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Ottobre 2019 Anno 30 n. 10 € 4,50

IN REGALO ELLE DECOR CONTRACT BOOK IL MONDO DELL’OSPITALITÀ IN 30 NUOVI HOTEL

DESIGN

Magazine internazionale di design e tendenze arredamento e stili di vita architettura e arte English text

ON STAGE

SPAZIO, LUCE, MATERIA, COLORE Quattro scenari domestici dall’architettura al progetto d’interni FOOD MADE IN ITALY Milano vs Bari, l’arte del cibo in due ristoranti di ricerca SEDUTE, LUCI, TAVOLI, LIBRERIE Arredi d’autore per ripensare lo stile della casa DESIGN THERAPY Matteo Thun & Partners firma il nuovo Elle Decor Grand Hotel

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ELLE DECOR ITALIA ISSN 1120-4400 is published 10 times per year (except January and August)

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PRECISAZIONI Nel servizio ‘Pensieri tessili’, pubblicato su Elle Decor 9/2019, la foto 4 a pag. 44 è relativa al progetto di Mimi Jung, mentre l’immagine 3 nella stessa pagina si riferisce all’opera di Guda Koster. Ci scusiamo con i lettori e gli interessati.

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FEDERAZIONE ITALIANA EDITORI GIORNALI

ISSN 1120-4400

ACCERTAMENTI DIFFUSIONE STAMPA CERTIFICATO ADS 8412 DEL 21/12/2017

n. 10—2019

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ATTUALITÀ + CULTURA 30 elledecor.it Contenuti digitali del magazine anche su Facebook e Instagram 33 Password Dall’interior all’architettura e dallo spazio alla materia: nuovi scenari domestici 35 Elle Decor Likes Luoghi, installazioni, oggetti.

I nostri preferiti del mese 44 Crossing Ë tempo di neofemminismo: gentile e potente, fa sentire la sua voce in tutte le discipline

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72 Eventi Per la sua quarta edizione, Elle Decor Grand Hotel presenta un progetto-installazione firmato da Matteo Thun & Partners 229 n.b.

Mostre, eventi, appuntamenti: gli imperdibili del mese in Italia e nel mondo DESIGN + ARCHITETTURA 87 Green Design Il creativo messicano Fernando Laposse trasforma mais e piante grasse in tessuto

94 Studio Visit Ad Amsterdam, nell’atelier di

Xander Vervoort e Leon van Boxtel di X+L: tra essenze pregiate, pietre e tele di seta 102 People Beatrice Leanza. Da Pechino a Lisbona per dirigere il MAAT 105 Travel Design Il nuovo espresso Laview firmato da Kazuyo Sejima per la compagnia di treni giapponese Seibu Railway 201 Inside Design Finiture, materiali, kitchen: idee e progetti per l’abitare

213 Inside Design/Wellness Nuove soluzioni per il benessere e la stanza da bagno STILE + DECOR 57 Decorscouting Curiosità, trend, address, furniture: tutto da scoprire 127 Concept Tra fragranze e tradizione, il nuovo look della boutique milanese Acqua di Parma

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ELLE DECOR

Ottobre

164

72 94 FOOD + TRAVEL

INTERNI

118 Escape In Namibia, un lodge total green che promuove la cultura locale e si fonde con le sfumature del paesaggio africano 133 Food/1 A Milano apre Moebius, il concept restaurant dello chef stellato Enrico Croatti.

Firmato dagli architetti Q-Bic 141 Food/2 Tra uramaki ad arte e tradizione pugliese, a Bari grand opening per il nuovo ristorante Vettor

152 Sul golfo di Squillace L’architettura ‘warm minimalist’ dello studio MORQ: una fortezza mediterranea di raffinata eleganza 164 A Milano Un sofisticato intervento di interior firmato Luciano Giorgi.

Un mix di design, arte e architettura 174 A New York Arthur Casas apre alla luce e alla socialità gli spazi di una tipica brownstone house

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ELLE DECOR

Cover 184 In Salento Sul tetto di Palazzo Daniele, il cubo nero di Francesco Petrucci: un luogo magico sospeso nel verde della natura 192 Design on Stage Sette parole chiave per sette ambientazioni domestiche: i must-have del Salone del Mobile di Milano

235 English text Servizio a pagina 152 Di Rosaria Zucconi Foto di Max Zambelli

elledecor.it Elle Decor Italia è anche sul web, in una versione totalmente rinnovata, con news, video, gallery, focus e reportage in tempo reale

Moda & architettura Dalla Serpentine Gallery al Troubadour Theatre, le location più belle delle recenti sfilate durante la fashion week di Londra.

L’età vittoriana ispira gli abiti e gli allestimenti più scenografici.

FOOD/2

Facebook In Corea del Sud, l’architetto Younghan Chung firma un villaggio di case/container per residenze temporanee.

Architettura circolare.

Cucina in scena Pareti rosse, chef-table a vista, uramaki d’arte. Sembra un teatro Vettor, nuovo ristorante a Bari. Tra cucina ‘jap’ e tradizione pugliese Testo e foto Lea Anouchinsky - ha collaborato Chiarida Sacco

IN REGALO ELLE DECOR CONTRACT BOOK IL MONDO DELL’OSPITALITÀ IN 30 NUOVI HOTEL

DESIGN

Magazine internazionale di design e tendenze arredamento e stili di vita architettura e arte English text

ON STAGE

L’arco, anima del progetto e del logo di Vettor, separa l’ingresso dalla sala principale. Il top del tavolo conviviale è in marmo dell’Alta Murgia.

ELLE DECOR OR Ottobre 2019 Anno 30 n. 10 € 4,50 Mensile Poste Italiane S.p.A. Sped. in A.P. - D.L. 353/2003 (conv. in L. 27/02/2004 n°46) art.1, comma 1, DCB Milano

1001

SPAZIO, LUCE, MATERIA, COLORE Quattro scenari domestici dall’architettura al progetto d’interni FOOD MADE IN ITALY Milano vs Bari, l’arte del cibo in due ristoranti di ricerca SEDUTE, LUCI, TAVOLI, LIBRERIE Arredi d’autore per ripensare lo stile della casa DESIGN THERAPY Matteo Thun & Partners firma il nuovo Elle Decor Grand Hotel

Instagram Tra le sedie icona del design, la Spanish Chair di Børge Mogensen. Laura Gonzalez, la decoratrice francese del momento.

Da riscoprire a Vergato (BO) la chiesa di Alvar Aalto.

Extra su elledecor.it Un’apposita grafica segnala i contenuti speciali. Segui il simbolo + alla fine degli articoli.

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Foto Niklas Halle’n/Getty Images - Yoon Joonhwan - Universal Images Group /Getty Images

DIGITAL EDITION Puoi sfogliare Elle Decor Italia anche su tablet, smartphone e dispositivi kindle fire. Disponibile su app store, google play e amazon app-shop anche in versione full English

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10.19 [Design on stage]

La casa come palcoscenico delle nostre azioni, dei momenti importanti e della quotidianità. Lo scenario nel quale ambientiamo le relazioni sociali. Non un fondale, decorativo, da cambiare in base alle mode del momento, ma uno spazio concreto disegnato in armonia con la nostra personalità. È con questi presupposti che raccontiamo il mondo dell’interior design da quattro punti di vista. Con progetti d’autore che nascono dall’attenta scelta dei materiali, dalla precisione dei dettagli, dallo studio dello spazio e dal rapporto con il territorio. Partiamo dalla casa firmata dallo studio MORQ, un’architettura complessa, affacciata sullo Ionio, fatta di superfici ruvide, corpose e colori densi, accesi dalla luce e dalle ombre. A Milano visitiamo la residenza che l’architetto Luciano Giorgi ha disegnato come uno scrigno prezioso caratterizzato da superfici riflettenti, geometrie calibrate e particolari ricercati.

New York è la città del recente intervento del brasiliano Arthur Casas, progettista abile nel trasformare una tradizionale Brownstone house in un’abitazione con sorprese spaziali continue. Tornati in Italia, scopriamo le scelte dell’imprenditore Francesco Petrucci per il suo ‘nido’ sul tetto: un rifugio total black che interpreta l’urgenza del riuso con attenzione alla storia e al paesaggio. Un tema, quello della consapevolezza ambientale, che ritroviamo anche in ‘Design Therapy’, l’ultima edizione di Elle Decor Grand Hotel firmata Matteo Thun & Partners, in scena nel milanese Palazzo Morando fino al 20/10. Un luogo dove il benessere incontra il design, all’insegna del rispetto per la natura.

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[1] Dipinti del ‘500 e del ‘600 in uno scorcio dell’allestimento curato da Wes Anderson e Juman Malouf, con Itai Margula, per la tappa milanese de ‘Il sarcofago di Spitzmaus e altri tesori’, alla Fondazione Prada fino al 13 gennaio 2020. La mostra è stata realizzata con il supporto di Kvadrat, Edison, BMW. fondazioneprada.org

A Milano, la Wunderkammer di Wes Anderson e Juman Malouf

Foto Andrea Rossetti

di Filippo Romeo

Di lui conosciamo il linguaggio cinematografico basato su storie surreali, ironiche, sorprendenti. E la passione certosina del regista americano nel curare ogni dettaglio dell’immagine: dalle scenografie ai costumi, dalle scelte cromatiche alla ricerca quasi maniacale della simmetria. Meno conosciuto è il talento curatoriale di Wes Anderson, un lavoro di regia non più cinematografica, questa volta a favore della passione per l’arte.

L’abbiamo scoperto visitando ‘Il sarcofago di Spitzmaus e altri tesori’, tappa milanese del progetto espositivo concepito insieme all’illustratrice, designer e scrittrice libanese Juman Malouf, presentato lo scorso anno al Kunsthistorisches Museum di Vienna e ora in scena alla Fondazione Prada. Il Podium dell’istituzione milanese è stato trasformato per l’occasione in una sorta di Wunderkammer delimitata da quinte e tendaggi disegnati ad hoc che svelano teche preziose. All’interno sono custoditi rari dipinti, antichi monili, oggetti inediti che attraversano i tempi dal 3.000 a. C. a oggi. Un viaggio di 5.000 anni nel quale potersi perdere tra scoperte ed emozioni continue. Proprio come quelle che abbiamo provato osservando la scatola egiziana del IV secolo a.C. che pare custodisca la mummia di Spitzmaus, minuscolo mammifero che dà il nome alla mostra. — 35

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Foto Paul Gutmann © Archives Charlotte Perriand, ADAGP 2019

[2] Charlotte Perriand ritratta nel 1938, a bordo dell’imbarcazione Aventure. La mostra ‘Le monde nouveau de Charlotte Perriand’, alla Fondation Vuitton di Parigi fino al 24/2/2020, integra ai progetti della designer opere di artisti a lei legati: Léger soprattutto e fra gli altri Picasso, Noguchi, Calder, Teshigahara. fondationlouisvuitton.fr

Celebrare Charlotte Perriand, femme engagée di Piera Belloni

Il 24 ottobre Charlotte Perriand avrebbe compiuto 116 anni, anniversario che fa riflettere sulla grandezza del buon design: a distanza di quasi un secolo i suoi progetti restano di una bellezza e di un’attualità straordinarie. Fatto che si spiega con la personalità forte, poliedrica e visionaria dell’architetto/designer, fra le poche donne in un mondo di uomini. Aperta all’arte e alla cultura, è senza dubbio la protagonista della nuova modalità progettuale che segna la prima metà del ‘900. Questa è l’ampia chiave di lettura della mostra organizzata dalla Fondation Louis Vuitton di Parigi con il sostegno di Cassina, che riedita le creazioni di Perriand, e degli altri Maestri. L’azienda per l’occasione ha donato pezzi di archivio e ricostruito alcuni suoi arredi e interiors, incluso il celebre Refuge Tonneau, microabitazione trasportabile. 400 pezzi fra mobili, opere d’arte che Perriand amava integrare ai suoi concept di spazio, e ricostruzioni di ambienti, sono esposti nelle 11 gallerie della fondazione. Il percorso tocca i nodi principali della vita della progettista, il lavoro come associata nell’atelier di Le Corbusier e Pierre Jeanneret, il ritorno alla natura, il rapporto con l’arte, le architetture. E si chiude con una sua creazione giapponese, la Maison du thé realizzata nel 1993, l’ultima della sua carriera. — 37

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[3] L’edificio disegnato da BIG si staglia come una scultura site-specific nel Kistefos Art Park, polo culturale creato nel 1996 dall’imprenditore e appassionato d’arte Christen Sveaas, sul sito di un’ex fabbrica di produzione della carta. Qui si possono visitare gli impianti restaurati e la sua collezione di sculture. big.dk, kistefosmuseum.no

La firma inconfondibile di BIG nelle foreste norvegesi

Foto Laurian Ghinitoiu

di Bianca Scotto

Come ampliare lo spazio espositivo e offrire un percorso continuo per i visitatori del Kistefos Art Park, il più grande parco di arte contemporanea del Nord Europa a circa 80 chilometri da Oslo? Ci hanno pensato il pragmatismo nordico e la genialità utopica del danese Bjarke Ingels, che con il suo studio BIG, ha appena inaugurato il tanto atteso ponte-museo già soprannominato ‘The Twist’. Infatti, l’edificio, rivestito in alluminio, di circa 1400 metri quadrati, oltre a ospitare gallerie e servizi per il pubblico, è in grado di collegare le due sponde del fiume Ranselva, che fino a oggi divideva in due il parco rendendo l’itinerario di visita discontinuo. La funzionalità della forma si riflette anche negli interni: come risultato della torsione centrale della struttura, nella parte sud le sale espositive sono adatte a lavori di piccole dimensioni; mentre le opere più grandi trovano posto nel lato nord dove si dispiega una vasta hall a tutta altezza, che ospita anche una caffetteria con terrazza all’aperto. Il nuovo edificio si integra così nel percorso espositivo del parco, che include un museo dedicato al passato industriale dell’area e una collezione di sculture tra cui i lavori di Yayoi Kusama, Tony Cragg, Anish Kapoor, Olafur Eliasson e Fernando Botero. Un’opera fra le opere. — 39

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Jasper Morrison ha disegnato per noi la collezione Bonola nel 2013. Foto di Santi Caleca

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Foto di Delfino Sisto Legnani

L’esplorazione dell’artista nel mondo della ceramica inizia dal mattone. ‘Bric’ è il nome della mostra (fino al 19/6/’20), curata da Sarah Cosulich, nella quale Nathalie Du Pasquier trasforma l’architettura di Mangiarotti in una perfetta quinta scenica per le sue sculture totemiche. ‘Brac’ è il prodotto, la sua interpretazione di modulo base. mutina.it

Il mondo di Nathalie. E il fascino gentile della decorazione di Paola Carimati

Nathalie Du Pasquier è un essere speciale. Quando l’avvicini, abbassi gli occhi d’istinto tanto è potente la forza del suo sguardo. Non le piace rilasciare interviste, ma non per capriccio. “Quello che devo dire, lo dico facendo”, ci confida nel nostro prezioso ed esclusivo incontro. “Il resto è interpretazione, non mi appartiene più”. L’abbiamo intervistata in occasione dell’opening di ‘Bric’, l’installazione site-specific realizzata al Mut (Mutina for Art). La mostra, curata da Sarah Cosulich, mette in scena, su un tappeto di sabbia, sette elementi scultorei: un paesaggio metafisico punteggiato da volumi geometrici che riportano all’archetipo abitativo. Ma non è tanto la forma a solleticare stupore e curiosità, quanto la scelta di usare il mattone, minima unità costruttiva che ritorna ossessiva nel lavoro della Du Pasquier. “Mi hanno lasciato fare”, afferma sorridendo, riferendosi a Massimo Orsini, titolare di Mutina. “L’ho posato in opera capovolto, ribaltato, distolto dalla sua funzione primitiva”, puntualizza. “Per svelare la sua costruzione interna, la sua imperfezione: e tornare alla Terra”. La sua interpretazione è fatta di colori, texture laccate e crude, giochi di pieni e vuoti. “La decorazione è un gesto gentile. Non urla, non ha rivendicazioni”, conclude l’artista. “Così il mattone. Da solo non dice niente. Parla per l’uso che ne facciamo”. — 41

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[5] I 300 alberi di ‘For Forest – The Unending Attraction of Nature’, visti dall’alto. L’installazione green di Klaus Littmann, in collaborazione con lo studio Enea Landscape Architecture, fa riflettere sulla salvaguardia delle foreste. Si trova all’interno dello Wörthersee Stadion di Klagenfurt, in Austria, fino al 27/10. forforest.net

In Austria, una foresta cresce in uno stadio. Poesia e provocazione

Foto UNIMO

di Piera Belloni

Un gruppo di alberi contenuti fra gli spalti di uno stadio, come atleti in azione, che si può visitare da mattina a sera inoltrata grazie all’illuminazione artificiale.

Il concept fra poesia e provocazione, che punta a mettere in discussione la nostra percezione della natura e a farci riflettere sul suo futuro, è dello svizzero Klaus Littmann.

Mediatore d’arte e organizzatore di mostre dedicate ad artisti del calibro di Buren, Cragg, Christo e Jeanne-Claude, Littmann per questo progetto si è avvalso della supervisione di Enea Landscape Architecture. L’ispirazione è un disegno dell’artista/ architetto Max Peintner dove un bosco, completamente circondato dall’ambiente antropizzato, sembra essere l’ultimo piccolo lembo di natura conservato.

‘For Forest’ ci ricorda che questo potrebbe essere il nostro futuro: e arriva in un momento in cui il problema dell’impoverimento delle risorse verdi del Pianeta si fa urgente, dopo gli incendi in Amazzonia, Siberia e Borneo. Il bosco di alberi ad alto fusto, evocativo delle foreste dell’Europa Centrale, è un’entità viva che cambia con lo scorrere delle stagioni e attira la fauna locale. Al termine dell’esposizione sarà ripiantato in un’area vicina, diventando una scultura silvestre vivente. — 43

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© Adrein Dirand

CROSSING

Dior — Donne di “forza e grazia” quelle della sfilata prêt-à-porter A/I 2019-2020, ispirata alle ribelli Teddy Girl Anni 50 e a Robin Morgan, poetessa femminista americana. Per il set, un alfabeto femminile bello ed eloquente, Maria Grazia Chiuri ha dato carta bianca a Tomaso Binga, alias Bianca Pucciarelli, artista (classe 1931) che lavora da sempre con uno pseudonimo maschile per denunciare le disparità di genere. dior.com

GIRL POWER Tutti raccontano le donne. Architetti, stilisti, libri e mostre. Ma anche politica, scienza e attivismo. Un neofemminismo, gentile e potente, purtroppo ancora necessario, fa sentire la sua voce. SarĂ un anno al femminile di Valentina Raggi 45

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Femminilità come risorsa, femminismo non più come antagonismo ma come elogio della diversità. Così nascono luoghi, progetti e team in rosa &Walsh — I newyorkesi Jessica Walsh e Stefan Sagmeister sono stati una coppia di punta nel panorama creativo. Oggi, separatisi, lei lancia un’agenzia di branding e advertising, a gran maggioranza di quote rosa.

“Con &Walsh prendiamo parte a quell’1% di agenzie creative guidate da donne”, dice Jessica.

Che è già ideatrice di Ladies, Wine & Design, serate di ritrovo per “sostenere i creativi donna e di genere non binario”, diffuse in varie città del mondo. andwalsh.com

Laila Gohar — La food designer di New York in ascesa (note griffe e gallerie d’arte i suoi clienti) crea eventi gastronomici che sfiorano l’installazione artistica. La sua peculiarità: recuperare antiche tradizioni culinarie facendo del cibo un nuovo fenomeno sociale, e social. lailagohar.com

Alda Ly — L’architetto americano è la firma di alcune sedi di The Wing, un co-working per sole donne. Il suo ultimo progetto è il concept store a New York di ThirdLove, giovane brand che ha brevettato reggiseni che fanno sentire a proprio agio nell’indossarli, ma anche nell’acquistarli.

