Tobias Rehberger 路 St. Moritz Art Masters 2013 路 漏 SAM
www.stmoritzartmasters.com 2013
St. Moritz Art Masters 2013
Ün cordiel bainvgnieu Liebe Freunde des St. Moritz Art Masters Es freut uns ausserordentlich, Sie im Namen von St. Moritz und Engadin St. Moritz zum diesjährigen Kunst- und Kulturfestival St. Moritz Art Masters begrüssen zu dürfen. Die 6. Ausgabe dieses einzigartigen Anlasses wird Sie mit einer Fülle an zeitgenössischen Kunstausstellungen von regionalen, nationalen und internationalen Künstlerinnen und Künstlern begrüssen. Die Installation von OLIVER KRUSE am Ufer des St. Moritzersee konnte letzten Sommer in Zusammenarbeit mit St. Moritz realisiert werden und soll unsere Gäste über das ganze Jahr hinweg begrüssen und einladen das Kunstwerk zu erkunden. Schauen Sie auf ihrem WALK OF ART vorbei. Die Gemeinde und der Kurverein St. Moritz sowie die Tourismusorganisation Engadin St. Moritz unterstützen diesen hochkarätigen Anlass, der Kunst und Kultur vereint. Wir freuen uns, Sie in St. Moritz und im Engadin zu begrüssen.
Dear Friends of the St. Moritz Art Masters. On behalf of St. Moritz and Engadin St. Moritz we are very happy to invite you to our annual festival of art and culture: the St. Moritz Art Masters. The 6th edition of this unique event will inspire you with a wealth of contemporary art exhibitions by regional, national and international artists. Last summer the installation by the artist OLIVER KRUSE on the shore of Lake St. Moritz was realised in cooperation with St. Moritz. It welcomes our guests all year round, inviting them to explore the installation. Why don’t you pay it a visit on your WALK OF ART? The municipality and the Tourist Board St. Moritz as well as the Tourist Organization Engadin St. Moritz support this prestigious event which combines art and culture. We look forward to welcoming you in St. Moritz and in the Engadin.
Cari amici dei St. Moritz Art Masters, è con immensa gioia che anche quest’anno, nel nome di St. Moritz e di Engadin St. Moritz, vi porgiamo il nostro benvenuto al festival artistico e culturale St. Moritz Art Masters. La sesta edizione di questa iniziativa, unica al mondo, vi accoglierà con una ricca scelta di esposizioni d’arte contemporanea di autori regionali, nazionali e internazionali. L’installazione di OLIVER KRUSE, in riva al Lago di St. Moritz, è stata realizzata la scorsa estate in collaborazione con St. Moritz: per tutto l’anno saluterà i nostri ospiti, invitandoli ad ammirare quest’opera d’arte. Perché non darle un’occhiata durate il vostro WALK OF ART? Il comune e l’azienda di soggiorno di St. Moritz, così come l’organizzazione turistica Engadin St. Moritz, sostengono tale evento di prim’ordine nel nome dell’arte e della cultura. Siamo lieti di ospitarvi a St. Moritz e in Engadina.
Sigi Asprion
Richard Dillier
Ariane Ehrat
Mayor of St. Moritz
President St. Moritz Tourist Board
CEO Engadin St. Moritz Tourist Organization
Oliver Kruse 路 Interrelate
Willkommen
Welcome
Benvenuto
Liebe Freunde der Kunst und des Engadin, Ich freue mich Sie jetzt zur nunmehr 6. Ausgabe der St. Moritz Art Masters zu begrüssen!
Dear Friends of Art and the Engadin, I am pleased to welcome you to the 6th edition of the St. Moritz Art Masters.
Cari amici dell’arte e dell’Engadina, sono lieto di darVi il benvenuto alla sesta edizione del St. Moritz Art Masters (SAM)!
The art scene may be fast-moving, however, when designing our festival we have always tried to create a counterpoint to the hectic pace of our time: art and culture lovers are cordially invited to take their time and spend a few days viewing a great number of exciting exhibitions in unusual places, taking part in workshops and symposiums and engaging themselves in a relaxed way in an excellent programme set against the worldwide unique backdrop of the Engadin. Over the years we have developed the late-summer in this region to become a late-summer of art.
Dati i ritmi frenetici dell’ambito artistico, con la struttura del nostro festival abbiamo sempre cercato di fungere da contraltare ai fulminei cambiamenti dell’epoca attuale: tutti gli interessati all’arte e alla cultura sono cordialmente invitati a concedersi qualche giorno per visitare le innumerevoli esposizioni di prim’ordine in luoghi singolari, per partecipare a workshop e simposi, per dedicarsi liberamente e in pieno relax a un programma eccellente nello scenario unico al mondo dell’Engadina. Nel corso degli anni abbiamo trasformato la tarda estate di questa regione in una tarda estate dell’arte.
The charm of SAM is not least the result of an annual re-definition of exhibition sites and the presence of well over 100 international artists that the festival has presented over the years. This has led to an exchange between nations and culture which is especially valuable to us.
Il particolare fascino di SAM è dovuto, non da ultimo, anche alle annuali ridefinizioni degli spazi espositivi nonché alla presenza di oltre 100 artisti internazionali, che il festival ha presentato in questi anni. Lo scambio tra nazioni che ne è conseguito ricopre per noi particolare importanza.
The fact that we combine and harmoniously integrate art and brands within the context of SAM has been beneficial to all parties concerned. Brands do not only act as sponsors, but become an important part of the festival by their commitment and their contributions. Without this co-operation the successful development of the festival would not have been possible.
Anche la nostra peculiarità di unire e integrare in modo armonioso arte e mercato, si sta rivelando all’interno del SAM una fruttuosa combinazione per i due ambiti. Qui da noi i mercati non fungono solo da sponsor, ma diventano parte fondamentale del festival grazie al loro impegno e ai loro contributi. Senza una simile collaborazione non sarebbe stata possibile un’evoluzione così efficace del festival.
In Anbetracht der Schnelllebigkeit des Kunstbetriebs haben wir stets versucht mit der Struktur unseres Festivals einen Gegenpol zu den rasanten Entwicklungen unserer Zeit zu setzten: Kunst- und Kulturinteressierte sind herzlich eingeladen, sich ein paar Tage Zeit zu nehmen um die Vielzahl erstklassiger Ausstellungen an ungewöhnlichen Orten zu sehen, an Workshops und Symposien teilzunehmen und sich vor der weltweit einzigartigen Kulisse des Engadins frei und gelöst auf ein vorzügliches Programm einzulassen. Über die Jahre haben wir den Spätsommer in der Region zu einem Spätsommer der Kunst entwickelt. Nicht zuletzt resultiert der besondere Charme von SAM auch aus der alljährlichen Neudefinition der Ausstellungsorte und der Präsenz von weit über 100 internationalen Künstlerinnen und Künstlern, die das Festival über die Jahre präsentiert hat. Der hierdurch entstandene Austausch zwischen den Nationen und Kulturen ist für uns besonders wertvoll. Auch unsere Besonderheit Kunst und Marken miteinander zu kombinieren und harmonisch zu integrieren, stellt sich als eine für beide Seiten fruchtbare Kooperation innerhalb von SAM heraus. Marken fungieren hier nicht nur als Sponsoren, sondern werden durch ihr Engagement und ihre Beiträge zu einem wichtigen Teil des Festivals. Ohne diese Zusammenarbeit wäre die so erfolgreiche Entwicklung des Festivals nicht möglich gewesen. Wir bedanken uns ganz herzlich bei allen Beteiligten der ersten Stunde: bei der Region des Engadins, den Galerien, Institutionen, Sammlern und Privatleuten, die uns den Rücken gestärkt haben. Wir haben die Weltoffenheit der Engadiner auch gegenüber unkonventioneller Ideen und Projekten in den letzten sechs Jahren als aussergewöhnlich kennen und schätzen gelernt. Nur mit Hilfe dieser Unterstützung von Beginn an konnten wir uns dorthin entwickeln wo wir jetzt stehen: mitten im Spätsommer der Kunst und Kultur des Engadins. Reiner Opoku
Our heartfelt thanks go to everybody who has been with us from the start: the Engadin region, the galleries, institutions, collectors and individuals who have supported us. In the past six years we have come to know and appreciate the exceptional openness of the Engadin people towards unconventional ideas and projects. It is only with this support from the very beginning that we have been able to reach the point where we are now: in the middle of the late-summer of art and culture in the Engadin.
Ringraziamo di cuore tutti i partecipanti della prima ora: la Regione dell’Engadina, le gallerie, le istituzioni, i collezionisti e i privati che ci hanno dato man forte. Negli ultimi sei anni abbiamo imparato a conoscere e ad apprezzare il singolare spirito cosmopolita degli engadinesi anche davanti a idee e progetti non proprio convenzionali. È solo grazie a un simile sostegno, dimostratoci fin dall’inizio, che siamo riusciti ad arrivare dove ci troviamo adesso: al centro della tarda estate dell’arte in Engadina.
Reiner Opoku
Reiner Opoku
ST. MORITZ ART MASTERS 2008 - 2012
Rückschau St. Moritz Art Masters 2008–2012 Auf den folgenden 6 Seiten zeigen wir Ihnen eine kleine Auswahl an Highlights der Ausstellungen der vergangenen 5 Jahre.
Retrospective St. Moritz Art Masters 2008–2012 On the following six pages we show you a small selection of exhibition highlights of the past six years.
Retrospettiva St. Moritz Art Masters 2008–2012 Nelle seguenti 6 pagine vi mostriamo una piccola selezione di attrazioni e mostre delle 5 passate edizioni.
Barthi Kher · Fussgängerzone, St. Moritz
George Condo · Kulmpark, St. Moritz
2008 Nobuyoshi Araki Aurèle Joseph Beuys George Condo Eric Fischl Robert Indiana Barthi Kher David LaChapelle Richard Long Otto Muehl Jean-Pierre Raynaud Ugo Rondinone Dieter Roth Frank Stella Fabien Verschaere Not Vital Franz West Heimo Zobernig
David LaChapelle · Französische Kirche, St. Moritz
Frank Stella · Paracelsus Gebäude, St. Moritz
Ugo Rondinone · Badrutt’s Palace Hotel, St. Moritz
ST. MORITZ ART MASTERS 2008 - 2012
2009 Nobuyoshi Araki Tim Berresheim Daniele Buetti Miriam Cahn Sylvie Fleury Bethan Huws Mike Kelley Manfred Leve Richard Long Floris Neusuess Christina Oiticica Marcel Osztrowszki Arne Quinze Thiago Rocha Pitta Florio Puenter Gerhard Richter Rotraut Julian Schnabel Joel Shapiro Serge Spitzer Peter Vann
Sylvie Fleury 路 Kempinski Grand Hotel des Bains, St. Moritz
Julian Schnabel 路 Reformierte Kirche, St. Moritz
Nobuyoshi Araki 路 Kempinski Grand Hotel des Bains, St. Moritz
Arne Quinze 路 Kempinski Grand Hotel des Bains, St. Moritz
Mike Kelley 路 Turnhalle, St. Moritz
ST. MORITZ ART MASTERS 2008 - 2012
2010 Ueli Adler AES+F Stephan Balkenhol Miquel Barceló John Chamberlain Com&Com Gino de Dominicis Wim Delvoye Christian Eisenberger Franco Fontana Gabriella Gerosa Marcus Gossolt Lauren Greenfield Antonio Guccione Johannes M. Hedinger James Howell Ilya & Emilia Kabakov Robert B. Kaeppeli Jannis Kounellis Zilla Leutenegger Renée Levy Steve McCurry Alessandro Mendini Karin Sander Hannes Schmid Roman Signer Laurie Lynn Stark Amedeo M.Turello Not Vital Cara Weston Hans Witschi
Zilla Leutenegger · Turnhalle, St. Moritz
Ilya & Emilia Kabakov · Fluss Inn, Champfèr
Stephan Balkenhol · See, St. Moritz
AES+F · Fussgängerzone, St. Moritz
Wim Delvoye · Französische Kirche, St. Moritz
Miquel Barceló · Reformierte Kirche, St. Moritz
Not Vital · Chesa Merleda, La Punt Chamues-ch
ST. MORITZ ART MASTERS 2008 - 2012
2011
Yves Netzhammer · Paracelsus Gebäude, St. Moritz
Shirin Aliabadi John M. Armleder Vahakn Arslanian Stanley Brouwn Balthasar Burkhard Michel Comte George Condo Ronnie Cutrone Jiri Georg Dokoupil Li Wei Jennifer Wen Ma Choi Jeong Hwa Ferran Martin Tomas Espina Alejandro Diaz Jacqueline Baum Ursula Jakob Holger Eckstein Greg Gorman Paul Harrison Lois Hechenblaikner Becker Jonathan Martina Klein Urs Marty Steve McCurry Jonathan Meese Sarah Morris Yves Netzhammer Stephan Reusse Richard Avedon Julian Schnabel Roman Signer Louis Soutter Jules Spinatsch Fiete Stolte Christine Streuli Yu Tsai Amedeo M.Turello William Klein John Wood Gilles-Marie Zimmermann
John M. Armleder · Turnhalle, St. Moritz
Ferran Martin · See, St. Moritz
Jonathan Meese · Chesa Planta, Samedan
Li Wei 路 St. Moritz
Shirin Aliabadi 路 Chesa Planta, Zuoz
Jennifer Wen Ma 路 See, St. Moritz
Jiri Georg Dokoupil 路 Reformierte Kirche, St. Moritz
ST. MORITZ ART MASTERS 2008 - 2012
2012 Carl Andre Ron Arad Herbert Brandl Roberto Cabot Letizia Cariello Carlito Carvalhosa Urs Cavelti Saint Claire Cemin Hamish Fulton Hannes Gruber Melli Ink Oliver Kruse Lutz & Guggisberg Markus Müller Vik Muniz Paulo Sergio Niemeyer Giuliano Pedretti Thiago Rocha Pitta Peter Vernon Quenter Boris Rebetez Stephan Rinck Mimmo Rotella Tom Sachs Rolf Sachs Hannes Schmid Kerim Seiler James Turell Amedeo M.Turello Adriana Varejão Cabaret Voltaire Gabriel Vormstein Dan Walsh Pedro Wirz Ding Yi
Carlito Carvalhosa · Chesa Planta, Samedan
Adriana Varejão · Französische Kirche, St. Moritz
Saint Claire Cemin · Fussgängerzone, St. Moritz
Hamish Fulton · Chesa Merleda, La Punt Chamuesch-ch
Thiago Rocha Pitta · El Paradiso, St. Moritz
Ron Arad · Reformierte Kirche, St. Moritz
Lutz & Guggisberg · Paracelsus Gebäude, St. Moritz
Vik Muniz · Reformierte Kirche, St. Moritz
Tom Sachs · Badrutt‘s Palace Hotel, St. Moritz
PHOTO WORKSHOP 30. & 31. August 2013
Nira Alpina Hotel Via dal Corvatsch 76 · 7513 Silvaplana Surlej
Der bekannte Fotograf Amedeo M.Turello und weitere bekannte Fotografen werden in diesem zweitägigen praktischen Workshop während des St. Moritz Art Masters 2013 über Porträtphotographie, figurative und Modefotografie referieren. Die Workshops geben den Kursteilnehmern eine aussergewöhnliche Gelegenheit die Künstler bei der Arbeit zu beobachten. Ziel ist es, dass jeder Teilnehmer seine Erwartungen an das Medium erweitern kann. Die Fotografen sind während des zweitägigen Workshops anwesend. Die Teilnehmerzahl ist beschränkt. Anmeldungen werden nach Eingang berücksichtigt. Preis für den zweitägigen Workshop inkl. Snacks und Mittagessen im Nira Alpina Hotel: CHF 480 (inkl. MWST) Bitte senden Sie Ihre Bewerbung für den Workshop, in Englisch, an: event@stmoritzartmasters.com
Renowned photographer Amedeo M.Turello and further well-known photographers will present a two-day practical workshop on portrait, figurative and fashion photography during the St. Moritz Art Masters 2013. The Workshop will provide students with an exceptional opportunity to witness three very different artists at work and aims to drive each student further in their expectations of the medium. The photographers will be present throughout the workshop allowing students to plan their shots. The number of participants is limited and participation will be accepted upon registration. Price for the two-day workshop including snacks and lunch at Nira Alpina Hotel: CHF 480 (incl. VAT).
Il famoso fotografo Amedeo M.Turello e altri celebri colleghi animano un workshop di due giorni dove, nel corso di St. Moritz Art Masters 2013, si parla di fotografia di ritratto, figurativa e di moda. Il workshop offre ai partecipanti la straordinaria opportunità di osservare gli artisti all’opera. Lo scopo è che ogni allievo possa ampliare le proprie aspettative rispetto al mezzo. Durante i due giorni di workshop è assicurata la costante presenza dei fotografi. Il numero di posti è ridotto. Le domande d’ammissione saranno valutate nell’ordine d’arrivo. Prezzo del workshop di due giorni, incl. snack e pranzi al Nira Alpina Hotel: CHF 480 (incl. IVA) Si prega di inviare le domande d’ammissione al workshop, in inglese, a: event@stmoritzartmasters.com
Please send your application for the workshop to: event@stmoritzartmasters.com
St. Moritz Art Masters 2012 – Photo-Workshop Steve McCurry, Jock Sturges and Amedeo M.Turello
Programm 2013 Wir freuen uns, Ihnen ein umfangreiches Programm präsentieren zu dürfen. Der grösste Teil unserer Veranstaltungen, insbesondere die Kunstausstellungen des „WALK OF ART“, sind kostenlos und täglich geöffnet. Bitte beachten Sie, dass für gewisse Abendveranstaltungen Tickets gekauft werden können. Informationen hierzu erhalten Sie ab Juli 2013 unter: www.stmoritzartmasters.com
Fri, 23/08
We are delighted to present you a thought-provoking program. Most of our events, especially the art exhibitions “WALK OF ART” are free of charge and open daily. Please note that for some evening events you will be able to buy tickets individually. More information starting July 2013: www.stmoritzartmasters.com
sat, 24/08
sun, 25/08
Siamo lieti di presentarvi un programma quanto mai vario e ricco. La maggior parte delle nostre manifestazioni, in particolare le esposizioni d‘arte del „WALK OF ART“, sono gratuite e aperte quotidianamente. Vi preghiamo di notare che per alcuni eventi serali occorrono i biglietti. Otterrete informazioni in proposito da luglio 2013 sul sito: www.stmoritzartmasters.com
MON, 26/08
tue, 27/08
WALK OF ART Ausstellungen / Exhibitions / Esposizioni: Sils - S-chanf
Ganzer Tag Whole Day Tutti i giorni
Mercedes Benz ART LOUNGE PostHaus St. Moritz · 10 - 17 h WALK OF ART TOURS St. Moritz / Zuoz-S-chanf · 11 - 13 h E.A.T. E.A.T. Engadin Art Talks Engadin Art Talks Zuoz Zuoz
Vormittag Morning Mattina Nachmittag Afternoon Pomeriggio
Press Conference
ART TALK
Press Walk of Art ART TALK SAM Opening Night Cocktail Prolongé
E.A.T. E.A.T. Engadin Art Talks Engadin Art Talks Zuoz Zuoz
WED, 28/08
THU, 29/08
Abend Evening Sera
ART TALK
FRI, 30/08
SAT, 31/08
SUN, 01/09
WALK OF ART Ausstellungen / Exhibitions / Esposizioni: Sils - S-chanf
Ganzer Tag Whole Day Tutti i giorni
Mercedes Benz ART LOUNGE PostHaus St. Moritz · 10 - 17 h
10 - 14 h
WALK OF ART TOURS St. Moritz / Zuoz-S-chanf · 11 - 13 h Vormittag Morning Mattina Nachmittag Afternoon Pomeriggio
Kids Day
Abend Evening Sera
SAM Gallery Cocktail Prolongé
Photo-Workshop Nira Alpina Silvaplana-Surlej
Photo-Workshop Nira Alpina Silvaplana-Surlej
ART TALK
ART TALK
Photo-Workshop Nira Alpina Silvaplana-Surlej
Photo-Workshop Nira Alpina Silvaplana-Surlej
SAM Foundation Charity Night Tribute Claude Nobs
Impressum Herausgeber / Editor / Editore St. Moritz Art Masters International AG Konzeption / Concept / Concetto LATESTA AG, St. Moritz Artwork Tati’s Design Keller AG, St. Moritz Druck / Print / Druck Gammeter Druck, St. Moritz Übersetzung / Translation / Traduzione Lektorat / Proofreading / Correzione bozze Brigitta Klingler, Lavin Claudia Marinelli, Pavia (I)
Copyright Text oder Fotos dürfen ohne vorherige schriftliche Bewilligung weder verwendet noch reproduziert werden. Bitte senden Sie Anfragen an: St. Moritz Art Masters info@stmoritzartmasters.com Text or photos may not be used or reproduced in any form without prior written permission. Please send requests to: St. Moritz Art Masters info@stmoritzartmasters.com Con divieto di ripodurre testi o foto, integralmente o parzialmente, se non previo permesso scritto. Inviare le richieste a: St. Moritz Art Masters info@stmoritz.artmasters.com
Programm / Program / Programma Version Mai 2013 – Änderungen vorbehalten Version May 2013 – All information subject to change Versione maggio 2013 – Non si escludono cambiamenti St. Moritz Art Masters Office St. Moritz: Postfach 82 CH - 7500 St. Moritz Tel +41 81 833 10 28 Fax +41 86 081 833 10 28 info@stmoritzartmasters.com www.stmoritzartmasters.com
ST. MORITZ
MERCEDES-BENZ
Mercedes-Benz Art Lounge MB
Posthaus · Via dal Vout 3 · 7500 St. Moritz
St. Moritz Art Masters Event Office Öffnungszeiten / Opening hours / Orario d’apertura täglich / daily / giornaliero, 10 - 17 h Sonntag / Sunday / Domenica 1.9.2013, 10 - 14 h
Die Mercedes-Benz Art Lounge im Posthaus mitten im Dorf wird auch dieses Jahr anlässlich des St. Moritz Art Masters zum einzigartigen Ort für Begegnungen, Gespräche und Geselligkeit.
