CQD - Ciudades Que Danzan by SUCEDE :: Diseño Consciente

DANCING CITIES MEX in dance special edition

promoting collaboration among Dancing Cities members in Europe and Mexico

NETWORK OF DANCE FESTIVALS IN URBAN LANDSCAPES Num 06. 2013 | Gratis 路 Free | Revista anual 路 Annual magazine | www.cqd.info

EDITA MARATÓ DE L’ESPECTACLE Coordinación Ciudades Que Danzan · Dancing Cities Network Coordination Mar Cordobés Contacto · Contact cqd@cqd.info www.cqd.info

Dirección Revista · Magazine Direction: Mar Cordobés Edición · Editor: Olga Sasplugas Diseño gráfico · Design and layout: VIA Traducciones · Translations: Esther Zafra, Borja Gandul, Luca Losi, Maria Laura Zaldivar, Eskura. Fotos portada · Cover Picture: Cuatro x Cuatro. Picture by Gorka Bravo © dantza hirian Impresión · Printing: Montjor SL

Distribución · Distribution: Associació Marató de l’Espetacle Depósito legal · Legal deposit: B-56.259-2007 ISSN: 1888-2811 Difusión gratuita · Periodicidad anual Annual magazine · Free diffusion Si desea recibir (contrareembolso) la edición impresa o quieres recibir la versión en pdf, envianos tus datos a cqd@cqd.info · If you would like to receive the magazine in its printed version (cash on delivery), send us your contact details to cqd@cqd.info ----------------------------------------------------------------Esta revista fue producida durante el 2012. Revisen nuestra web www.cqd.info para las fechas exactas de cada festival · This magazine was produced in 2012. Please refer to our website www.cqd.info for actual dates of each festival.

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El presente proyecto ha sido financiado con el apoyo de la Comisión Europea. Esta publicación es responsabilidad exclusiva de su autor. La Comisión no es responsable del uso que pueda hacerse de la información aquí difundida. This work programme has been funded with support from the European Commission. This publication reflects the views only of the author, and the Commission cannot be held responsible for any use which may be made of the information contained therein.

CONTRIBUTORS JESÚS LAREDO

Coreógrafo y director de la compañía de danza infantil Athos DC y del festival SUBTERRÁNEO ESCÉNICO en México DF. Ha coordinado las actividades del proyecto Mex in Dance en Mexico. Choreographer and artistic director of the dance company for children Athos DC and the SUBTERRANEO ESCÉNICO Festival in Mexico DF. Has coordinated the Mex in Dance activities in Mexico.

FRANCESCO ZANOTELLI

Antropólogo y doctor por la Universidad de Turín, es investigador asociado en el Departamento de Ciencias Humanas y Sociales de la Universidad de Messina. Su investigación etnográfica sobre México e Italia abarca temas de cultura económica, demografía, identidad étnica y mestiza en contextos nacionales e internacionales contemporáneos. Anthropologist and PhD by the University of Turin, he is an associate researcher at the Department of Humanities and Social Sciences, University of Messina. Her ethnographic research on Mexico and Italy covers topics of economic culture, demographics, ethnic and mixed identity in contemporary national and international contexts.

RAMON PARRAMON

Jefe de los estudios de máster y posgrado y co-director del Máster Diseño y Espacio Público de Elisava (Universitat Pompeu Fabra). Desde 1999, dirige IDENSITAT que convoca creadores, promueve intervenciones y debates en el ámbito de la creación vinculada al espacio público. Head of the master’s and postgraduate studies and co-Director of the Design and Public Space Master at Elisava (Pompeu Fabra University). Since 1999 directs IDENSITAT, inviting creators and promoting interventions and debates in the field of public art.

GIANLUCA CRESCIANI

Doctor en Historia del Arte en la Universidad La Sapienza en Roma. Investigador y consultor sobre la apariencia del color y la percepción de los espacios privados, públicos y compartidos. Doctor of Art History at the University La Sapienza in Rome. Researcher & visual arts consultancy carried out for the color appearance and perception of private places, shared and public spaces.

HÉCTOR GARAY

Gestor cultural, productor de ideas y realizador de proyectos. Director y fundador de VITARS Fomento Cultural. Ponente en encuentros, foros y coloquios sobre Gestión Cultural, Arte y Cultura. Cultural manager, producer and project manager. Director and founder of VITARS Cultural Development. Regular speaker at meetings, forums and seminars on the subject of Cultural Management, Art and Culture.

ION ELORZA

Productor, director y realizador con más de 25 años de experiencia. Uno de sus últimos proyectos ha sido “conoce el espíritu NEXOS”, realizado bajo el auspicio de la Alianza de Civilizaciones de la ONU, UNICEF y UNESCO. Es co-fundador del festival Dantza Hirian y en la actualidad responsable de comunicación. Producer, director and film

maker with more than 25 years experience. One of his last projects was “Know the NEXOS spirit”, held under the auspices of the Alliance of Civilizations of the UN, UNICEF and UNESCO. He is co-founder of the festival Dantza Hirian and currently head of communications.

JACIEL NERI

Bailarín, coreógrafo y maestro mexicano. Realizó sus estudios de danza en la Folkwang Hochschule (Alemania) y el Centro de Investigación Coreográfica del INBA en la Ciudad de México. Actualmente dirige M0ving B0rders, Arte escénico sin fronteras, que promueve el diálogo de estilos e interpretaciones del quehacer artístico a través de proyectos interdisciplinarios. Mexican dancer, choreographer and teacher. He studied dance at the Folkwang Hochschule in Germany and at the INBA Choreographic Investigation Center in the city of Mexico. He currently directs M0ving B0rders, Performing arts without borders, which promotes dialogue of styles and interpretations of artistic work through interdisciplinary projects.

SHANTI VERA

Es director de la compañía independiente de arte escénico contemporáneo Cuatro X Cuatro y del Festival Internacional Abril y Danzar. Licenciado en Danza Contemporánea por la Facultad de Danza Contemporánea de la Universidad Veracruzana. Durante su carrera ha recibido diferentes reconocimientos. Director of the Cuatro X Cuatro independent performing arts company and the International Festival Abril y Danzar. He has a degree in Contemporary Dance from the School of Contemporary Dance Veracruzana University. Has received several awards.

GERVASIO CETTO

Bailarín, ha trabajado con diversos coreógrafos de México, Uruguay, Corea, Argentina y Colombia. Actualmente trabaja con la Compañia Tumáka’t y es codirector del colectivo máKina de Turing. Dancer, has worked with choreographers from Mexico, Uruguay, Korea, Argentina and Colombia. Currently working with the Company Tumáka’t, is also codirector of the collective Makina of Turing.

VANIA DURAN

Fundadora de Tumàka’t Danza Contemporánea, creada en 2007. Impulsan y promueven la danza contemporánea en el sureste de México, además de dedicarse a la docencia y al fomento del intercambio artístico. Founder of Tumàka’t Contemporary Dance, created in 2007. Fosters and promotes contemporary dance in southeastern Mexico, also engaging in teaching and promoting artistic exchange.

VERÓNICA SANTIAGO

Bailarina y coreógrafa, integrante de la compañía de danza Tumàka’t. Ha desarrollado un taller para bailarines catalanes en el contexto del Festival DIES DE DANSA 2012 en Barcelona. Dancer and choreographer, member of the dance company Tumàka’t. He has developed a workshop for young Catalan dancers in the context of DIES OF DANSA Festival 2012 in Barcelona.

SARA MARTINET

Bailarina atípica con un cuerpo de goma, que mezcla la danza contemporánea y la acrobacia inventiva en gestos orgánicos. Su léxico expresivo y personal proviene de las emociones propias y vive con su cuerpo. Atypical dancer with a “rubber” body that mix contemporary dance and inventive acrobatics in organic gestures. Her expressive and personal lexico stems from her very own emotions, and lives with her whole body.

FRANCESCA LETTIERI

Bailarina y coreógrafa, directora artística de la Compañía ADARTE. Su trabajo coreográfico ha sido presentado en toda Italia, así como en otros países como España, Inglaterra, Francia, Brasil o México. Es Directora Artística del festival internacional de danza contemporánea en espacios públicos “BALLO PUBBLICO”, en Poggibonsi-Siena. Dancer and choreographer, artistic director of the Company ADARTE. His choreographic productions have been presented all around in Italy and other countries such as Spain, England, France, Brazil or Mexico. She is the artistic director of “BALLO PUBBLICO” International Festival of Contemporary Dance in Urban Spaces-PoggibonsiSiena.

MANOLO PERAZZI

Ha bailado para Giorgio Mancini, Paolo Londi y Giacomo Calabrese. En 2011 se une a la Compagnia Pescara Dance Festival. Ahora es un coreógrafo promovido por el Grupo E-motion con el apoyo del Ministerio de Cultura y Patrimonio del Departamento de Artes Escénicas. Has danced for Giorgio Mancini, Paolo Londi and Giacomo Calabrese. In 2011 he joins in the Compagnia Pescara Dance Festival. He is currently a choreographer promoted by the Company Group E-motion supported by the Ministry of Heritage and Culture, Department of Performing Arts Live.

FRANCESCA SVAMPA

Realizadora audiovisual y fotógrafa independiente, activa sobretodo en el campo social y artístico. Como directora de documentales ha realizado diferentes piezas, así como videoclips, videos de conciertos, proyecciones en directo, etc. Visual filmmaker and freelance photographer, mainly active in the social and artistic fields. As a documentary filmmaker has made several pieces, as well as videoclips, concert videos, live projections, etc.

ARMANDO MARTÉN

Co-Director del Festival Empape (A Coruña). Bailarín, corógrafo y co-fundador de la Compañía Entremans, cuyo trabajo ha podido verse en diferentes lugares de España y en otros países como Cuba, Bélgica, Suecia, Alemania, Brasil, Luxemburgo, Francia y Portugal. Codirector of the Empape festival (A Coruña). Dancer, choreographer and co-founder of the Entremans dance company, whose work has been presented in different parts of Spain and other countries such as Cuba, Belgium, Sweden, Germany, Brazil, Luxembourg, France and Portugal.

picture by francesca svampa Manolo Perazzi (Italy) Performance at SUBTERRÁNEO 2012, Mexico DF

SUMMARY 1. MEX IN DANCE 6. 8.

16. 24.

30.

LA DANZA MEXICANA EN ESPACIOS PÚBLICOS · MEXICAN DANCE IN PUBLIC SPACES Jesús LAREDO ARTE, ESPACIO PÚBLICO Y COHESIÓN SOCIAL. APROXIMACIONES DESDE EUROPA Y AMÉRICA LATINA · ART, PUBLIC SPACE AND SOCIAL COHESION. AN APPROACH TO EUROPE AND LATIN-AMERICA Fracesco ZANOTELLI, Ramon PARRAMON, Gianluca CRESCIANI, Ion ELORZA, Héctor POSE. COMPAÑÍAS MEXICANAS DE GIRA EN EUROPA · MEXICAN COMPANIES TOURING IN EUROPE Moving Borders, Cuatro X Cuatro, Tumàka’t, Mákina dT, Athos DC TALLERES DE DANZA MEX IN DANCE. VISIONES DESDE EUROPA Y AMÉRICA LATINA · MEX IN DANCE WORKSHOPS. VIEWS FROM EUROPE AND LATIN AMERICA Sara Martinet, Francesca Lettieri, Manolo Perazzi, Verónica Santiago CREANDO VIDEODANZAS EN MEXICO DF. UN TALLER DE FRANCESCA SVAMPA USANDO LAS TECNOLOGÍAS MÓBILES · CREATING VIDEODANCES IN MEXICO DF. A WORKSHOP BY FRANCESCA SVAMPA USING MOBILE TECHNOLOGIES.

2. DANCING CITIES: NEWS & AGENDA 34.

38. 40.

DANCE CHANNELS. LA CIUDADANÍA NECESITA A SUS ARTISTAS MÁS QUE NUNCA. CITIZENS NEED THEIR ARTISTS MORE THAN EVER. Un proyecto de · A project by Trayectos (Zaragoza, Spain), Urban Moves (Manchester, UK) & Corpi Urbani (Genoa, Italy) EL PÚBLICO EN EL ESPACIO URBANO: DE ESPECTADOR A PARTICIPANTE THE AUDIENCE IN URBAN SPACES: FROM MEMBER OF THE AUDIENCE TO PARTICIPANT Armando MARTÉN CABALLERO AGENDA FESTIVALES CIUDADES QUE DANZAN · DANCING CITIES FESTIVALS AGENDA

MEX IN DANCE UE/MEXICO COLLABORATION THROUGH DANCE IN PUBLIC SPACES

Mex in Dance es un proyecto de colaboración entre cuatro festivales europeos: DIES DE DANSA (Barcelona, España), BALLO PUBBLICO (Poggibonsi, Italia), INTERFERENZE (Teramo, Italia) y DANTZA HIRIAN (Eurociudad Vasca Bayonne-San Sebastián, España/Francia); y el festival mexicano SUBTERRÁNEO ESCÉNICO, todos ellos miembros de Ciudades Que Danzan. Los objetivos principales del proyecto son, por un lado, promover el intercambio cultural y la cooperación entre México y diferentes países de la UE, explorando y profundizando en nuevas formas de colaboración, fomentando el diálogo multicultural y promocionando la cultura europea en México y viceversa. Y, por otro lado, la democratización de la cultura, acercándo la práctica del arte contemporáneo a los ciudadanos mexicanos y europeos, mediante la exploración de la relación entre la danza contemporánea, el espacio público y la comunidad, y utilizando el arte como herramienta para la inclusión y la cohesión social. El proyecto cuenta con el apoyo del Programa Cultura 2007-2013 de la Comisión Europea, así como con la colaboración de otras entidades culturales mexicanas públicas y privadas, incluidas las universidades y las instituciones públicas, tanto del Consejo de la Ciudad de México DF como del Ministerio Nacional de Cultura. Más información en: http://www.cqd.info/index.php/es/proyectos/item/55-mex-in-dance Mex in Dance is a collaborative project among four European festivals: DIES DE DANSA (Barcelona, Spain), BALLO PUBBLICO (Poggibonsi, Italy), INTERFERENZE (Teramo, Italy) and DANTZA HIRIAN (Basque Eurocity Bayonne-San Sebastián, Spain and France); and the Mexican festival SUBTERRANEO ESCÉNICO, all of them members of the Dancing Cities Network. The main aims of the project are, on one side, promoting cultural exchange and cooperation between Mexico and different EU countries, deepening and exploring new ways of collaboration, fostering a multicultural dialogue and promoting European culture in Mexico and vice-versa. And, on the other side, the democratization of culture, approaching contemporary art practice to Mexican and European citizens, by exploring the relationship of the following elements: contemporary dance, public space and the community; and by using art as a tool for social inclusion and cohesion. The project is supported by the 2007-2013 Culture Program of the European Commission and also counts with support and collaboration of other relevant public and private Mexican cultural organizations, including universities and public institutions both from the City Council in Mexico DF and the National Ministry of Culture. More information at: http://www.cqd.info/index.php/en/projects/item/62-mex-in-dance

LA DANZA MEXICANA EN ESPACIOS PÚBLICOSMEXICAN DANCE IN PUBLIC SPACES Jesús Laredo Sánchez

Coreógrafo y Director de Subterráneo Escénico. Choreographer and Director of Subterráneo Escénico. Desde la época prehispánica nuestra cultura se ha manifestado a través de actividades al aire libre: el tianguis, las fiestas populares, y diversas manifestaciones políticas, sociales y artísticas. La gente se reúne en plazas públicas, en patios y en la calle. A diferencia de otros países, el clima en México es propicio para la realización de actividades en espacios abiertos. Casi desde sus inicios, la danza contemporánea en México salió de los teatros para estar presente en espacios abiertos, en espacios públicos. Flores Canelo y Amalia Hernández realizaban giras para presentarse en plazas públicas y rancherías a lo largo y ancho del país. De esa manera comenzó la conquista del espacio público por la danza mexicana. En los años 60 y 70 grupos de artistas invadían las calles y plazas para exponer sus creaciones o manifestar sus inquietudes artísticas. Pero la mayor exposición de danza en espacios públicos se desató como una reacción de solidaridad de los grupos independientes de danza contemporánea ante el colapso social y económico que significó el terremoto que destruyó parte de la Ciudad de México el 19 de septiembre de 1985. El año 1985 fue sin lugar a dudas un punto de inflexión que permitió redefinir el papel de la danza contemporánea en la sociedad: los grupos se organizaron de manera independiente y acudieron a brindar espectáculos a los afectados por el terremoto; se bailó en los alberges, en las calles, en las plazas públicas habitadas por los ciudadanos que habían perdido su vivienda. De esa movilización ciudadana nació el movimiento de damnificados 19 de septiembre, que organizó por casi una década encuentros callejeros. Fue entonces cuando los grupos de danza contemporánea hicieron suyos estos espacios públicos, bailando en las vecindades, en los parques, en las plazas y en los semáforos. Por esas mismas fechas la Compañía Nacional de Danza inició sus presentaciones en el Lago de Chapultepec, la única versión del ballet el Lago de los Cisnes que se escenifica en un ambiente natural público. Si bien a mediados de la década de los 90 la danza se volcó en su mayoría en los recintos culturales cerrados, no abandonó los espacios públicos ya que la mayoría de las agrupaciones de danza seguían presentes en la calle con propuestas artísticas de corte político o social. El siguiente rompimiento que llevó a la danza al espacio público se presentó a mediados de la década del 2000-2010, siendo dos las causas principales. La primera se debió a que el público dejó de asistir a los teatros cerrados, a la vez que surgió una creciente demanda de espacios solicitados por un número, cada vez mayor, de agrupaciones de danza. La segunda causa fue determinada por el surgimiento de nuevos creadores que concebían la danza de manera diferente y que buscaban romper con en contexto tradicional de la danza teatral. La primera causa la resolvieron las instancias culturales del país programando espectáculos en espacios públicos. Esta manera de utilizar las plazas buscaba generar nuevos públicos para el arte. Las agrupaciones más importantes del país y del mundo se presentaban en un teatro abierto acondicionado en la plaza principal de la ciudad, no se intervenía el espacio, simplemente se acondicionaba con un templete que tenía similares condiciones a las de un foro cerrado. La mayoría de las presentaciones se realizaban de noche para poder hacer uso de la iluminación. Bajo este contexto el espacio público cumplía una mera función de paisaje donde lo importante era que la agrupación contara con las mejores condiciones para presentar su espectáculo. Se programaba en la plaza principal de la ciudad simplemente porque en ella se reunía el mayor número de personas. Un caso aparte sucedió durante el Festival Internacional Cervantino

que se realiza en la ciudad de Guanajuato, ahí se presentaban los entremeses cervantinos; las agrupaciones artísticas tomaban los callejones, plazas y espacios públicos para realizar espectáculos alternativos a la programación oficial del festival y percibían económicamente sólo lo que la gente les daba. Posteriormente, estos entremeses fueron apoyados por las autoridades: a los grupos se les pagaba y se les asignaba un lugar específico en la ciudad y en otros municipios del Estado. Este formato lo retomaron muchas instituciones y ahora la mayoría de los festivales se programan en espacios públicos de cada Estado. La segunda causa que llevó la danza al espacio público determinó un uso específico del espacio: se crearon obras en específico para cada lugar, cobrando así un sentido determinado por éste. Si se presentaba la misma obra en otro sitio, dicha obra se descontextualizaba. Se buscaba que el espectador percibiera todo el entorno como la obra misma, se presentaban espectáculos donde el espacio no estaba limitado o configurado tradicionalmente, se realizaban intervenciones en las que muchas veces los mismos ciudadanos eran parte de la obra o participaban en ella. La percepción no era únicamente del espectador hacia el artista, ahora existía una reciprocidad entre ambos. Además se daba una tercera percepción que consistía en la que ambos generaban en relación al lugar en que se llevaba a cabo. Este tipo de obras verdaderamente invadieron los espacios públicos, pero sobre todo intervinieron el territorio de lo cotidiano, invitaron al espectador a ser parte del mismo espectáculo que observaba. Con el surgimiento de esta nueva generación de creadores en espacios públicos se crearon espectáculos interdisciplinarios, una convivencia entre la danza, el teatro, la música, la plástica, los títeres, las artes circenses y la multimedia. Esto motivó nuevas formas de crear, pero sobre todo fomentó estrategias de cooperación que han ido modificando la estética y los modelos de producción hasta ahora existentes. Las propuestas escénicas mexicanas han abandonado ahora la estructura clásica en la construcción coreográfica para pasar a la improvisación, exploración y espontaneidad del espectáculo. Se trabaja con una cotidianidad viva, cambiante, que transforma y es transformada a cada momento por los que la habitan. Ahora en México conviven muchas formas de crear y presentar obras y la mayoría de las agrupaciones aprovechan lo mejor que ofrece el teatro tradicional y los espacios públicos. Por un lado encontramos que al teatro tradicional se están llevando a cabo propuestas que abordan la cotidianidad y por otro lado encontramos que a los espacios públicos se están llevando planteamientos conceptuales, abstractos y en algunos casos se lleva la danza en el sentido más puro, es decir el movimiento por el movimiento. Si bien la propuesta de las instituciones de llevar la danza a espacios públicos no ha generado público que asista a los teatros convencionales, sí ha permitido, por un lado, transformar a la ciudadanía en un público efímero que gusta de ver manifestaciones en espacios públicos y, por otro, ha generado que los creadores desarrollen nuevas formas de relacionarse con su comunidad, de comprometer su trabajo en lo social y en lo político. Pero este tipo de propuestas ha generado un intérprete especifico, distinto al intérprete que se presenta en los teatros convencionales. Este se relaciona con condiciones espaciales distintas y cambiantes, el ejecutante ahora ha modificado su anatomía y su movimiento en aras de poder involucrarse con el espacio público. Ahora se mueve sobre texturas y temperaturas diferentes, en diversos planos, en espacios amplios o estrechos que modifican sus posibilidades de movimiento. Pero lo más importante es que enfrenta cara a cara con el espectador que se detiene a observar, o con aquel que lo ignora y sigue su camino.

Since the Pre-Columbian era, outdoor activities such as tianguis, festivals, and many other kind of political, social and artistic manifestations have been a very important part of our culture. People meet at the market place, in the street or in patios. Mexico’s weather, unlike other countries’, makes easy to carry out activities in the open air. Almost since the beginning, Mexican contemporary dance left theaters and settled outdoors, right in the public space. Flores Canelo and Amalia Hernández used to tour all around the country acting in the streets of towns and villages. That is how Mexican dance started to conquer the public space. During the 60s and 70s lots of associations of artist took the streets and showed their creations and their artistic interests. But the real boom of dance in public spaces was the result of the solidarity movement encouraged by independent contemporary dance associations that emerged after the political and social collapse that followed the earthquake on 19 September 1985 and partly destroyed Mexico City. 1985 was definitely the year that redefined the role of contemporary dance in society. associations of artists took the initiative in organizing and offering performances to the victims of the earthquake. There was dancing in shelters, in the street and all the places where those who had lost their homes were living now. These civic actions gave birth to the Victims of September 19 movement, an association that organized street performances for almost 10 years. Contemporary dance associations transformed neighborhoods, parks, squares and intersections into their stages, and started to dance in public spaces. Also, the Mexican National Dance Company started to perform the Swan Lake ballet in the Chapultepec lake. This is the only version of the ballet staged in a public natural space. Although during the 90s artists tended to perform again indoors, dance never left entirely public spaces, and most associations still offered artistic performances with social and political undertones in the streets. In the mid-2000s appeared the next major wave of artist that started to perform again in public spaces. Two were the causes of this fact. First, theaters closed and lost their audience and, in the meantime, there was an increased demand of spaces by dance associations. And second, new artist conceived dance in a different way and wanted to break with this traditional perception of dance in theaters.

space, it lost all its context. Artist wanted viewers to perceive the surrounding scene as the show itself. The space had no limits, was not configured according to traditional basis, and usually viewers were part of the show and participated in it. The traditional one-side perception (viewers toward artist) was replaced for a reciprocal perception. Besides, there was a third perception between the artist, the audience and the place where the performance took place. These type of performances invaded public spaces, but above everything they took part in daily life and invited viewers to join the show they were enjoying. This new generation of creators in public spaces encouraged the creation of multidisciplinary shows where dance, theater, music, plastic arts, puppets, circus and multimedia coexisted in the same performance. This encouraged as well new forms of creation and cooperation strategies that modified the aesthetic and the models of production. Mexican new performances have given up classical structures on choreography construction and are now based in improvisation, exploration and spontaneity. Artists work on a reality which is constantly changing, which transforms and is transformed by those who are living it in that precise moment. In Mexico we can find a coexistence of lots of different ways to create and perform a show, and most companies try to make the most of what traditional theater and public spaces have to offer. On one side, traditional theater is including daily life topics in its productions and, on the other side, public spaces offer new conceptual and abstract approaches and, in some cases, we can sense dance in its purest state, that is, simple movement. Despite the fact that authorities have encouraged dance in public spaces, the audience in traditional theaters has not increased. Nevertheless, citizens have become an audience that likes to see performances in public spaces, and creators have developed new ways to relate to the community and involve their work both socially and politically. This new proposals have generated a new kind of performer, different from the one traditionally seen in theaters, who interacts with new and changing space conditions and modifies his anatomy and movement in order to get involve in public space. The artist is moving in different textures and temperatures, different planes, wide or narrow spaces that modify his possibilities of movement. But the most important thing is that he is facing the viewer who stops and watches and the viewers who ignores him and keeps walking.