Lo spazio è un’oasi elegante e avvolgente, inaugura a dicembre. alda-ly.com +elledecor.it

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Monica Bonvicini — L’artista italiana, che dagli Anni 90 fonda la sua arte sulle dinamiche di potere e di genere, crea alle OGR di Torino una nuova grande installazione, a cura di Nicola Ricciardi e Samuele Piazza. In foto, ‘Hard String, 2017 & Hard String’ (dettaglio), che indaga la mercificazione del corpo femminile in un collage di ritagli di magazine.

Dall’1/11 al 9/2/2020. ogrtorino.it

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© Monica Bonvicini and VG-Bild Kunst, foto Lorenzo Palmieri, courtesy the artist and Galleria Raffaella Cortese, Milano; König Galerie, Berlin; Galerie Peter Kilchmann, Zürich; Mitchell-Innes & Nash, New York

Donne che parlano di donne. Per cambiare l’atteggiamento di pensiero, in primis del mondo femminile, e uscire dallo stereotipo

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Donne talentuose nel design e nell’architettura fanno di queste discipline anche uno strumento di affermazione femminile e sociale

Laila Laurel — “È importante pensare a come noi donne occupiamo lo spazio. Credo che gli uomini ne prendano di più”, dice la social designer inglese. Emblematico il suo progetto di laurea: la sedia anti ‘man-spreading’, l’atteggiamento maschile di sedersi a gambe aperte, vietato sui mezzi pubblici di alcuni Paesi. La struttura costringe lui a tenere le gambe chiuse, e lei, per ironia, ad aprirle. “Non vorrei mai che si utilizzasse, ma è un concept per far riflettere”. lailalaurel.co.uk +elledecor.it

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‘Breaking Ground. Architecture by Women’— Avrebbe potuto intitolarsi ‘100 anni di stereotipi’ il libro curato da Jane Hall, architetto co-fondatrice dello studio Assemble (premiato col Turner Prize), che mette in fila tutte le splendide architetture firmate da donne. Oltre 150 tra progetti e autori che hanno abbellito l’ultimo secolo, “dalla nascita delle scuole d’architettura, quando le donne ne erano escluse, fino a oggi, in cui occupano solo il 10% dei ruoli di punta negli studi”. Un manifesto per immagini, con le riflessioni e i quote di celebri progettiste sul tema. Edito da Phaidon, in uscita questo mese. phaidon.com

Foto Jaime Navarro

Laboratorio de vivienda — Tatiana Bilbao, Frida Escobedo, Fernanda Canales sono le note nuove leve dell’architettura messicana, e internazionale. Tutte e tre, e non le uniche donne, selezionate per un’iniziativa di housing sociale ad Apan, Messico. 32 architetti per creare un villaggio che rinforzi la comunità rurale. Un progetto di Infonavit (dipartimento ministeriale per il lavoro), con masterplan dello studio americano Mos. mos.nyc +elledecor.it

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Grafica, cinema, design. E anche moda, food, politica e scienza.

Sono alcuni dei numerosi settori che quest’anno parlano di donne

‘Che fine ha fatto Bernadette?’ — Nella commedia di Richard Linklater, nelle sale italiane dal 5/12, Cate Blanchett è un ex brillante architetto che lascia lavoro, e intera vita sociale, per concentrarsi sulla famiglia, e chiudersi rovinosamente in sé stessa. Finché un bel giorno non fugge in Antartide per seguire un progetto costruttivo e ritrovarsi. Nelle foto, una scena del film ambientata all’interno della Seattle Central Library, firmata da OMA. eaglepictures.com 52

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© Pentagram - foto Wilson Webb/Annapurna Pictures - Philippe Ruault

Sascha Lobe — Il graphic designer inglese, da quest’anno membro del grande studio multidisciplinare Pentagram, in occasione del London Design Festival è stato invitato dal Design Museum di Londra a ideare un’installazione dedicata al centenario del Bauhaus. Lobe, che ha curato anche l’identità visuale del nuovo archivio del movimento, ha creato una lista dei nomi delle donne del Bauhaus, scritti sull’asfalto della via del museo. Uno dei numerosi recenti omaggi alle creative che fecero grande la scuola, rivalutate finalmente ora. designmuseum.org

CROSSING Ursula von der Leyen, neopresidente della Commissione Europea, sette figli. Greta Thunberg, attivista sedicenne, affetta da sindrome di Asperger. Neri Oxman, artista e scienziata del MIT di Boston, premiata questo mese con il Contemporary Vision Award del SFMOMA, presto mamma e protagonista di una personale al MoMA di New York. Sono alcune tra le donne che ricoprono ruoli di rilievo planetario. Le ricordiamo, perché sono un’eccezione. Ma si sta diffondendo un movimento, gentile, sempre più forte. Potremmo dire ‘all inclusive’: un termine che non è retaggio delle vacanze, ma definisce un serio processo di attenzione e coinvolgimento delle minoranze — etniche, economiche, religiose, di genere o orientamento sessuale. Che sia frutto di etica, marketing o curiosità, l’atteggiamento inedito è volto a scuotere l’habitus mentale. In questo frangente, siamo partiti dalla base del tutto: la donna. In un viaggio interdisciplinare e internazionale che svela come, ancora oggi, il tema sia necessario e irrisolto. “Mi chiamerebbero ancora diva se fossi un uomo?”, diceva Zaha Hadid contro l’eterno stereotipo. La sua frase è ripresa nel lancio del libro ‘Breaking Ground. Architecture by Women’, di Phaidon, in uscita questo mese. Hadid avrebbe forse aderito a Voices of Women Architects (WOV), un collettivo per combattere le discriminazioni nel settore della progettazione, fondato in occasione della Biennale Architettura di Venezia 2018 (la prima curata da due donne, le Grafton Architects, senza partner maschili). Ne fanno parte anche Odile Decq, Toshiko Mori e Benedetta Tagliabue.

Il gruppo WOV di recente si è arrabbiato perché l’Istituto Nazionale di Architettura di Roma ha conferito il Lifetime Achievement Award a Massimiliano Fuksas escludendo sua moglie Doriana, partner dello studio. La loro petizione ha raccolto centinaia di firme, anche di colleghi come Rem Koolhaas, Bjarke Ingels e Fuksas stesso. Meno noto, ma degno di nota, è il team di architetti a capo di The Leonardo a Sandton (Johannesburg), il più alto grattacielo dell’Africa che sarà completato a fine anno; lo studio che lo firma è Co-Arc

International Architects con un progetto gestito quasi solo da donne. Sono loro stesse a raccontare di non essersi accorte di essere in maggioranza, perché più impegnate a gestire i soliti fischi di ‘apprezzamento’ sul cantiere. Ma le cose stanno cambiando. Oltre all’architettura e al design, tutte le discipline creative sono cassa di risonanza di questo ‘pink thinking’. Basta sfogliare i programmi 2019/2020 di svariate istituzioni culturali: Milano ha annunciato che la sua agenda di eventi 2020 si concentrerà sui talenti femminili. Il Museum of Fine Arts di Boston dedica la programmazione dell’intero anno alle donne. Con ‘Resonating Spaces’, la Fondation Beyeler di Basilea ospita una collettiva di grandi artiste di oggi (Leonor Antunes e Rachel Whiteread tra loro), curata da Theodora Vischer. Il MET di New York, inaugurando il grande progetto di un’installazione sitespecific sulla facciata, ha scelto una donna, Wangechi Mutu, nera e africana. Resta il forte divario di quotazioni tra le opere di artiste e artisti, eppure uno studio di Sotheby’s rivela come il valore di mercato delle signore sia cresciuto del +73% contro un 8% dei signori. Più che femminismo, è l’incipit di un paradigmatico scatto culturale da compiere. È un recente studio dell’UNESCO, dal titolo ‘Arrossirei se potessi’, a far notare come gli assistenti vocali digitali abbiano sempre nomi femminili (Alexa, Siri...), il che contribuirebbe ad alimentare una concezione servile della donna. Infine, come non considerare la moda, con aziende come Gucci o Prada che creano board per l’inclusività e la diversità, capitanati spesso da donne. Maria Grazia Chiuri di Dior ha centrato il punto con la sfilata A/I 2019-2020, ispirata al pamphlet ‘Perché non ci sono state grandi artiste?’ della storica dell’arte Linda Nochlin: “Ora come in passato, la situazione (...) continua a essere spiazzante, oppressiva e deprimente. Il difetto non è nella nostra cattiva stella, nei nostri ormoni (…) bensì nelle regole e nell’educazione che riceviamo. Il miracolo è che, nonostante la schiacciante disuguaglianza, tante donne siano riuscite ad affermarsi nella scienza, nella politica, nell’arte”, scriveva nel ’71. Attualissimo. —

Il femminismo si afferma in Europa nel tardo XVIII secolo. Oltre 200 anni dopo, è un movimento che ancora ha strada da percorrere

Nike — Da tempo attento alle donne e alla sostenibilità, il brand di sportswear americano ha realizzato le divise per 14 nazionali che hanno partecipato la scorsa estate ai mondiali di calcio femminile in Francia.

In foto 28 delle migliori giocatrici.

Oggi l’impegno continua con il supporto di iniziative in varie città italiane, a partire da Milano, con eventi nei parchi e allenamenti di corsa. gonike.me/calendario

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Overview di creatività per interni e complementi.

L’audio si fa avvolgente. Nuovi indirizzi da scoprire a cura di Murielle Bortolotto

Foto Steve Harries

Un anno onirico Il nuovo numero del magazine ‘Le Monde d’Hermès’ è dedicato al sogno. Un racconto unico ricco di parole e immagini realizzato con amici complici a cui la Maison ha chiesto un contributo creativo. Accanto, lo studio di “una esploratriceantropologa specialista in tessuti pregiati”. Appese foto d’archivio mixate a campioni di seta; in primo piano il secrétaire, in quercia e pelle, dove lavora la padrona di casa, sopra mappamondo in pelle e ottone e, a terra, cestino in acero con intreccio in corda di cuoio. hermes.com

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Pantere blu. Pausa relax con i sinuosi felini disegnati da Valérie Morien per il francese Zuber, brand che realizza wallpaper dipinte a mano dal grande fascino.

La serie Les Panthères è a tinte accese: Orange et Bleu (in foto), Vert et Rose, Orange et Acier. zuber.fr

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Foto © Adrien Dirand

Una vetrina per i desideri In Avenue Montaigne 28 ha aperto la prima boutique parigina dedicata alla casa firmata Maison Dior. All’interno, preziose decorazioni e i motivi iconici cari al couturier per le collezioni tableware e i complementi. dior.com

Look d’antan per Papilio, la lampada da terra, da tavolo, da parete e anche da sospensione firmata Brutos per Masiero.

Una sottile griglia diventa paralume e regala agli ambienti luce e ombre. La struttura in metallo verniciato si può scegliere in quattro colori. masierogroup.com

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Si cambia musica. “Puntiamo sul design, ma prima alla qualità del suono”, dice Christoffer Østergaard Poulsen, Vice President of Product Management di Bang & Olufsen, al lancio di Beosound Stage, la prima sound bar del brand. Design dei danesi Norm Architects, look Anni 50, legno e alluminio naturali lavorati artigianalmente e acustica immersiva impareggiabile. Un complemento d’arredo hi-tech, da appendere o appoggiare, che sorpassa subwoofer e diffusori satelliti. bang-olufsen.com V.R.

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Home office — Un angolo privato dove dedicarsi alla lettura, al lavoro o per una pausa pensieri. Circondati da arredi in metallo luccicante o dal tocco orientale [1]

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1. Nella tonalità acqua notturna il tessuto Ronin di Dedar.

Jacquard ignifugo che si ispira alle xilografie giapponesi. dedar.com 2. Lampada QD 08 firmata Quincoces-Dragò per Six Gallery con paralume in seta. six-gallery. com 3. Top in pelle, bordo in metallo finitura nichel nero satinato per Nettuno desk, scrittoio di Vittorio Paradiso per Paolo Castelli, la cassettiera è indipendente. paolocastelli.com 4. Porta la firma di Monica Armani il tappeto Èclat di Illulian. In seta, lana e colori vegetali. illulian.com 5. Linee e archi si intrecciano in maniera sinuosa per 01 Chair di Shiro Kuramata per Cappellini. cappellini.com 6. Libreria Giselle di Boatto Martino Studio per Capital Collection, in metallo con ripiani in essenza. Da parete o freestanding, cm 152x36x202h. capitalcollection.it

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Cabanne in Tasmania. Dall’altra parte del globo, in Australia, vicino alla località di Bicheno gli architetti Taylor + Hinds hanno costruito le Denison Rivulet, piccole unità abitative pensate per due persone. Una full immersion nella natura incontaminata grazie alle grandi vetrate, interni in legno con tocchi metallici in ottone spazzolato e arredi d’autore.

For rent a 300 dollari a notte. taylorandhinds.com.au

Linee leggere e squadrate giocano di contrasto con la soffice cuscinatura del divano Deven progettato da Carlo Colombo per Trussardi Casa e distribuito da Luxury Living Group. La pelle trapuntata, cara alla maison di moda, è applicata ai braccioli e li impreziosisce mentre i piedini in ottone alleggeriscono il disegno. Da scegliere nelle versioni a tre o quattro posti. luxurylivinggroup.com 64

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Foto Adam Gibson

Scelta di stile. Dal velluto verde ai toni naturali passando per i rigati fino ai tessuti con trama fitta, la collezione 2019 firmata da Vincent Van Duysen per Sahco lascia spazio alla fantasia. In foto solo una parte delle novità, molto altro da scoprire nei negozi selezionati. sahco.com

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Foto Mattia Balsamini

Quattrocchi di design. Lei che sventola è Nathalie Du Pasquier, lui che si fa coccolare dal cane è George Sowden, quando lavorano insieme si firmano CoopDPS e insieme disegnano per Max Mara Neoprism, gli occhiali da sole in edizione limitata prodotti e distribuiti dal gruppo Safilo. Un cerchio e un quadrato si uniscono e ne definiscono il design, arancio/nero con aste rosse e terminali gialli o total black. Da scoprire sull’e-commerce maxmara.com

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Trasloco trendy. L’idea di riempire di pattern colorati le grandi borse di plastica che si utilizzano per trasportare oggetti grandi e piccoli, da una casa all’altra, è venuta a Ikea.

La serie Ombyte (sacchetti e scatole con diverse fantasie) non è l’unica soluzione a cui hanno pensato: in negozio anche un carrello rosa. ikea.com

Crazy decor a tavola Motivi optical, stelle e grafiche accattivanti per una mise en place iper creativa. Il brand Bitossi Home propone la serie di piatti Abracadabra firmata dallo studio di graphic design La Tigre, diretto da Luisa Milani e Walter Molteni. Per pranzi e cene dal ritmo vivace. bitossihome.it

Volumi architettonici e una geometria rigorosa per Italic, poltrona di Fabio Novembre per Driade. L’inclinazione, un bracciolo sospeso e l’effetto cromatico degradé la rendono un pezzo dall’impatto dinamico. driade.com

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Seta in spagnolo vuol dire fungo. Il designer Jaime Hayon con ironia allunga il nome e chiama Setago la piccola lampada ricaricabile da indoor e da outdoor, progettata per &Tradition. Ne coglie la forma e la trasforma in due tonalità bicolore, in policarbonato e metallo. andtradition.com

Benessere per il corpo e per la mente. Lo Standard Dose di New York non è solo una boutique dove acquistare prodotti con basi vegetali, ma anche un luogo dove ogni giorno praticare yoga e meditazione sulla terrazza, tra le cime dei grattacieli. All’interno del concept store inoltre un’ampia selezione di tè da gustare. È il place to be del momento. standarddose.com 70

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Foto Standard Dose, Petr Krejcí

La natura come fonte di ispirazione. Lo studio Glithero, alias Tim Simpson e Sarah van Gameren, imprime la bellezza delle piante sulla superficie di Botanical Rugs. Una collezione di tappeti annodati a mano, in seta, lana e lino ideati per la manifattura francese Cogolin. manufacturecogolin.com

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Design Therapy Progettare per il benessere in relazione con la natura, mettendo le persone al centro: l’edizione 2019 di Elle Decor Grand Hotel è firmata da Matteo Thun & Partners. Una visione olistica dell’ospitalità testo di Laura Maggi — ritratto di Mattia Balsamini

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Render © Matteo Thun & Partners

Uno scorcio dell’Hortus, il giardino interno con sfere vegetali sospese composte da ortaggi su cui affaccia il ristorante di Elle Decor Grand Hotel, ‘Design Therapy’, progetto firmato Matteo Thun & Partners con green design curato dal paesaggista Marco Bay. Pagina accanto, il team al lavoro nella sede milanese dello studio. Da sinistra, Martino Cucurnia, Caterina Steiner, Antonio Rodriguez, Matteo Thun, Boris Ulrich, Paolo Volpato, Mattia Valenti, Elena Pelosi.

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Botanical Architecture: è questa la frontiera virtuosa del costruire, anche, e soprattutto, nelle strutture destinate all’hospitality secondo la filosofia progettuale di Matteo Thun & Partners. Lo studio internazionale di architettura, design e grafica, con sedi a Milano e Shanghai, firma ‘Design Therapy’, l’edizione 2019 di Elle Decor Grand Hotel, allestita nelle sale di Palazzo Morando, nel centro storico di Milano. Il progetto di interior design presenta una visione olistica dell’hotel di domani.

Incentrato sul wellness fisico e mentale degli ospiti, vede la natura assumere un ruolo determinante. Alla sua quarta edizione, Elle Decor Grand Hotel nasce nel 2016 dalla volontà del magazine di riflettere sull’evoluzione del concetto di hôtellerie e far sperimentare ai visitatori le ultime tendenze con situazioni inaspettate e immersive. “Abbiamo sempre lavorato su concept in linea con lo stato dell’arte del mondo dell’hospitality e con una visione sul suo futuro”, racconta Livia Peraldo Matton, direttore responsabile del magazine. “Nel 2016 con ‘Hôtel Particulier’ di Piero Lissoni e ‘Stanzas’ di Patricia Urquiola abbiamo realizzato un grand hotel che univa gli spazi del ricevimento a quelli privati delle camere per gli ospiti; nel 2017, lo studio Antonio Citterio Patricia Viel ha creato ‘The Open House’, definendo un format di public hotel e nuove funzioni degli spazi pubblici. Nel 2018 con ‘Invisible Rooms’ di Neri&Hu abbiamo proposto il concept di un hotel narrativo. Quest’anno, in un momento di grande 74

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attenzione alla sostenibilità, al rispetto per l’ambiente e al rapporto con la natura, è stato spontaneo lavorare a un progetto dedicato al wellbeing dei suoi ospiti ed è nato ‘Design Therapy’”.

Come sottolinea lo studio d’architettura, di cui sono partner Matteo Thun e Antonio Rodriguez, “la parola latina ‘hospes’ si traduce con ‘ospite’: ‘Design Therapy’ mira a fondere l’estetica dell’ospitalità e della cura influenzando il rapporto tra spazio fisico e benessere dove la natura, l’ospite e l’essere umano sono i protagonisti”. Per capire il punto d’approdo degli autori bisogna partire dal loro progetto pionieristico, il Vigilius Mountain Resort.

Costruito 15 anni fa, segna l’esordio di un hotel che pone al centro dell’attenzione la natura e l’approccio olistico all’ospitalità. Il focus è l’architettura, con i rituali che vengono consumati al suo interno. Nel 2012 inizia il progetto del Waldhotel, definito Health and Medical Excellence e aperto nel 2018: “Un vero category maker, risultato della simbiosi tra healthcare e turismo. Il benessere ha infatti definito una nuova forma di hotel, un concept di cui le strutture future dovranno tener conto. ‘Design Therapy’ vuole documentare il processo in atto”, ricorda Matteo Thun. “L’idea è di unire natura e naturalezza, freschezza e stimolazione dei sensi, aspetti nutrizionali e artigianato locale e regionale. Tutti elementi che concorrono a un benessere fisico, mentale e si traducono in un progetto di interior design improntato a una grande semplicità”. Perché, come

Render © Matteo Thun & Partners

La lounge interpretata come una Galleria d’oro che ricrea l’impressione di un cortile interno con pareti ritmate da nicchie.