The Posthaus, in the centre of the town of St. Moritz, will again this year host the Mercedes-Benz Art Lounge and transform it into the unique place to be during the St. Moritz Art Masters for encounters, talks and good company.
Als Treffpunkt für Künstler, Kunstliebhaber, Kunstinteressierte und jedermann bietet die Lounge Gelegenheit, an Künstlergesprächen teilzunehmen, sich über Ausstellungen und Künstler zu informieren sowie sich für gemütliches Beisammensein zu treffen.
As a meeting point for artists, art lovers, guests interested in art and for everybody else, the lounge offers the opportunity to participate in artist talks, get information about exhibitions and artists or to just drop in for an informal get-together.
Das detaillierte Programm der diesjährigen Künstlergespräche „SAMposium“ ist ab Juli verfügbar unter www.stmoritzartmasters.com
The detailed program of this year’s artist talks “SAMposium” will be available in July at www.stmoritzartmasters.com
St. Moritz Art Masters Artist Talks
Anche quest’anno durante i St. Moritz Art Masters la Mercedes-Benz Art Lounge, presso la Posta centrale del paese, sarà la singolare sede di incontri, conversazioni e intrattenimento. Punto di ritrovo per artisti, amanti dell’arte, curiosi, insomma per tutti, la Lounge offre l’opportunità di partecipare alle conversazioni degli artisti, di informarsi su esposizioni e autori, o d’incontrarsi per il piacere di stare insieme. Il programma dettagliato del „SAMposium“ (conversazioni con gli artisti) di quest’anno è disponibile da luglio su www.stmoritzartmasters.com
unterstützt von con il supporto di supported by
Walk of Art Tours St. Moritz-Dorf, St. Moritz-Bad & Zuoz/S-chanf
Erleben Sie die Highlights des St. Moritz Art Masters WALK OF ART in einer geführten Tour (2 Std). Die geführten Touren finden täglich statt und bieten die Möglichkeit, die Ausstellungen des WALK OF ART in St. Moritz-Dorf, St. Moritz-Bad bzw. Zuoz/S-chanf zu Fuss zu erkunden. Informationen sind ab Mitte August unter www.stmoritzartmasters.com erhältlich.
Experience the highlights of the St. Moritz Art Masters WALK OF ART in a guided tour (2h). The guided tour takes place daily and offers the opportunity to explore and experience the WALK OF ART in St. Moritz Dorf, St. Moritz Bad or Zuoz/S-chanf on foot. More information is available from mid-August at www.stmoritzartmasters.com
Walk of Art Tour St. Moritz-Dorf Saint Clair Cemin – „Tai Chi Penguin“
Tour St. Moritz-Dorf Treffpunkt / Meeting Point / Ritrovo Mercedes-Benz Art Lounge @ PostHaus
Tour St. Moritz-Bad Treffpunkt / Meeting Point / Ritrovo Kempinski Grand Hotel des Bains
Tour zuoz/S-chanf Treffpunkt / Meeting Point / Ritrovo Chesa Planta, Zuoz Zeit / Time / ora 11 h Dauer / Duration / Durata ca. 2 Stunden / approx. 2 hours / circa 2 ore Kostenlos / free of charge / gratuito
Potrete ammirare le attrazioni del WALK OF ART dei St. Moritz Art Masters con un tour guidato (2 ore). Le visite guidate si effettuano ogni giorno e permettono di scoprire a piedi le esposizioni del WALK OF ART a St. Moritz-Dorf, a St. Moritz-Bad o a Zuoz/S-chanf. Le informazioni sono disponibili a partire da metà agosto su www.stmoritzartmasters.com
ENGADIN ART TALKS „GHOSTS AND THE UNCANNY“ 24 & 25 AUGUST 2013 Halle am Plazzet, Dorfplatz · 7524 Zuoz · www.engadin-art-talks.ch
Die einsame Bergwelt mit ihren dunklen Wäldern und felsigen Höhlen galt schon immer als „Versteck“ und „Zufluchtsort“ von Geistern und Gespenstern. Wir freuen uns, bei den diesjährigen Engadin Art Talks / E.A.T. zu erfahren, wie die Berge und ihre (un)-heimlichen Bewohner und die daraus entsprungenen Sagen und Geschichten die Fantasie beflügeln und Kreativität schaffen. So werden bei den vierten Engadin Art Talks in Folge nationale und internationale Künstler, Architekten und Schriftsteller im Kontext von „GHOSTS AND THE UNCANNY“ über ihre Arbeiten diskutieren und philosophieren. Das hochkarätig besetzte Symposium wird von Hans Ulrich Obrist, Co-Direktor der Serpentine Gallery, London und Beatrix Ruf, Direktorin der Kunsthalle Zürich geleitet. Gründungsdirektorin ist die Zürcher Verlegerin Cristina Bechtler. Ganz herzlich eingeladen sind alle Kenner, Liebhaber und Interessierte. Die Vorträge werden auf Deutsch oder Englisch gehalten.
Engadin Art Talks / E.A.T. 2012
The lonely mountain world with its dark forests and craggy caves has always been seen as a ‘hiding place’ and ‘refuge’ for ghosts and spirits. At this year’s Engadin Art Talks / E.A.T. we look forward to finding out how the mountains and their eerie residents, and the stories and legends about them inspire imagination and creativity.
Il solitario paesaggio montano, con le sue cupe foreste e i suoi anfratti rocciosi, è ritenuto da sempre “nascondiglio” e “rifugio” di spiriti e fantasmi. La prossima edizione degli Engadin Art Talks / E.A.T. è tutta dedicata a questi misteriosi abitanti delle montagne, a storie e leggende di cui sono protagonisti, che mettono le ali alla fantasia e alla creatività.
At the fourth Engadin Art Talks a succession of nationally and internationally renowned artists, architects and writers will discuss and explore their work in the context of ‘GHOSTS AND THE UNCANNY’. The symposium with its eminent speakers is led by Hans Ulrich Obrist, Co-Director of the Serpentine Gallery, London and Beatrix Ruf, Director of the Kunsthalle Zurich. The founding director of the E.A.T. is Zurich publisher Cristina Bechtler.
Sotto il titolo “GHOSTS AND THE UNCANNY” gli Engadin Art Talks 2013 invitano per la quarta volta consecutiva artisti, architetti e designer nazionali e internazionali a discutere e dialogare sul proprio lavoro. Il prestigioso convegno è diretto da Hans Ulrich Obrist, codirettore della Serpentine Gallery di Londra, e da Beatrix Ruf, direttrice della Kunsthalle di Zurigo, a cui si affianca la fondatrice dell’evento, l’editrice zurighese Cristina Bechtler.
All connoisseurs, lovers and followers of art, architecture and design are warmly invited to attend. The lectures are presented in German or English.
Alla manifestazione sono cordialmente invitati tutti i conoscitori, estimatori e amanti dell’arte. Le relazioni saranno tenute in lingua tedesca o inglese.
GHOSTS AND THE UNCANNY 24 / 25 AUGUST 2013 ZUOZ
Samstag / Saturday / Sabato 24.8.2013 10 – 13 h, 15 – 18 h mit anschliessendem Aperó followed by drinks con aperitivo finale Sonntag / Sunday / Domenica 25.8.2013 11 – 14 h
Ort / Place / Località Halle am Plazzet, Dorfplatz 7524 Zuoz Leitung / Lead / Direzione Cristina Bechtler, Hans Ulrich Obrist, Beatrix Ruf www.engadin-art-talks.ch info@engadin-art-talks.ch
Mit / With / Con Kerstin Brätsch Iso Camartin Kurt Derungs Dan Graham Zvi Hecker Bethan Huws Cameron Jamie Tim Krohn Jonathan Ledgard Ernesto Neto Katrin Sigurdardottir Michael Steiner Philip Ursprung Not Vital Änderungen vorbehalten. All information subject to change. Non si escludono cambiamenti
A Chinese youth skating past the giant statue of Mao, Dalian, 1981 Photograph by Liu Heung Shing, all rights reserved
People’s Republic of China by Gérard A. Goodrow Sommer 2013. Länderschwerpunkt der 6. Ausgabe der St. Moritz Art Masters ist die Volksrepublik China. Manche Kritiker könnten meinen, es sei bereits zu spät, liegt doch der grosse Boom um die zeitgenössische Kunst aus dem Reich der Mitte schon länger zurück. Die schnell gelangweilte Karawane der globalen Kunsttouristen lässt sich nicht aufhalten, sie ist schon wieder unterwegs: nach Polen, nach Brasilien, nach Indien, überhaupt zum nächsten „Flavor of the Week“. Doch genau deswegen ist es an der Zeit, endlich einen ernsthaften Blick auf das Kunstgeschehen des Landes zu werfen, das für die meisten Kunstenthusiasten im Westen noch immer rätselhaft erscheint. Weit entfernt von allen Klischees und Vorurteilen, die noch aus der Zeit um die Kulturrevolution stammen, liefern die ebenso sensibel wie scharfsinnig kuratierten Gruppenausstellungen und die sorgfältig ausgewählten Einzelausstellungen und Projekte aus China neue, spannende Einblicke in eine ferne, fremde Welt, die viele von uns schon zu kennen glaubten. Von jungen Nachwuchskünstlern aus der traditionsreichen Akademiestadt Chongqing in der Provinz Sichuan im Südwesten Chinas über preisgekrönte Künstlerpersönlichkeiten und anerkannte Wegbereiter wie Ai Weiwei, Fang Lijun und den Fotojournalisten Liu Heung Shing bis hin zu dem faszinierenden Fotokünstler Chen Fuli, dessen fantasievolle Arbeiten an der Grenze zur Malerei schweben – dem Besucher der SAM 2013 wird ein vielfältiges und unverfälschtes Bild der aktuellen Kunst und der neuen Gesellschaft der Volksrepublik China vermittelt. SAM wirft einen Blick in das Heute und die Perspektiven der Zukunft eines der spannendsten Länder der Welt.
Summer 2013. The 6th edition of the St. Moritz Art Masters is putting special emphasis on the People’s Republic of China.
Estate 2013. Ospite d’onore della sesta edizione dei St. Moritz Art Masters è la Repubblica popolare cinese.
Some might criticize that it is almost too late for such a focus, since the great boom of contemporary art from China is already a thing of the past. The easily bored caravan of global art tourists has since moved on. To Poland, Brazil, India or whatever the next “flavor of the week” might be.
Alcuni critici penseranno che ciò avvenga in ritardo, poiché il grande boom dell’arte contemporanea proveniente dal Regno di Mezzo è ormai superato. La carovana globale dei turisti dell’arte, subito annoiati da ogni novità, ha già ripreso il suo viaggio: in Polonia, in Brasile, in India, insomma al prossimo „Flavor of the Week“, qualunque esso sia.
And this is precisely why now is exactly the right time to finally take a serious look at the art scene of this enormous country, which remains an enigma for most Western art enthusiasts. Far removed from all the clichés and preconceptions that actually date back to the Cultural Revolution and the period immediately following, the sensitively and intelligently curated group exhibitions and carefully selected solo presentations and special projects by emerging artists and internationally acclaimed art personalities from China offer exciting insights into a faraway world, which many of us thought we already knew. From new talents living and working in the tradition-steeped academy city of Chongqing in Sichuan Province in the southwest of China and award-winning artists such as Ai Weiwei, Fang Lijun and the photojournalist Liu Heung Shing to the imaginative, paintinginspired photoworks of Chen Fuli – visitors to SAM 2013 will be granted a multifaceted and unadulterated view of contemporary art and the rapidly changing society in the new China of today and tomorrow.
Ma proprio per questo è tempo di gettare finalmente uno sguardo più attento sul divenire artistico di un Paese che, per la maggior parte degli appassionati d’arte occidentali, resta pur sempre un mistero. Lungi da ogni stereotipo o pregiudizio, ancora legato alla Rivoluzione culturale, le esposizioni collettive – tanto intense quanto curate con acume –, ma anche le mostre personali e i progetti dalla Cina, selezionati con cura, offrono scorci interessanti su un mondo lontano e sconosciuto, che molti di noi supponevano di conoscere. Dalle giovani promesse della città di Chongqing, ricca di tradizioni accademiche e situata nella provincia di Sichuan, nella Cina sudoccidentale, a premiate personalità artistiche o a riconosciuti precursori come Ai Wei Wei; dal fotogiornalista Liu Heung Shing fino all’affascinante fotografo d’arte Chen Fuli, le cui fantasiose opere sfiorano il confine con la pittura: al visitatore dei SAM 2013 viene offerta una panoramica quanto mai varia e genuina dell’arte più attuale e della nuova società affermatasi nella Repubblica popolare della Cina. Uno sguardo sull’attualità e una prospettiva sul futuro di uno dei più interessanti Paesi al mondo.
Walk of Art
1
Sils-Maria
Andrea Robbi Museum Jungjin Lee
Cesa Fonio · 7514 Sils Maria · www.stephanwitschi.ch Dienstag bis Sonntag · Tuesday to Sunday · Da martedì a domenica · 14 - 18 h
In Zusammenarbeit mit In collaboration with In collaborazione con Stephan Witschi Gallery, Zurich
Some of Lee’s photographs are about ... nothing, or nothing much, or nothing worth stopping for, and yet they beat like a heart. Vicky Goldberg (Fotografiekritikerin u.a. für New York Times)
“Some of Lee’s photographs are about ... nothing, or nothing much, or nothing worth stopping for, and yet they beat like a heart.” Vicky Goldberg (photography critic for the New York Times, a. o.)
Alcune foto di Lee non rappresentano... niente, o niente di più, o ancora niente per cui valga la pena fermarsi, e tuttavia pulsano come un cuore. Vicky Goldberg (Critica fotografica per il New York Times)
Zentral ist, was sie in dem Moment „sah“, als das Motiv entstand. Die Idee der Landschaft als Spiegel des inneren Selbst hat ihren Ursprung in China und geht zurück auf die Yuan Dynastie. Auf dieser Grundlage basiert auch die Serie WIND.
The core element is what she “saw” in the moment the motive evolved. The idea of landscape as a mirror depicting the inner self has its origin in China and dates back to the time of the Yuan Dynasty. It is also the basis of the WIND series.
Jungjin Lee’s ausgefeilte Technik trägt wesentlich zur magischen Wirkung ihrer Bilder bei. Sie trägt eine flüssige, lichtempfindliche Emulsion, sogenanntes „Liquid Light“, auf handgeschöpftes Reispapier auf. So entsteht eine Oberflächenbeschaffenheit, die den Motiven eine einzigartige Tiefe und Textur verleiht. Ihre Arbeiten sind u.a. in folgenden Sammlungen vertreten: Metropolitan Museum of Art, New York / Whitney Museum of American Art, New York / FNAC, Paris / National Museum of Contemporary Art, Kwachon, Korea
Jungjin Lee‘s sophisticated technique substantially contributes to the magic effect of her pictures. She applies a liquid, photo-sensitive emulsion, so-called “liquid light”, on hand-made rice paper, thus creating a surface finish which lends unique depth and texture to the motives. Her work is presented, a. o., in the context of the following collections: Metropolitan Museum of Art, New York / Whitney Museum of American Art, New York / FNAC, Paris / National Museum of Contemporary Art, Kwachon, Korea
Jung Lin Lee Wind 07-106, 2007, emulsion on handmade rice paper, 75 x 145 cm
Centrale è ciò che l’artista „vedeva“, nel momento in cui ha ripreso il suo soggetto. L’idea del paesaggio come specchio dell’io interiore trova le proprie origini in Cina e risale alla dinastia Yuan. Su queste basi si fonda anche la serie WIND. L’elaborata tecnica di Jungjin Lee contribuisce notevolmente al magico effetto delle sue opere. La Lee applica un’emulsione liquida, fotosensibile, la cosiddetta „Liquid Light“, su carta di riso fatta a mano. Si crea così una qualità della superficie che conferisce ai motivi una singolare profondità e struttura. Le sue opere sono esposte, tra l’altro, nelle seguenti collezioni: Metropolitan Museum of Art, New York / Whitney Museum of American Art, New York / FNAC, Paris / National Museum of Contemporary Art, Kwachon, Corea
Sils-Maria
7514 Sils Maria · Tel +41 81 838 51 00 · www.waldhaus-sils.ch ganztägig geöffnet · open all day · tutti i giorni
In Zusammenarbeit mit In collaboration with In collaborazione con A I B I C ontemporary Armin Berger Gallery Zurich
Der norwegische Konzeptkünstler Rune Guneriussen arbeitet mit alltäglichen, quasi unbeseelten Objekten wie Lampen, Globen, Telefonen und Stühlen, die er in scheinbar unberührten Landschaften platziert. Sie sind damit die einzige Spur menschlicher Präsenz.Normalerweise ist er der einzige Zeuge seiner standortspezifischen Installationen, welche eine einzigartige Kombination von Natur und menschlichem Beiwerk bedeuten. Dem Betrachter bleibt allein eine Fotografie als greifbarer Beweis der zwischenzeitlichen Präsenz von Guneriussens Werk. Sein Beitrag zu den Art Masters jedoch ist dem Betrachter nicht nur als Fotografie, sondern auch als Installation zugänglich. Dieser sieht sich beim Hotel Waldhaus Sils mit der spannenden Herausforderung konfrontiert, diese lebendige Tradition und die aussergewöhnliche Lage inmitten der Natur zu vereinen.
L’artista concettuale norvegese Rune Guneriussen lavora con oggetti quotidiani, per così dire senz’anima, come lampade, mappamondi, telefoni e sedie, che piazza in paesaggi apparentemente incontaminati. Essi sono così l’unica traccia della presenza umana. Di solito l’autore è l’unico testimone delle sue installazioni specificamente localizzate, che rappresentano una singolare combinazione di natura e accessori umani. Allo spettatore resta solo una fotografia, quale concreta testimonianza della momentanea presenza dell’opera di Guneriussen. Tuttavia il suo contributo agli Art Masters non è accessibile al pubblico solo come fotografia, bensì anche come installazione. Quest’ultima, situata presso l’Hotel Waldhaus Sils, affronta l’affascinante sfida di combinare una tradizione vivace con la straordinaria posizione in mezzo alla natura.
Norwegian born Rune Guneriussen is a conceptual artist whose works cast everyday objects in seemingly untouched landscapes, where they constitute the only trace of a human presence. By placing inanimate things like lamps, globes, telephones and chairs in landscapes, the artist combines nature and manmade structures into whimsical installations. Normally Guneriussen is the only witness of his site-specific settings, leaving the audience with nothing but the photograph as tangible proof which documents the brevity of his works. The artist believes in art as a means to question and bewilder rather than to patronize and restrict. He does not want to dictate a way to understand his art, but indicates a path to understand a story. The Waldhaus Sils offers him the challenge to combine this lively tradition and the exceptional location in the midst of the surrounding nature.
Rune Guneriussen En lampe på bordet brenner, 2011 edition of 5+2 189 cm x 150 cm, c-print / aluminium
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Walk of Art
WALDHAUS SILS Rune Guneriussen
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St. Moritz
BADRUTT’S PALACE HOTEL Donald Baechler In Zusammenarbeit mit In collaboration with In collaborazione con Galerie Thaddaeus Ropac
Walk of Art
Via Serlas 27 · 7500 St. Moritz täglich · daily · tutti i giorni
Der amerikanische Künstler Donald Baechler, der in Hartford, Connecticut, im Jahre 1956 geboren wurde, gilt weithin als einer der bedeutendsten Maler seiner Generation. Neben Gemälden umfasst sein Oeuvre Zeichnungen, Collagen und zunehmend seit Mitte der 80er Jahre, Skulpturen. Sein Repertoire an Motiven ist in verschiedenen Genres zu finden, beginnend bei Zeichnungen und endend mit Skulpturen, wo nach einem Prozess der Transformation diese Motive schliesslich ein dreidimensionales Volumen annehmen. Auch hier bleibt die Signatur des Malers sichtbar, in der farbigen Patina der Bronze-Skulpturen, deren Oberflächen stark bearbeitet sind. Baechler hat gesagt: „Mit Skulpturen war ich wieder auf der Suche nach einer Möglichkeit, Formen zu machen, als ob ich noch nie eine Skulptur zuvor gemacht hätte. Ich wollte vergessen, wie man Armaturen macht oder wie man Lehm richtig verwendet oder wie man überhaupt etwas richtig macht, und so begann ich mit meinen Händen zu drücken und Formen zu machen. Es gibt keine erzählerische Absicht, es ist nur eine Reaktion auf die Materialien. Ich bin an diskreten und stummen Objekten interessiert. Mich interessieren das Narrative, die Psychologie und diese Dinge nicht, die viele Menschen in meinen Bildern lesen und was sie an meinen Skulpturen interessiert.”
