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c+ cine EL GRAN GOLPE

Desde el Jueves 27 de Noviembre en el Cine Teatro Español, se exhibe el último thriller dirigido por Roger Donaldson.

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Comodorenses por el mundo

Se llama Enzo Ordeig, es actor, hace 4 años que trabaja como actor publicitario y siempre que puede presenta obras teatrales de producción independiente en el circuito off de Buenos Aires. Pág. 4

El ex baterista de Pappo’s Blues y Pescado Rabioso llega a Comodoro Rivadavia en su Gira por el Sur presentando “Enlazador de mundos”, el Viernes 28 de Noviembre en el Cine Teatro Español. Pág. 2

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Black Amaya Quinteto El ex baterista de Pappo’s Blues y Pescado Rabioso llega a Comodoro Rivadavia en su Gira por el Sur presentando “Enlazador de mundos”, el Viernes 28 de Noviembre en el Cine Teatro Español.

B

lack Amaya Quinteto es una banda integrada por “Rulo” García en guitarras, Diego Czainik en la voz, Nicolás Raffetta en piano de cola y órgano hammond, Nicanor Suárez en contrabajo y Black Amaya en batería.

Estos son los músicos que mañana a las 21:00 hs. estarán debutando en nuestra ciudad con su nuevo disco; disco de Rock and Roll, Blues y Boogiewoogie El nombre del disco “Enlazador de mundos” proviene del calendario Maya y es el nombre del sello que le pertenece a Black por su fecha de nacimiento dentro de este calendario. Además Black afirma que este nombre le gusta porque se considera una persona que siempre está para juntar a la gente y que se conozcan. Aunque también significa lo que sucede entre la vida y la muerte.

La grabación de este disco se realizó un Viernes y Sábado, de 10 horas cada día y se mezcló en otros dos días, todo fue en el Estudio del Abasto, lo grabó y mezcló Álvaro Villagra.

Los músicos invitados fueron, Luly Valdes en bajo, César Valdomir en armónica, Esteban Ramos en guitarra y Federico Salgado en contrabajo, un plantel jóven y talentoso.

Este nuevo corte busca otros caminos dentro del Blues, sin perder el rumbo inicial. Al respecto

Black comenta que se propusieron grabar 12 temas en castellano con pocos covers, para darle un sentido más propio al disco. El sonido y el estilo siguen en la misma línea que el primer disco “Concarán” pero en este cd se agregó el órgano hammond, la armónica y tres canciones con ritmos nuevos para el Quinteto. Contiene 7 temas escritos por Black Amaya, uno por Rulo y otro escrito por Diego. Además posee 3 covers: Avellaneda Blues de Manal, lo que mas me gusta a mi de Los Gatos Salvajes y Sombras de la Noche Negra de Pescado Rabioso Orígenes del Quinteto El quinteto nace de una idea y deseo que Black tenía en mente desde hace años atrás, cuando escuchó por primera vez a Johnnie Johnson, pianista de toda la vida de Chuck Berry. Su intención era que la banda que formaría algún día tuviese al piano y al contrabajo como sonido principal, y que dentro de su repertorio contuvieran los clásicos de los maestros del Blues, Muddy Waters, J. Johnson, Elmore James, Willie Dixon, C. Berry, Howlin Wolf y otros creadores de la época de los años ´50 y ´60.

A fines del año 2003 Black se encuentra con el

pianista Gabriel Geréz a quién le comenta su idea de formar el Quinteto, los dos deciden unirse al sentirse admiradores de Johnson. Para emprender el proyecto, es Gerez quien le dice “yo tengo los músicos que vos necesitas”, al poco tiempo tienen su primera formación ensayando con Federico Salgado en contrabajo, Diego Czainik en voz, Diego Suárez Castro en guitarra, Gabriel Gerez en piano y Black Amaya en batería.

El debut de Black Amaya Quinteto fue el 20 de diciembre de 2003 en Tabaco (Buenos Aires). A principios del año 2004 hacen su presentación en el Sadem (Sindicato Argentino de Músicos) e inician un ciclo exitoso en La Vaca Profrana (Buenos Aires) ya con el excelente guitarrista de Blues Alberto García al alejarse del Quinteto Diego Suarez Castro.

Presentan su primer show acústico el 22 y 29 del mismo mes en “Las Mil y una Artes”. En el mes de mayo se aleja Alberto García y en su lugar se incorpora al Quinteto Santiago García en guitarra.

A partir de este momento el Quinteto comienza a agregar a su repertorio de clásicos en inglés temas propios en castellano, y a esa altura se impone la necesidad de grabar su primer CD, como respuesta a su público y a la banda.

A fines del año 2005 el Quinteto termina la gra-

bación de su primer trabajo discográfico, que se grabó, mezclo y masterizó en los estudios del Abasto con la dedicación exclusiva del Ing. Alvaro Villagra. Después de la exitosa presentación del Quinteto con su primer disco “Concarán” en “El Condado”, Buenos Aires, el 20 de mayo de 2006, donde colmaron la capacidad del lugar, comienza una nueva etapa del Quinteto. Con la incorporación de Nicolás Rafaeta, ex Pappo’s Blues, quien suma su sonido de Hamond y piano, se inician una serie de presentaciones para compartir este nuevo disco con su público, en diferentes puntos del país.

