chupa manga zine
número 15 ● março 2020
NESTA EDIÇÃO: O DISCO PERDIDO DOS BEACH BOYS ALGORITMOS, INTELIGÊNCIA ARTIFICIAL E DIREITOS AUTORAIS OS HOLOGRAMAS SAEM EM TURNÊ GIRLS ROCK CAMP APRENDA A TOCAR O NOVO SINGLE DE STVZ QUADRINHOS CIBERNÉTICA E OUTRAS COISAS
chupa manga zine
número 15 ● março 2020
EXPEDIENTE edição geral, pauta, produção gráfica, envios e assinaturas Stêvz colabora nesta edição Batista
cba Stêvz é o nosso fantástico editor, e apesar de preferir não empregar superlativos, referir-se a si mesmo na primeira pessoa do plural ou na terceira do singular, é exatamente isso que está fazendo agora. Assina todos os textos deste zine, exceto onde indicado.
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Impresso, dobrado e grampeado em casa no verão chuvoso de 2020
Chupa Manga Records São Paulo • Pós-Brazil
na capa: um jovem Brian Wilson, líder dos Beach Boys
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di
to
ri
Vamos aos fatos: toda esta edição poderia ter sido escrita por máquinas superinteligentes, com assuntos escolhidos a dedo por redes neurais treinadas para agradar com precisão ao seu gosto pessoal e fazer subir as ações dos anunciantes ao mesmo tempo. Convenhamos, talvez não houvesse diferença alguma entre isso ou o trabalho solitário do editor trancafiado dentro de casa, em pleno carnaval, escrevendo baboseiras para os seus amigos imaginários. Em pouco tempo os algoritmos terão substituído as amizades, de qualquer maneira, como tudo o mais nesse mundo e caso já não o tenham feito. A cada avanço da tecnologia nesse sentido, a serviço da ultravigilância e monitoramento constantes — para não falar na nossa evidente fixação por reality shows —, fica mais plausível a hipótese de estarmos mesmo vivendo em uma simulação futurista e ligeiramente sádica. Seja lá como for, partamos ao que interessa. Como já dizia uma velha canção: "vamos viver da sobra da ceia de natal, vamos vender o peixe depois do carnaval", e este número começa com um espécime quase fresco mas com o cheiro um pouco engraçado, como de costume. Basta virar a página.
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SESSÃO MARMELADA
parapapá rapapapá
STVZ - ATÉ CHEGAR EM ALGUM LUGAR
OUÇA chupamanga.bandcamp.com soundcloud.com/chupamanga youtube.com/chupamangarecs
O nosso primeiro single do ano foi composto, gravado e lançado em todas as plataformas de streaming no intervalo de aproximadamente uma semana, sem muita pretensão mas também sem tempo a perder. É mesmo impressionante como a internet nos proporcionou a capacidade de sermos ignorados pelo mundo inteiro com mais eficácia do que nunca! O instrumental lo-fi viajandinho, meio sessentoso, investe no uso do onomatopeico parapapá para levar o/a ouvinte em uma breve jornada inspirada pelo próprio processo criativo do seu autor. O título reflete essa ideia, e, mesmo que por vezes a canção pareça que vai se perder ao entrar em território desconhecido, ela teima em conseguir retornar, se não ao ponto de partida, ao menos a uma lembrança vaga de casa. Para quem quiser ir mais a fundo, incluímos uma transcrição reduzida da composição no final desta edição. No mais, talvez seja hora de juntar todas essas faixas soltas por aí em um álbum propriamente dito, o que você acha?