The American artist Donald Baechler, who was born in Hartford, Connecticut, in 1956, is widely considered as one of the most significant painters of his generation. In addition to paintings, his oeuvre includes drawings, collages and, increasingly since the mid-80s, sculptures. His repertoire of motifs is to be found dispersed across different genres, starting from drawings and ending up as sculptures where, after a process of transformation, these motifs finally take on three-dimensional volume. Yet even here the signature of the painter remains visible in the colored patinas of the bronze sculptures’ heavily worked surfaces. Baechler said: “With sculpture, I was looking again for a way to make forms as if I’d never made sculpture before. I wanted to forget about armatures and the proper way of using clay or the proper way of doing anything, and started just squeezing things with my hands, making shapes… There is no narrative intention; it’s just a response to materials. I’m interested in discreet and very mute objects, and I’ve never really been interested in narrative or psychology or these things which many people read into my paintings and probably into the sculptures.”
Donald Baechler „Clay Pot Flowers“, 2011
L’artista americano Donald Baechler, nato a Hartford, Connecticut, nel 1956, è considerato a tutt’oggi uno dei più significativi pittori della sua generazione. Oltre ai quadri, la sua produzione comprende disegni, collage e, in misura crescente dalla metà degli anni ’80, sculture. Il repertorio dei soggetti di Baechler va ricercato in diversi generi, partendo dai disegni e terminando con le sculture, dove dopo un processo di trasformazione tali soggetti assumono infine volumi tridimensionali. Ma anche qui la firma del pittore resta visibile nella patina colorata delle sculture di bronzo, le cui superfici risultano fortemente lavorate. Baechler ha dichiarato: „Con le sculture, ero nuovamente alla ricerca di un modo per modellare le forme, come se non avessi mai fatto una scultura prima. Volevo dimenticare come si fanno le armature, come si lavora in modo corretto la creta o come si fa qualsiasi altra cosa; così iniziai a plasmare la materia con le mani e a creare forme... Non c’è alcun intento narrativo, si tratta di una reazione ai materiali. Mi interessano i soggetti discreti e muti. Non mi interessano la narrativa, la psicologia e tutte le cose che molte persone vedono nei miei quadri o da cui sono attratte nelle mie sculture.“
fussgängerzone Olaf Breuning
St. Moritz
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Der Schweizer Künstler Olaf Breuning lebt und arbeitet in New York. Sein Oeuvre umfasst Fotografie, Skulptur, Zeichnungen, Videos und Installationen. Breuning setzt auch das Internet als Strategie für seine Kunst ein. Er nutzt Plattformen wie YouTube und Tumblr, um mit anderen in Interaktion zu treten. Nur wer über eine gute Portion Humor verfügt, kann die Arbeiten des Schweizers verstehen. Denn dem Künstler sitzt der Schalk im Nacken. In zahlreichen Fotografien spielen Verkleidung und Tarnung eine grosse Rolle, die teilweise zu absurden und skurrilen Sujets führen. Während St. Moritz Art Masters werden Skulpturen des Künstlers im öffentlichen Raum zu sehen sein. Seine Skulpturen sind eine Kombination aus Text und Form, die durch Wortwitz bestechen und es genau auf den Punkt bringen. Mit einfachen Mitteln kommentiert Olaf Breuning den Zeitgeist unserer Gesellschaft.
The Swiss artist Olaf Breuning lives and works in New York. His work includes photography, sculpture, drawings, videos and installations. Breuning also uses the Internet as a strategy for his art. He uses platforms such as YouTube and Tumblr to interact with others. Only someone who has a good dose of humor can understand the work of the Swiss, because the artist is a real teaser. In numerous photographs covering and camouflage play a major role and lead to absurd partially quirky subjects. During St. Moritz Art Masters there will be sculptures by the artist in public space. His sculptures are a combination of text and form. Their wordplay brings it just to the point. Olaf Breuning comments on the zeitgeist of our society with simple means.
Olaf Breuning „Installation view“
L’artista svizzero Olaf Breuning vive e lavora a New York. La sua produzione comprende fotografia, scultura, disegni, video e installazioni. Del resto Breuning ricorre anche a Internet quale strategia per la propria arte, utilizzando piattaforme come YouTube e Tumblr per interagire con gli altri. Solo chi è fornito di una buona dose di umorismo, può davvero comprendere i lavori dello svizzero; l’artista, infatti, è un vero burlone. In numerose sue fotografie il travestimento e il camuffamento giocano un ruolo importante, generando a volte soggetti assurdi e stravaganti. Durante St. Moritz Art Masters si possono ammirare le sculture di questo autore esposte in spazi pubblici. Le sue opere, una combinazione di testo e forma, colpiscono per i giochi di parole e vanno dritte al punto. Con mezzi semplici, Olaf Breuning commenta lo spirito della nostra attuale società.
Walk of Art
Fussgängerzone · Pedestrian zone · zona pedonale · 7500 St. Moritz ganztägig geöffnet · open all day · tutti i giorni
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St. Moritz
„Black Box Project“ · CRYSTAL HOTEL KERIM SEILER Relay (Situationist Space Program)
Walk of Art
Crystal Hotel · Via Traunter Plazzas 1 · 7500 St. Moritz täglich · daily · tutti i giorni · 10 - 18 h
Der Schweizer Künstler Kerim Seiler erweitert das Dach des Crystal Hotels zum zweiten Mal für die St. Moritz Art Masters Stiftung. Bereits im Jahr 2012 baute Kerim Seiler sein Projekt „Relay (Situationist Space Program)“ auf. Seilers Installation funktioniert nicht nur als Kunstwerk, sondern auch als und Atelierraum. Das Werk ist ein eins-zu-eins Nachbau des ersten Relay welches fix installiert in Johannesburg steht. Durch die enge Verbindung des Künstlers zu der Metropole wird ein Künstler aus Südafrika im Juli eingeladen. Im August kommt ein weiterer Gast aus China, da die diesjährige Ausgabe des St. Moritz Art Masters den Fokus auf zeitgenössische chinesische Kunst setzt. In den Sommermonaten Juli und August werden die beiden Künstler das „Relay (Situationist Space Program)“ als Atelier nutzen. Das Stipendium im Sinne eines organisierten Dérive ermöglicht den Künstlern über den Dächern von St. Moritz zu arbeiten. Die Einladung an die Künstler steht unter dem Stern des kulturellen Austauschs und ist nicht mit einer spezifischen Aufgabenstellung verbunden. Während den Ausstellungszeiten steht das Relay den Besuchern des St.Moritz Art Masters offen. Vielleicht treffen sie die Künstler bei der Arbeit an.
Li Li
The Swiss artist Kerim Seilerextends the roof of the Crystal Hotel for the second time for the St. Moritz Art Masters Foundation. Already in 2012, Kerim Seiler built his project „relay (Situationist Space Program).“ Seiler‘s installation works not only as art but also as a studio space. The work is a one-to-one replica of the first relay which is permanently installed in Johannesburg. Due to the close connection between the artist and the metropolis an artist from South Africa will be invited in July. In August another guest will come from China since this year‘s edition of the St. Moritz Art Masters puts the focus on contemporary Chinese art. During the summer months of July and August, the two artists, will use the „relay (Situationist Space Program)“ as a studio. The scholarship in the sense of an organized Dérive allows artists over the roofs of St. Moritz to work. The invitation to the artist serves cultural exchange and does not entail a specific task. During the exhibition times the relay is open to visitors of the St. Moritz Art Masters. Maybe they will meet the artists at work.
Gerald Machona
È la seconda volta che l’artista svizzero Kerim Seiler amplia il tetto del Crystal Hotel per la Fondazione St. Moritz Art Masters. Già nel 2012 Kerim Seiler aveva installato il suo progetto „Relay (Situationist Space Program)“. La sua installazione non è solo un’opera d’arte, ma si appresta a diventare altresì atelier per altri artisti. Anche a Johannesburg esiste un „Relay (Situationist Space Program)“ di Kerim Seiler, e viene utilizzato come studio. Grazie allo stretto rapporto di Seiler con la metropoli sudafricana, in luglio sarà invitato un artista dal Sudafrica; ad agosto toccherà a un cinese, poiché quest’anno i St. Moritz Art Masters si concentrano sull’arte cinese contemporanea. Nei mesi estivi di luglio e agosto i due artisti potranno utilizzare il „Relay (Situationist Space Program)“ come atelier temporaneo. La loro borsa di studio copre i costi del viaggio, tre settimane di permanenza all’Hotel Crystal e l’opportunità di lavorare con vista sui tetti di St. Moritz. Tale borsa di studio ha come fine quello di favorire lo scambio culturale tra le nazioni.
St. Moritz
Reformierte Kirche · Protestant Church · Chiesa Protestanta Via Maistra 18 · 7500 St. Moritz täglich · daily · tutti i giorni · 10 - 18 h
In Zusammenarbeit mit In collaboration with In collaborazione con Galerie Urs Meile, Beijing-Lucerne
Seit 2009 hat Ai Weiwei (*1957) eine Serie monumentaler Holzskulpturen unter dem Titel „Tree“ realisiert. Ai arrangierte Teile von abgestorbenen Bäumen (Stämme, Stümpfe, Äste) unterschiedlicher Holzarten aus verschiedenen Bergregionen Südchinas zu neuen, künstlichen Bäumen. Die Idee für diese Werkserie entstand, als sich Ai in Jingdezhen aufhielt, wo er seine Sonnenblumenkerne (Tate Modern, 2010) aus Porzellan produzieren liess. In der Gegend verkaufen Händler abgestorbene Baumteile, die, in der Tradition der Chinesischen Gelehrtensteine, ihrer interessanten Formen wegen geschätzt werden. In „Iron Tree“ entwickelt Ai die Idee weiter, indem er den grössten und komplexesten „Tree“ in gegossenem Eisen umsetzt. Der „Iron Tree“ besteht aus 99 durch übergrosse, sichtbare Schrauben und Muttern zusammengehaltenen Einzelteilen. Wie oft in Ai Weiwei’s Werken spielen das Kombinieren und Kopieren eine wichtige Rolle. Unverwandte Teile werden zu einem schlüssigen Ganzen kombiniert.
A partire dal 2009 Ai Weiwei (*1957) ha realizzato una serie di monumentali sculture in legno dal titolo „Tree“. Ai ha adattato parti di alberi morti (tronchi, ceppi, rami) di diversi tipi di legno, provenienti da varie regioni montane della Cina del Sud, in nuovi alberi artificiali. L’idea per la serie di opere è stata ispirata da un soggiorno dell’artista a Jingdezhen, dove ha fatto produrre i suoi Semi di girasole (Tate Modern, 2010) in porcellana. Nei dintorni i commercianti vendono parti di alberi morti che, nell’erudita tradizione delle pietre cinesi, sono apprezzate per le loro interessanti forme. Con „Iron Tree“ Ai sviluppa ulteriormente quell’idea, trasponendo il suo „Tree“ più grande e complesso nel ferro fuso. L’“Iron Tree“ è composto da 99 parti singole, tenute insieme da viti e dadi enormi, ben in vista. Come accade spesso nelle opere di Ai Weiwei, il combinare e il copiare giocano un ruolo importante. Parti tra loro non affini vengono combinate a formare una nuova unità.
Since 2009 Ai Weiwei (*1957) has created a series of monumental wooden sculptures titled „Tree“. Ai arranged parts of dead trees (roots, trunks, branches) from different species collected from mountain areas around southern China to look like new, artificial „Trees“. The idea was born when Ai visited Jingdezhen, where he had the „Sunflower Seeds“manufactured for his exhibition at Tate Modern (2010). In the area around Jingdezhen local vendors sell dry wood and tree trunks which are areappreciated for their interesting shape, in the tradition of Chinese scholars’ rocks. The work „Iron Tree“ develops the concept further as the biggest and most complex Tree has now been realized in iron. „Iron Tree“ consists of 99 pieces which are held together by oversized screws and nuts. As in other works by Ai Weiwei the concepts of assembling and copying play an important role. The artist made unrelated parts from different areas come together to form a new unit.
Ai Weiwei „Iron Tree“ 2013, iron, 628 x 710 x 710 cm, courtesy the artist and Galerie Urs Meile, Beijing-Lucerne
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Walk of Art
Reformierte Kirche AI WEIWEI
Per4mance. The new E 63 AMG. With AMG Performance 4MATIC. The E 63 AMG with AMG Performance 4MATIC makes each individual h.p. even more useful on the road thanks to its performance-optimised dynamics. Explosive starts, powerful acceleration and exceptional lateral dynamics provide performance like no other. www.mercedes-amg.com/E63
Fuel consumption urban/extra-urban/combined: 14.4–13.8/7.9–7.5/10.3–9.8 l/100 km; combined CO₂ emissions: 242–230 g/km. Efficiency class: F. Figures do not relate to any individual vehicle, do not form part of any offer and are intended solely to aid comparison between different types of vehicle. The vehicle shown features optional equipment.
turnhalle SIGG COLLECTION
St. Moritz
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„Aufwändige Malerei“ Die vier Künstler dieser Ausstellung haben eines gemeinsam: den aufwändigen Produktionsprozess, wenn sie malen! Dieser aufwändige Produktionsprozess zeigt sich ganz unterschiedlich: Die Bilder von Liu Wei „Go East – Go West“ haben über zwei Jahre zahlreiche Umgestaltungen durchgemacht; und stets hat sie der Künstler mit zunehmender Dichte und Komplexität aufgeladen. Die Malereien von Xue Feng sind mit sorgfältig aufgebrachten Pinselstrichen ausgeführt, sie vermengen Poster der Tourismusdestination Hangzhou und Rückblenden auf die traditionelle Landschaftsmalerei. Ni Youyu hat einen ganz eigenen Malprozess entwickelt: Seine goldgrundierten Bilder mit ihren schwarzen Konturstrichen rekurrieren auch auf die traditionelle Landschaftsmalerei. Aber in einem aufwändigen Prozess wäscht und erodiert er die schwarzen Linien, die einem zeitlosen und surrealen Inhalt Gestalt geben. Li Xi grundiert ihre Leinwände mit grosser Sorgfalt mit Tee und allerlei anderen Materialien und zieht dann ihre Linien, auf den spirituellen Übergangszustand des „Bardo“ im tibetischen Buddhismus anspielend – mit der Linie als der einzig wahrhaften Darstellung des Selbst in der chinesischen Tradition. Li Zhenwei verwendet die mathematische Konstante Pi, um abstrakte Kompositionen zu entwickeln – Pi einschliesslich der ersten zehntausend Dezimalstellen, um Zahl und Farbe und Anordnung von Farbknoten auf der Leinwand zu bestimmen.
„Painstaking Painting“ The four artists presented in this exhibition have one thing in common: it is this painstaking production process when they paint. This painstaking production process may manifest itself in diverse ways: Liu Wei’s paintings “Go East – Go West” have morphed over almost two years into several appearances; the artist revisited the paintings again and again, adding complexity here, subtracting some there. Xue Feng’s “Flashback”-paintings are executed with exquisitely elaborated brushstrokes, fusing poster images of the Tourist City of Hangzhou with flashbacks to its own cultural traditions. Ni Youyu devised a painting process of his own: his gold-coloured paintings with black brushstrokes depart from Chinese traditional landscape painting. Yet in a complicated process he washes and erodes the black lines and shapes a timeless and surreal content. Li Xi primes her canvases with great care and media like tea and others to then draw her lines, alluding to the liminal state of “Bardo” in Tibetan Buddhism – the line being the true representation and expression of self in Chinese tradition. Li Zhenwei uses the mathematical constant Pi to create his abstract compositions - inclusive of 10 000 decimal places, to determine the numbers and colours and spacings of paint dots lined up on the canvas.
Liu Wei „Go East“, 2010, 180 x 440 cm, Oil on canvas
„Pittura accurata“ I quattro artisti presenti in questa esposizione hanno una cosa in comune: l’accurato procedimento creativo adottato quando dipingono! Tale accurato procedimento creativo si manifesta in vari modi: i quadri “Go East – Go West” di Liu Wei si sono formati in almeno due anni, con varie stesure; l’artista li ha rivisitati più volte aggiungendo complessità qui, sottraendone lì. La serie “Flashback” di Xue Feng è stata eseguita con pennellate squisite ed elaborate, fondendo immagini da poster della città turistica di Hangzhou con flashback di antiche tradizioni culturali. Ni Youyu ha concepito un metodo pittorico tutto suo: i quadri dorati con pennellate nere si distanziano dalla classica pittura di paesaggi cinese. Eppure, con un processo complicato, egli scava ed erode le linee nere plasmando una materia senza tempo e surreale. Li Xi stende un’attenta imprimitura sulle proprie tele, ricorrendo a materiali come il tè o altro per tracciare i propri tratti con allusione allo stato liminale del “bardo” nel buddhismo tibetano (la linea è l’autentica rappresentazione ed espressione di sé nella tradizione cinese). Li Zhenwei usa la costante matematica Pi per creare la sua composizione astratta: 10 000 cifre decimali per determinare numeri, colori e spazi dei segni di pittura allineati sulle tele.
Walk of Art
Turnhalle · gym · palestra · 7500 St. Moritz täglich · daily · tutti i giorni · 10 - 18 Uhr
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St. Moritz
Palace Galerie Fang Lijun In Zusammenarbeit mit In collaboration with In collaborazione con Mercedes-Benz
Walk of Art
Via Serlas · 7500 St. Moritz täglich · daily · tutti i giorni · 10 - 18 h
In Fang Lijuns (*1963) Bildern treten immer wieder kahlköpfige Figuren auf, die zu seinem Markenzeichen geworden sind. Ihre charakteristischen Gesichter spiegeln verschiedene Emotionen wieder wie Angst, Enttäuschung oder Auflehnung. Sie sind als sein zweites Ich zu verstehen und repräsentieren das neue und das alte China. Der Künstler sticht durch seine philosophischen Selbstbildnisse im Wasser hervor sowie durch das vielfach erscheinende Motiv des Schwebens. Seine illustrativen Holzschnitte bedienen sich an der Ästhetik von Comics und Volkskunst. Sie stellen die nationale Identität im Wandel dar und zeigen eine eingängige Formel für einen inneren Widerstand. Ihre Botschaft: Man muss schwimmen, um nicht unterzugehen. Man muss fliegen, um nicht abzustürzen. Für die Generation des „Mao Goes Pop“, so eine Ausstellung 1993 in Sydney, hat Fang wie kein Anderer die politische Unterdrückung der Chinesen vor und nach 1989 mit buddhistischem Gleichmut quittiert.
Fang Lijun 1999.2.1, 1998, woodcut, 488 x 732 cm
In Fang Lijun‘s (* 1963) images always occur baldhead figures, which have become his trademark. Their characteristic faces reflect different emotions like anxiety, frustration or rebellion. They represent his alter ego as well as the new and old China. The artist stands out for his philosophical selfportraits in water as well as for the motif of floating, which appears in many of his pictures. His illustrative woodcuts are inspired by the aesthetic of comics and popular art. They represent the national identity in transition, pointing towards a plausible formula for an inner resistance. Their message: Swim not to sink. Fly not to fall. For the generation “Mao Goes Pop”, which was an exhibition title in Sydney in 1993, Fang Lijun has like no other acknowledged the political oppression of the Chinese before and after 1989 with Buddhist equanimity.
Nelle opere di Fang Lijun (*1963) compaiono costantemente figure calve, che sono ormai diventate il suo tratto distintivo. I loro volti caratteristici riflettono differenti emozioni, dalla paura alla delusione o alla ribellione. Esse rappresentano il suo alter ego, al pari che la Cina attuale e passata. L’artista risalta nei suoi autoritratti filosofici nell’acqua, così come per il motivo ricorrente dello stare sospesi. Le sue xilografie illustrative si ispirano all’estetica dei fumetti e dell’arte popolare: riproducono l’identità nazionale in via di trasformazione e sembrano indicare una formula semplice per una sorta di resistenza interiore. Questo il loro messaggio: bisogna nuotare per non annegare. Bisogna volare per non cadere. Per la generazione del „Mao Goes Pop“, dal titolo di una mostra del 1993 a Sydney, Fang Lijun ha reagito come nessun altro con imperturbabilità buddhista all’oppressione cinese prima e dopo il 1989.
Palace Galerie Shao Fan
st. Moritz
Via Serlas · 7500 St. Moritz täglich · daily · tutti i giorni · 10 - 18 h
In Zusammenarbeit mit In collaboration with In collaborazione con Galerie Urs Meile, Beijing-Lucerne
Shao Fan’s (*1964 in Beijing, China) pure, peaceful backgrounds enable him to extract the subjects - animals, landscapes and portraits – from their ambient vulgarity, thereby reducing the influence of narrative and timeliness to the bare minimum. Through his tranquil and prudent perspective, together with his unique visual language, the paintings reflect Shao Fan’s attitude towards life. In addition to painting, his creation further diversifies across a wide range encompassing sculpture, graphic design and horticultural design. His deconstructed, recreated Chinese classical furniture won him the distinction of being the first Chinese artist whose work is collected by the V&A Museum in London, UK. His work has recently been exhibited at the National Portrait Gallery in Canberra, Australia; The 4th Guangzhou Triennial in Guangzhou, China and at Staatliche Kunstsammlung Dresden, Germany.