Black Amaya Quinteto vuelve en este 2008 con su segundo disco llamado “Enlazador de Mundos” y con nueva formación al incorporar en sus filas al contrabajista Nicanor Suárez, pieza clave en el estilo y sonido de la banda. También será el primer disco en el que participe Nicolás Raffetta, a pesar de que es parte de la banda desde la presentación del primer disco en el año 2006. En la grabación estuvieron nuevamente el ingeniero Alvaro Villagra y el arte de tapa de Gonzalo Moras Raño.

Por otra parte es muy importante decir que lo que refleja el Quinteto no es ni más ni menos que la síntesis de un recorrido musical y de vida... y en particular de Black.

Conociendo a BLACK AMAYA Nació en el barrio de Palermo en Capital federal. A los 12 años ya fabricaba sus propias baterías y a los 14 comenzó a tocar con distintas bandas de su barrio, hasta que su padre, tres años después, le compro su propia Rex. A partir de ese momento integro su primer grupo de rock denominado Las Piedras.

Tiempo después se incorpora a la banda de Billy Bond y graba un disco simple llamado “No Pibe”.

Luego Billy les ofrece tocar todas las noches en “La Cueva de Once”, como grupo estable de este lugar en el cual tocaban varias bandas del naciente Rock Argentino como Almendra, Los Gatos, Manal, Moris, Sandro, etc. Black fue uno de los “bateros” más estables de La Pesada del Rock and Roll, mientras alternaba zapadas con músicos como Moris y Charly García.

En 1969 llega su unión con Pappo y David Lebón, con quienes forma Pappo’s Blues y graban su primer disco con el mismo nombre. Luego, en 1971 graba Pappo’s Blues 2 y en 1973 Pappo’s Blues 4.

Llegado 1972 Luis Alberto Spinneta lo convoca para formar Pescado Rabioso y graban su primer disco “Desatormentándonos”. En 1974 graban su segundo álbum “Pescado 2”.

Luego de la separación de Pescado, forma La Banda del Paraíso, primera banda de blues con vientos y coros en donde graba solo un disco. Después viaja a España. Cuando regresa a la Argentina a fines

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del año 1978, integra Los Intocables, banda de Rhythm y Blues con León Vanella. De allí en adelante forma sus propias bandas como Black Amaya y sus Satélites y Ricos y Famosos. Más tarde sería soporte de los Guns N’ Roses y de los Rolling Stones en sus visitas a la Argentina.

Llegando a 1992 aparece Pappo, con el proyecto de rearmar Pappo’s Blues, con el cual graban el exitoso disco “Blues Local”. Con esta nueva formación, llenan a pleno el estadio Obras en una presentación inolvidable, y graban el CD “Pappo Sigue Vivo”.

En el año 1995 forma sus propias bandas, Black Amaya y Los Robertones y La Black Starc (junto con Héctor Starc y Machy Madco. A mediados del 2000 rearma Los Robertones con el que siguió hasta finales del 2001 donde viaja a Inglaterra para tocar junto a Ox, banda argentina, en la Convención Beatle en Liverpool. En su regreso es convocado para tocar junto a Korneta Suárez en Los Gardelitos.

Después de un tiempo es llamado nuevamente para unirse con Pappo para tocar en una serie de shows por Argentina.

En el año 2003 lo convoca Hilda Lizarazu (ex Man Ray) a trabajar en su primer disco solista y a integrar la banda estable. A su vez, sigue presentando a su última banda Black Amaya Quinteto, grupo de Rock and Roll, Blues y Boogie-woogie puro.

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en el medio

Por medios federales (y contra los medios medio nacionales)

Entre los desagradables defectos del sistema de medios de comunicación argentino se encuentra su carácter salvajemente centralista. Tan centralista que, sin ningún pudor, los medios porteños con cierta cobertura territorial más allá de la General Paz, son llamados “medios nacionales”. Como ejemplo vaya una pequeña situación de la que participé en San Rafael (Mendoza) hace unas semanas.

H

acía varios días que venía viajando y extrañaba un poco las voces familiares de las radios AM que suelo escuchar en casa. Como no las enganchaba en su frecuencia, decidí preguntarle al playero de la estación de servicio: Yo: Discúlpame, ¿tenés idea cómo puedo sintonizar alguna radio nacional? Él: ¿Una radio nacional?

Yo: Si, si, una radio que se pueda escuchar en todo el país. Él: Ahh, ¿una radio de San Rafael que se pueda escuchar en todo el país?

Yo: No, no, una radio de Buenos Aires que se pueda escuchar acá, en San Rafael. Él: Ahh, ni idea…

Yo: (guardando el porteño centrismo en el bolsillo junto con el vuelto de la nafta), Ta bien, gracias.

Por suerte, ese sanrafaelino no había caído todavía víctima de la falacia según la cual los “medios nacionales” son los medios de Buenos Aires que tienen alguna difusión en el resto del país. Sin embargo, esta falacia está profundamente instalada en buena parte de la sociedad y refutarla requiere repasar un poco cómo está construido el carácter “nacional” de los diferentes medios de comunicación.

Las radios AM, por ejemplo, construyen su “nacionalidad”, a partir de la constitución de “cadenas” con emisoras de distintos puntos del país. En la mayoría de los casos, esas emisoras (que venden su propia publicidad) repiten algunos programas de la central porteña y en algunos horarios pasan programas “locales”.

Lo maravilloso de este dispositivo es su unidireccionalidad: en el “interior” parte de la programación y es la producida en Buenos Aires, pero en Buenos Aires, en CMAN

fin, todos los programas son de la producción “nacional”.

