Portfolio Jorge Hurtado
Introducción
L
a recopilación que se verá a continuación recoge una selección de proyectos emprendidos desde mi entrada en Bellas Artes, por allá en el 2017, hasta la presente fecha. Desde el descubrimiento de mi verdadera pasión a mis tempranos doce años, la Moda ha sido el hipocentro desde donde gira todo mi pensamiento creativo. Con la finalización de mis estudios en el ámbito artístico, llegué a una reflexión sobre mis actitudes y aptitudes de cara a la producción de mis piezas, entre ellas, un alto grado de creatividad y versatilidad para trabajar de forma transdisciplinar; una capacidad resolutiva, aportando soluciones y alternativas a los inconvenientes que surgen durante los procesos de ideación y materialización; y, la importancia dada a una investigación de calidad, con el objetivo de establecer enlaces coherentes entre ideas y conceptos, favoreciendo un vínculo real entre el continente y el contenido, es decir, entre la obra y su significación.
Aunque el protagonista principal de mi visión sea el Diseño de Moda y el desarrollo de proyectos basados en la construccion de prendas mediante técnicas de patronaje y drapeado, no me cierro a una sola forma de expresión artística, incluyendo además otras disciplinas como la fotografía, la escultura, la pintura, el dibujo, la performance e instalación, todos complementarios a la proyección de mi universo de ideas. Una característica de mis diseños es la volumetría y los juegos visuales establecidos entre la pieza y la visión del espectador, teniendo especial peso la originalidad del
diseño, consiguiendo esta mediante una interpretación y recontextualización de las referencias y fuentes de inspiración a través de mi filtro estilístico.
Creo profundamente que la convergencia de técnicas tradicionales, y, aquellas de nuevas tecnologías -softwares y aplicaciones de diseño digital, modelado e impresión 3D, entre otras- resultan en un interés adicional en la gestación de ideas y en la materialización física de éstas, expandiendo los límites de la creatividad, descubriendo así nuevos medios útiles de los cuales alimentarse.
Proye
recie
ectos
entes
Warprint La Huella de la Guerra
E
s una traducción estilística de los corsés y las armaduras de guerra de los samuráis, versando sobre las consecuencias que tienen los conflictos bélicos en la sociedad. La obra se encuentra compuesta por tres piezas, de las cuales dos guardan una relación conceptual. En primer lugar, las planchas de linóleo, simuladas en 3D haciendo uso de Blender antes de su materialización física. Sobre la superficie de éstas se encuentran fragmentos recompuestos de los grabados pertenecientes a Desastres de la Guerra de Francisco de Goya, siendo bastante representativos de los estragos que causan los conflictos bélicos: todo tipo de crímenes e inhumanas acciones que
terminan causando un daño físico, psicológico y emocional a las víctimas. Aquí se establece el primer paralelismo entre los componentes y su significado: las nuevas imágenes adaptadas al formato del corsé son grabadas a láser, procedimiento que, a su paso, deja una huella sobre la superficie del material. Como una cicatriz, grabada en los cuerpos y memorias de las víctimas de estos atroces eventos. Simboliza así la capacidad que tiene la guerra de incrustarse en nuestra vida diaria, incluso cuando no nos afecta de forma directa.
En segundo lugar, la crinolina de filamentos de PLA impresos con lápiz 3D. Este componente hace alusión a los vasos sanguíneos del sistema circulatorio, aprovechando el color original del material para establecer el enlace conceptual: el negro como símbolo de la muerte y la putrefacción. En tercer lugar, el soporte metálico, cuya función es meramente práctica, realizado con el objetivo de soportar el peso de las piezas y dar estructura a las mismas una vez ensambladas en su posición final. Hecho con varillas soldadas de acero galvanizado, éste elemento se oculta de la vista del espectador, causando la impresión de que los demás componentes flotan y se mantienen por sí solos.