Gli sfondi puri, pacifici di Shao Fan (*1964 Pechino, Cina) gli permettono di estrapolare i suoi soggetti (animali, paesaggi e ritratti) dalla volgarità che li circonda, riducendo in tal modo ai minimi termini l’influsso narrativo e quello dell’attualità. Attraverso una prospettiva tranquilla e prudente, unita a un singolare linguaggio visivo, i dipinti riflettono l’atteggiamento di Shao Fan verso la vita. Oltre alla pittura, la sua vivace forza creativa si esprime anche negli ambiti della scultura, dell’arte grafica e del design di giardini. Il Victoria & Albert Museum di Londra lo ha inserito, quale primo artista proveniente dalla Cina, nella propria collezione con i suoi mobili cinesi classici decostruiti e rielaborati. Recentemente le sue opere sono state esposte alla National Portrait Gallery di Canberra, Australia, alla IV Triennale di Guangzhou, Cina, e alla Galleria nazionale di Belle Arti di Dresda, Germania.
Shao Fan „Rabbit at Desk“ 2012 oil on canvas 210 x 170 cm Private Collection, Switzerland Courtesy Galerie Urs Meile, Beijing-Lucerne
Walk of Art
Shao Fan’s (*1964 Peking, China) klare, friedliche Hintergründe ermöglichen es ihm seine Motive wie Tiere, Landschaften und Portraits aus der Vulgarität, die sie umgeben, zu lösen. Dabei werden die erzählerischen und zeitlichen Einflüsse auf ein Minimum reduziert. Durch seine ruhige und umsichtige Perspektive, zusammen mit seiner einzigartigen Bildsprache, spiegeln die Gemälde Shao Fans Haltung dem Leben gegenüber. Neben der Malerei zeigt sich seine vielseitige Schöpfungskraft in den Bereichen der Skulptur, der grafischen und gartenbaulichen Gestaltung. Das V&A Museum in London hat ihn als ersten chinesischen Künstler mit seinen dekonstruierten, neu erstellten klassischen chinesischen Möbeln in die Sammlung aufgenommen. Seine Arbeiten wurde vor kurzem in der National Portrait Gallery in Canberra, Australien, der 4. Guangzhou Triennale in Guangzhou, China und an der Staatlichen Kunstsammlung Dresden, Deutschland ausgestellt.
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St. Moritz
GALERIE Christophe Graber Shi Jinsong
Walk of Art
Via Maistra 21 · 7500 St. Moritz · Tel +41 81 834 90 00 · www.christophegraber.com www.burgercollection.org täglich · daily · tutti i giorni · 11 - 19 h
Licence to Please – oder Brisantes Amalgam Die Ästhetik der Macht, die sich in faszinierenden Formen und spiegelnden Oberflächen zeigt, ist prägendes Thema des chinesischen Konzeptkünstlers Shi Jinsong (*1970). Mit Ausstellungen im Kunstmuseum Bern und im Centre Pompidou in Paris einem breiteren Publikum bekannt geworden, arbeitet Shi Jinsong an der Schnittstelle von Hoch- und Massenkultur, verbindet populäre formale Elemente mit ambitionierten gesellschaftlichen oder philosophischen Anliegen. Diese synthetisierende Haltung findet sich auch in den Schmuckkreationen des Designers Christophe Graber, der sich sowohl von tiefgründigen, kulturgeschichtlichen Motiven wie auch von populären Formen und Materialien inspirieren lässt. „Baby Stroller“ lautet der harmlose Titel einer Skulptur von Shi Jinsong. die nun in Christophe Grabers Galerie in St. Moritz ausgestellt wird. Das martialisch-schöne Objekt stammt aus der Na-Zha-BabyBoutique-Serie, die um 2006 entstand, als Shi Jinsongs Tochter zur Welt kam. Aus diversen Waffen-Versatzstücken hatte der Künstler Neu-Interpretationen von bekannten Kinder-Accessoires geschaffen: Rasseln, Trotinett, Dreirad, etc.. Wie schon in früheren Werken gelingt es Shi Jinsong auch im aufsehenerregenden „Baby Stroller“ chinesische Alltagskultur – Na Zha ist der chinesische Gott der Lotterie –, die globalisierte Weltwirtschaft und die eigene Biografie zu einem eindrücklichen Werk zu amalgamieren, vollgepackt mit hintersinnig-gesellschaftskritischer Sprengkraft.
Licence to Please – or Explosive Amalgamation Manifested in highly-polished surfaces and intriguing forms, the aesthetics of power is the theme central to the work of Chinese conceptual artist Shi Jinsong (*1970). Exhibitions at the Museum of Fine Arts in Berne and the Centre Pompidou in Paris, which exposed Shi Jinsong to a wider audience, located his juxtaposition of popular symbols with formidable social and philosophical concerns at the intersection of highbrow and mass culture. This approach of juxtaposition-and-synthesis also appears in the jewellery creations of designer Christophe Graber, who takes inspiration from pop culture’s superficial forms and materials, and combines them with more profound cultural and historical references. “Baby Stroller” is the deceptively innocent title of the Shi Jinsong sculpture being exhibited in Gallery Christophe Graber in St. Moritz. This menacingly beautiful object, created soon after the birth of his daughter, belongs to the 2006 Na-ZhaBaby-Boutique series in which the artist fabricated familiar baby accessories – rattles, scooters, tricycles – incorporating fragments of threatening weaponry. As with Shi Jinsong’s previous works, the sensational “Baby Stroller” takes an ordinary aspect of Chinese everyday life (“Na Zha” is the Chinese God of the Lottery) and seamlessly invests it with both private biographical references and stinging critique of the globalized world economy, creating an amalgam charged with explosive social criticism.
Licence to Please – ovvero un amalgama dirompente L’estetica del potere che si manifesta in forme affascinanti e superfici riflettenti, è una delle tematiche fondamentali dell’artista concettuale Shi Jinsong (*1970). Diventato ormai famoso presso un ampio pubblico grazie alle mostre al Kunstmuseum di Berna e al Centre Pompidou di Parigi, nella sua arte Shi Jinsong si trova a metà tra la civiltà progredita e la cultura di massa, unendo elementi formali popolari con le ambiziose problematiche sociali o filosofiche. Questo approccio sintetizzante si trova anche nelle creazioni di gioielli del designer Christophe Graber, che si fa ispirare sia dai motivi profondi legati alla storia culturale sia da forme e materiali popolari. “Baby Stroller” è l’innocente titolo di una scultura di Shi Jinsong, ora esposta alla galleria di Christophe Graber a St. Moritz. L’oggetto caratterizzato da una bellezza aggressiva viene dalla serie Na-Zha-BabyBoutique, nata intorno al 2006, quando venne al mondo la figlia di Shi Jinsong. Utilizzando diversi elementi estrapolati dal mondo delle armi, l‘artista ha reinterpretato famosi accessori per bambini come il sonaglio, il monopattino, il triciclo ecc. Come già nelle sue prime opere, Shi Jinsong riesce ad amalgamare anche nel sensazionale „Baby Stroller“ la cultura legata alla quotidianità cinese – Na Zha è il dio cinese della lotteria –, l’economia mondiale globalizzata e la propria biografia in un’opera impressionante, con pieno coinvolgimento del pubblico grazie alla forza esplosiva della critica a doppio senso nei confronti della società.
Shi Jinsong „Baby Stroller” Courtesy of the Burger Collection, Hong Kong
GALERIE KARSTEN GREVE Zhou Tiehai
St. Moritz
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Das Hauptthema des 1966 in Shanghai geborenen Zhou Tiehai ist der „Zusammenprall der chinesischen und westlichen Welt“, der sich unter anderem in der technischen Umsetzung seiner Bilder manifestiert. Ein Grossteil seiner Arbeiten besteht aus Fragmenten von Pflanzen, Figuren, Fischen oder Felsen. Diese für die traditionelle chinesische Malerei charakteristischen Elemente werden nur ausschnitthaft und stark vergrössert auf Leinwand gespritzt. Hierdurch geht die typische, präzise Linienführung zugunsten von weichen, nahezu unmerklichen Farbübergängen verloren. Weniger offensichtlich, aber dennoch ein wesentlicher Bestandteil seiner Kunst, ist die Infragestellung des Künstlers als notwendiger Umsetzer der Bildgedanken. Zhou Tiehai lässt die meisten seiner Airbrush-Bilder ganz im Sinne der westlichen Konzeptkunst von Assistenten ausführen.
The oeuvre of Zhou Tiehai, born 1966 in Shanghai, focuses on the clash of the Chinese with the Western world. A great part of his works show fragments of plants, figures, fishes or rocks. These elements are typical of traditional Chinese paintings, but Zhou Tiehai depicts them in a completely unconventional way by using the airbrush method. This technique does not allow an accurate line management but enables the artist to create almost imperceptible colour passages. The untraditional way of artistic realisation is another crucial point of Zhou Tiehai’s art. Much like in the Western Concept Art he questions the role of the artist as the person who necessarily creates the piece of art by running a workshop which mainly executes his airbrush paintings.
Zhou Tiehai Bamboo, 2005, Acryl auf Leinwand, 160 x 200cm
Il tema centrale dell’opera di Zhou Tiehai, nato nel 1966 a Shangai, è lo „scontro tra il mondo cinese e quello occidentale“, che fra l’altro si manifesta nella contaminazione di tecniche dei suoi quadri. I suoi lavori sono composti per lo più da frammenti di piante, figure, pesci o rocce. Tali elementi, caratteristici della pittura tradizionale cinese, vengono spruzzati su tela, ma in modo frammentato e assai ingrandito. In tal modo si perde il tratteggio tipico e preciso a tutto vantaggio di passaggi di colore morbidi, quasi impercettibili. Forse meno evidente, eppure elemento essenziale della sua opera, è la messa in discussione dell’artista quale indispensabile traduttore di concetti in immagini. Zhou Tiehai fa eseguire gran parte dei quadri ad aerografo da assistenti, seguendo l’arte concettuale occidentale.
Walk of Art
Via Maistra 4 · 7500 St. Moritz · T +41 81 834 90 34 · www.galerie-karsten-greve.com Montag - Samstag · Monday - Saturday · Lunedi - Sabato · 11 - 13, 15 - 18.30 h
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GALERIE andrea CARATSCH not Vital
St. Moritz
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Die Galerie Andrea Caratsch eröffnet neue Räume an der Via Serlas 12 mit einer Werkübersicht 1986–2013 von Not Vital. In drei Ausstellungsräumen werden 20 Skulpturen präsentiert. Die neuesten Arbeiten sind im Pekinger Atelier entstanden. Edle Materialien wie Marmor, Gold, Silber und Edelstahl werden neben „armen“ Stoffen wie Knochen, Plastik, Holz und Gips verarbeitet; die Textur der Materialien und die ungewöhnliche Formensprache sind augenfällig. Doch es ist das subtile Spiel zwischen dem Sichtbaren und dem Unsichtbaren, zwischen Form und Inhalt, Natur und Kultur, welches das Œuvre Not Vitals besonders reizvoll macht. Seine Arbeiten entstehen aus einer engen Verbundenheit mit der Engadiner Berg- und Gedankenwelt und schlagen gleichzeitig Brücken zu den entferntesten Kontinenten und Kulturen. Seine Kunst dreht sich um das Existentielle und hebt über Kulturen hinweg Gegensätze auf.
Galerie Andrea Caratsch is opening a new space at Via Serlas 12 with a Not Vital retrospective including works dating 1986– 2013. A total of 20 sculptures will be presented, the latest of which were created in Vital’s Beijing studio. Precious materials such as marble, gold, silver and stainless steel are used in addition to “poor” materials like bone, plastic, wood and plaster; the texture of the materials and the unusual formal language are his trademark. However, it is the subtle interplay between the visible and the invisible, between form and content, nature and culture, which makes Not Vital’s work particularly intriguing. His sculptures result from an intimate relationship with the Engadine mountains and the mentality of their people, yet building bridges to the most remote continents and cultures. His art revolves around the existential and brakes down differences across cultures.
Not Vital Mond, 2004, White statuario marble, Ed. of 2, ø 130 cm (51 1/5 in.)
Galerie Andrea Caratsch apre un nuovo spazio in Via Serlas 12 con una retrospettiva sulle opere di Not Vital dal 1986 al 2013. In tre sale d’esposizioni vengono presentate 20 sculture – gli ultimi lavori sono nati nel suo studio di Pechino. Materiali pregiati come marmo, oro, argento e acciaio inossidabile si alternano a materie più “povere” come ossa, plastica, legno e gesso; qui spiccano la consistenza dei materiali e l’inconsueto linguaggio delle forme. Ed è proprio la sottile interazione tra il visibile e l’invisibile, tra forma e contenuto, tra natura e cultura, a rendere le opere di Not Vital particolarmente entusiasmanti. I suoi lavori nascono da uno stretto vincolo con le montagne e la mentalità dell’Engadina e gettano al contempo ponti verso le culture e i continenti più lontani. La sua arte verte sull’esistenziale elevandosi oltre le culture, alla ricerca degli opposti.
Walk of Art
Via Serlas 12 & 35–37 · 7500 St. Moritz · www.galeriecaratsch.com Montag - Samstag · Monday - Saturday · Lunedì - Sabato · 14 - 19 h
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St. Moritz
Kulm Hotel & Schlossereiwerkstatt SéBaStIEn DE GanaY
Walk of Art
Schlossereiwerkstatt, Via Aruons 33, 7500 St. Moritz täglich · daily · tutti i giorni · 10 - 18 h
In de Ganays Kunst geht es in erster Linie um Interaktivität und Partizipation. Sie ist weit entfernt von den „coolen“ Produktionen des Minimalismus oder der Simulationskunst. De Ganay räumt der Rolle des Betrachters als Teilnehmer ein Vorrecht ein. Seine Braille-Arbeiten, Karton-Werke oder Punktbilder operieren mit einer neuen Methode, die als „Relationaler Minimalismus“ bezeichnet werden könnte. Die Werke sind nicht von Hand hergestellt, sondern industriell produziert, sie betonen den Inhalt gegenüber der Form und übersetzen das Objekt in eine benutzerfreundliche Kategorie, die einem allgemeinen Publikum zugänglich ist. De Ganays Methode ist begründet in einem „offenen System“, einer vielfältigen Auswahl von einfachen Elementen, die zu immer komplexeren Strukturen zusammengebaut werden. Die einfachen geometrischen Formen können sich rasch multiplizieren, um so neue Kunstwerke zu bilden. Inspiriert vom Zusammen- und Auseinanderfalten, wie wir es alle kennen, zeugen die XL-Carton Chairs von der Kreativität, die sich in unseren einfachsten Gesten verbirgt, und erinnern uns an die Unbeständigkeit unserer Gegebenheiten.
Sébastien De Ganay Sean, 2010, oil on felt + epoxy · 130 / 189 cm
De Ganay’s art is above all one of interactivity and participation. Far from being the “cool” production of Minimalism or Simulationist art, his practice demonstrates a truly ”relational aesthetic”. He privileges the role of the viewer as participant. His Braille works, carton series or dot paintings produce a new order of practice which could be termed Relational Minimalism. The works are manufactured rather than handcrafted artefacts, they emphasize content over form and transpose the work into a user-friendly category accessible to a general public. His practice is founded on the notion of an “open system”, a varied menu of simple elements, building into more and more complex structures. The simple geometric elements can quickly multiply to form new artworks. Inspired by the folding and unfolding we all know and do, the XL carton-chairs testify to the creativity that our most ordinary gestures reveal, reminding us of the impermanence of our condition.
Nella sua arte De Ganay si concentra in prima linea sull’interattività e sulla partecipazione. Siamo molto lontani da certe produzioni accattivanti del minimalismo o del simulazionismo. De Ganay accorda allo spettatore il privilegio di un ruolo attivo, partecipe. Le sue opere in braille, i lavori su cartone o i quadri a punti obbediscono a un nuovo metodo, che si potrebbe definire „minimalismo relazionale“. Le opere non vengono prodotte a mano, ma in maniera industriale; esse rivalutano il contenuto rispetto alla forma e trasportano l’oggetto in una categoria di facile comprensione, accessibile a un pubblico più ampio. Il metodo di Sébastien de Ganay si fonda su un „sistema aperto“, una scelta quanto mai varia di elementi semplici che vengono assemblati in strutture sempre più complesse. Le forme geometriche semplici possono moltiplicarsi velocemente, dando quindi vita a nuove opere d’arte. Così, ispirate dal piegare e dispiegare, azioni che tutti noi conosciamo, le XL-Carton Chairs testimoniano la creatività che si cela dietro i nostri gesti più banali. E la riconducono alla mutevolezza della nostra condizione.
St. Moritz
Schlossereiwerkstatt, Via Aruons 33, 7500 St. Moritz · T +41 (0)79 747 74 63 täglich · daily · tutti i giorni · 10 - 18 h
In Zusammenarbeit mit In collaboration with In collaborazione con Happen Projects
Sarah Kueng und Lovis Caputo arbeiten seit ihrem Design-Studium an der Zürcher Hochschule der Künste als Partner. Das Schweizer Künstler/Designer-Duo praktiziert in seinen Design-Arbeiten einen Ansatz, der sich nicht auf gängige Referenzsysteme – oder in ihren eigenen Worten auf ‘künstlichen Grenzen’ – beschränken lässt. Durch die sorgfältige Beobachtung der materiellen Welt, sozialer Haltungen und kultureller Kontexte fordern sie in der meisterlichen Handhabung der Improvisation Unerwartetes heraus. In ihren Objekten und Installationen ist die Unvollkommenheit Teil einer Strategie, durch die sie einen Kommentar zu Design und seinem Kontext bieten. Die Bodeninstallation in der ehemaligen Schlossereiwerkstatt wurde als ‘Bühne’ für die Design Ausstellung Neu/Vertraut konzipiert. Die Farbformen, die durch das traditionelle Engadiner Sgraffito inspiriert sind, bilden eine neue Wahrnehmungsebene, welche die Beziehung zwischen vergangener und gegenwärtiger Anwendung in den Raum stellt.
Sarah Kueng e Lovis Caputo collaborano fin da quando erano studenti di design all’Istituto Superiore di Belle Arti di Zurigo, dal 2004 al 2008. Questo duo svizzero di designer/ artisti ha un approccio al design che trascende i tradizionali contesti di riferimento o, come loro affermano, i “confini artificiali”. Motivato da una scrupolosa osservazione del mondo materiale e dall’attenzione ai fenomeni sociali e culturali, il loro processo creativo ha il suo punto di forza nell’improvvisazione che provoca risultati sorprendenti. I loro oggetti e le loro creazioni denotano una ricercata imperfezione, con cui stimolano commenti sul design stesso e il proprio contesto. Il pavimento dell’officina dismessa è stato concepito da Kueng Caputo come scenografia per la mostra di design Neu/Vertraut. Il linguaggio delle forme colorate, ispirate agli sgraffiti engadinesi, crea una nuova percezione nella relazione fra usi passati e presenti.
Sarah Kueng and Lovis Caputo have worked in partnership since they were both students of design at the Zurich University of the Arts from 2004 to 2008. The Swissborn designer/artist duo practice design with an approach that is not restricted by obvious reference systems or, in their words, ‘artificial boundaries’. Driven by a meticulous observation of the material world and attention to social attitudes and cultural contexts as a source of inspiration, their creative approach masters improvisation and challenges the unexpected. Their objects and installations articulate imperfection and offer a commentary on design and its context. The floor installation in the former metal workshop was conceived as a ‚stage‘ for the design exhibition Neu/Vertraut. Inspired by traditional Engadine sgraffiti, the coloured shapes form a new layer of perception that negotiates the correlation between past and current use.
Kueng Caputo Schlossereiwerkstatt, 2013 · Bodenfarbe auf Gussbeton
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Walk of Art
Schlossereiwerkstatt KUENG CAPUTO
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St. Moritz
CHÂTEAU PAPILLON des ARTS PIERo del bondio
Walk of Art
Via Foppas 15 · 7500 St. Moritz · Tel +41 79 423 0271 täglich · daily · tutti i giorni · 16 - 19 h
Piero del Bondio ist 1947 in Stampa geboren und wächst im Bergell auf. An der Kunstgewerbeschule in Luzern besucht er die Fachklasse Skulptur und bildet sich an der Académie des Beaux-Arts, Paris und an der Accademia di Belle Arti, Rom weiter. Längere Aufenthalte folgen in Spanien, Portugal und besonders in Frankreich, wo er im Atelier „Les Grisons“ in der Cité Internationale des Arts in Paris arbeitet. 1981 kehrt Piero del Bondio ins Bergell zurück. „Meine Kunst ist meditativ und vergänglich wie das Leben selbst“, so beschreibt der eigenwillige Künstler seine Arbeit. Das Werk Piero del Bondios bewegt sich zwischen Minimal Art und Arte Povera. Ihm gelingt es immer wieder, mit neuen Facetten seiner Kreativität zu überzeugen, die beeinflusst ist von orientalischen Philosophien. Materialien wie Erde, Kalk und Papier stehen im Zentrum seines gestalterischen Schaffens, das durch archaische Kraft, Schlichtheit und Ausdrucksstärke beeindruckt. Die Skulpturen, Installationen, Zeichnungen und Aquarelle lassen Alltägliches aus veränderten Perspektiven und in neuen Dimensionen erfahren, sind intensiv und strahlen gleichzeitig eine kontemplative Ruhe aus.
