostra itinerante poi Torino. Opere di Adrian, Anceschi, Boriani, Boto, Colombo, Costa, Cruz-Diaz, Debourg, Devecchi, Equipo 57, Gerstner, Garcia Rossi, Kammer, Le Parc, Mack, Dadamaino, Mari, Mavignier, Morellet, Munari, Gruppo N, Peeters, Picelj, Piene, Pohl, Reinhartz, Sobrino, Staudt, Talman, Tomasello, Varisco, Von Graevenitz, Yvaral, Zehringer.

Amsterdam, Galerie Amstel 47 5 – 25 maggio

Mostra: Panorama van de niewe tendenzen

Alviani, Armando, Aubertin, Calderara, Castellani, Colombo, Cruz-Diez, Dadamaino, Fontana, Klein, Le Parc, Mack, Manzoni, Megert, Morellet, Peeters, Schoonhoven, Sobrino, Soto, Stein, de Vries

Parigi, Galerie Denise René

Mostra: Esquisse d’un salon

Alviani, Baertling, Boto, Cruz-Diez, Equipo 57, Le Parc, Morellet, Nemours, Peeters, Piene, Pohl, Sobrino, Stein, Tomasello, Vardanega, Vasarely

San Marino

7 luglio - 7 ottobre

IV Biennale internazionale d’arte Mostra: Oltre l’informale

Il Gruppo Zero e il Gruppo Enne ottengono il primo premio ex aequo

Francoforte, Galerie d, Schwanehalle des Romers

Mostra: Europaische Avantgarde. Monochromie. Achromie. Kinetik

Alviani, Aubertin, Bury, Castellani, Dorazio, Fontana, Holweck, Klein, Leblanc, Mack, Manzoni, Megert, Munari, Oehm, Peeters, Piene, Pohl, Schoonhoven, Soto, Tinguely, Uecker, Vasarely, de Vries

Zagabria, Galerija suvreme umjetnosti

Mostra: Nove Tendencije 2

Adrian, Alviani, Anceschi, Biasi, Boriani, Castellani, Colombo, Chiggio, Costa, Cruz-Diez, Demarco, De Vecchi, Dorazio, Equipo 57, Garcia-Rossi, Landi, Le Parc, Mack, Mari, Massironi, Mavignier, Morellet, Oehm, Peeters, Piene, Pohl, Sobrino, Staudt, Stein, Tomasello, Uecker, Varisco, Wilding

26 aprile – 7 ottobre

Armando, Aubertin, Calderara, Cruz-Diez, Fischer, Fontana, Alviani, Dadamaino, Morellet, Le Parc, Peeters, Schoonhoven, Soto, Stein, de Vries

Nomi artisti partecipanti Baj, Bueno, Dangelo, Dorazio, Fontana, Hartung, Klein, Loffredo, Manzoni, Pomodoro, Scatizzi, Scheggi, Turcato

luglio

1 agosto – 15 settembre

Milano, Galleria dell’Ariete dal 26 febbraio

Luogo (città), nome Galleria, data

maggio – settembre

Firenze, Galleria Il Fiore 16 - 19 gennaio

Alviani, Azuma, Bolognesi, Calderara, Dadamaino, Fontana, Le Parc, Morellet, Peeters, Pizzo, Rossello, Schoonhoven, Soto

1963

Tra gli italiani, sono presenti opere di Alviani, Castellani, Colombo, Dadamaino, Fontana, Manzoni

245

1962timeline

1963timeline

Luogo (città), nome Galleria, data

Titolo della mostra/titolo dell’avvenimento

Nomi artisti partecipanti

Milano, Galleria Cadario

Mostra dei contrasti

Abe, Alviani, Castellani, D’Arena, Piene, Fontana, Lattanzi, Meylan, Meloni, Nangeroni

Venezia, Palazzo Querini Stampalia

Mostra: Nuova Tendenza 2

dal 22 dicembre

14 dicembre 1963 - 15 gennaio 1964

1964

Luogo (città), nome Galleria, data

Titolo della mostra/titolo dell’avvenimento

Nomi artisti partecipanti

Mostra: Proposte strutturali plastiche e sonore

Mostra itinerante, poi a Torino, Firenze e Palermo. Partecipano Alviani, Anceschi, Borella, Boriani, Castellani, Colombo, Devecchi, Gelmetti, Grossi, Mari, Gruppo N, Scheggi, Varisco