The first cause was solved when cultural authorities started to plan shows in public spaces. This new use of the public stage wanted to attract a new audience to art. The most important associations in the country and the whole world presented themselves in the open theater of a town square. There was no invasion of the public space, and artists performed in bandstands, which offered similar characteristics to a closed space. The shows usually took place at night so they made the most of illumination. In this context, the main function of the public space was to offer proper conditions for the artists to represent their shows. Town squares were chosen as stages because they were the main meeting point in the cities. The case of the Festival Internacional Cervantino (Internacional Cervantes Festival), which takes place in the city of Guanajuato, is very interesting. Concurrently with the official program of the festival, artistic associations performed Cervante’s entremeses in alternative shows in the streets, squares and public spaces, earning only the contributions of the viewers. Later, the authorities supported this representations: the associations were paid and assigned and specific location in the city or in other municipalities in Mexico. The second cause that brought dance to public spaces redefined the use of space. Shows were created specifically for a place, which determined their final meaning. If the show was performed in a different

ARTE,ESPACIOPÚBLICO Y COHESIÓN SOCIAL ART, PUBLIC SPACE AND SOCIAL COHESION APROXIMACIONES DESDE EUROPA Y AMÉRICA LATINA. AN APPROACH TO EUROPE AND LATIN-AMERICA.

Conclusiones del Congreso celebrado en México DF- 14, 15 & 16 de Noviembre de 2012. Conclusions from the Congress held in Mexico DF - 14th, 15th & 16th November 2012. En este artículo vamos a resumir los resultados de dos momentos públicos que se realizaron en el Centro Cultural de la Universidad Nacional Autónoma de México, durante los cuales expertos de México, Francia, España e Italia junto con un público de coreógrafos, bailarines, productores culturales, organizadores de festivales, y demás asistentes, compartieron ideas entorno a las siguientes preguntas: ¿Qué clase de espacios y de lugares son los en que se da el arte público? ¿Qué tipo de interacción se produce entre el artista y el público y entre el artista y el espacio donde interactúa? ¿Hay etapas y lugares históricos en que el baile público ha captado y ha coincidido con las demandas sociales del público al cual se dirigía? ¿Qué pasa hoy en día? Y finalmente, ¿cuáles son las razones que motivan al artista a escoger el espacio público para actuar?

picture by francesca svampa La Macana (Spain) - Performance at SUBTERRÁNEO 2012, Mexico DF

A partir de sus diferentes trayectorias y especialidades, desde la antropología social, el arte visual, la dirección artística, la arquitectura y la promoción social, estos expertos han traído a la discusión diferentes ejemplos de experiencias de arte, espacio público y cohesión social tanto europeas como mexicanas.

The following article deals with two events which took place at the Arts Center from the National Autonomous University of Mexico. For two days different experts from Mexico, France, Spain and Italy, along with choreographers, dancers, producers and event planners, shared their thoughts on the following issues:

What kind of places are more suitable to perform for an audience? What is the best way to describe the interaction between the artist and the audience and between the artist and the space where he or she is performing? The art of dancing has always agreed with the social demands of the audience? What is the situation nowadays? And finally: What are the reasons for an artist to choose a public space for his performance?

Thanks to their different careers and points of view (social anthropology, visual arts, art direction, architecture and social advertising), the experts were able to discuss and provide different experiences related to art, public space and social cohesion in Europe and Mexico as well.

Hacer espacio en la hipermodernidad: de las plazas de Italia al metro de la Ciudad de México, por FRANCESCO ZANOTELLI. Antropólogo, Universidad de Messina, ITALIA. El concepto de espacio, por como lo define Michel de Certeau, en principio es algo abstracto. Un espacio es algo vacío de significado, tiene un carácter simbólico antes que real: puede ser algo que se compra (un espacio para anuncios), puede ser un lugar indefinido tan grande como el espacio interestelar, puede ser una acción: en italiano la expresión fare o farsi spazio - hacer espacio - implica una modificación del contexto, una acción física y simbólica con la cual producimos un espacio ulterior, anteriormente ausente, en donde caber. Quizás, la primera relación que podemos establecer entre la idea de espacio y la de cohesión social está en la oportunidad que los demás nos dan - o que nosotros mismos aprovechamos - para crear un espacio nuestro dentro de los espacios de los demás. Esto implica algo de flexibilidad, implica que el espacio dado en donde queremos producir algo nuevo sea lo suficiente abierto para incluir también ‘otros’ espacios. El segundo concepto que me interesa discutir es el de ‘lugar’ ya que, en la antropología urbana contemporánea, se debate mucho alrededor de las nuevas características del espacio urbano típicas de la época de la surmodernité, como Marc Augé ha venido definiendo estos tiempos de globalización. En la definición de Augé actualmente no se puede hablar de lugar sin utilizar su pareja contraria: el no-lugar, en donde el primero se caracteriza por tener identidad, historia, y relación social y el segundo por no ser ni identitario, ni histórico, ni relacional. Ejemplos de ello son los centros comerciales, los aeropuertos, la metropolitana, etc. En este sentido, el espacio urbano puede ser un lugar como un nolugar, porque ambos son primeramente el producto de una experiencia eminentemente humana y socio-cultural. A partir de esta oposición conceptual voy a intentar una rápida reflexión entorno a similitudes y diferencias entre el mundo urbano europeo y latinoamericano y para ello tomaré como ejemplos dos espacios públicos: el centro urbano de Poggibonsi, un poblado de la Toscana, ubicado la Italia Central, y las estaciones de la metropolitana en la Ciudad de México. Ellos son representativos de dos lugares en donde se dan actuaciones de danza y, al parecer, corresponden bien a los dos polos opuestos que hemos mencionado. El conjunto de las plazas peatonales de Poggibonsi es un lugar con identidades específicas que todavía mantiene una función social cotidiana de reunión entre los ancianos del pueblo, espacio de juego para los niños al salir de la escuela, o espacio de las pláticas de las poblaciones de nueva inmigración que se han establecido en este pueblo a partir de los Ochentas procediendo de África y del Europa del Este. Por el otro lado, están las estaciones del metro de la Ciudad de México, un no-lugar que, según la definición que hemos venido trazando, no tiene identidad, ni historia, ni produce relación social: la red metropolitana es un espacio de tránsito, en donde la experiencia que se hace es sobre todo individual y solitaria. Una cuestión de interés para los artistas de los espacios públicos está precisamente en contextualizar sus performance dentro de estos diferentes espacios y de las maneras diferentes de vivirlos que experimenta su público eventual. La respuesta más obvia es que en el lugar de las plazas de Poggibonsi sea más fácil que se ‘haga espacio’, siendo ya predispuesto para la interacción social. Al contrario, en el Metro el espacio es rígido y reglamentado, con sus reglas de circulación y sus tiempos acelerados, en donde las ocasiones sociales se limitan al intercambio anónimo de mercancías. Pero, al profundizar la mirada, las cosas resultan más complejas y las representaciones esquemáticas y binarias a menudo engañadoras. La Toscana felix, meta del turismo mundial por sus bellas y verdes colinas y sus urbes medievales, goza económicamente del mercadeo de su imagen y del deseo que produce en la masa de turistas que la visitan cada año. Los efectos que este proceso conlleva es muy similar a un no-lugar, espacio atravesado en donde la historia es una mercancía para vender más que una experiencia humana, y en donde se pueden producir efectos de destrucción de la cohesión social, como en el caso de San Gimignano, otro poblado colindante con Poggibonsi, en donde los ancianos del lugar se quejan que ya no tienen un bar donde juntarse a jugar a las cartas porque -debido al turismo internacional- el precio de un café expreso se ha vuelto imposible para ellos. Así mismo, el metro de DF, contrariamente a las funciones y las normas que lo reglamentan, aparece continuamente habitado, y no solamente atravesado, por personas que construyen en él y alrededor de él relaciones sociales permanentes.

Así, para quien quiera pararse a observar, se pueden notar parejas dándose cita en el Metro y quedándose en sus escaleras para platicar y besarse; o también un papá super-organizado que en su mochila trae todo un equipaje de cuchara, bebida y arroz, y que en el trayecto de una estación a la otra, nutre con gestos cariñosos a su pequeño hijo, volviendo más humano un ambiente de por sí agobiante. Así como, por ejemplo, todo un mundo de puestos permanentes de comercio informal que se disponen alrededor de las estaciones del metro. Son ejemplos también de maneras de producir espacio dentro de un nolugar. Quizás podríamos considerar que estas mismas prácticas y hábitos cotidianos sean los que facilitan la posibilidad que otros espacios sociales se produzcan, y entre ellos una performance de danza. Aquí no me refiero a las facilidades burocráticas y organizativas que también hay que tomar en cuenta en nuestro análisis ya que atañen a los equilibrios y ‘espacios’ políticos de un específico lugar y momento histórico. Me refiero a la flexibilidad de un espacio habitado socialmente por gente que en un dado momento decide pararse a mirar y decide transformarse en ‘público’ de un evento artístico, haciéndolo con mucha atención, silencio y concentración, interrumpiendo el espacio de tránsito y obligándolo, por unos momentos, a respetar otras normas diferentes. Ciudad de México: espacio público y de transformación a través de la danza, por HÉCTOR M. GARAY AGUILERA. Director y fundador de VITARS, Fomento Cultural, MÉXICO. La ciudad de México como escenario de la danza se mueve por varios territorios: el ritual, el festivo, el de escenario alternativo y el de la intervención artística. Y de entre varios dominios entre lo social y político y lo estético-artístico. Entre lo público y lo privado como dominios de la concepción de las relaciones sociales y políticas. Lo que dota de significaciones el mero espacio físico. A menudo está relacionado con el tipo de ejecutantes y género artístico. Desde luego, nuestro tema de interés es la danza escénica y de ella la contemporánea es la que ha aportado intervenciones memorables al espacio de la ciudad de México, que es una ciudad en donde el sentido de pertenencia o de propiedad está dado por la idea de lo público “para todos” definido por la autoridad. Aquí las acciones dancísticas tienen su sentido de irreverencia y libertad. Se rompe con esquemas y prohibiciones, con el pedir permiso para el uso del espacio. Pero ahora que las manifestaciones de “los indignados” se realizan con mayor frecuencia en las plazas y espacios públicos, la participación de los artistas y sus acciones va teniendo también otras connotaciones. En la danza, como arte público, se llega a intervenir la arquitectura, el edificio, el espacio físico, pero también la jerarquía (la arquitectura social), la significación y la dinámica social. Son modificadas la circulación, el uso de espacio, la propiedad, la pertenencia aunque estas modificaciones sean sólo momentáneas. Entonces en el arte escénico público hay una cualidad efímera que da la impresión de libertad y transgresión del artista. El arte escénico público también depende de las formas de producción imperantes, y entonces no siempre depende de la voluntad del artista sino también de productores y de otros agentes culturales (programadores, asociaciones vecinales, instituciones de difusión de la cultura, etc.). Aquí se justifica el uso de las plazas públicas como escenarios de programación de actividades culturales para ampliar la cobertura del acceso a servicios culturales. Se intenta masificar y en este propósito la danza es efectiva, aunque la relación con los espectadores sigue siendo efímera. En el tema de las intervenciones artísticas los ejemplos son más contados y dependen de decisiones de los propios creadores. Los coreógrafos de la danza contemporánea han manejado diversos espacios urbanos: el principal es el Centro Histórico, el Zócalo y el conjunto de calles y monumentos. Pero también la Alameda y algunos barrios específicos, como la colonia Roma, debido a una circunstancia social: los sismos de 1985. Ellos provocaron varias consecuencias: la apertura democrática, una crisis del partido gobernante, la formación de un movimiento urbano-popular, la re-estructuración de la Ciudad de México y en el aspecto artístico la vinculación del arte, en específico de la danza, con los espacios urbanos y las necesidades sociales. Concretado en la realización de los denominados ‘Encuentros Callejeros de Danza Contemporánea’ de 1986 a 1994, organizados entre Danza Mexicana A.C. y la Unión de Vecinos y Damnificados 19 de septiembre. Estos encuentros son el antecedente de intervenciones más actuales. El espíritu de ese momento y las obras de agrupaciones como Asaltodiario nos permitirán conocer características del trabajo en espacios urbanos.

En México, de nuevo se trabaja en la experimentación de nuevos espacios. Se recobra la ciudad. Pero no se tiene un seguimiento de festivales, encuentros y una metodología para la intervención de los espacios, ni la infraestructura técnica adecuada. Un punto importante a considerar sin duda es la relación con los públicos en el arte escénico en espacios públicos. La relación de un espectador de este tipo de obras podría tener varias niveles: la irrupción y sorpresa; el involucramiento a través de temas que le incumban; la participación activa a través de acciones que pueda realizar también el espectador. El espacio elegido, la temática, la resolución artística, el grado de participación sin duda pueden contribuir a la recuperación de espacios, pero uno fundamental es el de confianza y convivencia de las personas, que es lo que rehace el tejido social de zonas con problemas a lo largo de la ciudad. Mecanismos, porosidades, transistemas: intervenciones en el espacio público, por RAMON PARRAMON. Director de iDensitat y ACVic Centre d’Arts Contemporànies, ESPAÑA. La porosidad, que se define por la capacidad que tienen los materiales de absorber sustancias líquidas o gaseosas, es también el volumen de poros o espacios vacíos de una sustancia sólida por los cuales pueden circular o permanecer diferentes fluidos. Vamos a plantear que la práctica artística tiene como cualidad la capacidad de devenir porosa en relación con cualquier elemento específico propio del lugar, y en consecuencia con el espacio social. Podemos entender el espacio social como un elemento gaseoso que impregna y envuelve tanto los vacíos como cualquier parte de sus componentes, por lo que la consideraremos inseparable de cualquiera de las combinatorias entre la práctica artística y los elementos escogidos del lugar (espacio, tiempo, actividad, interacción...). La porosidad, la permeabilidad puede ser una propiedad que debe estar acelerada o activada por un “mecanismo”. Un mecanismo en este caso se refiere a un “sistema”. Un sistema transversal (transistema) que articula diferentes proyectos, que pone en relación elementos que no podrían estar conectados inicialmente, y que sin unas voluntades de expandirse, una necesidad de impregnarse, la posibilidad de infiltrarse, la urgencia de relacionarse y la complicidad de diversos agentes implicados, este ‘sistema’ (mecanismo) no se accionaría. Desde esta perspectiva el espacio social no permanece invariable, al contrario, el mecanismo puede activar partes del contexto social con la finalidad de que participen en el proceso, de generar complicidades, pero también incitar resistencias, rechazo o distanciamiento. Por tanto consideramos el espacio social como parte activa en los procesos combinatorios fundamentados en la porosidad. La práctica artística contemporánea, en tanto que parte importante del hecho cultural, siguen teniendo problemas para explicitar las funciones que cubre, los servicios que presta y los públicos, audiencias o coletivos a los que se dirige. Desde esta perspectiva, podemos plantear que sobrevive en un territorio hostil. En términos de conexión (más integración, menos exclusión) de las prácticas artísticas con la sociedad (el territorio), sigue teniendo un largo recorrido pendiente de definiciones, acciones y políticas culturales que las articulen. Cuando planteamos que el arte puede jugar un papel de mediación, de transversalidad en contextos específicos, que puede cooperar con otros agentes con objetivos similares pero con metodologías distintas, estamos planteando alternativas posibles que pueden además acortar distancias existentes entre el arte y la sociedad. Acortar estas distancias, en estos momentos deviene prioritario e imprescindible para generar un nuevo contexto. Existen un tipo de prácticas artísticas que tienden a constituirse como ‘transistemas’, más que como obras, o incluso como proyectos concretos. Sistemas transversales que a su vez se fundamentan en procesos colaborativos y participativos. Las prácticas artísticas que se articulan como ‘transistemas’ no se pueden analizar desde la lógica habitual de la puesta en escena o de la formalización, ya que forman parte de un territorio transversal y transdisciplinar que activa nuevas prácticas culturales que inciden de forma activa en el contexto social. Desde esta perspectiva podemos entender la práctica artística como un mecanismo generador de un sistema poroso. La situación actual a nivel político, social, económico demanda nuevos relatos, y las prácticas artísticas y culturales deben tener un papel importante en su creación y definición. Hasta ahora algunas de estas prácticas han jugado un papel simbólico próximo a los centros de po der, mientras que otras se han situado de forma pretendidamente periférica, con el fin de investigar opciones alternativas o situarse en una

condición de crítica al sistema de poder (político-financiero). Cuando el sistema de poder entra en crisis, la acción crítica debe rearticularse como acción directa y por lo tanto plantear discursos (relatos) estructuradores de otra realidad social, partícipes en los procesos de transformación. Los ámbitos de acción, hasta ahora periféricos desde el cual operaban este tipo de prácticas, toman una mayor importancia en el contexto contemporáneo. La épica y la estética de la toma de las calles y las plazas, debe dirigirse hacia las instituciones. Tenemos que escribir un nuevo relato bajo unas condiciones que se precarizan de manera progresiva. Tenemos que analizar, debatir y tomar posiciones para posteriormente transmitirlas, no tan solo a los políticos, sino también a colectivos sociales diversos. Muchos de ellos también deben redefinirse, por lo tanto podemos aprovechar la ocasión. Quizás desde aquí podemos contribuir a esta necesaria transformación que requiere de la implicación de muchas otras partes. Esta acción política es también una forma de intervenir en el espacio público. El arte público en la Eurociudad Vasca Bayonne-San Sebastián, por ION ELORZA. Productor, realizador y responsable de comunicación del festival Dantza Hirian, FRANCIA-ESPAÑA. En nuestro caso, por las características de nuestro festival (Dantza Hirian, Festival Transfronterizo de Danza en Paisajes Urbanos), llevamos la danza contemporánea a espacios públicos de una CIUDAD DE CIUDADES, una metrópoli media denominada Eurociudad Vasca Bayonne-San Sebastian, ubicada en la antigua frontera franco española de la fachada atlántica. Con la desaparición de la frontera (1993) quedó al descubierto una realidad donde se mezclan culturas y leguas, con una cultura y un idioma común: el euskera. Aunque también hay que decir que con fronteras o no, siempre ha habido proyectos en común e intercambios de ideas, simbiosis culturales que han generado un espacio singular en el que la cultura y las diferentes expresiones artísticas tienen una importante representación. En esta ciudad de ciudades, los espacios públicos son muy diversos porque se encuentran a lo largo de un corredor urbano de 50km, con 600.000 habitantes compuesto por 42 localidades. Estas localidades con identidades culturales propias equivalen a los barrios que tiene un ciudad, pero en este caso a su vez cada localidad esta compuesta por sus propios barrios. Este hecho nos ofrecen gran variedad y gran diversidad de espacios públicos. En este contexto podemos destacar como un espacio publico identitario cultural en esta ciudad de ciudades: los frontones. Espacios que se encuentran en el centro de los pueblos, para la practica de un deporte tradicional, llamado pelota vasca y que el festival los utiliza para programar las Sesiones Infantiles para los centros educativos. Desde nuestra perspectiva como plataforma de difusión de la danza en paisajes urbanos y como dice nuestro claim: “Mira, siente, escucha. Toca la danza!”, tratamos de que se den todas las combinaciones ligadas a la interacción entre el artista y el público. Para ello, se tiene en cuenta, un espacio adecuado para la representación de la obra y cómodo a su vez, para el disfrute de la misma, con máximo respeto hacia el espectador fiel y al casual que se queda. A aquellos que retratan con sus cámaras la obra, aquellos que van girando en el espacio alrededor de la pieza y lo disfrutan en 360º, aquellos que se sientan en el suelo sobre un cartón creado para la ocasión, con información que se puede llevar a casa… los fondos, decorados o mobiliario urbano con el que se interactúa, aquellos artistas que directamente hacen participar al espectador como actores de su obra. Todas estas cuestiones, se inician desde el mismo momento en el que se difunde al artista y a su obra y el espectador es conocedor de la misma. La magia se produce cuando ambos elementos se encuentran. Los rostros en algunos casos de las dos partes –artistas y público- son un reflejo de ello. Además, el carácter itinerante del nuestro festival hace que el clímax del compromiso de la interacción del espectador hacia el artista se constata con el flujo de público que sigue el festival en varios puntos. Hay personas que recorren varios kilómetros, por ejemplo que van de Baiona a Irun (36 Km de distancia), otros a San Sebastian (50 Km de distancia) y a Errenteria (42 Km de distancia), etc, incluso pasando de un país a otro administrativamente hablando. El artista a su vez es consciente de este hecho. No estaría de más que el artista nos explicara por qué escoge el espacio público para su trabajo. Es verdad que todos conocemos que hay un artista tipo que le gusta crear obras para espacios públicos. Que reconocen que el riesgo de bailar tan cerca del espectador, el placer de observar sus rostros y sus reacciones, así como el propio ecosistema y sus elementos, hacen que su expresividad se vea estimulada y que su trabajo sea más atractivo y estimulante para él. Además cuando su obra tiene un carácter reivindicativo el espacio público le permite llevar su obra más directamente al espectador.