La televisión de aire funciona con un sistema parecido, nomás que las repetidoras de cada ciudad no suelen mechar sus propios programas sino solamente la publicidad que ellas venden. Los “canales nacionales” son en realidad canales de Buenos Aires que tienen recursos para ser distribuidos en todo el país. Incluso Canal 2, que originalmente es de la ciudad de La Plata, tuvo que poner sus estudios en Palermo, donde produce casi toda su programación. Mientras que los canales de Buenos Aires son distribuidos en todo el país a través de repetidoras o del cable, los canales del resto del país no llegan a Buenos Aires por ninguno de estos dos medios. Lo que quiere decir que puedo ver la Deutsche Welle de Alemania o la TV5 de Francia pero no un noticiero de Córdoba o Mendoza.

Con los diarios “nacionales” pasa lo mismo. Es decir, son diarios de Buenos Aires que se distribuyen en todo el país.

De hecho, el de mayor tirada de todos tiene una sección diaria que se llama “La Ciudad”. Y aunque argentina tiene el porcentaje de población urbana más alto del continente y media docena de ciudades con más de medio millón de personas “La Ciudad” de la que todas las mañanas nos habla Clarín es Buenos Aires. No importa si estamos en Rosario, Córdoba o San Miguel de Tucumán.

Así las cosas, es previsible que los “medios nacionales” den poquísima cuenta de las realidades de otras regiones del país más allá de lo que puede afectar a los porteños por su impacto o atraerlos por su morbo. Uno podría hacer un cónclave en Florida y Lavalle con todos los gober-

nadores menos Scioli, y nadie se daría cuenta.

Sin embargo, el centralismo mediático tiene consecuencias aún más perversas que la desinformación del supuesto centro sobre lo que ingenuamente considera su periferia. Los porteños no tienen acceso a ningún medio de fuera de su ciudad. Una cosa es no saber qué pasa en Catamarca.

Otra cosa es que el relato producido en Catamarca sobre el país, esté confinado a esa provincia. Y acá la cosa no se limita a Buenos Aires, donde lo más probable es que ningún porteño promedio pueda nombrar a algún medio o periodista de otra ciudad. A Chubut tampoco llegan los medios de La Rioja. Y eso sucede porque no hay federalismo mediático. Lo que hace falta es una matriz federal de comunicación pública masiva. Esa matriz haría a la comunicación más democrática porque repartiría el poder que da la distribución de información entre actores diversos por su pertenencia geográfica.

Que quede claro, lo que tiene que ser federal es toda la matriz. No se trata de que pongan en el cable porteño 22 canales para que me entere de lo que pasa en cada provincia. Se trata de que en cada lugar del país se tenga acceso a la mirada nacional producida en todos los demás lugares y no sólo en Buenos Aires. Se trata de que la construcción del relato sobre la Nación que se hace en San Juan y en Misiones pueda circular tan libremente como la que se hace en Palermo Hollywood. Se trata de poder sintonizar, además de la CNN, a un programa de política entrerriano para poder saber lo que un editorialista litoraleño piensa sobre el país. Se trata, en suma, no sólo de poder informarme de lo que pasa en cada provincia, sino de informarme de lo que pasa en mi provincia y

en todo el país a través de un medio de otro lugar.

Para que eso pase hay que cambiar la ley de medios. Hay que permitir que las provincias puedan otorgar y administrar licencias de radiodifusión. Hay que obligar a las distribuidoras a distribuir todos los medios y no sólo los más rentables.

Hay que permitir que la sociedad civil organizada pueda producir y distribuir su propia información, porque si a los empresarios formoseños no les es negocio que los escuchen también en Neuquén, seguramente habrá instituciones que quieren que sus relatos lleguen a todos lados aunque no les dé rédito económico.

Y junto con la ley de medios hay que transformar el Sistema Nacional de Medios Públicos para que haga honor a su nombre: hay que transformarlo en un sistema realmente interdependiente, donde las relaciones vayan en todos los sentidos geográficos, hay que transformarlo en verdaderamente nacional, tal vez incluso mudando a Canal 7 de la infame sede de Figueroa Alcorta, y, por último, hay que hacerlo público, abriendo la producción de contenidos a toda la sociedad a través de concursos y selecciones.

La Nación es mucho más que Buenos Aires y el Federalismo es mucho más que regionalismo. A pasitos del Bicentenario, los medios son una de las herramientas más potentes para transformar a la Nación con la participación de todas sus identidades y todos sus territorios. Llevó 70 años federalizar la Capital. Por suerte, para federalizar los medios se puede tardar mucho menos.

Lic. Alejandro Sehtman Especial para C+

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comodorenses por el mundo... enzo ordeig ENZO: Mi nombre es Enzo (pero no soy de River Plate ni mis padres eligieron el nombre en homenaje a Francescoli, comprendido?) entonces puedo presentarme, mi nombre completo es: Enzo Ordeig, soy actor, hace 4 años que trabajo como actor publicitario y siempre que puedo presento obras teatrales de producción independiente en el circuito off de Buenos Aires.

C+ ¿Dónde naciste?

ENZO: Nací en Comodoro Rivadavia, el 13 de agosto de 1979.

futuro, ya que la profesión implicaba una inestabilidad constante, hoy creo que no podría vivir de otra manera.

C+ ¿Desde dónde estas escribiendo?

ENZO: Ahora estoy escribiendo desde mi departamento, ubicado en el barrio de Congreso, para mí es un punto estratégico de la ciudad, porque está cerca de una zona de teatros y librerías.

C+ ¿Qué estas haciendo actualmente?

de latex, explosiones, etc) .