Si tratta di uno spazio pubblico pensato per creare opportunità di interazioni positive e sviluppare il benessere delle persone.

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Render © Matteo Thun & Partners

Nutrirsi nella natura e con la natura è il concept di fondo del ristorante con cucina a vista Déjeuner sur l’herbe, affacciato sull’ortogiardino interno dell’hotel.

Su un morbido prato verde, tre lunghi tavoli conviviali su disegno accolgono gli ospiti a colazione e pranzo con un menù elaborato con il nutrizionista Nicola Sorrentino.

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“‘Design Therapy’ mira a fondere l’estetica dell’ospitalità e della cura influenzando il rapporto tra spazio fisico e benessere.

Dove la natura, l’ospite e l’essere umano sono i protagonisti” Matteo Thun & Partners

ELLE DECOR GRAND HOTEL – DESIGN THERAPY

Nella sala Gym, nessuna postazione meccanica: ci si allena con attrezzi ginnici che ricordano le palestre d’antan (anelli, spalliere svedesi, pesi) reinterpretati nel design e nei materiali naturali; ci si esercita con le gym ball in cuoio morbido.

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Premium Partner Italian Design Brands Cenacchi, Davide Groppi, Gervasoni, Meridiani, Modar, Saba, Very Wood Main Partner Alpi, Ethimo Institutional Partner Assarredo, Confindustria Alberghi Lifestyle Partner Acqua di Parma Beauty Partner Comfort Zone, Davines, Skin Regimen Porcelain Surfaces Florim Ceramiche Architectural Lighting Partner Delta Light

Wall Paintings Partner Giorgio Graesan & Friends Restaurant&Bar Maio Official Champagne Ruinart Official Digital Partner Pinterest Media Partner Archiproducts Partner Alias, Amini, Antrax, Artemide, Dedar, Désirée, Effe, Euromobil, Fratelli Fantini, Geberit, Inda Samo, Itlas, Karpeta, knIndustrie, LaCividina, Panzeri, Pom Glass, Quagliotti, SchönhuberFranchi, Texturae, True Design Partner tecnici Cappellini Giardinieri, Liuni, Kenko, Roofingreen, Sony Special thanks Bellavite, Cita - Consociazione Italiana Tappezzieri Arredatori, Bottega Storica duebi srl, Giovanardi, Krea Allestimenti Cantù

Render © Matteo Thun & Partners

Progetto Matteo Thun & Partners Landscape Design Marco Bay Exhibition Design Cordination Marina Cinciripini Styling Simonasilenzistudio Graphic Design Designwork

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Nella camera da letto, preceduta da un’anticamera-spazio di decompressione, l’ospite pur trovandosi in una realtà urbana può ammirare un’ideale e fantastica finestra su un fitto bosco di Crataegus e Malus floribunda, tra foglie, bacche e piccoli frutti.

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regala la stagione dell’autunno. Il visitatore e potenziale fruitore del Grand Hotel può non solo godere esperienze visive, tattili suggestive e di gran fascino negli ambienti di natura, ma anche entrare a stretto contatto con micro paesaggi in cui perdersi”.

‘Design Therapy’ si presenta come un vero pop-up hotel aperto a tutti dove fermarsi per un aperitivo di nuova ispirazione, per sperimentare un menù innovativo creato per l’occasione da Maio Restaurant, ricevere consigli di fitness e per la cura del sé, informarsi su prodotti e materiali naturali, immersi nella natura.

E dove scoprire le ultime tendenze in tema d’hôtellerie. L’8/10 alle 18.30 il Grand Hotel ospita la lecture di Matteo Thun, fondatore dello studio Matteo Thun & Partners, inaugurando la serie di talk sul tema dell’hospitality, del wellness fisico e mentale che vede protagonisti architetti, esperti e operatori nei diversi campi, programmati durante l’apertura del temporary hotel.

Il calendario e tutte le informazioni sul nostro sito. — +elledecor.it Elle Decor Grand Hotel, ‘Design Therapy’, Palazzo Morando. Costume Moda Immagine, via Sant’Andrea 6, Milano. Dal 4 al 20 ottobre, con ingresso gratuito. Tutti i giorni dalle 10.00 alle 21.00.

Il bar (h. 10-21) e il ristorante (h. 12-15) sono aperti al pubblico tutti i giorni. Per prenotazioni: milano@maiorestaurant.com, tel. 347.1343531.

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afferma Thun “l’icona che noi abbiamo nel subconscio è fatta di semplicità”. Se nella Lounge, una Galleria d’Oro realizzata con graminacee dorate accoglie gli ospiti, nel ristorante Déjeuner sur l’herbe si pranza su lunghe tavolate, tra nicchie a boschetto e l’effetto pergola delle piante, mentre il giardino interno è trasformato in un Hortus sospeso con grandi sfere di ortaggi.

Aree speciali sono riservate alla cura del corpo, con sauna, bagno turco e Gym. L’esperienza di ‘Design Therapy’ coinvolge tutti i sensi: dalla vista, impegnata a decodificare lungo il percorso una successione di situazioni e cromie inattese, al gusto, nel ristorante, che propone un menù sviluppato con la consulenza del nutrizionista Nicola Sorrentino; dal tatto, da sperimentare sui materiali usati per l’interior design, all’olfatto, solleticato lungo tutto il percorso e che trova la sua massima espressione nella sorprendente stanza dell’Aroma. Progettata come una reflective pool, sulla scia della lunga tradizione che parte dai romani e dagli arabi per arrivare agli esempi giapponesi, dove la presenza dell’acqua è legata al benessere, la sala è vivificata dal profumo che diventa così fonte di wellbeing, un elemento dell’ambiente al pari di arredi, lampade e piante.

Il concept del progetto è stato reinterpretato dall’architetto paesaggista Marco Bay: “I giardini per ‘Design Therapy’ determinano una sequenza di esperienze, legate da un sottile filo conduttore, secondo la bellezza dei colori e dei grafismi che

Bento, Chichén Itzá ed Herbaria sono le tre collezioni disegnate da Federica Biasi, Agustina Bottoni e Francesco Meda, e realizzate insieme a Francesco Montorfano, titolare del medesimo laboratorio artigiano, per Coincasa. Insieme, tutti e dodici i pezzi compongono un caldo landscape che invita ad avvicinarli, per esplorare con il tatto la superficie morbida del materiale. Da sinistra, il trittico della serie Herbaria di Agustina Bottoni: una coconut in noce per custodire gioie e monili, e i centrotavola a due e tre petali, in ciliegio e rovere, tutti di chiara ispirazione botanica. Accanto alla sfera, Chichén Itzá, la microarchitettura di Francesco Meda e, a pavimento, il side table: entrambi in noce, sono un omaggio alla città Maya. Noce anche per Bento: i tre vassoi con box di Federica Biasi riportano alla tradizione giapponese. A parete e pavimento, tornano i vassoi Chichén Itzá, in forma ottagonale e rettangolare. Completa lo skyline lo sgabello totemico Herbaria, in rovere.

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TIME FOR TIMELESS Best of Italy, il progetto speciale di Coincasa con Elle Decor Italia, festeggia la sua terza tappa nel cuore della Brianza, con una super collezione in essenze pregiate. Sono 12: tutti da accarezzare.

E da scoprire online e nei migliori negozi Coin dal 15 ottobre di Paola Carimati — styling di Murielle Bortolotto — foto di Paola Pansini

Un close up sulle tre collezioni di Best of Italy per svelare dettagli preziosi della lavorazione artigianale.

Riconoscibili per ‘l’effetto a piramide’ i pezzi in noce della serie Chichén Itzá. Omaggio all’architettura Maya di epoca pre-colombiana, il virtuosismo è ottenuto grazie alla precisione della fresa e caratterizza sia il piano del tavolino sia il bordo del centrotavola (a destra).

Nella pagina accanto, i vassoi di forma rettangolare e ottagonale.

Decisamente più morbidi i volumi di Herbaria, che si ispira all’universo

botanico. Per i portafrutta: due petali in ciliegio rossiccio (accanto al side table) e tre per il modello in rovere con venature a contrasto (a parete).

In posizioni invertite nella pagina accanto. Linee super curvate per Bento che interpreta in noce la tradizionale magewappa giapponese: inconfondibili il vassoio extralarge e i contenitori con e senza coperchio, centrali anche nella pagina accanto.

Il legno è un materiale naturalmente elegante. Servono intuito creativo e sapere artigianale per trasformarlo in veri pezzi unici

ELLE DECOR PER COINCASA

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Ritratti nella falegnameria Fratelli Montorfano di Cantù, da destra, Agustina Bottoni, Francesco Meda e Federica Biasi. I designer italiani hanno raccolto la sfida della terza edizione di Best of Italy e interpretato il legno. Un timeless autoriale.

Lo spazio si colora di verde leaf, nero e brown nocciola, i rumori sordi di bracci meccanici e mani umane si stemperano sino ad annullarsi. È l’ensemble cromatico, morbido e dialogante, a condurre i tempi: l’aria si scrolla di dosso la polvere, l’ambiente si carica di un’atmosfera calda e sinfonica, il laboratorio artigianale, luogo di autentica operosità, si trasforma in palcoscenico. È di scena la terza puntata di Best of Italy. Il progetto speciale firmato da Coincasa con Elle Decor Italia quest’anno atterra a Cantù, nella falegnameria Fratelli Montorfano. Qui, in un capannone industriale a due corpi, tra bancali e antichi saperi, è nata la nuova capsule collection, quest’anno dedicata all’autenticità del legno. 12 i pezzi realizzati, simbolo del meglio della giovane creatività italiana e dell’eccellenza del fatto a mano in Brianza, terra dove ha origine il made in Italy conosciuto nel mondo. Tutti acquistabili online e in selezionati negozi Coin di Bologna, Milano, Roma, Treviso e Trieste, dove, insieme a un’ampia rosa di store, si possono prenotare. Dopo il vetro e la ceramica delle edizioni precedenti, il paesaggio domestico si arricchisce di nuovi complementi in essenze pregiate per la tavola, ai quali si affiancano stool e side table. Come da tradizione lo storytelling dell’intero progetto ha inizio con l’interpretazione che i designer hanno dato del materiale, con l’unico vincolo di preservarne la natura, viva e naturalmente timeless. Federica Biasi, Agustina Bottoni e Francesco Meda sono nomi noti nel panorama del progetto, si muovono nei territori del product e dell’art design, spinti, ciascuno con la propria modalità, a indagare limiti e potenzialità di materia e processo produttivo.

Prima di tutto c’è sempre l’idea. Che nasce dall’attenta osservazione del mondo botanico sudamericano, come nel caso di Herbaria: Agustina, di origine argentina, assecondando il proprio immaginario di riferimento ha trasformato vigorosi arbusti in sgabelli di rovere, frutti tropicali e coconut in portafrutta in ciliegio e portagioie in noce. Una mise en place scultorea alla quale fa da contrappunto l’affondo formale di Federica nella cultura giapponese. Bento declina un unico volume in tre diverse dimensioni: la linea che definisce i vassoi è talmente decisa nella sua curva che sembra piegare, e non fresare, il blocco di pregiata essenza indigena.

Completa la serie la bento-box, una gentile divagazione. Il tratto si fa estremo, decisamente più ortogonale, nel set Chichén Itzá di Francesco: una serie di microarchitetture in noce, nella variante canaletto. La precisione millimetrica del movimento a cinque assi vince l’impossibile e gioca con il cambio di scala di antiche piramidi Maya, trasformate dalla macchina, e dall’intuito del designer, in monolitici centrotavola. Sei mani diverse, ma complementari.

Un’unica famiglia: un metaforico pentagramma musicale sul quale i 12 pezzi compongono un’imperdibile polifonia formale. coincasa.it

Foto Matteo Imbriani

Dall’architettura Maya all’universo botanico, sino a sfiorare la tradizione giapponese: le storie di Bento, Chichén Itzá ed Herbaria

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Seeds of love La passione di Fernando Laposse per la natura si fa mainstream. Nelle mani del progettista messicano, piante grasse e zucche tropicali non sono cibo da mangiare. Ma tessuti da indossare con piglio eco di Paola Carimati

Una studentessa della scuola Made Program di Ortigia, a Siracusa, ritratta in occasione della performance ‘A succulent voyage’. Per narrare i risultati del workshop estivo Made Labs, condotto dal progettista, si improvvisa modella: indossa una maschera in fibra di agave.

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In una delle sale dello storico edificio che ospita i workshop estivi della scuola Made Program, quest’anno dedicati al ‘Welcome’, i frutti del lavoro di Fernando Laposse. Dalle verdi pale di fico d’India al colore rosso che tinge monoliti, dalle foglie di agave al morbido tessuto che veste il portale: le piante tipiche del landscape siciliano diventano simboli glamour. E parlano di contaminazione e accoglienza.

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La sperimentazione del progettista messicano stanziale a Londra è del tutto circolare: un percorso che parte e torna alla natura. Da mais, piante tropicali e succulente (immagine accanto) ricava fibre che danno forma ai piccoli contenitori della collezione Lufa (immagine a destra), alla morbida imbottitura di panche e sedute (sotto) e docili fili da tessere per disegnare tappeti e divagazioni indigene (in basso).

“Molte persone considerano agave e fico d’India piante native della Sicilia.

In realtà sono arrivate dal Messico centinaia di anni fa” Fernando Laposse

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“Ciò che consideriamo locale è spesso globale. I paesaggi muteranno sempre, perché il mondo è irreversibilmente interconnesso”

Un ritratto di Fernando Laposse nella serra dei Vivai Cuba, a Siracusa, tra i più grandi del Sud dell’Europa. Qui si è recato per raccogliere il materiale vegetale utile alle sue esplorazioni socio-creative. La natura è fonte di insegnamento: il seme che vaga di paese in paese è sempre portatore di vita. Contaminando, annulla le distanze: avvicina e si fa bellezza.

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Quando lo vedi trafficare con pannocchie, carnose foglie di agave e succulenti pale di fico d’India, immagini che lo chignon che raccoglie i capelli rossicci sia quello di un botanico o un agronomo, ritratto nella nobile arte della potatura. Ma Fernando Laposse è un designer con un diploma alla Central Saint Martin di Londra e una passione quasi commovente per le piante. Che coltiva, per altro, con meticolosa ossessione. Spinto non solo dall’amore e dal rispetto per la natura, proprio dei millennials, ma anche dalla convinzione che quella dei maker, gli artigiani digitali, sia una figura professionale da aggiornare.

Meno elettronica, quindi, e più biologia. Ci piace immaginarlo così, quando sulle orme di semi e fusti esotici, Fernando lascia Città del Messico per mettere radici nella City pre-Brexit, in clima di accoglienza e contaminazione. Mais, luffa (un tipo di zucca tropicale), piante grasse sono i suoi vegetali preferiti. Li sceglie e li raccoglie. Seziona la dura corteccia per liberare la polpa che pesta sino a scoprire la fibra. Addomesticata, diventa tessuto, spugna, materia organica da plasmare. “Mi piace cullarmi nella sperimentazione. Ciascuna di queste piante ha una storia che arriva e porta lontano. Il fico d’India e l’agave, che per esempio caratterizzano il landscape siciliano, sbarcano sull’isola dal Sudamerica nella notte dei tempi. La prima, ricercatissima in epoca rinascimentale, veniva usata per affrescare muri e indumenti per via di un parassita in grado di produrre una tintura rossa. La seconda, in un passato più recente, veniva scelta per fabbricare corde, reti da pesca e sacchi: per le sue qualità di resistenza, era perfetta per trasportare viveri, soprattutto in guerra, nel ventennio fascista”. Il materiale per Fernando è conoscenza: è storia, geografia, politica, economia.

“Comprenderne l’intero ciclo di vita, che dal seme porta all’oggetto e alla sua funzione, è ciò che la scuola europea mi ha consentito di mettere a sistema”, racconta. “In America Latina non abbiamo un modello produttivo come quello europeo. Ma vantiamo una solida tradizione artigianale, tramandata dalle comunità indigene e profondamente connessa alla natura”. In Inghilterra ha maturato la sintesi tra le due culture. “E imparato a usare il design come strumento per rendere il mondo migliore“.

Totomoxtle, la boiserie in tessere di fibra naturale estratta dal mais — selezionata come materiale dell’anno dalla London Design Fair 2019 —, è un esempio concreto. Ma il rivestimento è solo lo step conclusivo di un progetto più ampio che cerca di riscattare la situazione socio economica della tribù locale coinvolta. Come? Puntando sull’agricoltura tradizionale per generare lavoro. “Questo è il mio primo ‘global project’.

Ci stiamo occupando della riforestazione della Terra e, grazie alla collaborazione con una banca del seme, di reintrodurre il mais nativo, in via di estinzione”. Il Messico? “Le mie origini, sono sempre presenti nel mio lavoro, lo guidano, lo ispirano”.

Il design? “Un atto politico che deve educare le persone ad agire per il bene di tutti”. — fernandolaposse.com +elledecor.it

Ritratto di Saskia Edwards

Fernando Laposse

Doppio sogno Xander Vervoort e Leon van Boxtel, in arte X+L, lavorano assieme da 32 anni su materiali rari e preziosi, creando pezzi unici. Storia di una passione comune, diventata una formula magica testo di Francesca Molteni — foto di Kasia Gatkowska

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Leon van Boxtel e Xander Vervoort all’interno dello studio X+L di Amsterdam.

I mobili contenitori sono stati creati assemblando pezzi vintage danesi Anni 50 e 60.

Pagina accanto, il giardino: solo 24 metri quadrati, con bambĂš e un acero giapponese.

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Dall’alto, in senso orario, Xander con un arazzo in seta fatto a mano. Nel soggiorno sul retro il collage, la lampada e i tavoli in ottone sono di X+L. Sotto, Leon nello studio al lavoro su un grande arazzo. Il tavolo e le lampade sono su disegno, mentre le sedie di Pierre Jeanneret sono rieditate da Phantom Hands. A sinistra, il mobile contenitore è costruito con pezzi vintage.

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“La nostra grande libertà è fare solo ciò che ci piace e in cui crediamo, senza compromessi” Leon van Boxtel

Lo studio con le sedie da ufficio di Pierre Jeanneret è illuminato da un lungo lucernario.

Il tavolo, le lampade e le opere d’arte sono pezzi disegnati da Xander e Leon.

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A sinistra, il salotto dello studio con le lampade, le panche in cemento e i quadri di X+L. Tavolo vintage in ardesia, sedia di Pierre Paulin per Artifort, tappeto di Paul Lelieveld. Sopra, grande arazzo e tavolino in cemento di X+L; bottiglia vintage giapponese e raro amuleto induista in travertino.