O tal vez porque quiera volver a sus orígenes y socializar la danza. Debemos tener en cuenta que la danza siempre se había compartido como parte esencial de la cultura común de los pueblos, desarrollada en espacios públicos. En este sentido Dantza Hirian (Danza en la Ciudad) trabaja en pro de esta idea, como uno de sus principales objetivos. Como escuché una vez decir a alguien - Mi duda es si realmente hoy podemos hablar del arte publico o del arte en publico. Si bien el donde, es importante, esto no hace que adquiera un componente/participación directa sobre la creación, dado que este va cambiando, es por eso que el único nexo de unión se da a través de la representación de la propia obra y la interacción del espectador… por ello el donde, tal vez debamos entenderlo más como parte de la representación que de la reivindicación identitaria que algunos le quieran dar desde fuera y que nada tiene que ver con la creación artística. Cuidado con donde programar. Short lecture about multiple name artist, por GIANLUCA CRESCIANI. Historiador del arte y artista visual, ITALIA. Hoy en día podemos decir que el aspecto más buscado en las obras denominadas site specific es la relación con el entorno. Tanto él como sus habitantes se convierten en parte central del intento de hacer visible lo invisible y así estimular las sensaciones, ser tocado por la cercanía de las cosas, sentir la esencia, y formar parte de ellas a partir de la participación. Se ha definido como el “vivir poético”, y se trata fundamentalmente de una labor basada en la recepción, en la comunicación horizontal. Diseño y publicidad han substituido lo que había sido el objetivo y sueño de la vanguardia histórica del arte desde el futurismo y han acabado por introducirse en la vida cotidiana, aunque actúan según en una comunicación vertical, desde una fuente en lo alto a un público que recibe y se deja persuadir. La oportunidad del arte público es redescubrir su propósito original: el juego social. Puede tener un calor comercial, pero el arte tiene un propósito comunicativo distinto. Esto se debe a la (re)aparición de la correlación temática (teoría de sistemas, modelos cibernéticos, la psicología relacional, etc.) y el retorno a los modelos polidireccionales que apuestan por un saber no tan universal como multiversátil. La red importa más que la trayectoria, lo horizontal es más importante que lo vertical, y el dispositivos que originan esta concepción son internet y las redes sociales. Así se ponen en entredicho valores como la singularidad o la autoría de una obra en favor de una repartición. Aún así, es realmente difícil alterar las tres motivaciones fundamentales del trabajo de un artista: 1) la necesidad de dinero (“el artista crea arte y lo hace porque es su manera de ganarse la vida”), 2) el deseo de auto-confirmación (“el artista crea arte para conseguir un posición social y un reconocimiento”), 3) la necesidad de expresar un contenido altamente subjetivo (“el artista crea arte para decir algo profundo sobre él mismo”). Pero si el artista es un termómetro de su tiempo, es éticamente correcto que colabore con emergencias sociales. Éstas parecen ser las del dispositivo social que requiere la participación, la construcción de una red de relaciones; no la presentación de la individualidad sino de la multiplicidad. Por lo tanto, se ve como algo positivo el intento de realizar una obra de arte colectiva, intelectualmente informada y emocionalmente involucrada, capaz de entretener y divertir, de escuchar y encontrar su propio camino. Dadas las circunstancias actuales, es más importante el intento de crear un dispositivo artístico de participación que el resultado final: el intento se convierte en la obra de arte. Con esto me refiero al arte público. Por otro lado, creo realmente en la validez de ciertos momentos de búsqueda artística personal privada o compartida con unas pocas personas, como es el caso de muestras en pequeñas galerías o teatros de experimentación no masificados. En el arte público, sin embargo, el taller importa más que el espectáculo. Se valora la capacidad de los artistas para jugar en equipo más que en solitario, la actitud de entrenador social más que de investigador solitario, la de maestro más que la de poeta existencialista, en resumen, se valora más lo plural que lo singular. Las mismas reacciones del público son una parte fundamental de la producción artística. Los aplausos son también performativos dentro de una flashmob. El plan de trabajo se basa en la inclusión, representada en el concepto de la “unidad en la diferencia”. La nueva bulimia artística tiene la mirada puesta en el método de residencia artística, el cual, en esta etapa, se ha convertido en una camino inevitable que recorrer a sabiendas de que puede allanar el terreno para nuevas formas culturales. Poner en duda lo obvio y cotidiano debe seguir siendo parte fundamental tanto en la teoría como en la práctica. Sorprender y sorprenderse creo que aún caracterizan y caracterizarán en el futuro la práctica artística. Parece interesante indagar en las diferencias y similitudes entre el entretenimiento, el juego y el arte.

Hypermodernity and space: from Italian piazzas to Mexico City metro, by FRANCESCO ZANOTELLI. Anthropologist, Messina University, ITALY. According to Michel de Certeau, the concept of space is somehow abstract. A space is empty of meaning. It has a symbolic nature rather than real. Space is something than can be bought (a billboard), something as indefinite as the interstellar space, or even an action (the Italian expression fare or farsi spazio –to make space– implies an alteration of the context, a physical and symbolic action that produces a new space for us to fill). Perhaps, the first connection between the concepts of space and social cohesion is related to the opportunity to build our own space within the space of other people. This implies some flexibility, since this space where we expect to create something new must be receptive enough to include other spaces. A second interesting matter of discussion is the concept of “place”. In contemporary urban anthropology there is a major debate regarding the typical features of urban space in the surmodernité era, as Marc Augé defined the current process of globalization. According to Augé, the concept of place cannot be conceived without its opposite: the non-place. The first is defined by identity, history and social relations, whereas the second has none of these characteristics. Good examples are commercial centers, airports, the metro, etc. In this regard, an urban space can be a place or a non-place. Both are the result of a human and socio-cultural experience. Working on these two contrary concepts, I will try to expound the similarities and differences between European and Latin-American urban worlds. For this purpose I have chosen two different public spaces: the town center of Poggibonsi, in Tuscany, Central Italy, and the metro stations in Mexico City. Both places are scenarios for public dancing performances and representatives of those opposites mentioned before. The walkways in Poggibonsi have a very specific identity. They still keep their social function and are a daily place of reunion for the elders, a playground for children after school and a space where those immigrants arrived from Africa and Eastern Europe during the 80’s meet and chat. On the other hand, we have the metro stations in Mexico City, the characteristics of which define them as a non-place. They have no identity, no history and give room to no social relations. The metro is a place of transit, a place of solitary and individual experiences. An interesting aspect of those artists performing in public spaces lies in the way they set in a context for their performance and how the occasional audience perceives their acting. It may seem obvious that the piazzas in Poggibonsi are more predisposed to social interaction and, therefore, is easier to “make space”. On the contrary, the metro presents a rigid space regulated by the circulation of people and rush. The only social relations are established by an anonymous exchange of goods. But after a deeper approach, things seem more complex and simple first judgments turn out to be erroneous. Happy Tuscany, a first destiny in global tourism thanks to its beautiful green hills and its medieval towns, takes good advantage of its image and the numerous visits of excited tourists every year. The effects of this process usually turn places into non-places, spaces where history is considered a good rather than a human experience. This may lead to the destruction of social cohesion, as happened in San Gimignano, a town close to Poggibonsi. The eldest cannot afford an espresso in a cafe anymore –since global tourism has caused a raise on its price– and therefore have no place to meet and play cards. On the other hand, Mexico City metro, despite its functions and strict norms, is at all times alive with people that travel around and build regular social relations. If you look closer, you may see couples meeting, sitting, chatting and kissing in the stairs; a father carrying a spoon, a drink and some rice in his bag who affectionately feeds his little child in the wagon and humanizes this oppressing atmosphere; the stands and the small trade that you can find all around the metro. These are examples of spaces that appear in a non-place. These routine and daily habits allow the appearance of other social spaces, such as public dancing performances. However, I do not mean all the official procedures and organization needed in order to perform –though they must be taken in account as well, since they are related to the harmony and the political space of a certain place and moment. I actually mean the adaptability of a social space and the people who decide to stop, watch and become the audience of an artistic event. They interrupt this space of transit and force a change in the rules that control it just for small period of time.

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picture by francesca svampa Asier Zabaleta (Eurociudad Vasca Bayonne-San Sebasián, FRANCIA-ESPAÑA) - Performance at SUBTERRÁNEO 2012, Mexico DF

En la danza, como arte público, se llega a intervenir la

arquitectura, el edificio, el espacio físico, pero también la jerarquía (la arquitectura social), la significación y la dinámica social. Son modificadas la circulación, el uso de espacio, la propiedad, la pertenencia aunque estas modificaciones sean sólo momentáneas. Entonces en el arte escénico público hay una cualidad efímera que da la impresión de libertad y transgresión del artista. El arte escénico público también depende de las formas de producción imperantes, y entonces no siempre depende de la voluntad del artista sino también de productores y de otros agentes culturales (programadores, asociaciones vecinales, instituciones de difusión de la cultura, etc.).

Dancing, as a public art, has an influence in architec-

ture, buildings, physical space, hierarchy (social architecture), signification and social dynamics. Life, space functions and property are temporarily modified. Public stagecraft has an ephemeral quality that gives the artist this air of freedom and transgression. Public stagecraft depends as well on prevailing production systems. The performance does not depend only on the artist, but also on the producer and other cultural agents (managers, neighborhood associations, cultural diffusion institutions, etc).

Mexico City: public space and transformation through dancing, by HÉCTOR M. GARAY AGUILERA. Director and founder of VITARS, Cultural Development, MÉXICO. In Mexico City the art of dancing is practiced in several different ways: the ritual, the festivity, the alternative space and the artistic event –and ranges from the social and political fields to the artistic ones. Both public and private expressions of art are the result of a peculiar conception of social and political relations that give a different meaning to physical space, usually related to the performers and the artistic genre. Our interest is focused in contemporary performing dance, which has offered splendid shows in the space of Mexico City, where the authorities have always defended the collective property of any kind of public event. In public spaces every dancing performance keeps its sense of freedom and irreverence. There are no prohibitions or limits, or a need to ask for permission. Demonstrations of nonconformity are taking place more frequently in public spaces, and the participation of artists and their actions are getting new meanings. Dancing, as a public art, has an influence in architecture, buildings, physical space, hierarchy (social architecture), signification and social dynamics. Life, space functions and property are temporarily modified. Public stagecraft has an ephemeral quality that gives the artist this air of freedom and transgression. Public stagecraft depends as well on prevailing production systems. The performance does not depend only on the artist, but also on the producer and other cultural agents (managers, neighborhood associations, cultural diffusion institutions, etc). Using a public space as a stage for cultural activities is justified in order to ensure public access to cultural services. The art of dancing is very effective for this purpose, but the relation with the audience is still really temporary. Artistic performances are less usual and decisions fall entirely on their creators. Contemporary dance choreographers have chosen several urban spaces in Mexico City to show their work: the historic center, the Constitution Square and the surrounding streets and monuments. Other spaces such as the park of La Alameda or the neighborhood Colonia Roma have been used for public performances as well since the earthquake on 1985. The tragedy resulted in several changes: a democratic opening, a crisis inside the ruling party, the birth of a popular movement, the reconstructions of Mexico City and, in the artistic aspect, a connection between urban spaces, social needs and art, especially dancing. This connection is reflected in the so called “Contemporary Dance Street Meetings” that took place between 1986 and 1994. These meetings were organized by Mexican Dance A.C. and the Union of Neighbors and Victims September 19. Current performances were born in these encounters. The spirit of that moment and the actions of associations such as Asaltodiario will establish the characteristics of performances in urban spaces. Mexico City is encouraging experimentation in new spaces. The city is a new stage. But there is a lack of programmed festivals, encounters, systematic methodology in space intervention and a proper technical infrastructure. An important issue to bear in mind in public spaces is the relation with the audience. When meeting a performance, the viewer passes through different stages: surprise, involvement in the performance, active participation in actions that include him, etc. Space, theme, artistic resolution and participation of the audience definitely contribute to recover spaces, but the trust of the audience is vital in order to improve the situation of those living in problematic areas of the city. Mechanisms, porosities, transystems: performances in public spaces, by RAMÓN PARRAMÓN. Director of iDensitat and the Contemporary Arts Center ACVic, SPAIN. Porosity is the quality of some material to absorb liquid or gaseous substances. It is a well the quantity of pores or empty spaces in solid substances that permit a flow of liquids. The artistic practice has the quality to become porous in relation to any element existing in a place, that is, in a social space. A social space is to be understood as a gaseous element that covers completely every empty space and any of its components. It is an intrinsic part of the combination between the artistic practice and the elements chosen in a certain place (space, time, activity, interaction...). Porosity and permeability must be stimulated an accelerated by a “mechanism”. In this case, this mechanism is related to the concept of

“system”. A transverse system (transystem) that contains several projects and joins elements than otherwise would not be connected. This system requires a wish to expand, a need to impregnate itself, a possibility to penetrate, an urgency to relate and complicity among the different agents. From this perspective, a social space is never constant. The mechanism turns on different elements of the social context, making them part of the process, leading them to mutual understanding, or even provoking disagreement and rejection. Social space must be considered an active agent in combinatory processes based in porosity. Contemporary art, as a major agent in culture, is still unable to properly define its functions, its services and its audiences or target groups of his works. Contemporary art is surviving in hostile territory. There is still a long way to go before the actions and cultural policies that relate the artistic practice with society (more integration, less exclusion) are established. When we say art acts as a mediator in certain contexts, sharing goals with other agents and working together but with different methodologies, we are considering plausible alternatives to link art with society. This is vital and necessary in order to create a new context. Some artistic practices turn out to be “transystems” rather than just works or even concrete projects. They are transversal systems based on collaborative and participatory processes. This practices conceived as “transystems” cannot be analyzed regarding the traditional aspects of staging and realization. They are part of a transversal and transdisciplinar area that activates new cultural practices that influence the social context. From this perspective, art is understood as a mechanism that generates a porous system. The current political, social and economical situation requires new actions, and artistic and cultural practices must have an important role. So far, a few of these actions had a symbolic role in the spheres of power. Most have acted directly as critical responses against political and financial systems or have opened new alternatives. When those systems go into a crisis, critical actions must act as representatives of another social reality that wants a transformation. Minorities must have a major role in this current context. The art of the street must turn to official institutions. We must rewrite a story under new conditions. We must analyze, debate and take new stands, share them with politicians an all social groups alike. Many of these groups need a new identity, and this is their chance. This political action is a well another way to act in public spaces. Public art in the Basque Eurocity Bayonne-San Sebastian, by ION ELORZA, Producer and Communications Manager at Dantza Hirian Festival, FRANCE-SPAIN. In Dantza Hirian (Dance in Urban Spaces Festival) we bring contemporary dance to the public spaces of a city of cities, a metropolis called Basque Eurocity Bayonne-San Sebastián, in the Atlantic coast of the former French-Spanish border. When the border disappeared in 1993, a reality of mixed cultures and languages –sharing the Basque language in common– emerged. Even so, the border had never been an obstacle for a constant share of ideas, common projects and cooperation between cultures that has created a unique space where culture and artistic performances have an essential role. In this city of cities that stretches along 50 km of coast, we can find a great diversity of public spaces. The Basque Eurocity is formed by 42 towns –each one with its own identity and different neighborhoods– with a total population of 600,000 inhabitants. At the same time, all this towns can be considered the different neighborhoods of a greater city. Hence the diversity of public spaces, among which we highlight one in particular: the frontó court fields. In these spaces, where people play Basque pelota –a traditional sport–, we organize the Children’s Section of the program. As a platform that promotes dancing in urban spaces, our motto is “Look. Feel. Listen. Touch the dance!”, and we try to make possible all the combinations related to the interaction between the artist and the audience. In order to achieve it, it is vital to have a proper and convenient space for our performances and to show an eternal respect to both regular and casual audiences. Everyone and everything is important: those who are recording the performance, those who enjoy it from every angle, those who are sitting on the ground...the scene, the set,

the urban furniture and those artists who make the audience part of their performances. All these issues have their origin when the artist shows his work to the people. Magic appears when artist and audience meet, and the look in their eyes proves it. The fact that people read the leaflets between performances and all the comments after the shows are another example of the interaction that takes place in urban spaces. This interaction allows a closer approach to the artist and a humanization of art. Besides, the travelling nature of the festival makes easier to notice the commitment of the audience to the artist and his art. Some people travel from Baiona to Irun (36 km away), to San Sebastián (50 km away) or maybe Errenteria (42 km away). They even cross from one country to the other in order to follow the festival. The artist is aware of this fact. The artist is the only one who knows the reasons for choosing a particular space to show his work. There is a certain type of artist who likes to carry out performances in public spaces, who knows that acting so close to the audience implies always some kind of risk, who enjoys the expressions and reactions of people, and the space and its elements as well. All this makes him more expressive and his performance more interesting. Public spaces also highlight the vindicating nature of certain performances. It is important to remember that dancing used to be an important element in the common culture of a society and performances always took place in public spaces. Dantza Hirian (Dance in the City) wants to return dancing to its social origin, and works hard for this aim. Someone said once: “I don’t know if we should call it public art or art in public. The place is important, but it does not imply a determining influence in creation. The place is always changing. What really matters is the relation between your performance and the interaction with your audience. The place should be considered part of the performance, but not part of its ultimate identity. The place has nothing to do with artistic creation.” Choose wisely the space for your performances. Short lecture about multiple name artist, by GIANLUCA CRESCIANI. Art Historian and visual artist, ITALY. Nowadays, the most important aspect of a site specific performance is the relation with the environment. Life and persons become indispensable if we want to make visible the invisible, if we want to stimulate emotions, to be touch by the closeness of things, to feel their essence and be part of it through participation. This has been defined as “poetic living”, and it is basic in order to carry out a performance and for horizontal communication. Design and advertisement have replaced the primary goals and wishes of the artistic avant-garde known as futurism, and have finally set up in our daily life. Those new goals are effective, but only in a vertical communication. They come from a source that is on top and descend to an audience that receives and is persuaded. But now public art has the opportunity to rediscover its original goal: the social game. Art may have a commercial side, but its true purpose is communication. The (re)appearance of thematic correlation (theory of systems, cybernetic models, relational psychology, etc) and the return of polidirectional models promoting a multiversatile knowledge rather than universal, have benefited this purpose. The net is more important than the trajectory. Horizontal is more important than vertical. The internet and social networks are the two main agents of this situation. Uniqueness and authorship are now redefined in favor of sharing. But it is actually very difficult to change the three basic motivations of an author: 1) a need for money (“the artist creates art and signs it because this is how he earns his living”); 2) a wish for self-confirmation (“The artists creates art and seeks recognition”); 3) a need to express highly subjective issues (“The artist creates art to say something deep about him or herself”). Nevertheless, if the artist is a thermometer of his time, it is ethically correct for him to work with social emergencies. This seems to be imposed by the interactive mechanisms that require participation and the weaving of a social network. It is not the presentation of individuality but multiplicity. The creation of a collective work of art is now considered positive. A work intellectually and emotionally involving, able to entertain and completed. Given the current circumstances, it is more important the attempt to create an artistic system of

participation rather than its result. These attempts will turn out to be the actual work of art. However, I am only referring to public art. I truly believe in personal artistic research, private or only shared with few people. This is the case of exhibitions in small galleries or experimental performances in theaters. However, in public art the workshop is more important than the show. The artist must be able to play in a team rather than alone. His research must be social rather than solitary. In short, more plural than singular. The reactions of the audience are a basic element of the artistic productions. Applauses must be considered a performing element in a flash mob as well. Inclusion is part of the working plan, envisioned as the concept of “unity in difference”. The method of artistic residence controls the new bulimia of art. At this stage is inevitable to follow this path, knowing that perhaps it may lead to new cultural platforms. Art is and will always be defined by a desire to question what seems obvious, to break daily life, to surprise and be surprised, and this must stay untouchable. Exploring the similarities and differences between entertainment, game and art may seem an interesting path to follow.

Nota bibliográfica Michel de Certau, L’Invention du Quotidien, Vol. 1, Arts de Faire, Union générale d’éditions, Paris, 1980. Marc Auge, Non-Lieux. Introduction à une anthropologie de la surmodernité, Paris, Seuil, 1992. Bibliography Michel de Certau, L’invention du Quotidien, Vol 1, Arts de Faire, Union générale d’éditions, Paris, 1980. Marc Auge, Non-Lieux.Introduction à una anthropologie de la surmodernité, Paris, Seuil, 1992.

COMPAÑÍAS MEXICANAS DE GIRA EN EUROPA MEXICAN COMPANIES TOURING IN EUROPE

MOVING BORDERS

Entrevista a / Interview with Jaciel Neri

Coreógrafo y Director Artístico / Choreographer and Artistic Director. Moving Borders actuó en los festivales INTERFERENZE y BALLO PUBBLICO 2012 / Moving Borders performed at INTERFERENZE and BALLO PUBBLICO 2012 Che cosa ha significato per voi la partecipazione al Festival Ballo Pubblico di Poggibonsi? La nostra partecipazione al Festival Ballo Pubblico è stata una sfida, era la prima volta infatti che presentavamo lo spettacolo ”Nosotros” in spazi urbani nonostante avessimo già partecipato a festival di questo tipo con altre performance. Affrontare un pubblico con caratteristiche culturali diverse è sempre un sfida. Siamo però rimasti positivamente molto sorpresi dalla vicinanza riscontrata con la società italiana. Qual’è la particolarità di questo festival rispetto ad altri a cui avete partecipato? Dal punto di vista artistico ho trovato la scelta degli spettacoli in programma molto ben fatta ed adeguata al contesto. Le performance sono entrate subito in relazione diretta con gli spettatori di Poggibonsi e l’impatto sul pubblico è stato molto evidente. La parte organizzativa era impeccabile, il Festival si è svolto senza contrattempi od imprevisti, questo ci ha dato la tranquillità necessaria a fare bene il nostro lavoro negli spettacoli. Come è stata la tua esperienza con gli alunni italiani? Penso che gli italiani abbiano una capacità creativa infinita, sono dotati di un senso di organicità del tempo ed il tempo si riflette nei loro corpi esprimendo qualità molto particolari. Sono eccellenti improvvisatori, appassionati e pronti a rischiare. Hai notato molta differenza rispetto ai danzatori messicani? Naturalmente sì, le differenze più evidenti provengono dagli usi e costumi di ogni singola cultura, queste differenze però si trasformano in qualcosa di affascinante, in un mezzo per provocare dinamiche sempre differenti. Siete abituati a fare performance in spazi pubblici? Sì, credo che attualmente lo spazio pubblico sia lo spazio ideale per innescare un processo di trasformazione delle attitudini della nostra società. Abitare lo spazio pubblico con la danza è mettere a confronto diretto la creatività con la vita. Che differenza comporta per voi come artisti fare performance in spazi pubblici piuttosto che in luoghi più tradizionali come per esempio i teatri ? Più che per noi come artisti la differenza si esprime nelle dinamiche che si innescano, si crea così la possibilità detonatrice di muovere confini e visioni nella società. Sia il teatro che lo spazio pubblico hanno una maniera specifica di concepire ed allestire le opere, però io credo che se un lavoro è consistente nella sua concezione e coerente negli elementi che lo compongono si possa trascendere qualsiasi spazio. Gli spazi pubblici sono frequentemente usati in Messico per le manifestazioni artistiche (di danza ed altri tipi di manifestazione)? Sì. Diciamo che la società messicana abita lo spazio pubblico in modo intenso e dinamico, è nello spazio pubblico che quasi tutto accade. Attualmente abbiamo due progetti importanti che sono MASIVO e TRIBU.S , con i quali ci proponiamo di “Recuperare il senso della co

esione sociale e l’attenzione all’immaginario delle persone, tenendo conto delle forme attuali con cui comunichiamo, senza escluderle ma integrandole”. Qual’è la vostra esperienza in questo senso? Penso di avere abbastanza esperienza e molte esperienze in ambiti diversi. Ho iniziato fin da bambino a danzare in spazi pubblici, ballando le danze tradizionali nella strada e di fronte alla chiese, per poi passare ai teatri ed includendo in questo percorso i festival di strada. Adesso sono tornato a progetti scenici in spazi urbani come MASIVO che restituisce, tra le altre cose, i fenomeni visivi che produce un gruppo di corpi in un contesto urbano. Credi che l’arte possa essere uno strumento di cambiamento sociale? Assolutamente sì , due delle nostre costanti premesse nel nostro lavoro scenico sono “usare la danza per trasformare le attitudini sociali” e “valorizzare la ricchezza della nostra storia e darle una nuova vitalità con il nostro presente”. I risultati che abbiamo ottenuto con i nostri progetti sono stati abbastanza soddisfacenti e quantificabili. A noi interessa molto seguire i processi creativi e monitoriamo costantemente l’impatto ottenuto in ogni singolo progetto, questo ci ha permesso di osservare la capacità trasformatrice della creatività. Quale pensi dovrebbe essere il ruolo degli artisti, in particolare dei danzatori e coreografi, per creare società più giuste ed eque? In questa nostra epoca la danza, chi la crea, chi la esegue e chi la interpreta, hanno una missione molto importante, io credo che la danza oggi sia il mezzo più immediato per ripensare e reinterpretare l’uso del corpo in tutti i suoi significati. In questo 2012 si parla molto di trasformazione, di un cambiamento o di una fine e un principio, io credo che questo possa realizzarsi a partire dalla consapevolezza dell’uso del corpo quale entità primaria e generatrice di tutto il nostro ambiente. La danza promuove il rispetto, la tolleranza, l’esperienza della ricerca dei sensi e la connessione con l’intelletto, la conoscenza equa e collettiva. ¿Qué ha supuesto para vosotros la participación en el Festival Ballo Pubblico en Poggibonsi? Nuestra participación fue todo un reto ya que es la primera vez que presentamos la obra NOSOTROS en espacios abiertos, sin embargo ya teníamos la experiencia de presentar obras en este tipo de festivales. El enfrentar a un publico con unas características culturales diferentes siempre es un reto. Sin embargo ahora nos sorprendemos de lo cercanos que estamos a la sociedad italiana. ¿Qué tiene de particular este festival en comparación con otros en los que habéis participado? En la parte artística me parece que la selección de las obras participantes esta bien hecha y adecuada al contexto. Las obras crearon una relación directa con los espectadores de Poggibonsi y el impacto