C+ De todos los personajes que interpretaste, ¿Cuál fue el que mas te gustó hacer? ¿Cuál fue el que mas te costo componer?

ENZO: Como tesis final de la carrera el grupo debía elegir un director para montar una obra, nosotros elegimos a Guillermo Angelelli, quien armó en base a varios textos la obra “El desconcierto”, éramos 22 ciegos en escena, no había escenografía alguna, todos los cuadros estaban

se cual es el que más me costó interpretar, a veces la búsqueda lleva más tiempo porque la construcción es más compleja. No hay un modo de abordar un personaje, las técnicas teatrales son vehículos que facilitan el camino o que dan al actor un abanico de posibilidades, a través de las cuales el actor puede conocer mejor el funcionamiento de sus capacidades. Ahora estoy ensayando una obra que se llama “Mi muñequita”, donde mi personaje es un mayordomo un tanto ma-

la publicidad durante el año, de esta manera me fui vinculando con gente que esta más relacionada con el cine. Para este medio no existe una receta, existe el camino que cada uno pueda ir descubriendo.

C+ ¿En que publicidades trabajaste?

ENZO: La primer publicidad que hice fue una de Helados Frigor “Conogol Extreme Gold” ese trabajo me abrió las puertas y luego por suerte realicé mu-

C+ ¿Dónde te criaste?

ENZO: Mi casa de la infancia estaba ubicada en el barrio Pueyrredón, donde aún quedaban calles de tierra y algunos terrenos baldíos que oficiaban de potreros para el picadito de la tarde. El barrio era un lugar de pertenencia, donde uno era parte del paisaje. Los mejores recuerdos de la infancia tienen que ver con el barrio y su gente.

C+ ¿Dónde estudiaste?

ENZO: Curse el secundario en la Escuela Nº 746 de Bellas Artes, Comodoro Rivadavia, allí tuve mi primer encuentro con el teatro y creo que fue amor a primera vista, asíque decidí estudiar y perfeccionarme en Buenos Aires. Egresé en 2003 de la Escuela Nacional de Arte Dramático.

C+ ¿Cuándo te fuiste?

ENZO: Me fui a vivir a Buenos Aires en 1998, ya llevo 10 años aquí, cuando miro hacia atrás pienso que fue una buena experiencia y una acertada decisión, siempre tuve dudas respecto al

ENZO: Ahora estoy trabajando en una película francesa sobre el comic Lucky Luke. Es una producción muy grande y la verdad es que es una experiencia increíble. Hay mucho despliegue de arte, armaron un pueblo del lejano oeste cerca de Ezeiza, allí se filmaron las escenas de exteriores. El vestuario lo trajeron de una casa de alquiler de España, hay una carpa exclusiva de vestuario donde se cambian por día alrededor de 150 actores, otra carpa para maquillaje y peinados, distintos equipos que realizan efectos especiales (prótesis

formados por la composición de los cuerpos en el espacio, teníamos como elementos nada más que un pañuelo rojo, una caña (para guiarnos) un paraguas, una vela, un encendedor y una linterna. Mi personaje dentro de la obra era “El guitarrista”, acompañaba todas las escenas con la guitarra manteniendo los ojos en blanco durante todo el desarrollo de la obra, eso fue para mí un desafío importante y creo que fue sin duda el personaje que más me gustó interpretar y al que más cariño le tengo.

La verdad es que cada personaje propone un desafío distinto, no

cabro. Dentro de la pieza hay varios asesinatos, algunos de los cuales los ejecuta el mayordomo, este personaje es un manipulador, un espía, un abusador.

Es divertido para mí interpretar algo que está tan lejano a lo que soy, me da en cierta forma mayor libertad de juego.

C+ ¿Cómo llegaste a este medio?

ENZO: Hace unos años fui entrando en el mercado de la publicidad, ya que es muy difícil subsistir haciendo teatro independiente, además la mayoría de los directores de cine viven de

chas publicidades por año, algunas para el mercado argentino y otras para afuera. Tuve la suerte de viajar a Costa Rica a filmar una publicidad de cerveza y ese mismo año también fui a Madrid a filmar Movistar. La publicidad que más me gusto hacer es una de Ford Fusión que salió en todo Europa, en la que estaba caracterizado de un hombre de neanderthal, eso llevaba muchas horas de maquillaje y era muy divertido de hacer. En Argentina hice un último comercial que todavía están pasando al aire de cerveza Brahma en el que aparezco con una sandía entre las

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piernas.

C+ ¿Cómo es vivir de la publicidad?

ENZO: En la publicidad pagan bien, pero la verdad es que no hay nada que te asegure que vas a volver a filmar, entonces la plata que se gana en un rodaje sirve para vivir varios meses, el secreto es ahorrar, de todas maneras desde que empecé a trabajar en publicidad tuve una continuidad bastante buena, hace 4 años que vivo de esto.

C+ ¿Cómo es ser un comodorense en la Capital del país? ¿Qué es lo que más extrañas de Comodoro?

ENZO: Al irme de Comodoro viví una especie de desarraigo, lo positivo de haber vivido en otra ciudad es que te da otro panorama sobre las cosas, se amplia el registro y la mirada, eso me parece genial, igualmente siempre extraño las mesetas y los cielos, el aire y el mar, extraño esos lugares que tienen que ver con la historia de uno, esos espacios que se vuelven importantes porque allí sucedieron cosas intensas, el encanto de un lugar también esta dado por la gente que los habita. Extraño los asados en familia y a mis sobrinos.