X+L è una formula magica, come la loro unione. Xander Vervoort e Leon van Boxtel si sono incontrati 32 anni fa, ad Amsterdam, e non si sono più lasciati: dal primo giorno, “from day 1”, racconta Leon. Prima lavorano insieme in teatro: Xander è un coreografo, Leon lo aiuta a realizzare le scene, il set design, le luci, un lavoro artigianale e creativo. Poi, la decisione di passare all’architettura e all’interior design, rinnovando o progettando case per amici e amici di amici, disegnando mobili e arredi unici e su misura. Il loro studio, fondato nel 1996, è accanto a casa, nel quartiere Oud-West di Amsterdam, vicino al Vondelpark e a 10 minuti dal centro; ma i due sono così innamorati dello spazio e della luce che passano lì la maggior parte del tempo. Lo studio non è uno showroom ma soprattutto un luogo dove lavorare e accogliere chi è interessato alle loro creazioni. Ritornano in tanti, dopo la prima visita, in quest’edificio che a inizio ’900 era un panificio, una costruzione industriale open space, luminosa e aperta a ogni possibilità, come loro. Un dono. 18 anni fa Xander e Leon lo vedono e se ne innamorano, pochissimi restauri: un pavimento, le pareti dipinte, e lo studio di 120 mq è pronto. “Non avevamo molto denaro, all’epoca, è stato uno stimolo a lavorare di più e a prenderci ancora più seriamente”, dice Leon ridendo. All’inizio della nuova avventura facevano tutto da soli – prodotti e arredi per interni – poi hanno trovato chi li poteva realizzare. Ed è stata la 100

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crescente richiesta del pubblico a spingerli a creare un sito, che è anche shop online, dove rendere disponibile e proporre la propria collezione, invece di disegnare solo su richiesta dei clienti. “La nostra libertà è fare solo ciò che ci piace e in cui crediamo, senza compromessi”, prosegue Leon, che ancora non si spiega il successo tanto rapido dello store. “Non so come le persone arrivino a noi, a volte attraverso Pinterest, altre per passaparola”. Lo studio X+L produce pochi pezzi unici, realizzati a mano con estrema cura: tavoli in pietra e ottone, paraventi e coffee table in teak, lampade, sculture in legno, quadri in seta, una linea di profumi e fragranze. Alcune serie si somigliano, ma non c’è un elemento uguale all’altro: tutti i materiali sono rari e preziosi, i colori naturali. Questo è forse il segreto. L’ispirazione viene da arte e architettura, da maestri come Le Corbusier, Donald Judd, Ellsworth Kelly e Mark Rothko, ma anche dalle foto scattate on the road e dai tanti viaggi in India, dove vengono prodotti alcuni arredi. Xander e Leon fanno tutto insieme: “Non litighiamo mai, qui splende sempre il sole”. Il futuro sono le nuove collaborazioni: con i Phantom Hands, artigiani di Bangalore, per le riedizioni di arredi di Pierre Jeanneret, e con il brand olandese Fést. Poi c’è il Giappone, l’altro luogo del cuore: a Tokyo, dall’11 al 27 ottobre, lo spazio “Objet d’art - Galerie” presenta una mostra di X+L con pezzi speciali disegnati ad hoc. La formula magica arriva dovunque. — xandl.nl

PEOPLE

Curatrice e critica di origine milanese, ha vissuto 17 anni a Pechino, in Cina. Dove ha collaborato con il grande artista e attivista Ai Weiwei.

Ha diretto la Beijing Design Week e fondato The Global School. Oggi dirige il Museo dell’Arte, dell’Architettura e della Tecnologia di Lisbona.

Per traghettarlo nel futuro.

Beatrice Leanza Italiana, cittadina del mondo, è considerata tra le ‘Young European Leader Class’. Un CV invidiabile (e inarrivabile), da settembre è Direttore Esecutivo del MAAT di Lisbona di Paola Carimati — ritratto di Valentina Sinis

Di lei si parla come di un personaggio quasi leggendario.

Come Nellie Bly, la reporter americana famosa per aver attraversato da sola Europa, Giappone e Cina, Beatrice Leanza ha lasciato Milano poco più che maggiorenne, alla scoperta dell’Impero Celeste, dove ha concluso gli studi e deciso di vivere.

Determinata, caparbia, parla il mandarino meglio di un cinese autoctono. “Da allora sono passati quasi vent’anni”, racconta la neo curatrice del Museu de Arte, Arquitetura e Tecnologia (MAAT) di Lisbona. Raggiunta al telefono in un raro momento di stanzialità, Beatrice ci anticipa come intende riorganizzare la programmazione culturale dell’istituzione portoghese.

“Quando l’EDP Foundation, l’Enel portoghese che ha finanziato il progetto di riqualificazione dell’intero sito museale, mi ha contattato, ho avuto la sensazione che stessero cercando qualcuno in grado di muoversi in territori inesplorati, di definire scenari e visioni”.

Tutto è accaduto in pochi mesi: lasciare Pechino e tornare a stretto giro in Europa per ufficializzare la nomina. Giusto in tempo per l’anniversario: a metà ottobre l’avveniristica architettura firmata da Amanda Levete, che si allunga sulle rive del fiume Tejo e integra la centrale elettrica in mattoni di inizio Novecento, festeggia il primo triennio di attività. Lisbona è una città dinamica, in fermento, e la scelta di una figura curatoriale e manageriale come Leanza, dalla formazione decisamente aperta e trasversale, svela da parte della proprietà l’intenzione di proiettare museo e città in una dimensione internazionale.

Dai banchi di scuola alle grandi responsabilità: dopo la laurea, quando già si muove nel mondo dell’arte contemporanea cinese, Beatrice incontra Ai Weiwei, artista e attivista cinese conosciuto ovunque. “Ho iniziato a lavorare con lui nel suo spazio, il CAAW (China Art Archives and Warehouse), spinta dalla curiosità di indagare gli ambiti sociali più nascosti, ma più coinvolti e colpiti dai fenomeni di migrazione interne”. Siamo negli anni della Cina preolimpica, anni di grande fermento.

“Dal contemporaneo ho virato poi l’interesse sulla ricerca di nicchia: ho indagato avanguardie e subculture giovanili, soprattutto. Ma anche il loro legame con lo spazio e gli stili di vita”. Un’intuizione unica, diciamo noi. Che arriva in un momento in cui la Cina sta cambiando.

“Quella tra urbanizzazione e costruito, tra città e ambiente rurale, è una relazione che ha mille implicazioni e complessità. A Pechino come a Lisbona, non è una questione di latitudine, le

urgenze sono le medesime ovunque”. Questi i temi che appassionano Beatrice Leanza. Queste le indagini che ha condotto sul territorio e raccontato con le edizioni della Beijing Design Week, della quale è stata Direttore Creativo dal 2013 al 2016; con ‘Across the chinese cities’, evento collaterale presentato in più puntate alla Biennale di Architettura di Venezia; con The Global School, la scuola dedicata al design thinking da lei fondata.

“Pechino esprime i problemi di tutto il mondo: dal cambio di scala delle città, al loro insediamento ex-novo.

Dalla riconfigurazione del ruolo delle istituzioni, al legame che stringono con il territorio”, precisa. “Il compito del design e dell’architettura è ricucire gli strappi fra crescita e scompenso sociale: un divario che genera precarietà e chiede integrazione.

Trovare nuovi modelli abitativi come la co-esistenza è una soluzione“. Ecco spiegato il motivo per cui il MAAT ha scelto la curatrice italiana: Beatrice sa usare il design come driver per lo sviluppo di aree in trasformazione. E Lisbona, in questo momento, in pieno boom, vuole al timone una donna esperta. Capace di mettere in comunicazione tutte le parti civili e in grado di far lavorare pubblico e privato insieme. Una sensibilità maturata in Oriente, dove ha imparato a coltivare le ‘guanxì’, ovvero il valore delle relazioni: i Cinesi riservano all’amicizia un ruolo fondamentale. Una pratica che ritroviamo in ogni rapporto, personale e professionale, e che consiste nella capacità di tessere una rete di connessioni sempre vantaggiosa.

“Io lo chiamo Public Engagement. In continuità rispetto a quello che ho fatto in passato, è mia intenzione predisporre il museo a ciò che arriva da fuori: aprire tavoli di conversazione, momenti di incontro e di condivisione”.

Una metodologia basata sulla compartecipazione. Uno strumento utile per governare i mutamenti. E attivare innovazione.

“Il Public Engagement è un’idea di comunicazione attiva, volontà di interfacciarsi con il contesto nel quale ci muoviamo”. Se l’arte ci fa immaginare il mondo, l’architettura ci permette di abitarlo e la tecnologia ci aiuta a crearlo.

“Questo è l’obiettivo che sto perseguendo: trasformare il MAAT in facilitatore. Piattaforma condivisa, luogo di incontro, al quale accedere per capire come affrontare la complessità. La medesima con la quale ho avuto modo di confrontarmi in Cina”. Come? “Punteremo sulle collezioni in dotazione, aggiorneremo il documentation center per divulgare storie di industrial design. Ibrideremo la programmazione di visual art. E a sovrintendere ogni approfondimento, l’energia, genesi del luogo e artefice del cambiamento ambientale”. MAAT non è solo un edificio d’autore, ma storia. Luogo che appartiene ai cittadini. “E io voglio restituirgliela. Ripartendo da ciò che meglio conosco: il modo in cui si fa esperienza dello spazio”. — maat.pt 103

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TRAVEL DESIGN Laview alla stazione di partenza della linea Seibu, piattaforma Ikebukuro, Tokyo. I maxi finestrini creano una continuità tra l’interior e il paesaggio esterno.

Progetti di viaggio

La compagnia di treni giapponese Seibu Railway affida a Kazuyo Sejima, premio Pritzker per l’architettura, il design del nuovo espresso Laview. E il mezzo si fa destinazione di Sanae Sato — foto di Alberto Strada — ha collaborato Valentina Raggi

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Dall’alto, in senso orario, uno scorcio della spaziosa toilette schermata da una quinta a soffietto. Le sedute confortevoli nelle carrozze. Predomina il colore giallo, scelto da Sejima. La testa del treno, aerodinamica, in alluminio con vetrata curva stampata in 3D e specifici tergicristalli fatti realizzare in Francia.

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Il freccia rossa Laview in arrivo alla stazione di Yokoze, nel distretto di Chichibu. Il convoglio si mimetizza nello scenario grazie ai suoi esterni rivestiti in alluminio riflettente.

Il nome Laview è una crasi delle parole: Luxurious living, Arrow (freccia) e View (vista dal finestrino).

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Alla stazione di partenza, Ikebukuro, Tokyo. Attraverso i grandi finestrini si percepisce la dimensione ampia degli spazi interni. Una vetrata separa anche la cabina di comando dalle carrozze passeggeri.

“Mi è stato chiesto di disegnare un treno mai visto prima.

A differenza di un edificio, questo progetto può spostarsi in luoghi diversi. Quindi il paesaggio diventa parte del design” Kazuyo Sejima

Mentre il trend di molte aziende di trasporti è abbassare i costi riducendo il comfort dei passeggeri, la compagnia ferroviaria Seibu Railway di Tokyo chiama la premio Pritzker Kazuyo Sejima a disegnare il nuovo treno espresso, Laview.

“Il design concept è stato creare interni allestiti come un salotto, ma con pareti in movimento. E un treno in grado di diventare esso stesso la principale destinazione. Una meta dove le persone si possano rilassare in libertà e sentirsi invogliate a viaggiare anche tutti i giorni”, dice la progettista, aggiungendo di aver pensato a un tipo di pubblico giovane e dinamico.

Dunque sedili larghi come poltrone, ridotti di numero per carrozza per dare più spazio al singolo viaggiatore, ma con l’aggiunta di un ottavo vagone per consentire 422 passeggeri in totale. Enormi finestrini (158x137 cm), tra i più grandi di tutti i treni nipponici, sono quasi ad altezza umana per dare la sensazione di fluttuare sul panorama mentre lo si osserva scorrere sotto i piedi. Moquette sul pavimento e un’illuminazione indiretta creano un’atmosfera accogliente e intima. “Uno spazio pubblico e personale allo stesso tempo”, continua Sejima.

Predomina il colore giallo, iconico dell’azienda.

All’esterno, Laview cattura per la sua forma sinuosa. La parte 110

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in vetro si salda accomodante sulla struttura verniciata con dieci strati di una speciale tinta alluminio, che dona un colore specchiante e soft. “Ho sviluppato un vagone che non era stato mai realizzato”, continua la progettista. “È la prima volta che mi confronto con il design di un treno e la differenza più evidente con l’architettura è che questo progetto si può spostare in luoghi diversi. In particolare il convoglio passa attraverso la città di Tokyo e va verso le montagne di Chichibu. Ho pensato che sarebbe stato bello che fosse in grado di fondersi con l’ambiente circostante in modo morbido. Così anche la vista che cambia diventa parte del design degli interni. Inoltre, l’esterno riflette il paesaggio”. Alla realizzazione hanno collaborato il designer tessile Yoko Ando, per le luci Shozo Toyohisa e la grafica è stata ideata con Yoshitaka Tanase, partner di SANAA, il noto studio di architettura fondato dalla Sejima con Ryue Nishizawa. Entro fine anno il treno sarà completamente in attività. Con il comfort di un appartamento, alla velocità di un freccia rossa. —

Simbiosi perfetta Al centro di una riserva naturale in Namibia, un lodge dal design sostenibile che promuove la cultura locale e si fonde con le sfumature del paesaggio africano di Laurine Abrieu — foto di Karel Balas/Milk/Vega Mg ha collaborato Francesca Benedetto

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L’accoglienza calda e informale nel lodge Omaanda. La finitura materica delle pareti in argilla e il tetto in paglia citano le architetture rurali.

Le sedute in cuoio e il tavolo in legno sono di manifattura africana, come gli oggetti che decorano gli ambienti.

Pagina accanto, una delle dieci suite indipendenti.

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Materiali naturali, colori ispirati al paesaggio e rispetto delle tradizioni.

Sono gli elementi che definiscono gli ambienti e l’atmosfera del lodge

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I tavoli del ristorante sono stati realizzati con assi in legno di recupero, levigate e lucidate, le sedie in stile safari hanno seduta e spalliera in cuoio. Pagina accanto, divanetti rivestiti in tessuti naturali nei colori della terra per la zona lounge. Un angolo relax outdoor con sedute in midollino intrecciato e un fiero rinoceronte, Omaanda in lingua Oshiwambo.

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Le capanne che accolgono le suite si ispirano ai kraal, i villaggi Ovambo con le abitazioni dai tetti conici disposte intorno ai recinti per il bestiame

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ESCAPE

Nelle camere, i letti king size con testata in juta intrecciata assicurano un grande comfort. Pagina accanto, un’alcova all’aperto perfetta per il relax o la lettura.

I maxi cesti in rattan provengono dal Sudafrica, le sospensioni evocano i tradizionali cappelli parasole. Un vista del lodge immerso nella riserva naturale privata di 9.000 ettari, vicino a Windhoek.

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ESCAPE

La contemplazione della savana dalla terrazza delle suite è un’esperienza che coinvolge i sensi. La vista si libera fino all’orizzonte, i movimenti e i suoni emessi dai predatori animano la notte africana. L’odore inconfondibile del bush all’alba si imprime indelebile nella memoria del viaggiatore, ospite privilegiato dell’immensa riserva naturale.

“La semplicità è l’estrema perfezione. La celebre frase di Leonardo da Vinci ispira lo stile e l’accoglienza dei nostri hotel” Arnaud Zannier

Omaanda in lingua Oshiwambo significa rinoceronte ed è anche il nome del lodge nel cuore di una riserva naturale privata di 9.000 ettari vicino a Windhoek, la capitale della Namibia. Arnaud Zannier, proprietario di una piccola famiglia di hotel esclusivi a Megève, Ghent e in Cambogia, scopre quest’area dell’Africa Sud-Occidentale nel 2016 grazie all’attrice Angelina Jolie e acquista il sito in collaborazione con la Naankuse Foundation. L’organizzazione benefica fondata dal medico Rudie van Vuuren e della moglie Marlice si dedica alla conservazione dell’ambiente naturale, della cultura e della fauna selvatica in Namibia. E dalla filosofia degli Zannier hotel, che mette al centro dell’esperienza di ospitalità la bellezza del luogo e propone un’idea di lusso discreto, prende vita un piccolo villaggio concepito nel più attento rispetto delle tradizioni locali. Ce lo spiega Geraldine Dohogne, responsabile del progetto di interni: “La location straordinaria era il punto di partenza e il lodge doveva fondersi perfettamente con il paesaggio”. Le dieci capanne che contengono le suite, tutte con terrazza privata e dotate di ogni comfort, si ispirano all’architettura tradizionale delle tribù Ovambo, una delle più importanti etnie della Namibia, e sono state costruite con materiali autoctoni, in un’ottica di sostenibilità a 360 gradi.

Le pareti circolari in argilla rivestono le strutture portanti realizzate con sacchi di sabbia impilati e i tipici tetti di paglia a punta rifiniti a mano si confondono con i contorni dell’altopiano del Khomas, in lontananza. “Abbiamo selezionato una palette di colori in armonia con la sfumature della terra e del bush, 124

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principalmente giallo ocra, marrone e sabbia”, prosegue Dohogne. Anche gli arredi, mobili antichi e altri di fattura artigianale, sono tutti di provenienza africana.

La zona centrale del lodge, con la lounge e gli spazi comuni, è perfetta per osservare le famiglie di facoceri e le grandi antilopi mentre si abbeverano nella piccola chiusa adiacente alla struttura. Accanto al Bamboo bar che offre agli ospiti un’ampia selezione di cocktail e gin pregiati, l’infinity pool riflette il caleidoscopio del cielo al tramonto. Nella Spa, i trattamenti ispirati ad antichi rituali di bellezza con prodotti homemade e ingredienti freschi sono un vero toccasana al quale è difficile rinunciare. L’attenzione al territorio, il carattere distintivo dell’accoglienza firmata Zannier, si ritrova anche nel ristorante, grazie alla regia della chef belga Annelie Maes che acquista dai produttori locali carni, formaggi e ortaggi per comporre un menù d’ispirazione etnica che cambia con l’alternarsi delle stagioni.

Le escursioni e i tour sono cuciti su misura e propongono esperienze autentiche e indimenticabili. Come il safari più esclusivo con le guide della Naankuse all’interno della riserva per incontrare i veri padroni di casa. Una comunità protetta composta da due giovani elefanti e fieri esemplari di grandi felini, tra cui cinque leoni e cinque leopardi, una famiglia di eleganti giraffe e quindici Omaanda, gli immancabili e possenti rinoceronti. — zannierhotels.com

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Il profumo del tempo Omaggio alla tradizione artigianale italiana e alle atmosfere domestiche. Il nuovo look della boutique milanese Acqua di Parma testo di Flavia Giorgi

Inaugurato a settembre, lo spazio di via Gesù 1 si configura per ambienti ispirati a quelli domestici.

Il bancone in onice dove sedersi per assistere alla preparazione delle confezioni regalo suggerisce l’idea di una cucina. La parete arancio in resina celebra l’arte della cera con un’installazione di candele profumate.

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CONCEPT

In alto, due inquadrature dello studio, dedicato alle collezioni lifestyle: la libreria in legno riprende, nel motivo degli archi, gli elementi degli storici palazzi di Parma.

In nero, nello spessore del muro, la pittura è graffiata a mano.

Qui sopra, lusso al maschile per la Barberia, tra vetri e specchi della Vetreria Bazzanese.

Accanto, travertino e terrazzo sono i protagonisti materici della stanza dell’acqua, dove provare saponi e massaggi alle mani.

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CONCEPT

Spazi calibrati che vibrano di luce, tra materiali di pregio, forme essenziali, esperienze olfattive che risvegliano la curiosità e i sensi

Una nuova vetrata, aperta lungo la sequenza di archi ciechi che ritmano la facciata interna del palazzo, ha rivelato una spettacolare prospettiva verso il cortile portando un surplus di luminosità agli ambienti. Dedicata alle fragranze per la casa, quest’area si distingue per il raffinato decoro murale, che riproduce i calchi usati per realizzare le candele, con inciso a rilievo il blasone Acqua di Parma.

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Vetro, sulla scia dei maestri muranesi; legno, in omaggio a un’ebanisteria antica e viva; pietra, per celebrare le radici di un territorio unico. Il lessico scelto da un architetto francese per dare valore all’italianità di un marchio connota la ristrutturazione della boutique Acqua di Parma a Milano.

Un progetto solare, firmato Patricia Grosdemange, che accende la facciata neoclassica di Palazzo Melzi di Cusano con l’iconico giallo-arancio del brand, in una sequenza di tende che disegnano l’angolo tra via Monte Napoleone e via Gesù.