Folterkleid
La Indumentaria de la Tortura
L
a temática de este diseño se encamina por la misma que Warprint: el sufrimiento humano a raíz de la crueldad y la violencia. Sin embargo, esta obra compuesta por cuatro piezas trata sobre diferentes métodos para infligir tormento a un individuo, transmitiendo éstos de un modo subliminal. La coraza se inspira de uno de los métodos más antiguos y crueles, el Toro de Falaris. De este se recoge no solo el metálico material con el que se encuentra realizada la cámara mortal con forma bovina, sino también la región torácica-abdominal donde yacen las cenizas de la víctima a la que se le ha destinado a una agónica muerte,
calcinando su cuerpo en el interior del atroz instrumento. La pieza se realizó positivando un molde de escayola, compuesta de resina de poliéster y carga metálica de bronce. Con el fin de mantener la limpieza estética de la coraza, ésta se encuentra imantada al corsé base, el cual se ubica por debajo de las telas plisadas cumpliendo con una función práctica. Éste elemento es en sí mismo un método de tortura, debido a que debe encontrarse bastante ajustado al cuerpo para sostener el peso de la coraza. Como consecuencia, causa incomodidad y dificulta la respiración a quien lo porta.
Las telas plisadas hallan su inspiración en las lesiones arborescentes que, similar en aspecto a las estrías, aparecen en la piel como resultado de una descarga eléctrica aplicada directamente a la víctima. La silueta y proporciones generales del diseño se estudiaron haciendo uso de la aplicación Nomad Sculpt y, el software de Diseño de Moda digital CLO3D, para luego transferirse el patrón a materiales físicos, construyendo la prenda haciendo uso de técnicas de Alta Costura. Por último, la joyería corporal, realizada mediante impresión 3D de filamento de PLA. Esta pieza hace especial énfasis en las segundas lecturas, debido al juego de la perspectiva en su construcción. Al principio, puede parecer un ornamento cuyos hilos
se han unido de forma aleatoria. Sin embargo, la estructura se encuentra formada a partir de iconografía violenta perteneciente al ilustrador Cleon Peterson. Fragmentando varias de sus obras visuales y adhiriendo los recortes a un molde de escayola, el plástico se derrite a altas temperaturas conformando la malla. La modificación del color de los hilos responde a una analogía establecida con el cobre y sus propiedades, haciendo alusión a la conducción eléctrica, inspirada en los métodos de tortura por electrocución.
Sesión fotográfica de Folterkleid Modelo: Esther Rodríguez Fotógrafos: Diego Lozano y Miguel Mendoza Créditos fotográficos: Diego Lozano
Créditos fotográficos: Miguel Mendoza
If only for a day
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as características y particularidades de cada individuo son las bases sobre las que se fundamenta este trabajo experimental, el cual continua desarollándose. Haciendo uso de diseños de creación propia como vestuario principal,
se busca resaltar los rasgos de cada sujeto, invitándoles a proyectar las posibilidades que guarda cada uno como modelo, a explorar su expresión corporal y, a potenciar su comportamiento debido al poder discursivo de la vestimenta.
En Ana destaca su versátil personalidad, convirtiéndose por un día en una figura divina. Su curvilínea silueta evoca feminidad, mientras que su expresión corporal transmite sutileza y sensualidad que, junto con la contrastada iluminación y pálidos tonos rosáceos, atrae y atrapa al espectador, haciéndolo recorrer lentamente la imagen.
El corsé que se observa en la imagen se aleja del típico patrón en cuanto a que este se encuentra cortado al bies, requiriendo de una capa interna del mismo tejido cuyas costuras se encuentran en sentido contrario, con el objetivo de contrarrestar las fuerzas de tracción y mantener la estructura de la prenda.
Proye
anter
ectos
riores
YL-8
E
l prototipo de coraza, realizado con cartón de proyecto, fue diseñado tomando como referencia aquellas de los uniformes de los jugadores de fútbol americano, combinándolas con la superposición estructural del caparazón de los armadillos y de las armaduras japonesas, mutando el estilo a uno con forma más aérea y futurista. Durante todo el proceso creativo fue necesario tener en consideración la limpieza de la estructura y de los cortes, así como el correcto encaje de los componentes, llevando a cabo una intensiva
medición y búsqueda en la exactitud de la posición de las piezas de cartón. Los paralelos cortes realizados en la superficie del material permiten que éste se flexione y se amolde al cuerpo sin romperse o deformarse, mientras que, alrededor de cuatrocientos agujeros se encargan de mantener las piezas unidas mediante el trenzado, extraído de los corsés.