Piero del Bondio @Yoko
Piero del Bondio was born in 1947 in Stampa and grew up in the valley of Bregaglia. At Lucerne University of Applied Sciences and Arts he takes specialized classes in sculptur and he studies further at Académie des Beaux-Arts, Paris and at Accademia di Belle Arti, Rome. Longer stays follow in Spain, Portugal and especially in France where he works at the Atelier „Les Grisons“ at Cité Internationale des Arts in Paris. In 1981 Piero del Bondio returns to Bregaglia. „My art is meditative and transient, such as life itself“, this is how this unconventional artist describes his work. Piero del Bondio’s oeuvre moves between Minimal Art and Arte Povera. Again and again he succeeds in convincing with new facets of his creativity which is influenced by oriental philosophies. Soil, limestone and paper are the core materials of his creative work which impresses by archaic power, simplicity and strength of expression. The sculptures, installations, drawings and watercolours make the viewer perceive everyday things in diversified perspectives and in new dimensions, they are intense and radiate a contemplative peace at the same time.
Piero del Bondio è nato nel 1947 a Stampa ed è cresciuto in Val Bregaglia. Alla Scuola di Arti Applicate a Lucerna si specializza nel ramo della scultura e si perfeziona poi all’Académie des Beaux-Arts di Parigi e all’Accademia di Belle Arti di Roma. Soggiorni più lunghi seguono in Spagna, Portogallo e specialmente in Francia, dove lavora presso lo studio „Les Grisons“ nella Cité Internationale des Arts di Parigi. Nel 1981 Piero del Bondio ritorna in Val Bregaglia. „La mia arte è meditativa e transitoria come la vita stessa“, così l‘anticonvenzionale artista descrive il suo lavoro. L’opera di Piero del Bondio si muove tra Minimal Art e Arte Povera. La sua creatività, influenzata dalle filosofie orientali, riesce sempre a convincere con nuove sfumature. Materiali come terra, calce e carta stanno al centro del suo lavoro creativo che impressiona tramite forza arcaica, sobrietà ed espressività. Le sue opere, le sculture, le installazioni, illustrazioni e acquarelli, mostrano e fanno percepire aspetti quotidiani da un punto di vista inedito e con nuove dimensioni. Pur intense, riflettono allo stesso tempo una tranquillità contemplativa.
St. Moritz
Via dal Vout 3 · 7500 St. Moritz · (Galerie Tschudi) täglich · daily · tutti i giorni Weitere Informationen · more information · ulteriori informazioni: Tschudi Galerie · Chesa Madalena · Somvih 115 · 7524 Zuoz · T +41 81 850 13 90
In Zusammenarbeit mit In collaboration with In collaborazione con Galerie Tschudi Zuoz
Die chinesischen Schriftzeichen für die Himmelsrichtungen wurden von Su-Mei Tse überdacht. Sie streben nicht exakt den „geraden Weg“ an. Der Übergang zum Neonlicht, eine künstlerisch subtile Abweichung, wandelt hier die Ideogramme in Licht um. Dabei überschreiten die Symbole ihre Bedeutung und werden zu abstrakten, offenen Bildern. Im Gegensatz zum Westen, wo die Richtungen vertikal konzipiert werden, sind sie bei den Chinesen horizontal. Dieser künstlerische Kompass erweitert auch den Horizont unseres Daseins und erinnert daran, dass es möglich ist, die Welt auf andere Weise wahrnehmen. Su-Mei Tse, eine chinesisch-britische Künstlerin, lebt in Luxemburg und Berlin. Sie spielt auch Cello. Sie stellt international aus und erhielt unter anderem Auszeichnungen wie den Goldenen Löwen der Biennale von Venedig im Jahr 2003. Ihre Arbeit ist oft eine heikle Passage von Sprache zu Bild, von Musik zu Stille, von Anwesenheit zu Abwesenheit, wie ein Wunsch, das Offensichtliche aufzuheben.
Gli ideogrammi cinesi utilizzati per indicare i punti cardinali sono stati ripensati da Su-Mei Tse: non aspirano a indicare esattamente la „retta via“. Il ricorso alla luce al neon, sottile deviazione artistica, trasforma gli ideogrammi in pura luminosità. Così i simboli oltrepassano il loro significato e diventano immagini astratte, dischiuse. In contrasto con il mondo occidentale, dove le direzioni sono concepite verticalmente, presso i cinesi sono in orizzontale: questa bussola artistica tende dunque ad ampliare l’orizzonte della nostra esistenza e ci ricorda che è possibile percepire il mondo in modo diverso. Su-Mei Tse, un’artista anglocinese, vive in Lussemburgo e a Berlino. Suona anche il violoncello. Le sue opere sono esposte a livello internazionale e hanno ottenuto vari riconoscimenti, tra cui il Leone d’oro alla Biennale di Venezia 2003. Il suo lavoro consiste spesso in un delicato passaggio dalla lingua all’immagine, dalla musica al silenzio, dalla presenza all’assenza, quasi un desiderio di sospendere l’ovvietà.
The chinese characters for the cardinal points, reconsidered by Su-Mei Tse, don‘t exactly aspire to being the «straight path». The transition to the neon light, an artistic subtle deviation, here transforms the ideograms into light. Thereby, the symbols exceed their meaning and become abstract, open images. And because, contrary to the West where the directions are conceived vertically, the Chinese ones are based on horizontality; this artistic compass tends also to expand the horizons of our existence by reminding us that it is possible to perceive the world in another way. Su-Mei Tse, a Sino-British artist, lives between Luxembourg and Berlin. She also plays the cello. She exhibits internationally and has received, among other prestigious awards, the Golden Lion at the Venice Biennale in 2003. Her work is often a delicate passage from language to image, from music to silence, from presence to absence, like a desire to suspend the obvious.
Su-Mei Tse Dong, Xi, Nan, Bei (East東, West西, South南, North北), 2006 Neon, Edition of 5, 60 x 60 cm
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Posthaus St. Moritz Su-Mei Tse
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St. Moritz Suvretta
Hotel Suvretta House Tchan FAu-li (Chen Fuli)
Walk of Art
Via Chasellas 1 · 7500 St. Moritz ganztägig geöffnet · open all day · open all day
Tchan Fau-li (Chen Fuli), 1916 geboren, ist ein Fotograf, der viele ethnisch reiche Fotos gemacht hat. Um die HongkongFotografie aus dem Kontext des westlichen Piktorialismus zu lösen, erklärte er, dass „Landschaftsfotografie die etablierte Tradition der chinesischen Malerei ehren solle“ und er plädierte für einen „verbindenden Stil von Fotografie und Malerei“. Er arbeitete sein ganzes Leben daran, die Ästhetik der chinesischen Malerei auf die Fotografie anzuwenden, mit der Vision, am Ende Hongkong-Fotografien zu schaffen, die von der gleichen Ästhetik geprägt sind. Tchan Fou-li gründete die chinesische „Photographic Association of Hong Kong“, eine Vereinigung von überwiegend chinesischen Fotografen. Seine Arbeiten sind durch einen starken Sinn für die chinesische Geschichte und Poesie gekennzeichnet, sowohl was die schwarz-weissen als auch was die farbigen Abzüge betrifft.. Fuli hat den einzigartigen „Tchan Style“ begründet.
Tchan Fau-li (Chen Fuli), born 1916, is a photographer who has created many ethnically rich photos. To detach Hong Kong photography from the context of western pictorialism, he posted that “landscape photography should honour the tradition established by Chinese painting“ and promote a “composite-style of photography and painting”. He has worked his entire life to apply the aesthetics of Chinese painting to photography with a vision of eventually creating Hong Kong photos imbued with those same aesthetics. Tchan Fou-li founded the Chinese Photographic Association of Hong Kong, an association comprised mostly of Chinese photographers. His work is mainly characterized by a strong sense of Chinese heritage and poetics in black and white as well as in color prints. Fuli has established the unique „Tchan Style“.
Chen Fuli
Tchan Fau-li (Chen Fuli), nato nel 1916, è un fotografo a cui si devono molti scatti fortemente etnici. Per liberare l’ambiente fotografico di Hong Kong dal contesto del pittoricismo occidentale, ha dichiarato che „la fotografia paesaggistica dovrebbe onorare l’affermata tradizione della pittura cinese“ e ha promosso „uno stile che combinava fotografia e pittura“. Ha dedicato tutta la sua vita a far sì che l’estetica della pittura cinese fosse introdotta nella fotografia, spinto dal sogno di imprimere quella stessa estetica alle immagini di Hong Kong. Tchan Fau-li ha fondato la „Chinese Photographic Association of Hong Kong“, composta principalmente da fotografi cinesi. Le sue opere sono caratterizzate da un forte senso per la storia e la poesia cinesi, come pure dall’utilizzo del bianco e nero nelle sue stampe a colori. A Fuli si deve il singolare „Tchan Style“.
St. Moritz
Via dal Bagn · 7500 St. Moritz · T +41 81 833 43 33 · www.engadiner-museum.ch täglich · daily · tutti i giorni · 10 - 12 h & 14 - 17 h
In Zusammenarbeit mit In collaboration with In collaborazione con Guy Pieters Gallery
Der breiten Öffentlichkeit ist der Künstler, Theatermacher und Autor Jan Fabre (*1958, Antwerpen) durch seine grossen Bronzen “Wie der Mann, der die Wolken misst” (1988) und “Auf der Suche nach Utopia” (2003) bekannt. In dieser Ausstellung sehen wir einen neuen Aspekt der Beziehung Fabres zu diesem Edelmetall. Sie zeigt eine Reihe von kleinen Bronzen, die er zwischen 2006 und 2012 hergestellt hat.
To the general public, the artist, theatre-maker and author Jan Fabre (Antwerp, 1958) is renowned for his large bronzes, such as “The man who measures the clouds” (1988) and “Searching for Utopia” (2003). In this exhibition we see a different aspect of Fabre’s relationship with this precious metal. It shows the series of small bronzes he made between 2006 and 2012.
Presso il grande pubblico l’artista, regista di teatro e autore Jan Fabre (*1958, Anversa) è conosciuto per i suoi grandi bronzi “L’uomo che misura le nuvole” (1988) e “Alla ricerca dell’Utopia” (2003). Nella presente esposizione conosciamo un nuovo aspetto del rapporto di Fabre con questo metallo nobile. In mostra, ecco una serie di piccoli bronzi creati tra il 2006 e il 2012.
In these new works Fabre explores the many facets of life and death: he plants a laurel between the wing-cases of a beetle, mounts a compass in a skull, and lets a crust of drawing pins grow over a self-portrait with truncated ram’s horns. Some of the works are completely new creations, while others refer to earlier elements in his oeuvre. The glow of the bronze gives them a sacral aura: they become sacred relics. Fabre’s bronzes are given a special treatment so they do not oxidise; in this way they retain a sublime golden shine. They thereby refer to the tradition of gilding in art.
Nei suoi nuovi lavori l’artista esplora l’eterogeneità della vita e della morte: pianta un alloro tra le elitre di un coleottero, costruisce una bussola dentro un teschio e lascia crescere un’incrostatura di puntine da disegno sopra il suo autoritratto con corna di montone. Alcune delle opere sono creazioni del tutto inedite, mentre altri elementi fanno riferimento alla produzione precedente. La lucentezza del bronzo dona loro un’aura sacrale: diventano così reliquie sacre. I bronzi di Fabre vengono sottoposti a un trattamento particolare, per evitarne l’ossidazione; in tal modo conservano un sublime splendore dorato. E richiamano senz’altro la tradizione della doratura nell’arte.
In diesen neuen Arbeiten erforscht Fabre die Vielgestaltigkeit von Leben und Tod: Er setzt einen Lorbeerzweig zwischen die Flügeldecken eines Käfers, baut einen Kompass in einen Schädel ein und lässt eine Kruste von Reissnägeln über seinem Selbstportrait mit Widderhörnern wachsen. Einige der Werke sind völlig neue Kreationen, während andere Elemente auf sein früheres Oeuvre verweisen. Das Leuchten der Bronze verleiht ihnen eine sakrale Aura: sie erscheinen dadurch wie heilige Reliquien. Fabres Bronzen erhalten eine besondere Behandlung, damit sie nicht oxidieren können; auf diese Weise behalten sie einen erhabenen goldenen Glanz. Sie verweisen dabei auf die Tradition der Vergoldung in der Kunst.
Jan Fabre Avant-grade, bronze, 2012, 8,3 x 96 x 34,4 cm photo: Pat Verbruggen, © Angelos bvba
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Walk of Art
Engadiner MUSeum Jan Fabre
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„Eglise Au Bois“ Robert Wilson
Walk of Art
Französische Kirche / French Church / Chiesa Francese · Plazza Paracelsus · 7500 St. Moritz täglich · daily · tutti i giorni · 10 - 18 h
KOOL - Snowy Owl Video Portrait „Ich denke, dass diese Arbeiten in vielfältiger Weise gesehen werden können. Sie können im Museumbereich oder in U-Bahn-Stationen gesehen werden. Sie können an Orten gesehen werden, wo die Leute Schlange stehen wie in Flughäfen. Sie könnten auf einer Armbanduhr sein. Sie können im Fernsehen sein. Sie können ein Bild in Ihrem Hause sein. Sie können an der Wand hängen. Sie könnten in einem Kamin sein – anstelle eines Feuers. An einer Wand zu Hause, können sie wie ein Fenster sein – ein Fenster, das uns eine andere Welt zeigt. Es ist etwas sehr Persönliches. Es ist ein Dokument unserer Zeit. Sie sind was ich Porträts nenne.“– Robert Wilson In der griechischen Mythologie wurde die Eule oft mit der Göttin Athene, der Vogel-Göttin, in Verbindung gebracht, die mit Weisheit, den Künsten und Fähigkeiten assoziiert wird. Aus diesem Grund werden Eulen für weise gehalten. Durch die Integration einer Vielzahl von kreativen Elementen wie Beleuchtung, Kostüm, Make-up, Choreografie, Gestik, Text, Sprache, Bühnenbild und Erzählung handeln Robert Wilsons Video-Porträts von einer vollständigen Synthese aller Medien. Das Medium der Serie ist HD-Video, die aber durch zeitbasierte Kameraarbeit, mit den gefrorenen Momenten der Fotografie, verwischt wird.
Robert Wilson Kool (Snowy Owl), 2006 High definition video
KOOL – Snowy Owl Video Portrait “I think these works can be seen in numerous ways. They can be seen in museum spaces. They can be seen at subway stops. They can be seen in places where people are queuing in airports. They could be on the face of a wristwatch. They could be on TV. They can be an image in your home. They can be hanging on a wall. They could be in a fireplace – the way we have a fire. On a wall at home, they can be like a window – a window that shows us another world. It’s something very personal. It’s a document of our time. They are what I call portraits.” – Robert Wilson In Greek mythology the owl was often associated with the goddess Athena, a bird goddess who became associated with wisdom, the arts, and skills, and as a result, owls became associated with wisdom. By incorporating a multitude of creative elements; lighting, costume, make-up, choreography, gesture, text, voice, set design and narrative – Robert Wilson’s Video Portraits act as a complete synthesis of all the media in the realm of his art-making. The medium for this series is HD video, but the form blurs timebased cinematography with the frozen moment of still photography.
KOOL - Snowy Owl Video Portrait „Penso che queste opere possano essere viste in situazioni diverse. Possono essere viste in un museo o nelle stazioni del metrò. Possono essere viste in luoghi dove la gente sta in fila, come agli aeroporti. Potrebbero trovarsi sul cinturino di un orologio. Possono comparire in tv. Possono essere un quadro nella vostra casa. Possono essere appese a una parete. Potrebbero stare in un caminetto, al posto del fuoco. E sulla parete di una casa possono sembrare una finestra; una finestra che ci mostra un altro mondo. È qualcosa di molto personale. È un documento del nostro tempo. Queste opere sono ciò che io chiamo Ritratti.“– Robert Wilson Nella mitologia greca la civetta era sacra ad Atena, la dea alata associata alla sapienza, alle arti e al talento. Ecco perché le civette sono spesso simbolo di saggezza. Attraverso l’integrazione di numerosi elementi creativi come illuminazione, costume, trucco, coreografia, gestualità, testo, lingua, scenografia e racconto, i Videoritratti di Robert Wilson trattano di una sintesi completa di tutti i mezzi espressivi. Il mezzo di supporto della serie è il video HD che, tuttavia, grazie a un lavoro basato sui tempi della telecamera viene sfumato dagli effetti congelati della fotografia.
„Eglise Au Bois“ Paul Thek
St. Moritz
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Paul Thek (1933–1988) war ein US-amerikanischer Zeichner, Maler, Bildhauer und Installationskünstler. Seine Talente als Zeichner und Handwerker befähigten ihn Arbeiten in allen erdenklichen Medien und Materialien herzustellen. Thek kann als bahnbrechender Multimedia-Künstler im wahrhaften Sinn bezeichnet werden. Er nutzte seine religiösen als auch seine kulturellen Erfahrungen aus New York City sowie auch die Erfahrungen seiner langen Aufenthalte in Europa für seine Arbeit. Sein Themenspektrum bewegt sich von Spiritualität über Philosophie bis hin zu Gesellschafts- und kunsthistorischer Kritik. Seine Kunst ist humorvoll, selbstkritisch und erhaben. »Kunst ist Liturgie; und wenn das Publikum auf den heiligen Charakter der Symbole reagiert, dann hoffe ich, dass ich mein Ziel erreicht habe, wenigstens in jenem Moment.« (Interview, Szeemann/Thek 1973). In der Französichen Kirche, im Kontext von Robert Wilsons Videoinstallation, wird seine Skulptur „Pink Cross with feathers“ (1969) präsentiert. Thek traf Wilson in New York City im selben Jahr, als Wilson eine neue Form der Oper „School with Birds“ entwickelte. Wilson und Thek haben künstlerisch kooperiert und sich gegenseitig ihr Leben lang beeinflusst. Somit ist diese von Robert Wilson kuratierte und auf den Ort der Kirche zugeschnittene Ausstellung eine ganz besondere, da sie zwei Künstler wiedervereint, die seit über 40 Jahren nicht mehr zusammengebracht wurden.
Paul Thek (1933 – 1988) was an American painter, sculptor and installation artist. His technical skills as a draftsman and craftsman enabled him to create works in every material imaginable. Thek can be considered a ground-breaking multi-media artist in the true sense. Thek always used his religious experience, American and more specifically New York City cultural experience as well as impressions from his travels and studies in Europe to inform his art. Thek‘s art ranges in a wide area of topics from spirituality, philosophy andsexuality to a critical look at social, class and art historical issues. His art is always humorous, self critical and sublime. „Art is Liturgy, and if the public responds to its sacred character, then I hope I have realized my aim, at least at that instance.“ (Thek interviewed by Harald Szemann 1973). At the French Church, in the context of the multi-channel-video-installation by Robert Wilson we will present Thek’s object „Pink Cross with feathers“ from 1969. Thek met Robert Wilson in New York City in the same year as Wilson was performing and directing a new kind of opera with his “School of Byrds”. Wilson and Thek collaborated on a number of performances at the time, both artists exerting a profound and lifelong influence on each other. The presentation at the French Church is very a special one, reuniting two artists whose works have not been shown together in over 40 years.
Paul Thek (1933–1988) è stato un disegnatore, pittore, scultore e autore di installazioni statunitense. Il suo talento come artigiano e disegnatore gli ha permesso di lavorare con tutti i mezzi espressivi e i materiali immaginabili. Thek potrebbe essere definito, nel senso più vero del termine, un pioniere dell’arte multimediale. Per la sua produzione ha utilizzato le proprie esperienze religiose, quelle culturali vissute a New York, ma anche le esperienze legate ai lunghi soggiorni in Europa. Le tematiche trattate variano dalla spiritualità alla filosofia fino alla critica sociale e della storia dell’arte. La sua arte è sublime, ricca di umorismo e autocritica. »L’arte è liturgia; e quando il pubblico reagisce di fronte al carattere sacro dei simboli, io spero di aver raggiunto il mio obiettivo, per lo meno in quell’istante.« (Intervista, Szeemann/Thek 1973). Nella chiesa francese, nel contesto della videoinstallazione di Robert Wilson, viene presentata la sua scultura „Pink Cross with feathers“ (1969). Thek incontrò Wilson a New York proprio negli anni in cui quest’ultimo stava sviluppando una nuova forma della sua opera „School with Birds“. Wilson e Thek hanno collaborato a livello artistico, influenzandosi l’un l’altro per tutta la vita. Pertanto questa combinazione, curata da Robert Wilson e adattata agli ambienti della chiesa, è davvero peculiare, in quanto riunisce i due artisti dopo oltre 40 anni.
Paul Thek Pink Cross with Feathers, 1969, collection of Tom Lenders Produced by Dissident Industries, Inc.