DICAS
juntas e fortes
MOTIM Rua Gonzaga Bastos 302 Vila Isabel, Rio de Janeiro (RJ) fb.com/motim302 instagram.com/motim302
No terceiro número deste zine, ainda em 2017, falamos sobre o MOTIM, um espaço de shows, oficinas e encontros comandado por mulheres no centro do Rio de Janeiro. Três anos depois, é preciso atualizar a história: ele já não funciona mais no mesmo endereço, mas a novidade é que acaba de abrir em outro lugar. Inaugurada no dia 15 de fevereiro, a casa agora conta com uma equipe maior e promete continuar servindo como refúgio para a música e as artes independentes, além de um ambiente seguro para todes. Após uma busca de mais de um ano por um novo imóvel, e com ajuda de uma campanha de financiamento coletivo, o espaço agora conta com Bonnie, Hanna Halm, Larissa Conforto, Lety Trash, Marcelle Helt, Thaís Catão e Vita Parente no time. Vida longa!
Na página ao lado: equipe da Motim Nesta página: voluntárias do Girls Rock Camp Brasil no mutirão para preparar a nova sede (fotos: divulgação)
Caso você ainda não conheça o GIRLS ROCK CAMP BRASIL, um acampamento musical de férias para meninas, saiba que o projeto já está indo para a sua oitava edição. Durante uma semana, garotas de 7 a 17 anos são convidadas a viver uma experiência empoderadora com diversas atividades em grupo, onde elas aprendem a tocar um instrumento, formam uma banda, fazem uma composição inédita e uma apresentação ao vivo aberta para os pais, familiares, amigos e toda a comunidade. Agora, além disso tudo, o projeto passa a atuar também como instituto cultural com sede própria, e estará aberto para atividades durante o ano inteiro. É possível contribuir com doações de instrumentos, através de financiamento recorrente, ou voluntariar-se para participar mais ativamente.
INSTITUTO CULTURAL GRCB Rua Humberto de Campos 680 Jardim Zulmira, Sorocaba (SP) girlsrockcampbrasil.org/ fb.com/girlsrockcampbrasil
ENSAIO
melhor feito que perfeito
Chico Buarque acompanhado pelo grupo MPB-4 no 3º festival da TV Record, em 1967
(mas não de qualquer jeito)
Em uma entrevista no filme Uma Noite em 67 (2010), Magro, do MPB-4, conta que ainda gostaria de consertar alguns detalhes no seu arranjo vocal para “Roda Viva”[1], a canção de Chico Buarque que estreara 40 anos antes no III Festival de Música Popular Brasileira da TV Record. Não se trata de um sentimento incomum, como o produtor Tony Visconti demonstra em outra entrevista[2], de 2016, ao esmiuçar detalhes da gravação da música “Heroes” (1977), de David Bowie. Baseada em um romance do próprio Visconti, o que mais me chamou a atenção no seu relato — além das óbvias curiosidades sobre as participações de Brian Eno e Robert Fripp, o engenhoso uso de um microfone distante com gate ativado apenas nas partes mais altas do vocal, e o uso improvisado de um rolo de fita como cowbell — é o momento em que ele ouve a música e brinca que “queria mixar de novo”.
Agora imagine se os dois não tivessem liberado esses materiais naquela hora, por conta de um perfeccionismo inalcançável ou por simplesmente não conseguirem relevar detalhes incômodos para enxergar o todo. É mais difícil do que parece. Até mesmo o gigante Pablo Picasso supostamente afirmou, certa vez, que só sabia que seus quadros estavam terminados[3] quando o marchand aparecia e os arrancava da sua mão. Como diz o velho ditado, “feito é melhor que perfeito”, e nada como um prazo iminente e inescapável para nos lembrar dolorosamente disso. A minha própria produção musical segue à risca esse princípio, já que as condições ideais dificilmente existirão para se gravar com os melhores equipamentos, instrumentos e instrumentistas, e até mesmo o tempo disponível para fazer isso entre um aluguel e outro pode ser escasso. Em retrospecto os erros são sempre mais gritantes, mas tratase menos de captar o momento perfeito — o famigerado relâmpago na garrafa — do que de tentativas mais ou menos frustradas de se registrar as ideias como for possível. Tudo o que eu já fiz não passa de um rascunho de coisa melhor, mas aí está.