en la audiencia se hizo muy notorio. La parte de organización es impecable, el festival se realizó sin contratiempos e imprevistos visibles, por lo que a nosotros nos dio la tranquilidad de hacer bien nuestro trabajo en las presentaciones. ¿Cómo ha sido tu experiencia con los alumnos italianos? Considero que los italianos tienen una capacidad creativa infinita, están dotados de una organicidad del tiempo y el tiempo en su cuerpo se refleja en cualidades muy particulares. Excelentes improvisadores, apasionados y llenos de disposición e inquietudes de arriesgar. ¿Has notado muchas diferencias respecto a trabajar con bailarines mexicanos? Por supuesto, lo más notorio son los usos y costumbres de cada cultura, esto se convierte en algo fascinante y un medio para provocar dinámicas siempre diferentes. ¿Acostumbráis generalmente a actuar en espacios públicos? Si. Considero que el espacio púbico es actualmente el espacio ideal para lograr una transformación de la actitud de nuestra sociedad. Habitar el espacio público a través de la danza es confrontar a la vida con creatividad. ¿Qué creeis que aporta para vosotros como artistas el actuar en espacios públicos en comparación con actuar en espacios más tradicionales, como teatros, etc? Más que aportar para nosotros, es aportar a la dinámica detonadora que mueve fronteras y visiones en la sociedad. Tanto el Teatro como el espacio público tienen su propia manera de concebir las obras, pero yo creo que si una obra es consistente en su concepción y la coherencia de sus elementos, puede trascender en cualquier espacio. ¿Es frecuente el uso del espacio público para las manifestaciones artísticas (de danza u otros tipos) en México? Si. Digamos que la sociedad mexicana habita el espacio público de manera intensa y dinámica, es allí donde casi todo sucede. Actualmente realizamos 2 proyectos importantes que son MASIVO y TRIBUS con los cuales proponemos que recobrar el sentido de congregación social es recobrar la atención del imaginario de las personas, tomando en cuenta las formas actuales en las que nos comunicamos, no ignorándolas sino integrándolas. ¿Cuál es vuestra experiencia en este sentido? Me inicié en el uso de los espacios públicos desde muy niño, bailando en las danzas tradicionales de mi pueblo en la calle y frente a las iglesias hasta pasar por foros y teatros, sin faltar a los festivales de calle. Ahora he retomado los proyectos escénicos en espacios urbanos como MASIVO que retoma entre otras cosas, los fenómenos visuales que reproduce un grupo de cuerpos en un entorno urbano.

¿Cuál creéis que es el papel de los artistas, y en concreto los bailarines y coreógrafos, para crear sociedades más justas y equitativas? Justo en esta época la danza y quien la crea, la ejecuta o la interpreta, tiene una misión muy importante, ya que considero que la danza es hoy el medio más inmediato para replantear y reinterpretar el uso del cuerpo y todos sus sentidos. Mucho se habla en este 2012 de una transformación, de un cambio o de un fin y un principio, y considero que esto se logrará a partir de la conciencia del uso del cuerpo como ente primario y generador de todo nuestro entorno. La danza promueve el respeto, la tolerancia, la experiencia de indagar en los sentidos y la conexión del intelecto, de un conocimiento colectivo y justo. jacielneri@gmail.com www.moving-borders.com / www.jacielneri.com

pictures by ballo pubblico Moving Borders (Mexico) Performance at BALLO PUBBLICO 2012, Poggibonsi (Italy)

¿Creeis que el arte puede ser una herramienta para el cambio social? Por supuesto. Dos de las premisas constantes en nuestro trabajo escénico es “desbordar la danza para la transformación de la actitud social” y “valorar la riqueza de nuestra historia y darle una vitalidad con nuestro presente”. Los resultados que hemos tenido en nuestros proyectos han sido bastante satisfactorios y cuantificables. Nos interesa mucho los procesos creativos y el seguimiento del impacto en cada uno de nuestros proyectos y esto nos ha permitido observar la capacidad transformadora de la creatividad.

Entrevista a / Interview with Shanti Vera

Coreógrafo y Director Artístico / Choreographer and Artistic Director. Cuatro x Cuatro actuó en el festival Dantza Hirian 2012 / Cuatro x Cuatro performed at Dantza Hirian Festival during 2012.

Que pensez-vous des projets de collaboration entre festivals de différents pays et plus concrètement que pensez-vous du projet Mex in Dance auquel vous avez participé ? Je pense qu’il est primordial de reconsidérer les réseaux de collaboration entre festivals, organismes culturels, agents culturels et artistes d’art contemporain. Car s’il est vrai que les collaborations sont nées en réaction à la crise mondiale actuelle, il est essentiel de les consolider. Autrement dit, il nous faut prolonger les actions spécifiques effectuées par les réseaux de collaboration en faveur de la diffusion et de la promotion culturelles à court, moyen et long terme par le biais de stratégies concrètes toujours en rapport avec les contextes auxquels elles appartiennent. Lors de Mex in Dance, projet de collaboration auquel j’ai participé avec ma compagnie Cuatro X Cuatro en tant qu’invité de la compagnie Moving Borders de Jaciel Neri, j’ai pu observer l’entrecroisement de trois festivals qui a permis aux projets scéniques mexicains d’évoluer dans quatre espaces géographiques différents. Pendant 18 jours, les actions menées ont été les suivantes : 6 représentations, 4 ateliers et 2 classes magistrales. Mais au-delà des chiffres, je pense que cela nous montre à quel point la collaboration peut être un détonateur en ce qui concerne l’impact des festivals sur la société, l’utilisation des ressources économiques et l’expansion des compagnies sur d’autres territoires. Que vous a apporté votre passage à Dantza Hirian dans le cadre du projet Mex in Dance ? La participation de la compagnie Cuatro X Cuatro au festival Dantza Hirian a été positive et a aussi transgressé les règles pour différentes raisons. Elle a été positive parce que pendant sept jours nous avons partagé nos connaissances, styles, façons de penser, philosophies, et par rétroaction beaucoup reçu de la part de plusieurs groupes d’artistes, étudiants et personnes aux capacités diverses ainsi que d’un public varié issu de différentes villes du Pays basque, espagnol et français. Et à mon avis, elle a aussi transgressé les règles parce qu’une fois de plus j’ai pu observer que la danse est un moyen de mobiliser les foules. Pendant Dantza Hirian, j’ai en particulier pu ressentir la danse comme un besoin social de briser les frontières, un moyen qui dans cette région génère une identité multiculturelle. Cette sensation d’identité par le biais de la danse m’a fait réfléchir au sujet de l’importance d’un festival de danse de rue occupant à chaque fois des espaces urbains et ayant ainsi un impact social plus fort. Après cette participation, je souhaite définir les nouvelles stratégies du festival que je dirige dans la ville de Xalapa, capitale de l’état deVeracruz au Mexique. J’ai bien évidemment intérêt à ce que de plus en plus de gens s’approprient et s’identifient avec le festival Cuatro X Cuatro. Comment s’organisent les propositions scéniques de Cuatro X Cuatro ?

pictures by gorka bravo © dantza hirian Cuatro x Cuatro (Mexico). Performance at DANTZA HIRIAN, EuroCiudad Vasca Bayonne - San Sebastián (FRANCE SPAIN)

CUATRO X CUATRO

Cuatro X Cuatro développe des processus de création et d’expérimentation à partir de la construction et « dé-construction » de concepts personnels et outils provenant de l’art scénique contemporain. Depuis l’année 2010, Cuatro X Cuatro réalise une mise en scène incorporant la dramaturgie, la chorégraphie, la physicalité, le discours, la philosophie, l’expérimentation, l’intervention et l’émancipation dans une unité dynamique ayant le corps et l’action comme centre de création à l’intérieur d’un laboratoire appelé El cuerpo vacío sous la direction de Shantí Vera. Cuatro X Cuatro maintient une attitude scénique mobile et met l’accent sur l’articulation d’un discours essentiel et existentiel au sujet de notre identité mexicaine multiculturelle. Vous dirigez aussi le festival international Abril y Danzar / Cuatro X Cuatro dans la ville de Xalapa, état de Veracruz au Mexique. Comment est-il né ? Quels sont ses objectifs ? Le festival international Abril y Danzar / Cuatro X Cuatro est un projet collectif et indépendant fondé en 2009 par la compagnie Cuatro X Cuatro. Il est né dans le but de favoriser les conditions nécessaires aux artistes, producteurs, promoteurs, agents et étudiants pour collaborer, échanger, créer, expérimenter et promouvoir des œuvres nationales et internationales d’art scénique contemporain qui facilitent et renouvellent les modes de communication avec le public. Pendant cinq éditions, les objectifs du festival ont été la diffusion de l’éducation en arts scéniques, la construction d’un courant de pensée reposant la question de l’identité multiculturelle du Mexicain, la réflexion au sujet de notre civilisation, en plus de la recherche de nouveaux modes de communication dans la société et de la présentation de discours essentiels sur l’être humain contemporain. Pouvez-vous nous décrire la situation actuelle de la danse au Mexique ? Le Mexique est un territoire très vaste et je pense que donner une opinion sur ce qui arrive sur tout le territoire manquerait d’impartialité. Je peux cependant faire référence au large mouvement de promotion, diffusion, production et expérimentation de l’art scénique contemporain qui prend de plus en plus d’ampleur dans plusieurs états du pays, en plus des réseaux de collaboration et coopération constamment établis entre artistes et agents indépendants plutôt qu’entre institutions. Je peux aussi percevoir dans tout le pays un courant général de propositions qui remettent en cause la manière de faire de la danse et qui proposent leurs propres discours par le biais de l’utilisation de multiples outils pratiques et théoriques. Il y a bien sûr au Mexique beaucoup d’artistes qui mettent en œuvre des actions spécifiques dans le but de développer leurs propositions et auxquels il ne manque plus que le soutien d’une maison de production. http://cuatroxcuatrodanza.blogspot.com

¿Cuál es tu opinión sobre los proyectos de cooperación entre diferentes festivales de diferentes países y más concretamente cual es tu opinión sobre el proyecto Mex in Dance en el cual has participado? Considero que es de vital importancia replantear las redes de colaboración entre festivales, organismos de cultura, gestores y artistas de arte contemporáneo; si bien es cierto que las colaboraciones son reacciones ante la crisis que actualmente se vive en todo el mundo, es fundamental solidificarlas, es decir, expandir las acciones especificas que las redes de colaboración realicen en pro de la difusión y promoción de la cultura a corto, mediano y largo plazo a través de estrategias concretas siempre ligadas a los contextos a los que pertenecen. En Mex in Dance, proyecto de colaboración en el que participé con mi compañía Cuatro X Cuatro y como invitado de la compañía Moving Borders de Jaciel Neri, pude observar un cruce de direcciones de tres festivales que hicieron posible la movilidad de dos proyectos escénicos mexicanos en cuatro diferentes espacios geográficos; las acciones concretas en 18 días fueron: 6 presentaciones, 4 talleres y 2 clases magistrales, sin embargo, más allá de los números, considero que es una clara muestra de cómo la colaboración puede detonar un mayor impacto de los festivales en la sociedad, el aprovechamiento de recursos económicos y la expansión de las compañías en otras geografías. ¿Qué os ha aportado vuestro paso por Dantza Hirian en el marco del Proyecto Mex in Dance ? La estancia de la compañía Cuatro X Cuatro por el Festival Dantza Hirian fue positivo y transgresor por diversas razones; positivo porque durante siete días compartimos nuestros conocimientos, formas, pensamientos, filosofías, además de un proceso de retroalimentación con diversos grupos de artistas, estudiantes, y personas de capacidades diferentes, además de un público variado de diferentes ciudades del País Vasco, tanto de España como de Francia. Opino que fue transgresor, porque una vez más pude observar que la danza es un medio para movilizar conciencias, particularmente en Dantza Hirian pude percibir a la danza como una necesidad social de rompimiento de fronteras, un medio que en la zona genera identidad dentro de su multiculturalidad; esta sensación de identidad a través de la danza, me hizo reflexionar sobre la relevancia de un festival de danza en la calle que cada vez interviene espacios urbanos y tiene un mayor impacto social. Después de esta estancia pretendo direccionar estrategias del festival que dirijo en la ciudad de Xalapa, Veracruz, México; sin duda me interesa que cada vez más gente se apropie y se identifique con el festival de Cuatro X Cuatro. ¿Cómo se desarrollan las propuestas escénicas de Cuatro X Cuatro?

Cuatro X Cuatro desarrolla procesos de creación y experimentación a partir de la construcción y de-construcción de conceptos personales y herramientas que proceden del arte escénico contemporáneo. Desde el año 2010 Cuatro X Cuatro inició una dirección escénica integrando la dramaturgia, la coreografía, la fisicalidad, el discurso, la filosofía, la experimentación, la intervención y la emancipación en una unidad dinámica siendo el cuerpo y la acción el centro de la creación dentro de un Laboratorio llamado “El Cuerpo Vacío” bajo la dirección de Shantí Vera. Cuatro X Cuatro mantiene una postura escénica móvil, incide en articular un discurso esencial y existencial sobre nuestra identidad mexicana multicultural. También diriges el Festival Internacional Abril y Danzar/ Cuatro X Cuatro en la ciudad de Xalapa, Veracruz, México ¿Como nació? ¿cuales son sus objetivos? El Festival Internacional Abril y Danzar/ Cuatro x Cuatro es un proyecto colectivo e independiente fundado en el año 2009 por la compañía Cuatro X Cuatro que surgió con el objetivo de propiciar las condiciones necesarias entre artistas, productores, promotores, gestores y estudiantes para colaborar, intercambiar, crear, experimentar y promover obras de arte escénico contemporáneo nacionales e internacionales que propicien y renueven formas de comunicación con el público. Durante cinco emisiones el festival ha direccionado los objetivos hacía la promoción de la educación en las artes escénicas, hacia la construcción de un pensamiento que replantee la identidad multicultural del mexicano, hacia la reflexión sobre nuestra civilización, además de las nuevas formas de comunicación en la sociedad y exponer discursos esenciales sobre el humano contemporáneo. ¿Nos puedes exponer cual es la situación de la danza en México en estos momentos? Considero que México es un territorio muy amplio y que dar un opinión sobre lo que acontece en toda su geografía puede ser imparcial, sin embargo puedo mencionar que cada vez más en diferentes provincias del país se está generando un amplio movimiento de promoción, difusión, producción y experimentación de arte escénico contemporáneo, además constantemente se están desarrollando redes de colaboración y cooperación entre artistas y gestores independientes más que entre instituciones. Puedo percibir también que hay un movimiento en todo el país de propuestas que están cuestionando la forma de hacer danza y están proponiendo discursos propios a través de la utilización de múltiples herramientas prácticas y teóricas, sin duda en México hay muchos artistas que están articulando acciones concretas para el desarrollo de sus propuestas y que lo único que necesitan es el soporte de alguna casa productora.

TUMAKA’T

De gira por España en los festivales Lekuz Leku (Bilbao), Trayectos (Zaragoza) y Dies de Dansa (Barcelona) / Touring in Spain at Lekuz Leku (Bilbao), Trayectos (Zaragoza) and Dies de Dansa (Barcelona). ¿Acostumbráis generalmente a actuar en espacios públicos? ¿Qué creeis que aporta para vosotros como artistas el actuar en espacios públicos en comparación con actuar en espacios más tradicionales? Hasta ahora, la mayoría de nuestras presentaciones han sido en espacios convencionales, como teatros, pero esto ha ido cambiando y tenemos interés en poder realizar cada vez más presentaciones en espacios públicos. Las primeras presentaciones de la compañía, en el 2008, las realizamos en plazas de pueblos de Yucatán pero no ha sido hasta nuestra última producción, Números irracionales de Diana Szeinblum con la que tuvimos el apoyo de Iberescena, que hemos podido retomar este tipo de actuaciones. El espacio público ofrece libertad, los que pasan pueden decidir quedarse un minuto, 10, 30 o simplemente seguir. La cercanía entre los bailarines y el público crea una relación más horizontal comparada con la establecida en el teatro donde casi siempre existe no solo una separación espacial sino también visual, auditiva e incluso sensorial. Es interesante poder ver de cerca la reacciones del público, ver como las personas que transitan por el lugar salen de su rutina para detenerse un momento y disfrutar de algo inesperado y muchas veces desconocido. ¿Es frecuente el uso del espacio público para las manifestaciones artísticas (de danza u otros tipos) en México? En la cuidad donde vivimos, Mérida en el sur de México, es muy frecuente ver presentaciones en el espacio público. Usualmente son de grupos de danza folclórica y música de trova, en el área de las artes plásticas se han realizado iniciativas de llevar arte contemporáneo como exposiciones de escultura a espacios públicos. En el caso de la danza contemporánea eso solo sucede en contadas ocasiones dentro de los festivales de la ciudad. En nuestro caso, estrenamos Números irracionales en el centro histórico a un costado de la Catedral y frente al Museo de Arte Contemporáneo Ateneo de Yucatán dentro del Festival de la Ciudad. La experiencia fue tan buena que hemos tratado de realizar gestiones, aunque sin éxito, para volver a presentar la obra en espacios públicos de la ciudad. Esto nos ha llevado a realizar de manera independiente un plan de presentaciones en espacios públicos los domingos de febrero y marzo del 2013 con el fin de que la danza tenga mayor presencia en la sociedad. Para esto crearemos una obra dirigida a toda la familia. ¿Creeis que el arte puede ser una herramienta para el cambio social? Es difícil pensar que el arte pueda ser una herramienta para el cambio social cuando hay tantos déficits en el ámbito de la educación y salud, por mencionar algunos. Yo quisiera pensar que sí, que a través del arte podemos relacionarnos con el otro, encontrar nuestras similitudes y apreciar nuestras diferencias, volvernos más tolerantes a lo que es desconocido y encontrar el valor en distintos puntos de vista y formas de ver el mundo. En el espacio público conviven la danza con todo lo que la rodea: la arquitectura, las personas que pasan, las que se quedan y las que se van, los olores y el ruido de la ciudad e incluso los imprevistos como el clima. Más que adaptar el espacio a la obra, la obra y los bailarines se adaptan a él como el tipo de piso, inclinación, tamaño del espacio y elementos arquitectónicos. De alguna manera se establecen relaciones más justas e igualitarias y eso podría aplicarse como un buen ejemplo necesario para el cambio social.

Do you normally perform in public spaces? What do you think acting in public places brings to the performance compared to more traditional spaces? So far most of our shows were performed in traditional spaces such as a theatre, but this has changed and we would like to perform in public spaces more and more every time. The first shows made by the company, back in 2008, were performed in squares of some villages in the Yucatan, but it has not been until our last production Números irracionales by Diana Szeinblum and with the support of IBERESCENA that we have been able to revisit this kind of performance. Public spaces offer freedom, those who pass by the show can either stay for a minute, 10, 30 or just go. The closeness between dancers and the members of the audience creates a horizontal relationship compared to that of a theatre, where there is always a spatial and even visual, auditory and sensory separation. It’s interesting to come closer to the audience and watch their reactions, see how people that go around that space can forget about their routines and stop for a second to enjoy something unexpected and often unknown. How common is the use of public space for art forms (dance or otherwise) in Mexico? In the city where we live, Merida in southern Mexico, is very common to see presentations in public space. They are usually folk dance groups and trova music, in the area of visual arts initiatives have been made to bring contemporary art and sculpture exhibitions in public spaces. In the case of contemporary dance that happens only rarely within the city festivals. In our case, we released Numeros irracionales in the center next to the Cathedral and opposite the Museum of Contemporary Art Ateneo de Yucatán in the Festival City. The experience was so good that we have tried to take steps, albeit unsuccessfully, to re-present the work in public spaces in the city. This has led us to perform independently plan presentations in public on Sunday, February and March 2013 so that the dance has greater presence in society. For this we will create a work aimed at the whole family. Do you think that art can be a tool for social change? It is hard to think that art can be a tool for social change when there are so many gaps in the field of education and health, to name only a few. I would like to think so, that through art we can relate to the other beings, find our similarities and appreciate our differences, become more tolerant to what is unknown and find the value in different views and ways of seeing the world. In the public space dance coexists with all that surrounds it: the architecture, the passers-by, those who stay and those who leave, the smells and noise of the city and even the unexpected things just as the weather. Rather than adapting to the work space, the work and the dancers adapt to it as the type of floor, size of space and architectural elements. It somehow establishes more fair and equal relationships, and that could be used as a good example for what is needed for social change. www.tumakat.com

pictures by gorka bravo Tumakaâ&#x20AC;&#x2122;T - DIES DE DANSA 2012

MÁKINAdT

Entrevista a / Interview with Gervasio Cetto

picture by gorka bravo Mákina dT - DIES DE DANSA 2012

Mákina dT actuó en DIES DE DANSA 2012, Barcelona (España). Mákina dT performed at DIES DE DANSA 2012, Barcelona (Spain).

¿Acostumbráis generalmente a actuar en espacios públicos? ¿Qué creeis que aporta para vosotros como artistas el actuar en espacios públicos en comparación con actuar en espacios más tradicionales, como teatros, etc? Las nuevas generaciones de creadores tienden a salir de las salas, como una alternativa de trabajo y en búsqueda de experiencias artísticas mas cercanas al público y su realidad cotidiana. Nosotros mismos mákina de Turing. tenemos como ideal la presentación de nuestras obras en espacios alternativos, sin embargo, las instituciones y festivales generalmente impulsan actividades en teatros, por lo que no ha sido fácil mantener este propósito. ¿Es frecuente el uso del espacio público para las manifestaciones artísticas (de danza u otros tipos) en México? ¿cuál es vuestra experiencia en este sentido? En los años ochentas, inició un movimiento fuerte básicamente en la ciudad de México, mismo que hacia la mitad de la década pasada se estancó, posiblemente por lo complicado a nivel de tránsito y seguridad de la propia ciudad, hoy en día existen actividades artísticas en espacios públicos, pero pocas de ellas dirigidas a la danza, a pesar de ello hay grandes esfuerzos por abrir espacios, prueba de esto es que el Premio Nacional de Danza INBA-UAM-UNAM que es premio más importante en coreografía de México, sale de los teatros y dedica la emisión 2013 a creaciones en espacios urbanos, pero aun nos queda mucho camino por recorrer y muchas compañías no cuentan con espectáculos de este tipo. ¿Creeis que el arte puede ser una herramienta para el cambio social? El arte es parte viva de todo cambio social, por lo que el artista tiene que comprometerse honestamente con su trabajo. En mi opinión, los seres humanos no tenemos un cuerpo, somos cuerpo, el movimiento, el espacio, el tiempo son algunos de los principales paradigmas del ser humano y las sociedades, en ello radica la importancia del bailarín.