Walk of Art
Französische Kirche / French Church / Chiesa Francese · Plazza Paracelsus · 7500 St. Moritz täglich · daily · tutti i giorni · 10 - 18 h
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St. Moritz
KEMPINSKI GRAND HOTEL DES BAINS “Emotional Stories”
Walk of Art
Via Mezdi 27, 7500 St. Moritz ganztägig geöffnet · open all day · tutto il giorno · 10 - 18 h
In diesem Jahr wird die Fotografie-Ausstellung „China“ als Hauptthema behandeln. Durch viele Beiträge planen wir die Aufmerksamkeit auf Fotografie als narratives Medium zu lenken, welches in der Lage ist, bestimmte historische Momente oder Augenblicke im Alltag zu beschreiben. Intime Momente voll starker Inspiration oder stimmungsvolle Landschaftsaufnahmen werden eingefangen. Die Fotografen sind fähig in einem einzigen Bild magische Sequenzen von Emotionen wie in einer Filmhandlung zu reproduzieren. Aus einer Vielzahl von Perspektiven, zeigt die Ausstellung „Emotional Stories“, wie die Künstler die Herausforderung gelöst haben und bietet neue Möglichkeiten, um über zeitgenössische visuelle Praxis nachzudenken. Dem Publikum wird die Macht der Evokation der Fotografie näher gebracht. Die erzählende Kraft des Mediums schafft starke Momente der Meditation von bekannten und gelobten Meistern wie Liu Heung Shing, Patrick Demarchelier, Ehrs, Joel Meyerowitz, Ferdinando Scianna, Hans-Georg Esch, Mimmo Jodice ... Vorträge, Künstlergespräch und Projektionen von Filmen sind auch für die verschiedenen Bereiche des St Moritzer Walk of Art geplant.
Joel Meyerowitz Camel Coats, New York City, 1975
This year the Exhibition will integrate the photography component with the principal theme of “China”. Through many contributions we plan to pay attention to how photography is a narrative medium, capable to describe particular historical moments or moments in everyday life. Capturing intimate moments of strong inspiration or evocative landscape views, the photographers are able to reproduce in a single picture a magic sequences of emotions like in a movie storyline. From a variety of perspectives, the exhibition “Emotional Stories” shows how the artists have solved that challenge, offering new ways to think about what contemporary visual practice is and what it will become. The audience will become closer to the power of evocation of photography. The narrative force of the medium will create strong moments of meditation from Masters that are known and acclaimed to the large public like Liu Heung Shing, Patrick Demarchelier, Bruno Ehrs, Joel Meyerowitz, Ferdinando Scianna, Hans-Georg Esch, Mimmo Jodice... Lectures, artist talk and projections of films are also planned for various different spaces on the St Moritz Walk of Art circuit.
Quest‘anno la mostra si propone di integrare la componente dedicata alla fotografia con il tema principale della „Cina”. Attraverso numerosi contributi abbiamo voluto prestare attenzione a come la fotografia sia un potente mezzo narrativo, in grado di immortalare la storia così come di raccontare particolari della vita di tutti i giorni. Catturando momenti intimi di forte ispirazione o suggestivi scorci paesaggistici, i fotografi sono in grado di riprodurre in una singola immagine una magica sequenza di emozioni come in una trama cinematografica. Da una varietà di punti di vista, „Emotional Stories“ mostra come gli artisti hanno risolto questa sfida offrendo nuovi modi di pensare a ciò che la pratica visiva contemporanea è e cosa diventerà. Il pubblico si avvicinerà al potere evocativo della fotografia. La forza narrativa del mezzo stimolerà la contemplazione delle opere di Maestri noti e acclamati dal grande pubblico quali Liu Heung Shing, Patrick Demarchelier, Bruno Ehrs, Joel Meyerowitz, Ferdinando Scianna, Hans-Georg Esch, Mimmo Jodice... Conferenze, Artist Talk e proiezioni di film sono programmate nei vari spazi del circuito della St Moritz Art Walk.
Kempinski gRAnd Hotel des Bains Liu Heung Shing
St. Moritz
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2013 ist China eine Wirtschaftsmacht, die weltweit den grössten kommerziellen Markt hat, Verbraucher natürlicher Ressourcen ist und Appetit auf das Beste von allem hat. Vor dreissig Jahren waren alle Menschen gleich arm, heute hat China mehr als eine Million Millionäre und die Kluft zwischen arm und reich ist so gross wie in den USA. Der Anbruch der Wirtschaftsreformen im Jahr 1978 hat nur langsam Einzug in die 80er gehalten. In den Fotografien des Pulitzerpreis-gekrönten Fotografen Liu Heung Shing sehen wir, wie weit sich China seit damals verändert hat. Als Liu seine ersten Bilder im Jahr 1983 unter dem Titel „China nach Mao“ veröffentlichte, fing er das alltägliche Leben der Volksrepublik China ein. Heute stehen wir einem ganz anderen China gegenüber. Lius Fotografien verfolgen die aussergewöhnliche Reise, die China von Mao bis heute zurückgelegt hat. Öffnung und Reformen bewegen die Gesellschaft vom Kollektivismus zu Individualismus und erzeugen neue Talente, die nun die soziale und kulturelle Vielfalt Chinas sind. Lius Fotografien zeigen die Eckpfeiler der Welt, auf denen die vorliegenden gelegt wurden; auf denen Chinas Traum jetzt gebaut wird.
China 2013 is an economic powerhouse: the world’s largest commercial market, consumer of natural resources and appetite for the best of everything. Thirty years ago, all people were equally poor; today China has over a million millionaires and a richpoor gap as wide as the USA. The dawning of economic reform in 1978 made slow inroads through the 1980s, yet, in the photographs of Pullitzer-prize winning photographer Liu Heung Shing, we see just how far China has come since then. When Liu created his first body of images of China – published in 1983 as China After Mao – the scenes of daily life he captured were familiar throughout the PRC. Today, we face a very different “China”. Liu’s photographs track the extraordinary journey that China has travelled from Mao to now, as opening and reform moves society from collectivism towards individualism, and produces new talents who now contribute to the social and cultural diversity that is China today. Liu’s photographs show the world upon which the cornerstones of the present were laid; upon which the Chinese Dream is now being built.
Liu Heung Shing Two Chinese women yuppies driving a convertible in Shanghai, 2010
Nell’attuale 2013 la Cina è una potenza economica che detiene il massimo mercato commerciale del mondo, ha un enorme consumo di risorse naturali e aspira al meglio in ogni settore. Trent’anni fa tutti erano ugualmente poveri; oggi la Cina annovera oltre un milione di milionari e il divario fra poveri e ricchi è grande quanto quello degli USA. L’avvento delle riforme economiche nel 1978 ha sortito i propri effetti solo lentamente, negli anni ’80. Nelle fotografie del premio Pulitzer Liu Heung Shing possiamo vedere quanto è cambiata la Cina da allora. Quando nel 1983 Liu pubblicò le sue prime immagini con il titolo „La Cina dopo Mao“, catturava la vita quotidiana nella Repubblica popolare cinese. Oggi ci troviamo davanti a una Cina assai diversa. Le fotografie di Liu testimoniano lo straordinario viaggio che il suo Paese ha compiuto da Mao a oggi; tra apertura e riforma, la società si è spostata dal collettivismo all’individualismo e ha prodotto nuovi talenti, che ora costituiscono la varietà sociale e culturale della Cina. Le foto mostrano le basi di un mondo su cui sono stati gettati i pilastri del presente: quelli sui quali ora si costruisce il sogno cinese.
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Via Mezdi 27 · 7500 St. Moritz ganztägig geöffnet · open all day · tutto il giorno
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Chesa Colani “L’arte al cinema“
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Chesa Colani, 7523 Madulain · casacolani@gmail.com ganztägig geöffnet · open all day · tutto il giorno · 10 - 13, 14 - 18 h
Chesa Colani präsentiert das Kino-Programm: „L‘arte al cinema“, kuratiert von Adolfo Conti und Letizia Cariello. Das KinoProgramm befasst sich mit der Frage: Wie wird Kunst in Dokumentarfilmen präsentiert? Kann man die Kunst besser durch Filmemacher verstehen oder wäre eine neutrale Darstellung effektiver? Reflexionen über diese und andere Themen begleiten drei der bedeutendsten Kunst-Dokumentarfilme: der aussergewöhnliche Film “LËN” von Elia Romanelli, Sieger beim Asolo Art Film Festival; „Herculaneum Diari del Buio e della Luce“ von Marcellino De Baggis, Italien; „Opalka, ein Leben, ein Werk“ von Andrzej Sapija, Polen. Diego & Bernardo Inc.; Chesa Colani; Galleria Massimo Minini und SKIRA Ed, präsentieren das Buch und Video „Im Fluss“ von Cariello. Das Buch dokumentiert die Performance im Fluss Flaz während St. Moritz Art Masters 2012.
Chesa Colani presents the cinema program “L’arte al cinema“ which is curated by Adolfo Conti and Letizia Cariello. The cinema program deals with the question: how is art presented in documentaries? Is it better to approach art through filmmakers or would a neutral presentation be more effective? Reflections on this and other subjects will accompany three of the most meaningful documentaries about art: the extra-ordinary “LËN” by Elia Romanelli, winner at Asolo Art Film Festival, Herculaneum; “Diari del Buio e della Luce” by Marcellino De Baggis, Italia; “Opalka”, one life, one oeuvre by Andrzej Sapija, Polonia. Diego & Bernardo Inc., Chesa Colani, Galleria Massimo Minini and Skirà Ed, present the book and video “Im Fluss” by Cariello. The book documents the performance in the river Flaz during St. Moritz Art Masters 2012.
Letizia Cariello Steingarten, 2012 site-specific permanent installation, Chesa Colani roof/terrace www.letiziacariello.com
Chesa Colani presenta: “L’arte al cinema“, a cura di Adolfo Conti e Letizia Cariello. Il programma si confronta con alcune questioni: Come viene presentata l‘arte nei documentari? È più corretto un approccio da cineasta o non sarebbe più efficace un punto di vista neutro? Alcune riflessioni su questo e altri argomenti accompagneranno tre dei più significativi documentari sull‘arte: lo straordinario “LËN” di Elia Romanelli, vincitore dell‘Asolo Art Film Festival; „Herculaneum. Diari del Buio e della Luce” di Marcellino De Baggis, Italia; “Opalka, one life, one oeuvre„ di Andrzej Sapija, Polonia. Diego & Bernardo Inc., Chesa Colani, Galleria Massimo Minini e Skirà editore. presentano il libro e il video “Im Fluss” di Letizia Cariello, dopo la performance nel fiume Flaz durante i St. Moritz Art Masters 2012.
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Plazzet · 7524 Zuoz täglich · daily · tutti i giorni · 10 - 13 h, 14 - 18 h
Unterstützt von Supported by Sostenuto da Organhaus Art Space
Der Kern der China-Ausstellung während des SAM 2013 legt den Fokus auf die Provinz Sichuan, insbesondere den Stadtstaat Chongqing. Präsentiert von Artalliance und Yang Shu, Kurator und Dozent am Sichuan Fine Arts Institute, werden jüngere Künstler dem europäischen Publikum vorgestellt. Einige von ihnen sind bereits prominent bei Sammlern, andere sind überhaupt nicht bekannt. Die Künstlergruppe gibt eine einzigartige Perspektive durch eine de-zentralisierte Sicht weit weg von den politischen und wirtschaftlichen Zentren Chinas. Die Ausstellung wird von „Organhaus Art Space“, einer unabhängigen Künstlerorganisation in Chongqing, unterstützt. Diese wird eine Einführung in die Kunstszene von Sichuan gestalten. Yang Mian, ein prominenter Künstler aus Chengdu, führt die Gruppe von jüngeren Künstlern wie Wang Haichuan (Fotografie) und Li Yi Fan (Video) an.
Il nucleo dell’esposizione dedicata alla Cina, durante SAM 2013, si focalizza sulla provincia di Sichuan, in particolare sulla città-stato di Chongqing. Presentati da Artalliance e da Yang Shu, curatore e docente al Sichuan Fine Arts Institute, i giovani artisti vengono proposti al pubblico europeo. Alcuni di loro sono già celebri presso i collezionisti, altri sono del tutto sconosciuti. Il gruppo di artisti offre una prospettiva unica, de-centralizzata del Paese, lontano dai centri politici ed economici della Cina. L’esposizione è sostenuta da „Organhaus Art Space“, un’organizzazione artistica indipendente di Chongqing, che si occuperà di introdurla sulla scena delle Belle Arti di Sichuan. Yang Mian, un famoso artista di Chengdu, guida il gruppo composto da colleghi più giovani come Wang Haichuan (fotografia) e Li Yi Fan (video).
The core of the China exhibition during the SAM 2013 puts its focus on the Province of Sichuan, in particular the City-state of Chongqing. Presented by Artalliance and Yang Shu, curator and lecturer at the Sichuan Fine Arts Institute, younger artists are introduced to the European audience. Some of them are already sought-after by collectors, others not known at all. A group of artists will thus feature a unique perspective, characterized by a de-centralized point of view far from the political and commercial centres of China. The exhibition is supported by “Organhaus Art Space”, an independent art organisation based in Chongqing, who will give an introduction to the present art scene in Sichuan. Yang Mian, a prominent artist from Chengdu, is leading a group of young artists like Wang Haichuan (photography) and Li Yi Fan (video).
Yang Mian CMYK series, South Song Dynasty, Butterly on Camellia 120 x 120 cm, Acrylic on canvas, 2013
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chesa Planta zuoz A COLLECTIVE FROM SICHUAN
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Zuoz Hubert Kiecol In Zusammenarbeit mit In collaboration with In collaborazione con Häusler Contemporary
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täglich · daily · tutti i giorni
Klarheit und Selbstverständlichkeit zeichnen die Arbeiten von Hubert Kiecol aus. Dies erreicht der Künstler durch die Reduktion und die daraus entstehende Verdichtung einfacher Formen. Seit den achtziger Jahren hat er ein skulpturales Vokabular entwickelt, das trotz seiner Strenge eine eindrucksvolle Vielfalt aufweist. Die Motive sind Treppen, Stelen, Häuser, Fenster etc. Sein bevorzugtes Material wurde Beton, das künstliche Gestein der Moderne, den er durch die Formen und seine sorgfältigen Massstabsentscheidungen aus dem Alltag befreite. Durch seine Strategien gewinnen diese Werke eine lakonische Monumentalität, die jedoch nicht überwältigt, sondern ein poetisches Element enthält. Durch die Anordnung der drei Treppen wird die quadratische Grundform der Skulptur „Reise nach…“ nicht geschlossen und eine weiterlaufende Bewegung beginnt.
Hubert Kiecol „Reise nach...“ 2012 Weissbeton · 170 x 405 x 285 cm
Clarity and self-evidence characterize Hubert Kiecol’s works. The artist achieves this reduction through the compaction of simple forms. Since the eighties he has developed a sculptural vocabulary which shows an impressive variety despite its strictness. His subjects are stairs, steles, houses, windows etc. Concrete has become his favourite material, the artificial stone of modern age, which he releases through his forms and his careful scale decisions from everyday life. Through his strategy his works gain a laconic monumentality, however, they are never overwhelming but contain a poetic element. Through the arrangement of the three stairs the square basic shape of the sculpture „Journey to…“ remains open and a dynamic process is set in motion.
I lavori di Hubert Kiecol risaltano per limpidezza e naturalezza. L’artista le ottiene con la riduzione e la conseguente condensazione di forme elementari. Fin dagli anni Ottanta Kiecol ha elaborato un lessico scultoreo che, nonostante il rigore, presenta una impressionante varietà. I soggetti sono scale, steli, case, finestre ecc. Il suo materiale prediletto è diventato il cemento, la pietra artificiale della modernità, che egli ha liberato dalla quotidianità per mezzo delle forme e degli accurati parametri in scala. Attraverso tali strategie, le sue opere acquistano una laconica monumentalità che tuttavia non incombe, ma contiene piuttosto un elemento poetico. Grazie alla giustapposizione di tre scale, l’originaria forma quadrata della scultura „Viaggio a…“ non viene chiusa dando vita così a un movimento che continua.
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Lo scultore ceco David Cerný è nato nel 1967 a Praga. Le sue opere d’arte critiche, caratterizzate da un umorismo nero, hanno attirato molto interesse e suscitato reazioni contrastanti. Il suo lavoro „Entropa“ è stato oggetto di una vera controversia, poiché rappresentava diversi Stati dell’UE secondo gli stereotipi più logori. Per di più la scultura era opera sua e di due amici, anziché la collaborazione tra artisti di tutti gli Stati membri. Per le Olimpiadi 2012 Cerný ha creato il „London Booster“, un bus a due piani con braccia meccaniche a mo’ di pushup. Nel corso dei St. Moritz Art Masters l’artista espone la sua monumentale scultura „In Utero“, risalente al 2000 e in acciaio inossidabile. Una donna incinta nuda se ne sta inginocchiata: lo spettatore può infilarsi nella gigantesca scultura e guardare un video al suo interno. ^
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The Czech sculptor David Cerný was born in 1967 in Prague. His critical artworks with a sense of black humor gained a lot of attention and were controversially discussed. His oeuvre “Entropa” attracted controversy for its stereotyped depictions of the various EU member states and turned out to have been created by Cerný and two friends rather than being a collaboration between artists from each of the member states. For 2012 Summer Olympics Cerný created „London Booster“ – a double-decker bus with mechanical arms for doing push-ups. During St. Moritz Art Masters Cerný will show his monumental sculpture “In Utero” from the year 2000, made of stainless steel. The naked expectant women is kneeling on her legs. The observer can crawl into the larger-than-life sculpture and watch a video projection inside.
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Der tschechische Bildhauer David Cerný wurde 1967 in Prag geboren. Seine kritischen Kunstwerke mit Sinn für schwarzen Humor haben viel Aufmerksamkeit auf sich gezogen und wurden kontrovers diskutiert. Sein Werk „Entropa“ sorgte für eine Kontroverse, da er verschiedene EU-Mitgliedsstaaten in Stereotypen darstellte. Zudem stammte die Arbeit von ihm und zwei Freunden, anstelle von Künstlern aus allen Mitgliedsstaaten. Für die Olympischen Sommerspiele 2012 erschuf Cerný „London Booster“ – einen Doppeldeckerbus mit mechanischen Armen für Push-Ups. Während St. Moritz Art Masters zeigt Cerný seine monumentale Skulptur „In Utero“ aus dem Jahr 2000, welche aus Edelstahl gefertigt wurde. Die nackte schwangere Frau kniet auf ihren Beinen. Der Betrachter kann in die überlebensgrosse Skulptur kriechen und eine Video-Projektion im Inneren ansehen.
David Černý In Utero, 2000 stainless steel
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täglich · daily · tutti i giorni
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Galerie MoniCa de Cardenas claudia losi
Walk of Art
Chesa Albertini · Via Maistra 41 · 7524 Zuoz · T +41 81 868 8080 · www.monicadecardenas.com Dienstag - Samstag · Tuesday - Saturday · Martedì - Sabato · 15 - 19 h
Die künstlerische Arbeit von Claudia Losi befasst sich mit der Beziehung des Menschen zur Natur. Das Er-Wandern und die direkte Erfahrung sind zentrale Aspekte dieser Forschung. Die Interessen der Künstlerin umfassen verschiedene Disziplinen, wie Naturwissenschaften, Geographie und Kartographie, Literatur und Dichtung. Durch den Einsatz von Stickereien und anderen Techniken stellt sie die Transformation und die Rhythmen von Flechten, Gletschern und geologischen Karten dar, in dem Versuch, eine ideale Verbindung zwischen Mensch und Natur zu erreichen. Oft wiederkehrend ist die Idee des Fadens und der Stickerei als Metapher der Beziehung. In Zuoz zeigt sie eine Gruppe von neuen Beton-Skulpturen, die reale und imaginäre Symbiosen darstellen.
The artistic research of Claudia Losi addresses the direct experience of nature, travel and exploration as opportunities to gain knowledge. Walking is a central aspect of this process, combined with the artist’s interests that range through many different disciplines, from the natural sciences to geography and cartography, literature and poetry. Through the use of embroidery and other techniques, the artist reproduces the rhythms of transformation of lichen, glaciers and geological maps, in an attempt to “sew” an ideal link between nature and human beings. A recurring feature of her work is the idea of the thread, of embroidery as a metaphor of relation; since 1998 Losi has also undertaken a series of collective projects connected with these practices. In the exhibition in Zuoz, among other works, she exhibits a new series of sculptures in cement, representing different types of symbiosis: natural, real and imagined ones.
La ricerca artistica di Claudia Losi è dedicata alla relazione tra l’essere umano e la natura, al viaggio e all’esplorazione in quanto occasioni di conoscenza. Camminare e fare esperienza dei luoghi sono aspetti centrali di questa ricerca, gli interessi dell’artista abbracciano discipline diverse, come le scienze naturali, la geografia e la cartografia, la letteratura e la poesia. Tramite il ricorso al ricamo e ad altre tecniche, l’artista ricalca nel suo lavoro i ritmi di trasformazioni di licheni, ghiacciai, mappe geologiche, nel tentativo di “cucire” un legame ideale tra natura e umano. Ricorrente è l’idea del filo e del ricamo come metafore della relazione: a partire dal 1998 Losi intraprende anche una serie di progetti collettivi legati all’innesco di queste pratiche. A Zuoz mostra una serie di nuove sculture in cemento, che rappresentano situazioni o relazioni di simbiosi sia reali che immaginarie.