saiu como ele gostaria, já que o estúdio chegou a censurar cenas mais explícitas para garantir uma classificação etária menor. O pioneiro Orson Welles também não conseguiu terminar a sua última obra O Outro Lado do Vento, que, após infinitas questões burocráticas, batalhas judiciais e financiamentos fracassados, foi enfim finalizada e lançada a público em 2018 — 33 anos após a sua morte e quase 50 anos depois de ter sido começada. Algo semelhante já havia acontecido com outro projeto incompleto de Welles: o filme Dom Quixote, iniciado por ele em 1957, porcamente editado postumamente e lançado em 1992. Alguns diretores, no entanto, tiveram a sorte de ver a estreia de títulos problemáticos que já pareciam perdidos, mesmo após décadas, como outra versão do engenhoso fidalgo de La Mancha, O Homem que Matou Dom Quixote (1989-2018, de Terry Gilliam), e o brasileiro Chatô, O Rei do Brasil (19952015, de Guilherme Fontes).
Por vezes, porém, o motivo da interrupção é simplesmente a chegada inevitável da morte. O cineasta Stanley Kubrick, embora conhecido pelo perfeccionismo — continuava editando seus filmes até o último minuto, e em alguns casos até depois das primeiras exibições públicas —, morreu antes do lançamento de De Olhos Bem Fechados, em 1999, o que leva muitos críticos a questionarem se o longa realmente
Existem outros casos famosos de projetos inacabados — ou indefinidamente adiados — no campo da música, seja por conta não apenas de uma autocrítica implacável ou da morte prematura, como por outros motivos menos nobres como impasses burocráticos, financeiros, incompatibilidade de gênios, doenças mentais, abuso de drogas ou mesmo pura falta de interesse por parte dos autores de seguir adiante. Basta lem-
ACHADOS E PERDIDOS
Mas talvez um dos exemplos mais emblemáticos seja o de Smile, o disco iniciado em 1966 pelos Beach Boys e que seria o sucessor do seu aclamado Pet Sounds. Descrito por Brian Wilson como uma “sinfonia adolescente para Deus”, o projeto era tão ambicioso e tecnicamente complexo para a época que teve de ser abortado, dele restando apenas fragmentos modulares inacabados e a lenda sobre o mitológico álbum que nunca fora terminado e atormentaria seu criador por décadas[4]. Algumas das canções chegaram a figurar em outros títulos, mas não da forma imaginada por Wilson, que se afastou do grupo e dos holofotes enquanto lutava contra uma esquizofrenia debilitante. Com o passar dos anos, a aura de Smile crescia à medida que fãs fervorosos trocavam fitas piratas com possíveis versões e ordem das músicas — o que só aumentou exponencialmente na era da internet, através de blogs e fóruns obscuros. Foi apenas em 2004 que Wilson retomou o projeto — com a ajuda do letrista original Van Dyke Parks — e veio a gravar o que seria sua forma definitiva: o sublime Brian Wilson Presents Smile, já sem a participação dos Beach Boys mas seguido de relançamentos das sessões originais dos
Brian Wilson e a capa de Smile. Na página seguinte, uma das capas de The Life of Pablo.
brar o infame Chinese Democracy, álbum dos Guns ‘n’ Roses que saiu em 2008 após uma produção longuíssima e conturbada que se arrastava desde os anos 1990; ou dos menos conhecidos Mundo Verde Esperança (1989), de Hermeto Pascoal, e Cilibrinas do Éden (1973), de Rita Lee e Lúcia Turnbull, que apesar de prontos foram engavetados por suas respectivas gravadoras e circulam até hoje apenas em versões não-oficiais.