C+ ¿Pensas volver?

ENZO: Me imagino volviendo a Comodoro pero en unos años más, todavía hay cosas que quiero hacer fuera.

Para contactar a Enzo: enzordeig@hotmail.com

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El Espacio y la Obra ¿Influye la elección del espacio en el significado de la obra?

Festival de las Artes 2004 Cine Teatro Español

E

Rodrigo Gorosito Muestra en Tanque de petróleo. Diadema Argentina- 2.000

l espacio donde se monta una obra o un proyecto ya sea plástico, multimedia o escénico, aporta su memoria o la memoria que de este se tiene. Está contaminado de su pasado, contiene su carga propia, de esta manera suma a la obra signos modificando por ende su significado.

Es por esto que deberemos ser muy cuidadosos a la hora de su elección.

Si esperamos que la obra hable por si misma, deberemos cuidar que el espacio donde vayamos a hacer el montaje se encuentre totalmente despojado, sin elementos que hagan dificultosa la lectura.

Si comparamos el espacio escenográfico más la obra montada, con la superficie bidimensional soporte de los elementos plásticos de una obra visual y lo vemos como un todo, podemos observar que

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en este espacio juegan diversos elementos además de los específicos y propios del proyecto montado.

Por ejemplo una ventana y la luz que penetra a través de ella lo que vemos más allá de ella, la textura de la pared, algún artefacto como por ejemplo un extinguidor de incendios un perchero o un cable, todos estos elementos pueden interrumpir la lectura o sumar significados modificando el propio de la obra.

Si elegimos como espacio de muestra por ejemplo un hotel o un cine, habrá un sinnúmero de elementos que influirán en la lectura de las obras hasta tal punto en que estas a veces pasarán hasta desapercibidas, su lectura se hará con la intervención de sillones, sillas, cortinados, pisos, carteles, etc. y sus respectivas paletas cromáticas.

Vista de una muestra en el Instituto de Arte de Chicago Sin embargo estos espacios ponen al alcance de espectadores no habituales, obras que de otro modo no llegarían a ellos.

Por lo contrario podemos basar nuestra elección del espacio en relación a la obra o el proyecto que vayamos a montar. Podemos elegir espacios contextuados que funcionen como marco o fondo de esta, evitando de todos modos la profusión de elementos ya que estos competirían con el proyecto montado.

En este sentido podemos montar una muestra con una convocatoria temática definida o sin temática, en una vieja estación de tren, en un viejo tanque de petróleo (hubo 2 muestras en nuestra ciudad del artista Rodrigo Gorosito), en un galpón desocupado, etc., siempre como acabo de decir, que estos

funcionen como marco o fondo y sin profusión de elementos para facilitar la atención y la lectura de las obras.

Pero si las obras se montan en un espacio de paredes blancas sin interrupciones, estas concentrarán toda la atención e inmediatamente nos sentiremos atraídos por ellas y la lectura se hará sin que ningún otro elemento sume significados modificando los de las obras.

Debemos entonces, cuidar que el espacio elegido quede lo más limpio posible de elementos extraños o que estos tengan coherencia visual para que la obra pueda transmitir el mensaje con claridad y potencia.

Colaboración para C+ Cristina Morales.

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descubriendo artistas locales

El Sábado pasado fuimos Explosión Hip-Hop y charlamos con lo chicos de Poesía Urbana, una banda que viene participando y generando junto con otros grupos la movida Hip-Hop en Comodoro, a pulmón, desde hace varios años.

C+: ¿Qué es Explosión Hip-Hop? P. U.: Explosión Hip-Hop es un encuentro de cultura Hip-Hop a nivel local, donde se realizan batallas de Break Dance, exhibición de graffitis, como también raperos y dj’s presentan shows musicales para todo público. También hay stands de discos, videos y más.

Se cobra una entrada de $10 como colaboración para la organización de la Elemental 2009 (encuentro de HipHop sudamericano). La propuesta fue creada por conciencia activa detonante (CAD TRIBU).

C+: Cada integrante de Poesía Urbana tiene un apodo, me gustaría conocer los nombres reales.

P.U: Los integrantes de Poesía Urbana son: Sebastian Cárdenas como Dj Klass, Cristian Viveros es MC Iman Fae, Eduardo Suárez como MC Pantera, Javier Ortega es MC Asterisco y Claudio Díaz es MC Piti- D.

poesía urbana

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C+: ¿Cómo surge este grupo? ¿Cómo empezaron?

P.U: El grupo surge desde la necesidad de comunicar y difundir el Hip-Hop que ya en ese entonces era parte de nuestro día a día, si bien éramos unos pocos los que nos juntábamos por los alrededores del barrio Jorge Newbery y Pietrobelli, decidimos hacer un taller en el CPB Evita, lugar donde nos juntábamos a ensayar. Nosotros conectábamos unos micrófonos y rapeabamos sobre unas pistas en cassette, mientras los B-Boys (bailarines) tiraban pasos y pruebas, eso fue el inicio de algo nuevo. Así como también salíamos a pintar graffitis, la

pintura en un bolso de viaje golpeando puerta por puerta, a ver quien nos dejaba decorar su paredón. En ese entonces éramos un grupo menor de 12 personas más o menos, algunas personas nos comenzaron a ayudar por ejemplo la Sra. Liliana Henríquez, quien nos ayudaba a armar mini eventos para poder mostrar lo que hacíamos. Y sin darnos cuenta ya había muchos grupos de Hip-Hop en la ciudad.