Destinado a formar parte de los proyectos de moda escultórica, con el prototipo de coraza se busca transmitir fuerza, poder y valentía, resaltando a su vez la silueta y sensualidad del cuerpo femenino, filosofía compartida con el diseñador Alexander McQueen. El elemento de protección es la representación del futuro en el pasado, es decir, cuando dentro de 50 años se observe el prototipo, debe pensarse que fue ideado no teniéndose en cuenta el presente, sino la visión de la indumentaria utilizada cuando los viajes interplanetarios sean una cuestión del día a día.
The other brunet
tte girl
L
a historia detrás de este trabajo experimental de fotografía está inspirada en el relato de las hermanas Bolena. La rivalidad entre las consanguíneas, Ana y María, surge de la lucha emprendida por el intenso deseo de conquistar el corazón del rey de Inglaterra Enrique VIII; la primera, por ambición e interés, mientras que la segunda, motivada por un amor real. Es de importancia, además, el juego lumínico creado con las texturas encontradas en los tejidos plisados del vestuario de ambas modelos. Los dos corpiños, de creación propia, han sido creados con técnicas de drapeado y manipulación textil, motivado por una mejoría en las habilidades de construcción de prendas, trabajando éstas directamente sobre el maniquí.
Falsas Apariencia
as
T
endemos a criticar o elogiar a las personas y a las cosas por como lucen exteriormente, sin llegar a conocerlas o descubrirlas primero, lo que nos hace emitir juicios de valor que posiblemente sean erróneos.
El abanico representa simbólicamente el engaño de las apariencias, presentando un objeto ennoblecido con plumas, cuyo color de la estructura invita a pensar en la pureza, la inocencia y la serenidad, para descubrir que una vez desplegado revela un mensaje insultante, resultando en desconcierto -debido al contraste y la falta de correspondencia entre contenido y continente- para el espectador.
O
E
s una sintetización geométrica de las formas encontradas en las estructuras de la columna vertebral: el cuerpo vertebral, la apófisis espinosa y transversa, y, el canal por donde pasa la médula espinal. Surge de una descontextualización junto con una nueva mirada, conceptual y creativa, de algo ya existente, inspirado por las interpretaciones personales del artista de instalaciones Ernesto Neto y la transposición de formas encontradas en las letras capitales de los manuscritos iluminados. Realizado con cartón pluma, las piezas se encuentran unidas mediante diferentes tipologías de ensamble, conformando un total de seis unidades de tres capas de material cada una, las cuales han requerido de una extremada precisión en el corte de éstas con el objetivo de una limpieza estética y el correcto encaje de todas las partes.
The Tent
I
nspirado en las estructuras arquitectónicas de Santiago Calatrava, y, los relieves del Antiguo Egipto donde se encuentra la representación de Akenatón y su familia siendo tocados por los rayos solares del dios Atón, la pieza es una monumental traducción de una de las tipologías más antiguas de vivienda, el Tipi o Teepee. La obra escultórica contiene una doble significación, mutando ésta cuando su estructura exterior se encuentra ocultada de la vista de los espectadores. En primer lugar, está pensada para ser inaugurada como sede de un desfile de moda. Su aérea construcción simboliza una catedral de la moda, donde los elementos compositivos
de la estructura se oganizan radialmente como haces de luz emitidos desde el cielo, proveniente del reino de los dioses de la industria, siendo estos los diseñadores y directores creativos, encargados de orquestar el descenso de sus modelos como ángeles mientras estas desfilen por los pasillos habilitados para tal fin. El motivo, conseguir por parte de los espectadores -entendidos como los fieles-, la adoración y la sensación de amparo por parte de estos “seres omnipresentes”, infundiendo en la sala la impresión de encontrarse en un lugar sagrado.
En segundo lugar, una vez descubierta la totalidad de la pieza, el interés reside en la reflexión y toma de consciencia de los avances tecnológicos desarrollados a lo largo del tiempo. Sirve como punto de comparación entre las móviles tiendas de campaña típicas del estilo de vida nómada de los indios nativos americanos, y, las grandes edificaciones de alta tecnología que se alzan imponentes sobre el suelo de la Ciudad de Nueva York, resultando éstas gracias al asentamiento de la sociedad en un territorio
y el afán del ser humano por conquistar y vivir en las alturas. Estudiar la evolución y desarrollo de los métodos constructivos es interesante para conocer los diferentes cambios gestados en una sociedad, debido a que esta industria es un importante indicador del desarrollo ecónomico, político y social de una nación
Dise
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tras
apartado en construcción