Do you normally perform in public spaces? What do you think acting in public places brings to the performance compared to more traditional spaces? This new generation of artists tend to leave traditional spaces as a work alternative and in search of new artistic experiences closer to the audience and its reality. We, Mákina de Turing, have the objective of performing in alternative spaces, although institutions and festivals tend to promote these activities only in theatres, which has been hard giving our intentions. How common is the use of public space for art forms (dance or otherwise) in Mexico? In the eighties a new movement appeared in the city of Mexico and disappeared in the mid nineties, probably for traffic and security reasons. In the present there are some artistic activities in public spaces, but only a few related to dance. However there are some great efforts been made in order to open new spaces, such as the INBA-UAM-UNAM national dance award, which is the most important award on choreography in Mexico. This year award will be given to a production made in urban space. Nonetheless there’s much work to do and a lot of companies don’t have productions of this kind. Do you think that art can be a tool for social change? Art is a living part of all social change, so the artist has to engage honestly with his work. In my opinion, humans do not have a body, we are body, movement, space and time are some of the main paradigms of human beings and societies, and there lies the importance of the dancer. www.makinadt.com

ATHOS DC

Entrevista a / Interview with Jesús Laredo

Director artístico y coreógrafo / Artistic Director and Choreographer. Athos DC actuó en INTERFERENCIA y BALLO PUBBLICO (Italia) durante 2012. Athos DC performed at INTERFERENZE and BALLO PUBBLICO (Italy) during 2012. ¿Qué ha supuesto para vosotros la participación en el Festival Interferenze en Teramo? La oportunidad de mostrar un trabajo realizado en otra cultura a una comunidad diferente a la propia, lo que propicia un enriquecimiento invaluable. ¿Qué tiene de particular este festival en comparación con otros en los que habéis participado? Que es un festival donde todos los espectáculos que se presentan están pensados para espacios abiertos, de libre acceso. En la mayoría de los festivales en que hemos participado, los espectáculos fueron concebidos para presentarse en teatros convecionales. ¿Cómo ha sido tu experiencia con los alumnos italianos? El trabajar con alumnos de otro país siempre conlleva la sorpresa de conocer cuerpos educados de una manera diferente a la que uno esta habituado, eso de entrada nos implicó un reto. Por otra parte el trabajar con gente joven, con disciplina, pero sobre todo con disposición y convicción de que la danza es lo que les gusta, nos permitió trabajar de una manera libre y sin límites.

What meant for you the participation at Festival Interferenze in Teramo? The opportunity to show a work made by another culture to a country (community) other than their own, which favors a valuable enrichment. What is special about this festival compared to others that you have been involved in? Interferenze is a Festival where all the performance that are represented are designed for an open spaces with free access. In most of the festival where we participated, the performances were designed to be presented in a conventional theaters. How was your experience with the Italian dancers? Working with dancers (students) from another country always brings surprise to know bodies behaved in a different way than you are used to, at the beginning this involved us a challenge. On the other hand, working with young people, with discipline, but especially with the disposal and the belief that dance is what they like, allowed us to work freely and without limits.

¿Has notado muchas diferencias respecto a trabajar con bailarines mexicanos? Sí, sobre todo por la edad. En México existen escuelas profesionales de danza que forman a los intérpretes desde los 10 años de edad, pero la conciencia, libertad y experiencia de estos alumnos se da hasta que terminan su carrera e incursionan en compañias profesionales, que son muchas veces las responsables de terminar con la formación de dichos intérpretes. En Italia los alumnos con los que trabajamos son muy jóvenes, pero cuentan con una experiencia amplia ya que trabajan mucho la improvisación y el trabajo en espacios públicos lo que les da una libertad y soltura que en los jóvenes mexicanos muchas veces no se manifiesta.

Have you noticed many differences from working with Mexican dancers? Yes, expecially for the age. In Mexico there are professional dance schools that train dancers from the age of 10 years, but it’s possible to have the consciousness, the freedom and the experience of these students when they finish their studies and start to work into professional companies, which are often responsible for the end of their training dancers. In Italy students who work with us are very young, but they have more experience because they work hard with improvisation and with the work in public spaces that gives them freedom and fluency that it’s not visible in the young Mexican dancers.

¿Acostumbráis generalmente a actuar en espacios públicos? Nosotros somos una compañia de arte escénico que realiza puestas en escena para un público infantil. Por tal motivo el 90% de nuestras presentaciones las realizamos en espacios públicos, escuelas, parques, plazas. Últimamente hemos realizado obras para presentar en las estaciones del tren subterráneo (metro) de la Ciudad de México.

Usually, do you dance in public spaces? We are a performing arts company that achieve art stage production performed for an audience of children. For this reason the 90% of our performances are shown in public spaces, schools, parks and squares. Lately we created dancing performances in the subway in Città del Messico.

¿Qué creeis que aporta para vosotros como artistas el actuar en espacios públicos en comparación con actuar en espacios más tradicionales, como teatros, etc? La experiencia es diferente. El contacto con el público es más fuerte e interesante y, por otra parte, el trabajar en espacios públicos muchas veces condiciona la puesta en escena, por lo que el creador y los intérpretes deben estar siempre alertas para realizar los cambios necesarios en cada momento. Todos se mantienen más alertas en todos sentidos.

In your opinion, what bring for you as an artist, to dance in public areas than in the traditional spaces like theatres? The experience is different. In the first way the contact with the audience is stronger and more interesting. Work in public areas often affects the staging so that choreographer and dancers always have to be careful to make changes at any time. Everybody pay more attention in every sense.

¿Es frecuente el uso del espacio público para las manifestaciones artísticas (de danza u otros tipos) en México?, ¿cuál es vuestra experiencia en este sentido? Sí es frecuente el uso del espacio público en México. Hoy en día tiene mucho auge y es en el área de las artes visuales y gráficas dónde más se dan las intervenciones urbanas. En cuanto a las artes escénicas, por el momento lo que muchas veces se hace es presentar en un espacio público una obra que fue pensada para un teatro convencional. En ese sentido se utiliza el espacio público pero no se le interviene y por consiguiente se desaprovecha el potencial del espacio. ¿Creeis que el arte puede ser una herramienta para el cambio social? Creo que el arte debe ser una manifestación que permita comunicar algo de una manera estética y que su finalidad única no debe ser crear una conciencia o educación social. Claro está que, por ser el arte una manifestación que se realiza por seres humanos que se encuentran inmersos en una sociedad, éste lleva implícito un discurso social. ¿Cuál creéis que es el papel de los artistas, y en concreto los bailarines y coreógrafos, para crear sociedades más justas y equitativas? Trabajar de una manera honesta y ética. Un artista tiene que ser responsable de sustentar lo que dice pero sobre todo debe ser capaz de poder entregar un trabajo bien hecho, congruente con la realidad del artista y de la sociedad en la que vive.

In Mexico, it is common use the public area for the performance (dance or other)? What is your experience in this way? Yes, In Mexico it’s common the use of the public space. Nowadays this kind of work it’s booming in the visual arts and graphics where there are urban interventions. In the performing arts we always show in a public space a work thought for the traditional theatre. I mean that we use the public space but the audience doesn’t participate to the action. In this way the potential of the space is wasted. Do you think that art can be an instrument of social exchange? I believe that art should be an expression that allows to communicate something in terms of aesthetics and that its unic purpose is not to create a consciousness or a social education. Clearly, the art is an expression that takes place for humans who meet in a society, so the social speech remains implicit. In your opinion, what is the role that the artist has to do, in particular dancers and choreographers, to create an equal and rightful society? Work honestly and in an ethical way. An artist must be responsible to support what he says but above all must be able to offer a job well done, relevant with the reality of the artist and the society in which he lives.

TALLERES DE DANZA MEX IN DANCE MEX IN DANCE WORKSHOPS VISIONES DESDE EUROPA Y AMÉRICA LATINA. VIEWS FROM EUROPE AND LATIN AMERICA.

SARA MARTINET France

Sara Martinet desarrolló un taller gratuito para jóvenes bailarines mexicanos en el contexto de Subterraneo Escénico 2012 en México DF. Sara Martinet developed a free workshop for young Mexican dancers within the context of Subterraneo Escénico Festival 2012 in México DF. L’idée du sujet de stage est parti d’une réflexion essentielle (voire existentielle) : pourquoi apprendre à danser ? Pourquoi danser ? Et même pourquoi vivre ?! Dans la danse, nous poursuivons souvent une forme, recherchons l’esthétisme... Mais qui est juge pour dire ce qui est beau ou non ? Ce qui compte n’est-il pas ce que je ressens beau, ce qui m’émeut ou ce qui me fait bouger?. Toutes ces pensées ont été les fils directeurs d’un stage voulant proposer à chacun de rompre avec les schémas ou les dictats de la danse acceptable. La forme n’a pas de sens. Sa beauté est une illusion si elle ne nait pas de la vie. C’est cette vie de relation que nous avons souhaité partager avec les stagiaires. Nous autoriser à cheminer sur les émotions simples des 5 sens, sur la rencontre avec soi puis avec de vrais êtres humains avant qu’ils ne soient des danseurs... Chercher tous ensemble ce qui nous relie dans ce groupe qui danse. Cette entité qui nait et grandit, nous dépasse et nous accepte tels que nous sommes. Simplement Être et le danser. Nous avons souhaité proposer un espace de création sans contraintes, des moments de partage et de découvertes, de rencontres et de voyages dans nos mondes intérieurs et aussi dans ceux des autres. Permettre la création d’une nouvelle entité formée par chacun des participants... C’est également ce que nous avons vécu: un moment où se mélangent les contraires, s’inversent les rôles afin de danser sur une ligne qui les rassemble. La idea de las prácticas partió de una reflexión esencial (incluso existencial): ¿Por qué aprender a bailar? ¿Por qué bailar? Y hasta, ¿por qué vivir? En el baile, a menudo perseguimos una forma, buscamos el esteticismo... Pero, ¿quién es juez para decir lo que es bonito o no? ¿O acaso lo que importa no es aquello que es bonito para nosotros, aquello que nos conmueve o nos hace mover? Todos estos pensamientos fueron los hilos conductores de un periodo de prácticas cuyo objetivo era proponer romper con los esquemas o patrones del baile aceptable. La forma no tiene sentido. Su belleza no es más que una ilusión si no nace de la vida. Es precisamente esa vida de relación la que hemos querido compartir con los estudiantes. Que podamos avanzar en las emociones simples de los 5 sentidos, el encuentro consigo mismo y con los verdaderos seres humanos, antes de convertirse en bailarines... Debemos buscar aquello que nos une en este grupo de baile. Esta entidad que nace y crece nos sobrepasa y nos acepta tal como somos. Simplemente, Ser y bailarlo. Deseábamos proponer un espacio creativo sin limitaciones, momentos para compartir y descubrir, para encontrarse y viajar a nuestro mundo interior así como a los mundos de los demás. Permitir la creación de una nueva entidad formada por cada uno de los participantes...Asimismo, es lo que vivimos: un momento en el que se mezclan los lados opuestos y se invierten los papeles con el fin de bailar sobre una línea que los une. sara.martinet@gmail.com laurenthutin@yahoo.com.ar

FRANCESCA LETTIERI Italy

Francesca Lettieri desarrolló un taller gratuito para jóvenes bailarines mexicanos en el contexto de Subterraneo Escénico 2012 en México DF. Francesca Lettieri developed a free workshop for young Mexican dancers within the context of Subterraneo Escénico Festival 2012 in México DF. Mex in Dance: nuove visioni Il progetto Mex in Dance si è rivelato una entusiasmante esperienza culturale e artistica, un’occasione di incontro e scambio con persone, luoghi, abitudini e differenti visioni della vita e della danza, uno stimolante ponte culturale tra l’idea artistica europea e la sorprendente produzione artistica messicana ricca di storia, colore, tradizione e ritualità.

Mex in Dance: new visions Mex in Dance project proved to be an exciting cultural and artistic experience, an opportunity to meet and interact with people, places, traditions and different views of life and dance, a stimulating cultural bridge between European artistic idea and the amazing artistic Mexican production rich in history, color, tradition and rituals.

La mia partecipazione e quella della mia compagnia (ADARTE) al Festival Subteranneo di Città del Messico si è concretizzata nella presentazione del progetto coreografico “Lunatico Swing-Fuga” nel Metro di Città del Messico (oltre che nella principale piazza della città di Queretaro) e nella realizzazione del progetto “Il corpo Fragile” seminario di Improvvisazione e Composizione coreografica presso la Università UNAM-Università Autonoma del Messico. La vocazione messicana nel vivere la strada e lo spazio pubblico non solo come luogo di passaggio ma anche come luogo in cui si realizzano attività importanti del vivere quotidiano ha reso particolarmente interessante il nostro lavoro, danzare nella metropolitana ci ha dato l’opportunità di capire rapidamente quale fosse il contesto culturale in cui ci muovevamo entrandovi immediatamente in comunicazione. La metropolitana di Città del Messico è un universo umano, uno spazio vivo in cui si snodano innumerevoli attività, in metropolitana come anche in strada i messicani mangiano, si incontrano, si baciano , le donne si truccano e si pettinano (soprattutto nei vagoni che per motivi di sicurezza sono dedicati esclusivamente al trasporto di donne e bambini) si ascolta e si fa musica, si vende di tutto dal cibo alla scheda di memoria di un telefonino, tutto ciò in un flusso costante ed enorme di persone che si spostano da un punto all’altro della città secondo spazi e numeri giganteschi. In questo contesto vivace, caotico e massivo in cui il corpo e l’individuo si confondono e si annullano nella folla e nel numero, il nostro lavoro, nato da un ragionamento sul corpo più intimo e ridotto nello spazio, alla ricerca di un linguaggio non legato a schemi “formali” ma all’istinto e alla percezione della sostanza del corpo, ha prodotto una interessante rottura del contesto carpendo immediatamente l’attenzione del pubblico e producendo in esso un senso di imbarazzo e spiazzamento, probabilmente lo stesso che ho avvertito io e chi con me ha lavorato a questo progetto di fronte al variopinto e profondo universo culturale messicano. Sulla scia di queste considerazioni iI workshop realizzato con gli studenti della UNAM e dedicato alla composizione coreografica e alla improvvisazione come strumento compositivo, ci ha condotto ad un interessante ragionamento sulla relazione tra individuo e coro; insieme agli studenti abbiamo lavorato sull’idea di unisono come strumento fisico di appartenenza al coro, sulla visibilità di un tale linguaggio nello spazio pubblico e sulla elaborazione di un linguaggio che al contrario si distacca dal gruppo affermando l’individualità e le sue emozioni; ciascun studente ha avuto quindi modo di indagare un proprio linguaggio personale tenendo conto dello sguardo del pubblico in un spazio urbano che necessariamente comporta “distrazioni” e punti di vista infiniti alla ricerca di un gesto danzato visibile, vero, pulsante, vivace ma nello stesso tempo arrendevole, in grado di raccontare le infinite sfumature dell’animo.

We participated (myself and my company ADARTE) at the Subteranneo Festival of Mexico City with the presentation of the choreographic project “Lunatico Swing-Fuga” in the Metro of Mexico City (we performed also in the main square of the city of Queretaro) in addition I directed “Il Corpo Fragile” Improvisation and Composition choreographic workshop at the University UNAM-Autonomous University of Mexico. The Mexican vocation to live the street and public space not only as a place of passage, but also as a place where carrying out important activities of daily living, has made particularly interesting our work; to dance in the subway gave us the opportunity to quickly understand immediately the cultural context in which we moved entering into communication with it. The metro of Mexico City is a human universe, a living space in which many activities happen; in the underground as well as in the street Mexicans eat, meet, they kiss each others, women make their makeup (especially in the cars of the underground exclusively dedicated to the transport of women and children for security reasons) they listen to music and make music, they sell everything from food to mobile phones memory card, all in a constant and enormous flow of people from one to another point of one of the largest cities in the world. In this context, lively, chaotic and massive in which the body and the individual disappear into the crowd, our work, born on a much more intimate language and searching for a dance gesture not related to a formal scheme but to instinct and to perception of body substance, has produced an interesting breakdown of the context immediately snatching the attention of the public and producing in it a sense of embarrassment and displacement, probably the same that myself and the other dancers involved in the project felt in front of the colorful and deep Mexican cultural universe. The workshop on choreography and improvisation with the UNAM students was dedicated to the relationship between the individual and the choir, on the idea of unison as physical instrument to belong to the choir and on the visibility of such language performed in public space; each student investigated also their own personal language as the expression of his own individuality and emotions taking into account the look of the public in an urban space that necessarily involves “distractions” and countless points of view; the task of the all work was finally searching for a clear, visible and vibrant dance gesture, lively but at the same time compliant, able to tell the infinite nuances of the soul. The Mex Dance project proved to be an extraordinary opportunity for exchange and knowledge of the vibrant Mexican universe expressing in colors, sounds and images joys and sorrows of everyday human life.

Il progetto Mex in Dance si è rivelato una straordinaria occasione di scambio e di conoscenza del vibrante universo messicano che con entusiasmo esprime in colori, suoni e immagini le gioie e i dolori del quotidiano vivere umano.

MANOLO PERAZZI Italy

Manolo Perazzi desarrolló un taller gratuito para jóvenes bailarines mexicanos en el contexto de Subterraneo Escénico 2012 en México DF. Manolo Perazzi developed a free workshop for young Mexican dancers within the context of Subterraneo Escénico Festival 2012 in México DF.

La mia esperienza in Messico è iniziata domenica 11 Novembre del 2012. Appena arrivato, già nel tragitto dall’aeroporto all’Hotel, mi sono accorto che lo scenario era completamente diverso da quello lasciato al decollo: come le megalopoli del resto del mondo Città del Messico appare subito molto caotica e sovraffollata, animata da migliaia di chioschi nelle vie del centro e in quelle secondarie, con una infinita varietà di prodotti, che se da un lato rendono la città caratteristica e interessante, dall’altro aumentano il caos già ai limiti del sopportabile. Scioccante è stato constatare l’accentuato divario fra ricchezza e povertà. Il giorno dopo il mio arrivo ho portato in scena la performance “Pianterreno” alla fermata metro “Universidad”. In questa location ho avuto il primo contatto diretto con la gente del posto che si è rivelata molto attenta ed interessata e ciò mi ha incuriosito poiché non me l’aspettavo. Il giorno seguente ho eseguito invece la performance “Di-Storto” presso la fermata metro “Copilco” e nel Salón de Danza “Dirección de Danza de la UNAM”. Nei giorni seguenti ci siamo spostati nella località di Querétaro. Anche qui l’attenzione delle persone è stata molto alta. La città è splendida, molto caratteristica e molto più simile ad un paese che ad una città. Sia in Città del Messico che a Queretaro le persone si affollavano attorno allo spazio performativo ed erano molto interessate; a Città del Messico i ritmi erano sicuramente più incalzanti per cui molti dei passanti andavano di fretta e non si fermavano, magari rallentavano soltanto per dare un’occhiata; in metro la gente va di fretta presa dagli impegni quotidiani. In ogni caso ho riscontrato un pubblico molto più interessato di quello europeo. Tornati da Querétaro ho presentato al Salòn de Danza de la UNAM il risultato del workshop che ho tenuto presso il centro “la Cantera” in Città del Messico. Ho concentrato le mie lezioni principalmente sulla tecnica floor work, l’improvvisazione guidata, la composizione coreografica attraverso l’utilizzo di alcuni oggetti e la realizzazione di piccole legazioni. Gli allievi che hanno seguito il workshop sono stati differenti per tutte le lezioni. Li ho trovati molto preparati nella tecnica contemporanea e il loro impegno è stato notevole.; in generale sono stati molto aperti ai miei insegnamenti e mi hanno comunicato di aver trovato il workshop molto interessante, soprattutto per il fatto che si sono concentrati a utilizzare tutto il loro corpo senza riserve durante la danza. La loro età media è stata tra i 24 e i 26 anni; molti di loro non sono mai stati in Europa. Alcuni danzatori hanno un secondo lavoro, ma la maggior parte vive di sola danza e pur non avendo uno stipendio elevato riescono comunque a vivere tranquillamente. Ho impostato la creazione-risultato del workshop dando un input iniziale e finale, lasciandoli liberi di sviluppare la parte centrale della performance. Durante la mia permanenza a Città del Messico ho avuto la piacevole proposta di collaborare con un danzatore locale, il quale, vedendo dei miei video e mi ha offerto di lavorare insieme a lui ad un nuovo progetto; la proposta ha suscitato in me molto interesse e la speranza di poter riuscire a realizzare questa idea nonostante le notevoli distanze. Ho notato con sorpresa che lo stato, sebbene in via di sviluppo, abbia una grande sensibilità nei confronti dell’arte in genere che finanzia e sostiene. In conclusione è stata un’esperienza che mi ha arricchito molto e che mi piacerebbe ripercorrere in un futuro prossimo, magari proprio per dar vita ad un nuovo progetto di interscambio culturale.

My experience in Mexico began Sunday, 11th of November 2012. Just arrived, already on the way from the airport to the hotel, I realized that the scene was completely different from the one given in the take-off: like the megalopolis of the rest of the world Mexico City is very busy and overcrowded, animated by thousands of kiosks in the center and in the secondary, with an endless variety of products, that if on one side makes the city interesting, on the other hand increase the chaos already at the limits of the bearable. It was shocking to note the marked gap between wealth and poverty. The day after my arrival, I staged the performance “Pianterreno” at the subway station “Universidad”. In this location I had my first direct contact with the people who turned out to be very attentive and interested and this intrigued me because I did not expect. The next day I ran instead of performance, “Di-Storto” at the subway station “Copilco” and the Salón de Danza “Dirección de Danza de la UNAM”. In the following days we moved to the city of Querétaro. Also here the attention of the people was very high. The city is beautiful, very characteristic and more like a village than a city. In both locations in Mexico City and in Queretaro people crowded around the performance spaces and they were very interested. In Mexico City rhythms were definitely more pressing for many of the passers were in a hurry and did not stop, maybe slowed only to give a look; people in the subway is always in a hurry taken from daily tasks. In any case, I found a much more interested than the European one. Returned from Querétaro I presented to the Salón de Danza de la UNAM the result of the workshop that I gave at the “la Cantera” in Mexico City. I focused my classes primarily on the floor work technique, improvisation wizard, the choreographic composition through the use of some objects and the creation of small legations. The students who have attended the workshops were different for all the lessons. I found them very knowledgeable in contemporary technique and their commitment was remarkable in general have been very open to my class and they have informed me that he had found the workshop very interesting, especially for the fact that they are concentrated to use all their body without reservations during the dance. Their average age was between 24 and 26 years, many of them have never been to Europe. Some dancers have a second job, but most of them works as a dancer only and does not have a high salary, but still manage to live comfortably. I set the creation-result of the workshop giving an initial and final input, leaving dancers free to develop the central part of the performance. During my stay in Mexico City I had the pleasant proposal to partner with a local dancer that offered me to work together on a new project; the proposal has attracted a lot of interest in me and hope to be able to realize this idea despite the considerable distances. I was really surprised that the State, although in the developing world, has a great sensibility to art in general with funds and supports. In conclusion, it was an experience that has enriched me a lot and I’d like to go back in the near future, perhaps even to create a new project of cultural exchange.

VERONICA SANTIAGO Mexico

Veronica Santiago desarrolló un taller gratuito para jóvenes bailarines españoles en el contexto de DIES DE DANSA 2012, Barcelona. Veronica Santiago developed a free workshop for young Spanish dancers within the context of DIES DE DANSA Festival 2012 in Barcelona.