C+: ¿Cómo se les ocurrió el nombre del grupo?

P.U: Poesía Urbana le pusimos a la banda cuando entro DJ Klass & Asterisco, anteriormente nos llamábamos Periferia aunque aun usamos ese nombre. Nos dimos cuenta que el RAP se escribe con versos y con métrica, como una poesía, aunque en algunos casos no es necesario que rime lo que uno expresa, todo eso mezclado con la vida en el barrio, quedo como Poesía Urbana.

C+: ¿Cuándo sacaron el primer disco y de qué manera llegaron a ello? ¿Cuántos discos llevan hasta el momento?

P.U: Nuestro primer disco lo sacamos en el año 2004, grabado en Puerto Cristal Producciones y sinceramente nos costó mucho, a veces ni siquiera teníamos dinero para ir a grabar al estudio en Rada Tilly (risas) pero salió y lo presentamos. Hoy lo escuchamos y nos damos cuenta que hemos crecido en todo sentido, en lo artístico, en lo social, y en lo personal.

En el año 2006 sacamos Bajo el efecto del RAP, nuestro segundo disco, totalmente de forma independiente, grabado en un galpón que arreglamos con chapas y maples de huevo y lo bautizamos como Periferia Récords.

Ahora estamos trabajando mas en los talleres en los barrios aunque seguimos grabando cosas, próximamente estamos por sacar algo para el 2009.

C+: En cuanto a la música que hacen ¿Cómo nacen las canciones, quién las compone? ¿Cual es el mensaje que intentan dejar?

P.U: En el grupo cada uno hace su letra, Iman Fae & pantera hacen las composiciones musicales (beat instrumental) y Dj Klass le graba sonidos de scratch.

Cada uno tiene lo suyo, Pantera es mas lírico, Asterisco es el dueño de la métrica, Piti D es el mas directo y agresivo para rapear e Iman Fae hace los estribillos y los tonos melódicos de cada canción.

El mensaje es muy diverso, depende lo que te pida el beat (la instrumental) hay temas mas abocado a lo social y otros mas para mover al público.

C+: ¿Qué presentaciones han hecho? ¿En qué lugares tocan generalmente?

P.U: Poesía Urbana ya superó las 1000 presentaciones, no las recuerdo todas pero si hay algunas importantes, como por ejemplo la Elemental 2007 a la cual fue mucha gente y la pasamos más que bien. Generalmente tocamos donde nos inviten, o en los eventos que organizamos nosotros mismos, C+: ¿De qué manera se relaciona la música que hacen, con el baile y los grafittis?

P.U: Todas esas expresiones son parte de la cultura Hip-Hop por que nacieron al mismo tiempo, y en el mismo entorno social, en cualquier país te encontraras con cantantes de RAP que al mismo tiempo son artistas de graffiti, o DJs que hacen y componen la música que bailan los B-Boys, esta todo relacionado desde hace mas de 40 años, y en todo el mundo es igual, se manejan los mismos códigos.

C+: Me decías que son uno de los organizadores generales de la Conciencia Activa Detonante ¿Qué es CAD Tribu?

P.U: La CAD tribu es una organización de Hip-Hop que funciona a nivel patagónico. Esta compuesta por Raperos, B-Boys, Graffiteros, DJs y gente que no hace nada artístico pero le gusta ayudar y es parte de la crew. El objetivo de la CAD tribu es cumplir todas las necesidades que tengamos como jóvenes, de forma artística o social, hacemos talleres, eventos, marchas, videos, música, etc. Nuestra intención es llegar a la autogestión, nos esta costando, pero sabemos que se puede y sé que lo vamos a lograr.

C+: ¿Cuáles son sus metas, sus sueños? ¿Hasta donde imaginan que puede llegar todo esto?

P.U: El Hip-Hop es una cultura que no decrece, cuando un pibe deja de hacer algo, hay 5 o 6 que están empezando. Y estamos concientes que dentro de seis o diez años Comodoro va ser una ciudad muy Hip-Hopera (risas). Como todo el trabajo independiente tarda en llegar, pero llega y pega fuerte. Está pasando en todo el mundo y acá en Comodoro por lo menos el Hip-Hop tomó una identidad de unión y respeto, esperamos mantenerlo así.

C+: Contame los proyectos que vienen a futuro P.U: Por ahora estamos trabajando en el encuentro sudamericano a organizarse en Febrero y esperamos tener el apoyo de toda la sociedad. El Hip-Hop esta cambiando la realidad de algunos barrios, eso no se puede negar, sabemos que aquellos jóvenes que se están matando entre ellos en las esquinas de algún barrio, se pueden convertir en artistas.

Para enterarte de todos los eventos Hip-Hoperos entra a www.zonasurenaccion.blogspot.com o www. myspace.com/poesiaurbanacrew

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CINE TEATRO ESPAÑOL

El grangolpe Desde el Jueves 27 de Noviembre, se exhibe el thriller dirigido por Roger Donaldson, realizador conocido por éxitos comerciales como “SIN SALIDA”, “ESPECIES” y el film testimonial “13 DÍAS”. Daniel Mays, James Faulkner, Stephen Campbell Moore, Saffron Burrows y Jason Statham protagonizan la historia real del espectacular robo en el Lloyd’s Bank de Londres en 1971, el cual, por razones políticas, fue mantenido en secreto por más de tres décadas. ¿Por qué no hubo arrestos ni investigación a fondo? ¿Y qué se hizo del dinero nunca encontrado?