Risvegliando la curiosità di puntare lo sguardo verso le vetrine ad arco e sugli interni, ora inondati di luce naturale.

Passato e presente si incontrano sotto le volte di questi ambienti, dove un minuzioso intervento strutturale e un design dalle linee pulite siglano un’eleganza senza tempo. “Ho rispettato le caratteristiche volumetriche dell’architettura esistente: altezza e arcate sono state fin dall’inizio il punto focale dello spazio”, spiega l’architetto Grosdemange. “Le abbiamo liberate e rese visibili creando aperture sul soffitto per bilanciare meglio le altezze sottostanti”. Lavorando di sottrazione anche sulla muratura, gli spazi si sono dilatati e configurati in modo nuovo.

Superfici chiare in travertino nobilitano le pareti; pitture graffiate in nero sottolineano lo spessore dei passaggi ad arco.

“Abbiamo privilegiato l’origine naturale dei materiali, con una selezione italiana; e l’artigianalità, che rende ogni pezzo unico”, prosegue Grosdemange. È la casa italiana, nella tradizione dei grandi architetti milanesi, il modello cui la boutique si ispira, e che si esprime nello spettacolare chandelier su disegno, con 650 elementi di vetro trasparente e ambrato fusi in piastra secondo le antiche tecniche veneziane; nel bancone in onice, che suggerisce l’idea di cucina; nell’intimità dello studio, tra carta da parati e libreria. Nel salone vanno in mostra mobili in legno cannettato, nelle varianti nera e bianca lucida.

“I giochi di luce sono ovunque; per contrasto, i tocchi di nero inventano ombre che sottolineano lo spazio, creando una tensione interessante. È un modo di tornare alle origini del design italiano, in equilibrio tra pieni e vuoti, densità e luminosità”.

Nel succedersi degli ambienti si dispiegano le collezioni di fragranze e prodotti Acqua di Parma: irresistibile l’invito ad annusare essenze agrumate o fiorite i cui nomi evocano i paesaggi più belli d’Italia. Per non sbagliare c’è il Fragrance finder, guida interattiva per trovare il profumo della vita.

Isola a sé ed esperienza for Gentlemen only, la classica barberia. La stanza dell’acqua, con affreschi e fontana in travertino, ristabilisce pari opportunità: le signore potranno congedarsi dopo aver provato gli esclusivi saponi in polvere e un rilassante massaggio alle mani. — acquadiparma.com

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Il ferro e il cemento, utilizzati per gli arredi fissi, sono i materiali che caratterizzano il progetto del ristorante Moebius ricavato in un ex magazzino di tessuti a Milano. Luci di Ideal Lux.

La nuova osteria Apre a Milano Moebius, il concept restaurant dello chef stellato Enrico Croatti.

Firma il progetto lo studio Q-Bic di Firenze di Francesca Benedetto — foto di Nathalie Krag

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In contrasto con la rigorosa architettura industriale, in ferro e cemento, gli arredi vintage dalle linee morbide.

Tutto crea un’atmosfera calda e accogliente

In alto, una piccola lounge affaccia sul retro dell’edificio.

Poltrone vintage, tavolini in ferro e legno, prodotti da Laboratorio Vintage.

L’ulivo secolare segna il passaggio al livello superiore.

A destra, la scatola metallica riservata alla musica live.

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Nella sala al piano terra, maxi tavolo in rovere con base in ferro. Lampade a sospensione vintage, da terra e da tavolo, di Aromas del Campo, applique di Modular Lighting Instruments.

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Enrico Croatti, chef del Moebius. Una vista del volume che, dopo l’intervento dello studio Q-Bic di Firenze, occupa una superficie di 650 mq su due livelli. Lo spazio ospita il Tapa Bistrot, l’Osteria Gastronomica, un cocktail bar e un negozio di vinili.

Una piattaforma al centro della sala, avvolta da pareti in vetro, accoglie l’Osteria Gastronomica. Qui l’ospite ha la sensazione di cenare in un acquario sospeso nel vuoto Lorenzo Querci, classe 1992, cresce tra i tavoli del ristorante di famiglia a Siena e, dopo la laurea in giurisprudenza, decide di seguire la passione per il food e l’entertainment. Sogna uno spazio dinamico e versatile, aperto a tutte le ore e scopre che uno chef romagnolo sta pensando di trasferirsi a Milano. Enrico Croatti nasce a Rimini nel 1982 e il suo amore per la cucina inizia a dodici anni con la prima tagliatella fatta insieme alla mamma Franca. Dopo importanti esperienze al fianco di Gino Angelini a Los Angeles e Paul Bocuse a Lione, per citarne alcune, approda come Executive Chef & Founder al Dolomieu di Madonna di Campiglio, dove conquista la prima stella Michelin. La seconda arriva all’Orobianco di Alicante, il primo ristorante di cucina italiana a ottenere l’importante riconoscimento in Spagna. I due giovani si danno appuntamento su Facetime per una chiacchierata informale. Nasce un’intesa che si trasformerà presto in amicizia: Querci e Croatti si incontrano in via Cappellini, a due passi dalla Stazione Centrale di Milano.

Qui Lorenzo ha adocchiato quello che sembra il contenitore perfetto per confezionare la sua idea. Un ex magazzino tessile di 500 mq con pilastri in cemento e pareti in mattone a sostenere un soffitto che raggiunge i 10 metri di altezza. Il potenziale si intuisce subito nonostante lo stato di abbandono e, dopo una lunga trattativa con i proprietari, iniziano i lavori. Entra in scena lo studio fiorentino Q-Bic dei fratelli Baldini: Marco, artista e designer, e Luca, architetto. Autori di progetti residenziali e retail, di architetture e di scenografie per eventi della moda e del teatro, hanno ispirato gli imprenditori con il ristorante 138

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Le Ménagère di Firenze. Il volume di Milano, svuotato fino al colmo del tetto, rivela il fascino raw delle architetture industriali e lascia grande libertà di intervento. “Abbiamo cercato di conservarne l’aspetto grezzo e autentico. La vera sfida stava nel dare anima a un ambiente di notevoli dimensioni creando zone intime e riservate”, racconta l’architetto. All’ingresso del Moebius — il locale cita il nome d’arte del celebre fumettista Jean Giraud — il bancone del cocktail bar è il primo elemento di forte impatto, realizzato in cemento come la scaffalatura a parete per esporre i liquori. Attorno al lungo tavolo conviviale al piano terra, ricavato da un unico tronco di rovere francese, gli ospiti si trattengono dopo un pranzo informale al Tapa Bistrot, per leggere, studiare e ascoltare musica. Altre aree, più raccolte e arredate con poltrone e tavolini vintage, sono perfette per l’aperitivo e per il dopocena. L’elemento più caratterizzante di Moebius è la piattaforma sospesa al centro della sala, accessibile dalla scala in ferro che porta al livello superiore: una scatola avvolta da pareti in vetro, simile a un acquario, che accoglie l’Osteria Gastronomica dove Croatti propone piatti ricercati, partendo dalle origini della cucina romagnola.

E un ulivo secolare, messo a dimora in una teca di otto metri, simboleggia il sodalizio professionale tra i due giovani talenti. — Moebius, via Cappellini 25, Milano, moebiusmilano.com

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Cucina in scena Pareti rosse, chef-table a vista, uramaki d’arte. Sembra un teatro Vettor, nuovo ristorante a Bari. Tra cucina ‘jap’ e tradizione pugliese Testo e foto Lea Anouchinsky - ha collaborato Chiarida Sacco

L’arco, anima del progetto e del logo di Vettor, separa l’ingresso dalla sala principale. Il top del tavolo conviviale è in marmo dell’Alta Murgia.

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Dall’alto, la vetrata-simbolo del ristorante fa da contraltare allo chef-table con bancone a vista. Nascosto nel bagnoscrigno, il rivestimento-opera Façon-Façon del duo di artisti francesi Sarah Jérôme e Gael Davrinche è site-specific e fatto a mano. Qui sopra, l’architetto Simone Esposito accanto al proprietario del ristorante e gallerista Michele Spinelli. Accanto, Guilty pleasure: parfait al cioccolato e gelato ai frutti di bosco dello chef Nicola Ricci.

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Per la seconda sala del ristorante, luci minimal Light Stick V di Catellani&Smith. Arredi su misura total black disegnati dall’architetto Simone Esposito e uno specchio oversize per raddoppiare otticamente lo spazio.

L’ambizione di Vettor è anche diffondere cultura, grazie a una rosa di artisti chiamati dal proprietario a relazionarsi con lo spazio Avviate la cottura con un gallerista amante dell’arte contemporanea, amalgamate lentamente un architetto marinato con razionalità progettuale ed estro cromatico, insaporite quanto basta e poi mantecate con il tocco fusion di uno chef purista e mai banale. È l’equilibrio degli ingredienti a rendere Vettor un indirizzo speciale: il ristorante inaugurato il 1° settembre a Bari, nel cuore umbertino del capoluogo pugliese, è già punto di riferimento della movida locale. Accogliente come una casa di famiglia, raffinato come un boutique-hotel, d’ispirazione come una galleria d’arte secondo il desiderio del proprietario (e già curatore) Michele Spinelli, Vettor – che deve il nome all’artista Vettor Pisani (Bari, 1934 – Roma, 2011) – ha l’ambizione di intrattenere un’esigente platea di clienti con un menù calibrato sulle corrispondenze tra cucina nipponica e tradizione barese. “Il polpo c’è, con crema di burrata e pomodorino confit”, rassicura lo chef Nicola Ricci, “ma è accompagnato da foglie di shiso, un’erba giapponese simile al prezzemolo, in tempura. Invece il baccalà viene proposto su riduzione di miso al limone, chips di riso venere e katsubuoshi, un tonnetto striato essiccato”. O il crudo, dalle tartare di Fassona al pescato del giorno, con il tonno Balfegò, certificato, rosso e del mediterraneo: Ricci lo trasforma in uramaki e lo porta in tavola con il più conviviale dei sorrisi. Anche progetto e decorazione d’interni si accordano al genius loci. “La sfida era quella di far dialogare direttamente il ristorante/galleria con la città”, racconta l’architetto Simone Esposito. “Dalla graniglia tipica del primo Novecento al rosso intenso delle pareti, tributo al 144

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teatro Petruzzelli, seconda cattedrale di Bari dopo San Nicola; fino all’utilizzo del marmo ambrato dell’Alta Murgia per il tavolo da otto e dell’arco come elemento decorativo-strutturale, ripreso dal portone del Palazzo dell’Acquedotto pugliese.

Ogni dettaglio racconta un pezzo della storia della città”.

I volumi sono sagomati anche in base alle necessità della cucina.

“Per Nicola era fondamentale essere in sala, così ho progettato uno chef-table con bancone a vista davanti all’ampia vetrata della sala principale, che fa da contraltare”, continua. “Quasi come le edicole in fondo alle navate delle grandi cattedrali”.

Cromie caratterizzanti firmate Farrow & Ball, arredi su misura, luci a spot come il lampadario Wireflow di Arik Levy per Vibia e le applique Light Stick V di Catellani&Smith, contribuiscono a rendere Vettor un locale intimo, posh ma accogliente.

Con l’ambizione di diventare anche centro culturale, grazie a una rosa di artisti coinvolti dal proprietario e chiamati a relazionarsi con lo spazio, e con l’originale su carta di Vettor Pisani esposto nella sala principale. Per altri versi, l’artista americana Jamie Sneider con l’opera Squid Ink Yellow si fa notare nell’ingresso (luogo perfetto dove sorseggiare un drink in attesa di sedersi a tavola) e il duo francese Sarah Jérôme e Gael Davrinche spicca con il progetto di rivestimenti Façon-Façon celato nel bagno-scrigno, dietro la porta scorrevole in fondo al locale. Site-specific e fatto a mano, promette già di essere una delle foto più instagrammate del ristorante. — Vettor, via Bozzi 73, Bari, ristorantevettor.it

VIEW [Ottobre 2019]

152 RIGORE PURO. Fuori si presenta come una fortezza, dentro sorprende per l’eleganza raffinata degli interni. É l’architettura ‘warm minimalist’ dello studio MORQ. 164 LUCIANO GIORGI. Ogni suo progetto è un pezzo unico. Mix di design, arte e architettura. 174 THE CUT. New York. In una tipica Brownstone house, l’intervento di Arthur Casas apre gli spazi alla luce e alla socialità.

Con un taglio spettacolare. 184 IL NIDO DEL FALCO. Sul tetto di Palazzo Daniele, famoso design hotel nel Salento, l’abitazione di Francesco Petrucci. Un volume nero affollato di piante. Invisibile, che tutto vede. 192 DESIGN ON STAGE. Sette parole chiave per sette ambientazioni domestiche che mettono l’accento sul valore, formale e funzionale, di arredi d’autore. Alla ribalta le novità dell’ultimo Salone del Mobile che saranno fra i must-have della prossima stagione.

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Vista di Villa RA dal lato d’ingresso. Come da tradizione mediterranea, la facciata nord si presenta chiusa a protezione dei venti dominanti.

Con l’unica eccezione del varco d’entrata che inquadra il golfo di Squillace e lascia intuire la progressione lineare degli spazi.

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RIGORE PURO

Fuori si presenta come una fortezza, dentro sorprende per l’eleganza raffinata degli interni. È l’architettura ‘warm minimalist’ dello studio MORQ di Rosaria Zucconi — foto di Max Zambelli

Dal soggiorno, in continuità con la veranda, una vista cinematografica sul golfo di Squillace. Divano Absolu di Edra, design Francesco Binfarè.

Poltrone di France & Son degli Anni 50 e panca di George Nelson originale del 1946, della Galleria Retrò, Roma.

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Un’altra vista del living con la zona pranzo, intima, delimitata da una seduta in muratura con cuscini in lino. Poltroncine in giunco Anni 60, modello BS, design Tito Agnoli per Bonacina.

Su disegno dello studio MORQ il tavolo in Corten illuminato dalla Barra d’Oro di Peter Zumthor.

L’architettura vista dal lato ovest è immersa in una vegetazione desertica-mediterranea. Da un lato la vetrata della cucina, nel blocco parallelo un’apertura che raffresca la zona pranzo nel portico. Pagina accanto, la cucina con isola centrale e zona lavoro a ponte sospeso.

Materiali grezzi e onesti, che rubano i colori della terra e vibrano alla luce, rivelano una continuitĂ visiva e tattile tra paesaggio e architettura

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Giochi di penombra e aperture ben studiate nel portico, con tavolo in Corten su progetto e sedie di Paola Lenti. Anche dalla camera padronale si domina il paesaggio.

La poltrona di Hans Wegner per AP Stolen del 1953, il tavolino Anni 60 e la lampada francese sono di Selezione Galleria Retrò, Roma. Copriletto in lino di Stay Store. Nel bagno padronale lavabi sospesi a ponte, in pietra locale sabbiata. Pagina accanto, una palma svetta sul tetto, in basso il portico con verde tropicale e poltrone Anni 60, design Tito Agnoli per Pierantonio Bonacina.

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Un’architettura prettamente estiva, frequentata dai proprietari in tutte le stagioni, vissuta come luogo di relax e riconnessione con l’estremo lembo d’Italia. Nella sua punta più meridionale, stretta tra mar Ionio e Tirreno, la Calabria custodisce un paesaggio lontano e profondo, con il mare all’orizzonte e i boschi del massiccio dell’Aspromonte a ovest. Il progetto dello studio MORQ si inserisce in questo territorio montuoso, ancorato alla terra da antichi massi di granito, in cima a una delle tante creste che digradano verso il golfo di Squillace, a circa 300 metri sul livello del mare. Lo studio MORQ, fondato nel 2001 con sedi a Roma e a Perth in Australia, esprime nella sua architettura una originale attitudine definita ‘warm minimalist’, fusione di tradizione, atmosfera ed essenzialità. Spiegano i progettisti: “Villa RA, concepita come ‘una casa che guarda’, è una struttura compatta punteggiata da aperture sulla natura.

Ha l’ambizione di voler essere parte del paesaggio nel suo insieme, anche attraverso una pelle materica, ruvida, terrosa, che ruba i toni del panorama intorno, pur mantenendo una sua identità geometrica e formale. Come nelle tradizionali ville mediterranee, il progetto si basa su un’organizzazione assiale che lo definisce non solo dal punto di vista architettonico, ma anche nella sua disposizione funzionale. L’asse d’ingresso, nord-sud, si sviluppa attraverso una sequenza di spazi che offrono una graduale progressione verso la vista del mare. Avvicinandosi dal lato nord-occidentale, la casa appare come una fortezza definita da una parete autoportante spessa 60 cm che protegge il patio d’ingresso dal vento del nord. La percezione di questa struttura interamente chiusa, tranne un varco che inquadra il mare, alimenta un senso di sicurezza e l’aspettativa di una sorpresa difficile da immaginare.

Lo spazio costruito inizia nel patio d’ingresso che funge da cuscinetto tra il paesaggio e l’interno che esplode nella superficie generosa del living, con angoli intimi e in penombra per momenti privati più riflessivi.

Dal soggiorno una grande vetrata si apre sul portico, l’ultimo spazio definito lungo questo asse orizzontale. Luogo in-between tra interno ed esterno, protetto ma esposto, è un elemento tipico nella tradizione della Villa italiana. Aperture dal forte accento orizzontale, alte più di 2 metri, e lunghe fessure sulla copertura del portico, lasciano entrare la brezza a raffrescare la vita all’aperto, mentre il sole è libero di determinare giochi di penombra mutevoli. Sull’asse che va da est a ovest, da un lato la cucina, all’incrocio delle due direzioni il soggiorno centrale, vero cuore della casa, e nella parte opposta la zona notte padronale e per gli ospiti. L’aspetto massivo, rigoroso e introverso che si apprezza all’arrivo, cambia radicalmente all’interno, con uno spazio vibrante e avvolgente, dall’eleganza raffinata, perfetta sintesi di natura e cultura. —

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Un angolo del soggiorno con divano di Edra, poltroncina in rattan e lampada degli Anni 50.

Intonaci in cocciopesto e pavimento in pastellone realizzati dalla cooperativa Guglielmino.

Pagina accanto, il portico disegnato da aperture che facilitano la ventilazione.

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Screen scorrevoli aperti, in ottone dorato opaco, su progetto, diventano la preziosa cornice della cucina, scultorea, in nero marquinia con superfici verticali in legno.

Ad animarla l’opera appoggiata sulla parete ‘American Ships’ di Zak Kitnick, 2013. Sui piani, sculture in gesso ceramico serie Tarocco di Giovanni De Francesco.

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OGNI PROGETTO DI LUCIANO GIORGI È UN PEZZO UNICO. MIX DI DESIGN, ARTE E ARCHITETTURA di Rosaria Zucconi — foto di Daniele De Carolis

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Nel soggiorno il nuovo ‘simposio’ di Maestri del design milanese.

Di Fontana Arte le lampade Giova, design Gae Aulenti, e Fontana, di Max Ingrand. Divano Sesann di Tacchini, design Gianfranco Frattini, con tessuto Kvadrat; poltrone Tre Pezzi di Franco Albini per Cassina.

Nella libreria in ottone, design Luciano Giorgi, ceramiche di Sottsass.

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Di fronte all’abside di San Celso c’è un giardino da cui comincia una via silenziosa. Il luogo, come pochi altri a Milano, è oggetto di un convivio tra grandi autori del modernismo milanese: da Caccia Dominioni a Mangiarotti, da Gio Ponti ai BBPR, nomi che, tra la fine degli Anni 50 e l’inizio dei 60, si sono dedicati a progetti concentrati in alcune aree della città. Questi gli ambiti in cui l’architetto Luciano Giorgi ama intervenire. “Nel silenzio della casa sento il respiro degli oggetti che la abitano e di chi li ha disegnati: Gae Aulenti con Gianfranco Frattini, Gio Ponti con Franco Albini”, spiega il progettista. “Mi diverte pensare che siano, citando Özpetek, delle ‘Magnifiche presenze’. Fantasmi sì, ma di buon auspicio”. Luciano Giorgi, nel suo lavoro, ama ricercare l’armonia degli opposti. In questo caso la committente, amica di lunga data, fa richieste precise: volumi-contenitori, separazioni nette tra la zona giorno e notte, spazi chiusi ma anche fluidi, connessi. “Il mio obiettivo è dare la giusta cornice al ritratto dei miei clienti, costruendo una forma che sia specchio dei loro desideri e dei loro bisogni”, continua l’architetto.