¿Qué ha supuesto para vosotros la participación en el Festival DIES DE DANSA en Barcelona? Participar en este festival nos ha dado la oportunidad de intercambiar nuestro trabajo ante nuevos espectadores dándole una proyección mas internacional a nuestra compañía. La particularidad de este festival es la calidad humana de los organizadores y su propuesta de valorar los espacios públicos para lograr que se vuelvan escenarios de la danza contemporánea. Es muy grato para un transeúnte sorprenderse al encontrarse una obra, y para mi como intérprete un reto lograr que alguien pueda detenerse. ¿Cómo ha sido tu experiencia con los alumnos españoles? ¿Has notado muchas diferencias respecto a trabajar con bailarines mexicanos? Este taller se caracterizó por ser bastante heterogéneo, ya que todos los que participaban venían de diferentes ámbitos. Abundaba el contraste entre bailarines, sociólogos, activistas, actores, gente muy joven e incluso un niño de año y medio de edad; todos provenientes de diferentes países, Polonia, Italia, Colombia, y España. Sin embargo yo no he notado una diferencia en particular. Tocábamos temas bastante comunes como la política, la pobreza, el amor, la inseguridad, el miedo, el impacto que genera la presión del tiempo en la sociedad, la envidia, y la injusticia...todos respondían desde su mundo interno de fantasías y vivencias personales sin hacer referencia al lugar del que venían. Hemos conectado desde el primer día, todos nos hemos visto a los ojos y nos hemos reconocido. Ha sido una experiencia fantástica, por su puesto que hubieron crisis, pero las he aprovechado para exponerlas en la muestra final del taller que se dio en la muralla en Mataró. Fué un grupo atrevido y entregado desde el principio que poco a poco fue agudizando sus sentidos para estar alerta y así poder cumplir las pautas que les pedía y construir desde sus propios cuerpos algo para todos. La presencia de Gabriel, un niño de un año y medio, fue el factor de cambio para generar la inestabilidad del cuerpo en algunas improvisaciones. Inevitablemente estar alrededor de un niño modifica el estado de un cuerpo, lo mantiene despierto y en el presente. Finalmente la calidad humana y la creatividad, riesgo y entrega de cada uno de ellos. ¿Acostumbráis generalmente a actuar en espacios públicos? ¿Qué creéis que aporta para vosotros como artistas el actuar en espacios públicos en comparación con actuar en espacios más tradicionales, como teatros, etc? En Latinoamérica y Centroamérica en general lo mas importante es salir a la calle, de hecho es una manera que tienen muchas compañías de danza y teatro para darse a conocer. ¿Es frecuente el uso del espacio público para las manifestaciones artísticas (de danza u otros tipos) en México? ¿cuál es vuestra experiencia en este sentido? Creo que en México la danza contemporánea empieza a apoderarse de las calles pero todavía lo más frecuente son las manifestaciones artísticas de carácter popular y folklórico que reafirman el encanto del mexicano por sus raíces y cultura.. ¿Creéis que el arte puede ser una herramienta para el cambio social? ¿Cuál creéis que es el papel de los artistas, y en concreto los bailarines y coreógrafos, para crear sociedades más justas y equitativas? Creo que el arte tiene el poder de la alquimia y es capaz de darle a cada uno de nosotros un espacio para expresarse, mas allá de las identidades culturales, religiosas o políticas. Considero que el cuerpo del artista y el de un bailarín es un medio para reflejar y representar todo el impacto que produce un sistema en la sociedad. Para mi no existe una separación entre el espacio y el ser, el cuerpo y el movimiento son la representación de un todo. Siendo consciente de ello podríamos experimentar otro tipo de sociedades.

What has it meant for you to participate in the Festival DIES OF DANSA in Barcelona? Participating in this festival has given us the opportunity to share our work with new audiences also providing us with an international projection for our company. The special feature of this festival is the human quality of the organizers and their intention to value public spaces as potential stages for contemporary dance performances. It is pleasant for a passer-by to find a performance and it is a challenge for me to make them stop and watch the show. How has it been your experience working with Spanish dance students? Have you noticed any differences between working with them or with Mexican dance students? The main characteristic of this dance workshop is that all dancers came from different backgrounds. We had dancers, sociologists, activists, actors. We had very young people, even a child of eighteen months of age. They were all from different countries: Poland, Italy, Colombia, and Spain. However I did not notice any particular differences. We worked around pretty common themes as politics, poverty, love, insecurity, fear, the impact that the pressure of time makes in our society, envy and injustice... they all used their internal fantasies and personal experiences without making any reference to where they came from. We connected from day one,we all looked each other in the eye and we recognised each other. It has been a fantastic experience, of course we had a few crisis, but I used them in an exhibition of the course that we did in the wall of Mataró. It was a bold and dedicated group from the very first day that gradually became sharper to be alert and thus be able to meet guidelines and build from their bodies something for everyone. The presence of Gabriel, a child of a year and a half was the exchange factor that made us generate instability in some dance improvisations. To be around a child inevitably changes the state of a body, keeps you awake and present. Finally I would like to bring out their human quality and creativity, risk and delivery of each one of them. Do you normally perform in public spaces? What do you think acting in public places brings to the performance compared to more traditional spaces? In Latin and Central America the most important thing in general is to go out on the streets, in fact it is what many dance and theatre companies use to promote themselves. How common is the use of public space for artistic expression (of dance or other types) in Mexico? What is your experience in this regard? I think that contemporary dance in Mexico is starting to get the streets. However the stronger acts are the popular and folk artistic performances that reassure that Mexican charm within its roots and its culture. Do you think that art can be a tool for social change? What do you think is the role of artists, specifically dancers and choreographers, for creating more just and equitable societies? I believe that art has the power of alchemy and is able to give each of us a space to express, beyond cultural identities, either religious or political. I believe that the body of an artist or a dancer is a mean to reflect and represent the entire impact of a system in a society. For me there is no separation between space and being. Body and movement are the representation of a whole. If we were aware of that we could experience other societies.

picture by interferenze festival Jaciel Neri Workshop at INTERFERENZE festival 2012

CREATING VIDEODANCES IN MEXICO DF CREATING VIDEODANCES IN MEXICO DF

UN TALLER DE FRANCESCA SVAMPA USANDO LAS TECNOLOGÍAS MÓBILES. A WORKSHOP BY FRANCESCA SVAMPA USING MOBILE TECHNOLOGIES

El reto que la red Ciudades Que Danzan me propuso en Ciudad de México, el Monstruo, me pareció un gran desafío, por lo menos al principio. Y es que yo vengo de un pueblo de Italia, una ciudad de la edad media situada en cima de una colina, quieta y inmóvil, como dice su nombre: Fermo (Parado).

Eso encaja perfectamente con la filosofía básica de “Ciudades que Danzan” que lleva la danza en espacios públicos con el espíritu de empujar un proceso de democratización de la cultura, y la nueva tecnología domestica es algo que ha ampliado mucho el publico que puede tener acceso a grabar y consumir danza.

El encargo era el siguiente: desarrollar un taller de vídeo-danza con estudiantes mexicanos basado en el concepto de crear y grabar una coreografía en un lugar publico en el espacio urbano. Al principio he sentido que quizá no estaba preparada, pero con muchas ganas de afrontar el reto al mismo tiempo. He intentado hacerme una idea antes viajar hacia México: leyendo, mirando fotos o películas. Pero algo me faltaba, lo sentía claramente. Me faltaba la experiencia. Cuando llegue a México D.F., la tuve.

Los participantes eran estudiantes provenientes de diferentes disciplinas creativas, como la coreografía o el diseño, lo cual ha enriquecido el taller ya que cada quien tenia unas inquietudes diferentes y una forma propia de acercarse al proceso creativo. También he apreciado mucho la energía y el entusiasmo que han puesto en el taller, que se ha reflejado en la alta calidad de su participación y su capacidad de personalizar los estímulos. El taller estaba orientado hacia la practica y hemos salido a la calle y provocado varias interferencias con el ambiente urbano y la gente que deambulaba.

En primer lugar, la energía que se respira es contagiosa e inspiradora. Enseguida tuve que restablecer mis percepciones en relación a las distancias, el tiempo y las dimensiones, es algo inevitable. En Ciudad de México, un lugar que se encuentra a media hora en metropolitana resulta cercano, si esta a una hora es bastante normal. Quedarte aplastado en una multitud de gente como en una caja de sardinas y reducir tu espacio personal a cero es algo a lo que necesariamente te acostumbras después de un rato. Entonces he empezado a mirar a la ciudad como a un posible escenario para la danza y el vídeo y me he dado cuenta de inmediato que el Monstruo, lejos de ser atemorizador, ofrece muchísimas posibilidades. Para mi los elementos urbanos empezaron a tener otro sentido y otras funciones. Por ejemplo, en Ciudad de México, para cruzar la calle, que muchas veces tiene hasta 6 carriles, hay un puente peatonal arriba de la carretera, normalmente de hierro pintado. Eso podría ser un escenario no solamente por su función practica y sus características arquitectónicas sino que también trasciende hacia un sentido metafórico. Así que cuando el taller empezó, reconsiderar los elementos urbanos con este ojo nuevo ha sido nuestro punto de partida. Pero este fue solo el primer ingrediente del trabajo que íbamos a hacer. Para los participantes en el taller era la primera experiencia de creación de vídeo-danza, razón por la que hemos iniciado el trabajo discutiendo y mirando muchos ejemplos de vídeo-danzas realizados por artistas diferentes con diferentes intenciones. De esa forma no solo han ampliado su conocimiento, sino que también se han inspirado. La producción de vídeo-danza es muy heterogénea pero el punto en común es el de crear una coreografía y una experiencia visual para la grabación, por lo que el lenguaje cinematográfico esta involucrado en la ecuación. El tercer ingrediente ha sido el DIY (Do It Yourself, o sea Hazlo Tu Mismo) con respecto al equipo de producción. Desde el principio, la idea era usar tecnología domestica para realizar los vídeos (como teléfonos móviles, cámaras de fotos compactas, etc.).

Más de una vez he notado que, en general, hay una actitud positiva hacia la creación artística en Ciudad de México, donde es evidente el esfuerzo de las instituciones para apoyar a la cultura, poniendo también mucha atención a la danza. Incluso he podido conocer otras personas que se dedican al vídeo danza y también encontrar publicaciones al respecto (http://issuu.com/danzaytecnologia/docs/videodanza?mode =window&backgroundColor=%23222222). Siendo de Italia, donde la situación es exactamente opuesta, esta atmósfera es algo que nunca había experimentado antes. Al involucrarse, las instituciones pueden condicionar la libertad artística. ¡Esto siempre puede pasar! Pero tanto la producción cultural como su distribución necesitan de apoyo. La difusión de la cultura es muy importante para el florecer de una sociedad. Y en este caso estamos claramente en frente de dos estrategias socioculturales diferentes. It was a big challenge this offered by the “Dancing cities” Network in a city such as Mexico City, el Monstruo (the Monster), at least at the beginning. I come from a small, medieval town located at the top of a nice hill, quiet and still, as it`s name states: Fermo (Still). So, when I realized that I had to lead a video-dance workshop based on the concept of creating and shooting a choreography in a public space in the urban setting, I felt unprepared but very excited. So I tried to get an idea about it before to travel to Mexico: reading, watching movies, and looking at pictures of Mexico City. But something was missing, I could feel it clearly. I was missing the experience. When I arrived to Mexico D.F., I got it. The energy that flows in the air was contagious and inspiring. And resetting my personal perception in relation to distances, time and dimensions was inevitable. In Mexico City, a place that is half an hour away by subway is considered close, an hour away is still fair enough. Being squeezed inside a bus like a sardine and reducing your personal space to zero is something you get used to, after a while.

Then I started looking at the city as a possible scene for dancing and filming and I immediately understood that el Monstruo, far from being terrifying, offers a lot of possibilities. Urban elements started to have a different meaning and many possible functions. For example, in Mexico City, to cross the street which often has six lanes, there is a walking bridge over the street, usually made of painted iron. That could be a scenario that not only has its practical function and its architectural characteristics, but also transcends into a metaphor. So, when the workshop began, the reconsideration of urban elements with this new eye has been our starting point. But that was just the first ingredient of the work we were going to do. For the participants it was their first experience in video-dance, so, of course, talking about it and most of all watching many different videodances from different artists with different purposes has been a way to get to know more and get inspired too. Video-dance production is very heterogeneous, but the point is to create a choreography and a visual experience that has to be filmed, therefore the cinematic language is also involved in the equation. The third ingredient was the DIY (Do It Yourself) approach to the production equipment. Since the beginning, the idea was to use consumer technology to make the video (namely, mobile phones, compact photo cameras, etc). This fits perfectly with the underlying philosophy of the project “Dancing Cities” that brings dance in public spaces with the spirit of democratizing culture, and new consumer technology is something that dramatically widens the public that has access to filming.

I noticed more then once that a positive attitude toward art creation is present in general in Mexico City, where the Institutions’ effort to promote culture is evident, and the attention to dance too. I also had the chance to meet some other people doing video-dance and found some publication about it (http://issuu.com/danzaytecnologia/docs/videodan za?mode=window&backgroundColor=%23222222). Coming from Italy, where the situation is just the opposite, this is something I have never experienced before. Institutions’ involvement into artistic creation can diminish artistic freedom. This can happen! But cultural production needs support as well as cultural distribution. The spread of culture is so important for a society to flourish. And in this case, we are clearly in front of two different socio-cultural strategies. CHECK VIDEOS CREATED DURING THE WORKSHOP AT http://marato.com/dcode/

picture by francesca svampa SUBTERRÁNEO ESCÉNICO 2012

The participants come from different fields of study like choreography or design, and this fact has enriched the workshop since everyone has his her own approach to creation. I also appreciated very much the energy and the enthusiasm they put in it, reflected in the high quality of participation and the ability to personalize the stimulus. In general the workshop was practice orientated and we got out on the street to shoot, provoking some nice interactions with the space and people passing by.

picture by francesca svampa La Macana (Spain) - Performance at SUBTERRÁNEO 2012, Mexico DF

DANCING CITIES NEWS & AGENDA

DANCE CHANNELS.

picture by brian slater Ingrid, Antonio & Jordi. PERFORMANCE AT URBAN MOVES (Manchester, UK)

LA CIUDADANÍA NECESITA A SUS ARTISTAS MÁS QUE NUNCA. CITIZENS NEED THEIR ARTISTS MORE THAN EVER.

A esta idea responde el proyecto Dance Channels. Este es el momento para que los artistas intercambien, amplíen horizontes y, sobre todo, para que se acerquen a la comunidad, a la ciudadanía. La sociedad necesita a sus artistas y nosotros, gestores, somos los encargados de crear mecanismos para que esta relación exista y sea óptima.

The Dance Channels project responds to this idea. This is the time for artists to make exchanges, to extend their horizons and, above all, for them to get closer to the community, to the citizens. Society needs its artists and we, the managers, are responsible for creating mechanisms for this relationship to exist and be optimal.

El proyecto Dance Channels, financiado por el Programa Cultura de la Unión Europea, vincula al Ayuntamiento de Zaragoza-Festival Trayectos con los festivales Corpi Urbani (Génova) y Urban Moves (Manchester). Las conversaciones entre los 3 festivales, en el entorno de la membresía de la red CQD, se basaron en la idea de buscar una fórmula desde la que poder ofrecer un escenario de desarrollo y crecimiento a compañías, bailarines y coreógrafos, aunando esfuerzos en un proyecto que pudiera contar con el apoyo en su financiación de la Comisión Europea. Cómo crear un foro en el que las respectivas comunidades de danza de las tres ciudades pudieran compartir y conocer nuevas técnicas de trabajo, y adquirir una mayor capacitación que mejore sus perspectivas. Además, siempre se mantuvo el objetivo de establecer mecanismos de relación con el tejido social de las tres ciudades. El nombre del proyecto responde a esto, a la idea de crear canales de relación entre los artistas y de ellos con las sociedades de acogida.

The Dance Channels project, financed by the European Union Culture Programme, links Zaragoza City Council-Trayectos Festival to the Corpi Urbani (Genoa) and Urban Moves (Manchester) festivals. The conversations between the 3 festivals, as members of the CQD network, were based on the idea of looking for a formula to be able to offer companies, dancers and choreographers a scenario for development and growth, combining forces in a project that would be supported by funds from the European Commission. How to create a forum where the respective dance communities of the three cities could share and discover new work techniques and acquire more empowerment to improve their perspectives. Furthermore, the objective of finding mechanisms to establish relationships with the social fabric of the three cities was maintained. The project name responds to this, to the idea of creating relationship channels among the artists and between them and the host societies.

En su primera edición, Dance Channels se materializó en tres periodos de residencia: durante el mes de junio en Zaragoza, el mes de julio en Manchester y el mes de septiembre en Génova. En cada uno de ellos se desarrollaron tres acciones diferenciadas: Encuentros, Laboratorios Creativos, y Danza Comunitaria. • En los Encuentros, las compañías elegidas –una de cada ciudadcompusieron piezas de nueva creación, cada una en colaboración con un coreógrafo invitado de nacionalidad diferente a la de la compañía. Estas piezas, atendiendo a que 2012 es el Año del Envejecimiento Activo, han tenido un concepto creativo de partida: el paso del tiempo. Ha habido una convocatoria de la que surgieron las siguientes coreografías: “Temporary Maps”, de la compañía zaragozana Tarde o Temprano con coreografía de Ubidanza (Génova); Katherine Hollinson & Connor Quill de Manchester con coreografía de Marta Bevilacqua (Génova); y “Viva…”, con Ingrid Magriña, Antonio Muñoz y Jordi Vilaseca (Zaragoza) con coreografía de Joseph Lau (Manchester).

In its first edition, Dance Channels was held in three periods of residence: in Zaragoza in the month of June, in Manchester in July and in Genoa in September. Three differentiated actions were developed in each one of them: Encounters, Creative Laboratories, and Community Dance. • In Encounters, the companies chosen – one from each city – composed newly created pieces, each one with the collaboration of the guest choreographer with a different nationality to that of the company. These pieces, as 2012 is the Year of Active Ageing, have had a basic creative concept: the passage of time. There was a call which gave rise to the following choreographies: “Temporary Maps”, from the Zaragoza company “Tarde o Temprano” with choreography by Ubidanza (Genoa); Katherine Hollinson & Connor Quill from Manchester with choreography by Marta Bevilacqua (Genoa); and “Viva…”, with Ingrid Magriña, Antonio Muñoz and Jordi Vilaseca (Zaragoza) and choreography by Joseph Lau (Manchester).

• En los Laboratorios Creativos, las tres compañías seleccionadas compartieron sus técnicas de trabajo y sus lenguajes artísticos con la comunidad local de danza, a través de un intenso programa de masterclasses y talleres de investigación. La idea fue la de ofrecer un nuevo entorno formativo y de intercambio a los profesionales del sector de cada una de las ciudades implicadas.

• During the Creative Laboratories, the three companies selected shared their work techniques and their artistic languages with the local dance community, through an intense programme of master classes and research workshops. The idea was to offer a new training and exchange environment to professionals from the sector from each one of the cities involved.

• Y a través de las acciones de Danza Comunitaria, las compañías se involucraron en diferentes talleres de trabajo con colectivos locales (comunidad escolar, inmigrantes, discapacitados, etc.), aprovechando el valor de la danza como herramienta para la integración social y la educación.

• And through the Community Dance actions, the companies engaged in different workshops with local groups (school community, immigrants, disabled, etc.) taking advantage of the value of dance as a tool for social integration and education.

Los resultados creativos surgidos de los Encuentros y algunos de los trabajos desarrollados en el marco de los talleres de Danza Comunitaria se mostraron al público en el marco de los festivales de danza contemporánea de las tres ciudades; si surge la posibilidad, y si alguien se anima, las piezas pueden ser programadas en festivales de la red CQD. En paralelo, todo este conjunto de acciones se acompañó de un intenso plan de difusión a nivel nacional e internacional, presentando el proyecto y sus resultados en los foros y redes de los que los tres socios del proyecto forman parte. En el futuro, Dance Channels pretende ir incorporando progresivamente nuevas ciudades al proyecto, para establecerse a largo plazo como un circuito de movilidad e intercambio que pueda poner en contacto a compañías, bailarines y coreógrafos de todo el continente, abriéndoles nuevas oportunidades en sus trayectorias artísticas.

The creative results from the Encounters and some of the works carried out within the agenda of the Community Dance workshops were shown to the public within the framework of the contemporary dance festivals in the three cities; if the possibility arises and if anyone wants to, the pieces can be programmed in festivals of the CQD network. In parallel, all of these actions were accompanied by an intense dissemination plan both at a national and international level, presenting the project and its results at forums and networks that the three project partners form part of. In the future, Dance Channels aims to progressively incorporate new cities into the project, to set itself up, in the long run, as a circuit for mobility and exchange that can establish contacts between companies, dancers and choreographers all over the continent, giving rise to new opportunities in their artistic careers.