Jason Statham, entronizado como héroe de acción gracias a las películas de “EL TRANSPORTADOR”, sorprende al demostrar que es también un estupendo actor, al interpretar a un personaje con matices muy diferentes, capaz de empatizar con el espectador.

U

n aspecto grato de “El Gran Golpe” (The Bank Job) es que ya desde el título se constituye en una propuesta de retorno a un género que John Huston inició en 1950 con “La Jungla de Asfalto” y al que no tardarían en seguirle clásicos como “Rififí” (1955), de Jules Dassin, y “Casta de Malditos” (1956), de Stanley Kubrick. El tema: un grupo de personas planifica y lleva a cabo un atraco en el que todo debería salir bien, pero de pronto surge

un imprevisto que complica las cosas y, en muchos casos, termina provocando el fracaso de la operación. En el caso del robo al Lloyd’s Bank de 1971, no puede decirse que sus perpetradores hayan fracasado, pero la cuestión de hasta qué punto les acompañó verdaderamente el éxito es un misterio.

Cerca del final de “La Jungla de Asfalto” el cerebro criminal interpretado por Sam Jaffe reflexiona: “Uno dedica horas y horas a la planificación, arregla

hasta el último detalle, ¿y qué pasa? Las alarmas empiezan a sonar sin razón sensata, un arma se dispara sola y un hombre muere. Accidentes absurdos: ¿qué se puede hacer contra ellos?”. Esto resume el género. Y en “El Gran Golpe”, película en la que un robo se mezcla con un entramado de intereses políticos, sucede un accidente de este tipo: las conversaciones por walkie-talkie que mantienen los ladrones que están en la bóveda del banco con un

compañero que vigila desde un techo cercano, son captadas por un dadioaficionado, el cual dará aviso a la policía.

Se las llama bank-heist movies, y ésta en especial cuenta la, hasta no hace mucho, oculta crónica de uno de los golpes más audaces de la historia de Inglaterra, tanto fue así que se llevaron más de tres millones de libras de las cajas fuertes. Fue también un atraco controvertido, ya que al incluir también fotografías sobre escándalos

sexuales de ricos y famosos (y hasta de algún miembro de la realeza) y pruebas contundentes sobre la extendida corrupción policial, provocó que el gobierno británico tomara una serie de medidas que tardarían tres décadas en hacerse públicas.

Roger Donaldson opina que “es una película interesante desde distintos puntos de vista. Disfruto pensar en qué es lo que moviliza a la sociedad, y estaba interesado en los hechos reales, en la historia de ese período, del

tiempo y la política. Yo crecí con la televisión inglesa y los ingleses tienen un sentido del humor al que siempre he respondido y disfrutado”. Y añade: “Esta es mi primera película filmada en formato digital de alta definición y, por supuesto, es el futuro. Te da una oportunidad única en el momento de filmar, pues puedes ver exactamente lo que estás haciendo, tal y como lo haces con tu cámara de fotos digital. Es una gran ventaja”.

que estaban trabajando en un proyecto para Disney en el que estaban implicados música y deporte”, cuenta Barsocchini, “dos mundos con los que estoy familiarizado”. Más tarde, el polifacético director y coreógrafo Kenny Ortega se unió al trío para trasladar la idea a la pantalla chica. “Kenny tiene muchos talentos únicos que le hacen un director asombroso”, afirma Borden. “Es músico, un gran bailarín, es actor y sabe moldear el guión. Puede tomar un concepto y plasmarlo en un musical como nadie en el mundo”.

spiración para adolescentes de todo el mundo. Y cuando llegó el momento de continuar con la historia de los Wildcats en el formato de la pantalla grande, Ortega estaba preparado. “No haré un remake de las dos primeras películas”, anunció.

“Voy a ser fiel al sentimiento de “High School Musical”, pero quiero dejar que los chicos crezcan”.

CINE COLISEO

E Desde el Jueves 27 de Noviembre, estrenándose simultáneamente con las principales salas del país, se exhibe en el Cine Coloseo la que, hasta donde se sabe, será la última película de “HIGH SCHOOL MUSICAL” con el elenco original y la primera de las tres que se presenta en cines. Troy, Gabriela y sus amigos terminan de cursar el último año y deben enfrentarse a la perspectiva de una separación, ya que su futuro en la universidad toma direcciones diferentes.

Junto con el resto de los Wildcats, ponen en escena un elaborado musical que refleja sus experiencias, esperanzas y temores al tener que encarar el futuro. Con nueva música y bailes coreografiados por el director Kenny Ortega (responsable de los dos films anteriores y ahora también productor), esta tercera parte ofrece diversión a tope con el grupo del instituto East High.

CMAN

l fenómeno de “High School Musical” comenzó como una idea en la sala de estar del productor Bill Borden. “Quería hacer un musical que pudiera ver con mis hijos”, afirma. “Así de simple”. Si bien parecía que el género había resurgido merced el éxito de películas como “Moulin Rouge” y “Chicago”, nadie había hecho un musical para el público adolescente. “Bill y yo creemos firmemente en este género en particular, en el musical para adolescentes”, dice Barry Rosenbush, productor socio de Borden. “Con la primera película no intentábamos inventar la rueda, más bien intentábamos recuperarla”.