anos 60 por parte da gravadora, graças ao mapa agora completo da sua sequência e melodias faltantes. O caso de Smile é curioso justamente por ter sido regravado do zero, com outros músicos, 38 anos depois — o que obviamente levou a severas críticas tanto dos fãs mais puristas quanto dos ex-companheiros de banda, que o acusam de haver perdido a “aura” original, tanto por conta das vozes
(a de Brian agora longe do seu auge juvenil, e as dos Beach Boys ausentes), quanto pelos equipamentos de gravação modernos em vez dos analógicos dos estúdios da época. Mas talvez tenha sido justamente o avanço da tecnologia (além, possivelmente, do distanciamento temporal necessário) o que tenha permitido a sua conclusão, já que, desde o início, as composições eram pensadas como módulos intercambiáveis e exigiam um tipo de edição não-linear semelhante ao do cinema[5], como reconhecido por Carl Wilson, irmão de Brian e ex-integrante do grupo. Mesmo assim, isso não quer dizer que certas coisas devam ser feitas apenas por que a tecnologia permite. Com a chegada do áudio digital, nos anos 1980, o entusiasta da edição de estúdio Frank Zappa notoriamente substituiu baixos e baterias de diversos de seus discos antigos, além de mudar as mixagens e adicionar reverbs em um punhado delas, para relançamentos em CD.
É verdade que algumas das masters originais estavam danificadas a ponto de haver se tornado irrecuperáveis, o que justificaria alguma intervenção nesse sentido, mas, mesmo conhecido por constantemente reutilizar e alterar material antigo em trabalhos posteriores, nem todos os ouvintes gostaram muito da novidade. Além do puro experimentalismo ou revisionismo técnico, a insegurança e indecisão criativas também podem fazer com que um trabalho já lançado seja constantemente modificado, mesmo que com a desculpa de tratar-se de uma “obra em progresso” — conceito cada vez mais comum desde o advento das campanhas de financiamento coletivo, por um único projeto ou recorrentes (como uma espécie de assinatura mensal do material de determinado/a artista). Foi o que aconteceu com The Life of Pablo, por exemplo, álbum de Kanye West lançado em 2016 e que, graças às facilidades do streaming, recebeu diversas atualizações e reedições, cortes e acréscimos, numa suposta estratégia de marketing confusa que irritou muita gente[6].
O EFEITO DROOPY Voltando a Zappa, o compositor, falecido em 1993, retornou recentemente dos mortos — na forma de um reluzente holograma — em uma turnê com cheiro de caça-níqueis e mais uma das polêmicas envolvendo o seu legado, disputado pelos filhos em batalhas legais e trocas públicas de farpas. A moda parece que veio para ficar, tanto no Brasil (Cazuza, Renato Russo)
No pé da página: Bruce Lee e Kareem AbdulJabbar lutam em Jogo da Morte, 1978. Ao lado: Droopy e Steve Buscemi deep fake
como lá fora, com turnês esgotadas de Elvis Presley, Michael Jackson, Buddy Holy, Whitney Houston e Amy Winehouse no horizonte, todos em versão holográfica. A indústria cinematográfica enfrenta questão parecida, com cada vez mais aparições de atores falecidos em franquias multimilionárias e afins — Peter Cushing e Carrie Fisher em Star Wars, ou Marlon Brando em Superman, por exemplo. É verdade que a prática não é tão recente, mas geralmente tratava-se de um recurso extraordinário para finalizar alguma produção cujos atores infelizmente partissem dessa pra melhor antes de terminar de filmar as suas cenas; vide o mestre das artes-marciais Bruce Lee em seu último filme Jogo da Morte, de 1978, ou o seu próprio filho, tragicamente, em O Corvo, de 1994. O primeiro, aliás, também foi trazido de volta em 2013 para um controverso anúncio de uísque, e o mesmo ocorreu com as antigas estrelas Audrey Hepburn, Marilyn Monroe, Grace Kelly, Marlene Dietrich, Humphrey Bogart, James Cagney e Louis Armstrong, todos ressuscitados digitalmente para vender chocolates, perfumes e refrigerantes, diretamente do “vale da estranheza”[7]. A tendência tem levado personalidades a procurar ajuda jurídica para garantir os direitos sobre a sua imagem mesmo após a morte[8], como já fizeram Tom Cruise (o qual teve as suas feições digitalizadas em alta resolução para uso em efeitos especiais de um filme, mas conseguiu reaver todos