Il progetto Dance Channels risponde proprio a quest’idea. È il momento per gli artisti di fare scambi, ampliare i loro orizzonti e soprattutto avvicinarsi alla comunità, ai cittadini. La società ha bisogno dei suoi artisti e noi gestori abbiamo il dovere di creare meccanismi per fare in modo che questa relazione esista e sia ottima. Il progetto Dance Channels, finanziato dal Programma Cultura dell’Unione Europea, lega il Comune di Saragozza-Festival Trayectos ai festival Corpi Urbani (Genova) e Urban Moves (Manchester). Il dialogo fra i 3 festival, nell’ambito della loro partecipazione alla rete CQD, si è basato sull’idea di cercare una formula con la quale poter offrire un ambiente di sviluppo e crescita per compagnie, ballerini e coreografi, unendo le nostre forze in un progetto che potesse contare sul supporto e il finanziamento della Commissione Europea. Come creare un forum nel quale le rispettive comunità di danza delle tre città potessero condividere e conoscere nuove tecniche di lavoro e acquisire una maggiore qualifica, per migliorare le proprie prospettive. Inoltre, abbiamo sempre mantenuto l’obiettivo di stabilire meccanismi di relazione con il tessuto sociale delle tre città. Il nome del progetto risponde proprio a questo, all’idea di creare canali di relazione fra gli artisti e di questi con le società che li ospitano. Nella sua prima edizione il Dance Channels si è fatto realtà in tre periodi di residenza: a giugno a Saragozza, a luglio a Manchester e a settembre a Genova. In ognuno di questi periodi sono state sviluppate tre azioni diverse: Incontri, Laboratori Creativi e Danza Comunitaria. • Negli Incontri, le compagnie scelte, una per ogni città, hanno composto nuove pièce, ognuna in collaborazione con un coreografo invitato di nazionalità diversa da quella della compagnia. Queste pièce, in linea con la celebrazione nel 2012 dell’Anno dell’Invecchiamento Attivo, sono partite dallo stesso concetto creativo: il passaggio del tempo. Si è realizzato un concorso, da cui sono sorte queste coreografie: “Temporary Maps”, della compagnia saragozzana Tarde o Temprano, con coreografia di Ubidanza (Genova); Katherine Hollinson & Connor Quill di Manchester, con coreografia di Marta Bevilacqua (Genova) e “Viva…”, con Ingrid Magriña, Antonio Muñoz e Jordi Vilaseca (Saragozza) con coreografia di Joseph Lau (Manchester). • Nei Laboratori Creativi le tre compagnie selezionate hanno condiviso le proprie tecniche di lavoro e i propri linguaggi artistici con la comunità locale di danza, mediante un intenso programma di master class e workshop di ricerca. L’idea era offrire un nuovo ambiente di formazione e scambi per i professionisti del settore di ognuna delle città coinvolte. • E attraverso le azioni di Danza Comunitaria le compagnie hanno partecipato a diversi workshop con gruppi sociali locali (scuole, immigranti, disabili, ecc.), sfruttando il valore della danza come strumento per l’integrazione sociale e l’educazione. I risultati creativi sorti dagli Incontri e alcuni dei lavori realizzati nel quadro dei workshop di Danza Comunitaria sono stati messi in scena per il pubblico nei festival di danza contemporanea delle tre città. Se possibile e se qualcuno lo desidera, le pièce potranno essere programmate nei festival della rete CQD. In parallelo, tutto questo insieme di azioni è stato accompagnato da un intenso programma di diffusione a livello nazionale e internazionale, presentando il progetto e i suoi risultati nei forum e nelle reti a cui appartengono i tre soci. Nel futuro, Dance Channels desidera che si uniscano al progetto nuove città, per diventare a lungo termine un circuito di mobilità e scambi che possa mettere in contatto compagnie, ballerini e coreografi di tutto il continente, aprendo per loro nuove opportunità nei loro percorsi artistici.

picture by ballestin Katherine Hollinson & Connor Quill. Performance at TRAYECTOS 2012 (Zaragoza, Spain)

picture by marco pezzati Ingrid, Antonio & Jordi. Performance at CORPI URBANI 2012 (Genova, Italy) picture by brian slater Katherine & Connor. PERFORMANCE AT URBAN MOVES 2012 (Manchester, UK)

EL PÚBLICO EN EL ESPACIO URBANO: DE ESPECTAOR A PARTICIPANTE THE AUDIENCE IN URBAN SPACES: FROM MEMBER OF THE AUDIENCE TO PARTICIPANT

Armando Martén Caballero

Co-Director del Festival Empape (A Coruña). Bailarín, coreógrafo y co-fundador de la Compañía Entremans. Co-director of the Empape Festival (A Coruña). Dancer, choreographer and co-founder of the Entremans Dance Company. El espacio urbano, desde mediados del siglo pasado es uno de los más importantes laboratorios donde los artistas y en el caso que nos ocupa, la danza ha encontrado una vía para su desarrollo e incluso, en algunos casos simplemente sobrevivir ante la falta de medios idóneos. Lo que comenzó de manera experimental con la idea de explorar nuevos espacios, invadiendo fábricas, naves, colegios abandonados, con la idea de, por una parte aprovechar esas instalaciones en desuso, resaltar su fuerza arquitectónica, dotar de mayor realismo y veracidad el espacio escénico que se ve beneficiado de la magia que en muchos casos aportan los edificios abandonados y en ruina, se ha convertido en nuestros días en una de las formas más ricas, vivas y dinámicas de expresión artística, a la vez que integradora, toda vez que comienza a agrupar a artistas de diferentes disciplinas y con la arquitectura como elemento importante dentro de esta fusión. La danza no se queda en espacios cerrados, una vez salida del teatro salta a los parques, a la vía pública, escaparates y comercios, azoteas, estaciones de metro… abriéndose verdaderamente al espacio urbano, acercándose cada vez más al público y convirtiéndolo a la vez en muchas ocasiones en parte imprescindible del hecho artístico. Cada esquina, fachada o plaza se toma prestada y es aquí donde la danza se encuentra nuevamente con la arquitectura y en ese encuentro surge algo redondo que muchas veces no sabemos explicar pero que nos sabe cercano y maravilloso. El público en general juega un papel importante, desde aquel que solo pasa y se queda con una pincelada de información pero no se detiene por sus propios motivos y continúa paso… hasta el espectador que se regala un poco de tiempo para ver que sucederá con aquello que ve. ¿ Por qué es tan importante el público en el espacio urbano? Pues desde mi humilde opinión creo que el público es el que termina de completar el hecho artístico, toma el pulso de lo que acontece, hay un cruce de información y nos devuelve la onda que se ha generado en ese espacio de tiempo. Al público le hacemos cómplice de aquello que sucede…El público condiciona, modifica, dibuja el espacio, está participando mucho antes del espectáculo, está ahí desde el principio. En su migración y colonización de nuevos escenarios, la danza contemporánea evoluciona hacia una mayor sencillez, despojándose de todo aquello que estorba encarece y desluce su representación y su comunicación con el público, a la vez que en sentido general se arma de un mayor dinamismo e intensidad como medio de adaptación a las condiciones ambientales que abundan en muchos espacios urbanos (ruidos de coches, voces, vasos, etc.) donde se hace más difícil mantener la

atención del espectador. Esta metamorfosis que sufre la danza contemporánea en su incursión por paisajes urbanos, implica también que muchos artistas para adaptarnos a las nuevas condiciones modificamos elementos tan importantes como el calzado u otras prendas del vestuario, se suprime en gran medida el maquillaje del artista, que al estar tan cerca del público y dada la ausencia de luces en los espectáculos diurnos, en muchos casos deja de ser necesario. Como intérprete observo que la gestualidad de la danza se funde de manera más orgánica con los movimientos y gestos cotidianos, ya que al hablar casi exclusivamente del hombre y su problemática en su medio o hábitat natural, la realidad y el espacio escénico pasan a ser una misma cosa. Hablamos casi siempre de nosotros mismos y de la manera más clara posible, por lo que podemos decir que la danza contemporánea se parece a la vida hoy más que nunca, lo que a su vez ayuda a que el espectador se sienta identificado con lo que ve y encuentra más facilidades para participar en el juego. La arquitectura de los espacios ha llevado también a integrar diversas formas de expresión e integración con otras disciplinas urbanas, surgidas en determinados momentos como una necesidad de grupos de jóvenes de desplegar toda su energía y posibilidades físicas, utilizando precisamente elementos arquitectónicos propios de espacios urbanos, tales como fachadas, rampas, muros, escaleras y otros elementos factibles de utilizar para alcanzar una forma novedosa y liberadora de asumir los mismos espacios que anteriormente solo servían para caminar, posar las manos o sujetarse. El hecho de estar tan cerca hace que el público pueda apreciar de una manera más clara lo riguroso de la actividad que realizamos, pero a diferencia del teatro, donde después de actuar el artista desaparece entre las bambalinas, en los festivales de calle donde se realizan representaciones de varias compañías, al acabar nuestro espectáculo nos convertimos de manera rápida y fluida en parte del público, compartiendo la experiencia de habitar de una manera diferente ese enclave invadido para el hecho. Siento además que el trabajo tiene que ser mucho más honesto, lo impone el respeto al lugar ocupado y la cercanía de los presentes que pueden percibir de manera más clara la autenticidad de cada movimiento, cada sonido, cada suspiro. Es tarea del artista continuar con la labor de acercar la danza a estos espacios donde el paseante pueda reconocerla, admirarla y valorarla, no es precisamente fácil bailar en un suelo donde la amortiguación del cuerpo sobre él es casi nula, pero lo hacemos y continuaremos haciendo danza callejera, una danza que está viva, que late al pulso de la ciudad.

My experience as a dancer and choreographer in public spaces. From the mid 20th century onwards urban spaces have been one of the most important laboratories where artists and –like in this case– dance have found a way to evolve and even survive the lack of suitable resorts. The project firstly began with the idea of experimentally exploring new spaces, pouring out onto factories, industrial premises and deserted schools, with the aim of using those spaces that once fell into disuse and with the alternative objective of highlighting their architectural power, while giving more truthfulness and realism to the scenic space. As a result that scenic space gets enriched by the magic that abandoned buildings can bring. Nowadays this fusion has become one of the richest, vivid and dynamic artistic expressions, as well as an integrating factor for different groups of artists and with architecture as a background element.

This metamorphosis that contemporary dance goes through when integrating it in urban landscapes, it means that we the artists, in order to adapt to these new conditions, we modify important elements such as footwear or other clothing; we eliminate almost all make up, as it becomes unnecessary when being close to the audience and when shows do not require lighting in daytime. As a performer I can observe that dance gestures merge in a more organic way with daily gestures and movements, because as we talk almost exclusively about man and his problems in his natural environment, reality and scenic space merge. We the artists talk about ourselves and in the clearest way possible; hence we could say that contemporary dance matches live more than ever, thus it helps the audience to feel identified with it’s been seen and finds more chances to participate in the game.

Dance does not stay indoors, but once out of the theatre it jumps into parks, public spaces, shop windows and stores, rooftops and subway stations; truly opening to urban spaces, getting closer and closer to the public and often making it an essential part of the act. Every corner, facade or square is borrowed, and that is where dance finds architecture again, from which it arises something almost perfect that we can not explain but we find it as close and wonderful.

The architecture of spaces has led to other forms of integration with different forms of expression and other urban practices, developed from groups of young people in the need to display their physical power and all their energy by using some urban elements like facades, ramps, walls, stairs and other elements that have the possibility to become a new, original and liberating way of using those elements that were just to stand, walk on or hold on to.

The public plays an important role, from the person that only passes by and gets very little information, without stopping -for his own reasonsand continues with his path, up to the viewer that spends some time to see what will happen next.

The fact that we are closer to the public it can be appreciated in a clearer way how rigorous our work is, and also, if we compare it to theatre, when the artist disappears behind the scenes right after the show, after every production in these street festivals we rapidly and fluidly become part of the public, sharing the experience of being in that space that we are invading.

Why is the public so important for urban spaces? Well, in my humble opinion I think the public is the ending of the artistic act, leads the events that are occurring, there is an intersection of information and the public brings back the wave that is generated in that time lapse. The public is an accessory to the events. The public modifies, draws the space, it is participating well before the show starts: it’s there from the beginning. In its process of migration and colonization of new scenes, contemporary dance evolves towards a higher simplicity, removing all that bothers, that makes it more expensive and fades its representation and communication with the public, while in a general sense it gains more dynamism and intensity as way to adapt dance to background conditions in most urban spaces (traffic noise, voices, glasses, etc.) where it get harder to keep the audience attention.

I also feel that the work must be much more honest, being enforced by the respect to the invaded space and the closeness to the audience that can feel in a much clearer way the authenticity of every movement, every sound and every sigh. It is the artist duty to continue with the objective of approaching dance to these spaces where walkers can recognise it, admire it and value it. It is not easy to dance on a floor which cushioning almost does not exist, but we will keep on dance in the streets; with a dance that is alive and that beats at the pulse of the city.

DANZA Y TENDENCIAS Concepción - CHILE

Danza y Tendencias 2011

Enero / January Plataforma de difusión e intercambio regional, nacional e internacional. El redescubrimiento de la ciudad, a partir del cuerpo y del movimiento, propone instancias exquisitas de convivencia entre los transeúntes, publico, arquitectura y artistas de connotada trayectoria. Platform for regional, national and international dissemination and exchange. The rediscovery of the city, from the body and movement, offer exquisite instances of coexistence among the spectators, architecture and artists with a noted professional background.

ORG: Joel Inzunza & Compañía DIR: Joel Inzunza Leal Martines de Rozas, 565, Concepcion 4030348 Concepcion, Chile / TEL.: +569-87312453 CONTACT: www.danzaytendencias.blogspot.com / joel.inzunza.compania@gmail.com / danzaytendencias@gmail.com APOYO / SUPPORT: Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, ambito Reional / Festival Internacional de Video Danza de Buenos Aires / Circuito de Video Danza del MERCOSUR / Festival y circuito de video Danza Chile / Laster Studio / Centro Español de Concepcion / Tercer Ojo / Sono / Centro Coreografico Do Rio de Janeiro / Prefeitura Do Rio de Janeiro / Diario El Sur / etc

CIUDANZA

Buenos Aires - ARGENTINA

Ciudanza 2011

Marzo /March Ciudanza es un innovador programa que tiene como objetivo producir un cambio trascendente en el modo de generar acciones creadoras de gran valor en el patrimonio paisajístico y arquitectónico de Buenos Aires. Ciudanza is an innovative program that aims to produce a significant change in the way of generating high value-creating actions in the landscape and architectural heritage of Buenos Aires.

ORG: Ministerio de Cultura - Gobierno de la ciudad de Buenos Aires DIR: Brenda Angiel Av de Mayo 575 CAP. FED Ciudad Aut. de Bs.As CONTACT: ciudanza@festivales.gob.ar www.festivales.gov.ar

PERTH DANCING CITY Perth - AUSTRALIA

Christophe Canato

Abril / April El primer evento, “Tongues of Stone”, dirigida por Carol Brown y Dorita Hannah; fue realizado en abril 2011. También se llevarón a cabo un simposio sobre danza y compromiso social y un evento exterior de proyecciones de danza. The first event, “Tongues of Stone”, directed by Carol Brown and Dorita Hannah, was held in April 2011. Asymposium on dance and social engagement as well as an outdoor dance screen event was also developed.

ORG: STRUT dance inc DIR: Agnès Michelet 1st Floor, King Street Arts Centre, Perth WA Postal address: PO Box 7452 Cloisters Square WA 6850 · tel: + 61 8 9321 4066 CONTACT: www.strutdance.org.au agnes@strutdance.org.au· communications@strutdance.org.au APOYO /SUPPORT: WA Department of Culture and the Arts / Future Moves/ Australia Council / Perth International Arts Festival / Curtin University / City of Perth / Ausdance WA/ ReelDance

habana vieja, ciudad en movimiento

HABANA VIEJA. Ciudad en Movimiento La Habana - CUBA Abril/April La Habana, primer puerto, refugio de corsarios y piratas en el pasado, se convierte en varios días en un escenario singular para coreógrafos, intérpretes y artistas afines. Havana, the first port, refuge in the past to corsairs and pirates in the past, turns itself into a singular stage for choreographers, interpreters and related artists, for several days.

ORG: Danza Teatro Retazos / Oficina del Historiador de la Ciudad de La Habana, Centro de teatro y danza de La Habana DIR: Isabel Busto Romoleroux / Eugenio Chávez C/Amargura 61 entre Mercaderes y San Ignacio, La Habana Vieja, Ciudad de la Habana, Cuba TEL.: +537 8620140 +537 8639484 Ext 108 y 109 Cell +535 2709677 CONTACT: www.danzateatroretazos.cu eugenio@bellasartes.co.cu APOYO / SUPPORT Danza Tetro Retazos / Oficina del Historiador de la Ciudad / Centro de Teatro de la Habana

URBAN VISIONS

Cairo - EGIPTO / EGYPT

mar cordobés

Abril / April

Dentro del contexto del festival de artes escénicas D-caf, en el 2012 se celebró la primera edición de Urban Visions, con la actuación de compañías egipcias e internacionales en numerosas localizaciones de Downtown Cairo. Within the context of the D-Caf Performing Arts Festival, in 2012 the first edition of Urban Visions took place, with the participation of egyptian and international dance companies in multiple venues in Downtown Cairo

ORG: SEE Foundation DIR: Ahmed El Attar 18 Emad Eddin Street Downtown, Cairo - Egypt. P.O. Box 2595 code 11511 Ataba Tel (+202) 2576 38 50 CONTACT: ahmedelattar@seefoundation.org APOYO / SUPPORT: Egyptian Delegation of the European Commission, British Council, Embajada Española en Egipto, AFAC, Kingdom of the Netherlands, Egyptian Ministry of Culture, Institut Français, Goethe Institute.

VISIÔES URBANAS

Sâo Paulo - BRASIL / BRAZIL

Visões Urbanas 2012

Mayo /Mai Este festival tiene como objetivos crear un diálogo entre el cuerpo y la metrópolis y proponer interferencias poéticas que traen la danza al cotidiano de los peatones que traspasan por las calles de São Paulo. The festival aims to create a dialogue between body and metropolis and to propose poetic interferences that bring dance into everyday life of people who pass by São Paulo’s streets.

ORG: Cia. Artesãos do Corpo Dança-Teatro DIR:Ederson Lopes & Mirtes Calheiros Rua Martim Francisco, 661 – Santa Cecília São Paulo SP Brasil CEP: 01226-000 tel: + 5511 3667-5581 / 9310-8051 CONTACT: www.ciaartesaosdocorpo.art.br contato@ciaartesaosdocorpo.art.br / ederson@ciaartesaosdocorpo.art.br / www.visoesurbanas.com.br APOYO/SUPPORT: Caixa Economica Federal /Governo Federal Do Brasil /Governo Do Estado de São Paulo /PROAC 2009 / Cooperativa Paulista de Teatro /Instituto Goethe-SP / Associação Vo Arte /Festival Inshadow /SMC /Pateo do Collegio

INTERPLAY

Torino - ITALIA / ITALY

Interplay 2012

Mayo /Mai

INTERPLAY es el evento con más historia en la región para el apoyo y promoción de la danza emergente. Cada año presenta lo mejor de la danza contemporánea más novedosa, ofreciendo representaciones tanto en teatros como en áreas urbanas de la ciudad. INTERPLAY Festival is the longest running reality in the region for the support and promotion of the young original dance. Every year it has presented the best of the new and emerging contemporary dance, offering the performances both in theaters and in urban areas of the city.

ORG: Associazione Culturale MosaicoDanza DIR: Natalia Casorati St. Tetti Rubino 47, 10133 Torino Tel: +39 (011) 6612401 CONTACT: www.mosaicodanza.it mosaicodanza@tiscali.it APOYO / SUPPORT: MIBAC-Ministero per i Beni Culturali e le Attività Culturali\ Regione Piemonte\ Città di Torino\ Teatro Stabile di Torno\ TorinoDanza, Fondazione CRT\ Compagnia Di San Paolo \ Camera di Commercio Industria e Agricoltura di Torino

HORIZONTES URBANOS

Belo Horizonte & Minas Gerais - BRASIL / BRAZIL

HORIZONTES urbanos 2012

Mayo /Mai Horizontes Urbanos desafía a los creadores de danza a utilizar el propio marco arquitectónico de la ciudad. Calles, monumentos, edificios, parques y espacios públicos cobran una vida que renueva el interés urbanístico. Horizontes Urbanos challenges creators to use the proper architectural frame to the city. Whenthese two art forms meet, streets, monuments, buildings, parks and public spaces are given a new life. Moreover, the urbanistic interest is renewed in Belo Horizonte.

ORG: Horizontes Urbanos DIR: Wagner Tameirão, Jacqueline Castro, Marise Dinis Rua da Bahia, 1148 / 1708, Centro, Belo Horizonte. MG Brasil . CEP 30160-906 TEL.: +55 31 32221438 CONTACT: horizontesurbanos@uol.com.br www.movimiemtoredsd.ning.com APOYO /SUPPORT: Lei Estadual de Incentivo à Cultura do Estado de Minas Gerais

PULSO URBANO

Córdoba - ARGENTINA

PULSO URBANO 2010

Mayo /Mai Invita a artistas a crear in situ coreografías, con el objetivo de generar debate y reflexión alrededor del espacio público y revalorizar el patrimonio atístico y arquitectónico de la ciudad. Invites artists to create site specific choreographies, aspiring to generate debate and reflection about public space and enhance the artistic and architectural heritage of the city.

ORG: Secretaría de Cultura del Gobierno de la Provincia de Córdoba – Subdirección de Artes Escénicas DIR: Emilia Rosa Montagnoli Hipólito Yrigoyen 622 - (5000) CORDOBA - Argentina Tel: +54 351 433.3421/22 int 109 o 118 CONTACT: www.pulsourbano.org cqd.pulsourbano@gmail.com

DANSE PEI

Côte Ouest - RÉUNION

S.Leplege

Mayo /Mai La asociación cultural MOV_A fue creada en agosto de 2010 para acercar la danza a todos, proponiendo un uso diferente y una reflexión sobre nuestro espacio de vida compartido, mejorando al mismo tiempo los intercambios entre la Reunión y el resto del mundo. MOV_A cultural association was established in August 2010 to develop and make dance available to all, proposing a different use and a reflection of our shared living space and enhancing exchanges between Réunion and internationally.

ORG: MOV_A DIR: Mélisande Plantey 7 rue Ambroise Vollard, 97434 Saint-Gilles-les Bains, Réunion CONTACT: www.danse-pei.re dansepei@gmail.com APOYO / SUPPORT: Casino de St Gilles, NRJ Mobile, Le

Quotidien, Réunion 1º, Canal + Réunion, Air France, Nissan, Publicolor, Australine, Agence Déclic DRP, DRAC, Conseil Régional, Conseil Général, TCO, Ville de la Possession, Ville du Port, Commune de Saint Paul, Conservatoire à Rayonnement Régional, Espace culturel Leconte De Lisle et L’École d’Architecture du Port.

TRAYECTOS

Huesca, Olot, Tournefeuille, Teruel, Zaragoza - ESPAÑA / SPAIN

M BALLESTIN

Mayo-Junio /Mai-June Trayectos intenta que el paseante deduzca que hay otras formas de habitar las ciudades; la ciudad puede acoger e integrar todo lo que nos sale del cuerpo: belleza, emoción y creatividad. Trayectos intends for the passer-by to deduce that there are other forms to inhabit cities; the city can welcome and integrate everything that comes out of our body: beauty, emotion and creativity.

ORG: A.C. Las Voces Humanas DIR: Nati Buil Octavio de Toledo, 15. esc. 2ª, 7º C., 50007 Zaragoza. España / tel: +34 976 252 820 CONTACT: www.danzatrayectos.com info@danzatrayectos.com APOYO / SUPPORT: Instituto Francés, Ministerio de Cultura, Ayuntamiento de Olot, Ayuntamiento de Tournefeuille, Ayuntamiento de Teruel, Ayuntamiento de Huesca, Ayuntamiento de Zaragoza, Gobierno de Aragón

LEKUZ LEKU

Bilbao - ESPAÑA / SPAIN

lekuz leku

Junio / June Un encuentro entre la ciudad, la danza y el vídeo. Su objetivo es plantear un itinerario artístico comprendido entre el Museo Guggenheim y el Palacio Euskalduna de Bilbao. An encounter between the city, dance and video. Their objective is to raise an artistic itinerary that includes the Guggenheim Museum and the Euskalduna Palace of Bilbao.

ORG: La Fundicion-TU&YO Producciones DIR: Luque Tagua (Danza / Dance) / Marian Gerrikabeitia (Video) Francesc Macià 1-3 48014 Bilbao Tel: + 34 94 475 33 27 CONTACT: www.lekuzleku.com programa@lekuzleku.com APOYO /SUPPORT: Diputación Foral de Bizkaia, Ayuntamiento de Bilbao, Gobierno Vasco, BBK

GREENWICH + DOCKLANDS INTERNATIONAL FESTIVAL Londres / London - REINO UNIDO / UNITED KINGDOM

Warren King

Junio / June Cada año, el festival presenta un programa al aire libre en Canary Wharf, la parte este de Londres. Este distrito de negocios post-moderno tiene gran variedad de espacios públicos abiertos. Every year, this festival presents a program in Canary Wharf, the eastern part of London. This post-modern district of businesses has great variety of open public spaces.

ORG: Greenwich+Docklands Festivals DIR: Bradley Hemmings The Borough Hall, Royal Hill, Greenwich, London, SE10 8RE Tel: + 44 208 305 5026 CONTACT: www.festival.org admin@festival.org, access@festival.org APOYO / SUPPORT: Canary Wharf Arts and Events

ART ORT

Heidelberg - ALEMANIA / GERMANY

Art Ort

Junio-Julio / June-July Desde el 2002 el festival ART ORT desarrolla representaciones en los espacios públicos en cooperación con arquitectos locales, bailarines y músicos internacionales, buscando nuevas formas de producción y presentación de movimiento más abiertas y pluridisciplinarias. Since 2002 ART ORT has developed representations in public spaces in cooperation with local architects, international dancers and musicians, looking for new multidisciplinary forms of production and presentation of movement.

ORG: AHA - UnterwegsTheater DIR: Bernhard Fauser & Jai Gonzales Hauptstraße 88, 69117 Heidelberg tel: +49 6221 23806 CONTACT: www.art-ort.net info@unterwegstheater.de APOYO / SUPPORT: City of Heidelberg and the Country of Baden-Württemberg

URBAN MOVES dance initiative great manchester

Manchester - REINO UNIDO / UNITED KINGDOM

Julio / July Promueve un nuevo y sorprendente concepto de danza al aire libre en Manchester, cuyo paisaje urbano constituye un paisaje arquitectónico único. También organiza una fiesta formal en la que se baile al aire libre para que todo aquel que lo desee pueda unirse al baile. Urban Moves promotes a new and surprising concept of dance in the outdoors and unusual places in Greater Manchester, using its unique architectural landscape. It also organises a formal party where everybody is invited to dance.