“Ho sempre ricercato una grande varietà di linguaggi. L’eclettismo è una risorsa maturata negli anni, che mi permette di affrontare l’eterogeneità di intenti, budget, personalità, aspirazioni e contesti. Senza la necessità di obbedire a stili o scuole, senza teorie assolute o risposte pronte, il progetto va oltre le parole. Anche perché non riguarda solamente l’interior: studiare la luce, comporre i vuoti, creare una sequenza di prospettive e di scorci da percorrere, è imprescindibile. Bisogna sentire la vibrazione delle texture al tatto: il liscio, il ruvido, il lucido, l’opaco, il chiaro e lo scuro. Subito dopo arriva il colore. A rischio di ridisegnare più volte lo stesso dettaglio, non lascio nulla di intentato. Dagli impianti ai tessuti. Sono io, il cliente più esigente”. Negli anni, al background dell’architetto si sono aggiunte altre competenze mosse dalla passione per l’arte, condivisa con Diego Cassina,

L’architetto Luciano Giorgi posa accanto all’opera di Goshka Macuga che ritrae il filosofo Slavoj Žižek su piedistallo Cip, edizione Luisa delle Piane, 1997. Pagina accanto, la libreria sul corridoio verso la zona notte, in ottone e legno, Hemlock scuro, accoglie oggetti e raffinate opere scelte con la collaborazione di Diego Cassina, esperto d’arte.

Su disegno il bagno padronale in marmo nero marquinia e bianco Carrara. Pagina accanto, nella camera padronale il letto di Lago; i comodini e gli armadi sono volumi sospesi. Pouf di Andrea Anastasio per Metalmobil, lampade Bilia di Gio Ponti per Fontana Arte e di Davide Groppi. Testata del letto rivestita con tessuto di Dedar.

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curatore e consulente che spazia con la sua raffinata ricerca in campo internazionale. Last but not least il design: selezionato con la collaborazione di Luisa Delle Piane, nel segno della migliore tradizione milanese si pone come elemento fondamentale nel dialogo tra discipline.

L’ambizione progettuale di Giorgi è restituire ambienti complessi, però mai complicati. Anche nei dettagli. La pianta restituisce un’immagine ordinata, i volumi-contenitori dividono lo spazio, alternati ai muri strutturali. Le separazioni interne sono ridotte al minimo. Per unire o separare due ambienti prospicienti, si utilizzano scorrevoli che rendono gli spazi flessibili.

Le lampade Giova di Gae Aulenti, su una base trasversale all’ingresso, accolgono l’ospite nel luminoso living che si espande nel bovindo oversize con affaccio sul giardino. Davanti alla vetrata, l’opera dell’artista Goshka Macuga ritrae il filosofo Slavoj Ži žek. La libreria in ottone, su disegno di Luciano Giorgi, fa da sfondo al divano Sesann di Gianfranco Frattini a lato, la lampada Fontana di Max Ingrand domina uno dei tavoli su disegno laccati blu China. Il tutto dialoga con un’ampia collezione di arredi di Franco Albini: le poltrone Tre Pezzi, le sedie Luisa, le lampade Cromo sul tavolo da pranzo. Uno screen in ottone fa da diaframma tra l’isola-cucina scultorea, in marmo nero marquinia, e il salotto. Il verde Guatemala e il bianco Carrara definiscono il bagno dei ragazzi e quello della camera padronale. Dalla richiesta di grandi armadi deriva l’architettura degli interni: alla netta divisione cromatica tra due diversi grigi a parete e a soffitto, evidente lungo il corridoio, si oppone la continuità del parquet a spina di pesce in tutta la casa. Dialogo tra volumi e superfici anche nella parte notte, dove arredi e armadi sono sospesi su un alto battiscopa a specchio. La ricerca della funzionalità è ovvia, dunque sottintesa; l’opulenza è negata, così come la banalità dell’up to date. —

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Il corridoio, verso lo spazio dedicato ai ragazzi, con porta a oblò a chiudere il bagno. Pagina accanto, la sala da pranzo a screen chiuso.

Coppia di lampade di Franco Albini per Nemo Lighting, tavolo ovale laccato blu disegnato da Luciano Giorgi, sedie di Franco Albini per Cassina rivestite con tessuto Zanzibar di Vescom.

THE CUT New York. In una tipica Brownstone house, l’intervento di Arthur Casas apre gli spazi alla luce e alla socialità. Con un taglio spettacolare testo di Flavia Giorgi — foto di Giorgio Possenti

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Superfici vetrate aprono la facciata verso il patio; il taglio del pavimento al secondo livello, pagina accanto, esalta la luminositĂ e unisce i due piani. Divano Ela di Arthur Casas Design per Etel, artwork di Semiatzh e Hoppen.

“Mi piace mescolare pezzi contemporanei e vintage.

Mettere a dialogo design brasiliano e italiano: credo che abbiano lo stesso Dna” Arthur Casas

Tra pareti bianche e pavimento in legno chiaro si impone la presenza del tavolo Esquadro di Arthur Casas Design, Primo Vidros, con sedie capitonné Marina Chair acquistate da Loja Teo a San Paolo. Lo chandelier Pris Crown, handmade, è dello studio newyorkese Pelle Design.

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A contrasto con i toni chiari degli interni, la cucina nera dai riflessi petrolio è custom made. Pagina accanto, il living: oltre la poltrona Reversivel della galleria Herança Cultural Design di San Paolo, il sofà Ela di Arthur Casas e, a destra, il divano Grandemare di Antonio Citterio, Flexform.

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Una piscina che percorre la lunghezza della casa, illuminata dalla luce zenitale di un lucernario, è la sorpresa che riserva il sotterraneo. Pagina accanto, il bar, in posizione di raccordo tra zona conversazione e pranzo al secondo piano.

Sulla destra, ascensore e scale.

Non tocca a tutti il privilegio di abitare in una delle sue case, ma parecchi (22 milioni di persone!) hanno avuto quattro anni fa la chance di sperimentare dal vivo una delle sue architetture, di percorrerla liberamente, saltando e rimbalzando sulle maglie di un’enorme rete elastica sospesa al di sopra di un giardino tropicale. Una passeggiata interattiva che il brasiliano Arthur Casas ha immaginato per i visitatori del Padiglione del Brasile a Expo Milano 2015, esperienza ludica ma simbolica, dove la rete è metafora di connessioni virtuose tra produzione alimentare e popoli del mondo. Flessibilità, empatia, accoglienza sono concetti chiave nella filosofia dell’architetto che non insegue le mode, ma si concentra sull’individuo. Studio a San Paolo e a New York, ha lavorato worldwide in ogni scala del progetto, ma la dimensione residenziale delle storiche case newyorkesi a schiera in pietra scura – pianta lunga e stretta, sviluppo verticale – continua ad affascinarlo. “Le Brownstone house sono un simbolo della città, come l’Empire State Building o Central Park”, ci dice. “La loro convivenza con i grattacieli nello spazio urbano dimostra come è possibile, e necessario, mantenere edifici dove la scala umana sia preservata. Ho adottato New York vent’anni fa come seconda casa e le ho sempre amate. Averne una in esclusiva, oggi, è una fortuna”. Sei piani e un proprietario unico (una famiglia con due bambini) sono gli elementi base che connotano l’incarico appena portato a termine da Casas: ristrutturare una Brownstone nel rispetto del carattere d’epoca.

“L’edificio si presentava diviso in due appartamenti. Complesso integrare gli interni estesi su sei livelli, ma indispensabile delineare con chiarezza il ruolo di ogni spazio affinché l’intera casa fosse vissuta e apprezzata”, osserva l’architetto. Il layout viene definito collocando al primo piano cucina, office e cortile con zona barbecue; al secondo l’area social, con pranzo, conversazione e bar; ai livelli superiori le camere da letto, una palestra, un salotto per la tv e una lounge outdoor con camino, mentre nel seminterrato viene creata una piscina. Ovunque gli ambienti si succedono in modo fluido, per sfruttare al meglio il limitato apporto di luce naturale, che proviene esclusivamente dai due fronti opposti. “I regolamenti cittadini sono vincolanti sulla tutela di questa tipologia di patrimonio edilizio”, prosegue il progettista, che non potendo apportare modifiche sulla facciata principale ha dislocato le funzioni chiave della zona giorno verso quella interna, orientata a sud, dove grandi lastre trasparenti hanno preso il posto della muratura per l’altezza di due interi piani. “Verso la facciata, abbiamo tagliato la soletta e arretrato il pavimento del secondo livello per inserire i pannelli vetrati: una superficie continua che apre gli spazi alla vista. Living e cucina sottostante si integrano così in un ambiente unico”. La luminosità è inseguita e potenziata anche attraverso le tonalità chiare delle finiture d’interni e degli arredi, che rispecchiano identità brasiliana e vocazione statunitense dell’autore, con presenze selezionate del made in Italy. “Il design carioca è nato in coincidenza con l’emigrazione di europei – soprattutto italiani – in Sudamerica. Conoscenze tecniche, lavorazioni specializzate e gusto per il contemporaneo sono approdati con loro. Fatte salve le differenze ambientali (clima, materiali...), credo che design italiano e brasiliano abbiano lo stesso Dna”. —

“Le Brownstone house sono simboli della metropoli.

Convivono con i grattacieli, dimostrano la possibilità di mantenere la scala umana negli edifici” Arthur Casas

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Nella camera padronale, forme soft e sfumature delicate interpretano in versione design la dolcezza dell’architettura d’epoca. Poltrona di Pierre Paulin, side table Anni 50 da 1stdibs, lampada Dome di Allied Maker. A parete, opera di Abraham Palatnik.

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IL NIDO DEL FALCO SUL TETTO DI PALAZZO DANIELE, FAMOSO DESIGN HOTEL NEL SALENTO, L’ABITAZIONE DI FRANCESCO PETRUCCI. UN VOLUME NERO AFFOLLATO DI PIANTE. INVISIBILE, CHE TUTTO VEDE di Rosaria Zucconi — foto di Alberto Strada

Già dall’ingresso nel grande living l’impressione è di entrare in uno spazio magico, sospeso.

Sulla parete un’opera di Thea Djordjadze, in primo piano tavolino-scultura di Nicolas Party.

Pagina accanto, il rustico, un vecchio granaio, si affaccia dal tetto-terrazza sulla corte centrale con la galleria di arcate.

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Divano ad angolo Lirico, design Palomba Serafini per Driade.

Il tappeto, un Kilim turco degli Anni 20, è uno dei pochissimi arredi di Palazzo Daniele che Francesco Petrucci ha tenuto per sé. Pavimento in cocciopesto originale dell’antico granaio sul tetto. Sulla parete un’opera dell’artista Roberto Cuoghi.

“LA PICCOLA E INASPETTATA CASA-CONCETTO CHE GALLEGGIA SENZA TEMPO SPIAZZA CHI VI ENTRA. E NON TEME IL CONFRONTO CON L’ARISTOCRATICO PALAZZO DI CUI UN TEMPO ERA IL SEMPLICE GRANAIO” Francesco Petrucci

Il nido del falco pellegrino è il titolo del racconto di questa piccola, essenziale architettura inserita in un contesto storico e naturale davvero unico. Un fortunato effetto collaterale del progetto di Francesco Petrucci, determinato a dare una nuova vita al palazzo di famiglia, fino a farlo diventare un modello virtuoso di buon turismo in Salento. “Oggi sono fiero di Palazzo Daniele, un design hotel di charme, frequentato da ospiti giovani, eleganti, internazionali. Tutto questo si è concretizzato l’estate scorsa, grazie a Gabriele Salini, un amico di lunga data ed esperto hotelier. La mia è una formazione cosmopolita, sono orgoglioso di appartenere alla prima Erasmus Generation che mi ha aperto al mondo.

Ho studiato e lavorato a Madrid, Berlino, Parigi, Sydney, Bruxelles, San Francisco, assimilando mentalità, culture e stili di vita differenti, stringendo legami con amici che sono ancora parte della mia vita. Dopo dieci anni da giramondo, mi sono fermato, con in testa tante idee, a Gagliano del Capo. Nel palazzo di famiglia, abitato allora soltanto in un’ala, da una zia. Una volta riunita la proprietà con la guida dello studio Palomba Serafini, ho iniziato i lavori di restauro per ‘pulire’ il palazzo da sovrastrutture e superfetazioni, decori e arredi soffocanti.

Ho ospitato amici e artisti internazionali; la mia casa è sempre aperta, le camere si affittano velocemente.

Ho coinvolto il territorio, riservandomi uno spazio espositivo per Capo d’Arte, il festival d’arte contemporanea che qui accoglie in residenza gli artisti di Villa Medici.

La stampa ha scoperto Gagliano del Capo, diventata un punto sulla mappa di Google; Palazzo Daniele oggi è un brand che affido a mani sicure, professionali. Eppure sento che questa è ancora la casa che abito, concentrata in un cubo nero invisibile, ma che tutto vede, sul tetto”.

Passando dai saloni affrescati, una porta nascosta in un’antica credenza conduce a una ripida scala in pietra, che finisce in due grandi ambienti essenziali, con arredi di design minimalisti, pochi ricordi del passato, le opere più amate. Affollata di piante verdi, con un bellissimo pavimento in cocciopesto originale, una grande vetrata e un’intera parete materica come testata del letto lavorata a mano dall’artista, architetto e inventore Riccardo Cavaciocchi di Paper Factor.

Ma l’emozione più grande è camminare sulla terrazza che gira attorno al doppio cortile del palazzo: un’immensa stanza di mille metri quadrati vuota, libera, aperta sul cielo e l’orizzonte. “Quando invito alcuni degli ospiti dell’hotel per l’ultimo drink in terrazza, l’effetto wow è garantito. Lo stupore, la sorpresa, la bellezza sincera e senza orpelli saranno tra i ricordi che conserveranno di Palazzo Daniele”. — 188

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Nel vaso stile impero la più classica delle piante d’appartamento, la palma Areca.

Accanto, il manifesto ‘Rivista Grasso’ di Diego Perrone e Giuseppe Gabellone.

Pagina accanto, Petrucci tra gli archi del cortile centrale di Palazzo Daniele a Gagliano del Capo, in Salento.

Il letto ha come sfondo una superficie materica, in carta cruda pigmentata stesa e battuta a mano dall’artigiano-artista Riccardo Cavaciocchi di Paper Factor. Pagina accanto, il bagno celato da un tendaggio in lino di Tessitura Calabrese. Lavabo freestanding di Ceramica Flaminia design Palomba Serafini.

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/DESIGN ON STAGE Sette parole chiave per sette ambientazioni domestiche che mettono l’accento sul valore, formale e funzionale, di arredi d’autore.

Alla ribalta le novità dell’ultimo Salone del Mobile che saranno fra i must-have della prossima stagione di Elisa Ossino Studio — foto di Federico Cedrone — testo di Piera Belloni

Vocazioni multiple per la panca Twelve A.M. firmata dal duo Neri & Hu per Molteni&C, schienale alto in eucalipto tagliato da una fessura orizzontale, cuscini in tessuto e dettagli in cuoio (molteni. it) e per Light with a Table di Keiji Takeuchi per Living Divani, in acciaio con piano laccato o impiallacciato rovere (livingdivani. it). Tappeto grafico Otto, in lana e seta a tintura vegetale di Illulian (illulian.com). Paravento tinto con Estate Eggshell di Farrow&Ball, distribuito da Marino Decorazioni (marinodecorazioni.it).

MULTITASKING

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THINKING

Doppia bergère per pensare: a sinistra schienale alto e braccioli sottili per la poltrona bimaterica Gentleman Reserved di Marcel Wanders per Poliform (poliform.it), a destra elegante struttura in noce canaletto per Vera di Oscar e Gabriele Buratti, Porada (porada.it). Parete, pavimento e paravento dipinti con idropittura Alpha Air Clean Mat di Sikkens (sikkenscolore.it), a sospensione luce di Atelier Areti (atelierareti. com). Pagina accanto, per i libri del cuore, sullo sfondo la boiserie polifunzionale Modulor di Giuseppe

Bavuso per Rimadesio, componibile, integra molteplici varianti, può essere configurata con attrezzature sospese, porte e permette di rivestire a effetto continuo le pareti di un ambiente unico. Qui, in noce Sahara con mensole in alluminio (rimadesio.it), oggetti di Hands on Design. Libreria bassa Turner di Gianfranco Frattini editata da Poltrona Frau (poltronafrau. com), sgabello Cugino di Konstantin Grcic per Mattiazzi (mattiazzi.eu), luce Zero Round Vertical di Panzeri (panzeri.it). A terra idropittura Alpha Air Clean Mat di Sikkens.

READING

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ELLE DECOR

Cena di design con il tavolo Smalto di Barber & Osgerby per Knoll, qui in versione total white in acciaio smaltato con piano spesso 32 mm (knoll-int.com). Sopra, due caraffe firmate Muuto (muuto.com), accanto la C Chair di Federico Peri per Baxter (baxter.it) e sospesa lampada Armada in ferro verniciato di Brogliato Traverso per Il Fanale (ilfanale.com). Sulla parete, pavimento e paravento idropittura Alpha Air Clean Mat di Sikkens.

Pagina accanto, spunti per il comfort. Altamente flessibile, grazie

DINING

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ELLE DECOR

alle innumerevoli combinazioni il divano Dock firmato da Piero Lissoni per B&B Italia.

Il pianale in mdf impiallacciato è un elemento dinamico che si sviluppa in orizzontale con sedute e accessori, come il tavolino in vetro (bebitalia.com) accostato al tappeto/arazzo Mirage di Patricia Urquiola per Gan, in lana hand knotted (gan-rugs.com). Luce Discovery Vertical di Ernesto Gismondi per Artemide (artemide. com), a terra, vaso in terracotta Ridge di Muuto (muuto.com).

SITTING

CHILLING

Beauty set. Riparato dallo Screen Monforte di Raffaella Mangiarotti per IOC, in tessuto fonoassorbente (ioc.it) il Vanity di Bontempi con specchio e luce ideale anche per home office (bontempi.it); sopra, portaoggetti di Hem (hem. com). Pouf Gelly firmato da Massimo Castagna per Henge, tappeto Moon Grey di Sitap realizzato in viscosa (sitap.it).

A terra e a parete idropittura Alpha Air Clean Mat di Sikkens. Pagina accanto, ispirazione Bauhaus per

rilassarsi. Forme che sfumano una nell’altra per il tappeto RD Shade Green di Rodolfo Dordoni per Amini, in lana tibetana (amini. it), geometrie pure per i tavoli bassi in due misure Shields di Minotti con top semicircolari laccati Sand e Peltro (minotti.com).

In pelle la chaise longue Vertigo di Massimo Castagna per Henge con piedini in titanio (henge07. com). A terra, idropittura Alpha Air Clean Mat di Sikkens (sikkenscolore.it).