os dados) e o humorista Robin Williams, antes de tirar a própria vida. No estado da Califórnia, já existe uma lei[9] de 1985 que obriga os estúdios a conseguirem autorização dos herdeiros para o uso de imagem de qualquer personalidade falecida, mas, com o recente advento dos deep fakes, nem mesmo isso poderá impedir que qualquer pessoa tenha os seu rosto “hackeado” para uso alheio. Parece que num futuro próximo os robôs também roubarão o emprego das celebridades de Hollywood. Mas não se preocupe, é certo que, como bons capitalistas, eles darão um jeito de lucrar com isso. O uso cada vez mais recorrente de doppelgängers, sósias e clones digitais, pode gerar uma espécie de efeito Droopy — alguém se lembra do fleumático cachorro de desenho animado que estava em todos os lugares ao mesmo tempo, deixando o lobo mau maluco? O que impedirá os rostos inconfundíveis das celebridades de multiplicarem-se para atingir virtual-
mente todos os mercados possíveis, atuar em todas as frentes do entretenimento e da publicidade, estampando mais ensaios fotográficos de revista, comerciais televisivos e longas-metragens pasteurizados do que humanamente possível? Já que a sua marca registrada — a sua imagem de simétricas feições — poderá ser explorada exaustivamente por alguém para todos esses fins, pelo menos que seja por eles mesmos, naturalmente pensarão. Talvez chegue mesmo o dia em que todos, artistas e público, não passarão de hologramas respectivamente executando e consumindo as obras geradas automaticamente por algoritmos mirabolantes e autossuficientes, inteligentíssimos e estatisticamente perfeitos. A partir daí, não haverá mais diferença entre a vida e a arte, pois já não existirá nenhum das duas.
AUTOCRÍTICA AUTOMÁTICA Os perigos da automação para a arte têm sido discutidos pelo menos desde a invenção do fonógrafo, mas uma também pode ser utilizada para transportar a outra a horizontes inexplorados e anteriormente inimagináveis. O conceito de arte generativa parte desse princípio, em que uma série de parâmetros e condições previa-
mente determinadas servem de base para um desenvolvimento automatizado posterior — frequentemente com espaço para uma bem-vinda dose de aleatoriedade, o que acaba levando a obra até uma conclusão imprevisível. É claro que esse tipo de empreitada pode, muitas vezes, tornar-se apenas um exercício curioso para iniciados, como o National Novel Generation Month[10] — uma reunião de romances inteiramente gerados por códigos de programação, organizado desde 2013. Mas a própria indústria do entretenimento tem se apropriado justamente desta prática para escolher quais produtos financiar, e até fabricar argumentos, baseada inteiramente em big data[11], hábitos de consumidores, nuvens de palavras e gráficos de engajamento. Prestei a minha devida homenagem a esta nova era do audiovisual personalizado no twitterbot “Ntflx Generator” (twitter.com/ntflxgenerator), por sinal, que cria sinopses por vezes indistinguíveis das do serviço de streaming, de hora em hora. Como um bom work in progress generativo, o seu código volta e meia é atualizado com novas estruturas de frases e vocabulário, e ainda está longe de esgotar todas as possibilidades de combinações. Pensando no lado mais mecânico da coisa,
também temos exemplos maravilhosos de geringonças automáticas a serviço exclusivo da nobre causa do humor; como os robôs inúteis da sueca Simone Giertz[12] em sua empresa “Artificial Stupidity” — que vão desde uma “máquina de aplausos” a um capacete que serve pipocas —, ou os jogos operados por moedas no “Novelty Automation”[13] de Londres, um arcade aberto ao público com peças fabricadas pelo cartunista britânico Tim Hunkin. Nele, os visitantes podem receber uma sessão de podologia, sofrer uma revista automática para saber se são suspeitos, tirar cara ou coroa em um “tomador de decisões executivas” ou mesmo consultar um especialista para saber se qualquer objeto é ou não arte. Talvez o crítico autômato não aprovasse a curadoria de galerias sérias que já realizam mostras com obras geradas, se