ORG: Urban Moves Festival (Dance Initiative Greater Manchester and Manchester International Arts) DIR: Deb Ashby Zion Arts Centre, Stretford Road / Hulme / Manchester / United Kingdom M15 5ZA TEL: + 44 161 232 7179 CONTACT: www.urbanmovesfestival.co.uk deb@digm.org.uk APOYO / SUPPORT: Arts Council England, Manchester City Council, Greater Manchester local authorities and Piccadilly Partnership, Culture Program of the European Commission.

LUGAR À DANÇA

Lisboa, Moita, Oeiras, Penela, Coimbra - PORTUGAL

A. Roque

Julio / July Se caracteriza por ser único en el contexto portugués y realizado específicamente para arquitectura en espacios públicos. Se trata de un escenario sin barreras, abierto al público con el objetivo de promover las tendencias artísticas más contemporáneas. Characterized by being one of a kind and in the context of Portuguese culture, and made for a specific architecture in public spaces. It is an area without doors, open to the entire public, promoting the most contemporary art trends.

ORG: Associação Vo’Arte DIR: Ana Rita Barata Rua São Domingos à Lapa nº 8 N _1200.835 Lisboa / Portugal tel: +351 21 393 24 10 / +351 91 955 47 23 CONTACT: www.voarte.com info@voarte.com APOYO / SUPPORT: Direcção Geral das Artes / Ministério de lá Cultura / Prefeitura Lisboa, Coimbra, Oeiras, Tavira

HUELLAS

Huelva - ESPAÑA / SPAIN

Luis Castilla

Julio / July Huellas surgió en 2001 dentro de la muestra de danza contemporánea que se realiza en Sevilla. Debido a su éxito, el ciclo se ha expandido a otras localidades de Andalucía. Huellas arose in 2001 within the contemporary dance show that is made in Seville. Due to its success, the cycle has expanded to other localities of Andalucia.

ORG: Eléctrica Proyectos Culturales DIR: Fernando Lima Ronda PíoXII, 17 - 4º izq.4 1008 – Sevilla CONTACT: www.electricacultura.com electrica@electricacultura.com APOYO / SUPPORT: Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía / Diputación de Huelva / Ayuntamiento de Aracena

INTERFERENZE

Teramo - ITALIA / ITALY

INTERFERENZE 2011

Julio / July Su objetivo es animar a los coreógrafos a readaptar sus espectáculos a los espacios no habituales, así como mejorar los espacios urbanos, culturales e históricos para que la comunidad local los vea de una forma diferente. Its aim is to urge choreographers to readapt their performances in unusual spaces, different from the theater, as well as upgrading urban, cultural and historical spaces bringing the community to watch them in a different way.

ORG: Associazione Italiana danzatori attori DIR: Eleonora Coccagna Via Fedele De Paulis 9/A 64100 Teramo (Italy) tel: + 39 0861 212593 CONTACT: www.electacreativearts.it direzione.electa@gmail.com APOYO/SUPPORT: Abruzzo Region, District and City of Teramo.

EMPAPE

A Coruña - ESPAÑA / SPAIN

Kirenia Martinez

Julio / July Tiene como objetivo impulsar el desarrollo cultural de la ciudad de A Coruña. Un punto de encuentro e intercambio de experiencias entre artistas y espectadores. Una gota de agua marca una circunferencia, millones, nuestra ciudad. Its aim is to encourage the cultural development of the city of A Coruña, by being a point of meeting and exchange of experiences between artists and spectators. A drop of water marks a circumference, millions, our city.

ORG: Compañía Entremans y Artestudio, Danza y Teatro DIR: Alexis Fernández Ferrera, Armando Martén Caballero ADM: Estefanía Vázquez c/Marina Nieto Álvarez, 12. Bajo - 15009-A Coruña +34 981 13 18 19 CONTACT: www.festivalempape.blogspot.com produccion@artestudioxestioncultural.com

DIES DE DANSA

Barcelona, Mataró, Sabadell - ESPAÑA / SPAIN

Gorka Bravo

Julio / July Cuenta con la participación de compañías nacionales e internacionales, que desarrollan coreografías cortas en paisajes urbanos. Sus trabajos se muestran en varios espacios de la ciudad, creando un diálogo entre el cuerpo y la arquitectura. Created with the participation of national and international companies developing short choreographies in urban landscapes. Their works are shown in several spaces of the city, creating a dialogue between the body and architecture.

ORG: Associació Marató de l’Espectacle DIR: Juan Eduardo López C/Trafalgar, 78, 1º 1ª, Barcelona 08010 Tel: +34 93 268 18 68 CONTACT: www.marato.com / ddd@marato.com APOYO / SUPPORT: Ajuntament de Barcelona, Generalitat de Cataluña, Programa Cultura de la Unión Europea, CCCB, INAEM, Obra Social Caja Madrid, Fundación AISGE, Diputació de Barcelona, Institut Municipal d´Acció Cultural de Mataró, Ajuntament de Sabadell, Museu Picasso, Institut Ramon LLull, British Council de Barcelona, Goethe Institut de Barcelona, Fundació Miró, Institut Français de Barcelone, MACBA.

SWANSEA: A CITY THAT DANCES

Swansea, Gales - REINO UNIDO / UNITED KINGDOM

John Fry

Julio / July Un fin de semana de danza en sitios inesperados, implicando tanto grupos de baile locales como a artistas de renombre internacional para crear una verdadera sed de danza en la ciudad. A weekend of dance in unexpected places, involving both community dance groups and artists of international renown to create a real thirst for dance in the city.

ORG: Taliesin Arts Centre DIR: Sybil Crouch Taliesin Arts Centre, Swansea University, Singleton Park, Swansea SA2 8PZ / Tel: +44 1792 295491 CONTACT: www.taliesinartscentre.co.uk s.e.crouch@swansea.ac.uk APOYO / SUPPORT: Taliesin Arts Centre / Canolfan Y Celfyddydau Taliesin / Swansea University / Prifysgol Abertawe

STROMEREIEN PERFORMANCE FESTIVAL Zürich - SUIZA / SWITZERLAND

R. Alexander

Agosto / August El programa del festival enfoca in situ el arte de la performance. Todas las presentaciones son creadas especialmente para los sitios donde tienen lugar: el entorno de Tanzhaus Zurich cerca del río Limmat, en el corazón de Zurich. The festivals program focuses on sitespecific performance art. The performances are specifically created for sites in and around the Tanzhaus Zurich near the river Limmat in the heart of Zurich.

ORG: Stromereien Performance Festival Zurich DIR: Bettina Holzhausen (directora artística, project manager), Meret Schlegel (director artístico, director of Tanzhaus Zurich) c/o Tanzhaus Zurich, Wasserwerkstrasse 129, CH8037 Zurich tel: +41 44 350 26 10 CONTACT: www.stromereien.ch info@stromereien. ch APOYO / SUPPORT: City of Zurich / Canton of Zurich/ Fondation Nestlé pour l’Art / Migros Kulturprozent / Swiss Arts Council Pro Helvetia / Ernst Göhner

CITY HOPPERS

Malmö - SUECIA / SWEDEN

Roger Madsen

Agosto / August Cada verano Malmö se transforma en el punto de encuentro de música y danza. Artistas locales e internacionales presentan sus trabajos al lado de la playa de West Harbour, transformando los espacios cotidianos en algo nuevo y mágico. Every summer Malmö becomes a meeting point for music and dance. Local and international artists present their work by the sea side of the West Harbour, transforming places that we take for granted into something magical and new.

ORG: Memory Wax DIR: Miguel Azcue y Johanna Jonasson Rådmansgatan 15 d 21146 Malmö / Sweden TEL.: +46 704 928178 CONTACT: www.cityhoppers.se producent@memorywax.com APOYO / SUPPORT: Malmö Escenario de Verano / Ciudad de Malmö / Region Skåne / Swedish Arts Council.

DANÇA EM TRANSITO

Rio de Janeiro, Brasilia, Goiania, Sâo Paulo - BRASIL / BRAZIL

Dança em Transito 2012

Agosto / August Primer festival de danza urbana de Brasil. Se realiza en Rio de Janeiro, entre construcciones urbanas y como musa inspiradora, las ciudades. Dança em Transito was the first festival of urban dance in Brazil. Created in Rio de Janeiro, the city was used as a muse of inspiration between urban constructions.

ORG: CDPDRJ - Centro de Documentação e Pesquisa em Dança do Rio de Janeiro DIR: Giselle Tapias Rua São Clemente, 409, Botafogo RJ Río de Janeiro CEP 22260-001. Brasil tel: + 55 21 2526 2666 / 2286-2648 CONTACT: cdpdrj@globo.com

DANTZA HIRIAN

Eurociudad Vasca Bayonne-San Sebastian - FRANCIA-ESPAÑA / FRANCE-SPAIN

Dantza Hirian

Septiembre / September

Ha obtenido una mención en 2008 en el Año europeo del dialogo intercultural (AEDI) por contribuir a la diversidad cultural aumentando la conciencia en el respeto y la comprensión de otras culturas, como factor de cohesión social. Dantza Hirian has obtained the 2008 label of Year of European Intercultural Dialogue (AEDI) for its contribution to cultural diversity by increasing conscious respect and understanding of other cultures, as important factors of social cohesion.

ORG: I.D. Iniciativas Danza (Donostia-San Sebastián), Atelier (Hendaia) DIR:Myriam Arkaia C/ Hendaya 4, local 16 20301 IRUN CONTACT: www.dantzahirian.com /info@dantzahirian.com / +34 639 402 437 APOYO/SUPPORT: Conseil Régional d’Aquitaine / Affaires Européennes, Gob. Vasco / Cultura – Presidenia - Política Lingüística, Conseil Général de Pyrénées Atlantiques/ OARA /Consulado de Francia de Bilbao/ Culture, Diputación Foral Gipuzkoa/ Cultura - Relaciones Exteriores, Office Public de la Langue Basque, Institut Culturel Basque, etc.

DANSE EN VILLE

Liège, Eupen - BÉLGICA / BELGIUM

Christophe Berg

Septiembre / September Danse en Ville – Tanzende Stadt quiere ser un festival de comunicación, debido sobre todo a su situación geográfica, colinda con las fronteras de Bélgica,Holanda y Alemania. Danse en Ville - Tanzende Stadt wants to be a festival of communication, due mainly to its geographic situation, on the limit with the borders of Belgium, Holland and Germany.

ORG: Compagnie Iréne K. DIR: Irène Borguet-Kalbusch Alter Malmedyer Weg 27 B-4700 Eupen – 4700 Eupen - Belgium TEL: + 32-87-555575 CONTACT www.irenek.be irene.k@skynet.be APOYO / SUPPORT: Communauté Germanophone de Belgique / Ville d’Eupen (RSM) / Province de Liège

DANZA URBANA

Bologna - ITALIA / ITALY

Danza Urbana 2012

Septiembre / September Es el primer festival italiano enteramente dedicado a la danza contemporánea en espacios no teatrales. The first Italian festival entirely dedicated to contemporary dance in non-theatre spaces.

ORG: Associazione Culturale Danza Urbana DIR: Massimo Carosi Via Castiglione 73, 40124 Bologna – Italia tel: +39 051 6440879 CONTACT: www.danzaurbana.it info@danzaurbana.it APOYO/SUPPORT: Comune di Bologna – Settore Cultura, Assessorato alla Cultura della Provincia di Bologna, Assessorato alla Cultura della Regione Emilia-Romagna, Dipartimento Spettacolo dal Vivo – Ministero dei Beni e delle Attività Culturali, Fondazione Cassa di Risparmio di Bologna

EL CRUCE

Rosario - ARGENTINA Septiembre / September

El Cruce

Durante los días que dura el festival, se suceden espectáculos que buscan la confluencia en Rosario de propuestas innovadoras de la escena actual. During the days of the festival, spectacles follow one another and look for the confluence in Rosario of innovating proposals of the present scene.

ORG: CENTRO DE EXPRESIONES CONTEMPORÁNEAS DIR: Adriana Ananía Paseo de las Artes y el río (ex Sgto Cabral y el rio) Rosario (SF) CP 2000 | Argentina tel: + 54.341.4802245/ 4802545 CONTACT: www.santafe.gov.ar produccionartistica@santafe.gov.ar / gagudo@ santafe.gov.ar APOYO/SUPPORT: Municipalidad de Rosario, Gobierno de Santa Fé, Centro Cultural Parque de España, Iberescena, AECID, Instituto Nacional de Teatro, Alliance Française Rosario...

CORPI URBANI

Chiara Balletti

Genova - ITALIA / ITALY Septiembre / September Este nuevo concepto de danza entendida como una “invasión urbana” recupera el contacto con un público mayoritario rompiendo así el mito de la danza como una forma de arte elitista. This new concept understands dance as an “urban invasion”, recovering contact with a public majority, therefore breaking away from the myth of the dance as an elitist form of art.

ORG: Associazione Culturale ARTU – Arti per la Rinascita e la Trasformazione Urbana DIR: Eliana Amadio Via Fratelli Coda 61/7 / 16166 Genova / Italy tel: +39 010 2464657 CONTACT: www.associazioneartu.it info@associazioneartu.it APOYO / SUPPORT: Regione Liguria, Comune di Genova, Comune di Finale Ligure

AMMUTINAMENTI

Ravenna - ITALIA / ITALY

Dario Bonazza

Septiembre / September La Associazione Cantieri promueve desde 1999, el festival Ammutinamenti con el objetivo de que la danza sea un reflejo de su propio modo de ser y de expresarse. Since 1999, the Associazione Cantieri promotes the Ammutinamenti Festival with the aim of transforming dance into a reflection and expression of its own way of being.

ORG: Associazione Cantieri DIR: Selina Bassini and Monica Francia c/o Casa del Volontariato, Via Oriani 44 / 48100 Ravenna (Italia) tel: +39 05 44 25 19 66 CONTACT: www.cantieridanza.org organizzazione@cantieridanza.org APOYO/SUPPORT: Comune di Ravenna - Assessorato alla Cultura / Regione Emilia-Romagna /Provincia di Ravenna / Dipartimento dello Spettacolo dal Vivo Ministero dei Beni e delle Attività Culturali

CORPO(A)TERRA

Ourense- ESPAÑA / SPAIN

entremans

Septiembre / September El festival surge con la intención de generar conexiones emocionales con el público general, especialmente con los ciudadanos de Ourense, a través de la danza y distintas aproximaciones al movimiento (circo, poesia..). corpo(a)terra was founded and grows with the intention of generating emotional connections with the general audience, and specially with citizens of Ourense, establishing an emotion connection through dance and from different artistic approaches to movement (circus, poetry...).

ORG: trasPediante DIR: Begoña Cuquejo y Marta Alonso Rúa das Oblatas Urb. Luar do Carme 27,CP:15705. Santiago de Compostela. A Coruña. Spain 0034 657356068 (Begoña Cuquejo) 0034 658782564 (Marta Alonso) CONTACT: www.corpoaterra.blogspot.com traspediante@traspediante.com APOYO / SUPPORT: Concello de Ourense, CCG.

3D DANSE DEHORS DEDANS Temblay - FRANCIA / FRANCE

Thierry Caron

Septiembre / September Una aventura artística de dimensión urbana y patrimonial que se despliega en 3 ciudades : Sevran, Tremblay, Vilepinte y enlaza los lugares emblemáticos de nuestro territorio. Dance, outdoors, Inside A choreographic adventure in 3 cities: Sevran, Tremblay, Villepinte, that links the three cities and landmarks of the territory.

ORG: Théâtre Louis Aragon DIR: Emmanuelle Jouan / Nathalie Béne Théâtre Louis Aragon 24 boulevard de l’Hôtel de Ville 93290 Tremblay-en-France (France) CONTACT: www.theatrelouisaragon.fr Tel : 01 49 63 70 52 n.bene@tremblayenfrance.fr APOYO / SUPPORT: Ville de Tremblay-en-France / Départment de la Seine-Saint-Denis / Conseil Régional d’Ile-de-France / Ministère de la Culture – Direction Régionale des Affaires Culturelles d’Ile-de-France

BALLO PUBLICO

Poggibonsi - ITALIA / ITALY

Elder Sereni

Septiembre / September

Trata de unir la danza, el público, la arquitectura y los espacios urbanos. El objetivo es dar a la danza contemporánea una imagen seductora. Situando la danza en espacios urbanos nos da una nueva llave para leer dichos espacios. Ballo Pubblico is a Festival which try to put together contemporary dance, public, architecture and urban spaces.The main object is to give to contemporary dance a winning and seductive image. The idea to host dance in the urban spaces of a city give us a new key to the reading of these spaces.

ORG: ADARTE (AssociazioneDanzaARteTEatro) DIR: Francesca Lettieri Teatro Verdi. Via del Commercio, 15 53036 Poggibonsi (Siena) · Telefono e Fax 0577 981298 CONTACT: www.associazioneadarte.org www.ballopubblico.it - info@ballopubblico.it APOYO/SUPPORT: Regione Toscana and Ministero per i Beni e le Attività Culturali (Ministry of Cultural Activities).

DANZALBORDE Valparaiso - CHILE

escenalborde

Octubre / October Diez días para el intercambio, la investigación y difusión del lenguaje contemporáneo de la Danza en los formatos de intervención urbana, muestra en sala y videodanza, además de seminarios, residencias y ponencias. Ten days to exchange, investigate and diffuse contemporary language of dance in the formats of urban interventions, exhibitions and dancevideo, along with seminars, residences and presentations.

ORG: Escenalborde Artes Escénicas Contemporáneas Cia Mundo Moebio y Cia La Ortopedia DIR: Rocío Rivera Marchevsky e Iván Sánchez Ramírez Esmeralda 1074, oficina 903, Valparaíso, Chile Tel: + 56- 32- 2597321 CONTACT: www.escenalborde.cl danzalborde@escenalborde.cl APOYO / SUPPORT: Iberescena 2009, Comisión Bicentenario Chile 2010, Ilustre Municipalidad de Valparaíso, Ilustre Municipalidad de Viña del Mar, Centro Cultural de España, Instituto Chileno Norteamericano de Cultura, Red Sudamericana de Danza.

SIDANCE (Seoul International Dance Festival)

SIDANCE 2010

Seoul - KOREA Octubre / October

Creado por la sección de Seoul del International Dance Council CID Unesco en 1998 con el objetivo de introducir la danza coreana en los escenarios internacionales, así como incorporar las tendencias internacionales al panorama local. SIDance was created by Seoul Section of the International Dance Council CID UNESCO in 1998 as a proper channel for introducing Korean dance to international stages as well as worldwide trends to the local dance scene.

ORG: Seoul Section of the International Dance Council CID-UNESCO DIR: Mr. LEE Jong-Ho 2F., 54-13, Nogosan-dong, Mapo-gu, Soeul 121-807, Korea · Tel.: +82 2 3216 1185 CONTACT: www.sidance.org inquiry@sidance.org, playgone@sidance.org APOYO / SUPPORT: Ministry of Culture, Sports and Tourism, Seoul Foundation for Arts and Culture as well as local and international partners.

ANDANZA

La Paz / Sucre - BOLIVIA

andanza 2009

Octubre / October Después del nombramiento de La Paz como Capital Iberoamericana de la Cultura 2009, Andanza toma la ciudad: espacios alternativos, museos, calles, teatros, en la Fiesta Mayor de la danza contemporánea de Bolivia. After the appointment of La Paz as the Iberamerican Cultural Capital of 2009, Andanza is taking the city through its alternative spaces, museums, streets, theatres, including the Bolivian Major Festival for contemporary dance.

ORG: Fundació Cultural Imaginea Arte y Cultura DIR: Calderón y Samanta Bryce Calle Dalence 319, Sucre, Bolivia / Casilla Postal 581 Tel: 64-58102 CONTACT: www.imaginea.org/ andanza-festival@gmail.com APOYO / SUPPORT: Red Sudamericana de Danza / Unidad de Museos Municipales de La Paz, Red de Videodanza del Mercosur, Red de Festivales de México. Municipio de La Paz: Oficialía Mayor de Culturas, HIVOS.

F.I.T.E.C.

Getafe - ESPAÑA / SPAIN

Javier García

Octubre / October Espacio de expresión artística donde la danza, como parte importante de la programación, toma los espacios urbanos inusuales, donde se crean coreografías específicas y los convierte en lugar de encuentro entre el artista y el espectador A space of artistic expression where dance, as an important part of the programming, takes unusual urban spaces, creating specific choreographies and meeting points between the artist and the audience.

ORG: Asociación Cultural Destellos DIR: Javier García Ceballos C/ Madrid 54 C.P. 28901 Getafe (Madrid – España) Tel: +34 91 601 83 23 CONTACT: www.teatrodestellos.com teatrodestellos@gmail.com APOYO / SUPPORT: Ayuntamiento de Getafe, Ministerio de Cultura – Cooperación Cultural, Comunidad de Madrid, Consejería de Cultura y Deportes, Caja Madrid – Obra Social

SANTA FE BAILA

Santa Fe - ARGENTINA

santa fe baila

Noviembre / November Santa Fe Baila es una experiencia de danza en espacios urbanos creada en 2009. Diferentes espacios de la ciudad se convierten en escenario para la danza contemporánea. Santa Fe Baila is a dance experience in urban landscapes created in 2009. Different locations of the city become stages for contemporary dance.

ORG: Dirección provincial de Produción Artística, Gobierno de Santa Fe DIR: Gerardo Agudo Primera Junta 2518 PA Santa Fe CP 3000 (Argentina) Tel: + 0341 4721163/62 CONTACT: www.santafe.gov.ar gagudo@santafe.gov.ar APOYO / SUPPORT: Ministerio de Innovación y Cultura – Gobierno de Santa Fe.

SUBTERRANEO ESCÉNICO Mexico DF - MÉXICO / MEXICO

Carol Luiciana

Noviembre / November Surge de la necesidad de generar una alternativa para la difusión y reflexión del arte, se busca alterar la rutina de los ciudadanos, perturbar sus sentidos y su percepción y al mismo tiempo transformar un espacio público. It arises from the need to create an alternative to the diffusion and reflection of art, seeking to alter the routine of citizens, disrupt his senses and perception while transforming a public space.

ORG: Athos DC DIR: Jesús Laredo Amargura 71, San Ángel, México D.F. / C.P. 01000 Tel 55 55504398 CONTACT: athosdc@yahoo.com.mx APOYO / SUPPORT:Programa Cultura de la Unión Europea / Red Nacional de Festivales de Danza y Coordinación Nacional de Danza (Instituto Nacional de Bellas Artes) / Sistema Nacional de Teatros (Secretaría de Cultura del distrito federal) / Coordinación Nacional de Teatro (Instituto Nacional de Bellas Artes) / Programa Alas y Raices (Conaculta).

DANÇA ALEGRE ALEGRETE Alegrete - BRASIL / BRAZIL

Marcelo Dischinger

Diciembre / December Dança Alegre Alegrete realiza intervenciones escénicas en el patrimonio histórico de la ciudad. Fortalece la danza en La pampa y consolida social, educativa y culturalmente estímulos para su desarrollo. Dança Alegre Alegrete has been making scenic interventions in the historical patrimony of its city. Fortifying dance in Pampas and consolidating social, educational and cultural stimuli for its development.

ORG: Associação Dança Alegre Alegrete DIR: Maria Waleska van Helden Rua Vasco da Gama, 51 / 504 Porto Alegre/RS – Brasil / CEP: 90420110 Tel: + 55 51 99652378 +55 51 32256948 CONTACT: maria.waleska@terra.com.br APOYO / SUPPORT: Governo do Estado do Rio Grande do Sul e Prefeitura Municipal de Alegrete

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