Claudia Losi Marmagne, 1999 Black and white photograph heat-pressed on canvas, embroidery, felt 190 x 130 cm Courtesy Galleria Monica De Cardenas, Milano/Zuoz
Hotel Castell Nicolas Party
Zuoz
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Kontrastreich gelingt es im Castell, immer wieder neue überraschende Akzente zu setzen und die historischen Räume auf gelungene Art mit neuen Architektur- und Designelementen zu verbinden. Ein Teil der komfortablen Zimmer trägt die farbenfrohe urbane Handschrift des international renommierten UN Studio Amsterdam, der andere Teil wurde von Hans-Jörg Ruch in klarer Formensprache mit lokalem Arvenholz gestaltet. Die vielbeachtete Sammlung des Hoteleigentümers Ruedi Bechtler mit Werken zeitgenössischer Künstler verleiht dem Hotel einen unverwechselbaren Charme. Durch die persönliche Beziehung zu Künstlern entstanden Installationen und Räumlichkeiten wie die legendäre „Rote Bar“ der Multimediakünstlerin Pipilotti Rist und der Architektin Gabrielle Hächler sowie jüngst zum 100-jährigen Jubiläum der kleine Speisesaal „Belvair“ des jungen Künstlers Nicolas Party.
Nicolas Party Installation view Hotel Castell
The Castell is a world of contrasts. Never at a loss for new and surprising ideas, it successfully blends historic rooms with the latest architectural and design elements. Some of the comfortable rooms bear the colourful and cosmopolitan hallmark of Amsterdam-based UNStudio, which is worldfamous. Others are the work of Swiss architect Hans-Jörg Ruch, whose clear language of form finds expression in wood from the local stone pine forests. The Hotel owes its distinctive charm to the much-admired collection of contemporary art works belonging to its owner. Ruedi Bechtler knows the artists personally and has commissioned installations and interiors such as the legendary Red Bar, by multimedia artist Pipilotti Rist and architect Gabrielle Hächler. The most recent edition, marking the centenary, is the small Belvair dining room by the young artist Nicolas Party.
Nell’universo ricco di contrasti dell’hotel Castell non mancano idee sorprendenti per rinnovare i suoi storici ambienti con un riuscito mix di inediti elementi architettonici e di design. Una parte delle confortevoli stanze porta la variopinta firma urbana del cosmopolita UN Studio di Amsterdam, l’altra parte è stata allestita da Hans-Jörg Ruch con un linguaggio formale lineare e il locale legno di cembro. L’ammirevole collezione del proprietario dell’hotel, Ruedi Bechtler, vanta opere d’arte contemporanea che conferiscono all’albergo il suo inconfondibile fascino. Il rapporto personale con gli artisti ha visto nascere installazioni e spazi come il mitico „Bar rosso“ dell’artista multimediale Pipilotti Rist e dell‘architetto Gabrielle Hächler, o la recentissima saletta da pranzo „Belvair“ del giovane artista Nicolas Party per il centenario del Castell.
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Via Castell · 7524 Zuoz täglich · daily · tutti i giorni
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ViLLA Flor BELLANTE Enzo Cucchi + Ten Italian Poets
Walk of Art
Somvih 19 · 7525 S-chanf · T +41 81 851 22 30 · www.villaflor.ch täglich · daily · tutti i giorni · 16 - 19 Uhr oder nach Vereinbarung · or upon request · e su accordi
BELLANTE ist das neuste Buch der Éditions Moon Rainbow. Es beinhaltet Gedichte von zehn italienischen Dichtern und Zeichnungen, die ENZO CUCCHI zu diesen Gedichten für dieses Buch geschaffen hat. Auflage: 500 nummerierte Exemplare Vorzugsausgabe: 50 nummerierte Exemplare signiert von Enzo Cucchi Buchgestaltung: Wilfried Dickhoff Die Ausstellung in der VILLA FLOR zeigt Enzo Cucchis BELLANTE Zeichnungen, das Buch und darauf bezogene Arbeiten. Éditions Moon Rainbow, gegründet in Berlin 2012 von den Verlegern und Autoren Maryam Sachs und Wilfried Dickhoff, ist ein Verlag, der sich unvorhergesehenen Begegnungen zwischen Lyrik und visueller Kunst in Form von limitierten Bucheditionen widmet.
BELLANTE is the most recent book by Éditions Moon Rainbow, including poems by ten Italian poets and drawings created for this book by ENZO CUCCHI. The book is published in a limited edition of 500 numbered copies and a special edition of 50 copies signed by Enzo Cucchi. Designed by Wilfried Dickhoff. The exhibition at VILLA FLOR presents Enzo Cucchi’s original BELLANTE drawings, the book and related works. Éditions Moon Rainbow, founded in 2012 by the publishers and writers Maryam Sachs and Wilfried Dickhoff, is a publishing house based in Berlin focusing on limited edition books, presenting distinct encounters between poetry and visual arts.
BELLANTE è l‘ultimo libro pubblicato da Éditions Moon Rainbow, dedicato alle poesie di dieci autori italiani e illustrato da ENZO CUCCHI. Stesura: 500 esemplari numerati Edizione speciale: 50 esemplari numerati firmati da Enzo Cucchi Layout: Wilfried Dickhoff BELLANTE è in mostra alla VILLA FLOR che presenta i disegni di Enzo Cucchi, il libro e i lavori correlati. La casa editrice Éditions Moon Rainbow, fondata a Berlino nel 2012 dagli editori e autori Maryam Sachs e Wilfried Dickhoff, pubblica libri in edizione limitata - ispirati da inattesi incontri tra la lirica e le arti visive.
Enzo Cucchi Untitled, 2013, Bleistift auf Papier, Aus dem Zyklus BELLANTE, Éditions Moon Rainbow 2013
GALERIE VON BARTHA CHESA imi knOEbel
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Imi Knoebel (*1940 in Dessau, Deutschland) studierte von 1962-64 an der Werkkunstschule (Schule für Angewandte Kunst) in Darmstadt. 1964 zog es ihn an die Kunstakademie Düsseldorf, fasziniert vom Lehrstil und der Persönlichkeit von Joseph Beuys. Knoebel distanzierte sich jedoch von den anderen Studenten und BeuysSchülern. Er entwickelte seinen eigenen, minimalistischen Stil, beeinflusst durch den grossen Vorgänger Casimir Malewitsch. Nach puristischen Strichzeichnungen, Lichtprojektionen und weissen Gemälden (19721975) wandte sich Knoebel im Jahr 1974 zum ersten Mal der Farbe zu. Knoebel lebt und arbeitet in Düsseldorf.
Nummer 16C-22C, 2012 Acryl / Aluminium 7-teilig 49,1 x 319 x 1 cm
Imi Knoebel (*1940 in Dessau, Germany) studied from 1962-64 at the Werkkunstschule (School for Applied Arts) in Darmstadt and in 1964, fascinated by the teaching style and personality of Joseph Beuys, he moved to the Kunstakademie (Art Academy) in Düsseldorf. Knoebel, however, distanced himself from the other Beuys students and developed his own, minimalist style, influenced by its great forerunner Casimir Malevich. After puristic line drawings, light projections and white paintings (1972-75) Knoebel turned to colour for the first time in 1974. Knoebel lives and works in Düsseldorf.
Imi Knoebel (*1940 a Dessau, Germania) dal 1962 al ’64 frequentò la Werkkunstschule (Scuola di Arti Applicate) di Darmstadt. Nel 1964, affascinato dai metodi d’insegnamento di Joseph Beuys, si trasferì all’Accademia di Belle Arti di Düsseldorf. Tuttavia Knoebel si distanziò dagli altri studenti e dagli allievi di Beuys, sviluppando il suo personale stile mimimalista influenzato dal grande precursore Casimir Malevich. Dopo il periodo dei disegni al tratto puristi, delle proiezioni luminose e dei dipinti bianchi (1972-1975), nel 1974 Knoebel tornò per la prima volta al colore. L’artista vive e lavora a Düsseldorf.
Walk of Art
Chesa Perini · Via Maistra · 7525 S-chanf · T +41 79 320 76 84 · www.vonbartha.com bis 15. September 2013 Nach Vereinbarung · by appointment · su appuntamento: T +41 79 320 76 84
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Galerie Peter Vann peter Vann
Walk of Art
Somvih 24 · 7525 S-chanf · Tel +41 81 850 16 22 · www.galeriepetervann.com täglich · daily · tutti i giorni · 14 - 18 h
Bestiarium Der Fotograf Peter Vann führt das, was man ein Vollzeitleben nennen könnte. Leben und arbeiten sind bei ihm eins und das auch im räumlichen Sinne: Seine Galerie in S-chanf dient gleichzeitig als sein Wohnhaus. Das Gebäude steht unter Denkmalschutz und seine ältesten Teile stammen aus dem 14 Jahrhundert. Bevor Vann die Restaurierung des Kleinods in die Hand nahm, diente ein Teil der Räume als Stall für die Nutztiere der Bewohner. Jetzt hat Peter Vann diese Tiere wieder zum Leben erweckt, hat Bauern und Tierhalter in der Umgebung besucht, seine Leinwand aufgestellt und die oft uralten Rassen portraitiert. Die Bilder von Schaf und Schwein, Gockel und Rind stehen sichtbar in der Tradition der mittelalterlichen Bestiarien, die sich dichterisch oder illustrativ mit der Tierwelt auseinandersetzten. Vanns Bestiarium lässt das Bäuerliche und Archaische seiner Heimat aufleben und rührt uns an, weil die jahrtausende alte Symbiose von Mensch und Nutztier weiterhin tief in unserer Seele schlummert. Die Serie wurde für die Leica-Galerie in Salzburg angefertigt und ist jetzt dahin zurückgekehrt, wo alles anfing.
Bestiarium One often speaks of somebody leading a “full life”, and there can be few people who qualify for this definition more than photographer Peter Vann. For him, life and work would seem to be synonyms – and this also applies to where he lives: house and gallery in S-chanf are in the same protected historic building, the oldest sections of which date from the 14th century. Before Vann tackled the restoration of this architectural gem, part of the interior had been used as stables for livestock. It is these animals that Peter Vann has now figuratively awakened to new life, by talking to farmers and livestock owners, setting up his easel and portraying breeds that often have a history going back many centuries. These pictures of sheep and pigs, cockerels and cattle are a clear continuation of a medieval tradition: the “bestiary”, with its descriptions and illustrations of the animal kingdom. Vann’s Bestiary revives the archaic peasant tradition of the region in which he lives, and we find it moving because of the symbiosis of man and domestic animal that has slumbered deep in our subconscious soul for thousands of years. This series of works was produced for the Leica Gallery in Salzburg and has now returned to where it originated.
Bestiarium Il fotografo Peter Vann conduce quella che si potrebbe definire una vita a tempo pieno. Vita e lavoro per lui sono una cosa sola, anche a livello di spazi: la sua galleria a S-chanf è al contempo la sua abitazione. L’edificio è stato posto sotto tutela e le parti più antiche risalgono al XIV secolo. Prima che Vann intraprendesse il restauro di questo gioiello, una parte degli spazi serviva da stalla per gli animali del precedente inquilino. Oggi Peter Vann ha riportato alla loro dignità quegli animali, ha fatto visita a contadini e allevatori dei dintorni, ha montato il suo schermo e ritratto razze spesso antichissime. Le immagini di pecore e maiali, galli e buoi si rifanno visibilmente alla tradizione dei bestiari medievali, che si confrontano in modo poetico o illustrativo con il mondo animale. Il Bestiario di Vann fa rivivere lo spirito contadino e arcaico della sua patria e ci colpisce, perché la millenaria simbiosi tra l’uomo e l’animale domestico è ancora sopita nel profondo della nostra anima. La serie è stata fotografata per la Galleria Leica di Salisburgo e ora è ritornata lì dove tutto è iniziato.
Peter Vann Anna 2012
fundaziun Not Vital 中 (Middle)
ARDEZ
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Die Ausstellung zeigt einen Überblick von zeitgenössischen chinesischen Künstlern, die mit den Medien Performance, Video, Fotografie und Skulptur arbeiten. Es sind Künstler, die Not Vital seit der Eröffnung seines Ateliers im Stadtteil Caochangdi in Peking getroffen hat und die er bewundert. Zu den Künstlern gehören He Yunchang (何云昌), Hu Qingyan (胡庆雁), Hang Ran (黄然), Deng Tai (邓泰), Made In, Liu Dongxu (刘冬旭) und Ai Weiwei (艾未未).
The work in this exhibition will consist of a showcase of contemporary Chinese artists who use performance, video, photography and sculpture in their practice. They are artists whom Not Vital has met and admired since opening his studio in the Caochangdi district of Beijing. The artists include He Yunchang (何云昌), Hu Qingyan (胡庆雁), Hang Ran (黄然), Deng Tai (邓泰), Made In, Liu Dongxu (刘冬旭) and Ai Weiwei (艾未未).
L’esposizione mostra una panoramica di artisti cinesi contemporanei che utilizzano come mezzi d’espressione la performance, il video, la fotografia e la scultura. Si tratta di artisti scelti da Not Vital, che li ammira fin dall’apertura del suo atelier nel quartiere Caochangdi di Pechino. Tra gli artisti ricordiamo Er Yunchang (何云昌), Hu Qingyan (胡庆雁), Hang Ran (黄然), Deng Tai (邓泰), Made In, Liu Dongxu (刘冬旭) e Ai Weiwei (艾未未).
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Walk of Art
7546 Ardez · T +41 81 860 08 37 · www.notvital.com Dienstag - Samstag · Tuesday - Saturday · Martedì - Sabato · 15 - 18.30 h
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scuol · Unterengadin
fundaziun NAIRS Zentrum für Gegenwartskunst NAIRS, Scuol/Nairs/Unterengadin NAIRS Contemporary Art Center, Scuol/Nairs/Lower Engiadine Centro d‘arte contemporanea NAIRS, Scuol/Nairs/Engadina Bassa
Walk of Art
15. Juni - 01. September 2013 Donnerstag - Sonntag · Thursday - Sunday · Giovedì - Domenica · 15 - 18 h · und nach Vereinbarung · and upon request · e su accordi www.nairs.ch · info@nairs.ch · Tel 081 864 98 02
UNINHABITABLE OBJECTS – Zweckfreie Architektur und Nutzen der Kunst Die Ausstellung handelt von den Gemeinsamkeiten von Kunst und Architektur und deren inneren Verwandtschaften. Dabei geht es ebenso um Aussensichten von Künstlern auf Aspekte der Architektur wie auch um künstlerische Praktiken in der Architektur. KünstlerInnen: Peter Brunner–Brugg, HansRudolf Fricker, Ralph Hauswirth, Jürg Hugentobler, Markus Müller, Marjetica Potrč, Vaclav Pozarek, Tina Z’Rotz/Markus Schwander, Christian Schwager, Not Vital, Hans Peter Wörndl. Kurator: Christof Rösch | Wissenschaftliche Begleitung: Dr. Katharina Ammann Führung/Finissage Sonntag 1.9.2013 · 16 Uhr Kunstpädagogischer Workshop für Kinder 26./27.8.2013 auf Anmeldung
Tina Z‘Rotz / Markus Schwander, 44°, 2008
UNINHABITABLE OBJECTS – Purposeless Architecture and the Benefit of Art The exhibition addresses the common ground of art and architecture and their inner affinities. The focus is just as much on the outside viewpoint of artists on architecture as it is on artistic practices in architecture. Participating artists: Peter Brunner–Brugg, Hans-Rudolf Fricker, Ralph Hauswirth, Jürg Hugentobler, Markus Müller, Marjetica Potrč, Vaclav Pozarek, Tina Z’Rotz/Markus Schwander, Christian Schwager, Not Vital, Hans Peter Wörndl. Curator: Christof Rösch | Academic consultant: Dr. Katharina Ammann, Chur/Zürich Guided tour/Finissage Sunday 1 September 2013, 4pm Educational Workshop for children 26 and 27 August 2013 upon registration
UNINHABITABLE OBJECTS – Architettura libera da scopi e utilizzo dell‘arte La mostra si occupa della comunanza di arte e architettura e delle loro intime affinità. S’incentra, cioè, su come gli artisti interpretano dall’esterno aspetti dell‘architettura, ma anche sulle pratiche artistiche nell‘architettura. Artisti: Peter Brunner–Brugg, Hans-Rudolf Fricker, Ralph Hauswirth, Jürg Hugentobler, Markus Müller, Marjetica Potrč, Vaclav Pozarek, Tina Z’Rotz/Markus Schwander, Christian Schwager, Not Vital, Hans Peter Wörndl. Curatore: Christof Rösch | Supporto scientifico: Dott.sa Katharina Ammann Visite guidate/Finissage domenica 1.9.2013 alle ore 16 Atelier artistico-pedagogico per bambini 26/27.8.2013 su prenotazione
Arte Hotel Bregaglia Video Arte Palazzo Castelmur
bergell
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Das Kunstereignis ARTE HOTEL BREGAGLIA wird fortgesetzt und findet vom 2.6. 28.9.2013 bereits zum vierten Mal statt. Die zeitgenössischen Positionen von mittlerweile 14 Künstlerpositionen decken Vergessenes aus der bald 140-jährigen Geschichte des Hotel Bregaglia in Promontogno auf und ziehen Verbindungen ins Heute.
The art event ARTE HOTEL BREGAGLIA will take place again this year for the fourth time from 2.6. - 28.9. 2013. The contemporary positions of now 14 artists will reveal forgotten aspects from the almost 140-yearold history of the Hotel Bregaglia in Promontogno and establish connections with the present.
Begegnungen mit der zeitgenössischen Videokunst werden den Besucherinnen des Palazzo Castelmur in Stampa-Coltura ermöglicht. In der Ausstellung VIDEO ARTE PALAZZO CASTELMUR (2.6. – 20.10.2013) sind Werke von zehn KünstlerInnen zu sehen, die – eingegliedert in die aus dem 18. und 19. Jahrhundert stammenden Räume – auf den historischen Ort, an dem Geschichte geschrieben und aufbewahrt wird, Bezug nehmen und ebenso vielfältige als auch unerwartete Assoziationen eröffnen. Die Ausstellungen lassen das Bergell diesen Sommer zu einem lebendigen Ort des künstlerischen Austauschs werden.
Visitors to the Palazzo Castelmur in StampaColtura will have the opportunity to view contemporary video art in the exhibition VIDEO ARTE PALAZZO CASTELMUR (from 2.6 - 20.10.2013). Here ten artists will show their productions which are integrated in the 18th and 19th century rooms of the Palazzo Castelmur and refer to this place where history was written and where history is preserved, creating a variety of unexpected associations. This summer the exhibitions will allow the Bergell to become a lively place of artistic exchange.
Palazzo Castelmur in Coltura bei Stampa
Quest’anno l’evento artistico ARTE HOTEL BREGAGLIA viene ripreso per la quarta volta, dal 2.6. al 28.9.2013. Stabilendo legami con l’attualità, le installazioni di artisti contemporanei (per ora ne sono previsti 14) svelano aspetti dimenticati della storia dell’Hotel Bregaglia che compirà presto 140 anni. I visitatori del Palazzo Castelmur hanno inoltre la possibilità di confrontarsi con la video arte contemporanea. La mostra VIDEO ARTE PALAZZO CASTELMUR (2.6. - 20.10.2013) presenta opere di dieci artisti, inserite negli spazi del XVIII e XIX secolo. Dal confronto con un luogo dove di storia ne è stata scritta e conservata, nascono le più disparate e inedite associazioni. Le mostre di quest’estate fanno della Val Bregaglia un centro di scambio artistico.
Walk of Art
Hotel Bregaglia 7606 Promontogno · täglich · daily · dutto i giorni · 10 - 17 h www.artehotelbregaglia.ch Palazzo Castelmur 7605 Stampa-Coltura · Dienstag - Sonntag · Tuesday - Sunday · Martedi - Domenica · 11 - 17 h www.palazzo-castelmur.ch
St. Moritz art masters foundation Die St. Moritz Art Masters Stiftung (SAM Stiftung) wurde 2009 von den Gründern des St. Moritz Art Masters ins Leben gerufen. Die Stiftung hat zum Ziel, Projekte von aussergewöhnlichen, international aufstrebenden Künstlern, welche sich auf die globale „Sprache“ der Kultur fokussieren, zu unterstützen und zu präsentieren. Den Künstlern und ausgewählten Projekten soll die Möglichkeit gegeben werden, sich während St. Moritz Art Masters zu präsentieren und die Plattform des Anlasses zu nutzen. Projekt 2010 „Ship of Tolerance” des Künstlerpaares Ilya & Emilia. Das Schiff „Wind of Tolerance” im St. Moritzersee stand als Sinnbild für die interkulturelle Verständigung zwischen den Völkern in den Wogen des Weltgeschehens. Die Kinder der Oberengadiner Schulen malten ihre Bilder auf einzelne Segeltücher, aus denen das grosse Segel des Schiffes entstand. Projekt 2011 „Blackbox” „Spreading the Word” der Schweizer Künstlerinnen Jacqueline Baum & Ursula Jakob. Die Stiftung publizierte unter dem Projekt „Blackbox“ einen öffentlichen Wettbewerb für Schweizer Künstler aus dem Bereich der Bildenden Künste. In einem zweistufigen Auswahlverfahren wurde das Projekt von Jacqueline Baum & Ursula Jakob ausgewählt. Die beiden Künstlerinnen erhielten somit die Möglichkeit, ihr Projekt im Engadin im Sommer 2011 zu erarbeiten und die Installation während St. Moritz Art Masters 2011 im Rahmen des „WALK OF ART“ zu präsentieren. Projekt 2012 „Blackbox” Der Schweizer Künstler Kerim Seiler wurde für das Projekt 2012 ausgewählt, sein Projekt „Relay – Situationist Space Program” im Engadin zu realisieren. Eine architektonische Installation, welche während St. Moritz Art Masters 2012 im Rahmen des „WALK OF ART“ erlebbar war und für 2013 Künstlern als Atelier dienen soll. Projekt 2013 „Blackbox” „Relay“ Die Installation des Schweizer Künstlers Kerim Seiler „Relay“ wird diesen Sommer als Wohn- und Atelierraum für Künstler dienen. Durch die enge Verbindung des Künstlers zu Johannesburg wird ein Künstler aus Südafrika im Juli eingeladen sowie ein chinesischer Künstler im August. Den beiden Stipendiaten wird die Möglichkeit geboten über den Dächern von St. Moritz zu arbeiten und dem kulturellen Austausch zwischen den Nationen zu dienen.