STYLING

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Progetti inediti per l’autunno con superfici creative, accessori utili e spazio al beverage a cura di Tamara Bianchini e Murielle Bortolotto — testi di Piera Belloni

Decoro totale. La carta da parati sconfina e conquista gli esterni: la nuova collezione Out System di Wall&decò è pensata per rivestire superfici esterne, unendo estro a caratteristiche tecniche per rendere le facciate più resistenti. In foto, pattern Agrafage di Christian Benini, su misura. wallanddeco.com

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ELLE DECOR

INSIDE DESIGN/MATERIALI

Rivestimenti per ogni situazione: spazi outdoor, ambienti pubblici e privati. E una maniglia firmata

Tecnologia tailor-made: la copertura Coverseal di Abrisud mixa qualità estetiche e funzionali. Disponibile in sei colori, azzurro, nero, blu, grigio, verde e beige, viene realizzata su misura con membrana in Pvc; sempre tesa, resiste a carichi notevoli senza accumulare acqua piovana e ha un motore con quadro di comando ricaricabile. abrisud.it

Originale interpretazione della texture cemento, le lastre ceramiche Outdoor Icon di UnicomStarker resistono agli agenti atmosferici e agli sbalzi termici. Qui la versione Jet Black nel formato 80x80 cm con spessore di 2 cm.

Anche a mosaico, stripes ed esagono. unicomstarker.com

Progetti dal Nord. Firmata Piet Boon per l’azienda olandese Formani e distribuito da Innova, la linea One è un concept elegante che include maniglie e accessori per porte, finestre e mobili. innovadesign.it 202

ELLE DECOR

Foto Abrisud Italy srl - Filippo Romano

Sport per tutti. Il nuovo Mapei Football Center nasce grazie alla sinergia tra Sassuolo Calcio, Comune e Mapei, che ha fornito materiali e assistenza tecnica per la costruzione.

Centro sportivo di eccellenza, con sei campi di gioco, palestre, spazi fisioterapici, spogliatoi, edifici direzionali è stato progettato da Onsitestudio. mapei.com

INSIDE DESIGN/PROGETTI

È ancora il tempo di passeggiare nei boschi e uscire per gli ultimi lavori in giardino. Con una borsa pensata ad hoc

Ultra light e resistente. La borsa Paname XL è pensata per spiriti green. In feltro geotessile con zip laterali che all’occorrenza ne aumentano la capacità, è un’idea del brand francese Bacsac, specializzato in contenitori per piante in tela traspirante e in accessori da giardinaggio.

Misura 68x37x37 cm. bacsac.com

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INSIDE DESIGN/KITCHEN

Mood fusion, tra note orientali e ispirate alla natura, per una cucina materico-chic. E poetici allestimenti da tavola

Mix fra culture diverse per la riapertura del ristorante A.T. di Atsushi Tanaka a Parigi, chef autore di una cucina dinamica. Il restyling punta su un’atmosfera intima, sui nuovi arredi degli artisti/designer norvegesi Sarg & Bein e su un tableware creativo, realizzato con ceramisti di Svezia, Danimarca e Germania. atsushitanaka.com

Effetto foliage per i tovaglioli della collezione Wonder Nature di Coin Casa, che propone elementi floreali e boschivi per una serie di accessori e per la linea tessile a stampa digitale.

Il set di due pezzi è in twill di cotone. coincasa.it

Il travel è una passione e una missione: almeno per Paola Navone, che da ogni viaggio trae ispirazione. Per la collezione Table Nomade di Serax firma i chopstick holder con bacchette laccate rosse.

Anche in bianco, nero e blu. serax.com

Linee pulite, finiture a contrasto definiscono Aspen di Doimo Cucine, composta da monoblocco con tavolo e vani aperti e completata da contenitori a parete. Con ante in HPL Pietra Palladio, piano snack e mensole in melaminico noce cannella, è dotata di cappa down draft inserita nel top. doimocucine.it

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INSIDE DESIGN/PROGETTI

Il piacere di un oggetto ben disegnato coinvolge ogni dettaglio. Trasformando anche quelli pi• consueti

Dal design scandinavo arriva l’aggiornamento di un super classico: la scopa Mim di Vera & Kyte per Northern, rivisitata con geometrie rigorose e appeal innovativo. Corpo in alluminio, gancio per appenderla a parete e setole robuste, ideali per l’outdoor. northern.no

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INSIDE DESIGN/PROGETTI

La cultura del vino: un’architettura e una bottiglia d’autore ne racchiudono la parte più inedita. E gli oggetti si vestono d’acciaio

Per specialisti, e non solo Da sinistra, di Alpes Inox, scaffalatura in acciaio su piedini o ruote, con quattro ripiani ad altezza regolabile (alpesinox. com); sopra, secchiello Madera in ottone placcato argento, design Enzo Mari, 1973, rieditato da Danese (danesemilano.com), originale la bottiglia di vino Buchèt di Joe Velluto per Tenuta Baron, che capovolta rappresenta un mazzo di fiori (joevelluto.it).

Si installa sottopiano la cantinetta di Mabe, distribuita da Frigo2000. Temperature diverse per vini bianchi e rossi, ripiani in legno scorrevoli (frigo2000.it).

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Foto Philippe Labeguerie - Federico Villa

Cantina speciale. È quella progettata da Philippe Starck per l’azienda vinicola Château Les Carmes Haut-Brion di Bordeaux. Che vale una visita, oltre che per i vini, per entrare in una sorta di nave scintillante su quattro livelli: dal primo immerso nell’acqua, per garantire temperatura e umidità ideali, alla reception, la sala degustazione e, infine, la terrazza panoramica. les-carmes-haut-brion.com

INSIDE DESIGN/WELLNESS

Nuove soluzioni per l’ambiente bagno: materiali naturali, finiture preziose, progetti che puntano su armoniche combinazioni di colori. E accessori smart a cura di Tamara Bianchini — testi di Piera Belloni

Evoluzioni di design La lavorazione del legno, per rivestimenti di alta qualità, è da sempre il core business di Itlas. Nuovo è il passaggio ai progetti di arredo per il bagno, come Ellisse, firmato da Archea Associati, che combina una consolle in rovere naturale, lavabo in marmo nero Marquinia, rubinetteria e specchio retroilluminato. itlas.com

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INSIDE DESIGN/WELLNESS

L’area benessere diventa protagonista.

E mescola elementi dal piglio classico a linee pure e moderne. Senza dimenticare l’ergonomia [3] [1]

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1. Gallery 3000, cabina doccia di Duka con nuove cerniere e maniglie ergonomiche. duka.it 2. Decor Slabs, lastre maxi per il rivestimento di Devon&Devon, motivi a stampa digitale, 120x240 cm. devon-devon.com 3. Bent Bagno, radiatore con barra portasciugamani di Alessandro Canepa per Caleido, in tre versioni. caleido.it 4. Nuda, lavaboconsolle sospeso di Palomba Serafini Associati per Flaminia, in ceramica lucida o matt. ceramicaflaminia.it 5. Icona Deco, rubinetto tre fori di Vincent Van Duysen per Fantini, in cinque finiture opache. fantini.it 6. Happy D.2 Plus, vasca da appoggio a parete di Duravit, in acrilico glossy con pannello grafite super matt. duravit.it

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INSIDE DESIGN/WELLNESS

Razionale e sofisticato. Juno, programma bagno firmato Vuesse per Scavolini, è un sistema completo con soluzioni per ogni esigenza. Qui, pensili e basi sospese in laccato glossy bianco con top in vetro coordinato si abbinano al lavabo Elm in MineralmarmoŽ lucido, appoggiato su un piano dal volume deciso in Rovere Nordic. scavolini.com

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INSIDE DESIGN/WELLNESS

Elementi dalle linee addolcite, rivestimenti dai motivi soft e delicate geometrie: per un’esperienza morbida e avvolgente [1]

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1. Bianco Assoluto, lastre in pietra sinterizzata di Lapitec®, con venature passanti, in un delicato grigio su base bianca. lapitec.com 2. Conca, lavabo di Ideal Standard firmato Paolo Tilche 1972, oggi reinterpretato da Palomba Serafini Associati. idealstandard.it 3. Zana, radiatore in acciaio di Vasco, a tubi rettangolari con altezza da 98,4 a 182,4 cm. vasco.eu 4. Maze, pannelli per pareti in betulla, collezione Lineadeko 2019 di Inkiostro Bianco, 60x60/120 cm, anche in versione per ambienti umidi. inkiostrobianco.com 5. Trumpet, placca comando per cassette a incasso di Àlvaro Siza Vieira per Oli, in acciaio lucido o satinato. olisrl.it 6. Elegance, lavabo semincasso o da appoggio di Azzurra, qui in tinta Copper o in altre dodici tonalità. azzurraceramica.it 218

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INSIDE DESIGN/WELLNESS

Foto Davide Lovatti

Effetto leggerezza. Elle è un lavabo ovale con alzata in ceramica su struttura sospesa in acciaio verniciato, firmato da Andrea Parisio e Giuseppe Pezzano per Cielo. Da completare, come in foto, con barre portaoggetti e portasciugamani e con lo specchio a luce perimetrale.

Qui in nuance lavagna, è proposto in diciassette colori e anche in versione tonda. ceramicacielo.it

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INSIDE DESIGN/WELLNESS

Progetti black & white: declinati dalla sauna allo spazzolino ultralight, in accostamenti perfetti [2]

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1. Savublack Fir, sauna outdoor della collezione NatureSauna di Starpool, in abete cerato nero anche in versione chiara. starpool.com 2. Fit, miscelatore di Fima Carlo Frattini con canna extrasottile in finitura nero opaco, anche bianco o cromo. fimacf.com 3. V8 & Pieno, scaldasalviette di Antrax in alluminio. antrax.it 4. Marsiglia firmata Lucidi Pevere per Agape. Vasca in CristalplantŽ biobased con lungo piano d’appoggio. agapedesign.it 5. Teorema 2.0, lavabo presentato da Scarabeo, qui abbinato alla consolle in acciaio nero matt anche cromo. scarabeosrl.com 6. Piuma, spazzolino ultralight di Hangar Design Group per Piuma Care. piumacare.com

INSIDE DESIGN/WELLNESS

Tonalità intense e texture ricercate. Skill di Modulnova è un sistema bagno che unisce sofisticate finiture e soluzioni intelligenti, e si sviluppa in verticale diventando ideale anche per piccoli ambienti. Nella foto, mobile con lavabo integrato in grès, come i fianchi delle colonne e lo schienale a parete. Specchio con luce e contenitore in Milltech Bronze, con Led all’interno. modulnova.it

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INSIDE DESIGN/WELLNESS

Warm bath: una palette cromatica morbida, sistemi per dedicarsi alla cura di sĹ˝ ed essenze naturali [2] [1]

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1. Ombra di Davide Groppi con Giovanna Zucconi, fragranza per ambienti in un contenitore di ottone e vetro. davidegroppi.com 2. Indissima, progetto di Matteo Thun e Antonio Rodriguez per Inda. Comprende mobili, specchi, luci, piantane, complementi e pareti doccia. inda.net 3. H firmata Giovanna Talocci per Effe, hammam completo di doccia e Led per cromoterapia, in tre misure standard o su misura. effe.it 4. Jurassic Brown, limestone naturale da rivestimento con inclusioni fossili di Antolini, proveniente da una cava spagnola. antolini.com 5. Mawi Spa di Glass 1989, mini piscina con pannellature in tessuto tecnico soft touch, anche rotonda. glass1989.it 6. Albume, lavabo freestanding di Carlo Colombo per Antonio Lupi, in resina lavorata a mano Cristalmood, anche monocolore o con base in marmo antoniolupi.it

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n.b.

Ottobre — Mostre, fiere, appuntamenti e opening. Il meglio dell’arte contemporanea e dei nuovi linguaggi, in Italia e nel mondo

Foto Erik en Petra Hesmerg 2014

a cura di Piera Belloni

Dedicato a Mendini — Prima della scomparsa, l’architetto designer aveva lavorato a una mostra per il ‘suo’ Groninger Museum (nella foto): ‘Mondo Mendini’, colorato, irriverente ensemble di opere d’arte e di design apre il 12/10, nel 25°anniversario del museo. Fino al 5/5/2020 groningermuseum.nl

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N.B. OTTOBRE

Massimo Vitali, ‘Rena Majori’, 2013

© Massimo Vitali - Courtesy Lorenza Longhi and Fanta-MLN, Milan - © Estate Nam June Paik, Courtesy of Electronic Arts Intermix (EAI) New York

Luigi Ontani, ‘Pinocchio’, 1972, fotografia, Collezione Fabio Sargentini

Lorenza Longhi, ‘Untitled I’, 2019, cm 138x100, Galleria Fanta-MLN. Artissima, Bologna

Nam June Paik, ‘Merce by Merce by Paik: Part One: Blue Studio: Five Segments’, 1975/76.

Collezionismo e mostre a Parma — Dal 5/10 Mercanteinfiera, grande kermesse internazionale dedicata ad antiquariato, modernariato e design, inaugura alle Fiere di Parma arricchita da due mostre collaterali. ‘In her shoes’, un percorso di circa 70 anni nella creatività dei designer di calzature, e ‘Collezione Bonanni Del Rio, la scelta italiana’, fotografie dalla raccolta privata dei fondatori della galleria BDC28 di Parma, con lavori di Vitali, Basilico, Jodice, Ghirri, tra gli altri. Fino al 13/10, mercanteinfiera.it Un’icona italiana a Firenze — Alla Villa Bardini, location molto suggestiva, ‘Enigma Pinocchio’ propone un punto di vista inedito sulla creatura di Collodi, simbolo delle inquietudini del ’900 e della contemporaneità. Gli autori che hanno lavorato a questo tema, italiani e no, sono davvero molti: da Alexander Calder a Luigi Ontani, da Paul McCarthy a Jim Dine e Mimmo Paladino, riuniti in mostra dal 22/10 al 22/3/2020. villabardini.it Arte contemporanea a Torino — Apre per 3 giorni al Lingotto Artissima, appuntamento irrinunciabile per appassionati e collezionisti e utile strumento per comprendere l’attuale stato della creatività artistica internazionale. Le gallerie presenti sono divise in 7 sezioni, Main Section, New Entries con 20 espositori, Dialogue dove 2 autori sono messi a confronto, Art Spaces & Editions, oltre alle 3 curate dal board internazionale: Present Future, che propone i talenti emergenti, Back to the Future, con la riscoperta dei pionieri, e Disegni, alla sua terza edizione. Dall’1 al 3/11, artissima.art Retrospettiva a Londra — Nam June Paik, artista visionario e fra i primi utilizzatori delle tecnologie audio e video, nuovissime ai tempi dei suoi inizi, viene celebrato con una grande retrospettiva alla Tate Modern. Dal 17/10 al 9/2/2020 saranno esposte oltre 200 opere, fra video di performance interdisciplinari in collaborazione con danzatori e musicisti, sculture e grandi installazioni come ‘TV Garden’ del 1974/2000. tate.org.uk 231

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OCTOBER 2019

The cover

By Rosaria Zucconi, photos by Max Zambelli.

A corner of the living room with a sofa by Edra, a rattan armchair and a lamp from the Fifties.

Cocciopesto plasters and pastel flooring made by the Guglielmino cooperative. The ‘warm minimalist’ architecture

by Studio MORQ in Calabria.

English text 44 Girl Power. 72 Design Therapy. 87 Seeds of love.

94 Double dream. 102 Beatrice Leanza. 105 Travel plans.

118 Perfect symbiosis. 127 The scent of time. 133 The new osteria.

141 Dining on a stage. 152 Pure restraint. 164 Every project by Luciano Giorgi is a unique piece. A mix of design, art and architecture.

174 The cut. 184 The falcon’s nest 235

ELLE DECOR

CONTENTS OF THE ISSUE

P. 44 GIRL POWER

by Valentina Raggi

Architects, designers, books, exhibitions. Politics, science and activism. A new feminism, gentle and powerful, and still necessary, is making women’s voices heard P. 72 DESIGN THERAPY words by Laura Maggi portrait by Mattia Balsamini

Designing for the health and wellbeing of guests, with a focus on nature: Matteo Thun & Partners design the 2019 Elle Decor Grand Hotel.

A holistic vision of the hotel of tomorrow P. 87 SEEDS OF LOVE

by Paola Carimati

Fernando Laposse’s passion for nature is becoming mainstream. In the hands of this Mexican designer, succulent plants and tropical gourds are not food to be eaten: they’re fabrics to wear for an eco look

precious materials, creating unique pieces.

It’s the story of a shared passion that has become a magic formula

P. 127 THE SCENT OF TIME words by Flavia Giorgi

P. 102 BEATRICE LEANZA

by Paola Carimati portrait by Valentina Sinis

An Italian and a citizen of the world, she is considered one of the ‘Young European Leader Class’. With an enviable (and matchless) CV, she has been executive Director of the MAAT in Lisbon since September P. 105 TRAVEL PLANS words by Sanae Sato photos by Alberto Strada in collaboration with Valentina Raggi

The japanese train company Seibu Railway entrusts to Kazuyo Sejima, Pritzker prize for architecture, the design of the new Laview express.

And the transport becomes the destination P. 118 PERFECT SYMBIOSIS

P. 94 DOUBLE DREAM

surrounding African landscape

A homage to the Italian artisan tradition and domestic atmospheres. The new look for the Acqua di Parma boutique in Milan P. 133 THE NEW OSTERIA words by Francesca Benedetto photos by Nathalie Krag

Moebius, Michelin-starred chef Enrico Croatti’s new concept restaurant, is opening in Milan. Designed

by Florence firm Q-Bic P. 141 DINING ON A STAGE words and photos by Lea Anouchinsky in collaboration with Chiarida Sacco

Red walls, an open-plan chef’s table, and uramaki cooked to perfection. Vettor is Bari’s dramatic new restaurant. It is a perfect fusion of Japanese cuisine and the traditions of Apulia P. 152 PURE RESTRAINT

words by Francesca Molteni photos by Kasia Gatkowska

by Laurine Abrieu - photos by Karel Balas/MILK/VEGA MG in collaboration with Francesca Benedetto

Xander Vervoort and Leon Van Boxtel, who go by the name of X+L, have worked together for 32 years on rare and

In the middle of a nature reserve in Namibia lies an eco lodge that champions the local culture and blends into the

Outside, it looks like a fortress; inside, the elegance takes you unawares. This is ‘the warm minimalist’ architectural style of MORQ

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ELLE DECOR

by Rosaria Zucconi photos by Max Zambelli

P. 164 EVERY PROJECT

BY LUCIANO GIORGI IS A UNIQUE PIECE. A MIX OF DESIGN, ART AND ARCHITECTURE

by Rosaria Zucconi photos by Daniele De Carolis

P. 174 THE CUT words by Flavia Giorgi photos by Giorgio Possenti

New York. In a typical Brownstone House, work by Arthur Casas opens up the interiors to light and entertaining.

With spectacular layout P. 184 THE FALCON’S NEST

by Rosaria Zucconi photos by Alberto Strada

On the roof of the Palazzo Daniele, the famous design hotel in Salento, is the home of Francesco Petrucci.

A black cube full of plants.

Invisible, but it lets you see everything P. 192 DESIGN ON STAGE 2019

by Elisa Ossino Studio photos by Federico Cedrone words by Piera Belloni

Seven key words for seven domestic settings that put the emphasis on the personality of designer furnishings.

The spotlights are on the novelties from the latest Salone del Mobile, which will be next seasons’s must haves

ENGLISH TEXT

Girl Power — p. 44

Girl Power — p. 44

sheer excellence in science, politics, or the arts,” she wrote in 1971. It couldn’t be more relevant to today.

by Valentina Raggi

Architects, designers, books and exhibitions. Politics, science and activism. A new feminism, gentle and powerful, and still necessary, is making women’s voices heard A movement is spreading, gentle but ever more powerful.

We might call it ‘all inclusive’: a serious attention to minorities – ethnic, economic, religious, of gender or sexual orientation – that is becoming increasingly widespread. At this key moment, we set off on an interdisciplinary and international journey that reveals how, still today, the issue remains necessary and unresolved. Voices of Women is a collective for fighting discrimination in the design sector. Less well-known is Co-Arc International Architects, the mixed team of architects that was responsible for The Leonardo project in Sandton (Johannesburg): it is run almost exclusively by women, who are grappling, as they explain, with harassment and discrimination in the workplace. But things are changing.