não totalmente, com o auxílio de inteligência artificial[14]. Uma das artistas que tem elevado essa questão a outro patamar é a chinesa-canadense Sougwen Chung, que realiza performances de artes visuais onde pinta junto com robôs programados por ela através de redes neurais[15]. Inicialmente, o projeto incluía um braço mecânico que imitava seus movimentos, mas, após a constatação de certas limitações práticas do protótipo, decidiu incorporar essas imperfeições e investir justamente no “erro” e na diferença como elementos fundamentais nas suas obras. Os robôs tornaram-se, desde então, verdadeiros colaboradores dela, e não apenas ferramentas. No ramo da música, o uso de playbacks em apresentações ao vivo sempre foi uma fonte inesgotável de controvérsia, como no
A partir da página anterior: os robôs de Suzane Gierz, as máquinas de Tim Hunkin e as performances de Sougwen Chung
icônico caso da dupla alemã Milli Vanilli, acusada de fraude em uma série de processos — francamente meio ridículos — de proteção ao consumidor, no fim dos anos 1980, e que foi obrigada até a devolver prêmios depois de “desmascarada”. A prática já havia sido retratada muito antes, no clássico e metalinguístico Cantando na Chuva, de 1952, em que a estrela do cinema mudo interpretada por Jean Hagen tem que ser dublada por Debbie Reynolds em um filme falado, por conta da sua voz desagradável. Nada que não tenha sido relevado por seguidas gerações de adolescentes enlouquecido/as pelos integrantes das girl ou boy bands coreografadas que lançam mão desse recurso na música pop. O onipresente autotune talvez fique um pouco atrás na lista de “falcatruas” mais odiadas por comentaristas de Youtube nos últimos
anos, mas o auxílio de elementos automatizados não é fenômeno recente na música. O próprio uso, hoje amplamente difundido, de samples e drum machines ainda pode ser visto com maus olhos. Mas, em mãos criativas, nada disso importa. Partindo do fascínio que tinha na infância pela pianola da casa do avô, o guitarrista Pat Metheny talvez tenha chocado alguns ouvintes esnobes de jazz em 2009, ao resolver lançar um disco e uma turnê em que sua banda de apoio consistia do que ele descreveu como “uma falange de instrumentos notáveis e personalizados, tocados através de interruptores solenoides e pneumáticos”. O gigantesco “Orchestrion”[16] era capaz de acompanhar o músico em tempo real, com ritmos e texturas surpreendentes, em mais uma bela demonstração de obra colaborativa entre homem e máquina.
A mecanização do jazz: Pat Metheny e seu "Orchestrion", uma banda de apoio com dezenas de instrumentos automatizados
A MÚSICA DO FUTURO Mas uma máquina conseguiria compor sozinha? Experimentos nesse sentido já vêm sendo feitos pelo menos desde os anos 1960[17] na Rússia e nos EUA, e hoje começam a tornar-se realidade — com muitos poréns. Conhecido pelas suas recomendações musicais assustadoramente precisas[18] (mais do que o acervo, são elas o seu verdadeiro diferencial), o líder de mercado Spotify foi acusado pelo site Music Business Worldwide, ainda em 2016, de criar “artistas falsos”[19] com músicas genéricas exclusivamente encomendadas para popular playlists oficiais de altíssima visibilidade e com milhões de execuções, tudo para não ter que pagar direitos autorais. É claro que, eventualmente, a coisa passaria para o nível seguinte: pouco depois, o mesmo MBW reportou que a plataforma havia contratado François Pachet, um especialista em inteligência artificial da Sony, cuja equipe fora responsável por criar as primeiras músicas pop conhecidas utilizando essa tecnologia[20], e que defendeu, em uma palestra, que obras desse tipo deveriam ser isentas de royalties. Desde então, diversas empresas de tecnologia têm investido pesado na composição musical gerada inteiramente por computadores; como a “AIVA“[21], a primeira compositora virtual a ser reconhecida por uma entidade oficial (a SACEM, sociedade francesa dos autores, compositores e editores de música), e que oferece um serviço totalmente personalizado, em diversos estilos,