Parigi, Musée des Arts Decoratifs, Palais du Louvre

Mostra: Nouvelle Tendance

Anceschi, Alviani, Boriani, Colombo, Dadamaino, Devecchi, Varisco

Roma, Galleria Il Biblico

Mostra: Mack Piene

Kassel, Documenta III 27 giugno – 5 ottobre

Mack, Piene e Uecker allestiscono l’opera Lichtraum. Hommage a Fontana

Venezia, XXXII Biennale lnternazionale d’Arte di Venezia

Partecipano Alviani, Castellani, Mari, Gruppo T e Gruppo Enne

Avezzano, XV Premio Avezzano. Palazzo Torlonia

Mostra: Strutture di Visione

Aprile – Maggio

3 – 17 marzo

giugno – settembre

Luogo (città), nome Galleria, data

Titolo della mostra/titolo dell’avvenimento

Nomi artisti partecipanti

Padova, Galleria La Chiocciola

Mostra: Enne 65

Mostra itinerante. Poi a Genova

New York, The Museum of Modern Art

Mostra: The Responsive Eye

Vasta partecipazione europea: Vasarely, Gruppo Zero, Groupe de recherche d’art visuel, Equipo 57. E quella italiana: Castellani, Dorazio, Alviani, Mari, Gruppo T e Biasi, Costa Landi. La rassegna è stata ospitata anche nei musei di Saint Luis, di Seattle, di Pasadena, di Baltimora

Milano, Studio di Lucio Fontana

Mostra: Zero Avantgarde

Abe, Armando, Aubertin, Bonalumi, Bury, Bischoffshausen, Castellani, Dorazio, De Vries, Fontana, Goepfert, Haacke, Holweck, Klein, Leblanc, Luther, Mack, Manzoni, Megert, Mees, Peeters, Piene, Pohl, Soto, Schoonhoven, Simeti, Talmann, Thorn, Uecker, Srheyen, Vigo

Amsterdam, Stedelijk Museum 15 aprile – 8 giugno

Mostra: Nul65 - Negentien Honderd En Vijf En Zestig

Alviani, Anceschi, Arman, Armando, Boriani, Bury, Castellani, Colombo, Devecchi, Dorazio, Fontana, Haacke, Kanayama, Klein, Kusama, Mack, Manzoni, Motonaga, Murakami, Peeters, Piene, Rickey, Schoonhoven, Shimamoto, Soto, Tanaka, Uecker, Varisco, Vigo, Yamazaki, Yoshihara

Roma, Galleria I’Obelisco

Mostra: Perpetuum Mobile

Albers, Anceschi, Bakic, Boriani, Biasi, Bury, Calder, Carlucci, Colombo, Costa, Cruz-Diez, Devecchi, Duchamp, Fasola, Alviani, Le Parc, Landi, Lo Savio, Lupo, Mack, Kramer, Massironi, Mari, Munari, Ramosa, Richter. Soto, Scheggi, Srnerc, Tinguely, Uecker, Varisco, Vasarely

Venezia, Galleria del Cavallino

Mostra: Zero Avantgarde

Abe, Armando, Aubertin, Bonalumi, Bury, Bischoffshausen, Castellani, De Vries, Fontana, Goepfert, Haacke, Klein, Yayoi, Leblanc, Luther, Mack, Manzoni, Megert, Peeters, Piene, Soto, Schoonhoven, Simeti, Talmann, Thorn, Uecker, Verheyen, Vigo

18 – 27 febbraio

23 febbraio – 25 aprile

Genova, Galleria La Polena novembre

1965

27 marzo

5 – 30 aprile

4 – 14 maggio

247

246

agosto

Luogo (città), nome Galleria, data

Titolo della mostra/titolo dell’avvenimento

Nomi artisti partecipanti

Berna, Kunsthalle Bern

Mostra: Licht und Bewegung

Agam, Anceschi, Biasi, Boriani, Bury, Calder, Colombo, Cruz-Diez, Devecchi, Demarco, Duchamp, Garcia-Rossi, Haacke, Leblanc, Mack, Malina, Mari, Megert, Morellet, Munari, Le Parc, Piene, Man Ray, Sobrino, Soto, Tinguely, Uecker, Vardanega, Varisco, Vasarely, de Vries, Zangs

Zagabria, Galerija Suvremene Umjetnosti

Mostra: Nova tendencija 3

Alviani, Anceschi, Apollonio, Barrese, Biasi, Boriani, Colombo, Dadamaino, Devecchi, Massironi, Molnar, Morellet, Munari, Peeters, Piene, Scarpa, Scheggi, Simeti, Staudt, Vardanega, Vigo, de Vries, Wilding