2011
The St. Moritz Art Masters Foundation (SAM Foundation) was established in 2009 by the founders of St. Moritz Art Masters. The Foundation supports and shows projects of exceptional, international rising artists focusing on the global „language“ of culture. Artists and selected projects shall be given the opportunity to present themselves during St. Moritz Art Masters and to use the network of the platform. Project 2010 „Ship of Tolerance“ by Ilya & Emilia Kabakov. The ship as a symbol of connection and transaction between continents and countries carried a proclamation for tolerance: Teach it! Learn it! Live it!. Children from the schools of the Upper Engadin drew and expressed their thoughts on the theme of tolerance on sails. The colourful drawings were attached to the ship forming the sail. Project 2011 “Blackbox” „Spreading the Word” by the Swiss artists Jacqueline Baum & Ursula Jakob. The Foundation published an open call for Swiss visual artists under the project title “Blackbox”. In a two-step process the project of Jacqueline Baum & Ursual Jakob was selected. The artists had the opportunity to elaborate their project in the summer 2011 in the Engadin and to present the installation during St. Moritz Art Masters as part of the „Walk of Art“. Project 2012 „Blackbox” The Swiss artist Kerim Seiler has been chosen to participate in the project 2012 and to realize his project „Relay – Situationist Space Program” in the Engadin. The architectural installation was finished for St. Moritz Art Masters 2012 and was part of the Walk of Art. Artists will be able to use the installation as a workshop in 2013. Project 2013 „Blackbox” „Relay“ This summer the installation by the Swiss artist Kerim Seiler „Relay“ will serve as a living and working space for artists. Prompted by Kerim Seiler‘s close association with Johannesburg an artist from South-Africa will be invited to stay there in July, and a Chinese artist in August. Both will receive a grant and the opportunity to work above the roofs of St. Moritz and thereby further the cultural exchange between nations.
2010
La Fondazione St. Moritz Art Masters (Fondazione SAM) è stata istituita nel 2009 dagli stessi promotori del St. Moritz Art Masters. Il suo scopo è quello di presentare e sostenere i più significativi autori internazionali, che si occupano in particolare dell’arte come „linguaggio globale“. In tal modo s’intende offrire agli artisti e ai progetti selezionati la possibilità di mostrarsi al pubblico nel corso del St. Moritz Art Masters e di sfruttare la vetrina della manifestazione. Progetto 2010 „Ship of Tolerance” della coppia di artisti Ilya & Emilia Kabakov. La barca „Wind of Tolerance”, nel Lago di St. Moritz, rappresentava il simbolo di un’intesa interculturale tra i popoli in mezzo ai flutti degli avvenimenti mondiali. I bambini delle scuole altoengadinesi hanno dipinto i propri quadri su singoli pezzi di tela, che hanno poi composto la grande vela dell’imbarcazione. Progetto 2011 „Blackbox” „Spreading the Word” delle artiste svizzere Jacqueline Baum & Ursula Jakob. Nell’ambito del progetto „Blackbox“, la Fondazione ha indetto un concorso pubblico per artisti svizzeri dell’area delle arti figurative. Dopo una doppia selezione è stato scelto il progetto di Jacqueline Baum & Ursula Jakob. Le due artiste hanno ottenuto così la possibilità di elaborare il loro progetto in Engadina, nell’estate 2011, e di esporre la propria installazione durante il St. Moritz Art Masters 2011 nella cornice del „Walk of Art“.
DONOR
St. Moritz Art Masters foundation Die St. Moritz Art Masters Stiftung freut sich über Gönner, um die Stiftung und ihre Vision, Ziele und Projekte zu unterstützen und die Stiftung weiter zu entwickeln. Die Stiftung ist eng mit dem jährlich stattfindenden Anlass St. Moritz Art Masters verbunden. The St. Moritz Art Masters Foundation welcomes donors to further establish and develop the objectives and projects of the foundation. The foundation is closely linked to the annual event SAM in the Engadin. La Fondazione St. Moritz Art Masters è lieta di accettare il contributo dei suoi benefattori, che sostengono la visione, gli scopi e i progetti della Fondazione permettendole di continuare a svilupparsi. La Fondazione è strettamente legata all’annuale manifestazione di St. Moritz Art Masters.
Progetto 2012 „Blackbox” L’artista svizzero Kerim Seiler è stato selezionato per il progetto 2012. Il suo lavoro, „Relay–Situationist Space Program”, è un’installazione architettonica, che ha potuto essere ammirata durante il St. Moritz Art Masters 2012, nell’ambito del „Walk of Art“, e che nel 2013 fungerà da atelier per gli artisti. Progetto 2013 „Blackbox” „Relay“ Quest’estate l’installazione „Relay“ dell’artista svizzero Kerim Seiler sarà utilizzata come spazio abitativo e atelier per gli artisti. Dato lo stretto rapporto di Seiler con Johannesburg, a luglio verrà invitato un artista sudafricano; in agosto toccherà a uno cinese. Ai due borsisti si offre così la possibilità di lavorare con vista sui tetti di St. Moritz e di mettersi al servizio dello scambio culturale tra le nazioni.
Die „ST. MORITZ ART MASTERS FOUNDATION CHARITY NIGHT” zu Gunsten der Stiftung findet am Freitag 30. August 2013 statt. The „ST. MORITZ ART MASTERS FOUNDATION CHARITY NIGHT” benefitting the foundation will take place on Friday August 30, 2013. La „ST. MORITZ ART MASTERS FOUNDATION CHARITY NIGHT” a sostegno della Fondazione si svolgerà venerdì 30 agosto 2013. Mehr Informationen / More information / Piu informazione: foundation@stmoritzartmasters.com 2012 / 2013
St. Moritz Art Academy St. Moritz Art Academy, Postfach 40 , 7500 St. Moritz T +41 79 885 29 05 · office@stmoritz-art-academy.com www.stmoritz-art-academy.com Die SMAA ist eine neue schweizerische Stiftung, welche im Engadin in regelmässiger Folge ausgesuchte Kunstworkshops auf höchstem Niveau anbietet. In ungezwungener, entspannter und dennoch konzentrierter Atmosphäre können sich alle Interessierten für einige Zeit inmitten der inspirierenden Engadiner Berge zurückziehen, um sich fortzubilden. Die Dozenten der St. Moritz Art Academy sind herausragende Persönlichkeiten der internationalen Kunstszene; im Diskurs mit ihnen haben die Teilnehmenden Gelegenheit, ihre praktischen Fähigkeiten und künstlerischen Positionen in diversen Fachgebieten (Malerei, Zeichnen, Skulptur, Fotografie, neue Medien) zu verfeinern und auszubauen. Die Workshops dauern vier bis fünf Tage und können zu bestimmten Daten im Spätwinter und Sommer besucht werden. Anlässlich des St. Moritz Art Masters startet die SMAA in Zuoz und Umgebung mit Kursen von Donald Baechler, USA, Andreas Kopp, Deutschland und Kerim Seiler, Schweiz.
The St. Moritz-Art-Academy (SMAA) courses and workshops are conducted by leading personalities from the international art scene. In a relaxed, inspiring yet focused atmosphere professional artists, art students and enthusiasts can take a break from daily routines by spending some time in the marvellous setting of the Engadin mountains. There, during SMAA they will find opportunities to advance their artistic skills and oeuvres, instructed by internationally renowned artists as lecturers. Techniques may range from painting, drawing and sculpting to photography and new media. Classes will be offered twice a year, in spring and in late summer, stretching over five days at a time. The classes will focus on the work of each individual student. All personal works as well as those of other participants will be critically analysed. The first SMAA August classes will be held in and around Zuoz with the artists Donald Baechler, USA, Andreas Kopp, Germany and Kerim Seiler, Switzerland.
Friend of St. Moritz Art Masters www.stmoritzartmasters.com
Aussergewöhnliche Entdeckungen Das St. Moritzer Art Masters verwandelt das Oberengadin im Sommer in das Zentrum der Kunst- und Kulturszene. Unterstützen Sie diesen einzigartigen Anlass, welcher sich zum Ziel gesetzt hat, zur festen Institution für Connaisseure der Kunst und Kunstinteressierte im Engadin zu werden. Als FRIEND OF SAM unterstützen Sie nicht nur den Anlass, sondern profitieren auch: · 2 Eintritte für SAM Abendanlass während St. Moritz Art Masters (Ende August / Anfang September) · Einladung zu einem Künstlergespräch für 2 Personen · Regelmässige Information (Email) über SAM Aktivitäten · Information zum neuen Programm bevor das offizielle Programm bekannt gegeben wird Jahresbeitrag: CHF 1‘000 (exkl. MWST) Bitte senden Sie uns bei Interesse eine Email an: friends@stmoritzartmasters.com oder rufen Sie uns an (+41 81 833 10 28) um das Anmeldeformular zu bestellen.
La SMAA è una nuova fondazione svizzera che, in Engadina, propone regolarmente selezionati workshop d’arte di altissimo livello. In un’atmosfera spontanea, rilassata e tuttavia concentrata, gli interessati possono ritirarsi per qualche tempo tra le suggestive montagne engadinesi e dedicarsi al proprio aggiornamento. I docenti della St. Moritz Art Academy sono personalità di spicco della scena artistica internazionale; nel confronto con essi, i partecipanti hanno l’opportunità di perfezionare e potenziare le proprie abilità pratiche e il proprio ruolo artistico in vari settori (pittura, disegno, scultura, fotografia, nuovi mezzi espressivi). I workshop durano da quattro a cinque giorni e possono essere frequentati periodicamente nel tardo inverno e in estate. In contemporanea con i St. Moritz Art Masters, la SMAA prende l’avvio a Zuoz e dintorni con i corsi di Donald Baechler, USA, Andreas Kopp, Germania e Kerim Seiler, Svizzera.
FRIEND
St. Moritz Art Masters Exceptional Discoveries St. Moritz Art Masters is transforms the famous alpine destination St. Moritz as well as the surrounding Engadin region into the centre of the arts and culture scene. Support this unique platform with the aim of establishing it as a permanent sixture for art enthausiast in the Engadin. As FRIEND OF SAM you not only support this unique event but also benefit: · 2 tickets for a SAM evening event during St. Moritz Art Masters (end of August / beginning of September) · Invitation to an artist talk for 2 persons · Regular information on SAM activities by email · Information on seasonal program before the official program is published
Scoperte straordinarie D’estate gli Art Masters di St. Moritz trasformano l’Alta Engadina nel centro della scena artistica e culturale. Sostenete questa singolare iniziativa, che si è posta come fine quello di diventare un’istituzione di riferimento per conoscitori dell’arte e curiosi in Engadina. Come FRIEND OF SAM non sosterrete solo questo progetto, ma ne avrete anche: · 2 ingressi per una serata-evento durante i St. Moritz Art Masters (fine agosto / inizio settembre) · Invito alla conversazione con un artista per 2 persone · Regolari informazioni (e-mail) sulle attività di SAM · Informazioni sul nuovo programma prima della sua presentazione ufficiale
Annual Fee CHF 1‘000 (excl. VAT) Quota annuale: CHF 1‘000 (IVA escl.) To apply, please send an email to: friends@stmoritzartmasters.com or call +41 81 833 10 28 to receive the application form.
Se siete interessati vi preghiamo di inviarci una mail: friends@stmoritzartmasters.com o di telefonarci (+41 81 833 10 28) per richiedere il modulo d’iscrizione.
Mobility Mercedes-AMG Probefahrten / Test Drives / Giri di prova 23.08. - 01.09.2013 · 10 - 17h
Als exklusive Mobilitätspartner der St. Moritz Art Masters halten die Marken MercedesBenz und Mercedes-AMG auch in diesem Jahr wieder einige Highlights für alle Event-Besucher bereit. Ab dem Parkplatz des Hotels Schweizerhof können ausgewählte Produkte aus der Mercedes-AMG Palette in der Traumkulisse des Engadins getestet werden. Ganz im Sinne der Nachhaltigkeit besteht zudem die Möglichkeit, eines der „smart“ E-Bikes auszuleihen und den Walk of Art auf zwei Rädern zu entdecken.
As an exclusive mobility partner of the St. Moritz Art Masters, the Mercedes-Benz and Mercedes-AMG brands once again have a number of highlights in store for all event visitors. Starting from the parking lot of the Hotel Schweizerhof, select products from the Mercedes-AMG portfolio can be tested against the idyllic background of the Engadin. Completely in keeping with the philosophy of sustainability, it is also possible to rent one of the “smart” ebikes and explore the Walk of Art on two wheels.“
Come esclusivi partner di mobilità dei St. Moritz Art Masters, anche quest’anno le marche Mercedes-Benz e Mercedes-AMG hanno riservato alcune sorprese a tutti i partecipanti all‘evento. Con partenza dal parcheggio dell‘hotel Schweizerhof, si possono trovare i prodotti scelti della gamma Mercedes-AMG nello scenario da sogno dell‘Engadina. Inoltre, per chi ama le energie rinnovabili, esiste anche la possibilità di noleggiare una smart E-Bike, per scoprire il Walk of Art su due ruote.
Tobias Rehberger explores the boundaries and transitions between art and design in new ways. The motif designed by Tobias Rehberger represents the Corvatsch mountain range; it can be laid over the map of the ski area and matches it in size and proportion. The green circles mark the sites where fatal mountain accidents have occurred. The exact number of those cannot be reconstructed, the green circles in the mountain range therefore create a fictional diagram. The addition of this realistic element to the idealized design creates a contrast between the almost naïve representation of the beauty of the mountains and their elemental power. Rehberger abstracts reality and thus finds his own visual language for St. Moritz Art Masters. The German artist (born 1966 in Esslingen am Neckar) lives and works in Frankfurt am Main. In 2010, Tobias Rehberger won the “Golden Lion” at the Venice Biennale.
Tobias Rehberger scandaglia i confini e i passaggi tra arte e design in maniera innovativa. Il soggetto da lui creato rappresenta una trasposizione astratta del massiccio del Corvatsch, che si può sovrapporre in modo congruente sulla carta dei comprensori sciistici. I cerchi verdi segnano, in realtà, i luoghi dove si sono verificate sciagure alpine con vittime. Le cifre esatte non si lasciano intendere nel dettaglio, e così i segni verdi all’interno del soggetto montano si trasformano in un diagramma fittizio. La grafica idealizzata, rivestita di questo elemento realistico, contrasta con la rappresentazione quasi naif della bellezza delle montagne con la loro forza primigenia. Rehberger astrae la realtà e trova in tal modo il suo personale linguaggio visivo per St. Moritz Art Masters. L’artista tedesco (*1966 a Esslingen am Neckar) vive e lavora a Francoforte sul Meno. Nel 2009 ha vinto il „Leone d’oro“ alla Biennale di Venezia.
Tobias Rehberger Tobias Rehberger lotet die Grenzen und Übergänge zwischen Kunst und Design neu aus. Das von Tobias Rehberger entworfene Motiv stellt eine abstrakte Umsetzung des Corvatsch Massivs dar, das sich deckungsgleich über die Skigebietskarte legen lässt. Die grünen Kreise markieren eigentlich die Stellen, an denen sich Bergunglücke mit tödlichem Ausgang ereignet haben. Die genauen Zahlen liessen sich nicht im Detail nachvollziehen, so dass die grünen Markierungen im Bergmotiv zu einem fiktivem Diagramm werden. Die Unterfütterung der idealisierten Grafik mit diesem realistischen Element kontrastiert die nahezu naive Umsetzung der Schönheit der Berge mit deren Urgewalt. Rehberger abstrahiert die Realität und findet so für St. Moritz Art Masters zu einer eigenen Bildsprache. Der deutsche Künstler (*1966 in Esslingen am Neckar) lebt und arbeitet in Frankfurt am Main. Im Jahr 2009 gewann Tobias Rehberger den „Goldenen Löwen“ der Biennale in Venedig.
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Partner Hotels 2013 Das St. Moritz Art Masters wird grosszügig unterstützt von den St. Moritzer 5-Sterne-Hotels. Spezielle Packages werden angeboten. Mehr Informationen erhalten Sie direkt bei den Hotels.
The St. Moritz Art Masters is generously supported by the 5-Star-LuxuryHotels of St. Moritz. Special packages are being offered. Please contact the hotels directly for more information.
Gli Hotel a cinque stelle di St. Moritz sostengono St. Moritz Art Masters. Speciali pacchetti vengono offerti. Per maggiori informazioni, si prega di contattare direttamente gli alberghi.
Badrutt‘s Palace Hotel Via Serlas 27 · CH-7500 St. Moritz Tel +41 (0)81 837 1000 Fax +41 (0)81 837 2999 www.badruttspalace.com
Kempinski Grand Hotel des Bains St. Moritz Via Mezdi 27 · CH-7500 St. Moritz Tel +41 (0)81 838 3838 Fax +41 (0)81 838 30 00 www.kempinski.com/stmoritz
Kulm Hotel St. Moritz Via Veglia 18 · CH-7500 St. Moritz Tel +41 (0)81 836 80 00 Fax +41 (0)81 836 80 01 www.kulm.com
Hotel Suvretta House Via Chasellas 1 · CH-7500 St. Moritz Tel +41 (0)818 36 36 36 Fax +41 (0)818 36 37 37 www.suvrettahouse.ch
www.stmoritz.ch
WALK OF ART 1 SILS Andrea Robbi Museum Jungjin Lee
9 St. Moritz Palace Galerie Shao Fan
17 St. Moritz Hotel Suvretta House Tchan FAu-li (Chen Fuli)
2 SILS WALDHAUS SILS Rune Guneriussen
10 St. Moritz GALERIE Christophe Graber Shi Jinsong
18 St. Moritz Engadiner MUSeum Jan Fabre
3 St. Moritz BADRUTT’S PALACE HOTEL Donald Baechler
11 St. Moritz GALERIE KARSTEN GREVE Zhou Tiehai
19 St. Moritz „Eglise Au Bois“ Robert Wilson
4 St. Moritz fussgängerzone Olaf Breuning
12 St. Moritz GALERIE andrea CARATSCH not Vital
20 St. Moritz „Eglise Au Bois“ Paul Thek
5 St. Moritz „Black Box Project“ CRYSTAL HOTEL KERIM SEILER Relay (Situationist Space Program)
13 St. Moritz Kulm Hotel & Schlosserei werkstatt SéBaStIEn DE GanaY
21 St. Moritz KEMPINSKI GRAND HOTEL DES BAINS “Emotional Stories”
6 St. Moritz Reformierte Kirche AI WEIWEI
14 St. Moritz Schlosserei werkstatt KUENG CAPUTO
22 St. Moritz KEMPINSKI GRAND HOTEL DES BAINS Liu Heung Shing
7 St. Moritz turnhalle SIGG COLLECTION
15 St. Moritz CHÂTEAU PAPILLON des ARTS PIERo del bondio
8 St. Moritz Palace Galerie Fang Lijun
16 St. Moritz Posthaus Su-Mei Tse
Invest in aerodynamic art. The new CLA. The four-door coupé from Mercedes-Benz with the best drag coefficient ever in a production car. Untamed.
A Daimler Brand
Discover the unusual. #Untamed. A digital photo installation. www.untamed-installation.com
Fuel consumption urban/extra-urban/combined: 8.4–5.3/4.9–3.6/6.2–4.2 l/100 km; combined CO₂ emissions: 144–109 g/km. Efficiency class: C–A+. Figures do not relate to the specific emissions or fuel consumption of any individual vehicle, do not form part of any offer and are intended solely to aid comparison between different types of vehicle. Provider: Daimler AG, Mercedesstraße 137, 70327 Stuttgart
23 MADULAIN Chesa Colani “L’arte al cinema“
27 ZUOZ Galerie MoniCa de Cardenas claudia losi
31 s-chanf GALERIE PETER VANN PETER VANN
24 ZUOZ chesa Planta zuoz A COLLECTIVE FROM SICHUAN
28 ZUOZ Hotel Castell Nicolas Party
32 ARDEZ Fundaziun not vitaL 中 (Middle)
25 ZUOZ Hubert Kiecol
29 s-chanf Villa Flor BELLANTE Enzo Cucchi + Ten Italian Poets
33 sCUOL Fundaziun Nairs
26 ZUOZ David Cerný
30 s-chanf GALERIE VON BARTHA CHESA imi knOEbel
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swissimage © 2012 swisstopo (BA130178)
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Programm / Program / Programma Version Mai 2013 – Änderungen vorbehalten Version May 2013 – All information subject to change Versione maggio 2013 – Non si escludono cambiamenti
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Bever
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St. Moritz - Palace-Galerie - 081 833 18 55
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