para clientes como o TED. A gigante Google também tem a sua aposta, chamada “Magenta“[22], e provavelmente veremos cada vez mais trilhas sonoras, jingles, sinfonias e operetas criadas por máquinas no futuro próximo[23]. A questão dos direitos autorais permanece uma incógnita, já que, até em processos legais recentes a linha entre autoria e plágio ainda é nebulosa, mesmo tratando-se de humanos. Afinal, quem pode ser realmente DONO de uma melodia ( já que esse é o parâmetro geralmente levado em consideração nos tribunais) se elas não passam de uma sequência de notas em determinada ordem, estatisticamente previsíveis? Pensando nisso, o advogado Damien Riehl e seu amigo Noah Rubin criaram o projeto “All The Music”[24], em que usaram um código para gerar todas as sequências melódicas ainda possíveis do mundo, e disponibilizar tudo em domínio público, esperando assim liberar compositores para criar sem medo de serem processados. É claro que, apesar da engenhosa ideia, eles lidaram com um conjunto de dados extremamente limitado (atendo-se a duas oitavas e sequências de até doze notas, sem levar o ritmo em consideração), o que não esgota ainda TODAS as melodias possíveis. Na prática, trata-se mais de uma provocação teórica do que uma revolução jurídica na área do copyright, mas certamente uma iniciativa louvável e não muito distante dos questionamentos que o próprio pai da cibernética, o matemático Norbert Wiener,
levantava já em 1950: Do ponto de vista de propriedade, os direitos de reprodução são resguardados pela nossa lei de direitos autorais. Existem outros direitos que nenhuma lei pode resguardar e que, quase que de igual modo, suscitam a questão da possibilidade de qualquer homem ter posse efetiva de uma criação artística. Neste ponto surge o problema da natureza da genuína originalidade. (...) As limitações intrínsecas da natureza mercantil da comunicação mal são levadas em conta pelo público em geral. (...) [O homem comum] não pode conceber informação sem proprietário. A idéia de que a informação possa ser armazenada, num mundo em mudança, sem com isso sofrer enorme depreciação, é uma idéia falsa.
E, para quem achar que tudo isso possa representar o fim da criatividade e do/as artistas de carne e osso, emendava: Só Deus sabe quantos problemas não existem a serem resolvidos, quantos livros a serem escritos, quanta música a ser composta! No entanto, com pouquíssimas exceções, para se chegar a tanto, é mister realizar tarefas maquinais que, em nove entre dez casos, não se tem nenhuma razão imperiosa para realizar. Que o Céu nos livre dos primeiros romances que são escritos porque um jovem aspira ao prestígio de ser romancista e não porque tenha algo a dizer! (...) Nas artes, o desejo de encontrar coisas novas para dizer e novas maneiras de dizê-las é a fonte de tôda vitalidade e interêsse.[25]
NOTAS [1] A canção foi originalmente escrita para a peça de teatro (também dele) de mesmo nome, que, em 1968 teve duas de suas apresentações interrompidas pelo Comando de Caça aos Comunistas, cenários depredados e atores agredidos. [2] No programa Music Moguls: Melody Makers, da BBC Four, na íntegra em bbc.co.uk/ programmes/p03g18sx [3] christies.com/features/ Courtauld-unfinished-the-graftbehind-the-glitter-6295-1.aspx [4] Em um caso típico de síndrome do impostor, Wilson ficou aterrorizado por Smile por muitos anos, diminuindo repetidamente o álbum ao mesmo tempo em que o associava com todos os seus fracassos. Em diversos momentos considerava as gravações “sem alma”, meras imitações baratas de Phil Spector ou apenas “música brega influenciada por drogas”. [5] Segundo o próprio Brian Wilson: “Eu tinha muitas ideias inacabadas, fragmentos de música que chamava de ‘sensações’. Cada sensação representava um clima ou uma emoção que eu sentia, e planejava organizá-las como um mosaico”. [6] huffpost.com/entry/kanyesstill-not-finished_b_9433380
[7] O “vale da estranheza” (uncanny valley, no original) é uma hipótese no campo da estética, robótica e computação gráfica que diz que quando réplicas humanas se comportam de forma muito parecida — mas não idêntica — conosco, provocam repulsa entre os observadores. O “vale” em questão refere-se à queda repentina no gráfico da reação positiva de um ser humano em função da verossimilhança de um robô, seguida de uma eventual retomada.