Torino, Galleria Il Punto

Mostra: Arte programmata

Padova

Si scioglie il Gruppo Enne

3 luglio – 5 settembre

8 agosto – 3 ottobre

7 – 27 settembre

1966

Luogo (città), nome Galleria, data

Titolo della mostra/titolo dell’avvenimento

Nomi artisti partecipanti

Roma, Galleria L’Obelisco

Mostra: Bianco + Bianco

Abe, Arboleda, Arp, Azuma, Bianco, Bompadre, Bonalumi, Bowen, Burri, Calderara, Calò, Capogrossi, Carrino, A. Cascella, P. Cascella, Castellani, Ceroli, Colombo, Coppola, Costa, Christo, De Camargo, Del Pezzo, Dorazio, Drago, Erben, Ernst, Festa, Fontana, Frascà, Gentili, Guarnieri, Kounellis, Le Parc, Levenson, Yven-Chia, Lo Savio, Lozach, Manueli, Manzoni, Marotta, Nikos, Novelli, Pascali, Peralta, Picasso, Pomodoro, Savelli, Scarpitta, Scheggi, Schifano, Scialoja, Simeti, Sordini, Soto, Stein, Tacchi, Turcato, Twombly, Uecker, Uncini, Van Hoeydonck, Warzecha

Roma, Galleria Il Segno

Mostra: Avant-garde Zero 1966

Abe, Aubertin, Bischoffshausen, Castellani, De Vries, Fontana, Goepfert, Haacke, Klein, Leblanc, Mack, Manzoni, Megert, Piene, Santoro, Soto, Schoonhoven, Talmann, Thorn, Uecker, Verheyen, Vigo

Brescia, Galleria Associazione Zen

Mostra: ZERO Avantgarde 1966

Aubertin, Bonalumi, Bischoffshausen, De Vries, Fontana, Goepfert, Haacke, Klein, Leblanc, Mack, Manzoni, Megert, Peeters, Piene, Rickey, Schoonhoven, Soto, Spindel, Talmann, Thorn, Uecker, Verheyen, Vigo

Düsseldorf

Si scioglie il Gruppo Zero

febbraio

dal 1 giugno

15 ottobre – 4 novembre

ottobre

Mostra: ZERO: an exhibition of European Experimental Art

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Washington, The Washington Gallery of Modern Art

Armando, Bury, Castellani, Dorazio, Fontana, Haacke, Klein, Lo Savio, Luther, Mack, Manzoni, Mavignier, Megert, Peeters, Piene, Schoonhoven, Soto, Tinguely, Uecker, Vigo

249

1965timeline

published in the occasion of the exhibition

ITALIAN ZERO/CROSS REFERENCE italica ars ab ovo incipit october 4th _ november 15th 2014 kanalidarte via alberto mario 55 brescia _ italy m. +39 333 3471301 afracanali@gmail.com www.kanalidarte.com

alviani anceschi apollonio biasi bonalumi boriani castellani chiggio colombo costa dadamaino devecchi fontana landi lo savio manzoni massironi munari scaccabarozzi scheggi simeti varisco vigo

errata corrige: pg. 184-185, Grazia Varisco - SCHEMA LUMINOSO VARIABILE 51x51x9,5 cm _ vetro serigrafato, legno, apparato elettrico _ 1965

exhibition manager afra canali project director stefano crosara exhibition manager assistant federica picco text afra canali anna canali melania gazzotti marina isgrĂ˛ federica picco attilia todeschini riccardo venturi designed by ubaldo righi _ esagono cremisi

a special thank for the underlying support to getulio alviani anna canali maria rosa e nevio canali piero cavellini ennio e alberta chiggio giorgio fogazzi lillo marciano enrico fumagalli fernanda marzuttini vittorio mongino natascia rouchota turi simeti grazia varisco many thanks to archivio chiggio archivio scaccabarozzi collezione bonomi collezione del monte fondazione berardelli

translation richard clark thomas reuter debbie ross

a special thank to costanza lunardi for the important and smart support given

photographers bruno bani fotostudio rapuzzi

many thanks to arte struktura archive for documental and photografic material to our use

printed by grafiche veneziane technical support bruno benzoni and hany elcin (set up) alessandro scalvenzi _ lâ&#x20AC;&#x2122;aura cornici (frames) ciro zanetti _ sergen (printing and visual material) centro di restauro zanolini paola, ravenna ida _ milano laboratorio di restauro todeschini _ verona

and all those who has made this possible

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