Borden y Rosenbush ya estaban trabajando con el guionista Peter Barsocchini en otro proyecto cuando surgió la idea para “High School Musical” y le instaron a escribir el guión. “me dijeron

El equipo apadrinó un fenómeno que se convertiría en el programa televisivo de cable más visto de la historia, en lo que a películas de Disney Channel se refiere, con dos bandas sonoras multiplatino, una gira de conciertos, un espectáculo sobre hielo, varios premios y galardones, y una fuente de in-

Esta nueva película vuelve a reunir al elenco protagónico de las anteriores: Zac Efron, Vanesa Hudgens, Ashley Tisdale, Lucas Grabeel, Monique Coleman y Corbin Bleu. La graduación de los Wildcats se rodó en el campo de football americano del East High. Participaron cerca de 1000 personas, incluida una orquesta compuesta de 25 instrumentos, un coro de 40 voces y 600 artistas que crearon la cabeza de un lince con animación humana.

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por emi de boer

abc cultural Ernst Jünger fue un escritor, entomólogo, filósofo, novelista e historiador alemán nacido en Heidelberg en 1895 y fallecido en Wilfingen en 1998.

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ernst jünger

n 1911 se une a un movimiento juvenil que sostenía principios radicales posteriormente adoptados por el movimiento hippie, extremaba el espíritu de la naturaleza y la búsqueda de los bosques así como el respeto absoluto por la vida animal.

En 1913, a los 18 años, se alistó en la “Legión Extranjera” francesa, viajando a África a comienzos de siglo. Así, cuando estalló la I Guerra mundial, Jünger fue uno de los primeros en alistarse, obteniendo en 1918 la condecoración Pour le Mérite, al mérito militar en el frente de enfermería.

Fruto de esta experiencia, fue la publicación -con tan sólo 25 añosde sus recuerdos de la guerra en el libro “Tempestades de Acero”, que catapultó al joven escritor a la fama.

Entre la guerra y la subida de Hitler al poder en Alemania, Jünger formó parte de la órbita de una compleja corriente político-cultural llamado “Konservative Revolution” o revolución conservadora alemana.

Algunas de las características más importantes que definieron a la “Konservative revolution” fue su nacionalismo radical, su rechazo al liberalismo decimonónico, o a

la Revolución francesa. Durante la postguerra sus libros fueron prohibidos hasta 1949.

Un sabio de varias disciplinas, ya que fue también reconocido por sus conocimientos en Entomología y las analogías literarias de sus publicaciones sobre el comportamiento de los insectos y los humanos, comparaciones de los fenómenos gregarios, bélicos, así como su conciencia ecológica en tiempos de máxima destrucción de los recursos naturales.

Su reconocimiento mayor estriba en la actitud humanitaria y solidaria que lo caracterizó en los frentes de batalla de la I y II Guerra Mundial, al frente en las filas de enfermería del ejercito Alemán, donde experimentó el crudo dolor físico y emocional de la humanidad, hecho que motivo sus escritos, al igual que la experimentación con otros soldados y con él mismo con drogas, para mitigar el tremendo escarnio de la guerra.

Desde que en los años 50 entablara amistad con Albert Hofmann, el creador del LSD, varios de los libros de Jünger versaron de forma directa o indirecta sobre la experiencia psicodélica. En 1952, después de su primera experien-

Joseph H. Pilates nació en Alemania en 1880; fue un niño débil y enfermizo, que sufría asma. Con el deseo de superar sus limitaciones físicas Pilates se abocó al estudio del cuerpo humano y de las técnicas de rehabilitación física existentes en aquella época. Desilusionado con la ineficacia de las CMAN

cia con la LSD, escribe “Visita a Godenholm”, cuya publicación coincidió con la aparición de “Las puertas de la percepción”, de Aldous Huxley.

Su otro gran libro sobre el tema de las drogas es “Acercamientos.

Drogas y ebriedad” de 1970.

Hacia 1977 escribe otra de sus obras más conocidas, “Eumeswil”, donde sobresale la figura del “anarca”, personaje preconfigurado por Albert Camus en su libro “ El hombre rebelde”, 1951.

Recibió el Premio Goethe en 1982.

Uno de sus últimos textos sería “La Tijera”, publicado en 1989, cuando Jünger contaba con 95 años de edad. En la actualidad se considera a su obra como una de las mayores contribuciones a la literatura en lengua alemana en el siglo XX. Uno de los temas recurrentes que Jünger trató en varios de sus libros fue el final de la historia, y entre otras cosas de los infinitos procesos bélicos que han levantado cabeza a lo largo del siglo XX. Según nuestro pensador, la globalización de las comunicaciones invitan a este punto de la historia a la creación de un estado mundial, pero no entendiendo este como un

estado totalizador, sino como una administración mínima para la gestión de los problemas comunes -como el medio ambiente, o las ansias de poder de recurrentes dictadores-, y dando libertad de acción a cada una de las naciones y pueblos en los temas particulares.

Otro gran tema tratado en la obra de este pensador es la retirada de los dioses, o mejor dicho, la entrada en escena de los titanes. Según su visión, los antiguos cultos a divinidades, omnipresentes en las civilizaciones humanas, han sido substituidos en la cultura occidental por una concepción puramente mecanicista de la existencia, un proceso que ha desposeído de alma al mundo, velando la trascendencia y amenazando arrasar el espíritu humano y extender su poder de destrucción al mundo natural, hogar común de todos nosotros.

Murió el 17 de febrero de 1998, a dos semanas de cumplir 103 años de edad, habiéndose convertido unos meses antes a la fe cristiana.

LIBROS RECOMENDADOS: La Emboscadura, Sobre el dolor, Abejas de Cristal. Diarios de la Primera y Segunda Guerra Mundial