e comportamentos, e a influência sobre eleições no mundo inteiro. O próprio jornalismo tradicional, que poderia (e deveria) ajudar a combater esse tipo de prática, apesar de também atualizar-se aos poucos — na automatização de conteúdo descritivo como resultados esportivos, previsão do tempo e relatórios de trânsito, por exemplo —, ainda parece engatinhar nesse sentido.
[8] Mais sobre o assunto em screenrant.com/actors-refusedresurrected-cgi-rights/, reuters.com/article/us-filmresurrections-analysisidUSKBN14J1TU e telegraph. co.uk/news/2019/11/10/bringingicons-back-dead-hollywoodschillingly-immoral-trend/
[14] news.artnet.com/exhibitions/ ai-generated-art-galleryshow-1339445
[9] O Celebrity Rights Act foi implementado após campanha do filho do eterno Drácula, Bela Lugosi, inconformado com a exploração da figura do pai em incontáveis produtos de merchandising, mesmo décadas após a sua morte. [10] nanogenmo.github.io/ [11] Certamente não teríamos como falar sobre automação em redes sociais sem lembrar dos seus usos antiéticos e com consequências potencialmente devastadoras, cada vez mais corriqueiros, como a radicalização de opiniões
[12] youtube.com/simonegiertz [13] novelty-automation.com
[15] sougwen.com [16] patmetheny.com/ orchestrioninfo e também em soundonsound.com/people/ pat-methenys-orchestrion [17] Em 1960, o pesquisador russo R. Kh. Zaripov publicou o primeiro artigo internacional sobre composição musical algorítmica, utilizando o computador “Ural-1”. Em 1965, o inventor Ray Kurzweil estreou uma peça para piano criada por um computador que era capaz de reconhecer padrões em várias composições, analisar e utilizá-los para criar novas melodias. [18] É importante deixar claro a diferença entre inteligência artificial e “inteligência algorítmica”: enquanto a primeira é
mais sobre computadores serem capazes de pensar, entender e se adaptar de um jeito semelhante a um ser humano, a última diz respeito a usar a matemática para ajudar pessoas e máquinas a trabalharem juntas, em tarefas operacionais mundanas. Utilizar algoritmos para prever de que música você gostará no Spotify ou que filmes deveria assistir no Netflix é algo esperto, mas não necessariamente criativo em si mesmo. Não há nada de artificial nisso. Mais em venturebeat. com/2017/04/15/the-art-ofalgorithms-how-automation-isaffecting-creativity/ [19] musicbusinessworldwide. com/spotify-is-creating-its-ownrecordings-and-putting-them-onplaylists/ [20] As duas canções em questão, “Daddy’s Car” e “The Ballad of Mr. Shadow”, no entanto, ainda precisaram de um ser humano para fazer os arranjos e a produção do material escrito pela máquina. [21] aiva.ai [22] magenta.tensorflow.org [23] qz.com/work/1414602/willartists-get-replaced-by-robots/ [24] allthemusic.info [25] No livro Cibernética e Sociedade - O uso humano de seres humanos (Editora Cultrix, São Paulo, 1968, 2ª edição).
© Stvz, 2020.
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