All the creative disciplines are creating a soundbox for this ‘pink thinking’. There remains a strong gender divide in market share as regards art works, but a study by Sotheby’s reveals that the market value of female artists has grown significantly.

Going beyond feminism, this is the start of a paradigm shift in culture. And finally, how could we leave out fashion?

Maria Grazia Chiuri from Dior hit home with her F/W 2020 show, inspired by the essay by art historian Linda Nochlin: “Things as they are and as they have been, in the arts as in a hundred other areas, are stultifying, oppressive and discouraging (…). The miracle is, in fact, that given the overwhelming odds against women, so many have managed to achieve so much

Design Therapy — p. 72 words by Laura Maggi — portrait by Mattia Balsamini

Designing for the health and wellbeing of guests, with a focus on nature: Matteo Thun & Partners design the 2019 Elle Decor Grand Hotel.

A holistic vision of the hotel of tomorrow Botanical Architecture: this is the exemplary frontier of construction, even, and especially, in buildings intended for hospitality, according to the design philosophy of Matteo Thun & Partners. The international architecture, design and graphics firm, with offices in Milan and Shanghai, takes on ‘Design Therapy’, the 2019 edition of Elle Decor Grand Hotel, set up in the rooms of Palazzo Morando. The interior design project, presenting a holistic vision of the hotel of tomorrow, centres around the physical and mental wellbeing of guests and sees nature take on a key role thanks to the collaboration with landscape architect Marco Bay. “The idea is to unite nature and simplicity, freshness and stimulation of the senses, nutritional aspects and local and regional craftsmanship. These are all elements that contribute to physical and mental wellbeing, and result in an interior design project imbued with great simplicity” says Matteo Thun. The ‘Design Therapy’ experience engages all the senses: from sight, involved in deciphering a series of unexpected situations and colours along the way, to taste, in the restaurant, whose menu was developed in consultation with nutritionist Nicola Sorrentino; from touch, experiencing the materials used for the interior design, to smell, enchanted to the full in the astonishing Aroma Room. ‘Design Therapy’ is presented as a proper pop-up 237

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hotel, open to all, a place in which to discover the latest trends on the hotel scene.

Seeds of love — p. 87

by Paola Carimati

Fernando Laposse’s passion for nature is becoming mainstream. In the hands of this Mexican designer, succulent plants and tropical gourds are not food to be eaten: they’re fabrics to wear for an eco look

When you see him busy at work with corn husks, fleshy agave leaves and succulent blades of prickly pear, you would imagine that the topknot gathering up his red-brown hair belongs to a botanist or agronomist. But Fernando Laposse is a designer with a diploma from Central Saint Martins in London and an almost emotional passion for plants. Following on the trail of exotic seeds and stems, Fernando left Mexico City to set down roots in pre-Brexit London, in a welcoming atmosphere of cross-fertilisation. Maize, luffa (a tropical plant from the cucumber family), and succulents are his preferred plants.

He transforms them into fibre that then becomes a fabric, a sponge, an organic material to be moulded. “I like to cradle myself with experimentation,” he explains. For Fernando, material is knowledge: it is history, geography, politics and economics.

“Understanding the whole cycle of life that leads from the seed to the object and its function, is what the European school has enabled me to organize into a system. In Latin America we don’t have a production model like yours. But we have a solid artisan tradition, passed down by the indigenous communities and deeply connected with nature.” A concrete example of this is Totomoxtle, a sort of natural marquetry made from maize, that was selected as the material of the year at London Design Fair 2019. But this veneer material is the final step in a broader project that seeks to revive the socio-economic conditions of a local tribe, focusing on traditional agriculture to generate work.

Double dream — p. 94 words by Francesca Molteni — photos by Kasia Gatkowska

Xander Vervoort and Leon Van Boxtel, who go by the name of X+L, have worked together for 32 years on rare and precious materials, creating unique pieces.

It’s the story of a shared passion that has become a magic formula X + L is a magic formula, like their partnership. Xander Vervoort and Leon van Boxtel first worked together in the theatre.

Then came the decision to move into architecture and interior design, renovating or designing houses for friends and friends of friends, and designing unique, custom-made furniture and furnishings. Their studio is next to their home, in Amsterdam.

It’s a place where they can work and greet those who are interested in their creations. 18 years ago, Xander 238

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and Leon saw it and fell in love with it: after carrying out very little restoration work, the 120 sq. m studio was ready.

At the start of this new adventure, they made everything themselves – products and furnishings for interiors – but later they found people who could make them for them.

And it was the increasing demand from the public that led them to create a website, which is also an online shop. “We have the freedom to do only the things that we like doing, without any compromises,” continues Leon, who is still unable to explain the shop’s rapid success. “I don’t know how people get to us: sometimes it’s through Pinterest, other times by word of mouth.” The future lies in their new collaborations: with the Phantomhands, artisans from Bangalore, for re-editions of furniture by Pierre Jeanneret, and with the Dutch brand Fèst. Then there’s Japan: the space “Objet d’art - Galerie” is presenting an exhibition of X+L in Tokyo, from 11 to 27 October, with pieces specially designed for the occasion.

The magic formula gets everywhere.

Beatrice Leanza — p. 102

by Paola Carimati— portrait by Valentina Sinis

An Italian and a citizen of the world, she is considered one of the ‘Young European Leader Class’.

With an enviable (and matchless) CV, she has been executive Director of the MAAT in Lisbon since September Beatrice Leanza left Milan soon after turning 18, to explore the Celestial Empire where she graduated and then decided to live. “When the EDP Foundation, the Portuguese electric utilities company that has financed the redevelopment project for the entire museum site, contacted me, I got the impression that they were looking for someone who could move around in unexplored territories, and define scenarios and visions.” Lisbon is a dynamic bustling city, and the choice of a curator and manager like Leanza, with a decidedly open, broad-ranging education, reveals the intention to project the museum and the city into an international dimension. “There was a physiological desire to direct interest and research towards the avant-garde, to the development of the sub-culture and connections with spatiality.” “In Beijing as in Lisbon, it’s not a question of latitude: the urgent issues are the same everywhere. “Beijing expresses the problems of the whole world: from urbanization to the construction of a new city, from the reconfiguration of the role of institutions to the bond that they establish with the territory.” “One of the areas that I’m passionately interested in is how architecture can stitch together the rips between growth and social imbalance.” Beatrice uses design as the driver to guide the development of areas undergoing transformation from a social and cultural point of view.

“This is the objective that I’m pursuing: to transform the MAAT into a facilitator.” The MAAT is not just a designer building: it is history. It is a place that belongs to the city and its citizens. -“And I want to give it back to them.” maat.pt

ENGLISH TEXT

Travel plans — p. 105

Yoshitaka Tanase, a partner with SANAA, the renowned architectural firm founded by Sejima with Ryue Nishizawa.

words by Sanae Sato — photos by Alberto Strada in collaboration with Valentina Raggi

The japanese train company Seibu Railway entrusts to Kazuyo Sejima, Pritzker prize for architecture, the design of the new Laview express.

And the transport becomes the destination While the tendency for many transport companies is to lower costs while also reducing passengers’ comfort, Tokyo railway company Seibu has called in Pritzker prize winner Kazuyo Sejima to design Laview, their new express train. “The design concept was to create a set like a living room, with moving scenery, in which people feel relaxed, and the train itself becomes a destination”, says the designer. This means seats as wide as armchairs, and a reduced number of people per carriage to give each passenger more space, but with an additional eighth carriage to allow 422 passengers in total. Huge windows, almost human height and the largest of any Japanese train, give the sensation of floating over the scenery while watching it roll past under the feet. Carpeted floors and indirect lighting create a cosy, intimate atmosphere. “This is the first time I’ve taken on the design of a train and the biggest difference from designing buildings is that the train can travel to different places. This convoy in particular passes through the city and goes towards the Chichibu mountains. I thought it would be wonderful if it could gently reflect and blend in with the surrounding environment. That way the changing view becomes a part of the interior design.

And the exterior will also reflect the landscape”. Also collaborating on the design were textile designer Yoko Ando, Shozo Toyohisa for the lighting, with graphics designed by

Perfect symbiosis — p. 118

by Laurine Abrieu — photos by Karel Balas/MILK/VEGA MG in collaboration with Francesca Benedetto

In the middle of a nature reserve in Namibia lies an eco lodge that champions the local culture and blends into the surrounding African landscape “Omaanda” means “rhinoceros” in the Oshiwambo language. It is also the name of the lodge in the heart of the private nature reserve close to Windhoek, the Namibian capital. Arnaud Zannier bought the site in collaboration with the Naankuse Foundation. Zannier Hotels shaped this small resort around its philosophy that hospitality should be centred around a location’s beauty and provide understated luxury. Geraldine Dohogne, interior design project manager, tells us; “The starting point was this extraordinary place. The lodge had to blend in perfectly with the landscape.” The ten cabins that house the suites are inspired by the traditional architecture of the Ovambo tribe and were built using indigenous materials. “We chose a colour palette that echoed the hues of the land and bush, mainly yellow ochre, brown, and sand,” continues Dohogne. All the furniture, which includes vintage and handmade pieces, is African too. The Bamboo bar offers guests a wide selection of cocktails and the finest gins. Next to it, the infinity pool reflects a kaleidoscope of colours as the sun sets. A hallmark of Zannier is the way its hotels reflect the local spirit. This carries on into the restaurant where Belgian chef Annelie Maes has created a locally inspired menu

Travel plans — p. 105 239

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The new osteria — p. 133

that changes with the seasons. The tours and excursions provided by the hotel are tailored to the guest and promise authentic, unforgettable experiences. zannierhotels.com

The scent of time — p. 127

Meanwhile, on an island to itself, there is a Gentlemen’s only experience: the classic barber’s shop. The water room, with frescoes and a travertine fountain, re-establishes equal opportunities: Milady can take her leave after trying out the exclusive powdered soaps and a hand massage.

Noblesse oblige.

words by Flavia Giorgi

A homage to the Italian artisan tradition and domestic atmospheres. The new look for the Acqua di Parma boutique in Milan Glass, wood, stone. Those are the elements chosen by a French architect to highlight the Italian character of a brand, in her renovation of the Acqua di Parma boutique in Milan.

It is a radiant project that lights up the sober neoclassical facade of the Palazzo Melzi di Cusano with the brand’s iconic shades of yellow and orange. Past and present come together, where the meticulous structural intervention and clean lines of the design create a timeless elegance. “I respected the volumetric features of the existing architecture: the height and the arches were the focal point of the space,” explains the architect Patricia Grosdemange. Through subtraction work on the masonry, the spaces have been expanded and configured in a new way. Light travertine surfaces add nobility to the walls.

The boutique is inspired by the model of the Italian home, in the tradition of the great Milanese architects, that is also expressed in the spectacular custom-made chandelier, with 650 pieces of transparent amber glass slab-fused using the ancient Venetian techniques. The collections of Acqua di Parma fragrances are unfurled through the succession of rooms: the invitation to sniff citrussy or flowery essences is irresistible.

And to avoid mistakes, there’s the Fragrance finder: an interactive guide to help you find your fragrance soulmate.

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The new osteria — p. 133 words by Francesca Benedetto — photos by Nathalie Krag

Moebius, Michelin-starred chef Enrico Croatti’s new concept restaurant, is opening in Milan.

Designed by Florence firm Q-Bic Lorenzo Querci, born in 1992, grew up among the tables of his father’s restaurant in Siena and, following his studies in law, decided to pursue his passion for food and entertainment.

Enrico Croatti was born in Rimini in 1982. After gaining invaluable experience, he emerged as Executive Chef & Founder at the Dolomieu in Madonna di Campiglio, where he earned his first Michelin star. The second came with Orobianco in Alicante. The two young men arrange a meeting over Facetime in August 2018. They immediately hit it off, soon becoming friends. Querci and Croatti meet in Via Cappellini, a stone’s throw from Milano Centrale Station. This is where Lorenzo has spotted what seems like the perfect vessel to house his idea: a former textile warehouse of 400 square metres, with concrete pillars and brick walls holding up a ceiling that reaches 10 metres in height. This is where Q-Bic comes in, the Florentine firm of the Baldini brothers; artist and designer Marco, and architect Luca. “We tried to retain its rough, authentic look but the biggest challenge was in bringing warmth to such an enormous space by creating intimate,

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discreet areas”, says architect Luca. Moebius’ defining feature is the suspended platform at the centre of the room, accessed by the iron staircase that leads to the upper floor.

An aquarium-like 60 metre square cube wrapped in glass houses the Osteria Gastronomica, where Croatti offers high-level adventures, starting from the origins of Romagna cuisine.

Moebius, via Cappellini 25, Milano. moebiusmilano.com

Dining on a stage — p. 141 Words and photos by Lea Anouchinsky in collaboration with Chiarida Sacco

Red walls, an open-plan chef’s table, and uramaki cooked to perfection. Vettor is Bari’s dramatic new restaurant. It is a perfect fusion of Japanese cuisine and the traditions of Apulia Its perfectly balanced ingredients make Vettor the place to go.

The restaurant, which opened in Bari on 1 September has already become a local hotspot. “Yes, the menu includes traditional Apulian favourite octopus with crema di burrata and cherry tomato confit,” chef Nicola Ricci assures us, “but it’s served in tempura with shiso, a Japanese herb similar to parsley.

Salt cod is served on a miso-lemon reduction with black rice crisps and katsubuoshi, dried skipjack tuna.”

Even the interiors reflect the spirit of the local area.

“Our challenge was to find a way to help the restaurant-gallery connect with the city”, said architect Simone Esposito. “We used graniglia tiles, which were popular in the early 18th century.

The vibrant red for the walls was a tribute to the Petruzzelli theatre, Bari’s much-loved theatre that was rebuilt in 2008. Local ambrato marble from Alta Murgia was used for the eight-seater table and the decorative structural arch that evokes the main door of the Palazzo dell’Acquedotto Pugliese. Each detail tells a piece of our city’s story.” The Farrow & Ball paint in traditional palettes, bespoke furnishings, and light fittings - which include the Arik Levy for Vibia’s Wireflow pendant lamp and the Catellani & Smith Light Stick V wall light - all make Vettor an intimate, chic, but cosy establishment. The restaurant also hopes to become a cultural centre. The owner has invited a number of artists to connect and collaborate with the space.

Pure restraint — p. 152

by Rosaria Zucconi — photos by Max Zambelli

Outside, it looks like a fortress; inside, the elegance takes you unawares. This is ‘the warm minimalist’ architectural style of MORQ Architecture designed primarily for the summer; a place to chill out and find yourself at the furthest point of Italy: there is the sea on the horizon and the Aspromonte forests looking west. MORQ lends original ‘warm minimalist’ appeal to contemporary architecture. In the words of the architects themselves: “The idea behind Villa RA was ‘a house that

observes’. It is a compact building broken up by openings that create a direct link with nature. Its aim is to become part of its surroundings through its rough and earthy, textured skin that steals the colours of the scenery around it. Its layout is based on classic Mediterranean villas along axes that give it definition.

The entrance runs along the north-south axis, with a sequence of rooms gradually working their way towards the view of the sea. It is a completely enclosed structure except for an opening that frames the view of the sea, underscoring the sensation of safety and security and the expectation of surprise difficult to imagine. A large floor-to-ceiling window in the living room opens out onto the portico, the last defined space along this horizontal axis. On the axis running east to west, there is the kitchen on one side, the main living room where the two axes meet, at the centre of the house, and the master bedroom suite and guest bedrooms.

Those chunky, restrained and introverted looks that are so striking at first glance change radically inside, making way for spaces that are vibrant and welcoming with a sense of sophisticated elegance and the perfect combination of nature and culture.

Every project by Luciano Giorgi is a unique piece.

A mix of design, art and architecture — p. 164

by Rosaria Zucconi — photos by Daniele De Carolis

In front of the apse of San Celso is a garden which marks the start of a silent road, a place like few others in Milan, featuring a rich feast of the great Milanese Modernist designers, from Caccia Dominioni to Mangiarotti and from Gio Ponti to BBPR; designers who, between the late 1950s and early 1960s, gathered together in a few blocks of the city. These are the fields of action where the architect Luciano Giorgi likes to work and that provide the basis for the idea, shared with his client, to continue this “face to face” between the great masters of design inside the apartment. In this case the client, an old friend, made precise requests: contained volumes, clear separations between the day and night zones, enclosed but fluid spaces, interconnecting. “The focus of my work is to provide the right frame for the portrait of my clients, constructing a form that is a reflection of their desires and their needs,” continues Giorgi.

“I’ve always sought a broad range of languages: for me, eclecticism is a resource developed over the years that allows me to deal with the great variety of intentions, budgets, personalities, aspirations and contexts. Without the need to obey styles or schools, without absolute theories or ready answers, the project goes beyond words. Feeling the vibration of the textures, the smooth, the rough, the glossy, the matt, the light and the dark.

And immediately afterwards the colour. At the risk of redesigning the same detail many times, I leave nothing untried. From systems to fabrics. I am my most demanding client.” A Luciano Giorgi project is always contemporary: the client feels at the centre of an “expanded universe” full of stimuli.

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The cut — p. 174

The falcon’s nest — p. 184

words by Flavia Giorgi — photos by Giorgio Possenti

by Rosaria Zucconi — photos by Alberto Strada

New York. In a typical Brownstone House, work by Arthur Casas opens up the interiors to light and entertaining.With spectacular layout

On the roof of the Palazzo Daniele, the famous design hotel in Salento, is the home of Francesco Petrucci.

A black cube full of plants. Invisible, but it lets you see everything

With a studio in San Paolo and another in New York, Arthur Casas has worked worldwide on every possible scale of project, but the residential dimension of the historic New York rowhouses in sandstone, with their long narrow layout and vertical development, continues to fascinate him. “Their coexistence with the skyscrapers in this city prove that it is possible, and necessary, to preserve buildings that are still on a human scale. You are very lucky to have one all to yourself today,” he tells us. Six floors all belonging to the same person were the basic elements of the project recently completed by Casas: renovating a brownstone while respecting its period character. Inside, on the ground floor there is the kitchen, office and a barbecue area in the backyard; the first floor is all about entertaining, with dining-room, conversation zone and a bar, while the top floors house the bedrooms, a gym, tv room and an outdoor lounge with fireplace, plus a pool in the basement. All the rooms flow into each other, making the best use of natural light, its sources limited to the windows front and back. Not being allowed to alter the façade, the architect moved the key functions of living area to the south-facing back where walls have been replaced with large windows that reach two floors up from the ground. The interiors also give the impression of more light thanks to the pale colours chosen for the decor and furnishings, which reflect the Brazilian identity and American vocation of the architecture, with selected items made in Italy.

The nest of the peregrine falcon is the title of the story of this small, essential piece of architecture inserted into a historical and natural context that is truly unique.

It is a fortunate collateral effect of the project by Francesco Petrucci, who was determined to give new life to his family home, turning it into a virtuous model for good tourism in Salento.

“Today I’m proud of Palazzo Daniele, a design hotel of charm, frequented by a young, elegant and cosmopolitan clientele.

All this became reality last summer, thanks to Gabriele Salini, an old friend and expert hotelier. After ten years travelling around the world, I stopped, with lots of ideas in my head, in Gagliano del Capo, in the old family home. Once I had brought all the property together again, under the guidance of the Palomba Serafini studio, I started the restoration work, clearing away the add-ons and superfluous bits and pieces, the decor and suffocating furnishings. I hosted friends and international artists: the house was always open and the rooms were quickly booked.

And Palazzo Daniele became a brand that I entrust to safe, professional hands. And yet I still feel that this is the house I live in, concentrated within a black cube, that’s invisible but lets you see everything, on the roof. When I invite hotel guests for the ultimate drink on the terrace, the “wow factor” is guaranteed: the amazement, the surprise, the sincere, no-frills beauty will remain one of the memories they treasure of the Palazzo Daniele.”

The cut — p. 174 242

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